Выставка кабакова в третьяковке время работы: \»Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех\»

\»Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех\»

6 сентября 2018 (четверг)
19:00
«Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех»
Новая Третьяковка
Адрес: Крымский вал, 10 (м. Октябрьская)
Сайт: https://www.tretyakovgallery.ru

Льготная цена 1 билета: бесплатно

Длительность: 2 часа


Билеты закончились

Новый выставочный сезон в Третьяковской галерее открывает важный международный межмузейный проект — выставка произведений Ильи и Эмилии Кабаковых. За годы деятельности они провели более 500 персональных выставок на самых престижных площадках мира. Настоящий показ — первая масштабная ретроспектива Кабаковых.

Проект, над которым Третьяковская галерея работала вместе с галереей Тейт Модерн и Государственным Эрмитажем, уже был представлен в Лондоне и Санкт-Петербурге со своими особенностями экспозиции и составом экспонатов. Осознавая значимость события, наш музей лишь второй раз за годы существования в здании на Крымском Валу предоставил самые большие выставочные залы, где традиционно демонстрируются развернутые монографические ретроспективы классиков русского искусства, для персонального проекта современных художников.

Илья Иосифович Кабаков (р. 1933) — один из основателей московской концептуальной школы, создатель особого вида современного искусства — «тотальной инсталляции». С конца 1980-х годов все свои проекты он выполняет совместно с женой и соавтором Эмилией Кабаков (урожденной Леках).

Произведения Кабаковых посвящены универсальным, понятным каждому человеку чувствам — страху, надежде, мечте. Многие из них переносят зрителей «назад в СССР», в мир коммунальных квартир и «мест общего пользования», об обитателях которых рассказывают оставленные ими следы: личные вещи, бытовые предметы, рисунки, картины, тексты. Концепцию «тотальной инсталляции» можно сравнить с идеей Gesamtkunstwerk — универсального произведения искусства, синтезирующего различные его виды. Инсталляции Кабаковых предполагают полное погружение зрителя в среду, формируемую специально сконструированным пространством, в котором важную роль играют не только картины, тексты и предметы, но и архитектура, цвет стен, свет, звук.

Первые инсталляции Илья Кабаков создавал в 1980-х годах в своей знаменитой мастерской на Сретенском бульваре. В 1987 году, получив грант Министерства культуры Австрии, Кабаков впервые выехал за границу и полгода жил и работал в Граце. С 1992 года он постоянно проживает в США.

Название проекта «В будущее возьмут не всех» заимствовано у одной из самых важных инсталляций, занимающей центральное место в экспозиции. На выставке представлены произведения, охватывающие период почти в шесть десятилетий — от ранних работ Ильи Кабакова, выполненных до отъезда из СССР, до инсталляций, макетов и живописных серий последних лет. Впервые за всю выставочную историю собраны вместе программные картины, рисунки, объекты и инсталляции художников: альбомы «Десять персонажей», инсталляции «Человек, улетевший в космос из своей комнаты», «Случай в коридоре возле кухни», «Мусорный человек или человек, который никогда ничего не

выбрасывал», «Три ночи», «Лабиринт. Альбом моей матери» и другие. От экспозиций в Тейт Модерн и в Государственном Эрмитаже настоящая выставка отличается тем, что в ее состав включена инсталляция «Пустой музей», а также ряд ключевых произведений Ильи Кабакова из частных собраний.

Проект дает возможность широкому кругу зрителей познакомиться с творчеством Ильи и Эмилии Кабаковых, почувствовать, что современное искусство может вызывать невероятную эмоциональную вовлеченность, быть понятным и доступным. Именно это качество произведений Кабаковых, ясные пластические решения, мастерство художественного воплощения делают их высказывания актуальными для самой разной зрительской аудитории.

К выставке издан альбом-каталог на русском и английском языках, в который вошли более 100 иллюстраций, статьи крупнейших искусствоведов, а также цитаты из текстов Ильи Кабакова. Обширная образовательная программа, сопровождающая выставку, включает встречу с Эмилией Кабаков, лекции, тематические экскурсии, кинопоказы.

