Цветовая палитра

Для кухни в стиле поп-арт характерно разнообразие ярких, порой кричащих, оттенков и многогранность эмоций.

В большинстве случаев белая поверхность стен, потолка и пола является неким полотном для создания ярких шедевров.

Также можно использовать нейтральные светлые оттенки, которые не будут контрастировать со стилистическими элементами.

Допустимо использование холодного серого оттенка, напоминающего хромированную сталь, поскольку данный тон в качестве отделки был популярен во времена распространения поп-арта.

В интерьере кухни в стиле поп-арт необходимо присутствие светлой стены, как фона для проявления вашей фантазии и воплощения самых незамысловатых идей.

Достаточно покрасить поверхность стены краской белого цвета и изобразить на ней ваш любимый продукт или бренд.

Для этой цели подойдут названия ваших любимых сладостей или напитков, автомобильных марок, при этом вы можете не обладать навыками профессионального художника.

Также существует возможность заказать фотообои по желаемому эскизу или за неимением идей просто ознакомиться с различными решениями на фото кухни в стиле поп-арт.

Мебель и текстиль

Меблировка в дизайне кухни в стиле поп-арт должна быть необычной и яркой. Для этого используется различные дизайнерские пуфы, стулья, столы самых разнообразных цветов.

Данные решения способны придать отличное настроение даже самому скучному оформлению.

При этом предметы мебели должны быть одной формы и оттенка. В большинстве случаев используются столы квадратной или круглой формы, а также столешницы, изготовленные из пластика.

В выборе стульев необходимо основываться на общем обустройстве помещения. Бытовая техника может быть выполнена в любых оттенках, а мойка – стандартная, из нержавеющей стали.

Если в интерьере присутствуют каменные или деревянные поверхности, или их имитация, то их лицевую сторону можно оформить яркой краской для стилизации.

Текстиль для подобного интерьера должен быть таким же ярким и однотонным, с принтом в виде полоски или горошка. Используйте занавески насыщенного оттенка с различными декоративными элементами.

Отделочные материалы

Так как поп-арт предусматривает собой использование яркой мебели, то отделочные материалы следует выполнять в нейтральном тоне.

Для пола отлично подойдёт виниловый линолеум тёмных или нейтральных цветов. Для потолочной поверхности используют краску одного оттенка и декорируют её подсветками и плинтусом.

Также существует и другой вариант оформления, когда поверхность стен оформляют насыщенным оттенком и используют предметы мебели спокойных и нейтральных тонов.

Характерные элементы декора

Для декорирования кухни в стиле поп-арт допустимо использование разнообразных тематик, будь то изображения Микки Мауса или известных кинодив.

Популярно использование красочных и креативных статуэток или скульптур, изготовленных из пластика, полиуретана или гипса.

Ещё одной характерной дизайнерской особенностью данного стиля является обилие ярких картин, которые можно создать самостоятельно, заказать услуги профессионального или воспользоваться услугами художника. Изображение должно быть кислотных цветов или нейтральным с несколькими насыщенными деталями.

Также в качестве картин можно использовать различные яркие фотографии, которые располагают на нейтральных светлых стенах.

На кухне в стиле поп-арт используется винтажная посуда, выполненная в насыщенных оттенках с различными изображениями героев мультсериала или известных голливудских фильмов. Также используются красочные светильники разнообразных форм.

Данная стилистика подойдёт тем, кто не боится экспериментировать и давать волю своим самым креативным и весёлым задумкам.

Даже рассматривая фото интерьера кухни в стиле поп-арт, можно восхищаться гармоничностью кричащих цветов и общим оформлением помещения.

Фото дизайна кухни в стиле поп-арт

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

Одноклассники

Поп-арт: история, характеристика

Произведения по стилю: Поп-арт

Стиль

Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и медиа-звезд, движение поп-арт стремилось стереть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Представление об отсутствии иерархии культур и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из самых влиятельных характеристик поп-арта.

Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как художники поп-музыки искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных образов в целом. Но, возможно, точнее будет сказать, что поп-артисты первыми осознали, что нет прямого доступа к чему-либо, будь то душа, мир природы или искусственная среда.Поп-художники считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих произведениях.

Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, большая его часть в некоторой степени эмоционально удалена. В отличие от предшествовавшего «горячего» выражения жестовой абстракции, поп-арт обычно «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или отказ от него, было предметом многочисленных споров.

Большинство художников поп-музыки начинали свою карьеру в коммерческом искусстве: Энди Уорхол был очень успешным иллюстратором журналов и графическим дизайнером; Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника для рекламных щитов. Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и поп-культуры.

Коллажи в стиле поп-арт британских художников Эдуардо Паолоцци и Ричарда Гамильтона передают смешанные чувства европейцев к американской поп-культуре; одновременно превознося объекты и образы массового производства, одновременно критикуя излишества.В его коллаже: Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956), Гамильтон объединил изображения из различных источников средств массовой информации, тщательно отбирая каждое изображение и составляя разрозненные элементы популярных образов в одно связное исследование послевоенной потребительской культуры. Члены Независимой группы были первыми художниками, представившими образы средств массовой информации, признав вызовы традиционным категориям искусства, возникшие в Америке и Великобритании после 1945 года.

В США Рой Лихтенштейн доказал, что он может выполнить требования к «великой» композиции, даже если его тема заимствована из комиксов. В дополнение к использованию изображений из этих серийно выпускаемых книжек с картинками, Лихтенштейн применил методы, используемые для создания изображений в комиксах, для создания своих картин. Он не только использовал те же яркие цвета и четкие очертания, что и в популярном искусстве, но и его самым новаторским вкладом стало использование точек Бен-Дея: маленьких точек, используемых для передачи цвета в дешевых комиксах массового производства.Сосредоточившись на одной панели в комиксе, холсты Лихтенштейна не являются точным факсимиле, а представляют собой творческое переосмысление художником композиции, в которой элементы могут быть добавлены или удалены, масштаб может сместиться, а текст может быть отредактирован. . Рисуя вручную обычно генерируемые машиной точки и воссоздавая сцены из комиксов, Лихтенштейн стирает грань между массовым воспроизведением и высоким искусством.

Джеймс Розенквист также напрямую заимствовал изображения из популярной культуры для своих картин.Однако вместо того, чтобы производить механические копии, Розенквист проявлял творческий контроль через свои сюрреалистические сопоставления продуктов и знаменитостей, часто вставляя политические сообщения. В рамках своего метода Розенквист коллировал вырезки из журналов из рекламы и фоторепортажей, а затем использовал результаты в качестве этюдов для своей последней картины. Обучение Розенквиста рисованию рекламных щитов прекрасно перешло в его реалистичные изображения коллажей, расширенных до монументальных масштабов. Работая часто намного больше и шире, чем 6 метров, Розенквист наполнил обыденное тем же статусом, который ранее присваивался высоким, иногда королевским, предметам искусства.

