Выставка кабакова в третьяковке время работы: Выставка Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех, Москва – Афиша-Музеи

Содержание

Выставку Кабаковых в Новой Третьяковке посетили более 110 тыс. человек — Культура

МОСКВА, 18 января. /ТАСС/. Ретроспективную выставку «Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех», которая проходила в Новой Третьяковке на Крымском Валу с 7 сентября 2018 года по 13 января 2019 года, посетили более 110 тыс. человек. Об этом сообщили ТАСС в пресс-службе галереи в пятницу.

Спецпроект на тему

«Выставку за время ее работы посетили 112 086 человек», — сказали в пресс-службе. Там добавили, что это отличный результат для выставки современного искусства.

Экспозиция «В будущее возьмут не всех» стала результатом совместной работы Эрмитажа, Третьяковской галереи и галереи Тейт. Это первая масштабная ретроспектива Кабаковых — в ее состав вошли около 100 произведений из художественных музеев и частных коллекций.

Выставку, помимо Третьяковки, показывали в галерее Тейт и в Эрмитаже. Причем в каждом выставочном пространстве немного иной состав экспонатов. Например, какие-то экспонаты, которые были на выставке в лондонской галерее Тейт, привезти в Россию не удалось из-за того, что в 2010 году межмузейный обмен между Россией и США был прерван из-за так называемого дела библиотеки Шнеерсона, а многие работы Кабаковых находятся в американских собраниях.

На выставке в Третьяковской галерее были представлены произведения, охватывающие период почти в шесть десятилетий — от ранних работ Кабакова, выполненных до отъезда из СССР, до инсталляций, макетов и живописных серий последних лет. Впервые за всю выставочную историю были собраны вместе программные картины, рисунки, объекты и инсталляции художников: альбомы «Десять персонажей», инсталляции «Человек, улетевший в космос из своей комнаты», «Случай в коридоре возле кухни», «Три ночи», «Лабиринт. Альбом моей матери» и другие.

В прошлом году стало известно, что Кабаковы решили передать в дар Третьяковской галерее свою мастерскую в Москве, где планируется открыть музей, посвященный истории московского концептуализма.

О Кабаковых

Илью Кабакова называют одним из самых востребованных в мире русских современных художников, одной из ключевых фигур московского концептуализма. В 1980-е он перешел к созданию инсталляций, в которых вдохновляется атмосферой советского коммунального быта. Самая знаменитая из них — «Человек, который улетел в космос из своей комнаты».

Во второй половине 1980-х Кабаков начал выставляться и работать в Европе и США. В это же время его постоянным соавтором стала жена, художница Эмилия Кабакова. В настоящее время художники живут в США. В России их персональные выставки проходили в Эрмитаже, Третьяковской галерее, Центре современной культуры «Гараж».

выставка Ильи Кабакова — отзыв о Новая Третьяковка, Москва, Россия

Сейчас на Крымском валу проходит полномасштабная выставка одного значимого основоположника русского абстрактного искусства – Михаила Ларионова. 14 (!) разделов охватывают все этапы его творческого пути – от авангардистского эпатажа до Дягелевских сезонов в Париже. Бонусом – коллекция работ восточных мастеров; книг, журналов, альманахов и всего, что связано с балетом и театром. И маленький лайфхак — по средам – с 10 до 17 вход бесплатный.

Последняя его выставка в нашей стране была аж 38 лет назад. Тем важна эта, что она восстанавливает справедливость и отдает дань памяти художнику, мечтавшему, чтобы его картины однажды вернулись домой, на Родину.

Ларионов стоял у истоков абстрактного искусства в России. Более того, он даже изобрел свой собственный «авторский» способ беспредметной живописи под названием «лучизм», что вошло в историю абстракции. Хотя, честно скажу, лучизм я не оценила, может, не доросла еще… Но вообще этот художник был необыкновенно широкого диапазона, очень необычный живописец, прекрасный театральный декоратор, иллюстратор, коллекционер — человек, который интересовался очень много чем. На самом деле, он всю жизнь метался между предметным и беспредметным, фактурным и бесфактурным, цветным и не очень. Он был очень увлекающийся человек, и в этом я его очень даже понимаю. Так что на выставке можно найти работы, относящиеся к любому этапу его творческого пути и изысканий в искусстве.

Последний этап, и для меня, быть может, наиболее интересный, это его «балетная история» участия в дягелевских сезонах. Причем не только его, но и его не менее плодовитой в художественном плане жены – Натальи Гончаровой (более того — ее в первую очередь). Первая его выставка в Париже произошла в 1914 году, когда он отправился туда вместе со ней, уже оформлявшей оперу-балет «Золотой петушок» для Дягелева. А в 1915 вместе они навсегда покидают Россию и по приглашению Дягилева присоединяется к антрепризе «Русские балеты». Начинается парижский этап жизни. Этому этапу посвящён отдельный раздел выставки – множество книг, альманахов, афиш – уникальные вещи. Ведь Ларионов был не только сценографом, декоратором, а иногда и соавтором-хореографом дягилевских постановок. И он много писал о Дягилеве…

Перед входом на выставку можно увидеть цитату с его подписью: «…меня угнетает все то, что утвердилось в искусстве. Я чувствую в этом дыхание застоя, и оно меня душит… Хочется убежать из стен в безграничный простор, хочется чувствовать себя в постоянном движении…» В этом весь Ларионов. Обязательно сходите на эту выставку.

Зельфира Трегулова назначила Кабакова «главным русским художником»

зельфира трегулова илья кабаков

Масштабная экспозиция творений Ильи Кабакова открылась в Новой Третьяковке ещё в сентябре этого года и продлится до 13 января наступающего.
Музей предоставил ему свои самые большие выставочные залы. Директор галереи Зельфира Трегулова назвала Кабакова «главным современным русским художником»…

«Этой выставкой главный музей национального искусства, наконец, отдает должное главному современному русскому художнику, который остается абсолютно русским, невзирая на то, что с 1988 года живет за пределами России. Его дом под Нью-Йорком, библиотека — весь тот мир, который служит для него точкой отсчета для создания его произведений — это мир русской культуры, русского искусства», — сказала ТАСС генеральный директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.


Она также призналась ТАСС, что ретроспектива Кабаковых стала важнейшим проектом лично для нее.

«В течение десятилетий я задавала себе вопрос, почему в Третьяковской галерее нет выставки Ильи Кабакова, почему творчество Ильи и Эмилии показывали, и неоднократно, в нескольких музеях Москвы, в Санкт-Петербурге, но не в Третьяковской галерее? Поэтому осуществление этого проекта в нашем музее, да еще в сотрудничестве с галереей Tate Modern в Лондоне и Государственным Эрмитажем, стало важнейшим для меня делом, важнейшим вызовом», — сказала гендиректор галереи.

По ее мнению, Илья Кабаков — величайший из живущих отечественных художников. Он создал концепцию тотальной инсталляции, которая стала новым словом в истории мирового искусства, заметила гендиректор Третьяковки.

