Русский классицизм: жанры

Давайте побольше узнаем о первом поэте нового типа — Антиохе Кантемире.

👤 Антиох Дмитриевич Кантемир (1708—1744), сын молдавского князя, союзника Петра I — первый в России поэт нового типа, с западным образованием и классицистическими убеждениями.

🗂 Кантемир был выдающимся дипломатом, шесть лет провел в качестве российского посланника во Франции и шесть — в Англии, общался с лидерами Просвещения, включая Вольтера и Монтескье.

🔤 Он переводил с латинского, древнегреческого и французского, сопровождая переводы развернутыми комментариями, работал над русско-французским словарем.

✍️ Его язык легче и свободнее, чем у ближайших предшественников, включая его учителя и друга Феофана Прокоповича.

📝 Кантемир в своих переводах ввел в русский язык целый ряд слов, необходимых для науки и философии — «идея», «система», «материя», «натура», «механика», «галерея», «сентенция», «кризис», «понятие».

❇️ В художественной литературе основное достижение Кантемира — сатиры. При его жизни они были напечатаны только за рубежом, в немецком и французском переводах, а в России — в 1762 году.

🕰 В 18 веке словом «сатира» называли конкретный жанр, обычно поэтический, а не более абстрактный тип словесности, как сейчас. Европейские сатирики использовали жанр для обсуждения литературной жизни и выяснения отношений с коллегами: сатиры Буало — это вообще литературная критика в стихах.

🔖 Кантемир обращается к традициям античной сатиры и к развитым в России ораторским жанрам. Каждая сатира обрамляется диалогом с реальным или воображаемым адресатом, а в центре — галерея персонажей, представляющих всевозможные отклонения от идеала. У классицистов сатира обязательно должна показывать не только отклонения, но и норму, нельзя говорить только о неправильном, не показывая, как должно быть на самом деле. Этому принципу следует и Кантемир, из его сатир хорошо понятны его ценности — разум, наука, чувство меры.

📗🧠 Популярнее всего самая первая сатира — «К уму своему. На хулящих учения». Это ироническое предупреждение себе самому: ум демонстрировать опасно, у учености уж очень много противников. Сатира заканчивается мыслью, что лучше помалкивать в уединении и не гнаться за славой:

Молчи, уме, не скучай, в незнатности сидя.
Бесстрашно того житье, хоть и тяжко мнится,
Кто в тихом своем углу молчалив таится…

👥 Персонажи, воплощающие пороки, у Кантемира представлены очень подробными и конкретными характеристиками. Поскольку сатира жанр «низкий», в ней допускается довольно грубый и бытовой язык. Это позволяет создавать красочные портреты, хотя персонажи носят условные имена и не должны восприниматься как карикатуры на реальных людей.

📕🦹 В третьей сатире, «О различии страстей человеческих», перед нами проходят лицемеры, завистники, ханжи, льстецы — у каждого есть уникальное лицо, свои жесты и мимика, свои маленькие сюжеты. Вот как появляется сплетник Менандр:

С зарею вставши, Менандр везде побывает,
Развесит уши везде, везде примечает,
Что в домех, что в улице, в дворе и в приказе
Говорят и делают.

Или вплывает, расталкивая всех, гордец Иркан:

В палату вшедши Иркан, где много народу,
Распихнет всех, как корабль плывущ сечет воду,
И хоть бы знал, что много злата с плеч убудет,
Нужно продраться вперед, взадь стоять не будет.

🎭 Кантемиру удается сделать классицистическую сатиру живой и динамичной. Такие сцены похожи на наброски комедии: каждый герой реализует свои качества в ситуациях, в общении с другими людьми.

Черты классицизма, его основные особенности в литературе

Жанровое деление

Для классицизма характерно деление на жанры. К высоким жанрам относят оду, трагедию и эпопею. К средним жанрам относят драму и элегию. К низким жанрам относят комедию, сатиру и басню.

Рис. 1. Жанры классицизма.

Высокие, средние и низкие жанры имеют особенности языка. Для высоких жанров характерно использовать церковно-славянские слова. Средние жанры наряду с общеупотребительной лексикой используют и славянизмы, и просторечия. Для низких жанров позволительно использование просторечных выражений.

Черты классицизма так или иначе связаны с жанровой спецификой. Высокие жанры подразумевали рассмотрение жизни знатных людей, которые являлись служителями Отечества: князья, цари, полководцы и др.

Жизнь дворянского сословия – характерные темы средних жанров.

Низкие жанры, кроме дворян, рассматривали и жизнь простых людей, даже слуг знатных людей.

Каждый жанр имеет ряд признаков и черт, смешение которых в классицизме недопустимо.

Классицизм в других сферах искусства

Тем же базовым принципам следовали и композиторы с архитекторами. В музыке первостепенное внимание уделялось торжественным произведениям, воспевающим достоинства человека и величие государства или реминисценциям на античные темы.

Крупнейшими представителями классицизма в музыке считают Бетховена, Моцарта и Гайдна.

В архитектуре связь классицизма с античностью прослеживается ярче всего. Архитекторы не только использовали характерные детали древнеримской архитектуры, но и создавали полные копии лучших образцов античных зданий. Именно в этот период произошел возврат к колоннам, простоте и рациональности форм в сочетании с впечатляющей масштабностью построек.

Деление персонажей

Особенности классицизма в литературе заключаются в четком разграничении персонажей на героев положительных и героев отрицательных. Один персонаж может иметь либо порок, либо добродетель. Причем, один герой является олицетворением одного человеческого качества: например, жадность или мудрость.

Для обозначения качеств персонажа часто используют говорящие фамилии.

Персонажи, которые имеют пороки, оказываются наказанными в финале произведения. Это говорит о том, что добродетель торжествует над пороками.

Жанр комедии в русской классицистической литературе

Реферат на тему:

« Жанр комедии в русской классицистической литературе»

Комедия изображает повседневную жизнь. Её внимание во все времена было направлено на отрицательные явления действительности. Героями её были люди нравственно неполноценные. Ущербность их противоречия с «нормой», «идеалом» раскрывалось в комедии с помощью смеха. Смех мог быть веселым, но мог быть и беспощадным, в зависимости от того, на какие явления он был направлен. Ставя своих героев в определенные условия, изображая их смешными, комедия стремилась к нравственному воздействию на зрителя. История комедии дает примеры того, как менялось понимание смеха, как смешное в одну эпоху переставало быть смешным в другую, как смех вырастал в общественную силу. Основные признаки комедии уже были определены Аристотелем. Различие между комедией и трагедией он видел в том, что комедия «стремится изображать худших», а трагедия – «лучших людей, нежели существующие», но избрав героями «людей негодных», комедия не изображает их целиком порочными. Поэтому смешное хотя и является частью безобразного, представляет собой, по мнению Аристотеля, только «некоторую ошибку и безобразие, никому не причиняющее страдание и ни для кого не пагубное. » Классицизм сохранил разграничение трагического и комического свойственное эпохи античности. В понимании «смешного» классицизм остался на уровне античной теории. Он отверг язвительный, т.е. сатирический, смех комедий Аристофана. Цель комедий, по классицизму, «просвещать», осмеивая недостатки. Недостатки – психологические свойства человека в их бытовом проявлении: чудачество, мотовство, лень, глупость и др. Однако из этого не следует вывод о том, что комедия классицизма была лишена общественного содержания, что она направлялась против таких недостатков, которые имели частный характер. Классицизм характеризовался четкой идейной направленностью. Идеалом эпохи, её истинным «героем» был признан человек общественного склада, для которого интересы государства и нации были выше личных интересов. Такой герой изображался в поэме, оде, трагедии. Комедия была призвана утверждать тот же высокий идеал. Но делала это путём осмеяния психологических свойств, снижавших общественную значимость человеческой личности (щегольство, расточительность, глупость и др. )

Русская комедия классицизма на первых порах своего развития предметом смеха сделала невежество русского дворянства и вытекавшее из него преклонение перед всем иностранным, тяготение к роскоши, бездуховность свей жизни. В дальнейшем, когда классовый, антинародный характер дворянского государства проявился достаточно отчетливо, оказалось, что «первое сословие» не только невежественно; оно лишено гражданских добродетелей. Развитие комедии идет по пути укрепления её связи с жизнью эпохи. Комедия начинает высмеивать, наряду с невежеством, хищничество и взяточничество правящего сословия в его разных формах: в виде подарков, «благодарности» т.д.

В своих лучших образцах комедия 18 века поднимается до осуждения существующего правопорядка. Таким образом, русская комедия классицизма оформляется как комедия общественная по своему художественному смыслу и идейной направленности. Так как комедия осмеивает не частные недостатки, а те явления, что представляли общественную опасность, драматурги использовали средства не безобидного, «лёгкого» смеха, а сатиры, обличавшей эти явления беспощадно и зло. Это сообщало ей опасный в глазах правительства характер.

Назначение комедии в классицизме – смешить, «издевкой править нрав», т.е. смехом воспитывать отдельных представителей дворянского сословия. Первые русские комедии были написаны Сумароковым. Сюжет их носил ещё условный характер и строился на столкновении внутрисемейных интересов. В основе его обычно лежала схема: мать и отец или кто-то из них выбирает дочери жениха; дочь любит другого. Сватовство оканчивалось неудачно для женихов, выбранных родителями. Эта схема комедийного действия была характерна не только для Сумарокова. Она хранится в обеих комедиях Фонвизина, в комедиях Княжнина. В ранних комедиях Сумарокова действие, по существу, лишено движения. Борьбы за героиню нет. Наступающая в конце комедии развязка ходом событий не подготавливалась. Это объяснялось тем, что воспитательная сторона комедии меньше всего в этот период(50-60 года) была связана с любовной интригой. Сюжет был нужен лишь для того, чтобы оправдать, мотивировать появление на сцене комических персонажей, главным образом из числа многочисленных претендентов в женихи. В зрелых комедиях Сумарокова, а потом и Фонвизина характер комедийного действия изменяется. Сокращается число персонажей, усложняется любовная интрига, появляется несколько любовных пар. «Опекун» Сумарокова является одной из тех комедий, в которых изменения в жанре обозначились наиболее четко. Сюжетные положения комедий 70-х годов имели ещё весьма условный характер. Герои после многих лет неожиданно сходятся водном доме. Подброшенный некогда ребенок волей автора оказывается слугой в доме своего врага. Слуга, человек низкого звания, не может связать своей судьбы с девушкой дворянского происхождения. Но опять-таки неожиданно появившийся друг отца снимает это препятствие, восстанавливает прежнее, дворянское положение героя и соединяет влюблённых. Вместе с тем комедийное действие не лишено внешней занимательности. Мотивы незнания, появления старых друзей, узнавание по памятным предметам, всё это оживляет действие, происходящее на сцене. Нельзя не отметить также тенденции к более правдоподобному изображению жизни на сцене. Единство времени и места строго выдерживаются, но временные рамки событий раздвигаются. В своем естественном течении они уже не укладываются в отведенные поэтикой классицизма сутки.

При сопоставлении комедии 70-х годов с комедиями предшествующего периода заметно усиление общественного начала, укрепление связи с русской действительностью. Содержание комедии уже не сводится только к критике дворянина, занявшегося недостойным его звания делом, к примеру, ростовщичеством. В композиции комедий большое место начинают занимать диалоги на общие темы: персонажи рассуждают об истинном благородстве, о продажности подьячего племени, о назначении монарха, пагубности злоупотребления светской и духовной властью, положении честного человека в современном обществе. Самой значительной пьесой этого времени явилась пьеса Фонвизина «Бригадир».

Начало нового этапа связано со второй комедией Фонвизина. В отличии от «Бригадира», в «Недоросле» действие перенесено непосредственно на сцену. Оно даётся в движении, в изменяющихся отношениях, охватывает всех персонажей, приобретает самостоятельный интерес. Хотя комедия содержала необычайно острую оценку русской действительности в её важнейших сторонах, непосредственным предметом своих она избрала частную жизнь дворянского сословия. Семейные отношения и в конце века оставались той сферой, которая в наибольшей степени позволяла раскрыть поведение героев в частной жизни. Главным вопросом, занимавшим Фонвизина и в этой комедии, оставался вопрос о том, каким должен быть истинный дворянин, и отвечает ли русское дворянство своему назначению. Тема эта получила сатирическое освещение. Теперь действие в комедии объединяет всех персонажей и одновременно делит их на «злонравных» и «добродетельных». Различие героев не сводится лишь к их моральным качествам. Введение в комедию внесюжетных сцен расширило и углубило её содержание. В комедии отчетливо противопоставлены две «породы людей»: невежественные, непросвещенные дворяне, и дворяне образованные, «просвещенные».

Предметом комедии было «смешное». Комедийный характер основывался на изображении лишь смешного в человеке и исключал, конечно, сложность и полноту его психологической обрисовки. Однако в комедию классицизма, помимо отрицательных персонажей, вводились положительные. Их значение – прояснить лишь авторское отношение к происходящему. При этом они соотносились с отрицательными персонажами по своему основному нравственно-психологическому свойству. Прием прямого соотнесения характеров – положительных и отрицательных – составит одну из особенностей русской комедии классицизма. Первым русским комедиям, связанным главным образом с именем Сумарокова, свойствен был «внешний комизм». Он восходил к традициям народного театра и строился на потасовках между героями, сопровождавшихся ударами палок, бегством, падением и т.д. Движение русской комедии 18 века идет по пути вытеснения внешнего комизма, интерес постепенно будет перемешаться с внешней занимательности на изображение комического характера. Комедия после Фонвизина развивалась в русле его традиций.

Однако в мастерстве изображения жизни на сцене, в разработке комедийного действия и характеров она не поднялась до его уровня.

Особенностью языка комедии классицизма, в сравнении с трагедией, являлось то, что он был лишён внутреннего единства. В комедии язык был более разнообразен, поскольку его героями были люди разного общественного положения и разного культурного уровня. Обычно невежественным дворянам противопоставлялись дворяне образованные. Это определило сочетание в ней элемента «высокого», украшенного стиля со стилем «низким», простым. Они существовали параллельно, не создавая единого стиля.

Признано, что речь отрицательных персонажей в комедии отличалась во все времена большим правдоподобием и художественной выразительностью. Это было свойственно и комедии классицизма. Речь, как известно, связана с характером человека, обусловлена его индивидуальными особенностями. В силу того, что персонажи комедии классицизма являлись носителями совершенно определенных свойств, речь их была подчинена в каждом конкретном случае раскрытию того свойства, к которому сводился характер. Особенностью комедии классицизма явилась как раз установка на разговорный язык. Натурализм в языке присущ и Сумарокову и Фонвизину. У Сумарокова он в значительной степени ещё искусствен, имеет нарочитый характер. У Фонвизина на сцену перенесена речь, подслушанная непосредственно в жизни: на улице, в дворянских домах. Именно поэтому в языке его персонажей звучали интонации живого разговорного языка. Связь с народным языком становится более органичной.

Таким образом, если язык отрицательных героев, комических персонажей развивался в направлении преодоления натурализма живого разговорного языка, то язык положительных героев – по пути преодоления книжности литературного языка, способствовало формированию языка драмы на новой основе.

С классицизмом связано становление в России комедийной формы. Своими лучшими образцами комедия 18 века подготовила развитие реалистического театра. Традиции Фонвизина, Княжнина, Капниста наследованы и получили развитие в новую эпоху в комедии Грибоедова , Гоголя, Островского.

Литература:

1. Москвичева Г.В. Русский классицизм. М., 1986.
2. Федоров В.И. История русской литературы 18 века. – М., 1982

Что мы узнали?

Классицизм – литературное направление, для которого характерно деление на высокие, средние и низкие жанры, причем смешение черт этих жанров непозволительно. Все персонажи делятся на положительных и отрицательных, они являются носителями определенных качеств, что подчеркивается с помощью говорящих фамилий. В произведениях классицизма действует принцип трех единств: времени, места и действия. В основе сюжета лежит конфликт разума и чувства. В произведениях классицизма поднимаются нравственные и гражданские проблемы.

