Художники по направлению: Рококо — WikiArt.org

направление

Рококо́ (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.

Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования, и «рокайльщик» — это мастер, создающий такие убранства. То, что мы сейчас называем «рококо», в своё время называлось «живописным вкусом», но в 1750-х гг. активизировалась критика всего «выкрученного» и «вымученного», и в литературе стало встречаться именование «испорченный вкус». Особенно преуспели в критике Энциклопедисты, по мнению которых в «испорченном вкусе» отсутствовало разумное начало.

Основные элементы стиля: рокайль — завиток и картель — забытый ныне термин, применявшийся для наименования рокайльных картушей. Один из наиболее ранних случаев употребления этих терминов — увраж Мондона-сына «Третья книга рокайльных и картельных форм» 1736 г. (иллюстрации см. ниже). Также находим их в письме (7 апреля 1770 г.) мастера Роэтье (изготавливавшего для Екатерины II в конце 1760-х гг. серебряный сервиз, позднее известный как «Орловский сервиз», сохранившиеся предметы хранятся в Государственном Эрмитаже). Это письмо также отразило смену вкусов, происшедшую на рубеже 1760-70- гг.: «…поскольку Е. И. В. желает, чтобы отказались от всех видов фигур и картелей, мы приложим все усилия, чтобы заменить их античными украшениями и следуя лучшему вкусу, согласно пожеланиям…» (цит. по документу из РГИА).

Несмотря на популярность новых «античных форм», вошедших в моду в конце 1750-х гг. (это направление получило наименование «греческого вкуса»; предметы этого стиля часто неверно принимают за позднее рококо), так называемый Рококо сохранял свои позиции вплоть до самого конца столетия. Во Франции период рококо назывался временем Купидона и Венеры.

В 1960-70-е годы была распространена концепция рококо как результата измельчания барокко: «Вступая в фазу рококо, эмблематика все больше утрачивает самостоятельное значение, и становится частью общего декоративного убранства, наряду с нимфами, наядами, рогами изобилия, дельфинами и тритонами […] „Амуры божества любви“ превращаются в — putti — рококо».

Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства Филиппа Орлеанского (1715—1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов.

Отбросив холодную парадность, тяжёлую и скучную напыщенность искусства времён Людовика XIV и итальянского барокко, архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой; она не заботится ни об органичном сочетании и распределении частей сооружения, ни о целесообразности их форм, а распоряжается ими с полным произволом, доходящим до каприза, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом; крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, неотделанных камней (рокайль) и т. п. Несмотря на такое отсутствие рациональности в пользовании архитектоническими элементами, на такую капризность, изысканность и обременённость форм, стиль рококо оставил много памятников, которые доныне прельщают своей оригинальностью, роскошью и весёлой красотой, живо переносящими нас в эпоху румян и белил, мушек и пудреных париков (отсюда немецкие названия стиля: Perückenstil, Zopfstil).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Рококо

Рококо / Статьи / Живопись мира

Причудливый и вычурный, игривый и утонченный стиль Рококо сформировался во Франции в начале 18 века. Название стиля возникло от наименования элемента орнамента рокайоль, который напоминал по форме морскую раковину.

Невольно возникают ассоциации с названием стиля Барокко, barocco- так называли испанские моряки морские раковины неправильной формы, именно этот термин дал название одному из самых выдающихся стилей в мировом искусстве. Существует мнение, что Рококо – это кризисный вариант Барокко, находящегося на спаде своего развития. Действительно, Рококо хронологически следует за Барокко. Но и внутренняя суть, и внешние проявления этих стилей совершенно различны.

На смену силе эмоций, накалу страстей, помпезности и величественности Барокко пришел изящный и камерный стиль дамских будуаров и аристократических гостиных – Рококо. Стиль людей, ценящих утонченность обстановки, повседневные радости жизни и удобство быта. Идейная и эмоциональная основа Рококо – индивидуализм и гедонизм. Ж. Л. Давид называл его «эротическим маньеризмом». Девизом эпохи Рококо можно считать ценность «счастливого мига», для мироощущения человека этой эпохи была характерна любовь к жизни, умение наслаждаться её радостями, вкус к красивым вещам и новизне форм и в то же время настроения пессимизма, тоски, предчувствие конца. Современники называли Рококо «королевским стилем», он сформировался во время правления короля Людовика XV, достиг своего расцвета и, затем, его сменил художественный антипод — строгий, гармоничный и рациональный неоклассицизм.

В оформлении интерьеров помещений стиля Рококо приобрели большую популярность орнаментальные украшения, покрывавшие стены и потолки, вошли в моду панно и зеркала, рельефы и маски амуров. Изысканны, прихотливы и изящны были изделия декоративно-прикладного искусства этой эпохи, мастера которой блестяще умели использовать выразительные возможности фарфора, резьбы по дереву, драгоценных камней.

Стиль Рококо царил во Франции почти шестьдесят лет, оказав большое влияние на европейское искусство. Он дал миру прекрасных мастеров живописи: О.Фрагонара, Ф.Буше, А.Ватто. Темы живописи Рококо – прекрасные дамы и кавалеры, легкий флирт, кокетство, сцены соблазнения. Появился новый жанр живописи – пастораль, изображавший жизнь пастухов и пастушек на лоне природы. Правда, и пастухи, и пастушки были облачены в бальные платья и вместо выпаса скота занимались чтением, игрой на свирели или легким флиртом. Как и в живописи Барокко были популярны мифологические сюжеты, но круг мифологических героев был, преимущественно, ограничен богиней любви Венерой, нимфами и амурами.

Выдающийся мастер живописи Антуан Ватто жил и творил именно в эпоху Рококо. Многие его полотна были написаны в жанре пасторали. Но в его картинах, таких изящных, красивых, изображавших куртуазные нравы французского двора, сквозит какая-то грусть и легкая ирония. Стоит лишь вспомнить картины «Общество в парке» или «Затруднительное предложение».

Одной из лучших работ Ватто считается «Отплытие на остров Кифару» или «Паломничество на остров Кифару», как её ещё называют. Картина из серии «Галантные празднества». Сюжет, символика, даже композиция картины очень характерны для мироощущения Рококо. Кифара – остров вечного блаженства, на котором родилась богиня любви Афродита. Композиция картины ритмична, образы ее кажутся даже музыкальными. Впечатление таково, что дамы и кавалеры в ритме медленного и торжественного танца грациозно движутся от склона холма к ладье, которая отплавает на остров любви – Кифару. Движение направлено от правой стороны картины, где изображены сама богиня в окружении высоких деревьев к центру композиции. Все происходящее, словно бы, растворяется в золотистой дымке, в мягком золотистом свете, струящемся сквозь кроны деревьев. Природа в лучших произведениях художников Рококо кажется одушевленной. Но проницательный Ватто считал единство природы и людей – иллюзией, возможно, именно это было одной из причин этой легкой печали, пронизывающей его даже самые оптимистичные работы.

Рококо называют еще «дамским стилем», возможно, из-за настроения нежности и изысканности, царившем в образцах искусства Рококо, возможно, из-за того, что прекрасные дамы были основным предметом изображения в живописи Рококо. Стоит лишь вспомнить портрет фаворитки короля мадам де Помпадур кисти Франсуа Буше, или чудесные женские портреты Фрагонара «Портрет певицы, держащей нотный лист», или «Портрет дамы в образе музы науки» да и многие другие.

Буше «Маркиза де Помпадур»

Ватто «Капризница»

Ватто «Паломничество на остров Кифару»

Фрагонар «Муза науки»

Фрагонар «Певица»

Франсуа «Буше-Юпитер и Каллисто»

21.11.2011

Просмотреть все материалы

Статья по МХК на тему «Особенности стиля Рококо в живописи, скульптуре и архитектуре»

Рококо занимает особое место в истории европейских стилей. Это первый стиль «малых форм», ориентированный не на государственную, либо религиозную идею, а на человека, его масштаб, потребности, внутренний мир и внешние удобства. Развитие индивидуалистического начала стало одним из центральных процессов XVIII века и проявилось почти во всех художественных направлениях эпохи, однако именно в рококо впервые была разработана целостная стилевая система, программно поставившая все виды искусств на службу потребностям личности. Это значение рококо до сих пор остается недостаточно оцененным. Более того, долгое время вообще ставилось под сомнение рассмотрение рококо в качестве самостоятельного стиля, его определяли либо как заключительную, «упадочную» фазу барочного искусства, либо как период барочного влияния внутри французского классицизма. Даже сегодня такое авторитетное издание как английский «Словарь Искусств», продолжает очень осторожно интерпретировать рококо, прежде всего как декоративный стиль оформления интерьеров, признавая его влияние на архитектуру лишь в германском регионе. Такую же двойственную оценку рококо мы находим и в отечественных справочных изданиях, что, прежде всего, связано с отсутствием у авторов четкой системы идентификации специфических черт стиля рококо для его формального анализа. [1]

      Обращение к истории и стилевой проблематике рококо особенно актуально в отечественном искусствознании, где на сегодняшний день по теме искусства рококо нет не только ни одного крупного научного исследования, но даже отдельные статьи крайне редки. Особенно очевидна недостаточность освещенности памятников архитектуры и паркового искусства рококо.

Например,  в отечественном справочном издании В.Г.  Власова  «Стили в искусстве» 1995 года, содержащем наиболее объемную информацию о рококо,  автор с одной стороны называет рококо полноправным независимым от барокко стилем, с другой — характеризует его, как стиль исключительно камерный, который не нашёл отражения в архитектуре. Примеров интернациональных проявлений стиля нет, основные сведения о нем на сегодняшний день ограничиваются краткими, схематичными и не всегда точными характеристиками в крупных изданиях Всеобщей и Малой историй искусства и Всеобщей истории архитектуры.

Появившийся в первой половине XVIII века во Франции стиль рококо справедливо таки заслужил титул самобытного явления, не имеющего прототипов в истории искусства. Он оставил после себя изумительные по красоте интерьеры. Многие его элементы и приемы остаются актуальными и в наше время.

Изучение подобных Рококо феноменов может быть особенно актуальным. В нашу переходную эпоху, когда выделяются эмансипированные от государственного влияния обширные сектора частного строительства и развитие искусства все в большей степени начинает определяться частными заказами. [7]

История возникновения и основные черты стиля рококо

Стилевое направление, господствовавшее в европейском искусстве в течение первых трех четвертей XVIII в. Он представлял собой не столько самостоятельное художественное явление, сколько фазу, определенный этап общеевропейского стиля барокко. Термин «рококо» возник во Франции, в конце  XVIII в., в эпоху расцвета классицизма, как презрительная кличка для всего манерного и вычурного искусства 18 в. (изогнутая, капризная линия, напоминающая очертания раковины — его главный признак). Искусство рококо — это мир вымысла и интимных переживаний, декоративной театральности, изысканности, изощренной утонченности, в нем нет места героизму и пафосу — они сменяются игрою в любовь, фантазией, прелестными безделушками. Тяжелой и патетической торжественности барокко приходит на смену камерная хрупкая декоративность. Лозунгом краткого, недолговечного «века» рококо становится «искусство как наслаждение», цель которого — возбуждать легкие, приятные эмоции, развлекать, ласкать глаз причудливым узором линий, изысканными сочетаниями светлых нарядных красок, что особенно выразилось в архитектурном убранстве интерьеров, с новыми требованиями которого сообразовалась и живопись рококо. Самой распространенной формой живописного произведения стало декоративное панно, большей частью овальной, круглой или причудливо-изогнутой формы; в основе композиции и рисунка лежит мягко изгибающаяся линия, которая придает произведению обязательную для этого стиля вычурность и нарядность. [7]

Придя на смену тяжеловесному барокко, Рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. С барочным стилем Рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то Рококо предпочитает изящество и лёгкость. Более тёмные цвета и пышная, тяжёлая позолота барочного декора сменяются светлыми тонами — розовым,  голубым, зелёным, с большим количеством белых деталей. Рококо имеет в основном орнаментальную направленность;  название происходит от сочетания двух слов: «барокко» и «рокайль» (мотив орнамента, затейливая декоративная отделка камешками и ракушками гротов и фонтанов).

Стиль Рококо был весьма популярен в Центральной Европе вплоть до конца 18 века, тогда как во Франции и других западных странах интерес к нему ослабел уже в 1860-х гг. К этому времени он воспринимался как символ легковесности и был вытеснен неоклассицизмом.

Для живописи, скульптуры и графики характерны эротические, эротико-мифологические и пасторальные  сюжеты. [8]

Особенности проявления стиля в живописи

Идейно-художественное содержание оформления дворцового интерьера во многом определялось произведениями декоративной и станковой живописи. Они украшали не только королевские замки и магнатские дворцы, но широко привлекались и в отделку интерьеров шляхетских усадеб. Живопись, как и скульптура, ценилась обитателями дворцов и усадеб лишь в той мере, в какой она способствовала украшению их интерьеров, поэтому носила преимущественно декоративный, оформительский характер.

Наиболее распространенная форма живописного произведения – небольшое декоративное панно обычно круглой, овальной или причудливо изогнутой (в виде рыбьего пузыря) формы. Живописные композиции выполнялись художниками на полотне как станковые произведения, а затем вставлялись в рамы панелей, десюдепортов и супрапортов.

Тематика живописных произведений в интерьере была навеяна театром, легковесными по содержанию и весёлыми по настроению сельскими пастушьими или светскими любовными мизансценами, чаще всего сентиментальными и эротическими. Внимание придворных художников концентрируется вокруг достаточно банальных жанровых идиллических сцен с дамами, кавалерами, комедиантами, играющими пути. Привлекательность этих картин – в их тонкой художественной исполнительности, в нежном, утонченном письме, сказочном феерическом антураже. Практически не затрагивается душевная и духовная стороны изображаемой личности, а лишь её импозантность. В композициях полотен господствует тема любви или её неразделённости, моменты её проявления в ревности, легкой влюблённости, капризном кокетстве.

Еще В.В. Стасов отмечал, что для европейской живописи середины XVIII века были чужды реализм и правда, присущие картинам голландской школы. Художественной программой эпохи становится отражение условной красоты, декоративно изысканной жизни, безмятежного быта аристократических салонов. Дворянские пасторали разыгрываются среди роз и цветов, полуфантастических архитектурных пейзажей. Природный антураж в этих картинах, как и в орнаментике стиля, далёк от натуры. Художника не заботит глубокое проникновенное изображение ландшафта, так же как и исследование искреннего чувства. Природа в рокайльных  картинах абстрактна, искусственно напыщенна, необычайно приукрашена и романтизирована. [2]

Для живописи рококо характерно использование системы лессировок – многократных накладок прозрачных слоев краски друг на друга, создающих ощущение фарфорового свечения тонов. Пастельная цветовая гамма, светлый колорит, преобладание серебристых, розовых и голубых тонов, сияющих красноватых, золотисто-жёлтых оттенков, поэзия полутонов, воздушность фактуры, плавность контуров были призваны вызывать впечатление нежного изящества и благородства, камерной и хрупкой декоративности. Формы моделируются посредством мягких неуловимых преходов света и тени, отсутствием контрастных цветосочетаний. Цветовая гамма обладает белёсостью и прозрачностью, напоминающей нанесённые на фарфоровую посуду эмалевые краски, роспись по шелку.