Энди Уорхол наиболее известен своими яркими портретами знаменитостей, но его тематика сильно менялась на протяжении всей его карьеры. Общей темой для разных предметов является их вдохновение в культуре массового потребления. Его самые ранние работы изображают такие предметы, как бутылки кока-колы и банки для супа Кэмпбелла, воспроизводимые до бесконечности, как если бы стена галереи была полкой в ​​супермаркете. Уорхол перешел от ручной росписи к трафаретной печати, чтобы еще больше облегчить крупномасштабное тиражирование поп-изображений.Настойчивость Уорхола в механическом воспроизведении отвергала представления о художественной аутентичности и гениальности. Вместо этого он признал превращение искусства в товар, доказав, что картины ничем не отличаются от банок супа Кэмпбелла; оба имеют материальную ценность и могут быть куплены и проданы как потребительские товары. Он также приравнял статус массового производства товаров народного потребления к статусу знаменитостей на портретах, таких как Мэрилин Диптих (1962).

Клаас Ольденбург, известный своими монументальными скульптурами повседневных предметов и «мягкими» скульптурами, начал свою карьеру в гораздо меньшем масштабе. В 1961 году он арендовал витрину в Нью-Йорке на месяц, где установил и продал свои проволочные и гипсовые скульптуры обыденных предметов, от выпечки до мужского и женского нижнего белья, в инсталляции, которую он назвал Магазин (1961). Ольденбург взимал номинальную плату за каждое произведение, что подчеркивало его комментарий о роли искусства как товара. Он начал свои мягкие скульптуры вскоре после The Store , конструируя большие повседневные предметы, такие как кусок торта, рожок мороженого или миксер, из ткани и набивки, так что конечный результат схлопывается сам по себе, как сдувающийся воздушный шар. .Ольденбург продолжал сосредотачиваться на обычных предметах на протяжении всей своей карьеры, переходя от мягких скульптур к грандиозному общественному искусству, например, прищепке высотой 45 футов (1976) в центре Филадельфии. Независимо от масштаба, в работах Ольденбурга всегда сохраняется игривое отношение к воссозданию обыденных вещей нетрадиционным способом, чтобы перевернуть ожидания зрителя.

В списке Ferus Gallery Эд Руша был одним из основных художников Лос-Анджелеса, работавшим в различных медиа, большинство из которых обычно печатались или рисовались.Подчеркивая вездесущность вывесок в Лос-Анджелесе, Руша использовал слова и фразы в качестве сюжетов в своих первых картинах в стиле поп-арт. Его первой ссылкой на массовую культуру была картина Large Trademark with Eight Spotlights (1962), где он присвоил логотип 20th Century Fox в упрощенной композиции с резкими краями и четкой палитрой мультфильма, перекликающейся с аналогичными рекламными щитами. Его последующие словесные рисунки еще больше размыли границы между рекламными вывесками, живописью и абстракцией, подорвав разделение между эстетическим миром и коммерческой сферой, некоторые даже включали в себя трехмерные объекты, такие как карандаши и комиксы, на холстах.Работы Руши предвещают концептуальное искусство конца 1960-х годов, движимое идеей, лежащей в основе произведения искусства, а не конкретным изображением. Исследование Рушей множества обычных изображений и тем вышло за рамки простого их воспроизведения, а изучило взаимозаменяемость изображения, текста, места и опыта.

Поп-артисты, казалось, приняли послевоенный производственный и медиа-бум. Некоторые критики назвали выбор изображений поп-артом восторженным одобрением капиталистического рынка и товаров, которые он распространял, в то время как другие отметили элемент культурной критики в возвышении поп-артистами повседневного искусства к высокому: привязка статуса товара товаров, представленных статусом самого арт-объекта, подчеркивая место искусства как, по сути, товара.

См. Также Поп-арт (художественное направление)

Источники: www.theartstory.org

Эволюция поп-арта

Когда мы говорим о возникновении различных художественных течений в истории, есть прекрасное немецкое слово, которое может помочь нам понять, почему и как возникло определенное движение и как оно развивалось. Это слово Zeitgeist . Zeitgeist буквально означает «дух века» или «дух времени», и его можно определить как интеллектуальную моду, которая влияет на культуру определенного периода времени. Итак, в этой статье мы кратко рассмотрим возникновение и эволюцию знаменитого движения поп-арта . Невозможно даже начать понимать это движение, если у нас нет исторического контекста, объясненного, когда оно действительно возникло.Вот почему мы упомянули Zeitgeist и почему важно понимать «дух времени» 1950-х годов.

Банки с супом Кэмпбелл знаменитого Энди Уорхола

Послевоенный оптимизм и культурный бунт поп-арта

После ужасов, которые Европа испытала во время Второй мировой войны, в ближайшие годы (особенно в начале 1950-х годов ), сильное чувство оптимизма начало характеризовать общества Западной Европы, но также и Соединенные Штаты.С сильным экономическим развитием страны, такие как Великобритания, Франция и США, начали испытывать, общества восприняли потребительскую культуру — тенденцию, часто называемую «послевоенным потребительским бумом». С другой стороны, культурные тенденции тоже начали меняться — с Элвисом Пресли в США и Beatles в Великобритании (пару лет спустя) началось большое культурное восстание против доминирующих традиционных культурных моделей. Как следствие, появилось то, что называется массовым производством или массовой культурой , и это проложило путь к появлению движения поп-арта.

Ричард Гамильтон — один из пионеров поп-арта

Поп-арт как реакция на доминирующие тенденции в искусстве

И в Соединенных Штатах, и в странах Западной Европы наблюдался беспрецедентный политический и экономический рост в течение 1950-х и в начале 1960-х годов. За этим ростом последовала культурная революция , воплощенная в Элвисе Пресли, Мэрилин Монро и многих других. Телевидение заменило радио в качестве доминирующего средства массовой информации и так далее.Что касается доминирующего художественного движения этого периода, идеи абстрактного экспрессионизма доминировали на сцене современного искусства. Хотя абстрактный экспрессионизм доминировал в послевоенном американском искусстве, это было первое американское художественное движение, получившее всемирное признание. Поэтому появление движения поп-арт в Америке и Великобритании всегда описывалось как реакция на абстрактную экспрессионистскую живопись . Лихтенштейн однажды заявил:

Поп-арт смотрит в мир.Это не похоже на картину, это похоже на саму вещь.

Работы Роя Лихтенштейна очень популярны среди коллекционеров

Поп-арт Движение в Соединенном Королевстве

Слово POP впервые было придумано в 1954 году британским искусствоведом Лоуренсом Аллоуэем для описания нового типа искусства, вдохновленного образами популярной культуры. Аллоуэй, Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоцци основали Независимую группу , коллектив художников, архитекторов и писателей, которые исследовали радикальные подходы к современной визуальной культуре во время встреч в Лондоне между 1952 и 1955 годами. Они стали предшественниками британского движения поп-арт . Эти группы предшественников британского поп-арта начали стирать грань (через свою художественную практику) между изящным искусством и потреблением, между изящным искусством и массовой культурой.