К открытию выставки в Новой Третьяковке приурочена премьера фильма «Бедные люди. Кабаковы», снятого Музеем современного искусства «Гараж» к 85-летию Ильи Кабакова. Автором ленты стал журналист и телеведущий Антон Желнов. Премьера фильма состоится в летнем кинотеатре «Гаража» 6 сентября. В музейном кинотеатре Третьяковской галереи фильм будет представлен 8 сентября, а 13 сентября он выйдет в прокат.

В период подготовки к выставке Илья и Эмилия Кабаковы передали Третьяковской галерее свою легендарную мастерскую на Сретенском бульваре, а также 3 живописных произведения, которые впоследствии будут там выставлены. Мастерская станет отделом Третьяковской галереи, где будут сохранена мемориальная часть, создана экспозиция, посвященная истории московского концептуализма, проводиться дискуссии и встречи.

Выставка в Третьяковской галерее завершает беспрецедентную для музейного мира по широте охвата и значению триаду международного показа произведений лидеров современного концептуального искусства и открывает путь для их новых проектов.

Эмилия Кабакова, художник:

«Эрмитаж и Третьяковская галерея — это великие музеи не только России, но и мира. Для любого художника это мечта и большая честь выставиться здесь. За 30 лет мы сделали более 300 инсталляций, но показывали их в основном за границей в ”чужом“ для них пространстве.

А для нас как художников очень важно посмотреть, как они ”работают“ в Третьяковке, в своем контексте, где они иначе и интерпретируются, и ”звучат“, и даже выглядят. Здесь от них другое впечатление, люди иначе воспринимают и реагируют на эти произведения. В Тейт посетители плакали, в Эрмитаже — нет, но реагировали эмоционально, работы затрагивали их собственные переживания, вызывали детские воспоминания. Еще очень важно, что в такое сложное время музеи — Тейт, Эрмитаж, Третьяковка — работают вместе. Культурные связи — это то, что сегодня нам помогает оставаться людьми».

Зельфира Трегулова, генеральный директор Третьяковской галереи:

«Для Третьяковской галереи этот проект невероятно важен — мы проводим первую выставку самого известного в мире русского художника и восстанавливаем тем самым историческую справедливость. Используя в работах приметы и особенности советской жизни, Кабаковы создавали и создают произведения, которые лишены налета ”местечковости“, а через конкретные факты собственной биографии передают общечеловеческие смыслы, историю о жизни и страданиях, понятную всем.

Настоящий проект, наконец громко озвученный в России, — оммаж великому художнику, приуроченный к его 85-летию».


Выставка Кабаковых «В будущее возьмут не всех» торжественно открылась в Москве

5 сентября 2018, 18:48

МОСКВА, 5 сентября. /ТАСС/. Открытие ретроспективной выставки «Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех», где представлено около сотни произведений, прошло в Новой Третьяковке на Крымском Валу в Москве в среду вечером. Эмилия Кабакова поблагодарила друзей, которые помогли ее супругу в трудные годы, и активно поддерживают культуру.

Помогая искусству

«Поскольку вся энергия ушла на инсталляцию, на работу, то я очень быстро отделаюсь от торжественных речей. Во- первых, я хочу поблагодарить друзей Ильи, которые здесь присутствуют, потому что без того, что они поддерживали его в самые тяжелые годы, его бы просто не было сегодня там, где он есть», — сказала Кабакова.

Ранее она сообщила, что Илья Кабаков не сможет присутствовать на открытии выставки в Москве, так как ему тяжело даются долгие перелеты.

Кабакова добавила, что «дружеская среда, которая была создана в 1970-80-е годы, — это то, что дало возможность многим людям подняться и стать тем, кем они стали». Отдельно она выделила председателя правления компании «Новатэк» Леонида Михельсона и директора фонда V-A-C Терезу Мавику.

