Живопись классицизма в россии: Рокотова, Лосенко, Бруни, Брюллова, Бронникова, Кипренского, Боровиковского и других
Русская живопись картины художников России
А Б В Г Д Е Ж З И К Л М Н О П Р С Т У Ф Х Ц Ч Ш Э Ю Я
Айвазовский Иван
Брюллов Карл
Богаевский Константин
Васнецов Виктор
Верещагин Василий
Ге Николай
Кустодиев Борис
Репин Илья
Рерих Николай
Серов Валентин
Федотов Павел и другие художники см по тексту
Во второй половине ХVIII века в русском искусстве формируется стиль классицизм, для которого характерны строгость рисунка, следование в композиции определенным правилам, условность колорита, использование сюжетов из Библии, античной истории и мифологии. Своеобразие русского классицизма заключалось в том, что его мастера обращались не только к античности, но и к родной истории, что они стремились к простоте, естественности и человечности, особенно в портретной живописи.
Русские художники, картины и биографии ►
Классицизм как направление в русской художественной культуре безраздельно утвердился в конце XVIII – начале XIX веков.
Этот период в русской истории живописи обыкновенно именуют
высоким классицизмом. Характерным для живописцев этого времени было романтическое утверждение красоты неповторимого, индивидуального,
необычного, однако наивысшим достижением этой эпохи изобразительного искусства в России можно считать не историческую живопись (И. Акимов, Г. Угрюмов, Н. Алексеев, Д. Антонелли, Ф. Бронников, Ф. Бруни) и городской пейзаж (Ф. Алексеев),
а портрет (И. Аргунов, А. Антропов, Ф. Рокотов, Н. Аргунов, Д. Левицкий, В. Тропинин,
О. Кипренский, В. Боровиковский).
О.А. Кипренский (1782-1836) открыл не только новые качества человека, но и
новые возможности живописи. Каждый его портрет имеет свой особый живописный
строй. Одни построены на резком контрасте света и тени. В других главным
живописным средством оказывается тонкая градация близких друг другу цветов.
Для полотен К.П. Брюллова (1799-1852) характерны сплав академического классицизма с
романтизмом, новизна сюжетов, театральная эффектность пластики и освещения,
сложность композиции, блестящая виртуозность кисти.
Реальный формат этого HD Video на YouTube 1280x720px
Мастера бытового жанра П.А. Федотова называют «Гоголем русской живописи», тонкий юмор его произведений говорит о чрезвычайно чуткой наблюдательности автора.
Павел Андреевич Федотов считается главой нового направления в русской живописи:
художник открыл собой тот цикл наших жанристов, который в дальнейшем получил особенно яркое развитие в лице Василия Перова и Владимира Маковского.
Крупнейшим мастером исторической картины был А.А. Иванов (1806-1858). Иванов придал своей живописи характер жертвенного служения идее и сумел преодолеть многие шаблоны, свойственные академической технике.
Осознанный поворот новой русской живописи к демократическому реализму обозначился в конце 50-х годов, вместе с революционным просветительством Чернышевского, Добролюбова, Салтыкова-Щедрина.
9 ноября 1863 года 14 выпускников Академии художеств во главе с И. Крамским отказались писать дипломную картину на предложенный сюжет «Пир в Валгалле» и просили предоставить им самим выбор сюжетов. Им было отказано, и они демонстративно вышли из Академии,
образовав независимую Артель художников. Второе событие – создание в 1870 году «Товарищества передвижных выставок», душой которого стал тот же Иван Крамской.
Передвижники были едины в своем неприятии «академизма» его мифологией, декоративными пейзажами и напыщенной театральностью. Ведущее место в их творчестве заняли жанровые (бытовые) сцены.
Реальный формат этого HD Video на YouTube 1280x720px
Но нельзя сказать, чтобы Академия художеств не выдвигала талантов. Лучшие традиции академизма нашли развитие в грандиозных исторических полотнах Г. Семирадского,
работах рано умершего В. Смирнова, («Смерть Нерона»), великолепных полотнах
мариниста, представителя романтизма Ивана Айвазовского. Собственно из стен Академии вышли многие выдающиеся художники. Это и Репин, и Суриков, и Поленов, и Васнецов, а позже – Серов и Врубель.
