от простого к сложному — ПУНКТУМ

---

Это прошедшее мероприятие

Вы не можете на него записаться

«Стиль – средоточие истории искусства». Генрих Вёльфлин

Искусство многообразно. Однако даже у такого сложного художественного явления есть свой универсальный ключ, который позволяет его понять и структурировать. Имя этому коду-ключу – стиль.

Стиль системен, объединяет и структурирует разные явления – простые и сложные, проявляясь во всех видах искусства – от орнаментики до архитектуры. Поэтому мы будем исследовать проявления того или иного стиля на самом разнообразном художественном материале и в широком культурном контексте.

«Развитие стиля, — как заметил классик теории стилей Генрих Вёльфлин, — совершается таким же путем, как у растения, которое медленно развертывает листок за листком, пока не станет круглым и полным, завершенным со всех сторон». Мы будем рассматривать стиль в историческом контексте – от античности до начала XX века.

Развиваясь и во времени, и в пространстве, стиль приобретает новые черты, которые формируют национальные художественные школы. Мы будем обращаться внимание на творчество определенных художников, архитекторов, живописцев, ваятелей и видеть, как на уровне индивидуальных стилей и творческих манер прорабатываются определенные приемы и методы того или иного стиля.

Курс рассчитан на 19 занятий.

1. Древняя Греция: «греческое чудо» — 14 сентября в 19-30

Диалог истории и современности. Старый и Новый Акрополь в архитектурном проекте Бернара Чуми.

«Греческое чудо» — так назвал уникальную культуру Древней Греции французский историк и писатель Эрнест Ренан. Подобная высокая оценка понятна. Эллины заложили фундамент классического искусства, «основы основ» классических стилей, которое стало отправной точкой и ориентиром для стилевых поисков последующих поколений европейских художников.

Как говорил современный культуролог М. Л. Гаспаров: «Из столетия в столетие в учебниках математики переписывались почти те же определения, какие были когда-то даны Евклидом; а поэты и художники упоминали и изображали Зевса и Аполлона, Геракла и Ахилла, Гомера и Анакреонта, Перикла и Александра Македонского, твердо зная, что читатель и зритель сразу узнает эти образы. Поэтому лучше узнать древнегреческую культуру — это значит лучше понять и Шекспира, и Рафаэля, и Пушкина».

На лекции будет уделено особенное внимание особенностям ордерной системы, которая определила лик классической архитектуры, вазописи и типологии Дресселя, принципам золотого сечения, учению гармонии сфер и его влиянии на развитие театра, скульптурным канонам Поликлета и Фидия, а также современным изысканиям в области антиковедения.

Лекция 2. Древний Рим. «Вечный город» — 21 сентября в 19-30

Фреска «Сад». Вилла Ливии, Рим.

Древний Рим как особое самостоятельное художественное явление начали изучать лишь в ХХ веке. Видные антиковеды полагают, что реальная история римского искусства не написана, не раскрыта вся сложность его проблематики, оригинальность и многоголосие художественного языка и стилевых систем. Одна из причин заключена в том, что под «Древним Римом» подразумевается великая Римская империя — все завоеванные им страны и народы, входившие в состав Римской державы — от Британских островов до Египта. И римское искусство создавали не только римляне, но и покоренные ими народы: древние египтяне, греки, шины, жители Пиренейского полуострова, Галлии, Древней Германии. Другая  — в том, что вплоть до XIX века большая часть Рима была погребена под землей. Новые поколения возводили строения, разбивали площади на месте предыдущих построек. Свой вклад в изучение  памятников Вечного города внесли не столько археологи, сколько архитекторы, скульпторы, художники, поэты, которые устраивали длительные экспедиции и буквально выкапывали из толщи земли и песка чудесные находки.

На лекции будет уделено внимание как классическим, так и малоизвестным памятникам архитектуры, скульптуры, декоративно-прикладного искусства (росписи, фрески, мелкая пластика), которые стали достоянием мировой культуры и определили особенности художественного языка древнеримского искусства.
Лекция 3. Романика. «Мир городов и монастырей» — 28 сентября в 19-30

Рочестерский замок, Великобритания

Ученый, археолог и основатель Французского археологического общества Арсисс де Комон внес значительную лепту в изучение истории, архитектуры и искусства. Именно он в 1824 году для характеристики европейского искусства XI-XII вв. ввел в научный обиход термин «романский».

Романский стиль стал первым стилем, который распространился по всей католической Европе  — от Дании до Сицилии и который соединил различные элементы римского и меровингского искусства, византийского и ближневосточного, максимально воплотившись в архитектуре, монументальной живописи, скульптуре и декоративно-прикладном искусстве.

Лекция 4. Готика. «Лестница в небо» — 5 октября в 19-30

Миланский собор. Италия.

Сейчас нет человека, который не был бы потрясен величием готической архитектуры. Художественные образы выражают мистическую устремленность человеческой души к  бесконечному, божественному , неведомому.  Но мало кто знает, что существование готики, в том числе и многих архитектурных шедевров, было под угрозой полного разрушения.

Почему готический стиль, столь яркий и характерный, длительное время не был воспринят как самостоятельное художественное явление, в чем суть масверка и какое он имеет отношение к изящным многоцветным витражам, когда появился готический шрифт и почему фасады были украшены фантастическими существами –  все эти вопросы мы будем обсуждать на лекции.

Лекция 5. Ренессанс. Торжество гуманизма — 12 октября в 19-30

Собор Санта-Мария дель Фьоре. Архитектор — Филиппо Брунеллески. Флоренция.

Ренессанс. Сложно назвать иную культурную эпоху, давшую столько великих имен художников, скульпторов, архитекторов, чьи работы восхищают глубиной художественных образов, чистотой и глубиной стиля, разнообразием и  оригинальностью творческих находок. Это искусство перспективно и в прямом, и в переносном смысле. Оно не только использовало законы перспективы и светотени, утвердило важность пропорций и анатомии, но и соединило в единое целое  античную телесность и средневековую духовность, открыв дорогу для создания образа совершенного человека  – homo universalis – и совершенного искусства, основанного не только на божественном вдохновении, но и на точном научном знании и математическом расчете.

Брунеллески, Альберти, Браманте создали новые церковные  и общественные сооружения, дворцы, гармоничные и соразмерные человеку. Пьеро делла Франческа, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Тициан воплотили героическое представление о человеке,  утвердив принципы гуманизма, освоив новые  художественные методы.

Появление новых и развитие «забытых» видов и жанров искусства  – фресковой, станковой и портретной живописи, гравюры и графики вкупе с грандиозным развитием архитектуры, скульптуры и литературы характеризует этот период мировой культуры.

Лекция 6. Барокко. Величие и монументальность — 19 октября в 19-30

Ватикан. Собор святого Петра. Архитектор – Лоренцо Бернини.

Барокко – один из ярких классических стилей, рожденных в недрах Нового времени. Он ассоциируется с расцветом архитектуры и музыки, «золотым веком»  литературы и театра, эпохой великих мастеров живописи и скульптуры. Становление национального самосознания народов определило своеобразие этого стиля и разные формы его существования в Италии, Испании, Португалии, Южной Германии, Чехии, Польше, Литве, испанских и португальских колониях в Латинской Америке. Имена Бернини, Борромини, Растрелли, Караваджо, Рубенса, Веласкеса , Рембрандта, Вивальди, Баха, Генделя вошли в сокровищницу мировой культуры.

На лекции мы будем уделять внимание самым разным вопросам: почему барокко называли «стилем католицизма», что подтолкнуло Жан Жака  Руссо считать барокко проявлением дурного вкуса и «искажением прекрасного», почему архитектура барокко –архитектура гипермасштаба, и какую роль играли ансамбли в развитии городов, откуда взялся ормушль, чем отличается европейское барокко от русского, и как используется художественный язык барокко в современном искусстве и дизайне.

Лекция 7. Рококо и шинуазри. Стиль галантности и легкомыслия — 26 октября в 19-30

Франсуа Буше. Мадам де Помпадур

Рококо – один из самых известных «королевских стилей», который совпадает с эпохой правления Людовика XV.  Выработанный в искусстве Франции первой половины XVIII века рококо возник как камерный стиль аристократических гостиных и будуаров и быстро распространился за пределы Франции, повлияв на развитие европейского искусства.

На лекции мы будем не только обсуждать классиков этого стиля Ватто, Буше и Фрагонара, говорить об особенностях архитектуры павильонов и интерьеров дворцов, уникальности фриттового фарфора и пасторалей, влиянии китайской культуры и становлении  шинуазри, но и исследовать роль великих женщин – маркизы де Помпадур, мадам Дюбарри, Марии Лещинской в истории и развитии искусства.

Лекция 8. Классицизм. Изящная природа — 2 ноября в 19-30

Москва. Дом Пашкова. Архитектор Василий Баженов.

Классицизм – художественный стиль XVII – XIX вв., в котором величественное искусство Древнего Рима считалось образцовым, поэтому во Франции это время называли «временем Минервы и Марса».

Философия Рене Декарта определила особенности и характеристики классицизма. Никола Буалов литературе, Франсуа Блондель в архитектуре, Никола Пуссен в живописи показали путь к изображению «изящной природы» и созданию идеального искусства. Возникшие Академии регламентировали  художественную жизнь общества, зафиксировав способы создания академического, «правильного» искусства с характерной монументальностью форм, логической ясности композиции, сдержанностью декора, простотой гармонии целого.

Лекция 9. Ампир. Лапидарность и монументализм — 22 ноября в 19-30

Резиденция Наполеона – Мальмезонский дворец, округ Парижа, Франция

Имперский стиль или ампир — стиль высокого классицизма в архитектуре и прикладном искусстве, возникший во Франции в период правления императора Наполеона Бонапарта. Парадный, торжественный, военно-триумфальный стиль развивался в 1800-1830-х годах во Франции, чуть позже — в европейских странах и в России.
Художественный замысел стиля с его лапидарными и монументальными формами, богатым декорированием, включением элементов военной символики, влиянием художественных форм Римской империи и Древнего Египта был призван воплощать идеи могущества власти и культ сильного государства.

Лекция 10.  Романтизм: мир чувств — 29 ноября в 19-30

Мостик в Таврическом саду, Царское село.

«Я чувствую, следовательно, я существую!» – эта максима голландского мистика Франца Гемстергейса определила новое направление в искусстве – романтизм. Мир сложен и изменчив, и только с помощью интуиции и иронии возможно познать его многообразие.

Страсть к необычному, неизведанному и новому – суть романтизма, в котором ценности «неклассического» искусства Древнего Востока, средневековой готики, Проторенессанса были возвышены до идеала, а глубины подсознания и мистические озарения показали новый путь творческим умам.

На лекции мы будем обсуждать не только уникальность творческой манеры Гойя, Эжена Делакруа, Теодоро Жерико, Франсиско Гойи Фридриха Шопена и Ференца Листа, Альфреда де Мюссе и Жорж Санд, но увидим, как появление новых материалов и технологий повлияли на коммерциализацию искусства и становлению массовой культуры.

Лекция 11.  Прерафаэлиты и британское искусство. Прорыв в будущее — 6 декабря в 19-30

Red House — дом Уильяма Морриса, построенный архитектором Филиппом Уэббом в 1860 году.

Влиятельный английский критик  и теоретик искусства Джон Рёскин два года наблюдал за художественными поисками прерафаэлитов, прежде чем сказать свое веское слово в защиту молодого объединения. «Легко управлять кистью и писать травы и растения с достаточной для глаза верностью; этого может добиться всякий после нескольких лет труда. Но изображать среди трав и растений тайны созидания и сочетаний, которыми природа говорит нашему пониманию, передавать нежный изгиб и волнистую тень взрыхленной земли, находить во всём, что кажется самым мелким, проявление вечного божественного новосозидания красоты и величия, показывать это немыслящим и незрящим, — таково назначение художника». Оценка Рёскина была столь велика и столь значительна, что работы, подписанные анаграммой P.R.B.,  вошли в контекст британской культуры наравне с академическим искусством  викторианской эпохи, утвердив новые стандарты художественности

Что такое P.R.B.,  в чем новизна и традиционность художественного языка прерафаэлитов, где хранится самая большая коллекция  прерафаэлитов, какой вклад внес  Эрнест  Гемберт  в продвижение работ братства, как повлияло мыло Эндрю Пирса на содержание картины «Детский мир», в чем преемственность «старших» и младших» прерафаэлитов,  какая связь существует между работами прерафаэлитов и становлением нового вида искусства – фотографии,  какое воздействие прерафаэлиты оказали на Эстетическое движение и Движение искусств и ремёсел,  кто участвовал в проекте строительстве  загородного дома Уильяма Морриса  Red House,  — об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

Лекция 12. Символизм. В поисках нового смысла

Микалоюс Чюрлёнис. «Рай». 1909 г.

Философия и эстетика символизма складывалась под влиянием различных учений — от взглядов древнегреческого философа Платона до концепций Эммануила Сведенборга, Анри Бергсона, Фридриха Ницще или Владимира Соловьева.  Традиционной идее познания мира посредством разума символисты противопоставили идею интуитивного созерцания, которое позволяет проникнуть в тайны мироздания. Символ в художественном творчестве – это тот универсальный ключ, который  позволяет открыть двери бытия.

Копилка символизма разнообразна и непроста. Каждый «экспонат» требует особого душевного настроя и внимательного обхождения вне зависимости от предмета исследования – будь это странные фантазии Одилона Редона, смелые эксперименты Микалоюса Чюрлёниса, «Манифест» Жана Мореаса или «Соотвествия» Бодлера.

Лекция 13. Ар нуво. Прекрасная эпоха

Барселона. La Sagrada Familia. архитектор — Антонио Гауди.

Если понимать жизнь как искусство, как это делали Орта, Гауди, Гимар, Тассель, Вельде или Макинтош, то вся предметная среда — от особняка до вилки — превращается в бесконечное путешествие в мир прекрасного, который в России получил название «модерн», во Франции – «ар нуво», в Германии – «югендстиль», в Италии – «либерти».

Среди художников и мастеров «La Belle Époque» наибольшую известность получили Луис Тиффани художник Густав Климт, Тулуз-Лотрек, Обри Бердслей, Альфонс Муха, Лев Бакст, Михаил Врубель, Федор Шехтель. И это не весь список тех, кто преобразил европейские города, придав им изящества и оригинальности.

Лекция 14. Ар деко. Мир гламура

Эрте. Spring Rain.

Ар деко имеет много названий. Среди его имен   —  «зигзаг модерн», «джаз модерн», «стиль Пуаре», «стиль Шанель»…  Ар деко тотален, как любой стиль, и сфера его  влияния широка: от архитектуры, скульптуры и живописи до промдизайна и моды.

Ар деко мгновенно покорил мир и до сих пор остается источником вдохновения для  художников и дизайнеров, поскольку синтезировал современные материалы и технологии и традиционное искусство Египта и Месопотамии, ацтеков и майя.

На лекции мы будем обсуждать роль мировых выставок в развитии и распространении стиля на примере  парижской «L’Exposition Internationale des Arts Decoratifs et Indu-striels Modernes», увидим блистательные работы Рене Лалика, Эрте, Эдгара Брандта и Эмиля-Рене Рульманна и многих других участников этой выставки, поймем, в чем сходство интерьеров американских небоскребов и московского метрополитена и почему ар деко наступает на пятки современности.

Лекция 15. Веркбунд и Баухаус. В поисках стиля

Музей-архив школы Баухаус в Берлине построен по проекту Вальтера Гропиуса.

Веркбунд и Баухаус, организованные в начале XX века, просуществовали два десятка лет, однако идеи, заложенные в этой школе, нашли свое воплощение в самых разных областях искусства и культуры.  И это – закономерно. Эти школы были  передовыми и по составу  преподавателей, среди которых были Василий Кандинский и  Пауль Клее, Теодор Фишер и Рихард Римершмид, Вальтер Гропиус и Людвиг Мис ван дер Роэ, Ласло Мохой-Надь и Иоханнес Иттен, Гербер Байер и Марсель Бройер, и по методам преподавания,  где практика и эксперимент ценились  также же высоко, как и фундаментальные знания.