Об Илье и Эмилии Кабаковых

Илья Кабаков (р. 1933) считается одним из самых востребованных в мире современных русских художников и одной из ключевых фигур московского концептуализма. В 1980-е годы он перешел к созданию инсталляций, в которых вдохновляется атмосферой советского коммунального быта. Самая знаменитая из них — «Человек, который улетел в космос из своей комнаты».

Во второй половине 1980-х годов Кабаков начал выставляться и работать в Европе и США. В это же время его постоянным соавтором стала его жена, художница Эмилия Кабакова (р. 1945). В настоящее время супружеская пара проживает в США. В России их выставки ранее проходили в Центре современной культуры «Гараж», Мультимедиа Арт музее и Государственном Эрмитаже.





В трех странах пройдет выставка современного искусства | Новости из Германии о России | DW

В программе передвижной выставки современного европейского искусства «Diversity United» («Многообразие. Единство»), которая пройдет в Москве в здании Третьяковской галереи на Крымском валу с ноября 2020 по февраль 2021 годов, будут представлены работы 81 художника из 35 стран, включая большое количество представителей Германии. Об этом журналистам сообщили на пресс-конференции в Москве в пятницу, 22 ноября,

В частности, немецкое искусство будут представлять Герхард Рихтер (Gerhard Richter), Ансельм Кифер (Anselm Kiefer) и Вольфганг Тильманс (Wolfgang Tillmans), заявил представитель организаторов со стороны Германии Вальтер Смерлинг (Walter Smerling) из Бонна.

«Искусство может преодолеть безмолвие»

Цель выставки состоит в том, чтобы во времена политической напряженности сделать важный жест, заявил сопредседатель форума «Петербургский диалог» Рональд Пофалла (Ronald Pofalla). «Искусство может преодолеть безмолвие», — сказал он.

Основное внимание на выставке будет уделяться таким темам, как свобода и демократия, миграция, гендерное равенство, политическая и личная идентичность. Россию будет представлять, помимо прочих, Илья Кабаков, Украину — Жанна Кадырова. Организатор выставки со стороны РФ — директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.

Вальтер Смерлинг подчеркнул, выступая перед журналистами, что и художники, и кураторы будут абсолютно свободны в своей работе, а свобода искусства имеет первостепенное значение.

На выставке, которая в 2021 году будет также показана в Берлине и Париже, представляются работы ныне здравствующих художников. В связи с этим они сами принимают решения, выставлять ли старые работы или специально созданные для выставки. Будут продемонстрированы «жизнеспособность и разнообразие современной европейской художественной сцены после падения железного занавеса до сегодняшнего дня», — сказал Смерлинг.

Смотрите также:

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Успешный и знаменитый

    У этого знаменитого на весь мир человека настолько неброская внешность, что он может себе позволить разгуливать по улицам без охраны: все равно никто не узнает. И лишь пытливый взгляд выразительных глаз выдает в нем известного живописца. Герхард Рихтер (Gerhard Richter) долгое время считался самым дорогим из ныне живущих художников мира — только в 2013 его потеснил на этом пьедестале Джефф Кунс.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    «Пикассо XXI века»

    «Пикассо XXI века» называют Герхарда Рихтера критики и коллеги. Как и творения основоположника кубизма, произведения Рихтера занимают почетное место в ведущих музеях планеты, а также уходят за рекордные суммы с художественных аукционов. Картина «Стена» в 2014 году была продана на аукционе в Лондоне за 17,4 миллиона фунтов стерлингов (около 21,4 млн евро).

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Скрытный художник

    Зато образ жизни этих двух художников разительно отличается. Так, в отличие от Пикассо, Рихтер почти не идет на контакт с журналистами, не любит «выходить в люди», избегает участия в гламурных мероприятиях, любит уединение и покой. Этот немецкий художник — из тех звезд, кто держит свою жизнь за семью замками.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Личное и коллективное

    В картинах этого мастера, тем не менее, отражается жизнь — его самого, его поколения, всей Германии. В 1965 году Рихтер пишет картину «Тетя Марианна». На полотне изображена девочка с маленьким Герхардом. Марианна погибла в возрасте 28 лет: страдавшая умственным расстройством, она была уничтожена по нацистской программе евгеники в феврале 1945 года.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Коллективное и личное

    В том же 1965 году Герхард Рихтер пишет еще одну картину — «Дядя Руди». На ней изображен офицер вермахта. Он тоже погиб на войне. Разумеется, несколько иначе, чем Марианна. Жертвы и преступники в одной семье — типично немецкая ситуация. В Дрездене при нацистах работал врачом первый тесть Рихтера: он занимался стерилизацией людей с умственными расстройствами — таких, как Марианна.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Обобщенные образы

    Фотореалистичные изображения размыты, как будто промелькнули в старой черно-белой кинохронике. И поэтому запоминаются, становятся обобщенным образом. В этой манере Рихтер интенсивно работал на протяжении многих лет. С 1964 по 1967 год он писал многочисленные портреты коллег-художников, галеристов и коллекционеров. «Портрет доктора Кноблох» (1964) был первым такого рода.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Живые «экспонаты»

    На Западе Рихтер вошел в группу художников, вдохновленных американским поп-артом. Результатом их творческих поисков стала выставка «капиталистического реализма» в одном мебельном магазине в Дюссельдорфе. Вспоминая об этом эпизоде, художник (на фото справа) отметил в интервью: «Я приехал из Дрездена, где царил «соцреализм». Идея выставки родилась из иронии, так как мы жили в капитализме».

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Архив современности

    В 1962 году Герхард Рихтер начал проект «Атлас», в котором частная жизнь людей сопоставлена с рассказом о немецкой истории. Для этого проекта художник собирал газетные вырезки, фотографии, объекты и документы. В итоге в «Атласе» накопилось несколько сотен исторических реалий. В 1997 году этот архив целой эпохи был показан на выставке Documenta в Касселе и издан в виде фотоальбома.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Мировое признание

    Фотографии из «Атласа» стали основой для близкой концептуализму серии «48 портретов», с которой в 1972 году Герхард Рихтер представлял Германию на Венецианской биеннале. В фотореалистичной манере на портретах изображены личности, которые, по мнению Рихтера, оказали огромное влияние на эпоху модерна. Среди них — российские композиторы Чайковский и Стравинский.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    «Эмма»

    Разностильное искусство Герхарда Рихтера не поддается однозначной категоризации. Известность принесли ему «фото-картины», которые он начал писать с 1962 года. Но это не совсем фотореализм. Общность скорее формальная: Рихтер просто использует снимок как основу. На его знаменитой картине «Эмма» (1966) изображена призрачная женщина, как будто сотканная из сновидений или воспоминаний.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Вызов нормам

    На картине «Бетти» (1988) Герхард Рихтер почти с фотографической точностью изобразил свою дочь. Портретом картину назвать нельзя — лицо сокрыто от зрителя. Зато тщательно переданы цвета и узоры одежды. Фотоподобная живопись буквально поворачивается спиной ко всем художественным нормам, но передает ощущение чистоты и красоты портретируемой.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Серийное искусство

    Рихтер рисовал не только людей и не только портреты. Внимание художника привлекала реальность во всем ее многообразии, от облаков и снежных покровов до зданий и военных самолетов.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Культовый мотив

    Из серии картин, изображающих свечи, особую известность получила «Свеча» 1982 года — после того, как была использована группой Sonic Youth в оформлении обложки альбома «Daydream Nation».

