В Германии умер коллекционер похищенных нацистами картин

6 мая 2014

Автор фото, AFP

Подпись к фото,

Корнелиус Гурлитт умер в той же квартире, где хранились похищенные нацистами картины

Коллекционер Корнелиус Гурлитт, в квартире которого был обнаружен тайник с пропавшими во время Второй мировой войны картинами, скончался в Мюнхене в возрасте 81 года.

Обнаруженная в квартире Гурлитта коллекция из 1400 картин досталась ему от отца, который во времена Третьего рейха был арт-дилером нацистов.

В прошлом году немецкие полицейские провели рейд и конфисковали картины, некоторые из которых были переданы отцу коллекционера из разоренных еврейских домов.

Среди найденных полотен были обнаружены работы Пабло Пикассо, Анри Матисса, Марка Шагала, Эдварда Мунка, Макса Либермана, Эмиля Нольде и Пауля Клее.

Изначально считалось, что уникальное собрание шедевров было утрачено во время бомбардировки Дрездена в 1945 году.

Большая часть картин художников-модернистов была конфискована нацистами в 1930-е годы как «дегенеративное искусство» и считалась утерянной.

По предварительным данным, общая стоимость найденных в квартире полотен составляет около миллиарда евро.

Гурлитт недавно перенес операцию на сердце, а неожиданный рейд полицейских пошатнул его эмоциональное и психическое состояние.

Автор фото, Public Domain

Подпись к фото,

Одной из самых ценных находок является зарисовка немецкого импрессиониста Макса Либермана

Сложный процесс

Автор фото, AFP

Подпись к фото,

Полотно Анри Матисса «Сидящая женщина»,<br>найденное в доме Корнелиуса Гурлитта

В апреле суд решил вернуть 1280 предметов искусства Корнелиусу Гурлитту.

Как заявили адвокаты, право собственности на незначительную часть предметов искусства может быть оспорено, но большая часть работ, по их словам, является безусловной собственностью коллекционера.

Кроме того, по их данным, украденных у евреев полотен во всей коллекции насчитывается не больше 3%.

Пока что нашлись претенденты лишь на шесть картин. На одну картину Матисса поступили две заявки, сообщили адвокаты.

Часть картин хранилась в доме Гурлитта в австрийском Зальцбурге, и на них немецкое судебное решение не распространилось.

Ранее Гурлитт согласился сотрудничать с властями, чтобы выяснить, какие из картин были похищены нацистами, и вернуть их настоящим владельцам.

Еврейские организации недовольны тем, что власти Германии сделали процесс возвращения предметов искусства законным владельцам чрезвычайно сложным.

Прокуратуру обвинили в том, что информация о конфискации предметов искусства не была обнародована. Об этом стало известно лишь год спустя.

Еврейские организации недоумевают: как можно заявить о правах на картину, если власти ничего об этом не сообщили.

Автор фото, AP

Подпись к фото,

Часть похищенных нацистами картин находилась в доме Гурлитта в австрийском Зальцбурге

«Дорогие штучки»: десять самых дорогих картин из коллекций миллиардеров мира

Миллиардеры порой неплохо зарабатывают на инвестициях в шедевры мирового искусства. По оценкам компании Artprice, в 2018 году работы 100 самых популярных среди коллекционеров художников подорожали на 4,3%, а с 2000 года рост их стоимости значительно обогнал динамику индекса S&P 500. При этом творения отдельных мастеров растут в цене еще более впечатляющими темпами. Например, картины Пабло Пикассо в 2018 году подорожали на 7,4%, а работы Энди Уорхола — на 6,7%.

Кому же по карману бессмертные творения мастеров и кто владеет самым дорогим произведением искусства? Forbes представляет десятку владельцев самых ценных картин.

10. «Портрет Адели Блох-Бауэр I», Густав Климт, $135 млн — Рональд Лаудер

«Портрет Адель Блох-Бауэр I», Густав Климт

Основному акционеру косметического гиганта Estee Lauder и давнему ценителю живописи Рональду Лаудеру принадлежит картина великого австрийского художника-символиста, одного из основоположников модерна Густава Климта — «Портрет Адели Блох-Бауэр I». Эту работу Лаудер купил в 2006 году за $135 млн.

Реклама на Forbes

Картина, известная также как «Золотая Адель» или «австрийская Мона Лиза», считается одним из наиболее значительных полотен Климта и австрийского модерна в целом. В 2015 году про нее даже был снят кассовый фильм «Женщина в золотом» с Хелен Миррен в главной роли. На картине изображена жена еврейского банкира Фердинанда Блоха Адель Блох-Бауэр. В салоне этой супружеской четы в Вене впоследствии собирались именитые живописцы, писатели и политики того времени. Сейчас портрет жены банкира украшает собрание Новой галереи в Нью-Йорке, которая также принадлежит Рональду Лаудеру.

9. «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда», Фрэнсис Бэкон, $142,4 млн — Эллайн Винн

Эллайн Винн, бывшей жене игорного магната Стива Винна, в  2013 году посчастливилось приобрести на аукционе Christie’s в Нью-Йорке триптих британского художника Фрэнсиса Бэкона «Три наброска к портрету Люсьена Фрейда». Винн заплатила за эту работу $142,4 млн — в то время это был абсолютный рекорд для картин Бэкона.

На каждом холсте триптиха изображен в разных позах давний друг Фрэнсиса Бэкона, британский художник Люсьен Фрейд — внук знаменитого психоаналитика Зигмунда Фрейда. Общая гамма этих картин несколько ярче, чем у других работ Бэкона — на этот раз он предпочел оранжево-коричневый фон. Триптих был написан в 1969 году в Королевском колледже искусства — там у художника была достаточно просторная мастерская, чтобы работать сразу с тремя большими холстами.

8. «Шедевр», Рой Лихтенштейн, $165 млн — Стивен Коэн

Финансовому магнату, владельцу хедж-фондов Стивену Коэну, который по праву считается большим ценителем живописи, принадлежит работа видного американского деятеля поп-арта Роя Лихтенштейна «Шедевр».

В 2017 году финансист купив полотно у знаменитого коллекционера и филантропа Агнес Гунд за $165 млн. Картина была написана Лихтенштейном в 1962 году. Художник вдохновлялся, конечно же, американскими комиксами. Критики назвали эту работу «языковой шуткой, предвосхитившей мировую славу Лихтенштейна». Впоследствии эта картина встала в один ряд с его признанными шедеврами, такими как Whaam! и «Смотри, Микки».

7. «Лежащая обнаженная» (Nu couché), Амедео Модильяни, $170,4 млн — Лю Ицянь

«Лежащая обнаженная» (Nu couché), Амедео Модильяни

Китайский инвестор-миллиардер Лю Ицянь уже много лет с огромным энтузиазмом скупает на аукционах редчайшие артефакты за астрономические суммы. В 2015 году он стал счастливым обладателем картины итальянского художника-экспрессиониста Амедео Модильяни «Лежащая обнаженная» (Nu couché). Лю Ицянь купил ее на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за $170,4 млн и немедленно расплатился за нее своей картой American Express.

6. «Алжирские женщины» («Версия О»), Пабло Пикассо, $179,4 млн — Хамад бен Джасим бен Джабер Аль Тани

Бывший премьер-министр Катара, миллиардер Хамад бен Джасим бен Джабер Аль Тани в 2015 году купил на аукционе Christie’s в Нью-Йорке работу великого Пабло Пикассо «Алжирские женщины» («Версия О»). Катарский инвестор заплатил за нее $179,4 млн.

Эта картина — одно из 15 полотен Пикассо, вдохновленных произведением французского художника Эжена Делакруа «Алжирские женщины в своих покоях». Пикассо написал эту серию в 1954-1955 годах как дань уважения Делакруа. Картины с алжирскими женщинами по праву считаются шедеврами кубизма.

5. Картина «№ 6 (фиолетовый, зеленый и красный)», Марк Ротко, $186 млн — Дмитрий Рыболовлев

Единственный россиянин в нашем рейтинге, председатель футбольного клуба «Монако» и бывший акционер «Уралкалия» Дмитрий Рыболовлев в 2014 году стал обладателем картины «№ 6 (фиолетовый, зеленый и красный)» американского художника с белорусскими корнями Марка Ротко, ведущего представителя абстрактного импрессионизма. За это полотно Рыболовлев отдал $186 млн.

Впоследствии покупка привела к скандальной тяжбе бизнесмена с арт-дилером Ивом Бувье, у которого он покупал картины. По мнению Рыболовлева, Бувье серьезно завышал стоимость полотен. Так или иначе, эта работа Ротко, написанная в 1951 году в технике светового поля, считается одним из лучших произведений художника.

4. «Нафеа Фаа Ипойпо», Поль Гоген, $210 млн — шейха Аль-Маясса

«Нафеа Фаа Ипойпо», Поль Гоген

Катарскую принцессу шейху Аль-Маяссу журнал Economist в свое время назвал самой влиятельной женщиной в мире искусства. В 2014 году принцесса купила в частной сделке полотно французского живописца Поля Гогена «Нафеа Фаа Ипойпо», что в переводе означает «Когда ты выйдешь замуж», за $210 млн.

Эту картину знаменитый постимпрессионист написал во время свой первой поездки на Таити в 1892 году. Как и другие работы с изображениями местных женщин, это полотно французские критики сперва приняли совершенно равнодушно. Тем приятнее было бы художнику узнать, какие суммы за его произведения выкладывают в XXI веке.

3. «Игроки в карты», Поль Сезанн, $250 млн — семья эмира Катара

В 2011 году семья эмира Катара приобрела за $250 млн знаменитое полотно Поля Сезанна «Игроки в карты». Эта картина — одна из пяти работ, написанных мастером в 1890-х годах и имеющих такое же название. На ней изображены двое мужчин из Прованса, сидящие за карточной игрой и изучающие свои руки.