В настоящее время работы, созданные век назад в рамках этих объединений, продолжают вдохновлять современных архитекторов и художников. В чем секрет такого успеха; какое влияние оказал Веркбунд и Баухаус на развитие интернационального стиля;  почему серийное производство и типизация предметной среды дали толчок развитию дизайна; кто заложил основы современной колористики; когда открылся «Новый Баухаус» в Чикаго; почему Кандинский написал книгу «Точка и линия на плоскости»; кто определил лицо немецкого Vogue,  –  об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

Лекция 16. Конструктивизм: фейерверк русского авангарда

«Мы – зодчие земель, планет декораторы», – звонко бросил Владимир Маяковский, и его поддержал Моисей Гинзбург: «Архитектор чувствует… себя не декоратором жизни, а ее организатором». И это были не просто слова, а манифестарные заявления, определявшие культурный контекст эпохи, художественные поиски 1920-1930-з годов.

Какие идеи Моисея Гинзбурга получили развитие в работах зарубежных мастеров архитектуры через пару десятков лет; в чем особенность жилой архитектуры на примере домов-коммун и дворцов советов; какие истории рассказывают о Доме на набережной и Доме Наркомфина на Гоголевском бульваре; как выглядело типовое жилье для советской элиты и рабочих; для каких целей использовался камышит и соломит, фибролит и ксилолит; какие Дворцы труда и клубы сохранились до сих пор; в чем какие работы выли выполнены Степановой и Любовью Поповой для Первой ситценабивной фабрики в Москве «Циндель», и как они используются в работах современных модельеров; в чем уникальность работ Александра Родченко и Константина Мельникова, Эль Лисицкого и братьев Голосовых, Моисея Гинзбурга и братьев Весниных, Алексея Гана, Якова Чернихова и Ивана Леонидова; — об это и многом другом мы поговорим на лекции.

Лекция 17. Модернизм. Выразительная простота

Капелла Роншан или Нотр-Дам-дю-О, 1950-1955 гг., архитектор – Ле Корбюзье.

Модернизм, как заметил испанский философ Хосе Ортега-и-Гассет, «целиком состоит из отрицания старого», в том числе традиционного, классического искусства. Радикальным критерием художественности стала тотальная новизна. Поиски универсального языка искусства привела отказу от любого проявления национального и регионального, которые были отброшены во имя великого интернационального стиля. На знамени архитектуры появился новый девиз: «Форма следует функции», – который по-разному был воплощен в творчестве Вальтера Гропиуса и Геррита Ритвельда, Ле Корбюзье и Фрэнка Ллойда Райта, Людвига Мис ван дер Роэ и Оскара Нимейера, Алвара Аалто и Рихарда Нойтры, etc.

Какое влияние оказал научно-технический прогресс на архитектуру; какая существует связь между орнаментом и преступлением; какие новые средства выразительности в архитектуре стали приоритетными; и к чему привели поиски универсального художественного языка; – об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

Лекция  18. Модернизм. Бунт и поиск

Анри Матисс. «Красные рыбки» 1911

Модернизм – это и бунт, и поиск первооснов художественного творчества. История модернистских течений состоит в резкой смене крайностей по закону маятника:  чувственные впечатления импрессионистов сменяются геометрическим стилем Сезанна, психологизм экспрессионизма – «неоклассицизмом» 1920-х, абстрактный экспрессионизм  1950-х – поп-артом.

Почему  модернизм до сих пор вызывает самые противоречивые отклики, оставаясь одним из самых масштабных направлений; почему эта «революция в искусстве» превратилась в бунт против классической традиции и имела столь заразительную силу; что объединяет кубизм, абстракционизм и футуризм, дадаизм и поп-арт, экспрессионизм и сюрреализм; какое влияние оказал  научно-технический прогресс на искусства; какие  новые средства выразительности стали приоритетными и к чему привели поиски универсального художественного языка, – об этом мы поговорим на лекции.

 Лекция 19. Постмодернизм. Тонкие грани

Piazza d’Italia, Новый Орлеан, 1976-1979 гг., архитектор – Чарльз Мур.

Искусство второй половины XX века вернулось к сложным ассоциативным рядам, к «остроумию, орнаменту и знаку». Язык творчества стал выразительнее и богаче. Постмодернизм, пришедший на смену модернизму, прочно встал на ноги контекстуализма, орнаментализма, синкретизма, театральности и иронии.

Почему книги Роберта Вентури «Сложности и противоречия в архитектуре»  и Чарльза Дженкса «Язык архитектуры постмодернизма» стали манифестами нового направления;  что такое «обратная археология»; и где искать симулякры; о границах цитирования и новом понимании оригинальности;  о том, почему постмодернизм называют «яичницей из классиков» , – об этом и многом другом мы поговорим на лекции.

—

Лектор

Елена Рубан – культуролог, преподаватель МАрхИ и ВШС.

Стоимость:

Стоимость одной лекции — 500р.
На данный курс никакие скидки не распротраняются.
На курс лекций действуют стандартные абонементы Пунктума  с доплатой 100р.

Запись:

Перейти к заказу билетов

Исторические стили интерьера — Open Village

Стиль интерьера ― это совокупность деталей и признаков, отличающих разные направления в отделке, оформлении, меблировке и декорировании помещений.

Стили появлялись постепенно: одни стали отражением эпох, другие формировались в зависимости от особенностей национальной культуры, а третьи определили современные течения в искусстве. Чтобы вы легко ориентировались в дизайне и оформлении помещения, Open Village подготовил настоящий Style Guide, который легко и быстро познакомит вас с основными направлениями в интерьере.

Стили интерьера делятся на следующие группы:

1. Исторические
2. Этнические
3. Современные

И первыми мы рассмотрим исторические стили. Обычно такие стили характеризуют определенный этап развития архитектуры (античный, викторианский и романский стили; готика; ампир; ренессанс; барокко; рококо; классицизм; модерн). Также в эту группу относят стили, попавшие под влияние течения художественного искусства или определенной философии (романтизм, экспрессионизм).

Античный стиль

Этот стиль зародился ещё в 5 веке до н. э., и его история лежит у истоков Древнего Рима и Древней Греции. Это самый старый стиль интерьера, соперничать с которым может только стиль Древнего Египта, который чаще всего относят к этническим стилям. Для своего воссоздания античный стиль требует весьма просторного помещения и наличие присущих ему элементов декора (колонн, ниш, мозаичного пола, настенных фресок) и аксессуаров (картин, ваз, скульптур, статуэток, бюстов).

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Романский стиль

Сформировался этот стиль в раннем Средневековье, а потому предполагает стилизацию интерьера огромного помещения, а лучше – замка. Выложенный мрамором пол, полуциркульные арки, круглые или полукруглые окна – все это признаки романского стиля. Сегодня такой стиль будет особенно хорошо смотреться в оформлении просторной гостиной с камином в загородном доме.

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Готический стиль

В позднем Средневековье в архитектуру пришла готика, которую характеризуют как “устрашающе-величественный” стиль. Благородная цветовая гамма, витражи, сочетание дерева и камня, стрельчатые своды и резьба помогли готике привить любовь к деталям и вытеснить романский стиль.

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Стиль Ренессанс

Наступившая после Средневековья Эпоха Возрождения или Ренессанс славится не только выдающимися произведениями искусства, но и памятниками архитектуры. Ну а вслед за экстерьером появился и интерьер Ренессанса с характерными ему арками с позолоченной лепниной, кремовыми стенами, мебелью с ручной резьбой и инкрустацией. “Красиво и дорого” – вот девиз Ренессанса.

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Стиль барокко

В переводе с итальянского этот стиль означает “склонность к излишествам” и лучше, чем эти слова, описать барокко просто невозможно. Обилие вычурных деталей, нарочито подчеркивающих благосостояние и престиж владельца – главный признак такого интерьера. Гобелены, бархат, бахрома, роспись, кисти, сваги и многие другие элементы декора призваны подчеркивать пышность и величие итальянского барокко.

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Стиль рококо

Именно в интерьерах рококо жила королева Франции Мария-Антуанетта, предложившая голодающему народу питаться пирожными. В своём время рококо называли “утрированным барокко” : стили действительно немного похожи в своей вычурности, однако французский рококо выглядит более женственным и игривым. Нежная пастельная палитра, обилие золота, узорчатые завитки, ангелы и цветочные мотивы делают этот стиль очень театральным.

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Стиль классицизм

Вторая половина 18 века характеризуется более спокойным веянием классицизма. Утомившие своей кричащей роскошью Барокко и Рококо уступили место сдержанной элегантности и строгой аристократичности. Интерьеры в классическом стиле подразумевают зонирование помещений с помощью полуколонн и фронтонов, преобладающую симметрию, светлую цветовую гамму и натуральные материалы. Классицизм не спешит отказываться от таких предметов декора, как массивные люстры, картины и фестоны, но вписывает их в композицию очень гармонично, при этом не перегружая интерьер.

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Стиль ампир

Появился стиль ампир в первом тридцатилетие 19 века в Наполеоновской Франции. Однако ампир не продолжил идеи классицизма в сторону неперегруженной элегантности, а добавил мотивы египетской культуры (головы и лапы львов и сфинксов, увенчивающие ножки подлокотников диванов и кресел) и военную символику (шпаги в барельефах, золоченые кисти, шлемы и знамена).

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Стиль романтизм

Одновременно с ампиром развивается и другое идейное и художественное направление в культуре – романтизм. В интерьерах этого воздушного стиля отлично сочетаются причудливые и утонченные линии, легкие и основательные конструкции. Кремовые цвета и потолки с плинтусами, обильные драпировки и антикварная мебель, настольные лампы и настенные бра – одним словом изящный подход к оформлению пространства и особое внимание к деталям.

Фото: Pinterest

Викторианский стиль

Сформировавшийся во вторую половину 19 века в годы правления королевы Виктории в Великобритании, этот стиль соединил в себе элементы готики и рококо, а также кое-то заимствовал у китайских и индийских этнических стилей. Отличительной особенностью викторианского стиля считается оформление разных комнат в разных стилях. Например, библиотеку традиционно оформляют согласна канонам готики, а дамский будуар в стиле рококо. Обилие дерева, старинные предметы, тяжелые портьеры – признаки интерьера в стиле английской буржуазии.

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Стиль модерн

20 век привносит в архитектуру и дизайн интерьера нечто совершенно новое – стиль арт-нуво или модерн. Плавные силуэты и s-образные изгибы настолько не похожи на все то, что было до этого, что модерн считается настоящим революционным стилем. Интерьеры в стиле арт-нуво так же отличает приглушённый свет, природная спокойная цветовая гамма, витражи и цветочные узоры.

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Стиль экспрессионизм

Экспрессионизм также появился в начале 20 века. Этот стиль сразу заявил о своей индивидуальности: для максимального воздействия на зрителя экспрессионизму свойственно нарочито искажать традиционные архитектурные формы. То же самое и в интерьере – вызывающая мебель, совмещение разных фактур и материалов, заострённые линии, яркий контраст, игры с пространством и объёмом и многое другое. Экспрессионизм не имеет строгих рамок, главное – чтобы общая картина произвела неизгладимое впечатление.

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Стиль ар-деко

В первой половине 20 века во Франции появляется новое течение в изобразительном и декоративном искусстве – ар-деко (иногда арт-деко). Смелые геометрические формы, экзотические предметы, этнические геометрические узоры, пёстрые орнаменты, роскошь, шик, дорогие, современные материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа, алюминий, редкие породы дерева, серебро) – все это интерьер в стиле ар-деко.

Фото: Pinterest

Фото: Pinterest

Стили в искусстве — katyswon

Что такое стиль в искусстве

Cтиль (лат. stylus от греч. stylos – палочка для письма) — единство морфологических особенностей, отличающее творческую манеру отдельного мастера, национальную или этническую художественную традицию, искусство эпохи, цивилизации и т.д.
Наиболее наглядно особенности того или иного стиля проявляются в архитектуре и уже оттуда проникают в живопись, скульптуру, литературу, музыку.
Иногда понятие стиля употребляют и для обозначения особенностей искусства той или иной страны или великого художника, композитора. Например, можно говорить об устойчивых признаках китайского стиля или греческого, а также стиля Рембрандта или Скрябина.
Стиль крупного художника обычно рождает направление в искусстве, которое принято называть школой. Известны школы Рафаэля, Кандинского.
Отметим также, что отдельные стили могут развиваться одновременно или даже проникать друг в друга. Так, в живописи второй половины XIX — начала XX века очень заметно смешение приемов различных стилей, чаще всего реалистического и стиля модерн (творчество Л.Андреева, Б.Зайцева, В.Поленова, И.Репина).
Для некоторых стилей, например модернизма, характерна достаточно быстрая смена направлений развития, причиной которой является интенсивный творческий поиск художника.

НАПРАВЛЕНИЯ В ИСКУССТВЕ

АБСТРАКТНОЕ ИСКУССТВО (АБСТРАКЦИОНИЗМ) — беспредметное искусство, нонфигуративное искусство, направление художественного творчества, не использующее изображение окружающего мира в привычных формах. Предметы и свои эмоции абстракционисты передают с помощью определенных элементов художественной формы (цветовое пятно, линия, фактура, объем). Не изобразительные картины сложно организованы по ритмике и цвету. Абстрактное искусство возникло в 1910-13 гг. в ходе расслоения кубизма, экспрессионизма, футуризма. В России абстрактное искусство после Октябрьской революции развивалось как андерграунд. С 1990 г. оно выступает на одном уровне с другими формами художественного творчества.

АВАНГАРДИЗМ — условное наименование различных художественных направлений в искусстве XX века для которых характерно стремление к коренному изменению принципов и традиций художественной практики — кубизм, ФУТУРИЗМ, экспрессионизм, дадаизм, сюрреализм, абстрактное ИСКУССТВО, аналитическое ИСКУССТВО, ЛУЧИЗМ, КОНСТРУКТИВИЗМ, кубофутуризм, супрематизм, концептуализм, минимализм, постмодернизм, поп-арт и др. Авангардисты стремятся к новым средствам выражения и формам произведений. Некоторый спад авангардизма произошел перед второй мировой войной. После ее окончания происходит оживление авангардистских тенденций, возникает неоавангардизм.

АГИТАЦИОННОЕ ИСКУССТВО — одна из форм идейно-политического и эстетического воздействия на массы. Наибольшее распространение получило в XX в. в России после Февральской революции и Октябрьского переворота 1917 г. Бурное развитие получила графика, прежде — плакат. Красочно оформлялись революционные празднества, демонстрации и парады, рабочие клубы. Многие ведущие художники (Герасимов, Кустодиев, Петров-Водкин, Татлин и др.) участвовали в подобных работах, создавали к различным датам красочные панно, объемные конструкции. После Второй мировой войны агитационное искусство, ограничившись политической пропагандой, приобрело характер формального и безадресного назидания.

АКАДЕМИЗМ — направление, сложившееся в художественных академиях XVI-ХIХ вв. Было основано на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Считая современную действительность низкой и недостойной «высокого искусства», академизм противопоставлял ей вневременные формы красоты, мифологические, исторические или библейские сюжеты. Со временем академическая система стала консервативной, насаждала казенное, отвлеченное от жизни искусство. В середине XIX в. в России деятельность Академии художеств пришла в противоречие с развитием живописного процесса. В 1863 г. произошел публичный разрыв с Академией группы ее выпускников (во главе с И.Н. Крамским), объединившиеся в Артель ХУДОЖНИКОВ. Именно с этого времени понятие «академизм» приобрело отрицательный смысл, характеризуя это направление как догматическое.

АКЦИОНИЗМ (англ, action art — искусство действия) — обобщающее название для ряда форм, возникших в авангардистском искусстве 1960-х гг. (хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации). Представители акционизма считают, что художник должен заниматься не созданием статичных форм, а организацией событий, процессов. Истоки акционизма следует искать в деятельности футуристов, дадаистов, сюрреалистов. Движение стремится стереть грань между искусством и действительностью.