«Потому что это не компания дает деньги, это человек дает деньги, это человек, который организует все. И никогда не было бы этой выставки ни в Тейт, Эрмитаже, ни здесь, если бы такие люди нам не помогали. И он (Михельсон — прим. ТАСС) когда-то мне сказал очень много лет назад, что дает деньги не для славы, не для того, чтобы потом заработать на этом искусстве. Он их дает для того, чтобы культура существовала и чтобы молодежь могла каким-то образом к ней приобщаться. Так что огромное спасибо за эту поддержку культуры», — подчеркнула Кабакова.

© ТАСС

Первая масштабная ретроспектива

Выставка «В будущее возьмут не всех» стала результатом совместной работы Эрмитажа, Третьяковской галереи и Галереи Тейт. Это первая масштабная ретроспектива Кабаковых. В экспозиции представлено около 100 произведений из художественных музеев и частных коллекций.

Выставку уже показывали в Галерее Тейт и в Эрмитаже. Причем в каждом выставочном пространстве немного иной состав экспонатов. Например, какие-то экспонаты, которые были на выставке в лондонской Галерее Тейт, привезти в Россию не удалось из-за того, что в 2010 году межмузейный обмен между Россией и США был прерван из-за так называемого дела библиотеки Шнеерсона, а многие работы Кабаковых находятся в американских собраниях.

На выставке в Третьяковской галерее, которая пройдет для публики с 7 сентября 2018 года по 13 января 2019 года, представлены произведения, охватывающие период почти в шесть десятилетий — от ранних работ Кабакова, выполненных до отъезда из СССР, до инсталляций, макетов и живописных серий последних лет. Впервые за всю выставочную историю собраны вместе программные картины, рисунки, объекты и инсталляции художников: альбомы «Десять персонажей», инсталляции «Человек, улетевший в космос из своей комнаты», «Случай в коридоре возле кухни», «Три ночи», «Лабиринт. Альбом моей матери» и другие.

Ранее генеральный директор Третьяковской галереи Зельфира Трегулова рассказала ТАСС, что музей лишь второй раз за годы существования в здании на Крымском Валу предоставил самые большие выставочные залы, где традиционно демонстрируются развернутые монографические ретроспективы классиков русского искусства, для персонального проекта современных художников.

Также Трегулова отметила, что это первая выставка Кабаковых в Третьяковской галерее и очень важный проект для музея. Не так давно стало известно, что Кабаковы решили передать в дар Третьяковской галерее свою мастерскую в Москве, где планируется открыть музей, посвященный истории московского концептуализма.

О Кабаковых

Илью Кабакова называют одним из самых востребованных в мире русских современных художников, одной из ключевых фигур московского концептуализма. В 1980-е годы он перешел к созданию инсталляций, в которых вдохновляется атмосферой советского коммунального быта. Самая знаменитая из них — «Человек, который улетел в космос из своей комнаты».

Во второй половине 1980-х годов Кабаков начал выставляться и работать в Европе и США. В это же время его постоянным соавтором стала жена, художница Эмилия Кабакова. В настоящее время художники живут в США. В России их персональные выставки проходили в Эрмитаже, Третьяковской галерее, Центре современной культуры «Гараж». 

Теги:

СШАРоссияТрегулова, Зельфира Исмаиловна

объектов своего времени | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»

Светлана Усачева

Статья: 

ТЕКУЩИЕ ВЫСТАВКИ

Выпуск журнала: 

№3 2012 (36)

Жанру «неподвижной природы» всегда было чуждо понятие спешки. Он настраивает нас на неторопливое общение, заставляет восхищаться деталями и искать в простых вещах скрытый смысл и значение. Натюрморт превращает реальные предметы, созданные природой или рукой человека, в художественный образ, отражающий приметы своего времени, стиля и характера искусства.

Эти особенности жанра определили содержание выставки «Натюрморт. Метаморфозы. Диалог классики и современности», которая откроется в Третьяковской галерее в ноябре 2012 года. Кураторы объединили работы XVIII и XIX вв.веков, расположенные рядом с произведениями конца XX – начала XXI века в едином пространстве, предлагая зрителю возможность стать свидетелем необычного творческого диалога между мастерами прошлого и современными художниками.