Искусствоведы назвали эту картину «человеческим натюрмортом», что очень понравилось американскому журналу The New Yorker. Издание даже опубликовало забавную пародию на нее, где мужчины играли не на деньги, а на фрукты. Картина, приобретенная королевской семьей Катара, так и не была выставлена на всеобщее обозрение. Зато четыре другие работы Сезанна из этой серии можно увидеть в главных музеях мира, включая парижский музей д’Орсе и нью-йоркский Метрополитен-музей.

2. «Обмен», Виллем де Кунинг, $300 млн — Кен Гриффин

Основатель хедж-фонда Citadel, финансовый магнат Кен Гриффин в 2015 году купил у фонда Дэвида Геффена самое дорогое произведение современного искусства в мире — картину под названием «Обмен», которую написал нидерландский абстрактный экспрессионист Виллем де Кунинг. Стоимость сделки составила баснословные $300 млн.

Реклама на Forbes

Эта работа была написана в 1955 году в Нью-Йорке — именно этот город вдохновил художника на ее создание. В своей картине де Куннинг пытался запечатлеть динамизм мегаполиса посредством жестового движения. Примечательно, что фонд Дэвида Геффена продал полотно Гриффину в пакете с другой весьма дорогостоящей работой — картиной Джексона Поллока «Номер 17А». За нее финансист заплатил $200 млн.

1. «Спаситель мира», Леонардо да Винчи, $450 млн — предположительно, 

Мухаммед ибн Салман «Спаситель мира», Леонардо да Винчи

После инвестиций Гриффина в искусство кажется, что заплатить за картину больше просто невозможно. Но у любви к живописи нет пределов. Первое место — у наследного принца Саудовской Аравии Мухаммеда ибн Салмана, который, если верить источникам New York Times, купил самую дорогую картину в мире — полотно Леонардо да Винчи «Спаситель мира». Принц отдал за него на аукционе Christie’s в Нью-Йорке в 2017 году целых $450,3 млн.

Посольство Саудовской Аравии в Вашингтоне и сам аукционный дом Christie’s, впрочем, уверяют, что настоящим покупателем был департамент культуры и туризма Абу-Даби, который приобрел картину для филиала Лувра в столице ОАЭ. Для предыдущего владельца картины — российского миллиардера Дмитрия Рыболовлева — эта сделка стала самой успешной в жизни. Ведь сам он в свое время купил полотно лишь за $127,5 млн.

Недавно «Спаситель мира» вновь приковал к себе внимание мировой прессы. Историк искусства Бен Льюис со ссылкой на источники в парижском Лувре заявил, что представители музеи сомневаются в авторстве картины. По их мнению, ее мог написать не сам да Винчи, а кто-то из его учеников. Если «Спаситель мира» действительно получит такое описание, стоимость полотна снизится в 300 раз до $1,5 млн, считает Льюис.

три петербургские коллекции • Интерьер+Дизайн

Казимир Малевич. Голова Крестьянина. Этюд для картины «Крестьянские похороны». 1911. Из коллекции Кирилла и Юлии Наумовых.

Три частные семейные коллекции произведений искусства — живописи, графики, скульптуры, театрального, прикладного искусства, нумизматики выставляет Государственный Русский музей в Петербурге.

По теме: 35 музеев мира, которые можно посетить онлайн

Эта выставка — уникальна. Она позволяет увидеть практически незнакомые широкой публике произведения крупнейших русских художников XIX–XX веков из собраний семьи Палеевых, Березовских и Наумовых. Представлено более 400 произведений. Среди них — живопись Айвазовского, Репина, Врубеля, Кустодиева, Брюллова, Маковского, Сомова, Григорьева, Яковлева, Фешина, Фалька, Челищева…

Владимир Лебедев. Девушка с букетом. 1933. Бумага, акварель, белила. Из коллекции семьи Березовских.

Можно увидеть 13 картин Роберта Фалька и 17 полотен Владимира Лебедева. Последнюю картину, написанную Кузьмой Петровым-Водкиным, на которой изображен лауреат Нобелевской премии академик Леонид Канторович, марроканскую серию Зинаиды Серебряковой, «русского импрессиониста» Николая Фешина и акварели Марка Шагала.

Кузьма Петров-Водкин. Портрет Л. В. Канторовича, 1938. Из коллекции семьи Березовских.

Что привлекает частных коллекционеров? Существует ли особый петербургский вкус?  Три семейные коллекции — это разные временные пласты и примеры отечественного коллекционирования, советского и постсоветского периода.

Борис Григорьев. В саду. 1913. Дерево, масло. Из коллекции семьи Березовских. Борис Григорьев. Портрет фотографа-художника Мирона Шерлинга. Из коллекции семьи Палеевых. Кузьма Петров-Водкин. Яблоко с вишней. 1917. Из коллекции семьи Палеевых.

Семья Палеевых унаследовала детище Ильи Исааковича Палеева (1901–1970), доктора наук, заведующего кафедрой теплофизики Политехнического института. Эта ленинградская «профессорская» коллекция сформировалась, в основном, в 1953-1970-е годы и прекратила пополняться после смерти собирателя. В ней — работы Альтмана, Серебряковой, Лебедева, Петрова–Водкина и других художников русского авангарда. Гордость собрания — работы Роберта Фалька были приобретены у вдовы художника Ангелины Щекин-Кротовой, с которой коллекционера, как и с Натаном Альтманом связывали самые дружеские отношения. Нынешний владелец Владимир Палеев не приобретает новые работы и не расстается ни с одной из собрания отца.

Владимир Лебедев. Портрет Владимира Палеева. 1957. Из коллекции семьи Палеевых.

Собрание Владимира Березовского начиналось с работ мирискусников и их современников, доставшихся по наследству от Лидии Николаевны Угловской, внучатой племянницы пейзажиста Станислава Жуковского, музыканта и поэта, лично знавшего многих художников Серебряного века. С 1980–х годов оно расширилось и стало фундаментом для новой K Gallery (осн. в 2005), которая известна проектами музейного уровня — выставками произведений «мирискуссников» и русских художников рубежа XIX –XX веков, Сомова, Судейкина, Григорьева.

Николай Лапшин. «Новая Голландия». 1940. Из коллекции семьи Березовских.

Сегодня Березовские приобретают и активно выставляют работы авторов ленинградского андеграунда. Владимир Березовский купил целиком коллекцию Анатолия Сидорова и Галины Волковой — около 3000 произведений художников круга Александра Арефьева, причисливших себя когда-то к Ордену нищенствующих живописцев (Рудольф Васми, Валентин Громов, Владимир Шагин, Шолом Шварц). 

Владимир Лебедев. Натюрморт с гитарой. 1930. Холст, масло. Из коллекции семьи Березовских.

Коллекция Кирилла и Юлии Наумовых — самая динамичная, ей 10 лет: живопись Айвазовского и Репина соседствует с миниатюрами, Борис Григорьев с монетами и медалями, а литографии с видами Петербурга с графикой Тулуз-Лотрека и гравюрами Дюрера. Матисс и Шиле — с картинами Павла Челищева, представителя мистического сюрреализма, которого часто называют русским Дали. Его  холст «Ожерелье из роз» 1931 года попал к Наумовым из коллекции музыкального продюссера Сеймура Стайна, работавшего с панками The Ramones, Depeche Mode и Мадонной.

Павел Челищев. Ожерелье из роз, 1931. Из коллекции Кирилла и Юлии Наумовых.

Любая частная коллекция отражает личность собирателя, его культуру и личные увлечения. Наумовы признаются, что коллекционирование для них — страсть и образ жизни, они охотятся за полотнами на аукционах и не боятся широты интересов. Именно в их молодом собрании есть «Голова крестьянина» Казимира Малевича, единственный эскиз к исчезнувшей монументальной работе «Крестьянские похороны», утерянной после выставки в Берлине. Этот этюд ушел в 2014 году на лондонских торгах Sotheby’s в Лондоне за пару миллионов фунтов стерлингов.

Иван Айвазовский. Гибралтар ночью. 1844. Из коллекции Кирилла и Юлии Наумовых. Николай Фешин. Портрет мадемуазель Подбельской. 1912. Из коллекции Кирилла и Юлии Наумовых.

• Три петербургские коллекции, Русский музей, Корпус Бенуа, до 10 июня.

Музей русского импрессионизма: что смотреть на выставке «Охотники за искусством»

С 21 апреля по 29 августа Музей русского импрессионизма рассказывает о 14 собирателях из Москвы и Ленинграда, в советское время хранивших дома картины Коровина, Малевича, Шагала, Ларионова, Рериха, Пиросмани и других известных художников. Знакомим вас с пятью коллекционерами-участниками выставки «Охотники за искусством» и наиболее значимыми произведениями из их собраний, которые экспонируют редко.

Арам Абрамян

Арам Абрамян четверть века работал главным урологом при Кремле, а в свободное от профессиональных обязанностей время собирал искусство. Он с гордостью показывал другим коллекционерам купленные произведения, не скрывая страсти к живописи. Абрамян любил яркие картины: коллекционера особенно привлекали пейзажи русских деревень, колоритные герои и глубокие цвета. В экспозицию вошло несколько таких картин из собрания: «Пейзаж с беседкой» Константина Сомова, «Пасхальный день» Бориса Кустодиева и «Женский портрет» Константина Коровина. По инициативе Арама Абрамяна на его родине в Ереване был создан Музей русского искусства, в основу фонда которого легло личное собрание коллекционера. 

Константин Коровин. Женский портрет (Портрет Н. Н. Вышеславцевой). 1912. Собрание А. Я. Абрамяна. Ныне в частном собрании)

Сигизмунд Валк

Сигизмунд Валк был историком, работал с архивами и составлял учебники по истории Советского Союза. Он был известен в академической среде, но немногие знали, что Валк был еще и увлеченным коллекционером.