АМПИР — стиль в архитектуре, декоративно-прикладном и изобразительном искусстве первой трети XIX в. в странах Европы. Ампир черпал в искусстве Древней Греции, императорского Рима и Древнего Египта, с одной стороны, монументализм, лаконизм, а с другой — идею утверждения имперского величия через посредство многочисленных атрибутов и символов. В России ампир (высокий классицизм) получил наибольшее распространение в градостроительных ансамблях центра Петербурга и Москвы.

АНАЛИТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО — метод, разработанный и обоснованный Филоновым в ряде теоретических работ и в собственном живописном творчестве 1910-20-х гг. Отталкиваясь от принципов кубизма, Филонов считал необходимым обогатить его ограниченный рационализмом метод принципом «органического роста» художественной формы и «сделанности» картин. В своем искусстве Филонов шел от частного к обшему от «элементарных частиц» природного мира и живописного произведения к созданию целостной картины мира. В 1925 г. Филонов возглавил коллектив «Мастера аналитического искусства»

АНДЕРГРАУНД (англ, underground — подполье) — понятие, возникшее в США и означающее «подпольную» культуру противопоставляющую себя ограничениям и условностям культуры, господствовавшей в обществе. В России в советский период понятие андерграунда стало ооозначением сообществ, представлявших неофициальное, не признанное властями искусство, а также литературу, музыку и т.п. В русле андерграунда развивались течения явангардизма, соц-арта и других оппозиционных направлений. После снятия ограничений на свободу художественного творчества в начале 1990-х годов андерграунд сошел на нет.

АССАМБЛАЖ — собирательное понятие, охватывающее различные типы материальных комбинаций, создававшихся художниками-нонконформистами 1960-х — 1970-х гг.

БАРОККО (итал. barocco — причудливый, странный) — один из главенствующих стилей в архитектуре и искусстве европейских стран конца XVI — середины XVIII вв. Искусство барокко характеризует грандиозность, пышность, интенсивность чувств, сильные контрасты: иллюзорного и реального, масштабов и ритма, света и тени, материалов и фактур. Эпоха барокко отмечена подъемом и синтезом архитектуры, монументального и декоративно-прикладного искусства. В России этот подъем пришелся на первую половину XVIII в.: городские и усадебные ансамбли отличаются торжественной ясностью и цельностью композиции зданий и архитектурных комплексов.

ВОЗРОЖДЕНИЕ — одна из величайших культурно-исторических эпох, переломный для истории Европы этап между Средними веками и Новым временем. Термин «Возрождение» является калькой французского термина «Ренессанс». Эпоха Возрождения характеризуется кардинальными сдвигами в ориентации и содержательном пафосе культуры и искусства, провозглашением реального мира и человека как высшей ценности, обращением к античной культуре как к высшему духовному авторитету, источнику знаний, этических и эстетических ценностей.

ГИПЕРРЕАЛИЗМ (англ, hyperrealism) — фотореализм, направление в американском и западном искусстве, сложившееся к концу 1960-х гг. и стремящееся восстановить утраченную в модернизме жизненную конкретность художественного языка. Это течение пыталось дать максимально ооъективную картину действительности за счет имитации образов фотографии. Представители гиперреализма применяют в основном приемы, сводяшие до минимума следы личного почерка художника. При этом индивидуальность техники совершенно пропадает.

ГРАФФИТИ — в первоначальном значении надписи или рисунки, обнаруженные на стенах античных сооружений и сосудов. Так называют также и современные надписи и рисунки, оставленные на стенах домов, оградах, в метро детьми или взрослыми. Граффити либо процарапываются в штукатурке, либо выполняются любым оказавшимся под рукой материалом. Как проявление «низового», наивного творчества граффити привлекали внимание многих современных художников, ценивших в них предельный лаконизм, использование минимального количества графических элементов для обозначения лица, человеческой фигуры, характерного движения.

ГРОТЕСК — тип художественной образности, основанный на контрастном, причудливом сочетании фантастики и реальности, прекрасного и безобразного, трагического и комического.

ДАДАИЗМ (франц. dadaisme, от dado — деревянная лошадка, в переносном смысле — бессвязный детский лепет) — модернистское направление в западноевропейском искусстве. Зародился в Цюрихе в 1916г., характеризуется иррационализмом, демонстративной антиэстетикой, отрицанием каких-либо традиций. Дадаистские методы комбинации «готовых» предметов стали в середине XX века источником поп-арта.

ИМПРЕССИОНИЗМ — направление в искусстве XIX — начала XX вв. Появилось во Франции после выставки 1874 г., на которой была экспонирована картина К. Моне «Впечатление. Восходящее солнце». В своих картинах импрессионисты стремятся запечатлеть как бы случайно пойманный взглядом преходящий момент непрерывного течения жизни, сохранить свежесть первого впечатления. Под влиянием французского импрессионизма сложилось творчество таких русских художников, как К. А Коровин, В.А. Серов, Н.Э. Грабарь и др.

ИНСТАЛЛЯЦИЯ — пространственная композиция, созданная художником из различных элементов -бытовых предметов, промышленных изделий и материалов, природных объектов, фрагментов текстовой или визуальной информации. Широко распространена в современном искусстве. Эстетическое содержание инсталляции — в смысловых трансформациях, игре значений, возникающих в результате преображения окружающей среды и смены контекстов.

ИСТОРИЧЕСКИЕ СТИЛИ — условное собирательное название стилизаторского использования элементов декора крупных стилевых систем прошлого.

КИНЕТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО — направление в современном искусстве, связанное с широким применением движущихся конструкций и др. элементов динамики. Кинетизм как самостоятельное направление оформился во второй половине 1950-х гг., однако ему предшествовали опыты создания динамической пластики в русском конструктивизме, дадаизме. В Советском Союзе в 1960-х гг. действовала группа кинетистов «Движение».

КЛАССИЦИЗМ — художественный стиль в европейском искусстве XVII — начала XIX вв., одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства как к идеальному эстетическому эталону. В искусстве классицизма главенствуют уравновешенность и симметрия, статика, четкие геометрические формы. В русском искусстве развитие классицизма приходится на последнюю треть XVIII — первую треть XIX в. Все лучшие архитектурные ансамбли различных городов появляются именно в этот период. В живописи наиболее ярко классицизм проявился в произведениях исторического и мифологического жанров.

КОНСТРУКТИВИЗМ — направление в советском искусстве начала XX в. Конструктивисты поставили себе задачу «конструирования» окружающей среды, стремились осмыслить возможности новой техники, исследовали эстетику таких материалов, как металл, стекло, дерево. В борьбе за практичность были разработаны проекты домов культуры, рабочих клубов, фабрик-кухонь, модели рабочей одежды. К конструктивистам принадлежали художники А. Родченко, В. Татлин, В. Степанова и др.

КОНЦЕПТУАЛИЗМ — одно из направлений в искусстве авангарда, зародившееся в 1960-е гг. Особенность этого стиля состоит в принципиальном отказе от воплощения идеи в материале, то есть в сведении искусства исключительно к феноменам сознания. Произведения концептуального искусства связаны с текстами, надписями, документами, то есть с областью языка. При этом материальные средства выполняют роль лишь возбудителя представлений; предметом созерцания является мысленная форма. В русском искусстве художниками-концептуалистами традиционно считаются такие авторы, как И. Кабаков, И. Чуйков, В. Пивоваров, Д.А. Пригов, группы «Коллективные действия», «Мухомор», «Гнездо», «Медицинская герменевтика» и др.

КУБИЗМ — модернистское течение, возникшее в первой четверти XX в. Отказавшись от традиционного реалистического искусства, представители направления обратились к первичным элементарным формам (куб, шар, цилиндр, конус), конструировали объемные формы на плоскости. Сильное влияние на развитие кубизма оказали Писассо, Брак, Грис. В России кубизмом увлекались Малевич, Татлин и др.

КУБОФУТУРИЗМ — течение в русском искусстве 1910-х гг., возникшее на стыке живописи и литературы. Поэты-футуристы активно сотрудничали с художниками-кубистами. В результате выпущен ряд поэтических сборников, оформленных художниками этого течения. Главные фигуры кубофутуризма в России — Д Бурлюк, Маяковский, Хлебников, Каменский и др.

ЛУЧИЗМ — один из ранних опытов авангардной живописи. Создатель течения — Ларионов — изложил его теорию в брошюре «Лучизм» (1913). По мнению Ларионова, художник должен выявить форму, которая получается от пересечения лучей, исходящих от различных предметов. Лучи, как правило, изображались цветными линиями. Течение предшествовало беспредметному искусству, конфигуративной живописи, вызывало природные ассоциации, но не более того — живописного направления из лучизма не получилось.

МАССОВАЯ КУЛЬТУРА — господствующий в индустриальном обществе конца XIX-XX вв. тип культуры, руководимый идеологическими стереотипами и функционирующий как промышленно-коммерческое производство. Принадлежит к числу стандартизованных явлений духовной жизни общества, внедряемых в сознание людей средствами массовой коммуникации. Характеризуется насаждением конформизма в общественном сознания, примитивизацией изображения человеческих отношений, культом сильных личностей, успеха.

МАССОВОЕ ИСКУССТВО — понятие, обозначающее специфические проявления массовой культуры и подразумевающее художественные произведения, предназначенные для удовлетворения запросов анонимной, рассеянной аудитории и распространяемые через средства массовой коммуникации (кино, телевидение, печатная графика и пр.) В массовом искусстве преобладают стереотипы и упрощенные эталоны, рассчитанные на усредненный вкус широкого потребителя.

МЕТАФИЗИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО — искусство, появившееся в нашей стране в 1950-е гг. Художников этого направления прежде всего интересовали серьезные проблемы бытия, а также поиски, связанные с областью духовного. Свет и Тьма, Космос и Хаос, Любовь и Смерть — вот лишь некоторые темы, которые затрагивали художники метафизического направления. К ним можно отнести таких авторов как: Шварцман, Штейнберг, Краснопевцев и др.

МИНИМАЛИЗМ — направление авангардизма 1960-х — начала 1970-х гг. Произведения, созданные в этом стиле, отличает намеренная простота формы, которая зачастую сведена к элементарным геометрическим контурам, а также колористический лаконизм.

МОДЕРН (фр. moderne — новеиший, современный) — стиль в искусстве рубежа XIX-XX вв В идеале модерн должен был стать единым стилем жизни общества, создать вокруг человека единую эстетическую среду (от архитектуры жилища до деталей костюма). Одним из основных выразительных средств в искусстве модерна был орнамент, часто растительный, пронизанный экспрессивным ритмом, подчиняющий себе композицию произведения. Большое развитие в модерне получила графика — книжное дело, плакаты. В России на примере Абрамцевского кружка можно увидеть программный универсализм художников, работавших в стиле модерн: они одновременно могли быть и декораторами, и графиками, и керамистами и живописцами и скульпторами.

МОДЕРНИЗМ — общее определение разноплановых явлений искусства XX в., которым свойственно отрицание старого, традиционного искусства. Сюда можно отнести и фовизм, и экспрессионизм, и футуризм, кубизм, сюрреализм и др. Модернизм провозглашает превосходство искусства над реальностью.

НАИВНОЕ ИСКУССТВО — одна из областей искусства примитива ХVIII-ХХ вв., включающая изобразительные виды народного искусства, творчество художников-самоучек.

НАТУРАЛИЗМ — направление в искусстве, сложившееся в последней трети XIX в. Истоки натурализма следует искать в литературе (творчество Золя, братьев Гонкуров), но оно оказало влияние и на ряд художников — Мане, Дега и др. Термин натурализма был перенесен на другие явления искусства. Основной интерес течения сосредоточен на изображении человеческого характера, обусловленного его физиологической природой и средой, понимаемой преимущественно как бытовое и материальное окружение. Преувеличенная достоверность внешних деталей, без их критического анализа и осмысления, пристрастие к фактографическому, поверхностному изображению также часто определяют как натурализм.

НЕКРОРЕАЛИЗМ — направление в современном изобразительном искусстве и кинематографе Санкт-Петербурга, зародившееся в 1980-е гг. Для художников этого жанра является характерным обращение к теме смерти и тлена, а также искренний интерес к метаморфозам мертвого тела и сфере патологии. Отчасти некрореализм явился метафорическим осмыслением феномена существования искусства после смерти искусства. К художникам-некрореалистам относятся Юфит, Серп, Кустов и др.

НЕОАКАДЕМИЗМ — направление в отечественном искусстве, зародившееся во второй половине 1980-х гг. в Ленинграде (Санкт-Петербурге). Художники этого круга были вдохновлены идеей создавать «красивое», эстетически полноценное подлинно классическое искусство в конце XX века. К художникам-неоакадемистам относятся Новиков, Гурьянов, Остров и др.

НЕОИМПРЕССИОНИЗМ — течение в живописи, возникшее во Франции около 1885 г. Неоимпрессионизм придал методический, научно обоснованный характер разложению сложных тонов на чистые цвета и выработал прием письма раздельными мазками (см. Пуантилизм). Главные представители — Сера, Синьяк. Художники этого направления стремились преодолеть случайность, фрагментарность композиции импрессионизма, создавая обобщенную, плоскостно-декоративную живопись, напоминающую панно.

НЕОПРИМИТИВИЗМ — обозначение художественных приемов в искусстве рубежа XIX-XX вв. Для неопримитивизма характерно нарочитое упрощение художественных средств и форм ради наибольшей выразительности Для этого неопримитивизм использует опыт примитивного искусства — яркие краски, простоту композиции и рисунка. В России термин вошел в обращение после выхода в свет манифеста русских неопримитивистов (1913). Это течение подготовило почву для русского авангарда.

НЕОРЕАЛИЗМ — направление в итальянской живописи, возникшее после Второй мировой войны. Получило название по одноименным и одновременным направлениям в итальянском кино, театре, литературе. В неореализме были использованы художественные приемы ряда течений, в том числе романтизма и экспрессионизма. Представители этого течения стремились утвердить новые духовные ценности и новых героев (людей труда, простой народ), изобразить действительность во всей остроте ее противоречий.

НЕОРУССКИЙ СТИЛЬ — национально-романтическая ветвь русского модерна, получившая наиболее полное воплощение в архитектуре, декоративно-прикладной искусстве и книжной графике.

«НОВЫЕ ДИКИЕ» — направление в европейском и американском искусстве 1970—1980 гт опирающееся на традиции экспрессионизма и фовизма и доведшее до предела принцип спонтанности, свободы от любых правил и ограничений.

НОНКОНФОРМИЗМ — условное название художественных течений, не вписывавшихся в официальное советское искусство и существовавших в рамках андерграунда в 196Ох — 1980-х гг.

НОН-ФИГУРАТИВНОЕ ИСКУССТВО — то же, что абстракционизм.

ПЕРФОРМАНС — форма современного искусства, одна из разновидностей акционизма, возникшая в авангардистских движениях 1960-х гг. Короткое представление перед публикой художественной галереи или музея, исполненное одним или несколькими участниками; перформансы заранее планируются и протекают по некоторой программе, что отличает их от более спонтанного хэппенинга. Перформанс можно назвать театром визуальных искусств, поскольку в него включаются элементы пантомимы, танца, музыки, поэзии, видео, кино.

ПЛЕНЭР (фр. plein air — буквально открытый воздух) — термин, обозначающий передачу в картине богатства изменений цвета, обусловленных воздействием солнечного света и окружающей атмосферы. Сложился этот вид живописи в результате работы художников на природе. Принципы пленэра воплотились в творчестве Моне, Писарро, Ренуара, в России — у Поленова, Левитана, Серова.

ПОП-APT — направление в авангардистском искусстве 1950—1960 гг., для которого характерны использование и переработка образов массовой (популярной) культуры. Признаки массовой культуры эксплуатируются поп-артом по-разному: например, иногда они вводятся в картину как прямая цитата, посредством коллажа или фотовоспроизведения; в других случаях имитируются композиционные приемы и живописная техника рекламных щитов. Художники поп-арта были в числе изобретателей таких форм, как хэппенинг, инсталляция, ассамблаж.