В творчестве Крамского главное место занимала портретная живопись.
Он писал Гончарова, Салтыкова-Щедрина, Некрасова. Ему принадлежит один из лучших портретов Льва Толстого. Пристальный взгляд писателя не оставляет зрителя, с какой бы точки он ни смотрел на полотно.
Одно из наиболее сильных произведений Крамского – картина «Христос в пустыне».
«Передвижники» совершили подлинные открытия в пейзажной живописи. А.К. Саврасов (1830-1897) сумел показать красоту и тонкий лиризм простого русского пейзажа. Его картина «Грачи прилетели» (1871) заставила многих современников по-новому взглянуть на родную природу.
Певцом русского леса, эпической широты русской природы стал И.И. Шишкин (1832-1898).
А.И. Куинджи (1841-1910) привлекала живописная игра света и воздуха. Таинственный свет луны в редких облаках, красные отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые утренние лучи, пробившиеся сквозь туман и играющие в лужицах на раскисшей дороге, – эти и многие другие живописные открытия запечатлены на его полотнах.
Р.А. Берггольц писал тонкие лирические пейзажи русского Севера и средней полосы России.
Своей вершины русская пейзажная живопись XIX века достигла в творчестве ученика Саврасова И.И. Левитана (1860-1900). Левитан – мастер спокойных, тихих пейзажей Человек стеснительный и ранимый, он умел отдыхать только наедине с природой, проникаясь настроением полюбившегося пейзажа. Заштатный городок Плес на верхней Волге прочно вошел в творчество Левитана. В этих краях он создал свои полотна: «После дождя», «Хмурый день», «Над вечным покоем». Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: «Вечер на Волге», «Вечер. Золотой плес», «Вечерний звон», «Тихая обитель».
Реальный формат этого HD Video на YouTube 1280x720px
На вторую половину XIX века приходится творческий расцвет И.Е. Репина, В.И. Сурикова и В.А. Серова. Илья Репин (1844-1930) был очень разносторонним художником. Его кисти
принадлежит ряд монументальных жанровых полотен. Пожалуй, не менее грандиозно,
чем «Бурлаки на Волге», – полотно «Крестный ход в Курской губернии».
В.
И. Суриков (1848-1916) родился в Красноярске, в казачьей семье. Расцвет его творчества приходится на 1880-е годы,
когда он создал три самые знаменитые свои исторические картины: «Утро стрелецкой казни», «Меншиков в Березове» и «Боярыня Морозова».
Суриков хорошо знал быт и нравы прошлых эпох, умел давать яркие психологические характеристики. Кроме того, он был прекрасным колористом (мастером цвета). Достаточно вспомнить ослепительно свежий, искрящийся снег в картине «Боярыня Морозова». Если же подойти к полотну поближе, снег как бы «рассыпается» на синие, голубые, розовые мазки. Этот живописный прием, когда два три разных мазка на расстоянии сливаются и дают нужный цвет, широко использовали французские импрессионисты.
Однажды после обеда в столовой случайно задержались двое – Серов и 12-летняя Вера Мамонтова. Они сидели за столом, на котором остались персики, и за разговором девочка не заметила, как художник начал набрасывать ее портрет. Работа растянулась на месяц. В начале сентября «Девочка с персиками» была закончена. Несмотря на небольшой размер, картина, написанная в розово золотистых тонах, казалась очень «просторной». В ней было много света и воздуха. Девочка, присевшая за стол как бы на минуту и остановившая свой взор на зрителе, зачаровывала ясностью и одухотворенностью. Да и все полотно было овеяно чисто детским восприятием повседневности, когда счастье себя не сознает, а впереди – целая жизнь.
Время поставило «Девочку с персиками» в ряд лучших портретных работ в русской и мировой живописи.Обращение к национальным темам привело к небывалому расцвету исторической и батальной живописи.
Подлинные шедевры в этих жанрах создали В. Суриков, И. Репин, Н. Ге, В. Васнецов, В. Верещагин, Ф.
Рубо.