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Оттенки серого

    В 70-х годах Герхард Рихтер работает в стиле минимализм и создает монохромную серию «Серое». Говоря о своем любимом цвете, художник в 1975 году сказал: «Он не делает заявлений; не пробуждает ни чувств, ни ассоциаций; он невидим и не невидим. Его неприметность дарит ему способность быть посредником, проявлять нечто, как фотография (…) Для меня серый — эквивалент беспристрастности (…)».

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Цветовые таблицы

    Рихтер во всех своих работах экспериментирует со средствами выразительности в живописи. Взяв серый цвет как некую точку отсчета, он изучал возможные сочетания цветов и их воздействие на смотрящего. В цикле «Цвета» художник, используя красный, синий, желтый и зеленый цвета, вывел более четырех тысяч различных тонов.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Пиксельный витраж

    Цветные квадраты легли в основу «пиксельного» витража для Кельнского собора. Витраж состоит из 11.500 стеклянных квадратов 72 цветов. Он был установлен в готическом соборе в 2007 году.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Экспрессивная абстракция

    Рихтер никогда не стоит долго на одном месте. После увлечения «пиксельными кубиками» и разноцветными полосками он отдался буйству абстрактного экспрессионизма, флагманами которого в то время были американцы во главе с Джексоном Поллоком.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Постижение непостижимого

    Между реальностью и изображением балансирует искусство Рихтера. В разные периоды его творчества поиск их связи и взаимодействия принимал различные формы. Абстрактные картины Рихтера стали окончательным признанием в том, что тайну реальности постичь невозможно. «Меня интересует только то, чего я не понимаю», — говорит художник.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    Мастер на все руки

    Творческое наследие Герхарда Рихтера огромно и многостильно. Он занимается не только живописью, но и фотоколлажем, инсталляцией, созданием монохромных паненелей и объектов из зеркал и стекла. Успеха и признания добивается он во всем, всегда и везде.

  • Герхард Рихтер: художник, спасающий живопись

    В вечном поиске

    Его называют «спасителем живописи в XXI веке». Отчасти потому, что он не отворачивался от холста, даже тогда, когда другие предрекали смерть живописной традиции. Герхард Рихтер убежден, что «когда не останется ни одного священника и философа, самыми важными людьми в мире будут художники». Другая его цитата: «Искусство — высшая форма надежды».

    Автор: Элла Володина, Наталия Королева


 

В Новой Третьяковке открылась выставка Ильи и Эмилии Кабаковых «В будущее возьмут не всех»

5 сентября в Новой Третьяковке на Крымском Валу состоялась церемония открытия первой масштабной ретроспективной выставки «Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех».

Этот выставочный проект — результат совместной работы Эрмитажа, Третьяковской галереи и Галереи Тейт.

В экспозиции представлено около 100 произведений из художественных музеев и частных коллекций. Ранее экспонаты выставки были представлены в Галерее Тейт и в Государственном Эрмитаже.

«Поскольку вся энергия ушла на инсталляцию, на работу, то я очень быстро отделаюсь от торжественных речей. Во-первых, я хочу поблагодарить друзей Ильи, которые здесь присутствуют, потому что без того, что они поддерживали его в самые тяжелые годы, его бы просто не было сегодня там, где он есть», — сказала на церемонии открытия выставки Эмилия Кабакова. Ранее она сообщила, что Илья Кабаков не сможет присутствовать на открытии выставки в Москве, поскольку ему тяжело даются долгие перелеты.

На выставке в Третьяковской галерее, которая откроется для публики 7 сентября, представлены произведения, охватывающие период почти в шесть десятилетий, — от ранних работ Кабакова, выполненных до отъезда из СССР, до инсталляций, макетов и живописных серий последних лет. Впервые за всю выставочную историю собраны вместе программные картины, рисунки, объекты и инсталляции художников: альбомы «Десять персонажей», инсталляции «Человек, улетевший в космос из своей комнаты», «Случай в коридоре возле кухни», «Три ночи», «Лабиринт. Альбом моей матери» и другие.

Генеральный директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова отметила, что это первая выставка Кабаковых в Третьяковской галерее и очень важный проект для музея. Не так давно стало известно, что Кабаковы решили передать в дар Третьяковской галерее свою мастерскую в Москве, где планируется открыть музей, посвященный истории московского концептуализма.

Для справки:

Илью Кабакова называют одним из самых востребованных в мире русских современных художников, одной из ключевых фигур московского концептуализма. В 1980-е годы он перешел к созданию инсталляций, в которых вдохновляется атмосферой советского коммунального быта. Самая знаменитая из них — «Человек, который улетел в космос из своей комнаты». Во второй половине 1980-х Кабаков начал выставляться и работать в Европе и США. В это же время его постоянным соавтором стала жена, художница Эмилия Кабакова. В настоящее время художники живут в США. В России их персональные выставки проходили в Эрмитаже, Третьяковской галерее, Центре современной культуры «Гараж».

 

Ретроспектива Ильи и Эмилии Кабаковых открылась в Третьяковской галерее в Москве

В Третьяковской галерее на Крымском валу открылась выставка «Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех». Это итог работы за шесть десятилетий, и впервые произведения собраны все вместе.

Сковородки, кастрюли, терки, вопреки законам гравитации, замерли в воздухе. Кажется, мгновение — и все это с грохотом рухнет вниз, скандал начнется в коммунальной квартире. Но мгновение — и ни единого звука. А взгляд заметит лишь теперь: пейзажи на стенах как авторская ремарка — смотрите вглубь вещей. Причем не только буквально.

«Это некая история. Она, конечно, не о быте — она о мире человека, о его внутреннем состоянии», — сказала куратор выставки Ирина Горлова.

Сомнения, глубоко личные вопросы. У каждого — свои. Можно вечно искать ответы, а можно, как хозяин этой комнаты, стать неисправимым романтиком. И пусть рядом с его кроватью на самом деле не было катапульты и в открытый космос сквозь потолок он не летал, главное — уметь мечтать.

«Здесь очень многое рассчитано на самого зрителя. На то, какие мысли, ассоциации, аллюзии возникнут у него. И на самом деле в этом сила искусства Кабакова», — сказала генеральный директор Государственной Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.

Илья Кабаков — важнейший из русских концептуалистов, создатель нового жанра — тотальной инсталляции. Когда на впечатление работает все: предметы, свет, звуки, тексты. Они окружают, давая возможность оценить художественное произведение изнутри.

Темно-красные стены, диваны в центре — словом, классическое музейное пространство. Можно удобно разместиться и созерцать. Но вместо картин здесь лишь яркие пятна света, и так по всему периметру. Взгляд невольно ищет, за что зацепиться. И вот объявление, написано от руки: «Полотна скоро приедут». На самом деле оно тоже часть инсталляции. Читать его зрителю следует как приглашение стать соавтором — дать волю воображению и мысленно самому заполнить пустой зал.