ПОСТАВАНГАРД — общее обозначение явлений художественной культуры 1970—1980-х гг. Поставангард отличается эклектизмом, включает в себя множество направлений, основанных на обращении к искусству прошлого — сюрреализм, новый конструктивизм и др.

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ — условное обозначение основных направлений французской живописи на рубеже XIX и XX в. Мастера постимпрессионизма искали новые и более выразительные для этой эпохи средства. Характерно активное взаимовлияние индивидуальных направлении и отдельных творческих систем, причем творчество ведущих мастеров (прежде всего Сезанна, Ван-Гога, Гогена, Тулуз-Лотрека) дало толчок к развитию многих направлений и тенденций искусства XX в.

ПОСТМОДЕРНИЗМ — название новейших течений современного искусства. Общими для этих течений являются слияние разных исторических традиций: множественная стилистика, цитатность, искусство как игра, в которой отсутствует организующая идея. Постмодернизм отвергает попытки дальнейшего обновления «арсенала» средств искусства и уравнивает всех их в значимости и актуальности, идя по пути заимствования из уже существующих художественных систем разных эпох и сохраняя ироничное отношение к любой художественной системе.

ПРИМИТИВ — памятник искусства, относящийся к раннему этапу его развития, не имеющий признаков профессионального совершенства. Интерес к примитиву сложился в ХVIII-ХIХ вв. в результате противопоставления «наивных», «младенческих» ступеней эволюции «зрелому» искусству. В XX в. эстетика примитива связывается в основном с искусством самоучек («наивное искусство») и любителей.

ПРИМИТИВИЗМ — сознательное, программное упрощение художественных средств и обращение к произведениям первобітного, народного искусства, детского творчества. Стремление обрести чистоту восприятия противостояло аналитическому реализму, натурализму и импрессионизму. У нас термин «примитивизм» часто применяется по отношению к наивному искусству — к творчеству художников, не получивших образования, однако ставших участниками общего художественного процесса (Руссо, Пиросманашвили, Приймаченко).

«ПРОИЗВОДСТВЕННОЕ ИСКУССТВО» — художественное движение в культуре советской России 1920-х гг., ставившее своей задачей соединение искусства с ремеслом, материальным производством на базе современной промышленной техники. В 1918—1921 гг. было непосредственно связано с «левыми» течениями изобразительного искусства. Основная группа «производственников порвала в 1921 г. с абстрактным формотворчеством, перейдя к практической работе для производства, внедряя художественные принципы конструктивизма. Среди участников движения — Татлин, Родченко, Клуцис и др.

ПУАНТИЛИЗМ — художественный прием в живописи: письмо раздельными четкими мазками (в виде точек или мелких квадратов), наносящими на холст чистые краски в расчете на их оптическое смешение в глазу зрителя.

РЕАЛИЗМ — течение в искусстве, стремящееся правдиво и объективно отображать действительность. Предполагает стилевое разнообразие и имеет свои конкретно-исторические формы.

РЕДИ-МЕЙД — один из распространенных приемов современного искусства, состоящий в экспонировании предметов промышленного изготовления. Смысл реди-мейда состоит в том, что за счет смены контекста (выставочный зал вместо привычного бытового окружения) изменяется восприятие предмета: зритель видит в нем не утилитарную вещь, а отвлеченную форму.

РЕНЕССАНС — то же, что Возрождение

РОКОКО — стиль, возникший во Франции, получивший распространение в европейском искусстве начала XVIII в. Характеризуется орнаментальной декоративной направленностью, ярко выраженной в архитектуре. В отделку помещений вводится дробленый орнамент, причудливые предметы обстановки. Для живописи эпохи рококо характеры галантные сцены, пасторальные, эротико-мифологические сюжеты. В России влияние рококо проявилось преимущественно в отделке дворцовых интерьеров, лепном декоре здании, в декоративном искусстве — резьбе по дереву, ювелирном деле.

РУССКИЙ СТИЛЬ, псевдорусский стиль — в русской архитектуре и декоративном искусстве ХVIII-ХХ вв. один из исторических стилей: направление, стремившееся освоить и приблизить к современности наследие средневекового русского искусства и зодчества XI-XVII вв.

СЕЗАННИЗМ (по имени Сезанна) — течение в живописи XX в., ориентирующееся на методы Сезанна, на построение контрастами цвета прочной, материальной, устойчивой объемной формы. Наследие Сезанна сказалось в раннем кубизме.

СЕЦЕССИОН — названия стиля модерн в Австрии и странах, входивших в Австро-Венгерскую империю.

СИМВОЛИЗМ — направление в европейской художественной культуре на рубеже XIX-XX вв. Реальности символизм противопоставлял мир видений и грез. Универсальным инструментом для познания считался символ, порожденный поэтическим прозрением и выражающий сокровенный, мистический смысл явлений. Символизм обрел стилистическое обоснование в модерне, стал определяющим элементом его художественной программы. Наиболее яркими явлениями в символизме стали картины Врубеля, Борисова-Мусатова, раннего Петрова-Водкина.

СОВРЕМЕННЫЕ ТЕЧЕНИЯ — абстракционизм, акционизм, кинетическое искусство, концептуализм, постмодернизм, соц-арт, некрореализм, поп-арт, минимализм, гиперреализм, метафизическое искусство, поставангард

СОЦ-АРТ — направление в отечественном неофициальном искусстве 1970-х — начала 90-х гг. Художники соц-арта использовали для своих работ стилистику, язык и завоевания соцреализма. Однако, как правило, в произведениях художников-соцартистов присутствуют юмор, ирония и саркастичное отношение к идеологическим пропагандистским клише, в изобилии растворенным в массовом сознании советских людей. Соединяя в своих работах псевдосерьезность и стилистику, взятые от соцреализма, с юмористическим или абсурдным сюжетом, соц-артисты добивались не только зрительской улыбки, но и разрушения социалистической мифологии. К художникам этого жанра традиционно относятся: Комар, Меламид, Косолапов, Брускин.

СОЦИАЛИСТИЧЕСКИЙ РЕАЛИЗМ — основное художественное направление в СССР с 1930 г. по 1980 г. Концепцией этого направления было провозглашено правдивое отображение действительности в ее революционном развитии. Это означало, что в задачу художника входило прославление советского образа жизни, трудового энтузиазма, революционной борьбы народа и вождей за «светлое будущее». Метод соцреализма был строго предписан художникам во всех сферах искусства, что создало жесткие рамки, вызвало опалу многих художников. Однако некоторым представителям этого метода удалось все же создать яркие и своеобразные произведения общечеловеческого значения.

СУПРЕМАТИЗМ — условное наименование направления в авангардизме, созданного в середине 1910-х гг. в России Малевичем. Основная задача течения — выражение высшей, абсолютной реальности в простых формах. Картину Малевича «Черный квадрат» считают изобразительным манифестом супрематизма. Как разновидность абстрактного искусства супрематизм воплощался в сочетаниях простейших разноцветных и разновеликих геометрических фигур, образующих пронизанные внутренним движением и гармонически уравновешенные композиции.

«СУРОВЫЙ СТИЛЬ» — существовал в 1950-60-е гг. в рамках социалистического реализма. В основе оставалась сюжетно-тематическая картина. Художников, работавших в этом стиле, интересовали энергия, воля, драматизм судьбы их современников. Стиль характеризуется монументализированной композицией, обобщенной лаконичной формой, крупными цветовыми пятнами.

СЮРРЕАЛИЗМ — одно из ведущих авангардистских направлений в художественной культуре XX в. В 1924 г. вышел «Манифест сюрреализма» Бретона. Опираясь на интуитивизм Бергсона и на теорию психоанализа Фрейда, сюрреализм ратовал за раскрепощение подсознательных процессов человеческой психики, высвобождение подавленных болезненных состояний, комплексов. В изобразительном искусстве основные методы — вычленение конкретных объектов из их среды, парадоксальное соединение их с другими объектами. Мастера этого направления Эрнст, Дали.

ПЕРЕДВИЖНИКИ — ТОВАРИЩЕСТВО ПЕРЕДВИЖНЫХ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ ВЫСТАВОК (ТПХВ) — российское демократическое художественное объединение. Идейным вождем течения в 1870 г. стал Крамской. Передвижники отказались от канона и идеалистической эстетики академизма. Развернув просветительскую деятельность, они организовали жизнь ТПХВ на кооперативных началах. С 1871 г. было устроено 48 передвижных выставок в Москве, Петербурге, Киеве и других городах. Избрав основой творческий метод критического реализма, художники стремились к правдивому изображению жизни и истории родной страны, ее природы. В состав объединения вразное время входили Крамской, Репин, Суриков, Куинджи, Левитан и многие другие. ТПХВ распалось в 1923 г.

ТОТАЛЬНОЕ ИСКУССТВО — понятие авангардистской эстетики 1960-х гг., обозначающее стремление к «всеохватывающему» искусству, к уничтожению границ не только между отдельными видами художественного творчества, но и между искусством и действительностью. Это стремление особенно ярко проявилось в таких формах, как хэппенинг, перформанс и пр.

ФИГУРАТИВНОЕ ИСКУССТВО — произведения живописи, скульптуры и графики, в которых в отличие от отвлеченной орнаментики и абстрактного искусства присутствует изобразительное начало.

ФОВИЗМ (от фр. fauve — дикий) — «дикие», направление во французском искусстве начала XX в. (Матисс, Брак, Марке и др.) Характеризуется предельно интенсивным звучанием открытых цветов, сопоставлением контрастных хроматических плоскостей, сведением формы к простым очертаниям при отказе от светотеневой моделировки и линейной перспективы. Группа заявила о себе на парижских выставках 1905—1907 гг., однако вскоре объединение распалось, и творческие пути участников разошлись. Название направления отражает реакцию современников на поразившую их экзальтацию цвета, «дикую» выразительность красок.

ФОРМАЛИЗМ — общее название для ряда разнообразных художественных течений XX в. (кубизм, экспрессионизм, авангардизм и т.п.), особенное распространение термин получил в России. Всем направлениям формализма свойственна сосредоточенность на проблемах художественной формы. Советская критика вела борьбу против формализма, считая его отрывом формы от содержания и видя в нем антипод соцреализма. В 1940-х — начале 1960-х гг. слово «формализм» утратило научный смысл и стало употребляться для дискредитации художников и направлений, почему-либо не отвечавших официальной доктрине.

ФУТУРИЗМ — одно из авангардистских течений начала XX в. Особенно ярко проявилось в поэзии и живописи Италии и России. Основная идея футуризма — отрицание художественного наследия прошлого, традиционной культуры во всех ее проявлениях и провозглашение необходимости создания «искусства будущего» — наступающей эпохи индустриализма, техники, высоких скоростей и темпов жизни. Стилистика складывалась под влиянием французского кубизма. Футуристы прибегали к эксцентричным манифестациям и провоцирующим жестам; в их шумных выступлениях зарождался акционизм как форма авангардистского искусства. В России футуризм проявился главным образом в поэзии, в живописи существовало направление кубофутуризма (Д. Бурлюк, Розанова).

ХЭППЕНИНГ — разновидность акционизма, наиболее распространенная в авангардистском искусстве 1960—1970-х гг. Развивается как событие, скорее спровоцированное, чем организованное, его инициаторами. Действие чаще всего разыгрывается непосредственно в городской среде или на природе, в него вовлекается и публика. Художники рассматривали эту форму как род движущегося произведения.

ЭКСПРЕССИОНИЗМ — одно из главенствующих направлений в европейском искусстве середины 1900 -1920-х гг. Девиз экспрессионистов — «от изооражения к выражению», основные методы — гротеск, гипербола, предельно концентрированные контрасты света и тени, резкое пространственное смещение формы, яркие цвета.

Поделиться ссылкой:

Понравилось это:

Нравится Загрузка…

Историзм (искусство) — Historicism (art)

Эта статья о школе искусства и архитектуры. Для философских теорий, известных как историзм, см историзм .

Историзм или историзм ( нем . Historismus ) — это художественные стили, которые черпают вдохновение в воссоздании исторических стилей или имитации работы исторических мастеров. Это особенно распространено в архитектуре, такой как архитектура эпохи Возрождения . Благодаря сочетанию разных стилей или внедрению новых элементов историзм может создать совершенно иную эстетику, чем прежние стили. Таким образом, он предлагает большое разнообразие возможных дизайнов.

В истории искусства после неоклассицизма, который в эпоху романтизма можно было считать историцистским движением, XIX век включил новую историческую фазу, характеризующуюся интерпретацией не только греческого и римского классицизма , но и последующих стилистических эпох, которые были все чаще считается эквивалентным. В частности, в архитектуре и в жанре исторической живописи , в которых исторические предметы рассматривались с большим вниманием к точным деталям периода, глобальное влияние историзма было особенно сильным с 1850-х годов. Это изменение часто связано с подъемом буржуазии во время и после промышленной революции . К концу века, в конце века , символизм и в стиле модерн с последующим экспрессионизмом и модернизм действовал , чтобы сделать историзм взгляд устаревшим, хотя многие крупные общественные комиссии продолжались в 20 — м века. Стиль искусств и ремесел сумел объединить более свободный народный историзм с элементами ар-нуво и других современных стилей.

Влияние историзма во многих странах оставалось сильным до 1950-х годов. Когда постмодернистская архитектура стала широко популярной в 1980-х годах нео-Историзм стиль следовал, что до сих пор известная и может быть найдена по всему миру, особенно в представительных и высшем классе зданий.

Список историзма и возрождения в западной архитектуре и декоративном искусстве

Международный

британская империя

Франция

Австрия и Германия

Греция и Балканы

Италия

Мексика

Нидерланды

Португалия

Румыния

Российская Империя и СССР

Скандинавия

Испания

Соединенные Штаты

Смотрите также

Ссылки

внешние ссылки

<img src=»https://en.wikipedia.org//en.wikipedia.org/wiki/Special:CentralAutoLogin/start?type=1×1″ alt=»» title=»»>

Все об искусстве: виды, произведения и примеры, история жанров и функции

Искусство – это особое восприятие мира, отображение внутреннего или внешнего состояния творца c помощью художественных образов. Оно помогает познать действительность через творения мастеров. Это понятие включает в себя несколько значений: духовное и практическое познание реальности; высшая степень мастерства в какой-либо сфере труда.

Человек благодаря своему воображению обладает способностью эстетического восприятия действительности. Творчество помогает изменить окружающий мир, сделать его прекрасным.

Признаки искусства

Признаки искусства – это творческое воспроизведение жизни в художественном виде. Самовыражение автора и эмоциональное воздействие на зрителя – конечная цель любого произведения.

Качества, которыми обладает творчество:

• Чувства — через них создаются и воспринимаются художественные произведения.
• Образы – изучение и форма познания мира передается в виде образов, отношение к реальности через творчество.
• Субъективность – точное отражение мастером действительности.
• Законченность – авторские работы обычно выстроены композиционно.

Основные предметы: мир и человек.

Произведение искусства – это:

• скульптура;
• стихотворение;
• картина;
• фильм;
• книга.

Средства выражения: слово, звук, цвет, объем.

История термина

Само слово «искусство» происходит от старославянского искоус – опыт, испытание. Художники передают свой личный опыт, переживания.

В русском языке существует два определения этого термина:

• мастерство, умение, способность вести беседу;
• творческая деятельность.

В английском языке оно обозначается словом art. Модные арт-пространства относятся к художественному явлению.

Виды

Изначально потребности человека проявлялись через танцы. Со временем стали возникать другие виды искусства, которые складывались на протяжении всей истории.

Существует три главных вида:

• Пространственный, обозначает нахождение предмета в пространстве. К нему относятся: живопись, скульптура, архитектура, графика, декоративно-прикладное творчество.
• Временный, динамичный, когда композиция происходит во времени, это литература, музыка.
• Пространственно-временной, время и события сочетаются для раскрытия образа. Пример: театр, балет, кино, эстрада, цирк, танец, телевидение.