В эти годы открываются первые национальные художественные галереи; произведения
русских художников начинают регулярно появляться на международных выставках и в
заграничных художественных салонах. Многие картины Репина, Сурикова, Левитана,
Серова и других передвижников попали в собрание Третьякова. П.М. Третьяков (1832-1898), представитель старинного московского купеческого рода, был необычным человеком. Худой и высокий, с окладистой бородой и тихим голосом, он больше походил на святого, чем на купца. Собирать картины русских художников начал с 1856 года. Увлечение переросло в главное дело жизни. В начале
1890-х годов собрание достигло уровня музея, поглотив почти все состояние собирателя. Позднее оно перешло в собственность Москвы. Третьяковская галерея стала всемирно известным музеем русской живописи, графики и скульптуры. В 1898 году в Петербурге, в Михайловском дворце (творение Карло Росси) был открыт Русский музей. В него поступили произведения русских художников из Эрмитажа, Академии художеств и некоторых императорских дворцов.
Открытие этих двух музеев как бы увенчало достижения русской живописи XIX века.
В конце 1890-х годов еще плодотворно работали ведущие мастера критического реализма –
И.Е. Репин, В.И. Суриков, В.М. Васнецов, В.Е. Маковский,
но в это время в искусстве проявилась и иная тенденция. Многие художники стремились отыскать теперь в жизни прежде всего ее поэтические стороны, поэтому даже в жанровые картины они включали пейзаж. Часто обращались и к древнерусской истории. Эти веяния в искусстве отчетливо прослеживаются в творчестве таких художников, как А.П. Рябушкин,
Б.М. Кустодиев, М.В. Нестеров, отчасти А.Е. Архипов.
Крупный художник этого времени – Б.М. Кустодиев (1878-1927) изображает ярмарки с разноцветными ложками и грудами пестрых товаров, русские масленицы с ездой на тройках, сцены из купеческой жизни.
В раннем творчестве М.В. Нестерова наиболее полно раскрылись лирические стороны его дарования. В его картинах всегда большую роль играл пейзаж: художник стремился найти отрадное в тишине вечно прекрасной природы.
Он любил изображать тонкоствольные березки, хрупкие стебельки трав и луговых цветов. Его герои – худенькие отроки, обитатели монастырей, или добрые старички, находящие мир и покой в природе. Глубоким сочувствием овеяны картины, посвященные судьбе русской женщины («На горах», 1896, «Великий постриг», 1897-1898).
Символизм, неоклассицизм, модерн оказывает заметное влияние на М.А.
Врубеля, художников из «Мира искусства» (А. Бенуа, К.А. Сомов, Л.С. Бакст, И.Я. Билибин, М.В. Добужинский, Е.Е. Лансере, А.П.
Остроумова-Лебедева.) и «Голубой розы» (С.
Судейкин, Н. Крымов, В. Борисов-Мусатов). Деятельность этих групп была очень
разносторонней, художники издавали свой журнал «Мир искусства», устраивали
интересные художественные выставки с участием многих выдающихся мастеров.
В 1910-е годы зарождается русский авангард – как стремление перестроить основы искусства вплоть до отрицания самого искусства. Целый ряд художников и творческих объединений создают новые школы и направления, которые определяющим образом повлияли на развитие мирового изобразительного искусства – супрематизм (К.
Малевич), «импровизационный» стиль и абстракционизм (В.
Кандинский), лучизм (Ларионов) и др. Всем течениям авангардистского искусства свойственна подмена духовного содержания прагматизмом, эмоциональности – трезвым расчетом, художественной образности – простой гармонизацией, эстетикой форм, композиции – конструкцией, больших идей – утилитарностью. Новое искусство покоряет безудержной свободой, увлекает и захватывает, но одновременно свидетельствует о деградации, разрушении целостности содержания и формы. Присущая некоторым течениям авангардного искусства атмосфера иронии, игры, карнавальности, маскарада не столько маскирует, сколько раскрывает глубокий внутренний разлад в душе художника. В понятие «авангард» условно объединяются самые разные течения искусства ХХ века (конструктивизм, кубизм, орфизм, оп-арт, поп-арт, пуризм, сюрреализм, фовизм). Основные представители этого течения в России – В. Малевич, В. Кандинский,
М. Ларионов, Ю. Анненков, М. Матюшин, В. Татлин, П. Кузнецов, Г.
Якулов, А. Экстер, Б. Эндер,
отчасти О. Браз, Д. Бурлюк и лругие.