Станковым картинам начинают предпочитать эмалевые миниатюры-талисманы. Желание иметь небольшие по формату портреты в медальонах или на табакерках входит в моду. Становится потребностью почти всех завсегдатаев великосветских салонов. Мода на них в России была сильна в то время благодаря работам французских мастеров портретной миниатюрной живописи.

Художник был призван радовать глаз и не тревожить ум и сознание, умилять гармонией форм и красок. В живописные полотна пришла грация настроений, чувственность, беспечная лёгкость, порой тёплый юмор, ощущение жизни как постоянного праздника. В станковой живописи этого времени создаются лучшие детские портреты, очевидно, потому что маленьких персонажей не было необходимостью наделять глубоким душевным содержанием.

Искусство сближалось с бытом, его эталоном становится не героическая исключительность, а обычная жизненная человеческая норма. При частичном сохранении торжественности и официальности изображаемого парадного типажа, характер личности становится мягче и нежнее, поза персонажа непринужденнее.

Светская живопись, как и скульптура эпохи рококо, отказалась от обращения к драматическим сюжетам, а вместе с тем и от развёрнутого познания и отражения реальной жизни. В произведениях живописцев отсутствует действие, в них господствуют отвлечённое элегическое настроение, глубоко интимный подтекст, пристальное внимание к оттенкам настроения. Откровенно чувственно-поэтический, подчас изящно-жеманный характер живописных полотен сочетается с неглубоким идейным содержанием. При этом полотна рокайльных живописцев очаровательны и привлекательны.

В рокайльной живописи получил развитие жанр натюрморта. Путём тщательной световой проработки появляется ощущение иллюзорной натуральности, реального присутствия изображаемых предметов (так называемые картины-обманки).

Увлечение выбелённой мягкой и высветленной цветовой гаммой воскресило в искусстве XVIII века забытую в XV века живописную технику пастели.

Пастельная живопись с её бархатисто-матовой фактурой  и тонкими “затёртыми” градациями мягких завуалированных тональных переходов создавала впечатляющий художественный эффект света всецело в духе стиля. Естественно, что строгий классицизм отверг пастельную технику живописи как слишком нежную, бледноватую и лишённую героической монументальной решительности. [2]

Особенности стиля в архитектуре

Центром формирования новой культуры XVIII столетия стал не дворцовый парадный интерьер, а салон. Вместо огромных парадных залов барокко появляются небольшие нарядные салоны рококо. Стиль рококо не внес в архитектуру никаких новых конструктивных элементов, но пользовался старым, не сжимая себя при их употреблении никакими традициями и имея в виде, главным образом, достижение декоративной эффектности. Архитектура рококо стремится быть легкой, приветливой, игривой; она не заботится о целесообразности форм частей сооружения, а распоряжается ими как угодно, по велению каприза, избегает строгой симметричности.

Для рококо типичные небольшие комнаты с закругленными углами или же овальные в плане. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной обработкой. Стены членятся тонкими тягами на отдельные панно, расположенные в два ряды. Нижний ряд играл роль панели. Колонны то продлеваются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно, их капители искажаются кокетливыми изменениями и увеличениями. Вместо колонн, капителей появляются тонкие рельефные обрамления — филенки, ленточные переплетения, орнаментальные украшения, гротески. Высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают незначительные выступления с сильно выдающимся вперед карнизом. Крыши обрамляются по края балюстрадами и, с помещенными на некотором расстоянии одна от другой, постаментами с вазами или статуями.

Архитекторы рококо пытались сгладить угол между стеной и потолком с помощью падуги — плавного полукруглого перехода, который декорировался тонким орнаментальным рельефом. Равно как и во времена барокко, большое внимание уделялось потолочным плафонам, однако в этот период потолка опять стали плоскими. Отличительная черта рококо — мелкий стилизованный тонкий рельефный орнамент в виде переплетений, гротесков, завитков, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, и рокайля — орнаменту в виде черепашек. Рокайль становится основным мотивом декора. Орнамент используется повсеместно — в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри дома, в плафонах.

Стиль рококо стремился зрительно разрушить конструкцию дома. Для этих целей использовались масштабные росписи и огромные зеркала. Чтобы визуально расширить пространство небольших комнат, зеркальные поверхности располагались одна напротив другой, а для увеличения количества дневного света — напротив окна. Чтобы снять ощущение массивности стен и перекрытий и прибавить легкость и легкость интерьерам, окна располагались почти в одной плоскости со стеной. [2]

Невзирая на такое отсутствие рациональности в пользовании архитектоническими элементами и на капризность, стиль рококо оставил много памятников, которые доныне привлекают своей оригинальностью, роскошью и веселой красотой. Это Версальский дворец во Франции, Дрезденский Цвингер в Германии, Зимний дворец и другие дома Растрелли в России.

На то время Париж был уже перенаселен и очень плотно застроен, потому архитекторам были даны не слишком много возможностей для создания архитектурно строительных шедевров. Главным беспокойством и вниманием был окружен интерьер помещений.

В силу некоторых исторических особенностей и мировоззрения того времени, стиль рококо оставил самый заметный след не в больших монументальных формах, а в предметах интерьера и аксессуарах. Рококо — стиль, основанный на детали. Модным словом становится bagatelle (фр. мелочь, безделушка). Именно в эпоху рококо в первый раз возникает представление об интерьере, как целостном ансамбле: стилевому единству дома, декора стен, потолков, мебели. Соединение ажурных форм, сложного орнамента и прозрачных, светлых красок порождало праздничное, действительно фееричное зрелище. Все искусство рококо построено на асимметрии, которая создает ощущение обеспокоенности, — игривое насмешливое, изобретательное.

Особенности стиля рококо в скульптуре.  Известные скульпторы стиля рококо

Скульптура рококо менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение в искусстве рококо и всего 18 века получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни. Крупнейшие скульпторы рококо: Ж. Б. Лемуан, Пигаль, Пажу, Фальконе, Клодион. В скульптуре рококо преобладали предназначенные для украшения интерьеров рельефы и статуи, небольшие статуэтки, в том числе из терракоты и фарфора. Прихотливое изящество отделки, частое заимствование экзотических декоративных мотивов китайского искусства, виртуозное выявление выразительных возможностей материала присущи рокайльному декоративно-прикладному искусству. [4]

Ж.-Б. Лемуан

 Рядом с плеядой блестящих французских скульпторов XVIII столетия, которую составляют Пигаль, Фальконе, Гудон, конечно, меркнет имя Жана-Батиста Лемуана, но в свое время он был знаменит как придворный портретист короля Людовика XV. Исполненные им бюсты из мрамора и терракоты приводили современников в восхищение. Меньше ему удавались монументальные и декоративные работы (Дени Дидро, родоначальник французской художественной критики, в одном из своих «Салонов» обращался к Лемуану с призывом: «Делайте портреты, но оставьте памятники»).

 Пластический строй произведений Лемуана складывался под воздействием искусства рококо — прихотливого, изящного стиля, созданного для украшения нарядных аристократических салонов и будуаров. Художники рококо увлекались прелестью мимолетных радостей, которые дарит человеку жизнь. Лемуан умел передать острое «физиогномическое» сходство, запечатлеть характерную надменность придворного или капризное кокетство дамы.

Скульптура Лемуана по своему стилю ближе к живописи, чем к архитектуре. В его работах главное — силуэт, игра текучих и гибких линий, очерчивающих абрис головы и складки одежды. В мраморе Лемуана увлекает передача светотеневые контрастов, для бюстов его излюбленным материалом была терракота.

 Терракотовые, то есть вылепленные из мягкой глины, хранящей прикосновение рук скульптора, и потом подвергнутые обжигу, головки Лемуана часто подкрашены. Раскраска скульптуры — полихромия — была необычна для того времени. Идеалом считались античные статуи, которые, как тогда думали, были лишены цвета. Лишь гораздо позднее выяснилось, что раскраска древнегреческих статуй просто не сохранилась. [4]

 Нарушая традиционную бесцветность скульптурного материала, Лемуан вносил в свои портреты трепет жизни, непосредственность восприятия. Лемуан сделал несчетное количество бюстов Людовика XV, членов королевской фамилии, фавориток короля и придворных. В женских образах, свободных от парадности и торжественности, особенно полно раскрывается дарование Лемуана. Он подчеркивает изящество и грациозность своих моделей, создает мягкие лирические образы юности и красоты. «Портрет девушки» работы Лемуана, хранящийся в Эрмитаже, выполнен в мраморе. Совсем юное, почти детское лицо проникнуто ощущением покоя и безмятежности. Легкими, скользящими линиями прорисованы черты лица, прическа, складки платья. Плавно круглящаяся поверхность мраморного бюста дает мягкие переходы от света к тени, модель кажется окруженной своей особой атмосферой, передающей обаяние естественности и чистоты.

 Лемуан, унаследовавший профессию скульптора от своего отца, был чисто французским, более того — парижским мастером. В отличие от Гудона, который делал портреты американцев, немцев, русских, он изображал только своих соотечественников. В работах Лемуана выражено любование натурой, его искусство неразрывно связано с жизнью светского парижского общества эпохи Людовика XV, подчинено его вкусам и идеалам. Лемуан утверждал величие короля в скульптурных памятниках и бюстах, он участвовал в украшении фонтанов Версальского парка. Лемуан работал и над скульптурами для отеля Субиз, прославленного как образец интерьеров в стиле рококо. Портреты, исполненные Лемуаном, воскрешают для нас образы тех, кто царил в этих затейливо украшенных уютных залах, отдыхал под сенью деревьев в парках с прихотливой скульптурой и фонтанами. [9]

К.М. Клодион

Клодион (1738-1814). Клод Мишель взял имя Клодиона, словно предчувствуя свою исключительность в многочисленном семействе потомственных лотарингских скульпторов и декораторов Аданов, с которыми был связан по материнской линии. Клодион не столь известен, как его современники и Ж.-Б.Пигаль, Ж.-А.Гудон и М.-Э.Фальконе, так как не был создателем монументальных произведений, подобных «Медному всаднику» Фальконе. Но при упоминании имени Клодиона перед нами возникают образы прелестных нимф, дерзких сатиров, грациозно бегущих вакханок, резвящихся детей, амуров, забавляющихся друг с другом или несущих тяжелые гроздья винограда — царство беспечного детства и счастливой юности, царство природы, радости и любви, воспринятое через античные мифы. Мир, столь убедительно и поэтично воссозданный Клодионом, что не возникает сомнения в исключительной роли в художественной жизни Франции второй половины XVIII века этого камерного лирического мастера, свободно владевшего пластической формой.

Его излюбленная тема — радости и праздники,  часто выражается через ритмический язык танца. Скульптурные группы, как правило, состоят из двух-трех фигур. Герои Клодиона — фавны, чуть гротескные сатиры, немного грубоватые, но всегда составляющие пластический контраст изящным обнаженным нимфам и вакханкам. Охваченные стихией танца, почти исступленные нимфы даны скульптором в полных динамики и грации позах. В лицах, всегда миловидных, с маленьким, чуть вздернутым носиком и мягким подбородком, всегда простодушно и наивно улыбающихся, с чуть приоткрытым ртом — юность и детскость. Замыкая круг, образуя хоровод, балансируя на пальцах одной ноги, легкие, подвижные, раскачивающиеся фигуры словно готовы сорваться в неистовом танце и лишь переплетениями рук удерживают шаткое равновесие. У ног обычно помещены музыкальные инструменты: флейта, цитра, тамбурин, наполненный гроздьями спелого винограда. Свои статуэтки Клодион выполняет из мягкой, розоватого оттенка глины, словно вобравшей в себя тепло солнечных лучей.

Клодион — один из самых привлекательных мастеров среди французских скульпторов XVIII столетия. Однако об обстоятельствах его жизни известно очень мало, биография мастера до сих пор остается во многом неясной.

 Он много работал для императрицы Екатерины II, которая тщетно пыталась звать его к своему двору». Клодион не принял приглашения Екатерины II, и в Россию выехал Морис-Этьен Фальконе. Созданные Клодионом за десять лет пребывания в Риме работы уже тогда разошлись по итальянским, русским, немецким, французским коллекциям, так как произведения мастера высоко ценились. Возможно, что его первыми работами в Риме были терракоты — статуэтки из обожженной глины, которые он делал самостоятельно и в большом количестве. Некоторые из них были переработками классических статуй (весталки, жрицы). Он выполнял в терракоте вазы, украшая их рельефами на темы вакханалий. В мотивах, к которым обращается Клодион, угадывается долгая и богатая традиция античности и прежде всего влияние помпеянских и геркуланумских росписей, которые он видел в Италии, а позднее постоянно изучал по воспроизведениям в гравюрах, хранившихся в его личной библиотеке. В бегущих сатирах и вакханках ощущается близость французской маньеристической скульптуре, а также традиции Жана Гужона. В тематике своих произведений Клодион продолжает линию венецианского мастера XVI века А.Риччо и своего непосредственного предшественника во Франции Ф.Дюкенуа. Его творчество также связано с французской рокайльной живописью XVIII столетия. Чуткость к запросам времени, соединенная с внутренней свободой мироощущения, особая легкость и артистизм исполнения его терракот, поражающих тонкостью и тщательностью отделки деталей и мягкостью лепки, своеобразной музыкальностью, создали ему славу скульптора и декоратора. [4]

Клодион возвращается в Париж в начале 1770-х годов, в 1773 году впервые выставляет в Салоне свои работы, принесшие ему славу и широкую известность. Среди них — ребенок-сатир, несущий сову, — модель, которая впоследствии неоднократно повторялась в терракоте, бронзе, мраморе не только самим мастером, но и его старшими братьями, работавшими в его мастерской и подражавшими его манере. В 1770-1780-е — годы творческого расцвета — скульптор широко сотрудничает с мастерами-декораторами, особенно с бронзовщиками. В период революции, переехав из Парижа в Нанси, Клодион выполняет модели статуэток и барельефов для фарфоровой мануфактуры в Нидервиллере, оставив заметный след в истории керамики. Кроме мелкой пластики мастер выполнил также и крупные работы: скульптуру для собора в Руане, рельефы для фасадов зданий, сотрудничал в этой области с архитектором А.Вроньяром. Ему принадлежат несколько надгробий, а также статуя Монтескье из серии «Великие люди Франции», которая считалась современниками одной из лучших работ этой серии.