Николай Рерих. Варяжский путь. 1907. Собрание С. Н. Валка. Ныне в собрании KGallery, Санкт-Петербург

В его собрании — много редких находок. К примеру, «Пейзаж с радугой» Константина Сомова, который Валк приобрел у Кузьмы Петрова-Водкина, ранние работы самого Петрова-Водкина — «Автопортрет», в темном колорите которого считывается влияние Валентина Серова. Коллекционер также любил живопись Александра Головина, мастера портрета и тонкого психолога. Он приобрел автопортрет художника 1917 года, где тот строго и точно фиксирует собственный облик, изображая себя на фоне растений.

Кузьма Петров-Водкин. Автопортрет. 1907. Собрание С. Н. Валка. Ныне в собрании KGallery, Санкт-Петербург

Илья Палеев

Илья Палеев — автор многочисленных исследований и открытий в области теплофизики, профессор Политехнического института в Ленинграде, доктор технических наук. У него были особые принципы коллекционирования. По воспоминаниям сына ученого, его «совершенно не интересовало абстрактное искусство, он его не понимал и не хотел даже понимать». Не участвовал профессор и в азартных гонках на аукционах: предпочитал покупать произведения у самих художников, с которыми дружил, и у их наследников. Так у коллекционера появился ряд картин: «Крестьянка. Портрет няни» Зинаиды Серебряковой, «Натюрморт с бутылью» Владимира Лебедева, «Портрет Соломона Михоэлса» Роберта Фалька и «В комнате. Этюд перспективы» Кузьмы Петрова-Водкина, где художник экспериментирует с пространством и перспективой. Эти экспонаты будут представлены на выставке в Музее русского импрессионизма.

Зинаида Серебрякова. Крестьянка. Портрет няни. Собрание И. И. Палеева. Ныне в собрании семьи Палеевых, Санкт-Петербург

Семья разделяла трепетную любовь ученого к искусству и сохранила его коллекцию после его смерти без изменений. Сегодня это собрание является единственным уцелевшим примером «профессорской» коллекции 1950–1970-х годов.

Владимир Лебедев. Натюрморт с бутылью. 1927. Собрание И. И. Палеева. Ныне в собрании семьи Палеевых, Санкт-Петербург

Валерий Дудаков

В ряду коллекционеров русской живописи Валерий Дудаков занимает важное место. Он один из немногих представителей советского поколения, кто продолжил собирать живопись и в новой России. Дудаков до сих пор участвует в выставках и ведет просветительскую деятельность. В собрании коллекционера и его жены Марины Кашуро более 500 работ: преимущественно художники-символисты, мастера русского авангарда и нонконформисты.

Произведения из коллекции Дудакова составляют яркую часть экспозиции: «Трамвай» Александра Богомазова, художника, которого называли «украинским Пикассо», «Сцена с офицером» Василия Кандинского, «Три фигуры в поле» постсупрематического периода Казимира Малевича, городской пейзаж «Аптека в Витебске» Марка Шагала.

Александр Богомазов. Трамвай. 1914. Собрание В. А. Дудакова. Ныне в собрании В. А. Дудакова и М. К. Кашуро

Игорь Санович

В собрании Игоря Сановича — объекты, которые, казалось бы, невозможно представить рядом. В двухкомнатной хрущевке коллекционера картины Фалька соседствовали с портретом персидской танцовщицы XVIII века, сиенская Мадонна — с новгородской, а статуэтки из древнекитайских гробниц — с яйцами Фаберже.

Игорь Санович особенно любил Нико Пиросмани и всю жизнь охотился за работами художника. На выставке будет представлен его «Погонщик с верблюдом», а также «Пейзаж с прудом» Натальи Гончаровой, «Гадальщица» Аристарха Лентулова и «Синий натюрморт» Павла Кузнецова.

Нико Пиросмани. Погонщик с верблюдом. 1910-е. Собрание И. Г. Сановича. Ныне в частном собрании

Сальвадор Дали & Пабло Пикассо — Уникальная выставка фонда «Искусство Наций»

23 октября в 21:00

«Любимые женщины Пикассо» – лекция коллекционера А. Шадрина и спектакль «Фернанда Оливье.

Ольга Хохлова. Франсуаза Жило»

Какая судьба ждала женщин Пикассо? Как развивались их отношения с художником? Как это повлияло на периоды его творчества? Какова цена за любовь гения? И, наконец, жизнь с Пикассо – подарок судьбы или величайшая ошибка?

В программе:

• История взаимоотношений с любимыми женщинами Пикассо: от матери до последней жены.
• Биографии и судьбы до и после встречи с великим художником.
• Влияние спутниц Пикассо на его творчество.

23 октября в 21:00

Лекцию ведёт владелец самой большой коллекции работ Дали и Пикассо в России.

Ни для кого не секрет, что у Пабло Пикассо было множество любовных связей. Романтичные встречи, страсть и ненависть, разрушенные судьбы и трагические расставания были необходимы Пикассо, как воздух. Обаятельный испанец уверенно входил в жизнь каждой из своих возлюбленных и навсегда изменял её…

Кто вдохновлял испанского художника Пабло Пикассо? Какая судьба ждала его женщин? Какую цену пришлось заплатить за любовь гения? И, наконец, жизнь с Пикассо – подарок судьбы или величайшая ошибка?

Лекция «Любимые женщины Пикассо» сопровождается моноспектаклем. Режиссер-постановщик и актриса Анна Политова воплотила в жизнь три ярких женских образа возлюбленных Пикассо — Фернанду Оливье, Ольгу Хохлову и Франсуазу Жило.

В программе:

• История взаимоотношений с любимыми женщинами Пикассо: от матери до последней жены.
• Биографии и судьбы до и после встречи с великим художником.
• Влияние спутниц Пикассо на его творчество.
• Экскурсия по представленным произведениям.
• Спектакль «Фернанда Оливье. Ольга Хохлова. Франсуаза Жило».

Билет на мероприятие даёт право на посещение выставок «Дали&Пикассо» и «Эльдорадо. Сокровища индейцев» в день мероприятия.

Как коллекционер Сергей Щукин «подмалевал» картину Матисса — Российская газета

Современные энциклопедии восторгаются импрессионистами. Но так было не всегда. В годы, когда ими увлекся Сергей Щукин, направление только пробивало свой путь. Он привез диковинные полотна в патриархальную Москву, разместил в своем доме в Большом Знаменском переулке. И каждую субботу лично проводил экскурсии для интересующихся.

Шедевры импрессионизма были похожи на заморских бабочек, залетевших в засыпанную снегом Россию. А присутствующие, вспоминал князь Сергей Щербатов, стояли вокруг седовласого хозяина и слушали его, как эскимосы граммофон.

Сергей Щукин принадлежал к старообрядческой купеческой семье, успешно занимался продажей текстиля. Во время событий 1905 года он, пользуясь моментом, скупил находившийся на складах текстиль, а когда ситуация нормализовалась, получил сверхприбыль. Его фирма работала на Кавказе, в Средней Азии и даже вышла на рынок Персии. Московские купцы уважительно называли Сергея Щукина «министром коммерции».

В 29 лет он женился на Лидии Кореневой, дочери екатеринославского помещика. Жена была моложе мужа на десять лет и приятно удивляла московский бомонд трогательным южным говором. Как в сказке, у них родились три сына: Иван, Сергей, Григорий и дочь Екатерина.

А потом в Большой Знаменский переулок пришли беды, откуда не ждали. Неожиданно умерла Лидия Григорьевна, свели счеты с жизнью сыновья Григорий и Сергей. И московский бомонд мгновенно вынес приговор: виною всему странные и пугающие картины. Такие может собирать только сумасшедший, а значит, и дети у него ненормальные…

Чтобы вдохнуть жизнь в осиротевший особняк, Сергей Иванович взял в приемные дочери крестьянских сирот Аню и Варю. Спасение от одиночества искал на музыкальных вечерах в доме Владимира Гиршмана, известного коллекционера. Здесь познакомился с Надеждой Конюс. Она была в разводе и на предложение вдовца ответила согласием.

В этот период он и «заболел» Анри Матиссом.

Три письма Матиссу

Увидев в Париже полотно «Радость жизни», потрясенный купец незамедлительно познакомился с гениальным художником. Собеседники понравились друг другу, Сергей Иванович начал покупать картины Матисса прямо в мастерской. Так возникла идея украсить тремя полотнами Матисса двухэтажный дом Щукина. А вскоре маэстро прислал эскизы: «Танец», «Музыка» и «Купальщицы у реки». Матисс не понял заказчика, когда тот говорил о двух лестничных пролетах. Во Франции первый этаж не учитывается, и художник решил, что в доме три этажа…

Сергей Иванович остановился на «Танце» и «Музыке». Но возникла деликатная проблема: обнаженные фигуры …

3 марта 1909 года Щукин пишет Мастеру:

«Сударь,я получил оба Ваших письма с эскизами картин. Они прекрасны и очень благородны по цвету и рисунку. Но увы! Я не могу поместить ню у себя на лестнице. После смерти одного из моих родственников я принял в дом трех девочек, а у нас в России (мы здесь немного на Востоке) нельзя показывать ню девочкам».

Матисс недоумевает: почему девушки должны танцевать в платьях, ведь такие удачные эскизы. Щукин настаивает: «что касается сюжета, я хотел бы избежать ню». Но азарт коллекционера оказывается сильнее, и 31 марта Щукин принимает условия гения:

«Сударь, я нахожу в вашем панно «Танец» столько благородства, что решил пренебречь нашим буржуазным мнением и поместить у себя на лестнице сюжет с обнаженными.».

