Творчество эпохи возрождения: Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Содержание

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 31 334

Эпоха Возрождения — одна из самых ярких в истории человечества. Она не только дала толчок к развитию изобразительного искусства, но заложила основы дальнейшего развития европейской культуры Нового времени. Идеологической базой Возрождения стал гуманизм — течение общественной мысли, которое зародилось в 14 веке в Италии, а затем на протяжении второй половины 15 — 16 века распространилось в других европейских странах, провозгласившее высшей ценностью человека и его благо. Гуманисты считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности. Наиболее ярко и полно воплотились идеи гуманизма в изобразительном искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями.

Источником знаний и образцом художественного творчества для гуманистов была античность. Несмотря на декларируемое гуманистами возвращение к классической древности в противопоставлении «варварству» средневековой культуры, искусство Ренессанса во многом сохранило преемственность по отношению к предшествовавшей художественной традиции.

В новую эпоху на первое место выступает творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была на редкость многообразной. Поражает разносторонняя одаренность мастеров Ренессанса — они часто работали в различных областях, совмещая занятия живописью, скульптурой, архитектурой с увлечением литературой, поэзией и философией, с занятиями точными науками. Выражение «человек Возрождения», «ренессансная личность», обозначающее разносторонне одаренную личность, стало впоследствии нарицательным.

Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъеме и расцвете искусства Возрождения большую роль сыграли Церковь и великолепные дворы некоронованных государей (правящих богатых семейств) — крупнейших покровителей и заказчиков произведений живописи, скульптуры и архитектуры.

Главными центрами культуры Возрождения сначала были города Флоренция, Сиена, Пиза, затем — Падуя, Феррара, Генуя, Милан и позже всех, во второй половине 15 века, богатая купеческая Венеция. В 16 веке столицей итальянского Возрождения стал Рим. Впоследствии местные центры искусства, кроме Венеции, утратили прежнее значение.

В эпохе итальянского Возрождения принято выделять несколько периодов:

  1. Проторенессанс (вторая половина 13 — 14 век),
  2. Раннее Возрождение (15 век),
  3. Высокое Возрождение (конец 15 — первые десятилетия 16 века)
  4. Позднее Возрождение (последние две трети 16 века).

ПРОТОРЕНЕССАНС

В итальянской культуре 13 — 14 веков уже начали появляться черты нового искусства. «Последний поэт Средневековья» и первый поэт новой эпохи Данте Алигьери (1265 — 1321) создал итальянский литературный язык. Начатое Данте продолжили другие великие флорентийцы 14 столетия — Франческо Петрарка (1304 — 1374), родоначальник европейской лирической поэзии, и Джованни Боккаччо (1313 — 1375), основоположник жанра новеллы. Гордостью эпохи являются архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио и живописец Джотто ди Бондоне.

Итальянская архитектура долго следовала средневековым традициям, что выражалось в основном в использовании многих мотивов готики — крупных, спокойных форм, горизонтального членения внутреннего пространства, широких поверхностей стен. Раньше, чем в архитектуре и живописи, новые художественные тенденции наметились в скульптуре. Ярче всего это проявилось в работах скульпторов пизанской школы, основателем которой был Никколо Пизано (около 1220 — между 1278 и 1284).

Его творчество развивалось под влиянием античной традиции, он, несомненно, изучал скульптурное оформление позднеримских и раннехристианских саркофагов. Шестигранная мраморная кафедра (1260), выполненная им для баптистерия в Пизе, стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла на ее дальнейшее формирование.

Главным достижением ваятеля стало то, что он сумел придать формам объем и выразительность, а каждому изображению — телесную мощь. Образы Пизано статичны, величавы и бесстрастны. Из мастерской Никколо Пизано вышли замечательные мастера скульптуры Проторенессанса — его сын Джованни Пизано и Арнольфо ди Камбио, известный и как архитектор.

Одним из самых ценных источников сведений о жизни и творчестве итальянских художников Возрождения служит внушительный труд «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550), принадлежащий перу Джорджо Вазари (1511 — 1574), итальянского архитектора, живописца и историка искусства. Первое жизнеописание в книге Вазари посвящено

Чимабуэ (около 1240 — около 1302), которого он назвал родоначальником нового итальянского стиля живописи. Чимабуэ был знаменит во Флоренции как мастер торжественной алтарной картины и иконы. Его образам свойственны отвлеченность и статичность. Хотя в своем творчестве Чимабуэ следовал византийским традициям, он старался выразить земные чувства, смягчить жесткость византийского канона.

Чимабуэ, Джованни. Верхняя церковь, интерьер. Восточная часть. Чимабуэ, Джованни. Фрески Верхней церкви Сан Франческо в Ассизи, фреска на средокрестном своде, сцена: св. Иоанн Евангелист, деталь: архитектура. 1280-1283 Чимабуэ, Джованни. Фрески Нижней церкви Сан Франческо в Ассизи, правый неф, сцена: Мадонна на троне, четыре ангела и св. Франциск. 1278-1280 Чимабуэ, Джованни. Мадонна со святыми (Мадонна Санта Тринита). 1280-1285 Чимабуэ, Джованни. Мария с ангелами, из церкви Сан Франческо в Пизе. Около 1280 Чимабуэ, Джованни. Мозаика кафедрального собора в Пизе, сцена: Христос на престоле с Марией и Иоанном, деталь: Иоанн. 1301-1302 Чимабуэ, Джованни. Распятие из Санта Кроче во Флоренции, состояние до 1966.
1287-1288 Чимабуэ, Джованни. Фрески Верхней церкви Сан Франческо в Ассизи, фреска на средокрестном своде, сцена: св.Марк, деталь: архитектура (Италия). 1280-1283 Чимабуэ, Джованни. Фрески Нижней церкви Сан Франческо в Ассизи, сцена: Сон Иннокентия III. Около 1260 Чимабуэ, Джованни. Фрески Нижней церкви Сан Франческо в Ассизи, сцена: Св. Франциск отрекается от имущества. Около 1260 Чимабуэ, Джованни. Фрески Верхней церкви Сан Франческо в Ассизи, фреска на средокрестном своде, сцена: св. Лука. 1280-1283

Одним из учеников Чимабуэ был Джотто ди Бондоне. Наиболее известные произведения Джотто — фрески в капелле дель Арена в Падуе (1304 — 1306), названной так потому, что на ее месте когда-то находился цирк. Сравнительно небольшая капелла имеет форму вытянутого прямоугольника. Впечатление простора и наполненности светом в сравнительно небольшом помещении возникает благодаря фрескам Джотто, их сияющим краскам и ясности форм — на холодновато синем фоне выделяются фигуры, написанные в желтых, розовых, зеленых тонах. Роспись посвящена жизни Богоматери и Христа. На стене у входа помещен «Страшный суд», напротив находится «Благовещение»; на длинных стенах расположены в три ряда самостоятельные композиции, связанные между собой как фрагменты одного рассказа. Повествование неторопливо и незамысловато, исполнено спокойного достоинства. Образы Джотто естественны, человечны, сдержанны, лица однотипны, детали скупы. При этом, используя язык жестов, движений, обобщенных силуэтов, художнику удалось передать различные оттенки чувств и душевных состояний. Каждая композиция, являясь частью целого, может восприниматься и как самостоятельное произведение. Новаторское значение искусства Джотто осознали уже его современники, оно привлекало к себе большое внимание и в последующие века.

Дуччо ди Буонинсенья (около 1255 — 1320), старший современник Джотто и основатель сиенской школы живописи, в своем творчестве придерживался традиций византийской иконописи. Его крупнейшая работа — огромный алтарный образ «Маэста» («Величие»). В центре вытянутой горизонтальной композиции восседает на троне Мадонна с Младенцем, которых окружают святые и ангелы; вокруг расположены также отдельные, меньшие по размерам сцены на сюжеты из жизни Богоматери и Христа. Оборотная сторона доски состояла из множества небольших, полных драматизма изображений на темы Страстей Господних.

К кругу Дуччо принадлежал Симоне Мартини (около 1284 — 1344). Он увлекался светской позднеготической культурой, рыцарской поэзией, французской миниатюрой; работал в Сиене, Ассизи, Неаполе, а в последние годы жизни — при папском дворе в Авиньоне, где стал другом Петрарки. Для палаццо Публико города Сиена он создал несколько фресок. На одной из них — большой фреске «Маэста» (1315) — под сенью легкого розового балдахина с алыми и белыми кистями Мадонна с Младенцем, а также окружающие ее святые и ангелы образуют изящную группу. На противоположной стене зала художник поместил темную фреску иного характера. В истории искусства она стала первым изображением конкретного исторического события с портретом современника, который, к тому же, явился прототипом будущих конных монументов. В верхней части стены изображен на коне

кондотьер Гвидориччо де Фольяни. Его лицу мастер придал портретные черты. Одеяние прямо держащегося в седле всадника и попона лошади имеют одинаковый узор из крупных темно-синих ромбов на желтом фоне. Узор как бы объединяет всадника и животное в одно существо.

Мартини, Симонe Алтарный образ из Кембриджа. Трое святых с ангелами в навершиях. Слева направо: св. Амвросий, архангел Михаил, св. Августин 1320-1325 Дерево, темпера Кембридж (Великобритания). Музей Фицуильям Мартини, Симонe Алтарный образ из Пизы. Мадонна со святыми 1319 Дерево, темпера Пиза. Музей Сан Маттео Мартини, Симонe Благословляющий Христос Около 1317 76 x 46 см Дерево, темпера Неаполь. Национальная галерея Каподимонте Предположительно часть алтаря Мартини, Симонe Евангелист Иоанн 1330-1339 34,5 x 24 см Дерево, темпера Бирмингем. Бирмингемский университет, Барберовский институт изящных искусств Предположительно правая створка диптиха распятия Мартини, Симонe Кондотьер Гвидориччо да Фольяно 1328 340 x 968 см Фреска Сиена. Палаццо Пубблико, зал Карты мира Мартини, Симонe Мадонна на троне как покровительница города в окружении святых. Фреска из Палаццо Пубблико в Сиене Закончена в 1316 Фреска Сиена. Палаццо Пубблико, зал Карты мира

РАННЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

В 15 веке искусство Италии заняло господствующее положение в художественной жизни Европы. Основы гуманистической светской культуры были заложены во Флоренции. Политическая власть принадлежала здесь купцам и ремесленникам, особое влияние на городские дела оказывали несколько богатейших семейств, постоянно соперничавших друг с другом. Эта борьба закончилась в конце 14 века победой дома Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Медичи стекались писатели, поэты, ученые, архитекторы и художники. В архитектуре тогда произошел подлинный переворот. Во Флоренции развернулось широкое строительство, на глазах менявшее облик города.

Уроженцем Флоренции был Филиппо Брунеллески (1377 — 1446), родоначальник ренессансной архитектуры Италии, один из создателей научной теории перспективы. Разносторонне одаренный, получивший широкое гуманистическое образование, он первоначально работал как скульптор и участвовал в конкурсе 1401 года на лучший проект бронзовых рельефов для дверей флорентийского баптистерия. Раннее творение Брунеллески — купол собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции. Архитектору предстояло перекрыть без возведения лесов огромный пролет купола (диаметр основания 42 метра). Зодчий изобрел необычайно сложную для своего времени конструкцию: легкий пустотелый купол с двойной оболочкой и каркасом из восьми ребер, который опоясывали кольца. Грандиозный купол, покрытый темно-красной черепицей, связанный крепкими белыми ребрами и увенчанный изящным беломраморным световым фонарем, торжественно парит над городом как величественный образ Флоренции. Творение Брунеллески — предшественник многочисленных купольных храмов в Италии и других странах Европы.

Следующий этап развития итальянской архитектуры 15 века связан с именем Леона Баттисты Альберти (1404 — 1472), философа и ученого. По многогранности деятельности и интересов, охватывавших гуманитарные и точные науки, экономику, философию, поэзию, музыку, живопись, скульптуру, архитектуру, Альберти — идеальная «ренессансная личность», сравнимая лишь со всемирно известным мыслителем и художником классического Возрождения Леонардо да Винчи. Страстный поклонник античности, Альберти создал в 1430-х годах «Описание города Рима», составив его первую топографическую карту, и написал свой знаменитый трактат «Десять книг о зодчестве» (1449 — 1452). Ранее им были созданы трактаты «О живописи» и «О статуе» (1435 — 1436). В Италии и за ее пределами Альберти снискал себе славу выдающегося теоретика искусства. И все же его главным призванием оставалась архитектура, хотя зодчему далеко не всегда удавалось осуществить свои смелые идеи. Полнее всего оригинальный замысел Альберти удалось выразить во флорентийском палаццо Ручеллаи (1446 — 1451), которое завершил его помощник известный архитектор Бернардо Росселино. Общая композиция здания традиционна, зато фасад приобрел новые черты. Стена выложена гладкими отшлифованными каменными блоками, украшена пилястрами. Работая в Мантуе над строительством церкви Санта Андреа (была завершена после смерти зодчего), Альберти полностью отошел от готических принципов. Огромный фасад церкви напоминает триумфальную арку. Такой же прием Альберти использовал ранее в церкви Сан Франческо в городе Римини, превращенной им по заказу правителя Сиджизмондо Малатеста в усыпальницу, так называемую Темпио Малатестиано (здание не было завершено). Многие постройки Леона Баттисты Альберти оформлены системой большого ордера (колонны и пилястры располагаются по всей поверхности фасада от низа до верха), которая будет использоваться Микеланджело и Палладио.

Альберти, Леон Баттиста Палаццо Ручеллаи Начата около 1456 Флоренция Альберти, Леон Баттиста Санта Мария Новелла Флоренция Альберти, Леон Баттиста Собор Святого Петра (купол) 1546-1565 Рим Альберти, Леон Баттиста Темпио Малатестиано 1450-1468 Римини. Сан Франческо Альберти, Леон Баттиста Темпьетто дель Санто Сеполькро. Верхняя часть фасада Флоренция. Санта Мария Новелла Альберти, Леон Баттиста Темпьетто дель Санто Сеполькро. Верхняя часть фасада Флоренция. Санта Мария Новелла Альберти, Леон Баттиста Темпьетто дель Санто Сеполькро. Западный фасад Начат около 1471 Флоренция. Санта Мария Новелла Альберти, Леон Баттиста Темпьетто дель Санто Сеполькро. Неф и хор Начат около 1471 Флоренция. Санта Мария Новелла Альберти, Леон Баттиста Темпьетто дель Санто Сеполькро 1467 Флоренция. Санта Мария Новелла Альберти, Леон Баттиста Трактат «Об архитектуре». План церкви с трансептом 1550 Альберти, Леон Баттиста Трактат «Об архитектуре». Центрический план с круглыми апсидами 1550 Альберти, Леон Баттиста Трактат «Об архитектуре» 1550

В 15 веке переживала расцвет и итальянская скульптура. Она приобрела самостоятельное, независимое от архитектуры значение, в ней появились новые жанры. В практику художественной жизни начинали входить заказы богатых купеческих и ремесленных кругов на украшение общественных зданий. В 1401 году был объявлен конкурс на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия. Победил на конкурсе блестящий рисовальщик Лоренцо Гиберти (около 1381 — 1455). Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, Гиберти, в творчестве которого главным были равновесие и гармония всех элементов изображения, посвятил жизнь одному виду скульптуры — рельефу. Вершиной его творчества, воплотившей результаты его исканий, стали восточные двери флорентийского баптистерия (1425 — 1452), которые Микеланджело назвал «Вратами рая» Составляющие их десять квадратных композиций из позолоченной бронзы передают глубину пространства, в которой сливаются фигуры, природа и архитектура. Своей выразительностью они напоминают живописные картины.

Гиберти, Лоренцо Баптистерий. Деталь северных дверей: Тайная вечеря 1425-1452 39 x 39 см Бронза, позолота Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Баптистерий. Северные двери 1404-1424 Бронза, позолота Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Барельеф головы Витторио, сына Лоренцо Гиберти 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Барельеф головы Лоренцо Гиберти 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Библейский персонаж 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Восточные двери. Деталь. Каин и Авель 1425-1452 80 x 80 см Бронза, позолота Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо «Врата рая». Восточные двери 1425-1452 506 x 287 см Бронза, позолота Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Исаак посылает Исава на охоту 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. История Иосифа 1425-1452 80 x 80 см Бронза, позолота Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Каин убивает Авеля 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Обнаружение посланными Иосифа золотой чаши у Вениамина 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Опьянение Ноя 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Сивилла 1425 Флоренция. Баптистерий

Из мастерской Гиберти вышел будущий великий реформатор итальянской скульптуры Донато ди Никколо ди Бетто Барди, прозванный Донателло (около 1386 — 1466). Донателло старался передать в искусстве жизненную правду, одновременно придавая своим работам черты возвышенной героики. Эти характерные особенности проявились уже в ранних работах мастера — статуях святых, предназначенных для наружных ниш фасадов церкви Ор Сан Микеле во Флоренции, и ветхозаветных пророков флорентийской кампанилы. В 1430 году Донателло создал «Давида» — первую в итальянской скульптуре Возрождения статую обнаженного человека, предназначавшуюся для фонтана во внутреннем дворе палаццо Медичи. Библейский пастух, победитель великана Голиафа, — один из излюбленных образов Ренессанса. Изображая его юношеское тело, Донателло, несомненно, исходил из античных образцов, но переработал их в духе своего времени. Задумчивый и спокойный Давид в пастушьей шляпе, затеняющей его лицо, попирает ногой голову Голиафа и словно не сознает еще совершенного им подвига.

Донателло Давид 1408-1409 Высота: 191 см Мрамор Флоренция. Национальный музей Барджелло Донателло Давид, деталь 1444-1446 Высота: 158 см Бронза Флоренция. Национальный музей Барджелло Донателло Давид 1444-1446 Высота: 158 см Бронза Флоренция. Национальный музей Барджелло Донателло Избиение младенцев в Вифлееме, фрагмент Первая половина 15 века Перо Ренн. Музей изящных искусств, Кабинет рисунков Донателло Кафедра певчих, деталь 1433-1438 Мрамор, мозаика Флоренция. Музей собора Донателло Кафедра певчих, деталь 1433-1438 Мрамор, мозаика Флоренция. Музей собора Донателло Кафедра певчих 1433-1438 Мрамор, мозаика Флоренция. Музей собора Донателло Кающаяся Магдалина, фрагмент Около 1456-1457 Высота: 236 см Бронза, позолота Флоренция. Палаццо Веккио Донателло Кающаяся Магдалина Около 1456-1457 Высота: 236 см Бронза, позолота Флоренция. Палаццо Веккио Донателло Конная статуя Гаттамелаты 1444-1453 Высота: 340 см Бронза на мраморном постаменте Падуя. Площадь дель Санто Донателло Мадонна Пацци Около 1417-1418 74,5 x 69,5 см Мрамор Берлин. Государственный музей Донателло Несение креста Первая половина 15 века Перо, отмывка Четсуорт (графство Дербишир). Девонширская коллекция Донателло Пир Ирода Около 1425 60 x 60 см Бронза, позолота Сиена. Баптистерий Донателло Пророк Аввакум («Цукконе») 1423-1426 Высота: 195 см Мрамор Флоренция. Музей собора Донателло Св. Георгий 1416-1417 Высота: 209 см Мрамор Флоренция. Музей собора Донателло Св. Марк 1411-1413 Высота: 236 см Мрамор Флоренция. Орсанмикеле Донателло Христос перед Пилатом Первая половина 15 века Перо на бумаге Четсуорт (графство Дербишир). Девонширская коллекция Донателло Юдифь и Олоферн Около 1456-1457 Высота: 236 см Бронза, позолота Флоренция. Палаццо Веккио

Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, светскому искусству. Ведущая роль в нем принадлежала семье скульпторов делла Роббиа. Глава семьи Лукка делла Роббиа (1399 или 1400 — 1482), современник Брунеллески и Донателло, прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе, часто сочетая их с архитектурой. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435 — 1525).

Огромная роль, которую в архитектуре раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре — Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо. Брунеллески и Донателло переживали творческий расцвет, когда родился Мазаччо (1401 — 1428). Он умер молодым, не дожив до 27 лет, и все же успел сделать в живописи целый ряд открытий. Классическим образцом алтарной композиции стала его «Троица» (1427 — 1428), созданная для церкви Санта Мария Новелла во Флоренции. На фреске представлены распятие, фигуры Марии и Иоанна Крестителя, которых осеняет образ Бога Отца. На переднем плане запечатлены коленопреклоненные заказчики, как бы находящиеся в самом помещении церкви. Величавая отрешенность образов сочетается здесь с невиданной до тех пор реалистичностью в передаче пространства и архитектуры, с объемностью фигур, выразительной портретной характеристикой лиц заказчиков и с удивительным по силе чувства образом Богоматери.

В творчестве современника Мазаччо Паоло Уччелло (1397 — 1475) тяга к нарядной сказочности приобретала подчас наивный оттенок. Эта особенность творческого стиля художника стала его своеобразной визитной карточкой. Но в творчестве Уччелло своенравная фантазия сочеталась со страстью изучения перспективы. Он вошел в историю как один из тех живописцев, кто впервые стал применять в своих полотнах линейную перспективe. Смелые искания Уччелло нашли выражение в трех его известных картинах, заказанных Козимо Медичи и посвященных битве флорентийцев с сиенскими войсками при Сан-Романо. Художник изобразил, как на фоне игрушечного пейзажа сошлись в ожесточенной схватке всадники и воины, перемешались копья, щиты, древки знамен. В целом картина производит впечатление условной, застывшей, на редкость красивой, поблескивающей золотом декорацией с фигурами коней красного, розового и даже голубого цвета.

Светское начало, стремление к увлекательному повествованию, лирическое земное чувство нашли выражение в произведениях Фра Филиппо Липпи (1406 — 1469), монаха ордена кармелитов. Обаятельный мастер, автор многих алтарных картин, среди которых лучшей считается картина «Поклонение Младенцу», написанная для капеллы в палаццо Медичи, Филиппо Липпи сумел передать в них человеческую теплоту и поэтическую любовь к природе.

Несколько особняком в истории флорентийской школы стоит творчество Доменико Венециано (до 1410 — 1461). В его картинах (среди которых «Мадонна с четырьмя святыми», созданная около 1445) господствуют тонкая и воздушная гармония красок, серебристый свет. С его именем связывают изысканные профильные женские портреты.

Мастерство Венециано как замечательного колориста не оказало заметного влияния на живопись Флоренции, но получило дальнейшее развитие в творчестве его великого ученика — Пьеро делла Франческа (около 1420 — 1492), крупнейшего художника и теоретика Возрождения. Самое замечательное создание Пьеро делла Франческа — его фрески в алтаре церкви Сан Франческо в Ареццо (1452 — 1466). Они посвящены истории креста, на котором был распят Христос, рассказанной в популярной в то время «Золотой легенде» итальянского монаха 13 века Якопо де Вораджине. В узкой готической капелле с высоким окном художнику пришлось расположить фрески в три яруса. В размещении сцен мастер не следовал строго за нитью повествования, а стремился создать общее композиционное единство, фресковый ансамбль, рассчитанный на единовременное обозрение. Фрески производят необычайно сильное впечатление. Алтарь из-за сочетания почти не приглушенных тенями красок — голубых, розовых, светло и темно-зеленых, желтых и вишнево-красных — кажется залитым светом. Господствуют голубые и синие тона — даже вороные лошади написаны темно-синим, а не черным. Сочетание объемности и в то же время плоскостности в изображении — одна из удивительных особенностей искусства Пьеро делла Франческа, который, строго соблюдая законы перспективы, не создавал иллюзии глубины пространства.

Во второй половине 15 столетия в Северной Италии в городах Вероне, Ферраре, Венеции работали многие прекрасные мастера. Среди живописцев наиболее знаменит Андреа Мантенья (1431 — 1506). Он стремился создавать такие образы, в которых соединялись черты античных героев и людей эпохи Возрождения. Наибольшую известность Мантенье принесли многочисленные росписи дворцовых покоев. Из всех его работ до нас дошли девять полотен «Триумфа Цезаря» в Риме и фрески «Камеры дельи Спози» Мантуанского дворца (1465 — 1474), ставшие основным вкладом этого художника в монументальную живопись эпохи Возрождения. В тот период Мантенья вновь вернулся к своей любимой античной теме: на больших полотнах, написанных гризайлью, он словно воссоздал древнеримские рельефы. Пользовавшееся огромной известностью искусство Мантеньи оказало влияние на всю североитальянскую живопись.