Выпускник Суриковского института, до эмиграции в Америку в конце 80-х Кабаков был и официальным, и андеграундным художником одновременно. Зарабатывал, выполняя заказы госиздательств, — иллюстрировал детские журналы и книги. А в своей мастерской собирал инсталляции, которые после просто прятались в шкаф. Уже потом модные галереи Нью-Йорка оценят их в баснословные для советского художника суммы.

«Здесь очень важно понять, что Илья Кабаков не про советский быт. В том, наверное, и состоит секрет его международной признанности, что через эти реалии советского быта, через бумажки, мусор, документы, записочки он воссоздает ситуацию, которую считывает любой человек в любой части земного шара», — говорит генеральный директор Государственной Третьяковской галереи Зельфира Трегулова.

Сломанные прищепки, обертки, изношенная одежда — все это будто хотели выбросить, но стали рассматривать. И вещи из прошлого, как воспоминания, разложенные по полочкам, аккуратно разместились в комнате. А в будущее тем временем увозит пассажиров последний поезд. На темном перроне разбросаны холсты. Что делать тем, кто опоздал?

Инсталляцию «В будущее возьмут не всех» Илья Кабаков создавал в соавторстве с женой Эмилией. Вместе они работают больше 30 лет.

«Кого в будущее возьмут, кого не возьмут — это проблема художника, который боится, что его работы не попадут. Это, наверное, проблема каждого человека — что будет со мной, вообще со всем, что я сделал за всю свою жизнь», — говорит Эмилия Кабакова.

Помимо инсталляций, еще живопись, графика — всего более ста произведений из разных музеев мира и частных коллекций. Выставка с грандиозным успехом прошла сначала в Лондоне, затем переехала в наш Эрмитаж. И теперь на несколько месяцев в Москве.

Мультимедиа Арт Музей, Москва | Выставки

Выставка «Утопия и реальность? Эль Лисицкий, Илья и Эмилия Кабаковы» приурочена к 80-летию Ильи Кабакова и подготовлена МАММ в сотрудничестве с музеем Ван Аббе (Эйндховен) и Государственным Эрмитажем.

Эль Лисицкий (1890-1941) — один из величайших мастеров русского авангарда, художник, архитектор, книжный график, фотограф, экспозиционер и теоретик нового искусства. Крупнейшее собрание произведений Лисицкого за пределами России находится в Музее Ван Аббе. Именно этот музей выступил инициатором создания совместной выставки Эль Лисицкого и Ильи и Эмилии Кабаковых, а также разработал первоначальную концепцию этого проекта в тесном сотрудничестве с Кабаковыми. Выставка в Москве, однако, будет существенно расширена и, в частности, представит работы Кабаковых, которые ранее никогда не показывались широкой российской аудитории.

Эль Лисицкий, с одной стороны, и Илья и Эмилия Кабаковы, с другой, — художники во многом противоположные по своим эстетическим и мировоззренческим принципам.

Эль Лисицкий вошел в историю русской и мировой культуры как разработчик нового пластического языка, удовлетворяющего жизнестроительным амбициям послереволюционной России и утопическим устремлениям того времени в целом. В нашем представлении его имя прочно связано с ранней стадией советского утопического проекта, с идеей «нового языка для новых людей», с идеей дизайна как инструмента для преобразования всего человечества.

Однако, цитируя Илью Кабакова, «в любом креативном замысле есть три части: проект, попытка реализации и конечный продукт. Надо сказать, что тот, кто стоит в начале пути, — проектант — совершенно не знает, что будет в середине пути и чем это закончится».

Как показало время, проуны Лисицкого, эстетически совпав с тенденциями мирового модернизма, действительно стали некой абсолютной моделью, основой интернационального языка дизайна. Но можем ли мы говорить о том, что Лисицкий, который изначально работал именно в предметном мире, создавая «воображаемое пространство посредством материальных предметов», был художником утопических устремлений? И, главное, способны ли в реализованной утопии сохраниться ее первоначальные черты?

Можно сказать, что Кабаковым довелось жить в той реализованной советской утопии, пропагандистом которой, среди прочих, был и Лисицкий. Коммунистический проект начал оборачиваться своей противоположностью еще при жизни Лисицкого, когда все очевиднее становился авторитарный, антигуманистический элемент, заложенный в самом авангардном проекте создания нового человека-творца.

В свое время Лисицкий с энтузиазмом писал: «Наше поколение поставило себе цель работать в строгом соответствии с поставленной задачей. Но практика показала, что работа истинной художественной ценности может быть создана лишь тогда, когда художник ставит перед собой собственную художественную цель (бесконечный социальный заказ)». Но уже самому Лисицкому, по словам Кабакова, довелось участвовать «во второй части симфонии, когда он оказался маленьким винтиком в качестве „спеца“, выполняя волю вождя и партии».

Кабаковы принадлежат к поколению художников, которые жили и работали в, «как тогда казалось, навсегда остановившееся время, и существовал совершенно сформировавшийся (окончательно, как мы считали) советский язык официального советского искусства». Они стали свидетелями гуманитарной катастрофы, которой обернулся лучезарный утопический проект при попытке его реализации. Соответственно, у этих художников совершенно иная оптика, иное отношение и к советской утопии в принципе, и к идеологии русского авангарда, который они оценивают с исторической дистанции. Экспозиция выставки разворачивается именно как система оппозиций, как прямое пространственное противопоставление работ Лисицкого и Ильи и Эмилии Кабаковых: «Космос — Голоса в пустоте», «Чистота форм — Мусор», «Победа над бытом — Быт победил», «Памятник Лидеру — Памятник Тирану», «Трансформируя жизнь — Бегство от жизни», «Вера в реализацию будущего — Нереализованная утопия», «Художник как реформатор — Художник как рефлектирующий персонаж».

Для нас эта выставка особенно актуальна потому, что сегодня мы опять мучительно пытаемся найти некую утопическую, проектную модальность. Глобальный кризис, с которым мир столкнулся в начале XXI века, возвращает нас к поискам новой большой утопии. Выставка «Утопия и реальность?» проблематизирует вечную тягу человеческой цивилизации к утопическому проектированию и трагические результаты, которыми заканчиваются попытки практического воплощения утопии.

Мы выражаем благодарность всем институциям и коллекционерам, предоставившим экспонаты для выставки: Музею Ван Аббе, Национальному музею современного искусства / Центру Жоржа Помпиду, Музею Соломона Гуггенхайма, Государственному Эрмитажу, Государственной Третьяковской галерее, Государственному театральному музею им. А. Бахрушина, Российскому государственному архиву литературы и искусства, The Harmony Trust Settlement, Tsukanov Family Foundation, Galleria Continua, Galerie Thaddaeus Ropac, галерее «Риджина», Эрне Йоллес, Хейну ван Лаарховену, Сергею Лисицкому и Владимиру Царенкову.