Ультиматум мастеру и покаяние

Прежде чем отправить картины в Россию, Матисс выставил их в парижском Осеннем салоне. И разразился скандал. По оценке французских критиков, «упрощение достигло крайних пределов». В газетах появились едкие карикатуры. Побывавший на выставке Щукин дрогнул и… отказался от заказа. Для Матисса, только что похоронившего отца, это был удар! Но ударом это было и для Щукина. В поезде из Парижа он не смыкал глаз. Выйдя на московском вокзале, телеграфировал Матиссу, что покупает обе картины. А вслед 11 ноября 1910 года отправил покаянное письмо:

«Сударь, в дороге я много размышлял и устыдился своей слабости. Нельзя уходить с поля боя, не попытавшись сражаться. По этой причине я решил выставить Ваши панно. Будут кричать, смеяться, но поскольку, по моему убеждению, Ваш путь верен, может быть время сделается моим союзником и в конце концов я одержу победу…»

Заретушированный флейтист

4 декабря 1910 года «Танец» и «Музыка» прибыли в Москву, были выставлены и произвели грандиозный эффект. Вот что писал скульптор Борис Терновец: «Что особенно поразило… — это новая фреска «Хоровод». (Речь идет о полотне «Танец». — Авт.) Это лучшее из того, что создано Матиссом, и, может быть, лучшее из того, что вообще дал ХХ век».

Успех был таким, что Шукин при встрече с Матиссом предложил ему написать еще три полотна-аллегории. 19 октября 1911 года Щукин и Матисс выехали из Парижа. И пока поезд наматывал километры, Сергей Иванович изматывал себя вопросом: как сказать Мастеру, что он все-таки «оградил» девочек-воспитанниц, собственноручно зарисовав у флейтиста в «Музыке» неположенное…

Матисс остановился в доме Щукина. Об их времяпрепровождении можно судить по записи в дневнике Андрея Белого. Щукин рассказывал ему, что Матисс «зажился у него: пьет шампанское, ест осетрины и хвалит иконы; не хочет-де ехать в Париж… Говорят, что картину, выписанную им, сам же у себя подмалевал (и Матисс-де сделал вид, что этого не заметил)».

Писатель ошибся: Матисс, конечно, заметил «исправления». Но миролюбиво сказал Щукину, что, в сущности, это картину не изменило.

Как коллекционер Сергей Щукин полюбил Матисса • ARTANDHOUSES

В издательстве «СЛОВО» вышел внушительный том «Сергей Щукин и его коллекция». Он написан исследователем и биографом легендарного коллекционера Наталией Семеновой, бывшей и одним из инициаторов и консультантов прогремевшей выставки «Шедевры нового искусства. Собрание С. Щукина. Государственный Эрмитаж — ГМИИ имени А. С. Пушкина» в Париже в прошлом году.

Как утверждается в аннотации, это первый полный иллюстрированный каталог знаменитого собрания. С разрешения издательства ARTANDHOUSES публикует главу, посвященную знакомству Сергея Щукина с творчеством Анри Матисса и дальнейшим отношениям художника и коллекционера.

«Матисс стал самым сильным, «до конца так и не изжитым» щукинским увлечением. Сергей Иванович влюбился в художника с первого взгляда. Живопись Матисса мало кому тогда нравилась. О нем говорили, что он «бесформенный», «грубый», «наглый», «нахальный недоучка, взбитый парижской рекламой» и т. д. Уж если французы, как заметил Аполлинер, были «готовы забросать камнями одного из наиболее пленительных художников современной пластики», что тогда говорить о русских.

Увидев весной 1906 года на Салоне независимых большой холст «Радость жизни», коллекционер захотел познакомиться с автором и попросил Амбруаза Воллара устроить встречу с мсье Матиссом. Странная картина: танцующие, музицирующие и предающиеся любви фигуры на фоне идиллического пейзажа — классический сюжет пасторали, интерпретированный в духе фовизма, тронула его до глубины души. «Именно в этой картине Матисс впервые отчетливо воплотил свое намерение исказить пропорции человеческого тела, чтобы гармонизировать простые смешанные с одним только белым цвета и усилить значение и смысл каждого цвета, — говорила первая почитательница художника американская писательница Гертруда Стайн. — Он использовал искажение пропорций так же, как в музыке используют диссонанс… Сезанн пришел к свойственной ему незавершенности и к искажению натуры по необходимости, Матисс сделал это намеренно».

У художника, писавшего картины с оптимистическими названиями, карьера живописца долго не складывалась: 37-летний Анри Матисс безуспешно пытался зарабатывать ремеслом живописца — семья существовала на средства жены. Появление русского коллекционера-миллионера в мастерской на набережной Сен-Мишель в мае 1906 года всё изменило. В лице Щукина Матисс нашел «идеального патрона», а Щукин в Матиссе — «художника будущего». Семь лет они будут неразлучны: один будет писать картины, а другой их покупать.

Зал Матисса (Розовая гостиная) в особняке С. И. Щукина
около 1912

Будущий реформатор живописи в юности и не помышлял об искусстве. Сын торговца средней руки, родившийся в провинциальном городке Като-Камбрези на северо-востоке Франции, изучал право и даже начал работать по специальности. Сидение в адвокатской конторе особой радости не приносило. Писать маслом он впервые попробовал в 20 лет — томился после операции в больнице, не зная, чем бы себя занять. Краски принесла мать, и тут с ее сыном случилось настоящее наваждение. «Когда я начал писать, я почувствовал себя в раю…» — вспоминал свои ощущения Матисс. Он уговорил отца отпустить его, уехал в Париж и поступил в Школу изящных искусств к Гюставу Моро, который вскоре произнес пророческую фразу: «Вам суждено упростить живопись». Матисс же ни о каких переворотах не думал и добросовестно писал натюрморты, отдавая дань бывшему на излете импрессионизму. Год за годом его колорит делался всё насыщеннее, и наконец сумрачная гамма ранних «темных картин» вспыхнула. В 35 лет он открывает для себя возможности цвета: в группе молодых живописцев, которым после появления на Осеннем салоне 1905 года дадут прозвище Les fauves (дикие), он признанный лидер.

Щукин влюбился в живопись Матисса всем сердцем раз и навсегда. Увлечение оказалось настолько сильным, что он вступил с художником в переписку. Сергей Иванович купит 37 матиссовских полотен и отправит мэтру столько же писем. Картины он будет покупать прямо в мастерской, беря не только законченные, но и едва начатые полотна. После знакомства с Щукиным жизнь Матисса кардинально изменилась. Столько лет нужды — и вдруг такой щедрый, а главное, верный клиент. Вдобавок — контракт с галереей Бернхейм-Жён, которая получает эксклюзивное право на всё, что напишет Матисс, по фиксированной цене за картину в соответствии с форматом плюс процент с прибыли. В контракте имелась одна существенная оговорка: картины величиной больше установленного договором размера Матисс имел право продавать сам, без посредников. Вот, оказывается, почему в щукинском собрании оказалось так много полотен, приближающихся по размеру к панно. Это не считая двух действительно огромных панно, написанных художником по специальному заказу русского патрона.

Анри Матисс
«Посуда на столе»
1900

«Однажды он пришел на набережную Сен-Мишель посмотреть мои картины», — вспоминал Матисс появление в своей мастерской Щукина. Он решил купить висевший на стене большой натюрморт, но предупредил, что какое-то время подержит картину у себя. «Если она всё еще будет интересовать меня, то я оставлю ее за собой», — сказал он, глядя на «Натюрморт с супницей», написанный Матиссом год спустя после приезда в Париж. Под этим названием первый из щукинских натюрмортов фигурировал на Салоне независимых 1902 года, а на выставке в галерее Воллара в 1904 году именовался «Серебряный кофейник».

«Мне повезло, что он смог вынести это первое испытание без труда и мой натюрморт его не слишком утомил», — вспоминал в старости Матисс. Картина действительно не утомляла — ни сюжетом, ни стилем, «обязывающим художника опускать мелкие детали». В этом-то и заключалась суть «располагающей к созерцанию» матиссовской живописи, которую Щукин уловил с первого взгляда.

Во время первого визита в мастерскую Матисса будущий патрон приобрел у художника лишь две литографии и рисунок, сделанный летом 1905 года в Коллиуре. В дальнейшем Матисс будет вкладывать рисунки и акварели с изображениями заказанных Щукиным картин в письма, которые семь лет будут приходить в Москву, в особняк на Знаменке.

Анри Матисс
«Люксембургский сад»
oколо 1901

Постепенно цвет в картинах Матисса освободился от натуралистической описательности, серебристо-серую гамму сменили чистые тона: бирюзовый, фиолетовый, ярко-зеленый и малиново-розовый. В серии небольших пейзажей, названных «Люксембургские сады», полагают критики, уже были заложены все «детонаторы» фовистского взрыва 1905 года. Сергей Щукин одним из первых почувствовал смену манеры художника, которому было суждено «упростить живопись».

«Сожалею, что натюрморт с керамикой перешел в другие руки… Будьте добры, спросите у м-ль Вейль, торговки картинами, за какую цену она согласится продать мне его», — просил Щукин Матисса, с которым весной 1908 года вступил в регулярную переписку. Влюбившись в художника, он не мог успокоиться, пока не получал желаемую работу. На этот раз Сергей Иванович мечтал о раннем матиссовском натюрморте, вобравшем все живописные находки постимпрессионистов — художников, которыми еще недавно он был так увлечен: Ван Гога, Гогена и Сезанна.

Столь понравившийся ему ранний желто-сиреневый натюрморт Матисс уступил Берте Вейль. Владелица небольшой парижской галереи не только первой рискнула выставить работы художника, на которого не обращали внимания другие торговцы, но даже сумела в 1902 году продать один из его натюрмортов за 130 франков.

