Вазарели виктор: уникальна идея, а не объект • Интерьер+Дизайн
уникальна идея, а не объект • Интерьер+Дизайн
Вазарели родился в Пече в Венгрии. В юности он больше интересовался наукой, чем искусством: в 1925 году он поступил в Медицинскую школу Будапештского университета, где проучился два года. Дальнейшее высшее образование Вазарелли ппродолжил по классу живописи в Академии Подолини-Фолькмана в Будапеште. Его учителем был Шандор Бортник, известный последователь и приверженец Баухауса, основавший в 1929 году собственную школу с подобными Баухаусу принципами (школа была частной, и Вазарели провел там два года).
Виктор Вазарели. Zebres, 1938В 1930 году 24-летний Вазарели переезжает в Париж вместе с женой Клер Спиннер, которая была младше его на два года и была одной из его студенток. В довоенный период Вазарели восхищался абстрактным экспрессионизмом. Для того, чтобы продолжить свои собственные опыты, ему приходилось работать в нескольких рекламных агентствах, занимаясь творчеством только по вечерам. Постепенно он стал довольно успешным графическим дизайнером.
Виктор Вазарели. Bellatrix II, 1957В конце 1930-х годов Вазарели нашел единомышленника и покровительницу: ею стала арт-дилер Дениз Рене. В июле 1944 года на втором этаже дома по адресу 124 rue La Boétie открылась новая Galerie Denise René. На дебютной выставке были представлены рисунки и графические композиции Виктора Вазарели. Это было начало общего приключения, которое глубоко отметит историю искусства второй половине XX-го века.
Виктор Казарели. Keiho. 1963После 1945 года Вазарели с семьей много времени проводит на юге Франции, где создавает свои живописные холсты. Позднее этому продолжительному пребыванию на юге он даже приписывал собственно изобретение оп-арта, поскольку особенности интенсивного и яркого света с резкими тенями повлияли на его опыт зрения.
Виктор Вазарели. Vega III, 1957-59.В ранних монохромных работах Вазарели считывались влияния двух течений, восхищавших его: Баухауса и абстрактного экспрессионизма. Однако он идет дальше: его больше интересует новый уровень точности.
Его геометрическая форма абстракции подразумевала различные оптические узоры с кинетическим эффектом. Художник создает сетку, в которой геометрическая форма выстраивается с помощью яркого цвета таким образом, что глаз воспринимает колеблющееся движение.
«Искусство завтрашнего дня будет коллективным сокровищем или вообще не будет искусством», — уверен Вазарели. Вокруг него складывается широкий круг последователей и экспериментаторов. В движение вошли художники: Агам, Гетулио Альвиани, Ричард Анускевич, Хесус-Рафаэль Сото и Бриджет Райли. Как отдельное мощное явлениее оп-арт был признан на выставке «Отзывчивый глаз» в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1965 году. Куратором выставки стал Уильям Сейтц, первый кандидат наук в области современного искусства и автор первых больших текстов об абстрактном экспрессионизме. На выставке показали работы почти 100 художников из 15 стран. Помимо состоявшихся европейских оп-артистов (Виктора Вазарели, Йозефа Алберса, Бриджет Райли), на выставке были представлены работы молодых американских абстракционистов (Элсуорта Келли, Эда Рейнхарда и др.).
Виктор Вазарели. Boygo. 1968. 160х160 см. Картина продана на аукционе Christie’s в 2018 году за 106 250 ф. ст.Идеей куратора было собрать работы-«генераторы», вызывающие в глазу и мозгу зрителя бессознательную чувственную реакцию. С помощью линий, плоскостей, узоров, пятен и геометрических фигур должны были возникнуть новые отношения между зрителем и произведением, основанные на чувственном восприятии. Эта выставка впоследствии сильнейшим образом повлияла на американскую рекламу и дизайн. Привлекательные и запоминающиеся работы Вазарели получили широкое распространение в виде постеров и текстильных принтов. Его начинают воспринимать как патриарха оп-арта, мастера модного геометрического узора, яркого цвета и пространственных хитростей.
Виктор Вазарели в своей мастерской. 1970-е.Вазарели был уверен, что его работа является связующим звеном между Баухаусом и новым видом современного дизайна, который может спасти мир от «визуального загрязнения».
Он считал, что искусству так или иначе придется искать гибридные коллабы с архитектурой, чтобы выжить. И он активно занимался проектными исследованиями, предлагая идеи в области городского дизайна.
Вазарелли разработал компьютерную программу для проектирования своего искусства, а также самодельный набор для создания картин в стиле оп-арт. Большую часть работы по изготовлению своих работ он всегда поручал помощникам: «Уникальна оригинальная идея, а не объект сам по себе», — утверждал художник. Оптические паттерны Вазарели всегда имели сильное, часто претенциозное теоретическое обоснование.
Виктор Вазарели и Иварал (Yvaral), столовая, 1972, пространственная инсталляция, Art Collection Deutsche Bundesbank, ФранкфуртВлияние Вазарели заметно снизилось после 1970 года. Однако он прекрасно чувствовал себя в центре своей художественной империи, куда входили Музей Вазарели, открытый в 1970 году на юге Франции (именно там он проводил каждое лето с 1940-х годов), а также Фонд Vasarely, открытый в 1976 году в здании по его проекту в Экс-ан-Провансе. Эта модернистская постройка площадью около 5000 кв. метров была спроектирована художником в сотрудничестве с архитекторами Джоном Соннье и Домиником Ронсере. Здание состоит из шестнадцати шестиугольных призм шириной 14 метров.
Fondation Vasarely, открытый в 1976 году в Экс-ан-Провансе.«Ячейки» покрыты панелями из анодированного алюминия черного и белого цвета, а 14 из них увенчаны деревянными и стеклянными пирамидальными куполами, обеспечивающими естественное освещение внутренних пространств. Здание было полностью отреставрировано в 2018 году.
Вазарели умер 19 марта 1997 года в в местечке Аннет-на-Марне (Франция) в возрасте 90 лет, оставив двух сыновей и троих внуков. Его супруга Клер умерла на 7 лет раньше самого Вазарели, прожив с художником 70 лет.
движение и головокружение • Интерьер+Дизайн
Крупнейшая ретроспектива Виктора Вазарели проходит в 2018 году в Мадриде, в Музее Тиссена-Борнемисы.
Выставка «Виктор Вазарели. Рождение оп-арта» включает около 100 работ.
По теме: Хромоинтервенция Карлоса Круса-Диеса
В Мадрид привезли не просто оптические иллюзии и головокружительные композиции, яркие абстракции и трехмерные эффекты. Кураторы говорят об эволюции художника и показывают его опыты с физикой и указывают на исследования в области гештальтпсихологии.
Виктор Вазарели. Feny. 1973. Colección Carmen Thyssen-Bornemisza. Виктор Вазарели. Stri-Oet. 1979. Vasarely Múzeum, Budapest.Виктор Вазарели родился в венгерском городе Печ, в 1930 году переехал в Париж и начинал в рекламе как графический дизайнер, занимался фотографией и подрабатывал в кино. В 1955 году он пишет свой «Желтый манифест», где формулирует основные принципы оп-арта. И в том же году в галерее Дениз Рене участвует в выставке «Движение».
Хотя Вазарели обычно называют основоположником оп-арта или оптического искусства, он предпочитал мыслить себя в масштабе «кинетического искусства», термина, который он начал использовать в 1953 году, основываясь на описаниях движений газа Николя Сади Карно, французского инженера XIX-го века. Вазарели делал ставку «не на сердце, а на сетчатку». Ему был интересен космос.
Виктор Вазарели. Nora-Dell. 1974-1979. Vasarely Múzeum, Budapest.• Victor Vasarely, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, 7 июня – 9 сентября
Виктор Вазарели: цвет и форма иллюзии
Венгерский художник, в 24 года переехавший в Париж, прославился в 1950-х своими цветными геометрическими панно, резко разделявшими привычное и новое.
Его картины напоминают поток контрастных световых пятен, перемешивающихся в оптическую иллюзию. Сферическое изображение цветных форм на плоском стекле впервые создавало такой обман зрения. Cложные фигуры, изгибающиеся к центру и разбегающиеся волной по краям, создающие цельное впечатление погружения внутрь, помогли Виктору Вазарели перевернуть представление о геометрии в живописи.
Технический стиль его работ, завершённость формы и практически совершенная идея движения давали его работам шанс жить вне искусства. ХХ век, напополам сломавшийся в его цветном калейдоскопе, прощался с мрачным прошлым, легко расставаясь с прежними привычками и находя нужные краски. Художник сознательно преобразовал всё это в узор, какой тогда хотели увидеть многие.
Разнообразные вариации этих узоров получили название «оп-арта» или оптического искусства. В них легко угадывались черты строгой геометрии Баухауса, с которым Вазарели связывают начальные страницы его биографии, супрематистских построений Казимира Малевича и пёстрых сочетаний цветных кубов и чёрных линий художников группы «Де Стиль», прежде всего Пита Мондриана.
Виктор Вазарели , Этюды Bauhaus A , 1929, доска, масло, 23×23смВиктор Вазарели, Этюды Bauhaus C, 1929, картон, масло, 23×23смВиктор Вазарели, Этюды Bauhaus D, 1929, доска, масло, 23×23смЗная, что своеобразие художника должно быть закреплено в манифесте, Вазарели создает свой «Жёлтый манифест» 1955 года. Из названия можно ошибочно подумать, что художник закрепляет за собой право выбора основного цвета — жёлтого, у которого нервный экспрессивный характер. В действительности название указывает на цвет использованной бумаги.