В 1910-х годах также наблюдается возрождение интереса к иконописи. Художественные принципы иконописи творчески применяли как отдельные русские (В. Васнецов, М. Нестеров, К.С. Петров-Водкин) и зарубежные (А. Матисс) художники, так и целые направления и школы авангарда.
С конца 20-х годов в России утверждается принцип социалистического реализма. Идейность становится главной определяющей силой в художественном творчестве (И.И. Бродский, Б.В. Иогансон, Е.А. Кацман). Несмотря на сильное влияние идеологии создавались настоящие произведения искусства мирового уровня.
Творчество пейзажистов С.В. Герасимова, В.Н. Бакшеева, А.А. Пластова, творчество П.Д. Корина, А.Н. Остроумомой-Лебедевой,
И. Глазунова, К. Васильева, А. Шилова, А. Исачева – убедительное тому доказательство. С 1960-х годов наступает возрождение русского авангарда.
«Разрешенная», но не официзная часть советского искусства в 1960-е годы представлена работами мастеров «сурового стиля» (Т.
Салахов, С. Попков).
В 1970-1980-х годах получило признание творчество советских художников – Р. Бичунаса, Р. Тордия, Д. Жилинского, А. Зверева, Э. Штейнберга, М. Ромадина, М. Лейса, В. Калинина и других представителей не только «официально разрешенного искусства».
Русский постмодернизм 90-х годов ХХ века – пример творчества группы «СВОИ» (Гипер-Пуппер-Кузнецов В., Вещев П., Дудник Д., Котлин М., Макса-Максютина, Менус А., Носова С., Подобед А., Ткачев М.).
Сам факт объединения разноплановых художников в единый живой организм,
не ограниченный концептуальными или стилевыми рамками, наиболее точно
соответствует основному принципу постмодернизма о параллелизме и равнозначности художественных тенденций.
15. Классицизм в русской живописи (принципы, ведущий жанр, выразительные средства: композиция; а Лосенко: «Прощание Гектора с Андромахой»).
Во
второй половине ХVIII века в русском
искусстве формируется стиль классицизм,
для которого характерны строгость
рисунка, следование в композиции
определенным правилам, условность
колорита, использование сюжетов из
Библии, античной истории и мифологии.
Своеобразие русского классицизма
заключалось в том, что его мастера
обращались не только к античности, но
и к родной истории, что они стремились
к простоте, естественности и человечности.
Классицизм как направление в русской
художественной культуре безраздельно
утвердился в конце XVIII — начале XIX веков.
Этот период расцвета классицизма в
русской истории живописи обыкновенно
именуют высоким классицизмом
Надо
сказать, что русский классицизм сумел
сочетать в себе черты всех вышеупомянутых
направлений, добавив к ним свои
неповторимые особенности. Как и все,
что проходит через призму восприятия
русских деятелей искусства и культуры,
классицизм стал более «жизненным» и
менее статичным в отечественной
архитектуре и скульптуре. Кроме того,
именно с классицизма начинается взлет
русской науки и просвещения. Именно
поэтому мы можем утверждать, что ни в
одной другой стране Европы классическая
идеология не оставила настолько четкого
следа, как в России. Здесь с этим
направлением связано появление
просветительских учреждений, развитие
археологии, истории, переводческой
деятельности.
Направление
классицизма возникло в русском
изобразительном искусстве так же, как
в литературе и театре, во второй половине
XVIII века, но в отличие от них существовало
более длительный период, охватив всю
первую половину XIX века и полноправно
сосуществуя с романтизмом и сентиментализмом.
В живописи и скульптуре, так же как и в
литературе, приверженцы классицизма
провозглашали образцом для подражания
античное искусство, откуда ими черпались
темы, сюжетные ситуации, герои. В
художественных произведениях воплощались
и основные тенденции классицизма:
утверждение идей монархической
государственности, патриотизма,
преданности государю, приоритета
общественного долга, преодоление личных
интересов и чувств во имя долга перед
страной, государем. В античных образцах
художникам виделись примеры человеческой
красоты и величия. Живопись и скульптура
стремились к лаконизму рассказа,
пластической ясности и красоте формы.
В то же время для них были обязательны,
так же как и в других сферах искусства,
определенные каноны художественного
изображения.