Уорхол, вероятно, самый известный художник поп-арта в истории

Поп-арт в США

Хотя один и тот же социальный, культурный и политический контекст характеризовал социальную и культурную динамику в США и Великобритании, появление движения поп-арт в этих двух странах ознаменовалось появлением различных художественных групп и практик .Мы уже упоминали о группе Independent Group в Великобритании. Если говорить о зарождении американского поп-арта, то он появился несколько позже (по сравнению с Великобританией). Непосредственно столкнувшись с основными идеями абстрактного экспрессионизма, первые американские художники поп-арта (появившиеся в конце 1950-х годов) полностью стерли границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Американские поп-артисты были более «агрессивными», стремясь создать искусство, вдохновленное предметами повседневного обихода, потребительскими товарами и средствами массовой информации. Что также интересно, когда мы говорим о движении поп-арта в Америке, так это тот факт, что большинство пионеров поп-арта были связаны с движением нео-дада. Действительно, нео-дада оказал большое влияние на стиль и технику первых американских поп-исполнителей.

Поп-арт оказал большое влияние на моду

Поп-арт становится популярным

Вскоре после своего появления поп-арт стал по-настоящему популярным и стал одним из ведущих художественных течений той эпохи.В первые годы 1960-х годов состоялись первые крупные выставки движения поп-арт. В 1960 году Марта Джексон показала инсталляции и сборки, New Media — New Forms с участием Ханса Арпа, Курта Швиттерса, Джаспера Джонса, Класа Ольденбурга, Роберта Раушенберга, Джима Дайна и Мэй Уилсон. 1961 год был годом весеннего шоу Марты Джексон, Среды, ситуации, пространства . Уорхол провел свою первую персональную выставку в Лос-Анджелесе в июле 1962 года в галерее Феруса Ирвинга Блюма, где он показал 32 картины суповых банок Кампелла, по одной на любой вкус.Наконец, работа Roy Lichtenstein и ее использование пародии, вероятно, определяет основную предпосылку движения поп-арта лучше, чем что-либо другое.

Не забудьте посмотреть другие работы Энди Уорхола на нашей торговой площадке!

Все прекрасно. Поп-это все

Все красиво. Поп — это все. — известная цитата Уорхола. Он прекрасно описывает твердую приверженность поп-артиста основным концепциям движения поп-арт.Поп-арт достиг своего пика в середине 1960-х годов, но продолжит оказывать влияние на художников в последующие десятилетия, такие художники, как Энди Уорхол, были огромным источником вдохновения для поколений новых художников. Движение поп-арта потеряло часть своего авторитета в 1970-х годах, когда мир искусства сместил акцент с арт-объектов на инсталляции, перформансы и другие менее материальные формы искусства. Однако с возрождением живописи в конце 1970-х — начале 1980-х годов арт-объект снова стал популярным, а популярная культура предоставила новые предметы.Неопоп появился в конце 80-х. Что касается популярности поп-арта среди коллекционеров произведений искусства, достаточно взглянуть на результаты аукционов. Он всегда был популярен не только среди коллекционеров, но и среди любителей искусства.

Featured Image: Рой Лихтенштейн — Crak, деталь. Все изображения используются только в иллюстративных целях.

Что такое поп-арт?

Поп-арт — это направление в искусстве, зародившееся в начале 1950-х годов, особенно в Лондоне, Англия.

Хотя и раньше были произведения искусства, напоминающие поп-арт или прото-поп-арт, считается, что это движение действительно возникло в результате сотрудничества лондонских художников под названием «Независимая группа». Одними из самых важных художников, которые основали раннее движение поп-арта, являются Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон, которые были членами Independent Group с 1952 года до ее закрытия в 1955 году. Эти первые художники организовывали выставки в Великобритании, на которых были представлены некоторые из первых настоящих примеры современного поп-арта, и их работы позже сильно повлияли на направление движения, в конечном итоге породив подобное движение поп-арта в Соединенных Штатах позже, в 1960-х годах.

После того, как движение распространилось на Соединенные Штаты, художников, таких как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, внесут свой вклад в это основанное художественное движение, создавая работы, которые часто были полностью основаны на существующих произведениях или которые были нарисованными изображениями, изображающими элементы массы. СМИ.Энди Уорхол, в частности, станет чрезвычайно плодовитым поп-артистом, создавая шелкографические картины знаменитостей и создавая пародии на многие распространенные рекламные объявления. Американский стиль поп-арта имел склонность к драматизму, в то время как британский стиль был более юмористическим и утонченным, потому что американцы, как правило, подвергались бомбардировке со стороны средств массовой информации и коммерциализации, и поэтому искусство, полученное из этих средств массовой информации, нуждалось в быть настолько преувеличенным, чтобы произвести эффект.

Поп-арт имел важное значение , потому что он представлял собой сдвиг в том, что художники считали важным исходным материалом.Там, где, как и в прошлом, художники стремились черпать вдохновение из возвышенного из природы и религии, поп-искусство черпало вдохновение из приземленных аспектов повседневной жизни, из телевидения, фильмов и повторяющихся рекламных роликов. Это было движение, которое стремилось связать изобразительное искусство с массами и предполагало использование образов, которые обычные люди могли бы узнать и с которыми могли бы проникнуться. Банки с супом Уорхола являются ярким примером этого акцента на обыденном и повседневном, и на самом деле сам Уорхол утверждал, что нарисовал их, потому что суп Кэмпбелла — это то, что он обычно ел на обед.

Одной из основных характеристик, которая отличает поп-арт от других направлений в искусстве, является его ориентация на производные произведения. Большинство произведений поп-арта основаны не на интерпретации художником какого-либо аспекта реальности, а на интерпретации художником уже существующего искусства. Многие из картин Уорхола, например, были почти точными копиями существующих рекламных объявлений, а некоторые были шелкографией с фотографий, сделанных другими. Работы Роя Лихтенштейна почти полностью состояли из слегка измененных копий оригинальных произведений искусства других авторов, от его панелей из комиксов до его переосмыслений известных произведений изобразительного искусства.

Поп-арт остается популярным даже в наше время, а картины Энди Уорхола по шелкографии — одни из самых ценных в мире.

Photo History Club: Pop Art Photography

Я считаю, что можно утверждать, что у населения в целом исторически сложились беспорядочные, иногда бурные отношения с искусством.

По мере того как художники на протяжении всего времени стремились интерпретировать свои различные реальности и переживания как человеческие существа, конечные результаты, которые мы называем «искусством», временами осваивались во все более эзотерических сферах.То есть трудно понять или связать.

Искусство приобрело среди некоторых репутацию элитарного и претенциозного. Иногда искусство может казаться недоступным для тех, кто не имеет образования в области истории искусства или интерпретации. Когда оно стало популярным, абстрактное движение стало в глазах многих образцом простой элитарности.