Если Кандинский прямо указывает, что цвет производит вибрации, то Вазарели находит способ придать вибрациям движение
Вазарели увлекался абстрактным экспрессионизмом, в частности причудливым смешением цветов у Василия Кандинского.
Последний писал о неактуальности оценки цвета через ассоциации. Мастерство сентенций, в том числе и языковых, отличает и других его вдохновителей, Малевича и Мондриана. Эти эксцентричные мастера искали способ выразить не только свои чувства, но и мысли того, кто будет искать нечто важное в их работах.
Вазарели уловил тембр современного общения задолго до эквалайзера. Если Кандинский прямо указывает, что цвет производит вибрации, сравнивает его действие с музыкой, то Вазарели находит способ придать вибрациям движение. Цвет лишается своих ассоциативных качеств и начинает звучать, говорить.
Действительно, странно было бы сохранять пристрастие к точному копированию и патриархальным представлениям о живописи, закладывать в них какие-то академические смыслы после появления теории относительности Эйнштейна, увлёкшей Вазарели с первых дней её публикации. Она меняла картину мира для мечтательного разума и лишала основания любую требовательность и предсказуемость логики.
Смерть этого художника от науки станет толчком к публикации «Жёлтого манифеста». Логику Эйнштейн уравнивает с интуицией, его логические задачи развивают способность смотреть в сторону от исходных данных. Вазарели едва ли случайно выбирает жёлтый — ему хотелось, чтобы следом, как при получении письма в необычном конверте, адресата заинтересовал отправитель. Цвет дешёвой бумаги и метафора сумасшествия, несмываемая энергия экспрессионизма и многообещающий напор движения Вазарели объединяет данью уважения многим (от Малевича до Эйнштейна) и представляет собственный штамп или метод.
Folklore, 1963Виктор ВазарелиОдно к другому, в случае Вазарели, сочеталось как часть производимого его работами вау-эффекта. Мир постепенно сойдёт с ума от ЛСД, маркетинга, поиска внеземных форм жизни. Известная галерейщица Дениз Рене учла этот завораживающий момент поиска зрителем самого яркого отблеска космической карусели, соответствующего его настроению.
Она решила провести в 1955 году выставку «Движение». Вазерели пишет манифест, воспевая этот отблеск и это настроение. Все его достижения с того времени, когда он только увлекся в конце 1920-х кинетической скульптурой, и до этой выставки убеждают художника идти дальше.
Ровно через десять лет после выставки Дениз Рене в Париже к художнику приходит всемирный успех на выставке в Нью-Йорке, развивавшийся тем сильнее, чем больше внимания пресса уделяла космосу. Орбитальные станции. Игра лазеров. Наконец, в 1968 году выход фильма
Своими оптическими иллюзиями он проникает в общественные пространства, ни в чём не уступая монолиту Кубрика и обаятельному минималисту Солу Левитту. Произведения этого периода Вазарели называет «архитектурными интеграциями» и вторгается ими в университетские интерьеры и ландшафтные парки. Вазарели оспаривает преемственность, создавая в 1954 году для университета Каракаса (Венесуэла) одно из первых «интегративных» произведений в виде стены из огромных керамических панелей (100 квадратных метров) под названием «Дань уважения Малевичу». В середине 1950-х художник ещё сохраняет верность традиции, дальше он будет бороться за славу новатора.
«Дань Малевичу», Венесуэла
Сола Левитта по-прежнему будут сравнивать с Малевичем. Вазарели поставят в один ряд с Кубриком. На 75-м году жизни ему выпадет редчайший случай — выставка одной картины на пилотируемой станции «Салют». Так что, можно сказать, что он поучаствовал и в разрядке Холодной войны, а его коллаж с незатейливым названием «Космос» до сих пор остаётся единственным произведением искусства, известным вне Земли. С середины 1960-х художник начинает осваивать и тему трёхмерной реальности.
Как разваливается на части космический корабль, так разделились и мнения о будущем «оптического искусства». Многие в конце 1950-х не верили в его судьбу. Марсель Дюшан, предтеча оп-арта и пророк изменений в искусстве 1920-х годов, не стал для Вазарели примером, вероятно, только в силу своего надменного к нему отношения. Дюшан, боровшийся в тот момент с массовостью искусства, как когда-то с его излишней фальшивой элитарностью, не видел основания считать оп-арт искусством. Возможно, дизайном или техникой, но не больше.
Вам будет интересно: Китч. Стиль, безвкусица или ругательство?
Значение имеют материал, способ нанесения краски, визуальные эффекты, точное соблюдение пропорций и контрастов. Но лишь абсолютная оторванность от корней прошлого соблазнила несколько поколений молодых людей восхищаться этим ядовитым цветком, повернувшимся к ним своим психоделическим бутоном. Таково было общее мнение критики. Многим не хотелось верить в состоятельность искусства, которое впрямую называли иллюстрацией эффекта ЛСД. Говоря в своём манифесте об увеселении как единственной цели оп-арта и ставя «выше сердца ретину», Вазарели фактически расписался в уместности такой трактовки.
Cheyt Pyr. 1971
На Вазарели смотрели, как на сумевшего выразить увлечённость младших поколений этой манией легкой гениальности, отвлекавшей от болезней века, от напускной серьёзности, от сервильной роскоши. Отношение изменили 1960-е, признавшие оп-арт художественным течением, и затем — стремительное развитие технологий. Вазарели такими же бешеными темпами тиражирует свои идеи, держась твердого убеждения, что замысел первичен. Как и ранее, ему удавалось доказывать, что внешнее сходство с галлюциногенами не должно мешать зрителю увидеть стоящее за этими эффектами подлинное искусство.
Текст: Даниил Каплан
Лекция «Виктор Вазарели. Рождение оп-арта»
17 декабря в рамках фестиваля венгерской графики «illúzió» состоится лекция Мартона Ороса, доктора философии, директора Музея Вазарели и главного куратора коллекции фотографии и медиаискусств в Музее изобразительных искусств Будапешта.
Виктор Вазарели. Зебра. 1937
14 декабря в Российской государственной библиотеке открывается фестиваль графики «illúzió. Венгерский вклад в мировую графическую культуру XX века», организованный Российской государственной библиотекой совместно с Посольством Венгрии в РФ и Венгерским культурным центром в Москве. Фестиваль посвящён феноменам оптической иллюзии, перспективе и способам взаимодействия с графическим мировым наследием сегодня.
Первая лекция из насыщенной программы фестиваля посвящена истории зарождения оптического искусства (оп-арт — сокращённый вариант от английского optical art — «оптическое искусство») — художественного течения второй половины XX века, использующего различные оптические иллюзии, основанные на особенностях восприятия плоских и пространственных фигур.
Виктор Вазарели (1906—1997) — французский художник венгерского происхождения, родоначальник стиля оп-арт. Одной из самых ранних его работ, созданных в этом стиле, считается картина «Зебра» (1937) — здесь чёрно-белые оптические контрасты порождают игру перестраивающихся конфигураций.
В 1930-х Вазарели начал писать первые геометрические работы, серия портретов свидетельствует об исканиях в духе посткубизма. Опыты схематизации объекта, его разложения на дискретные знаки продолжались до конца 1940-х, когда Вазарели, придя к заключению о наличии в природе внутренней геометрии, обратился к абстракционизму.
В его живописи 1950-х годов чёрно-белые фигуры, встроенные в решётчатую структуру, рождают иллюзии вспышек, скачкообразных перемещений, мерцаний, упругих толчков. Мастерство, с которым Вазарели вызывает ослепительные оптические вибрации, определило его ведущую роль в направлении оп-арта.
С 1960-х пластический язык Вазарели обогатился цветом — контрастные цвета создают иллюзию колебания поверхности.
«После будапештской выставки 1969 года почти все венгерские интеллектуалы украшали свои квартиры постерами Вазарели с выставки.
Многие люди покупали домашний текстиль, шторы, ковры, сделанные в стиле оп-арт. Так что в Венгрии мечта художника исполнилась: его основной идеей была демократичность искусства, когда музей и жилище сливаются в единое целое. И в Венгрии произошло то, о чём он мечтал», — рассказывает Мартон Орос.
Предварительная регистрация:
Виктор Вазарели | Alina Pinsky Gallery
Один из главных художников второй половины XX века. Важнейший представитель и теоретик оп-арта и кинетического искусства.
Виктор (венг. Дьёзё) Вазарели родился в городе Печ в Венгрии. Учился на медика в университете Лоранда Этвёша в Будапеште. В 1927 г., отказавшись от карьеры врача, поступил в частную художественную академию Подолини и Фолкмана. Через год поступил в «Мюхей» — частную школу авангардного художника Шандора Бортника, бывшего преподавателя Баухауза, недавно вернувшегося в Будапешт.
В 1930 г. Виктор Вазарели женился на Кларе Шпиннер, другой ученице Бортника, и вместе с ней переехал в Париж. Во Франции работал графическим дизайнером, делал рекламные плакаты для агентств Havas, Draeger и Devambez. Он планировал развивать методику художественного образования Шандора Бортника и открыть собственную школу, но так и не открыл её. В 30-е Вазарели создвал графические серии с изображениями зебр, тигров, арлекинов, в которых часто прибегает к оптическим эффектам.