Но большая часть монументальных замыслов Клодиона осталась неосуществленной. Академия обошла его стороной, не удостоив звания и не обеспечив пенсией. У него был единственный ученик Ж.Марэн, работавший в манере своего учителя, но уже в XIX столетии. Заказчиками Клодиона были чаще всего его друзья и богатые буржуа. И не официальные заказы составляли его славу, а те не поддающиеся точному исчислению терракоты, бронзы, мраморы, бисквиты, которые существуют более двух столетий и пользуются все растущей популярностью, вызвавшей целую волну копий и даже подделок в XIX веке. Не случайно мастер, на четырнадцать лет переживший свой век, остался в истории искусства Франции XVIII века скульптором, воплотившим в своей области художественные принципы рококо, «Фрагонаром в скульптуре», как его называли современники. [5]

Э.М. Фальконе

 

          Французский скульптор. Происходил из среды ремесленников. Его отец был столяром, дядя — мастером по обработке камня — это стало добротной основой для будущей профессии. Фальконе — один из крупнейших французских скульпторов XVIII в. Учился у Ж. Лемуана. На протяжении всей жизни Фальконе много читал, изучал философию, писал сам, оставив глубокие, не утратившие актуальности Размышления о скульптуре. Его другом был писатель, просветитель, художественный критик, участник создания Энциклопедии, или Толкового словаря наук, искусств и ремесел Д. Дидро.

При вступлении в Королевскую академию Фальконе представил скульптурную группу Милон Кротонский, терзаемый львом (1744—1745, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж; ок. 1754, Париж, Лувр). Согласно преданию, борец Милон из Кротона, шестикратный победитель на Олим- пийских играх 532—516 до н. э., пытался расщепить пень, с которым не могли справиться лесорубы. Однако его рука оказалась намертво защемленной в расщелине пня, и в это время атлета растерзал лев. Композиция отмечена несомненным талантом мастера, с энергией и темпераментом передана ярость схватки, в работе проявился интерес художника к сильным, ярким характерам, к темам, исполненным героического пафоса и драматизма. К сожалению, в течение многих лет тяга скульптора к героическим образам оставалась невостребованной.

Первый заказ Фальконе получает в 1748 — Франция, обнимающая бюст Людовика XV — по рисунку Ш. Куапеля, первого художника короля. «Это была работа, вынужденная бедностью», — признавался мастер.

В последующие годы скульптор работает в духе модного в ту эпоху стиля рококо (от франц. rocaille — раковина), создавая миловидные камерные скульптуры, принесшие ему славу. Для замка Бельвю маркизы Помпадур Фальконе выполняет статую Музыка (1751—1752, Париж, Лувр). От образа поющей девушки веет чистотой, трогательным простодушием; мелодичность ритмов и линий превращает скульптуру в олицетворение гармонии. [2]

В 1757—1766 Фальконе возглавлял модельную мастерскую Севрской мануфактуры. Талант мастера, художественный вкус, тонкое понимание особенностей материала (знаменитые статуэтки Севра делались из фарфора без покрытия глазурью — т. н. «бисквит») облагородили продукцию мануфактуры. Некоторые модели Фальконе выполнял по рисункам известного живописца Ф. Буше, многие создавал сам. Его влияние ощущалось и после отъезда скульптора в Россию.

К 1757 относится триумфальный успех Фальконе в Салоне, где он выставил Купальщицу и Грозящего амура (обе — Париж, Лувр). Автору удалось вдохнуть в мифологический образ бога любви ощущение естественности и жизненности. Изящество, грация движений, таинственная улыбка, предвещающая очередную шалость амура, передают и прелесть детства, и опасное очарование лукавого божества. Пленительной легкости и светлой радости исполнена Девочка — Психея (1758, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж). Пластически совершенна статуэтка Флора (1750—1760, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж) с ее классической отточенностью силуэта, чистотой линий, красотой и гармонией форм. Композиция построена на плавно круглящихся, гибких контурах, отмечена особой мелодичностью ритмов. «Вылеплены» не только плоть, объемы, но и внутристатуарное пространство — это не пустоты, а пространственные паузы, подчиненные тем же гармоническим ритмам, что и формы. Флора — подлинный шедевр камерной пластики.

Работы Фальконе полны обаяния, они словно источают свет и озарены улыбкой их создателя, влюбленного в жизнь и красоту.

В 1760-х в произведениях скульптора начинают все ощутимее проявляться веяния классицизма, работы становятся сдержаннее по чувству, строже, лаконичнее по форме. [2]

Рококо (Rococo), стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале XVIII века и распространившийся по всей Европе. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, Рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. С барочным стилем Рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то Рококо предпочитает изящество и лёгкость. Более тёмные цвета и пышная, тяжёлая позолота барочного декора сменяются светлыми тонами — розовыми, голубыми, зелёными, с большим количеством белых деталей. Рококо имеет в основном орнаментальную направленность; само название происходит от сочетания двух слов: «барокко» и «рокайль» (мотив орнамента, затейливая декоративная отделка камешками и ракушками гротов и фонтанов).

Искусство рококо отразило своё время, явилось порождением эпохи торжествующего в своей предсмертной агонии феодального абсолютизма, зерцалом его эмоционального мира. Представители рокайльного художественно-стилевого направления в совершенстве проиллюстрировали эстетический идеал эпохи, кредо которого заключалось в отказе от прозы реальной жизни и признании лишь одного мира – мира искусства. При всей узкоклассовой сущности и элитарной природе этого искусства необходимо учитывать тот факт, что своей практической реализацией оно было обязано широкому кругу резчиков и скульпторов, архитекторов и художников – талантливых выходцев из народа.

СПИСОК ИСПОЛЬЗОВАННОЙ ЛИТЕРАТУРЫ

1. Всеобщая история искусств (в шести томах) под ред. Б. В. Веймарна и Ю. Д. Колпинского. Государственное издательство «Искусство» М., 1965.
2. История мирового искусства, ред А.Сабашникова, М.:БММАО,   1998.
3. Энциклопедия. Том VII. Искусство. Том I. М. 1998г.
4.  История зарубежного искусства. Учебник. М., 1984г.
5.  http://hrono.info
6.  http://smallbay.narod.ru/rocoko.html
7. http://art.thelib.ru/construction/design2/v_kurtuaznom_duhe.html
8. Фрагонар. http://www.arthistory.ru/rococo.htm
9. «Художественный календарь 100 памятных дат», М., 1978 г.

2.68 Цветовые системы. История вопроса (часть 12)

Тема лекции: Европа 18 в. Рококо.

Источник — сайт Михалкевича на народ.ру

В XVIII веке барокко превращается в рококо. Появляется тяготение к ассиметрии композиции, декору (мягкая деталировка форм), сочетание ярких и чистых тонов цвета с белым и золотом.

Стиль рококо

Длительная эпоха барокко завершается во второй половине XVIII столетия искусством стиля рококо. Название стиля произошло от французского слова «rocaille» ,что означает композиции из раковин и гротов, играющих большую роль в новом стиле. Стиль рококо, затрагивающий главным образом орнаментально-декоративный строй предметов украшения, мебели и интерьеров, ассоциируется, прежде всего, с причудливыми формами орнаментики, состоящей из раковин, коралловидных образований, завитков, цветочных гирлянд, прихотливо извивающихся стеблей и т.д.

Стиль рококо является стилем искусства двора и аристократии. Появляются новые типы жилых помещений: будуары, интимные кабинеты. Стиль очень ярко и последовательно проявился в оформлении интерьеров. Зеркала, позолота, буйно стелющиеся по стенам и потолкам лепные узоры деформируют пространственную структуру интерьеров. Архитектоническое начало с его колоннами, пилястрами, карнизами сменяются откровенно декоративным; единственный элемент, служащий членению поверхностей стен и потолков, — капризно изогнутая рамка.

В этот период продолжается усиливаться восточное, и, прежде всего китайское влияние. Изящные по формам, украшенные тонким, изысканным декором художественные изделия китайских мастеров отлично гармонировали со стилем, процветавшим при европейских абсолютистских дворах.

Особенно в большом количестве завозился фарфор, привлекавший европейцев экзотичностью, новизной материала и форм.

Характерной особенностью стиля является сочетание внешней сдержанности и внутренней роскоши, которая была предназначена для комфорта.

Помещения не всегда выдерживаются в одной цветовой гамме и обустраиваются с учетом наклонностей хозяина и его рода занятий.

По сравнению со сдержанностью и трезвостью барокко, интерьеры рококо перенасыщены предметами меблировки, но в целом — это эталон утонченности, элегантности, изнеженности. Нежные, пастельные тона преобладают и в колорите, наиболее частые цветовые решения — белое в сочетании с голубым, зеленым или розовым и непременное золото.

Стилю рококо чужды прямая или правильных очертаний кривая линия и симметрия. В мебели и декоративном убранстве интерьера используются самые дорогие материалы: экзотические породы дерева, мрамор, шелк, гобелен, бронза, золото.

Внутри дом всегда украшается настенной живописью, достаточно часто встречается и роспись потолков, продолжающая сюжетную линию стен.

Да и сама комната строится в форме вытянутого овала или круга, углы могут присутствовать только в кабинетных комнатах и в будуаре, хотя и это встречается достаточно редко.

Стены помещений украшаются не фресками, а шпалерными развесками— коврами с расшитыми диковинными узорами по шелку или атласу.

Только в стиле рококо используются настенные консоли, которые делаются из стукко или фарфора. Эти два материала позволяют вылепить невысокий рельеф, который очень быстро принимает нужную форму и схватывается.

4

В качестве основных орнаментов используются восточные мотивы с изображением пальм, заморских животных и птиц, картин из жизни туземцев.

В сторону большего удобства и элегантности изменяются и формы мебели для сидения. Контуры предметов становятся мягкими, волнистыми, изгиб ножки усиливается. Характерной для рококо становится изысканная и в изобилии украшенная мебель. Здесь присутствует целая смесь характерных для других стилей черт: богатая рокайная резьба барокко и раскраска пастельными тонами отдельных деталей мебели, простота конструкций средневековья, отделка ножек в виде лап животных и золотая отделка в духе римского стиля.

В отделке полов присутствуют и каменная мозаика, и паркет, которые всегда гармонируют с остальным витиеватым убранством комнат.

Для того чтобы стилизовать интерьер вашей квартиры под стиль рококо, можно воспользоваться несколькими деталями. Цветочные скатерти, занавески, обои и плитка наиболее подходят для этого стиля. При этом лучше выбирать мелкий рисунок на бледном голубоватом или сиреневатом фоне. Для стилизации комнат потребуется больше деталей. Это и изысканная обивка мебели, и подобранные в тон занавеси, роскошно спадающие на пол, многочисленные вазы с вылепленными цветами, от больших напольных до миниатюрных. Также комнату можно украсить лепниной с тонким слоем бронзовой или золотой краски. Что касается спальни, то здесь можно установить балдахин, с каркаса которого, как свадебная фата, будет, струится волна полупрозрачного шелка.

Дополнения из Википедии

Архитектура

Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства (1715-1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов. Стиль рококо был продолжением стиля барокко или, точнее сказать, его видоизменением, соответствовавшим жеманному, вычурному времени. Он не внёс в архитектуру никаких новых конструктивных элементов, но пользовался старыми, не стесняя себя при их употреблении никакими традициями и имея в виду, главным образом, достижение декоративной эффектности.

Отбросив холодную парадность, тяжёлую и скучную напыщенность искусства времён Людовика XIV и итальянского барокко, архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой во что бы то ни стало; она не заботится ни об органичном сочетании и распределении частей сооружения, ни о целесообразности их форм, а распоряжается ими с полным произволом, доходящим до каприза, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом; крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, необделанных камней (рокайль) и т. п. Несмотря на такое отсутствие рациональности в пользовании архитектоническими элементами, на такую капризность, изысканность и обременённость форм, стиль рококо оставил много памятников, которые доныне прельщают своей оригинальностью, роскошью и весёлой красотой, живо переносящими нас в эпоху румян и белил, мушек и пудреных париков (отсюда немецкие названия стиля: Perückenstil, Zopfstil).

Живопись

Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в придворной жизни. Идейная основа стиля — вечная молодость и красота, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности, стремление укрыться от реальности в пастушеской идиллии и сельских радостях. Стиль рококо зародился во Франции и распространился в других странах: в Италии, Германии, России, Чехии и др. Это относится и к живописи, и к другим видам искусства. В России в эпоху рококо живопись европейского типа только появилась впервые, сменив свою, русскую традицию, иконопись. Это портретная живопись Антропова и Рокотова. На смену репрезентативности приходит камерность, изысканная декоративность, прихотливая игра форм. Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Вместо контрастов и ярких красок в живописи появилась иная гамма цветов, легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые. В тематике преобладают пасторали, буколика, то есть пастушеские мотивы, где персонажи не обременены тяготами жизни, а предаются радостям любви на фоне красивых ландшафтов в окружении овечек. Впервые черты этого стиля проявились в творчестве Антуана Ватто, у которого главной темой были галантные празднества. Его творчество относят к реализму, он изображал жизнь придворных довольно справедливо. Но в его картинах явно просматривается и новый стиль. Другой, характерной чертой того времени, была эротика. Создано много картин, изображающих обнаженную натуру, различных нимф, Венеру. Крупнейший представитель рококо во Франции — Франсуа Буше, работавший в жанре портрета и пейзажа.

В Италии крупнейший представитель того времени — Джамбаттиста Тьеполо (1696, Венеция — 1770, Мадрид). Большое внимание тогда уделялось фрескам, росписи потолков, сводов, стен. Была даже особая специализация среди художников — квадратурист. Он изображал иллюзорные архитектурные формы, служившие обрамлением, а то и фоном. В этом случае нарисованное на плоскости с расстояния кажется скульптурой. Такие росписи есть, например, в вестибюле Зимнего дворца. Видным художником является Пьетро Лонги. Его бытовые сцены вполне соответствуют характеру стиля рококо — уютные гостиные, праздники, карнавалы. Кроме этого в Италии в это время развилось и другое направление, которое не совсем вписывается в рамки стиля. Это — ведутизм, реалистическое и точное изображение городских видов, прежде всего Венеции. Здесь преобладает принцип точной передачи действительности. Виды Венеции пишут Каналетто и Франческо Гварди. Бернардо Беллотто работал также в Германии. Его кисти принадлежат великолепные виды Дрездена и других мест.

Декоративно-прикладное искусство

Стиль рококо выразился блестящим образом также во всех отраслях художественно-промышленных производств; с особенным успехом он применялся в фабрикации фарфора, сообщая своеобразное изящество как форме, так и орнаментации его изделий; благодаря ему, эта фабрикация сделала в своё время огромный шаг вперёд и вошла в большой почёт у любителей искусства.