Так, избирая сюжет из
античной мифологии или Библии, художник
строил композицию таким образом, чтобы
главное действие обязательно находилось
на переднем плане. Оно воплощалось в
группе фигур, обнаженных или одетых в
просторные античные одеяния. Чувства
и действия изображаемых лиц проявлялись
в телодвижениях, тоже условных. Например,
чтобы выразить стыд или печаль, голову
героя рекомендовалось склонить вниз,
если сострадание — набок, повеление —
поднять вверх. Каждый персонаж картины
олицетворял определенное человеческое
качество — верность, нежность, прямодушие
или коварство, храбрость, жестокость и
т. п. Однако независимо от того, выразителем
какого свойства было то или иное лицо,
фигура его и движения должны были
соответствовать античным канонам
красоты.
А .Лосенко
Прощание Гектора с Андромахой
1773г, холст, масло 155.8х211.5
Государственная Третьяковская галерея, Москва
В
1773 г. Лосенко начал, но не успел закончить
вторую свою историческую картину —
«Прощание Гектора с Андромахой»; этим
отчасти объясняется некоторая эскизность
в живописной трактовке образов.
Античный
сюжет из «Илиады» Гомера воспевал
героев, их патриотические чувства,
готовность принести себя в жертву
служению родине. Эти идеалы просветительского
классицизма, которым художник был верен
в течение всей своей творческой жизни,
получили яркое выражение в «Гекторовом
прощании» (как называли картину
современники).
Действие происходит у городских ворот. Герой Трои, cын троянского царя Приама, Гектор прощается, перед единоборством с Ахиллом, со своей верной женой Андромахой, держащей на руках грудного ребенка.
Предчувствуя свою гибель, он просит покровительства богoв и молит, чтобы сын его вырос мудрым, храбрым и славным. Чувство гражданского долга в душе Гектора побеждает личные чувства привязанности к семье.
Образ Гектора наделен героическими чертами идеального героя — это мужественный и стойкий воин, благородный в своих помыслах. Предчувствие трагического исхода пронизывает патетическую сцену, представленную художником.
Однако подлинно патетичен лишь главный герой — Гектор, в образах остальных персонажей Лосенко соединяет сдержанно-величавое и естественно-суровое начало, гармонически организуя композицию и жаркий колорит картины
Картина
строго скомпонована, соразмерна в своих
частях.
Величественная архитектура
усиливает её героическое звучание.
Несмотря на известную условность и
театральность, свойственную исторической
живописи стиля классицизма, произведение
Лосенко полно драматического действия
и проникнуто высоким гражданственным
пафосом.
Что я больше всего ценю в классическом русском рисунке и живописи. | Джеймс Хансен
(Настоящий русский художник в настоящее время неизвестен)
Приветствую всех,
На протяжении многих лет изучения искусства, моей практики и общих стремлений к самосовершенствованию, чтобы стать лучшим художником, я заметил свое вдохновение и благодарность к русским рисункам/картинам безмерно возросла.
(Ответ запорожцев Ильи Репина)
Не только из-за того, что их интерпретации человеческой фигуры и повествования продолжают трогать струны моего сердца, но и из-за того, что их самоотверженность в оттачивании своего мастерства с такой отрезвляющей точностью продолжает сбивать меня с толку со все возрастающей скоростью.
(Два царя Ильи Репина)
Что мне нравится в прогрессе развития в русском ателье, так это то, что они сделали акцент на изучении рисунка дальше, чем в любой другой академической линии. Эти отточенные навыки рисования, я думаю, бросаются в глаза больше всего.
Похоже, что у них есть эта сверхъестественная способность разрушать планы и формы вплоть до науки!
Хотя история искусства не является чем-то, что я бы назвал одной из своих сильных сторон, я помню, как во время академической подготовки меня учили, что было время, когда несколько разных линий и школ мысли находились в центре многочисленных дебатов и споров. Несмотря на разногласия, русская классическая традиция существовала как бы сама по себе и продолжала превосходить или превосходить других, в то время как другие школы долгое время оставались в застое.
За то время, что я провел в Академии Искусств Гейджа, я забыл, сколько раз мне рекомендовали пойти на уроки скульптуры, чтобы улучшить свои способности к рисованию.