Мантенья, Андреа Гравер: Мантенья, Андреа Вакханалия с винным прессом Около 1494 332 х 462 мм Резцовая гравюра на меди Четсуорт (графство Дербишир). Девонширская коллекция Мантенья, Андреа Цикл фресок в свадебном зале герцогского дворца в Мантуе [11]. Купольная фреска 1473 Фреска Мантуя. Палаццо Дукале (Герцогский дворец) Заказчик: Лодовико Гонзага Мантенья, Андреа Мертвый Христос Около 1490-1500 66 x 81 см Дерево, темпера Милан. Пинакотека Брера Мантенья, Андреа Парнас 1497 160 x 192 см Холст Париж. Лувр Мантенья, Андреа Празднество богов 1514 170 x 188 см Холст, масло Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея Мантенья, Андреа Самсон и Далила 1495 47 x 37 см Холст Лондон. Национальная галерея Монохромная картина (гризайль) на крашенном охрой фоне Мантенья, Андреа Святое семейство со св. Елизаветой и младенцем Иоанном Последняя треть 15 века 75 x 61 см Холст Дрезден. Картинная галерея Мантенья, Андреа Семь апостолов, наблюдающих Вознесение Христа Около 1661 290 х 218 мм Неочиненное перо бистром, кисть в контурах, подсветка белым, на грунтованной серо-зеленым тоном бумаге Кембридж (штат Массачусетс). Художественный музей Фогг, Отдел гравюры и рисунка Мантенья, Андреа Торжество Добродетели Около 1504 106 x 192 см Холст, темпера Париж. Лувр Триумф Цезаря Мантенья, Андреа Христос в Гефсиманском саду (Моление о чаше) 1455 63 x 80 см Дерево, темпера Лондон. Национальная галере Мантенья, Андреа Юдифь и Олоферн Около 1495 30,11 x 18,1 см Дерево Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея

Особое место в живописи раннего Возрождения принадлежит Сандро Боттичелли (1445 — 1510). Его имя стало известно благодаря картине «Поклонение волхвов» (1476), на которой изображены три поколения правителей Флоренции — Медичи. Его знаменитые картины зрелого периода «Весна» (около 1477 — 1478) и «Рождение Венеры» (1483 — 1484) навеяны стихами выдающегося гуманиста Анджело Полициано. Аллегорическая картина «Весна«, написанная для украшения виллы Медичи, принадлежит к числу наиболее сложных произведений Боттичелли. В «Рождении Венеры» впервые со времен античности богиня изображена обнаженной, а ее поза напоминает классические статуи. Благодаря поверхностной моделировке и четкости контуров изображение кажется барельефным, лишенным трехмерности. Художник не придает значения глубине пространства, но в картине ощущается свобода движения, а тела обладают чувственной красотой. В начале 1490-х годов в творчестве Боттичелли произошел решительный перелом. На него оказали сильнейшее влияние страстные проповеди доминиканского монаха Савонаролы, обличавшего папство, аристократию, богатство и гуманистическую культуру. Когда в 1494 году Медичи были изгнаны из Флоренции, а во главе республики фактически оказался Савонарола, Флоренцию охватил религиозный фанатизм. На улицах запылали костры, в которых горели предметы роскоши и даже произведения искусства. Боттичелли мучительно метался между гуманистической ренессансной культурой художественного кружка при дворе Медичи и призывами к аскетизму Савонаролы. Сильное впечатление на художника произвела казнь монаха, обвиненного в ереси: он был повешен перед Палаццо Веккьо, а затем сожжен на костре.

В поздний период творчества Боттичелли обращался к религиозным сюжетам трагического характера. К ним относятся две картины «Оплакивание Христа» (около 1500 года).

Боттичелли, Сандро Благовещение 1489-1490 150 x 156 см Дерево, темпера Флоренция. Галерея Уффици Боттичелли, Сандро Весна (Primavera) Около 1482 203 x 314 см Дерево, темпера Флоренция. Галерея Уффици Боттичелли, Сандро Данте и Вергилий у скованных гигантов 1480-1495 323 х 470 мм Перо поверх рисунка серебряным карандашом, на пергаменте Берлин. Гравюрный кабинет Боттичелли, Сандро Оплакивание Христа Около 1495 107 x 71 см Дерево, темпера Милан. Музей Польди Пеццоли Боттичелли, Сандро Осень 31,7 x 25,3 см Черный мел, перо, коричневые чернила, акварель, белила на тонированной бледно-розовой бумаге Лондон. Британский музей Боттичелли, Сандро Поклонение волхвов, тондо Около 1473 Диаметр: 131,5 см Дерево, темпера Лондон. Национальная галерея Возможно, совместная работа с Филиппо Липпи Боттичелли, Сандро Поклонение волхвов Около 1472 50 x 136 см Дерево, темпера Лондон. Национальная галерея Возможно, совместная работа с Филиппо Липпи Боттичелли, Сандро Поклонение волхвов 1481-1482 70,2 x 104,2 см Дерево, темпера Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея В 1470-1471 годах Боттичелли созданы четыре картины на тему «Поклонение волхвов», срав. Национальная галерея, Лондон и Уффици, Флоренция Боттичелли, Сандро Рождение Венеры Около 1485 172,5 x 278,5 см Холст, темпера Флоренция. Галерея Уффици

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Джорджоне, Тициан Вечелио, Донато Браманте, охватывает сравнительно короткий период — от конца 15 века до конца второго десятилетия — середины 16 века. Научные открытия расширили представления людей о мире — не только о земле, но и о Космосе. Восприятие мира и человеческой личности как будто укрупнилось; в художественном творчестве это отразилось не только в величественных масштабах архитектурных сооружений, монументов, торжественных фресковых циклов и картин, но и в их содержании, выразительности образов, изобразительный язык стал обобщенным и сдержанным. Центром строительства в эпоиху Высокого Возрождения стал Рим, где сложился единый классический стиль. Мастера творчески использовали античную ордерную систему, создавая сооружения, величественная монументальность которых была созвучна эпохе.

ДОНАТО БРАМАНТЕ

Донато Браманте (1444 — 1514) начинал творческую деятельность как живописец. Как на архитектора на него оказали сильнейшее влияние градостроительные идеи Леонардо да Винчи. В течение 20 лет Браманте работал в Милане и возвел несколько великолепных зданий. Одно из самых значительных — перестроенная по приказу Лодовико Моро алтарная часть церкви Санта Мария делла Грацие. В этой постройке Браманте с редким изяществом соединил местные ломбардские традиции с античной ордерной архитектурой. Наибольших высот архитектор достиг во время работы в Риме, куда он переехал в 1499 году. Именно там искусство Браманте приобрело классическую чистоту, монументальность, пластическое совершенство. Зодчему пришлось завершать начатый другим архитектором фасад палаццо Канчеллария. Благодаря огромной, четко расчлененной поверхности фасада с плоским рустом величественный дворец приобрел черты общественного сооружения. Безупречный по очертанию стройных арок большой красивый прямоугольный внутренний двор был целиком создан Браманте. Начало новому классическому стилю положил маленький круглый Темпьетто (храмик), воздвигнутый зодчим в 1502 году во дворе монастыря Сан Пьетро ин Монторио. В этом скромном по размерам памятнике была осуществлена идея центрического купольного сооружения.

С восшествием на папский престол Юлия II — человека энергичного, который к тому же заботился о возвеличении Папского государства, — началась пора перестройки и украшения Рима; Браманте стал главным папским архитектором. В 1505 году приступили к созданию дворцового комплекса в Ватикане. Браманте намеревался построить систему дворцовых зданий и дворов, начиная от двора Сан Дамазо до Бельведера, который служил для турниров, шествий, праздничных зрелищ. Но при жизни архитектора это колоссальное сооружение не было полностью возведено; ныне двор расчленен возведенными позднее зданиями. Браманте стал первым архитектором собора Святого Петра, который было решено построить на месте обветшавшей базилики. В этом здании, призванном своим великолепием затмить все памятники древнего Рима, должна была получить самое совершенное воплощение идея центрально-купольного храма. Замысел архитектора обладал поистине имперским величием. План сооружения представлял собой греческий крест, вписанный в квадрат с огромным полусферическим куполом над средокрестием, четырьмя малыми куполами и высокими башнями по углам. Все четыре фасада должны были быть одинаковыми, с преобладанием строго классических форм.

Браманте, Донато Античный воин Около 1477 127 x 285 см Фреска Милан. Пинакотека Брера Браманте, Донато Вид на винтовую лестницу Бельведера Ватикан Браманте, Донато Внутренний двор церкви Санта Мария делла Паче Закончен 1504 Рим Браманте, Донато Гераклит и Демокрит 1477 Перенесена на холст Милан. Пинакотека Брера Браманте, Донато Палаццо Каприни (Дом Рафаэля) Начата около 1501 Рим Браманте, Донато План Темпьетто и окружающего его двора Рим Браманте, Антонио; Капрарола, Кола ди Санта Мария делла Консолационе 1508 Тоди Браманте, Донато Санта Мария делле Грацие. Интерьер Милан. Санта Мария делле Грацие Браманте, Донато Санта Мария делле Грацие Начата около 1492 Милан Браманте, Донато Св. Христофор Вторая половина 15 века 308 х 190 мм Серебряный штифт и подсветка белым на подготовленной бумаге, разметка на квадраты Копенгаген. Государственный художественный музей, Королевское собрание графики Браманте, Донато; Микеланджело Буонаротти; Фонтана, Доменико и Джакомо делла Порте Собор Святого Петра. Интерьер 1452-1626 Ватикан Браманте, Донато; Микеланджело Буонаротти; Фонтана, Доменико и Джакомо делла Порте Собор Святого Петра 1452-1626 Ватикан Браманте, Донато Темпьетто Сан Пьетро ин Монторио 1502 Рим

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ

В истории человечества нелегко найти столь же гениальную личность, как Леонардо да Винчи (1452 — 1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника и ученого стал ясен только тогда, когда были проанализированы разрозненные документы его наследия. Несмотря на многочисленные исследования, посвященные различным сторонам деятельности Леонардо, многое в его творчестве остается загадочным и продолжает волновать умы людей.

Вскоре после переезда из Флоренции в Милан Леонардо пишет «Мадонну в скалах», где использует очень необычный сюжет поклонения младенца Иоанна младенцу Христу в присутствии Богоматери и ангела. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость. Итальянцы этот прием Леонардо называли «сфумато». В Милане, по-видимому, мастер создал и полотно «Мадонна с Младенцем» («Мадонна Литта»). Здесь он стремился к большей обобщенности и идеальности образа. Изображен не определенный момент, а некое длительное состояние спокойной радости, в которое погружена прекрасная молодая женщина, кормящая грудью ребенка. Иной, драматический настрой отличает монументальную роспись Леонардо «Тайная вечеря», исполненную им в 1495 — 1497 годах для трапезной церкви Санта Мария делла Грацие в Милане. Неудовлетворенный ограниченными возможностями традиционной техники фресковой живописи, Леонардо в виде эксперимента использовал в этой работе смесь масла и темперы, которая плохо держалась на поверхности стены. Поэтому еще при жизни мастера краски начали осыпаться. Но и сейчас еще можно судить о сильнейшем впечатлении, которое она некогда производила на зрителей. Фреска огромна — 4,6 на 8,8 м, занимает всю торцевую стену трапезной. Поражает в первую очередь ее строгая уравновешенность. Архитектура играет роль фона, подчиненного расположению фигур — прием, обратный тому, что было принято в эпоху раннего Возрождения. Очевидно, художник хотел придать всей сцене компактность, причем не только внешнюю, но и внутреннюю, для чего разделил композицию на несколько уровней значения. Изображена драматическая кульминация трапезы, когда Христос произнес роковые слова: «Один из вас предаст меня». На эти слова каждый из апостолов реагирует по-своему, проявляя свой характер, свое собственное отношение к Спасителю. Изображенные на фреске апостолы подтверждают слова Леонардо — наивысшая и наиболее трудная задача живописца заключается в изображении «намерения человеческой души» с помощью жестов, движений рук и ног.

Когда в 1499 году Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началась пора его скитаний. Некоторое время он работал во Флоренции. Там творчество художника словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо (около 1503). Изысканное сфумато доведено здесь до предельного совершенства. Формы смоделированы последовательным нанесением прозрачных красочных слоев, благодаря чему возникает эффект внутреннего свечения картины. Но в большей степени зрителя завораживает обаяние модели. Художник в этой работе вновь создает гармонию двух противоположных начал — идеализированного образа и портрета реальной женщины.

Нельзя себе представить, что Леонардо да Винчи мог жить и творить в другую эпоху. И, тем не менее, его личность выходила за ее пределы. О масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера, наброски, схемы, неразрывно связанные не только с рукописями, посвященными точным наукам, но и с работами по теории искусства. В знаменитом «Трактате о живописи» (1498) и других его записях большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Много места отдано проблемам передачи светотени, объемной моделировке, линейной и воздушной перспективе.

Леонардо да Винчи Автопортрет Около 1512 333 х 214 мм Сангина на бумаге Турин. Королевская библиотека Леонардо да Винчи Анатомический рисунок черепа Около 1490 19 x 13,7 см Сангина, перо, по наброску черным мелом Из собрания Ее величества королевы Елизаветы II Леонардо да Винчи Воин в античном доспехе, в профиль Около 1478 282 х 200 мм Серебряный штифт на желтовато-белой бумаге Лондон. Британский музей, Отдел гравюры и рисунка Леонардо да Винчи Голова молодой женщины Около 1486 145 х 197 мм Серебряный штифт на грунтованной синим тоном бумаге Виндзорский замок. Королевская библиотека Леонардо да Винчи Голова Христа в терновом венце Около 1500 92 х 116 мм Серебряный штифт на бумаге Венеция. Галерея Академии Леонардо да Винчи Дама с горностаем (Чечилия Галлерани) Около 1484 54 x 40 см Холст, масло Краков. Национальный музей Леонардо да Винчи Канон пропорций мужской фигуры по Витрувию 34,4 x 24,5 см Тушь Венеция. Галерея Академии Леонардо да Винчи Крещение Христа Около 1472-1475 177 x 151 см Дерево, масло Флоренция. Галерея Уффици Написана совместно с Андреа Вероккьо Леонардо да Винчи Мадонна Бенуа Около 1478 49,5 x 31,5 см Дерево, масло Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж Леонардо да Винчи Мадонна в скалах. Мадонна с Младенцем Иисусом, младенцем Иоанном Крестителем и ангелом Около 1483-1486 198 x 123 см Холст Париж. Лувр Леонардо да Винчи Мадонна в скалах 1503-1506 189,5 x 120 см Дерево, масло Лондон. Национальная галерея Первоначально центральная часть триптиха, см. также парижскую версию Леонардо да Винчи Мадонна Литта Около 1490 42 x 33 см Дерево, темпера Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж Леонардо да Винчи Мадонна с гвоздикой 1478 42 x 67 см Дерево, масло Мюнхен. Старая Пинакотека Леонардо да Винчи Мадонна с младенцем и Св. Анной Около 1510 168 x 112 см Дерево, масло Париж. Лувр Леонардо да Винчи Мона Лиза (Джоконда) 1503-1505 77 x 53 см Дерево, масло Париж. Лувр Леонардо да Винчи Пейзаж долины Арно 1473 193 х 285 мм Перо коричневым тоном, на бумаге Флоренция. Галерея Уффици, Кабинет рисунков и гравюр Леонардо да Винчи Поклонение волхвов Около 1482 246 x 243 см Дерево Флоренция. Галерея Уффици Леонардо да Винчи Портрет дамы (Беатриче д’Эсте?) Около 1490 51 x 34 см Дерево, масло Милан. Пинакотека Амброзиана Авторство Леонардо оспаривается Леонардо да Винчи Портрет музыканта Около 1490 40,6 x 30,1 см Холст, масло Милан. Библиотека Амброзиана Леонардо да Винчи Св. Иероним Около 1480 103 x 75 см Дерево Рим. Ватиканская пинакотека Незавершенная картина Леонардо да Винчи Тайная вечеря 1495-1497 420 x 910 см Фреска (масляная темпера) Милан. Трапезная монастыря Санта Мария делле Грацие

РАФАЭЛЬ

С творчеством Рафаэля Санти (1483 — 1520) в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии, это был художник, открытый миру (в противоположность гению-одиночке Микеланджело). Гений Рафаэля обладал необыкновенной способностью к синтезу, что позволило ему, объединив достижения Леонардо и Микеланджело, создать искусство, проникнутое одновременно лиризмом и драматизмом, поражающее богатством использованных живописных средств и скульптурной моделировкой форм. Настроение душевной чистоты, еще несколько наивное в одной из его первых небольших картин — «Мадонна Конестабиле» (1502 — 1503), — приобрело возвышенный характер в лучшем произведении раннего периода Рафаэля — «Обручение Марии» (1504). Происходящая на фоне чудесной архитектуры сцена обручения Марии и Иосифа представляет собой образ высокой красоты. Выразительны, певучи, метки и пластичны их движения, позы и жесты героев, например, сближающиеся руки Марии и Иосифа. Успехи Рафаэля были настолько значительны, что в 1508 году его пригласили к папскому двору в Рим. Художник получил заказ на роспись парадных апартаментов Папы, так называемых станц (комнат) в Ватиканском дворце. Росписи ватиканских станц (1509 — 1517) принесли Рафаэлю славу, выдвинули его в ведущие мастера не только Рима, но и всей Италии.

В первой из комнат, Станце делла Сеньятура, по-видимому, находилась папская библиотека, и в своих росписях, покрывающих стены и потолок, художник представил четыре области духовной деятельности человека: богословие, философию, юриспруденцию и поэзию. Из этих фресок «Афинская школа» долгое время считалась шедевром Рафаэля. На ней изображена философская школа города Афины: Платон и Аристотель стоят в окружении известных греческих философов, каждому из которых придана своя поза. Тело и дух, действие и чувство приведены здесь в полную гармонию, каждому персонажу отведена его собственная роль. В целом по своему духу фреска тяготеет к «Тайной вечере» Леонардо.

Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Здесь ярко проявилось его безупречное, легкое, свободное чувство линии. Значительный вклад он внес и в архитектуру. Само имя Рафаэля в дальнейшем стало олицетворением идеального, наделенного божественным даром художника.

Рафаэль Санти Обручение Девы Марии. 1504 Lo sposalizio della Vergine Дерево, масло. 174 × 121 см Брера, Милан Рафаэль Санти Станца делла Сеньятура в Ватикане. Настенная фреска. Диспут (прославление таинства евхаристии), фрагмент. Архитектор Браманте (с книгой), Франческо Мария делла Ровере (стоит на переднем плане) 1509 Фреска Рим. Ватикан, Станца делла Сеньятура Заказчик: папа Юлий II Рафаэль Санти Станца [11] делла Сеньятура в Ватикане. Настенная фреска. Афинская школа 1509-1510 500 x 700 см Фреска Рим. Ватикан, Станца делла Сеньятура Заказчик: папа Юлий II, станца изначально была комнатой, где папа заверял документы подписью, затем библиотекой, позднее залом церковного трибунала Рафаэль Санти Два обнаженных мужчины 41 x 28,1 см Сангина, по наброску карандашом, на белой бумаге Вена. Собрание графики Альбертина Рафаэль Санти Мадонна в зелени. Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем 1506 113 x 88 см Дерево, масло Вена. Музей истории искусства Заказчик: Таддео Таддеи Рафаэль Санти Мадонна Грандука. Мадонна с Младенцем 1504 84 x 55 см Дерево, масло Флоренция. Палаццо Питти Рафаэль Санти Мадонна Конестабиле. Мадонна с Младенцем 1504 Диаметр: 17,9 см Дерево, масло, перенесена на холст Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж Рафаэль Санти Станца [03] делла Сеньятура в Ватикане. Настенная фреска. Диспут (прославление таинства евхаристии) 1509 500 x 770 см Фреска Рим. Ватикан, Станца делла Сеньятура Заказчик: папа Юлий II Рафаэль Санти Несение креста Около 1516 318 x 229 см Холст, масло Мадрид. Прадо Первоначально алтарая картина для Санта Мария делло Спазимо в Палермо, написана совместно с учениками Рафаэля Рафаэль Санти Станца [25] делла Сеньятура в Ватикане. Настенная фреска. Парнас 1510-1511 Основание около 670 см Фреска Рим. Ватикан, Станца делла Сеньятура Заказчик: папа Юлий II, станца изначально была комнатой, где папа заверял документы подписью, затем библиотекой, позднее залом церковного трибунала Рафаэль Санти Портрет молодого человека Около 1504 54 x 39 см Дерево, масло Будапешт. Венгерский музей изобразительных искусств Рафаэль Санти. Преображение Христа. Около 1518 Рафаэль Санти. Святое семейство с агнцем. 1507 Рафаэль Санти. Сикстинская Мадонна. Мадонна с младенцем, папа Сикст II и св. Барбара. 1513-1514 Рафаэль Санти. Три грации. 1504-1505 Рафаэль Санти. Станца делла Сеньятура в Ватикане. Фреска в плафоне (фрагмент). Адам и Ева. 1508 Рафаэль Санти. Станца делла Сеньятура в Ватикане. Фреска в плафоне (фрагмент). Юстиция. 1508

МИКЕЛАНДЖЕЛО

Представление о гениальности как о божественном вдохновении, о сверхчеловеческой способности, дарованной нескольким избранным личностям и через них себя проявляющей, наиболее полно иллюстрируется жизнью и творчеством Микеланджело Буонарроти (1475 — 1564). Он был убежден, что создание образа человека является наивысшим средством самовыражения, и в этом он ближе к античной скульптуре, чем другие ренессансные художники. Его самое известное произведение первого римского периода — «Пьета» («Оплакивание Христа», созданное в 1498 — 1501 годах) в капелле собора Святого Петра. На коленях Марии распростерто безжизненное тело Христа. Горе матери светло и возвышенно, лишь в жесте левой руки словно выплескивается наружу душевное страдание. Вернувшись во Флоренцию в 1501 году, Микеланджело принялся за исполнение монументальной мраморной статуи Давида (1501 — 1504). Статуя достигает пяти с половиной метров высоты. Не изображая головы поверженного Голиафа, скульптор сумел создать образ не героя-победителя, но защитника города. В статуе спокойствие сочетается с внутренней напряженностью, она выражает столь характерное для Микеланджело «действие в покое».

Микеланджело считал себя скульптором, что, однако, не помешало ему быть великим живописцем и архитектором. Самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения — роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненная в 1508 — 1512 годах. Плафон представляет собой грандиозный ансамбль, включающий сотни фигур, ритмично размещенных в отведенных им полях, на которые художник расчленил свод капеллы. Роспись потолка поражает внутренним единством гигантской композиции.

Микеланджело Буонаротти Битва кентавров Около 1490-1492 80,5 x 88 см Мрамор Флоренция. Дом Буонаротти Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения [09]. Бог-творец в окружении четырех мужских фигур 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Брут 1540 Флоренция. Национальный музей Барджелло Микеланджело Буонаротти Вакх Около 1535 Флоренция. Национальный музей Барджелло Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения. Господь сотворяет Адама 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения. Грехопадение и Изгнание из рая 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Гробница Джулиано, герцога Немурского 1520 Флоренция Микеланджело Буонаротти Гробница папы Юлия II 1542-1545 Мрамор Рим. Сан Пьетро ин Винколи Микеланджело Буонаротти Давид 1501-1504 Высота: 434 см Мрамор Флоренция. Галерея Академии Микеланджело Буонаротти Давид-Аполлон 1530 Флоренция. Национальный музей Барджелло Микеланджело Буонаротти Мадонна с младенцем между Св. Козмой и Дамианом Флоренция Микеланджело Буонаротти Мадонна у лестницы Около 1490 55,5 x 40 см Мрамор Флоренция. Дом Буонаротти Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, сцена в люнете. Медный змий 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Моисей 1513-1516 Высота: 235 см Мрамор Рим. Сан Пьетро ин Винколи Микеланджело Буонаротти Обнаженный юноша 390 x 190 см Фреска Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения [04]. Отделение света от тьмы 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Площадь Капитолия Рим Микеланджело Буонаротти Победа Около 1520-1525 Высота: 261 см Мрамор Флоренция. Палаццо Веккио Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, сцена в люнете. Повешение Амана на дереве 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Положение во гроб Около 1510 161 x 149 см Дерево, масло Лондон. Национальная галерея Микеланджело Буонаротти Порта Пиа Начата 1562 Рим Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, сцена в люнете. Пророк Даниил 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, сцена в люнете. Пророк Иеремия 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Пьета Около 1547-1555 Высота: 226 см Мрамор Флоренция. Музей собора Микеланджело Буонаротти Пьета Ронданини 1552/1553-1564 Высота: 195 см Мрамор Милан. Городской музей и пинакотека Кастелло Сфорцеско Микеланджело Буонаротти Пьета 1497-1499 Высота: 174 см Мрамор Рим. Собор Святого Петра Микеланджело Буонаротти Раб 1532-1534 Флоренция Микеланджело Буонаротти Распятие Св. Петра. Капелла Паолина Ватикан Микеланджело Буонаротти Распятие Св. Петра 1545-1550 625 x 661 см Фреска Рим. Капелла Паолина Микеланджело Буонаротти Речной бог на лестнице палаццо Сенаторов Рим Микеланджело Буонаротти Сан Лоренцо. Новая сакристия 1519-1527 Флоренция Микеланджело Буонаротти Святое семейство 1504-1505 Диаметр: 120 см Дерево, масло Флоренция. Галерея Уффици Микеланджело Буонаротти Страшный суд 1534-1541 17 x 13,3 см Фреска Рим. Сикстинская капелла Микеланджело Буонаротти Умирающий раб Около 1513-1516 Высота: 229 см Мрамор Париж. Лувр Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения (фрагмент с центральными сценами). Жертвоприношение Ноя, Грехопадение и Изгнание из рая, Допрос и Проклятие Адама и Евы 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, общий вид 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, сцена в люнете. Эритрейская сивилла 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II

ДЖОРДЖОНЕ

Наивысшего расцвета в 16 веке достигла венецианская живопись с ее богатыми традициями, созданными мастерами предшествующего столетия. Джордже Барбарелли да Кастельфранко, прозванный Джорджоне (1476 или 1477 — 1510) сформировался в среде венецианских гуманистов. Он писал картины для ценителей искусства и частных коллекций, однако его крупные работы, выполненные по заказам, не сохранились. Известно лишь несколько картин мастера, написанных маслом. Джорджоне — художник тонкой поэзии, глубокого лирического чувства, скрытых переживаний. В его картинах нет ни сюжета, ни активного действия. Но его творчество полно пленительной красоты, сохраняет вечную волнующую привлекательность. Главную роль в его живописи играет колорит с многообразием тонов и их мягкими переливами. Одна из ранних работ Джорджоне — «Юдифь» (около 1502) — посвящена подвигу библейской героини Юдифи, спасшей родной город от нашествия ассирийцев. Прекрасная кроткая Юдифь олицетворяет в картине высшую справедливость.

Герои Джорджоне чаще всего пребывают в раздумье, погружены в созерцание собственного внутреннего мира. Знаменитая картина «Гроза» (около 1505) полна таинственной поэтичности, которой подчинены не столько люди, сколько сама природа, напряженно застывшая в ожидании грозы. Впервые в истории живописи пейзаж играет столь важную роль в картине, как бы отражая душевное состояние героев. В 1507 — 1508 годах Джорджоне создал картину «Спящая Венера» — самый прекрасный женский образ в искусстве Высокого Возрождения. В расцвете творческих сил он умер от чумы, не успев завершить свою великую картину, и пейзаж в ней дописывал Тициан.