В 1942-44 гг. жил в Сен-Сере. После войны его мастерская находилась в Аркёе, пригороде Парижа. В 1961 г. переехал в Анне-сюр-Марн.
Лишь с 1944 года Вазарели систематически занимается живописью. С этого же года он регулярно выставляется в парижской галерее Дениз Рене. Первое время он хаотически осваивал опыт авангардной живописи того времени, подражая то сюрреалистам, то кубистам, то экспрессионистам. С 1947 года начинает писать абстрактные картины. Тогда же он начинает называть своё искусство оптическим).
С конца 1940-х Вазарели создаёт серии работ, в каждой из которых последовательно разрабатывет один пластический мотив: «Данфер» (по станции метро Данфер-Рошро в Париже, основой мотива была мозаика облицовки на этой станции), «Бель-Иль» с мотивом гальки с бель-ильского пляжа, «Горд/Кристалл» — с кубическими структурами, напоминающими дома южнофранцузского города Горда (с 1948 г.
Вазарели проводил там лето). Были и другие циклы — в частности, «Посвящение Малевичу».
С 1951 г. занимается кинетическим искусством. Вместе с Марселем Дюшаном, Александером Колдером, Мэн Рэем, Хесусом Рафаэлем Сото и Жаном Тенгели он участвует в большой выставке Le Mouvement («Движение») в галерее Дениз Рене в Париже (1955). К этой выставке было приурочено издание «Жёлтого манифеста» (Le Manifeste Jaune), который Виктор Вазарели написал вместе с Понтусом Хюльтеном и Роже Бордье. Благодаря этому манифесту и некоторым другим, написанным позже, Вазарели стал главным теоретиком и пропагандистом оптического и кинетического искусства.
Работы Виктора Вазарели этого периода чёрно-белые. Лишь в 1960 г. в них возвращается цвета.
Помимо ежегодных выставок в галерее Дениз Рене и зарубежных выставок, которые организовывала чаще всего эта же галерея, Вазарели регулярно показывал свои работы на Салоне новых реальностей, Салоне Сверхнезависисых и Майском салоне. С галереей Рене с 1958 г. сотрудничал также Ивараль, сын Виктора Вазарели.
Идеи, высказанные в манифестах Вазарели (в частности, о том, что произведение искусства существует лишь в воображении зрителя, который в различных ситуациях по-разному воспринимает один и тот же набор оптических сигналов; поэтому зритель, а не художник — его подлинный автор), вдохновили, среди прочих, художников из Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV, активна в 1960-68 гг.). Следуя мысли Вазарели о том, что концепция авторства устарела, они работали коллективно и не афишировали свои имена.
Сам Вазарели пошёл по другому пути. Подобно Малевичу, Мондриану и художникам Баухауза, которые рассматривали абстрактную живопись как систематическую, почти научную работу по выработке универсальных композиционных принципов, в соответствии с которыми может и должна быть заново сконструирована вся предметная среда, окружающая человека; с конца 50-х годов он разрабатывал собственную версию всеобщего пластического языка (или пластического алфавита, как он сам его называл).
Вазарели ограничивает и упорядочивает набор элементов, с которыми работает: три круга, два квадрата, три ромба, два длинных прямоугольника, один треугольник и т. д.; а также по два-три оттенка спектральных и ахроматических цветов. Он постепенно расширял свой «словарь», нумеруя каждый элемент. Производство «произведений искусства» теоретически сводилось к свободным комбинациям ограниченного числа элементов; фактически же эта система так обширна, что оставляет бесконечный простор для творчества. Итог этой работы — альбом 1963 г. «Планетарный фольклор» (Folklore planétaire). Вазарели полагал, что выработанный им набор правил, ясный, последовательный, научный, должен стать новым универсальным языком дизайна и архитектуры.
Поэтому он часто сотрудничал с архитекторами. Первая такая совместная работа — монументальное панно «Посвящение Малевичу» в университетском городке Каракаса, 1954 (архитектор Карлос Рауль Вийянуэва). Кроме того, Вазарели участвовал в оформлении вокзала Мэн-Монпарнас в Париже, жилого дома R.T.L. в Париже, Филологического факультета в Монпелье, Музея Иерусалима, французского павильона на Всемирной выставке 1967 г. в Монреале, катка в Гренобле. Разработал орнамент для сервиза Suomi Тимо Сарпаневы для Rosenthal (1976).
В 1964 — 1976 гг. работал над серией «Hommage à l’Hexagone». Следующий период он называл «гештальт-периодом».
В 1970 г. в Горде открылся музей Виктора Вазарели (закрылся в 1997 г.) В 1975 г. в Экс-ан-Прованс открылся второй и главный музей Вазарели в здании, спроектированном при участии самого художника. Этот музей — один из больших культурных проектов Жоржа Помпиду, который, однако, сам не дожил до его открытия. В 1976 г. Виктор Вазарели установил в центре Жоржа Помпиду в Париже большой кинетический объект «Жорж Помпиду». Тогда же, в 1976-м, в Пече, родном городе художника, открылся третий его музей. В 1987-м — четвёртый, в Будапеште.
Искусство Виктора Вазарели отмечено многими премиями. В 1955 г., после публикации Жёлтого манифеста, он получил премию Критиков в Брюсселе, Золотую медаль на Триеннале в Милане, международные премии в Валенсии и Венесуэле.
В 1964 г. — премию Гуггенхайма. В 1965 — Гран-при на VI Международной графической выставке в Любляне, Гран-при VIII Биеннале Сан-Паулу, Золотую медаль Общества содействия искусству и индустрии (Франция). В 1966 г. — премию I Графической биеннале в Кракове и Золотую медаль на II международном симпозиуме эстетики в Римини. В 1967 — приз министра иностранных дел Японии на IX Токийской биеннале и премию института Карнеги. В 1968 г. — первую премию на II Графической биеннале в Кракове, в 1969 — премию «Золотая палитра» на международном Фестивале живописи, Канн-сюр-Мер.
Кавалер Ордена Искусств и Литературы при министерстве культуры Франции (1965) и Ордена Почётного легиона (1970). Профессор Высшей школы прикладного искусства в Будапеште (1969).
Работы Виктора Вазарели побывали в космосе: в 1982 г. альбом с его гравюрами взял с собой французский космонавт Жан-Луп Кретьен на борт корабля «Салют-7». Позже они были проданы на благотворительном аукционе в пользу ЮНЕСКО.
Помимо музея Фонда Виктора Вазарели в Эксе и двух его музеев в Венгрии, работы Вазарели хранятся в Центре Помпиду, музее Бойманса — ван Бёнингена в Роттердаме, Музее современного искусства (MoMA) и Музее Гуггенхайма в Нью-Йорке, LACMA, Музее современного искусства в Сан-Франциско, Художественном музее Хьюстона, Cranbrook Art Museum, Национальном художественном музее и Музее латиноамериканского искусства в Буэнос-Айресе, Национальном художественном музее в Рио-де-Жанейро, EMMA в Эспоо, Музее современного искусства в Антверпене, Музее Израиля в Иерусалиме и многих других.
Выставки
1930 Галерея Kovacs Akos, Будапешт (персональная)
1944 Galerie Denise René, Париж
1946 Galerie Denise René, Париж
1946 галерея Arne Bruun Ramussen, Копенгаген
1947 Galerie Denise René, Париж
1948 Galerie Denise René, Париж
1949 Galerie Denise René, Париж
1949 галерея Arne Bruun Ramussen, Копенгаген
1950 Galerie Denise René, Париж
1950 галерея Arne Bruun Ramussen, Копенгаген
1951 Galerie Denise René, Париж
1951 Передвижная выставка в Копенгагене, Хельсинки, Стокгольме, Осло, Орхусе
1952 Galerie Denise René, Париж
1952 «La Nouvelle École de Paris».
Galerie de Babylone, Париж
1953 Galerie Denise René, Париж
1953 Völkerkundemuseum, Гамбург
1954 Galerie Denise René, Париж
1954 Palais des Beaux-Arts, Брюссель
1954 A.P.I.A.W., Льеж
1955 Le Mouvement. Galerie Denise René, Париж
1955 Документа, Кассель
1956 Музей Гренобля
1956 Städtliches museum, Леверкузен
1956 Galerie Matarasso, Ницца
1956 Галерея Blanche, Стокгольм
1956 Магазин Artek, Хельсинки
1958 Galerie Denise René, Париж
1958 L’art du XXIe siècle. Palais des Expositions, Шарлеруа
1958 Передвижная выставка в Буэнос-Айресе, Монтевидео и Сан-Паулу
1959 Galerie Denise René, Париж
1963 Ретроспектива. Музей декоративных искусств, Париж
1965 The Responsive Eye. MoMA, Нью-Йорк
1969 Ретроспектива. Дворец изящных искусств, Будапешт
1993. Ретроспектива. Centre Noriot, Аррас
2012 Musée en Herbe, Париж
2018 Städel museum, Франкфурт
2019 «Le Partage des Formes». Центр Помпиду, Париж
Ретроспектива классика оп-арта Виктора Вазарели проходит в Мадриде • ARTANDHOUSES
Выставка «Виктор Вазарели. Рождение оп-арта» проходит в мадридском Музее Тиссена-Борнемисы. Крупнейшая ретроспектива одного из главных представителей оп-арта включает около 100 работ из ведущих музеев мира.