Тест с ответами по теме: «Классицизм»

1. Термин «классицизм» переводится с латинского языка как: а) образцовый + б) действенный в) чувственный

2. Классицизм: а) художественное направление (течение) в искусстве и литературе, отражавшее стремление художника к правдивому изображению действительности б) художественное направление (течение) в искусстве и литературе 17 – начала 19 века, для которого характерны высокая гражданская тематика, строгое соблюдение определённых творческих норм и правил + в) направление (течение) в литературе и искусстве второй половины 18 века, отмеченное повышенным интересом к человеческому чувству, эмоциональному восприятию окружающего мира

3. Классицизм как литературное направление зародился: а) в России б) в Англии в) во Франции +

4. Кто создал развёрнутую эстетическую теорию классицизма: а) Буало + б) Корнель в) Мольер

5. Основное свойство классицизма: а) стремление представить человеческую личность в движении б) доминанта субъективного над объективным в) обращенность к образам и формам античного искусства как классическим и идеальным образцам +

6. В основе эстетики классицизма: а) элегические настроения б) принцип рационализма и «подражания природе» + в) провозглашение творческой активности художника

7. Для классицизма характерно: а) изображение типичных героев в типичных обстоятельствах б) двоемирие, одиночество лирического героя, тема свободы в) теория «трех штилей», драматургическое триединство, основной конфликт между чувством и разумом +

8. В традициях классицизма работали: а) М.В. Ломоносов, Д.И. Фонвизин + б) А.П. Сумароков, А.С. Грибоедов в) Н.М. Карамзин, В. К. Тредиаковский

9. Кто является автором «теории трёх штилей»: а) Тредиаковский б) Фонвизин в) Ломоносов +

10. Классицизм появился в России: а) вторая половина 18 века б) 30-е годы 18 века + в) 17 век

11. Какая черта не относится к классицизму: а) культ чувства + б) культ разума в) художественное произведение организуется как искусственное, логически построенное целое

12. К высоким жанрам относятся: а) комедия, сатира, ода б) комедия, эпопея, ода + в) комедия, трагедия, ода

13. Кто положил начало драматургической системе классицизма: а) Тредиаковский + б) Ломоносов в) Сумароков

14. Вершиной русского классицизма является творчество: а) Тредиаковского б) Ломоносова в) Фонвизина +

15. Кому из представителей русского классицизма удалось соединить тематику и лексику «высокого штиля» и просторечье: а) Державину + б) Фонвизину в) Ломоносову

16. Что можно назвать основным лозунгом классицизма: а) чувственное восприятие б) подражание природе + в) взгляд на жизнь «сквозь призму сердца»

17. Как называлась работа, в которой Буало создал развёрнутую эстетическую теорию классицизма: а) «Классицизм в искусстве» б) «Искусство и поэзия» в) «Поэтическое искусство» +

18. Правило «трёх единств» включает в себя: а) единство жанра, места и действия б) единство времени, места и действия + в) единство времени, места и героев

19. Для классической пьесы характерна «система амплуа». Как вы понимаете, что такое амплуа: а) тип характера, который активно участвует в интриге б) тип характера, который не принимает участия в интриге в) тип характера, который переходит из пьесы в пьесу +

20. К низким жанрам относятся: а) комедия, сатира, трагедия б) комедия, сатира, басня + в) комедия, эпопея, ода

21. Какому хронологическому периоду соответствует эпоха классицизма в музыке: а) 18 в. + б) 17 в. в) 19 в.

22. Какие определения (характеристики) подходят термину «классицизм»: а) рациональный, соразмерный + б) образцовый, лучший + в) причудливый, вычурный

23. Кто из композиторов является представителем эпохи классицизма: а) Монтеверди, Шопен б) Глюк, Бах в) Гайдн, Бетховен +

24. Какие жанры стали самыми важными в музыке классицизма: а) Фуга, Сюита б) Симфония, Соната + в) Вокальный цикл, Опера

25. Сколько частей в классической сонате: а) 5 б) 4 в) 3 +

26. Что новаторское использовал Бетховен в жанре симфонии: а) четырехчастность б) поэтический текст, хор + в) солист

27. Сколько симфоний у Гайдна: а) 104 + б) 100 в) 50

28. Героями какой оперы являются Папагено, Тамино и Памина: а) Волшебная скрипка б) Волшебный тромбон в) Волшебная флейта +

29. Симфония с тремоло литавр: а) Гайдн + б) Глюк в) Моцарт

30. Симфония «Юпитер»: а) Гайдн б) Моцарт + в) Глюк

Классицизм XVII века🔥 — Шпаргалки по зарубежной литературе

Классицизм — художественная направленность в искусстве и литре 17-го века — начала 18-го, для которого характерны высокая гражданская тематика, строгое соблюдение правил и норм. На Западе классицизм формировался в борьбе против высшего барокко.

Классицизм достиг расцвета во Франции в 17-м столетии: в драматургии (Корнель, Расин, Мольер), в поэзии (Лафонтен), в живописи (Пуссен). Классицизм характеризуется применением сословного принципа к разл жанрам.

Поэтика классицизма разделила

все жанры на «высокие» (трагедия, ода, эпопея) и «низкие» (комедия, басня, сатира и др.), причем разграничивала их по сословному признаку: в высоком жанре трагедии могли выступать только короли, принцы, придворные, полководцы; в низком жанре комедии выступали только горожане, простые люди. Герои трагедии имели привилегию трогать зрителей своими страданиями, герои комедии могли их только смешить. Сословное разграничение жанров находило выражение также в различии языка и слога. Так, трагедия писалась непременно высоким, поэтическим слогом, совершенно лишенным простых бытовых слов или понятий.

Классицисткая трагедия писалась стихами, притом всегда одинаковым, торжественным размером, именуемым александрийским стихом. Его попарно рифмованные двенадцатисложные стихи, правильно расчлененные цензурою на полустишия, отличались своеобразной мелодичностью. Французская трагедия 17-го века — это трагедия героического действия. Она не допускает фантастического, лирического, чудесного.

Все в ней должно быть основано на разуме, оправдано здравым смыслом. Возвышенные чувства героев отражены в пространных монологах. Стремясь к сгущенности действия и сценическому правдоподобию, драматурги выдвинули принципы трех единств(действия, места и времени). Столкновение личных интересов и гражданского долга лежит в основе французской классицистской трагедии. Корнель и Расин сделали выдающиеся открытия в сфере изображения внутреннего мира человека.

Пьер Корнель. После нескольких комедий и довольно слабой трагедии «Медея», Корнель создает «Сид» (1636). Успех пьесы у публики и читателей был огромный. Однако — были нападки ряда драматургов, обвинявших Корнель в несоблюдении правил (на сцене была допущена «пощечина», перемена места действия и т.д.), безнравственности Единства в этой пьесе со всей точностью не наблюдается.

Длительность действия не ограничена рамками одного дня. Оно длится день, ночь и следующее утро. События происходят не в одном зале, но в трех разных местах* это дворец короля, дом Химеры и улица. Однако если обратить внимание на заголовок пьесы в первых изданиях, то можно заметить, что «Сид» — не трагедия, а трагикомедия.

Трагикомедия искала сюжеты в литературе «романтической» и современной и не придерживалась строго правил «благопристойности». Идея пьесы соответствует духу времени и нац характеру французской драматургии. Что же касается «трех единства», то в трагикомедии правила истолковывались так, как это было нужно по сюжету.

Жан Расин. Сюжеты его трагедий также заимствованы из истории. Они выводят на сцену королей и принцесс. Трагическое действие развертывается со строгой последовательностью  в пределах одного места и одного дня. Первоначально трагедия называлась «Федра и Ипполит». Под таким названием она и была в первый раз показана зрителям. Постановка имела большой успех.

Новая трагедия вызвала целую кампанию клеветы со стороны противников Расина. Они заявляли о безнравственности трагедии. На создание «Федры» Расина вдохновлял «Ипполит» Еврипида и «Федра» Сенеки. Однако Расин внес в историю Федры и Ипполита серьезную эстетическую проблематику и, отодвинув образ Ипполита на второй план, по-новому раскрыл характер Федры.

Он изображал жизнь, раздавленную сверхъестественными силами, жертву одновременно пассивную и сознающую всю бесполезность борьбы против жестокой воли богов, всю невозможность предотвратить свою гибель. Шедевры Корнеля и Расина входят в сокровищницу мировой культуры, являясь достоянием всего человечества, всех народов и всех веков.

Классицистическая трагедия, разумеется, не представляет собой окончательный, совершенный, раз и навсегда данный тип трагедии, образец для подражания последующих эпох. Сущность трагедии заключалась в истинности страстей, в правдивом изображении героической, терзаемой муками души, в создании образов, в которых можно найти переживания, свойственные всем людям, но данные в наивысшем проявлении. В трагедиях классицизма восхищает также эстетика, которая запрещает приемы, рассчитанные на легкий успех.

Мольер (Жан Батист Поклен) — создатель нац фр комедии. Его комедия прежде всего умна, более того, она философична. Театр Мольера, в сущности, великая школа, где драматург, поучает зрителя веселым шутливым языком, ставя перед ним политические, общественные, философские, нравственные проблемы. Не случайно некоторые свои комедии он так и называет — «Школа жен», «Школа мужей».

Комедия Мольера построена по тому же принципу, что и классицистическая трагедия. В начале пьесы обычно ставится какая-то нравственная, общественная или философская проблема, здесь же указывается на размежевание сил. Две точки зрения, два толкования, два мнения. Возникает борьба вокруг рго и соntrа, с тем, чтобы в конце пьесы дать решение,  мнение самого  автора.

Второй важной особенностью классицистического театра, как трагедии, так и комедии, является предельная концентрация сценических средств вокруг главной идеи, главной черты характера носителя этой основной авторской идеи (лицемерие — «Тартюф», скупость — «Скупой» и т. п.).

«Тартюф». Мольер создал образ Тартюфа, сконцентрировав в своем сценическом герое все отличительные черты лицемера, показал их крупным планом. Принципиальный смысл комедии «Тартюф» был настолько шубок, сила и широта обобщения были настолько значительны, что комедия Мольера превратилась в мощное выступление против феодально-католической реакции в целом. Мольер в новых исторических условиях отстаивал дело туманистое Ренессанса.

Мольер создал несколько вариантов комедии. Первоначально Тартюф появлялся в монашеской сутане, как живое воплощение всех мерзостей церкви. Потом в угоду церковной цензуре он облачил своего Тартюфа в светские одежды, но имя лицемера-монаха стало уже нарицательным, его повадки остались те же, и под светской одеждой все узнали Тартюфа (во второй редакции Мольер изменил даже имя его на Панюльф, а название произведения — на «Обманщик»).

Драматург основательно обдумал все детали сценического воплощения лицемера. На сцене Тартюф появляется не сразу, а лишь в третьем акте. В течение двух актов зритель готовится к лицезрению негодяя. Зритель напряженно ждет этого момента, ибо только о Тартюфе идет речь на сцене, о нем спорят: одни клянут его, другие, наоборот, хвалят. Весь чел характер не вырисовывается в целом, ибо это не входит в задачи автора, зато наибольшей выпуклости достигает главенствующая черта.

Мольер помнит главный принцип своей эстетической программы: поучать развлекая. Он смешит зрителя, прибегает иногда к приемам обнаженной клоунады. Сущность проповедей Тартюфа предстает зрителю в комических признаниях простоватого Оргона, когда он с благочестивым восторгом рассказывает о своих чувствах, порождаемых проповедями Тартюфа, и ему невдомек, что чувства эти бесчеловечны по существу. Тартюф покорил Оргона своим мнимым благочестием, показным самоунижением — давним оружием монахов-лицемеров. Мольер помнил мудрое правило: уничтожать противников, поднимая их на смех. Тартюф на глазах зрителя перевоплощается.

«Мешанин во дворянстве». Автор обратился к актуальной в то время проблеме: обнищанию аристократов и проникновению их в среду зажиточных буржуа, стремящихся за большие деньги купить дворянский титул. Следуя своему принципу «исправлять людей, развлекая их», Мольер постарался высмеять мещанина Журдена, одержимого идеей стать дворянином, то есть тем, кем тот не мог быть ни по происхождению, ни по воспитанию.

С первой минуты знакомства с персонажами комедии становится ясно, что всю силу своего таланта Мольер направил именно на то, чтобы показать глупость затеи, в общем-то, честного человека, стремящегося отдать свой капитал всего лишь за дворянский титул.

Как же смешен Журден в некоторых признаниях относительно своего обучения: «Я и не подозревал, что вот уже более сорока лет разговариваю прозой». Вывод, который делает Мольер, заключается в том, что дворяне, служившие Журдену образцом, вовсе недостойны его, что аристократы- воры и бездельники. Таким образом, автор предостерегает современников: за деньги ум не купишь, а утратишь последний, не внешность украшает человека, а его внутренний мир.

.

Развитие русской литературы в 18 веке. Классицизм как литературное направление

— …может собственных Платонов
И быстрых разумом Невтонов
Российская земля рождать.
М.В. Ломоносов

 Русские писатели 18 века

ФИО писателя	Годы жизни	Наиболее значимые произведения
ПРОКОПОВИЧ Феофан	1681-1736	«Риторика», «Поэтика», «Слово похвальное о флоте российском»
КАНТЕМИР Антиох Дмитриевич	1708-1744	«К уму своему» («На хулящих учение»)
ТРЕДИАКОВСКИЙ Василий Кириллович	1703-1768	«Тилемахида», «Новый и краткий способ к сложению российских стихов»
ЛОМОНОСОВ Михаил Васильевич	1711-1765	«Ода на взятие Хотина», «Ода на день восшествия…», «Письмо о пользе стекла», «Письмо о пользе книг церковных», «Российская грамматика», «Риторика» и многие другие
СУМАРОКОВ Александр Петрович	1717-1777	«Димитрий Самозванец», «Мстислав», «Семира»
КНЯЖНИН Яков Борисович	1740-1791	«Вадим Новгородский», «Владимир и Ярополк»
ФОНВИЗИН Денис Иванович	1745-1792	«Бригадир», «Недоросль», «Лисица-казнодей», «Послание к слугам моим»
ДЕРЖАВИН Гаврила Романович	1743-1816	«Властителям и судиям», «Памятник», «Фелица», «Бог», «Водопад»
РАДИЩЕВ Александр Николаевич	1749-1802	«Путешествие из Петербурга в Москву», «Вольность»

 

 

Была та смутная пора,
Когда Россия молодая,
В бореньях силы напрягая,
Мужала с гением Петра.
А.С. Пушкин

 

Древнерусская литература оставила богатейшее наследие, которое, однако, большей частью не было известно 18 веку, т.к.

большинство памятников древней литературы было открыто и издано в конце 18-го и в 19 веке (например, «Слово о полку Игореве», как известно, было открыто в 1795 году, а издано в 1800). В связи с этим в 18 веке русская литература опиралась на Библию и европейские литературные традиции.

Памятник Петру Первому («Медный всадник»), скульптор Маттео Фальконе

18 столетие – это век просвещения в Европе и в России. За одно столетие русская литература проходит в своём развитии огромный путь. Идеологическая основа и предпосылки этого развития были подготовлены экономическими, политическими и культурными реформами Петра Первого (годы правления 1682 – 1725), благодаря которым отсталая Русь превратилась в мощную Российскую империю. С 18 века российское общество изучает мировой опыт во всех областях жизни: в политике, в экономике, в образовании, в науке, в искусстве. И если до 18 века русская литература развивалась изолированно от европейской, то теперь она осваивает достижения западных литератур. Благодаря деятельности сподвижника Петра

Феофана Прокоповича, поэтов Антиоха Кантемира и Василия Тредиаковского, учёного-энциклопедиста Михаила Ломоносова создаются труды по теории и истории мировой литературы, переводятся иностранные произведения, реформируется русское стихосложение. Так начала осуществляться идея русской национальной литературы и русского литературного языка. 

Возникшее в 17 веке русское стихотворство основывалось на силлабической системе, из-за чего русские стихи (вирши) звучали не вполне благозвучно. В 18 веке М.В. Ломоносов и В.К. Тредиаковский разрабатывают силлабо-тоническую систему стихосложения, что обусловило интенсивное развитие поэзии, причём поэты 18 века опирались на трактат Тредиаковского «Новый и краткий способ сложения российских стихов» и ломоносовское «Письмо о правилах российского стихотворства». С именами этих двух видных учёных и поэтов связывают и зарождение русского классицизма. 

Классицизм (от латинского classicus – образцовый) – это направление в искусстве и литературе Европы и России, для которого характерно строгое соблюдение творческих норм и правил и ориентация на античные образцы. Классицизм возник в Италии в 17 веке, а как направление сложился сначала во Франции, а затем и в других странах Европы. Создателем классицизма считается Никола Буало. В России классицизм зарождается в 1730-е гг. в творчестве Антиоха Дмитриевича Кантемира (русского поэта, сына молдавского господаря), Василия Кирилловича Тредиаковского и Михаила Васильевича Ломоносова. С классицизмом связано творчество большинства русских писателей 18 века.

Художественные принципы классицизма таковы.

1. Писатель (художник) должен изображать жизнь в

идеальных образах (идеально положительных или «идеально» отрицательных).
2. В произведениях классицизма строго разделяются доброе и злое, высокое и низкое, прекрасное и безобразное, трагическое и комическое.
3. Герои классицистических произведений чётко делятся на положительных и отрицательных, при этом фамилии персонажей, как правило, являются «говорящими», то есть содержат характеристику героя. 
4. Жанры в классицизме тоже разделены на «высокие» и «низкие»:

Высокие жанры	Низкие жанры
Трагедия	Комедия
Ода	Басня
Эпопея	Сатира

5. Драматические произведения подчинялись правилу трёх единств – времени, места и действия: действие происходило в течение одних суток в одном и том же месте и не осложнялось побочными эпизодами. При этом драматическое произведение состояло обязательно из пяти актов (действий).

Уходят в прошлое жанры древнерусской литературы. Отныне русские писатели используют жанровую систему Европы, которая существует по сей день.

М.В. Ломоносов

 

Создателем русской оды стал Михаил Васильевич Ломоносов.

А.П. Сумароков

 

Создателем русской трагедии – Александр Петрович Сумароков. Его патриотические пьесы были посвящены наиболее заметным событиям российской истории. Заложенные Сумароковым традиции продолжил драматург Яков Борисович Княжнин.