Джорджоне Автопортрет (?) Около 1500-1510 52 x 43 см Холст Брауншвейг. Музей герцога Антона-Ульриха Вероятно, автопортрет в облике Давида; возможно, картина первоначально изображала Давида и Голиафа, но нижняя ее часть с головой Голиафа была отрезана Джорджоне Лаура (портрет молодой женщины) Около 1506 41 x 33,6 см Холст, наклеенный на дерево Вена. Музей истории искусства Джорджоне Мадонна с младенцем на фоне пейзажа 1500-1510 44 x 36,5 см Дерево, масло Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж Джорджоне Поклонение волхвов 1500-1510 29 x 81 см Дерево Лондон. Национальная галерея Джорджоне Поклонение пастухов Около 1500-1510 91 x 111 см Дерево Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея Джорджоне Сельский концерт 1500-1510 110 x 138 см Холст Париж. Лувр С равной достоверностью приписывается Джорджоне и Тициану Вичелио Джорджоне Спящая Венера Около 1510 108 x 175 см Холст, масло Дрезден. Картинная галерея Джорджоне Три возраста жизни Около 1500-1510 62 x 77 см Дерево Флоренция. Палаццо Питти Атрибуция спорна Джорджоне Три философа Около 1503-1504 123,5 x 144,5 см Холст Вена. Музей истории искусства Джорджоне Читающая мадонна Около 1500-1510 76 x 60 см Дерево Оксфорд. Музей Эшмолеан На заднем плане площадь св. Марка в Венеции Джорджоне Юдифь Около 1505 144 x 66,5 см Дерево Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж Джорджоне Гроза Около 1507-1508 82 x 73 см Холст Венеция. Галерея Академии

ТИЦИАН

В отличие от рано ушедшего из жизни Джорджоне, Тициан Вечеллио прожил почти столетие (1476 или 1477 — 1576). Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Он был одним из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и парадного. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на ее развитие в 17 столетии. Художника привлекали образы пышной женской красоты, как, например, в самой известной его картине раннего периода «Любовь небесная и земная» (1515 — 1516). Полотно «Вакханалия«, написанное около 1518 года, является откровенно языческим по духу и было вдохновлено встреченным у античного автора описанием подобного празднества. Пейзаж, колорит которого построен на контрасте холодных и теплых тонов, обладает поэтичностью, присущей «Грозе» Джорджоне, но фигуры персонажей трактованы иначе. Энергичные, сильные и жизнерадостные, они движутся с полной раскованностью. Персонажи идеализированы настолько, чтобы убедить в своей принадлежности к ушедшим временам.

В последний период творчества, начиная с 1550-х годов, Тициана волновала трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий. В этот период он пишет картину «Бичевание Христа«, где освещенные во мраке пламенем факелов фигуры палачей, полных бессмысленной ярости, противопоставлены нравственной силе Христа. В картине «Святой Себастьян» герой, пронзенный стрелами, но не сломленный, словно возникает из хаоса Вселенной. Окружающий его мир охвачен грозным движением; колорит теряет яркость красок, становится почти монохромным, широкие свободные мазки сглаживают четкость очертаний, и живописная поверхность как будто вибрирует. Последняя большая алтарная картина Тициана — «Оплакивание Христа» (1573 — 1576). В сумеречном свете, на фоне грязной каменной ниши, группа близких застыла у тела Христа в безмолвной скорби. С криком отчаяния выбегает навстречу зрителю рыжеволосая Магдалина, жестом стремительно поднятой руки она словно призывает весь мир разделить безмерное горе.

Тициан пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера принадлежит скорее уже позднему Возрождению. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами и гибнущий, сохраняет свое величие.

Тициан Вечелио Кающаяся Мария Магдалина Около 1565 119 x 98 см Холст, масло Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж «Любовь земная и Любовь небесная» (1514) Тициан Вечелио Автопортрет Около 1562 96 x 75 см Холст, масло Берлин. Картинная галерея Бичевание Христа, 1560 Холст, масло Тициан Вечелио Благовещение Около 1564 410 x 240 см Холст, масло Венеция. Сан Сальваторе Тициан. Вакханалия. Около 1518 Тициан Вечелио Венера и Адонис 1553 186 x 207 см Холст, масло Мадрид. Прадо Заказчик: Филипп II Испанский, из цикла картин на поэтические темы для испанского короля, 1553-1562 Тициан Вечелио Венера с зеркалом Около 1555 124,5 x 105,4 см Холст, масло Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея Из наследия Тициана Вечелио Тициан Вечелио Даная 1553-1554 128 x 178 см Холст, масло Мадрид. Прадо Заказчик: Филипп II Испанский, из цикла картин на поэтические темы для испанского короля, 1553-1562 Тициан Вечелио Конный портрет императора Карла V 1548 332 x 279 см Холст, масло Мадрид. Прадо Тициан Вечелио Нимфа и пастух Около 1570 149,7 x 187 см Холст, масло Вена. Музей истории искусства Оплакивание Христа 1576 галерея Академии Венеция Тициан Вечелио Положение во гроб Около 1566 130 x 168 см Холст, масло Мадрид. Прадо Тициан Вечелио Похищение Европы 1559-1562 185 x 205 см Холст, масло Бостон (штат Массачусетс). Музей Изабеллы Стюарт Гарднер Заказчик: Филипп II Испанский Тициан Вечелио Саломея с головой Иоанна Крестителя Около 1560 87 x 80 см Холст, масло Мадрид. Прадо Святой Себастьян 1570 Эрмитаж

ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Во второй половине 16 века в Италии нарастал упадок экономики и торговли, католицизм вступил в борьбу с гуманистической культурой, искусство переживало глубокий кризис. В нем укреплялись антиклассические тенденции. Однако они почти не затронули Венецию, которая во второй половине 16 столетия стала главным очагом позднеренессансного искусства, давшей миру таких великих мастеров как Андреа Палладио, Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто.

АНДРЕА ПАЛЛАДИО

Андреа Палладио (1508 — 1580) — крупнейший ренессансный архитектор Северной Италии в эпоху позднего Возрождения. Он родился в Падуе, большое влияние на него оказали североитальянские гуманисты. Поэт Джанджорджо Триссино из Виченцы дал ему прозвище Палладио (от имени греческой богини Афины Паллады), потому что считал этого юношу способным возродить красоту и мудрость древних греков. Палладио заложил принципы зодчества, которые были развиты в архитектуре европейского классицизма 17 — 18 веков и получили название палладианства. Свои идеи он изложил в теоретическом труде «Четыре книги об архитектуре» (1570). Он считал, что произведения архитектуры должны создаваться по законам разума и в соответствии с определенными универсальными правилами. Образцом для любого зодчего остаются произведения античных строителей. Композиции Палладио исполнены естественности, покоя, завершенности, строгой упорядоченности; ясна и целесообразна планировка зданий, связанных с окружающей средой. Постройки Палладио украсили Виченцу, Венецию и прилегающие к ним загородные местности. Архитектура вилл, построенных Палладио, необычайно разнообразна. Но их объединяют общие принципы, отвечающие требованиям удобства, чувству меры, симметрии и свободы композиции, гармонично связанной с окружающей природой. Самая знаменитая вилла «Ротонда» (1551 — 15б7) близ Виченцы стоит на открытой местности на холме. Она представляет собой кубический объем, увенчанный куполом, с одинаковыми портиками в виде фронтонов античных храмов со всех четырех сторон. При этом портики виллы прекрасно гармонируют со стеной позади них и являются неотъемлемой частью всего сооружения, придавая конструкции ощущение спокойного достоинства и праздничного изящества. Блестяще найденное Палладио композиционное и пластическое решение «Ротонды» послужило в будущем прообразом для многих храмов и мавзолеев.

Палладио, Андреа Анфилада комнат на вилле Барбаро 1560-1570 Мазер Палладио, Андреа Вилла Барбаро 1560-1570 Мазер А. Палладио. Вилла Альмерико-Вальмарана («Ла Ротонда» или «Капра») в Виченце. 1551—1567, достроена Винченцо Скамоцци. Фасад. Палладио, Андреа Вилла Фоскари (Малконтента) 1559-1560 Под Венецией Палладио, Андреа Интерьер Театра Олимпико 1580-1583 Виченца Палладио, Андреа Интерьер церкви Иль Реденторе 1577-1592 Венеция Палладио, Андреа Лоджиа дель Капитано Виченца Палладио, Андреа Палаццо Вальмарана 1566-1582 Виченца Палладио, Андреа Палаццо делла Раджионе 1549-1617 Виченца Палладио, Андреа Палаццо Кьерикати Начат 1551 Виченца Палладио, Андреа Фасад церкви Иль Реденторе 1577-1592 Венеция Палладио, Андреа Фасад церкви Сан Дзакария 1458-1534 Венеция Палладио, Андреа Фронтиспис первого издания «Четыре книги об архитектуре» 1570 Венеция Палладио, Андреа Центральный купол виллы Ротонда 1551-1567 Под Виченцой Палладио, Андреа Церковь Сан Джорджо Маджоре Начата около 1566 Венеция

ПАОЛО ВЕРОНЕЗЕ

Праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения наиболее ярко проявился в живописи Паоло Веронезе (1528 — 1588). В 1558 году художник получил приглашение принять участие в украшении Дворца дожей в Венеции, где он создал великолепные декоративные ансамбли настенных и плафонных росписей со множеством персонажей и занимательных деталей. Блестящий мастер колорита, Веронезе использовал насыщенные звучные цвета и тончайшие оттенки, объединенные общим серебристым тоном. Одна из лучших работ молодого Веронезе — росписи потолка церкви Сан Себастьяно в Венеции (1556 — 1557), посвященные истории библейской героини Эсфири. Мастер использовал эффект «прорыва» потолка, в результате чего перед зрителями «открывалось» голубое небо. Фигуры были изображены в головокружительных ракурсах.

В годы творческого расцвета Веронезе украсил росписями виллу Барбаро Вольпе в Мазере (15б0 — 15б1), построенную Андреа Палладио. Эти фрески стали одним из крупнейших достижений монументально-декоративной живописи. Центральное место в станковой живописи Паоло Веронезе занимают его знаменитые монументальные холсты на евангельские сюжеты. Эти произведения известны под общим названием «Пиры Веронезе» К ним относятся, в частности, картины «Брак в Кане» (1563) и «Пир в доме Левия» (1573).

Веронезе, Паоло Брак в Кане 1563 669 x 990 см Холст Париж. Лувр Веронезе, Паоло Венера и Адонис 1580 212 x 191 см Холст, масло Мадрид. Прадо Веронезе, Паоло Венера и Марс Около 1580 206 x 161 см Холст Нью-Йорк. Музей Метрополитен Веронезе, Паоло Голгофа Вторая треть 16 века 102 x 102 см Холст, масло Париж. Лувр Веронезе, Паоло Дворец Дожей. Роспись плафона До 1585 Венеция. Дворец Дожей Веронезе, Паоло Измена Около 1565 191 x 191 см Холст, масло Лондон. Национальная галерея Веронезе, Паоло Купание Вирсавии Вторая треть 16 века Холст, масло Лион. Музей изящных искусств Веронезе, Паоло Купание Сусанны Вторая треть 16 века 198 x 198 см Холст, масло Париж. Лувр Веронезе, Паоло Марс и Венера Вторая треть 16 века 163 x 125 см Холст, масло Эдинбург. Национальная галерея Шотландии Веронезе, Паоло Мистическое обручение св. Екатерины Вторая треть 16 века Холст, масло Монпелье. Музей Фабр Веронезе, Паоло Нахождение Моисея Вторая треть 16 века 178 x 277 см Холст, масло Дрезден. Картинная галерея Веронезе, Паоло Noli me tangere («Не прикасайся ко мне») Вторая треть 16 века Холст, масло Гренобль. Городской музей Веронезе, Паоло Похищение Европы Около 1580 240 x 303 см Холст Венеция. Дворец Дожей Веронезе, Паоло Проповедь Иоанна Крестителя Вторая треть 16 века 208 x 140 см Холст, масло Рим. Галерея Боргезе Веронезе, Паоло Свадьба в Кане Галилейской Вторая треть 16 века 207 x 457 см Холст, масло Дрезден. Картинная галерея Веронезе, Паоло Спасение младенца Моисея из вод Нила Вторая треть 16 века 50 x 43 см Холст, масло Мадрид. Прадо Веронезе, Паоло Трапеза в доме Левия Вторая треть 16 века 555 x 1280 см Холст, масло Венеция. Галерея Академии Веронезе, Паоло Христос в Эммаусе Вторая треть 16 века 241 x 415 см Холст, масло Париж. Лувр Веронезе, Паоло Христос и книжники 1548 236 x 430 см Холст, масло Мадрид. Прадо Веронезе, Паоло Христос и сотник из Капернаума Вторая треть 16 века 192 x 297 см Холст, масло Мадрид. Прадо

ЯКОПО ТИНТОРЕТТО

Полной противоположностью Веронезе был его современник Тинторетто (1518 — 1594). Обилие внешних художественных воздействий растворилось в неповторимой творческой индивидуальности этого последнего из великих мастеров итальянского Возрождения. Вслед за поздним Микеланджело и Тицианом Тинторетто проложил новые пути в искусстве. Он острее и глубже, чем большинство его современников, ощущал трагизм своего времени. Мастер восстал против сложившихся в изобразительном искусстве традиций — соблюдения симметрии, строгого равновесия, статичности, расширил границы пространства, насытил его динамикой, драматичным действием, стал ярче выражать человеческие чувства. Славу Тинторетто принесла картина «Чудо Святого Марка» (1548). Выразительность форм и насыщенная цветовая гамма, сочетание крупных пятен красного и синего создают впечатление чуда, происходящего на глазах у смятенной толпы. Стремительно летящий вниз головой Святой Марк в развевающейся алой одежде останавливает казнь несправедливо осужденного. Реставрация последних десятилетий обнаружила во всем великолепии богатую красочную палитру мастера. В картине «Введение во храм» в церкви Санта Мария дель Орто (1555) художник выразительно и смело построил композицию по диагонали — самому динамичному приему в живописи. Тинторетто привлекали массовые сцены. Созданная им для Дворца дожей «Битва при Царе» (около 1585) занимает целую стену. В сущности, это первая подлинно историческая картина в европейской живописи. Для того чтобы передать в картине напряжение битвы, мастер использовал беспокойный ритм линий, цветовые удары, вспышки света.

Тинторетто, Якопо Битва архангела Михаила с сатаной Вторая половина 16 века 318 x 220 см Холст, масло Дрезден. Картинная галерея Тинторетто, Якопо Битва при Таро 1578-1579 270 x 422 см Холст, масло Мюнхен. Старая Пинакотека Цикл батальных полотен, заказчик: герцог Мантуанский Тинторетто, Якопо Вакх и Ариадна 1578 146 x 157 см Холст, масло Венеция. Дворец Дожей Из цикла картин для зала Антиколлегии Дворца дожей в Венеции Введение Марии во храм 1553-1555 Церковь Санта Мария дель Орто, Венеция Тинторетто, Якопо Возникновение Млечного пути Около 1575 148 x 165 см Холст, масло Лондон. Национальная галерея Заказчик: император Рудольф II Тинторетто, Якопо Даная Вторая половина 16 века Холст, масло Лион. Музей изящных искусств Тинторетто, Якопо Девы мудрые и неразумные Вторая половина 16 века Холст, масло Роттердам. Музей Бойманса-ван Бёйнингена Тинторетто, Якопо Крещение Христа Вторая половина 16 века 137 x 105 см Холст, масло Мадрид. Прадо Тинторетто, Якопо Моисей высекает воду из скалы 1577 554 x 526 см Холст, масло Венеция. Скуола Сан Рокко Тинторетто, Якопо Музицирующие женщины Вторая половина 16 века 142 x 214 см Холст, масло Дрезден. Картинная галерея Тинторетто, Якопо Нахождение Моисея Вторая половина 16 века 76,3 x 132 см Холст, масло Нью-Йорк. Музей Метрополитен Тинторетто, Якопо Рай Около 1579 143 x 362 см Холст, масло Париж. Лувр Тинторетто, Якопо Распятие 1565 518 x 1224 см Холст, масло Венеция. Скуола Сан Рокко Тинторетто, Якопо Св. Георгий и дракон Около 1560 158 x 100 см Холст, масло Лондон. Национальная галерея Тинторетто, Якопо Тайная вечеря 1592-1594 365 x 568 см Холст Венеция. Сан Джорджо Маджоре Тинторетто, Якопо Укрытие тела св. Марка 1562-1566 421 x 306 см Холст, масло Венеция. Галерея Академии Тинторетто, Якопо Цикл картин «Чудо св. Марка». Чудо св. Марка 1548 415 x 541 см Холст, масло Венеция. Галерея Академии Первоначально в Скуоле Сан Марко в Венеции Тинторетто, Якопо Юдифь и Олоферн 1550-1560 188 x 251 см Холст Мадрид. Прадо

ЭЛЬ ГРЕКО

Творчество Тинторетто завершает развитие художественной культуры Возрождения в Италии. Но нельзя не упомянуть еще одного художника, чье своеобразное творчество имело большое значение для искусства последующих эпох. Доменико Теотокопули (1541 — 1614), прозванный Эль Греко, уроженец греческого острова Крит, проведший большую часть жизни в Испании, тоже был представителем венецианской школы. Он усвоил уроки Тициана, Тинторетто, Рафаэля, Микеланджело и других мастеров, но на его творчество оказал влияние мистицизм, получивший широкое распространение именно в Испании. Это придало его работам высокую одухотворенность.

Самая впечатляющая по размерам и по силе воздействия из значительных работ Эль Греко — «Погребение графа Оргаса» (1586) в церкви Санто-Томе в Толедо. На огромном полотне прославляется добродетель и набожность усопшего вельможи, пожертвовавшего при жизни церкви большую часть своего состояния. В этом произведении художник демонстрирует высокое мастерство в передаче цвета, фактуры различных материалов; каждая деталь — облака, руки и ноги, развивающиеся одежды — участвует в вихреобразном движении. Для создания целостного образа экстатического видения художник использовал весь арсенал выразительных средств своего времени.

Образы, рожденные воображением Эль Греко, наделены некоей бестелесной одухотворенностью, и в этом их главное отличие от искусства эпохи Контрреформации в Испании с его физической убедительностью, почти осязаемостью.

Эль Греко Изгнание торгующих из храма До 1570 65 x 83 см Холст, масло Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея Эль Греко Кающаяся Мария Магдалина Около 1580 156,5 x 121 см Холст, масло Будапешт. Венгерский музей изобразительных искусств Эль Греко Несение креста 1577-1579 108 x 78 см Холст, масло Мадрид. Прадо Эль Греко Погребение графа Оргаса Около 1586 480 x 360 см Холст, масло Толедо. Сан Томе Эль Греко Портрет дворянина Около 1584-1594 46 x 43 см Холст, масло Мадрид. Прадо Эль Греко Портрет папы Пия V Около 1600-1610 Холст Париж. Частное собрание Эль Греко Распятие 1577-1579 35 x 26 см Медь, масло Милан. Частное собрание Эль Греко Св. Мартин и нищий Около 1597-1599 98 x 191 см Холст, масло Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея Эль Греко Свадьба в Кане Галилейской Около 1600 30 x 41 см Холст, масло Страсбург. Музей изящных искусств Эль Греко Святое семейство 1594-1604 107 x 69 см Холст, масло Мадрид. Прадо Эль Греко Сновидение Филиппа II Около 1580 139 x 109 см Холст, масло Мадрид. Эскориал Эль Греко Тайная вечеря 1596 43 x 52 см Дерево, масло Болонья. Национальная пинакотека Эль Греко Троица 1577 300 x 179 см Холст, масло Мадрид. Прадо Эль Греко Христос изгоняет торгующих из храма Около 1600 106 x 128 см Холст, масло Лондон. Национальная галерея Эль Греко Христос исцеляет слепого Около 1570 65,5 x 84 см Дерево, масло Дрезден. Картинная галерея

СЕВЕРНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ — нам не надо, прост для общего развития

Большинство художников 15 века, живших к северу от Альп, оставались равнодушными к итальянским формам и идеям. Но в 1500-х годах ситуация резко изменилась: в северные края хлынул поток произведений итальянского искусства. И на смену «поздней готике» постепенно пришло Северное Возрождение. Это довольно условный термин, так как характер объединяемых им художественных направлений был разнообразнее, чем в Италии в 16 веке. Различным был и характер влияния итальянских ренессансных произведений — тут были и Раннее, и Высокое, и Позднее Возрождение во всем многообразии региональных вариантов.

Матис Готхард Грюневальд (1480 — 1529) был заново открыт только в 20 столетии. Его главное произведение — Изенгеймский алтарь — уникальное для северного искусства того времени произведение. Оно поражает своей величественностью; особенно сильное впечатление остается от «Распятие». Вся композиция в целом создает ощущение единства преходящего и вечного, реального и символического.

Сильный отпечаток наложило итальянское искусство на творчество Альбрехта Дюрера (1471 — 1528). Разделяя точку зрения итальянских мастеров, что изобразительное искусство принадлежит к гуманитарным наукам, Дюрер перенял также и идеал художника как гуманного человека и ученого. Усердно пополняя свои интеллектуальные и творческие познания, он смог освоить за свою жизнь огромное множество тем и технических средств. А, будучи величайшим мастером гравюры того времени, Дюрер оказал широкое влияние на искусство 16 века через свои листы, которые получили распространение во всей Европе. Он был первым художником, неравнодушным к своему внешнему облику, чем он очень близок к духу Возрождения. Торжественная фронтальная поза и идеализация черт в автопортрете 1500 года говорят о незаурядной личности, совершенно не похожей на обычных портретируемых. В картине выразилось не столько тщеславие Дюрера, сколько та серьезность, с какой он воспринимал свою миссию художника-реформатора.
Лукас Кранах Старший (1472 — 1553) известен, прежде всего, своими портретами и восхитительно непоследовательными мифологическими сценами, в который получила воплощение особая северная трактовка идей гуманизма. Так, на картине «Суд Париса» главный герой изображен в виде немецкого рыцаря в модных доспехах, а три грации — в виде манерных, кокетливых обнаженных дам.

Для нидерландского художника Питера Брейгеля Старшего (1525 или 1530 — 1569) характерно обращение к пейзажу, крестьянской жизни и морально-аллегорическим композициям. В картине «Притча о слепых» (1568) чувствуется философское неприятие религиозного и политического фанатизма. Источник сюжета — Евангелие от Матфея (15, 12-19), но он многократно трактовался и пересказывался гуманистами как притча о человеческой глупости. Брейгелю удалось придать сюжету особенную выразительность и трагическую глубину.

* * *

Искусство Возрождения, зародившееся в Италии как сочетание гуманистических идей с поиском новых средств и форм в изобразительном искусстве, постепенно распространилось практически на территории всей Европы, в каждом ее регионе получая собственные трактовки и находки. Эта эпоха оказала огромное влияние на формирование мировоззрения и идеалов культуры Нового времени.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

Эпоха возрождения: искусство, философия и литература

Придя на смену Средним векам, Ренессанс ознаменовал новую ступень европейской культуры мирового значения. Разобрались, чем раннее Возрождение отличается от Высокого и кто стоял у истоков эпохи.

Сам термин происходит от итальянского Rinascimento (re/ri — заново; nasci — рождённый — прим. авт.). Оттого и второе, не менее распространённое название — эпоха Возрождения. Её возникновение связывают с расцветом интереса к античной культуре. 

В отличие от Средних веков Ренессанс отличался светским характером, гуманизмом и антропоцентризмом, предполагавшим человека, как средоточие Вселенной и цель всех совершающихся в мире событий.

Как позже скажет Леонардо да Винчи — «Каждый человек всегда находится в центре мира. Каждый — средоточие мира, человек всегда центр мира». Именно это качество спасёт эпоху во время кризиса. 

Становление Ренессанса ознаменовало падение Византийской империи. Бежавшие в Европу византийцы, прихватили с собой свои библиотеки и произведения искусства принадлежащие к античной культуре. Ранее неизвестная средневековой Европе информация была любезно представлена византийскими лекторами и дала толчок развитию нового движения в культуре. Как следствие, в Италии стали возникать различные центры, находившиеся вне контроля церкви. 

Точные годы становления Ренессанса определить не представляется возможным, в каждом государстве период варьировался. Общепринятым считается начало XIV века – конец XVI века. 

Проторенессанс (конец XIII века — XIV век)

Первые признаки возрождения были отмечены в Италии XIII века. Движение связано с такими именами, как Филиппо Брунеллески и Арнольфо ди Камбио, создавшими главное архитектурное достояние периода — собор Санта Мария дель Фьоре, тем самым задав образец архитектуры Возрождения. А также скульпторами . В их работах все ещё проявляется влияние античности, но уже в переработанном виде. Архитектурные строения, как правило, были определены четырехугольными формами соблюдением симметрии, основанной на модуле. Проблему соблюдения пропорции впервые осознал Брунеллески, а разрешил Альберти в своей базилике Сант-Андреа в Мантуе. 

«Вознесение Иоанна Богослова» Джотто, около 1315

Джотто ди Бондоне основал итальянскую школу живописи и стал вдохновителем Леонардо да Винчи, Рафаэля и Микеланджело. Ранние иконописи называют борьбой с византийскими традициями. Сегодня же фрески и живопись Джотто сложны для понимания обывателя.

Начало новой эпохи наступило и для музыкального искусства. Основным инструментом стал орган, который с течением времени дополнялся другими духовыми инструментами, такими как виолы или скрипки. В конце XIV века основу дополнил музыкальный инструмент с Ближнего Востока — лютня, предполагавшая прогресс в развитии аккомпанемента, а в XV веке появились клавишные. Для истории музыки огромное значение имели лирические произведения Франческо Петрарки.