Анри Матисс
«Посуда и фрукты»
1901

Эту наполненную южным солнцем картину Сергей Щукин называл «Венеция», поскольку под таким названием она числилась в галерее Дрюэ, торговавшей работами Матисса. Художник изобразил на полотне свою жену Амели, урожденную Парейр, бывшую его постоянной моделью летом 1906 года, которое семья провела в Коллиуре, у самой границы с Испанией.

К этому времени Матисс уже открыл для себя возможности цвета и стал признанным лидером фовистов — художников, чьи полотна отличались непривычной яркостью красок. Фовизм, скажет спустя годы Матисс, «стал для меня “испытанием средств”». «Поместить рядом голубой, красный, зеленый, соединить их экспрессивно и структурно. Это было не столько результатом обдуманного намерения, сколько прирожденной внутренней потребностью». В «Даме на террасе», считал Яков Тугендхольд, «был весь Матисс», искусство которого открылось во всем своем разнообразии только в галерее Щукина.

Анри Матисс
«Дама на террасе»
1906

Увидев принадлежащую немецкому коллекционеру Карлу Остхаузу картину «Купальщицы с черепахой», Щукин загорелся иметь у себя полотно с обнаженными девушками. «Русский обезумел от вашей картины, он беспрерывно говорил о цвете и захотел получить повторение, что Матисс, однако, отказался делать», — сообщил владельцу «Купальщиц» его соотечественник, староста «Академии Матисса» Ханс Пурман.

«Я всё время думаю о вашем восхитительном “Море”, — напишет Щукин художнику по возвращении в Москву, имея в виду, конечно же, “Купальщиц с черепахой”. — Я живо ощущаю эту свежесть, это величие океана и это чувство печали и меланхолии. Буду очень рад иметь что-либо в этом роде».

Матисс исполнил вариацию так понравившейся коллекционеру композиции: на фоне ровных горизонтальных полос зеленой травы, светло-синего моря и темно-синего неба он вновь поместил три фигуры — на этот раз обнаженных мальчиков, играющих в шары. Щукину не терпелось увидеть, как выглядит картина, и Матисс отправил коллекционеру ее изображение. Черно-белой фотографии оказалось достаточно, чтобы Сергей Иванович телеграфировал, что находит работу очень интересной и просит срочно отправить ее в Москву. Через две с половиной недели полутораметровое полотно оказалось в особняке на Знаменке. «Мне очень нравится свежесть и благородство вашей работы», — написал счастливый обладатель «Игры в шары».

Анри Матисс
«Игра в шары»
1908

Узнав, что русский купец Сергей Щукин заинтересовался Матиссом, торговцы стали предлагать ему картины художника, которые в свое время сумели купить задешево. Эжен Дрюэ был первым после Берты Вейль, кто поставил на молодых фовистов. Если раньше Щукин покупал в галерее Дрюэ работы Гогена, то теперь его выбор пал на эффектный натюрморт Матисса. «Он очень красив», — написал Щукин его автору и даже исполнил маленький набросок своего нового приобретения.

Из поездки в Алжир весной 1906 года художник привез несколько изделий из керамики и молитвенные коврики, купленные на базаре в Бискре — цветущем оазисе среди песков пустыни. Солирующий в композиции черно-бело-желто-красный ковер появляется в нескольких натюрмортах, написанных летом 1906 года в Коллиуре. Посуда и фрукты на красно-черном ковре — первый в московской коллекции натюрморт с тканями, к которым художник и его русский почитатель испытывали особые чувства.

Анри Матисс начал собирать свою коллекцию тканей еще студентом. С. И. Щукин, глава фирмы по торговле текстилем, не только сам подбирал ассортимент материй, но и лично просматривал рисунки и расцветки тканей. Это не могло не выработать у собирателя профессионального отношения к колориту, рисунку, декоративности. Так что к восприятию новой живописи глава фирмы «И. В. Щукин с сыновьями» был подготовлен отлично.

Анри Матисс
«Посуда и фрукты на красно-черном ковре»
1906

Купив несколько работ у парижских маршанов, Сергей Щукин сделал художнику заказ напрямую. Он попросил его написать два натюрморта: один — большой, а другой среднего размера. Большим натюрмортом (G. N. M. — grande nature-morte, как сокращенно назвал его в письмах Матисс) была «Красная комната», а средним — «Статуэтка и вазы на восточном ковре». Обе картины Матисс выставил на Осеннем салоне 1908 года с указанием на принадлежность владельцу, скрывавшемуся за инициалами M. Sch.

Заказывая двухметровое панно для столовой, Щукин просил выдержать его в синей гамме, поскольку собирался повесить картину рядом с полотнами Гогена, дабы синий контрастировал с ярко-желтыми красками таитянских холстов.

Всё лето 1908 года Матисс работал над «большим натюрмортом» у себя в мастерской. Законченную «Гармонию в голубом» пришли посмотреть Амбруаз Воллар и Эжен Дрюэ, который сфотографировал картину, после чего Матисс почти сразу ее переписал. Только благодаря цветному диапозитиву и узким полоскам прежней живописи у кромки холста можно представить себе первоначальную гамму огромной картины с женщиной, накрывающей стол.

Анри Матисс
«Красная комната» / «Гармония в красном»
1908

«Он [“большой натюрморт”] показался мне недостаточно декоративным, — объяснял художник заказчику превращение “Гармонии в голубом” в “Гармонию в красном”. — Даже те, кто вначале считал, что он сделан хорошо, теперь находят его значительно более красивым». Матисс ужасно раздражался, когда ему говорили, что он написал совершенно другую картину: «Это не другая картина. Просто я ищу силу и равновесие цвета».

«Гармония в красном» стала центральной из выставленных Матиссом работ на Осеннем салоне 1908 года. «Неожиданно я оказался перед стеной, которая пела, — нет, она кричала, кричала красками и излучала сияние. Что-то совершенно новое и беспощадное было в ее необузданной свободе…» — написал о «Красной комнате» один из зрителей».

Три коллекционера произведений искусства о том, как сохранить свою коллекцию — и почему вам не нужна эта большая картина над диваном

Вместо того, чтобы заполнять пространство, эти коллекционеры делают заявления.

Rodrigo Daguerre

Коллекционирование в мире искусства во многом зависит от цены и окупаемости инвестиций. Но сегодня работа более доступна, чем когда-либо, с множеством точек входа и причин для покупок, выходящих за рамки чистой прибыли. Для трех торонтцев, представленных здесь, Мишель Кёрнер, Ан Те Лю и Миа Нильсен, то, как они приобретают, хранят и живут со своими произведениями, очень индивидуально.

«Это эстетично», — говорит Кёрнер, объясняя, почему ее привлекают определенные произведения искусства. «Хотя я очень счастлив, когда есть тема, которая меня сильно волнует». Со временем Лю объединял материалы, предметы и произведения искусства (свои и другие) в «картины и натюрморты», отражающие его личную историю. «Для меня это похоже на взросление», — говорит он. Нильсен, тем временем, советует новым коллекционерам не искать эту большую картину, чтобы перебраться через диван. «Обещаю, тебе это не понадобится», — говорит она.Вместо этого она практикует форму лечения, основанную на интуитивной прозорливости удачной находки.

Эти сборщики не заполняют пространство, а делают заявления.

История продолжается под рекламой

ИНКУБАТОР ИСКУССТВА

Миа Нильсен.

Родриго Дагерр / The Globe and Mail

Миа Нильсен — куратор и культурный программист The Drake, канадского дизайн-института с бутик-отелями в Торонто и Веллингтоне, Онтарио., рестораны и недавно открывшаяся площадка для живых выступлений. Она называет то, что она делает визуальным повествованием, делится сенсорными идеями о том, что значит быть расположенным здесь и сейчас, представленным в пространстве, где «приветствуются буквально все», — говорит она.

Но истории, которые она рассказывает, не ограничиваются множеством владений The Drake, в том числе новой автомобильной гостиницей в графстве Принц Эдвард, Онтарио, которая откроется этим летом. Они начинаются в ее доме в Ситон-Виллидж в Торонто, где она экспериментирует с объектами и идеями в космосе.«Я думаю об этом почти как о студии. И это всегда меняется, — говорит она. «Если я просыпаюсь в воскресенье утром и у меня нет никаких планов на этот день, я начинаю перемещать вещи. Это лучший день в моей жизни «.

Родриго Дагерр / Roddrigo Daguerre

Нильсен тяготеет к более мелким, эфемерным, нетипичным или даже не относящимся к искусству произведениям искусства, таким как текстиль, фотографии, украшения, книги, монеты датской кроны или акварельная промокательная бумага от художника из Виктории Рика Леонга. и осторожно организует элементы в виде значимых виньеток на стенах и столешницах.Именно в сочетании вещей — как они соотносятся друг с другом и почему — истории, созданные в уме Нильсена, находят свое выражение. «Все предметы на стене могут отражать или преломлять свет — это может быть так просто», — говорит она. В ее гостиной рисунок руки Ребекки Лэддс, выделенный на стене так, что он отбрасывает тень, соединен с горкой фонаря, светящимся кристаллом и люцитовым ожерельем Кори Мораниса. «Во всех них есть что-то яркое».

Любимая комната: владельцы проектируют дом в Торонто, чтобы минимизировать воздействие на окружающую среду

Любимая комната: как собрать коллекцию произведений искусства — даже если вы впервые покупаете

Любимая комната: как чердак в Торонто приобрел ощущение Нарнии

ЖЕНСКОЕ ПРОСТРАНСТВО

Мишель Кернер.