А.Д. Кантемир

 

Создатель русской сатиры (сатирического стихотворения) – Антиох Дмитриевич Кантемир.

Д.И. Фонвизин

 

Создатель русской комедии – Денис Иванович Фонвизин, благодаря которому сатира стала просветительской. Его традиции в конце 18 века продолжили А.Н. Радищев, а также комедиограф и баснописец И.А. Крылов.

Сокрушительный удар по системе русского классицизма нанёс Гаврила Романович Державин, начинавший как поэт-классицист, но нарушивший в 1770-е гг. каноны (творческие законы) классицизма. Он смешал в своих произведениях высокое и низкое, гражданский пафос и сатиру.

С 1780-х гг. ведущее место в литературном процессе занимает новое направление – сентиментализм, в русле которого работали М.Н. Муравьёв, Н.А. Львов, В.В. Капнист, И.И. Дмитриев, А.Н. Радищев, Н.М. Карамзин.

Первая русская газета «Ведомости»; номер от 18 июня 1711 года

Существенную роль в развитии литературы начинает играть журналистика. До 18 века в России не было ни газет, ни журналов. Первую русскую газету под названием «Ведомости» в 1703 году выпустил Пётр Первый.

Во второй половине века появляются и литературные журналы: «Всякая всячина» (издатель – Екатерина Вторая), «Трутень», «Живописец» (издатель Н.И. Новиков), «Адская почта» (издатель Ф.А. Эмин). Заложенные ими традиции были продолжены издателями Карамзиным и Крыловым.

В целом 18 век – это эпоха стремительного становления русской литературы, эпоха всеобщего просвещения и культа науки. В 18 веке был заложен тот фундамент, который предопределил начало в 19 столетии «золотого века» русской литературы.

Конспект — Классицизм (кратко)

Классицизм (от лат. classicus — образцовый)
1) Литературно-художественное направление (а также эпоха и стиль) XVII— XVIII вв., сформировавше­еся во Франции и взявшее за образец античное искусство с присущими ему представлениями о прекрасном и принципами «подражания природе», соблюдения чувства меры, стремления к гармонии. Литература классициз­ма выработала свод четких законов и правил, предполагавший разделение жанров, тем и стилей.

2) Художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве XVII — начала XVIII века. Важнейшей чертой его было обращение к образцам античной литературы и искусства как к идеальному эстетическому эталону. Писатели ориентировались на сочине­ния греческого философа Аристотеля и римского поэта Гора­ция. Эстетика классицизма устанавливала строгую иерархию жанров и стилей.

Высокие жанры — трагедия, эпопея, ода.
Низкие жанры — комедия, сатира, басня.
Классицизм как культурное явление зародился в XVII веке в Северной Италии, в эпоху позднего Возрождения. Во Фран­ции преимущественное распространение получили низкие жанры, которые достигли такого высокого уровня, что коме­дии Мольера даже получили название «высоких комедий». Классицизм пришёл в упадок после Великой французской ре­волюции 1789-1794 годов.

Русский классицизм характеризуется обращением к нацио­нальным истокам, а не к античности. Он тоже развивался пре­имущественно в рамках «низких жанров».

3) Литературное направление, зародившееся в XVII в. но Франции в условиях становления абсолютистского государства. В качестве образца для подражания писатели-классицисты избрали античное искусство, но истолковали его по-своему. В основу классицизма положен принцип рационализма (racio). Все должно подчиняться разуму и в государстве, и в личной жизни, причем эгоистические чувства, страсти именно разумом долж­ны вводиться в рамки гражданского и нравственного долга. Тео­ретиком классицизма был французский поэт Николя Буало, изложивший программу направления в книге «Поэтическое искусство». В классицизме устанавливались определенные твор­ческие правила (нормы):

Основной конфликт произведений — борьба между эгои­стическим чувством и гражданскими долгом или между стра­стью и разумом. При этом долг и разум всегда побеждают.
В соответствии со своим отношением к общественному долгу действующие лица подразделялись на положительные и отрица­тельные. В персонажах запечатлевалось только одно качество, одна доминирующая черта (трусость или храбрость, коварство или благородство и т.д.), т.е. характеры были однолинейны.

В литературе устанавливалась строгая иерархия жанров. Все они делились на высокие (ода, героическая поэма, трагедия) и низкие (басня, сатира, комедия). В высоких жанрах изобража­лись выдающиеся события, героями были монархи, государст­венные деятели, полководцы. В них прославлялись деяния во благо государства и монархии. Язык в произведениях высоких жанров должен был быть торжественным, величавым.

В низких жанрах изображалась жизнь людей средних сосло­вий, высмеивались бытовые явления и отдельные черты харак­тера человека. Язык басен, комедий был близок к разговорному.
Драматические произведения в эстетике классицизма под­чинялись требованию трех единств: времени, места и действия. Единство времени и места означало, что действие в пьесе долж­но занимать не больше суток и причем происходить в одном месте. Единство действия предписывало линию сюжета, не осложненную побочными эпизодами.

Во Франции ведущими писателями классицизма были дра­матурги П. Корнель и Ж. Расин (в жанре трагедии), Мольер (ко­медия), Ж. Лафонтен (басня).

В России классицизм развивался с XVIII в. Хотя русский клас­сицизм имел много общего с западноевропейским, в частности с французским, но в литературе отчетливо проявлялась нацио­нальная специфика. Если западноевропейский классицизм об­ращался к античным сюжетам, то русские писатели брали мате­риал из национальной истории. В русском классицизме отчетли­во звучала критическая нота, резче было обличение пороков, более выраженным был интерес к народному языку и в целом к народному творчеству.
Представители классицизма в русской литературе — А.Д. Кан­темир, М.В. Ломоносов, А.П. Сумароков, Д.И. Фонвизин.

22 Классицизм в литературе

Классицизм — это художественный метод в искусстве, от лат. «classicus» — образцовый. Возник во Франции в семнадцатом веке. Теоретик классицизма — Николя Буало.  Основные черты:  Регламентированность, служение государству, утверждение разумного начала, отчуждение неразумного.  Основная идея:  Конфликт разумного и неразумного начал, с обязательной победой разумного.  Эстетические принципы:  1. Сохранение целостности личности героя (т.е. герой не еняется на протяжении повествования)  2. Герои — носители одной добродетели и одного порока.  3. Принцип единства содержания и формы при ведущей роли содержания.  4. Основано на исторических событиях, и соответствует каноническим представлениям о них.  5. Рационализм.  6. Служение в первую очередь государству и его интересам.  Правила Классицизма в литературе:  Имеет место быть правило Трех Единств:  Места (действие происходит в одном месте)  Времени (действие происходит в течение одних суток)  Действия (одна сюжетная линия, один конфликт)  Жанры: комедия, трагедия.  Жанры.  В классицизме жанры подразделяются на высокие и низкие. К высоким относятся те, что повествуют о выдающихся событиях и выдающихся людях — трагедия, ода, героическая песня. Герои высоких жанров — это видные деятели искусства и политики, монархи, исторические персонажи. О них говорят торжественным, величавым языком высокого стиля.  Низкие жанры рассказывают о частной жизни буржуа, третьего сословия. Это может быть комедия, сатира, басня, написанная в разговорном стиле.  Герои.  Герои произведений классицизма — чаще всего своего рода «шаблоны». Так, из произведения в произведение переходят образы служанок-помощниц своей госпожи, мужественные герои. Это так называемые «типические образы». В высоких жанрах все видные деятели только воспеваются, ибо высмеивать их недопустимо. Сатирические комедии уместны лишь только если они повествуют о буржуа.  Представители классицизма:  П. Корнель, Ж. Расин, М.В. Лермонтов, Г.Р. Державин, В.К. Тредиаковский. 

Русский классицизм

Основные признаки русского классицизма:

1. Обращение к образам и формам античного искусства.

2. Герои четко делятся на положительных и отрицательных.

3. Сюжет основан, как правило, на любовном треугольнике: героиня – герой-любовник, второй любовник.

4. В конце классической комедии порок всегда наказан, а добро торжествует.

5. Принцип трех единств: времени (действие длится не более суток), места, действия.

К примеру можно привести комедию Фонвизина «Недоросль». В этой комедии Фонвизин пытается осуществить главную идею классицизма – перевоспитать мир разумным словом. Положительные герои много рассуждают о нравственности, жизни при дворе, долге дворянина. Отрицательные персонажи становятся иллюстрацией неподобающего поведения. За столкновением личных интересов видны общественные позиции героев.

Классицизм — ЛИТЕРАТУРНЫЕ НАПРАВЛЕНИЯ — Литература: новый полный справочник школьника для подготовки к ЕГЭ — ЕГЭ 2018 — Произведения школьной программы

Литература: новый полный справочник школьника для подготовки к ЕГЭ

Классицизм

Искусство классицизма возникло в эпоху Ренессанса как попытка преодолеть абстрактность средневекового искусства, его синкретизм и ориентированность на жёсткую иерархию феодальных отношений. К XVII веку кризис идеалов Возрождения и укрепление абсолютных монархий в Европе (Англия, Испания, Франция) требовали внесения в классицистические принципы ряда уточнений.

Классицисты внимательно изучали труды теоретиков античной литературы: «Поэтику» Аристотеля и «Послание к Пизонам» Горация. Даже отступая от каких-либо догматических положений наиболее ревнивых теоретиков, их оппоненты ссылались на те же авторитеты античных авторов, что и их противники. В этом классицисты XVII века также следовали примеру классицистов эпохи Возрождения, для которых авторитет античных авторов оставался непоколебим.

Но классицизм XVII века отличался от искусства эпохи Возрождения. Классицисты XVII века продолжали верить в возможность разумного постижения вечных законов природы и их использования в общественной жизни. Ошибку гуманистов они видели в том, что те недостаточно последовательно применяли рационалистические принципы постижения действительности, в том числе и при изображении человека. Отсюда большая нормативность классицизма XVII века: искусство должно подвергнуть природу тщательному анализу, чтобы выяснить причины и сущность вещей и явлений. И здесь с точки зрения классицистов нет места фантазии или художественному произволу. Писатель всё должен подвергать суду разума.

Любите мысль в стихах, пусть будут ей одной

Они обязаны и блеском, и ценой.

Так заявлял в своём «Поэтическом искусстве» Никола Буало, французский поэт, теоретик классицизма, считавший, что даже лирическая поэзия не может оставаться свободной от господства мысли.

Основную задачу искусства классицисты видели в воспитании человека в духе благородства и добродетели. Жан Расин — французский драматург — так формулировал цели драматургии в предисловии к своей трагедии «Федра»: «Страсти изображаются с единственной целью показать, какой они порождают хаос, а порок рисуется красками, которые позволяют тотчас распознать и возненавидеть его уродство. Собственно, это и есть та цель, которую должен перед собой ставить каждый, кто творит для театра».

Те же воспитательные цели заставляли авторов избегать в своих произведениях всего, что могло показаться безобразным или вульгарным. Дурные примеры, по их мнению, наиболее опасны, если их преподаёт искусство. Тот же Н. Буало предупреждал:

Чуждайтесь низкого: оно всегда уродство,

В простейшем стиле всё должно быть благородство.

Но это не означает, что предмет изображения обязательно должен выглядеть возвышенным. Прежде всего сам поэт не может казаться вульгарным. Он обязан ненавидеть порок и изображать его так, чтобы вызвать к нему столь же сильную ненависть у читателя. Такое изображение низменного достойно восхищения, считает Н. Буало:

В искусстве воплотясъ, и чудище и гад,

Нам всё же радуют насторожённый взгляд:

Нам кисть художника являет превращенье

Предметов мерзостных в предметы восхищенья.

Вместе с искусством классицизма в литературу пришли темы высокой гражданственности. Ведь требовалось воспитать не абстрактного человека, а сознательного члена общества, разумного и непреклонного, подчиняющего свои страсти чувству долга перед государством и другими людьми. Для того чтобы преимущества такого «разумного человека» выглядели нагляднее, классицисты использовали приёмы идеализации и персонификации.

Идеализация наиболее ярко выступала в торжественных и хвалебных одах (например, в «Оде г. Гоббсу» английского поэта А. Каули, в «Оде королю Генриху Великому» первого французского классициста XVII века Ф. де Малерба или в «Песнях утешения средь бедствий войны» немецкого писателя М. Опица). Сущность идеализации заключалась в том, что какое-либо событие (например, победное окончание войны, издание указа и т.п.) или человек изображались только с положительной стороны.

Очень распространённым стал жанр хвалебной оды, в которой прославлялись король, военачальник или политический деятель. Интересно, что изображался человек не таким, каким он являлся на самом деле, а каким он должен стать, чтобы оказаться достойным похвалы. Хвалебная ода — это своеобразный поэтический урок государю или вельможе, скрытое пожелание развивать в себе лишь лучшие качества, заложенные в человеке от природы.

Персонификация получила наиболее последовательное воплощение в стихотворных сатирах и драматургии. Суть этого приёма заключается в том, что какое-то одно человеческое качество абсолютизируется и полностью определяет характер того или иного персонажа. Так, Гарпагон, главное действующее лицо комедии Ж. Б. Мольера «Скупой», олицетворяет собой скупость, Нерон — центральная фигура трагедии Ж. Расина «Британик» — тираническую власть и т.п. В «Сатире V» Н. Буало персонифицируется ничтожество французских дворян в образе маркиза де Данжо. Этот же приём присутствует и в баснях, например, Лафонтена.

Показывая преимущества и недостатки отдельных человеческих качеств, писатели-классицисты как бы призывали читателя заняться самовоспитанием, критически взглянуть на себя, чтобы стать достойными продолжателями деяний героев высоких классицистических произведений и не походить на тех сатирических персонажей, которые вызывают лишь смех или презрение.

Воспитательными целями объяснялось и стремление классицистов XVII века к созданию «чистых» характеров и «чистых» жанров. Одной чертой, по их мнению, должен определяться характер человека, чтобы отношение к нему читателей оставалось однозначным. Ведь если персонаж сочетает в себе низость и благородство, читатель может оправдать его дурные поступки во имя добрых и под воздействием его примера позволить и себе отступить от добродетели.

Важной, по мнению классицистов, представлялась и последовательность воспитательного воздействия. Нельзя, считали они, заставлять читателя или зрителя то плакать, то смеяться над одним и тем же произведением. Это помешает человеку глубоко прочувствовать и проанализировать причины смеха и слёз, поэтому все жанры делились на «высокие» и «низкие».

«Высокие» давали примеры благородства, добродетели; изображаемые в них пороки вызывали не смех, а ужас или возмущение и были связаны с трагическими заблуждениями героев. К «высоким» жанрам относились трагедия, ода, трактат.

«Низкие» жанры были призваны бичевать пороки, воспитывать презрение и ненависть к отрицательным качествам. «Низкими» жанрами считались комедия, сатира, басня, эпиграмма.

Соответствовать жанру должен также стиль произведения. Нельзя повествовать о гибели добродетельного человека, пересыпая речь грубыми шутками, и нельзя в патетическом тоне рассказывать о трусливом хвастуне. «Высоким» жанрам соответствовал «высокий» стиль, из которого изгонялись просторечие и шутки. «Низким» жанрам соответствовал «низкий» стиль, в котором допускалась разговорная речь.

Стремясь к разделению «высоких» и «низких» жанров, классицисты в то же время понимали, что таким образом невозможно показать всё многообразие жизни. Поэтому они признавали (хотя и с известными оговорками) существование «средних» жанров, в которых допускалось смешение трагического и комического, благородного и низкого. К таким жанрам относились трагикомедия, послание, аллегория.

В борьбе за установление господства подлинного искусства в театре устанавливались обязательные для классической драмы три единства: места, времени и действия. Все эти классицистические правила родились в недрах творчества наиболее крупных художников и были направлены против «дурного вкуса» в искусстве, против пустой развлекательности.

Классицисты считали, что правила не могут помешать подлинно талантливому писателю создать значительное произведение. А вот для тех, кто с помощью внешних эффектов стремится вызвать минутный восторг публики, развращает её вкус, они станут непреодолимым препятствием.

Вполне закономерно, что строгая регламентация больше всего проявилась именно в драматургии: театр в ту эпоху обладал небывалой силой воздействия на умы.

В пьесах, игравшихся на театральных сценах прежде, действие свободно переносилось из города в город, из страны в страну, герой мог совершить путешествие в рай или ад, это способствовало возбуждению интереса зрителей. Классицисты, выступавшие за правдоподобие драмы, потребовали, чтобы действие пьесы происходило в ограниченном пространстве. Причём для всех «высоких» жанров ограничения выглядели более строгими. В трагедии действие могло разворачиваться в пределах только одного помещения. В комедии допускалась большая свобода: события могли происходить в доме и на прилегающей к нему площади, а иногда и в целом городе.

Единство времени ограничивало протяжённость изображаемых событий. Классицисты считали неправдоподобным и антихудожественным, если актёр в начале пьесы появлялся юношей, а в конце — глубоким стариком. Для трагедий время действия ограничивалось одним днём, от восхода до захода солнца, для трагикомедий — сутками, которыми автор мог располагать по своему усмотрению. Наконец, комедиограф мог разворачивать действие на протяжении 36 часов.