3

В 1708 году алхимик Иоганн Фридрих Бётгер открыл секрет изготовления фарфора и нашел подходящую для этого глину. В Майсене была открыта первая фабрика, где первым мастером был Иоганн Готтлиб Кирхнер. Фарфор получает популярность, появляются и другие центры его производства. Наиболее знаменитой была мануфактура в Севре, где работал Этьен Морис Фальконе. Кроме фарфора — в моде серебро. Изготовляются шоколадницы, супницы, кофейники, блюда, тарелки и другое. В этом веке рождается кулинарное искусство в его современном виде, в том числе — искусство сервировки стола.

Мебель рококо отличается характерными чертами. Одна из самых ярких черт — изогнутые линии, изогнутые ножки. Мебель становится более легкой и изящной по сравнению с той, что была прежде. Появляются новые предметы мебели, консольные столики, секретеры, бюро, комоды, шифоньеры. Два наиболее распространенных типа кресел — «Бержер» и «Маркиза».

Мастера мебели: Давид Рентген, Шарль Крессан, Жак Дюбуа, Франсуа Эбен, Пьетро Пиффетти (Рим), Эннемон-Александр Петито (Парма), Джузеппе Маджолини (Милан). Ведущее положение в изготовлении мебели в Италии занимали мастерские Турина и Венеции.

Мода

Мода эпохи рококо отличалась стремлением к рафинированности, утончённости и намеренному искажению «естественных» линий человеческого тела.

Моду рококо принято считать женственной модой, так как в эту эпоху произошло максимальное приближение мужской моды к типично-женским образцам. (Некоторые исследователи даже называют XVIII век «веком женщин»). Идеал мужчины — утончённый придворный, франт. Идеал женщины — хрупкая стройная жеманница. В моде — осиная талия, узкие бёдра, хрупкие плечи, круглое лицо. Этот силуэт оставался неизменным на протяжении всей эпохи рококо. Женщины носят пышные юбки — панье, создающие эффект «перевёрнутой рюмочки».

Женская причёска (см. подробно — Причёски XVIII века) претерпела значительные изменения. Так, в 1720—1760-х годах (после того, как фонтанж окончательно вышел из моды) в моде была гладкая, маленькая причёска с рядами ниспадающих локонов. Потом причёска начала «расти», чтобы в 1770-е годы превратиться в знаменитые «фрегаты» и «сады», которые так любила Мария-Антуанетта. Мужчины сперва отпускали с боков букли, а сзади носили длинную косу. Чуть позже в моду вошли белые напудренные парики, с закрученными с боков буклями, косичкой и бантом сзади.

Подробнее о прическах 18 века почитать в Википедии.

Основным типом мужской одежды оставался жюстокор, со времен моды барокко, но позже его стали называть аби. Под него надевали камзол. Носили белоснежные рубашки, кружевные жабо и шейные платки. Жюстокор имел в начале века более прямую форму, затем претерпел эволюцию: его полы стали шире, как бы торчали в разные стороны. На рукавах были широкие обшлага. На карманах — огромные клапаны. Женское платье также претерпело подобную эволюцию: сперва оно было уже, затем начало расширяться и расширилось до предела. В качестве головного убора популярной оставалась треуголка.

В самом начале эпохи рококо (Регентство) в моде был стиль ноншаланс, то есть нарочитая небрежность.

Эпоха рококо принесла моду на пастельные, приглушённые (по сравнению с эпохой барокко) тона: нежно-голубой, бледно-жёлтый, розовый, серо-голубой. Если в эпоху барокко все женщины выглядят значительными и зрелыми (им как будто всем за тридцать), то рококо — это время юных нимф и пастушек, которым никогда не будет больше двадцати. Румяна и пудра помогают всем дамам выглядеть молодыми, хотя эти лица и превращаются в безжизненные маски. Модные запахи, духи, — фиалковый корень, нероли, пачули, розовая вода.

Скульптура рококо: фото, описание

   Замысловатый, затейливый, сложный и декоративный стиль рококо не получил впечатляющего развития в пластике. Ярко и мощно проявив себя в живописи, архитектуре и интерьере, этот стиль оставил скульптуре роль дополнительного, вспомогательного вида искусства, который лишь способствует еще более яркому и иллюзорному украшению жилого пространства и парковых ансамблей.

   Многие искусствоведы вообще не считают рококо отдельным направлением в истории мирового искусства, считая его лишь наивысшим проявлением барочной эстетики в период упадка европейских монархий.

   Среди скульптуры эпохи рококо трудно найти монументальные, впечатляющие своим содержанием и внешним воплощением работы. Служа лишь вспомогательным средством декора, небольшие и изящные работы Фальконе, Лемуана, Пигаля, Клодиона и Пажу помогали создать легкую, игривую атмосферу и беззаботность, присущую «галантному стилю».

   Одна из самых известных работ этой эпохи в пластическом искусстве стал «Амур» в исполнении Фальконе. Богатые заказчики хотели видеть в своих садах, беседках и купальнях именно этого крылатого божка страстной любви. Заказов было так много, что Фальконе раздавал их своим ученикам и коллегам, не в силах справиться самостоятельно с работой. Известно лишь, что лично мастер создал около десятка подобных работ, мало чем отличавшихся одна от другой.

   Скульптурные портреты Лемуана составляют главную славу «галантной» скульптуры. Автор создал множество мраморных изящных бюстов, которые являлись портретами заказчиков — финансистов, банкиров, богатых торговцев и промышленников.

   Современники автора резко критиковали мастера за излишнюю комплиментарность его работ, за поверхностное толкование образов и отказ от психологических нюансов. Европа жила воспоминаниями о великолепии Ренессанса и новые, изящные, но пустоватые работы, раздражали знатоков и философов 18 века.

   Крупнейшие и авторитетнейшие музеи мира по праву гордятся работами Огюстена Пажу в своих коллекциях. Мастер создал удивительно глубокие работы, сохраняя внешнюю легкость и игривость капризного стиля рококо. Его портреты Паскаля, скульптуры Меркурия, женские бюсты — пример того, как скульптор, идя в ногу со временем, сумел остаться настоящим художником, глубоким и непростым. Мастерски трансформируя каноны Возрождения и Античности, Пажу наполняет их внешней легкостью и даже показной легкомысленностью, сохраняя глубину образов и наделяя свои работы идейным и художественным смыслом.

   Будучи учеником придворного скульптора, Клодион всегда понимал, что главное в его работах — угодить заказчику. Тем не менее, мастер создал множество необыкновенно изящных и поэтичных работ, украшавших королевские дворцы Европы.

   Среди его работ особого внимания заслуживают композиции «Сатиресса», «Поэзия и музыка», многочисленные нимфы и фавны. Скульптор прославился своими изящными статуэтками из мрамора и терракота, из бронзы и даже из бисквитов! Несмотря на то, что его работы не отличаются глубоким смыслом или психологической глубиной, созданы они с необыкновенной тщательностью и несомненным мастерством.

Imperio Grande мебель кухни детские прихожие в Новосибирске :: Важно и интересно

История возникновения

Рококо («причудливый», «капризный»; франц. rococo от rocaille — осколки камней, раковины), стилевое направление, господствовавшее в европейском искусстве в течение первых трех четвертей 18 в.Возник во Франции в период кризиса абсолютизма, отразив свойственные аристократии гедонистические настроения, тяготение к бегству от действительности в иллюзорный и идиллический мир театральной игры.  

Искусство рококо — это мир вымысла и интимных переживаний, декоративной театральности, изысканности, изощренной утонченности, в нем нет места героизму и пафосу — они сменяются игрою в любовь, фантазией, прелестными безделушками. Тяжелой и патетической торжественности барокко приходит на смену камерная хрупкая декоративность. Лозунгом краткого, недолговечного «века» рококо становится «искусство как наслаждение», цель которого — возбуждать легкие, приятные эмоции, развлекать, ласкать глаз причудливым узором линий, изысканными сочетаниями светлых нарядных красок, что особенно выразилось в архитектурном убранстве интерьеров, с новыми требованиями которого сообразовалась и живопись рококо.

Рокайль — главный элемент орнамента стиля рококо, напоминающий форму завитка раковины. Появился при украшении парковых павильонов деталями, имитирующими природные элементы – морские раковины, причудливые растения, камни, обломки скал. Этим объясняется происхождение название “рокайль” . В последствии этот термин стал обозначать все изгибающиеся, вычурные, необычные формы, напоминающие раковину, неровную жемчужину, камень.

Особенности стиля

Архитектура в стиле рококо представляет собой воздушность и игривость, целесообразность и симметричность в данном стиле уходит на второй план, на первом – воплощение капризов в интерьере и декоративной эффектности. Жилые помещения – становятся по размерам значительно меньше, но в тоже время приобретают уют и изысканность оформления. Изящная мебель, зеркала, пышные драпировки, цветочный орнамент, расписные плафоны, комоды, секретеры – делают стиль схожим с будуарным.  

В архитектуре рококо нашло наиболее яркое выражение в декоративном украшении интерьеров. Сложнейшие асимметричные резные и лепные узоры, затейливые завитки внутреннего убранства контрастировали с относительно строгим внешним видом зданий, например Малый Трианон, выстроенный в Версале зодчим Габриелем (1763-1769 гг.).

Интерьеры рококо поражают безудержной роскошью, ювелирной тонкостью отделки. Все переходы и грани закругляются. Светлый камень, приглушенных тонов, нежно-розовые, голубые и белые шпалеры, изящные резные панели усиливают впечатление легкости и жизнерадостности. Невысокий рельеф растительного лепного орнамента то выступает из стоп, то как бы растекается по их поверхности. Мотивы цветов, масок, обломков скал, раковин животных вкрапливаются в узоры и образуют «чарующий стенной убор».

Философия стиля интерьера определили женщины. Главное в стиле Рококо это создание праздника, утонченное наслаждение и любовь, большая декоративная загруженность в интерьере, личный комфорт.

В эпоху рококо впервые возникает представление об интерьере, как целостном ансамбле: стилевом единстве здания, декора стен, потолков, мебели.

Виды рококо

Рококо можно разделить на несколько направления. Это деление обусловлено страной, где развивался стиль.  

Французское рококо. В ранний период развития французского рококо (примерно до 1725) в отделку помещений вводился дробный орнамент, предметам обстановки придавались прихотливо изогнутые формы (так называемый стиль регентства). Развитое рококо (примерно 1725—50) широко использовало в декоре резные и лепные узоры, завитки, разорванные картуши, рокайли, маски-головки амуров.В убранстве помещений большую роль играли рельефы и живописные панно в изысканных обрамлениях, а также многочисленные зеркала, усиливавшие эффект лёгкого движения В архитектуре французских отелей (пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной, строгостью внешнего облика. Яркими представителями стиля стали архитекторы Ж. М. Оппенор, Ж. О. Мейсонье, Ж. Бофран.  

Фридерицианское рококо. Это историко-региональный художественный стиль, разновидность рококо, возникшая в Пруссии во времена правления Фридриха II и вобравшая в себя влияние Франции и Нидерландов. Самым известным представителем фридерицианского рококо стал архитектор Георг Венцеслаус фон Кнобельсдорф, работавший под непосредственным руководством Фридриха II. В живописи к фридерицианскому рококо относят творчество Антуана Пэна. Наиболее известными сооружениями в стиле фридерицианского рококо являются дворец Сан-Суси, Райнсбергский дворец, Городской дворец в Потсдаме и частично дворец Шарлоттенбург.

Португальское рококо. Это стиль и период в развитии португальского искусства. В XVIII веке формы рококо, пришедшие из Франции, а также из Испании, где распространению стиля способствовал архитектор Тьеполо, находят благодатную почву в Португалии.

Рококо в России

Период расцвета стиля рококо(rokoko) в России пришелся на правление Елизаветы Петровны, но человеком, поднявшим этот стиль на такую высоту, стал Франческо Бартоломео Растрелли.В России веяния рококо, особенно сильные в середине 18 в., проявились главным образом в отделке дворцовых интерьеров (в том числе созданных В. В. Растрелли), лепном декоре зданий, в ряде отраслей декоративно-прикладного искусстаа (резьба по дереву, художественное серебро и фарфор, мебель, ювелирное искусство).

Одним их ярких примеров архитектуры рококо в России является Китайский дворец, построенный для Екатерины II итальянским архитектором Антонио Ринальди с начала 60-х до середины 70-х годов 18 века.

Возврат к списку

Французское рококо. Живопись Никола Ланкре, Антуана Кийара

Продолжать разговор о французском искусстве можно на примере двух картин  зале французской живописи XVII – начала XVIII веков. Они датируются третьей четвертью XVIII века. Их авторами являются последователи Ватто – Никола Ланкре и Антуан Кийар. Стиль рококо, особенности которого рассматривались на примере работы Жана-Батиста Патера,  потребовал изменения  размеров картин.

И если в XVII веке покровителем французского искусства был кардинал Ришелье, то в XVIII веке у художников появились иные покровители. В эпоху Людовика XV, когда в искусство приходит, а затем и начинает господствовать стиль “рококо”, ему покровительствует всесильная фаворитка короля маркиза де Помпадур.  В XVIII веке помещения стали небольшими, уютными, камерными. Не стало огромных анфилад, как это было принято прежде. У самой госпожи де Помпадур был трёхэтажный дом с изолированными комнатами и узкими окнами от пола до потолка. Такое устройство внутренних помещений стало называться французским. Изменения во внутренней планировке диктовались стилем “рококо”. Произведения, выполненные в этом стиле, в основном относятся к прикладному искусству. Собственно, само понятие “рококо”, эстетика этого направления, вырастает из прикладного искусства. Ни одна эпоха не знала такого количества безделушек, как французские интерьеры стиля “рококо” XVIII века. На всех комодах, поставцах, столиках появляется столько изысканных вещей, что сейчас и представить себе невозможно! Создается множество предметов, прежде вовсе неизвестных, в частности новых предметов мебели. И главные идеи, воплощенные мастерами той эпохи, в интерьерах, в мебели, в безделушках – это удобство, комфорт, красота, изысканность. Вместо огромных парадных залов Версаля появляются маленькие интерьеры – будуары, кабинеты, спальни, в которых очень часто  даже проводятся приёмы. Архитекторы того времени перестали возводить огромные галереи и анфилады. Вместо них появились десятки уютных комнат.

С изменением размеров помещений изменилась и мебель. Её старались делать без прямых линий, с многочисленными завитками и скруглениями. И совершенно естественно, что размер картин тоже стал другим. Художников этого времени называли волшебниками. На полотнах они старались скрыть кухню своей работы, их техники не было видно, краски перетекали одна в другую.  Сюжеты картин соответствовали духу эпохи.

“Общество на опушке леса”  Никола Ланкре.

 Собственно сюжета, о котором можно рассказывать, на этой картине нет. Герои отдыхают – гитарист играет, кавалер уговаривает даму отправиться с ним на остров любви, то есть завязывается некий флирт. Интересно, что художник, изображая своих героев, находит для них такие позы, в которых невозможно долго задержаться. Например –  гитарист, дама, изображённая со спины, кавалер, приподнявший одно колено, дама, которая подслушивает,  – у каждого из них неестественная и неудобная поза.