Родриго Дагерр

Мишель Кернер, лидер канадского искусства, входит в правление Фонда Национальной галереи и Института искусства Канады. «Я выступаю за женщин в искусстве», — говорит она, объясняя импульс для другого проекта, «Инициатива в области женского искусства», многолетнего фонда для поддержки выставок и публикаций женщин-художников. Три года назад Кернер поделился идеей со Стефаном Йостом, недавно назначенным генеральным директором Художественной галереи Онтарио. «Он был очень заинтересован и сразу принял участие», — говорит она.Более крупная цель Кернера, помимо создания сообщества женщин, поддерживающих других женщин, состоит в достижении паритета в общей коллекции AGO. «Это высокая, но важная цель», — говорит она.

В своем собственном доме в районе Роуздейл Кернер говорит, что она «тяготела к коллекционированию произведений искусства выдающихся женщин». Фотограф из Монреаля Джессика Итон создала серию «Кубики » для Альберса и ЛеВитта , используя геометрические формы, гели и мультиэкспозицию.«Ее работы очень абстрактны и красочны, а процесс увлекательный», — говорит Кернер. В 2014 году она открыла для себя работы Занеле Мухоли, южноафриканского «визуального активиста», выступающего за права ЛГБТКИ, в Центре изображений Райерсона. встреча с выставкой «Лица и фазы» Мухоли.

Картина Ребекки Белмор «Мадонна » , изображающая художницу, одетую в крафт-бумагу и держащую коряги, также висит на стене Кернера.Ретроспектива мультимедийного художника Анишинаабе 2018 года в AGO теперь проходит в Remai Modern в Саскатуне. Кернер непоколебимо называет Белмора «одним из самых важных художников, работающих сегодня в Канаде».

ЛИЧНАЯ ГАЛЕРЕЯ

An Te Liu.

Родриго Дагерр

Дом художника Ань Те Лю ранее использовался как студия. Но поскольку его практика сместилась в сторону скульптуры, большая часть которой была сделана из бронзы, керамики и бетона, он перенес свои работы в соседнее специализированное рабочее место.Хотя он хранит некоторые доказательства художников (или hors-série ) в лофте Кенсингтонского рынка, он признает, что это место «теперь более домашнее, что-то вроде салона и для развлечений», — говорит он. «И я часто использую его для демонстрации работ».

История продолжается под рекламой

Эти работы охватывают весь спектр от артефактов до произведений искусства друзей и студентов, которых он преподает в Университете Торонто, а также других произведений, которые он приобрел в процессе. «Почти во всем здесь много личной истории, будь то я или кто-то другой, будь то искусство, мебель или декоративное искусство», — говорит он.«Есть родословная, как остатки определенных отрывков в моей жизни». Держа эти предметы рядом, как пробные камни, он напоминает о вещах, которые для него важны.

Семейные фотографии его прадеда, земледельца, и деда, ученого, изучавшего богословие и основавшего христианские церкви на Тайване, где преобладает буддизм, висят на стенах. Графитовый рисунок страниц из учебника истории искусства и раскрашенная обложка книги Клода Леви-Стросса «Дикий разум », написанные Рулой Парфениу, напоминают Лю о его временах, когда он изучал историю искусства и архитектуру.Хромогенный отпечаток сталкивающихся частиц, сделанный немецким художником Томасом Руффом, опровергает интерес к теоретической физике и «тайной жизни нашего физического мира», — говорит Лю. Он получил ее после того, как продал две свои работы. «Продай кусок, купи кусок», — говорит он.

Фотография Родриго Дагерра. Стиль Синтии Флорек.

9 коллекционных ресурсов для поиска произведений искусства, которые вы хотите купить

Интернет открыл новые и постоянно растущие возможности для рынка искусства.Для связанных художников и коллекционеров поиск и покупка произведений искусства происходит быстрее и проще.

Мгновенный характер эпохи Интернета дает коллекционерам и дилерам самые свежие новости и информацию о деятельности в мире искусства. И хотя продажи на местах по-прежнему составляют значительную часть рынка, онлайн-ресурсы предоставляют профессионалам и энтузиастам круглосуточный доступ к информации.

Вот почему мы обращаемся к следующим веб-сайтам за самыми последними объявлениями, комментариями, личностями и надежными платформами продаж.

Новости арт-рынка

1. Гипераллергический

Начатый в 2009 году, Hyperallergic предлагает критический и редакционный онлайн-контент о современном искусстве, специально нацеленный на «серьезное, игривое и радикальное мышление об искусстве в современном мире». Подписчики новостной рассылки получают доступ к новостям, объявлениям, статьям и событиям.

2. Блуэн Артинфо

Имея 15 международных изданий, Blouin ArtInfo освещает самые свежие события в сфере искусства и бизнеса, включая аукционы искусства, галереи, музеи и художников.Blouin Artinfo Corp представляет собой наиболее полное портфолио веб-сайтов, путеводителей, справочников по ценам на произведения искусства, баз данных по продажам произведений искусства, каталогов выставок и компании по издательству книг, — все с целью предоставить людям все необходимое для создания, покупки и понимания искусства.

3. The Art Newspaper

Новости, обзоры и комментарии искусствоведов со всего мира, The Art Newspaper постоянно обновляет свою аудиторию по всему миру. Штаб-квартиры находятся в Нью-Йорке и Лондоне, редакции также расположены в Турине, Париже, Москве, Пекине и Афинах.В дополнение к своим онлайн-ресурсам подписчики также могут получать ежемесячное печатное издание.

4. Список Ларри

Этот постоянный источник новостей арт-рынка включает всемирную сеть профессионалов в области искусства, которые имеют доступ к своей тщательно изученной и обновленной базе данных профилей и информации о коллекционерах произведений искусства. Эта информация помогает людям исследовать конкретные регионы, покупательские тенденции и других профессионалов в области искусства, поскольку это относится к их целям и интересам, включая подробные отчеты о тенденциях и новостях арт-рынка.

Интернет-платформы арт-рынка

5. Artsy.net

Artsy — это ведущий ресурс для любителей искусства, цель которого — «сделать все мировое искусство доступным для всех, у кого есть подключение к Интернету». Благодаря обширной базе данных произведений искусства, охватывающих периоды от исторического до современного искусства, пользователи могут исследовать, открывать и собирать произведения искусства. Используя технологии для продвижения способов категоризации и фильтрации искусства, Artsy также предоставляет редакционные и образовательные материалы коллекционерам и энтузиастам искусства по всему миру.

6. Art World Forum

Art World Forum — это сетевой инструмент, который объединяет свой онлайн-контент с международными конференциями, где инвесторы, коллекционеры, дилеры, страховщики, ученые и практики встречаются и учатся друг у друга. Его цель — предоставить инструменты и понимание рынка как профессионалам в области искусства, так и лидерам бизнеса.

7. Art and Only

Сделав акцент на прозрачности, Art and Only — это онлайн-платформа для поиска, покупки и продажи современного искусства.Коллекционеры могут просматривать тщательно отобранные произведения искусства и читать редакционные статьи, в которых рассказывается о мнениях экспертов, кураторов и проверенных профессионалов в области искусства.

Художественные аукционы

8. Christie’s, Sotheby’s & Phillips

Эти три дома представляют собой крупнейшие и старейшие аукционные дома элитного искусства. Christie’s, Sotheby’s и Phillips являются лидерами арт-рынка с момента своего основания в середине — конце 18 века, и каждый из них стал известен благодаря высококлассным продажам произведений изобразительного искусства, фотографии и ювелирных украшений.Чтобы не отставать от новых и грядущих платформ онлайн-аукционов, каждый аукционный дом включил возможности онлайн-торгов, привлекая процент новых покупателей произведений искусства с помощью этой новой технологии.

9. artnet

Сайт artnet стремится сделать рынок искусства прозрачным, предоставляя платформы для поиска, исследования, покупки и продажи произведений искусства. Он предлагает доступ к их базе данных цен, рыночным оповещениям о новых произведениях на аукционах или результатам аукционов, которые включают художников, за которыми вы следите, сеть галерей, круглосуточные онлайн-аукционы и аналитические отчеты, а также партнерские отношения и списки из других аукционных домов. .

Хотите узнать больше? Узнайте, что коллекционерам нужно знать о покупке произведений искусства в Интернете.

Подпишитесь, чтобы прочитать | Файнэншл Таймс

Разумный взгляд на мировой образ жизни, искусство и культуру

• Полезные чтения
• Интервью и отзывы
• Кроссворд The ​​FT
• Путешествия, дома, развлечения и стиль

Выберите вашу подписку

Испытание

Попробуйте полный цифровой доступ и узнайте, почему более 1 миллиона читателей подписались на FT

• В течение 4 недель получите неограниченный цифровой доступ премиум-класса к надежным, отмеченным наградами бизнес-новостям FT

Подробнее

Цифровой

Будьте в курсе важных новостей и мнений

• MyFT — отслеживайте самые важные для вас темы
• FT Weekend — полный доступ к материалам выходных дней
• Приложения для мобильных устройств и планшетов — загрузите, чтобы читать на ходу
• Подарочная статья — делитесь до 10 статьями в месяц с семьей, друзьями и коллегами

Подробнее

ePaper

Цифровая копия печатного издания

с простой навигацией.

• Прочтите печатное издание на любом цифровом устройстве, можно прочитать в любое время или загрузить на ходу
• Доступно 5 международных изданий с переводом на более чем 100 языков
• FT Magazine, журнал How to Spend It и информационные приложения включены
• Доступ к предыдущим выпускам за 10 лет и к архивам с возможностью поиска

Подробнее

Команда или предприятие

Премиум FT.com доступ для нескольких пользователей, с интеграцией и инструментами администрирования

Премиум цифровой доступ, плюс:

• Удобный доступ для групп пользователей
• Интеграция со сторонними платформами и CRM-системами
• Цены на основе использования и оптовые скидки для нескольких пользователей
• Инструменты управления подпиской и отчеты об использовании
• Система единого входа (SSO) на основе SAML
• Специализированный аккаунт и команды по работе с клиентами

Подробнее

Узнайте больше и сравните подписки содержание раскрывается выше

Или, если вы уже являетесь подписчиком

Войти

Три типа коллекторов | FineArtViews

Эта статья написана Кейт Бонд, Постоянный автор FineArtViews.Вы должны отправить статью и поделиться своим мнением как приглашенный автор, нажав здесь.

