Живопись авангард: Казимир Малевич, Сальвадор Дали, Ричард Принс, Чжан Сяоган, Герхард Рихтер

Содержание

Казимир Малевич, Сальвадор Дали, Ричард Принс, Чжан Сяоган, Герхард Рихтер

Updated:

Авангардизм в истории искусства — понятие широкое. Принято считать, что этот термин объединил несколько школ живописи: кубизм, примитивизм, сюрреализм и т.д. Большинство из названных художественных направлений появились в начале XX века. В это время в мире искусства свершилась революция: всеми любимая и понятная классика оказалась отодвинута на второй план. Пришли авторы, которые поражали своей самобытностью и мироощущением, не боялись бросать вызов традициям. Тогда мало кто понимал их творчество, но зато спустя десятилетия работы этих художников на аукционах вызывают настоящий фурор.

Казимир Малевич

Казимир Малевич прославился нашумевшей работой «Черный квадрат». Он много экспериментировал, творил сразу в нескольких направлениях авангардного искусства, попробовал себя в модернистских стилях. Вошел в историю искусства как создатель супрематизма. Этому жанру свойственно использование простых геометрических фигур: круги, прямые линии, прямоугольники, трапеции, квадраты. Эти идеи потом стали использоваться в архитектуре и промышленном дизайне.

Появлению супрематизма предшествовало увлечение Малевича футуризмом.
Интересный факт: живописец рассказывал, что идея знаменитого «Черного квадрата» возникла у него стихийно. С появлением на свет этой картины, о которой так много спорят до сих пор, связана мистическая история: за неделю до написания авангардного шедевра Малевичем овладело непонятное беспокойство, он впал в прострацию, не мог спать и есть. А саму работу писал грозовой ночью, когда на небе сверкали молнии.

Кстати, кроме «Черного квадрата» он создал еще несколько работ в этой же стилистике: «Черный круг» и «Черный крест».

Малевичу было важно стать основателем нового направления в живописи, он к этому стремился. И осуществил свою мечту, войдя в историю искусства как создатель супрематизма.

Сальвадор Дали

Сальвадор Дали (Salvador Dalí) заработал известность сюрреалистическими полотнами. Ему были подвластны самые разные стили живописи: от кубизма до неоклассицизма. Его первая выставка состоялась в 14 лет. В 17 Дали начинает учиться в Академии изящных искусств в Мадриде. Он полностью посвящает себя рисованию, ведет затворническую жизнь. Студенческим вечеринкам предпочитает посещение музеев, в которых изучает манеру письма известных художников. Несмотря на страсть к живописи, из Академии его исключают. Свободолюбивому духу оказалось невыносимо тесно в стенах классического учебного заведения. Дали уезжает в бунтарский Париж, цель — окунуться в мир авангардного искусства. И делает это с грандиозным успехом. Его картины пользуются бешеным спросом, на аукционах работы скупаются за огромные деньги.

Благодаря своим авангардным картинам и таланту устраивать сюрреалистические перфомансы, Сальвадор Дали становится одним из самых дорогих художников. Все свое состояние, а оно насчитывало к моменту смерти гения почти 10 млн долларов, авангардист оставил стране, которую боготворил, — своей любимой Испании.

Ричард Принс

Ричард Принс (Richard Prince) — современный американский художник-авангардист, перенявший талант эпатажа у Дали. Много сделал для антипропаганды рекламы. Не стесняется в своих работах использовать чужие фотоснимки, взятые из социальной сети Instagram.

Много занимался полиграфией, создавал обложки для книг. Одна из таких серий, известная под названием «Медсестры», принесла мировую славу. На картинах использовал мрачно-кровавую палитру фона, а сами ангелы милосердия представали в совсем иной ипостаси…

В произведениях делал акцент на темной стороне общества, развенчивал представления о морали и дискредитировал индустрию рекламы.

Чжан Сяоган

Чжан Сяоган (Xiaogang Zhang) — один из самых известных живописцев современности. Его работы пользуются огромной популярностью на мировом арт-рынке. Творческое становление художника пришлось на период культурной революции. Подавление индивидуальности и свободомыслия, жестокие репрессии — все это пережил один из самых талантливых китайских художников.

Политика не стала основной нитью его творчества, в его авангардистских картинах мы не увидим воззваний или обличений. Сяоган ни к чему не призывает. Больше всего китайского авангардиста волнуют психологические проблемы: почему люди стремятся жить в усредненном мире и специально подавляют свою индивидуальность, какие причины заставляют их демонстрировать жестокость по отношению друг к другу… Уникальная особенность художника состоит в том, что он не пишет отдельных полотен, все его картины объединены в серии. Наибольшую известность автору принес цикл Bloodline: Big Family.

Герхард Рихтер

Герхард Рихтер (Gerhard Richter) — один из самых дорогих немецких художников-авангардистов. Заработал популярность и состояние продажей абстрактных декоративных произведений. Одно из популярных полотен — «Абстрактный образ». Картина была создана в 1986 году, написана не кистью, а строительным скребком. Этот авангардистский шедевр на Sotheby’s был продан за 46 млн долларов.

У Рихтера много интересных работ. Но сам художник не считал их картинами, а называл декоративными произведениями. Большую популярность ему принесли картины «Красное и синее», «Медитация», «Двойной серый».

Русский авангард • Arzamas

Как Малевич, Кандинский, Родченко, Татлин, Ларионов и «бубновые валеты» создали радикально новое искусство XX века

Автор Галина Ельшевская

В марте 1915 года коллекционер Сергей Щукин, по слухам, купил с выставки «Трамвай В» работу Владимира Татлина, сколоченную из деревянных плашек. Некоторые исследователи сомневаются в факте покупки, но Щукин ее не опро­вергал, несмотря на широкую огласку события. Публика удивлялась и него­довала, в газете было напечатано ехидное письмо по поводу приобретения за большие деньги — цитата — «трех старых, грязных досочек». Но это озна­чало, что собиратель с безошибочным нюхом что-то почувствовал в том новом искусстве, которое в сферу его интересов вовсе не входило.  

Термин «авангард» для нас совершенно привычен, но в 1910-е годы он не был в ходу. Тогда чаще употреблялись слова, которые подчеркивали либо оппози­ционность искусства — «левые художники», либо новизну искусства, его вре­менной вектор — «будущники», «будетляне», «футуристы». Слово «футуристы» было главным, потому что оно интернациональное: были, например, и италь­янские футуристы, их лидер Маринетти приезжал в Россию. А после револю­ции термин «футуризм» стал распространяться на всех левых художников, и, например, критик Абрам Эфрос писал: «Футуризм стал официальным искус­ством новой России», имея в виду весь авангард.

Филиппо Томмазо Маринетти. 1909 год Wikimedia Commons

Примерно понятно, когда авангард появляется и заявляет о себе — в 1910-е; известны и его главные имена. Но довольно трудно это понятное в нескольких словах сформулировать. Вот, например, в авангардной живописи множество беспредметных версий, от экспрессивной абстракции Кандинского до супрема­тизма Малевича. Но целиком он никак не сводится к абстракции. Скажем, Ларионов, Гончарова, Филонов, и не только они, почти или совсем не отступа­ли от изображения предметного мира. А что касается художественной услов­ности, то ее мера не поддается простым подсчетам — так, чтоб сказать, что вот с этого места уже авангард, а раньше еще нет. Авангард — это разнообразие языков и концепций: и индивидуальных, и коллективных. Чья-то индивиду­альная стилистика очень часто становится групповой, у крупных фигур есть адепты, ученики. И всё вместе это среда. И как раз через среду, через принятые в ней нормы поведения авангард можно попробовать охарактеризовать.

1 / 2

Наталья Гончарова. Попугаи. 1910 годГосударственная Третьяковская галерея

2 / 2

Павел Филонов. Мужчина и женщина. 1912–1913 годыWikimedia Commons, Государственный Русский музей

Это совершенно новый тип поведения — вызывающий, нарочито грубый. Своего рода поэтика хамства, «маяковская» интонация — оскаленное «вам» и «нате». Конечно, в первую очередь принято эпатировать буржуа, чей вкус, чье отношение к искусству и вообще жизненные принципы заслуживают лишь пощечин. Скажем, в кафе «Бродячая собака» посетителей с деньгами, за счет которых заведение существует, пренебрежительно именуют «фармацевтами» и всячески третируют. Но не церемонятся и со «своими». Глава итальянских футуристов Маринетти говорил, что художнику необходим враг — манифесты итальянского футуризма и выдержаны в терминах войны. Историю русского авангарда тоже можно представить как историю ссор и взаимных подозрений. Владимир Татлин даже днем плотно занавешивает окна своей мастерской, потому что ему кажется, что Малевич подглядывает и крадет идеи. Паранойя, конечно, но характерная. Ольга Розанова обвиняет Малевича в плагиате; она пишет: «Весь супрематизм — это целиком мои наклейки, сочетание плоско­стей, линий, дисков (особенно дисков) и абсолютно без присоединения реаль­ных предметов, и после этого вся эта сволочь скрывает мое имя». Михаил Ларионов придумывает название «Бубновый валет», но в объединении с этим именем уже не будет ни его, ни его жены Гончаровой: случилась, как писали в газетах, «ссора хвостов с валетами».

В начале 20-х годов Кандинский иници­ирует создание Инхука — московского Института художественной культуры, и совсем вскоре группа конструктивистов во главе с Александром Родченко оттуда его изгоняет. То же самое было в Витебске: Марк Шагал приглашает туда Эль Лисицкого, тот приглашает Малевича, после чего Шагалу приходится Витебск покинуть. Прежде ситуация конфликта никогда не выглядела столь тотальной. 

Преподаватели Витебского народного художественного училища. 26 июля 1919 годаСидят (слева направо): Эль Лисицкий, Вера Ермолаева, Марк Шагал, Давид Якерсон, Юдель Пэн, Нина Коган, Александр Ромм; стоит делопроизводительница училища.Wikimedia Commons

Но прежде и история искусства не протекала с такой скоростью. Течения в ней как-то плавно сменяли друг друга, и если даже не плавно, то с понятной траек­торией, — а теперь она помчалась галопом. Что-то только что казавшееся новым резко объявляется отсталым: ведь авангарду, чтобы быть, нужен арьер­гард. Как писал Маяковский, «наш бог бег». Движение происходит в режиме постоянных открытий, и поэтому важно заявить свое первенство — «это мое, это я придумал», — чтобы инновацию не присвоили конкуренты. Заявить манифестным образом. 

Авангард — время манифестов и деклараций. Художники пишут их, пытаясь объяснить свое искусство и обосновать свое главенство и в конечном счете свою власть. Слово — бойцовское орудие, иногда булава, иногда кувалда. Но при этом редкий художник умеет писать ясно. Часто это, если воспользо­ваться выражением Хлебникова, «самовитое слово»: шаманское, доходящее порой до полной глоссолалии  

Глоссолалия — речь, состоящая из бессмыс-ленных звукосочетаний; часто о глоссолалии говорят в связи с религиозным экстазом.. А раз тексты манифестов загадочны, как заклинания, то смысл их во многом зависит от интерпретации тех, кто их читает. 

Это тоже увязывается с общим состоянием дел в мире: ведь вся жизнь теряет определенность, устойчивость, разумность. В ней уже не работают законы классической механики, где действие равно противодействию. Теперь парал­лельные прямые непонятным образом сходятся. От человека теперь можно ждать всего, поскольку скрытое в его душевных безднах бессознательное спо­собно заглушить голос сознания. Вышедшие в начале XX века книги Зигмунда Фрейда «Толкование сновидений» и «Психопатология обыденной жизни» даже в безоблачном детстве заставили прозревать подавленный сексуальный кошмар, и Первая мировая война, подтверждая это новое знание о человеке, окончательно обесценила ключевые понятия традиционного гума­низма. В 1915 году Альберт Эйнштейн публикует свою общую теорию относи­тельности, с которой начинается эра тотального релятивизма; теперь ничто уже не является окончательно достоверным и безусловно истинным. И худож­ник уже даже не говорит «я так вижу» — он обретает право сказать «я так хочу». 