На экспозиции самого знаменитого представителя оп-арта Виктора Вазарели голова может пойти кругом. Известны случаи, когда особо впечатлительные зрительницы даже падали в обморок от вида его геометрических обманок. Художник занимался оптической иллюзией — на его картинах пространство начинает пульсировать, а геометрический орнамент приходит в движение. Эффекта 3D-изображения Вазарели сумел добиться задолго до изобретения компьютерной графики. Правда, на некоторое время он вышел из художественной моды, будучи не слишком интересен в эпоху постмодерна, однако на выставке в Мадриде его искусство обрело новые перспективы, в том числе как предшественника новейших технологий.
Рождение оп-арта произошло в 1950-е годы, когда физики и лирики всех стран нашли точки соприкосновения — не только в СССР. Вазарели делал ставку «не на сердце, а на сетчатку», используя достижения науки, касающиеся зрения, и не только. Ему были интересны и новейшие космические исследования: многие его работы были посвящены космосу и получили имена звезд. Его картины как будто генерировали космическую энергию — не зря коллаж «Космос» побывал на борту космического корабля «Союз Т-6» и на космической станции «Салют 7» в 1982 году.
Вазарели родился в венгерском городе Печ, учился в школе «Мюхей», которую называли «будапештским Баухаузом», и в 1930 году переехал в Париж, чтобы оказаться в эпицентре современного искусства. В его ранних работах чувствует влияние Пикассо и Де Кирико, однако вскоре он находит собственный путь — в геометрической абстракции. В 1955 году он пишет свой «Желтый манифест», где формулирует основные принципы оп-арта. И в том же году в галерее Дениз Рене участвует в выставке «Движение», организованной Понтусом Хультеном. С тех пор ему сопутствует удача — он становится лауреатом многочисленных премий, получает во Франции титул рыцаря ордена Искусств и литературы и даже участвует в выставках documenta.
Мадридская ретроспектива, где наиболее полно показаны живопись, графика и объекты Вазарели, стремится открыть все грани таланта художника, который останется в истории не только автором знаменитых «зебр», но и тем, кто повлиял на современный промышленный дизайн и компьютерную графику.
Victor Vasarely
«Zebras. Prekinetic Study»
1939
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Man in motion. Study of Motion / The Man»
1943
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Amir / Rima»
1953
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Naissances / From the album Hommage à J.S. Bach, Supplement No.3»
1954-1960
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Gixeh II»
1955-1962
Szépműveszéti Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Zint-MC»
1960-1976
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Marsan-2»
1964-1974
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Ferde»
1966-1974
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Kroa-MC»
1969
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Doupla»
1970-1975
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Negative Manipur»
1971
Colección privada
Cortesía Fondation Vasarely
Victor Vasarely
«Feny»
1973
Colección Carmen Thyssen- Bornemisza
Victor Vasarely
«Nora-Dell»
1974-1979
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Eroed-Pre»
1978
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Bi-Octans»
1979
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Stri-Oet»
1979
Vasarely Múzeum, Budapest
Victor Vasarely
«Chess Set»
1980
Vasarely Múzeum, Budapest
Вазарели, книга о художнике, художественных иллюзиях Виктора Вазарели, автор Магдалена Хольцхай
Эту книгу можно купить на Ozon
Виктор Вазарели – художник XX века, чье творчество повлияло на современное искусство.
Его работы, основанные на зрительных иллюзиях, стали фундаментом стиля оп-арт. Вазарели превращал двухмерное пространство в 3D, пользуясь не компьютерными программами, а только холстом и красками.
Магдалена Хольцхай, автор биографической книги «Вазарели» рассказывает о творчестве художника, его жизни и огромном вкладе в современную культуру.
Содержание
В первой главе Хольцхай рассказывает о влиянии творчества Вазарели на современников и последующие поколения. Он верил в «роль художника, как двигателя общественного прогресса». Сила зрительного образа, по мнению Виктора, настраивает на «единое звучание искусства в мире». Поэтому его работы основаны на законах восприятиях формы и цвета. В основе его картин лежат взгляды Баухауза и конструктивистов. Но он перевел геометрическую абстракцию на новый язык.
Картины оп-арта не существовали бы без включения в них математики, физики и других наук. Художник мечтал создать машину, с помощью которой он мог бы работать с алгоритмами и перестановками форм. Но в жизни он оставался живописцем и не использовал компьютерные системы.
Последующие главы описывают жизнь Вазарели. Изначально он работал в коммерческих организациях, создавая рекламные плакаты. Большим толчком к переходу на самостоятельное творчество стало знакомство Вазарели с Бортником, который мечтал открыть в Будапеште школу, подобную Баухаузу. Но из-за нехватки средств проект остался школой одного человека. Виктор проявил талант необыкновенно реалистичной живописи. Идеи, преподносимы Бортником и гений Вазарели объединились и стали трансформироваться в новое направление живописи.
В дальнейшем Виктор Вазарели изучал современное искусство. В послевоенные годы он обращается к геометрической абстракции. Хольцхай прослеживает становление живописи от первых экспериментов с формами до включения зрительной иллюзии в картину и становления оп-арта.
Читатели
Книга будет интересна широкому кругу читателей, интересующимся современным искусством.
Большое собрание качественных репродукций в этом издании дает вдохновение для дизайнеров и художников, ищущих новые идеи для проектов.
Автор: Магдалена Хольцхай
Перевод: А.В. Гусева
Издательство: TASCHEN/«Арт-Родник»
ISBN: 5-9561-0159-8
Количество страниц: 96
Формат: 185*227 мм
Виктор Вазарели — 44 произведения
Виктор Вазарели (французский: [viktɔʁ vazaʁəli]; урожденный Győző Vásárhelyi, венгр: [ˈvaːʃaːrhɛji ˈɟøːzøː]; (1906-04-09) 9 апреля 1906 — (1997-03-15) 15 марта 1997), был венгерско-французским художник, которого многие считают «дедушкой» и лидером оп-арта.
Его произведение «Зебра», созданное в 1930-х годах, некоторые считают одним из самых ранних образцов оп-арта.
Вазарели родился в Печ и вырос в Пёстьене (ныне Пьештяны, Словакия) и Будапеште, где в 1925 году он поступил на медицинское образование в Университет Этвёша Лоранда.В 1927 году он отказался от медицины, чтобы изучать традиционную академическую живопись в частной Академии Подолини-Фолькмана. В 1928/1929 году он поступил в частную художественную школу Шандора Бортника под названием Műhely (букв. «Мастерская», существовавшая до 1938 года), которая тогда была широко известна как Будапештский центр изучения Баухауса. Из-за нехватки денег mhely не мог предложить всего, что предлагал Баухаус. Вместо этого он сосредоточился на прикладной графике и типографском дизайне.
В 1929 году он написал «Синий кабинет» и «Зеленый кабинет».В 1930 году он женился на своей однокурснице Клэр Спиннер (1908–1990). Вместе у них было двое сыновей, Андре и Жан-Пьер. В Будапеште он работал в компании по производству шарикоподшипников, занимаясь бухгалтерским учетом и разработкой рекламных плакатов. Вазарели стал графическим дизайнером и художником плаката в 1930-х годах, сочетая узоры и органические изображения друг с другом.
Вазарели покинул Венгрию и поселился в Париже в 1930 году. Он работал художником-графиком и креативным консультантом в рекламных агентствах Havas, Draeger и Devambez (1930–1935).Его взаимодействие с другими художниками в это время было ограниченным. Он подумал об открытии учебного заведения, созданного по образцу мухели Шандора Бортника, и разработал для него учебные материалы. Прожив в основном в дешевых гостиницах, он поселился в 1942/1944 году в Сен-Сере в департаменте Лот. После Второй мировой войны он открыл ателье в Арквей, пригороде примерно в 10 км от центра Парижа (в департаменте Валь-де-Марн на острове Иль-де-Франс). В 1961 году он окончательно поселился в Анне-сюр-Марн (департамент Сена и Марна).
В конце концов Вазарели начал создавать искусство и скульптуру, используя оптическую иллюзию. В течение следующих трех десятилетий Вазарели разработал свой стиль геометрического абстрактного искусства, работая с различными материалами, но используя минимальное количество форм и цветов:
5 июня 1970 года Вазарели открыл свой первый специализированный музей с более чем 500 работами во дворце эпохи Возрождения в Гордесе (закрыт в 1996 году). Вторым крупным мероприятием стал Фонд Вазарели в Экс-ан-Провансе, музей, расположенный в особой структуре, специально спроектированной Вазарели.Он был открыт в 1976 году президентом Франции Жоржем Помпиду. К сожалению, сейчас музей находится в запущенном состоянии, некоторые экспонаты были повреждены из-за протекания воды с потолка. Кроме того, в 1976 году его большой кинематический объект Жоржа Помпиду был установлен в Центре Помпиду в Париже, а музей Вазарели, расположенный на его родине в Печ, Венгрия, был основан на крупное пожертвование работ Вазарели. В том же десятилетии он сделал удар по промышленному дизайну, выпустив тираж из 500 экземпляров высококлассной посуды Suomi от Тимо Сарпанева, которую Вазарели украсил для студии Linie немецкого производителя фарфора Rosenthal.В 1982 году 154 специально созданных сериграфа были отправлены в космос космонавтом Жан-Лу Кретьеном на борту французско-советского космического корабля «Салют-7» и впоследствии проданы в пользу ЮНЕСКО.