В литературе это, прежде всего, Данте Алигьери — основоположник литературного итальянского языка и перевернувший современность «Божественной Комедией». Именно его считают основоположником Возрождения. В литературе всего Ренессанса лейтмотивом стали: гуманизм, реализм Возрождения и трактовка нового понимания жизни, основанная исключительно на антропоцентризме. Каждый философ отныне представляет самого себя, возрастает ценность отдельно взятого индивида.

Раннее Возрождение (начало XV — конец XV века)

Как отметил представитель раннего гуманизма Дж. Пико дела Мирандола: «Я ставлю тебя в центре мира, чтобы оттуда тебе было удобнее обозревать все, что есть в мире. Я не сделал тебя ни небесным, ни земным, ни смертным, ни бессмертным, чтобы ты сам, свободный и славный мастер, сформировал себя в образе, который ты предпочитаешь».

«Призвание Моисея» Сандро Боттичелли, 1481-82

Значение античного искусства вытесняет средневековые мотивы. Это прослеживается в работах Сандро Боттичелли, которые в сравнении с Чимабуэ имеют более духовный характер, отчётливые линии и красоту воспроизведения. 

Среди основных архитектурных творений множество палаццо — Питти, Медичи-Риккарди, Строцци — находящиеся там же, во Флоренции. Архитектура периода претерпевала изменения. Некоторые здания имели так называемый карниз — выступающий элемент отделки. Каждый этаж выполнялся в соответствии с предшествующим, а главная дверь была отмечена какими-то элементами, например, необычной облицовкой. Такой фасад можно увидеть у дворца Ручеллаи. 

Брунелесски, описавший законы линейной перспективы в живописи, открыл возможность изображения трёхмерного пространства. Наиболее известным скульптором периода с уверенностью можно назвать Донателло, некоторые из его работ до сих пор украшают Италию.

Высокое Возрождение (конец XV — первые 20 лет XVI века)

Этот период считается самым ярким в эпохе. Творцы заимствуют в античности лишь то, что отвечает их собственному стилю. Это прослеживается в работах Леонардо да Винчи — от «Моны Лизы» и различных чертежей до многочисленных изобретений. 

«Мадонна Брюгге» Микеланджело Буонарроти, 1501-04

С восхождением на папский престол Юлия II, центр итальянского искусства из Флоренции переместился в Рим. Здесь папа привлекает к работе Сансовино, Донато Браманте, Микеланджело Буонарроти и других художников. Браманте следовал классическим принципам, что и отобразилось в его палаццо делла Канчеллериа и дворце Жиро. Стиль Донато определял всю итальянскую архитектуру XVI века. К его последователям причисляют великого Рафаэля Санти, построившего дворец Пандольфини во Флоренции. 

В конце XV века, вдохновившись стилем Петрарки, Якопо Саннадзаро создаёт прозиметрический роман «Аркадия», ставший бестселлером своего времени — 60 переизданий в течение только XVI века. 

В числе великих литераторов периода и Никколо Макиавелли, продолживший философское мышление Ренессанса в «Государе»; и сатирик, публицист и ведущий итальянский автор своего времени — Пьетро Аретино. Тем временем Адриан Вилларт создаёт направление композиторского искусства — венецианскую школу. 

Позднее Возрождение (середина XVI — 1590-е годы)

Последний период — итог несколько векового стремления к совершенству, идентификации нового направления в культуре. Новые открытия в искусстве, шедевры литературы, изобретения и просвещение умов, которое не закончится вплоть до эпохи Просвещения. 

«Три эскиза обнажённых женских фигур» Франческо Пармиджанино, 1530

Кризис проявлялся, прежде всего, в искусстве. В полотнах позднего Возрождения — напряжённость, изломанность линий, неестественность поз, непринятые ранее перспективы, гаммы, композиции. Первыми работами, где стал ощущаться маньеризм (западноевропейский литературно-художественный стиль XVI — первой трети XVII века — прим. ред.) стали «Аллегория с Венерой и Амуром» Аньоло Бронзино, «Три эскиза обнажённых женских фигур» Франческо Пармиджанино и другие. 

Большинство работ того времени создавались для семейства Медичи. Усыпальница Медичи при церкви Сан-Лоренцо во Флоренции стала первой в архитектуре маньеризма. Созданная основоположником Микеланджело в XVI веке, усыпальница задала стиль для всего позднего периода. Тем временем в литературе Мишель де Монтень создавал свои «Опыты», а Джордано Бруно, один из последних представителей Возрождения, разрабатывал собственную космологию.

Северное Возрождение, как отдельная эпоха

Так именовали эпоху во Франции, Англии, Германии, Нидерландах, Испании и Португалии. До середины XV века Италия не имела воздействия на другие страны — Северное Возрождение, безусловно, связано с Итальянским, но имеет ряд отличительных черт. Например, в нём сохранялись традиции готического искусства, а античное наследие отошло на второй план. 

«Праздник венков из роз» Альбрехта Дюрера, 1506

В живописи это полотна баварца Альбрехта Дюрера или основоположника антверпенского маньеризма нидерландца Яна Госсарта. В литературе — Эразм Роттердамский, Шекспир, Мигель Сервантес де Сааведра, оставившие серьёзное наследие потомкам.

#искусство #культура #история #ликбез #Возрождение #Ренессанс #образование

Изобразительное искусство, литература и театр эпохи Возрождения

Символ эпохи Возрождения — расцвет искусства. Для человека Ренессанса искусство имело такое же всеобъемлющее значение, как для XVIII в. — философия, для XIX в. — наука, для XX в. — техника. Все социальные слои были охвачены художественными увлечениями. Образностью в искусстве окрашивались идейные искания и творчество, политика и социальная борьба, хозяйство и быт, война и дипломатия. Художественный вкус никогда еще не был уделом столь широких слоев общества и не поднимался до такой высоты, тяготея к реализму. Постепенно в борьбе и художественных противоречиях идет сложение реалистического мировоззрения в искусстве Ренессанса. Синтез науки и искусства — характерная черта ренессансной культуры. Если в готике проступали черты наивного, иллюстративного натурализма деталей, то для стиля Возрождения особенно важны рационализм и синтетический реализм. Искусство Возрождения интеллектуально, оно не столько выражает, сколько изображает, стремится к установлению объективных законов в передаче натуры, к систематическому подведению научного фундамента под художественное творчество. В сочетании чистой, отвлеченной мысли и свежести чувственного опыта и заключалась огромная сила и своеобразие искусства Возрождения.

В эпоху Ренессанса искусство стало превращаться в активное орудие познания, из анонимного умения — в персональное дарование, из ремесла, повинующегося технически — цеховым традициям, в творчество, основанное на рациональной логике законов и принципов. Перспектива, как средство для завоевания глубины, для создания пространственной иллюзии, изучение анатомической структуры человеческого тела, учение об идеально прекрасных пропорциях и перенесение их в архитектуру — все названные рационалистические приемы овладения действительностью были введены художниками Ренессанса. Принципы эстетики Возрождения — единство духовной и телесной красоты, наслаждение, искусство как красота. Мастер Возрождения — это новатор, в лице которого гармонично сочетались архитектор, инженер, художник, ученый — теоретик и изобретатель.

Принципы гуманистической этики, основанные на новом понимании природы человека, получили наиболее полное выражение в последовательно светской концепции Леона Баттиста Альберти.

В трактате «О зодчестве» Альберти с особой силой подчеркнул творческую мощь человека — устроителя мира, высшее воплощение которой он видел в архитектуре. Как и другие теоретики, он выдвигает в качестве нового понятия категорию красоты, которая не смешивается с добром, а является самодовлеющей эстетической категорией. Для Альберти прекрасно то, что соразмерно, причем обязательным критерием красоты служит сходство с природой. В этом утверждении заложено четкое противопоставление средневековым эстетическим учениям, для которых характерен тезис о воплощении идеи, стоящей над действительностью. Обращение к природе означало для ренессансных мастеров необходимость глубокого изучения ее закономерностей, накопление знаний в области перспективы, анатомии, приемов объемной моделировки. В основу учения о пропорциях был положен тезис о человеческом теле как об основной единице масштаба, исходном пункте пропорциональных построений. Это равно относилось как к зодчеству, так и к живописи, скульптуре. Здесь коренится одна из причин значительности человеческого образа, которая отличает памятники Возрождения. Большие успехи сделала анатомия, хорошее знание которой при антропоцентрическом характере художественного мышления у итальянских мастеров было абсолютно необходимо. Все теоретики XV в. единодушны в отрицательном отношении к средневековому искусству — как к византийской манере, так и к готике. Однако зодчие раннего Возрождения унаследовали от средневековых мастеров многие из приемов строительной техники. Эволюция итальянской архитектуры в XV в. протекала в сложных и противоречивых формах. Часто давала себя знать незрелость и непоследовательность в применении классической ордерной системы, в смешении античных и средневековых форм. В различных центрах страны складывались отдельные локальные направления, подчас весьма отличные друг от друга. Общая тенденция развития ренессансной архитектуры ярко проявилась в творчестве Ф. Брунеллески. В архитектуре того времени формируется новый тип здания — городского жилища (палаццо), загородной резиденции (вилла), совершенствуются различные виды общественных сооружений. Функциональность новой архитектуры гармонически связана с ее эстетическими принципами. Использование сложившейся на античной основе ордерной системы подчеркивало величественность зданий и в то же время соразмерность их человеку. В отличие от средневековой архитектуры внешний облик зданий был органически объединен с интерьером. Строгость и торжественная простота фасадов сочетаются с просторными, богато украшенными внутренними помещениями. Ренессансная архитектура, создавая среду обитания человека, не подавляла, а возвышала его, укрепляя веру в себя. Ее творцами, стали выдающиеся зодчие — Ф. Брунеллески, А. Альберти, Микелоццо ди Барталоммео. Крупнейшими зодчими были Дж. Вазари, Дж. Романо, А. Палладио. Трактаты Палладио обосновывали стиль классицизма. Классицизм в общем смысле был творческим методом Возрождения и заключался в подражании образцам, уравновешенности, гармоничности. Природа — это «образец», а античность была » школой».

Живопись и ваяние, как и зодчество вступили на путь радикального преобразования, новаторства, творческих открытий, развиваясь в светском направлении. В скульптуре переходят от готики к ренессансному стилю Донателло, Веррокьо и др. Важным завоеванием Ренессанса было вынесение свободно стоящей статуи на площадь. Быстро развивается искусство скульптурного портрета.

Живопись — ведущий вид изобразительного искусства Возрождения. Продолжателем Джотто и основоположником ренессансной живописи стал А. Мазаччо. Мазаччо сделал решающий шаг в создании собирательного образа человека, проникнутого новым, подлинно светским мироощущением, освободившегося отныне от религиозно-этического гнета средневекового сознания. В такой же мере Мазаччо продвинулся вперед в показе окружающей человека среды. Поставив своей задачей изобразить на плоскости стены объемную и реальную человеческую фигуру в трехмерном пространстве, он успешно решил проблему. По-новому была использована возможность светотени, моделирующей пластическую форму. Вводя в свои композиции пейзаж, придавая ему монументальный, обобщенно-реалистический характер, он раздвигает при его посредстве границы изображаемых сцен, сообщая им широкий пространственный характер. Мягкость и живописность светотеневых переходов, простые красочные соотношения усиливали пластическую выразительность образов. Готическая отвлеченность, свойственная предшественникам, была преодолена Мазаччо.

Процесс становления ренессансной живописи был противоречив, сочетание новых и старых принципов порождало многообразие форм и направлений (Боттичелли, Перуджино, Пинтуриккьо, Беллини). На развитие художественной культуры Высокого Возрождения огромное влияние оказали Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Джорджоне, Корреджо, Тициан, Веронезе, Тинторетто. Литература и театр Возрождения стали выразителями гуманистических идей. Для них характерно жанровое и стилевое многообразие: новеллы, эпические произведения, рыцарский роман, комедия, трагедия, публицистика, поэзия. Ф. Петрарка заложил основы новой гуманистической этики. Ее главный принцип — достижение нравственного идеала через самопознание, активная добродетель, образование, смысл которого — в широком овладении культурным опытом человечества. Необычайную популярность завоевали новелла (особенно в Италии), эпические произведения и рыцарский роман (Л. Ариосто, Ф. Рабле, М. де Сервантес), комедия и трагедия (У. Шекспир, Лоле де Вега), богатая публицистика, лирическая поэзия. Нередко в художественной форме писали даже научные трактаты. В театральных представлениях эпохи Возрождения религиозная тематика отступала на задний план, в центре внимания и здесь находился человек со всей гаммой чувств и переживаний, смело воспроизводилась реальная жизнь, звучала едкая сатира, разыгрывалась кипучая борьба страстей. Возникнув вначале как театр придворный, опиравшийся на античную драматургию, он впитал в себя затем народное начало, обогатился за счет фольклора, мистерий, карнавального творчества и постепенно сформировался как театр профессиональный. На место «ученой комедии» (появившейся в Италии в XVI в. сначала на латинском языке, а потом на языке народном) пришла комедия масок. Завоевав Италию, она распространилась затем по всей Европе. Наивысшего расцвета театральное искусство достигло в Англии и Испании. Музыкальное искусство Возрождения включало в себя музицирование как род культурной деятельности, объединение музыки и текста, нотопечатание, жанровое и инструментальное разнообразие. Наряду с церковной музыкой делает успехи и светская музыка. Совершенствовалось вокальное мастерство, в быт горожан (особенно в Италии и Нидерландах) проникает инструментальная музыка, распространяется полифония, возникает оркестровая музыка, а во Флоренции конца XVI в. зародилась опера. Качественный скачок в развитии музыкального театра связан с именем К. Монтеверди, которого считают первым композитором нового времени, создателем экспрессивного (взволнованного) стиля. Италия XVI в. знала большое разнообразие музыкальных инструментов: лиру, цитру, цимбалу, клавесин, виолу, скрипку, свирель и трубу. Изготовлением смычковых инструментов славились Амати, позже А. Страдивари.

 

 

 

 

 

Искусство эпохи Возрождения в Германии. | Искуству.ру

Самым ярким представителем искусства Германии эпохи Возрождения был
Альбрехт Дюрер. 1471 – 1528.
Живописец, рисовальщик и гравер, теоретик искусства. Особенно много и плодотворно Дюрер работал в гравюре. Он в совершенстве овладел всеми основными ее видами: ксилографией, офортом, и т.п.
Его живописные картины принесли Дюреру восторженное признание искушенных в живописи венецианцев.
Дюрер является одним из величайших портретистов в мировом искусстве и автором первого в Европе автопортрета.


Автопортрет . 1498.
Альбрехт Дюрер родился в Нюрнберге. Первоначально учился ювелирному делу у отца. Затем был отдан в мастерскую живописца. После обучения Дюрер отправляется в путешествие по городам Германии — для ознакомления с творчеством других немецких мастеров.


Обращаясь к теме конца мира, Дюрер создает графический цикл «Апокалипсис». Иллюстраций к последней книге Нового Завета — «Апокалипсису», или «Откровению Иоанна Богослова» содержат грозные и красочные пророчества о конце земного мира, на смену которому придет Царство Божие.
Четыре всадника (из цикла «Апокалипсис») . 1498
Доски для пятнадцати больших ксилографий Дюрер вырезал за несколько месяцев. В апокалиптических образах Дюрер воплотил тревогу, с которой в Европе ожидали окончания столетия.


Вершиной графического творчества Дюрера считаются так называемые «Мастерские гравюры»:
Всадник, Смерть и дьявол . 1513. Гравюра на меди. Виртуозное исполнение.
Вооруженный путник медленно едет вдоль обрывистого лесного склона. На всаднике доспехи, в руке — копье. В грозном виде воина есть какая-то нелепость, беззащитность чудака, роднящая этот персонаж с Дон-Кихотом. Поднятое забрало открывает отрешенное и суровое лицо. С рыцарем поравнялась Смерть — мертвец верхом на костлявой кляче. Наставительно кивая головой, Смерть показывает путнику песочные часы: его жизнь на исходе. Сзади плетется дьявол со свиной мордой, увенчанной причудливым гребнем.
Вероятно гравюра навеяна книгой писателя и философа Эразма Роттердамского «Руководство для воина Христова». Всадник — это христианин, следующий к Небесному граду, несмотря на искушения дьявола и неотступную близость смертного часа.


Св. Иероним . 1514.
Тема этого листа посвящена уединенному покою ученого-отшельника.
Святой Иероним Стридонский (IV—V вв.) прославился переводом Библии на латинский язык.
Дюрер изобразил Иеронима в глубине просторной кельи, заполненной спокойным, рассеянным светом, льющимся сквозь широкие окна. Любовно запечатлены все мелочи скромной, но уютной обстановки: песочные часы, сухая тыква — фляга паломника, подвешенная к потолку, туфли под скамьей… Используя традиционные атрибуты св. Иеронима, Дюрер обошелся с ними просто, по-домашнему: кардинальская шляпа висит на гвозде, а лев — спутник Иеронима, — словно огромный ласковый кот, растянулся на полу рядом с мирно дремлющей собачонкой.


Меланхолия . 1514.
Самая загадочная из «Мастерских гравюр» и одна из любимых работ самого Дюрера.
Еще античная и средневековая медицина различала четыре человеческих темперамента, из которых непредсказуемым был именно меланхолический.
Считалось, что все выдающиеся люди: поэты, законодатели, философы — меланхолики. Сам Дюрер считал себя меланхоликом, что позволяет считать эту гравюру духовным автопортретом мастера. Крылатая женщина — своеобразная муза художника — неподвижно сидит, подперев голову рукой, среди разбросанных в беспорядке инструментов и приборов. Рядом с женщиной свернулась в клубок большая собака. Это животное — один из символов меланхолического темперамента.


Дюрер создал большое количество живописных произведений.
После поездки в Италию, где он познакомился с великими мастерами Беллини и Рафаэлем, художник композицию Адам и Ева. Диптих . 1507.
Она стала плодом тщательного изучения пропорций обнаженного человеческого тела и считается образцом дюреровского идеала красоты.
И сказал Бог: «Сотворим человека по образу Нашему и по подобию Нашему, и да владычествуют они над рыбами морскими, и над птицами небесными, и над зверями, и над скотом, и над всею землею, и над всеми гадами, пресмыкающимися по земле. И сотворил Бог человека по образу Своему, по образу Божию сотворил его; мужчину и женщину сотворил их.» (Бытие, гл. 1).


Четыре апостола. Диптих . 1526.
Две картины изображают апостолов Иоанна, Петра, Павла и евангелиста Марка.
— Могучие фигуры святых с трудом вписываются в тесное пространство досок.
— Иоанн и Павел стоят ближе к зрителю, они ярко освещены, их широкие плащи (алый у Иоанна и синевато-серый у Павла) кажутся разноцветными половинками приоткрытого занавеса.
— За ними — фигуры Петра и Марка, погруженные в черноту фона, на котором выделяются высокий лоб Петра и вдохновенно горящие глаза Марка.
Картины сопровождают тщательно подобранные тексты из писаний, смысл которых — предостережение — остерегаться лжеучений.
В результате выступления Лютера в 1517 году началась Реформация. Но здравое учение протестантов сопровождалось возникновением крайностей и лжеучений.


Дюрер — один из величайших портретистов в мировом искусстве.
Портрет Якоба Муффеля . 1526.


Портрет Хиеронимуса Хольцшуэра . 1526.


Автопортрет.

Последний из крупных немецких живописцев 16 в. — Ганс Гольбейн Младший. 1497/98—1543.
Он работал, в основном, вне пределов своей родины: в Базеле (Швейцария), Милане (Италия), Лондоне (Англия).
Гольбейн много и плодотворно работал в ксилографии (в общей сложности он создал свыше 1200 печатных досок), однако в историю мировой живописи он вошел, как выдающийся портретист.


Автопортрет.


Гольбейн создает и религиозные композиции.
Мертвый Христос . 1521.
Тело Иисуса, простертое в тесном, низком, словно гроб, пространстве, написано предельно реалистично. По преданию, Хольбейн писал Христа с утопленника. Именно из-за этого беспощадного реализма картина получилась страшнее сцены Распятия.
Эту работу Гольбейна замечательно комментируют слова Ф.М. Достоевского: «Да от этой картины у иного еще вера может пропасть!». Однако следует помнить, что базельская картина — это только часть несохранившегося алтаря. Что было изображено на других его створках, неизвестно. Возможно, натуралистический мрачный образ Христа лишь оттенял светлую сцену Его Воскресения.


Гольбейн пишет многочисленные портреты бюргеров и гуманистов.
Эразм Роттердамский . 1523.


Начавшаяся Реформация вынуждает Хольбейна покинуть страну (г. Базель). В 1526 г. он едет в Лондон.
Астроном Николас Кратцер . 1528.


Один из лучших портретов этого времени.
Портрет Г. Гисце . 1532.


Гольбейн становится придворным художником короля Генриха VIII.
Портрет Генриха VIII . 1539—40.


Среди лучших – портрет французского посла в Лондоне
Портрет Ш. Моретта . Около 1534—35.


Великолепны портреты жен короля. Портрет Анны Клевской . 1539.


Особое место в художественном наследии занимают рисунки Гольбейна. Томас Элиот . 1532—33.

Что особенного в искусстве Возрождения и как отличить его от других похожих течений

Ренессанс — это авангард XV века: новые техники, торжество научного метода и редкая изобретательность. «Нож» рассказывает, как отличить настоящее искусство Возрождения от других направлений, каким образом его правильно смотреть и знанием каких деталей стоит щегольнуть перед друзьями в музее.

Когда мы говорим об итальянском Возрождении, то перед глазами встают растиражированные образы: «Рождение Венеры», псевдоантичные статуи и легион однотипных Мадонн. Но если проанализировать очень разное творчество художников XV века, времени, называемого Возрождением, то очевидно, что работ, которые можно назвать произведениями нового, ренессансного искусства, — очень мало, и формируются они вокруг идеи рационального подхода в искусстве.

Творцы «научного» Возрождения пытались отразить в своих работах фейерверк новых открытий, доступ к античным знаниям и торжество гуманизма, им было важно показать разнообразие реального мира, а не просто красиво изобразить узоры и вензеля или вылить на картину полведра золотой краски.

Мы попробуем провести границу между картинами, похожими на возрождение, и тем Возрождением, в котором наука и искусство действительно стали единым целым.

***

Точкой отсчета Возрождения можно считать начало XV века, когда итальянские художники открыли для себя центр перспективы и впервые попытались изобразить пространство таким образом, чтобы у него была единая точка схождения на линии горизонта, а предметы уменьшались по мере удаления от переднего плана.


Сначала очень немногие мастера разглядели потенциал в работе с центром перспективы, но затем поняли его главное преимущество: он прямо сообщался с миром зрителя, который теперь мог воспринимать картину как часть реального мира.


Так произведения приобретали трехмерность, а задний фон переставал напоминать декорацию.

Но даже после этого открытия многие художники не стали применять его на практике, предпочитая старые методы. Частично в этом была виновата обычная консервативность, но главной причиной были заказчики.


Клиентам из знатных семей была ближе привычная и понятная готика с золотыми красками, помпезностью и таинственностью, они ценили сложный символизм и богатые рамы.


Такая клиентура не давала художникам с новаторскими идеями развернуться в полную силу. Именно поэтому рациональные принципы не применялись повсеместно, а сосуществовали со старой доброй готикой, лишь вобрав в себя новый репертуар модных сюжетов.


Как отличить Возрождение

Период того, что принято считать Ренессансом, растянулся почти на два века, поэтому работы и стили художников были более чем разнообразными. Но мы попробуем составить небольшую шпаргалку в стиле «Моне — пятна, Мане — люди» и выделить основные признаки художников рационального искусства.

Перспектива и естественное освещение

Да, это Возрождение

Революцию в живописи начал флорентиец Томмазо Мазаччо на заре XV века. Он одним из первых внимательно подошел к изучению перспективы и расположению фигур на картине.

Мазаччо стал активно использовать точку перспективы и таким образом радикально поменял восприятие картины зрителем. На его полотнах задний фон становится трехмерным, а свет идет из одного источника, что подчеркивает естественность происходящего.



«Чудо со статиром», около 1427–1428. Источник

Несомненным авторитетом и экспериментатором периода Возрождения был Леонардо да Винчи. Его «Мадонну в скалах» можно считать вершиной применения научного метода в искусстве. Уникальная работа с источниками света выделяет руки и лица персонажей на фоне сумрачных скал. Центром перспективы здесь становится голова Мадонны.



«Мадонна в скалах», 1483–1486. Источник

В отличие от многочисленных предшественников художник старается сделать фон максимально интересным для изучения, взгляд зрителя не перестает блуждать между очертаниями отвесных скал и разнообразием флоры. Благодаря особой технике сфумато, которая позволила изобразить воздух вокруг фигур, пейзаж кажется одновременно фантазийным и реалистичным.

В других своих работах Леонардо демонстрирует результаты бесконечных упражнений в области изучения законов движения, атмосферы, поведения дыма и гидравлики.

Нет, это не Возрождение

Еще одним мастером эпохи Возрождения по умолчанию считается Сандро Боттичелли.


Однако научные методы в своих картинах он использует весьма условно.


В «Благовещении Честелло» художник работает с перспективой, но линии не сходятся в одну точку. Боттичелли не интересует игра света и тени, поэтому пейзаж за стеной не уходит в глубину картины, а смахивает на нарисованный гобелен.



«Благовещение Честелло», 1489. Источник

То же самое происходит на одной из самых известных его картин «Весна». Хотя фон на полотне вполне реалистичен, у него нет глубины и перспективы, а фигуры как бы приподняты над землей. Схожесть с гобеленом отсылает нас к готической традиции.



«Весна», 1482. Источник

Положение фигур в пространстве и пропорции

Да, это Возрождение

Иногда рациональное искусство выдают пропорции персонажей картины и их положение в пространстве.


В отличие от царившей в то время готики фигуры на полотнах Мазаччо приобретали характер, выражения их лиц резко отличались друг от друга, а пропорции соответствовали человеческим.


Кстати говоря, Мазаччо впервые придумал изображать персонажей твердо стоящими на земле; у его предшественников они обычно стояли на цыпочках или висели в пространстве.