Единство действия предполагало такое построение пьесы, при котором события группировались вокруг одной сюжетной линии и непосредственно вытекали одно из другого. Небольшая экспозиция готовила завязку основного конфликта. Развитие действия неумолимо вело к кульминации, за которой следовала развязка. Впрочем, и здесь для «низких» жанров сохранялась большая свобода. В комедии могла присутствовать побочная сюжетная линия, которая либо оттеняла основную, либо противопоставлялась ей. Так, любовным приключениям главных героев часто сопутствовали приключения их слуг, или же любовные отношения протагонистов (положительных героев) контрастно оттенялись приключениями или злоключениями антагонистов (отрицательных героев).

Кроме этих правил существовали и другие. Они призваны были защитить театр от грубости, нелепости и дешёвых эффектов. Не следовало разыгрывать на сцене убийства, сражения, драки и т.п., чтобы авторы не злоупотребляли доверчивостью зрителя, вызывая ужас потоками краски, изображающей кровь, и не порождали истерического смеха при виде актёров, раздающих друг другу подзатыльники. И смерть, и драки должны оставаться за кулисами, а на сцене о них рассказывал актёр.

Именно от драматического мастерства и таланта автора зависело, поверит ли ему зритель. Разумеется, это не означало, что действие совсем изгонялось со сцены. Великий французский драматург П. Корнель писал в «Разборе Сида»: «Всё, что предстаёт перед взором, впечатляет куда сильнее, чем просто рассказанное». Исчезли лишь внешние, нарочитые и грубые действия.

В европейских странах нормативность классицизма проявлялась в различной степени. Наиболее строго правила классицизма соблюдались во Франции, где он получил поддержку со стороны представителей абсолютизма и был возведён в ранг официального художественного направления.

В Англии писатели обладали гораздо большей свободой в соблюдении правил. Они, конечно, считались желательными, но во имя высокой художественности автор мог пожертвовать одним или даже несколькими из них. Однако при этом английский классицизм не переставал оставаться классицизмом, так как придерживался основных принципов этого литературного направления: рационалистичности, дидактизма и принципа «подражания природе».

В целом классицизм XVII века оказался чрезвычайно важным и плодотворным литературным направлением. Он способствовал дальнейшему развитию литературы и усилению в ней мотивов гражданственности и героизма. Благодаря классицизму возросло сатирическое воздействие литературы на публику, что способствовало расширению борьбы с человеческими пороками. Не поднимаясь до критики социальных основ складывавшегося в центральных европейских государствах феодальнобуржуазного строя, классицизм XVII века тем не менее выразил своё негативное отношение к современности, сосредоточившись в основном на этических коллизиях, обнажавших те или иные пороки отдельной человеческой личности.



Статья о классицизме из The Free Dictionary

Художественный стиль и эстетическая тенденция в европейской литературе и искусстве XVII — начала XIX веков, одной из главных особенностей которой было возвращение к образам и формам литературы и искусства. античности как идеальный эстетический эталон.

Классицизм возник в результате взаимодействия с другими европейскими направлениями в искусстве. Он был основан на более ранней эстетике Возрождения и противостоял современному искусству барокко, проникнутому чувством всеобщего разлада, возникшего из кризиса идеалов предыдущей эпохи.Хотя он продолжал такие традиции эпохи Возрождения, как почитание древности, вера в разум и идеализация гармонии и меры, классицизм также представлял собой явную противоположность эпохе Возрождения. За внешней гармонией классицизма скрывалась внутренняя дихотомия мировоззрения, которая, несмотря на глубокие различия, приближала его к барокко. Родовое и индивидуальное, социальное и личное, разум и чувство, цивилизация и природа, которые в эпоху Возрождения были объединены в единое гармоничное целое, были поляризованы в классицизме и стали взаимоисключающими.Эта дихотомия отражала новую историческую ситуацию, в которой сферы политической и частной жизни начали разделяться, а социальные отношения стали для человека изолированной и абстрактной силой. В 17 веке идея разума была неотделима от идеи абсолютистского государства, которое в то время, согласно К. Марксу, действовало как «универсальный разум» (К. Маркс и Ф. Энгельс, Соч., 2 изд. ., т. 1, стр. 254), как «цивилизационный центр, объединяющий принцип общества» (там же, т.10, стр. 431), как сила, способная сдержать феодальную анархию и установить мир и порядок.

В основе эстетики классицизма лежали принципы рационализма, соответствующие философским идеям Р. Декарта и картезианцев. В соответствии с этими принципами художественное произведение рассматривалось как искусственное творение — сознательно созданное, рационально организованное и логически построенное. Пропагандируя «подражание природе», классики считали обязательным условием его достижения строгое соблюдение неизменных правил, вытекающих из классической поэтики (Аристотель, Гораций) и искусства.Эти правила определили законы художественной формы, в которой проявлялась рациональная творческая воля художника, превращая жизнь в красивое, логически гармоничное и ясное произведение искусства.

Художественное преобразование природы в прекрасное и облагораживающее также представляло собой более высокое познание природы; искусство было призвано показать идеальную логику мироздания, часто скрытую за внешним хаосом и беспорядком действительности. Разум, постигающий идеальную гармонию, был явлением более высоким, чем индивидуальные особенности и многообразие жизни.Для классицизма эстетической ценностью обладали только универсальное, неизменное и вневременное. Классицизм стремился раскрыть и воплотить существенные, постоянные черты каждого явления; отсюда его интерес к древности как абсолютной, надисторической эстетической норме, а также его приверженность принципам типов персонажей, воплощающих определенные социальные или духовные силы.

Классицисты стремились создавать образы, являющиеся моделями, отражающими жизнь в ее идеальном, вечном аспекте. Эти образы были зеркалами, в которых индивидуальное превращалось в общее, временное — в вечное, реальное — в идеальное, а история — в миф.Классический образ изображал то, что есть повсюду, но нигде в действительности. Это была победа разума и порядка над хаосом. Воплощение высоких этических идей в соответствующих гармоничных и красивых формах придавало произведениям, выполненным в соответствии с канонами классицизма, оттенок утопизма, обусловленный также акцентом классицизма на дидактических и социальных функциях искусства.

Эстетика классицизма установила строгую иерархию жанров: «высокий» и «низкий». В литературе к высоким жанрам относились трагедия, эпос и ода, а в живописи — исторический, мифологический и религиозный.Темы высоких жанров касались государства или религиозной истории, а их героями были монархи, военачальники, мифологические персонажи и религиозные фанатики. Повседневная жизнь среднего класса изображалась в литературе низкими жанрами комедии, сатиры и басни. В живописи соответствующими «маленькими» жанрами были пейзаж, портрет и натюрморт. У каждого жанра были строгие границы и четкие формальные особенности; нельзя смешивать высокое с низким, трагическое с комическим или героическое с повседневным.

Литература. Поэтика классицизма начала развиваться в Италии в конце эпохи Возрождения в поэтике Л. Кастельветро и Дж. К. Скалигера, но только во Франции 17 века, во время консолидации и расцвета абсолютизма, классицизм возник как целостная художественная система. .

Поэтика французского классицизма, постепенно развивающаяся в противоречии как с préciosité , так и с бурлеском, получила окончательное и систематическое выражение в Art poétique (1674) Н.Буало, обобщивший художественный опыт французской литературы XVII века. Основоположником поэзии и поэтики классицизма был Ф. Мальерб, чьи языковые и стихотворные реформы были приняты Французской академией, которой было поручено создать обязательный лингвистический и литературный канон.

Ведущим жанром классицизма была трагедия, разрешившая важнейшие социальные и нравственные проблемы эпохи. В трагедии социальные конфликты отражаются в душах героев, стоящих перед выбором между нравственным долгом и страстями.Этот конфликт отражал поляризацию социальной и частной жизни, поляризацию, которая также определила структуру персонажа. Родовое и социальное, мышление и рассуждающее «Я» противопоставляется непосредственному индивидуальному существованию героя, и герой, пытающийся следовать велениям разума, кажется, смотрит на себя извне, самоанализ, терзается своей двойственностью и чувствами. императив стать равным идеальному «Я». В произведениях П. Корнеля этот императив слился с долгом перед государством.Позже, в творчестве Дж. Расина, нарастающее отчуждение от государства привело к тому, что императив утратил политическое значение и приобрел этический характер. Внутреннее ощущение надвигающегося кризиса абсолютистской системы раскрывается и в трагедиях Расина, идеально гармоничное художественное построение которых контрастирует с изображенными слепыми и стихийными страстями; перед лицом этих страстей человеческий разум и воля бессильны.

Во французском классицизме «низкие» жанры получили большое развитие и в баснях Ж.де ла Фонтен, сатиры Буало и комедии Мольера. Именно в низших жанрах, персонажи которых черпались не из идеализированного исторического или мифологического далекого прошлого, а из современной действительности, мог развиться реалистический принцип. Это особенно верно в отношении Мольера, произведения которого ассимилировали различные интеллектуальные и художественные течения и во многом определили последующее развитие литературы. В Мольере комедия перестала быть низким жанром; его лучшие пьесы назывались «высокими комедиями», потому что, как и трагедия, они пытались разрешить важнейшие социальные, моральные и философские проблемы эпохи.В классицизме развивалась и проза, отличавшаяся типологизированными страстями, аналитической характеристикой, точным и ясным стилем, как в произведениях моралистов Ф. де Ла Рошфуко, Б. Паскаля, Ж. де Лабрюйера и психолога-романиста М. Ла Файет.

После упадка в конце 17 века классицизм возродился в эпоху Просвещения. Новый классицизм Просвещения сосуществовал на протяжении 18 века с реализмом Просвещения, снова став доминирующим художественным течением в конце века.Классицизм Просвещения во многом продолжал традиции классицизма 17 века: человек рассматривался как сознательно относящийся к миру и к самому себе, как способный подчинить свои надежды и страсти общественному и нравственному долгу. Классики эпохи Просвещения разделяли энтузиазм классиков XVII века по отношению к цивилизации и рационалистическому пониманию художественного творчества. Однако изменилась социально-политическая направленность просветительского классицизма. В рамках классических традиций Вольтер писал трагедии, противостоящие религиозному фанатизму и абсолютистскому угнетению и выражающие любовь к свободе.

Восхищение античностью как миром идеальных прототипов — суть классицизма, в том числе XVIII века — уходило корнями в идеологию Просвещения. Когда люди Просвещения пытались выйти за пределы внешнего потока жизни, выйти за пределы частной жизни, они обычно оказывались в мире идеальных абстракций, потому что многие из их теорий основывались на изолированном человеке и потому что они не искали сущности. человека в социальных обстоятельствах жизни или в истории, а скорее в абстрактной человеческой природе.Между классицизмом Просвещения и литературой Великой французской революции существовала тесная связь, в которой героические устремления воплощались в классических мифах и легендах, как, например, в творчестве М. Ж. Шенье. Как писал Маркс, революционеры находили в легендах античности «идеалы и художественные формы, иллюзии, необходимые им, чтобы скрыть от себя ограниченное, буржуазное содержание своей борьбы, поддержать свое вдохновение на высоком уровне великой исторической трагедии» (К. Маркс и Ф.Энгельс, Соч., 2 изд., Т. 8, стр. 120).

Под влиянием французской литературы классицизм развился и в других странах Европы. В Англии ее ведущими представителями были А. Поуп и Дж. Аддисон; в Италии — В. Альфьери и отчасти Уго Фосколо. В Германии классические произведения Я. К. Готшеда, полностью построенные по французским образцам, не оставили значительного следа в немецкой литературе. Лишь во второй половине XVIII века возник новый немецкий классицизм, известный как веймарский классицизм, как своеобразное художественное явление.В отличие от французского классицизма, он имел тенденцию подчеркивать моральные и эстетические проблемы. Его основы были заложены Я. Винкельманом, но наивысшего расцвета он достиг в творчестве Я. В. фон Гете и Ф. фон Шиллера в веймарский период их карьеры. Немецкие поэты противопоставляли «благородную простоту», гармонию и художественное совершенство греческих классиков, возникших в условиях демократии городов-государств, духовной нищете немецкой действительности и всей современной цивилизации, оказывавшей разрушительное воздействие на человека.Шиллер и отчасти Гете видели в искусстве главное средство воспитания гармоничной личности и, опираясь на культуру античности, стремились создать новую современную литературу высокого стиля, способную выполнить эту задачу.

Во времена Наполеоновской империи классицизм перестал быть прогрессивной силой. Его характеризовали официальная помпезность и пышность, холодный и безжизненный академизм. Тем не менее, как подражательное течение, он продолжал существовать во Франции до 1840-х годов.

Классицизм зародился в России во второй четверти XVIII века под идейным влиянием эпохи Петра I, с его безусловным подчинением индивидуальной личности осознанно определенным национальным интересам. Классические элементы проявились в творчестве первых русских просветителей, основавших современную русскую литературу — А. Д. Кантемир, В. К. Тредиаковский, М. В. Ломоносов. Идея естественного равенства людей легла в основу социологических и этических концепций русской просветительской мысли.В классической литературе эта идея проявлялась в заботе об этической сущности человека, художественно выраженной в акценте на присутствии автора и его отношении к тому, что он изображал. Существенно переосмыслив западноевропейский классицизм, русский классицизм культивировал жанры, требующие обязательной авторской оценки исторической действительности, такие как сатира (Кантемир), басня (А.П. Сумароков, В.И. Майков, И.И. Хемницер), ода (Ломоносов, В.П. Петров и др.) Г.Р. Державин).В основе трагедий в первую очередь лежали национально-исторические сюжеты (Сумароков, Л. Б. Княжнин, Н. П. Николев), преобладающими стилистическими чертами которых были лиризм и «выразительность» главных героев, прямо излагавших излюбленные идеи автора. Классическая эстетика пережила сложное развитие с 1730-х по 1790-е годы, когда на нее напали сторонники нового литературного направления — сентиментализма. Перестав удовлетворять потребности общества, классицизм завещал русской литературе XIX века страсть к гражданской добродетели и сатирическому разоблачению.После появления статей В.Г. Белинского российская академическая наука и литературоведение долгое время отрицательно относились к классицизму, преодолеваемому только работами советских ученых.

Пластические искусства. В пластическом искусстве антецеденты классицизма зародились в Италии уже во второй половине XVI века в архитектурной теории и практике Палладио, а также в теоретических трактатах Виньолы и С. Серлио. Более подробно эти принципы получили развитие в трудах Г.П. Беллори (17 в.) И в эстетических нормах, разработанных академиками болонской школы. Классицизм развивался в противоречии с барокко на протяжении 17 века, но только во французском искусстве он стал целостной стилистической системой. Он стал общеевропейским стилем в 18 — начале 19 веков.

Классическая архитектура отличается геометрическим качеством ее статичных форм, ее логичным дизайном и постоянным возвращением к архитектурным формам античности, не только в использовании мотивов и элементов, но и в поглощении общих тектонических принципов.Ордены составляли основу классической архитектурной лексики, а их пропорции и формы больше напоминали античные, чем заказы более ранних периодов. Стены рассматривались как гладкие поверхности, очерчивающие четкие, симметрично расположенные массы. Архитектурный декор введен таким образом, чтобы никогда не «скрывать» общую структуру; скорее, он стал тонким и сдержанным аккомпанементом. Интерьеры отличались четким пространственным разделением и мягкими цветами; Широко применяя эффекты перспективы в монументально-декоративной живописи, классицизм отделял иллюзорное от реального пространства.В классическом синтезе искусств формы подчинялись строгой иерархии, в которой явно доминировала архитектура. Городское планирование было генетически связано с принципами эпохи Возрождения и барокко и активно стремилось создать «идеальный город». В конце 18 века и в первой трети 19 века были разработаны новые планировки, органично объединяющие городское строительство с природой и создававшие открытые площади, которые пространственно сливались с улицами или эспланадами.

Тектоническая четкость классической архитектуры соответствовала строгой дифференциации пространственных плоскостей в скульптуре и живописи.В пластических искусствах использовались замкнутые монохромные массы, обычно зависящие от фиксированной точки наблюдения; преобладала мягкая лепка и устойчивость формы. В живописи рисунок и обработка света и тени приобрели первостепенное значение, особенно в позднем классицизме, когда живопись временами склонялась к монохромному, а графика — к чистой стилизованной линии. Цветовая схема была основана на сочетании трех преобладающих цветов, например, коричневого для переднего плана, зеленого для второй плоскости и синего для фона.Среда света и воздуха стала более разреженной, нейтрально заполняя промежутки между пластическими массами, и действие развернулось как на сцене.