Эпическая большая выставка Ильи и Эмилии Кабаковых в ГТГ

Осенью 2018 года и частично зимой 2018-2019 годов уникальную выставку можно было увидеть, прочувствовать, пройтись и в полной мере прочувствовать в здании Новой Третьяковской галереи на Крымском валу. Это была первая крупная выставка российских художников Ильи и Эмилии Кабаковых, включающая работы самого Кабакова (до середины 1980-х) и их совместные проекты после этого времени.Сейчас художники живут в Нью-Йорке, США, но их прошлое и воспоминания связаны с советским временем, и кажется, что выставка во многом ориентирована на то, чтобы заново открыть и переосмыслить советское в каждом из нас. Это проект, выполненный в сотрудничестве с галереей Тейт и Государственным Эрмитажем, поэтому после поездки в Лондон и возвращения в Санкт-Петербург он находит свой конечный пункт назначения в Москве.

Илья Кабаков. Ответы экспериментальной группы. 1970–1971 гг. Частная коллекция

Одно из главных намерений Ильи Кабакова на протяжении всей выставки — попытаться освободить нас от необходимости и ожидания просто впитывать его работы с внутренней свободой интерпретировать их по-разному.Работы, представленные в первых двух «Комнатах» (выставка задумана как своеобразная коммуналка) – «Ответы экспериментальной группы» (1970-1971), «К 25 декабря в нашем районе…» (1983) и « График семейного поведения Мокушанских» (1982) – те, которые насмешливо относятся к любым установленным правилам поведения или любой заданной возможности ответов. Кабаков разочаровывается в «человеко-советском» типе человеческого поведения и вскрывает двойную сторону вещей, которые должны иметь только одну, параллельно показывая дистанцию ​​между субстанцией и провозглашаемым.Так, люди в «Ответах» дают очень догматичные (но очень разные) интерпретации коллажа из метлы, игрушечного поезда и пальто на вешалке, а в «Расписании» дают очень правильное и очень гендерно-специфическое разделение труда и отдых в семье так характерен для советских правил. «25 декабря» показывает, что то, что провозглашается достигнутым к определенной дате, на самом деле есть не что иное, как незаконченный щебень и грязь.

Илья Кабаков. Человек, улетевший в космос из собственной комнаты. 1985.Собрание Центра Жоржа Помпиду. © Илья Кабаков Фото © Тейт (Эндрю Данкли)

Следующие три инсталляции в Комнате 3 организованы на тему невероятных, удивительных событий в, казалось бы, предсказуемом пространстве коммунальной квартиры. Он снова бросает нам вызов изменить наши представления о том, что возможно, а что нет, и игриво вводит идею возможности бегства от унылой рутины советской повседневности. Так, в инсталляции «Происшествие в коридоре возле кухни» (1989) все кастрюли и кастрюли словно взлетели на воздух (почти как в «Мойдодыре» Чуковского), а «документально подтвержденный рассказ очевидца» событие присутствует, чтобы издевательски создать ситуацию реального события.Тот же парадоксальный механизм отношения к чуду как к нормальной данности представлен в инсталляции «Человек, улетевший в космос из собственной комнаты» (1985), где скрупулезно изложены рассказы соседей о теории этого человека, а мы видим пустая катапульта и дыра в потолке этой мужской комнаты. Комната забита советскими памятными вещами и плакатами – так человек убегает в неизвестность от мира, пропитанного советскости.

В двух более поздних работах, представленных в Зале 6 (они относительно небольшие по масштабу), мы видим то, что может показаться макетами декораций.Первая называется «Вертикальная опера (Гуггенхайм)» (1998/2008) и исследует театральность истории и фокусируется на видении того, что историческое развитие может быть представлено не на временной шкале (в хронологическом порядке), а в вертикальной шкале. Так, знаменитая ротонда музея Гуггенхайма в Нью-Йорке становится карусельной сценой, на которой представлены все периоды развития советского государства (почти сходные с марксовыми историческими формациями и явно пародирующие их), с марширующими или прогуливающимися по кругу людьми. каждый соответствующий уровень.Точно так же в «Где наше место?» (2002/2007) мы заглядываем в художественную галерею, где большие ноги неизвестных фигур (возможно, статуи вождей или богов, которые на самом деле оказываются посетителями галерей XIX века) окружены нормальными маленькие современные посетители, которые рассматривают современные экспонаты. Гигантские фигуры на самом деле смотрят на какое-то другое искусство 19-го века, которое слишком велико, чтобы его можно было увидеть во всей полноте. Инсталляция играет с нашим стремлением увидеть все в ожидаемом формате, где этот микс вносит постоянную путаницу и неуверенность, куда смотреть.

Илья Кабаков. Не всех возьмут в будущее. Собрание MAC, Вена. © Илья и Эмилия Кабаковы Фото © Тейт (Эндрю Данкли)

В зале 7 находится инсталляция, давшая название всей выставке: «В будущее возьмут не всех». У него есть поезд, который, казалось бы, уходит, и странная темная комната или железнодорожный холл перед ним, полный забытых или выброшенных произведений искусства, предметов и книг. Вспоминаются поэты-футуристы ХХ века, стремившиеся «сбросить Пушкина с парохода истории», и вполне субъективные механизмы, заставляющие нас забывать одни произведения искусства и вспоминать другие.В этой комнате чувствуешь себя чуть ли не потерянным ребенком, опоздавшим на поезд, увозивший его или ее друзей в неведомые далекие страны чудесных приключений, и потому вынужденный Кабаковым размышлять о теневой стороне самого искусства – что это значит для быть забытым, непризнанным, старомодным? Это как чеховская «Чайка», поставленная наоборот, от славы к ничтожеству.

Другие виды диссоциации ожидания и воспринимаемой реальности можно найти в инсталляциях «Пустой музей» (1993) в комнате 8 и «Туалет» (1992/2017) в комнате 9. Интересно, что я сам был свидетелем замешательства двух посетителей, когда они испытывали две из этих инсталляций. Первую окружает настоящий грандиозный музей с классической музыкой и светом, льющимся из больших окон – окна света сами являются пустыми местами для картин. Там сидели мужчина и женщина, проявляя признаки опасения, а затем подошли к «Туалету», который внезапно показывает содержимое двух нормальных жилых комнат (с женскими и мужскими атрибутами и предметами соответственно) в здании, похожем на старый советский уличный туалет. с большими буквами «М» и «Ф» (МЖ) на каждом из них.Эти посетители не хотели дистанцироваться от собственных ожиданий и находили концептуальное искусство Кабакова обманчивым и бесцельным, и я не стал с ними спорить, так как художники оставляют именно эту свободу восприятия, в том числе и негативную.