В свою защиту они были абсолютно правы, и мне, честно говоря, еще предстоит основательно вникнуть в эту территорию, но, судя по моим наблюдениям, русские живописцы и рисовальщики ателье обрели ту потустороннюю перспективу, в которой они смогли отделить физическую осязаемость. скульптуры из концептуальных приложений скульптуры.
(Вот пример одной русской книги для рисования, которую мне единогласно порекомендовали в ателье. )
Другими словами, это вроде как эта идея, которую я обдумывал со своими одноклассниками раньше, где я подумал, что рисунок — это скульптура на двухмерной поверхности, а скульптура — это рисунок в трех измерениях.
. К сожалению, вы ошибаетесь. Всегда помните, что то, чего не видно на рисунке, так же важно, как и то, что видно на самом деле.)
До сих пор я нахожу, что многие из их методов и то, как они подходят к своей работе, очень неуловимы!
Одна из самых важных вещей, на которые я обратил внимание, это их способность адаптироваться к различным схемам освещения и ситуациям.
(«Сборщики камней» Джорджа Клаузена)
Есть так много картин, где отсутствие основных теней и отражающийся рассеянный свет просто феноменальны.
Как правило, благодаря тому, как меня учили, и в большинстве школ-ателье по всему миру нас учили интерпретировать то, что мы рисуем и рисуем в пределах одного контролируемого источника света.
Таким образом, по мере того, как художник продвигается вперед в своей работе, в стиле скульптора, он должен последовательно применять концепции того, как ведет себя свет и как свет падает на форму.
Эта рациональная практика контролируемого освещения в окружающей среде по своей сути является идеализацией.
Я считаю, что МНОГИЕ российские работы показывают, что они знали об этой проблеме, проблема в том, что, по крайней мере с философской точки зрения, рассмотрение света как единого источника света и его теней не так практично, как вы могли бы подумать в в долгосрочной перспективе, хотя и служит пагубным фактором в создании надлежащей основы как художника, воспитанного в классической традиции.
(«Собиратель леса» Жюля Бастьена-Лепажа)
(«Сельская любовь» Жюля Бастьена-Лепажа)
(«Собирание леса» Эдварда Симмонса)
из 90 академическая работа, рассеянный свет отражается повсюду, как в реальности с очень маленькими тенями ядра.
(«Девушка у ворот» Джорджа Клаузена)
(«Октябрь» Жюля Бастьена-Лепажа)
(«Жанна д’Арк» Жюля Бастьена-Лепажа)
Как вы можете видеть из этих картин выше, я считаю, что они являются прекрасными примерами того, что я пытаюсь описать.
Вы как будто чувствуете и ощущаете вкус свежего воздуха на этих затянутых облаками картинах! Они просто звенят с таким светом и ясностью!
И хотя, конечно, технически Симмонс, Эдвардс и Лепаж не были русскими по происхождению, вы можете определенно видеть, что их наборы навыков коррелируют с русскими методами.
Если бы мне пришлось поспорить, я бы сказал, что на них сильно повлияли и вдохновили русские мастера!!
Всем спасибо за прочтение!
-Джеймс Хансен
Ebay
Русская живопись в эпоху романтизма
Русский Живопись эпохи романтизма |
Как видно из раздела «Портрет
Картина при Елизавете и Екатерине».
Портретная живопись XVIII века в России отражала понимание
господствовавшего в то время общества: мужчины и женщины сначала рассматривались как типы
(как члены класса) и лишь во вторую очередь как индивидуумы. Многое изменилось
с портретами Ореста Кипренского. Теперь настроение было направлено
к конкретному человеку как к одному индивидууму с особым психологическим
ответственности перед обществом и перед собой.
Орест
Кипренский (1782-1836) родился внебрачным сыном дворянина
и воспитывался как крепостной. Когда его талант был признан на
в раннем возрасте его отправили в Академию художеств. Хотя обучался как история
живописец Петербургской академии, Кипренский со временем сосредоточился
по портретной живописи. Его нетрадиционные автопортреты являются замечательными иллюстрациями.
растущего самосознания, которое характеризовало романтическое движение.
Об этом свидетельствует его портрет полковника Ефграфа Давыдова (1809 г.).