Величайшим художником и теоретиком французского классицизма XVII века был Н. Пуссен, картины которого отличаются высоким этическим содержанием и четкой гармонией ритмической структуры и цветовой гаммы. Идеализированные пейзажи, воплощающие мечту Золотого века, блестяще разработали Пуссен, Клод Лоррейн, Ж. Дюге. Принципы классицизма получили развитие в Ф.Здания Мансара, известные своим четким разделением порядка и композиции, на восточном фасаде Лувра К. Перро, чистейшем образце классицизма 17 века, а также в работах Л. Ле Вау и Ф. Блонделя. Начиная со второй половины XVII века во французском классицизме постепенно усваиваются элементы барокко, что особенно ярко проявляется в архитектуре и планировке Версаля (архитекторы Ж. Хардуэн-Мансар и др.), А также в планировке А. Ленотра. сады. Консолидации доктрины классицизма способствовало создание в Париже Королевской академии живописи и скульптуры (1648 г.) и Академии архитектуры (1671 г.), которые разработали канон композиции и рисунка, нормы изображения эмоций и система жанров в живописи и пропорций в архитектуре.В 17 — начале 18 вв. Классицизм распространился на Голландию (Якоб ван Кампен, П. Пост), где возник особенно сдержанный вариант. В Англии классицизм нашел выражение в архитектуре Палладио, в которой суровое благородство построек И. Джонса сохранило элементы эпохи Возрождения. Архитектурные работы К. Рена и его последователей окончательно утвердили национальный вариант классицизма.

В середине XVIII века в пластике возникло новое классицистическое направление, соответствующее классицизму Просвещения в литературе и первоначально возникшее из конфликта с искусством рококо.Архитектура этого периода отказалась от жесткого дизайна, стремилась подчеркнуть структурную значимость заказов и уделяла особое внимание интерьерам и гибкой планировке комфортабельной резиденции. Идеальной обстановкой для классической застройки нового типа стал пейзаж «английского» парка. Рост археологических знаний о греческой и римской древности, полученных, в частности, из раскопок Геркуланума и Помпеи, оказал огромное влияние на классицизм XVIII века, равно как и теоретические работы Винкельмана, Гете и Ф.Милиция.

Французская архитектура того времени стала свидетелем развития новых форм, таких как элегантная уединенная частная резиденция, монументальное общественное здание и открытая городская площадь (архитекторы Ж.-А. Габриэль и Ж.-Г. Суффло). Гражданский задор и лирическая задумчивость сочетаются в скульптуре Ж.-Б. Пигаль, Э.-М. Фальконе, Ж.-А. Гудона в историко-мифологических картинах Ж.-М. Вена и в декоративных пейзажах Х. Роберта. Накануне Великой французской революции архитектура стремилась к строгим, граничащим формам, внушительным и назидательным образам.Все чаще архитекторы обращались к архаичным греческим мотивам и искусству Древнего Египта, иногда даже к системе без заказов, например, в зданиях и конструкциях К.-Н. Леду и Э.-Л. Булле. Эти тенденции, которые также обнаруживают влияние офортов Г. Б. Пиранези, послужили отправной точкой для стиля позднего классицизма, или ампира. Важнейшим представителем революционного направления в классической живописи был Ж.-Л. Дэвид, чьи работы проникнуты смелой драматичностью и величественной образностью.В эпоху Наполеона I стиль французского ампира был отмечен своей все более заметной демонстрацией (К. Персье, П. Фонтен, Ж.-Ф. Шалгрен), что часто приводило к использованию мельчайших деталей даже в декоративно-прикладном искусстве. . Несмотря на появление отдельных мастеров, таких как Д. Энгр, живопись позднего классицизма выродилась либо в официозно-апологетическое, либо в эротико-сентиментальное салонное направление.

В 18 — начале 19 веков Рим стал важнейшим международным центром классицизма.Здесь господствующее направление часто сочетало величественное благородство форм с абстрактной и холодной идеализацией. Среди художников, работавших в Риме, были немецкий живописец А. Р. Менгс, итальянский скульптор А. Канова, датский скульптор Б. Торвальдсен, австрийский художник-пейзажист Я. А. Кох.

Немецкая классическая архитектура XVIII — начала XIX веков отличается строгим и рациональным стилем строительства Палладио Ф. В. Эрдманнсдорфа, а также К. Г. Лангханса, Д. Гилли и Ф.Джилли. В творчестве К. Ф. Шинкеля — кульминации позднего немецкого классицизма — строгие монументальные формы органично связаны с поиском архитектором новых функциональных решений. С другой стороны, в зданиях Л. фон Кленце и Ф. Гертнера преобладает сухой археологический вид. Созерцательное по настроению немецкое классическое изобразительное искусство лучше всего представлено портретами А. и В. Тишбейнов, мифологическими и аллегорическими карикатурами А. Я. Карстенса, скульптурой И. Г. Шадова, И. Х.Даннекер, К. Д. Раух, декоративно-прикладное искусство мебельщика Д. Рентгена.

Палладианская школа, которая изначально преобладала в английской классической архитектуре 18 — начала 19 веков, была тесно связана с полным развитием паркового строительства (архитекторы У. Кент, Дж. Х. Пейн, У. Чемберс). Рост археологического интереса к классическим образцам проявился в постройках братьев Адам, отмеченных декоративной изысканностью. В начале 19 века проявляются черты ампира, особенно в творчестве Я.Соан. Основными достижениями английского классицизма были его превосходство в проектировании жилых помещений и его смелые усилия в области городского планирования, в определенной степени предвосхищающие идею «городов-садов» (Дж. Вуд, Дж. Вуд II, Дж. Нэш). Истинными представителями английского классицизма были иллюстратор и скульптор Дж. Флаксман, такие мастера декоративно-прикладного искусства в керамике, как Дж. Веджвуд и мастера Дерби.

В 18 — начале 19 вв. В Италии развивался классицизм (Г.Пьермарини), в Испании (Х. де Вильянуэва), в странах Восточной Европы и Скандинавии. В США представителями классицизма были архитекторы Т. Джефферсон и Дж. Хобан, художники Б. Уэст и Дж. С. Копли. К 1830-м годам классицизм перестал быть ведущим течением в искусстве и стал одним из псевдоисторических стилей; отголоски этого сохранились в неоклассицизме ХХ века.

Русский классицизм возник в середине 18 века и стал преобладающим художественным стилем примерно с 1770 по 1830 год.Процесс национальной консолидации, рост могущества Российского государства и беспрецедентный в истории России расцвет светской культуры послужили исторической и идеологической почвой, питавшей патриотический пыл в русском классицизме. Здания архитекторов раннего классицизма (1760-1770-е гг.), В частности А. Ф. Кокоринова, Ж. Б. Валлен де ла Моте, Ю. М. Фельтен, К. И. Бланк, А. Ринальди сохранили пластическое богатство форм, характерное для барокко. Мастера зрелого классицизма (1770-1790-е гг.) Проектировали здания с тонко дифференцированными фасадами, которые внесли свой вклад в организацию пространственной планировки города (В.И. Баженов, И. Е. Старов, М. Ф. Казаков). Малый дворец нового типа был разработан Ч. Камерон, Дж. Кваренги и Н. А. Львов создали русский вариант палладианского стиля. Стиль ампир первых трех десятилетий XIX века отражал политический триумф и мощь России. В период его расцвета были реализованы великолепные градостроительные проекты, особенно в Санкт-Петербурге, где впервые была поставлена ​​и решена проблема сочетания закономерных принципов симметрично-осевой планировки со свободным открытым пространством реки.Планы были разработаны более чем для 400 городов, а архитекторы создали «модельные» проекты почти для каждого типа строений. Ансамбли строились в центре разных городов, в том числе Костромы, Полтавы, Твери, Ярославля. Великолепные комплексы и отдельные здания (прежде всего в Санкт-Петербурге) проектировали А. Н. Воронихин, А. Д. Захаров, Тома де Томон, К. И. Росси, В. П. Стасов. В Москве ведущими архитекторами были Д. И. Жиларди, О. И. Бове, А. Г. Григорьев, а доминирующей архитектурной формой стал небольшой особняк с уютным интерьером.Тонкая оригинальность и поэтичность отличают таунхаусы и загородные усадьбы, построенные в стиле русского классицизма, в котором классические формы и украшения нашли органичное воплощение в дереве.

В изобразительном искусстве развитие русского классицизма было тесно связано с работой Академии художеств, основанной в Санкт-Петербурге в 1757 году. Скульптура была представлена ​​монументально-декоративными произведениями (тонко вписанными в архитектуру ампира), отдельно стоящими композиции, и элегической скульптурой надгробия (И.П. Прокофьев, Ф. Г. Гордеев, М. И. Козловский, И. П. Мартос, Ф. Ф. Щедрин, В. И. Демут-Малиновский, С. С. Пименов, И. И. Теребенев). Важное значение имела работа медалиста Ф. П. Толстого. В живописи мастера классического исторического жанра — А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмов, И. А. Акимов, А. И. Иванов, А. Е. Егоров, В. К. Шебуев, А. А. Иванов (ранний период). Принципы классицизма нашли отражение и в психологически проницательных бюстах Ф. И. Шубина, портретах Д.Г. Левицкий и В. Л. Боровиковский, пейзажи Ф. М. Матвеева, поэтическая графика Ф. П. Толстого. В декоративно-прикладном искусстве отличная работа выполнена в средах, типичных для классицизма в целом, таких как художественная обработка металла, фарфор и хрусталь. Столярные изделия, изделия из полированной стали, мебель из карельской березы особенно выделялись своей оригинальной техникой и материалами. В первой половине XIX века русский классицизм в изобразительном искусстве постепенно превратился в бесплодный академизм, которому противостояли художники демократических течений.

Театр. В театре классицизм способствовал более глубокому пониманию идей, содержащихся в драматическом произведении, и помог преодолеть преувеличенное изображение чувств, характерное для средневекового театра. Исполнение классической трагедии, достигшей уровня подлинного искусства, было приведено в соответствие с принципами, вытекающими из классической эстетики Н. Буало. В основе актерского мастерства лежал рационалистический метод, осознанное развитие роли.От актера-трагика требовалось выразительно декламировать свои стихи, не стремясь создать иллюзию искренних эмоций. Актерское мастерство показало присущее классицизму противоречие между апелляцией к природе, разуму и истине и ограничивающими нормами придворного, аристократического вкуса. В целом классические пьесы были помпезными и статичными. Актеры выступали на сцене, в постановке которой не хватало исторических или бытовых деталей.

Развитие классицизма в актерском мастерстве связано с французскими актерами Монтдори, Флоридором, Т.Du Parc и M. Champmeslé. Среди выдающихся деятелей эпохи классицизма Просвещения были Х. Лекен, К. Клерон, М. Дюмениль, этический и гражданский пыл которых превосходил салонную изысканность придворного классицизма. Демократические тенденции в классицизме наиболее ярко проявились в постановках Мольера. В годы Великой французской революции прогрессивные деятели театра, в частности Ф. Ж. Тальма, придали классицизму новое героическое и революционное звучание.

Французский классицизм 17-18 веков оказал влияние на театральное искусство других стран Европы.Его ведущими представителями были К. Нойбер в Германии, Т. Беттертон и Дж. Кембл в Англии. Блестящей актрисой французского театра была Э. Рашель. Эстетические нормы классицизма 19 — начала 20 веков наложили отпечаток на постановки «Комеди Франсез» и на игру Ж. Мунэ-Сюлли и Сары Бернар.

Классицизм зародился в русском театре 30–50-х гг. Сохраняя существенные черты классицизма, искусство ведущих деятелей русского театра, в отличие от западноевропейского театра, отличалось просвещенческими тенденциями, протестом и сатирическим разоблачением.Среди актеров, воспитанных в отечественной школе классицизма, были Ф. Г. Волков, И. А. Дмитревский, Т. Н. Троепольская, С. Н. Сандунов. На рубеже XIX и XIX веков классицизм переживал идеологический и художественный кризис, когда правда и сила актерских эмоций вступили в противоречие с канонами классического актерского стиля и опровергли его.

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

Реизов Б.Г. Между классицизмом и романтизмом. Ленинград, 1962.
Русская литература XVIII т.Эпоха классицизма (сборник статей). Москва-Ленинград, 1964.
Виппер Ю. Б. Формирование классицизма во французской поэзии начала 17 в. Москва, 1967.
Обломиевский, Д. Д. Французский классицизм. Москва, 1968.
Поспелов Г. Н. Художественная система русского классицизма. В Проблемы литературного стиля. Москва, 1970.
Эрнст, Ф. Der Klassizismus in Italien, Frankreich und Deutschland. Вена, 1924 г.
Bray, R. La Formation de la doctrine classique en France. Geneva, 1931.
Adam, A. Histoire de la littérature française au XVII siècle, vols. 1–5. Париж, 1948–56.
Peyre, H. Qu’est-ce que le classicisme? Париж, 1933.
История русского искусства, тт. 6–8 (книга 1). Москва, 1961–63.
Всеобщая история искусств, тт. 4–5. Москва, 1963–64.
Коваленская, Н. Н. Русский классицизм. Москва, 1964.
Ренессанс, Барокко, Классицизм: Проблема стиля в западноевропейском искусстве 15–17 веков. Москва, 1968.
Всеобщая история архитектуры, т. 7. Москва, 1969.
Ротенберг, Э.И. Западноевропейское искусство 17 века. Москва, 1971. (Памятники мирового искусства, кн 4, серия 1.)
Zeitler, R. Klassizismus und Utopie. Stockholm, 1954.
Kaufmann, E. Архитектура в эпоху разума. Кембридж, Массачусетс., 1955.
Hautecoeur, L. L’Histoire de l’architecture classique en France, vols. 1–7. Париж, 1943–57.
Тапи, V. Барокко и классицизм. Париж [1957].
Praz, M. Gusto neoclassico. Неаполь, 1959.
Новотны, Ф. Живопись и скульптура в Европе, 1780–1880 гг. Harmondsworth, 1960.
Hubala, E. Die Kunst des 17. Jahrhunderts. Berlin, 1970.
Keller, H. Die Kunst des 18. Jahrhunderts. Берлин, 1971 г.
История западноевропейского театра, т. 1. Москва, 1956.
Асеев Б. Н. Русский драматический театр XVII-XVIII вв. Москва, 1958.

Большая Советская Энциклопедия, 3-е издание (1970–1979). © 2010 The Gale Group, Inc. Все права защищены.

Возрождение античности в Европе

Аполлон Бельведер и сотворение Адама

Классицизм, или повторение классических тем, стилей и образов в искусстве, архитектуре, литературе и других культурных аспектах, всемогущ в западном обществе.Фактически, сама демократия родилась из афинского dēmokratia , объединившего древнегреческие слова dēmos и kratos , которые означают тело людей и власть, соответственно. Одним из самых знаменитых периодов возрождения классики был европейский ренессанс, особенно итальянский ренессанс, который может похвастаться одними из самых известных художественных и архитектурных шедевров западного мира, такими как Давид Микеланджело и Базилика Святого Петра в Ватикане.Это возрождение греко-римской культуры в период Возрождения называется классицизмом Возрождения, который можно увидеть во многих культурных областях того времени.

Литература эпохи Возрождения и классицизм

Возрождение классицизма во время итальянского Возрождения частично проявилось в повторном открытии древних латинских и греческих текстов такими авторами, как Цицерон, Платон и Аристотель. Эти работы стали идеализированными и считались неотъемлемой частью культурного просвещения и интеллектуализма после невежества средневекового периода.

Афинская академия Рафаэля Санцио да Урбино (Рафаэль) , 1509-1511

Итальянские авторы также опирались на древнегреческих и римских предшественников в своих театральных и поэтических постановках в период раннего Возрождения. Особенно примечательны в этом отношении поэты Данте и Петрарка. «Божественная комедия » Данте «» написана в трехчастной пьесе в древнегреческом стиле и постоянно опирается на классическую поэзию, в частности на «Энеиду » Вергилия. В нем даже изображен сам Вергилий как проводник Данте в подземный мир.Петрарка, латинский ученый, лирик, писатель и поэт, также был ярым сторонником гуманизма, и многие его произведения основаны на римской литературе и культуре.

Данте и Вергилий в аду Уильям-Адольф Бугро, 1850

Это классическое возрождение распространилось по Италии и другим европейским странам. Среди других известных авторов эпохи Возрождения — Никколо Макиавелли, Мишель де Монтень, Уильям Шекспир и Джованни Боккаччо.

Архитектура эпохи Возрождения и классицизм

Одним из наиболее важных и определяющих элементов периода европейского Возрождения была архитектура итальянского Возрождения.Италия претерпела заметный переход от готического стиля, связанного со средневековьем, к стилю Возрождения, связанному с древними греко-римскими периодами.

Этот переход можно увидеть в некоторых контрастных аспектах каждого архитектурного стиля. Одним из них был переход от готической остроконечной арки к арке романского ренессанса. Кроме того, архитектура эпохи Возрождения имитировала древние дорические, ионические и коринфские колонны, а также римский купол и туннельный свод.

Пример купола эпохи Возрождения в классическом стиле с романскими арками , 1905 Пример архитектурных деталей в готическом стиле, включая остроконечные арки

Архитектура раннего Возрождения была известна тем, что в ней были представлены классические фасады, но при этом готические элементы все еще присутствовали в своей структуре. Собор Санта-Мария-Новелла (1420 г.) во Флоренции, Италия, является примером перехода от готики к архитектуре эпохи Возрождения. В то время как ранее построенная часть собора включает более острые и темные элементы готической архитектуры, фасад, спроектированный позже Леоном Баттисти Альберти, украшен романскими арками и представляет собой римский храм с колоннами и традиционной остроконечной крышей с фронтоном.