Сама живопись, которая прежде удовлетворялась традиционным понятием о картине как окне в мир, теперь ограничиться им не может. Потому что в этом окне ничего стабильного уже не обнаруживается — там пустоты, провалы и черные дыры, текучий мир непонятных энергий. Вещи сорвались с мест, распались на части, и есть соблазн собрать их заново совершенно иначе. Новое искусство пытается освоить этот мир непосредственно, нарушив понятие гра­ницы. Поверхность картины вспучивается, на ней появляются коллажные наклейки, в живопись вторгаются реальные предметы — собственно, жизнь и вторгается. Потом это назовут словом «ассамбляж», а пока что называют «живописной скульптурой». И у таких попыток соединить искусство с реально­стью — большое будущее, они пройдут через весь XX век. Одна из самых ради­кальных — реди-мейды, готовые предметы, выставленные в качестве произве­дений, вроде писсуара «Фонтан» Марселя Дюшана. Но на русской почве такого не случится. Возможно, потому, что планетарные амбиции как раз такому шагу препятствуют. В отечественном авангарде силен метафизический привкус — и он не про вещи. 

Несмотря на многообразие концепций, в авангарде можно выделить два глав­ных вектора, которые не столько отрицают, сколько дополняют друг друга. Например, вектор Малевича — мироустроительный: речь идет уже не о пре­образовании искусства, но о преобразовании мира через форму и цвет. Мале­вич — безусловный харизматик и великий стратег, он подходит к своей дея­тельности как человек демиургической воли — с намерением изменить все. А рядом существуют разные формы органического авангарда — ненасильствен­ного, призывающего не менять природу, а прислушаться к ней: у Матюшина, Филонова, отчасти у Татлина. Татлин, считающийся родоначальником русско­го конструктивизма, вслушивается в голос материала, дорожит им. Его контр­рельефы — объемные композиции из деревянных, металлических и даже сте­клянных частей, прикрепленных к доске, — крайне радикальны в расставании с традиционной картинной плоскостью, и одновременно они обладают и каче­ством почти даосско-буддистского смирения перед природной данностью де­рева или железа. Существует легенда о том, как Татлин выбил стул, на котором сидел Малевич, предложив ему посидеть на абстрактных категориях формы и цвета.  

Владимир Татлин. Угловой контррельеф. 1915 годState Russian Museum / Bridgeman Images / Fotodom

Первые авангардные открытия были сделаны не в России, а на Западе. Напри­мер, французский фовизм Анри Матисса, Андре Дерена и других и ранний ку­бизм Пикассо и Брака выходят на арену почти одновременно — в 1905–1906 го­дах; тогда же оформилось первое объединение немецких экспрессионистов — группа «Мост». Фовистский период потом будет у Ларионова с Гончаровой и у Малевича, хотя в целом фовизм на русском искусстве сказался не очень сильно. Кубизм, наоборот, повлиял очень значительно — и на многих, но соединился с влиянием итальянского футуризма, который сформировался к 1909 году — тогда был опубликован первый футуристический манифест Маринетти. Кубофутуризм — русское слово и русское явление. А экспрессио­низм, чью стилистику можно иногда заметить у Ларионова и Давида Бурлюка, важен для России, потому что в его становлении существенную роль сыграл Василий Кандинский, художник настолько же русский, насколько и немецкий. Именно он в 1911 году вместе с Францем Марком организовал в Мюнхене экс­прессионистскую группу «Синий всадник». 

Казимир Малевич. Женщина с ведрами. 1912 годWikimedia Commons, MoMA

О Кандинском стоит сказать отдельно. Он — пионер беспредметности: первой абстрактной картиной считается его «Картина с кругом» 1911 года. Свои аб­стракции он делит на импрессии, импровизации и композиции; первые вдох­новлены впечатлениями от реальности, во вторых выплескивается бессозна­тельное, а композиции — это вещи продуманные, срежиссированные. В дея­тельности Кандинского сильна символистская подоснова — и в картинах, и в трактате «О духовном в искусстве», где он пытается описать воздействие тех или иных цветов на сознание. «Цвет, — пишет он, — это клавиш; глаз — молоточек; душа — многострунный рояль. Художник есть рука, которая посредством того или иного клавиша целесообразно приводит в вибрацию человеческую душу». Примерно в том же направлении исследовал природу цвета Михаил Матюшин.  

1 / 3

Василий Кандинский. Арабы (Кладбище). 1909 годWikimedia Commons / Hamburger Kunsthalle

2 / 3

Василий Кандинский. Спальня на Антмиллерштрассе. 1909 годWikimedia Commons / Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau

3 / 3

Василий Кандинский. Дома в Мюнхене. 1908 годWikimedia Commons / Von der Heydt-Museum

С Матюшина, по сути, начинается русский авангард. Именно он организовал петербургский «Союз молодежи», зарегистрированный в феврале 1910 года (знаменитая выставка «Бубновый валет» откроется только в декабре того же года). Матюшин много старше всех своих товарищей, но он и его рано умершая жена Елена Гуро — важные фигуры в этом движении. Матюшина считают ско­рее теоретиком и организатором, чем практиком, поэтому он остается в сторо­не от ревнивых разборок по поводу главенства. С ним, например, дружен Мале­вич, и мистические обертоны матюшинских поисков принимаются им вполне сочувственно. А мистики там много: органическая концепция Матюшина свя­зана с верой в то, что искусство может стать способом выхода в четвертое измерение. Для этого требуется приобрести навыки расширенного смотре­ния — научиться видеть не только глазами, но всем телом. Так, его ученики пишут, например, пруд под Сестрорецком — расположившись к нему спинами: такая реализация метафоры про «глаза на затылке». Матюшин исследует при­роду зрения одновременно как символист и как биолог-систематик. Итогом этих исследований станет «Справочник по цвету», который выйдет в 1932 го­ду — в совсем уже неподходящее для этого время. 

1 / 2

Михаил Матюшин. Портрет Елены Гуро. 1910 годavangardism.ru

2 / 2

Михаил Матюшин. Стог. Лахта. 1921 годWikimedia Commons / Государственный Русский музей

Матюшин явился инициатором еще одного важного авангардистского предприятия — постановки оперы «Победа над Солнцем», осуществленной в 1913 году. Сам он, музыкант по основному образованию, написал музыку, поэт-футурист Алексей Кручёных — либретто на заумном языке, а Малевич сделал декорации, где впервые появился мотив черного квадрата. По сюжету будетляне завоевывают Солнце — и как раз черным квадратом оно и оказы­вается побеждено. Позднее, в 1920 году, оперу попытается поставить в Витеб­ске последователь Малевича Эль Лисицкий. В его постановке главный сюжет оперы о победе машинного над природным будет подан совсем прямо: вместо актеров там будут действовать механизмы — так называемые фигурины, при­водимые в движение электричеством. 

1 / 2

Казимир Малевич. Эскиз декорации к опере «Победа над Солнцем» Михаила Матюшина и Алексея Кручёных. 1913 годСанкт-Петербургский государственный музей театрального и музыкального искусства

2 / 2

Обложка программки оперы «Победа над Солнцем». Художники Казимир Малевич и Давид Бурлюк. 1913 годWikimedia Commons

Как уже говорилось, «Союз молодежи», организованный Матюшиным, — пер­вое авангардное объединение, пусть и с подвижным составом. Но в это время конкретные выставки важнее объединений: выставка — это эффективный манифест, который видят и о котором говорят. Первая такая выставка — «Буб­новый валет» 1910 года. Название, придуманное Михаилом Ларионовым, отсы­лало к целому набору низовых ассоциаций: и к карточному шулерству, и к уго­ловной эмблематике. «Валетов» — Илью Машкова, Аристарха Лентулова, Петра Кончаловского и других — это вполне устраивало: они и хотели шокировать публику. 

Абсолютно шокирующей и провокативной была представленная на выставке огромная картина Машкова, где он изобразил себя и своего друга Кончалов­ского в виде полуголых борцов или гиревиков-атлетов. Но этим атлетам не чуждо прекрасное: на картине есть скрипка, рояль, ноты, — вот таков теперь образ художника, в нем есть всё. Лубочные картинки на стене — важный знак бубнововалетской ориентации на городской фольклор и народную эстетику: на вывески, расписные подносы, ярмарочные тантамарески. А альбом Сезанна на полке — еще один знак: «валеты» поклоняются Сезанну. При этом сезан­низм понимается ими как упрощенная геометризация мира — и через уже известный опыт французского кубизма. Вообще упрощение формы — это хорошо, правильно: не погрязать в мелочах, а увидеть вещи в целом и свежо, как впервые. Это захватывает, в этом есть игра. 

Илья Машков. Автопортрет и портрет Петра Кончаловского. 1910 год Wikimedia Commons / Государственный Русский музей

Игра — тоже важное слово для этой коллективной программы. Атмосфера весе­лого балагана — и художники упоенно примеряют карнавальные личины. Машков пишет автопортрет в роли заводчика в роскошной шубе на фоне паро­хода, художник Георгий Якулов на портрете работы Кончаловского оказыва­ется восточным человеком, а Лентулов пишет себя в роли краснолицего яр­марочного зазывалы. Тот же Лентулов пишет кубофутуристическую Москву: соборы срываются с места и буквально пускаются в пляс. Лентулов первым начинает использовать коллаж: клеит на холсты серебряную и цветную фольгу, фантики, даже кору; включает в изображение надписи — как рисованные, так и в виде обрывков плакатов и газет. То есть сама картина уже выходит за свои пределы — то в рельеф, то в беспредметность.

1 / 3

Петр Кончаловский. Портрет Жоржа Якулова. 1910 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея

2 / 3

Аристарх Лентулов. Автопортрет «Le Grand Peintre». 1915 годГосударственная Третьяковская галерея

3 / 3

Аристарх Лентулов. Василий Блаженный. 1913 годWikimedia Commons / Государственная Третьяковская галерея

Бубнововалетский эпатаж спорит с искусством прошлого, которое им кажется не искусством, а литературой или философией. А для них искусство должно быть самим собой, игрой и радостью от потека краски. Оно теперь ни к чему за своими границами не отсылает, и кроме него, кажется, ничего на свете нет. Это отношение останется в русском авангарде. 

Если «валеты» продолжают работать в своем стиле и после первого выступле­ния, то Михаил Ларионов, давший им имя, наоборот, стилистику меняет от выставки к выставке.

Следующая выставка после «валетов» — «Ослиный хвост» 1912 года; название отсылает к недавнему скандалу в Париже, когда группа эпатажных художников выставила картину, якобы написанную хвостом осла. На своей выставке Ларио­нов представил программу неопримитивизма. Неопримитивизм — это систе­ма, обращенная к архаике, к искусству древнему и безличному. Собственно, художники уже к таким пластам обращались: например, Павел Кузнецов, один из главных людей в объединении «Голубая роза», в 1910-х писал свою «Киргиз­скую сюиту» — жизнь степняков, не потревоженную цивилизацией и не ме­няющуюся из века в век. Но там эта неизменность поэтизировалась, а у Ларио­нова и у других художников, переживающих свой примитивистский период, она увидена как нечто хтоническое и, пожалуй, жутковатое. И на «Ослином хвосте» выставляются вещи из солдатского и турецкого циклов самого Ларио­нова, серия «Евангелисты» Гончаровой, которая была снята цензурой, ее же «крестьянские» работы, живопись из крестьянского цикла Малевича и многое другое. А на следующей выставке, «Мишень», Ларионов представит картины на клеенке только что открытого Нико Пиросмани. 

1 / 5

Михаил Ларионов. Солдаты. 1909 годФотография А. Свердлова / РИА «Новости»

2 / 5

Казимир Малевич. Сбор урожая. 1911 годWikimedia Commons / Stedelijk Museum

3 / 5

Наталья Гончарова. Крестьяне, собирающие яблоки. 1911 годФотография А. Свердлова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

4 / 5

Наталья Гончарова. Евангелисты. 1911 годФотография Михаила Кулешова / РИА «Новости»; Государственный Русский музей

5 / 5

Павел Кузнецов. Спящая в кошаре. 1911 годФотография А. Свердлова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

Выставку «Мишень» 1913 года сопровождает манифест «Лучисты и будущ­ники». Лучизм — это ларионовская версия беспредметного искусства — и пер­вая для России, поскольку Кандинский свою беспредметность придумал в Германии. И здесь неожиданно Ларионов оказывается близок Матюшину в мистико-биологических рассуждениях о природе зрения. Человек глядит на предмет, и от предмета в его глаз идут некие лучи; вот эти лучи, а не сам предмет следует писать. При этом предметом может оказаться чужая карти­на — и отсюда следует еще один тезис манифеста: всёчество. Все стили искус­ства годятся для современного художника, все могут быть им присвоены и переформатированы. Художник обязан меняться, потому что сам мир меня­ется с огромной скоростью — и надо откликаться на эти изменения. На выстав­ке «Мишень» представлено все сразу — и лучистские абстракции, в которых еще слегка угадывается предметный мотив (например, птичьи головы в карти­не «Петух и курица»), и примитивистские работы — и среди них самая ради­кальная в этой стилистике серия «Времена года», вдохновленная одновременно лубком и детским рисунком. Следуя концепции всёчества, Ларионов не только совмещает примитивистские работы с лучистскими, но еще и оказывается изобретателем новых практик. Например, футуристического грима, а также футуристической кухни и футуристической моды. Правда, из всего этого воплощение получил только грим — абстрактная раскраска лиц, вдохновленная лучизмом. 