В русском изобразительном искусстве XVIII-XIX веков натюрморт занимал место среди «малых» жанров живописи. Такая ситуация была обусловлена, прежде всего, спецификой творчества художников, главной задачей которых было «копирование» реальной жизни. Однако постепенно «минор» принял уничижительный характер, и 18-й и 19-йвека стали рассматриваться как предыстория блестящего расцвета натюрморта в начале 20 века. Выставка бросает вызов этому укоренившемуся предубеждению, подробно знакомя зрителей с этим малоизвестным периодом в истории жанра.

Хотя развитие натюрморта со времен более ранних русских мастеров нельзя назвать последовательным, тем не менее произведения этого периода отличаются как тематическим разнообразием, так и художественным своеобразием. Композиции с академической и художественной деятельностью, цветочно-фруктовыми композициями и посудно-посудными сценами выражают полноту «спокойной жизни» предметов, их внешнюю красоту и смысловую значимость.

Начало и середина 18 века были периодом расцвета «академического» натюрморта. Ее преобладание во многом было связано с просвещением Петра Великого, его увлечением академическими занятиями и коллекционированием редких артефактов, в том числе экзотических предметов и диковин. Под руководством приглашенных Петром в Россию голландских художников Георга и Доротеи Марии Гзелл русские рисовальщики создали в Кунст-камере иллюстрированный каталог природных «диковин» и рукотворных редкостей. Эти рисунки отдельных предметов вряд ли можно назвать «натюрмортами» в полном смысле этого слова.

Совершенно бесхитростно, эти изображения восхищают точностью передачи аутентичного вида и размеров предметов, тщательностью воспроизведения характеристик природных и искусственных материалов. Рисунки Кунсткамеры можно назвать одной из первых попыток понять природу вещей, где академическое изображение неотделимо от художественных задач.

Аллегорические картины vanitas, типичные для европейского искусства, редко встречаются в русском изобразительном искусстве. Несколько образцов, представляющих это направление жанра, весьма наивных по своей манере, хранятся в собрании Исторического музея в Москве. Гораздо более привлекательными для русских любителей искусства были натюрморты с элементами быта. В 1730-х и 1740-х годах особой популярностью пользовались тромпе-лёй с «академическим» содержанием. Увидев в кабинете стеллаж с гравюрами, буквами, изображениями и, может быть, свисающими вниз часами, или книжные полки со стеклянными дверцами, зритель на какое-то время мог поверить, что все эти предметы реальны.

Большинство таких работ происходит из усадебных коллекций музеев Кусково и Останкино. В отличие от рисунков Кунсткамеры, изображающих редкие артефакты, trompes-l’oeil, имитирующие антикварные шкафы, в которых выставлены предметы быта, определяли поле интеллектуальных исследований их владельцев. Они погружены в течение своего времени и привлекают нас своей «захватывающей будничностью», по описанию таких картин известного итальянского писателя Умберто Эко. Именно их бытовая природа позволяет придавать запылившимся кабинетным мелочам, стертым гравюрам или частично оборванным буквам с надписями не один пласт смысла — в частности, позволяет видеть в знакомых предметах символы vanitas.

Метаморфозы иллюзии и реальности, характерные для периода барокко, представлены обманками, часто с фигурами. В собрании Эрмитажа есть изображения обрезов книг с металлическими застежками, принадлежавших Петру Великому; однако большинство сохранившихся обманок представляют собой человеческие фигуры. Такие «натюрморты» создавали театральные эффекты в пространстве усадебных интерьеров и парков, заставая посетителей удивляться. Использовались они и в вполне практических целях — например, мальчик-калмык на картине интерьера кабинета Ивана Шувалова, стоящий у камина, оказывается не только художественным персонажем, но и каминной ширмой.

Натюрморты и графические натюрморты, изображающие атрибуты академического кабинета или художественной мастерской, еще встречаются в искусстве XIX века, но уже крайне редко. Наиболее известное произведение, изображающее мир изобразительного искусства, — это тромплей художника-любителя Александра Мордвинова «Натюрморт: холст-подрамник, папка для рисования и барельеф», выполненный в такой манере. мастерски так, что зрителю всегда хочется перевернуть холст, чтобы увидеть несуществующую картину.