«Святая Троица», около 1426. Источник

Рафаэль проанализировал накопленные знания предшественников и использовал их в своей работе «Мадонна в зелени», задействуя солнечный свет, природные цвета, правильные пропорции и ясность изображения. Его персонажи крепко стоят на ногах, а цвета картины яркие и насыщенные. Кроме того, в фигурах прослеживается тщательная работа с анатомией, которая позволяет персонажам картины выглядеть естественно.



«Мадонна в зелени», 1506. Источник

Нет, это не Возрождение

Если снова говорить о Боттичелли, то персонажи на его полотнах выписаны скорее в средневековой традиции. В «Мистическом Рождестве», как и в средневековых картинах, пространство поделено на зоны, в каждой из которых разворачивается определенный сюжет. Верхняя часть канонично написана на золотом фоне.

Положение фигур в пространстве нечетко, некоторые из них как будто висят в воздухе, хотя по идее должны крепко стоять на земле (обратите внимание на лошадь). Пропорции фигур тоже пострадали: Мадонна кажется гораздо выше остальных героев картины.



«Мистическое Рождество», 1500–1501. Источник

Главная героиня «Аллегории силы» тоже далека от реализма. Ее тело удлинено, маленькая голова резко контрастирует с огромными ступнями, а сама она изображена перед троном, причем довольно трудно сказать, сидит она или стоит.



«Аллегория силы», 1470. Источник

Подобно Боттичелли, многие художники того периода знали о рациональном течении в искусстве и достижениях своих коллег, но не проявляли к ним никакого интереса. Они скорее обращались к прошлому, продолжая традиции Средневековья и ностальгируя по прежним техникам. Некоторые из них изобретали собственные методы, но основные элементы всё равно брались из готики.


Яркими чертами таких полотен был золотой фон, неопределенное положение фигур в пространстве, их структурная непроработанность и «уровневая» система элементов картины, когда один сюжет располагался над другим.


Иногда художники проявляли необычайную изобретательность, которая, однако, шла вразрез с убеждениями основоположников рационального Возрождения. На картине «Св. Иоанн Креститель в пустыне» мы видим проработанный пейзаж, но он явно фантазийный, не имеющий связи с реальностью. Кроме того, он выписан неестественно вертикально, а фигура святого представлена дважды — так средневековые живописцы показывали движение персонажа.



Джованни ди Паоло, «Св. Иоанн Креститель в пустыне», 1454. Источник

Геометрия

Да, это Возрождение

Одним из важнейших принципов рационального Возрождения стал принцип геометрии, который был взят из архитектуры и применялся во всех видах искусства.

Заядлым любителем геометрии и светотени был Пьеро делла Франческа, знаменитый экспериментатор и новатор эпохи Возрождения (кстати, его работами можно вживую насладиться в Эрмитаже до 10 марта 2019 года).


Его интерес к геометрии не случаен — он увлекался математикой в целом и даже написал два трактата.


В своей поздней работе «Алтарь Монтефельтро» он первым решился изобразить Мадонну в интерьере церкви, запечатлев современную ему архитектуру. Элементы интерьера выписаны с особой тщательностью, контраст света и тени выделяет изящность деталей и симметричность помещения.

Любопытно изображение мужчины в доспехах — это непосредственный заказчик картины, герцог де Монтефельтро. Хотя он и преклоняется перед Мадонной, его фигура искусственно не уменьшена, как это бывало в готике, и не менее материальна, чем фигуры святых.

Вся композиция заключена в полукруг, подчеркивая интимность и исключительность происходящего. Особенное восхищение вызывает яйцо под потолком, поскольку оно расположено аккурат над спящим младенцем. Подобная точность потребовала немалых ухищрений и геометрических вычислений.



«Алтарь Монтефельтро», 1472. Источник

Другим знаменитым поклонником геометрии в живописи был Леонардо да Винчи. В своей незавершенной работе «Поклонение волхвов» он применяет принцип геометрической расстановки персонажей.


Ее незаконченность позволяет даже лучше понять замысел художника, поскольку Мадонна и три волхва выписаны ярче остальных фигур и позволяют нам увидеть четкий треугольник, который и становится явным центром картины. Персонажи вокруг Мадонны и волхвов образуют полукруг, что еще сильнее подчеркивает глубину пространства и трехмерность изображения.


Даже в незавершенном виде у каждого персонажа есть своя эмоция и выражение лица, что резко контрастирует с привычными готическими правилами. Наконец, каждая фигура запечатлена в определенной позе — Леонардо кропотливо изучал анатомию, поэтому смог добиться редкой в то время точности позиций человеческого тела в пространстве.



«Поклонение волхвов», 1481. Источник

Нет, это не Возрождение

Для контраста можно взглянуть на работы современника Леонардо — Нероччо де Ланди. К примеру, картина «Мадонна с младенцем и двумя святыми» разительно расходится с работами Да Винчи и Микеланджело, особенно в области геометричности.


Непропорционально длинные фигуры на этой картине не образуют завершенную композицию, они оторваны друг от друга. Младенец и Мадонна смотрят в разные стороны, словно не имеют отношения друг к другу.


Художник даже не пытается создать видимость перспективы, поэтому пол на картине резко переходит в золотой фон. Хотя эта работа написана около 1490 года, по технике исполнения и замыслу она отстает от своих современников на целое столетие.



«Мадонна с младенцем и двумя святыми», ок. 1490. Источник

***

Расцвет Возрождения пришелся на конец XV века, и именно в это время создавались самые известные произведения этого периода, хотя продлился он всего около сорока лет. Признанными мастерами Ренессанса стали Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти и Микеланджело Буонарроти.


Леонардо стремился создавать изображения без искажения пространства, задействуя знания в области оптики и аналитические наблюдения. Микеланджело сконцентрировался на особенностях анатомического строения и геометрии, а Рафаэль стал экспертом в области цвета. Все трое стремились к простоте, к отсутствию дополнительных украшений.


Период их творчества стал апогеем Возрождения, его высшей точкой, когда художники старались максимально отойти от предшествующей готики и связать искусство с наукой. Кроме того, искусства впервые начали взаимодействовать между собой: художники задействовали в своих картинах архитектурные и скульптурные приемы (идеи пространства, структуры и геометрических форм).

Как случился кризис Ренессанса

К 1509 году Леонардо, Рафаэль и Микеланджело покинули Флоренцию, оставив после себя целый пласт нового направления, которому рвались подражать художники двух школ. Главой первой школы был Фра Бартоломео, талантливый живописец. Будучи монахом, он выбирал для своих картин религиозные сюжеты, но не забывал о принципах Леонардо и Рафаэля: геометрическом расположении фигур, естественных источниках света и оптических эффектах.


Он не стремился имитировать стиль мастеров, но демонстрировал глубокое понимание принципов их работы. Его произведения отличались аккуратностью и яркими цветами.


В 1510 году Фра Бартоломео пишет «Мадонну с младенцем и Святого Иоанна», где чувствуется его крепкая связь с принципами натурализма. Он смешивает техники Рафаэля и Леонардо, но основной особенностью становятся цвета, одновременно бледные и яркие, которые как бы подсвечивают не только фигуры, но и окружающий их пейзаж. Действующие лица образуют геометрическую композицию, они прописаны уверенно и четко. Граница неба очень естественно теряется на горизонте, движения главных героев плавны, а дерево на заднем плане представляет собой удачный композиционный элемент.

Эта работу можно считать гармоничным представителем позднего Ренессанса.



«Мадонна с младенцем и Святой Иоанн», 1510. Источник

Глава другой мастерской, Андреа дель Сарто, живо интересовался техниками цветопередачи. В своей работе «Мадонна с гарпиями» он демонстрирует детальную работу с цветом и светом, благодаря которой фигуры как бы сливаются с интерьером и неразделимы визуально. Но эта картина уже напоминает бронзовый идеал, она уже не дышит и не способна вдохновлять других.



«Мадонна с гарпиями», 1517. Источник

К 1517 году Высокое Возрождение исчерпало себя и довольно быстро угасло в тех же мастерских, где оно предположительно должно было найти своих последователей.


Высокое Возрождение идеализировали, вознесли на пьедестал и стали бездумно копировать, позабыв о первоначальных принципах. Картины превратились в образцы, и места для дальнейшего развития не предвиделось.


Следующее поколение художников качнуло маятник в обратную сторону: их привлекал принцип преувеличения и дисгармонии.

Что такое маньеризм

Стоит только взглянуть на работу Россо Фьорентино «Святое семейство», которая была написана в 1520 году, чтобы понять, что время Ренессанса закончилось. Приверженность к золотым краскам, диспропорциональности персонажей и отсутствию внятного заднего фона явно напоминают о готическом каноне, но в то же время становятся элементами нового течения.



«Святое семейство», 1520. Источник

Молодые художники перешли от изучения природных явлений к намеренной искусственности. Пейзажи свелись к минимуму, фигуры вновь начали удлиняться и терять пропорции, а центр перспективы и архитектурное понятие пространства были выброшены на свалку.


Мастера, которые продвигали новое течение — маньеризм, — предлагали свой вариант развития искусства. Полотна перестали перекликаться с реальностью; зрителю предлагали разгадывать символы, а не наслаждаться правильностью геометрии или проработанностью перспективы.


Непропорциональные фигуры на картинах никак не соотносились друг с другом, свет вновь начал исходить из разных точек.


Рациональный Ренессанс — это не отдельный период, а скорее маленькая группа художников, предлагающая новый подход в искусстве, авангардисты XV века.


Новое движение требовало от художников не только таланта, но и рационального подхода и упорства, знания текущего интеллектуального дискурса и подготовки в математике и геометрии.


Вместо того чтобы бесконечно подражать картинам с яркими рамами, золотыми красками, нимбами, символами и непропорциональными фигурами, мастера принялись изучать законы природы, анатомии и пропорций, а вместо тускло освещенных помещений художники обратились к естественному свету.

Результатом их трудов стало тесное взаимодействие искусства и навыков наблюдения, восприятия, измерения, описания и оптики и в конечном счете новое рациональное и научное искусство, которое в полном смысле можно назвать искусством Ренессанса.

Оксана Калмыкова

Из: Нож

Facebook «Ножа»

Цикл лекций «Итальянское искусство эпохи Возрождения» — ПУНКТУМ


Это прошедшее мероприятие

Вы не можете на него записаться

Лекция 1. Рождение нового стиля и основатели Возрождения

Накануне эпохи Возрождения вся Европа от Англии до Сицилии, от Богемии до Каталонии, от Неаполя до Парижа говорила на одном художественном языке.

Поздняя готика, или готика интернациональная, переживала свою «осеннюю фазу». Старые мастера создавали свои живописные, скульптурные и архитектурные произведения для самых блестящих дворов Европы.

Но искусство, замкнутое в рамках поздней готики, оторванное от жизни и скрытое во дворцах, было непонятно представителям нового социального класса: купцам, банкирам, ремесленникам. Они задыхались в атмосфере церковной аскезы, смирения и желали перемен.

И эти перемены начнутся в первые десятилетия XV века во Флоренции, в городе, где на тот момент существовали все условия для развития.

Флоренция того времени была центром торговли и ремесел, здесь без конца циркулировали люди, идеи, товары и концентрировались деньги и энергия.

Очень скоро художники, скульпторы и архитекторы при поддержке банкиров, гильдий купцов и ремесленников начнут развивать новое искусство, которое позже назовут Возрождением.

И первыми станут архитектор Филиппо Брунеллески, скульптор Донателло и художник Мазаччо. Каждый из них изменит искусство кардинальным образом, все трое войдут в историю как основатели Возрождения.

Лекция 2 Мастера раннего Возрождения

Суровый профиль почтенного сеньора в красном головном уборе на фоне пейзажа — узнаваемый портрет эпохи раннего Возрождения. А точнее, часть парного портрета герцога Федерико да Монтефельтро и его супруги, герцогини Баттисты Сфорца.

Создатель этого шедевра — Пьеро делла Франческа, один из самых значительных художников раннего Возрождения. И один из самых таинственных. Он был не только превосходным живописцем, но и выдающимся математиком и философом. В своих произведениях он объединял искусство и науку. Блестящий ученый, непревзойденный колорист, создатель монументальных, объемных фигур, конструктор математически выверенного пространства в живописи, и многозначных зашифрованных сюжетов, он оставил своим потомкам немало загадок, над которыми и сегодня работают искусствоведы и историки.

Он — один из целой плеяды нового поколения художников.

Лекция «Мастера раннего Возрождения» — это истории о жизни и творчестве Беато Анжелико, Беноццо Гоццоли, Паоло Уччелло, Филиппо Липпи и многих других, без изучения которых невозможно почувствовать атмосферу эпохи и понять Микеланджело, Рафаэля и Леонардо.

Лекция 3. Микеланджело. Титан Возрождения

Ему не было и тридцати лет, когда его талант покорил всю Италию.

Римская Пьета, Флорентийский Давид и потолок Сикстинской капеллы… эти шедевры сделали Микеланджело самым известным из когда-либо живших мастеров. «Грандиозно! Невероятно! Потрясающе!» — так говорили говорят о нем и его работах современники и потомки.

Величайший скульптор, художник, архитектор, он никогда не останавливался. Тысячи рисунков, десятки проектов, тяжелый труд до глубокой старости несмотря на подорванное здоровье, вечное стремление к совершенству, — такой была жизнь Микеланджело Буонарроти, скульптора из Флоренции.

Согласно легенде, умирая, 88-летний Микеланджело произнес: «Как жаль, что я умираю теперь, когда только научился читать по слогам в своей профессии…»

Вся долгая жизнь гения с её взлетами и падениями раскроется перед вами на лекции «Микеланджело. Титан Возрождения».

Лекция 4. Божественный Рафаэль

Рафаэль Санти — принц эпохи Возрождения.

Он прожил лишь 37 лет. Тонкий, восприимчивый и яркий художник, его гению было подвластно все. Он создавал нежные образы мадонн, портреты современников, на которых величайшие люди эпохи были словно живые, монументальные фрески в Ватикане, дивные росписи во дворцах своих покровителей.

Вы узнаете, что сформировало Рафаэля, как он прожил свою яркую, но такую короткую жизнь. Мы побываем в соборах, дворцах и музеях Урбино, Перуджи, Флоренции и Рима, проследим как менялась манера художника под влиянием таких мастеров как Перуджино, Леонардо и Микеланджело.

Лекция 5. Тициан и венецианское Возрождение

Венецианское Возрождение — совершенно особенное явление, оно имеет мало общего с тем, что происходило в Риме, Флоренции и других городах Европы.

И как могло быть иначе в этом необыкновенном городе?

Город-праздник, город-мечта, резная шкатулка, словно наполненная заморскими редкостями и драгоценностями. Такому городу, безусловно, были нужны совсем другие идеи и совсем другое искусство. И для этого здесь было (и есть) все необходимое: деньги, люди, редкие товары, необычайная архитектура и безграничная любовь венецианцев к своему городу.

Мы проследим, как развивалось искусство Венеции на протяжении двух веков, как постепенно в город, утопающий в невиданной, почти византийской роскоши, проникали идеи Возрождения, как Джорджоне и Тициан будут создавать новое искусство: возвышенное, прекрасное и гармоничное. Искусство, достойное самого сказочного города Европы…

Лекция 6. Триумф флорентийской живописи 

Возрождение, Флоренция, Медичи — три слова, неразрывно связанные между собой.

В XV веке город, управляемый семьей Медичи, достиг небывалого расцвета. Флоренция была самым богатым, многолюдным и прекрасным городом не только Италии, но и всей Европы. В 1469 году наследником семьи Медичи становится 20-летний Лоренцо. Он, прозванный Великолепным, будет распоряжаться несметным богатством и править городом почти 25 лет. Это время станет Золотым веком для Флоренции.

В палаццо Медичи вечно играла музыка, звучали стихи, велись философские беседы, в которых принимали участие Лоренцо, его брат Джулиано и самые выдающиеся представители своего времени: философ Марсилио Фичино, гуманист Пико делла Мирандола, поэт Анжело Полициано, художники и скульпторы: Перуджино (будущий учитель Рафаэля), Гирландайо (будущий учитель Микеланджело), Андреа Верроккьо (учитель Леонардо), Сандро Боттичелли…

Самые выдающиеся люди своего времени верили, что человеческое могущество почти подобно божественному.

И, конечно, это породило особое искусство. Тонкое, аристократичное, верное идеалам античности, наполненное символами, музыкальное и поэтичное.

Мы «прогуляемся» по залам флорентийских палаццо, побываем в капеллах богатых и знаменитых, пройдемся по залам музеев и галерей, что хранят шедевры Перуджино, Гирландайо, Боттичелли и многих других.

Лекция 7. Возрождение в Риме и в городах центральной Италии 

Рим — великий и вечный город.

На заре Возрождения он, поверженный и разграбленный, лежал в руинах, поросших сорной травой. Грязь, болезни, нищета и запустение, — таким Рим предстал перед Папой Мартином V, решившим вернуться после семидесяти лет авиньонского пленения.

И начинается программа возрождения Вечного города. В Рим по приглашению Папы приезжают лучшие художники со всей Италии. Они привозят с собой свое искусство, именно оно вновь сделает Рим великим городом и центром христианского мира.

Вы узнаете о том, какие секреты и драгоценности хранятся в церквях Рима, о тайных капеллах Ватикана, о любимых художниках папы Борджиа, об основании ватиканских музеев, о строительстве и росписи Сикстинской капеллы: от закладки первого камня до того дня, когда Микеланджело распахнул двери, явив миру грандиозные фрески, о римском периоде Рафаэля…и о многом другом!

Лекция 8. Искусство Леонардо

Леонардо да Винчи — ученый, художник, архитектор, философ, инженер, выдающийся мыслитель, опередивший свое время. Наряду с Рафаэлем и Микеланджело он по праву входит в число титанов Высокого Возрождения. В каждой области Леонардо достигал ошеломительных результатов.

На лекции, посвященной гению Леонардо, вы узнаете о его жизненном пути; о том, чему научился будущий мастер в мастерской Андрея дель Верроккьо и как превзошел своего учителя; о том, с какими картинами он не мог расстаться на протяжении всей жизни; о том, как попали в Россию его мадонны Бенуа и Литта, о многочисленных научных и художественных экспериментах Леонардо; о том, как лучшие реставраторы спасают «Тайную вечерю»… и о многом другом.

Лектор — Махмудова Рена — автор лекций об искусстве, истории и культуре Италии.
В 2005 году окончила Международный институт Рекламы (г. Москва) по специальности «Маркетинг». В настоящее время живет в Риме и получает второе высшее образование в области истории искусств в университете Roma Tre. «Каждый день я изучаю Италию, ее культуру, традиции, людей. Чем больше я проникаюсь атмосферой этой страны, тем яснее ощущаю гармонию внутри себя. И меня переполняют истории, которые требуют лишь одного: быть рассказанными. Я убеждена, лучший способ открыть новые горизонты, — это поделиться тем, что знаешь и чувствуешь с другими. И я буду рада, если Италия, какой ее вижу я, покажется близкой и вам!»

Стоимость — 400р.

или записаться и оплатить на месте


Искусство эпохи Возрождения — Renaissance art

Изобразительное искусство эпохи европейского Возрождения

Искусство эпохи Возрождения — это живопись, скульптура и декоративное искусство периода европейской истории, известного как Ренессанс , который возник как отдельный стиль в Италии примерно в 1400 году нашей эры, параллельно с развитием философии , литературы , музыки , науки и техники. . Искусство эпохи Возрождения взяло за основу искусство классической античности , которое воспринималось как благороднейшая из древних традиций, но трансформировало эту традицию, впитав последние достижения в искусстве Северной Европы и применив современные научные знания. Наряду с гуманистической философией эпохи Возрождения он распространился по Европе, затронув как художников, так и их покровителей развитием новых техник и новых художественных чувств. Для историков искусства искусство эпохи Возрождения знаменует переход Европы от средневековья к эпохе раннего Нового времени.

Сфера искусства, живописи, скульптуры, архитектуры, музыки и литературы, которые называются «искусством эпохи Возрождения», в основном создавались в Европе в XIV, XV и XVI веках под комбинированным влиянием возросшего познания природы, возрождения классического образования, и более индивидуалистический взгляд на человека. Ученые больше не верят, что Возрождение ознаменовало резкий разрыв со средневековыми ценностями, как предполагает французское слово « возрождение» , буквально означающее «возрождение». Скорее, исторические источники предполагают, что интерес к природе, гуманистическое обучение и индивидуализм уже присутствовали в период позднего средневековья и стали доминирующими в Италии 15 и 16 веков одновременно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация повседневной жизни, рост рациональной денежно-кредитной экономики и значительный рост социальной мобильности. Во многих частях Европы искусство раннего Возрождения создавалось параллельно с искусством позднего средневековья .

Происхождение

Многие влияния на развитие мужчин и женщин эпохи Возрождения в начале 15 века были приписаны появлению искусства эпохи Возрождения; они такие же, как те, что повлияли на философию, литературу, архитектуру, теологию, науку, правительство и другие аспекты жизни общества. Следующий список представляет собой краткое изложение изменений социальных и культурных условий, которые были определены как факторы, способствовавшие развитию искусства эпохи Возрождения. Каждый из них более подробно рассматривается в основных статьях, процитированных выше.

  • Стали доступными классические тексты, веками утерянные для европейских ученых. Сюда входили документы по философии, прозе, поэзии, драме, науке, диссертации по искусству и раннехристианскому богословию.
  • Европа получила доступ к продвинутой математике, которая была найдена в трудах исламских ученых.
  • Появление подвижного шрифта в 15 веке означало, что идеи можно было легко распространять, и все большее количество книг было написано для более широкой публики.
  • Создание банка Медичи и последующая торговля, которую он породил, принесли беспрецедентное богатство единственному итальянскому городу Флоренции .
  • Козимо Медичи установил новый стандарт покровительства искусствам, не связанным с церковью или монархией.
  • Гуманистическая философия означала, что отношения человека с человечеством, вселенной и Богом больше не были исключительной прерогативой церкви.
  • Возрождение интереса к классике привело к первому археологическому исследованию римских останков архитектором Брунеллески и скульптором Донателло . Возрождение архитектурного стиля, основанного на классических прецедентах, вдохновило соответствующий классицизм в живописи и скульптуре, который проявился еще в 1420-х годах в картинах Мазаччо и Уччелло .
  • Улучшение масляной краски и развитие техники масляной живописи бельгийскими художниками, такими как Роберт Кампен , Ян ван Эйк , Рогир ван дер Вейден и Хуго ван дер Гус, привели к ее внедрению в Италии примерно с 1475 года и в конечном итоге оказали долгосрочное влияние на практику живописи. Мировой.
  • Счастливая случайность присутствия в регионе Флоренции в начале 15 — го века отдельных лиц художественного гения, прежде всего Мазаччо, Брунеллески, Гибертите , Пьеро делла Франческа , Донателло и Микелоццо сформировали этос из которых возникли великие мастера Высокого Возрождения , а также поддержка и поощрение многих менее значительных художников к достижению исключительного качества работы.
  • Подобное наследие художественных достижений произошло в Венеции благодаря талантливой семье Беллини , их влиятельным зятям Мантенья , Джорджоне , Тициану и Тинторетто .
  • Публикация двух трактатов Леоне Баттисты Альберти , De pictura («О живописи») в 1435 году и De re aedificatoria («Десять книг по архитектуре») в 1452 году.

История

Проторенессанс в Италии, 1280–1400 гг.

В Италии в конце 13 — начале 14 веков скульптура Никола Пизано и его сына Джованни Пизано , работавших в Пизе , Сиене и Пистойе, демонстрирует явно классические тенденции, вероятно, под влиянием знакомства этих художников с древнеримскими саркофагами . Их шедевры — кафедры Баптистерия и Пизанского собора .

Современник Джованни Пизано, флорентийский художник Джотто разработал манеру фигуративной живописи, которая была беспрецедентно натуралистичной, трехмерной, реалистичной и классической по сравнению с манерой его современников и учителя Чимабуэ . Джотто, величайшее произведение которого — цикл » Жизнь Христа в часовне Арены» в Падуе , был замечен биографом 16-го века Джорджо Вазари как «спасающий и восстанавливающий искусство» от «грубого, традиционного, византийского стиля», преобладающего в Италии. в 13 веке.

Раннее Возрождение в Италии, 1400–1495 гг.

Донателло, Давид (1440-е?) Национальный музей дель Барджелло.

Хотя и у Пизано, и у Джотто были ученики и последователи, первые художники эпохи Возрождения не появлялись во Флоренции до 1401 года, когда на конкурс на создание набора бронзовых дверей собора Флорентийского баптистерия были сделаны работы семи молодых скульпторов, включая Брунеллески. , Донателло и победитель Лоренцо Гиберти . Брунеллески, наиболее известный как архитектор купола Флорентийского собора и церкви Сан-Лоренцо , создал ряд скульптурных работ, в том числе распятие в натуральную величину в Санта-Мария-Новелла , известное своим натурализмом . Считается, что его исследования перспективы повлияли на художника Мазаччо . Донателло прославился как величайший скульптор раннего Возрождения, его шедеврами были его гуманистическая и необычайно эротическая статуя Давида , одна из икон флорентийской республики , и его великий памятник Гаттамелате , первой большой конной бронзе, созданной со времен Римской империи. раз.

Современник Донателло, Мазаччо, был живописным потомком Джотто и положил начало раннему Возрождению в итальянской живописи в 1425 году, поддерживая тенденцию к твердости форм и натурализму лица и жестов, которую Джотто начал столетием ранее. С 1425 по 1428 год Мазаччо завершил несколько панно, но наиболее известен цикл фресок, который он начал в капелле Бранкаччи со старшим художником Мазолино и оказал глубокое влияние на более поздних художников, включая Микеланджело . Развитие Мазаччо было воплощено в картинах Фра Анджелико , особенно в его фресках в монастыре Сан-Марко во Флоренции.