В 1987 году во дворце Зичи в Будапеште был открыт второй венгерский музей Вазарели с более чем 400 работами.
Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA).Полный текст статьи здесь →
Подробнее …
Художников по направлениям: Op Art
Художественное движение
Оп-арт, сокращенно от оптического искусства, — это стиль визуального искусства, в котором используются оптические иллюзии.
Произведения оп-арта абстрактны, многие наиболее известные произведения созданы в черно-белых тонах. Как правило, они создают у зрителя впечатление движения, скрытых изображений, мигающих и вибрирующих узоров или вздутия или деформации.
Происхождение оп-арта с точки зрения графических и цветовых эффектов можно проследить до неоимпрессионизма, кубизма, футуризма, конструктивизма и дадаизма.
Журнал Time ввел термин «оп-арт» в 1964 году в ответ на выставку Джулиана Станчака «Оптические картины» в галерее Марты Джексон, чтобы обозначить форму абстрактного искусства (в частности, беспредметного искусства), использующего оптические иллюзии.Произведения, которые сейчас называют «оп-артом», были созданы за несколько лет до статьи Time 1964 года. Например, картина Виктора Вазарели «Зебры» (1938) целиком состоит из криволинейных черных и белых полос, не заключенных в контурные линии. Следовательно, кажется, что полосы одновременно сливаются с окружающим фоном и выходят из него. Кроме того, ранние черно-белые «ослепляющие» панели, которые Джон Макхейл установил на выставке This Is Tomorrow в 1956 году, и его серия «Пандора» в Институте современного искусства в 1962 году демонстрируют тенденции прото-оп-арта.
Мартин Гарднер описал оп-арт и его связь с математикой в своей колонке «Математические игры» в журнале Scientific American за июль 1965 года. В Италии Франко Гриньяни, который изначально был архитектором, стал ведущей силой графического дизайна, где оп-арт или кенетическое искусство было центральным. Его логотип Woolmark (выпущенный в Великобритании в 1964 году), вероятно, является самым известным из всех его дизайнов.
Оп-арт, возможно, более тесно связан с конструктивистскими практиками Баухауза. Эта немецкая школа, основанная Вальтером Гропиусом, подчеркивала взаимосвязь формы и функции в рамках анализа и рациональности.Студенты научились сосредотачиваться на общем дизайне или всей композиции для представления единых работ. Оп-арт также происходит от Trompe-l’œil и Anamorphosis. Были также установлены связи с психологическими исследованиями, особенно с теорией гештальт и психофизиологией. Когда в 1933 году Баухаус был вынужден закрыться, многие из его инструкторов бежали в Соединенные Штаты. Там движение укоренилось в Чикаго и, в конечном итоге, в колледже Блэк-Маунтин в Эшвилле, Северная Каролина, где в конечном итоге преподавали Анни и Джозеф Альберс.
В 1955 году на выставке «Mouvements» в галерее Дениз Рене в Париже Виктор Вазарели и Понтус Хюльтен представили в своем «Желтом манифесте» некоторые новые кинетические выражения, основанные на оптических и световых явлениях, а также на живописном иллюзионизме. Выражение «кинетическое искусство» в этой современной форме впервые появилось в Музее гештальтунга в Цюрихе в 1960 году и нашло свое главное развитие в 1960-х годах. В большинстве европейских стран это, как правило, форма оптического искусства, в которой в основном используются оптические иллюзии, такие как оп-арт, а также искусство, основанное на движении, представленном Яковом Агамом, Карлосом Крус-Диесом, Хесусом Рафаэлем Сото, Грегорио Варданегой или Николасом. Шёффер.С 1961 по 1968 год GRAV (Groupe de Recherche d’Art Visuel), основанная Франсуа Морелле, Хулио Ле Парком, Франсиско Собрино, Орасио Гарсиа Росси, Иваралом, Хоэлем Штайном и Верой Мольнар, была коллективной группой художников-опто-кинетиков, которые: в соответствии с манифестом 1963 года — обращался к прямому участию общественности с влиянием на ее поведение, в частности, посредством использования интерактивных лабиринтов.
Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 Непортированная лицензия (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →
Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Op_artПеч | История, факты и туризм
Pécs , немецкий Fünfkirchen, средневековый Latin Quinque Ecclesiae , («Пять церквей»), статус уездного города и резиденция Баранья мегье (уезд), юго-западная Венгрия.Он расположен у южного подножия лесистых гор Мечек, в 135 милях (220 км) к юго-юго-западу от Будапешта. Это место было занято римским городом Сопианы, столицей провинции Южная Паннония, которая пришла на смену иллирийскому и кельтскому поселению. В 1009 году Стефан I, первый король Венгрии, сделал город епископством. Название Печ впервые появилось в конце 11 века. В городе есть большая главная площадь с хорошо сохранившейся мечетью (Гази Кассим Паша), которая сейчас является римско-католической церковью.Городской собор, который был основан в 1009 году на месте старой римской церкви, был капитально отремонтирован и отреставрирован в 1960-х годах.
Собор в Печ, Хунг.
Salmer / Plessner International Печ — старинный город торговли и ремесел, а в 14-15 веках он также был крупным центром гуманистических исследований. Он был оккупирован турками с 1543 по 1686 год. Самый ранний университет в Венгрии, Печский университет, основанный в 1367 году Людовиком I, был упразднен турками, но был переименован в Печский университет Януса Паннония и вновь открылся в 1922 году.Медицинский университет Печ (1951 г.
) также расположен в городе. Печский университет был реформирован в 2000 году в результате слияния Университета Януса Паннониуса, Медицинского университета Печ и Педагогического колледжа Ильеса Дьюла. В 18 веке немецкие шахтеры-иммигранты приехали работать на местные угольные пласты, и в Печ остается одно из немногих немецких меньшинств в Венгрии. В 1780 году город получил бесплатную королевскую грамоту. Угольное месторождение Печ-Комло, которое поставляло коксующийся уголь в Дунауйварош, послужило основой для быстрого развития города в XIX и XX веках.Рудники закрылись на рубеже 21 века. Поблизости также добывали урановую руду.
Фабрика Жолнаи в Пече получила международную известность благодаря своей керамической посуде (майолике), а Культурный квартал Жолнай, в котором находятся 15 отреставрированных исторических зданий и 88 статуй, включает ремесленные мастерские и коллекцию предметов Жолнаи. В Печ также находится Центр Кодай, архитектурно значимый концертный зал, который открылся в 2010 году. В 2000 году раннехристианское кладбище Печ (Сопиане) было внесено в список Всемирного наследия, а в 2010 году был выбран Печ (наряду со Стамбулом и Эссеном). , Германия) стать культурной столицей Европы.
Город имеет хорошее автомобильное и железнодорожное сообщение с Дунауйварошем, Будапештом и другими городами. Поп. (2011) 156 049; (2017 г.) 144675.
Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчасВиктор Вазарели | Op-art.co.uk | Op-Art.co.uk
‘ Искусство завтрашнего дня будет коллективным достоянием или вообще не будет искусством ‘ — Виктор Вазарели, отец оп-арта.
Чтобы увидеть образцы искусства Виктора Вазарели, посетите галерею Виктора Вазарели.
Ранняя жизнь — 1906-27 гг.
Виктор Вазарели за работой в 1948 году
Виктор Вазарели родился в городе Печ, Венгрия, в 1906 году. Детство и юность провел в Пьештанах (тогда Пёстьен), а затем в Будапеште.
В молодости Вазарели больше увлекался наукой, чем искусством, и в 1925 году он подал заявление и был принят на медицинский факультет Будапештского университета, где проучился два года.
В 1927 году Вазарели принял радикальное и изменившее жизнь решение — он решил приостановить учебу в медицине и полностью изменить направление, приняв решение продолжить карьеру в искусстве. Эти годы изучения медицины не прошли даром, поскольку формальная научная подготовка дала ему сильное чувство научного метода и объективности, что сослужило ему хорошую службу на протяжении всей его творческой карьеры.
Академия Подолини-Фолькмана — 1927-29 гг.
Etudes Bauhaus A — Виктор Вазарели 1929 Картон, масло 23×23см
В течение следующих двух лет Вазарели изучал традиционную академическую живопись в частной Академии Подолини-Фолькмана.Все это время он продолжал читать широко, особенно научную литературу, поглощая работы Эйнштейна, Гейзенберга, Бора и Винера.
Постепенно Вазарели начал развивать идею о том, что науки достигли пределов того, что можно объяснить, и что именно с помощью искусства эти научные модели можно сделать визуально понятными.
Вазарели цитирует высказывание об этой идее о точке встречи между искусством и наукой — о том, что «два творческих выражения человека, искусство и наука, снова встречаются, чтобы сформировать воображаемую конструкцию, которая соответствует нашей чувствительности и современным знаниям». .
Кофейни Дуная — 1927-29 гг.
Etudes Bauhaus C — Виктор Вазарели 1929 Картон, масло 23×23см
Идея Вазарели на этом этапе была просто идеей, и нужно было что-то еще, чтобы придать ей надлежащую функцию и форму. Вазарели искал направление.