1 / 2

Михаил Ларионов. Петух. 1912 годФотография Павла Балабанова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

2 / 2

Михаил Ларионов. Лучистый пейзаж. 1913 годGetty Images / Государственный Русский музей

Путь Малевича к супрематизму — это довольно интенсивное чередование эта­пов. Малевич начинает с импрессионизма — как тот же Ларионов и отчасти Кандинский; затем обращается к неопримитивизму, а вслед за ним начинается кубофутуризм и алогизм. На алогичной картине «Англичанин в Москве» зеле­ного гостя столицы в цилиндре окружают сабля, свечка, селедка, лестница, а также фразы «частичное затмение» и «скаковое общество». Это поэтика абсурда, живописная заумь, коллажное совмещение в картине несовместимых предметов и текстов. Малевич избавляется от причинно-следственного поряд­ка — и это делает его алогичные картины пусть неполным, но все же аналогом того, что будет в западном искусстве, но не в российском, —  дадаизма.

Казимир Малевич. Англичанин в Москве. 1914 год Wikimedia Commons / Stedelijk Museum  

Для Малевича алогизмы только этап перед финальной фазой — супрематиз­мом. Стиль сложился в 1915 году и был представлен в декабре на выставке «0,10». В названии выставки ноль — это конец искусства, объявленный супрематизмом «нуль форм», символом которого стал «Черный квадрат», а десять — количество предполагаемых участников, на самом деле их было больше. 

Супрематизм — это геометрическая абстракция; геометрия для Малевича — это метафора тотальности. Весь мир сведен к геометрическим знакам — и больше в нем ничего нет. В 1919-м Малевич устраивает свою персональную выставку — итоговую: от самых ранних вещей, еще импрессионистических, до последних — супрематических, а несохранившиеся работы пишет заново. И завершает вы­ставку рядом пустых холстов на подрамниках. То есть живопись завершена. Супрематизм есть ее высшая точка, которая отменяет все дальнейшее.

1 / 2

Секция супрематических работ Казимира Малевича на выставке «0,10». 1915 годWikimedia Commons

2 / 2

Рекламный плакат выставки «0,10». 1915 годWikimedia Commons / Частная коллекция

Тем не менее супрематизм с самого начала предлагается к освоению и действи­тельно осваивается другими художниками — в отличие, например, от экспрес­сивных абстракций Кандинского, которые не станут объектом ничьих дальней­ших рефлексий. В 1920 году в Витебске Малевич создает общество Уновис, где все адепты пишут так же, как их гуру, и на их выставках под супрематическими картинами нет имен — предполагается, что это творчество анонимное и кол­лективное. Нет места индивидуальному художественному волеизъявлению, есть только утверждение системы, которая претендует на всеобщность, на то, чтобы быть окончательным переучетом всего в мире и последним словом о нем. Потому что «Супремус» — это «высший». Это последнее слово и, можно сказать, высшая мера. 

При этом этот универсальный язык годится для проектов будущего. И Мале­вич, и его ученики — Чашник, Суетин, Хидекель — придумывают архитектуру, основанную на супрематических формах. Они делают из гипса архитектоны и чертят планиты — модели жилищ для землянитов, людей грядущего космоса. Архитектоны беспредметны, лишены оконных и дверных проемов, их внутрен­нее пространство не проработано вовсе; Малевича интересовала не функция, а чистая форма — утопический модуль нового ордерного строя. И его посуда, созданная в начале двадцатых, в пору сотрудничества с Ломоносовским фар­форовым заводом, тоже не располагает к тому, чтобы ею пользовались, — из супрематического чайника трудно налить чай, а из получашки неудобно пить. Это манифестация формы, и форма самодостаточна. 

1 / 3

Казимир Малевич. Макет архитектонов. 1920-е годыPedro Menéndez / CC BY-NC-ND 2.0

2 / 3

Николай Суетин, Казимир Малевич, Илья Чашник. Петроград. 1923 годWikimedia Commons

3 / 3

Казимир Малевич. Супрематический чайный сервиз. Разработан в 1918 годуMuseum of Fine Arts, Houston / Bridgeman Images / Fotodom

Вообще, идея производственного, промышленного искусства в 20-е годы сделается оправданием авангардного формотворчества — и о ней мы вскоре поговорим. Но как раз у главных художников дореволюционного авангарда с ней все обстояло довольно сложно. Даже у тех, кто искренне был готов целиком уйти в изготовление функциональных вещей «для жизни». Скажем, у Татлина. С посудой и так называемой нормаль-одеждой все было нормально, а вот «великие проекты» оставались утопией. Невероятный махолет «Летат­лин» — не летал. Башня — памятник Третьего интернационала — так и не была построена; да и трудно было предположить, что этот грандиозный замысел многоэтажной вращающейся конструкции мог воплотиться. Татлин не любил слово «конструктивизм», он вообще старался держаться подальше от любых «измов», но его считали отцом этого движения, потому что он первым стал не изображать предметы, а делать их. На фотографии Георга Гросса и Джона Хартфилда два немецких авангардиста держат плакат с надписью «Искусство умерло — да здравствует машинное искусство Татлина». Но на самом деле идеи «правильного» машинного конструктивизма декларировали и практически осуществляли другие люди. Например, Александр Родченко. 

1 / 2

Владимир Татлин (справа) у памятника III Коммунистического интернационала. 1919 годGetty Images

2 / 2

Владимир Татлин. «Летатлин» — безмоторный индивидуальный летательный аппарат. 1929–1932 годыФотография Виталия Карпова / РИА «Новости»; Центральный музей Военно-воздушных сил Российской Федерации

Родченко — из самых продуктивных авангардистов второго поколения и из са­мых последовательных «производственников». Расцвет его деятельности при­ходится на послереволюционные годы. И сначала он как бы хочет сделать сле­дующий шаг на поле, освоенном старшими, — шаг в сторону большего лако­низма и, значит, большей радикальности. Скажем, у Малевича — геометриче­ские формы, плотные, а у Родченко — легкие линии (это у него называется линиизм, по поводу возможностей линии им даже манифест написан). У Тат­лина контррельеф связан со стеной, а у Родченко мобили свободно висят в воз­духе. Ничем метафизическим его опыты не отягощены, поэтому всему найден­ному легко будет чуть позже стать азбукой дизайна разных утилитарных ве­щей. Родченко с равным успехом будет работать в книжной графике, плакате и сценографии, оформлять интерьеры, делать мебель, заниматься фотогра­фией — и здесь его фотомонтажи и особенно приемы ракурсной съемки сде­лаются визуальным знаком времени. И не случайно именно он окажется ини­циатором изгнания Кандинского из Инхука: это было столкновение нового ма­териалистического подхода к искусству со старым, отвлеченным.

Реконструкция композиции Александра Родченко «Рабочий клуб» в Третьяковской галерее © Фотография Алексея Куденко / РИА «Новости»

Московский Инхук, как и ленинградский Гинхук, институты художественной культуры, были призваны выработать универсальные методы обращения с формами. В послереволюционные годы было принято искать универсальное, и вообще после революции авангардные художники активно участвовали в ра­боте просветительских учреждений, которых стало много. Внедряли свою веру, так сказать. Вера Кандинского — это синтез искусств с опорой на биологию, на телесность, на синестезию. Три искусства, по его плану, должны этот синтез обеспечить — живопись, музыка и танец; это и предложено к изучению. А для молодых художников во главе с Родченко все это как раз лишнее, не со­ответствующее историческому моменту. Какой танец, когда не налажено производство необходимого — вот в чем должна состоять задача художника. Естественно, группа Родченко побеждает в этом споре. Но эта победа — нена­долго: совсем скоро необходимое будет производиться совсем не в конструкти­вистском духе. О том, кто победит конструктивистов, пойдет речь в следую­щей лекции.

Что еще почитать про русский авангард:

Бобринская Е. Русский авангард: границы искусства. М., 2006.
Тильберг М. Цветная вселенная: Михаил Матюшин об искусстве и зрении. М., 2008.
Авангард и остальное: сборник статей к 75-летию Александра Ефимовича Парниса. М., 2013.
Русский футуризм. Теория. Практика. Критика. Воспоминания. М., 1999.
Энциклопедия русского авангарда. В 4 т. М., 2013–2014.  

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

Энциклопедия стилей. Авангард: стилевое новаторство

Историческая справка

Изначально слово «авангард» — это военный термин, употреблявшийся для обозначения войсковой части, двигающейся впереди по движению войска, буквально переводится как «передовой отряд» («avant-garde&187 . Во времена французской революции термин приобрел политический смысл, а в искусство пришел в 1825 году, когда социолог и философ Анри Сен-Симон назвал художников «авангардом искусства, несущим передовые идеи в массы». В конце XIX века термин закрепился за направлением, которое поддерживало анархические идеи того времени, опровергая все каноны прошлого. Зародился он на волне революций и войн, которые всегда заставляют пересматривать существующие ценности. Таков авангард и сегодня: несмотря на богатство стилей и возможностей их реализации, массу примеров неординарных экспериментов, такой дизайн переворачивает стереотипы, предлагая людям совершенно новый подход к формированию и организации пространства.

Картины в стиле авангард стали визитной карточкой этого времени, художники называли себя главными пропагандистами передовых идей, в своем искусстве воплощая движение вперед, следуя новым правилам и разрушая обыденные устои.

Они называли себя авангардом, передовым отрядом воплощения новых, революционных идей.

Характерные особенности стиля

Сегодня такой стиль ассоциируется с экспериментом, который можно увидеть во всем: в подходе к художественному оформлению, к интерпретации классических эстетических норм, к выбору средств выражения. Здесь всегда присутствует символизм, ведь авангард имеет под собой основательную философскую подоплеку. Конечно, современные дизайнеры уже ушли от философских и социальных идей рубежа XIX-XX столетий, оставив за собой право выбора просто понравившихся средств для реализации выбранной композиции.

Говоря о композиции, в данном случае можно забыть о правилах, канонах и понятиях хорошего вкуса. Оформление всегда будет спорить со всеми навязанными стереотипами. Анархия как неподчинение устоявшимся традициям – таков будет и интерьер. Конечно, в данном случае основными средствами выражения для бунта являются цвет и форма, которые должны быть контрастными по отношению друг к другу. Соответственно, говорить о правилах в рамках стиля тоже довольно сложно, ведь чаще всего выбираются несочетаемые между собой решения, которые в данном случае позволяют создать своеобразную, но гармоничную композицию.

Считается, что авангард тесно связан со всеми новаторскими течениями в искусстве рубежа столетий, а в начале XX века их было немало: модерн, кубизм, экспрессионизм, органика, сюрреализм, футуризм, космизм, конструктивизм и др. Все они претерпели изменения, и сегодня в чистом виде редко встречаются даже в искусстве (речь не идет о примерах того времени), зато могут найти отражение в интерьере в стиле авангард.

Общими принципами авангардный стиль можно описать так:

  1. Необычные цветовые сочетания. В авангарде практически не используются пастельные тона, цвета, а наоборот, подбираются яркие, контрастные.

2. Нестандартная планировка, использование приемов зонирования в помещениях.

3. Использование в отделке и декоре новейших материалов.

4. Оригинальная мебель. Необычные формы, цвет, материал изготовления.

5. Технологические новинки. Стильная, современная аудио — видео и бытовая техника.

6. Особое внимание к акцентам. Каждая авангардная комната должна иметь свой смысловой акцент, центральный элемент интерьера. Например, в спальне это может быть кровать, в гостиной – диван, а на кухне – стол.

7. Акцент на геометрических формах в интерьере. Мелкие детали и аксессуары, мягкие линии не подойдут для оформления квартиры в стиле авангард.

Цветовая палитра

Основой выбора цветовой гаммы для оформления помещения остается контраст. Он может использоваться как в деталях, так и в выборе оттенков для двух стен, расположенных рядом. Правил подбора оттенков нет. Есть только понимание того, что такой интерьер должен быть ярким. Используются чистые цвета – красный, синий, зеленый, желтый, черный в сочетании с белым или любым другим. Полутонов и пастельных решений здесь не может быть. Конечно, будет всегда третий акцентный на фоне двух контрастирующих компаньонов, но этот третий будет гармоничен с каждым из дуэта или же контрастным по отношению двум гармоничным, но чистым и ярким цветам.