Илья Кабаков. Лабиринт: Альбом моей мамы. 1990. Коллекция Тейт. © Илья Кабаков Фото © Тейт (Эндрю Данкли)

Больше всего меня (как антрополога, занимающегося биографией жизни) впечатлила инсталляция Кабакова «Лабиринт: Альбом моей матери» (1990), фактически купленная Тейт Модерн. Чтобы войти в эту инсталляцию, которая на самом деле является самой большой на выставке (занимает комнату 12, которую сначала нелегко найти), вам нужно пройти через дверь, а затем продолжить свой путь по извилистому коридору, который кажется (опять же) часть коммунальной квартиры или государственной коммунальной резиденции ( общежитие ). В лабиринте сплошные выдержки из биографии матери Кабакова Берты Солодухиной, напечатанные на пишущей машинке и сопровождаемые нейтральными и позитивными кадрами городов Бердянска и Москвы, где раньше жила женщина.Очевидный контраст между общей жизнерадостностью кадров этой «жизни советских людей» и выдающейся ненормальностью описываемой жизни женщины, включая постоянную беспризорность, состояния, граничащие с рабством и изнасилованием, постоянную заботу о братьях и сестрах, а затем о сыне и непрерывную страданий и самопожертвования ради других. В автобиографии нет ни горечи, ни жалости к себе, но сквозь пассивный тон чувствуется нарастающий ужас перед тем, что эта женщина пережила в Советском Союзе вплоть до конца 1980-х, когда заканчивает свой рассказ. Таким образом, «нормальная советская женщина» на картинках выше снова противопоставляется теневой стороне советского бытия, где безропотно и безропотно проживаются самые ужасные состояния.

Завершается выставка в Зале 13 на позитивной, почти мистической ноте – инсталляцией Ильи и Эмилии Кабаковых с заманчивым названием, которое само по себе является пародией на современные книги по самосовершенствованию или инструкции для пользователя – «Как встретить ангела? Набор состоит из большой деревянной модели человека, который, следуя инструкциям, встретил своего ангела в окружении плакатов с подробностями выполнения проекта и зарисовками ангелов и людей в других подобных ситуациях.Кабаковы призывают нас всегда мечтать о «а что, если» (как это делал Человек, который улетел в космос) и всегда позволять нашему творчеству брать верх над нашими страхами, позволяя нам взлететь в небо и разбить стеклянный потолок невозможности. Даже созерцание этого акта освобождает разум, и человек выходит из Третьяковской галереи, думая о том, что произойдет, если мы действительно бросим вызов нашим рутинам и «нормальным» способам мышления и поведения в повседневной жизни.

Интервью с куратором выставки Ильей Кабаковым в Тейт, Лондон

Текущая выставка Ильи и Эмилии Кабаковых в галерее Pace — Илья и Эмилия Кабаковы

Наташи Курчановой

30 декабря 2015

Эмилия Кабаков никогда не увидит реальность в том, что за этой работой никогда нельзя увидеть реальность: , но всегда затемняется намеренно или по необходимости»

Эмилия Кабакова, которая сотрудничает со своим мужем, российским концептуальным художником Ильей Кабаковым, рассказывает о совместной работе, их выставке в галерее Pace и других проектах, которые они планируют

Илья а текущая выставка Эмилии Кабаковой в галерее Pace в Нью-Йорке выдает ожидание пространства, которое мы ожидаем увидеть, когда слышим имя Кабакова.Время тотальных инсталляций типа «Десять персонажей, или Он сошёл с ума, разделся и убежал голым», установленных в галерее Рональда Фельдмана в конце 1980-х — начале 90-х годов, явно прошло. Тогда Илья Кабаков был новичком на нью-йоркской арт-сцене с работами, погружающими зрителя в атмосферу сюрреалистического советского застоя. Теперь, спустя более четверти века — за это время он поселился в США, начал сотрудничать со своей женой Эмилией и приобрел статус одного из самых значимых художников среди бывших советских нонконформистов — тон и манера его творчества изменилось.Больше не подготавливая почву для антиутопического образа жизни, порожденного заблуждениями и неудачами советской системы, выставленные картины отсылают к советскому визуальному представлению и его истории, сопоставляя во фрагментах гипотетические сюжеты из советской жизни и классическую или барочную мифологию. Акцент выставки на истории выходит за пределы холста. Объем представленных работ охватывает рисунки точками или кружками из альбома 1960-х годов «Математический Горский» [из серии «10 персонажей»), в которых художник изображает — также фрагментарно — навязчивые мечты о побеге типичного советского человека, попавшего в ловушку. в кафкианском кошмаре поздней советской жизни.

Эмилия Кабакова любезно согласилась поговорить с Studio International о выставке, ее сотрудничестве с мужем и развитии его творчества.

Наташа Курчанова: Я хотела спросить вас о вашей творческой деятельности. Насколько я понимаю, до работы с Ильей, то есть с конца 1980-х, вы не занимались изобразительным искусством. Как знакомство с Ильей сформировало вас как артиста?

Эмилия Кабакова:  Сказать, что «я стала артисткой», было бы неправильно.Я не считаю себя независимым художником. Мы с Ильей всегда работаем вместе. Я никогда ничего не делаю сам. Это очень трудно объяснить, и поэтому я обычно воздерживаюсь от таких объяснений. Люди, наблюдающие за нашей совместной работой, говорят, что со стороны кажется, будто мы работаем как один человек. К моменту, когда мы с Ильей начали работать вместе, я много лет занимался изобразительным искусством. Работал куратором, арт-консультантом и дилером.

Н.К.: Я видел документальный фильм Амей Уоллах «Илья и Эмилия Кабаковы: Войдите сюда».Этот фильм довольно хорошо показывает, как вы сотрудничаете.

EK:  В конце 80-х я начал работать с Ильей организатором, ассистентом и переводчиком. Постепенно мы начали делать проекты вместе. Я с трудом считаю себя художником, потому что считаю, что для того, чтобы в чем-то преуспеть, человек должен долго учиться и практиковаться. Я, например, профессиональный музыкант, и 25 лет своей жизни отдал изучению музыки. Я научился играть, репетировать, выступать – в результате этого процесса я стал профессионалом.Любая художественная практика требует профессионального образования. Я пришел к изобразительному искусству, обучаясь через книги, посещая музеи и выставки, рассматривая искусство, размышляя, и поэтому можно сказать, что я художник-самоучка. У меня есть воображение и идеи, необходимые художнику, но не профессиональная подготовка. Мне не хватает этой подготовки, и поэтому я не называю себя художником. Многие художники так не считают, но я чувствую.

Н.К.: Я подозреваю, что вы так себя чувствуете, потому что вы выросли и получили образование в бывшем Советском Союзе.

ЕК:  Да, возможно. Мой внук, например, занимается на скрипке от четырех до восьми часов в день. Это то, что я называю стандартным классическим образованием. В изобразительном искусстве обучение было похоже на музыкальное обучение. Это не больше. Например, я не умею рисовать как профессионально подготовленный художник. Я могу начертить архитектурный проект, потому что меня этому учили в школе, но рисовать я могу только на любительском уровне. Илья — профессиональный художник; он может рисовать, писать любые картины, он знает историю искусств.Его концептуальная ориентация позволяет нам сотрудничать.

Н.К.: Не могли бы вы рассказать мне о вашей с Ильей выставке в галерее Pace? В нем ваши недавние картины и гравюры с рисунков Ильи 70-х годов. Это не похоже на типичную выставку, потому что у нее нет определенной темы. Он называется просто «Новые картины».