На протяжении двух столетий «цветы и плоды» картина была ведущей в тематической структуре русского натюрморта. Цветочные мотивы встречаются во многих типах изображений — от ботанических рисунков до декоративных рисунков. Цветы и их обычные спутники — насекомые — были важной темой в искусстве барокко, которое придавало явлениям окружающего мира глубокий метафорический смысл. Цветущие и увядающие растения и метаморфозы насекомых рассматривались как атрибуты vanitas, символизирующие эфемерность человеческой жизни и надежду на воскресение души. В то же время большое значение придавалось академическим исследованиям всевозможных натуралий. Эти разнообразные характеристики были представлены в ботанических рисунках растений, тесно связанных с декоративно-флористической живописью. В 1717 году Петр купил ряд рисунков голландской художницы Марии Сибиллы Мериан, ныне хранящихся в архиве Петербургского отделения Академии наук. Мериан в мельчайших деталях воспроизводила вид и строение растений и насекомых, стремясь к академическому изображению, и даже использовала в своих работах микроскоп. В то же время ее акварели до сих пор поражают совершенством композиционного и цветового строя, «необычайной точностью и изяществом в передаче деталей» 1 . Гете причислил Мериан к лучшим голландским живописцам цветов 2 .

Цветочно-фруктовые композиции были незаменимым украшением дворцовых и частных интерьеров в 18 веке. В русских художественных коллекциях сохранилось лишь несколько экземпляров таких картин, например, фигурная dessus-de-porte в Санкт-Петербургском Русском музее, написанная Алексеем Бельским и Иваном Фирсовым для Екатерингофского дворца. Во второй половине века изображения цветов получили статус отдельного жанра в Академии художеств, где в середине 1760-х годов появился класс флористической живописи. Суть его определил в трактате педагог Иван Урванов: «Предметы, употребляемые в флористическом жанре, суть: цветы, плоды и насекомые, которые иногда могут быть дополнены вазами, стаканами, блюдами, ножами и т.п.» 3 . В Академии натуралистический подход к передаче облика неподвижных моделей получил теоретическое обоснование. В ходе практических занятий учащиеся рисовали и раскрашивали отдельные цветы, фрукты и овощи, рассматривая характерные особенности каждого объекта. Они также копировали произведения, преимущественно современных, западноевропейских мастеров: наибольшей популярностью среди студентов пользовались картины французского художника Жана-Батиста Удри, купленные для Эрмитажа императрицей Екатериной I, и произведения голландца Яна Брейгеля Младшего. Но чаще всего в качестве эталона использовались картины, созданные классными руководителями, немецкими художниками Генрихом фон дер Минте (Фондерминте) и Кристианом Фридрихом Хоссенфельдером. На выставке в Третьяковской галерее впервые будет представлена ​​частная коллекционная картина фон дер Минте «Натюрморт с цветами» (1764 г.), единственная известная на сегодняшний день сохранившаяся работа этого художника. На фоне пейзажа изображен пышный букет цветов в вазе, окруженный ракушками, цветами и фруктами. Студентам часто советовали изобразить натюрморт в рамках пейзажа. В 1770–1780-х годах в классе было более 20 учеников, но до сих пор подобных картин русских художников того периода не обнаружено.