Органичными в стиле авангард будут комбинации:

  • синего и зеленого, разбавленные черными или темно-коричневыми штрихами;
  • черного и белого, хотя в таком дуэте интерьер становится похож на арт-деко;
  • желтого и белого;
  • красного и металлического серого;
  • яркого синего и светлого серого;
  • красного и зеленого;
  • оранжевого, серого, фиолетового и кораллового (в полосатых решениях можно использовать несколько менее насыщенных, чем обычно оттенков).

Формы и линии

Нельзя назвать однозначно, какими должны быть формы мебели и помещений. Можно только уточнить, что здесь нет места правилам, и скорее подойдут контрастные решения – противопоставление строгой и симметричной геометрии нестандартным формам. Здесь нет мелкого декора – вот значимая деталь авангардного интерьера. Поэтому выбирать следует сложные, но не детализированные формы – без ажура и вычурности.

Организация пространства

Линии авангардного интерьера напоминают типичный модерн начала XX столетия – здесь все обтекаемо, присутствует некая космичность и текучесть форм. Хотя, как уже говорилось, всегда остается место для контраста и строгой геометрии с ее симметричными и четкими правилами. Но перетекающие из одного в другое помещения – вот одна из узнаваемых черт как модернизма, так и авангарда. Поэтому следует отказаться от обычных дверей, проемов и перегородок. Нужны невообразимые переходы конструкций, возможно, даже многоуровневые – не этаж или два, а множество переходов в рамках даже одного этажа. Это подиумы, ступени, плавные повороты стен или стеллажей, за которыми открывается пространство на новой «орбите». В качестве перекрытия между уровнями можно использовать крепкие гамаки с подушками. Веревочные ограждения вдоль узких проходов над «пропастью» — чем не авангардное решение для коридора? Но нельзя забывать и о безопасных запасных вариантах передвижения по дому.

Использование полупрозрачных перегородок, преломляющих свет и существенное меняющих ощущение действительности и реальности происходящего – еще одна интересная деталь, которая преобразит даже самую обычную обстановку.

Авангард – это довольно большой объем пространства, необходимый для реализации контраста. В маленьком помещении он будет смотреться неуютно и негармонично. Именно поэтому выбирают большие комнаты и объединяют все возможные помещения.

В собственном доме или многоуровневой квартире с несколькими санузлами даже ванные можно объединить со спальнями – достаточно сделать дополнительный поворот в комнате, чтобы купель просто стояла якобы за углом, только угол этот будет плавным переходом в новую реальность. Здесь будут уместны огромные окна, особенно если напротив некому заглядывать, а владелец такой ванной сможет оставаться наедине со звездами и небом в любое время.

Материалы, используемые при создании стиля

Стиль авангард в интерьере очень демократичен при подходе к выбору материалов для его воплощения. Для этого характерны необычные сочетания современных материалов.

Можно использовать все передовые достижения в сфере строительных материалов: декоративные штукатурки, современные лакокрасочные покрытия, текстиль, пластик, синтетические материалы для отделки — они практичны, безопасны и приемлемы по цене.

Оригинально будут смотреться стены, покрытые тканью или газетами. Уместны нестандартные варианты размещения вполне обычных полос обоев: полоса, например, располагается не вертикально, а горизонтально или вообще по диагонали, но тогда формы проемов или перегородок, как и другие детали, должны эту композицию поддержать. Например, цвет штор может быть аналогичным обоям, но полоса на них может располагаться как угодно. Кстати, выбор в пользу нестандартных направлений может быть применим и здесь.

Оформление стен

Для отделки стен в авангардном стиле лучше использовать современные и технологичные материалы, такие как: жидкие или металлизированные обои, ламинированные покрытия, рельефные 3d панели, кожаные панели, и другие новшества, которых сейчас с избытком на строительном рынке.

В оформлении стен важен контраст. Например, каждую стену можно выкрасить в разный цвет, выделить окна и дверные проемы. Кстати, окна и дверные проемы могут быть округлыми, в виде арок, или иметь другую, необычную форму. Дополнит авангардный интерьер и присутствие ниш, выделенных цветом или светом.

Потолок

Потолок в авангарде может быть натяжным, подвесным, крашенным или побеленным, но поскольку этот стиль приветствует нетипичные формы, стоит разнообразить его дополнительными ярусами и нишами.

Освещение

Освещение играет важную роль, поэтому в авангарде всегда достаточно света, будь то дневное освещение через большие окна и витражи, или же вечернее с помощью осветительных приборов.

Люстры, подвесные и настенные светильники, торшеры, выполненные в ярких цветах и креативных формах, могут быть как акцентом в интерьере, так и элементом, который, не бросаясь в глаза, акцентирует внимание на определенной зоне.

Не стоит выбирать пестрые абажуры, предпочтите однотонные, но насыщенные цвета. Материал плафонов могут быть разными: здесь уместны не только стекло и пластик, но и металл. Важно одно – таких акцентов должно быть много. Но выбирая светильники, все-таки следует помнить про единство стиля. Да, в авангарде тоже есть детали, которые должны быть едины в своем характере.

Пол

Для пола можно применить различные материалы, в оформлении чаще используют светлые оттенки и контрастные ковровые покрытия. Приветствуется установка подиумов, которые можно использовать для визуального зонирования помещения.

Мебель

Авангардная мебель привлекает внимание, часто служит центральным элементом комнаты.

Идеальным вариантом будет мебель, сделанная на заказ по вашему проекту, что-то уникальное, стильное, качественное, необычной формы, отлично подходящее под общую концепцию дизайна…

Но, разумеется, можно обойтись и современными серийными или дизайнерскими моделями с качественной цветастой обивкой. Столы и стулья в стиле хай-тек, изготовленные из стекла или пластика, отлично впишутся и дополнят интерьер в стиле авангард. Желательно чтобы мебель была функциональной и негромоздкой, ведь авангард любит свободное пространство и просторность.

Абсолютно неприемлемыми для дома или квартиры в стиле авангард является традиционная мягкая мебель, классические гарнитуры.

Главным условием для обстановки является необычность форм или материалов, несвойственные характеристики для каждого предмета.

Корпусная мебель для создания стиля обычно встраивается в стены, или принимает асимметричную яркую форму.

Декор

Мелкие декоративные детали: статуэтки, свечи и прочие малозначительные детали не для авангарда. Дополнительным декором в этом стиле могут служить большие вазы строгих геометрических форм, выполненные из стекла, металла, пластика, а также другая яркая посуда. Часто в помещении размещают экзотические растения и цветы в красивых кадках. Модные картины в стиле абстракционизма, кубизма и подобных. В любом случае каждый аксессуар должен выглядеть как современное произведение искусства.

В декорировании окон нет места неуместным гардинам, состоящих из нескольких уровней, изысканным драпировкам и ламбрекенам. Оконный проем должен быть оформлен просто, без «ажура» и изысков. Либо текстиль вообще не используется на окнах, или используются шторы, не привлекающие внимания — легкие, однотонные.

Картины в стиле авангард, крупные геометрические вазы, дизайнерские сооружения из металла или стекла, необычной формы стулья, воплотят дух революционности во взгляде на интерьер, как того и требует стиль.

Классическое искусство или авангард? Два подхода к художественному образованию

Хочу опубликовать свою статью, написанную по моей курсовой работе. Думаю, она будет интересна всем любителям живописи, а так же родителям.

Искусство играет значительную роль в формировании личности ребенка. Проблема приобщения молодого поколения к изобразительному искусству особенно остра в наши дни. Без преподавателя, который может заинтересовать детей и помочь им сориентироваться в пространстве культуры, они, возможно, так и не познакомятся с удивительным миром живописи, графики и скульптуры. В то же время классическое искусство, апробированное временем и наиболее полезное для формирования ребенка, вызывает все меньший интерес. Одна из причин этого — широкое распространение поп-культуры, более простой для восприятия, не требующей особых усилий со стороны зрителя. Массовая культура или поп-культура основана, во-многом, на развлечении и на освещении актуальных событий и явлений. Творческий потенциал произведений массвой культуры как правило не велик, они не затрагивают глубоко воображение и чувства людей. С другой стороны, художественные образы массового искусства нередко не пригодны для детского возраста, когда ребенок еще не умеет анализировать должным образом полученную информацию и может увлечься яркой формой, не замечая, например, аморальности поведения изображенных персонажей. Поэтому для развития ребенка все же благотворнее проверенные временем произведения искусства. Ведь классическое искусство формировалось по принципам отображения лучших черт окружающего нас мира. В противопоставлении массовому, оно отражает идеи гуманизма, привлекает внимание к человеку как к самому ценному, воспевает героизм, вызывая чувства любви к родине и ближнему, а также формирует неприятие насилия. Безусловно, общество меняется, его волнуют разные проблемы, а искусство отражает их словно зеркало. И невозможно отгородить ребенка от злободневных образов и событий, что было бы не правильно, но важно научить его ориентироваться во всем многообразии жизненных явлений, помочь найти свое в этом мире, в том числе и в мире искусства. Поэтому важно показать ребенку разнообразие и красоту произведений искусства, иначе поп-культура с ее вездесущностью будет лидировать. Таким образом, перед преподавателем искусства стоят непростые вопросы: как познакомить ребенка с классическим искусством прошлых веков, а также с произведениями модернизма и постмодернизма? Какое искусство больше подходит для цели художественного воспитания?

На примере искусства Древней Греции можно понять разницу между образами классического искусства и массовой культурой. Так, среди подрастающего поколения популярны комиксы и манга (японские комиксы). Яркие картинки, динамичный сюжет и скорость прочтения привлекают своей доступностью. Западные комиксы стали популярны после Второй мировой войны при зарождении массовой культуры. Образы комиксов достаточно упрощены, фразы понятны, зачастую используется сленг. Прототипами комиксов можно считать политические карикатуры в европейских газетах начала двадцатого века. Сюжеты комиксов нередко агрессивны, а образы героев навеяны древнегреческой мифологией. Однако, в культуре Древней Греции образы человека гармоничны и естественны. «Красота заключается в пропорциях частей тела, т. е. пропорции пальца к пальцу, пальца к сгибу, его — к ладони, ее — к локтю, локтя к плечу, и всех этих частей друг к другу, как написано это в «Каноне» Поликлета», — сообщает Гален [1]. Про героев комиксов и японской манги, особенно манги, можно сказать, что фигуры и черты лиц гипертрофированны и неестественны. Чем это опасно для неокрепшей психики ребенка? А тем, что у ребенка могут возникнуть комплексы из-за своей внешности, не вписывающейся в новые каноны красоты. Герои перекачены, а красавицы выглядят неестественно худыми. Акцент с красоты внутренней, духовной, смещен на внешнюю составляющую. Конечно, это негативно сказывается на формировании ребенка, так как перед глазами стоят «идеальные» образы с нечеловеческими пропорциями, которых невозможно достичь, не причинив ущерба себе. Классическое же искусство в произведениях скульптуры и живописи воспевает естественность, здоровье и гармонию. На это лучше всего и ориентировать ребенка.

Думается, что для гармоничного восприятия искусства полезно акцентировать внимание на преемственности между хорошим современным искусством и классикой, а не противопоставлять их. «С традицией восстанавливают связи, чтобы творить новое. Традиция обеспечивает, таким образом, непрерывность творчества» — как говорил композитор Игорь Федорович Стравинский [2, c. 37]. Например, картина «Герника» Пабло Пикассо отражает трагедию 1937 года, когда в ходе гражданской войны в Испании был уничтожен целый город.

картина «Герника» Пабло Пикассо

Если сравнить «Гернику» с произведением Франсиско Гойи «Третье мая 1808 года в Мадриде» (1814 г.), то можно заметить преемственность между художниками. Картина Гойи отличается формой и выразительными средствами от полотна Пикассо, но события схожи. Художники через разные образы показывают ужасы войны и человеческие трагедии, но с одной целью — выразить протест против войны, рассказать о нейвсему миру, чтобы предотвратить ее повторение. Заметно, что некоторые образы перекликаются. Это человек с поднятыми руками; фонарь, освещающий темноту; испуганные лица людей. Таким образом, не смотря на внешние различия, картины имеют много общего.

Франсиско Гойя «Третье мая 1808 года в Мадриде» (1814 г.)