EK:  У этой выставки есть тема. Это тема обращения истории к истории искусства и того влияния, которое эта культурная история оказывает на современное искусство.Но, как обычно, есть много скрытых смыслов и инсинуаций, которые человек, в зависимости от своего культурного происхождения, сможет увидеть, почувствовать и распознать. На выставке представлены две серии картин: первая называется «Два времени» и представляет сцены из классических сюжетов в сочетании со сценами из воображаемой советской жизни, а вторая называется «Временная потеря зрения». Он включает в себя представления идеализированной жизни, покрытой сеткой точек. Серия «Два времени» руководствуется идеей фрагментарности искусства.Илья давно хотел реализовать эту идею и работает над ней уже года три-четыре. Вначале мы брали фрагменты из разных периодов истории искусств более или менее наобум, но сейчас Илья больше обращается к барокко. Все образы взяты из воображения, конечно. Это означает, что сцены, которые изображает Илья, взяты не из конкретных произведений, а отражают общие тенденции и приемы, характеризующие определенный стиль. Я только что закончил читать книгу [искусствоведа] Барри Швабски, в которой он говорит, что Кабаков фрагментарно раскрывает вторичный пласт воображения в этих картинах.

Вторая серия, «Временная потеря зрения», как я уже говорил, отличается точками, покрывающими поверхность картин. Это не новая тема, потому что Илья разработал точки в 60-х годах, и ранние рисунки того периода также выставлены в галерее Pace в виде гравюр. Таким образом, эта серия также является своего рода размышлением о прошлой работе. Например, помните картины Ильи, украшенные фантиками? Эти картины были сделаны в Советском Союзе. Идея заключалась в том, что художник украшал реальность, которую ему было слишком скучно созерцать.Картины «Временная потеря зрения» — о реальности, которая яркая и интересная, но зрение человека затуманено, и увидеть ее без предвзятости невозможно. Идея этого сериала заключается в том, что реальность никогда нельзя увидеть прямо, но она всегда скрыта либо намеренно, либо по необходимости.

Н.К.: На этой выставке вы разместили ранние графические работы точками, чтобы показать связь между ними?

EK:  Да, в 2017 году на ретроспективе в Тейт Модерн мы покажем и старые, и новые работы с точками.

Н.К.: Илья использует в работе фотографии или иллюстрации? Когда вы говорите мне, что он берет свои сюжеты из воображения, значит ли это, что он не использует вспомогательные образы, помогающие ему рисовать?

EK:  Он иногда использует фотографии, но дело в том, что художнику с таким богатым воображением, как у него, не нужно смотреть на фотографии или модели. Он может использовать их, но только для вдохновения. Он не копирует их в точности. Он не представляет реальность того, что видит, а использует свое воображение, чтобы уйти от этой реальности. В конце концов, не имеет большого значения, использует ли он настоящую модель или фотографию, когда рисует или рисует. Кроме того, старые советские фотографии, которые он иногда использует, уже не являются изображением действительности, а скорее фантазией фотографа, и их можно назвать постановочной советской действительностью.

Н.К.: А установки? Кабаков считается основоположником тотальных инсталляций, но сейчас он как бы отходит от них – на этой выставке, например.

ЕК:  Да, я согласен с этим.Он начинал как простой живописец, потому что обучался в советской художественной школе. Затем его картины превратились в концептуальное искусство. Затем они становились картинами, написанными персонажами, и эти персонажи входили в инсталляции, где они также создавали картины, соответствующие теме конкретной инсталляции. Сейчас мы видим возвращение персонажей, написавших эти работы, а также самого Кабакова как живописца. Его картины остаются концептуальными, потому что сопоставление прошлого и настоящего в произведении — это концепт, но они написаны Кабаковым, а не выдуманным персонажем.

НК: Вы упомянули о предстоящей ретроспективе в Тейт Модерн. Какие еще проекты появятся в ближайшем будущем?

EK:  Мы работаем над ретроспективой Тейт больше года. Она запланирована на октябрь 2017 года. Затем она отправится в Эрмитаж в Санкт-Петербурге и Третьяковскую галерею в Москву. Также в 2017 году мы планируем провести выставку в музее Хиршхорна в Вашингтоне. В 2016 или 2017 году у нас будет выставка в Дубае в галерее Лейлы Хеллер.У нас также была выставка в Китае, которая только что закрылась. Далее он отправляется в Японию. В сентябре 2016 года мы представим наш «Корабль толерантности» в Швейцарии, после чего проект переместится в Маргейт, Англия. Также в следующем году мы курируем выставку из коллекции Джанкарло и Данны Ольгиати под названием «От Родченко до Кабакова». Через несколько лет мы планируем выставку в Национальном музее Норвегии.

НК: Какие работы будут в ретроспективах?

EK : В ретроспективе будут представлены графические работы с 1950-х годов до настоящего времени. Будут скульптуры и разные объемные проекты, а также картины и инсталляции, в том числе «Лабиринт» («Альбом моей матери») из коллекции Тейт Модерн.

Н.К.: Не могли бы вы подробнее описать Корабль Терпимости?

EK : Корабль Терпимости — это интерактивная мультимедийная инсталляция, проект, расширяющийся во времени и пространстве. На первый взгляд, это лодка, которую делаем мы с Ильей. Парус этого корабля сделан по детским рисункам на холсте.Сюжеты рисунков различаются, но вращаются вокруг тем терпимости и необходимости знать и уважать ценности различных рас и религий. Проект был запущен в 2005 году в Египте под названием «Корабль Сивы». С самого начала в нем участвовали дети и их творчество. Позже мы расширили его таким образом, что его начали использовать в школах, где детей учили важности уважения к различным культурам и образам жизни через искусство, музыку и язык. Этот проект проходил в Венеции во время биеннале 2007 года.Он также проходил в Санкт-Морице, где был удостоен премии Cartier. В 2012 году мы привезли этот проект на Кубу, куда пригласили детей из России и США выступить на концерте вместе с кубинскими детьми. Впервые с 1958 года американские дети прибыли прямо из США на Кубу. В рамках этого же проекта при поддержке Центра современной культуры «Гараж», Города Москвы и Московского мультимедийного музея кубинские и американские дети отправились в Москву, чтобы дать концерт вместе с местными юными музыкантами.Над музыкальной частью мы работали с Фондом Спивакова. Потом этот же проект мы привезли в Бруклин, и концерт состоялся в The New York Historical Society.

Сейчас мы отправляем наш Корабль толерантности в Швейцарию, где в нем принимают участие 60 школ со всей страны. Мы приглашаем детей из центров для беженцев в музеи, где они примут участие в культурной программе, связанной с «Кораблем толерантности». Помимо рисунков для корабля, детские работы будут выставлены в аэропортах, на вокзалах, в отелях и других общественных местах Швейцарии.Мы собираемся встретиться с детьми и их родителями и поговорить с ними о толерантности и разнообразии. Корабль толерантности также отправится в Маргейт при поддержке Turner Contemporary, откуда он будет доставлен в Лондон и пришвартован перед галереей Тейт. Кроме того, мы готовим специальный интернет-проект, который станет продолжением «Корабля толерантности». Это будет интерактивная программа, в которой дети из разных стран мира смогут участвовать в дискуссии со своих персональных компьютеров.

Илья и Эмилия Кабаковы: Новые картины в галерее Pace, Нью-Йорк, до 23 января 2016 г.