Художник показывает движения людей в любовной игре, флирте. В таких положениях нельзя долго задержаться! Дама с кавалером должна уже наконец на что-то решиться, либо отказать ему, либо пойти с ним, подслушивающая мадам тоже в таким образом себя обнаружит, ей следует либо ретироваться, либо сделать вид, что её ничего не интересует.

 Почему же художник изображает такие проходящие моменты и проходные позы? Он хочет показать, то, что, по сути, уловить очень трудно – неуловимое чувство! И в композиции это выражается через игру неуловимых движений. Первым такой приём ввёл в своей композиции Антуан Ватто, и его последователи пытались развивать традиции его искусства, разнообразить сюжеты, которые получили название “галантные праздники”

 Ещё одним  последователем Ватто в области “галантного жанра” бал Антуан Кийар. В музее хранится его “Пастораль”.

Сюжет картины превращается в сцену-игру, сцену-маскарад. Идеальной историей в этом плане была пастораль, пастушеская идиллия, где дамы и кавалеры изображают чистеньких и нарядных пастушков, беззаботно веселящихся на лоне природы. Беспечная праздничность – их главная и, по существу, единственная тема, где основное внимание уделяется декоративной красоте композиции.

 Но самым крупным живописцем рококо во Франции был Франсуа Буше.  

Разгадывая и понимая стиль искусства рококо

Известный беззаботностью своего изобразительного и декоративного искусства, стиль рококо процветал во Франции 18 века. Художники, работающие в этой легкомысленной эстетике, опирались на яркость периода барокко, адаптируя его впечатляющую эстетику для создания столь же экстравагантных, но отчетливо игривых произведений искусства.

Движение рококо преимущественно связано с двумя видами искусства: живописью и декоративными произведениями.Здесь мы раскрываем этот уникальный стиль, чтобы понять его значение в истории искусства.

Каким был период рококо?

Стиль рококо был модным с 1730 по 1770 год. Хотя он зародился во Франции, со временем он распространился на другие части Европы, включая Великобританию, Австрию, Германию, Баварию и Россию.

Термин Rococo происходит от rocaille , — особого метода украшения фонтанов и гротов, восходящего к итальянскому ренессансу.Используя эту технику, ремесленники смешивали морские ракушки, гальку и другие органические материалы с цементом, получая кульминацию в натуралистической, вдохновленной подводным миром среде.

Вход в грот Буонталенти в садах Боболи Фото: DinoPh через Shutterstock Stock photo

Художники, работающие в стиле рококо, разделяли это увлечение водой эпохи Возрождения, что проявляется как в плавности форм, так и в использовании морских мотивов в их работах.

Рококо Арт

Живопись

Причудливая природа рокайль повлияла на живопись того периода, проявляясь в легкомысленной иконографии, внимании к декоративным деталям и обилие пастельных тонов.

Игровая тема

Многие картины в стиле рококо имеют изысканный, но веселый сюжет — подход, который популяризировал французский художник Антуан Ватто . Как отец fête galante — жанр живописи, который предпочитает садовые вечеринки, фестивали и другие мероприятия на открытом воздухе в качестве тематики — Ватто создавал причудливые сцены людей, общающихся в пасторальных пейзажах.Эти изображения, в которых часто изображены развевающиеся купидоны, греческие богини и другие мифологические персонажи, сочетают фантазию с реальностью.

Антуан Ватто, «Посадка на Киферу» (1717 г.) (Фото через Wikimedia Commons Public Domain)

В дополнение к этим декорациям под открытым небом, многие картины в стиле рококо размещены в роскошных интерьерах. Как и картины fête galante , в этих произведениях часто присутствует забавная иконография и мифологические мотивы.

Внимание к деталям

Картины в стиле рококо демонстрируют изысканное внимание к деталям.Французский художник Франсуа Буше , вдохновленный художниками эпохи Возрождения, известен своим интересом к подчеркиванию замысловатости сцены. Его детально-ориентированный подход к живописи воплощается в невероятно богато украшенных костюмах и «искусно декоративных» небесах (Музей Гетти).

Франсуа Буше, «Ринальдо и Армида» (1734 г.) (Фото: Джоконде через Wikimedia Commons Public Domain)

Палитра пастельных цветов

В то время как картины в стиле барокко ассоциируются с глубокими цветами и эмоциональными тенями, произведения рококо характеризуются воздушной пастельной палитрой. Жан-Оноре Фрагонар запечатлел манящую беззаботность этой цветовой схемы в своей самой известной картине « Качели ». В обрамлении светло-зеленой листвы The Swing изображена женщина в бледно-розовом платье, играющая на качелях и кокетливо сбрасывающая обувь.

Жан-Оноре Фрагонар, «Качели» (1767-1768) Фото: произведение искусства только через Wikimedia Commons Public Domain)

Декоративно-прикладное искусство в стиле рококо

Помимо живописи, художники также создавали предметы декоративно-прикладного искусства в стиле рококо.Эти произведения демонстрируют интерес к асимметрии и театральному подходу к изображению природы.

Асимметричные кривые

Декоративное искусство рококо часто включает в себя замысловатые асимметричные формы. Эти змеевидные силуэты по своей сути натуралистичны, но, несомненно, преувеличены и встречаются в целом ряде предметов, включая замысловатые столы и привлекательные канделябры.

Фрагмент гравюры Габриэля Юкье (Фото: Купер Хьюитт через Wikimedia Commons Public Domain)

Природные мотивы

Большинство этих органических, но богато украшенных дизайнов вдохновлены природой — особенно морскими ракушками, волнами и другими морскими мотивами.Однако в дополнение к этому фокусу рокайль , многие художники рококо также использовали мотивы листьев в своих работах, в том числе позолоченные, похожие на виноградную лозу украшения стен и потолка и орнаменты со стилизованными акантами ветвями .

Интерьер салона принцессы в Hôtel de Soubise, Париж (Фото: NonOmnisMoriar через Wikimedia Commons CC BY-SA 3.0)

Наследие

Наряду с импрессионизмом рококо считается одним из самых влиятельных французских течений в искусстве.Он известен как своими легкими и воздушными картинами, так и причудливым декоративным искусством, которые вместе демонстрируют элегантный, но кипучий вкус Франции 18-го века.

Статьи по теме:

Интервью: Сюрреалистические картины женщин, исследующих районы, затронутые изменением климата

9 известных французских художников, которых вы должны знать

Как цветы превратились в один из самых популярных предметов истории искусства

Что мы можем узнать из изысканной истории и изысканной эстетики готической архитектуры

Хрестоматия по истории искусства: рококо | Сартл

Если бы искусство барокко и банка взбитых сливок родили ребенка, это был бы рококо.Игривое и роскошное движение рококо выросло из барокко и начало процветать на европейском континенте в 1730-х годах. Он заимствовал многие элементы дизайна барокко, такие как богато украшенная внутренняя позолота и замысловатые детали, но при этом довел роскошь и гламур до предельного уровня. Избавившись от высоких эмоций и религиозной драмы предыдущего периода, рококо предпочел нечто более чувственное, воздушное и причудливое. Если бы искусство барокко было богатым шоколадным тортом, рококо было бы слоеным кремом или безе, легким и сладким.

Слово «рококо» происходит от слова «рокайль», которое по-французски означает «щебень» или «камень». Это крошечные ракушки, вделанные в камни для украшения садовых гротов. И действительно, это движение было как декоративным, так и художественным, оказав такое же влияние на мебель и дизайн интерьера, как и на живопись. Интерьеры в стиле рококо отличаются элегантными и яркими завитками на потолках, стенах и лепных украшениях, часто в золоте на белом или кремовом фоне. Этот завиток состоит из кривых за кривыми, часто с цветами и ракушками, и даже с асимметричными мотивами, что было довольно новаторским в то время, что в конечном итоге повлияло на более поздние движения, такие как футуризм.Эти роскошные интерьеры в стиле рококо можно было найти в более интимных помещениях, таких как будуары, спальни, салоны и гостиные, и отчасти они возникли как реакция на жесткость величественных комнат барокко. Посмотрите, например, спальню Марии-Антуанетты или Кайзерсал Вюрцбургской резиденции в Германии.

Многие картины, созданные в это время, отражают то же стремление к близости. Вместо драматических сцен святых с закатленными глазами, рококо в большей степени отдавало предпочтение жанровым сценам богатых людей, резвящихся в садах.Такие изображения, известные как fête galante, изображают сцены ухаживания, когда красивые молодые влюбленные играют музыку и наслаждаются обществом друг друга в пышной, естественной, иногда даже меланхоличной обстановке. Художники также создали внутренние сцены мужчин и женщин, занимающихся романтическими свиданиями и запретными удовольствиями. В конце концов, это была эпоха распутства, и большая часть искусства того времени упивается этой чувственностью. Мифические и аллегорические сцены также были довольно популярны, но и они рассматривались легко и воздушно, кокетливо, соблазнительно и неизменно в пастельных тонах.Несмотря на отсутствие драмы барокко, образы в стиле рококо, тем не менее, обладают чувством театральности, что, возможно, связано с популярностью Комедии дель арте и других форм театра.

Искусство рококо возникло в эпоху Просвещения, философского и научного движения, уходящего корнями в гуманизм эпохи Возрождения. Просвещение охватило ряд новых способов мышления о мире. Главной среди этих новых идей было то, что разум должен господствовать и что знание может быть получено только с помощью чувств.Очевидно, что такое мышление имело бы последствия, и организованная религия и монархии вскоре оказались под атакой, поскольку мыслители поддержали личную свободу, эгалитаризм, конституционное правительство и отделение церкви от государства. Изучение природы и науки становилось все более строгим, поскольку интеллектуальные общества, посвященные этому, возникали наряду с другими салонами литературы и искусства. Научные открытия, касающиеся всего, от оптики и химии до физики и астрономии, оказали глубокое влияние на то, как Запад понимал мир, и это мировоззрение было дополнительно изменено знаниями, полученными от исследователей и колонистов и их путешествий по всему миру.Искусство рококо отразило этот интерес к природе в изобилии цветочных образов, а глобальное культурное влияние можно увидеть во все большем включении мотивов восточноазиатского дизайна в европейский дизайн. Археологические открытия ближе к дому, такие как захороненные города Геркуланум и Помпеи в Италии, оказали глубокое влияние на воображение Европы и привели к возобновлению интереса к древнеримской визуальной культуре.

Иногда кажется странным, что Эпоха Разума породила такое беззаботное искусство, но интенсивные интеллектуальные изменения также вызвали изменения в морали и приоритетах, особенно среди привилегированных классов.Однако по ходу XVIII века философы, такие как Вольтер и Дидро, критиковали искусство рококо за то, что оно неприлично, аморально и больше не актуально в эпоху все более серьезных проблем. Трезвая версия классических форм Древней Греции и Рима стала считаться наиболее эффективным способом визуального выражения идеалов демократии, братства и рациональности Просвещения, и по мере того, как 18 век шел, искусство рококо перетекло в неоклассическое.

Ключевые художники

Декоративно-архитектурные образцы

Эта программа для чтения является частью большой серии вводных текстов об искусстве и истории искусства.Каждый был написан под руководством Рика Лава. Соавтором этого читателя является Жаннетт Стурман.

Рококо — главное искусство | TheArtStory

c. 1770

Синий мальчик

Художник: Томас Гейнсборо

На этом портрете в полный рост изображен мальчик в синих атласных бриджах до колен и камзоле с кружевным воротником, который без улыбки смотрит на зрителя. Держа в правой руке шляпу с плюмажем, а другую руку на бедре, он выражает как уверенность в себе, так и легкую чванливость.Сложенный слоями резких и тонких мазков с нежными оттенками сланца, бирюзы, кобальта, индиго и лазурита, синий становится великолепным, почти электрическим на фоне бурного и каменистого ландшафта.

Первоначально считалось, что на картине изображен Джонатан Баттол, сын богатого торговца, но современные исследования определили, что модель, скорее всего, была ассистентом художника и племянником Гейнсборо Дюпон. Как писала искусствовед Кимберли Крисман-Кэмпбелл, эта работа «является своего рода косплеем времен Гражданской войны в Англии, популярным для маскарадных балов в 18 веке», изображая мальчика в костюме кавалера, который носили аристократические роялисты 1630-х годов.Его осанка и выражение лица также играют роль, ведь кавалеров определяла не только их стильная одежда, но и их беззаботная и беззаботная манера поведения. Таким образом, самая популярная работа Гейнсборо — tour de force , сочетающая мастерскую портретную живопись с этюдом костюмов и его художественный ответ на работы Антониса ван Дейка, известного своими портретами двора короля Карла I и кавалеров, которые поддержали ему. Тем не менее, используя в основном синий цвет, который традиционно считался более подходящим для элементов фона, Гейнсборо также бросил вызов традиционным эстетическим предположениям.

Работа несет традиционную визуальную привлекательность рококо и игру с костюмированными фигурами, но Гейнсборо также добавил инновационные элементы реализма, как видно из кнопок, плотно скрепляющих дублет, и прообраз романтизма, изобразив одинокую фигуру, очерченную на фоне бурного неба. Гейнсборо стал примером британского рококо, создав светские портреты своих богатых клиентов.

Картина сразу же имела успех во время своего дебюта в 1770 году в Королевской академии художеств в Лондоне и настолько отождествилась с британской культурной идентичностью, что, когда в 1921 году герцог Вестминстерский продал ее американскому магнату Генри Хантингтону, это вызвало скандал.Немой фильм Фридриха Вильгельма Мурнау Knabe in Blau ( The Boy in Blue ) (1919) был вдохновлен картиной, как и песня Коула Портера Blue Boy Blues (1922). Поп-художник Роберт Раушенберг и современный художник Кехинде Вили были вдохновлены этой работой, и художник Алекс Израэль упомянул ее в своем автопортрете (Доджерс) (2014–2015). Показанная в музее Хантингтона вместе с портретом девушки в розовом, Pinkie (1794) Томаса Лоуренса, эта работа приобрела дальнейшее культурное значение, поскольку обе картины использовались в телевизионном пилотном фильме Eerie, Indiana ( 1991) и в качестве декораций в эпизодах сериала Оставь это Бобру (1957-1963).

Холст, масло — Библиотека Хантингтона, Сан-Марино, Калифорния

Искусство рококо

Так же, как здание Версаля связано с Людовиком XIV, наиболее значимое направление искусства во Франции в первой половине 18 века связано с его сыном Людовиком XV. Термин рококо происходит от французского слова, означающего «ракушка», потому что мотив раковины гребешка распространен во внутренней отделке в стиле рококо. В то время как внутреннее убранство в стиле рококо распространилось на другие страны, особенно в Германию, стиль живописи под названием рококо является преимущественно французским явлением.Вот некоторые характерные особенности:

Все изображения с пометкой ^MAS были сфотографированы на месте Мэри Энн Салливан.Все остальные изображения были отсканированы из других источников или загружены из всемирной паутины; они размещены на этом защищенном паролем сайте только в образовательных целях в Bluffton College в соответствии с положением о добросовестном использовании закона США об авторском праве.