Поп-арт был своего рода ответом на это представление об искусстве как о недоступном или самом важном. Внезапно повседневные образы и стили, которые иначе считались чрезмерно широкими, стали считаться «высоким искусством».

Но что изображения, такие как суповые банки Энди Уорхола и панно из комиксов Роя Лихтенштейна, достигают в качестве искусства? Какие уроки мы можем извлечь из их времени, нашей культуры и самих себя? Давайте посмотрим.

Немного истории

Поп-арт как движение зародился в 1950-х годах в Великобритании, когда сформировался художественный коллектив, известный как Independent Group. Эта группа художников впервые встретилась в 1952 году, когда художник Эдуардо Поалоцци показал своим современникам коллажи из американских СМИ — яркие, красочные изображения, взятые из американских комиксов, рекламы и других изданий.

Именно в рядах Independent Group впервые была реализована и реализована концепция поп-арта. Они привлекли внимание мира искусства в гораздо более широком масштабе, когда участвовали в крупной художественной выставке This Is Tomorrow в 1956 году.

Когда американские художники начали замечать эту тенденцию, они восприняли ее как способ выразить свое мнение. некоторая дистанция между миром искусства и рекламой, которая за это время становилась все более сложной и изощренной. В отличие от своих европейских современников, американские художники постоянно и неохотно погружались в коммерческое искусство, на которое европейцы смотрели издалека. Таким образом, американские художники нашли понятие поп-арта и с энтузиазмом восприняли его.

Философия поп-арта

Поп-арт — одно из наиболее сложных художественных движений. Многие абстрактные художники, которые предшествовали движению поп-арта, часто были темпераментными, иногда чрезмерно эмоциональными. Однако эстрадные артисты заняли позицию прохладной отстраненности. Они часто оставляли интерпретацию на усмотрение аудитории.

Тем не менее, они произвели на американскую культуру неизгладимое впечатление, которое проявляется и сегодня.

А именно стерли грань между коммерческими акциями и тем, что мы считаем «высоким искусством». И хотя эта граница, возможно, не исчезла полностью, она сильно размыта.

Кто-то может возразить, что это обесценило художественное выражение, включив в него рекламу и другие подобные вещи. Другие скажут, что это подтвердило художественные элементы коммерциализма. Следует ли считать изображение из рекламы искусством? Если да, то создавала ли культура, из которой вышла эта реклама, это искусство? На эти вопросы нелегко ответить, что на самом деле оставляет место для множества художественных интерпретаций.

Основные игроки

Как и в любом художественном движении, в движение поп-культуры было вовлечено много значительных художников. Хотя я не могу перечислить их все здесь, я расскажу о некоторых художниках, сыгравших ключевые роли в определении и создании поп-арта.

Эдуардо Паолоцци

Эдуардо Паолоцци, как упоминалось ранее, был одним из основателей Independent Group. Он изучал искусство в Европе во время Второй мировой войны. После войны работал в основном скульптором, работая с найденными предметами.Его произведение под названием «« Я был игрушкой для богатого человека »» многими считается эталоном «поп-арта».

Ричард Гамильтон

Ричард Гамильтон считается отцом поп-арта. Его работы, в которых в значительной степени повлиял Марсель Дюшан, были деконструкцией Голливуда и американской поп-культуры в целом. Его произведение «Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», , представленное на выставке This Is Tomorrow , во многом считается первым произведением, которое считалось поп-артом.

Джон Макхейл

Джон Макхейл был художником из Глазго. Он помог основать Independent Group и внес большой вклад в эстетику и философию, которые впоследствии стали поп-артом. После Второй мировой войны, когда большая часть Европы лежала в руинах, изображения из американской рекламы и журналов казались невероятно красочными и оптимистичными. Макхейл был одним из первых художников, которые использовали яркие цвета американской поп-культуры, чтобы собрать воедино коллажи для создания произведений искусства.

Джаспер Джонс

Не все искусствоведы считают Джаспера Джонса поп-артистом.Джонс часто больше связан с движением нео-дадаистов, которое происходило одновременно с движением поп-арта. Однако в творчестве Джонса было много общего с его современниками в жанре поп-арт. Его работы часто включали материалы из поп-культуры. Его самая известная работа — это картина под названием American Flag.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн, вероятно, один из самых известных художников американского поп-арта. Он был известен прежде всего тем, что рисовал, воссоздавая изображения из популярных американских комиксов. Он использовал технику печати, известную как точки Бен-Дея, ту же технику, которую используют издатели комиксов, чтобы создать свою культовую работу. Его самые известные картины — Drowning Girl и Whaam!

Энди Уорхол

Из всех упомянутых здесь художников Энди Уорхол, возможно, был самым ответственным за определение того, что популярная культура считает «поп-артом».Уорхол использовал изображения самых знаковых продуктов Америки и знаменитостей, чтобы украсить свои работы. Он открыл The Factory в Нью-Йорке, арт-пространство, где художники, а также музыканты, трансвеститы, наркоманы и другие социальные изгнанники собирались вместе и создавали свои собственные работы.

Учитывая огромную продуктивность Уорхола, определить основополагающую работу практически невозможно. Его влияние на искусство и популярную культуру оказалось самым большим из всех поп-исполнителей, если не большинства визуальных художников в современной культуре.

***

Движение поп-арта трудно описать жалкой тысячей слов. Его влияние все еще отражается в нашей культуре сегодня, как в чисто художественных формах, так и в коммерческих продуктах. Если эта статья вызвала у вас интерес, я настоятельно рекомендую вам с головой окунуться в мир поп-арта. Есть чему поучиться.

Энди Уорхол, Поп-культура и коммерциализация искусства

Для многих это было время оптимизма и послевоенного экономического бума.Проходы супермаркетов были заполнены потребительскими товарами. Реклама и глянцевые журналы рассказывали людям, что покупать, и заставляли их хотеть это покупать. Звезды кино заполнили киноэкран, породив культуру знаменитостей, а молодежь боролась за свободу. Из этой новой популярной культуры родился поп-арт.

Отправная точка

Независимая группа (IG), основанная в 1952 году в Лондоне, считается инициатором движения поп-арта. Это была группа молодых подрывных художников, архитекторов, писателей, скульпторов и критиков, ставивших под сомнение модернистские подходы к культуре и традиционные взгляды на изобразительное искусство. Обсуждение было сосредоточено на влиянии средств массовой информации на поп-культуру, таких как фильмы, массовая реклама, комиксы и дизайн продукта.

На первом собрании IG в 1952 году один из основателей и художник Эдуардо Паолоцци представил лекцию с использованием коллажей под названием Bunk! Это c состоит из «найденных объектов», таких как персонажи комиксов, реклама и различная массовая графика, в основном представляющая американскую поп-культуру. Среди коллажей было его произведение «Я был игрушкой для богача » (1947), в котором впервые использовано слово «поп», изображенное в облаке дыма, выходящем из револьвера.После его впечатляющей презентации IG сосредоточился в основном на образах американской поп-культуры, особенно на массовой рекламе. Сам термин «поп-арт» был официально представлен позже, в декабре 1962 года, на Симпозиуме поп-арта, организованном Музеем современного искусства.