В Москве обновленная выставка русского искусства ХХ века Обновленная постоянная экспозиция русского искусства ХХ века так же головокружительна, как перипетии истории страны и непрекращающиеся споры о постсоветской национальной идентичности.

Он занимает 42 зала филиала музея «Крымский вал» — огромного лабиринта позднесоветской эпохи недалеко от особняка XIX века, в котором хранится флагманская коллекция икон и искусства XIX века Третьякова.

«Сочетать произведения классиков авангарда — Ларионова, Малевича и Татлина — советское официальное искусство и антисоветское подполье, и присовокупить к этому современное искусство, которое многие считают мусором, — задача чрезвычайной сложности , — написала искусствовед Ольга Кабанова в газете «Ведомости» в конце прошлого месяца.

Она назвала выставку «главным достижением музея». Кураторы и критики горячо обсуждают достоинства выставки, которая в полном объеме открылась для публики в июне.

«Конечно, это только начало понимания искусства ХХ века, сложного и парадоксального, а история нашей страны была трагичной», — сказала заместитель директора Третьяковки Ирина Лебедева перед открытием залов с 15 по 38. , который она курировала. «Мы хотели бы попытаться изменить некоторые стереотипы, которые сложились как внутри нас самих, так и среди наших зрителей, а внутри арт-сообщества, может быть, взглянуть на XX век с несколько иной точки зрения.Одна из самых резких критических замечаний исходит от коллеги Лебедевой Андрея Ерофеева, директора отдела современного искусства музея и куратора залов с 39 по 42.

Советские формы восприятия и описания культуры закончились, — сказал он на прошлой неделе, имея в виду разгар гласности и перестройки Михаила Горбачева. — Фашистская Германия потерпела поражение в 1945 году. Как будто нацистское искусство все еще демонстрируется в новой Германии в 1965 году.Хотя должен сказать, что когда я посетил Мюнхен, знаменитую академию художеств, которая была колыбелью нацистского искусства, я узнал, что некоторые художники, которых любил Гитлер, преподавали там до 1968 года. Здесь аналогичная ситуация, только хуже».

Социалист Лучшие хиты реализма по-прежнему занимают видное место. В одном зале под названием «Социалистический реализм: искусство и власть» представлены льстивые картины Сталина Александра Герасимова и Василия Ефанова 1930-х годов. кадры разрушения Храма Христа Спасителя по приказу Сталина в 1931 году.Он стоит возле оды художников Сталину, напротив окна, из которого открывается захватывающий вид на собор, перестроенный в 1990-е годы.

«Времена года русской живописи» — развернутая интерпретация произведений двухвековой русской и советской классики по заказу Третьякова модного дуэта современного искусства Владимира Дубосарского и Александра Виноградова — заполняет три стены зала 38. Он объединяет знаковые образы. всех, от Сталина до Павла Флоренского, священника-философа, погибшего в ГУЛАГе.

«Почему бы им не быть на одной картине теперь, когда эта идеология закончилась?» — сказал Дубосарский. «Это начало разговора о старых установках, о самой возможности диалога». Залы 1-14 и 39-42, в которых представлены работы мастеров авангарда Малевича и Кандинского, а также Ильи Кабакова, когда-то запрещенных в Третьяковке, открылись в 2006 году во время празднования 150-летия музея.

Тогда же была представлена ​​воссозданная в 1921 году оригинальная выставка мобильных телефонов и конструкций пионеров конструктивизма, в том числе Александра Родченко, созданная для Третьякова неоконструктивистом Вячеславом Колейчуком, чьи оригинальные работы советского андеграундного художника также находятся в постоянной экспозиции. .

Нонконформисты стали фаворитами растущего класса богатых российских коллекционеров произведений искусства — работы художников советской эпохи, таких как Дмитрий Краснопевцев, были проданы на аукционах за 1 миллион долларов, — которые сдают их музеям, в том числе Третьяковскому. В этом месяце в Государственном Историческом музее на Красной площади состоялся круглый стол, посвященный взаимоотношениям коллекционеров и музеев.

Выставку открывает еще один любимец коллекционеров: яркая дореволюционная группа художников-авангардистов «Бубновый камердинер» или «Бубновый валет».

Последние физические улучшения печально известных мрачных залов Крымского Вала, охраняемых бабушками с ястребиными глазами, включают в себя новое освещение, перегородки и некоторые стены, окрашенные в драматически глубокие цвета.

Лебедева сообщила, что экспозиция будет обновляться примерно раз в пять лет.

Первая попытка реконструировать выставку в 1998 году наткнулась на укоренившиеся советские предрассудки, считает Виталий Пацюков, искусствовед и куратор Государственного центра современного искусства, где сейчас работают многие участники бывшего советского художественного андеграунда.

«Раньше приходилось считаться с остатками старой советской идеологии», — сказал Пацюков даже в разгульные 1990-е в кафе центра, излюбленном месте встречи артистичных хипстеров. «Сегодня есть принципиальная экспозиция». Он добавил: «Каждый музей, каждая нация постоянно пересматривают историю искусства».

О Третьяковке он сказал: «Впервые история искусства изложена правдиво».

Но Иосиф Бакштейн, комиссар двух первых московских биеннале современного искусства в 2005 и 2007 годах, сказал, что общая концепция Третьяковки все еще не соответствует действительности: «Она не соответствует международным стандартам интерпретации искусства ХХ века». он сказал.«Третьяковка — провинциальный музей». Музей современного искусства международного уровня потребует денежных вливаний «на уровне Абрамовича», сказал Бакштейн, имея в виду миллиардера Романа Абрамовича с большими расходами.

Москва | Фриз

Показаны результаты 1-12 из 12

Эндрю Паскье, объявленный обновленным «Домом культуры» советских времен, посещает недавно открытый культурный центр российской столицы 

Две выставки в Temporary Gallery в Кёльне и в МСА «Гараж» в Москве посвящены искусству эпохи экологического коллапса

Фотографии Евгения Фикса, элегические и дерзкие, бросают вызов идеализированной русской гетеросексуальности

В московском Музее современного искусства «Гараж» на первой в России персональной выставке художника из Карачи западные модернисты обращаются против самих себя

Петр Верзилов, штурмовавший финал ЧМ в антипутинском протесте, сейчас находится в реанимации

18 сен 18

Кейт Бланшетт готовит свой лучший образ Марины Абрамович; фальшивый раввин в ограблении Ренуара; а Ай Вэйвэй заявляет: «Я корова»: все последние глупости в мире искусства

В другом месте: кафе MoMaCha говорит, что MoMA не «по-настоящему знаменит»; селфи-фанатики устраивают хаос на выставке Кусама, последнее безумие в мире искусства

Размышляя о пропаганде, палимпсестах и ​​презентации работ Тино Сегала в Москве

Новая Третьяковская галерея, Москва, Россия

Музей современного искусства «Гараж», Москва, Россия

Казимир Малевич, ставший героем ретроспективы в Тейт Модерн в Лондоне, обычно считается трудным мистиком 

Возвращение Ильи Кабакова в Россию и обновленный Московский музей Пушкина

Музей современного искусства «Гараж» представляет документальный фильм об Илье и Эмилии Кабаковых