Обработка элементов перспективы и света в живописи была предметом особого внимания флорентийских художников 15 века. Уччелло был настолько одержим попытками достичь видимости перспективы, что, по словам Джорджо Вазари , это нарушило его сон. Его решения можно увидеть в его шедевральном наборе из трех картин « Битва при Сан-Романо» , который, как полагают, завершился к 1460 году. Пьеро делла Франческа провел систематические и научные исследования как световой, так и линейной перспективы, результаты которых могут быть замечен в его цикле фресок Истории Истинного Креста в Сан-Франческо, Ареццо .

В Неаполе художник Антонелло да Мессина начал использовать масляные краски для портретов и религиозных картин в период, предшествующий другим итальянским художникам, возможно, около 1450 года. Он принес эту технику на север и оказал влияние на художников Венеции . Одним из самых значительных художников Северной Италии был Андреа Мантенья , который украсил интерьер комнаты Camera degli Sposi для своего покровителя Людовико Гонзаги , поместив портреты семьи и двора в иллюзионистское архитектурное пространство.

Завершающий период раннего Возрождения в итальянском искусстве отмечен, как и его начало, особой комиссией, которая объединила художников, на этот раз в сотрудничестве, а не в соревновании. Папа Сикст IV перестроил Папскую капеллу, назвал ее в честь Сикстинской капеллы и поручил группе художников, Сандро Боттичелли , Пьетро Перуджино , Доменико Гирландайо и Козимо Росселли, украсить ее стену циклами фресок, изображающих Жизнь Христа и Жизнь. Моисея. В шестнадцати больших картинах художники, хотя каждый работал в своем индивидуальном стиле, согласовали принципы формата и использовали методы освещения, линейной и атмосферной перспективы, анатомии, ракурса и характеристики, которые были доведены до высшей точки в большие флорентийские студии Гиберти, Верроккьо, Гирландайо и Перуджино.

Раннее нидерландское искусство, 1425–1525 гг.

Живописцы Нидерландов в этот период включали Ян ван Эйк , его брат Хуберт ван Эйк , Роберт Кампен , Ганс Мемлинг , Рогир ван дер Вейден и Хуго ван дер Гус . Их живопись развивалась частично независимо от живописи раннего итальянского Возрождения и без влияния преднамеренного и сознательного стремления к возрождению античности.

Стиль живописи вырос непосредственно из средневековой живописи темперой , панелями и иллюминированными рукописями и другими формами, такими как витражи ; среда фрески была менее распространена в Северной Европе. В качестве материала использовалась масляная краска , которая долгое время использовалась для окрашивания кожаных церемониальных щитов и аксессуаров, поскольку она была гибкой и относительно прочной. Самые ранние нидерландские картины маслом сложны и детализированы, как картины темперой. Материал пригоден для изображения тональных вариаций и текстуры, что облегчает наблюдение за природой в мельчайших деталях.

Художники Нидерландов не подходили к созданию картины через рамки линейной перспективы и правильных пропорций. Они придерживались средневекового взгляда на иерархическую пропорцию и религиозный символизм, наслаждаясь реалистичной обработкой материальных элементов, как природных, так и созданных руками человека. Ян ван Эйк вместе со своим братом Хьюбертом написал «Алтарь мистического агнца» . Вероятно, Антонелло да Мессина познакомился с творчеством Ван Эйка, находясь в Неаполе или на Сицилии. В 1475 году алтарь Портинари Хуго ван дер Гуса прибыл во Флоренцию, где оказал глубокое влияние на многих художников, в первую очередь на Доменико Гирландайо , который нарисовал алтарь, имитирующий его элементы.

Очень значительным голландским художником конца этого периода был Иероним Босх , который использовал причудливые формы, которые часто использовались для украшения границ и букв в иллюминированных рукописях, сочетая формы растений и животных с архитектурными формами. Взятые из контекста освещения и населенные людьми, эти формы придают картинам Босха сюрреалистичность, не имеющую аналогов в работах любого другого художника эпохи Возрождения. Его шедевр — триптих «Сад земных наслаждений» .

Раннее Возрождение во Франции, 1375–1528 гг.

Художники Франции (включая герцогства, такие как Бургундия ) часто были связаны с дворами, предоставляя освещенные манускрипты и портреты для знати, а также религиозные картины и алтари. Среди самых известных были братья Лимбург , фламандские иллюстраторы и создатели иллюминатора рукописи Très Riches Heures du Duc de Berry . Жан Фуке , художник королевского двора, посетил Италию в 1437 году и отражает влияние флорентийских художников, таких как Паоло Уччелло. Хотя Фуке наиболее известен своими портретами, такими как портрет Карла VII Французского , он также создавал иллюминацию и считается изобретателем портретной миниатюры . В то время было несколько художников, которые рисовали знаменитые алтари, стилистически совершенно отличные как от итальянских, так и от фламандских. В их число входят две загадочные фигуры: Энгерран Куартон , которому приписывают Пьету из Вильнёв-ле-Авиньона , и Жан Хей , также известный как «Мастер Мулен» в честь его самой известной работы, Алтаря Мулена. В этих работах реализм и внимательное наблюдение за фигурой человека, эмоциями и освещением сочетаются со средневековой формальностью, включающей позолоченный фон.

Высокое Возрождение в Италии, 1495–1520 гг.

«Универсальный гений» Леонардо да Винчи должен был усовершенствовать аспекты живописного искусства (освещение, линейная и атмосферная перспектива, анатомия, ракурс и характеристика), которыми занимались художники Раннего Возрождения, в течение всей жизни изучения и скрупулезной записи своих наблюдений. природного мира. Использование масляной краски в качестве основного средства массовой информации означало, что он мог изображать свет и его влияние на ландшафт и объекты более естественно и с большим драматическим эффектом, чем когда-либо раньше, как это было продемонстрировано в Моне Лизе (1503–1506). Его вскрытие трупов продвинуло понимание анатомии скелета и мускулов, как это видно на незаконченном « Святом Иерониме в пустыне» (ок. 1480 г.). Его изображение человеческих эмоций в «Тайной вечере» , завершенной в 1495–1498 годах, стало эталоном религиозной живописи.

Искусство молодого современника Леонардо Микеланджело пошло в совершенно ином направлении. Микеланджело ни в своей живописи, ни в скульптуре не проявляет никакого интереса к наблюдению за любым естественным объектом, кроме человеческого тела. Он усовершенствовал свою технику изображения, когда ему было чуть больше двадцати, создав огромную мраморную статую Давида и группы Пьета в базилике Святого Петра в Риме. Затем он приступил к исследованию выразительных возможностей анатомии человека. Его поручение Папы Юлия II расписать потолок Сикстинской капеллы привело к созданию величайшего шедевра фигуративной композиции, который должен был оказать глубокое влияние на каждое последующее поколение европейских художников. Его более поздняя работа, Страшный суд , нарисованная на алтарной стене Сикстинской капеллы между 1534 и 1541 годами, демонстрирует стиль маньеризма (также называемый поздним ренессансом) с обычно удлиненными телами, который перенял стиль высокого Возрождения между 1520 и 1530 годами.

Рядом с Леонардо и Микеланджело в качестве третьего великого живописца Высокого Возрождения был молодой Рафаэль , который за короткую жизнь написал множество реалистичных и привлекательных портретов, в том числе портреты Папы Юлия II и его преемника Папы Льва X , а также многочисленные изображения Мадонны и Младенца Христа, в том числе Сикстинская Мадонна . Его смерть в 1520 году в возрасте 37 лет многими историками искусства считается концом периода Высокого Возрождения, хотя некоторые отдельные художники продолжали работать в стиле Высокого Возрождения в течение многих лет после этого.

В Северной Италии Высокое Возрождение представлено в основном членами венецианской школы, особенно последними работами Джованни Беллини , особенно религиозными картинами, которые включают несколько больших запрестольных образов типа, известного как « Священная беседа », которые показывают группу святые вокруг восседающей на троне Мадонны. Его современник Джорджоне , который умер примерно в возрасте 32 лет в 1510 году, оставил небольшое количество загадочных работ, в том числе «Бурю» , тема которой остается предметом спекуляций. Самые ранние работы Тициана относятся к эпохе Высокого Возрождения, в том числе массивный запрестольный образ «Успение Богородицы», сочетающий человеческие действия и драму с захватывающими красками и атмосферой. Тициан продолжал рисовать в общем стиле Высокого Возрождения почти до конца своей карьеры в 1570-х годах, хотя он все чаще использовал цвет и свет по линии для определения своих фигур.

Немецкое искусство эпохи Возрождения

Искусство немецкого Возрождения относится к более широкой категории Возрождения в Северной Европе, также известной как Северное Возрождение . Влияния Возрождения начали проявляться в немецком искусстве в 15 веке, но это направление не получило широкого распространения. Гарднера Искусство сквозь века определяет Пахер , художник и скульптор, в качестве первого немецкого художника , чья работа начинает показывать итальянского Ренессанса влияний. Согласно этому источнику, картина Пакера « Святой Вольфганг заставляет дьявола держать свой молитвенник» (ок. 1481 г.) выполнена в стиле поздней готики, но также показывает влияние итальянского художника Мантенья .

В 1500-х годах искусство Возрождения в Германии стало более распространенным, поскольку, по словам Гарднера, «искусство Северной Европы в шестнадцатом веке характеризуется внезапным осознанием достижений итальянского Возрождения и желанием усвоить этот новый стиль. как можно быстрее «. Одним из самых известных практиков немецкого искусства эпохи Возрождения был Альбрехт Дюрер (1471–1528), чье увлечение классическими идеями привело его в Италию для изучения искусства. И Гарднер, и Рассел признали важность вклада Дюрера в немецкое искусство в привнесении в Германию стилей и идей итальянского Возрождения. Рассел называет это «открытием готических окон немецкого искусства», а Гарднер называет это «жизненной миссией» Дюрера. Важно отметить, что, как указывает Гарднер, Дюрер «был первым северным художником, который полностью понял основные цели южного Возрождения», хотя его стиль не всегда отражал это. В том же источнике говорится, что Ганс Гольбейн Младший (1497–1543) успешно ассимилировал итальянские идеи, сохранив при этом «северные традиции близкого реализма». Это контрастирует с тенденцией Дюрера работать в «своем родном немецком стиле» вместо того, чтобы сочетать немецкий и итальянский стили. Другими важными художниками немецкого Возрождения были Маттиас Грюневальд , Альбрехт Альтдорфер и Лукас Кранах Старший .

Ремесленники, такие как граверы, больше интересовались эстетикой, чем просто совершенствованием своих ремесел. В Германии были мастера-граверы, такие как Мартин Шонгауэр , который гравировал на металле в конце 1400-х годов. Гарднер связывает это мастерство графического искусства с достижениями в области печати, произошедшими в Германии, и говорит, что гравюра по металлу начала заменять гравюру на дереве в эпоху Возрождения. Однако некоторые художники, такие как Альбрехт Дюрер, продолжали заниматься гравюрой на дереве. И Гарднер, и Рассел описывают прекрасное качество гравюр Дюрера, а Рассел в «Мире Дюрера » заявляет, что Дюрер «возвел их в высокие произведения искусства».

Британия

Великобритания очень поздно разработала особый стиль эпохи Возрождения, и большинство художников при дворе Тюдоров были импортированными иностранцами, обычно из Нидерландов , включая Ганса Гольбейна Младшего , который умер в Англии. Единственным исключением была портретная миниатюра , которую художники, включая Николаса Хиллиарда, развили в отдельный жанр задолго до того, как она стала популярной в остальной Европе. Искусство эпохи Возрождения в Шотландии также зависело от импортированных художников и в значительной степени ограничивалось двором.

Темы и символика

Художники эпохи Возрождения писали самые разные темы. Очень популярны были религиозные запрестольные образы , циклы фресок и небольшие произведения для личного поклонения. В поисках вдохновения художники как в Италии, так и в Северной Европе часто обращались к « Золотой легенде» Якоба де Воражина (1260 г.), очень влиятельной книге-источникам о житиях святых, которая уже оказала сильное влияние на средневековых художников. Возрождение классической античности и гуманизма эпохи Возрождения также привело к созданию многих мифологических и исторических картин . Например, очень популярны были рассказы об Овидиане . Декоративный орнамент , часто используемый в расписных архитектурных элементах, особенно подвержен влиянию классических римских мотивов.

Методы

  • Использование пропорции . Первая серьезная трактовка картины как окна в космос появилась в творчестве Джотто ди Бондоне в начале 14 века. Истинная линейная перспектива была формализована позже Филиппо Брунеллески и Леоном Баттистой Альберти . Помимо более реалистичного представления искусства, это побудило художников эпохи Возрождения сочинять больше картин.
  • Ракурс — термин ракурс относится к художественному эффекту сокращения линий на рисунке, чтобы создать иллюзию глубины.
  • Сфумато — термин сфумато был придуман итальянским художником эпохи Возрождения Леонардо да Винчи и относится к технике живописи изобразительного искусства, заключающейся в размытии или смягчении резких контуров путем тонкого и постепенного смешивания одного тона с другим посредством использования тонкой глазури, чтобы создать иллюзию глубина или трехмерность. Это происходит от итальянского слова sfumare, означающего испаряться или исчезать. Латинское происхождение — fumare , курить.
  • Светотень — термин светотень относится к эффекту моделирования живописи изобразительного искусства, заключающемуся в использовании сильного контраста между светом и темнотой, чтобы создать иллюзию глубины или трехмерности. Это происходит от итальянских слов, означающих светлый ( chiaro ) и темный ( scuro ), техника, которая получила широкое распространение в период барокко .

Список художников эпохи Возрождения

Италия

Низкие страны

Германия

Франция

Испания и Португалия

Хорватия

Работает

  • Гентский алтарь , работы Юберта и Яна ван Эйков
  • Портрет Арнольфини , Ян ван Эйк
  • Верльский триптих Роберта Кампена
  • Портинари Триптих , Гуго ван дер Гуса
  • Снятие с креста , Рогир ван дер Вейден
  • Бичевание Христа , Пьеро делла Франческа
  • Весна , Сандро Боттичелли
  • Оплакивание Христа , Мантенья
  • Тайная вечеря , Леонардо да Винчи
  • Афинская школа Рафаэля
  • Потолок Сикстинской капеллы , Микеланджело
  • Конный портрет Карла V работы Тициана
  • Изенхаймский алтарь , Матиас Грюневальд
  • Меленколия I , Альбрехт Дюрер
  • Послы , Ганс Гольбейн Младший
  • Мелун Диптих , Жан Фуке
  • Сент-Винсент Панелс , Нуну Гонсалвеш

Основные коллекции

Общие коллекции:
  • Национальная галерея, Лондон
  • Лувр , Париж
  • Национальная художественная галерея , Вашингтон
  • Gemäldegalerie, Берлин
  • Метрополитен-музей , Нью-Йорк
  • Королевские музеи изящных искусств Бельгии , Брюссель
  • Национальный художественный музей Азербайджана , Баку
  • Groeningemuseum , Брюгге , Бельгия
  • Больница Старого Св. Иоанна , Брюгге
  • Музей Прадо , Мадрид , Испания — для произведений Иеронима Босха
  • Уффици , Флоренция
  • Барджелло , Флоренция
  • Шато д’Экуэн (Национальный музей эпохи Возрождения), Экуэн , Франция
  • Музеи Ватикана, Ватикан
  • Пинакотека Брера , Милан

Смотрите также

Рекомендации

внешняя ссылка

Возрождение: возрождение искусства и воображения · Культурный шок: анализ Европы раннего Нового времени через искусство и литературу · Искусство Европы раннего Нового времени: 1450

Мона Лиза Леонардо да Винчи. Одна из самых известных картин эпохи Возрождения … и когда-либо.

Эпоха Возрождения была эпохой, когда в обществе начали завоевывать знания и исследования того, что иногда считается догмой и мистицизмом Средневековья.Это было «возрождение» («Возрождение» буквально переводится с латыни как «возрождение») идей и искусства древних греков и римлян. Общество увидело рост изобретательности, творчества, амбиций и индивидуализма в коммерции, политике и интеллектуальных кругах. Достижения в искусстве особенно поднялись на совершенно новый уровень в эпоху Возрождения. Великие художники, чьи имена были известны по всей Европе, создавали шедевры, используя новые техники и стили, такие как перспектива, затенение и детализация эмоций. Однако Возрождение не было одной четко определенной, однородной трансформацией Европы.В зависимости от того, где он был в Европе, эпоха Возрождения была разным опытом. Искусство эпохи Возрождения в Италии и Южной Европе было отмечено ярко выраженным классическим греческим стилем и тематикой. У Северного Возрождения был более трезвый стиль, менее ориентированный на мифологию и больше на повседневную жизнь. Также эпоха Возрождения не предполагает полной перестройки общества. Остались многие элементы преемственности. Общество и культура все еще были невероятно пропитаны католической церковью и религией, и церковь по-прежнему оставалась главной силой в Европе, сильно влияя на искусство того времени.

Ниже приведены некоторые из самых известных произведений эпохи Возрождения. Просматривая их, думайте о сценах, которые изображены на картинах. Есть какие-то тенденции? Что кажется вам визуально привлекательным? Что не так хорошо? Как вы думаете, что означало красота в эпоху Возрождения?

Аллегория весны или Primavera Боттичелли

Картина справа, Аллегория весны или Примавера Боттичелли включает многие темы, упомянутые выше.Картина включает в себя несколько фигур из римской мифологии, таких как Венера, Амур и три грации. Тем не менее, мы можем видеть христианское влияние в том, как стоит Венера. Ее положение и жест означали бы для любого, кто видел это в эпоху Возрождения, что она должна была представлять Деву Марию. Кроме того, апельсиновые деревья на заднем плане представляют финансовые силы, возникшие в то время. Апельсины были символом печально известной семьи Медичи, семьи, заказавшей эту картину, которые стали правителями Флоренции благодаря своему успеху на финансовом рынке.

Афинская школа Рафаэля

Рафаэля Афинская школа олицетворяет ценность классических идей в мире искусства эпохи Возрождения. На картине изображены несколько выдающихся философов Древней Греции, которые собрались вместе, чтобы поделиться знаниями в большом открытом здании. Изображение представляет, как эпоха Возрождения идеализировала древних греков и стремилась оживить учения таких философов, как Аристотель и Платон.

Сотворение Адама Микеланджело, Сикстинская капелла

Картина Микеланджело слева представляет влияние патронажной системы на художников эпохи Возрождения.В систему патронажа входят состоятельные люди или учреждения, спонсирующие художников, заказывающих определенные произведения искусства, которые поддерживают карьеру художников. Эта система позволила талантливым артистам получить признание и вести относительно комфортный образ жизни, но она также вызвала негодование среди художников, которые не получили такой поддержки. Микеланджело спонсировался Папой Юлием II, который заказал Пьету и Сикстинскую капеллу, одни из величайших произведений западного искусства; Прекрасная статуя Давида, созданная Микеланджело, была заказана членами влиятельного коммерческого сословия Флоренции.Система патронажа была отличительной чертой художественной и культурной жизни эпохи Возрождения, и Микеланджело является ярким примером ее положительных результатов.

Купол Флорентийского собора

Купол Флорентийского собора был спроектирован и спроектирован Филиппо Брунеллески в 1436 году. До и во время строительства купол считался невозможным. Его успешное завершение вывело Брунеллески на уровень славы, который разделяли Леонардо и Микеланджело.Флорентийский собор до сих пор стоит во Флоренции, Италия, и является символом гордости жителей Флоренции.

Донателло считается величайшим скульптором раннего Возрождения. Он проложил путь своим преемникам с точки зрения его техники и стиля, изображая природную красоту настолько реалистично, насколько это возможно. Бронзовый Давид Донателло является отходом от средневекового стиля и является прекрасным примером идеала естественной красоты эпохи Возрождения. Скульптура Давида , в частности, знаменует собой веху в западном искусстве.Хотя в это трудно поверить, скульптура Давида Донателло была первой известной отдельно стоящей статуей с древних времен.

Послы Ганса Гольбейна Младшего

Послы Ганса Гольбейна Младшего переносят нас с юга Европы на север в эпоху Возрождения. На этой картине изображены французские послы при дворе английского короля Генриха VIII. Очевидно, что это было написано в другом стиле, нежели итальянские картины.Сцена разворачивается внутри, изображая персонажей этого мира, а не из мифологии. Искусство Северного Возрождения отмечено внутренними сценами, а также вниманием к совершенствованию ткани в живописи. Обратите внимание на земной шар на спине, который демонстрирует упор на мирское и исследование, которое происходило в начале 16-го века. Вы должны посмотреть на деформированную фигуру внизу картины. Как ты думаешь, что это? Как вы думаете, что пытался сделать художник?

The Harvesters Брейгеля

Эта картина эпохи Северного Возрождения отличается от картин итальянского Возрождения тем, что на ней изображены обычные люди в их обычной жизни.Многие из картин Брейгеля каким-то образом изображают крестьян и еду, напоминая нам, насколько важна еда для крестьян в их повседневной жизни и политических решениях. Когда крестьяне восстали в то время, это часто происходило из-за нехватки еды.

3 золотых правила инноваций эпохи Возрождения | Афзал Ибрагим | История искусства упрощенная

Слово «Возрождение» означает «возрождение». После Темных и Средних веков и связанных с ними потрясений и застоя, не говоря уже о Черной смерти, Европа пережила своего рода возрождение с новым открытием математики, философии, астрологии, астрономии, науки и литературы, а искусство засвидетельствовало великое возрождение в 200 лет, т.е., с 1400 по 1600.

Изображение предоставлено: http://www.jeanniephan.com/book_editorial/CPA-Magazine-Fostering-Innovation.php

Хотя многие основные характеристики искусства эпохи Возрождения оказали влияние на современный мир, Эта фаза привела к духовному мышлению, когда люди начали изучать философию гуманизма

С появлением печатного станка знания впервые за более чем 1000 лет стали доступны людям, не относящимся к духовенству, знатным, аристократическим , и королевский.

Особое внимание уделялось классическим эпохам в Греции и Риме, которые до Возрождения были вершиной достижений человечества.

Возобновленная страсть к обучению и человеческим достижениям привела к влиянию всех этих новых исследований на формирование большего искусства.

Ренессанс был периодом большего обучения и любопытства, который побудил многих учеников и художников развивать новые формы искусства и заниматься ими. Флоренция, Италия, была колыбелью Возрождения, и именно поэтому многие дисциплины были сосредоточены в основном на Италии.

Сила гуманистов в период Возрождения была доминирующей, и поэтому церковь стремилась стать «покровителем» проектов художников.

Творческие начинания с участием церкви и художников резко выросли из-за высшего образования, спонсируемого церковью, и богатых торговцев, тратящих огромные деньги на картины.

Однако интересно то, что нижеприведенные три теории остаются золотым правилом даже в наши дни, чтобы мы оставались актуальными.

Появление технологий и новых открытий побудило художников и учащихся искать больше.

В то время как западный мир видел одновременные открытия и инновации, художники в Италии становились все более и более любопытными к исследованию мира и всех возможных аспектов природы.

Открытия в Европе включали новые морские пути, континенты и колонии, а также новые инновации в архитектуре, скульптуре и живописи. Они считали, что возрождение классической древности может привести к тому, что в ту эпоху будет сделана очень достойная и стандартизированная ставка.

В этом мире непрерывных инноваций, нашей готовности учиться и исследовать вместе с безграничным воображением мы сохраняем наш экспериментальный дух на более высоком уровне.

Представьте свою идею в виде простой точки. Когда в вашу голову приходят новые идеи, независимо от того, будут ли они использоваться или нет, эта точка начинает расти; вы начинаете вводить новшества.

Эта фаза привела к духовному мышлению, когда люди начали изучать гуманистическую философию.

Интеллектуалы, ремесленники и простые люди пришли к выводу, что Церковь никогда не была ответственным источником их поведения и убеждений по отношению к Богу и ближним, и что они сами несут ответственность за свои действия.

Было прояснено параллельное видение религии и гуманизма, и было задумано уважение, связанное с чувством собственной важности. Великолепное шествие волхвов, изображенное Гоццоли вместе с компаниями, ищет более царственное лицо, а не религиозное.

Мы часто попадаем в ловушку собственного мира, не замечаем и не думаем о других аспектах жизни, выходящих за рамки наших собственных интересов. В следующий раз, когда вы будете бродить по галерее или смотреть какое-то другое событие или элемент творчества, присмотритесь к другим мирам, которым вы подвергаетесь мысленно и эмоционально.«Человечность» всегда была тонкой причиной всего, что мы делаем, это относится и к инновациям

Возрождение математики и пропорций привело к инновациям в двух основных системах: использование линейной перспективы и введение точки схода. Это считается одной из революционных характеристик искусства эпохи Возрождения.

Создан известным архитектором того времени Филиппо Брунеллески. Он использовал инновации в математике для создания линейной перспективы с использованием параллельных линий, линии горизонта и точки схода, чтобы реалистично изобразить пространство и глубину в искусстве.

Поскольку живопись — это двухмерная деятельность, появление линейной перспективы создало трехмерный вид на практике. Для этого художники взяли линию горизонта на уровне глаз и отметили на ней точку схода. Была создана удаляющаяся шахматная доска из пересекающихся линий, которые сходились и встречались с точкой схода. Это создавало ощущение дистанции и глубины. Благодаря постоянной практике художникам удалось создать в своих картинах трехмерный эффект.

Не только искусство с линейной перспективой снимало высоко, но и способность убедительно изображать натуралистические фигуры в иллюзионистских пространствах тоже была достойной похвалы.

Современная архитектура и принципы дизайна следуют этой простой теории — Сила линейной перспективы

Вдохновителем разработок был автор трех математических трактатов и замечательный художник Пьеро делла Франческа, чьи перспективные картины и впечатляющие фигуры демонстрировали технику и изящество. Одним из таких классических примеров его работы является «Бичевание Христа».

Фаза искусства эпохи Возрождения оказала большое влияние на последующих художников и скульпторов, пришедших на смену известным художникам того времени.