Искусство бывает изобразительным и неизобразительным.

Виды изобразительного искусства:

• живопись;
• графика;
• скульптура.

Среди неизобразительных:

• музыка;
• литература;
• танцы.

Различные виды творчества обладают общими характеристиками:

• простые и сложные средства исполнения;
• время появления: традиционные и новые;
• возможность использования в быту: прикладные или изящные.

Одни из них существуют с древнейших времен, другие развивались в новое время. Каждый из видов обладает определенным арсеналом выразительных средств.

Жанры

Искусство многогранно. Оно состоит из различных жанров, которые позволяют выразить творческие идеи мастера.

В литературе проявляется через слово. Среди жанров литературы выделяют:

• лирику;
• драму;
• эпос.

Музыка выражается через звуки, бывает вокальной или инструментальной.

Музыкальные жанры:

• опера;
• романс;
• соната;
• эстрада.

Способ выражения танца – движение, их существует несколько:

• народные;
• современные;
• бальные.

В живописи используют цвет, основные жанры изобразительного искусства:

Основа театра – актерская игра. Существуют оперные, драматические, сатирические театры.

Фотография передает изображение объектов с помощью технического оборудования.

Стили

Определенные стили мирового искусства появлялись на протяжении всей истории человечества.

Античный, классическая древность

Античный стиль. Парфенон

VIII – V век до нашей эры. Расцвет культуры Древней Греции и Древнего Рима. После раздела Римской империи культурные традиции переняты Византией. Греки создавали образцы в области скульптуры и архитектуры. Римляне оставили храмы, скульптурные портреты, фрески.

Романский стиль, романтика

Романский стиль

X – XII века, начало XIII. Этот стиль относится к архитектуре. Характеризуется прямыми формами, круглыми арками, сводами, массивными стенами, яркими цветами, небольшими окнами. В изобразительном искусстве преобладает христианская тематика. Популярны горельефы, витражи.

Готика

XII – XVI века. Готика характеризуется стрельчатыми арками, узкими и высокими башнями, цветными витражами, сакральной живописью. В основе религиозная тематика.

Проторенессанс

Фреска Поцелуй Иуды
Джотто

XIII – XIV века. Развитие итальянской культуры, переход от Средневековья к Возрождению. Проявляется интерес к античности, желание отобразить реальность, светские темы.

Возрождение, Ренессанс

Начало XIV века – конец XVI. Италия, зарождается интерес к античной культуре, пейзажу. Появляются портреты светских лиц. Выделяют перспективу, композицию. Художники изучают анатомию человека.

Барокко

В XVII–XVIII веках, появился в Италии. Стиль характеризуется пышными формами, чувственностью, динамичностью. Естественность уже не в моде.

Женщин изображают с пышными формами. Мужчины носят парики, бреются. Архитектура отличается большими пространствами, колоннадами. Популярны сложные формы купола, статуи.

Рококо

XVIII век. Зародился во Франции. Этот стиль считают продолжением барокко, высшей стадией. Его использовали в дизайне интерьера, архитектуры, скульптуры.

Классицизм

XVII – XIX век. Возвращение к идеалам античности, строгим линиям, идеальным пропорциям.

Романтизм

Конец XVIII, начало XIX века. Этот стиль распространен в европейской и американской культуре. Противоположность классицизму.

Ампир

Эпоха Наполеона, первые 30 лет XIX века. Королевский стиль архитектуры. В моде колонны, лепные карнизы, триумфальные арки. Рельефы львов, орлов, военной символики.

Реализм

Конец XVIII – XX века. Сущность стиля в точном и объективном изображении мира.

Импрессионизм

Конец XIX – начало XX веков. Зародился во Франции, характеризуется естественным отображением реальности. Мастера используют мелкие раздельные мазки вместо четких линий, смешивают краски на палитре.

Модерн

Конец 1880–1914 годы, возник в Англии. Сочетает в себе творчество и практичность. Происходит отказ от прямых линий и углов, соединение металла и бетона.

Примитивизм

Зародился в конце XIX века. Характерная особенность – обдуманное упрощение изображения.

Экспрессионизм

Начало XX века. Выражает эмоциональное состояние художника.

Ар-деко

1925–1935 гг. В основе строгая геометрия, четкие линии, гладкие, блестящие поверхности. Использование стекла, зеркала, бронзы, кожи.

Сюрреализм

1920 годы и до наших дней. Главная идея сюрреализма – сочетание иллюзий и парадоксов.

Функции искусства

Творчество играет огромную роль в обществе и жизни человека.

Важнейшие функции искусства:

• Познание. Любое произведение отражает время, настроение в обществе, духовные ценности. Оно показывает, как люди жили раньше, их обычаи, традиции, стиль одежды. Передает чувственное восприятие мира.
• Воспитание. Творческие произведения несут в себе назидательный посыл. Учат нравственности, передают духовный опыт поколений, переживаний.
• Эстетика. Доставляет удовольствие зрителю, радость от созерцания прекрасного. Мы пропускаем через себя объекты искусства и даем им эстетическую оценку.

Функции подразделяют на несколько видов:

• Экспрессивную, глубокое воздействие на эмоции человека.
• Художественно-концептуальную, помогает анализировать окружающий мир.
• Социальную, общественную, преобразование общества.
• Компенсаторную, помогает в решении психологических трудностей.
• Прогностическую, ее назначение: предугадывать будущее.

Произведения могут выполнять несколько функций.

История искусства

Искусство появилось с первых дней жизни человека. Оно служило решением насущных проблем. Люди оставляли наскальные рисунки, повествующие о своем быте, обрядах. Самыми распространенными видами первобытного творчества были танцы, музыка.

Оно появилось благодаря следующим цивилизациям:

• Египетской.
• Греческой.
• Римской.
• Китайской.
• Аравийской.
• Персидской
• Месопотамской.
• Индийской.

Древнегреческие творцы подчеркивали грациозность и красоту человека. Покровителем искусства у греков был Аполлон, бог красоты. Музы символизировали различные направления.

Это была эпоха развития литературы, театра, музыки, танца. Музыка обозначала гармонию звуков и объединение с наукой. Позднее муза считалась источником вдохновения.

Развитие современного искусства

Современное творчество экспериментально. Оно постоянно развивается благодаря технологиям, появляются другие формы. Иногда это означает уход от прекрасного. В основном, оно не пробуждает эстетические чувства, а просто шокирует. Современному человеку необходимо более мощное воздействие.

Примеры творчества:

• Граффити, рисунок на стенах зданий.
• Боди-арт, роспись на теле человека.
• Трехмерное изображение предметов.

Роль в обществе

Искусство играет большую роль в современном обществе:

• помогает людям познавать этот мир;
• формирует духовный облик человека;
• влияет на мировоззрение;
• существенно расширяет кругозор;
• пробуждает творческие способности.

Художественные произведения подчеркивают прекрасную картину нашего мира. Чем выше уровень развития личности, тем сильнее тяга человека к творчеству и способность наслаждаться предметами искусства.

Исторический стиль

Как известно, внимание к историческим стилям как спе­циальной об­ласти исследований возникло сравнительно не­давно – чуть менее века на­зад. За короткое время в искус­ствознании, в частности в музыкально-исто­рической науке, сформировалась целая совокупность понятий и теорий, опи­сывающих отдельные фазы развития искусства как каче­ственно опре­деленные этапы античности, Средневековья, Ренессанса, барокко, клас­сицизма, романтизма. Словарь тер­минов, встающих в один ряд с приве­денными (например, ма­ньеризм, рококо, сентиментализм, импрессионизм, экспрес-

57

сионизм, брюитизм и т.п.), постепенно увеличивался, воз­никали разнооб­разные, в том числе сильно расходящиеся, их трактовки. Книги и статьи о Возрождении, барокко, клас­сицизме и других исторических эпохах и ху­дожественных стилях ныне составляют значительную часть искусствовед­ческой литературы. Можно сказать, что только благодаря си­стеме этих понятий история искусства почувствовала себя ус­тановившейся, окрепшей дисциплиной, нашедшей достаточно определенную, устойчивую опору для выстраивания эволю­ционной картины искусства как исторического це­лого.

Основным содержанием исследований, посвященных ис­торическим этапам развития живописи, архитектуры, лите­ратуры, музыки, явилось раскрытие их специфических за­кономерностей, описание памятников, об­наружение ведущих принципов, на основе которых оказывается возмож­ным так или иначе объединить в рамках одного этапа художествен­ные яв­ления, принадлежащие разным странам и школам, разным жанрам и видам искусства. Такая задача, в частно­сти, решается в фундаментальной моно­графии Т.Н. Ливано­вой¹. Большой интерес в этом плане представляют из­данные ранее сборники, созданные объединенными усилиями искус­ство­ведов, филологов, театроведов и музыковедов². В после­дние годы появи­лись специальные работы, посвященные ба­рокко, классицизму, роман­тизму в музыке³.

Казалось бы, человек, интересующийся историей музы­кального искус­ства, обратившись к этим специальным ис­следованиям, должен получить если не исчерпывающее, то по крайней мере достаточно твердое и опреде­ленное представ­ление о том, что такое исторический стиль в музыке. Од­нако он сразу же столкнется с разными представлениями о самом фено­мене исторического стиля, с разными взглядами на это. В определениях стилей воедино сливаются теоретические представления о самом искус­стве и о философии, мироощу­щении, эстетике определенного времени, о специфически художественном выражении последних в материи искусст-

¹Ливанова Т.Н. Западноевропейская музыка XVII–XVIII веков в ряду искусств. М., 1977

² От эпохи Возрождения к двадцатому веку: Проблемы зарубежного искусства. М., 1963; Ренессанс, барокко, классицизм: Проблема стилей в западноевропейском искусстве XV–XVII веков. М., 1966.

³ См., например: От барокко к классицизму. М., 1993; Лобанова М.Н. Западно­европей­ское музыкальное барокко. М., 1994; Кириллина Л.В. Классический стиль в музыке XVIII–начала XIX веков. М., 1996.

58

ва, в произведениях, текстах, языке и о самой исторической эпохе в целом. Что такое, например, романтизм? Эстетика, особое качество искусства и культуры? Или сам наличный состав культуры, представленный творче­скими результата­ми? Подобного рода вопросы можно отнести и к класси­циз­му, маньеризму, экспрессионизму. Барокко выступает как искусство и как эстетика, как стиль и как эпоха. Последняя трактуется как поздний, насыщенный противоречиями этап Возрождения и как переход к класси­цизму, но, кроме того, и как самодовлеющая стадия в истории западноев­ропейско­го искусства. В то же время некоторые исследователи склон­ны видеть в барокко некий общеисторический феномен, воз­никающий в пере­ломные моменты, на рубеже, отделяющем одну сложившуюся ранее и дос­тигшую расцвета стилевую общность от другой, начинающей все более сильно и опреде­ленно заявлять о себе.

Многозначность терминов, выступающая помехой для точ­ных опреде­лений, отражает вместе с тем синкретичность ис­кусствоведческих пред­ставлений. А следовательно, и много­сторонность отражаемой в них реаль­ности. Каждый из таких углов зрения способен вместить в себя целое, но каждый раз в особой аранжировке. Выбор же ракурса диктуется, естест­вен­но, конкретными задачами того или иного исследования. По отноше­нию к музыке, на наш взгляд, наиболее целесообраз­ным и эффективным окажется собственно стилевой ракурс.

Это значит, что и в исторических стилях, как в стиле ав­торском, инди­видуальном, мы первостепенное внимание дол­жны уделить характери­стичности как качеству, позволяю­щему слушателю уверенно судить об их принадлежности конкретному времени. Иначе говоря, и исторический стиль может быть расценен как «почерк», как «индивидуальная манера», а не только как выражение эстетических установ­лений, исторически опреде­ленной системы художественных средств, предпочтительных идей и обра­зов.

Слушая симфонию П.И. Чайковского, наш современник вступает в диа­лог с композитором конца XIX в. как с живой художественной личностью, индивидуальность которой не­посредственно выражена в звучащей музыке. Естественный диалог связывает живых собеседников. И нисколько не от­рицая возможности диалогического общения человека с це­лой эпохой че­рез ее культуру и исторический стиль, мы все же настаиваем на приори­тете диалога равных, ибо только тогда понятие диалога перестает быть ме­тафорой.

59

И если историзм сознания и мировосприятия современно­го человека нацеливается на постоянный диалог с прошлым и удаленным, а диалог становится действенным и живым лишь тогда, когда он совершается на уровне личностном, ин­дивидуальном, то тут и возникает жизненно важная для куль­туры и искусства эстетико-теоретическая проблема соотнесе­ния категорий стиля и индивидуальности и соответственно – исторического стиля и стиля авторского, индивидуального.

Наибольшую сложность при понимании исторического стиля как родового отличительного качества приобрета­ет вопрос о генетиче­ской детерминанте. По отношению к стилю музыки того или иного ком­позитора он решается од­нозначно, ибо такой детерминантой является ин­дивидуаль­ность, личность. Именно она и отражается в музыке как не­по­средственно определяемый на слух почерк, манера, как походка или «по­ведение» в звуках и интонациях. Но вот по отношению к стилям других рангов – национальному, жан­ровому, историческому – проблема значи­тельно осложняет­ся. Стиль искусства той или иной эпохи в целом есть то же отличительное генетическое качество, быть может, даже бо­лее доступ­ное слуху. Но оно вряд ли может без всяких огово­рок связываться с лич­ностным началом. Проявляясь в твор­честве многих музыкантов, художни­ков, поэтов, оно как бы проступает сквозь индивидуальные решения. Зна­чит ли это, что исторический стиль объединяет все то, что выносится за скобки индивидуального, а следовательно, и не содержит лич­ностных де­терминант? Если так, то, оглядываясь на теорию общественного историче­ского сознания и, главное, на прин­цип диалогичности, мы должны отка­зать историческим сти­лям в непосредственности и силе воздействия, по крайней мере по сравнению со стилями индивидуальными, за кото­рыми сразу же угадывается персональное начало. Если же это не так, то как иначе? Каким образом в исторических стилях сохраняются все-таки воз­можности стилевой персонификации?

Ответ на этот вопрос можно искать в двух направлениях. В исследо­ваниях, принадлежащих одному из них, доминиру­ет внимание к «плану выражения» стиля, в относящихся ко второму – «план содержания». Пер­вая позиция ярко пред­ставлена в монографии С.С. Скребкова о художест­венных принципах музыкальных стилей. Историю чередования му­зыкаль­ных стилей автор описывает как смену принципов остинатности, перемен­ности и централизующего единства. Оп­ределение стиля, которое дает ав­тор, хорошо известно: «Стиль

60

в музыке, как и во всех других видах искусств, – это высший вид художе­ственного единства»¹.

В основу положено не психологическое, личностное, не ми­ровоззрен­ческое или эстетическое, а художественное единство. Оно проявляет себя в типичном тематизме, в музыкальном языке и музыкальных формах. Все эти компоненты, согласно теории Скребкова, организуются на начальных ступенях раз­вития музыки принципом остинатности, в эпоху Возрожде­ния – принципом переменности и, наконец, начиная с ба­рокко – принципом централизующего единства. Детальный анализ реальной выраженности стилевого своеобразия в са­мой материи искусства является важнейшим достижением работы Скребкова. Действительно, стиль, никак не выражен­ный, не имеющий «плана выражения», не мог бы и существо­вать как стиль. Но не менее важно и то, что стоит за этим планом, каково содержа­ние стиля, каков, выражаясь фило­софским языком, его субъект.

Конкретно-искусствоведческие исследования не дают пря­мого ответа на вопрос о том, какое место занимает личност­ное начало в историческом стиле. Однако субъект стиля все же вырисовывается в них более или менее определенно. В кон­цепции С.С. Скребкова им по существу является какой-либо из трех художественных принципов. Но принцип – это не личность. Этот «субъект» соотносится с творческой личнос­тью как общее и абст­рактное с единичным и конкретным.