Он нашел то, что искал, в богемных кофейнях, расположенных на берегу Дуная. Вазарели часто посещал эти захватывающие места, где представители городской интеллигенции встречались, чтобы обсудить политику, экономику, социальные теории, научные разработки, технологии, музыку и авангардное искусство.
Именно здесь, среди этих образованных и живых умов Вазарели впервые услышал о немецкой школе ремесел и изящных искусств Баухаус, основанной архитектором Вальтером Гропиусом в 1919 году.
Что еще более интересно для Вазарели, он услышал о школе в Будапеште — Академии Мухели, которая считалась центром изучения Баухауса в Венгрии.
Академия Баухаус Мухели — 1929-30
Etudes Bauhaus D — Виктор Вазарели 1929 Картон, масло 23×23см
Виктор Вазарели поступил в Мухели, в то время управляемую Шандором Бортником, в 1929 году.Школа очень сильно соответствовала целям оригинального Баухауза. Основные концепции обучения заключались в том, что все виды декоративно-прикладного искусства и архитектуры должны достигать единства цели, основанной на кубе, прямоугольнике и круге.
Учение Баухауза оказало большое влияние на западное искусство, архитектуру и дизайн в течение десятилетий после его упадка и остается таковым по сей день.
В Мухели Вазарели исследовал множество различных визуальных форм, включая абстракцию, к чему он вернется позже в своей карьере.Талант Вазарели был очевиден для всех, с кем он встречался в этот период, и он был отмечен как выдающийся ученик. Справедливо сказать, что учения, которые он здесь усвоил, стали основой его зрелого стиля.
Свадьба и новая жизнь в Париже — 1930-
Автопортрет — Виктор Вазарели 1934 Бумага, пастель 56х36см
В этот момент Вазарели работал в двойном подчинении на заводе шарикоподшипников в Будапеште, проводя большую часть своего времени в бухгалтерии, а остальное время создавая рекламные плакаты для компании.
В 1930 году Вазарели в поисках чего-то большего переехал в Париж — «Город света», который в то время был центром мира искусства.
В 1931 году Виктор Вазарели женился на однокурснице из Мухели, Клэр Спиннер (1908–1990). У них должно было быть двое сыновей, Андре (1931 г.р.) и Жан-Пьер (1934 г.р.).
Вазарели нашел работу в различных рекламных агентствах, но не на сложной должности, и проводил все больше и больше вечеров, работая над собственным искусством.
Его амбиции заключались в том, чтобы сделать ночную работу дневной.
Графическое изображение — 1930-1944
L’Echiquier — Виктор Вазарели, 1935 Картон, масло 61х41см
Работы Вазарели в этот период были в значительной степени образными и касались графического изображения, но в них лежали кинетические и оптические семена его более поздних зрелых работ.
Работа, показанная справа — «L’Echiquier» («Шахматная доска») — была написана в 1935 году, и в ней можно увидеть многие темы, которые Вазарели должен был развивать в ближайшие десятилетия. К тридцати годам, осознавал он это или нет, Вазарели уже заложил основу для будущего.
Другие важные работы этого периода включают «Арлекин», где Вазарели использует систематически раскрашенную и искаженную сетку, чтобы оживить появляющуюся фигуру; Тигрес, изображающий двух тигров, построенных из чередующихся и контрастных цветов, и первая работа из серии «Зебр». Зебры состоят из закрученных полос без формальных очертаний и ясно показывают, как можно использовать простое устройство линии для создания ощущения динамизма.
На «неправильном пути» — Ранняя абстракция — 1944-7
La Cuisine Jaune a Cocherel, Виктор Вазарели, 1946 Дерево, масло 72×91см
Существенное изменение стиля Вазарели произошло после его первой важной выставки графики и рисунков в галерее Дениз Рене в 1944 году.Выставка имела успех у критиков, и Вазарели решил посвятить себя живописи.
За это время Вазарели познакомился с работами художников-абстракционистов Огюста Эрбена, Пита Мондриана и архитектора и художника Ле Корбюзье. Идеи этих художников оказали значительное влияние на Вазарели, и к 1945 году он полностью посвятил себя абстрактной живописи.
Работы Виктора Вазарели были представлены на трех важных выставках в Париже — Salon de Surindependants (1945 и 46), Salon de Realites Nouvelles (1947) и снова в галерее Denise Rene (1948) в выставке под названием «Tendances de l’Art Abstrait.
Он был на пути к тому, чтобы стать признанным художником, но еще не чувствовал, что нашел свой собственный индивидуальный стиль.
Бель-остров и абстрактные истоки оп-арта — 1947-51
Эзинор — Виктор Вазарели 1949 Картон, масло 38х30см
В 1947 году Вазарели начал свой отпуск на Бель-Айле в Бретани и нашел вдохновение в прогулках по пляжам этого прекрасного острова:
«Галька, морские раковины на пляже, водовороты, парящий туман, солнечный свет, небо… в скалах, в осколках разбитых бутылок, отполированных ритмичным приходом и уходом волн, я определенно признает внутреннюю геометрию природы.”
В этот период Вазарели начал переходить от картин, которые были абстрактными, но эволюционировали от репрезентативных изображений, к абстрактным произведениям, полностью состоящим из геометрических фигур.
Хотя творчество этого периода находилось под сильным влиянием Казимира Малевича (особенно его «Черный квадрат»), Мохоли-Надя и Вальтера Гропиуса, Вазарели нашел свой собственный стиль.
Виктор Вазарели в черно-белом — 1951-65
Вега — Виктор Вазарели 1957 Холст, акрил 195×130см
С 1951 по 1959 год Виктор Вазарели продолжал работать с геометрическими фигурами, а также начал писать преимущественно в черно-белом цвете.В произведениях этого периода мы видим развитие того, что мы знаем как оп-арт.
В Веге (1957 г. — показано справа) — названной в честь самой яркой звезды в созвездии Лиры — Вазарели рисует огромную шахматную доску, регулярность которой нарушена изгибом линий, образующих квадраты.
Картина представляет нашим глазам противоречивые данные, поскольку мы читаем часть поля в терминах диагоналей, а другие части в терминах горизонтали и вертикали. Картина практически заставляет нас двигаться вперед и назад, и при этом поле кажется движущимся — расширяющимся, сжимающимся и волнообразным.Были заложены основы движения оп-арта.
«Желтый манифест» — 1955
Кассиопея II — Виктор Вазарели 1958 Холст, акрил 195 × 130
В 1955 году Галерея Дениз Рене была передана под новаторскую выставку кинетического искусства «Движение», на которой выставлялся Вазарели.
В то же время он опубликовал свой «Желтый манифест», в котором вернулся к учениям своего тренинга в Баухаусе, чтобы обрисовать свою концепцию «пластической кинетики».
Для художника «живопись и скульптура становятся анахронизмом: точнее говорить о двух-, трехмерном и многомерном пластическом искусстве.У нас больше нет явных проявлений творческой чувствительности, но есть развитие единой пластической чувствительности в разных пространствах ».
«Движение основывается не на композиции или конкретном предмете, а на восприятии акта взгляда, который сам по себе считается единственным творцом».
Вазарели получил премию критиков в Брюсселе и Золотую медаль на Миланском триеннале за свой манифест.
Цвет и пластиковый алфавит — 1960-65
Алфавит VB — Виктор Вазарели 1960 Холст, акрил 160×150см
В этот период Вазарели разработал свою «Alphabet Plastique» — систему на основе сетки, которая установила модульные отношения между формами и цветами.Этот период ознаменовал возвращение цвета в работы Вазарели в двух основных сериях этого времени — Alphabet Plastique и Folklore Planetaire.
В серии Alphabet Plastique каждая картина была основана на 15 корневых формах, образованных из круга, квадрата и треугольника. Затем были разработаны вариации этих корневых форм и раскрашены с использованием цветов из разных цветовых шкал, каждая из которых имеет 20 оттенков. Каждая единица в сетке — «объединенная пластика» — имеет передний и задний план.
По сути, Вазарели создал язык художественного программирования, позволяющий бесконечно менять формы и цвета для создания индивидуальных и уникальных произведений.В серии Folklore Planetaire Вазарели хотел на своем универсальном языке передать основные человеческие ценности широкой публике за пределами художественного истеблишмента.
Международное признание и «Отзывчивый глаз» — 1965
Bora III — Виктор Вазарели 1964 Холст, масло 149×141см
Хотя Вазарели становился все более известным и получил несколько престижных наград, он еще не был известен широкой публике во всем мире.
Ситуация изменилась в 1965 году, когда Вазарели выставился на выставке под названием «Отзывчивый глаз» в Музее современного искусства Нью-Йорка вместе с другими известными оп-артистами, такими как Бриджит Райли.
Вазарели сразу же окрестили «отцом оп-арта». Реакция публики на выставку была эйфорической, и в следующие несколько лет оп-арт распространился на рекламу, упаковку, моду и дизайн.
«Отзывчивый глаз» дал Вазарели статус международной знаменитости в области искусства, и после этого его пригласили для выставок во многие крупные галереи и музеи по всему миру.
Vonal — 1964-
Vonal-Stri — Виктор Вазарели 1975 Холст, акрил 200×200см
В последующие годы Вазарели создал несколько отдельных серий работ, которые должны были укрепить его статус.
Одним из них была его серия «Vonal», где он пересмотрел свои ранние линейные исследования (такие как серия Zebres) и графические работы, но на этот раз полностью используя цвет. Сериал является продолжением исследований движения и восприятия, проведенных ранее в линейных сериалах.