Фасад собора Санта-Мария-Новелла, спроектированный Леоном Баттисти Альберти, Флоренция, 1420 г.

По мере того, как стиль Возрождения распространился по Италии и Европе, архитектура также изменилась, представляя более орнаментальный, традиционно классический стиль. В XV и XVI веках, известных как «Высокое Возрождение», были знаменитые архитекторы, такие как Рафаэль и Микеланджело. Модель Tempietto (1502) в Сан-Пьетро-ин-Монторио, спроектированная Донателло, является примером классического стиля с римским куполом и дорическими колоннами.Он также имеет римские арки, статуи в греко-римском стиле и триглифические детали в интерьере.

Темпьетто Донато дель Браманте (Донателло) в Сан-Пьетро-ин-Монторио , Рим, 2014

Искусство эпохи Возрождения и классицизм

Визуальные художники эпохи Возрождения также повторили классические стили. Одним из наиболее заметных средств этого присвоения была живопись, в которой использовались классические образы и использовались древние шедевры в качестве предметов для произведений искусства. Известные художники, такие как Андреа Мантенья, Джованни Беллини, Тициан и Леонардо да Винчи, создавали произведения искусства в период Возрождения.

Сотворение Адама Микеланджело Галилей, 1508-1512

Классические темы преобладали в живописи эпохи Возрождения. Хотя католицизм оставался важной темой, в то время в произведениях возник рост мифологических деталей и повествований. Картина Сандро Боттичелли « Рождение Венеры » (1484–1486) из раннего Возрождения изображает обнаженную Венеру, выдающуюся богиню из римской мифологии (греч. Афродита) , поднимающуюся из моря.

Рождение Венеры Сандро Боттичелли, 1484-1486

Вам нравится эта статья?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей

Спасибо!

Проверьте свой почтовый ящик, чтобы подтвердить подписку.

Фреска Рафаэля Афинская академия (1509-1511) эпохи Возрождения, среди других фигур изображает нескольких древнегреческих философов. Изделие оформлено в сочетании афинского и католического храмов, поскольку в нем много классических элементов и оно имеет форму креста. На заднем плане — греческие боги Аполлон и Афина.

Живопись была не единственной средой, на которую повлияло это увлечение классикой. Скульптура тоже стала воплощать классический реализм и идеализм.Существовали многочисленные воссозданные в стиле эпохи Возрождения греческие и римские статуи или новые предметы, выполненные в древнем греко-римском стиле. Самый известный пример — это произведение Микеланджело « Давид » (1504 г.). Давид олицетворяет многочисленные элементы классического реализма, стоя в архетипической позиции контрапоста напротив бревна (используемого для опоры) с точеной фигурой, сильно напоминающей греческого бога, такого как Аполлон.

Давид Микеланджело Галилей, 1504

Аполлон Бельведерский (римская копия Леохара) , 120-140 гг. Нашей эры

Классицизм в другие периоды

Важно признать, что, хотя классицизм был очень заметен в течение европейского Возрождения, он также распространился на периоды после Возрождения и в неоклассицизм.Фактически, многие аспекты современного западного общества опираются на древнюю греко-римскую культуру. Итальянский Ренессанс, возможно, был «возрождением» классицизма, это был не единственный период его существования, и сегодня можно увидеть элементы классицизма во многих художественных, архитектурных и культурных сферах.

Шарлотта Дэвис Шарлотта — писатель из Портленда, штат Орегон, в настоящее время проживает в Лондоне, Англия. Я искусствовед с обширными знаниями в области истории искусства, классики, античного искусства и археологии.

Классицизм — Arthistory.net

Что касается искусства, то классицизм — это подражание искусствам древнего мира, особенно Греции и Рима. Это художественный жанр, который был популярен во многие периоды, такие как эпохи Возрождения и Просвещения. Классицизм, как художественное влияние, обычно представляет свои классические идеалы в искусстве, литературе, архитектуре и музыке. Изучение греческого и латыни, а также искусства древности также на многие столетия стало важнейшим компонентом образования.Некоторые определения этого термина обсуждают художественное превосходство и консерватизм как компоненты классицизма.

Классицизм впервые появился после падения Византии во время итальянского Возрождения. По мере того, как образование начало расцветать после средневековья и появилась информация о древнем прошлом Европы, люди начали подражать его формам и идеалам. Художники начали подражать классическому искусству по форме, симметрии, балансу и общему чувству порядка. Ведущие художники классицизма Возрождения — Микеланджело, Рафаэль и Корреджо.Классические идеалы особенно выразились в эпоху Возрождения в скульптуре, графике и живописи.

В течение шестнадцатого и семнадцатого веков классицизм рассматривался более формально и наделен большим чувством художественной дисциплины. Например, художественные и музыкальные институты разработали педагогику для разъяснения идеалов классицизма. Хотя порядок и элегантность по-прежнему были отличительными чертами произведений, вдохновленных классикой, атмосфера предсказуемости также окружала многие работы того периода.Двор Людовика XIV особенно символичен для классицизма второй половины этого периода.

В XVIII веке и в эпоху Просвещения классицизм был важным компонентом формального образования. Основные идеалы того периода, такие как свобода и демократия, уходят корнями в древность, особенно демократическое управление классических Афин, Греция. Классицизм породил неоклассицизм в искусстве, в котором больше внимания уделялось западным канонам признанных классических произведений.Хотя эти термины часто используются как синонимы, они привязаны к определенным векам, но оба движения представляют художественное влияние Древней Греции и Рима. Классицизм также оказал влияние на искусство девятнадцатого и двадцатого веков.

Хотя произведения классицизма демонстрируют характеристики порядка и баланса, они также часто воплощают классические сюжеты. Многие произведения классицизма изображают классические сцены античности, такие как Афинская школа (1509-1510) Рафаэля или Смерть Сократа (1787) Жака Луи-Давида.Многие произведения классицизма изображали сцены из мифологии, а также античной истории. Среди других известных художников, вдохновленных классикой, — Николя Пуссен, Джан Лоренцо Бернини и Леон Баттиста Альберти.

Иерархия жанров — HiSoUR — Hi So You Are

🔊 Аудиочтение

Иерархия жанров — это любая формализация, которая ранжирует разные жанры в форме искусства с точки зрения их престижа и культурной ценности. Самые известные иерархии поддерживаются европейскими академиями между семнадцатым веком и современностью, и из них иерархия, которая для живописных жанров удерживала Французскую академию, которая играла центральную роль в академическом искусстве.

Споры об эстетике живописи, которые продолжали набирать обороты с эпохи Возрождения, основывались на важности аллегории: изобразительные элементы, такие как линия и цвет, использовались для передачи окончательной идеи или объединяющей темы. По этой причине в искусстве был принят идеализм, чтобы естественные формы были обобщены и, в свою очередь, подчинены единству произведения искусства. Цель состояла в том, чтобы передать универсальную правду через подражание природе.

Андре Фелибиен, теоретик французского классицизма в прологе к Конференциям Академии, систематизирует классическую живопись по живописным темам: «история, портретная живопись, пейзаж, морские пейзажи, цветы и фрукты».Историческая живопись считалась большим жанром и включала картины на религиозные, мифологические, исторические, литературные или аллегорические темы. Они воплощали некую интерпретацию жизни или несли интеллектуальное или моральное послание. Боги и богини древних мифологий представляли различные аспекты человеческой психики, религиозные деятели представляли разные идеи, а история, как и другие источники, представляла диалектику или игру идей. Долгое время, особенно во время Французской революции, историческая живопись часто фокусировалась на изображении героического обнаженного мужчины; хотя это уменьшилось в 19 веке.

На основе этой иерархии следующие жанры классифицируются от наиболее к наименее благородным:
Историческая живопись, включая исторически важные, религиозные, мифологические или аллегорические сюжеты
Жанровая сцена (scènes de genre или petit genre): представление сцен из повседневной жизни .
Портретная живопись
Животная живопись
Натюрморт

По мнению Академии, портреты, пейзажи и натюрморты были хуже, потому что они были простыми изображениями внешних объектов, без моральной силы или художественного воображения.Жанровая живопись — ни идеальная по стилю, ни возвышенная по сюжету — восхищалась своим мастерством, изобретательностью и даже юмором, но ее никогда не смешивали с великим искусством. Иерархия жанров также соответствовала иерархии форматов: большой формат для исторической живописи, маленький для натюрморта.

Согласно Академии, художник должен подражать Богу, чья самая совершенная работа — это человек, и показывает группы человеческих фигур и выбирает темы истории и басни. «Он должен, — пишет Фелибиен, — подобно историкам, представлять великие события, или, как поэты, предметы, которые понравятся; и поднявшись еще выше, сумеете скрыть под покровом сказки достоинства великих людей и самые возвышенные тайны.

Этот термин в основном используется в области живописи, начиная с Высокого Возрождения, когда живопись зарекомендовала себя как высшая форма искусства. Этого не было в средневековом искусстве, и тем слоям общества, которые заказывали искусство, потребовалось немало времени, чтобы полностью принять эту точку зрения. Мультфильмы Рафаэля являются ярким примером сохранения статуса гобелена, самого дорогого вида искусства в 16 веке. В период раннего средневековья роскошные изделия из металла, как правило, пользовались наибольшим уважением, а ценные материалы оставались важным элементом в оценке искусства, по крайней мере, до 17 века.До XIX века самые экстравагантные предметы искусства оставались более дорогими, как новые, так и выставленные на арт-рынке, чем все, кроме нескольких картин. Классические сочинения, в которых ценились высшие навыки отдельных художников, оказали влияние, так же как и достижения в искусстве, которые позволили художникам эпохи Возрождения продемонстрировать свое мастерство и изобретательность в большей степени, чем это было обычно возможно в средние века.

В литературе эпос считался высшей формой по причине, выраженной Сэмюэлем Джонсоном в его «Жизни Джона Мильтона»: «По общему согласию критиков, первая похвала гению принадлежит писателю эпического стихотворения, поскольку он требует совокупности всех способностей, которых по отдельности достаточно для других композиций.Ниже идет лирическая поэзия и комическая поэзия с аналогичным рейтингом по драматургии. Роману потребовалось много времени, чтобы занять прочное место в иерархии, только потому, что вера в какую-либо систематическую иерархию форм истекла в 19 веке.

В музыке настройки слов имели более высокий статус, чем просто инструментальные произведения, по крайней мере, до периода барокко, а опера сохраняла более высокий статус намного дольше. Статус произведений также варьируется в зависимости от количества задействованных исполнителей и певцов, например, для больших групп, которые, безусловно, труднее писать и дороже исполнять, учитывая более высокий статус.Любой элемент комедии понижал статус произведения, хотя, как и другие виды искусства, часто увеличивал его популярность.

Толкование:
Согласно академической концепции, «жанровые» картины находились на самом низком уровне, потому что они были просто повествованием, импринтингом, без каких-либо попыток морали и назидания. Эта жанровая картина, хотя и безупречная по стилю и дизайну, отличалась только мастерством, изобретательностью и даже юмором, но никогда не считалась высоким искусством.

Современная жизнь — современные события, манеры, одежда, внешний вид — считалась несовместимой с высоким стилем, и только идеализированное прошлое могло служить подходящей, благородной и актуальной темой.(Соответственно, и обычное тело не служило объектом изображения — только красивые, идеальные тела расписывались под старину).

Теоретики академического искусства считали эту иерархию оправданной, поскольку она отражала неотъемлемую возможность морального воздействия для каждого из жанров. Так, например, художник будет более действенно продемонстрировать мораль через исторический холст, чем через портрет или жанровую картину, чем через пейзаж или натюрморт. Кроме того, мастера античности и эпохи Возрождения считали, что высшим видом искусства является изображение человеческой фигуры.Таким образом, пейзаж или натюрморт, где человек не изображен, действительно является более «низкой» формой жанра. Наконец, система академической иерархии отражает потенциальную ценность каждого из полотен: большая историческая картина — наиболее подходящий и удобный жанр для госзаказа, затем портрет, бытовой жанр и пейзаж — и обычно натюрморты. неглубокие и выполняются для личных интерьеров.

Причины:
Андрей Александрович Карев пишет: «Осознание жанрового разнообразия живописи как свойства культуры Нового времени в условиях Просвещения было в известной мере аналогично тяготению к энциклопедическим знаниям, а значит, и к знаниям. то же многомерное познание мира.Рост специализации без потери универсализма в целом — драгоценная черта этого времени, которая позволила одновременно видеть малое и большое, частное и универсальное и, наконец, человеческое и божественное. Уникальный взгляд на тот или иной объект нисколько не противоречил общему образу мироздания, хотя и не обращался к нему напрямую, как это было в эпоху барокко. Интерес к множественности множественности бытия сменяется вниманием к его отдельным граням, имеющим самостоятельную красоту и, соответственно, ценность.[Российская] Академия художеств не могла не отреагировать на этот процесс и, не дожидаясь появления соответствующих запросов в среде заказчиков, открыла один за другим классы, в которых обучали особенностям работы в том или ином жанре »

Воздействие:
Эта иерархическая система, основанная на традициях греческого и римского искусства, обобщенных во время итальянского Возрождения, использовалась академиями в качестве основы для присуждения призов и стипендий, а также системы тусовок на публичных выставках. (Салоны).Это также оказало значительное влияние на оценочную стоимость произведений искусства.

Французская академия проводила конкурсы Grand и Petits Prix соответственно по двум направлениям. Таким образом, самые высокие премии априори получали работы в историческом жанре — практика, вызвавшая большое недовольство студентов. Эта негибкая иерархия вызвала недовольство известных художников, что в конечном итоге привело к подрыву авторитета академий. Кроме того, некоторые художники из соображений престижа предпринимали попытки написать грандиозные исторические картины, но это оказалось совсем не так.Если бы у художника был портретист, а не художник-историк, неудача могла бы нанести ему травму.

Портрет:
Любопытно, что место портрета в этой иерархии угнетено. В обзоре Салона 1791 года можно было прочитать: «Художник-историк, который должен подражать природе во всех ее аспектах, должен уметь писать портреты. Однако портрет нельзя считать самостоятельным жанром. ”

Катрмер де Кензи, один из самых влиятельных теоретиков классицизма, считал портретный жанр настолько низким, что даже не обращал на него особого внимания: «Нет ничего более ограниченного, чем удовольствие от созерцания портрета.Если отбросить интерес, который придает портрету личную или общественную привязанность и талант художника, то очевидно, что ум и воображение почти не задействованы в подобном подражании. «Удовольствие, получаемое от портрета, нельзя сравнить с эстетическим удовольствием, достижение которого является целью изобразительного искусства. Портрет показывает то, что действительно существует, в то время как «великое искусство с помощью того, что есть, должно изображать то, чего на самом деле не существует, должно показывать идеал.”

Однако критики признали неизбежность существования исторического портрета, который, по их глубокому убеждению, может создать только исторический художник. «Это они, исторические художники, могут написать настоящий портрет». Об исторических портретах часто пишут в обзорах выставок, иногда их рассматривают сразу после исторической картины. О портретах людей (которых с каждым годом становилось все больше) предпочитают не упоминать или просто перечислять их по именам, вообще не комментируя.Понимание портрета как своеобразного дополнения к исторической картине было очень распространенным явлением. Об этом писали не только известные приверженцы классицизма Катрмер де Кенси, Делеклюз, но и критики следующего поколения, эстетические взгляды которых были более гибкими.

Искусство эпохи Возрождения:
Иерархия выросла из борьбы за признание живописи как одного из свободных искусств, а затем из споров по установлению в них равного или более высокого статуса с архитектурой и скульптурой.Эти вопросы считались очень важными художниками-теоретиками, такими как Леон Баттиста Альберти, Леонардо да Винчи и Джорджо Вазари. Выступая против скульпторов, Леонардо утверждал, что интеллектуальные усилия, необходимые для создания иллюзии трехмерности, сделали искусство художников выше, чем скульптор, который мог делать это, просто записывая внешность. В своей книге «De Pictura» («О живописи») 1441 года Альберти утверждал, что многофигурная историческая живопись была самой благородной формой искусства, как самой сложной, требующей мастерства от всех остальных, потому что это была визуальная форма истории. , и потому что у него был самый большой потенциал, чтобы заинтересовать зрителя.Он делал акцент на способности изображать взаимодействия между фигурами жестами и выражениями.

Теоретики раннего и высокого Возрождения признали важность точного представления природы, по крайней мере, до более поздних работ Микеланджело, на которого сильно повлиял неоплатонизм. Ко времени теоретиков маньеризма, таких как Джан Паоло Ломаццо и Федерико Цуккари (оба также художники), это было гораздо менее приоритетным. Оба подчеркивали красоту как «что-то, что непосредственно вливается в сознание человека из разума Бога и существует там независимо от каких-либо чувственных впечатлений», и эта точка зрения должна еще больше снизить статус произведений в зависимости от реализма.На практике иерархия представляла собой небольшой разрыв как со средневековой, так и с классической мыслью, за исключением того, чтобы поместить светскую историческую живопись в тот же класс, что и религиозное искусство, и провести различие (не всегда четко) между статическими иконическими религиозными предметами и сценами повествовательных фигур, придав последним более высокий статус. Идеи приличия также подавались в иерархию; комические, грязные или просто легкомысленные темы или трактовка оценивались ниже, чем возвышенные и нравственные.