Его портрет поэта Александра
Пушкин — одно из самых известных его произведений. Смешанные ингредиенты раннего
Романтизм, классическая ссылка на статую на заднем плане,
клетчатый пояс в стиле Байрон вместе создают комбинацию
реального и идеального в поэзии Пушкина. Способ, которым предмет
его голова повернута, и выражение его лица — романтические утверждения отдельных
личность.
Карл Брюллов (1799-1852) был одним из самых знаменитых художников своего времени и первым
Русский живописец с мировым именем. По 1823 г. сын Брюллова завершил обучение в Академии и отправился в Рим. Там ему пришла в голову идея нарисовать разрушение Помпеи при извержении Везувия. В подготовка этого монументального полотна, процесс, который занял три лет (1830-33) Брюллов настаивал на исторической достоверности. Он посетили руины древнего города (в котором велись раскопки в то время, когда он задумал картину), изучал артефакты повседневной жизни в Неаполитанском музее и читать Плиния Младшего рассказ об извержении Везувия. Когда «Последний день Помпеи»
(1830-33) был закончен, итальянская пресса назвала его шедевром. Когда он вернулся в Россию в 1841 г. Брюллов был провозглашен величайшим мастером того времени. и ожидалось, что он повторит или даже превзойдет свою первую работу. Он никогда не создавал ничего в таком масштабе, но создал много портретов. На портрете сидящего принца
Голицына (1838-40) Брюллов воссоздал не только человека, но и
также его окружение. Шпалера с растущими растениями, повторяющаяся
в дальней комнате свидетельствует о чувстве испытуемого к
природа. |
Александр Иванов (1806-58) . Можно утверждать, что Александр Иванов, сын художника-историка Андрея Иванова, был самым значительным Русский художник второй четверти девятнадцатого века, хотя он провел большую часть своей жизни в Италии. Его философский проницательность, романтико-реалистический стиль и новаторские исследования характеризуют направления русского искусства XIX века. Уникально одаренный и обученный
реализовать свой потенциал, Иванов жил в городе своего рождения,
Санкт-Петербург, до его отъезда в Италию. «Явление Христа
Мария Магдалина после Воскресения» была задумана художником
в качестве проверки его способностей выполнить еще более амбициозную многофигурную
состав. Изображение сложной эмоции на коленях
фигура Магдалины особенно привлекла внимание
зрители. Иванов был одержим способность художника передать нюансы эмоций. В то время как двадцатый век художники и критики, возможно, уделяют меньше внимания выражению эмоциональности, любая оценка творчества Иванова должна основываться на этом аспекте. его работы с учетом. Коллеги артиста были так впечатлены по «Явлению Христа Марии Магдалине после Воскресения» что ему присвоили звание академика. После 1833 года, когда «Последний
День Помпеи» произвел такую сенсацию, Иванов стал считать
выполняя такую же большую работу. Иванов был глубоко верующим человеком.
взято с предметом первого явления Иисуса к
народ, объявленный Иоанном Крестителем. Иванов выбрал эпизод
потому что он чувствовал, что она охватывает религиозные, исторические и философские
идеи, которые его больше всего волновали: духовные и нравственные
преображение человечества. » Явление Христа народу» (1836-1855) объединяет ряд отдельных событий Евангелия: проповеди Иоанна и его крещение народа на переднем плане и пришествие Христа на расстоянии. Иванов предназначен для своей картины превзойти по духовной глубине и естественной истине все прежние религиозная живопись на Западе. Поэтому он предпринял самые масштабные учился и советовался с каждым художником, чье мнение он уважал. В результате, конечно, эта работа затянулась на неопределенный срок. и что он снова и снова менял свой состав. Когда картина наконец была готова
выставлена в Петербурге в 1858 г., после 20 лет мучительного
усилий, она не вызвала того энтузиазма, который встретил Брюллова.