В Vonal-Stri (1975 — показано справа) ощущение движения и глубины создается за счет использования Вазарели линий уменьшающейся шкалы, продвигающихся к центру холста — чем дальше мы смотрим к центру, тем дальше поле похоже, от нас.Использование меняющихся цветов по всему полю также помогает зрителю ощутить кинетическую энергию, глубину и пространство.
Вега — 1968-
Вега-Нор — Виктор Вазарели 1969 Холст, акрил 200×200см
В 1968 году Виктор Вазарели начал еще одну серию картин, которая стала очень популярной и широко известной — серию «Вега». Хотя существовала более ранняя работа под названием Vega (см. Выше), созданная в 1957 году, в которой использовались те же методы искажения поверхности, серия действительно начала развиваться как серия в 1968 году, когда Вазарели ввел в свои работы цвет.
В серии Vega мы видим некоторые из наиболее передовых приложений системного подхода Вазарели к форме и цвету. Картины построены на сферических искажениях в полихроматической сетке. Поверхность кажется искривленной, создавая ощущение, будто что-то пытается вырваться или отступить обратно в глубину поверхности.
«Вега-Нор» (1969 — показано справа) — одна из самых известных из этих работ.
Гештальт — 1969-
Кепл-Гештальт — Виктор Вазарели, 1968 Холст, акрил 160х160см
Третьей крупной серией, над которой работал Вазарели, была серия Гештальт, которая переходит в увлечение Вазарели шестиугольником.Вазарели создал серию картин «Посвящение шестиугольнику» параллельно с серией «Гештальт». В Музее современного искусства есть несколько хороших примеров.
Картины этой серии характеризуются твердыми, но неземными и кажущимися невозможными трехмерными формами, состоящими из кубов и ячеистых структур, которые визуально сбивают с толку зрителя. Vasarely в полной мере использует вариации цвета, чтобы создать иллюзию пространства, света, движения и структуры.
Хотя они предлагают некоторое сравнение с пространственными парадоксами М.К. Эшер: это не воздает должное сериалу из-за масштаба и интенсивности опыта, который эти работы производят у зрителя. Справа показана одна из этих гештальт-серий — «Кепл-гештальт» (1968).
Работа вне студии
Дань Малевичу — Виктор Вазарели 1954 г. Фреска в университете Каракаса
На протяжении всей своей жизни Виктор Вазарели был очарован и увлечен использованием других материалов и работал над несколькими архитектурными проектами.
В 1954 году Вазарели работал над «Дань Малевичу» , керамической настенной картиной площадью 100 м² в Университете Каракаса, Венесуэла, которую он разработал совместно с архитектором Карлосом Раулем Вильянуэва.Справа показан фрагмент этой установки.
в 1967 году Вазарели был выбран дизайнером французского павильона на Всемирной выставке в Монреале.
Здания фонда Вазарели в Экс-ан-Провансе в 1976 году были спроектированы (и оплачены) Вазарели.
Вазарели также выпустил ряд книг, в том числе Plasticité (1969) и Vasarely (1978) и фильмы.
Виктор Вазарели — Как он работал
Без названия — Виктор Вазарели ок.1978
Еще в 1950-х годах Вазарели для своих работ использовал предварительные масштабные чертежи. Вазарели назвал эти программы — программ (одна из которых показана справа).
Вазарели разработал цветовую систему и создавал новые линейные формы и формы, к которым можно было применить свою цветовую систему. Это была его художественная «азбука». Затем он опробовал этот алфавит в «программе» перед тем, как приступить к новой серии. Первоначально Вазарели сам создавал настоящие произведения из своих программ, но с 1965 года он стал использовать помощников.
С самого начала Вазарели был очарован технологиями и видел первые перспективы компьютеров — например, он настоял на установке компьютеров в Фонде Вазарели. Система работы Вазарели, его пластиковый алфавит и программы проводят параллели с компьютерным программированием и компьютерным искусством сегодняшнего дня и несомненно показывают, насколько далеко Вазарели был впереди своего времени.
Поздний период и признание
Tekers-MC — Виктор Вазарели 1981 Холст, акрил 235×201см
Вазарели продолжал исследовать глубину и движение в своих высокоструктурированных картинах даже после семидесяти.Эти картины такие же захватывающие и новаторские (и всегда были в таком же огромном масштабе), как и работы его ранних лет. Виктор Вазарели был человеком огромной энергии и изобретательности.
В старости он был осыпан почестями. Он стал почетным гражданином Нью-Йорка и в 1990 году был повышен (во Франции) до звания Великого офицера национального ордена Мерита. (Вазарели стал натурализованным гражданином Франции в 1959 году).
В 1970 году Вазарели открыл свой первый специализированный музей в городе Горд, Франция (закрылся в 1996 году).Музей Фонда Вазарели открылся в 1976 году в Экс-ан-Провансе, Франция, как и музей Вазарели в Печ, Венгрия, где родился Вазарели. В 1987 году во дворце Зичи в Будапеште, Венгрия, открылся еще один музей Вазарели.
Вазарели умер в Париже 15 марта 1997 года в возрасте 91 года. К сожалению, до сих пор сохраняется много споров вокруг поместья Вазарели.
Виктор Вазарели Биография
Виктор Вазарели (французский / венгерский, 1906–1997)
Личное воспоминание (от Алекса Адельмана): Мне очень повезло, что я несколько раз встречал Виктора Вазарели и всегда буду помнить его как очень теплого, веселого, обаятельного, умного человека.Однако больше всего в нем меня поразило то, что у него была детская невинность и удивление как по отношению к людям, так и к окружающему миру. В последний раз, когда я видел его около года назад, я с любовью наблюдал, как он играл в несколько шахматных партий Yvaral . Излишне говорить, что он каждый раз побеждал Иварала! Мы выпили бокал вина, шоколадных конфет, а затем он развлекал нас венгерскими народными песнями. Это был поистине веселый и запоминающийся праздник!
Считается отцом оп-арта, Виктор Вазарели родился 9 апреля -го года 1908 года в городе Печ, Венгрия.Признанный во всем мире как один из самых важных художников 20-го века, его инновации в области цвета и оптических иллюзий оказали сильное влияние на многих современных художников. Наша коллекция его гравюр и скульптур, охватывающая большую часть его карьеры, исследует его набеги на некоторые из его самых известных работ, таких как пластиковый алфавит и другие знаковые периоды.
В 1925 году Вазарели был принят в медицинский факультет Будапештского университета, где проучился 2 года. Решив, что он хочет начать свою жизнь в другом направлении, он поступил в Академию живописи Полдини-Фолькмана в 1927 году.Хотя медицинское образование могло показаться излишним по сравнению с его новой карьерой в искусстве, время, которое Вазарели провел в медицинской школе, дало ему прочную основу в научном методе и объективности. Эта основа продолжала проявляться в его уникальном стиле искусства.
После своей первой персональной выставки в 1930 году в галерее Ковач Акос в Будапеште Вазарели переехал в Париж. Следующие тринадцать лет он посвятил себя графическим исследованиям. Его пожизненное увлечение линейным узором привело его к рисованию фигуративных и абстрактных узоров, таких как его серии арлекинов, шашек, тигров и зебр.В этот период Вазарели также создавал многомерные произведения искусства, накладывая узорчатые слои целлофана друг на друга, чтобы достичь иллюзии глубины.
Примерно в 1947 году Вазарели открыл для себя свое место в абстрактном искусстве. Находясь под влиянием своего опыта на Бретон-Бич на Белл-Айл, он пришел к выводу, что «внутреннюю геометрию» можно увидеть под поверхностью всего мира. Он считал, что форма и цвет неразделимы. «Каждая форма — это основа цвета, каждый цвет — атрибут формы.Таким образом, в его картинах природные формы превратились в чисто абстрактные элементы.
Галерея Дениз Рене, уже признанная и признанная художница-авангардистка, провела большую групповую выставку, посвященную экспериментам Вазарели с движением. Это была первая важная выставка кинетического искусства, на которой, в частности, были представлены работы Яакова Агама, Пола Бери, Сото и Жана Тингели.
В 1950-х годах Вазарели написал серию манифестов об использовании оптических явлений в художественных целях.Вместе с его картинами и гравюрами они оказали значительное влияние на молодых художников. По словам художника, «в конечном итоге картина-объект в чистой композиции представляется мне последним звеном в семейных« картинах », все еще обладающих своей сияющей красотой самоцелью. Но это уже больше, чем картина, формы и цвета, составляющие ее, все еще находятся на плоскости, но пластическое событие, которое они запускают, сливается перед ней и внутри нее. Таким образом, это конец, но также и начало, своего рода стартовая площадка для будущих достижений.”