Еще один интересный пример преемственности — это произведение испанского сюрреалиста Хуана Миро «Голландский интерьер 1» (1928 г.), написанное по мотивам картины Хендрика-Мартенса Сорха «Лютинист» (1661 г.). Несмотря на следование Миро композиции голландского живописца XVII века, эти произведения очень различаются по колориту, формам и настроению. Так, картина Миро отражает настроение его эпохи, она динамична и контрастна, чувствуется напряженность, а голландская картина излучает гармонию и покой. Как писал Миро, он искал первоначальную форму и обращался даже к наскальной живописи. Таким образом, можно проследить взаимосвязь между авангардом, искусством XVII века и даже каменным веком.

Искусство символично отражает основные черты действительности, постоянно меняясь, используя новые выразительные средства. Искусство модернизма отказалось от традиционных представлений об эстетике, бросив вызов искусству прошлого. Ощущение незавершенности, постоянной изменчивости оставляет после себя произведение постмодернизма, являясь открытой семиотической системой. Восприятие такого современного искусства требует хорошей подготовки, так как для его понимания нужно иметь развитое образное мышление. Как же подготовить ребенка к восприятию такого искусства? Ведь оно настолько символично и условно, что интерпретация педагога, экскурсовода может подчас только нарушить понимание. Например, знаменитый «Черный супрематический квадрат» Малевича, основателя супрематизма, непрост для понимания школьника. Подобные произведения несут ценность как новая мысль в изобразительном искусстве; они двигают его вперед, находя новые формы. Тут важен контекст, внешние и внутренние факторы, на пересечении которых рождаются подобные произведения, вызывающие резонанс в сознании общественности, и значение которых важно в перспективе развития искусства. Поэтому осмыслить подобное произведение непросто без подготовки и знания контекста. Обычно дети и малоподготовленные люди говорят про это произведение, что они тоже способны так нарисовать, как бы обесценивая его. Однако, тут важна сама идея. Малевич встал на позицию полного разрыва с предметностью, подкреплённую декларированием чёрного квадрата как «первого шага чистого творчества в целом» [4, c. 5]. Задачей художника было завершить «вчерашний день искусства» и подчеркнуть принципиальную новизну своего открытия.

В связи с индивидуализацией и большей самобытностью, а также отсутствием канонов произведения такого искусства все больше зависят от личностных особенностей как их создателей, так и зрителей. Для полноценного восприятия такого искусства важно развивать в ребенке такие качества как рефлексия, ассоциативность, эмпатия. С одной стороны, восприятие такого искусства носит очень субъективный характер, ведь абстрактное изображение рождает у людей разные ассоциации. Однако, тем и увлекательнее процесс восприятия, поскольку человек обращается к собственному жизненному опыту, особенностям своего видения и в результате лучше понимает себя. Детям это дается проще, так как они не так скованы условностями. Получается, что с одной стороны детям понятнее классическое искусство, реалистичное изображение, но при правильном подходе педагога знакомство с подлинным современным искусством тоже может пройти достаточно полезно и многогранно. Педагог становится связующим звеном между ребенком и произведениями искусства. Он способен заинтересовать, направить своих учеников к их восприятию. Талант преподавателя в том, чтобы рассказать о произведении так, чтобы не навязывать свое личное отношение и свою интерпретацию, не перегружать избыточной информацией, а научить самостоятельно воспринимать искусство, пробудить у детей интерес.

«В общей школе искусство как мастерство должно стать не целью обучения, а средством очеловечивания человека.» — писал Б.М. Неменский [3, с. 5]. Изучение искусства необходимо не только будущим профессионалам творческих профессий, но и каждому человеку. Подход к уроку искусства должен иметь творческий характер. Искусство помогает обратить внимание детей на духовные ценности, сформировать их эстетический вкус, более тонкое восприятие мира. Учреждения культуры и образования должны направить внимание подрастающего поколения на изобразительное искусство, как на особый вид творческой деятельности человека, имеющий большое культурное значение. Общение с искусством пробуждает творческое начало в человеке, вдохновляя его на создание нового и на выражение себя. Ребенок знакомится с культурой разных эпох и прослеживает развитие человеческого общества, усваивая разные образы и формы художественного выражения, обусловленные различными факторами. Ребенок начинает видеть красоту окружающих предметов, чувствует форму и находит интересные сочетания цвета. Таким образом, изобразительное искусство, в большей степени классическое, но также и подлинное современное, играет значительную роль в развитии духовности человека, приобщении к культурному наследию и ценностям. Отображая действительность, искусство воздействует на внутренний мир ребенка, формируя образы, эмоции, мысли. И очень важно направить этот процесс и привить любовь к искусству.

Научный руководитель — кандидат культурологии, доцент.

Н. И. Макарова

Авангард в архитектуре: история, описание стиля, фото

Сжигание мостов и отказ от прошлого, новый взгляд на новое время, эпатажный дерзкий зверь с кричащим голосом — все это авангард в архитектуре.

После революции 1917 года художественная жизнь страны стремительно менялась: молодые художники-новаторы поставили своей целью создать новое искусство, отвечающее требованиям современности. Они конструировали новую жизнь, пытались изменить окружающую их среду. Прежде всего это выразилось в самом ярком явление — архитектуре.

Производственное искусство

Многие художники и архитекторы в конце 20-х годов ХХ века изучали опыт Малевича и Татлина как пример для подражания. Молодые творцы экспериментировали в создании абстрактных геометрических форм, особенно это заметно в архитектуре авангарда. Многие художники-новаторы полностью отказались от станкового производства всевозможных произведений: станковой картины, графики и, конечно же, строений. В двадцатом столетии создается так называемое производственное искусство, которое и называется авангардом в архитектуре. Направление существует и по сей день.

Новое течение

Производственное искусство — художественное движение в культуре СССР 20-х годов. Участники движения поставили задачу: повлиять с помощью авангарда в архитектуре на промышленное производство. Они считали, что создание мебели, одежды и зданий нового типа поможет сформировать нового человека и новое общество.

До сих пор искусство русского авангарда очень популярно и известно во всем мире, а Малевич и Кандинский — это своеобразные иконы искусств. Именно они придумали абсолютно новый художественный язык, которого не было до этого в мире. Именно благодаря им появилась возможность вдохнуть в культуру новую жизнь.

Авангард в архитектуре

За период победного шествия нового течения по всей России было построено около 500 объектов, из них около сотни в Петрограде (в то время еще в Ленинграде). Этот город был выбран неслучайно, так как именно он является образчиком классических традиций в архитектуре.

Состояние многих зданий на сегодняшний день угнетающее, практически все требуют ремонта, так как их постигла незавидная участь: знаменитый Дом культуры имени Кирова, который был построен по всем законам архитектуры ленинградского авангарда, - памятник, который в современном мире представляет собой обычный бизнес-дом, который сдается в аренду. Площади сдаются всем желающим, список предприятий-арендаторов весьма разнообразен: здесь можно найти и бильярдный клуб, и кафетерии, и магазины, и даже шиномонтажные мастерские.

Коммерческие заведения располагаются внутри Федерального памятника архитектуры - это даже звучит парадоксально.

Появление термина «авангард»

Это сегодня, оглядываясь на прошлое XX века, наши современники могут деловито заявить, что искусство так или иначе шло к данному направлению, что появление русского авангарда в архитектуре было неизбежно. Однако следует понимать, что приход такого направления в мир искусства для мировой общественности было похоже на падение рояля на голову - звонкого и очень тяжелого рояля...

В 1885 год французский критик Теодор Дюре впервые использует слово "авангард" в художественной критике. Термин изначально пришел из военного дела. "Авангард" в переводе с французского означает "передовой отряд". Это именно те военные силы, которые выдвигаются в сторону противника, чтобы разведать обстановку и предупредить нападение.

Первоначально слово не прижилось в искусстве: так сложилось, что авангардисты себя так никогда не называли и были даже против данного слова. Термин стали употреблять позже, в 50-х годах ХХ века, с легкой руки французского критика Мишеля русское искусство начала XX века стали называть авангардом. Название быстро прижилось, несмотря на то что творцы нового направления были против.

Стиль авангард в архитектуре

Сегодня это понятие объединило совершенно разные направления, не только связанные со строением зданий, но и с живописью, и с литературой, и с кинематографией. Они настолько разные, что одни противоречат другим. Авангардом иногда называют почти все, что было создано в начале XX века, направление часто путают с модерном, однако это в корне неверно.

Все, что объединяет архитектуру эпохи авангарда, в той или иной степени постулирует отказ от традиционности и догматизма. Дерзкий стиль бросает вызов классическим канонам, отвергает традиционные социальные культурные ценности так, словно до определенного художника ничего не было.

Позднее течение

Конструктивизм — это крайняя стадия авангарда конца 20-х годов ХХ века, когда возникло это реалистическое искусство. Начиная с 1932 года были упразднены и ликвидированы практически все художественные группировки, все, кроме социалистического реализма. Авангард в архитектуре 20 века, точнее, его позднее проявление, просуществовал меньше 12 лет.

На самом деле конструктивизм в архитектуре появился намного раньше: яркие образчики - Эйфелева башня в Париже и Хрустальный дворец в Лондонском Гайд-парке. Первый проект русского конструктивистского здания принадлежит Владимиру Татлину, одному из лидеров русского авангарда.

В 1920 году он собирался построить в Петрограде памятник Третьему интернационалу - здание в виде башни, которое на треть превзошло бы создание Эйфеля.

Особенность стиля

Главным принципом конструктивизма стала первостепенная роль функциональности здания, именно она определяла его внешний вид. Последователями конструктивизма была развернута активная деятельность в разных сферах художественного творчества: фотографии, изобразительном и декоративно-прикладном искусстве.

Главной чертой стиля стало противопоставление роскошному быту буржуазии простотой и практичностью. Особенно это заметно в архитектуре юга России эпохи авангарда. Если говорить про другие отрасли, то новейшие предметные формы и беспредметная композиция до сих пор сохранилась в собрании екатеринбургского музея.

Конструктивизм — одно из авангардных направлений в Отечественной и мировой архитектуре. Он оставил заметный след в облике европейских городов 20-30 годов прошлого века. Архитектура юга России эпохи авангарда создавало новое общество, формировало новые интересы и ценности, например, ДК — Дома культуры. Место, где советские граждане проводили целые дни за досугом.

Запрет авангарда

Дело в том, что в 1932 году вышло постановление правительства о создании творческих Союзов художников, писателей, композиторов и архитекторов на эстетической основе социалистического реализма, то есть с 1932 года фактически перестали существовать любые авангардные формы. В советском искусстве в момент запрета новаторства во многих музеях страны оказалось большое количество произведений, выполненных в оригинальном стиле. Произошло это по одной причине: в период с 1918 по 1922 год советская власть, поддерживая новое искусство, официально скупала работы художников-новаторов и распределяла их по музеям страны.

В 40-50-е годы ХХ века, после изменения культурной политики, из Москвы стали поступать приказы о списании произведений, созданных авангардистами. Дальнейшая судьба коллекций зависела от лояльности работников музеев, некоторые прятали работы, чтобы сохранить их для будущих поколений. Так, например, сделал Екатеринбургский музей изобразительных искусств. Но кто-то строго следовал приказу и уничтожал работы. Сохранившиеся картины долгие годы были под запретом и не выставлялись, о них не знали даже художники и искусствоведы вплоть до перестройки, когда авангард вышел из подполья и занял достойное место в истории мирового искусства XX века.

Модернизм

Под авангардом следует понимать полный отказ художника от традиционной эстетики, разрушение привычных форм и создание новых. Авангард абстрактен, имеет мало общего с естественностью и натурой.

Беспечность — это новое искусство, где важна не форма, а содержание. Модернизм, с которым часто путают авангард, преобразует, совершенствует и дополняет, то есть модернизирует уже сложившееся понятие. Он не стремится рвать связь с канонами, а лишь дает новое переосмысление. Модернизм предшествовал авангарду, являл собой эстетический бунт внутри искусства, в то время как авангард был течением, которое шло против самой художественной традиции.

Модернизм переосмысливает, а авангард стремится создать шедевр с нуля.

Где зародился авангард - неизвестно, но корни этого прогрессивного течения раскинулись по всему миру. Кстати, многие искусствоведы выделяют именно русское искусство начала XX века как отправную точку возникновения данного течения.