Я думаю, что существует 3 основных типа коллекторов. Ну может 4.

1. Коллекционеры, использующие искусство в качестве декора

2. Коллекционеры, считающие искусство предметом престижа

3. Коллекционеры, любящие искусство ради искусства

А возможные 4 ^-е :

4. Коллекционеры, которые входят в комбинацию из 2 или всех 3 вышеуказанных групп

Это все? Возможно нет.Есть исключения? Наверное, да. Но я думаю, что это захватывает большинство коллекционеров . Да, я подумал о тех, кто покупает за инвестиции. Но когда я рассмотрел этих коллекционеров, я почувствовал, что они тоже вписываются в одну из этих групп — в первую очередь №2. Если они делают ставку на предмет, который растет в цене, они должны считать его предметом престижа — чем-то редким, но очень востребованным — чем-то ценным. Есть и другие мотивы коллекционирования, которые я придумал. Но опять же, для каждого примера мне удавалось объединить их в одну или несколько из этих групп.Так что я придерживаюсь своей теории. Но вы можете пробить в нем дыры. Это нормально. Делитесь своими идеями.

А пока давайте взглянем на эти группы поближе. Затем мы обсудим, какие последствия (если таковые имеются) для вас.

Декор

Я уверен, что вы все встретили этот типаж. «О, я люблю эту картину, но не могли бы вы изменить цветовую схему, чтобы она соответствовала моей комнате? Мне нужно больше лилового и пурпурного в картине ». Или, возможно, коллекционер, который говорит: «Мне нужно что-то высотой 36 дюймов и шириной 30 дюймов, чтобы поместиться над моей мантией.У тебя есть что-нибудь такого размера? »

В первую очередь этих коллекционеров беспокоит то, как он будет работать в комнате с другой мебелью и цветовым решением. На втором месте — качество и тематика. Конечно, многие из этих коллекционеров знают качество (но многие нет). Тем не менее, они пройдут мимо многих великих произведений искусства, потому что они не «работают» в этом районе.

Или, может быть, тематика имеет решающее значение для соответствия теме декора, но качество не имеет значения.

Предметы престижа

«У меня есть работа художника А, которая выставляется в галерее Б.Работает в музеях C, D и E. Он получил несколько наград. Недавно награда F на выставке G. Одна из его картин только что продана на аукционе H за J долларов ». (Я пропустил «I», потому что он выглядел как номер один.)

Эти коллекционеры покупают узнаваемые имена. Живой или мертвый художник должен пользоваться большим спросом. Работа дорогая. Эти коллекционеры подпитывают свое эго, имея возможность покупать то, что другие не могут. Они покупают престижные вещи. Они покупают художника.

В некоторых случаях коллекционер даже покупал посредственную работу у одного из этих высоко оцененных художников, просто чтобы получить одну. И эти коллекционеры обходят стороной искусство, которое столь же хорошо или даже лучше просто потому, что художник малоизвестен или пользуется большим спросом.

Любовь к искусству

Эти коллекционеры покупают искусство, потому что они искренне любят искусство. Они покупают произведения искусства, говорящие с ними, независимо от того, кто их создал, какого размера или цвета.

Комбинации

Да, есть коллекционеры, которые безумно любят искусство и покупают только то, что им говорят. Но они только смотрят у высоко собранных и признанных художников. Они подходят под №2 и №3. Или может быть коллекционер, который находит 3 или 4 престижных картины, которые ему нравятся. Но вместо того, чтобы выбрать свою самую любимую (или самую дорогую работу), он покупает ту, которая лучше всего работает в комнате (№1 и №2). И так далее.

Что это значит для тебя, художник?

Это действительно важно?

Может быть, а может и нет.Это зависит от того, что вы делаете со знаниями. Я думаю, осознание того, что существуют разные типы коллекционеров, может вам только помочь. Вы можете настроить и направить свои разговоры с ними в зависимости от того, к какому типу они относятся. Это может помочь вам в маркетинге — пробовать разные подходы для разных типов коллекционеров.

Один тип коллектора лучше другого?

Нет. Все они коллекционеры, которые по разным причинам решают забрать ваши работы.Уважайте их причины. Ваша работа — это то, что они хотят. Неважно почему. Однако большинство художников-пуристов предпочитают коллекционеров, которые собирают из любви к искусству. Художники хотят знать, что их работы кого-то тронули. Но, в конце концов, любой, кто покупает вашу работу, кладет еду на ваш стол и еще больше красит вашу палитру.

Следует ли продавать каждой группе отдельно и отдельно?

Некоторые методы маркетинга охватят все группы. Другие методы захватят одно или другое.Я думаю, что различных маркетинговых методов всегда лучше, чем один или два. Попробуйте много чего. Некоторые будут работать лучше, чем другие.

Последние мысли

Не обижайтесь, когда кто-то спрашивает, можно ли поменять цвет с зеленого на оранжевый. Не обижайтесь, если кто-то не считает вашу работу достаточно престижной. Не обижайтесь, если кому-то не совсем нравится ваша работа. Есть много других коллекционеров, которым он понравится за его цвет или размер.Будет много коллекционеров, которые считают ваши работы престижными, и тех, кто искренне любит их просто за то, что они есть.

С наилучшими пожеланиями,

Кейт Бонд

Кому принадлежат лучшие частные коллекции произведений искусства в мире?

Вопреки распространенному мнению, не все шедевры искусства хранятся в музеях и общественных галереях. Многие из них хранятся в частных коллекциях произведений искусства , где лишь немногие избранные могут их увидеть.

Это очень дорогое и очень эксклюзивное хобби в основном предназначено для миллиардеров, и пять ведущих игроков контролируют активы в размере на сумму более 11 миллиардов долларов .

Хотя многие ведущие коллекционеры мира покупают произведения искусства из чистой радости, связанной с владением ими, следует отметить, что сбор коллекций — это фантастический выбор для вложения средств: произведения искусства являются наиболее стабильным и надежным способом вложения средств, и многие из них таковыми являются. осознавать, что покупка произведений искусства — фантастический билет в стабильную финансовую стратосферу.

Итак, если у вас нет миллиарда долларов, прожигающих дыру на вашем счете в швейцарском банке, скорее всего, вы не скоро начнете соперничать с ведущими частными коллекциями мира — но это не означает, что вам не следует знать, кто есть кто в мире. коллекционеров элитного искусства.

С этой целью мы подготовили одиннадцать частных коллекций произведений искусства , которые определенно стоит знать, некоторые из которых вы даже можете увидеть сами.

Совет редакции: Искусство коллекционирования: интимный тур по частным коллекциям произведений искусства с советами по созданию собственного искусства

Посредством интимных интервью с коллекционерами эта книга раскрывает страсть к увлечению искусством, дает советы экспертов и демистифицирует процесс коллекционирования.

Показанное изображение: Частная комната Бибо, через squarespace.com; L&E ​​Private Collection, через leprivateartcollection.com; Хирт Леде, через nymag.com. Все изображения используются только в иллюстративных целях.

Стив Коэн

Считается многими одним из самых престижных коллекционеров произведений искусства на земном шаре. Стив Коэн — богатый покупатель, который потратил сотни миллионов долларов на создание невероятной коллекции.

Он является владельцем нескольких постимпрессионистских картин ( Купальщицы Гогена или Ван Гога Молодая крестьянка ), нескольких произведений современного искусства (например, Мадонна Мунка ) и многочисленных произведений современного искусства (например, Виллема де Кунинга). Police Gazette и Woman III , одна из картин Джексона Поллока и Дэмиена Херста «Физическая невозможность смерти в сознании живого человека» ().

Показанное изображение: Стив и Алекс Коэн, дома перед флагом Джаспера Джонса, через fortune.com.

Эли и Эдит Броуд

Стоимость Эли и Эдит Брод оценивается примерно в 2,2 миллиарда долларов, что, возможно, является лучшей частной коллекцией современного искусства в мире.

Из почти 2000 работ , большинство из которых доступны для всеобщего обозрения в Музее Броуд в Лос-Анджелесе, Эли и Эдит Броуд обладают работами таких художников, как Джаспер Джонс, Сай Твомбли, Джозеф Бойс, Роберт Раушенберг, Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Эдвард Руша.

Показанное изображение: Эли и Эдит Броуд, с сайта ярди.com.

Подю и Анита Заблудович

С 1990-х годов Poju и Anita Zabludowicz медленно накапливали свою коллекцию произведений искусства из 500 художников / 5000 произведений.

Они выставляют свою частную коллекцию произведений искусства в трех разных местах, в основном в галерее 176 в Северном Лондоне. Помимо организации программ резиденций художников в Лас-Вегасе, Poju и Анита Заблудович планируют открыть где-нибудь в будущем частный музей современного искусства.

Показанное изображение: Poju и Anita Zabludowicz, через telegraph.co.uk.

Франсуа Пино

Франсуа Пино обладает исключительной коллекцией, состоящей из почти 2500 произведений, относящихся к сфере современного и современного искусства. У этого французского миллиардера более 30 лет коллекционирования произведений искусства.

Включает работы таких авторов, как Марк Ротко, Лючио Фонтана, Джефф Кунс и Дэмиен Херст, коллекция Пино, оцененная примерно в 1 доллар.4 миллиарда, доступны для всеобщего обозрения в Палаццо Грасси в Венеции.