Картины
Виктор Вазарели начал свою карьеру в живописи с изучения традиционной академической живописи в Podolini Volkmann Academy. Однако вскоре он разочаровался в академической живописи и в 1929 году поступил в Академию Баухаус Мухели. Баухаус обучал своих художников созданию картин, основанных на основных геометрических формах, таких как куб, прямоугольник и круг. Работы 1930-1944 годов носят образный и графический характер. Ярким примером является L’Echiquier (Шахматная доска), 1935 год.Эта картина имитирует форму и цвет шахматной доски, которую Вазарели искажал, чтобы она выглядела трехмерной. Для Вазарели это положило начало его серии «Зебры» 1937 года. Первоначальная работа этого набора под названием «Зебра» считается одним из самых ранних образцов оптического искусства. Вазарели также ненадолго экспериментировал с кубистами, футуристами и сюрреалистами в 1944 году; однако он отказался от этих стилей в пользу оптического искусства. Его картины в стиле оп-арт отличаются завораживающими цветами и искаженными поверхностями.Также широко используется повторение геометрической формы. Наиболее известными из его группы являются Vega, 1957, Gestalt, 1969 и The Plastic Alphabet, 1960-65
.Скульптуры
Позднее Вазарели отважился заняться скульптурой. Скульптура представила захватывающую возможность создать еще более динамичный оптический опыт. Учитывая иллюзионистское качество его живописных работ, неудивительно, что Вазарели решился на эту новую среду. В своих скульптурах Вазарели использовал люцит и стекло, чтобы сделать изображения более разнообразными.Кроме того, он часто создавал сложенные фигуры, включающие его геометрические узоры, и объединял их на холст определенной формы, сочетая его живопись и скульптуру. Скульптуры различаются по размеру и очень популярны у коллекционеров.
Сегодня гравюры, картины, коллажи и скульптуры Виктора Вазарели представлены на многочисленных выставках по всему миру.
Виктор Вазарели — Галерея Park West
Виктор Вазарели родился в 1906 году в городе Печ, Венгрия. Он является одним из создателей кинетики и оп-арта.Перед тем как иммигрировать во Францию в 1930 году, Вазарели посещал Мюэли, Академию живописи, основанную на учении Баухауса, в Будапеште в 1929 году. Именно в это время он писал «Синий кабинет» и «Зеленый кабинет» (1929). В своих ранних работах он исследовал символизм, посткубизм, сюрреализм и жестовую живопись.
Прибыв в Париж в 1930 году, Вазарели начал коммерческую работу в рекламном агентстве Havas, а затем в Draeger, одной из самых известных типографий. 1929-1946 годы были известны как «графический» период Вазарели.За это время он создал «Зебры» (1938), «Шахматную доску» (1935) и «Девушка-цветок» (1934). Вазарели глубоко интересовался светом, тенью, контрастом и контуром. В течение этого периода были исследованы двумерный вес и контраст, которые начали определять доминирующий стиль, который он будет развивать в течение оставшейся части века.
С 1935 по 1947 год, период, который Вазарели называет «моими ложными маршрутами», на него повлияли многие популярные движения, особенно сюрреализм и кубизм. Этот ранний период его творчества был одним из немногих случаев, когда Вазарели проявлял фигуративность, рисовал человеческие формы в портретах и даже воплощал свои идеалы в натюрмортах и жанровых картинах.Он написал «Автопортрет» (1941) и «Слепой» (1946), которые хоть и образны, но двигаются в сторону более характерного стиля Вазарели и более упрощенной версии его перспективы.
Названный периодом «Бель-Иль» (Belle-le) после своего любимого места отдыха во Франции между 1947 и 1958 годами, Вазарели впервые по-настоящему достиг абстракции. Это был очень геометрический период для художника, во многом основанный на форме овала, вдохновленный галькой на пляже Бель-Иль.
С 1948 по 1951 год Вазарели больше внимания уделял контрасту, чем раньше.С плоской точки зрения он смог проложить путь к кинетизму, применяя противоречивые цвета для создания движения в композиции. В этот период наиболее яркой его работой было «Посвящение Малевичу» (1952–1958).
«Черно-белый» период художника длился с 1950 по 1965 год, когда он развивал основные идеи, присущие созданию оп-арта, за счет использования только этих двух цветов. На протяжении 1950-х годов, когда в Париже процветало кинетическое искусство, Вазарели продолжал исследования, опубликовав свой «Желтый манифест.Это было бы предвестником его идей относительно алфавита изящных искусств (алфавитная пластика), который попытался бы превратить сферу изобразительного искусства в универсальный язык, понятный каждому. Он был очень взволнован тем, что определил этот алфавит, включив этот язык в популярную культуру архитектуры и городского планирования.
В 1965 году он участвовал в выставке «Отзывчивый глаз» в Нью-Йоркском музее современного искусства. Эта выставка была публично посвящена исключительно «Оптическому искусству», переопределяя отношения между зрителем и произведением искусства, общаясь в полностью абстрактной и субъективной манере.На протяжении семидесятых годов художник прошел через множество переходов в своем искусстве, взращивая совершенно новую перспективу для своих картин и графических работ. Он сосредоточился на сферическом присутствии в каждой композиции и присутствии в особом плане, включая цвет и повторение, чтобы создать желаемые визуальные эффекты и, в конечном итоге, связь с большой вселенной.
Вазарели был известен как провидец. Он объединил техники в науке, архитектуре, живописи и движении, объединив дисциплины и создав стиль, который изменил многие принципы современного искусства.Вазарели однажды сказал: «Все архитекторы, художники, скульпторы должны научиться работать вместе. Это не вопрос отрицания шедевров прошлого, но мы должны признать, что человеческие устремления изменились. Мы должны изменить наш древний образ мышления и представления об искусстве. Мы должны делиться этим, особенно в городах,… сделать его доступным для всех. Искусство должно быть щедрым ».
Неудивительно, что Сезанн был образцом для подражания и вдохновителем Вазарели. Создание его фонда более века спустя в 1976 году в Экс-ан-Провансе, где жил и рисовал Сезанн, могло быть счастливым совпадением.Это были два дальновидных человека, вновь изменившие грани современности. Превосходный художник-график, Вазарели старательно развивал свои методы еще до того, как начал рисовать. Его гравюры демонстрируют качество его артистизма с момента его первой публикации в 1949 году. Он широко выставлялся по всему миру и провел более ста выставок с участием одного человека. Также было введено в эксплуатацию более ста монументальных архитектурных произведений, созданных Вазарели. 15 марта 1997 года стал днем, когда Вазарели окончательно скончался, дожив до 91 года.
▷ Виктор Вазарели | Купить Original Art Online
Виктор Вазарели — французско-венгерский художник. Он родился и вырос в городе Печ, Венгрия, затем изучал медицину в Будапеште. В 1927 году он отказался от медицины и вместо этого выбрал традиционную академическую живопись. Он обучался в Венгрии в Академии Пололини-Фолькманна, а в 1929 году поступил в «мастерскую» Шандора Бортника, которая была широко известна как центр изучения Баухауса в Будапеште. К 1931 году он обосновался в Париже и работал в сфере рекламы с 1936 по 1944 год, где создавал важные графические работы, исходя из его собственной семантики.В 1944 году он участвовал в основании галереи Дениз Рене, которую открыл своей первой выставкой. Серия портретов, выполненных в 1946 году, свидетельствовала о его увлечениях в духе посткубизма, но иногда странным образом «взрывалась»: «Семь лет неудач».
Превосходство Вазарели в создании чертежа было быстро замечено. В 1929 году он написал «Синий кабинет» и «Зеленый кабинет». В 1930 году он женился на своей однокурснице Клэр Спиннер (1908–1990). Вместе у них было двое сыновей, Андре и Жан-Пьер.В Будапеште он работал в компании по производству шарикоподшипников, занимаясь бухгалтерским учетом и разработкой рекламных плакатов. Виктор Вазарели стал графическим дизайнером и художником плаката в 1930-х годах, сочетая узоры и органические изображения друг с другом.
Он учился в Баухаусе Мухели в Будапеште и в 1930 году эмигрировал в Париж, где разработал свое особое видение, основанное на идее демократизации арт-объекта. Находясь под сильным влиянием проблем мировых городов, он считает, что его работа предлагает решение, представляя четкое представление о взаимосвязи «цвет-поверхность-восприятие».
Вазарели покинул Венгрию и поселился в Париже в 1930 году, работая художником-графиком и креативным консультантом в рекламных агентствах Havas, Draeger и Devambez (1930-1935). Его взаимодействие с другими художниками в это время было ограниченным. Он поиграл с идеей открытия учебного заведения по образцу Шандора Бортника и разработал для него учебные материалы. Прожив в основном в дешевых гостиницах, он поселился в 1942/1944 году в Сен-Сере в департаменте Лот. После Второй мировой войны он открыл ателье в Арквей, пригороде примерно в 10 км от центра Парижа (в департаменте Валь-де-Марн на острове Иль-де-Франс).В 1961 году он окончательно обосновался в Анне-сюр-Марн (департамент Сена и Марна).
В течение следующих трех десятилетий Вазарели разработал свой стиль геометрического абстрактного искусства , работая с различными материалами, но используя минимальное количество форм и цветов.
Он использовал доход от продажи этих «исследований», как он называет свои гравюры, для создания социокультурного фонда в Экс-ан-Провансе, Франция, для изучения интеграции пластической красоты на всех уровнях. городской среды.Он представлен в крупнейших музеях мира и получил множество художественных и почетных наград. Среди этих наград — Французский Почетный легион, Премия Гуггенхайма и Золотая медаль Триеннале в Милане.
5 июня 1970 года Вазарели открыл свой первый специализированный музей с более чем 500 работами во дворце эпохи Возрождения в Гордесе (закрыт в 1996 году). Вторым крупным мероприятием стал Фонд Вазарели в Экс-ан-Провансе, музей, расположенный в особой структуре, специально спроектированной Вазарели.