В конце 18 века класс флористики был закрыт. Тем не менее в последующие века «цветы и фрукты» стали ведущей темой натюрморта, отражая ведущие стилистические направления. Цветочные и фруктовые композиции заняли важное место в искусстве бидермейера, стиля, олицетворяющего ценности городского среднего класса в европейской культуре 1820–1840-х годов. По мнению искусствоведа Дмитрия Сарабьянова, «среди стилевых направлений XIX века период бидермейера был наиболее натюрмортным», ибо одним из важнейших его качеств была «сосредоточенность на предмете» 4 . В России многие приехали полюбоваться жанром. Оставаясь привлекательным для образованных ценителей изящных искусств, он стал популярен среди городского среднего класса — купцов, государственных служащих и других им подобных деятелей. Развиваясь в европейском контексте, русская «цветочно-фруктовая» живопись находилась под значительным влиянием творчества европейских мастеров, таких как австрийцы Фердинанд Георг Вальдмюллер и Йозеф Нигг, французские художники Жан-Франсуа Ван Даль и Симон Сен-Жан, а также немцы Габриэль Халлер-Фион и Леопольд Столл. Натюрморты этих и других художников периода бидермейера поражают зрителя своей, порой чрезмерной, роскошью; на одной картине будут собраны цветы и фрукты разных сезонов и редкие оранжерейные экземпляры. Яркий, неестественно насыщенный колорит придавал их картинам живописную декоративность, а всесторонняя точность в изображении каждой мельчайшей детали заставляла Гёте сравнивать таких художников с «образованными ботаниками» 9 . 0027 5 .

Ботаническая направленность натюрмортов начала-середины XIX века способствовала новой волне интереса к рисованию цветов с натуры: Федор Толстой стал одним из признанных мастеров графических работ такого рода. Он вспоминал, что его интерес к цветочным рисункам пробудили иллюстрации иностранного художника, показанные ему императрицей Елизаветой Алексеевной 6 . Действуя как «образованный ботаник», Толстой изображал «скопированный цветок таким, какой он есть, во всех его мельчайших подробностях…» В то же время каждое растение в его произведениях представлено «в его лучший момент» 7 . Сочетание таких разных характеристик было органичным выражением классических традиций, господствовавших тогда в Академии художеств, и отличало творчество представителей русской «цветочно-плодовой» школы. В частности, такой подход можно найти в графических работах неизвестных сегодня учеников Рисовальной школы в отношении к декоративно-прикладному искусству, основанной в Москве графом Сергеем Строгановым («Строгановское училище»). В школе был класс рисования цветов, где учащиеся оттачивали свои навыки реалистичного воспроизведения внешнего вида растений. В то же время рисунки служили основой для декоративных росписей и орнаментов. Некоторые студенты успешно совмещали свою деятельность в области декоративно-прикладного искусства и станковой живописи. Выпускник и преподаватель училища Михаил Васильев, создатель множества акварелей цветов для своих учеников, за станковый натюрморт получил звание академика 8 .

Сохранившиеся произведения, а также литературные свидетельства и архивные материалы свидетельствуют о том, что вклад в развитие жанра внесли многие русские художники, в первую очередь студенты-академики, получившие звание так называемых «неклассовых» (бесплатных). художника за свои картины, в том числе: Петра Титова, Василия Пототуева, Владимира Садовникова и Ивана Михайлова. Другие художники не ограничивались только натюрмортом, а работали одновременно в нескольких жанрах: Вильгельм Август Голике, Антон Легашов и Фома Торопов создавали не только натюрморты, но и портреты, пейзажи и жанровые картины. Имена этих и других художников, работавших в жанре «цветы и фрукты», сегодня малоизвестны не только любителям искусства, но даже специалистам. Исключение составляет только Иван Хруцкий, в работах которого из музейных собраний России и Белоруссии академические традиции жанра и признаки стиля бидермейер сочетаются с его подчеркнутой любовью к предметной, материальной стороне жизни. Работы мастера также отличаются оригинальным содержанием — их тон задают не экзотические, праздничные мотивы, а скромные предметы повседневного обихода. Некоторые такие предметы (керамический кувшин с рельефными фигурками животных, стеклянный графин, позолоченная чаша с фруктами, лубяная корзина, корзина с ягодами) путешествуют от одной картины Хруцкого к другой и стали своеобразным атрибутом его творчества. Работа. Благодаря популярности творчества художника, в картинах его современников появились схожие мотивы, а к середине века демократическая и даже «деревенская» тематика стала доминировать. Грубоватая корзина с овощами стала одним из главных «персонажей» натюрморта Михайлова, а корзинка из лука — частью композиции Торопова. Даже программы, выдаваемые в качестве учебных заданий в Академии, в то время назывались «фрукты и овощи», а не «цветы и фрукты».