Учения, знания и инновации побудили их делать новые открытия и вносить свой вклад. Такие гении, как Леонардо да Винчи и Микеланджело, внесли большой вклад в свои открытия и инновации. Архитектура и искусство увидели совершенно другой упадок, который позволил нам сегодня стать свидетелями нескольких замечательных зданий. Рассматриваемые как религиозные объекты того времени, картины до сих пор украшают как великие произведения искусства.

Принципы искусства эпохи Возрождения внесли и научили нас многому, что каким-то образом все еще влияет на наш образ жизни и сегодняшний мир.

Креативный ренессанс — стратегия и инновации

Поделись!

Vive le Creative Renaissance.

По мере того как эффекты COVID19 начинают становиться очевидными, становится очевидным и тот факт, что мир необратимо изменится в предстоящие годы, даже если будут смягчены правила физического дистанцирования, возобновится экономика и станут доступны методы лечения COVID19, эмоциональные и эмоциональные аспекты. финансовые последствия сохранятся.

Итак, прежде чем смотреть вперед, мы должны оглянуться назад.Оглядываясь назад на 100 с лишним лет назад, мы можем увидеть четыре основополагающих периода, которые сформировали человечество на следующие 75 лет после войн:

> Первая мировая война (1914-1918)

> Испанский грипп (1918-1920)

> Великая депрессия (1929 — 1930-е годы)

> Вторая мировая война (1939-1945)

Не только смерть в результате этих событий уничтожила большую часть человечества, но и выжившим пришлось столкнуться с эмоциональным и финансовым воздействием, казалось бы, бесконечного каскада негативных событий.Так как же им это удалось?

Люди собирались в барах и трактирах небольшими группами. Мода была важна как проявление творческих способностей и порядочности. Если вы посмотрите на 1900-е годы в Канаде, то даже рабочие-иммигранты-мужчины появлялись в костюмах. Женщины сами шили себе платья. Разные бары, очевидно, обслуживали разные классы людей, но бар был общей точкой соприкосновения, и люди всех социально-экономических слоев одевались как можно лучше, пили и танцевали до раннего утра, чтобы пережить все это.Мода была скорее выражением времени, чем символом статуса; так как многие вещи были сделаны вручную и сшиты вручную, даже некоторые обездоленные люди выглядели красивыми / красивыми.

Появились новые музыкальные жанры, например, джаз. Высокие (Ревущие) 20-е годы ознаменовались появлением богатых промышленников и авангардных культовых персонажей, таких как Великий Гэтсби, которые устраивали щедрые вечеринки и светские мероприятия. Эти общественные мероприятия, хотя и приносящие пользу участникам и светским людям, также служили способом финансирования и «самовоспитания» артистов того времени, что привело к новой волне музыки, такой как джаз.

Десятилетие, которое Ф. Скотт Фицджеральд, автор романа 1925 года Великий Гэтсби , провозгласил «эпохой джаза», началось, когда джаз уже был поп-музыкой своего времени, особенно среди представителей молодого поколения в 1920-х годах.

Расцвет джаза и музыкальных автоматов

Поскольку в 20-е годы в Соединенных Штатах происходил подъем культуры и музыки, между 1920 и 1933 годами действовал Сухой закон, запрещавший продажу и потребление алкоголя.Это привело к появлению подпольных Speakeasies, которые были замаскированы под другие предприятия и требовали, чтобы участники входили с секретным стуком.

Speakeasies были замаскированы под другие предприятия, такие как магазины содовой, кафе и социальные клубы. Их называли Speakeasies из-за того, что они не могли полностью рассказать об истинной цели заведения, поэтому о них говорили только шепотом или для того, чтобы «говорить спокойно».

Speakeasies

В результате зарождающегося подпольного бизнеса и брендов эпохи запрета многие из самых известных в мире предпринимателей и промышленников стали известными в годы войны благодаря своему опыту и социальным связям. Rumrunners из Канады расширили свой бизнес в США. Подпольные клубы стали опорой общества в таких городах, как Нью-Йорк, Бостон и Торонто. И опытных предпринимателей увидели возможность расширить производственные мощности , в то время как зарплаты были низкими, а стабильная зарплата значила все. К тому времени, когда Вторая мировая война достигла США в начале 40-х годов, социальный императив — — масштабировать все до . Все члены общества были призваны производить, нормировать и распространять товары.

Продовольствие и другие материалы были нормированы во всем мире, особенно в таких местах, как Великобритания, которые находились недалеко от эпицентра Второй мировой войны.

Рационирование во время Второй мировой войны — Великобритания

Цены в Соединенных Штатах были фиксированными, начиная с 1941 года. Очевидно, это было сделано для того, чтобы не дать кланово-капиталистическим силам надувать потребителей на основные товары; естественно, однако, это привело к дефициту основных потребительских товаров и открыло путь к черному рынку и двухуровневой системе цен. Продовольственные талоны фактически служили альтернативной валютой в годы войны.

Для домохозяйки карточная система означала владение постоянно меняющейся системой баллов в газетах; Делая покупки, она одним глазом следила за денежной ценой, а другим — за маленькими красными цифрами, вывешенными на полке под продуктами, указывающими их базовую цену. Она практиковала двойной бюджет: деньги и очки. Ей приходилось отслеживать, какие марки действительны в течение определенного периода времени, какие устарели и что они могут купить.

Двухуровневая система нормирования

Как мы видим, не только были созданы новые товары и услуги в период войн, пандемий и беспорядков в начале 20 века, , но были созданы новые социальные модели поведения и финансовые системы .Отношения были более близкими, а социальные круги были сплоченными, поскольку запреты и меры военного времени заставляли людей держаться вместе. Артисты и музыканты не были мировыми звездами, которые круглосуточно выступали в СМИ, а были важными членами своих местных сообществ, которые помогали людям сохранять оптимизм; танцевальные залы и трактиры были переполнены всю ночь напролет, люди танцевали, пили и общались, чтобы избавиться от оков этой эпохи. Как мы видим 100 лет спустя, эти граждане и их коллективные усилия проложили путь к одному из величайших периодов экономического и социального прогресса в истории после Второй мировой войны.

В хаосе пандемии COVID19 мы уже видели, как костыли последнего десятилетия резко подавлялись: деловые поездки, крупные мероприятия и приключенческий туризм были фактически заморожены.

Кроме того, мы видели ряд малых и средних предприятий (малых и средних предприятий), которые были вынуждены (временно) закрыться. По оценкам, COVID19 может заставить примерно 40% малых предприятий навсегда закрыть свои двери , например, в Канаде.Ожидается, что в зависимости от пакетов государственных мер стимулирования, сроков открытия и количества госпитализаций COVID19, это число будет аналогичным и во многих других западных странах.

Возможно, с экономической точки зрения самым большим потрясением стала цепочка поставок . Нарушения в азиатских цепочках поставок привели к нехватке практически всех медицинских товаров, и вполне вероятно, что эти нарушения распространятся на другие потребительские товары по мере углубления кризиса. Мы видим запреты на экспорт всего, что считается стратегическим для стран всего мира.Мы уже стали свидетелями огромного толчка к восстановлению местных цепочек поставок в Северной Америке; вопрос в том, сколько времени это займет и что произойдет в промежуточный период.

Пока все это происходило, средний служащий или владелец бизнеса застрял дома на Zoom , пытаясь разобраться во всем этом. Естественно, многие компании, работающие только в цифровом формате, и платформы электронной коммерции преуспевают (во всяком случае, пока) в условиях кризиса COVID19.

Но всеобщая изоляция похожа на приближение к пандемии кувалдой, и она может длиться только до определенного времени.В конце концов, нам всем нужно вернуться туда и жить, общаться, общаться и перемещаться вокруг . Как это выглядит, возникает вопрос — как будет выглядеть творческий ренессанс в 2020-х годах?

социальное дистанцирование при социальном блуде, ненавидя каждое мгновение, но также тайно любя его, потому что, пожалуйста, милый Будда, я не могу жить без других людей

Мне не терпится снова обнять и сжать других людей pic.twitter.com/6Y9MepzEuG

— Meltem Demirors (@Melt_Dem) 19 апреля 2020 г.

Игнорируя на минуту медицинскую сторону COVID19, мы должны черпать вдохновение из истории и посмотреть, как на самом деле выглядел Ренессанс в прошлом.

Florence Piazza

В первую очередь они были построены на творчестве. Люди жили вместе в групповых ситуациях ( сосуществующих? ), и финансисты того времени финансировали художников и музыкантов, поскольку они были катализаторами, которые оживили все это.

Социальная стратификация строилась больше на творческих аспектах, чем на занятости. Там, где вы работали , было бы гораздо менее важным, чем , с кем вы работали .Статус будет зависеть от того, что вы представили в определенном контексте, а не о том, какова ваша чистая стоимость. Таким образом, мы можем ожидать предпринимательского бума среди миллениалов и поколения Z.

С финансовой точки зрения, это должно будет осуществляться за счет коллективных платформ, таких как краудфандинг на основе акционерного капитала / пожертвований, или посредством передачи состояния от бэби-бумеров и ниже. Нет смысла пытаться строить перспективные 5-летние прогнозы прибылей и убытков для творческого бизнеса в условиях пандемии и получать венчурное финансирование.Им нужен капитал, чтобы начать работу, но они должны иметь возможность поддерживать свою деятельность с очень низкими затратами, учитывая обстоятельства. Это больше подходит для семейных денег или краудфандингового финансирования, которое исходит от сообщества.

У нас еще нет Great Gatsbys . Молодые, богатые предпринимателей, желающие открыть свои дома и недвижимость для других — и субсидировать свое развитие — могут появиться как способ налаживания физических и социальных связей. Не стоит ожидать, что миллениалы и GenZ вернутся в маленькие квадратные квартиры в городских районах и будут каждый день ходить в коворкинг или офисы; гибкая работа станет новой нормой.Может возникнуть комбинация из двух, и определенные сельские районы могут быть лучше подходят для определенных типов предпринимателей и креативщиков, чем центральная часть города.

Swiss Escape

Местные собрания будут иметь первостепенное значение , так как у нас может быть несколько волн COVID19, региональные блокировки и неизвестно что еще в течение следующего года или двух. Не все может быть в сети. Таким образом, людям придется адаптировать свой распорядок дня, а компаниям, возможно, придется мыслить больше как Speakeasies прошлого. Если вы не можете заполнить все возможности, возможно, вам придется запустить услуги в стиле «членство» и добавить творческие слои к опыту, который вдохновляет людей — искусство, музыка, новые способы общения.

В конечном итоге человеческая изобретательность, инновации и творчество спасут положение в условиях кризиса COVID19. Vive le Creative Renaissance.

Эскиз фото через ArtyFactory

Поделись!

Творческое Возрождение | PeoriaMagazines.com

Художник из Пеории Андре Петти за работой над фреской Ричарда Прайора на фестивале Big Picture Street в 2019 году в Складском районе Пеории в октябре прошлого года. Фото Дэвида Вернона

Качество жизни в сообществе не всегда можно измерить в долларах и центах.В нашем мире, основанном на технологиях, искусство и культура объединяют людей и обновляют нашу общую человечность. Здесь, в Большой Пеории, творческий ренессанс приносит цвет, вдохновение и смысл в нашу повседневную жизнь.

Появляются новые площадки, и местные художники — как начинающие, так и всемирно известные — собираются вместе, чтобы творить и делиться красотой. Деловые круги и филантропы вкладывают средства в искусство, и лидеры в правительстве также выражают свою поддержку. Будущее искусства Пеории никогда не было таким светлым.

ПРАЗДНОВАНИЕ ИСКУССТВА
ArtsPartners of Central Illinois — ведущий региональный центр поддержки искусства и его влияния на культурное и экономическое развитие. ArtsPartners объединяет местные художественные группы и поддерживает крупные инициативы, такие как Sculpture Walk Peoria, Общегородское празднование женщин в искусстве, Искусство искусства, Sky Art и IGNITE Peoria — все они стали неотъемлемой частью сообщества.

Гильдия художников Пеории, еще один столп искусства Пеории, переживает значительное возрождение.В течение почти шести десятилетий здесь проходила Ярмарка изящных искусств, которая в национальном масштабе считается одной из лучших в стране. Совсем недавно он вернулся к проведению крупных выставок, регулярных занятий и семинаров, а также многочисленных совместных инициатив. В ноябре прошлого года Гильдия в партнерстве с Black Dog Metal Arts провела первую публичную разливку железа в Пеории, в которой литейщики со всей страны приехали в центральный Иллинойс, чтобы разлить тысячи фунтов расплавленного железа.

Между тем, пара новых художественных организаций штурмом захватила сообщество.Artists ReEnvisioning Tomorrow (ART, Inc.) — это детище художников Пеории Джонатона и Никки Ромен, которые приобрели и превратили старое школьное здание в центр искусств. Общественный центр искусств и культуры Ромена прошлым летом открыл свои двери лагерем для детей, вдохновленным STEAM, — это лишь намек на то, что нас ждет впереди, поскольку он стремится вдохновлять и расширять возможности сообщества с помощью искусства.

В ноябре прошлого года чугунолитейщики со всей страны приехали в центральный Иллинойс на первое женское общественное мероприятие в Пеории, организованное Black Dog Metal Arts и Peoria Art Guild.Фото Джеффри Ноубла

К ART, Inc. в качестве основной культурной силы присоединилась Big Picture — команда художников и защитников искусства, деятельность которой сосредоточена на трех основных направлениях: художественное образование, фрески и паблик-арт, а также ежегодный фестиваль. Второй ежегодный фестиваль Big Picture Street и кинофестиваль, включающий живые выступления, кинопоказы, интерактивное изобразительное искусство и практические занятия, прошел в октябре прошлого года. В расширенном двухдневном кинофестивале Big Picture теперь участвуют международные и национальные кинематографисты, а уличный фестиваль оставил после себя новые фрески в районе складов, которые уже с нетерпением ждут зрителей в следующем году.

ПОКАЗЫВАНИЕ МЕСТНЫХ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ РАБОТ
Множество художников и творцов называют Район складов Пеории своим домом со студиями внутри Мельницы и других исторических зданий. Центр современного искусства был центром искусства и культуры Пеории на протяжении более двух десятилетий, проводя ежемесячные выставки и занятия, уроки танцев и еженедельные концерты джаза, R&B и блюза.

В южной части Складского района Центр искусств прерии недавно отпраздновал 16 годовщину своей международной программы резиденций для художников, собрав более 200 художников со всего мира.Здесь также есть центр книжного искусства и гравюры, а также регулярные выставки, классы и семинары. Чуть ниже по улице находится Casa de Arte, предлагающий фирменные блюда, напитки и местные произведения искусства; «Ухо в конверте», магазин материалов для штамповки металла и помещение для студии; и Wheel Art Pottery, предлагая уроки для начинающих и членство для опытных гончаров.

На West Main Street, Studios on Sheridan в здании Sunbeam Building находится художественная галерея, несколько квестов и студии, демонстрирующие изобразительное искусство, ювелирные изделия, керамику, стекло, фотографии и многое другое.Рядом в Яку Пеория регулярно проводятся мероприятия «SNAX» — (S) mall (N) omadic (A) rtistic e (X) periences — в поддержку своей более широкой миссии: перепрофилировать историческую церковь в международный культурный центр.

Новые сообщества художников продолжают вдохнуть жизнь в регион: от Emerging Artists Collective, сети художников, работающих над расширением местных художественных возможностей, до Peace of Heart Artist Collective, группы художников, разделяющих пространство в торговом центре Northwoods. Внутри епископальной церкви Святого Павла более десятка художников превратили неиспользуемые классные комнаты в North Art Studios, гостеприимную среду для художников всех мастей.

Центр искусств Хойзер и Центр исполнительских искусств Хартманна при университете Брэдли круглый год демонстрируют искусство, а Общество изящных искусств Пеории и Лига искусств Иллинойса регулярно проводят лекции, семинары и выставки. Другие местные галереи включают выставку A Gallery, Peoria Magazines и Foster Gallery of Christianity and Fine Arts.

Через реку Tazewell Art Loop демонстрирует творчество в Мортоне, Пекине, Тремонте и Делаване, выделяя выставки, демонстрации, живые выступления, а также местную еду и розничную торговлю в четвертую пятницу месяца.Наряду с богатыми программами по искусству в Центральном колледже Иллинойса, Ассоциация изящных искусств Мортона помогает развивать искусство в округе Тейзвелл.

Художник из Пеории Лонни Стюарт создаст статую президента Теодора Рузвельта для деревни Пеория-Хайтс.

ОБЩЕСТВЕННОЕ ИСКУССТВО НАХОДИТСЯ В НАЛИЧИИ
От скульптур на улицах до фресок на зданиях Великая Пеория изобилует общественным творчеством. Sculpture Walk Peoria, инициатива ArtsPartners, ежегодно размещает работы национальных и зарубежных художников на улицах Пеории.Каждый год в мае к растущей коллекции постоянных скульптур и фресок в центре Пеории и его окрестностях добавляется новая коллекция работ, в том числе всемирно известная скульптура Ричарда Прайора Престона Джексона.

От «Голубого Авраама», обширного портрета президента Авраама Линкольна Дуга Линкольна в здании суда округа Пеория, до «Боже, благослови Америку», 25-футового бронзового почтения Сьюарда Джонсона высотой 25 футов культовой картине Гранта Вуда «Американская готика». популяризация жизни в городе, а также множество уникальных возможностей для фотографирования!

В Пеории-Хайтс в результате нескольких крупных событий было создано еще одно местное направление искусства, включая установку шести крупномасштабных скульптур всемирно известного художника Брюса Уайта, первую ярмарку изящных искусств Пеория-Хайтс, создание Коллаборации искусств Пеория-Хайтс и запуск Центра исполнительских искусств Бетти Джейн Бриммер.Живущему в Пеории художнику Лонни Стюарту недавно было поручено создать статую президента Теодора Рузвельта, чей визит в 1910 году на Высоты продолжает звучать в его знаменитом рассказе о «самой красивой поездке в мире».

Поблизости полным ходом идут планы по созданию сада скульптур в парке Донован. Прошлой осенью в районе парка Пеория утвердили план размещения шести скульптур на бывшем поле для гольфа в 2020 году. Трехлетний план предусматривает установку до 12 скульптур к 2022 году, и сейчас ведется работа по сбору средств.

Масштабное искусство также появляется на рекламных щитах через Sky Art, инициативу, ранее известную как ArtPop Peoria. Это совместное усилие Adams Outdoor Advertising и ArtsPartners помещает работы местных художников высоко в небо в необычно большом масштабе: на рекламных щитах размером 14×48 футов. Уже шестой год выставка Sky Art — это глоток свежего воздуха для местных жителей и путешественников, а также фантастическая витрина для многих талантливых художников этого района.

ИНСТИТУТЫ КУЛЬТУРЫ
Гражданский центр Пеории был якорем центра города на протяжении почти четырех десятилетий, проводя около 400 мероприятий каждый год, от больших арен до театральных представлений.Недавние концерты Блейка Шелтона, Боба Сегера и Джона Мелленкампа побили рекорды по продажам билетов, получив признание журнала Pollstar Magazine как одно из лучших мест в стране. Civic Center также является домом для симфонического оркестра Пеории, балета Пеории, мужского баскетбола Peoria Rivermen и Брэдли, а также является местом проведения общественных мероприятий и собраний.

Всего в нескольких кварталах от Смитсоновского института Peoria Riverfront Museum проходят национальные и международные передвижные выставки и предлагается множество уникальных возможностей для обучения, культуры и развлечений, включая цифровой 3D-театр, современный планетарий, галерею Illinois River Encounter и Центр производительности IHSA Peak.После празднования «Года изобретений» в 2019 году всемирно известная выставка «Да Винчи — гений» в музее продолжилась и в 2020 году, а впереди — целый ряд известных региональных и национальных передвижных выставок.

В музее также находится Мемориал Холокоста в Пеории, где 11 миллионов кнопок символизируют отдельных жертв нацистского режима во Второй мировой войне. По соседству, Центр посетителей Caterpillar Дуга Оберхелмана предлагает внимательный взгляд на производственного гиганта, от его скромного начала до современных инноваций.Место встречи придает интерактивный вид прошлому, настоящему и будущему компании, что подчеркивается театром на 60 с лишним мест внутри карьерного самосвала 797F в натуральную величину.

Публичная библиотека Пеории была основным продуктом сообщества более 125 лет, проводя раздачи книг, художественные выставки, концерты, лекции и многое другое, в то время как Детский музей Пеории PlayHouse находится на якоре в Глен-Оук-парке — месте, где на весь день можно играть с шестью тематическими играми. , практические выставочные площадки для детей.

Расположенный на берегу реки Пеория, CEFCU Center Stage at the Landing — одно из лучших мест в районе для живой музыки, фестивалей и специальных мероприятий.Фото Джеффри Нобла

ПЕСНЯ И ТАНЦЫ
От международных звезд, выступающих в Civic Center до уютных шоу в кафе и барах, Greater Peoria изобилует живой музыкой всех стилей и жанров. Kenny’s Westside Pub — популярное место для гастролей национальных групп, Mad Hatter’s Pub в Западной Пеории — новичок на сцене, а разнообразные музыкальные исполнители можно найти почти каждые выходные в Peoria Heights, будь то в Twelve Bar, Pizza Works , Налейте братья или приготовьте барбекю.

В соседнем Чилликоте, в парке Трех сестер, находится Летний лагерь, один из крупнейших национальных музыкальных фестивалей, который привлекает более 20 000 человек на трехдневную весеннюю феерию. И все лето нет лучшего места, чтобы увидеть своих любимых исполнителей, чем Центральная сцена CEFCU с великолепным фоном на набережной. Джазовое общество Центрального Иллинойса приносит джаз в этот регион круглый год, а каждый июнь фестиваль Баха в Пеории празднует имя великого композитора эпохи барокко.

Симфонический оркестр Пеории — 14 -я старейшая симфония страны, исполняющая классические оркестровые произведения легендарных композиторов и одновременно представляющая сложную современную музыку в самых разных жанрах.Многие из его приглашенных исполнителей проводят время в сообществе через резиденции художников, а дополнительные информационно-пропагандистские мероприятия включают дошкольные программы, мастер-классы и многое другое.

Фестивальный оркестр Heartland — это местный камерный оркестр, в состав которого входят одни из лучших профессиональных музыкантов региона. Молодежная музыка Иллинойса и студия исполнительских искусств Пеории помогают молодым исполнителям развивать свои таланты.

Великая Пеория также является домом для множества общественных хоров, хоралов и ансамблей, от Муниципального оркестра Пеории и Ансамбля наследия до Гражданского хора Мортона, Гражданского хорала Пеории и других.Центральный колледж Иллинойса принимает многочисленные группы в резиденции, в том числе ансамбль Prairie Wind Ensemble, Heart of Illinois Chorus и Philharmonic Chorale.

Peoria Ballet является лидером в области танцевального исполнения и обучения более 50 лет, в то время как Central Illinois Ballet и его Cornerstone Academy предлагают дополнительные возможности для обучения балету и танцам. От классического индийского танца до сальсы и бальных танцев — в Большой Пеории найдется что-то для каждого.

Исторический театр «Шотландский обряд»

ОСВЕЩЕНИЕ СЦЕНЫ
Богатая театральная сцена Пеории весьма примечательна для населения среднего размера.Peoria Players Theater — один из старейших общественных театров страны. В Corn Stock Theater есть как открытая площадка для палаток, так и уютная круглая крытая площадка.

Девелопер

Ким Бликенстафф недавно вернулся к своим корням в центральном Иллинойсе и вложил значительные средства в местное искусство и культуру. Его первым онлайн-проектом стал Центр исполнительских искусств Бетти Джейн Бриммер в Пеории-Хайтс, названный в честь его матери, бывшей танцовщицы биг-бэнда. Затем он купил исторический театр «Шотландский обряд» и пару роялей Steinway мирового класса — по одному на каждое заведение.Он также помогает с ремонтом в женском клубе Пеории, планируя оживить более крупный театральный квартал в центре города.

Гастроли мирового класса каждый год освещают Городской центр Пеории в рамках сериала «Бродвейский театр Амерен, штат Иллинойс», а в сельском Гудфилде в Barn III проходят театральные представления Конклина. Многие другие местные группы включают богатый гобелен драматического и исполнительского искусства, в том числе Eastlight Theater, Nitsch Theater Arts, Arc Light Productions, Prairie Folklore Theater, Lock and Key Burlesque, Madhouse Marvels и театральные факультеты в Bradley, ICC и Eureka College.

В Западной Пеории Jukebox Comedy Club ведет здоровую комедийную сцену, выделяя региональные таланты и предлагая национальных хедлайнеров каждые выходные, в то время как Mason City Limits — скрытая жемчужина в сельской местности округа Мейсон, где проходят выступления большого города по ценам небольших городков. . ПП

Креативное возрождение наступило: состояние технологий креативной рекламы

Презентация: Джоанна О’Коннелл

Наверное, каждый рекламодатель фантазировал о жизни в эпоху «Безумцев».В то время рекламодатели целыми днями готовили следующую «Большую идею», и главной целью было творчество.

В наши дни творчество все еще играет роль, но этого уже недостаточно. Проблема в том, что процесс «Большой идеи» невероятно трудоемок и оставляет мало возможностей для оптимизации.

В наши дни у вас просто нет такого времени.

Чтобы повысить эффективность, современные рекламодатели теперь полагаются на огромные объемы данных, используя их для нацеливания на потребителей по каналам, форматам и устройствам.

Но в своей гонке за тем, чтобы не отставать, многие рекламодатели перешли на другой конец спектра — слишком полагаясь на данные, не сумев приспособить свой творческий процесс к темпам современной рекламы.

Вот где на помощь приходит Creative AdTech (CAT). По словам Джоанны О’Коннелл, вице-президента Forrester Research, CAT представляет будущее творческого процесса.

CATs все еще находятся на начальной стадии, поэтому, если вы еще не думаете об этом, вы не одиноки. Однако пора начинать.

КАК: интегрировать Creative AdTech в свою будущую рекламу

  1. Развивайте творческий процесс «Безумцев», чтобы он соответствовал новому, многоканальному ландшафту

По сравнению со старой моделью современный творческий процесс должен быть более быстрым, более повторяющимся, насыщенным данными и совместным.