«Я была игрушкой богатого человека» Паолоцци (1947) | Источник: tate. org.uk

Уловка оценка поп-культуры

Поп-арт ценит поп-культуру. В нем ни в коей мере не критикуются последствия господствовавших там потребительских взглядов и материализма.В то время среди молодежи была тенденция приобретать потребительские товары, реагировать на остроумную рекламу и искать более эффективные средства массовой информации, такие как телевидение, газеты и журналы. Молодое поколение восставало против загадочной лексики абстрактного искусства, стремясь выразить свой оптимизм на совершенно новом визуальном языке.

Современный вектор поп-арт | Источник: vecteezy.com & nbsp;

Pop Art стремится к прямолинейности, показывая яркие образцы основных цветов прямо из банки или тюбика с краской.Такие рекламные методы, как шелкография и массовое производство, были заимствованы в поп-арте, что подорвало идею оригинальности. Противоположность абстрактному экспрессионизму, поп-арт предпочитал реализм выразительности, иногда демонстрируя пародию и вовлекая повседневные, даже обычные образы, взятые из популярных СМИ и продуктов. Вымышленные персонажи из комиксов, газетные фотографии, банки, приправы и знаменитости — все это предметы поп-арта.

Источник: retroplanet.com

Сам по себе инновационный тренд, стиль поп-арт был плоским, красочным, графическим и коммерческим.Это было популярно, расходно, быстро, недорого, остроумно, сексуально и бесподобно. В то время критики скептически относились к поп-арту, задаваясь вопросом, как предметы повседневного обихода, такие как консервные банки, стали искусством. По правде говоря, поп-артисты просто ссылались на мир, в котором на самом деле жили люди. Как сказал Энди Уорхол, — все искусство .

Британский поп-арт против американского поп-арта

Хотя поп-арт имел тенденцию во многих странах, он был исключительно доминирующим в Великобритании и США. Британский поп-арт сильно отличался от американского.В Великобритании ранний поп-арт подпитывался американской поп-культурой, рассматриваемой издалека. Он также был сфокусирован на более легком тоне и часто использовался юмор и пародия из-за его менее коммерциализированного характера. Ричард Гамильтон был одним из первых, кто сослался на поп-культуру, используя вырезки из американских журналов. Затем за ним последовали Питер Блейк и Дэвид Хокни. Вместе они праздновали — и ставили под сомнение все американское.

«Интерьер» Ричарда Гамильтона (1964-5) | Источник: tate.org.uk

Американский поп-арт, напротив, был возвращением изобразительного искусства.Американские поп-артисты, особенно Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс, заполнили свой холст флагами, мишенями и шинами. Их вдохновляло то, что они видели каждый день из серийно выпускаемых изображений. Это было довольно интересно, так как к послевоенной эпохе американская реклама была настолько развита, что в ней были заимствованы элементы современного искусства и она функционировала на сложном уровне. Поэтому американским художникам пришлось приложить дополнительные усилия, чтобы отделить свои произведения от умных коммерческих материалов.

«Четырёхликая мишень» Джаспера Джона (1979) I Источник: вычурный.сеть «Черный рынок» Роберта Раушенберга (1961) | Источник: dailyartmagazine.com

Коммерциализация искусства Энди Уорхола

Есть множество замечательных поп-исполнителей, но самым известным из них определенно был Энди Уорхол. В то время как Рой Лихтенштейн превратил комикс в высокое искусство, Клас Ольденбург превратил туалеты в подушки, Энди Уорхол ворвался на сцену со своими снимками экрана и стал королем поп-музыки. Вместо того чтобы делать искусство как рекламу, он начал делать рекламу как искусство.Он выбрал темы, которые соответствовали бы развивающейся области поп-арта. Он написал картины с изображением кока-колы, зеленых марок S&H и свое печально известное произведение искусства — изображение банок с говяжьим супом с лапшой Кэмпбелла.

«М-может быть» Роя Лихтенштейна (картина девушки) (1965) | Источник: dailyartmagazine.com Банка супа Кэмпбелла Уорхола | Источник: moma.org

Уорхол разработал технику, которая позволила ему массово производить свои произведения искусства. Он начал использовать резиновые штампы и трафареты для рисования, но вскоре перешел на трафаретную печать, чтобы ускорить процесс.Уорхол построил место для массового производства и назвал его «Фабрика», а не «студия» — термин, которым с гордостью пользовались большинство художников. Он работал с помощниками, выкатывая продукт за продуктом, демонстрируя их в виде склада.

Шелкография | Источник: artplusmarketing.com & nbsp;

Уорхол также очень интересовался продуктами человеческого разнообразия. Поэтому он начал рисовать знаменитостей, воспроизводя изображения из рекламных фотографий, газет и журналов. Помимо картин знаменитостей, в работах Уорхола часто встречались такие темы, как обувь, продукты, деньги, знаменитости, богатые люди, катастрофы, смерть и даже он сам.Он сделал тысячи заказных портретов по фотографиям, сделанным в фотобудках. К 1970-м годам заказные портреты составляли большую часть его дохода.

Мэрилин Диптих Уорхола | Источник: artplusmarketing.com

Помимо услуг, Уорхол также стремился торговать своим собственным имиджем, создавая многочисленные образы себя на протяжении всей своей жизни в качестве поп-исполнителя и предлагая себя для поддержки. Он превратил себя во всемирно признанный бренд — блестящий ход в маркетинговом смысле. Он считал, что искусство и бизнес никогда не исключают друг друга.

Как однажды сказал искусствовед Артур Данто, Уорхол был «самым близким к философскому гению, которого когда-либо создавала история искусства».

История и эволюция поп-арта

Поп-арт — это художественное направление, характеризующееся образами поп-культуры и потребительства. Слово «поп» было придумано в 1955 году британским куратором Лоуренсом Аллоуэем для описания новой формы «популярного» искусства.

Купите, оцените или оцените свой поп-арт

Сделайте ставку или купите искусство для продажи, оцените свой предмет или запросите бесплатную оценку для продажи своей коллекции.

Что такое поп-арт?

Появившись в Нью-Йорке и Лондоне в середине 1950-х годов, он стал доминирующим стилем до конца 1960-х годов. Благодаря использованию простых повседневных образов и ярких цветных блоков, поп-арт стал визуально привлекательным стилем, который понравился широкой аудитории. Общая цель поп-арта заключалась в том, чтобы противостоять новым тенденциям массового производства, средств массовой информации и массовой культуры, отражая вновь обретенную силу кино и телевидения, используя образы консьюмеризма и популярной культуры, такие как реклама, знаменитости и комикс. полоски.С годами поп-арт эволюционировал, но по-прежнему остается актуальным стилем и подходом, с которым сегодня художники продолжают жить.