	Антуан Ватто (1684-1721)
	Embarcation для Cythera 1717
	На этой картине, являющейся одним из самых известных примеров искусства рококо, изображена группа аристократов, возвращающихся с мифического острова Кифера, места, связанного с Венерой. Сколько из перечисленных выше характеристик вы видите в этой работе?
	Мезетин 1718
	Ватто также интересуется психологией любви.Предположительно мужчина на этой картине ухаживает за женщиной, но статуя на заднем плане может указывать на то, что его ухаживания отвергаются. В этой работе есть меланхолическая тема, но отказ в любовном костюме вряд ли имеет серьезность некоторых религиозных или политических тем, которые мы исследовали в искусстве периода барокко.
	Франсуа Буше (1703-70)
	Маркиза де Помпадур 1756
	Это типичный портрет в стиле рококо.Аристократка, любовница Людовика XV, элегантна, красиво одета и причесана, у нее есть необходимая болонка. (У аристократических мужчин есть большие охотничьи собаки, у бедных — дворняги, а у женщин — маленькие собачки.) Обратите внимание на обилие роз.
	Баня Дианы 1742
	Буше известен своим изображением обнаженной женщины.Как правило, у этих женщин красивые кукольные черты лица, фарфоровая плоть и стройные, но зрелые тела. Этот предмет сделан «респектабельным», потому что Диана — мифическая фигура.
	Лежащая девушка 1752
	Однако это не мифическая женщина; она еще одна любовница Людовика XV. Абсолютистский монарх имеет определенные сексуальные привилегии! «Божественное право» королей, по-видимому, не означало, что король подчинялся заповедям Бога.
	Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)
	Качели ок. 1766-69
	На этой знаменитой картине изображены играющие и флиртующие аристократы. Скрытый мужчина слева поднимает взгляд на нижнюю юбку своей любимой, когда ее туфля улетает. Какие еще элементы картин в стиле рококо здесь бросаются в глаза?
	Встреча 1771-3
	Эта картина — первая из серии «Развитие любви».«Здесь романтический свейн перепрыгивает через стену, а его возлюбленная кажется удивленной. Она? Статуя может прокомментировать событие, сказав:« Еще нет ». Обратите внимание на элегантный парк под открытым небом, снова с розами и перистыми деревьями.
	Украденный поцелуй ок. 1766
	Аристократы снова в игре. Но обратите внимание на дату. Через два с небольшим десятилетия аристократы будут беспокоиться о своих головах, а не о украденных поцелуях.
	Элизабет Виже Ле Брен (1755-1842)
	Автопортрет 1790
	Перед отъездом из Франции мы должны отметить, что работы известной женщины-живописца 18 века, которая была очень известной, пользуются уважением во всем мире. Виже Ле Брен была одной из двух женщин-членов Французской академии художников — редкая привилегия и дань как ее таланту, так и политическим связям.
	Мари-Антионетт 1784 Юбер Роберт 1788
	Она специализировалась на портретах, рисовала как коллег-художников, так и аристократов, обычно льстив последним в своих изображениях. Она написала несколько портретов жены Людовика XVI, Марии-Антуанетты, которая позже была казнена, как и он, во время Французской революции.
	Варвара Ивановна Ладомирская 1800
	Во время Французской революции Виже Лебрен сбежала в Россию, где затем рисовала русских аристократов.
См. Также этот сайт для получения дополнительной информации об искусстве рококо.

Говорящие объекты: Картина в стиле рококо

Рококо, также известное как «Позднее барокко», было художественным движением начала 18 века. Он был разработан, чтобы противостоять строгому симметричному дизайну, который назывался барокко. Впервые он был найден во Франции, он был разработан, чтобы произвести эффект, полностью противоположный эффекту барокко.В стиле рококо использовались светлые яркие цвета, которые делали его нежным изяществом и элегантностью. Архитектурные постройки в стиле рококо будут декорированы естественной формой ракушек типа «s» или «c», изящно вылепленной на потолке и стенах. Раскрашен в яркие, изящные и светлые тона. Вся идея движения заключалась в том, чтобы быть игривым, беззаботным, а не драматическим или эмоциональным комплексом. У них была уникальная тема элегантности, красоты, остроумной, но простой. Художники рококо использовали более изящный подход и использовали светлые цвета, кривые, цветочные, золотые и асимметричные узоры.Художники рококо, такие как сэр Джошуа Рейнольдс, использовали бы светлые пастели, цвета слоновой кости и золото, чтобы усилить ощущение открытого пространства. Картины нарисованы и написаны в нежно-меланхоличном, игривом и «вольном» стиле. Как и в стиле барокко, картины ломают четвертую стену. Зрители чувствуют себя вовлеченными в разговор. Но вместо того, чтобы чувствовать отвращение и желание отступить, зрители чувствуют себя приглашенными. Приятно присоединяться, почти как «к чаю». Это натуралистично, но вместе с тем мифологично. Художники рококо вообще любили рисовать мифологических существ из греческой и римской мифологии.Их мазки легкие, нежные и насыщенные чувственными цветами, которые производят на зрителей яркий и непринужденный эффект. Сэр Джошуа Рейнольдс, леди Смит (Шарлотта Делаваль) и ее дети (Джордж Генри, Луиза и Шарлотта), 1787, холст, масло, 55 ⅜ x 44 ⅛ дюйма (140,7 x 112,1 см) — моя картина. Как и художники рококо, он использует яркие и элегантные цвета. А пигменты, которые он использует, придают гораздо более естественный вид, глаза детей выглядят очень живыми, как будто они могут моргнуть в любую секунду.Рейнольдс смешивает свои цвета, чтобы получить цвета, близкие к точным цветовым пигментам, и играет с разными цветами, чтобы придать глубину освоенного использования тени и света. Как и у художника в стиле рококо, его предметы находятся в движении, в игровом движении, как вы видите, дети взаимодействуют. Девушка, стоящая спиной к зрителям, ломает четвертую стену.

Людовик XV (1710-1774) в детстве, после Гиацинта Риго, ок. 1716-24, холст, масло, 60.6

После смерти своего прадеда Людовика XIV Людовик XV вступил на престол в 1715 году.Он был единственным выжившим сыном, ему было всего 5 лет. Риго допустили к написанию официального портрета Людовика XV. Всю свою карьеру он посвятил придворному портрету, писал историю и портреты. Риго нарисовал Людовика XV в ярких насыщенных цветах: белые чулки, синяя бархатная мантия, усыпанная золотыми геральдическими лилиями и подбитая горностаем, а также воротник и крест Сен-Эспри.

Автопортрет с двумя учениками, Мари Габриэль Капе (1761-1818) и Мари Маргерит Карро де Розмонд (умерла 1788), Аделаида Лабель-Гьяр, 1785, 53.225,5

Аделаида — женщина-художник, которая представила свое искусство в Салоне в 1783 году. Она изучала пастель, и эта картина отражает это. Цвета элегантные и нежные, а глаза людей выглядят живыми. Также она играла с освещением на своей картине. То, как свет падает на картину, делает ее более живой и глубокой. Одна из девушек, стоящих за Аделаидой, обращает внимание на холст, на котором рисует Аделаида, что вызывает желание зрителей присоединиться к картине.

Прерванный сон, Франсуа Буше, 1750, холст, масло, 49.7.46

Франсуа — художник, рисующий мифологические и пасторальные сюжеты. Здесь он нарисовал игривую тему, где пастух щекочет спящую пастушку. В каком-то смысле вы можете услышать легкий смешок пастуха, который заставляет вас улыбнуться и является частью заговора, чтобы разбудить ее и быстро убежать, когда она это сделает. Франсуа так хорошо показал здесь искусство рококо, что он воплотил игривую тему в ярких ярких красках.Пастух, игриво щекочущий спящую пастушку, вызывает у зрителей хихиканье. Солнечный пейзаж со сдвинутой вправо веткой дерева и одеждой помогает представить, как дует теплый ветерок.

Мадам Гран (Ноэль Катрин Форли, 1761-1835), Элизабет Луиза Виже-Лебрен, 1783, холст, масло, 50.135.2

Элизабет запечатлела подходящий момент, когда кто-то собирается рассмеяться. То, как Элизабет подчеркнула щеки и губы мадам Гранд, подчеркивает улыбку, забавный игривый момент в ней.Это вызывает у зрителей улыбку. Элизабет — художница, которая показала еще один прекрасный образец стиля рококо. Мадам Гранд носит красивое белое платье правильной формы, украшенное синими лентами. Ее светлые волосы перевязаны большой голубой лентой, а светлая кожа подчеркнута. Выбранный Элизабет цвет для кожи имеет этот тонкий оттенок, который делает кожу мягкой. А выбор цвета ее платья делает его волшебным.

Туалетная вода Венеры, Франсуа Буше, 1751, холст, масло, 20.155,9

На этой картине изображен мифологический аспект художественного стиля рококо. На этой картине изображен лесной пейзаж, где сидит богиня в сопровождении купидона и двух других крылатых путти. У ее ног гнездится голубь, а другой — в ее руках. Богиня Венера сидит на своем «стуле», окруженная драпировкой розового, синего и белого цветов. Золото расписано на ее тесьме и кистях. Эта картина отображает самый стиль рококо среди всех других картин, потому что в ней есть все цветные элементы, а также чаша в форме раковины, жемчуг и цветы, окружающие богиню Венеру.

Стиль рококо (18 век)