Авангардизм / Статьи / Живопись мира

Авангард в переводе с французского языка обозначает «передовой отряд». Так несколько условно называются все арт-течения, направления, школы, да и творчество отдельных художников, для которых характерны новейшие, экспериментальные взгляды на искусство. Художники-авангардисты отрицают традиции и стремятся к экспериментальному поиску новых форм, направлений и путей творчества. Авангард нельзя назвать художественным стилем, в нем нет единых стилистических признаков. Но всех представителей этого направления, возникшего в начале ХХ века, объединяло программное, часто выраженное в полемически-наступательной форме противопоставление своего творчества, как традициям существовавшего ранее искусства, так и современным им социально-культурным стереотипам. Существует мнение, выраженное многими критиками, что появление такого художественного мышления – признак вытеснения культуры – цивилизацией, гуманистических ценностей прагматичной идеологией технического века. Эту идею в своей книге «Закат Европы» наиболее полно выразил Шпенглер.

Действительно, сложно отрицать стремление к эпатажу и к разрушению образности в живописи многих представителей авангарда. Например, художник – дадаист («дада» - направление в искусстве начала ХХ века) Марсель Дюшан создал картину «Фонтан» на которой был изображен писсуар с его росписью или картина художника Пикабии «Святая дева» на которой можно было рассмотреть лишь кляксу. Но этими эпатирующими и «бессмысленными» работами художники хотели обратить внимание на дикость и бессмысленность только что закончившейся первой мировой войны. Они считали, что с человечеством что-то не так и всем стоит взглянуть на мир без розовых очков и своих, сложившихся веками стереотипов. Ну а добивались этой цели представители авангарда каждый своими средствами.

Например, «футуризм» - течение, возникшее в Италии в самом начале ХХ века. Несколько позднее художественное мышление художников-футуристов нашло много приверженцев в России. Датой появления этого стиля можно считать 1909 год, когда был опубликован манифест итальянского поэта Маринетти. Он провозгласил необходимость нового искусства, созданного молодыми, а затем, по его словам, и их творчество выкинут в корзину для мусора вновь пришедшие творцы. Поэты-футуристы отказывались от традиционной грамматики, стремились создавать новые слова. Художники-футуристы на своих картинах старались запечатлеть момент движения, изображая для этого множество ног у коня в разном их положении или множество колес у автомобиля, то есть использовали принцип симультанности. Любимой темой их творчества были в основном достижения современной им цивилизации: машины, паровозы, аэропланы. Маринетти говорил: «Жар, исходящий от куска дерева или железа, нас волнует больше, чем улыбка и слёзы». И, тем не менее, принцип симультанности ( для передачи движения на одно изображение накладывали последовательно все фазы движения) нашел свое применение в анимационном искусстве. А стремление к словотворчеству, во всяком случае, в русском языке, дал нашей культуре незаурядных поэтов: Велимира Хлебникова, Давида Бурдюка, Владимира Маяковского (на раннем этапе его творчества).

К авангардным направлениям в изобразительном искусстве относятся также кубизм, абстракционизм, супрематизм, конструктивизм, сюрреализм, фовизм.

Представители каждого из этих арт - стилей искали источники идей или в архаическом искусстве народов Африки, Азии, древних цивилизаций, в новейших достижениях науки или в туманной области своего подсознания. Можно не признавать их искусство, критиковать его, но невозможно не признать, что авангардизм дал миру таких великолепных художников, как В.Кандинский, П.Пикассо, К.Малевич, М.Шагал, П.Мондриан, С.Дали и многих других, чье творчество помогает нам взглянуть на мир новым взглядом. И, возможно, согласиться со словами Сент-Экзюпери «В действительности все совершенно иначе, чем на самом деле».


Джино "Северини Карусель"

Марсель Дюшан

Умберто Боччони "Прощания"

21.09.2011

Просмотреть все материалы

Авангард - Art Term | Тейт

Авангард - изначально французский термин, означающий в английском авангард или авангард (часть армии, которая идет впереди остальных). Впервые он появился в связи с искусством во Франции в первой половине девятнадцатого века и обычно приписывается влиятельному мыслителю Анри де Сен-Симону, одному из предшественников социализма.Он верил в социальную силу искусства и видел в художниках, наряду с учеными и промышленниками, лидеров нового общества. В 1825 году он писал:

Мы, художники, будем служить вам авангардом, сила искусства наиболее очевидна: когда мы хотим распространить новые идеи, мы наносим их на мрамор или холст. Какая великолепная судьба для искусств - это проявление позитивной власти над обществом, истинная священническая функция и марш в фургоне [т.е. авангард] всех интеллектуальных способностей!

Начало авангарда

Авангардное искусство, можно сказать, началось в 1850-х годах с реализма Гюстава Курбе, на которого сильно повлияли ранние социалистические идеи.За этим последовали последовательные движения современного искусства, и термин авангард более или менее синонимичен современному.

Некоторые авангардные движения, такие как, например, кубизм, были сосредоточены в основном на инновациях формы, другие, такие как футуризм, де Стидж или сюрреализм, имели сильные социальные программы.

Развитие авангарда

Хотя термин авангард изначально применялся к новаторским подходам к созданию искусства в девятнадцатом и начале двадцатого веков, он применим ко всему искусству, которое раздвигает границы идей и творчества, и до сих пор используется для описания искусства, которое является радикальным или отражает оригинальность видения.

Понятие авангарда воплощает идею о том, что об искусстве следует судить прежде всего по качеству и оригинальности видения и идей художника.

Movers and shakers

Из-за своего радикального характера и того факта, что он бросает вызов существующим идеям, процессам и формам; Художники-авангардисты и произведения искусства часто идут рука об руку с противоречиями. Прочтите подписи к работам ниже, чтобы узнать о том, какие ударные волны они вызвали.

Эдгар Дега
Маленькая танцовщица, четырнадцать лет 1880–1, отливка около 1922 г.
Tate

Невинная, хотя она может казаться нам сегодня, «Маленькая танцовщица» Дега «, четырнадцать лет, » вызвала возмущение, когда она впервые была выставлена ​​на выставке импрессионистов 1881 года в Париже.Эта фигура по-разному описывалась как «отталкивающая» и «представляющая опасность для общества». Критики и публика были расстроены реализмом работы, но также и тем, что Дега представлял провокационный современный предмет ... танцоры считались частью более изощренной стороны развлечений и не более чем проститутками.

Жорж Брак
Бутылка и рыбы c.1910–12
Tate
© ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2020

Примерно в 1907 году Пабло Пикассо и Жорж Брак разработали революционно новый стиль живописи, который превращал повседневные предметы, пейзажи и людей в геометрические формы. Кубизм проложил путь для многих стилей абстрактного искусства двадцатого века, но название движения происходит от уничижительной реакции критика, который описал одну из пейзажных картин Брака как «кубистские причуды».

Рауль Хаусманн
Художественный критик 1919–20
Tate
© ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2020

Дада, возможно, последнее авангардное движение, родилось из отвращения к социальным, политическим и культурным ценностям того времени, особенно к ужасам и безумию Первой мировой войны. Сатирические и бессмысленные выходки дадаистов вызвали возмущение, и одна из их выставок была закрыта полицией.Но, как это ни парадоксально, хотя они утверждали, что они являются антиискусством, эффект от движения должен был открыть дверь для многих будущих достижений в искусстве.

Марсель Дюшан
Фонтан 1917 г., реплика 1964 г.
Tate
© Наследие Марселя Дюшана / ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2020

Марсель Дюшан представил свою скульптуру Фонтан (перевернутый писсуар) для выставки, организованной Обществом Независимых под вымышленным именем.Хотя общество должно было показать все, что было представлено участниками, работа возмутила правление и была отклонена. Дюшан считается одной из самых важных фигур в современном искусстве, вдохновляя многих более поздних художников и художественных течений, особенно концептуального искусства.

Ман Рэй
Несокрушимый объект 1923 г., переработка 1933 г., тиражная копия 1965 г.
Tate
© Man Ray Trust / ADAGP, Париж и DACS, Лондон, 2020

Сюрреализм, частично вдохновленный идеями психоаналитика Зигмунда Фрейда, был движением писателей и художников, которые экспериментировали со способами высвобождения бессознательного.Многие искусствоведы считали сюрреализм абсурдным или бессмысленным, но это движение оказало огромное влияние не только на искусство, но и на литературу, кино, музыку и философию.

Джексон Поллок
Желтые острова 1952 г.
Tate
© ARS, NY and DACS, London 2020

Картины Джексона Поллока могут показаться нам сейчас очень знакомыми, но его подход к рисованию (он положил свои холсты на пол и буквально брызгал краской на поверхности ), и полученные в результате картины вызвали сенсацию, которая вышла за рамки самих работ, закрепив за ним репутацию одного из самых признанных художников-авангардистов двадцатого века.

Энди Уорхол
Black Bean 1968 г.
Tate
© 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. / Лицензия DACS, Лондон

Поп-художники потрясли веками традиционные ценности изобразительного искусства, когда они отвергли все, чему их учили в художественной школе, и вместо этого приняли популярную культуру, которую они увидел вокруг себя - такую ​​как упаковку товаров и рекламу.Хотя сейчас это признанное и уважаемое направление искусства (которое имеет высокие цены на рынке искусства), поп-арт когда-то считался серьезной угрозой миру искусства.

Карл Андре
Эквивалент VIII 1966 г.
Tate
© Карл Андре / VAGA, Нью-Йорк и DACS, Лондон, 2020

Когда в 1972 году в галерее Tate была выставлена ​​модель Equivalent VIII Карла Андре, состоящая из двадцати семи огнеупорных кирпичей, организованных в виде прямоугольников, возмущенная общественность и критики назвали ее В национальных СМИ появились изображения кирпичей и карикатуры, высмеивающие скульптуру.Андре и другие художники-минималисты часто использовали безличные материалы (например, кирпичи или люминесцентные лампы), чтобы поставить под сомнение представление о том, что произведение искусства является уникальным творением одаренного человека, и предотвратить его превращение в товар.

Рудольф Шварцкоглер
3rd Action 1965 г., напечатано в начале 1970-х гг.
Tate
© Поместье Рудольфа Шварцкоглера, любезно предоставлено Gallery Krinzinger

Венские художники, связанные с акционизмом, подняли перформанс на новый уровень авангарда.Их «действия» были направлены на то, чтобы подчеркнуть повсеместное насилие человечества и были намеренно шокирующими, включая самоистязание и квазирелигиозные церемонии с использованием крови и внутренностей животных. В июне 1968 года на одном из выступлений они столкнулись с законом, и обвинения были выдвинуты против Гюнтера Бруса, Отто Мюля и Освальда Винера.

Джозеф Бойс
Информация Действие 1972
Авангардное искусство часто имеет социальное или политическое измерение.Йозеф Бойс, принадлежавший к сети художников-авангардистов Fluxus, использовал в качестве отправной точки концепцию, согласно которой все является искусством, что к каждому аспекту жизни можно подходить творчески и, как следствие, у каждого есть потенциал стать художником. Хотя он был страстным и харизматичным профессором искусства в Дюссельдорфской академии, его отношения с властью были бурными, и он был уволен в 1972 году.

Фото: Саймон Уилсон
Фотоархив Тейт: Семь выставок 1972

Русский авангард: что такое русский авангард?

Русский авангард - это термин, описывающий выдающуюся влиятельную волну современного искусства, процветавшую в России в начале 20 века.Художники совершили прорывы в живописи, скульптуре, театре, кино, фотографии, литературе, декоративном искусстве, архитектуре и книжном дизайне. В живописи нет определенного стиля, определяющего русский авангард, поскольку он включает в себя различные направления искусства, такие как Кубизм , Футуризм , Неопримитивизм , Конструктивизм и Супрематизм .

Однако общая черта картин этого периода состоит в том, что художники вышли за рамки принятых норм и представлений об искусстве того времени и познакомили зрителя с новыми идеями и большим воображением, которые привели к свободе в искусстве.Ключевой особенностью этого движения было экспериментирование, которое следовало отверганию любой академической традиции. Культуру художников-авангардистов лучше всего описать словами Василия Кандинского: «В искусстве нет необходимости, потому что искусство бесплатно» .

Влияние экспрессионизма наряду с социально-политическими проблемами того времени в Европе и особенно в России создало эту тенденцию. Европейский импрессионизм, Символизм , Фовизм и Кубизм ездили в Москву через выставки и русские художники, на которых европейское искусство оказало различное влияние, например Василий Кандинский, Иван Морозов , Марк Шагал , Соня Терк , Луибов , Попова и Сергей Щукин .Русский авангард достиг своего апогея в творчестве во время Октябрьской революции 1917 года, периода, который характеризовался крупными социальными переменами. Социально-политическая революция начала 20 века способствовала художественной революции, изменившей историю искусства.