Энди Уорхол | Коробка для супа Кэмпбелла (курица с рисом), 1986 | Холст, акрил, шелкография | Продан за: 293 000,00 долларов США

Начало

После Второй мировой войны и в Западной Европе, и в Соединенных Штатах царило сильное чувство оптимизма, и благодаря успешному развитию экономики общества приняли культуру потребления, которую обычно называют «послевоенным потребительским бумом».В то же время, с помощью «Битлз» в Великобритании и Элвиса в США, создающих глобализацию поп-музыки, началась культурная революция, направленная против доминирующей традиционной культуры. Эти новые взгляды помогли создать пространство для поп-арта, которое бросит вызов традициям изобразительного искусства, используя образы и материалы из популярной культуры и потребительства, а также отвергнув популярные художественные тенденции того времени.

Во время этой культурной революции, когда телевидение заменило радио в качестве доминирующего средства массовой информации, идеи абстрактных экспрессионистов доминировали в мире современного искусства, став первым американским художественным движением, получившим глобальную популярность.Поэтому и в Великобритании, и в США появление поп-арта воспринимается как реакция на абстрактную экспрессионистскую живопись.

Британский поп-арт

Будучи пионерами британского поп-арта, лондонские художники Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоцци вместе с Лоуренсом Аллоцци основали Independent Group, группу творческих личностей, объединившихся в период с 1952 по 1955 год для изучения радикальных подходов к изобразительному искусству. На их первой встрече Паолоцци представил серию коллажей, созданных из американских журналов, которые он получил от солдат армии в Париже в конце 1940-х годов.Этот сериал был назван «Bunk» (сокращение от «bunkum», что означает бессмыслица), и в нем был представлен иронический взгляд на общеамериканский образ жизни. Первое произведение со словом «поп» появилось в одном из этих коллажей под названием «, я был игрушкой для богатого человека».

В 1950-х годах многие британские художники рассматривали американский образ жизни как более инклюзивную, молодежную культуру, которая охватывала социальное влияние средств массовой информации и массового производства. Поп-арт был их способом выразить желание перемен.Они обратились к идеям дадаистов, которые использовали найденные предметы и бессмысленные комбинации случайных изображений, чтобы вызвать реакцию истеблишмента. Точно так же британские поп-артисты переняли язык использования коллажей и сборок, но вместо этого сосредоточились на создании массовых образов массовой массовой культуры, чтобы бросить вызов определениям.

Коллаж Ричарда Гамильтона 1956 года под названием Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? — прекрасный пример поп-образов: комиксы, газеты, реклама, автомобили, еда, упаковка, бытовая техника, знаменитости, секс, космическая эра, телевидение и кино.Черно-белая версия была использована в качестве обложки для каталога выставки «This Is Tomorrow», проходившей в лондонской галерее Whitechapel в 1956 году. Эта выставка сыграла решающую роль в вдохновении нового поколения молодых британских художников, таких как Питер Блейк, Аллен Джонс, Дэвид Хокни, Ричард Смит и Дерек Бошир.

Американский поп-арт

Поп-арт в Америке возник в конце 1950-х годов и развивался иначе, чем в Великобритании. Американский поп-арт одновременно расширился и выступил против основных идей абстрактного экспрессионизма.Многие чувствовали, что абстрактная экспрессионистская живопись стала слишком элитарной и интроспективной, и стремились повернуть вспять тенденцию и увести искусство от мрака абстракции и снова к реальному миру. Для этого они повторно использовали изображение как структурный инструмент в живописи. Полностью стирая границы между высоким и низким искусством, они создавали искусство, используя предметы повседневного обихода, товары народного потребления и средства массовой информации.

Движение поп-арта в Америке наиболее заметно развилось в двух основных городах: Нью-Йорке и Лос-Анджелесе.Художественная сцена Нью-Йорка отличалась от той, что была в Лос-Анджелесе, поэтому развитие поп-арта в этих двух городах развивалось совершенно независимо друг от друга, когда разные группы художников интерпретировали свои собственные взгляды на популярную культуру.

Нью-Йорк Поп-арт

Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс

В Нью-Йорке были признаны неодадаисты Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс , которые преодолели разрыв между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом.Хотя у двух движений — абстрактного экспрессионизма и поп-арта, кажется, очень мало общего, они оба ставили под сомнение выразительные возможности краски и то, сможет ли ее чувственная природа когда-либо действительно поддерживать подлинное выражение в такое механизированное время. Такие художники, как Раушенберг и Джонс, решили, что единственный выход — противостоять неаутентичному, механическому и опосредованному.

Роберт Раушенберг | Люди за американский путь, 1991 | Цветная литография и трафарет на бумаге Arches | Продан за: 22 500 долларов.00

И Раушенберг, и Джонс находились под сильным влиянием идей Дада и бросали вызов определениям искусства, например, использовали готовые модели (найденные объекты), чтобы поставить под сомнение ценность арт-объекта. Вместо того, чтобы использовать найденные объекты, Джонс ввел «найденные изображения» в качестве своей основной темы, включая флаги, цели, буквы и числа. Его интерес к использованию знакомых знаков и иконографии способствовал появлению более поздних идей поп-арта. Используя предмет, который был узнаваемым, но обычным и обезличенным, Джонс смог исследовать визуальные характеристики своей среды и, таким образом, установил баланс между абстракцией и репрезентацией.

Раушенберг наиболее известен своими «Сочетаниями», в которых он использовал аспекты живописи и скульптуры, комбинируя нетрадиционные материалы и находя объекты, чтобы устранить различия между живописью и скульптурой. Поместив эти работы в контекст искусства, он придал новый смысл обычным предметам, которые он нашел. Раушенберг очень заинтересовался нашим изменяющимся восприятием и интерпретацией изображений, используя коллаж как способ экспериментировать с популярными изображениями из газет и журналов.Комбинируя масляную живопись с шелкографией, он воспроизводил изображения на холсте или принте, чтобы имитировать наш личный опыт ежедневной бомбардировки изображений.

Джаспер Джонс | Пас I, 1966 г. | Цветная литография на тканой бумаге | Продан за: 12 500,00 долларов США

Роберт Раушенберг | Sling-Shots, лит № 5, 1985 | 11-цветная литография и сборка с парусиной, майларом, деревянным лайтбоксом, люминесцентным светом, алюминием, подвижной оконной шторкой и планками из оргстекла | Продан за: 38 837 долларов.50

Роберт Раушенберг | Sling-Shots, лит № 5, 1985 | 11-цветная литография и сборка с парусиной, майларом, деревянным лайтбоксом, люминесцентным светом, алюминием, подвижной оконной шторкой и планками из оргстекла | Продан за: 38 837,50 долларов США

Энди Уорхол Поп-арт

Энди Уорхол, самый известный и культовый поп-исполнитель, расширил эту идею захвата визуального «шума», используя повторение знакомых изображений, чтобы представить десенсибилизацию к изображениям, которые мы видим в средствах массовой информации.Первоначально он был коммерческим художником, его сюжетом послужили образы массовой культуры: реклама, газеты, комиксы, телевидение и знаменитости всех мастей. Используя подержанные изображения потребительских товаров и известных людей, Уорхол был очарован обыденным и использовал свое искусство, чтобы сделать обычное интересным. В своей самой известной серии, Campbell’s Soup Cans, , где он рисует каждый отдельный тип банки для супа Кэмпбелла, Уорхол представляет эстетику массового производства как отражение современной американской культуры.