В эпоху Возрождения пейзажи, жанровые сцены и натюрморты вряд ли существовали как устоявшиеся жанры, поэтому обсуждение статуса или важности различных типов живописи в основном касалось исторических предметов, а не портретов, изначально небольших и скромных, и культовых портретов религиозного типа. и мифологические сюжеты.Для большинства художников в портрете была необходима определенная приверженность реализму; немногие могли принять высокомерный подход Микеланджело, который в значительной степени игнорировал реальный внешний вид Медичи в его скульптурах в капелле Медичи, якобы говоря, что через тысячу лет никто не узнает разницы (возражение, которое, как говорят, также использовал Гейнсборо, с меньшим таймфреймом).

Многие портреты были чрезвычайно лестными, что можно было оправдать апелляцией к идеализму, а также к тщеславию натурщика; теоретик Арменини утверждал в 1587 году, что «портреты выдающихся художников считаются написанными с лучшим стилем [манерой] и большим совершенством, чем другие, но чаще всего они менее точны».С другой стороны, ряд придворных натурщиков и их родители, женихи или придворные жаловались, что художники совершенно не смогли должным образом передать действительность натурщика.

Вопрос приличия в религиозном искусстве стал центром интенсивных усилий католической церкви после декретов Тридентского собора 1563 года об искусстве. Нападениям подверглись картины, изображающие библейские события, как если бы они происходили в домах богатых современных итальянцев. и вскоре прекратились. До вызова Караваджо в конце века религиозное искусство стало полностью идеальным.

Искусство 17-го и 18-го веков:
Новые жанры пейзажа, жанровой живописи, анималистической живописи и натюрморта стали самостоятельными в 17-м веке, с фактическим прекращением религиозной живописи в протестантских странах и расширением покупки картин в зажиточный средний класс. Хотя аналогичные события произошли во всех развитых европейских странах, они были наиболее очевидны в чрезвычайно продуктивных школах голландской живописи золотого века и фламандской живописи барокко. Однако не появилось ни одного теоретика, отстаивающего новые жанры, и относительно небольшое количество голландских теоретических работ Карела ван Мандера, Самуэля Диркса ван Хугстратена, Жерара де Лересса и других в основном довольствовалось перефразированием итальянских взглядов, так что их сочинения могли казаться как ни странно расходится с голландским искусством того времени.

Иерархия была в основном принята художниками, и даже такие специалисты по жанрам, как Ян Стин, Карел Дюжарден и Вермеер, создали несколько исторических картин, которые лучше оплачивались, когда можно было получить комиссионные, но в целом их гораздо труднее продать. Несчастная история последней комиссии Рембрандта по истории, «Заговор Клавдия Цивилиса» (1661 г.), иллюстрирует как его приверженность форме, так и трудности, с которыми он столкнулся в поиске аудитории. Во Фландрии, наряду с большим количеством чисто жанровых работ, была тенденция к созданию исторических картин с основным жанровым элементом, будь то животные, пейзаж или натюрморт.Часто разные элементы расписывались разными художниками; Рубенс и Франс Снайдерс часто сотрудничали таким образом.

Размер картин и очень часто цена, которую они реализовали, все больше отражали их положение в иерархии в этот период. До периода романтизма цена и возможность продажи того, что было по сути пейзажем, можно было повысить, добавив небольших мифологических или религиозных фигур, создав пейзаж с…, практика, восходящая к истокам пейзажной живописи во фламандских пейзажах Иоахима Патинира в начало 16 века.Живопись фламандского барокко была последней школой, которая часто рисовала самые низкие жанры в большом размере, но обычно в сочетании с фигурными предметами.

Британский художник сэр Джошуа Рейнольдс в своих «Рассуждениях 1770-х и 1780-х годов» повторил аргумент в пользу того, что натюрморт занимает самое низкое положение в иерархии жанров на том основании, что он мешает художнику получить доступ к центральным формам, тем продуктам разума. обобщающие полномочия. На вершине царила историческая живопись, сосредоточенная на человеческом теле: знакомство с формами тела позволяло уму художника, сравнивая бесчисленные примеры человеческих форм, абстрагироваться от них те типичные или центральные черты, которые представляли сущность тела. или идеальный.

Хотя Рейнольдс был согласен с Фелибиеном относительно естественного порядка жанров, он считал, что важное произведение любого жанра живописи может быть создано под рукой гения: «Будь то человеческая фигура, животное или даже неодушевленные предметы, нет ничего, каким бы бесперспективным оно ни выглядело, но могло бы быть вознесено до достоинства, передать чувства и вызвать эмоции в руках гениального художника. То, что было сказано о Вергилии, что он с достоинством бросал даже навоз по земле, может быть применено к Тициану; к чему бы он ни прикасался, каким бы естественным и привычным образом он ни касался, с помощью магии, которую он наделил величием и важностью.”

Хотя европейские академии обычно строго настаивали на этой иерархии, за время своего правления многие художники смогли изобрести новые жанры, которые подняли низшие предметы до важности исторической живописи. Сам Рейнольдс добился этого, придумав стиль портретной живописи, получивший название Великой манеры, в котором он льстил своим натурщикам, сравнивая их с мифологическими персонажами. Жан-Антуан Ватто изобрел жанр, который назывался fêtes galantes, где он показывал сцены придворных забав, происходящих в аркадской обстановке; они часто обладали поэтическими и аллегорическими качествами, которые, как считалось, облагораживали их.

Клод Лоррен практиковал жанр, называемый идеальным пейзажем, где композиция была бы основана на природе и усеяна классическими руинами в качестве декорации для библейской или исторической темы. В нем искусно сочетаются пейзаж и историческая живопись, тем самым узаконивая первое. Это синоним термина «исторический пейзаж», получившего официальное признание во Французской академии, когда в 1817 году была учреждена Римская премия за этот жанр. Наконец, Жан-Батист-Симеон Шарден смог создать натюрморты, которые, как считалось, имели очарование и красота, помещенные рядом с лучшими аллегорическими сюжетами.Однако, зная об этой иерархии, Шарден начал включать в свои работы фигуры примерно в 1730 году, в основном женщин и детей.

XIX век:
Романтизм значительно повысил статус пейзажной живописи, начиная с британского искусства и постепенно жанровой живописи, который начал влиять на историческую живопись в анекдотических трактовках стиля Трубадур во Франции и аналогичных тенденций в других странах. Пейзажи увеличивались в размерах, чтобы отразить их новое значение, часто совпадая с историческими картинами, особенно в американской школе реки Гудзон и русской живописи.Картины с животными также увеличились в размерах и увеличились в размерах, но портреты в полный рост, даже королевских особ, стали в основном зарезервированы для больших общественных зданий.

До середины XIX века женщины в основном не могли писать исторические картины, поскольку им не разрешали участвовать в последнем процессе художественного обучения — рисовании жизни, чтобы сохранить свою скромность. Они могли работать по рельефам, гравюрам, слепкам и по старинным мастерам, но не по обнаженной модели. Вместо этого их поощряли к участию в более низких формах живописи, таких как портретная живопись, пейзаж и жанр.Они считались более женственными, поскольку обращались к глазу, а не к уму.

К концу XIX века художники и критики начали восставать против многих правил Французской академии, включая статус, присвоенный исторической живописи, которую начали покупать в основном государственные органы того или иного рода как частные. покупатели предпочитали предметы из низшей иерархии. В Британии движение прерафаэлитов пыталось оживить историческую живопись, но с переменным успехом; другие движения предприняли аналогичные усилия.Многие прерафаэлиты заканчивали свою карьеру в основном рисованием других предметов. Среди новых художественных движений были реалисты и импрессионисты, каждое из которых стремилось изобразить настоящий момент и повседневную жизнь, наблюдаемую глазом и не имеющую исторического значения; Реалисты чаще всего выбирают жанровую живопись и натюрморт, а импрессионисты — пейзажи.

В настоящее время потомки ценят полотна низкого жанра, в частности портреты и сцены из жизни, тогда как академическая историческая живопись в большинстве случаев кажется скучной и неинтересной.Возникли новые художественные направления — реализм, а затем и импрессионизм, интересовавшие в изображении повседневной жизни и настоящего момента.

Барокко и классицизм — французское искусство 17-18 веков

About-France.com — тематический справочник по Франция

► Вы здесь: Франция ›

Барокко и рококо

Арт во Франции -: 1590 — 1790

От классический от барокко до французского рококо

Джордж де Латур — Игроки в кости — Музей Престон Холла — Стоктон По К концу XVI века французское Возрождение подошло к конец, когда писатели, мыслители, художники и архитекторы двинулись дальше, чтобы исследовать новые горизонты.Как и в эпоху Возрождения, новые направления во французском искусстве изначально были вдохновлены тем, что происходило в Италии. Здесь инновационный художники давно отошли от натурализма Высокого Возрождения. искусство, сначала в более преувеличенный стиль, известный как маньеризм, как примером в работах Бронзино или Тинторетто, а затем, конец 16 века к новому типу эксцентричного классицизма, который позднее получило название «искусство барокко».
Барокко не было отходом от Возрождения классицизм, это было развитие.В это время, художников и архитекторов, которых мы сегодня считаем мастерами Искусство итальянского барокко рассматривало себя как живопись и работало в новом фаза классицизма, подчеркивающая эмоции, опасения, движение и жизненная сила. Барокко было новым классицизмом, преувеличенным интенсивный свет и тень, драматические перспективы, а иногда и чрезмерное использование цвет.
Взгляд на искусство барокко как на смену классицизма иногда требуется прыжок веры, когда кто-то смотрит на дела из великие художники эпохи барокко Италии, Фландрии или Испании — такие как Караваджо, Рубенс или Сурбаран.Напротив, большая часть французского барокко вообще более четко классический, с меньшим излиянием, наблюдаемым в другие части Европы, оставаясь более «классическими» и покоренными в своем развитие идиомы искусства эпохи Возрождения.
Прилагательное «барокко» даже кажется неуместным, когда его используют Опишите работы некоторых из величайших французских художников семнадцатого века века, особенно Клода Лоррена и Николя Пуссена; но сидит хорошо с двумя выдающимися художниками, современниками Караваджо, Жорж де Латур и Филипп де Шампень.
Когда-то названный «французским Караваджо», Латур (1593-1652) из ​​Лотарингии, специализируется на картинах, в основном небольших полотнах, показывающих интимные сцены при свечах с интенсивным светом и тенью. Напротив, Филипп де Шампень, родившийся в Брюсселе в 1602 году, работал на протяжении большей части его жизнь в Париже, где ему приходилось писать много крупных религиозных картины, а также портреты, в том числе несколько кардиналов Мазарини. Его картины на религиозные темы, особенно когда они касаются смерть показывает всю интенсивность эмоция, характерная для искусства барокко.

Николя Пуссен — Святое семейство со святой Елизаветой И Иоанна
Креститель — Санкт-Петербург — Эрмитаж Среди французских художников первой половины 17 в. век тот, с чьими произведениями довольно легко ассоциируется слово барокко был Николя Пуссен. Родился в В Нормандии в 1593 году Пуссен молодым художником приехал в Париж, где он работал несколько лет, прежде чем переехать в Рим в 1624 году и остаться там на всю оставшуюся жизнь. Он был довольно плодовитым художником, черпая вдохновение из великих религиозных и классических темы, которую он интерпретировал в грандиозном, но интимном стиле, менее расплывчатом, чем произведения его великих итальянских современников, менее оторванных от стиль Высокого Возрождения.
Пуссен разработал свои собственные теории живописи, особенно его представление о величии маньер мнение, что произведение искусства должно рассказывать историю самым ясным образом возможный способ, не запутывая проблему слишком сильно отвлекающей деталь. Таким образом, его искусство отличается от основное направление искусство барокко, в котором обилие деталей часто отвлекает из основной темы.
Современник Пуссена, Клод Лоррен (1600-1682), был совсем другим художником, и его работы должны были вдохновить многих художников-неоклассиков.Для записи, полезно понимать, что Клод Лоррен подпадает под несколько разные имена: родился в 1600 году в Лотарингии и известен от рождения как Клод Гелле, он стал известен в мире искусства как просто Клод, или Клод ле Лоррен (Клод из Лотарингии). По-французски его часто называют Ле Лорреном.

Клод Лоррен — Пасторальная сцена с классическими руинами. Гренобль — Музей изящных искусств Как и Пуссен, Клод Лоррен большую часть жизни работал в Рим, где он специализировался на воображаемых сценах из классической мифологии. и история.В каком-то смысле он был первым великим французским пейзажистом. художник, убирая элемент пейзажа с фона, где он был основным, но второстепенным элементом в творчестве многих эпохи Возрождения. художников, превратив его в доминирующий элемент живописи. Таким образом, картины Лоррена отходят от традиций, поскольку изображения людей или событий в случайном пейзаже, но картины с пейзажами или морскими пейзажами, которые служат декорациями для идеализированное изображение случайной истории или события, взятого из библейский репертуар или из классической мифологии.Лоррен почти мистическое изображение идеализированных классических итальянских пейзажей должно было вдохновляют многих художников не только во Франции — таких как Орас Верне или Хьюберта Роберта — но также в Англии и других частях Европы для следующие сто пятьдесят лет
С двумя величайшими Французские художники своего времени работали в Риме, меценаты в Франция ищу портреты или произведения искусства для церквей, часовен и замки пользовались услугами большого количества малоизвестных художники, часто рисующие со значительным мастерством, но как последователи, а не новаторы, в области искусства.Стоят два имени из остальных — Шарль Лебрен и Гиацинт Риго.
Шарль Ле Брун (1619 — 1690), учившийся в Риме у Пуссена, считался Король Людовик XIV был величайшим французским художником всех времен и заказанные им для монументальных работ и потолков в его дворцах на Лувр и Версаль. Ле Брен также работал на других покровители на проектах в различных замках, таких как Vaux le Vicomte, куда его работы можно увидеть и сегодня.
Ле Брен тоже был одним из ключевых участников борьбы за официальное признание лучших художников Франции, идея, которая в конечном итоге привела короля Людовика XIV к основал в январе 1848 г. первую Французскую Королевскую академию живописи и скульптура.С тех пор величайшие художники страны получить официальное признание, сделав Академию официальный арбитр хорошего искусства.
Гиацинт Риго (1659 — 1743) был великим портретистом Великого Сикля, и портреты, написанные им во второй половине 17 века определили способ, которым люди видят или представляют себе великое и знаменитый, который тяготел к Солнцу в этот период абсолютистская монархия во Франции.
Влияние Людовик XIV об искусстве в его время нельзя недооценивать.Если второй Часть XVII века не была периодом больших инноваций во французском языке. искусства, это было в немалой степени из-за роли, сыгранной Королем и его суд как арбитров моды, стиля и искусства. Художники, пожелавшие пробиться в жизни, зная, что для этого они должны следовать в путь Лебрена или Риго, рисование портретов для богатых и украшать свои дома и церкви богато украшенными полотнами и фрески в стиле эпохи. Так было только в начале 18-го века, когда все стало меняться.
Предвестником перемен был Антуан Ватто (1684 г. — 1721). Родился в Валансьене, городе на границе с Фландрией, Ватто впервые нашел работу в качестве художника в Париже, рисуя копии Фламандские жанровые картины для буржуазных заказчиков. Позже он стал Самостоятельный жанровый художник, специализирующийся на театральных сценах. Его изображения постановочных деревенских сцен сильно отличаются от деревенских сцены, написанные Клодом Лорреном; и пока элемент ландшафта остается важным в творчестве Ватто, именно люди являются главными предмет.С Ватто французское искусство начало переход от величия искусство барокко в сторону меньшего масштаба и более интимного стиля, известного как рококо.
Современник Ватто и другой жанр Художником, хотя и не принадлежащим к тому же жанру, был Жан Симеон Шарден. (1699 — 1779). Шарден находился под сильным влиянием голландской жанровой живописи. которые стали популярными по всей Европе, поскольку новый средний класс и расширяющаяся аристократия искала и заказывала произведения искусства для украсить свои дома. Искусство Шардена — это ни барокко, ни рококо, ни классический; он перекликается с работами таких художников, как Вермеер или Питер де Hooch, черпая вдохновение в Северной Европе, а не в Италии, из повседневная жизнь и обычные люди, а не из великих моментов истории, религия или мифология.Шарден нарисовал натюрморты, домашние сцены и портреты обычных людей, и тем самым помогли двигаться Французское искусство в новом направлении, которое должно было вдохновить многих французских художников уже более века. И Мане, и Сезанн признали влияние Шардена на собственное искусство.
Но пока французский искусство вместе с Шарденом перешло на новую территорию, неподвластную влиянию барокко другие художники следовали за Ватто; в первую очередь среди это был родившийся в Париже художник Франсуа Буше (1703-1770), который даже в свое время был признан мастером искусства рококо.
Будучи плодовитым художником, Баучер был одновременно живописцем и гравером. хорошо как дизайнер гобеленов. После того, как был принят во Французский Королевский Академии в 1731 году он был очень востребован как портретист, и получил многочисленные заказы от королевских и аристократических покровителей, большинство особенно от мадам де Помпадур, которой он написал ряд из портреты.
Буше нарисовал в менее нежном стиле чем Ватто, и его работы гораздо более тематически разнообразны. Он нарисованные жанровые сцены, портреты, религиозные полотна, классические сюжеты и даже шинуазри, привнося во французское искусство новую чувственность это чем-то обязано и Рубенсу, и Тьеполо.Пока его портреты мадам де Помпадур, любимой любовницы Людовика XV, полностью одетый, Буше преуспел в обнаженных телах, которые по-разному изображали как Венеру, Диана или другие мифологические красавицы.
Его смелое использование цвет — гораздо менее сдержанный, чем у Ватто — был источником вдохновения для многих молодые художники, но не понравились первому великому французскому искусствоведу, Дидро, написавший об одной из своих картин, выставленных в Салоне 1763 года: «Этот человек — развалины всех молодых начинающих художников. Вряд ли они умеют держать кисть и палитру, чем мучают сами с гирляндами детей, раскрашивая толстые киноварь задницы и бросаются на всякие излишества которые не компенсируются ни теплотой, ни оригинальностью, ни по доброте или магии своей модели: они просто подражают его ошибки.«
В то время как Дидро критиковал Буше частично на по моральным соображениям, он был в восторге от другого молодого художника, Жан-Батиста Грёза (1725 г. — 1805). Грёз стал популярным жанровым художником в манера Шардена, специализирующаяся на сентиментальных портретах и ​​сценах с моралью, которая хорошо подходила Дидро и хорошо понимала в соответствии с духом времени.
Грёз морализаторские сцены с их стилизованными позами и классическими движениями, также являются прообразом великих героических произведений подрастающего и грядущего поколения неоклассиков, особенно Дэвида и Жерара, которые восприняли морализаторство искусство на новый уровень, вне интимности семейной сцены и небольшого жанровой живописи, и на обширные полотна Имперской эпохи, которая была скоро рассвет
Однако к 1770-м годам Грёз пал. ушел с Академией и стал чем-то вроде независимого художника и гравер, популярный в народе, больше не в заведении — популярность, которая, несомненно, помогла ему пережить французское Революция невредима.