Крупнейшими художниками авангарда были Казимир Малевич, Эль Лисицкий , Александр Родченко, Наталья Гончарова , Михаил Ларионов , Давид Бурлюк . Творчество этих художников включает в себя самые разные идеи и формы выражения, такие как абстрактно-экспрессионистские произведения Марка Ротко, примитивные картины Натальи Гончаровой и супрематические композиции Казимира Малевича, чей «Черный квадрат» (1915) стал символом Искусство русского авангарда.Замечание, сделанное самим художником для этой картины «Истинное движение бытия начинается с нуля, с нуля» определяет направление революции и возрождения в период русского авангарда.

Текст Феодосии Кампили

авангардная живопись - определение - английский

Примеры предложений с «авангардной живописью», память переводов

секунд На выставке представлены авангардные картины, архитектура, дизайн, фотография, литература, театр и кинематография. WikiMatrixGuan находился под глубоким влиянием фовизма, в то время как применение западного авангардного стиля живописи к традиционным китайским предметам.WikiMatrix В 1909 году Щукин открыл свой дом по воскресеньям для всеобщего обозрения, познакомив москвичей с французской авангардной живописью. WikiMatrix В своих работах Субботин-Пермяк соединил традиции коми-пермяцкого народного искусства и достижения авангардной живописи начала XX века. Двадцатый век. Обычное ползание. К 1920-м годам ее салон на рю де Флерюс, 27, стены которого были покрыты авангардными картинами, привлекал многих великих художников и писателей, включая Эрнеста Хемингуэя, Торнтона Уайлдера, Шервуда Андерсона.WikiMatrix С 1927 года последовала серия поездок в Испанию и южную Францию, а также учебу в Париже, где он познакомился с парижской авангардной живописью. WikiMatrix Но критическое внимание также узаконило зарождающийся авангард. Одним из важнейших факторов бразильского модернизма является тесная связь литературного авангарда с живописью и скульптурой. Гига-френ В течение десяти лет он регулярно выставлял дерзкие авангардные картины со всеми ведущими художественными обществами в Национальной галерее искусств. .Галерея Э. Монтросса, в Филадельфийской академии искусств, на знаменитой Оружейной выставке (1913) и на Панамско-тихоокеанской выставке в Сан-Франциско (1915), где он выиграл серебряную медаль. Обычное сканирование К 1920-м годам ее салон на улице 27 de Fleurus, стены которого покрыты авангардными картинами, привлекал многих великих художников и писателей, включая Эрнеста Хемингуэя, Торнтона Уайлдера, Шервуда Андерсона и Жоржа Брака. Она придумала термин «потерянное поколение» для некоторых из этих американских писателей-экс-патриархов.В центре внимания - немецкий экспрессионизм, русский авангард, сюрреалистическая живопись, коллекция Пикассо, поп-арт, современное искусство (начиная с 1970-х годов), фотография и видео. WikiMatrix С 1987 по 2001 год он работал в бывшей студии Маркуса Люперца, где он, среди прочих работ, создал свои авангардные компьютерные рисунки на Amiga 500. LASER-wikipedia2 В 1890-х годах, когда Валлоттон был тесно связан с авангардом, его картины отражали стиль его гравюры на дереве с плоским экраном. области цвета, резкие края и упрощение деталей.WikiMatrix - это около 1275 произведений русского авангардного искусства, состоящих из картин, скульптур, рисунков и построек. WikiMatrix, изначально представлявший авангард, теперь принимает художников, которые рисуют в различных стилях, от авангарда до академических. WikiMatrixAt Академия современного искусства Ванкеля познакомилась с авангардной архитектурой и живописью, вдохновленной швейцарским архитектором и дизайнером Ле Корбюзье. В этом роскошном здании представлены оригинальные картины и авангардные скульптуры.WikiMatrix Невинсон утверждал, что был первым художником, изобразившим Нью-Йорк в стиле модерн, но на самом деле несколько британских художников-авангардистов рисовали в городе до Первой мировой войны. Common crawl Какова ваша позиция в отношении живописи и авангарда? WikiMatrix Американский художник-модернист и фотограф Мортон Ливингстон Шемберг написал в 1910 году два письма Уолтеру Паху, части из которых были опубликованы в обзоре Armory Show 1913 года для The Philadelphia Inquirer о влиянии четвертого измерения на авангардную живопись; описание того, как художники использовали «гармоничное использование форм», различая «представление или визуализацию пространства и дизайн в пространстве»: если мы еще добавим к дизайну в третьем измерении рассмотрение веса, давления, сопротивления, движения В отличие от движения, мы приходим к тому, что можно с полным основанием назвать дизайном в четвертом измерении, или гармоническим использованием того, что можно условно назвать объемом.Они приветствуют вас на всемирно известных выставках Онтарио с керамикой, каноэ, военными реликвиями, местами проживания аборигенов, обувью, картинами старых мастеров и авангардными инсталляциями.

Показаны страницы 1. Найдено 152 предложения с фразой avant-garde painting.Найдено за 9 мс.Накопители переводов создаются человеком, но выравниваются с помощью компьютера, что может вызвать ошибки. Найдено за 0 мс.Накопители переводов создаются человеком, но выравниваются с помощью компьютера, что может вызвать ошибки. Они поступают из многих источников и не проверяются. Имейте в виду.

Авангардные шрифты

100 Beste Schriftenaller Zeiten

Сайт, спонсируемый German FontShop, содержит список ста лучших шрифтов всех времен, составленный жюри в 2007 году.По каждому из упомянутых шрифтов есть много полезной информации. PDF-файл, составленный жюри: Стивен Коулз, Ян Миддендорп, Вероника Элснер, Роджер Блэк, Ральф Херрманн, Клаудия Гумински (FontShop) и Бернард Шмидт-Фридрихс. Визуализация списка. Список:

  • (1) Helvetica
  • Garamond
  • Frutiger
  • Bodoni
  • Futura
  • Times
  • Akzidenz Grotesk
  • Officina
  • Officina
  • Franklin Gothic
  • Bembo
  • Interstate (1993, Тобиас Фрер-Джонс)
  • Thesis
  • Rockwell
  • Walbaum
  • Meta
  • Trinité
  • DIN
  • (21) Matrix 9020 Matrix OCR
  • Lucida
  • Sabon
  • Zapfino
  • Letter Gothic
  • Stone
  • Arnhem
  • Minion
  • (61) Blur
  • Base
  • Blur
  • Base Бернхард Модерн
  • Amplitude
  • Trixie
  • Quadraat
  • Neutraface
  • (71) Nobel
  • Industria, Insignia, Arcadia
  • Bickham Script
  • Bank Gothic
  • Tra203 Corporate ASE
  • Corporation ASE
  • Корпоративный ASE
  • Kosmik
  • (81) Caecilia
  • Mrs Eaves
  • Corpid
  • Miller
  • Souvenir
  • Instant Types
  • Clarendon
  • Triplex
  • Benaguiatos
  • Benaguiatos
  • Chalet
  • Quay Sans
  • Cézanne
  • Reporter
  • Legacy
  • Agenda
  • Bello
  • Dalliance
  • Mistral
Продолжение на английском языке.

Кредит для некоторых изображений ниже: Даниэль Уэст. [Google] [Подробнее] ⦿

100 типов
[Бен Арчер]

Образовательный и справочный сайт, управляемый Беном Арчером, дизайнером, педагогом и энтузиастом шрифта из Англии (до этого он был в Окленде, Новая Зеландия). Глоссарий. График. Категории типов. Список 100 наиболее значительных шрифтов всех времен Пола Шоу был перекатегоризован Арчером:

  • Религиозные / религиозные: шрифт Gutenbergs B-42, шрифт Gebetbuch, Textura Вольфганга Хоппила, Breitkopf Fraktur, Rotunda Эрхарда Ратдольта, Hammer Chancery, Zapf. Питер Джессеншрифт, Канчеллареска Бастарда, Поэтика.
  • Книжное издательство и текст общего назначения: римский шрифт Николаса Дженсона, курсив Франческо Гриффо, римский шрифт Клода Гарамонда, римский шрифт Фирмина Дидо, семейство Челтнемов, римский алфавит Альдуса Манутиуса, римский роман Уильяма Каслона, курсив Пьера да-Симона Фурнье Викторико Арнньяка, итальянец Пьера-Симона Фурнье Викалико Арнньяка, итал. Роман Флейшмана, АТФ Гарамонд, Роман Джамбаттисты Бодони, Роман Николаса Киса, Множественный мастер Миньона, Унгер Фрактур, Роман Джона Баскервилля, Люцида, Оптима, Бауэр Бодони, Адоб Гарамонд, Шотландский Роман, Романе, ITC Stone family, Трините, ITC Sabon, ITC Novarese, Charter, Joanna, Marconi, PMN Caecilia, Souvenir, Apollo, Melior, ITC Flora, Digi-Grotesk Series S.
  • Бизнес / Компания: Akzidenz Grotesk, Helvetica, Univers, Syntax, Courier, Meta, Rotis, Thesis, Antique Olive.
  • Издание газет: Times Roman, Bell, Clarendon, Century Old Style, Ionic, Imprint.
  • Реклама и отображение: Futura, жирный римский шрифт Роберта Торна, античный римский шрифт Винсента Фиггинса (египетский), Memphis, Fette Fraktur, Avant-Garde Gothic, Deutschschrift, Peignot, Erbar, Stadia / Insignia, Penumbra, Compacta, Bodoni 26, ЦМТ Наш Бодони.
  • Престиж и частная пресса: Romain du Roi, Golden Type, Johnston's Railway Sans, Doves Type, Walker.
  • Вывеска: без засечек Уильяма Каслона IV, Траян.
  • Исторический сценарий: Snell Roundhand, Civilité Роберта Гранжона, сценарий Excelsior.
  • Экспериментальные / выразительные: Mistral, Beowolf, Dead History, Behrensschrift, Eckmannschrift, Neuland, Element, Remedy, Template Gothic.
  • Экран / мультимедиа: Чикаго, Окленд, OCR-A, Base Nine и Base Twelve, Evans and Epps Alphabet.
  • Телефонный справочник издателя: Bell Gothic.

Ссылка на проектную работу Archer.[Google] [Подробнее] ⦿

42 Студия
[Лили Либер]

Он же Lilco and Co и как Lili Lieber-Lövei. Лили Либер родилась и выросла в Венгрии, живет в Копенгагене и / или Будапеште. Дизайнер (в основном) ручного шрифта. Ее шрифты включают Apolline (2019: a deco sans), Floyd (2019: display sans), Shifter (2018: перевернутые буквы), Fulio (2018), Oliwe Sans (2018), Lotto Sans Serif (2017: круговые и monoline), Jenice (2017), Bilbao (2017), Honey Beast (2017), Azille (2017), Easy Tiger (2017, counterless), Maxetti (2017), Argenta (2017), Yeahsayer (2017, a Bohemian sans). ), Twin Pines (2017), авангардный шрифт без шрифта Avellino (2017), аккуратный набранный вручную шрифт Quimper (2017), Copertino (2017), Pompidour (2017), Bolden (2017), дисплейный шрифт Gin & Tonic (2017), Shiraz (2017, примитивный шрифт), West Coast (2017, без) и монолинии без шрифтов Quest (2016, + Stencil) и Knots (2016, + Knotted).

Ака Лилко и Ко. Ссылка на Behance. Ссылка Creative Market. Домашняя страница. [Google] [Подробнее] ⦿

О письмах
[Дарим Ким]

Американский графический дизайнер и художник из Флориды Дарим Ким (DK), руководитель About Letters, создал геометрические шрифты без шрифта Nemade (2011) и авангардные шрифты Quadranta (2010). Она также сняла «Мой прекрасный Коди» (2010).

Страница Dafont. Ссылка Klingspor. Ссылка на абстрактные шрифты. [Google] [Подробнее] ⦿

Acmé-Paris
[Элоди Мандрей]

Acmé-Paris - это дизайнерская студия в Париже, которой руководят Элоди Мандрей и Кэролайн Афорт.Создатели New Gothic Textura (2009), Canevas (2010-2012, вышитый шрифт), Acme (2013), Tropique (2011, экспериментальный), Minuscule (2012), Tribute (2012, детская рука), Juicy (2010), Eclipse , Thésard, вдохновленный музыкой Swing (2010 г.), тяжелый монолиниевый шрифт без шрифта Acmé (2013 г.), заглавный шрифт без гарнитуры Le Creux (2013 г.) и вышитый шрифт Canevas (2013 г.).

Гарнитуры 2015 года включают многострочный неоновый шрифт Neo Neon.

В 2016 году компания Acmé Paris разработала шрифт Aylak для плакатов с медной пластиной, заголовок sans Truck, шрифт Bertand в стиле ар-нуво, шрифт Beaumont в стиле ар-деко и авангардный шрифт Cattolica.