« Что замечательно в этой стране, так это то, что Америка положила начало традиции, согласно которой самые богатые потребители покупают по сути то же самое, что и самые бедные. Вы можете смотреть телевизор и смотреть кока-колу, и вы знаете, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу, и только подумайте, вы тоже можете пить кока-колу. Кокс — это кокс, и никакие деньги не принесут вам лучшего кокаина, чем тот, который пьет бездельник на углу. Все кокс одинаковые, и все кокс хороши. »- Энди Уорхол

Энди Уорхол | Суп Кэмпбелла I: Куриная лапша, 1968 | Цветной трафарет на бумаге | Продан за: 21 250,00 долларов США

Энди Уорхол | Вегетарианские овощи (из супа Кэмпбелла II), 1969 | Шелкотрафарет в цветах | Продан за: 20 000,00 долларов США

Для Уорхола изображения похожи на продукты, которые потребляются снова и снова, и что изображения могут представлять только другие изображения — оригинальности не бывает. Чтобы продвинуть эту идею дальше, его изображения знаменитостей показывают, что такие изображения являются тщательно структурированными иллюзиями.Например, в его Gold Marilyn он берет черно-белый кадр из фильма с Мэрилин Монро, обрезает его и заполняет фон золотом, чтобы напомнить христианскую иконографию. Уорхол также подчеркнул идею повторения, широко используя шелкографию. Он не только воспроизводил изображения, но и использовал среду, которой присуща природа воспроизведения. Собственная студия художника стала известна как «Фабрика», которая наполнилась помощниками и людьми как средством для создания такого большого количества гравюр и произведений искусства Уорхола.

Рой Лихтенштейн

Еще одним нью-йоркским художником, который стал ведущей фигурой поп-арта, был Рой Лихтенштейн . Вдохновленный основной идеей движения поп-арта в создании вида искусства с мгновенным смыслом, он искал легко узнаваемую тему: комиксы.

Поп-арт — Рой Лихтенштейн ВАААМ! (диптих), 1984 (1963) | Цветные офсетные литографии | Продан за: 21 250,00 долларов США

Точечный стиль живописи Лихтенштейна стал культовым в современной американской культуре, хотя поначалу его критиковали за то, что люди считали простым копированием и отсутствием оригинальности.Знаменитые картины Лихтенштейна, такие как Whaam! и Drowning Girl, — это тяжелые черные контуры и точки основного цвета (которые были нарисованы с помощью трафаретов, учитывая их большой размер), увеличивая детали изображений. Отличие работ Лихтенштейна от работ других художников, которые использовали аналогичный китчевый материал, заключалось в том, что он сделал мультфильм самим произведением искусства. Его картины подчеркивали неочищенные печатные процессы и механическое воспроизведение, наиболее явно газетное, и поэтому подчеркивали главный урок поп-арта, заключающийся в том, что все сообщения и методы коммуникации фильтруются с помощью кодов или языков.

Рой Лихтенштейн | Обнаженная с синими волосами из фильма «Обнаженные», 1994 | Цветной рельеф на бумаге Rives BFK | Продан за: 540 500,00 долларов США

Рой Лихтенштейн | Размышления о катастрофе (из серии «Размышления»), 1990 | Литография, трафарет, цветной рельеф, металлизированный коллаж из ПВХ с тиснением на бумаге Somerset | Продан за: 161 000,00 долларов США

Джеймс Розенквист и Клас Ольденбург

Среди других художников Нью-Йорка, которые были частью движения поп-арта, были Джеймс Розенквист и Клас Ольденбург. Розенквист начинал как рисовальщик рекламных щитов, прежде чем присоединился к безумному поп-арту. Чтобы обратиться к своим собственным взглядам на СМИ и массовую культуру, он увеличил свои образы, чтобы создать ошеломляющие грандиозные работы, состоящие из, казалось бы, не связанных между собой образов. Часто эти работы заполняли целые стены галереи. Чувство подавленности было уникальным способом художника выразить оцепенение общества по отношению к его нездоровой одержимости не только материальным потреблением, но также политикой и звездой знаменитостей.

Самая известная работа Розенквиста — F-111, , получившая признание критиков.Созданный в 1964 и 1965 годах, он был отчасти оформлен в знак протеста против милитаризма в Америке. Через восемьдесят шесть футов работы, содержащей пятьдесят одну панель, изображение истребителя, вставленное с изображениями, в том числе пляжным зонтиком, грибовидным облаком, спагетти и молодой девушкой под феном, которая очень похожа на боеголовка.

Джеймс Розенквист | F-111 (Юг, Запад, Север, Восток) (четыре работы), 1974 | Цветные литографии с трафаретной печатью на тканой бумаге | Продан за: 27 500 долларов.00

Ольденбург был одним из главных скульпторов поп-арта, а также художником-перформансом. Он хотел изобразить пошлость американской культуры, особенно Нью-Йорка. Просто его работа была сосредоточена на превращении знакомого во что-то странное. Для этого он увеличивал обычные, обыденные предметы и размещал их в общественных местах, тем самым побуждая зрителя по-другому исследовать окружающую их среду. Тема Ольденбурга в его так называемых «мягких скульптурах», будь то мокрый гамбургер или прищепка, служит для того, чтобы подчеркнуть абсурдность американского потребительства (а также мира искусства, где он видит зрителя как потребителя) более беззаботный и юмористический взгляд, чем у современников.

Лос-Анджелес Поп-арт

Художественная сцена Лос-Анджелеса была гораздо менее жесткой, чем в Нью-Йорке и на восточном побережье, и эта открытость проявлялась в стилях художников, которые там жили и работали. Художественный музей Пасадены был первым музеем, продемонстрировавшим поп-арт на своей выставке «Новая картина общих предметов» с работами Уорхола и Лихтенштейна, а также многих художников Лос-Анджелеса, таких как Эд Руша, Уэйн Тибо и Джо Гуд. Эти художники из Лос-Анджелеса сместили фокус поп-арта с конкретных потребительских товаров и за пределы повторения, чтобы задействовать личный опыт.Они также нашли способ выразить определенные чувства, эмоции и отношения, в то же время продолжая раздвигать определения между популярной культурой и высоким искусством.