работа. Неполный успех Иванова
фигура Иисуса, который кажется почти незначительным. Исполнитель
был верен натуралистической линейной перспективе, которая работала против
изображение духовного опыта. Несмотря на то, что это было
так и не завершенный, эпический характер полотна вдохновил многих русских
художников конца XIX в. |
При жизни Алексей Венецианов (1780-1847) был провозглашен «отцом русской жанровой живописи». Его острое наблюдение как за силой, так и за тонкостью света и его способность переводить свое восприятие в композиции тихая напряженность передает почти осязаемую симпатию к достоинства и достоинства своих подданных. Это были почти всегда сельский характер: сельские крестьяне заняты или останавливаются на своих задания. Родился в семье иконописцев,
Венецианов учился сам до поступления на государственную службу
в 1802 году в качестве геодезиста-чертежа. Хотя Академию он так и не закончил, Венецианов в конце концов получил звание академика. Это признание его талант побудил его поощрять таланты других из скромных фоны. В 1815 году в возрасте 35 лет художник ушел в отставку. имение в Тверской губернии под Москвой. Там он начал свою школа, которая работала в 1820-х и 30-х годах и в которой обучалось семьдесят студенты. Венецианов провозгласил природу высшим ориентиром и его учение подчеркивало эту идею. «Гумно» (1821 — 1823).
Собрано почти так, как если бы позировало для «живой картины», в драматическом
в удаляющемся интерьере амбара появляются девять фигур,
работа по дому. |
Духовное спокойствие Венецианова работ отличает их от работ молодого современника, Павла Федотов (1815-1853) . Федотов
известен своей способностью изображать высоты и глубины
человеческое существование. Он родился на окраине Москвы и вырос
в оживленной деятельности провинциальной столицы. Он
учился в Академии в Петербурге, где на него повлияло
собрание голландской живописи в Эрмитаже. Костюм,
жест и деталь очаровали Федотова. Его произведения отражают
Возникновение в России нового класса — зажиточной городской буржуазии.
чьи манеры и вкусы вдохновляли и требовали
для его картин. Федотов создал свой художественный
манифест в серии картин маслом (1846-1852 гг.), в которых критикуется
русского общества середины XIX века, иллюстрируя его гротеск
противоречия и дефекты. Каждый фиксирует определенный момент в
время. «Обручение майора (Посещение невесты в купеческой лавке)
дом)», также известное как «Как исправить свое материальное положение».
Женя» (1851) представительная работа из этой серии. Федотов
показывает волнение богатой купеческой семьи, когда немолодой
и уже не богатый дворянин приходит ухаживать за дочерью. Его изображение
красивой, обезумевшей молодой девушки, ее курс и расфуфыренная
мать, а ее растерянный отец в старом русском кафтане стоит
хитрая критика нравов растущего среднего класса. |
У него было
родился в Италии и приехал в Россию с отцом — скульптором
по имени Брюлло, фамилия которого была русифицирована до Брюллова.
и Брюллов прославился. Публичный энтузиазм легко понять,
как Брюллов предложил что-то на любой вкус: он дал мелодраматический
трактовка классического предмета с множеством реалистических
деталь. С его грандиозной, многофигурной сценой и драматическим
действие, картина меняет ход истории русской живописи,
вдохновляя других на попытки создания таких же сложных композиций.
Обратите внимание также на распределение света по всему
пространство комнаты. Многие русские преуспели в традициях
роспись интерьеров. 
Сначала он учился
с отцом, профессором Петербургской академии
искусств, а в 1817 г. стал официальным студентом Академии.
1830 художник переехал в Рим при поддержке Общества
Поощрение художников. Хотя он посвятил большую часть своего времени
к копированию произведений итальянских мастеров, он также создал свои
собственные композиции. Он сосредоточился на предметах Ветхого и Нового Завета
так как они предложили психологическую сложность, которая уволила его
воображение и испытал свои способности как реалиста.
В конечном итоге произведение можно назвать благородным провалом. Его
фигуры серьезны и полны разнообразных чувств. Эмоции
слушатели варьируются от сомнений и скептицизма до внезапных, ошеломленных
убеждение. Но есть неразрешенное напряжение между преследованием
идеализма и приверженности реализму, слишком большой контраст
между натуралистическим фоном и классическим, надуманным
группы на переднем плане. К середине 19-й века противоречащие друг другу утверждения натурализма и идеализма могли
больше не мириться; когда первое имело приоритет, это обязательно
уничтожил последний. Одно указание
Хотя некоторые аспекты композиции могут показаться искусственными,
элементы, тем не менее, красиво расположены. 
Его картины также демонстрируют новые и более
критическое отношение к русской жизни.