В 2017 году они разработали стильный закругленный шрифт без шрифта Kasha. [Google] [Подробнее] ⦿

Adam Pócs

Талантливый дизайнер из Будапешта, который сначала изучал математику в Университете Этвеша Лоранда в Будапеште, а затем типографику в Университете искусства и дизайна Мохоли-Надь. Его шрифт Cirque (2010) представляет собой уникальную модульную геометрическую красоту, созданную с математической точностью. Он объясняет: Мой основной профиль - создание обложек для компакт-дисков, плакатов, дизайн книг, иногда с помощью нескольких методов программирования. Домашняя страница. [Google] [Подробнее] ⦿

Адам Свейда

Пражский дизайнер линейного шрифта Fabrikon (2015), авангардного шрифта без шрифта Counter (2013), Wladiwostok (2013, конструктивист), Alma (2013, волнистый шрифт), Illumination (2013, алхимический шрифт) , Ambush (2013, алхимический шрифт) и Play Font (2013). Учился в Пльзене. Ссылка на Behance. Еще одна ссылка на Behance. [Google] [Подробнее] ⦿

Адам Вервен

Миннеаполис, музыкант и график из Миннесоты, который разработал шрифт Obchod в стиле авангард / ар-деко в 2018 году.[Google] [Подробнее] ⦿

Адиен Гунарта

Адьен Гунарта - индонезийский шрифтовой дизайнер (род. 1995 г.), который живет в Проболингго, Восточная Ява, и учится в Университете Эйрланга, Сурабая, класс 2014 года. Его шрифты можно найти под его именем или в Teras Grafika (создан в 2015 году) и Fontastic Indonesia. Шрифт Адиена Гунарты изобилует символами и формами индонезийского культурного наследия.

Гарнитуры 2010 года, в основном созданные с помощью FontStruct: пиксельный шрифт Benci Malaysia, напечатанный вручную Nyonya Gendut, квадратный шрифт Hutan и Madura Regular нестандартного размера.Он также создал текстурный / вязальный шрифт Batik, FoOleD bY GaYUs, Probolinggo (органический), Smasasinema (дисплей), текстурный шрифт Serangkaian Pattern, Indo-Malay Confrontation (пиксельный), Koruptor and the Bitches (готический), Qurban Feast, и фигурный шрифт Mlungker.

В 2011 году он создал Kabupaten (эскизный шрифт), Social Monster, Buka Pusa Bersama, Ceria Lebaran, Pajarakan Studs, Batik Gangster, Maharani (ручная печать), Lovely Eunike Hans (ручная печать), текстурный шрифт Kawung Textile, Wildan Izzur Gunarta, Genius Jempolan Royal (сканбаты), Pray For Japan, Quantum of Bali, X-Code from East (яванский шрифт), Hangeul (корейское симуляционное лицо), Halidians Blockserif, Moanday Earn Bored, вырезанный из бумаги шрифт Malingsia , Awesome Java, Mesin Hitung (лицо на ЖК-дисплее), Eenvoudige Batik (лицо с вышивкой), Antique Paleoindonesia (лицо с рисунком), Kebencian (колючое лицо), Kemasyuran Jawa (лицо на дисплее с индонезийским видом), Probolinggo Sans, Londo Chino, Urban (лицо, вырезанное из бумаги), Bikang Struck, Chana Remedy, Индонезийская женщина (пиксельные звонки), People Diverse (пиксельные звонки), DBA Muslim (пиксельные звонки), Turk и Nusa (лицо с шариковой головкой), Jakarta Recycle (восьмиугольное лицо, сложенное из бумаги) ), Halida Sans (крутая версия Ubuntu), Buka Puasa Bersama (арабский si mulation face), Social Monster (гранж), Ceria Lebaran Normal (шрифт с лавовой лампой), Dukungan, Dukungan, Sanjaya Epoch и Jakarta Sunken (угловатое лицо).

В 2012 году он создал Halidians Blockserif, Penakut, Agoestoesan, Siti Maesaroh (арабское симуляционное лицо), Turk and Nusa, Rest in Phuket (тайский симуляционный шрифт), Chana Remedy, Bunaken Underwater, New Madura, Moro Seneng, Endutt Normal, Antibalon, Hayyu Kaget, Damai Kpk Polri, Damai Pelajar, Jangan Bersedih (отпечатано вручную), Ikan Besar, Senyum (отпечатано вручную), Catatan Perjalanan (лицо с толстым пальцем), Wizzta и Quick Argani.

Гарнитуры с 2013 года: Emilio 19 (спортивный шрифт), Bangkit, Faishal Bakeries, Soerjaputera (авангард), Soerjaputera Doea (арт-деко), Sang Fatchurrohmah (лицо из лавовой лампы), Aceh Darusalam (арабское имитационное лицо), Revolusi Тимур Тенгах (арабское имитационное лицо), Нурхолис (арабское моделирование), Копленг (алхимический), Менджеладжа Халмахера (рондовый шрифт), Джакарта Хайхендс, Smasasinema, Sanjaya Epoch, Mlungker, Dukungan, Thohir Ke Badreah (все заглавные буквы без текста), Серангэ Узор, Endutt (лицо с толстым пальцем), Boutiques of Merauke (фигурный шрифт), Balinese Family, Zamrud & Khatulistiwa (фигурный шрифт), Awesome South Korea (отличный восточный шрифт), Freeport Go Away (плакатный шрифт), Senang Banyol , Don Aquarel, Jawadwipa Adisastra, Si Kancil (жирный шрифт пальца), Wortellina, Don Butique (напечатан вручную), Did You See That, Bimasakti.

Гарнитуры с 2014 года: Rampung, Prabowo, Larasukma (шрифт абстрактной формы), Tafakur (симуляция арабского шрифта), Syawal Khidmat (симуляция арабского лица), Kurnia (фигурный шрифт), Kota Surabaya (дингбаты зданий), Hutan Lestari, Kobarapi (шпорцевый шрифт), Mukadimah (арабская симуляция, основанная на Cortoba от Arabeyes), Huruf Maranti (вертикально соединенный шрифт), Emilio 20 (атлетическая надпись).

Гарнитуры 2015 года: Gurindam (голландский арт-деко), Upakarti, Tyree Friendly Face (закругленный без), Berantas Korupsi, Kanisah (имитация иврита).

Гарнитуры с 2016 года: Belacu, Cemong, Bungasai, Semringah, Binarung (маски), Surabanglus (стиль битника).

Гарнитуры с 2019 года: Кембанг (дингбаты).

Ссылка на пространство шрифтов. Домашняя страница в Fontastic Indonesia. Devian Tart ссылка. Ссылка Klingspor. Ссылка на Дафон. Ссылка на Behance. [Google] [Подробнее] ⦿

Адриан Майкл Кляйнберген

Канадский дизайнер смелого авангардного шрифта Sage Heavy (2011). [Google] [Подробнее] ⦿

Адриан Талбот
[тип Talbot]

[MyFonts] [Подробнее] ⦿

Адриан Жуфлино

На семинаре, проходившем в его родном городе Мюлуз, Франция, Адриан Жуфлино разработал семейство авангардных шрифтов (2016).[Google] [Подробнее] ⦿

Взрослый человек Мужчина
[Алекс Хай]

Adult Human Male - это шрифтовая мастерская малазийского дизайнера Алекса Хи, которая находится в Берлине или Ирландии. В его аккаунте в Твиттере написано, что он из Нью-Йорка, Парижа и Кулока. В его аккаунте Dafont он называется ирландцем. Без разницы. У Алекса есть два аспекта: коммерческий, выраженный в его коммерческой мастерской Adult Human Male, и бесплатный через его сайт Squack на Dafont.

Рекламный ролик Alex создал гранжевый трафаретный шрифт Butterworth (2011 г.), рисованный Teksi (2011 г.), монолинейную квадратную семью Ebdus (2011 г.), Valis (2011 г., футуристический) и тонкий авангардный монолиниевый шрифт New Slang ( 2011).Gordito (2011) - пузырьковый шрифт в стиле граффити с надписью Smurf .

В 2012 году Алекс опубликовал шрифт Areaman, Stink Lines (многострочный шрифт) и Penang (шрифт для вывесок в стиле ар-деко, замеченный его создателем на Пенанге). Straights Light - это красивая пара гарнитурных шрифтов с заглавными буквами. Dale Kids - детский книжный шрифт. Hokkien (2012) - шрифт в стиле ар-деко с китайским влиянием. Mister Mustard - округлый шрифт в стиле ар-деко. Barkley (2012) - текстурированный шрифт с заглавными буквами, напоминающий меловую доску.Liner Notes (2012) - двухстрочный шрифт, нарисованный вручную. Bartleby (2012) - это нарисованный вручную шрифт с отображением заглавных букв.

В литейном цеху бесплатных шрифтов Squack есть напечатанные вручную шрифты Barker Allcaps (2012), Scrapist (2012, набросок), Billy Boy (2011, 3d), Quito Chicken (2011, 3d), Fred Wild West (2011, шероховатый) западное лицо), Coolock Black (2011), Zapftig (2011), Ringworm (2011), Suicide Draft (2011), National Granite (2011, трехмерное каменное долото), Whisky Fingers (2010), Wank Hands (2010) и Средний человек (2010) и нестандартные шрифты Zapftig (2011), Shock Corridor, Pollo Asado, Middle Woman, Ghost Words, Late Puberty, Parrannoyed (2010, лицо с запиской о выкупе), линейный шрифт Rexic (2011), Black Grapes ( 2012), Chump (2012, заглавные буквы напечатаны вручную), Areman OT (2012) и шероховатые Skidmarks (2012).

Гарнитуры с 2013 года: Salas (коренастое мультяшное лицо), Rabid (цветной шрифт), Strokin (отличное лицо кисти - частично угольные мазки краски), Bevel Hands, Bunk (многослойная система шрифтов со скошенной кромкой, закрепленная на монолиновый жир с закругленными краями, Bunk Base 2), Spengler (inline face), Vastra (стиль Баухаус, органический), Swingers (фигурный и мультяшный), Chump Change, Treves Sans (лицо карандашом), Quincey (2017).

Мы читаем, что шрифты разработаны EircomTest. Он же Squack, MiddleMan и Алекс Х.

Ссылка Dafont. Ссылка Creative Market. Ссылка на Twitter.

Ссылка на Behance. [Google] [MyFonts] [Подробнее] ⦿

Affolter und Gschwind AG
[Вернер Аффольтер]

авангард - Викисловарь

Английский [править]

Альтернативные формы [править]

Этимология [править]

Заимствовано у французского avant-garde («авангард»).

Произношение [править]

  • (Великобритания) IPA (ключ) : / æˈvɑ̃t.ɡɑːd /, /æˈvɑ̃.ɡɑːd/, /ˌæ.vɑ̃ˈɡɑːd/, /ˈæ.vn̩t.ɡɑːd/
  • (США) IPA (ключ) : / ˌɑˌvɑntˈɡɑɹd /, / əˌvɑntˈɡɑɹd /, /ˌæ.vɑntˈɡɑɹd/, / ˌɑˌvæntˈɡɑɹd /, / əˌvæntˈɡɑɹd /, / ˌɑˌvɑ̃ˈɡɑɹd /, / ˌæˌvɑ̃ˈɡɑɹd /

Существительное [править]

авангард ( множественное число авангард )

  1. (устарело) Авангард армии или другой силы.
    Антоним: arrière-garde
  2. Любая группа людей, которая изобретает или продвигает новые методы или концепции, особенно в области искусства.
    Антоним: arrière-garde
Синонимы [править]
  • (группа людей, связанных с новым): авангард
Переводы [править]

(устарело) авангард армии или других сил

Прилагательное [править]

авангард ( сравнительный более авангардный , превосходный самый авангардный )

  1. Инновационный, новаторский, особенно когда это чрезвычайно или очевидно.
    Это было очень авангардное производство .
    • 2014 , Джеймс Добсон, «Скромность и самоуважение» [1]
      Я боюсь, что она заплатит высокую цену за проданные ей авангардных идей.
Синонимы [править]
Переводы [править]

новаторский, новаторский, особенно когда чрезвычайно или явно так

См. Также [править]


Этимология [править]

avant («перед, перед») + garde («охрана»).

Произношение [править]

Существительное [править]

авангард f ( множественное число авангард )

  1. (военный) авангард
  2. (образно) авангард, линия огня
Производные термины [править]
Потомки [править]

Дополнительная литература [править]


Среднефранцузский [править]

Существительное [править]

авангард f ( множественное число авангард )

  1. (военный) авангард
.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*