Классика позднего рококо: Качели, Фрагонар — 1767.
Лондон — коллекция Уоллеса И вот, наконец, последний великий художник дореволюционный эпохи, и последний великий представитель искусства французского рококо, Оноре Фрагонар (1732–1806). После непродолжительного обучения у Шардена Фрагонар продолжил обучение. работать в студии Буше, с которой он чувствовал сочувствие — до такой степени, что Баучер позволил ему копировать собственное работает.
После периода, когда он работал по существу на исторических картинах, интерпретированных с легкостью его рококо прикосновения, Фрагонар позже стал известен — и сегодня запомнился — как художник легкомыслия, рисующий сцены из аристократия на отдыхе в идеализированных садах или парках, или дома со своими детьми.Таким образом, он пользовался большим спросом до тех пор, пока аристократия продолжала вести свой привилегированный образ жизни; но это было не надолго.
К 1785 году рококо как жанр распространился своим ходом, и просвещенная Франция шла к драматическим событиям 1789 года, что окажет глубокое влияние не только на то, как организовано, но почти все о французской жизни и культура слишком. В то время как революционная Франция найдет место для исторического искусства, для некоторых форм жанрового искусства и для искусства с моралью это не имело бы место для легкомыслия рококо, так тесно связанного с образ жизни и вкусы древнего режима.И хотя Fragonard человек пережил революцию, а художник Фрагонар — нет. Это будет поколение или больше, прежде чем любой более поздний французский художники признал бы любой исторический долг перед Ватто, Буше или Фрагонар.

История About-France.com искусства во Франции:

Веб-сайт Copyright © About-France.com 2003 — 2021

Фото: все фото на этой странице находятся в открытом доступе.

Просвещение | Безграничная история искусства

Просвещение

Неоклассицизм был доминирующим художественным стилем эпохи Просвещения и черпал вдохновение в классическом искусстве и культуре Древней Греции и Рима.

Цели обучения

Опишите сдвиги в мышлении и произведениях искусства, характерные для эпохи Просвещения.

Основные выводы

Ключевые моменты

• Европейский неоклассицизм в изобразительном искусстве начался ок. 1760 г. в противовес декадансу стилей барокко и рококо.
• Строгость и умеренность неоклассицизма перекликались с духом Французской революции.
• Французский художник Николас Пуссен был мастером неоклассического стиля.
• Неоклассицизм был особенно силен в тех областях, где классические образцы были наиболее многочисленны, например, в архитектуре и скульптуре. В живописи, напротив, было меньше классических предшественников, на которые можно было бы ссылаться.

Ключевые термины

• Неоклассицизм : Неоклассицизм — это название, данное западным движениям в декоративном и визуальном искусстве, литературе, театре, музыке и архитектуре, которые черпают вдохновение в «классическом» искусстве и культуре Древней Греции или Древнего Рима.
• Рококо : Рококо, также называемое поздним барокко, — это художественное движение и стиль 18-го века, которые повлияли на несколько аспектов искусства, включая живопись, скульптуру, архитектуру, дизайн интерьера, декорации, литературу, музыку и театр. .
• Просвещение : философское движение в Европе 17 и 18 веков; Эпоха Просвещения или Эпоха разума подчеркивала рационализм.

Обзор

Просвещение, также известное как Век Разума, было движением, начавшимся в 18 веке в Европе и американских колониях.Ключевые фигуры движения стремились реформировать общество, используя силу разума. Эра Просвещения, начатая выдающимися философами того времени, длилась примерно с 1650 по 1800 год, способствуя развитию науки, разума и интеллектуального обмена. Идея распространения знаний посредством разума возникла в ответ на новые технологии и возможность легко обмениваться информацией благодаря массовой печати, а также из-за негативной реакции на предыдущие системы, которые превыше всего ценили церковь и традиции.Авторитет науки и эмпирической мысли все больше вытеснял религиозный авторитет, а дисциплины алхимии и астрологии теряли доверие, оставляя более легко подтверждаемые химию и астрономию. Научная мысль становилась все более развитой. Просвещение уже давно считается основой современной западной политической и интеллектуальной культуры.

Просвещение поощряло критику коррупции Людовика XVI и аристократии во Франции, что привело к началу Французской революции в 1789 году.В 1792 году Людовик XVI и его жена Мария-Антуанетта были обезглавлены вместе с тысячами других аристократов, которые считались верными монархии.

Искусство эпохи Просвещения

До эпохи Просвещения преобладающим художественным стилем было рококо. Когда Просвещение и его новые идеалы утвердились, рококо был осужден за аморальность, непристойность и снисходительность, и потребовался новый вид поучительного искусства, который стал известен как неоклассицизм. В противовес легкомысленной чувственности художников рококо, таких как Жан-Оноре Фрагонар и Франсуа Буше, неоклассики вдохновлялись художником Николя Пуссеном.В своих работах Пуссен предпочитает линию цвету и в основном отличается ясностью, логикой и порядком. Его работы послужили альтернативой господствующему стилю барокко 17 века. Пуссен был главным источником вдохновения для таких классически ориентированных художников, как Жак-Луи Давид, Жан-Огюст-Доминик Энгр и Поль Сезанн.

Et в Аркадии Ergo Николаса Пуссена, ок. 1630-е годы : Пуссен пришел к определению неоклассического искусства с работы, в которой линия отдавалась предпочтению цвету, и при этом явно отсутствовала легкомыслие.

Неоклассический стиль

Для неоклассицизма характерны ясность форм, сдержанные цвета, мелкое пространство и четкие горизонтали. Его вертикали делают предмет вневременным, а не временным, как в динамичных произведениях барокко, и изображают классический предмет — или классифицируют современный предмет. Неоклассики считали, что сильное рисование рационально и, следовательно, выше морально, и что искусство должно быть умственным, а не чувственным.

Неоклассики хотели выразить разумность и умеренность, соответствующие их временам.Художники, подобные Давиду, поддерживали повстанцев во время Французской революции своим искусством, требующим ясного мышления, самопожертвования перед государством (как в «Клятве Горациев») и строгости, напоминающей республиканский Рим.

Клятва Горациев Жака-Луи Давида, 1784 : Давид был чрезвычайно влиятельной фигурой в неоклассическом движении. Его сильное использование линий, баланса и геометрии соответствовало идеалам порядка и строгости механизма.

Неоклассицизм был наиболее сильным в архитектуре, скульптуре и декоративном искусстве, где классические модели в той же среде были относительно многочисленными и доступными.Архитектура рококо подчеркивает изящество, орнамент и асимметрию; Неоклассическая архитектура основана на принципах простоты и симметрии, которые считались добродетелями в искусстве Рима и Древней Греции и были более непосредственно взяты из классицизма эпохи Возрождения 16-го века.

Гранд-тур и его портреты

Гранд-тур был обычным путешествием в Европу для богатых европейцев и некоторых американцев.

Цели обучения

Опишите остановки Гранд-тура по Европе

Основные выводы

Ключевые моменты

• Гранд-тур рассматривался как образовательный ритуал, обычно для молодых мужчин, но иногда и для женщин.
• Традиция Гранд-тура была распространена на средний класс, когда во второй половине 18 века стали более распространены путешествия по железной дороге и на корабле.
• Grand Tour обычно включал изучение искусства в музеях и университетах, частных коллекциях и известных архитектурных объектах.
• Сувениры и сувениры стали важным элементом, поскольку они могли продемонстрировать особенности того, какое место было посещено, и что было увидено или приобретено.
• Художник Помпео Батони сделал карьеру, написав портреты английских туристов, позирующих среди римских древностей, и стал очень популярен в Риме.
• Картины Батони попали в многочисленные частные коллекции в Великобритании, что обеспечило популярность жанра в Великобритании.

Ключевые термины

• обряд посвящения : Церемония или серия церемоний, часто очень ритуализированных, чтобы отметить переходный период в жизни человека. Крещения, бар-мицвы, свадьбы и похороны — одни из самых известных примеров.

Гранд-тур был обычным путешествием в Европу, совершаемым богатыми европейцами и некоторыми американцами, традиция которого процветала примерно с 1660 по 1840 год.Поездка рассматривалась как образовательный обряд посвящения, как правило, для молодых мужчин, но иногда и для женщин. Он был задуман как средство культурного расширения и был связан с довольно стандартным маршрутом. Традиция Гранд-тура была распространена на средний класс, когда во второй половине 18-го века путешествия по железной дороге и на корабле стали более распространенными.

Маршрут путешествия обычно начинался в Дувре, Англия, и пересекал Ла-Манш в Остенде или Кале во Франции.Отсюда турист и «медведь-вожак» или наставник и, возможно, группа слуг могли арендовать карету и отправиться в Париж. Из Парижа они отправились в Швейцарию, затем в Испанию и Северную Италию. Оказавшись в Италии, турист посетит Турин и, возможно, проведет несколько месяцев во Флоренции и Венеции, что было воплощением Гранд-тура для большинства британских туристов. Из Венеции они поедут в Рим, чтобы изучить руины и шедевры и, возможно, к археологическим памятникам в Помпеях. Затем была немецкая часть Европы, такая как Вена, Дрезден, Берлин и Потсдам, и, наконец, Голландия и Фландрия, прежде чем отправиться домой.Путешествие обычно включало изучение искусства в музеях и университетах, частных коллекциях и известных архитектурных объектах.

Паломничество получило дальнейшую популяризацию с появлением гидов, таких как Томас Кук, что стало синонимом Гранд-тура. Известно, что великие туристы путешествовали со свитой, в которую входили камердинеры, кучеры, ученый гид и, возможно, повар. Сувениры и сувениры стали важным элементом, поскольку они могли продемонстрировать особенности того, какое место было посещено, и что было увидено или приобретено.Их популярность создала своего рода индустрию, и цены росли по мере роста тенденции. Некоторые великие туристы приглашали художников из дома сопровождать их во время путешествий, рисуя виды, характерные для их личных маршрутов.

Несмотря на политические потрясения, Рим 18 века оставался желанным местом назначения. Для людей со средствами стало абсолютно необходимо проводить время в Риме в рамках их «Великого тура» или образовательного паломничества. Город стал связующим звеном для этих туристов, а также для купцов и предприятий, возникших в результате их покровительства.

Растущая популярность Гранд-тура и связанное с этим стремление посетителей собирать «классические» сувениры быстро распространили неоклассический стиль по всей Европе. Это стало символом богатства и свободы — отправиться в Гранд-тур и показать что-нибудь в своем доме. Популярным сувениром Гранд-тура были портреты самих туристов, часто нарисованные на фоне архитектуры, или известные произведения искусства определенного европейского региона. Художник Помпео Батони сделал карьеру, написав портреты английских туристов, позирующих среди римских древностей.Он стал очень популярен в Риме, и его портреты британцев, путешествующих по городу, пользовались очень большим спросом. Есть записи о более чем 200 портретах приезжих британских покровителей, стоящих среди руин, и великих произведений искусства Батони. Эти картины попали в многочисленные частные коллекции в Великобритании, что обеспечило популярность жанра в Соединенном Королевстве.

Портрет Помпео Батони : Популярным сувениром Гранд-тура были портреты самих туристов, подобные этому, написанные среди архитектурных или известных произведений искусства определенного европейского региона.

Классицизм: смыслы и модели

ЗНАЧЕНИЕ КЛАССИЦИЗМА

Вывод

Термин «классицизм» происходит от термина «класс», который изначально имел коннотацию высокого ранга.

Определение классицизма

Классицизм — существительное, относящееся к принципам и стилям, связанным с культурами Древней Греции и Рима. В архитектуре эпохи Возрождения это иллюстрируется принятием римских принципов и набора принципов дизайна.В искусстве эпохи Возрождения влияние Рима проявляется в принятии древнеримских типов, таких как мрамор или состоящих в основном из фресок

года.

слов, относящихся к классицизму

Несколько терминов, происходящих от термина «классицизм», часто используются в обсуждениях архитектуры эпохи Возрождения.

●	Классический. Классический — это прилагательное к классицизму.

●	Классификация.Классификация — это вариант классического, который относится к чему-то, что воплощает или отображает классические качества. Этот термин часто используется для обозначения классического стиля в постантичный период.

●	Classic. Классика относится к образцу любого времени или стиля, к чему-то признанной ценности или к чему-то характерному или типичному.

Справочная информация для «Классики»

Следующие контексты термина «классический» особенно важны для обсуждения архитектуры эпохи Возрождения.

●	Культуры Древней Греции и Рима. «Классический» часто используется для обозначения культур Древней Греции и Рима. Архитектура этих древних цивилизаций была воплощена в их архитектурной лексике, известной как

●	Принципы гармонии и баланса. «Классический» также используется для обозначения набора принципов и качеств дизайна, связанных с Грецией и Римом, таких как простота, регулярность и

●	Классификация греческого искусства.В контексте греческого искусства «классическое» относится к эпохам, которыми особенно восхищались.

●

Идеализация предметов в искусстве. В искусстве «классический» может относиться к предметам искусства. Идеализация была характерна для большей части и скульптуры, на которой часто изображались фигуры с телами спортсменов. В эпоху Возрождения многие изображения относились к предметам, а не как к конкретным людям с отличительными чертами.Точно так же были изображены и часто и без параллелей с известными структурами.

●

Стилистическая противоположность романтизму. «Классический» может использоваться в широком смысле для обозначения противоположности эмоционально выразительных стилей в искусстве. В истории искусства контраст между работой, которая способствует анализу формы, и работой, которая способствует выражению эмоций, можно идентифицировать с парами стилистических периодов, таких как (15 и 16 века) против (17 век) и неоклассицизм (середина -18 — начало 19 веков) по сравнению с романтизмом (с начала до середины 19 века).Эти полюса также представлены в работах отдельных художников, таких как художники эпохи Возрождения и художники-постимпрессионисты против его современников

Моральное отношение

В периоды возрождения классики, таких как Возрождение, и некоторые аспекты классической цивилизации считались морально превосходящими, а ее художественные формы почитались как образцы для подражания.

АРХИТЕКТУРНЫЕ МОДЕЛИ КЛАССИЦИЗМА

Передача римского влияния

Архитектурные традиции были переданы архитекторам эпохи Возрождения через отдельные постройки и создаваемые ими совокупно, а также через документы, особенно трактат по архитектуре, который был единственным сохранившимся подобным произведением.

Архитекторы в Риме

Рим, бывший столицей Римской империи, содержал наибольшее количество римских моделей. Основные архитектурные памятники и те, что там сохранились, оказали огромное влияние на многих архитекторов эпохи Возрождения, которые отправились в Рим для изучения древних мест.

Рим также привлекал архитекторов и художников из-за большого количества доступных художественных комиссий, многие из которых были папскими комиссиями или комиссиями от богатых римских благородных семей.

Сохранившиеся постройки в Риме

Несмотря на то, что они были повреждены временем, небрежностью и удалением архитектурных элементов в Средние века и в эпоху Возрождения для повторного использования в новом строительстве, многие древние постройки довольно хорошо сохранились в эпоху Возрождения и остаются таковыми сегодня.