Эд Руща

Эд Руша был одним из ведущих исполнителей поп-музыки Лос-Анджелеса. Работая в различных средствах массовой информации, в основном в живописи или печати, Руша использовал слова и фразы в качестве темы, чтобы подчеркнуть вездесущность вывесок в Лос-Анджелесе. Его первой ссылкой на массовую культуру стала картина Large Trademark with Eight Spotlights (1962), где он присвоил логотип 20th Century Fox в упрощенной композиции с резкими краями и базовой палитрой мультфильма, отражающей аналогичные рекламные щиты.Использование слов в живописи продолжало стирать границы между вывесками в рекламе, живописью и даже абстракцией. Тем самым он ослабил разделение между коммерческим и эстетическим миром.

Работа

Руша в области поп-арта повлияла на концептуальное искусство, возникшее в конце 1960-х годов, в котором основное внимание уделялось идее, лежащей в основе работы, а не конкретному изображению. Его работа пошла дальше простого воспроизведения образов и тем, присутствующих в СМИ и массовой культуре — его работа исследовала взаимозаменяемость изображения, текста, места и опыта.

Эд Руша | Двухместный стандарт, 1969 | Цветной трафарет | Продан за: 182 500,00 долларов США

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни был британским поп-артистом, который стал частью арт-сцены Лос-Анджелеса после того, как переехал туда и сделал его своим домом на долгие годы. После посещения солнечного города примерно в 1963 году он был вдохновлен на создание серии картин с изображением бассейнов. Используя новую акриловую краску, Хокни создавал плоские, но реалистичные изображения с яркими яркими цветами.Хокни также возродил искусство фигуративной живописи с помощью стиля, отражающего визуальный язык рекламы. Одним из основных отличий работ Хокни от других художников поп-музыки является влияние кубизма, а также личная тематика в его творчестве. Во многих своих работах Хокни объединяет несколько сцен в единое представление, часто используя сцены из собственного жизненного опыта.

Дэвид Хокни, Вид на отель Well III (из серии «Движущийся фокус»), 1984-85 | Литография в цветах | Продан за: 40 625 долларов.00

Кит Харинг и стрит-арт

Позже, в 1970-е и 1980-е, появились такие художники, как Кейт Харинг, и они достигли той важной роли, которую поп-арт играл не только в мире искусства, но и в социальной атмосфере. Известный также своей активностью, он использовал свое искусство для пропаганды СПИДа, от которого он сам умер в раннем возрасте 31 года. Харинг создал уникальный стиль рисунков граффити в метро и тротуарах Нью-Йорка. Объединив мультяшный стиль с чистой энергией, он разработал очень специфический стиль поп-граффити, ориентированный на смелые, но плавные очертания на многолюдном, но ритмичном фоне изображений и символов.Его предметы часто включали забавные фигуры, такие как танцующие люди, лай собаки, летающие тарелки и люди с телевизорами в качестве голов.

Внедряя искусство в оживленные общественные места пассажиров, Харинг вместе с другими друзьями-художниками, такими как Жан-Мишель Баския и Кенни Шарф, действительно ликвидировал разрыв между миром искусства и уличным искусством. Они повлияли на целое поколение, в том числе на современных художников Бэнкси и Шепарда Фейри .

Кейт Харинг | США-1, 1984 г. | Масло на мешковине | Продан за: 162 500 долларов.00

Банский | Пончики (шоколад), 2009 | Шелкотрафарет в цветах на бумаге Arches | Продан за: 32 500,00 долларов США

Шепард Фейри | Флаг, 2010 | Ручная роспись акрилом, трафарет и коллаж на бумаге | Продан за: 13 750,00 долларов США

Неопоп и современность

Поп-художники, такие как Уорхол, продолжали занимать более заметное место в мире искусства Нью-Йорка до 1980-х годов, но популярность поп-музыки начала снижаться в 1970-х годах, когда мир искусства начал сосредотачиваться на инсталляции и перформансе.Однако арт-объект снова стал популярным с возрождением живописи в начале 1980-х годов, когда популярная культура предоставила зрителям предмет, который легко понять и идентифицировать.

Это движение известно как нео-поп, Джефф Кунс как один из самых известных художников. Присваивая иконы поп-культуры, такие как Майкл Джексон, и предметы массового производства, такие как пылесосы, Кунс все больше расширяет границы высокого искусства. Его вдохновляют предметы, которые обычно не считаются изобразительным искусством, и, лишив промышленно сделанные предметы их практического назначения, он повторно представляет их как искусство.Самыми известными работами Кунса являются его Собаки-воздушные шары, , которые представляют собой блестящие негабаритные скульптуры чего-то похожего на скрученные фигурки собак из воздушных шаров, которые клоуны делают на вечеринках по случаю дня рождения. Эти красочные скульптуры, однако, сделаны из лучших материалов: полированной до зеркального блеска нержавеющей стали с прозрачным цветным покрытием.

Джефф Кунс | Воздушный шар (синий), 2002 | Металлизированный фарфор | Продан за: 14 375,00 долларов США

Хотя его работы кажутся дешевыми, они дороги, что заставляет публику и крупных коллекционеров произведений искусства пересмотреть свое представление о том, как выглядит изобразительное искусство.Считающийся гением, Кунс сегодня является самым высокооплачиваемым художником из ныне живущих.

Среди других нео-поп-исполнителей — Алекс Кац, Яёи Кусама, Джулиан Опи и японский художник Такаши Мураками . Мураками использует популярные аниме-образы в своем стиле «Superflat» и недавно сотрудничал с такими модными лейблами, как Louis Vuitton. Устраняя границы между высокими и низкими формами искусства, Мураками продолжает пересматривать роль искусства как товара.

Такаши Мураками | Шангри Ла, Шангри Ла и Когда я закрываю глаза, я вижу Шангри Ла, (две работы), 2012–16 | Цветные офсетные литографии на плакатной бумаге | Продан за: 7500 долларов.00

Шепард Фейри | Надежда, 2008 | Шелкотрафарет в цветах на тканой бумаге | Продан за: 3750,00 долларов США

Движение поп-арта по-прежнему актуально и оказывает влияние в современном искусстве и культуре, благодаря политическим плакатам Шепарда Фейри, который привлек внимание общественности благодаря его предвыборным плакатам Барака Обамы «Надежда» в 2008 году, и знаменитому анонимному Бэнкси, который продолжает свои сатирические граффити. искусство, комментирующее социальные проблемы, часто с помощью черного юмора. Сегодня поп-арт продолжает процветать как источник вдохновения для современных художников.

Посетите наш отдел современного искусства, чтобы узнать о предстоящих аукционах и архивной информации, связанной с поп-артом. Наши специалисты также предлагают бесплатную оценку произведений искусства, которые вы хотите продать.

Автор: Heritage Редакционное

Эта статья была написана совместными усилиями нескольких экспертов в категории Heritage Auctions.