Выдающийся в искусстве инкрустации был Пьетро Пиффетти (1700-77), который работал на Дом Савой в Турине, создавая очень индивидуальная мебель, сочетающая в себе вставки из дерева и слоновой кости с такими доработки в металле в виде масок по углам и крепления для ног. В Королевский дворец в Турине содержит несколько захватывающих произведений искусства, буквально покрытых с инкрустацией из слоновой кости и иногда кажется, что поддерживается исключительно случайно, настолько хрупки ноги под их сложными верхними частями.В музее Civico в Турине — это карточный стол Пиффетти с печатью и датой 1758 года. Совершенно убедительный образ игральных карт из слоновой кости и редких пород дерева. В области малых искусств в Италии не производилось ничего значительного. по сравнению с другими странами Европы, и, конечно же, керамических фабрик не было. чтобы соперничать с Севром. Но две фабрики производили фарфор, большая часть что, безусловно, очень красиво — Виново в Пьемонте и Каподимонте за пределами Неаполя.Фарфор Каподимонте отличается блеском. его окраски, часто в неожиданных сочетаниях, как в знаменитых Фарфоровый зал из дворца в Портичи (1754-59). Итальянская живопись рококо Резюме Рококо возникло в Италии несколько позже. чем во Франции. Ранние следы можно увидеть в более светлом стиле поздних Живопись в стиле барокко, представленная в Риме, а также в Неаполе такими художниками, как Лука Джордано (1634-1705) и Франческо Солимена (1657-1747). Затем, через 25 лет, Венеция произведено Giambattista Тьеполо (1696-1770), его сын Джандоменико (1727-1804) Антонио Каналетто (1697-1768), Пьетро Лонги (1701-85), Франческо Гварди (1712-93), Джованни Баттиста Пиранези (1720-78) и племянник Каналетто Бернардо Беллотто (1720–1780). Все они, кроме двух последних, отработали живет в Венеции, хотя Каналетто посетил Англию в 1746 году. Лонги и в меньшей степени младший Тьеполо изображал повседневную жизнь Венеции, первые на небольших полотнах, вторые — на рисунках; в то время как Каналетто, Гварди и Беллотто рисовали уличные сцены на каналах и на площади.Пиранези, хотя родился в Венеции, но приехал в Рим в 1738 году. Его картины не известны. и его слава полностью основана на его архитектурных гравюрах и руинах. Старший Тьеполо известен своими необычными фресками. парадной столовой ( Kaiseraal ) и потолка Большого Лестница ( Trepenhaus ) в Вюрцбургской резиденции принца-епископа Карла Филиппа фон Грайффенклау, который, несомненно, был величайшим и самый творческий шедевр его карьеры.Фокусом был парящий фреска Аполлон приносит невесту (1750-1) в центре Трепенхаус, произведение, завершающее итальянскую традицию. фресковой живописи, инициированной Джотто (1270-1337), четыреста лет ранее. Тьеполо В старшем Тьеполо и в нем одном, можно ли говорить о чистом стиле рококо, во многих отношениях родственном позднему барокко. способов, но создавая совершенно новый тип визуального опыта.Не удивительно, многие из величайших венецианских качеств прошлого присутствуют в его работы: колорит и оригинальная фантазия Тициана; типы фигур и роскошные материалы Паоло Веронезе, вместе с его любовью к роскошной классической архитектуре как фон для богатых театрализованных представлений истории и мифологии. Искусственность атмосферы в его ранние фрески сразу связывают Тьеполо с мейнстримом рококо. искусства, но в то время, когда он не мог много знать о современном Французская живопись.С тех пор его карьера имела головокружительный успех, пока его затмение в Мадриде в конце его жизни от рук неоклассиков при Менгсе (1728-79). Его величайший заказ пришел в 1750 году, когда он поехал в Вюрцбург рисовать. фрески для недавно построенного дворца и оставались там до 1753 г. украсить лестницу (самый большой панно живопись в мире), Кайзерсал и часовня. Незадолго до уезжая в Вюрцбург, Тьеполо украсил Палаццо Лабиа в Венеции. с историей Антония и Клеопатры, одной из самых запоминающихся его работ классической истории. Сравнение стиля Тьеполо со стилем его современника Буше, обнаруживает другой и, возможно, более интеллектуальный темперамент. Его ледниково элегантные, но все же сладострастные обнаженные тела и его тонкое сопоставление типов, как в Вюрцбургской лестнице, где ярко контрастируют «континенты», оригинальнее и сложнее, чем что-либо от Буше. Это было не случайно что Буше восхищался Тьеполо больше всех остальных; «гораздо больше, чем у Ватто, его искусство — это искусство театра, со сценой, которая намеренно возвышается над нами и актеры, которые держатся на расстоянии », — говорит Майкл Леви.В самом деле, его искусство — последнее, что действительно представляет аристократическую аристократию. идеалы, которые вскоре будут заменены республиканскими ценностями Французской революции, искусство, которое могло процветать только в таком упадочном городе-государстве, как Венеция в восемнадцатом веке View Painters В то время как Тьеполо, отец и сын, были лучшими декораторами в городе, были ведутисти , или живописцы, такие как Canaletto (1697-1768), чья большая известность привела его в Англию между 1746 и 1756, и его племянник Бернардо Беллотто (1720-80). Картины Франческо Гарди (1712-93) — триумф атмосферных исследований и понимания об уникальном влиянии венецианского света на воду и архитектуру. С минимальная палитра, в некоторых случаях сведенная почти полностью к простой зелени и серые, Гварди вызывает ассоциации с пейзажами и видами на каналы во многих так же, как Тьеполо изображает фигуры, и волшебными цветными точками предлагает людям, спешащим или занятым разговором на площади Сан Марко или любой из многих площадей Венеции, которые он так явно любил. Пьетро Лонги (1702-85), напротив, специализировался на несколько грубых интерпретациях современной жизни; в их однако в их великом очаровании кроется неуклюжесть, а зачастую восхитительно неожиданный выбор сюжета, например, «Носорог» (Национальная галерея, Лондон) или «Мавританский вестник» (Ка ‘Реццонико, Венеция). Но Италия никогда не была так довольна стилем рококо, как раньше. предшествующий стиль барокко или неоклассицизма, оба из них тяжелее и способнее выразить столь любимую grandezza итальянского постренессансного искусства.Это, однако, появляется у Тьеполо в измененная форма, и это его имя остается выдающимся. Стиль рококо в Англии — Характеристика Из всех европейских стран, в которых переняла или внесла свой вклад в стиль барокко, Англия была той, которая Меньше всего обращал внимание на рококо. Архитектура английского рококо, Интерьер Дизайн и декор По крайней мере, в архитектуре Англия переехала непосредственно от стиля барокко Рена и Ванбру до палладианизма, переход настолько быстр, что не допускает промежуточного развития.Со зданиями, такими как Strawberry Hill Уолпола, Туикенхем, построенными из 1748 г., и Арбери, Уорикшир, того же дня, что и другой готик. здания, построенные в эпоху позднего архитектура восемнадцатого века это сантименты, которые помещают эти работает скорее в категории рококо, чем в каких-либо отношениях с рокайлем. Фактически Английский Gothick разделен на две отдельные категории — «ассоциативные» и «рококо», последняя беззаботная форма украшения, основанная на средневековых прецедентах но достаточно легкомысленный, чтобы стать почти двойником континентального рококо. в его смысле заброшенности и поверхностности. Уильям Кент (1684-1748), архитектор и декоратор, придумавший собственный словарь готического декора, которые распространились по Англии так же быстро и эффективно, как арабески континентального рококо. Но, помимо этого, рокайль в Англии коснулся только несколько интерьеров, немного качественной мебели, некоторые картины и немного фарфора, в частности изделия Chelsea и Bow. Самый ранний образец рокайля в Англии. было поручено великому французскому дизайнеру Meissonnier герцогом Кингстоном в 1735 году за набор столовой мебели из серебра.Но это был довольно редкий экземпляр и оформление в стиле рококо в основном ограничивалось. гравированному декору на твердых формах, почти полностью не подверженном влиянию стиль. Новые тенденции распространялись преимущественно в моделях. например, «Джентльмен или Строитель» Матиаса Локка или Джонса. Спутник »1739 г., сделавшего доступными детали рококо или квазирококо. каждому мастеру, который мог себе позволить объем. Тот факт, что это были только детали, оторванные от их окружения, составляют часто Грубое качество большей части английской мебели в стиле рококо.так как мастер мог не стоит ожидать, что вы оцените органичность стиля с простого фрагменты. Как и в Италии и во Франции, вкус покровителя восемнадцатого века часто расширялся. к Востоку в той или иной форме. с учетом нескольких рококо известные комнаты в Англии, такие как спальня в Nostell Priory, Йоркшир, 1745 г., или, что самое главное. Дом Клейдона в Бакингемшире (около 1768 г.), где ряд комнат украшал некий Лайтфут, о котором мало известно.Однако в этих комнатах стиль отнюдь не такой. чистый, как континентальный рококо. Появление декоративного искусства в стиле рококо на других английских языках интерьеры загородных и загородных домов, а иногда и высочайшего качества — особенно в холле в Рэгли, в соседнем Хэгли и в клубах штукатурка братьев Франчини. кто выполнил много лепных работ в Ирландия, и особенно известны своей работой в Рассборо. Но это привлекательное местное мастерство далеко от непревзойденного, всеобъемлющие схемы континента. Английский рококо Мебель и декоративные Искусство В отличие от французских, английских краснодеревщиков обычно не подписывали свои работы, и поэтому известно сравнительно мало мужчин, таких как Джон Линнелл , Джон Кобб , Бенджамин Гудисон и William Vile , которые, по всей видимости, много работали в новая мода. Название Chippendale , однако, выдающееся, не только из-за качества его произведений, но и из-за его издание «Джентльмен и директор краснодеревщика» (1754 г.). В своих проектах зеркал и каминных полок, часто приправленный шинуазри, можно увидеть экзотические образцы стиля рококо, каждый не менее дотошный как французские буазери, но предназначены для использования в качестве отдельных элементов и редко как часть единой декоративной схемы. Точно так же продуманный и фантастический резьба в холле Клейдона изолирована в классическом стиле. параметр. Английский рококо Живопись В живописи два английских художника пошли на уступки рококо. — Уильям Хогарт (1697-1764) и Томас Гейнсборо (1727-88).Хогарт категорически против этого типа живописи истории барокко, столь востребованной «любителями» и ввел в свою работу так называемую «линию красоты», которая он объяснил в своем «Анализе красоты» (1753 г.), что была змеевидной линией, похожей на удлиненную букву «S». Это было, конечно, именно форма многих украшений в стиле рококо. Гейнсборо, с другой стороны, начал жизнь художника небольших, неестественных портретов, позже развивающих более утонченный стиль после его переезда в модную баню.Он нарисовал некоторые портреты в стиле рококо, удивительно близкие Буше, их парящие манера письма и перистые пейзажи, ярко-розовый и серебристо-серый оттенки ярко выражены больше рококо, чем любая современная английская живопись. Также Регентство светский портретист Thomas Лоуренс . Неоклассицизм охватил Англию после возвращения в страну Роберта Адама в 1758 году, но даже его целомудренный и эпицентский стиль перекликается с изящным, скрупулезным качество большинства французских декораций в стиле рококо, а его готика — как рококо. как любое украшение того периода в Англии.Швейцарский художник-портретист и исторический художник, Анжелика Кауфманн (1741-1807), которым очень восхищался сэр Джошуа Рейнольдс за ее портреты, работал с Робертом Адамом над рядом его архитектурных украшения. Стиль рококо в Германии — Характеристика В отличие от превосходной сдержанности лучшее французское рококо, Германия предлагает захватывающий дух ассортимент некоторых самой возмутительной и великолепной архитектуры и интерьера в стиле рококо украшение в истории европейского искусства. Немецкая архитектура рококо, Интерьер Дизайн и отделка Этот высокий стандарт качества распространяется от архитектуры к прикладной искусство — мебель, предметы интерьера и фарфор — хотя они редко превосходили те из Франции. Ничто в соперниках Франции, Италии или Англии XVIII века явный избыток таких архитектурных шедевров, как Мельк или Дрезден Цвингер, и только по количеству первоклассных церквей и дворцов Германия легко опережает остальных.Это может быть связано с тем, что мы теперь называемая Германией, в восемнадцатом веке была разделена на несколько различные княжества, царства и епископства, так что определенное соперничество должны были определить создание важнейших зданий — в отличие от Франция или Англия, где неизменно выполнялись действительно важные комиссии. ограничивается небольшим количеством постоянных посетителей. Немецкое рококо прослеживает свое истоки к римским церквям периода барокко, таким как Сант Бернини Андреа аль Квиринале, где цвет, свет и сложная скульптура — все это комбинированный.Впервые это видно в Германии в аббатстве. Церковь Вельтенбург, построенная после 1714 года, с срезанным внутри овальным куполом чтобы показать расписанное фресками видение небес наверху. Цвет основной тетивы для лука немецкого рококо — розовый, сиреневый, лимонный, синий — все они были объединены или использованы индивидуально для создания выразительного эффекта, как в Амалиенбурге, недалеко от Мюнхена. Более тяжелые, изогнутые формы В немецком рококо барокко превращается в ритмы стаккато, и один находит влияние крупного памятника барокко, такого как балдахин Бернини в г.Рим Петра, преобразованный Бальтазаром г. Neumann (1687-1753), в кондитерское изделие высшего порядка. алтарь в Vierzehnheiligen, возможно, самый сложный и приятный из Немецкие церкви. В то время как формы комнат во Франции в восемнадцатом веке не менялись много, а план церковных построек почти совсем не Немецкие архитекторы в стиле рококо изучили все возможности. Стены не только кажутся качаться, несмотря на их огромные масштабы, но целые секции, кажется, были срезаны так, что огромные потолки, расписанные фресками, полностью доминируют в большинстве этих церквей, кажутся парящими над верующим. Одна из самых интересных особенностей немецкого Архитектура рококо — это очень драматичное место расположения некоторых из самых важные примеры, такие как аббатство Мельк J. Prandtauer , начат в 1702 году. Намеренно поставлен на руководящую должность высоко над Дунай, две большие башни возвышаются над двором перед открытым во внешний мир большой аркой палладианского типа. Такое чувство драма, и для полного вовлечения верующих как внешне, так и внутри, также находится в Эттале, в обратной роли, с монастырем преобладают окружающие горы. Светское строительство также достигло высокого уровня совершенства. Возможно самые сложные примеры можно найти в Мюнхене и его окрестностях, где, как придворный карлик и архитектор, Франсуа Кувилли (1695-1768) был участвует во многих зданиях, пожалуй, самым прекрасным из них является Амалиенбург. Этот небольшой павильон, построенный между 1734 и 1739 годами и названный в честь курфюрста У жены, по словам Хью Хонура, «легкая элегантность и тонкая тонкость».Плавно покачивающийся фасад, неглубокий руст и необычные фронтоны предвещают один из самых красивых залов Европы — знаменитый Зеркальный зал с его серебряная рокайль на синем фоне и сверкающем стекле. На противоположном конце шкалы — театр Cuvillies Residenz в Мюнхене. (1751-53) использует богато позолоченные фигуры и музыкальные инструменты для обрамления весь зрительный зал, ярко контрастирующий с красным штофом и бархатом стен и сидений. Потсдам и Дрезден никогда не создавали такого утонченного стиля рококо, как стиль Мюнхен, но такие здания, как Цвингер (1709-19) от Poppelmann в Дрездене поражают своим масштабом и изобилием декоративных деталей. Эффект такой архитектуры ощущается и в маленьком дворце. Сан-Суси в Потсдаме (1745-51), построенный для Фридриха Большой. Для абсолютного масштаба, роскоши и подавляющего величия деталей, рококо Германии занимает лидирующие позиции в Европе. Подробнее об интерьерах в стиле рококо в России см. работу Бартоломео Растрелли (1700-71). Поздние варианты рококо Стиль рококо так и не умер в провинциальной Франции. С приход историзма в 1820-е годы, многие мастера сочли его сравнительно легко изготовить целые интерьеры и постройки в стиле «второго рококо» так любимый Луи Филиппом и его королевой, примеры которых можно найти по всему Парижу. Возрождение архитектуры и дизайна рококо пришло в Англию еще в 1828 год с камерой Ватвилля Ватерлоо в Доме Апсли, интерьеры Ланкастер-хаус и салон Элизабет в замке Бельвуар. Это понравилось естественно для богатых, и Ротшильды украсили несколько дома в этом стиле, даже с интерьерами XVIII века. в поместье Уоддесдон в 1880-х годах. Королевское одобрение стилю дали Людвиг Баварский в своем дворце Линдерхоф и Херренкимзее того же период.Это стало общепринятым вкусом в украшении многих новых отели конца девятнадцатого и начала двадцатого веков и ‘Le gout «Ритц» стал синонимом роскоши и элегантности.

шаблон веб-страницы

шаблон веб-страницы

Экстравагантное украшение: Искусство французского рококо как выражение приятных занятий

---

Аннотация

Ватто Любовь Праздник

В Европе 18 века идеи Просвещения формировали мысли людей; в Французское искусство 18 века, стиль рококо под влиянием живописи, скульптуры и архитектура.До начала 1700-х годов искусство барокко с его акцентом движение, степень света и атмосфера преобладали на арт-сцене. В смерть Людовика XIV, короля Франции, в 1715 году изменила взгляды на искусство, особенно во Франции, что положило начало движению рококо. То, что начиналось как движение в области внутреннего декора, постепенно стало частью в искусство, изменив взгляды на искусство на протяжении большей части 18 века. Жан-Антуан Ватто положил начало движению рококо, а Франсуа Буше и Жан-Оноре Фрагонар был одним из самых влиятельных художников в стиле рококо во Франции.С началом Французской революции французский народ повернулся к более серьезные сюжеты и легкомыслие искусства рококо больше не казались подходящее. Искусство рококо от начала до конца открыло новый взгляд на мир. живопись и отразила отношение покровителей, которые заказывали и выставлены работы.

Исторический Фон

С 1590 по 1700 год искусство барокко доминировало в европейском искусстве. Французские художники Примеры Николя Пуссена, Шарля Лебрена и Жюля Хардуана-Мансара стиль барокко в искусстве и архитектуре Франции.При Людовике XIV Ле Брун помогал проектировать Версальский дворец, а позже Мансарт добавил Galerie des Glaces или Зеркальный зал (Адамс 660-662). Пуссен работа сочетает в себе стили барокко и классицизма, и он наиболее известен благодаря его серия о жизни Фокиона, четвертый век до нашей эры. Афинский политик (Адамс 702). Хотя смерть Людовика XIV обычно считается конец периода барокко, некоторые историки искусства считают рококо просто продление этого периода.Пуссен и Питер Пауль Рубенс, другое барокко художник, продолжавший влиять на будущих художников; однако есть фундаментальные различия между искусством барокко и рококо, которые определяют рококо как его собственный этап в истории искусства (Янсон).

Когда Людовик XIV умер в 1715 году, Людовику XV было всего пять лет, и когда он был поставлен в Версале королем Франции, он получил репутация умного, культурного, большого любителя искусства, по сути любовник и ничего более (Palacios 8).Смерть Короля-Солнца расслабилась обязательства французских аристократов, многие из которых вернулись в Париж жить в своих отелях, элегантных таунхаусах, которые нуждались в интимной близости, деликатные предметы интерьера (Janson). Смена правителя также вызвала смена патронажа. Роялти больше не были главным уполномоченным по искусству; эта ответственность теперь лежала на аристократах и ​​буржуазии (Адамс 706). Эти изменения в использовании и покровительстве, а также сдвиги в социальных и моральные парадигмы, сформировавшие искусство начала 18 века.