Аналогичный вывод вытекает и из других работ этого на­правления, на­пример из книги М.К. Михайлова «Стиль в музыке», где субъектом исто­рического стиля оказывает­ся развивающееся музыкальное мышление, по­нимаемое как социально-культурный феномен, абстрагированный от от­дельных его носителей – музыкантов разных профессий и слушателей.

С позиций понятия стилевого субъекта особенно заметно отличие трак­товки исторического стиля в работах второго типа, где исследователи за­няты в большей степени планом содержания. «Если понятие стиля будет сведено только к чис­то формальной категории, то у нас останется меньше осно­ваний применять его к различным видам искусства»², – пишет Т.Н. Ливанова. Субъект стиля в таких работах ха-

¹Скребков С. С. Художественные принципы музыкальных стилей. С. 10.

²Ливанова Т.Н. На пути от Возрождения к Просвещению XVIII века // От эпохи Возро­ждения к двадцатому веку: Проблемы зарубежного искусства. С. 135.

61

рактеризуется с внутренней идеальной стороны – в виде обобщенных представлений об искусстве, его образности, по­этике, ремесле. В план со­держания стиля нередко включает­ся и описание реальной действительно­сти – мира, челове­ка, культуры.

Понятно, почему и в этом плане субъектом исторического стиля трудно представить отдельную личность. Характер, темперамент, психические свойства человека остаются бо­лее или менее одинаковыми в разные вре­мена, а потому и не могут служить отличительными стилевыми ориенти­рами эпохи. И все же какая-то «зацепка» здесь есть. Ведь вместе со време­нем меняется в целом духовный мир людей.

Правда, и мироощущение, и мировосприятие, и миропо­нимание в ис­следованиях исторических стилей также берут­ся в обобщенном виде, в отвлечении от конкретной лично­сти, как некая духовная атмосфера эпохи.

Универсальным в последнее время стало понятие «карти­ны мира». В качестве фундаментальных ее элементов иссле­дователи выделяют время, пространство, право, труд и т.п., справедливо полагая, что исторически складывающиеся и ме­няющиеся особенности их трактовки служат глу­бинной, во многом подсознательной основой социальной и индивидуаль­ной психологии, определяют характерные для эпохи уста­новки и взгляды на мир. Вряд ли можно сомневаться в том, что все это входило в содержа­ние исторического стиля ис­кусства, влияло на него.

Но вот вопрос: правомерно ли говорить о проявляющемся в искусстве характере исторической эпохи как о стиле, если этот характер обобщен, отвлечен от конкретного человека? Быть может, для обозначения этого характера более приго­ден какой-то другой термин?

Не случайно во многих работах исследователи избегают самого слова стиль и заменяют его словами эпоха, культу­ра, эстетика.

И все же на вопрос о правомерности обозначения истори­ческого свое­образия искусства термином стиль можно отве­тить положительно, имея, однако, в виду, что система прису­щих эпохе общих признаков, выявлен­ных путем отвлечения от индивидуального начала, воспринимается как стиль все-таки только вместе с ним. Личностное начало привносится в ис­торический стиль авторами – создателями музыки и ее исполнителями. Исторический стиль как бы присваивает себе каждый раз все то, что идет от личности композиторов и ис-

62

полнителей, и таким образом всякий раз индивидуализирует­ся, оставаясь обобщением.

Возможности персонификации исторического стиля связаны и с типическими образами человека эпохи. В самых разных исследованиях мы можем встретить выражения: «личность эпохи Ренессанса», «барочная личность» и т.п. На­пример, в качестве особенно ценимых эпохой Возрож­дения элементов отмечаются сила, динамизм, индивидуальность, свобода. О человеке XVII столетия Т.Н. Ливанова пишет: «Личность, с ее внутрен­ним, эмоциональным миром, вошла в искусство и заняла там место, какого никогда не занимала в музыке Возрождения. Это была личность послере­нессансного времени, теперь уже более чувствующая и мыслящая, чем действующая, и музыка воплощала по преимуществу ее эмоции, ее им­пульсы, но не ее свободную волю, не ее соб­ственные свершения»¹.

Традиционным в исследованиях художественного творче­ства является взвешивание пропорций разума и эмоции, ха­рактеризующих личность творца в разные эпохи. Оценива­ется также соотношение действенного и пассивного, большое значение придается понятиям антропоцентричности, гума­низма, ценности своеобразия и т.п.

Заметим, что научное, искусствоведческое моделирова­ние типической личности является по существу запаздыва­ющим повторением художест­венной реконструкции, свя­занной с композиторскими опытами стилиза­ции. Примеры ее уходят глубоко в историю.

Конечно, не всегда даже старая легендарная тема служи­ла поводом для целенаправленной стилистической работы. Ш. Гуно, опираясь на гетев­ского «Фауста», создал оперу, ад­ресованную французским меломанам. Из оригинальной не­мецкой «драмы для чтения» была взята лишь театрально эф­фектная лирическая с «мефистофельскими» вкраплениями часть. Му­зыка же получилась в духе итальянизированной мелодрамы. А ведь преда­ние о Фаусте уходит в глубь веков и образ его служит одним из чутких нервов, передающих все новым поколениям и эпохам память о культуре прошлого.

Зато несколько иначе обстоит дело с другим опытом Гуно. Приписав вокальную строчку «Ave, Maria» к музыке И.С. Ба­ха, композитор не мог менять ни канонического словесного

¹Ливанова Т.Н. Западноевропейская музыка XVII–XVIII веков в ряду ис­кусств. С. 11.

63

текста, ни баховского гармонического мелоса. Он лишь про­тер потемнев­шее инструментальное зеркало, и вот на фоне баховского прелюдирования проступили иконописные кон­туры мелодии Девы. В них ощутим почерк художника-рес­тавратора, но лик баховской эпохи сохранен.

Слово «лик» здесь лишь наполовину метафора. Именно оно, а не родст­венные ему «лицо», «облик» обладает тем важ­ным для нас оттенком зна­чения, который помогает понять существо исторического стиля. Лик – это облик, отшлифо­ванный общественным художественным сознанием, пре­вра­щенный в иконический знак, символ, идеальное обобщение. Лица мно­гочисленных мадонн и лики, воспроизводимые по канонам иконописи, об­разы и образа отличаются так, как отличается индивидуальный стиль ху­дожника и музыканта от стилей эпохи и национальной культуры в целом.

Итак, личностное начало в исторических стилях все­гда в той или иной мере типизировано. Теперь же обратим внимание на то, что и сама эта мера тоже является одним из отличительных признаков исторических стилей в развитии культуры и искусства.

Максимально непосредственное выражение авторской ин­дивидуально­сти, достигнутое в искусстве романтизма, лишь на первый взгляд затме­вает историко-стилевой слой в музы­ке. На самом же деле именно непо­средственность и оказы­вается общим признаком романтического стиля. Она про­является в условиях сложной жанровой стилистики или стили­стики персонажной, как в шумановских карнавалах. Ро­мантические музы­кальные персонажи обычно оказываются списанными с многоликой жизни не столько заинтересован­ным, но сторонним рисовальщиком, сколько ли­цами, вылеп­ленными из внутренней материи авторского Я, и являются, как Эвсебий и Флорестан, его метаморфами.

XX век доводит стилистическую композиторскую техни­ку до преодо­ления этой зависимости и позволяет конструи­ровать в звуках совсем чуж­дых автору героев. И здесь уже сама резкость стилистических переходов от портрета к порт­рету выступает как общий признак эпохи.

Напротив, классицизм, прочно стоящий на фундаменте антропоцен­тричности и намного по сравнению с Возрождением и барокко возвысив­ший роль личного и индивидуального, а вместе с тем и яркость компози­торского индивидуального стиля, в отношении стилистики все же уступает романтизму. В произведениях Гайдна, Моцарта, Бетховена авторский стиль

64

отнюдь не спрятан, но мера его открытости еще не доведена до демонст­рации «личной жизни». Композитор выступает как личность, действующая преимущественно в рамках обще­ственного этикета. И его музыкальные персонажи тоже обри­совываются и воспринимаются как видимые с при­личного рас­стояния, в обществе, на площади, на трибуне, в лесах и полях. Психологические откровения в интимных оперных эпизодах часто жан­рово опосредованы.

Мера типизированности поднимается едва ли не до макси­мума в твор­честве музыкантов Средневековья и Возрождения, для которых высшей похвалой являлось признание их знато­ками своего дела. Жанрово-риту­альная, цеховая, музыкаль­но-языковая регламентация едва ли не полно­стью вытесняет роль индивидуального в создаваемой музыке. Действую­щие лица, особенно оперные, и иные связанные с сюжетом дей­ствия или повествования герои подстраиваются к сложившей­ся в социальном созна­нии типологии. В таких случаях возни­кает целая система присущих исто­рическому стилю типов. Можно сказать, что каждая эпоха выражает себя в совокуп­ности типовых индивидуальностей – в системе, отвечающей структуре того общества, какое было характерно для эпохи. Всякий раз возникала своя галерея типов, одни из которых ставились в пример, другие – выступали как дополняющие. В ней должны были занять свои места иде­альные воины и му­жи, возлюбленные и младенцы, идеальные злодеи и мошен­ники, пастухи и пастушки, монархи и принцессы.

В музыке барокко роль типового начала еще более заост­рена, но по су­ществу уже переосмыслена. Персонажи берут­ся в отстраненном модусе как фигуры для творческой игры, в процессе которой могут быть подверг­нуты изобретатель­ной трансформации. В итоге типизированность субъ­ектного плана все-таки отступает, но не под натиском личностного, компо­зиторского стилевого своеобразия, а под воздействием другой силы – изо­бретательства и изобретательности, ума и остроумия, которые сродни ин­дивидуальности и свободе ее выражения, но опираются не на характероло­гические лич­ностные факторы, а на интеллект и интеллектуальную игру с традиционным материалом.

Мы видим, таким образом, что связь исторического стиля со стилем индивидуальным отнюдь не одномерна. Скорее это целая система связей, в которой свое место занимают есте­ственные прямые отражения авторского Я и стилистические опосредования, восходящие к культурной типологии людей

65

и сословий, титулов и профессий, и где, следовательно, ав­торская инициа­тива обнаруживает себя не только в неистре­бимой личной интонации, но и в работе с характерной для эпохи расстановкой типов.

Проблемы соотнесения индивидуальных стилей со сти­лями исто­рическими, региональными, жанровыми в це­лом получают следующее решение.

Во-первых, оно проходит через разработку понятия типи­ческого приме­нительно к стилю. Во всех стилях более широ­кого, чем личностный, ранга индивидуальное начало отобра­жается в форме типического, т.е. в форме, как раз весьма специфичной для искусства.

Во-вторых, решение проблемы предполагает еще и при­знание (а также скрупулезное доказательное исследование) того, что все сопутствующие проявлениям личностного на­чала факторы и условия (инструментарий, письменность, приобретенные в недрах школы нормативы и т.д.) так или иначе индивидуализируются, подчиняются единичному и ста­новятся осо­бенными.

Принимая многоуровневое понимание стиля, согласно ко­торому стиль есть качество, по которому в непосредственном акте художественного восприятия определяется генетичес­кая связь музыки с породившим ее ис­точником – источни­ком вообще, каким бы он ни был по рангу (народ, на­ция, личность, эпоха, группа, субъект и т.п.), мы должны одно­временно соотнести это понимание с главной для музыкаль­ного искусства катего­рией интонации как формы обнаруже­ния внутреннего, личностного, инди­видуального. Вот тут и выступает в качестве исключительно важного ком­понента теории идея типической личности.

В соответствии с ней можно утверждать, что за стилем лю­бого ранга в музыке всегда ощущается личностное начало и все дело лишь в том, какой тип личности оказывается ос­новой.

Наиболее непосредственное проявление личности как конкретного, единичного субъекта мы видим в музыкаль­но-исполнительском стиле. Композитор-романтик также за­являет о себе в своем творчестве самым непосредственным образом. Начиная с И.С. Баха и до современности, в музы­кальной культуре профессиональной европейской традиции господ­ствующей оказывается именно эта форма стиля – стиля непосредственно выражаемого и индивидуально-кон­кретного.

66

Если же спуститься в глубины истории и, двигаясь все дальше и дальше, оценивать то одни, то другие фигуры мас­теров, владевших музы­кальным ремеслом, вслушиваться в творения музыкантов-анонимов и, на­конец, воссоздавать музыку, не имеющую печати индивидуального автор­ства, то все более заметной будет становиться стилевая обобщенность, все сильнее будут заявлять о себе национальный стиль, стиль эпохи, жанро­вый стиль – стили, обладающие как бы надличностным характером.

И тем не менее стилевое восприятие современного челове­ка, сформи­ровавшееся на музыке последних столетий, будет отыскивать в музыке средних веков, Возрождения, в безыс­кусной народной музыке, дошедшей до нас, проявления че­ловеческой личности как личности индивидуальной, хотя и видимой через туманное стекло времени в весьма размы­тых, обоб­щенных контурах.

Стиль эпохи окажется здесь проявлением типической лич­ности этой эпохи (и, разумеется, социальной среды, слоя, сословия и т.п.). Типическая личность предстанет нам во всеоружии остроумия и глубокомыслия своей эпохи, с ее увлечениями, модами и предрассудками, в присущих вре­мени париках, костюмах, с буклями или с пышной штраусовской шевелюрой, со шпорами или шпагой и т.п.

И все же и шпоры, и шпаги, и костюмы, и остроумие эпо­хи сплавля­ются в единое индивидуально-стилевое целое, при­писываемое личности, ибо музыка как процесс интонирова­ния, т.е. выражения внутреннего со­стояния, внутреннего видения, сознания и переживания, является художе­ствен­ной индивидуализацией типического и возникающее тут це­лое не может быть разделено между двумя, тремя или более индивидуумами без утраты ее сокрытости, принадлежности к единому и внутреннему.

И если внеличное, принадлежащее культуре эпохи барок­ко, африкан­ской, джазовой, макомной культуре, культуре фламенко и т.п., все же ска­зывается в форме личностной аранжировки в конкретном акте музыкаль­ного творчества, в произведениях, наигрышах, напевах, то здесь нет ника­ких противоречий с предлагаемой XX в. концепцией стиля как выражения конкретного человека, ибо и сам-то феномен лич­ности возник как резуль­тат социализации биологического индивида, как продукт внедрения обще­человеческой куль­туры (в том или ином ее варианте и фрагменте) в tabula rasa становящегося всю жизнь личностью существа.

67

Безусловный интерес для теории стиля и практики сти­левого и стили­стического анализа музыки представляют со­бой разнообразные формы, в которых осуществляется опосредование личностного начала в стилях раз­ных рангов и объемов.

Так, жанровый музыкальный стиль опирается на образ типизирован­ного идеального музыканта-профессионала, при­том профессионала в узко жанровом смысле, например скрипача-хардингфелера в норвежских на­родных танцах, гита­риста фламенко, кларнетиста, воспитанного в тради­циях молдавского народного инструментализма и т.д. Ценнейший мате­риал для характеристики жанрового стиля в этом ра­курсе дают исследова­ния инструментальной музыки различ­ных национальных культур народов России, до сих пор в той или иной степени сохранивших элементы пер­вичного жан­рового синкрезиса в бытовой, прикладной музыке. Впрочем, та же жанровая форма опосредования индивидуальности дей­ствует, хотя и в меньшей степени, в сфере профессиональной музыки европейской ака­демической традиции. Именно на ней основано, например, разграничение вокалистов камер­ного и оперного типа.