Где старая модель выглядела так →

Новая модель должна выглядеть примерно так →

Обратите внимание, что новая модель не продвигается ни в одном направлении.Напротив, это непрерывный процесс, который с течением времени проходит через множество людей, при этом данные постоянно поступают и отправляются. Это также не убивает «Большую идею» — все еще есть место для человеческого творчества, оно просто не начинается и не заканчивается на этом.

  1. Встраивайте данные в творческий процесс с самого начала

CAT — отличный инструмент для создания аналитических данных на основе данных. Однако они не принесут никакой пользы, если ваша творческая команда придумает «Большую идею», а затем откликнется на нее в последнюю очередь.Ваша команда должна использовать данные с самого начала.

Большинство компаний обращаются к CAT по трем основным причинам:

  1. Для соответствия творческих ресурсов целевой аудитории
  2. Оптимизировать процесс творческого развития
  3. Для повышения скорости вывода на рынок

CAT не ограничивается каким-то определенным стилем управления медиа — текущие пользователи попадают в диапазон от 100% -ной зависимости от агентств до 100% -й внутренней работы.

Интересно, что 52% лиц, принимающих решения, внедряющих эту технологию, — маркетологи.Хотя большинство из них довольны услугами своих CAT-партнеров, им требуется серьезная помощь во внедрении технологии. Они также не проявляют особой лояльности к бренду, что свидетельствует о том, что это еще очень молодой рынок.

  1. Оцените потенциального партнера CAT на основе 4 конкретных факторов

В целом CATs бывают двух видов — автономные и объединенные. Независимо от типа оценивайте их на основе 4 атрибутов: управление версиями, сборка рекламы, предложения по принятию решений и возможность перекрестного / перекрестного форматирования.

Вот несколько потенциальных партнеров, на которых вы можете посмотреть →

RevJet

клинч

Jivox

Celtra

Гром

  1. Сделайте свой CAT доступным для всех творческих людей, чтобы повысить эффективность и контроль

CAT позволит вам повысить скорость вывода на рынок, а также сохранить контроль над суббрендами. Однако, чтобы максимизировать эти преимущества, ваш CAT должен быть доступен всем сторонам, участвующим в вашем творческом процессе.

Несмотря на количество сторон, с которыми ему нужно связаться, большинству компаний требуется всего 1-2 месяца, чтобы настроить CAT и запустить ее.

  1. Позвольте CAT дополнить ваши основы стратегического многоканального мышления

Хотя технология великолепна, она никогда не должна заменять управляемую человеком стратегию. С самого начала внедрите омниканальный подход и используйте эту технологию как дополнение, а не замену.

  1. Подготовьтесь к быстро развивающемуся рынку в ближайшие годы

Джоанна прогнозирует несколько основных тенденций, включая увеличение возможностей искусственного интеллекта, расширение на большее количество каналов и улучшение межканальной пропускной способности.Она также надеется увидеть лучшие возможности самообслуживания и сотрудничества, а также более глубокую интеграцию с процессами принятия решений в СМИ.

Следите за этими рыночными тенденциями по мере их развития, чтобы оставаться на вершине этой передовой технологии.

Творчество процветает в самые мрачные времена

Нет сомнений в том, что мы живем в темные времена, поскольку рост националистического популизма настраивает друг против друга самых близких друзей и членов семьи. Но мы также наблюдаем интересную тенденцию.Мир развлечений переживает возрождение в нынешней социально-политической среде — артисты, музыканты и комики спешат дать отпор силам популизма.

Зеркало общества

Развлечения — это зеркало общества, отражающее то, что происходит в реальном мире. По мере того как меняется общество, меняются и развлечения, поскольку креативщики спешат повторно привлечь свою аудиторию. Одним из очевидных примеров этой фундаментальной истины являются 1920-е и 1930-е годы. Мы не зря называем это «бурными 20-ми годами» — по мере того, как процветание росло вслед за Первой мировой войной, легкомысленная мода, музыка и фильмы стали бешено популярными.Легкомысленные творения 1920-х уступили место более мрачным, более мрачным формам искусства — наиболее известным из них стал рост жанра нуар-фильмов,

Затем произошел крах Уолл-стрит 1929 года, отправивший развитый мир в штопор и радикально изменивший его. развлечения. Легкомысленные творения 1920-х уступили место более мрачным, более мрачным формам искусства — наиболее известным из них стал подъем жанра нуар в 1930-х годах, проливший свет на более мрачные настроения того периода. Экономический кризис распространил бедность и политические беспорядки, что тогда отражало искусство.

Культурный ренессанс

Мы также можем утверждать, что когда мир темнеет, мы видим, как развлечения стремятся осветить свет в конце туннеля, вызывая расцвет творчества. Если вернуться в историю, то наиболее очевидным примером этой тенденции возрождения развлечений является сам ренессанс. Возрождение, продолжавшееся примерно с 1300 по 1700 год нашей эры, было временем взрыва творчества. В этот период художники, такие как Леонардо да Винчи и Микеланджело, написали новаторские шедевры, такие как Мона Лиза и крышу Сикстинской капеллы, навсегда изменив траекторию западного искусства.

Если присмотреться, то можно заметить, что ренессанс совпадает с реформацией. Это было движение, которое теологи, в первую очередь Мартин Лютер и Жан Кальвин, вдохновили рост протестантизма в христианском мире, который веками был римско-католическим. Реформация вызвала многочисленные войны, а также возникновение контрреформации католической церкви, и есть основания утверждать, что во время этих потрясений процветали революционные идеи, приведшие к возрождению.

Причина и романтика

Здесь выделяется одна дата: 1453 год. Это было, когда Османская империя завоевала Константинополь, положив конец давнему византийскому господству в Восточном Средиземноморье. Когда османы захватили Восточную Европу, византийские художники и философы бежали на Запад, принося с собой научные знания и философские концепции и вдохновляя наступление Просвещения — периода, который длился примерно с 1685 по 1818 год, когда процветали наука и разум.Это оказало свое влияние на искусство — например, оно принесло романтическую литературную традицию, традицию, в которой такие писатели, как Уильям Вордсворт и Сэмюэл Тейлор Кольридж боролись с модернизацией, возвращаясь к более простым временам. Джеймс Норткот. Справа: Уильям Вордсворт на гравированном портрете. (Кредиты изображений: Слева: Архив Халтона / Getty Images / Справа: Мэнселл / Time Life Pictures — Getty Images

Дайте миру шанс

Это явление также имеет место в современную эпоху.Одним из примеров является война во Вьетнаме, которая бушевала между 1955 и 1975 годами. Мы должны отметить, что после сексуального освобождения Второй мировой войны, когда люди стремились сблизиться, когда мир вокруг них разваливался, правительства западных стран пытались подкрепить традиционные ценности, в основном для ограничения женщин, которые были отправлены на работу — и нашли экономическую свободу — на войне, обратно в дом. Это привело к той самой консервативной эпохе, 1950-е годы, когда все, от одежды до музыки, отражало появление консерватизма середины 20-го, -го, -го века.

Вьетнамская война изменила правила игры больше, чем вы думаете. Это была невероятно непопулярная борьба, которую многие расценили как попытку Запада восстановить свое господство в эпоху умирающего западного империализма. Это также совпало с новой сексуальной революцией — невозможно было загнать джинна обратно в бутылку, вместе с наступлением эры гражданских прав, поскольку расовые меньшинства и женщины боролись за равное положение в обществе. Эти факторы сошлись воедино, способствуя взрыву творчества в ту эпоху.

Самой популярной группой 1960-х были Битлз, и они служат ярким примером происходящего. Однажды я увидел исследование, которое показало, что в начале 1960-х годов, когда еще сохранялись консервативные представления 1950-х годов, в их музыкальной продукции преобладала романтика. Но по мере того, как бушевала война во Вьетнаме, вдохновившая рост миролюбивого движения хиппи, по статистике, романтическая продукция Битлз в последующие годы быстро пошла на убыль, поскольку вместо этого группа предпочла петь о таких проблемах, как культура наркотиков, расизм и война.В свою очередь, это привело к развитию политически окрашенных музыкальных жанров — наиболее очевидно панк-рока в конце 1970-х, подчеркивающего, как политическая нестабильность влияет на искусство и движет им. Битлз в 1960-х. (Фото ДЭВИДА МАКЕНЕРИ / REX / Shutterstock (11258b))

Комедийная фольга

Эта тенденция вряд ли ограничивалась музыкой в ​​современную эпоху. Если мы обратимся к комедии, мы увидим еще одно свидетельство того, как бурный политический ландшафт может служить благом для художников.Я, конечно, говорю о самом смешном из президентов, Джордже Буше. Буша-младшего почти повсеместно ненавидели политические левые, как за то, что он отдавал предпочтение религиозным правым, так и за решение его администрации вторгнуться в Ирак, и, поскольку многие комики являются прогрессивными, это их воодушевило.

Мы также должны помнить, что Джорджа Буша часто называли «подарком комикам», и легко понять почему. Президент был известен своими неточными заявлениями; например, назвать Африку страной , и это послужило благом для комиков, которые хотели дать отпор его администрации.Во время его президентства комики, такие как Стивен Колберт, который, как известно, разорвал Буша на части на обеде корреспондентов Белого дома в 2006 году, с новой силой атаковали обитателя Овального кабинета, развлекая миллионы людей и сделав политическое заявление. Стивен Колбер в Белом доме 2006 года. Ужин для корреспондентов (Изображение: Media ITE)

Телевидение, которое стоит посмотреть

Этот комедийный элемент возрождения развлечений того времени продолжался на выборах 2008 года, когда демократы и республиканцы боролись за назначение преемника Буша.Я имею в виду кандидата в вице-президенты от республиканцев Сару Пэйлин, которая однажды сказала, что может «видеть Россию» из своего дома на Аляске, поделившись своим опытом в международных отношениях. Комик Тина Фей весело высмеяла Пэйлин в шоу «Субботним вечером в прямом эфире» (SNL) во время конкурса. Она произвела на нее впечатление , так что хорошо, она принесла программе самые высокие рейтинги за последние годы и, по слухам, повлияла на исход выборов.

SNL несколько ослабла за прошедшие годы, но президентские выборы часто приносят лучшее, и выборы 2016 года не стали исключением.На усиление раскола Дональда Трампа отреагировала SNL, в результате чего ее рейтинги снова взлетели. Алек Болдуин — хороший тому пример. Знаменитый либерал Болдуин решил дать отпор Трампу, высмеяв его в SNL и посмеявшись над ним, повторив действия Фея восемью годами ранее. Трамп Болдуина стал предметом обсуждения всего мира, он служит в качестве обязательного к просмотру телевидения и показывает, как темные времена, в которые мы живем, стимулируют творчество. Алек Болдуин в роли Дональда Трампа (Изображение: Vanity Fair)

Просто посмеялся

Влияние на SNL пережило выборы, поскольку катастрофическое президентство Трампа дает людям больше причин смеяться, чем когда-либо прежде.Достаточно взглянуть на то, как Мелисса Маккарти подражает секретарю Белого дома Шону Спайсеру в сериале. Спайсер приобрела репутацию агрессивного и пренебрежительного человека, использующего тактику запугивания, чтобы заставить замолчать критически настроенных журналистов, и в своем впечатлении Маккарти отражает это, например, используя свою трибуну в качестве оружия, показывая, насколько нелепа Спайсер на самом деле.

Но возрождение комедийных развлечений связано не только с Трампом. Мы наблюдаем новую волну веселых комиков в то время, когда мы все еще страдаем от разрушительных последствий рецессии 2008 года.Джон Оливер, ведущий «На прошлой неделе сегодня вечером », — один из таких комиков. Он известен особенно тем, что делает длинные и чрезвычайно забавные сюжеты по важным социальным вопросам, начиная от хищнического кредитования до прав ЛГБТ, заставляя нас смеяться и думать в равной мере. Самый известный эпизод Оливера произошел, когда он стремился показать, как телевизионные евангелисты обманом заставляют верующих расстаться со своими деньгами, создав свою собственную церковь, освобожденную от налогов — Богоматерь Бессрочного освобождения, и приглашая зрителей делать пожертвования.Они сделали — в массовом порядке, и, поверьте мне, результаты просто чертовски веселые! Джон Оливер основал свою собственную «церковь», чтобы помочь разоблачить эксплуататорских евангелистов (Изображение: junkee.com)

Она так не сожалеет

Однако, как и в комедии, мир музыки за последние несколько лет стал более политизированным, что еще больше подчеркивает мою точку зрения. Взгляните на последний альбом Бейонсе, Lemonade . Бейонсе — фантастическая исполнительница, но в прошлом она была известна своей осторожностью, часто предпочитая петь о любви и сексе, а не о реальных социальных проблемах.Но знаете ли вы, что Бейонсе и ее муж Джей Зи вносят финансовый вклад в Black Lives Matter — движение, которое выросло для борьбы с расовым неравенством в США в 2014 году, и это заставило певицу радикально изменить характер своего творчества.

Не поймите меня неправильно — любовь была главной темой в Lemonade . По слухам, на создание таких песен, как «Hold Up» и «Sorry», послужила измена со стороны ее мужа. Но эти мелодии, а также сопровождающие их изображения для альбома были задрапированы отсылками к расширению прав и возможностей чернокожих женщин, что Бейонсе никогда не принимала так сильно в прошлом.Кроме того, мелодии Lemonade , такие как Freedom и Formation, были гораздо более откровенными, а первая содержала прямую ссылку на Black Lives Matter, показывая, что в эти темные времена певцы чувствуют необходимость решать социальные проблемы. Обложка альбома «Lemonade» (Изображение: Billboard)

Присоединяйтесь к сопротивлению

Давайте не будем забывать, что избрание Дональда означает подъем целого музыкального жанра, направленного против Трампа, согласно Time Magazine .Некоторые из этих мелодий включают песню Кэти Перри «Chained to the Rhythm», которую она исполнила в качестве песни протеста, чтобы выразить недовольство Трампом и Брекситом на британском фестивале 2017 года, демонстрируя омерзительные марионетки президента и премьер-министра Великобритании Терезы Мэй. Другой пример — «Разговор в раздевалке» от Cold Kids. Музыканты очень ясно выражают свои чувства к Трампу и его подвигам.

Музыка как форма развлечения занимает особое место в нашей культуре. На протяжении всей истории современной поп-музыки, от антивоенного трека Джона Леннона 1969 года «Дайте миру шанс» до оды Леди Гаги 2011 года на признание в мире, который постепенно смирился с правами ЛГБТ, «Born This Way», это искусство — форма часто меняла общественный разговор о серьезных проблемах.Очевидно, что такие музыканты, как Перри, надеются снова использовать силу музыки в эпоху Трампа, чтобы дать отпор его национализму, что приведет к поразительному росту музыкальной продукции, которую мы наблюдаем. Сцена из спектакля Кэти Перри. видеоклип «Прикованные к ритму». (Изображение: Billboard)

Правда и вымысел

Художники также реагируют на нынешнюю обстановку, создавая новаторские произведения. Вы видели, что во время выборов в США в 2016 году художник из Лос-Анджелеса Plastic Jesus построил миниатюрную стену вокруг звезды Дональда Трампа на Голливудской аллее славы, протестуя против его идеи построить стену на границе США и Мексики? Между тем, ранее в этом году художники спроецировали текст «статьи о вознаграждении» конституции США, которая запрещает президентам США принимать подарки от иностранных держав, в отеле Трампа в Вашингтоне, округ Колумбия.C., чтобы выразить протест против якобы коррумпированной международной деловой практики президента.

Эти художественные творения вдохновляли, служили осмысленным упреком «доктрины Трампа», но не переусердствовали, но мы видели, как некоторые люди заходили слишком далеко. Ты знаешь о чем я говорю. Американская комедийная актриса Кэти Гриффин недавно испытала серьезную негативную реакцию, когда на обложке журнала ее запечатлели с имитацией «отрубленной головы» Дональда Трампа. Даже когда речь идет о Дональде Трампе, намек на убийство президента — даже в шутку — для большинства американцев слишком много.Гриффин так сильно оскорбила людей, что ее уволил CNN, для которого она устраивает новогоднее шоу, но тот факт, что она зашла так далеко, подчеркивает, как политика влияет на развлечения и особенно искусство прямо сейчас. Кэти Гриффин с «обезглавленным» и кровавым Дональдом Маска Трампа. (Изображение: Youtube)

Назад в прошлое

Мы также наблюдаем, как в литературе происходит нечто захватывающее. В отличие от искусства, комедии или музыки, влияние нестабильной политической среды проявляется в литературе не сразу, поскольку для написания и выпуска книги требуется больше времени.В отсутствие книг, посвященных таким вопросам, как Трамп и Брексит, люди возвращаются к старой классике как к форме развлечения в это темное время.

Это ведет к возрождению, например, популярности антиутопического романа Джорджа Оруэлла 1984 . Написанная в 1949 году, книга была призвана предостеречь общественность от авторитарного коммунизма, который в то время выходил на первый план во многих частях мира. Его продажи резко выросли, пишет The Telegraph , после того, как советник Дональда Трампа Келлиэнн Конвей использовала термин «альтернативные факты» в поддержку некоторых спорных действий, предпринятых президентом.«Альтернативные факты» напомнили людям некоторые из противоречивых фраз, использованных в 1984 , таких как «Министерство правды» — место, где создается пропаганда, приводящая к возобновлению интереса к этому классику современной литературы Джордж Оруэлл и Келлианн Конвей : AP AND GETTY)

Ренессанс развлечений

Справедливо будет сказать, что развлечения всегда вдохновлялись реальным миром, особенно политической сферой. Но когда становится страшно, развлечения становятся захватывающими, поскольку творческие люди вдохновляются высказываться против того, что происходит в мире, чтобы улучшить ситуацию.По моему скромному мнению, сейчас все становится довольно пугающим, особенно с Дональдом Трампом, который в одиночку наносит сокрушительный удар западной дипломатии, и это возрождение развлечений является лишь противовесом, который нам нужен прямо сейчас. Однако еще предстоит увидеть, приведет ли это к реальным изменениям в том, как устроен наш мир.

Британский профессиональный писатель и журналист, интересующийся политикой, текущими событиями, развлечениями, поп-культурой и образом жизни.

Творчество после кризиса — Австралийский институт международных отношений

После Черной смерти культурный ренессанс позволил полностью воссоздать все известные эстетические условности.Размышляя о возрождении после COVID, мы должны стремиться к уточнению, а не к реконструкции.

«Бывают десятилетия, когда ничего не происходит, а есть недели, когда десятилетия случаются». Используя шкалу Ленина, не будет преувеличением сказать, что с февраля 2020 года мировое сообщество продвинулось вперед как минимум на столетие. Для большинства попытки описать события этого года исчерпали все прилагательные. Я лично впал в состояние описательной усталости.Слово «беспрецедентный» стало синонимом «нормального», в то время как «близость» и «объятия» близки к ненормативной лексике. Кажется, что естественная реакция человечества в эти времена кризиса — это бегство от реальности. Чтобы ответить на вездесущий вопрос «что будет дальше», многие обратились к Черной Смерти и последовавшему за ней Ренессансу. Черная смерть началась в середине 14 -х годов века, распространив бубонную чуму по Европе и, в конечном итоге, по всему миру. Подобно тому, как COVID-19 охватил мир в состоянии паралича и траура, Черная смерть унесла жизни от 75 до 200 миллионов человек, ставя наихудший вопрос «а что, если», который захлестнет нас как коллективное общество в 2020 году.То, что известно как Ренессанс, последовало за этой разрушительной бубонной чумой, реконструировав мир и создав произведения провидцев, таких как Шекспир и Леонардо да Винчи. Это сравнение указывает на то, что может произойти после COVID-19, и всплеск творчества кажется вполне вероятным.

Изучение исторических сходств позволяет выявить несколько интересных сравнений. Прославление церкви, гегемонистского института средневековья, предшествовавшего Черной смерти, сравнимо с интернет-монокультурой, которой мы религиозно поклоняемся в современном обществе.Наша непоколебимая приверженность капиталистической мантре «работать до смерти», согласно которой мы видим вечную верность корпоративным организациям, могла бы отразить феодальное крепостное право средневековой Европы. Подобно тому, как крепостные зависели от дворян и епископов, обеспечивающих им средства к существованию, мы — класс подхалимов по отношению к зловещим руководителям и отделам кадров, дающим нам доход. Призывы к фальшивым новостям и постправдивый мир отражают сенсационность, распространяемую в церковных брошюрах по всей Европе, а современный трайбализм стал свидетелем возврата к политике морали.При всем этом контекстуальном сходстве кажется естественным предвидеть аналогичные модели эпохи Возрождения, постпандемии.

Период Возрождения был временем технологических, интеллектуальных и художественных преобразований. Разочарование и отчаяние традиционно вызывают перезагрузку и растяжение человеческого потенциала. Чтобы попытаться представить, как будет выглядеть наш «возрождение после COVID-19», уместно задуматься о текущем и будущем состоянии наших творческих секторов.

За последние 50 лет наблюдается массовая коммодификация культурной продукции, такой как искусство, телевидение, кино и литература, где количество преобладает над качеством. С появлением потоковых сервисов, таких как Netflix, Stan и Amazon Prime, мы пережили пандемию с их, казалось бы, бездонным пулом контента. Netflix предоставил достаточно оригинального контента, чтобы поддержать создание общества постоянных отшельников, и концепция стать «лежачим картофелем» как никогда актуальна.Но какой артистической честностью мы пожертвовали, наблюдая за выпивкой? В такие тяжелые времена наше бездумное потребление телевидения и кино поднимает вопросы о снижении наших культурных стандартов. Траектория развития культуры, определенная Netflix, похоже, продвигается в сторону большего количества реалити-шоу и шоу о свиданиях, намеренно вызывающих презрение романтических комедий и сериалов по теории заговора. Феномен иронического потребления, при котором толпы людей занимаются низкопробными культурными продуктами, сопровождается отрывом от содержания, требующим определенной степени критического мышления и созерцания.

Эта культура присмотра за выпивкой и чрезмерного потребления основана на нашем коллективном стремлении к мгновенному удовлетворению. Даже поддерживать интерес к программам, которые загружают контент еженедельно, в отличие от загрузки целой серии за один раз, становится все труднее. С появлением новых технологий и услуг вещания динамика власти между создателями и их аудиторией коренным образом изменилась. Такие компании, как Foxtel, стремительно обесцениваются из-за того, что они кажутся отключенными от требований своей аудитории.Однако, как было показано выше, потоковые платформы, такие как Netflix, извлекли выгоду из культуры разгула и мантры потребителей «больше значит больше». Ориентируя свой маркетинг на вовлечение аудитории, контент, такой как абсурдистский феномен Tiger King , имел коммерческий успех, спроецированный в мейнстрим за счет признанных критиками и независимых фильмов. В отраслях, где прибыльность неразрывно связана с вовлечением аудитории, трудно прогнозировать возрождение творческого энтузиазма, если COVID-19 приведет к падению экономического благосостояния.

Недофинансирование сектора искусства в пакетах помощи Morrison COVID-19 продемонстрировало явные предубеждения против творчества со стороны федерального правительства, распределяющего ресурсы в пользу предполагаемой производительности и практичности. Это явное неприятие индустрии развлечений и эстетики поднимает вопросы о возможности творческих переизобретений, которые, согласно предсказаниям, произойдут в постпандемическом мире. Между тем, по крайней мере, кажется, что удовлетворение ожиданий публики — единственный способ выжить, даже если это происходит за счет художественной целостности.При наличии множества практических ограничений, препятствующих реализации такого творческого рвения, кажется, что даже при отсутствии льстивого потворства потребителям существует искренняя озабоченность по поводу способности таких отраслей к восстановлению. Что касается молодежи, то будущее искусства и творчества в институциональном контексте не выглядит радужным, особенно с учетом роста цен на университетские степени в сфере искусства в этом году. А для нынешних креативщиков недофинансирование сектора искусства в пакетах помощи COVID-19 привело к тому, что театры, продюсерские компании и организации мероприятий остались тонуть или плавать, в то время как гостиничный сектор, торговля и розничная торговля были сильно стимулированы.Глядя на эти действия, может показаться, что правительство активно препятствует такому постпандемическому возрождению искусства.

Однако, концептуализируя утопическое культурное возрождение после COVID-19, было бы разумно не апеллировать к переизбытку нового материала, а скорее к усовершенствованию и воссоединению с качеством. Многие творческие индустрии уже пообещали замедлиться с наступлением этого социологического кризиса и кризиса здравоохранения. Индустрия моды взяла на себя обязательство отойти от производства быстрой моды, стремясь принять межсезонный подход к одежде, рассчитанной на долговечность.Непроизвольная пауза, сопровождающая изоляцию, вдохновила обновленное осознание деградации окружающей среды, а также реальности неминуемой экономической рецессии.

Этот период также усилил беспокойство по поводу коварных структур расовой и гендерной дискриминации, вписанных в наши институциональные рамки, из которых творческие индустрии являются одними из крупнейших виновников. Как известно, эстетические платформы несут ответственность за построение и деконструирование культурных норм и за то, чтобы сделать их видимыми для мировой общественности через телевидение и кино.Их беспрецедентная способность влиять на общественное мнение дает им возможность изменить повествование после COVID-19 и изменить наше понимание мира, в котором мы живем. В идеальном постпандемическом мире, вместо всплеска нового материала, мы должны поощрять устранение стереотипов популярной культуры, проецирующих на наш экран белый авантюризм и гегемонию Запада. Такие фильмы, как The Help , Green Book, и The Blind Side , оказались контрпродуктивными в проецировании способности белых людей спасать сообщества BIPOC (чернокожих, коренных и цветных) от их опасностей, якобы исцеляя века. угнетения в 120-минутном ролике.На протяжении всей этой пандемии поступало бесчисленное количество предложений по улучшению отношений между белыми и BIPOC, что наводит меня на мысль, что нам вообще нужен новый Голливуд.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*