Когда Людовик XV стал королем Франции, отношение французского общества измененный. Строгое благочестие перестало быть таким важным, и упор делался на удовольствие. больше чем власть. Хотя аристократия по-прежнему оставалась главной составляющей треугольник власти, буржуазный класс начал появляться и церковь все больше уходила на задний план. Как идеи Просвещения набирали популярность, женщины играли более крупные роли, чем раньше, хотя они по-прежнему не имел многих прав или привилегий.Искусство рококо отразило некоторые этих идеологических сдвигов. С ослаблением моральных норм пришло больше эротических картин; одни картины были откровенно сексуальными, другие осталось незаметным. Художники рококо, особенно Ватто, ориентировались на аристократическую аристократию. субъектов и недооцененной религии, что отражает отход от Церковь как покровитель. Просвещенные аристократки стали проводить салоны для облегчения и продвижения разговора и распространения Просвещения идеалы.Когда женщины начали влиять на другие аспекты общества, картины стал более женственным и беззаботным.

Исследования Отчет

Искусство рококо по сюжету и стилю отразило эти изменения в обществе. Безраздельно господствовали легкомысленные предметы, в которых участвовали аристократы и мифические люди. предметы стали в центре внимания французских художников. Например, картина Ваттоуса. Fête Venitienne (на фото слева) изображает французских аристократов в идиллическом саду.Обнаженная статуя на заднем плане придает картине эротический оттенок, а также намек к обнаженным фигурам с известных картин прошлого. Буше сосредоточился на мифическом предметы, в том числе его знаменитая работа Венера, утешающая любовь 1751 года. Fragonards Swing представляет собой преднамеренное изображение эротического предмет, так как он был заказан придворным специально с намерением провокации эротических идей (Jarasse 92).

Стиль художников рококо также отражает тенденции общества. Rocaille , что означает рок, и coquille , что означает оболочки, объединяются, чтобы сформировать название стиля, и используются, потому что камни и ракушки часто использовались для украшения садов, а затем изображались в картинах того времени (Адамс 706). Отход от драматические контрасты света и тьмы в искусстве барокко, рококо мерцающая пастель. Чтобы сформировать голубой цвет, например найденный цвет в платье танцовщицы на картине Ватто художник начал с Подложка жемчужно-белого опалесцирующего цвета.Затем он добавил бы тонкий слои синего и поверх него белые блики. Эта техника позволила для видимых мазков — еще одно отличие рококо от барокко, и придавал картинам ощущение текстуры.

В Идея рококо Пак объясняет фундаментальные различия между барокко и рококо, причина, по которой рококо не считается просто продолжение барокко:

С одной стороны, как определил Вольфлин это, рококо продолжало аморфность, размытость контуров, ломку образование форм, их растворение в волшебном заклинании света, текучесть, мягкость и податливость барокко, но, с другой стороны, барокко настолько, что оно стало подрывным и разрушило иллюзию, прозрение и всеобъемлющая иерархия, от которой зависело барокко (Парк 16).

Помимо цвета, некоторые характеристики искусства рококо включают S-образные, C-образные изгибы, ракушки, мозаика, крылья летучей мыши, падающая вода, миниатюризация и асимметричность картуши (парк 17). Изображенные фигуры были одеты в модную одежда с тонкой головой, горлом и ступнями, и была установлена ​​в сельском пейзаже (Гейтман). Художники определяли свои фигуры с помощью цвета, а не рисования. их в первую очередь, которые обращались к чувствам, также важным в эту эпоху легкомыслия (Янсон).Искусство рококо также подчеркивает, что все моменты равны, и в этом отношении картины почти напоминали снимки, запечатлевшие случайные моменты, а не только самые важные. Художники тоже пытались изображать природу такой, какой она должна быть, идеализируя пейзажи, в которых цифры были установлены (Парк 86).

Эти изменения в художественном стиле оказали драматическое влияние как на искусство, так и на общество 18 века во Франции. Парк говорит:

Совокупный эффект этого света, тонкий и игривый стиль — не что иное, как создание второго структура, которую хочется сказать, второй мир, сделанный из орнамента, который частично скрывает или маскирует реальную структуру, от которой это зависит.Когда впервые попадаешь в интерьер рококо, чувствуешь себя подавленным. Такие чувства результат своего рода пуританского ужаса от переживания стольких произведений искусства, полная противоположность ужасу vacui, который мотивировал художника рококо и дезориентация, вызванная ощущением целостности искусства рококо (Парк 24).

Как искусство рококо само по себе было чрезмерно декоративным, так и внутреннее убранство. Точно так же французские аристократы украшали все свои отели. по мере того, как были выполнены картины, в результате чего дома были несколько чрезмерно украшены.Эротические сцены, изображенные на картинах, отражали настроения Граждане Франции. Подобно тому, как художники отбрасывают прежние правила искусства, Французские граждане отвергают многие правила, установленные церковью. Согласно к Католической энциклопедии , искусство рококо, хотя приемлемо в помещения церкви, такие как ризница, обычно не способствует религиозная преданность и не должна размещаться на видных местах церкви (Гитманн). Отказ церкви от искусства рококо на видных местах сделал не удержать французских художников Ватто, Буше и Фрагонара от создания картины в этой манере.

Без Жан-Антуана Ватто (1684-1721), движение рококо в живописи возможно, не привлек такого внимания. По словам Майкла Леви в Рококо до Revolution Ватто был важен по двум основным причинам. Во-первых, он развил идею художника-индивидуализма, ни от кого не зависящего иначе, чтобы сформировать его личность. Во-вторых, он развил жанр живописи. из fete galante , изображение итальянских комиков (Леви 56). Картины Ватто сосредоточены на одном психологическом моменте, и обычно сосредотачиваются на музыкантах и ​​любовниках или театре.Ни один из его подданных были связаны с религией или серьезными предметами. Для французских художников 1700-х годов Ватто показал, что художник может выбирать несерьезные сюжеты. и по-прежнему считаться значительным художником (Леви 83).

Watteaus fetes galantes была представлена ​​аристократам в различных условиях. Паломничество на Cythera (справа) , картина, которую он представил для принятия в Парижскую академию в 1717 году, изображает группу аристократических пар в путешествии.Демонстрация рококо стиль, на этой картине изображены экстравагантные пастельные тона одежды и фигур. которые миниатюрны по сравнению с пейзажем на заднем плане. В статуя, покрытая цветами, отражает легкомыслие того времени (Adams 706). Fete Venitienne содержит автопортрет Ватто в виде волынки. игрок у правого края картины. Отделяя себя от остальную часть общества, изображенного на картине, Ватто подчеркивает личное душевное состояние и больше отождествляет себя с низшим классом чем аристократы (Левей 76).

После Ватто его учеником был следующий великий художник эпохи рококо. Франсуа Буше (1703-1770). В картинах Буше мифологические сюжеты, не аристократы, взял фокус. Венера, утешающая любовь (внизу) , 1751, изображает обнаженную Венеру в центре картины с Купидоном, ее сын, рядом с ней. Фронтальная поза Венеры с полностью обнаженной грудью. и только радужный, почти прозрачный кусок ткани, покрывающий другие ее интимные части, служит примером эротические тенденции рококо.Две любовные птицы вносят свой вклад в чувственная атмосфера. Пастельные тона и видимые мазки типичны для этого стиля, как и S-образная форма тела Венеры (Adams 713). Лизелотта Андерсен говорит в «Искусство барокко и рококо »: «Здесь, как и с Ватто — мир грез; но мир Баучер более капризен, более чувственный и без меланхолии, которая неоднократно затрагивает произведения Ватто, (Андерсен 180). Венера, утешающая любовь — это картина, призванная быть красивой, картина, не имеющая никакой искупительной моральной ценности, типичная для искусства рококо.

В 1745 году Жанна-Антуанетта Пуассон, мадам де Помпадур (1721-1764), стала любовницей Людовика XV. Буше пользовался успехом как фаворит де Помпадур Художник рококо. Он написал Портрет мадам де Помпадур в 1756 году. а до этого Туалет Венеры в 1751 году (Яррассе 82). Де Помпадур заказала Туалет Венеры для своего частного ретрита. В этой Венере почти не остается никакой божественной сущности, В нем царит атмосфера салонного искусства.В чарующей смеси цветов, светская женщина изображена, поглощенная праздными развлечениями, она сидит на диван, мечтающий (Andersen 180). Буше сочетает в себе изображение легкая жизнь аристократов с изображением Венеры, мифологической характер, чтобы создать что-то, что любили высшие классы. Хотя его картины ему не хватало эмоциональной глубины, он восполнял это фантазиями, которые есть люди и воплощают их в жизнь на холсте (Янсон).

Ученик Буше Жан-Оноре Фрагонар (1732–1806) считается некоторые из них были лучшими французскими художниками 18 века.В году 18 век Французская живопись , Доминик Жарасс хвалит Фрагонара, говоря:

С Fragonard чисто воображаемое мир рококо уступил место чувствительности к тому, что вторая половина век должен был быть определен как Природа. Художник колебался между щекотливыми эротические сцены, предназначенные для любовных гнезд великих куртизанок и идиллические пейзажи в голландском стиле (Jarasse 89) .

В то время как остальные художники рококо уделяли большое внимание текстуре и эмоции, Фрагонар более романтичен в своем подходе.Его фигуры оживлены, но часто не имеют лиц, а его текстуры не всегда реалистичны (Леви 116).

Качели , 1766 (внизу) , самая известная работа Фрагонара. Работая в стиле рококо, Фрагонар представляет легкомысленный предмет в пасторальной обстановке. Он использует пастельно-розовый и заставляет свет сиять сквозь проемы деревьев, выделяя определенные поверхности, заставляя их мерцать. Хотя на первый взгляд кажется как не более чем аристократка в идиллической обстановке природы, картина содержит несколько эротических оттенков.Во-первых, священнослужитель в спина, почти полностью скрытая тенью, символизирует духовенство, пребывающее в неведении относительно сексуальных авантюр время. Во-вторых, раскачивание само по себе имеет сексуальный подтекст, как и тот факт, что мужчина на фотографии слева расположен так, что он может видеть юбки женщины. Адамс объясняет еще несколько эротических символы на картине: Его шляпа и ее туфля являются сексуальными отсылками в В этом контексте первый является фаллическим символом, а второй — вагинальным.Они дополняют обстановку: закрытый, но открытый сад, где влюбленные игры играются (Адамс 714).

В начале 1770-х годов мадам дю Барри заказала серию картин. называется «Прогресс любви от Фрагонара» для своего павильона в Лувенсьене, которые в конечном итоге были возвращены ему, некоторые говорят, что это положило начало конец искусства рококо. Четыре картины были названы «Погоня». Встреча, любовные письма и Коронованный любовник (Бибель 54-55).Демонстрация цветов и листвы, пастельных тонов и легкомысленной темы В погоне за любовью эти картины демонстрируют важные качества стиля. В финальной сцене, когда мужчина получает венок из цветов от женщины, Художник сидит в стороне и рисует эпизод (Biebel 55). Кажется, что это может быть ссылка либо на себя, либо просто на художников в целом записывая события в истории, что художники делали бы в стилях искусства грядущего. «Прогресс любви» выставлялся недолго. времени до того, как мадам дю Барри вернула их во Фрагонар только для того, чтобы Джозеф Мари Вьен нарисовал ту же тему.Она никогда не раскрывала своих причин никому, даже не Фрагонар (Biebel 56).

Исторический Значение

К концу карьеры Фрагонара отношение французов начало меняться назад к моральной чувствительности, а искусство рококо с его эротическими сюжетами и отсутствие искупительной моральной ценности больше не было стилем выбора в Французское общество. Французская революция сыграла большую роль в упадке рококо, за которым последовало возрождение классических идей, или неоклассицизма период.Художники этого периода отвергли идеалы рококо и разработали экземпляр virtutis (Jarrasse 168). С неоклассицизмом художники соединили классику темы с политической пропагандой с акцентом на лояльность к государству. Их картины также предлагали искупление моральных ценностей, в отличие от легкомыслие искусства рококо.

До XVIII века искусство не содержало фривольных сюжетов; каждый кусок искусства имело искупительную моральную ценность, и многие из них были сосредоточены на религиозных темы.Царствование Людовика XV ослабило моральные нормы, и искусство рококо отразило это изменение. Пак говорит, что рококо было не просто предвестником революции но тоже своего рода революция (Парк 94). К несчастью для рококо художников, Французская революция снова изменила парадигмы общества, заставляя художников приспосабливать свои работы к природе времени, принося конец периода рококо в конце 1780-х гг. Хотя некоторые искусствоведы утверждают, что рококо на самом деле было просто продолжением барокко, качества Рококо, представленные здесь, показывают, что это уникальный стиль с характерными чертами все свое.

Список литературы

Адамс, Лори Шнайдер. Искусство сквозь время: четырнадцатый век в настоящее время. 2-е изд. Бостон: Макгроу Хилл, 2002.
Андерсен, Лизелотта. Искусство барокко и рококо. Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, 1969.
Бибель, Франклин М. Фрагонар и мадам дю Барри. Рококо к романтизму: Искусство и архитектура 1700-1850 гг. Ed.
Джеймс С. Акерман, Самнер Макнайт Кросби, Хорст W.Янсон и Роберт Розенблюм. Нью-Йорк: издательство Garland Publishing,
1976. 51-70.
Gietmann, G. Rococo Style. Католическая энциклопедия, том XIII. 1999. Компания Роберта Эпплтона. 15 апреля 2002 г.

Янсон, Хорст Вольдемар. История искусства. 6-е изд. Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, 2001.
Яррасс, Доминик. Французская живопись XVIII века. Париж: лучший SA / Editions Pierre Terrail, 1998.
Леви, Майкл. Рококо до революции: основные тенденции восемнадцатого века Картина. Нью-Йорк: Фредерик А. Прегер
Издательство, 1966 г.
Парк, Уильям. Идея рококо. Ньюарк: Университет штата Делавэр Нажмите. 1992 г.

Интернет-ресурсы

http://www.nga.gov/collection/gallery/gg54/gg54-main1.html — Это веб-тур по Национальной галерее искусств по нескольким городам Ватто. Произведения искусства в стиле рококо, в том числе хронология 18 века.

http://www.artcyclopedia.com/history/rococo.html — Артциклопедия включает вводную информацию о рококо. период, график и ссылки на художников и их экспонаты в музеях во всем мире.

http://www.kfki.hu/~arthp/tours/french/18_cent.html — В Интернет-галерее искусства представлена ​​информация о стиле рококо и ссылки на художников того времени с примерами их работ.

http://www.artlex.com/ArtLex/r/rococo.html — Этот сайт предоставляет ограниченную информацию по предмету, но на нем есть обширный список примеров работ и ссылки на дополнительную информацию о них индивидуальные работы.

http://www.tigtail.org/TVM/M_View/X1/g.Rococo/rococo.html — Виртуальный музей Тигрохвоста предлагает образцы картин разных художников. Художники рококо, в том числе 13 художников Ватто, три Буше и девять Фрагонара.

http://www.hearts-ease.org/cgi-bin/index_g.cgi?period=1&s=1 Сайт 18th Century Art at Hearts Ease Gallery представляет краткую обзор Франции 18 века, а затем ссылки на нескольких художников периода с биографической информацией, сроками и избранными произведениями.

Сайт создан:
Сюзанна Финн

.