Во всех этих случаях стилевая форма ориентирована на сложившееся в культуре идеальное представление о чертах личности музыканта, посвя­тившего себя тому или иному жанру. В музыке стиля вербункош слуша­тель ищет и нахо­дит характерные проявления облика венгерского музы­кан­та-цыгана, обладающего ярким темпераментом, внутренней «дикой» динамичностью и т.п. В произведении композито­ра-романтика мы слы­шим гениального импровизатора, от­давшегося на волю вдохновения и ве­дущей его таинственной интуиции. Исполнитель же (как и слушатель) отождествля­ет свое «лирическое Я» с этой гениальной и непосредствен­ной натурой. Именно такой образ запечатлен в одном из стихо­творений А.К. Толстого:

Он водил по струнам; упадали Волоса на безумные очи, Звуки скрыпки так дивно звучали, Разливаясь в безмолвии ночи…

В различных жанровых стилях в разной мере проявляет себя и само это внутреннее лирическое начало. В безыскус­ном пении – все от человека. А вот в безыскусном же инст-

68

рументальном наигрыше уже скрыт диалог живого и нежи­вого, природы и культуры. В специально придуманной, скон­струированной звуковысотной технике музыкального пись­ма от человека идет уже только одна интеллек­туальная инициатива. Продукт же ее – строгие системы пропорций, струк­туры – выступает скорее как модель природы, всеоб­щих законов логики и математики, а потому способен засло­нять собою живое лицо творца. Здесь возникает еще одна сти­левая проблема – проблема заслонки, маски, щита, одна из наиболее важных в стилевом анализе.

В XX столетии стиль часто подменяется стилистикой, за которой под­час уже не видно живого лица самого музыкан­та. Отрицание отрицания? Возвращение к доиндивидуальным культурам древности и Средневековья? Конечно, нет. Хотя черты общности несомненны. Ведь потому и возможно здесь обращение к метафоре, к образам масок, забрал и щи­тов. Греческая маска, принятая в качестве символа-эмбле­мы театрального искусства, сродни современным техникам, маскирующим, однако, не только индиви­дуальный дар, но иногда и бездарность. А вместе с тем маска XX в. стала уже чем-то более утонченным, бесплотным, ушедшим в глубины «мысли­тельной» материи музыки. Не маска на лице, а лицо, застывшее до непод­вижной маски в тщательно продуманной гримасе, – вот образ стилевой вторичности, более близкий нашему времени. И тем более интересны и сильны проявле­ния живого бунта музыки как интонационного искусства, требующего стилевой непосредственности, личностной, а не сконструиро­ванной логически индивидуальности, – прояв­ления, все более и более дающие о себе знать в различных музыкальных жанрах и течениях XX в.

Итак, и в теоретических, и в исторических работах, по­священных изу­чению исторических этапов развития искус­ства и стилей, как бы попутно затрагивается и личность, при­том с самых разных сторон – как индивиду­альность героя художественного произведения, как личность отдельного вы­дающегося мастера, наконец, как некий обобщенный, но ха­рактерный лик эпохи.

И вот именно последний особенно важен как форма, в ко­торой совре­менное историческое сознание может представить себе исторический стиль с наибольшей адекватностью, непо­средственностью и живостью, если к ее образности и харак­теру присоединяются музыкально выражен­ные конкретизи­рующие индивидуально-личностные факторы.

69

История музыкальной культуры – творчества, восприя­тия, исполнения, форм бытия музыки и ее функций в жизни – как последовательная смена музыкальных исторических стилей с эффектами их переходов и наслое­ний, взаимодей­ствий и контрастов, иначе говоря, как история музыкаль­ных стилей, и сама подчинена особой стилевой историчес­кой логике.

Общий ее абрис весьма интересен. Стиль как осознавае­мый музыкаль­ной культурой феномен развивается по пути все большего дифференциро­вания и сжатия видов и разно­видностей. Первыми формами осознания явились историчес­кие стили (Возрождение), национальные стили, жанро­вые стили и только затем – авторские индивидуальные стили. В последние же два столетия, особенно в XX в., развертыва­ется уже игра с историче­скими накоплениями. Стили погру­жаются в ткань художественного произ­ведения на правах его внутренних составляющих. В XX в. возникают мно­гочислен­ные модификации – неоклассицизм, неоромантизм и т.п.

Наряду с национальным и историческим стилями в отече­ственной му­зыковедческой литературе все чаще фигурирует также жанровый стиль. Это понятие будет специально рас­сматриваться в следующем разделе книги, посвященном музыкальным жанрам. Здесь же отметим только, что со­отношения названных трех типов стиля – национально­го, исторического и жанрового – нельзя однозначно харак­теризовать ни понятиями рядопо­ложности и координации, ни понятиями иерархии и субординации. Ибо в них слож­нейшим образом переплетаются и те, и другие, что было вид­но отчасти уже из предшествующего рассмотрения нацио­нального и истори­ческого стилей.

В самом деле, ведь свойственные каждому жанру осо­бенности му­зыки одновременно служат воплощению и на­ционального стиля, и стиля исторической эпохи. В рам­ках почти каждого жанра-долгожителя, если прослеживать внимательно историю его развития, можно, пусть в ог­рани­ченном объеме, выявить и смены исторических стилей. Вме­сте с тем многие жанры, как это будет показано в следую­щем разделе, получают права гражданства в нескольких национальных культурах. И хотя жанро­вый стиль кажется по своему объему уступающим и национальному, и ис­тори­ческому стилям, все же считать его находящимся на более низкой ступени иерархии можно лишь с приведенными здесь оговорками.

70

Векторные изображения Исторический стиль

, Стоковые векторные изображения Исторический стиль

и Роялти-Фри Изображения Исторический стиль | Depositphotos®Наполеон БонапартСтарый старинный уличный фонарьИсторический дизайн коллекцииБесшовный цветочный узорВикторианский стиль одетая леди с зонтиком. Линия окраски страницы векторные иллюстрации. Коллекция детских векторных персонажей: набор из 26 великих философов и мыслителей истории в мультяшном стиле. Этнический бесшовный образец в родном стиле.Бесшовный акварельный цветочный узорМонохромный абстрактное искусство пригласительный билетРетро воздушный шар небо фон старая бумага текстуры.Эксклюзивное премиальное качество и гарантийная этикеткаЗамок сказкаАкварельная гондола на канале в ВенецииДверной молоток, Германия, 15 век. Бесшовные обои оливкового классицизмаГотическая арка и колоннаДома в японском стиле , большой наборНабор старинных цветочных пригласительных открытокВекторный набор с каллиграфическими элементами и оформлением страницы. Классический набор символов русской культурыКрасивые женщины в винтажном платье и прическе в стиле барокко.Рука нарисованные векторные иллюстрации. Коричневый изолированный силуэт благородной женщины. Винтажный контур женщины. Богатая женщина в историческом платье. Дама в стиле барокко. Аристократическая женщина. Дагеротипическое изображениеИконы МосквыИзвестные исторические памятники Украины. Набор векторных иконок черный столбец XIX века, традиционная китайская птица, старое французское здание в Саваннакхете, Лаос, плакат с винтажным глобусом и лентой. Ретро рисованной векторные иллюстрации в стиле эскиза с гранж фон старая бумагаДревнегреческий шрифтЯпонский стильБесшовные обои эпохи ВозрожденияБесшовные обоиОбразец с цветными дверямиБесшовные обоиДевичья башняБесшовные обои эпохи ВозрожденияДвериКазахские национальные узоры и орнаментыВыходное винтажное платье с курткой, шляпой-шютом, шалью.Исторический костюм. Стиль ампирБольшая коллекция эскизов женщин в ретро исторической одежде. Силуэт головы женщины в стиле ретро Средневековые стены и готическая башня черные силуэты. Коллекция детских векторных персонажей: набор из 61 исторических эпох и цивилизаций в мультяшном стиле. Памятник Минину и Пожарскому на Красной площади в Москве, Россия. Анимационный портрет молодой красивой корейской семьи в старинной традиционной одежде. Полный рост. Векторные иллюстрации, изолированные на белом фоне.Анимационный портрет молодой красивой корейской семьи в древней традиционной одежде. Полный рост. Векторные иллюстрации, изолированные на белом фоне. Простая роза компаса (роза ветров) в стиле исторических карт. Иллюстрация художника с палитрой и кистью в его руках. Старинный векторный эскиз плитки старый европейский дом, особняк, историческое здание схематично линии искусства изолированные , туристическая открытка, плакат, шаблон календаря, идея страницы с европейским домом, книжная иллюстрация, особняк старинный векторный эскиз плитки старый европейский дом, историческое здание линии искусства изолированы, туристическая открытка, плакат, шаблон календаря, идея с европейским строительством, рисованная иллюстрация Историческое здание Львова, Украина Амфора плоский значокЗолото Алтын Адам Ретро воздушный шар фон неба Стамбул, Турция — Галатская башня, ручной эскизВекторный коммерческий фон с изображением девушки в исторических достопримечательностях ДР.Изображение в стиле ретро. Достопримечательности Российской Федерации. Ретро стиль изображения Достопримечательности Австралии. Ретро стиль изображенияЯпонский стильИллюстрации городской улицы. Вольфганг Амадей Моцарт. Великий композитор и музыкант. Векторный портрет. Византийский узор из коллекции азиатских орнаментов Святой Софии. Исторический орнамент кочевых народов. Бесшовный фон с частями старинных часов Арка в арабском стиле