В середине-конце 19 века художники, работающие в этом жанре, стали придавать значение прежде всего его декоративным свойствам. Работы Владимира Сверчкова отличаются торжественным, почти напускным великолепием; художник явно концентрировался на эффектных, наглядных мотивах, меньше обращая внимания на фактуру предметов. Новые художественные тенденции конца 19 века и, прежде всего, черты пленэрной живописи прослеживаются в работах Евдокима Волошинова. В то же время творчество этого художника, учившегося в Академии художеств в середине 19века, можно считать своеобразным завершением классической «цветочно-плодовой» традиции. Несколько масштабных картин Волошинова находятся в музеях украинских городов Сумы и Лебедин и впервые будут экспонироваться в Москве. Все они поражают зрителя своим великолепным избытком природных мотивов. Яблоки, арбузы, лук, нарисованные крупным планом, кажутся настолько монументальными, что кажутся символическим выражением изобилия природы. Картина «Жизнь во ржи» Волошинова дает зрителю возможность созерцать жизнь у корней огромного чертополоха. Здесь натюрморт предстает «в рамках пейзажа», напоминая композиции XVIII века.

Примеры «кухонных сцен», «кускочек для завтрака» или жанровых картин в русском искусстве XVIII-XIX вв. встречаются реже, чем «цветочно-плодовые» сюжеты. Несмотря на то, что они произошли от голландских и фламандских прототипов, такие композиции почти полностью лишены аллегорического посыла, характерного для европейской живописи, и представляют собой скорее живописный рассказ о жизни предметов и их незримых владельцев. Иногда содержание таких картин очень простое, и главная их привлекательность заключается в их живописных свойствах — прежде всего в любовной тщательности деталей, что весьма примечательно в «завтраке» Волкова из собрания Третьяковской галереи. «Натюрморт с селедкой» из Ярославского художественного музея предлагает выразительный образ аскетической застольной сцены.

Большинство натюрмортов с предметами быта были написаны в начале-середине 19 века. Алексей Венецианов призвал своих учеников обращаться к «предметам, которые можно найти в каждой комнате» 9 . Обращая пристальное внимание на «материальное различие» предметов, он учил показывать их пространственную взаимосвязь, стремясь включить натюрморты в картины других жанров — прежде всего интерьеров, разрушая тем самым академические нормы восприятия натюрморта. . С этой точки зрения картина «Отражение в Зазеркалье» из Русского музея, где мир предметов соседствует с нереальным зазеркальем, является одной из самых необычных картин своего времени.

Развиваясь как отдельный художественный «жанр», натюрморт нередко играл значительную роль в портретах и ​​жанровых картинах классического периода. В портретах 18 века обычно использовался набор аксессуаров, указывающих на социальный статус или род занятий персонажа. То, что называют «фигурами с фруктами», стало заметным явлением в русской живописи XIX века. В начале-середине 19 века такими «фигурами» часто были дети или хорошо одетые красавицы, предлагающие зрителю корзину с фруктами. Этот мотив Хруцкий использовал довольно часто; он появляется и в творчестве Алексея Тыранова. Постепенно этот романтический образ приобрел более демократичный и даже социальный оттенок. В 1859 г., на выставке Московского училища живописи и ваяния были представлены две такие «фигуры с фруктами» — акварель «Крестьянка с овощами» Алексея Стрелковского и «Разносчик фруктов» Валерия Якоби, где плутоватый разносчик заменил красивого продавщица. Особую «объективность» портретам, связанным с искусством бидермейера, придают бытовые предметы, характеризующие различные стороны человеческой жизни. Тщательно расписанные игрушки подчеркивают кукольную привлекательность детей на портретах, изящные безделушки раскрывают дамские будуарные секреты, а рукоделие рассказывает о трудовой жизни городской мастерицы. Все эти детали обрисовывают характер века, ценившего неторопливые занятия, дорожившего предметами, окружающими человека, и видевшего в них отражение не только быта, но и самого бытия.