История искусства: Модерн

Бердсли Награда танцора см. также: Обри Beardsley Бердсли Видение: Саломея Артуриан Легенда Лисистрата Истинная история	Новый стиль Новый художественный язык был основан на акценте на «силе линии», который, по словам бельгийского художника и архитектора Анри ван de Velde , удерживал энергию человека, который его произвел.Часть его привлекательности было желание выполнить фундаментальную теоретическую принцип модернизма: применение того же эстетического критерии ко всем аспектам промышленного производства. От строительства краснодеревщикам, керамике и моде, графическому дизайну для кованых работ функционал совмещался с декоративные, чтобы полезные предметы тоже могли быть красивыми. Середина классы современного общества, быстро набирающие экономический статус, теперь искали художественное качество в промышленных изделиях, которые они куплен.В области живописи они отдавали предпочтение органике и натуралистические темы, которые выразились через новые отношения между линией и поверхностью. Линейные и криволинейные арабески и холодные прозрачные цвета составляли композиции на волнистой ритмы в асимметричных узорах. Толщина «хлыстовой» и «динамографической» линии зависели от того, сколько энергии они должны были удерживать. Характеризуется как Модерн , это явно отличительный стиль повлиял на многие художественные направления возникшие из постимпрессионистского искусства, такого как Наби и Символисты , в последнее десятилетие века.В Центральной Европе среди членов Сецессиона, его влияние привело к написанию работ, полных эмоциональное выражение, а не просто простая описательная графика. Анри ван де Вельде , английский художник Уолтер Крейн , немцы Отто Экманн и Герман Обрист и, прежде всего, Густав Климт и Эдвард Мунк , как украшение в искусстве могло сочетать и то, и другое социологические и экзистенциальные смыслы.Известные архитекторы, художники, и скульпторы, объединившиеся в отколовшиеся сецессионные группы, применили себя к оформлению предметов домашнего обихода и мебели в стремление к «глобальному искусству1». Это привело бы к общей гармонии, в котором произошла «взаимная ассимиляция интерьера. родство »среди всех форм. Horta и van de Velde в Бельгии, Гимар, во Франции, Макинтош в Шотландии, Гауди в Испании, Wagner , Olbrich и Hoffmann в Австрии, и Basile в Италии все использовали новые методы и материалы в современный, международный язык.Стиль был узнаваемым повсюду, даже с уважением к местным коренным особенностям, который варьировался от Готика до Рококо , из кельтского искусство к мавританскому искусству.
см. Также: Густав Климт см. Также: Альфонс Муха «Мастер модерна»	Густав Климт , Даная , 1907-08. Изображение девушка, любимая Юпитером, имеет эллиптическую форму в конструкция и состоит из мозаики цветов и переплетения арабески. Напоминающие византийскую искусственность, г. они лишают смысла глубины и производят эффект символическая абстракция.
см. Также: Вегенер Герда см. Также: Луи Икарт А СЛАДКИЙ АРТ. В первой четверти ХХ века влияние новые стили современного искусства достигли даже самых маленьких областей художественного предприятие, в том числе кондитерское.Во второй Империя, а затем belle epoque , кондитерские изделия достигли расцвета. особенно высокий уровень артистизма — Sachertorte , чудесный кондитерские изделия, изобретенные в Вене и эксклюзивные для отеля того же имя, все еще используется сегодня. Модерн и позже Ар-деко , г. оказали особое влияние на украшение выпечки, определение его общего стиля, цветовой гаммы и орнаментального Детали.Кондитерское искусство живет во многих европейских странах. страны, а готовая продукция максимально приятна на вид и аппетитно, как те, что восхищали гурманов столетие назад. Слишком много преданным считается идеально приготовленный пирог, торт или выпечка более нежный и эфемерный, чем любая керамика, его эстетика внешний вид не менее важен, чем его вкус. Современное искусство Живопись, скульптура, архитектура и графики, характерные для ХХ века и поздняя часть 19 века.Современное искусство охватывает широкий разнообразие движений, теорий и взглядов, чьи модернизм состоит, в частности, в тенденции отвергать традиционные, исторические или академические формы и условности в попытке создать искусство, более соответствующее изменившимся социальные, экономические и интеллектуальные условия. Начало современной живописи не может быть однозначно разграничены, но есть общее мнение, что это началось во Франции 19 века. Картины Гюстава Курбе, Эдуард Мане и импрессионисты представляют собой углубление отказ от господствующих академических традиций и поиски для более естественного представления визуального мира.Последователей постимпрессионистов этих художников можно увидеть как более современные в своем отказе от традиционных методы и предмет и их выражение более субъективное личное видение. Примерно с 1890-х гг. возникла последовательность разнообразных движений и стилей, которые ядро современного искусства и представляют собой одну из самых высоких точки западной визуальной культуры. Эти современные движения включают неоимпрессионизм, символизм, Фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, супрематизм, Конструктивизм, Метафизическая живопись, Де Стейл, Дада, Сюрреализм, Соцреализм, Абстрактный экспрессионизм, Поп-арт, Оп-арт, минимальное искусство и неоэкспрессионизм.Несмотря на огромное разнообразие этих движений, большинство из них характерно современные в своем исследовании потенциалы, присущие самой живописной среде для выражая духовный отклик на изменившиеся условия жизни жизнь в 20 веке. Эти условия включают ускоренные технологические изменения, расширение научных знания и понимание, кажущаяся неуместность некоторых традиционные источники ценностей и убеждений, а также растущее осведомленность о незападных культурах. Важная тенденция 20-го века. век был веком абстрактных или необъективных, искусство — то есть искусство, в котором мало или совсем не делается попыток объективно воспроизводить или изображать появление или формы объекты в царстве природы или существующие физические Мир. Также следует отметить, что развитие фотографии и смежных фотомеханических техник воспроизводство имело неясное, но, безусловно, важное влияют на развитие современного искусства, потому что эти освобожденные (или лишенные) механические приемы, выполняемые вручную рисование и живопись их до сих пор решающей роли как только средства точного изображения видимого мира. Современная архитектура возникла из отказ от возрождений, классицизма, эклектики и др. все адаптации прошлых стилей к типам зданий индустриализация общества конца 19-го и 20-го веков. Это также возникла в результате усилий по созданию архитектурных форм и стили, которые будут использовать и отражать недавно доступные строительные технологии из конструкционного железа и стали, железобетон и стекло. До распространения Постмодернизм, современная архитектура также подразумевали отказ от нанесенного орнамента и декора характерная для домодернистских западных построек.Напор современная архитектура была сосредоточена на здания, ритмичное расположение масс и форм излагает геометрическую тему в свете и тени. Этот развитие было тесно связано с новыми типами зданий востребованы промышленно развитым обществом, например офисом здания, в которых находится корпоративное управление или правительство администрация. Среди наиболее важных тенденций и движения современной архитектуры — Чикагская школа, Функционализм, Ар-деко , Ар-нуво , Де Стиль, Баухауз, международный стиль, новый брутализм и Постмодернизм. (Энциклопедия Британика) Art Deco также называется Style Moderne, движение в декоративном искусстве и архитектура, которая зародилась в 1920-х годах и развивалась в основной стиль в Западной Европе и Соединенных Штатах в течение 1930-х гг. Его название произошло от Экспозиции. Internationale des Arts Dcoratifs et Industriels Modernes, проходил в Париже в 1925 году, где этот стиль был впервые выставлен.Дизайн ар-деко олицетворял модернизм, ставший модой. Его продукция включала как предметы роскоши, созданные индивидуально. и товаров массового производства, но в любом случае намерение должен был создать гладкую и антитрадиционную элегантность, которая символизировал богатство и изысканность. Отличительные черты стиля — простота, чистота формы, часто с «обтекаемым» видом; украшение, которое геометрические или стилизованные из изобразительных форм; и необычно разнообразные, зачастую дорогие материалы, которые часто включают искусственные вещества (пластмассы, особенно бакелит; вита-бокал; и железобетон) в дополнение к натуральные (нефрит, серебро, слоновая кость, обсидиан, хром и горный хрусталь).Хотя предметы ар-деко редко серийное производство, характерные черты стиля отражает восхищение современностью машины и за конструктивные качества, присущие объектам машинного производства (например, относительная простота, планарность, симметрия и неизменное повторение элементов). (Энциклопедия Britannica) см. Также: Пинап Арт
	_______________________ ________________
Отто Eckmann ( b Гамбург, 19 ноября 1865 г .; d Баденвайлер, 11 июня 1902 г.). Немецкий дизайнер, иллюстратор и живописец. Он тренировался как бизнесмен перед входом в Kunst- und Gewerbeschule в Гамбург. Он учился в Kunst- und Gewerbeschule в Нюрнберга, а с 1885 года посещал Академию Бильдена. Knste в Мюнхене. Его ранние картины натуралистичны пейзажи, но около 1890 года он перешел в сторону символизма (например, Four Ages of Life , 1893–1894; не изучено). В 1894 г. он решил посвятить себя декоративному искусству.При поддержке Юстуса Бринкманна, коллекционера и музея директор, и Фридрих Денекен (впоследствии директор Музей кайзера Вильгельма, Крефельд), Экманн изучал Коллекция японской ксилографии в Музее искусства и искусства. Гевербе, Гамбург. Используя традиционные японские техники, он начал создавать свои собственные гравюры на дереве в 1895 году. Три Лебеди на темной воде (1895; Гамбург, Mus. Kst & Gew.) отражает общую озабоченность конца 19 века музыка, искусство и литература с лебедями как символическими изображениями, и они были частым мотивом во многих его последующих работах.Ксилография Экманна, а также орнаментальные бордюры, виньетки, экслибрисы и другой графический дизайн иллюстрируется в таких периодических изданиях, как Deutsche Kunst und Dekoration , Jugend и Pan . В 1899–1900 гг. он сотрудничал с Карлом Клингспором в Rudhardsche Schriftgiesserei, Оффенбах, для разработки нового шрифта под названием Экманн. Отто Экманн Приход весны , гобелен, 1896 год
	_______________________ ________________
Германн Обрист ( b Кильхберг, Швейцария, 23 мая 1862 г.; d Мюнхен, 26 февраля 1927 г.). Швейцарский художник, мастер и педагог. После изучения науки и медицина в Ruprecht-Karls-Universitt Heidelberg (1885–187), он путешествовал по Англии и Шотландии в 1887 году. Там движение искусств и ремесел повлияло на его решение. обратить свое внимание на прикладное искусство. После краткого учится в Kunstgewerbeschule в Карлсруэ и ученичество на гончара, его керамика и мебель выиграли золотые медали на Всемирной выставке в Париже в 1889 году.В 1890 году он учился в Академии Жюлиана в Париже, прежде чем посетил Берлин и Флоренцию, где экспериментировал мраморной скульптуры и основал студию вышивки в которые могли быть выполнены его собственными замыслами; он переместил свой студия в Мюнхен в 1894 году. Герман Обрист Дизайн мемориала 1895 Герман Обрист Исследование движения 1895
	_______________________ ________________
см. Также: Блейн Мэлон * Блейн Мэлон «Новая Венера» см. Также: Норман Линдси «Любовь на Земле» см. Также: Франц фон Байрос	Модерн (Энциклопедия Britannica) орнаментальный стиль искусства, который процветал между 1890 и 1910 г. по всей Европе и США.Ар-нуво — это характеризуется использованием длинной, извилистой, органичной линии и чаще всего использовался в архитектуре, дизайне интерьеров, дизайн ювелирных изделий и стекла, плакаты и иллюстрации. Это было сознательная попытка создать новый стиль, свободный от подражания историзм, который доминировал в большей части искусства и дизайна XIX века. Стиль модерн сначала развился в Англии и вскоре распространился на Европейский континент, где в Германии он назывался югендстилем, Sezessionstil в Австрии, Stile Floreale (или Stile Liberty) в Италия и модернизм (или модернизм) в Испании.Термин искусство Нуво был придуман парижской галереей, в которой выставлялась большая часть эта работа. В Англии непосредственными предшественниками стиля были Эстетизм иллюстратора Обри Бердсли , кто сильно зависел от выразительности органичной линии, и Движение декоративно-прикладного искусства Уильям Моррис , который установил важность жизненного стиля в прикладном искусстве. На европейском континенте модерн также находился под влиянием эксперименты с выразительной линией художников Поля Гогена и Анри де Тулуз-Лотрек.Движение также было отчасти вдохновлен модой на линейные узоры японского принты (укиё-э). Отличительной особенностью орнамента стиля модерн является его волнистая асимметричная линия, часто принимающая форму цветоносы и бутоны, усики виноградной лозы, крылья насекомых и др. нежные и извилистые природные объекты; линия может быть элегантной и изящный или наполненный мощно ритмичным и подобным хлысту сила. В графике линия подчиняет все остальные. живописные элементы — форма, текстура, пространство и цвет — сами по себе декоративный эффект.В архитектуре и других пластических искусствах вся трехмерная форма поглощается органичный, линейный ритм, создающий сплав между структурой и орнамент. Архитектура особенно демонстрирует этот синтез орнамент и структура; либеральное сочетание материалы — изделия из железа, стекла, керамики и кирпича — использовались, например, при создании унифицированных интерьеров, в которых колонны и балки превратились в толстые лозы с раскидистыми усиками и окна стали одновременно отверстиями для света и воздуха и пленочными выросты органического целого.Этот подход был прямо в отличие от традиционных архитектурных ценностей разума и четкость структуры. Было много художников и дизайнеров, которые работали в стиль модерн. Некоторые из наиболее известных были Шотландский архитектор и дизайнер Чарльз Ренни Макинтош, который специализировался на преимущественно геометрических линия и особенно повлияла на австрийский Sezessionstil; в Бельгийские архитекторы Генри ван де Велде и Виктор Орта, чьи чрезвычайно извилистые и нежные структуры повлияли на Французский архитектор Эктор Гимар, еще один важный фигура; американский производитель стекла Луи Комфорт Тиффани; французский дизайнер мебели и изделий из металла Луи Мажорель; чехословацкий художник-график Альфонс Муха; французский дизайнер стекла и украшений Рен Лалик; Американец архитектор Луи Генри Салливан, который использовал искусство, подобное растениям Металлические изделия в стиле модерн украшают его традиционно структурированные здания; и испанский архитектор и скульптор Антонио Гауд, пожалуй, самый оригинальный художник движения, который вышла за рамки зависимости от линии, чтобы превратить здания в изогнутые, выпуклые, ярко окрашенные, органические конструкции. После 1910 года модерн выглядел старомодным и ограниченным. как отдельный декоративный стиль вообще отказались. это было важно, однако, на пути к эстетике ХХ века. единства дизайна.
	_______________________ ________________
Henri van de Velde Плакат о продукте питания Tropon, 1898	Анри ван де Вельде Работа Анри ван де Вельде (1863-1957), бельгийского художника, архитектор, теоретик, дизайнер мебели и objets d’art , носили те же следы динамизма и абстракции, что и у соотечественника Последние работы Виктора Орты.Он был главным континентальным защитником идеи Уильям Моррис , разделяющий поиски четкого стиля с рациональными структурами и аналогичными заботами о роли художник в обществе. Van de Velde решительно поддержал необходимость соответствия искусство с трудолюбием, но его акцент на эстетической ценности этого брак означал, что он не верил в массовое производство. Его вклад в декоративное искусство — от дверных ручек до полных планы интерьера домов — в основном ленточные извилистые линии окаймляющие пустоты.В технике преобладал нервный заряд который произвел синтетическую и динамическую интерпретацию «хлыстовой» эффект.
	Анри ван де Вельде Сад в Калмхауте
Van De Velde (родился 3 апреля 1863 г., Антверпен, Бельгия.- умер 25 октября 1957 г., Црих, Швейцария.) Полностью Генри Клеменс Ван Де Вельде Бельгийский архитектор и учитель, который вместе со своим соотечественником Виктором Орта считается основоположником искусства Стиль модерн, характеризующийся длинными линиями, заимствованными из натуралистические формы. Создавая мебель и интерьеры для художественных галерей Парижа Самуэль Бинг в 1896 году ван де Вельде отвечал за создание искусства Стиль модерн в Париже. Но его интересовал не столько стиль, сколько в философии Уильяма Морриса и движения искусств и ремесел в Англия.Самым важным вкладом Ван де Вельде в современный дизайн был работал учителем в Германии, где его имя стало известно благодаря выставка меблированных интерьеров в Дрездене в 1897 году. В 1902 году он отправился в Веймар в качестве художественного советника великого герцога Саксен-Веймарского. Там он реорганизовал Kunstgewerbeschule (школу искусств и ремесел) и академии изящных искусств и, таким образом, положили начало творчеству Вальтера Гропиуса. объединение двух тел в Баухаус в 1919 году. Словно прогрессивных немецких дизайнеров того времени, ван де Вельде был связан с Deutscher Werkbund, и он спроектировал театр для Выставка Werkbund в Кельне в 1914 году. Несмотря на официальные назначения в Бельгии, ван де Вельде после 1918 г. никаких дальнейших вкладов в архитектуру или дизайн. из его Воспоминаний (1891–1901) был опубликован в Architectural Review, 112: 143–148 (сентябрь 1952 г.). Генри ван де Вельде Веймарская академия изящных искусств 1907 Анри ван де Вельде Шезлонг Анри ван де Вельде Банкетка Анри ван де Вельде Канделябры Анри ван де Вельде Ecritoire et fauteuil
	Анри ван де Вельде Гостиница «Отлет», 1894
	ВАН-ДЕ ВЕЛЬДЕ И «ГОЛОСОВАЯ ЛИНИЯ» Из всех архитекторов-модернистов Анри ван де Вельде был тем, кто лучше всего перевести и применить на практике теории Einfuhlung to придать смысл его работе.Он основывал свои проекты на том принципе, что каждая часть должна удовлетворять аспекту разума: один элемент мог бы вызвать умиротворение, еще одно волнение, еще одно удивление и еще одно расслабление. В серии очерков, написанных между 1902 и 190 гг. 1903, van de Velde обсуждает концепцию «говорящей линии», который, как он утверждал, был отличительной чертой каждого период и каждая цивилизация. Он утверждал, что малейшее из движения, тончайшее изменение ритма и малейшее изменение во времени или расстоянии акцента было всех реакций на определенные настроения или состояния ума.Он определил современная линия, как податливый и эластичный продукт, исходящий из первобытный поток энергии. Это было такое ощутимое и нетерпеливое заставить что-либо не попасть между его точками отправления и его конечная цель.
	Интерьер парижского магазина La Maison Moderne, дизайн для Юлиуса Мейера Грефе, 1898
	_______________________ ________________
Victor Horta Hotel van Etvelde, Брюссель	Виктор Орта г.р.6, 1861, Гент — умер 8 сентября 1947 г., Брюссель, г., выдающийся архитектор стиля модерн, стоящий рядом с Генрихом ван де Вельде и Пол Ханкар как пионеры современного бельгийского архитектура. Обучается в Академии изящных искусств в Брюсселе, 1876–81, Орта стал учеником неоклассического архитектора Альфонса Балата. Его первый отдельно стоящее здание, четырехэтажный отель Tassel в Брюсселе (1892–93), был одним из первых континентальных образцов ар-нуво, хотя он включал стилистические элементы неоготики и неорококо.Важной особенностью был восьмиугольный зал с лестницей, ведущей на различные уровни. Изогнутая линия, характерная для стиля модерн стиль, использовался как на фасаде, так и в интерьере. Прочие постройки в Брюсселе в его богатом и элегантном стиле находятся Hotel Solvay (1895–1900), примечателен пластиковой обработкой фасада, а отель Winssingers (1895–96), а также его собственный дом на улице Америкэн (1898). Его главный объект — Maison du Peuple в Брюсселе (1896–1899 гг.), первое строение в Бельгии с фасадом из железа и стекла.В его зрительный зал железные балки крыши являются конструктивными и декоративными. После 1900 года Орта упростил свой стиль, экономя на декоре. и устранение незащищенного железа. В 1912 году он стал директором академии и спроектировал Дворец изящных искусств (1922–28) в простой и суровый классический стиль; его последним крупным начинанием было центральное железнодорожный вокзал Брюсселя, начатый незадолго до Второй мировой войны.
	Victor Horta Tassel House, Брюссель
Виктор Орта Лестница Дома Кисточки Victor Horta Tassel House, Брюссель

бижутерия и искусство ручной работы в историческом стиле от KotomiCreations

Объявление Украшения, напоминающие о прежних эпохах.Вы помните … когда-то, где-то … вы видели, или трогали, или, может быть, носили их. Вы знаете, что ваш дух, кажется, это понимает. ———
Меня всегда тянуло к чему-то историческому. Образы из древних времен говорят со мной. И камни, бусы, все эти материалы ждут, чтобы их обнаружили и превратили во что-то, благодаря чему они смогут вспомнить свои воспоминания. Воспоминания о земле, цивилизации, эпохе, людях …

Главный сайт — www.kotomicreations.com

Мои украшения часто напоминают изделия из золота… Но это не так. Я использую полимерную глину для комбинирования с полудрагоценными камнями, фактурными кусочками стекла, хрустальными камнями и т. Д. Затем декорирую слюдяной пудрой цвета антик. Эта техника позволяет мне исследовать множество возможностей дизайна и формы для создания великолепных украшений !!
Детали, которые я здесь представляю, в основном разовые.

Спасибо, что посетили !!

Объявление

Последнее обновление: 18 августа 2020 г.

Украшения, напоминающие о прежних эпохах.Вы помните … когда-то, где-то … вы видели, или трогали, или, может быть, носили их. Вы знаете, что ваш дух, кажется, это понимает. ———
Меня всегда тянуло к чему-то историческому. Образы из древних времен говорят со мной. И камни, бусы, все эти материалы ждут, чтобы их обнаружили и превратили во что-то, благодаря чему они смогут вспомнить свои воспоминания. Воспоминания о земле, цивилизации, эпохе, людях …

Главный сайт — www.kotomicreations.com

Мои украшения часто напоминают изделия из золота… Но это не так. Я использую полимерную глину для комбинирования с полудрагоценными камнями, фактурными кусочками стекла, хрустальными камнями и т. Д. Затем декорирую слюдяной пудрой цвета антик. Эта техника позволяет мне исследовать множество возможностей дизайна и формы для создания великолепных украшений !!
Детали, которые я здесь представляю, в основном разовые.

Спасибо, что посетили !!

Домашняя страница JSTOR

Перейти к основному содержанию Есть доступ к библиотеке? Авторизуйтесь через свою библиотеку Авторизоваться Зарегистрироваться

• Расширенный поиск
• Просматривать
  • по субъекту
  • по названию
  • по коллекциям
  • издателем
• инструменты
  • Рабочее пространство
  • Анализатор текста
  • Понимание JSTOR Series
  • Данные для исследований

Около Служба поддержки Войти Зарегистрироваться Ищите журналы, первоисточники и книги по J.