Идея включения работ современных художников в выставку классической живописи может показаться двусмысленной, даже провокационной. Однако именно такой подход является залогом развития музейных коллекций, объединяющих давно признанные шедевры и произведения, претендующие на то, чтобы стать таковыми. Современное искусство, представленное Игорем Макаревичем, Татьяной Назаренко, Ильей Кабаковым, Михаилом Рогинским, Максимом Кантором и другими современными мастерами, переосмысливает традиционные типы изображений, придавая им новый, подчас парадоксальный смысл и значение. Возможен ли диалог далеких эпох в таком консервативном жанре, как натюрморт? Каков образ предметов нашего времени? Организаторы выставки предлагают посетителям самим ответить на эти сложные вопросы.

  1. Копанева, Наталья. Акварели Марии Сибиллы Мериан в архиве Санкт-Петербургского отделения Академии наук // «Вестник истории, литературы и искусства: Альманах». Т. 3. Москва, 2006. С. 471.
  2. См.: Лукина Татьяна. «Мария Сибилла Мериан». Ленинград, 1980. С. 42
  3. .
  4. «Краткое руководство к познанию рисунка и живописи исторического жанра, основанное на размышлении и опыте / Сочинено для учащихся художника И. Ю.». Санкт-Петербург, 1793. С.38
  5. Сарабьянов Дмитрий. «Бидермейер: стиль без имен и шедевров» // Пинакотека. 1998. № 4. С. 10
  6. .
  7. Цитата: Болотина. Ирина. «Натюрмортная графика Е.П. Толстого» // Проблемы русского и советского натюрморта. Москва, 1989. С. 79
  8. .
  9. Болотина, Ирина. То же. стр. 86
  10. Болотина, Ирина. То же. С. 80-81
  11. «Сборник материалов по истории Санкт-Петербургской академии художеств за 100 лет ее существования» / под ред. П.Н. Петров. В 3 т. Т. 3. СПб. 1864-1866 гг. стр. 280
  12. Болотина, Ирина. Материальный мир Венецианова и его учеников // Проблемы русского и советского натюрморта. Москва, 1986. С. 68
  13. .

Назад

Метки:

Эмилия и Илья Кабаковы • Эрвин Вурм • Гилберт и Джордж • Ансельм Кифер | Diversity United

Музей-выставка

22 ноября 2021—13 марта 2022

Третьяков Москва, Москва, Россия

Лондон Эли Хаус

37 Dover Street
London W1S 4NJ

+44 (0) 20 3813 8400

[Электронная почта защищена]

Вторник — Закрытие, 10 утра — 6:00

Открыто воскресенье 16 октября 2022 г. — 5 вечера

Париж Марэ

7 Rue Debelleyme
Fr-75003 Париж

+33 1 42 72 99 00

[email защищен]

Вторник—суббота, 10:00—19:00

Открыто в воскресенье, 16 октября, с 14:00 до 18:00

Пэрис Пантен

69, Avenue du Général Leclerc
Fr-93500 Pantin

+33 1 55 89 01 10

[адрес электронной почты защищен]

Вторник — суббота, 10:00 — 19:00

Зальцбург Вилла Каст

Mirabellplatz 2
A-5020 Зальцбург

+43 662 881393 0

[электронная почта защищена]

Вторник — пятница, с 10:00 до 18:00
Суббота, с 10:00 до 14:00

Зальцбург Галле

Vilniusstrasse 13
A-5020 Salzburg

+43 662 876246

[email protected]

Открыто по предварительной записи

Сеул Форт Хилл

2F, 122-1 Dokseodan-ro
Hannam-dong, Yongsan-gu 04420, Seoul

+82 2 6949 1760

[email protected]

Вторник–суббота, 10:00–18:00 

Закрыт в праздничные дни

Файлы cookie позволяют нам предоставлять вам полезные функции и измерять производительность, чтобы улучшить ваш опыт.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*