Показанное изображение: Франсуа Пино (слева) и Тадао Андо, 2016 г., © Fred Marigaux.

Ли Бён Чулль

После того, как Ли Бён Чулл умер в 1987 году, его чудесная частная коллекция произведений искусства была открыта для публики для экскурсий.

Этот ведущий корейский частный художественный музей переполнен тем, что корейское правительство определяет как национальных сокровищ .Коллекция корейского искусства Ли Бён Чула считается одной из крупнейших частных коллекций в стране.

Показанное изображение: Председатель Ли Бён Чулль Картина Сынхвана Кима, через saatchiart.com

Адриан Ченг

Адриан Ченг , бизнесмен из Гонконга и наследник миллиардера Ченг Ю-дуна, был тем, кто основал K11 Foundation, некоммерческий фонд в Китае, который воспитывает молодых современных художников и способствует общественному образованию.

Адриан Ченг собирает произведения и демонстрирует художественные таланты из Китая, способствуя межкультурным диалогам на мировой арт-сцене.

Показанное изображение: Адриан Ченг, фото Дэвида Атланта.

Чарльз Саатчи

Его имя не нуждается в представлении — Чарльз Саатчи , торговец и коллекционер, является одной из важнейших фигур на сцене современного искусства. Последние два десятилетия Саатчи работал с некоторыми из самых известных художников нашего времени, регулярно собирая у них произведения искусства.

Коллекция Саатчи полна художественных драгоценностей, созданных такими мастерами, как Дональд Джадд, Сол Левитт, Ансельм Кифер, Энди Уорхол и Джулиан Шнабель. Он также является ярким примером размещения частных коллекций в Интернете.

Показанное изображение: Чарльз Саатчи, через leroybrothers.com.

Бернар Арно

Бернар Арно — известный коллекционер произведений искусства, широко известный своей современной коллекцией, в которую входят работы Пабло Пикассо, Герхарда Рихтера, Кристиана Болтански, Пьера Юйге, Ива Кляйна, Генри Мура и Энди Уорхола.

Многие из этих произведений искусства можно увидеть в Fondation Louis Vuitton , строительство которого Арно начал строить в 2006 году.

Показанное изображение: Бернар Арно, через Фонд Луи Виттон, Мартин Аргирогло.

Филипп Ниархос

Когда в 1996 году скончался Ниархос старший, греческий судоходный магнат оставил после себя личное состояние в размере около 5 миллиардов долларов и коллекцию шедевров, которая, по слухам, включала в себя крупнейший в мире частный фонд работ Ван Гога .

Эти вещи стали собственностью Филиппа Ниархоса , и теперь, спустя более двух десятилетий после смерти его отца, эта коллекция оценивается в , около 2,2 миллиарда долларов .

Показанное изображение: Мануэла Папатакис и Филип Ниархос, прибывающие морем на Каннский кинофестиваль, через googleusercontent.com/

Дэвид Геффен

В конце концов, частная коллекция современного искусства Дэвида Геффена , пожалуй, единственная, которую можно сравнить с коллекцией Эли Броуда.

Геффен является счастливым обладателем нескольких шедевров лучших художников второй половины 20 века. После того, как он недавно продал модель Number 5 Джексона Поллока и Woman III Виллема де Кунинга, его коллекция теперь стоит около 2,3 миллиарда долларов.

Показанное изображение: Дэвид Геффен, через stocklandmartel.net.

Эзра и Давид Нахмад

Самая ценная коллекция на планете принадлежит двум братьям, Эзре и Давиду Нахмаду .

Оценочная стоимость более $ 3 млрд , это удивительное собрание произведений искусства является результатом простой стратегии братьев — купить много произведений искусства, подержать их некоторое время, а затем продать их намного дороже, чем они заплатили. Это.

Помимо старых произведений искусства, таких как этрусские саркофаги и картины Леонардо да Винчи, написанные маслом, Эзра и Давид Нахмад владеют многочисленными работами таких художников, как Амедео Модильяни, Густав Климт, Пабло Пикассо и Винсент Ван Гог.

Показанное изображение: Эзра и Дэвид Нахмад, через mcclatchydc.com.

Шесть женщин-коллекционеров, изменивших историю художественных учреждений — ARTDEX

Женщины, несомненно, оставили свой след в мире искусства. Несмотря на то, что в прошлом их часто затмевали, сегодня женщины осознают свой огромный вклад в искусство, которое мы знаем. Несмотря на социальные препятствия и отсутствие более широкой поддержки, они боролись за то, что было для них важно.

Женщины-коллекционеры не исключение — без них история художественных институтов в том виде, в каком мы ее знаем, была бы совершенно иной.Давайте подробнее рассмотрим, как шести выдающимся женщинам удалось стать великими коллекционерами и историческими меценатами:

«Праздник Гертруды Вандербильт Уитни», изданный Западным центром Буффало Билла »

Гертруда Вандербильт Уитни

Гертруда Вандербильт Уитни была основателем знаменитого Музея американского искусства Уитни в Нью-Йорке. Несмотря на то, что она родилась в богатстве Вандербильтов, Уитни считалась скромным филантропом.Ее репутация возникла в основном из-за спонсорства Международной гильдии композиторов, а также многих других благотворительных мероприятий.

Она продолжила карьеру в искусстве, став одним из самых выдающихся скульпторов 1890-х годов после обучения у Огюста Родена. Однако она также была страстным коллекционером и известным меценатом. В 1907 году Уитни превратила свою студию в Нью-Йорке в художественную галерею. В последующие годы она расширила его, чтобы можно было разместить больше работ. Ее коллекция, насчитывающая около 600 произведений искусства, легла в основу коллекции музея Уитни как одной из передовых коллекций американского искусства 20-го века.

Пегги Гуггенхайм

Мы уже отмечали Пегги Гуггенхайм как одну из значительных фигур в истории искусства. Она была интригующей красочной фигурой, несомненно, заслуживающей того, чтобы ее запомнили самые преданные покровители искусства современности. Гуггенхайм была известна как богема еще до того, как увлеклась искусством, благодаря богатству своей семьи и репутации племянницы Соломона Р. Гуггенхайма, основавшего Музей Гуггенхайма в Нью-Йорке.По общему признанию, ее девизом было «покупай картину в день», и вскоре музеи в США перестали казаться ей достаточно впечатляющими. После недолгого пребывания в лондонской галерее Guggenheim Jeune , Гуггенхайм в конце концов открыла свою галерею в Нью-Йорке под названием Art of this Century , посвященную продвижению сюрреализма, кубизма и абстрактного искусства. Она полностью нарушила нормы высокого искусства начала 1940-х годов, известные как «маленький джентльменский клуб». В конечном итоге он закрылся в 1947 году, но только после того, как смог выставить и выделить работы выдающихся женщин-художников, таких как Фрида Кало, Луиза Буржуа и Леонора Кэррингтон.

Энтузиастка искусства Анника Коннор в зале Фрагонар в Frick Collection во время бала молодых стипендиатов 2015 года. Фото BFAnyc.com. | Источник изображения: wmagazine.com

Helen Clay Frick

Хелен Клэй Фрик была необыкновенной женщиной, хорошо разбирающейся в искусстве с двадцати пяти лет. Семья Фрик была богатой и уже имела значительную коллекцию произведений искусства к тому времени, когда Хелен унаследовала 38 миллионов долларов и стала самой богатой женщиной в Соединенных Штатах. После смерти отца Фрик позаботился о том, чтобы его великолепная коллекция, в которую входили некоторые из великих шедевров Тернера, Констебля, Гейнсборо и Вермеера, а также многие работы старых мастеров, превратилась в потрясающий публичный музей.По просьбе Хелен Клэй Фрик коллекция Фрика приобрела множество замечательных работ, а именно несколько невероятных произведений Рембрандта, Гойи, Энгра, Моне и многих других. Она также создала Справочную библиотеку по искусству Фрика, настоящую сокровищницу для сообщества искусствоведов и исследователей, в том числе более 228 000 книг по искусству, документирующих европейское и американское искусство с 4-го по середину 20-го веков.

Лилли Блисс

Лилли Блисс, дочь богатого торговца текстилем из Бостона, была одной из трех женщин-основательниц Музея современного искусства (MoMA) в Нью-Йорке, получившего впоследствии широкую известность как «неукротимые дамы».«Ее вклад в мир искусства огромен, поскольку она была одним из первых крупных коллекционеров современного искусства в Нью-Йорке. Ее любовь к искусству была очевидна во всем, что она делала, и современное искусство особенно активно защищало ее коллекцию величайших современных мастеров Сезанна, Сёра, Гогена, Модильяни и Моне и многих других.

О величине ее достижений можно судить по тому факту, что современное искусство не было востребовано в то время, когда Блисс верила в его ценность и пыталась убедить остальную часть арт-сообщества согласиться.Преданная своему делу, Блисс, любящая машины и эксцентричная революционерка из мира искусства, так и не вышла замуж. Она проводила время активно в художественном сообществе, и МоМА во многом походил на ее ребенка. Она подарила недавно основанному учреждению 150 произведений из коллекции ценных произведений искусства, которые сформировали музейную коллекцию и внесли свой вклад в создание нового музея в годы его важного становления.

«Неукротимые дамы» — три основателя MoMA: Слева направо: Эбби Рокфеллер, Лилли Блисс, Мэри Куинн Салливан | Источник изображения: Pinterest

Эбби Олдрич Рокфеллер

Вторым основателем MoMA была Эбби Рокфеллер, еще одна противница консерватизма в художественных учреждениях.Когда Художественный музей Метрополитен в то время категорически отказался иметь какое-либо отношение к современному искусству, у нее возникла мотивация увести художественные институты от собеседования. Музей Метрополитен даже отказался от пожертвований Рокфеллером произведений современного искусства в 1929 году.

После того, как Эбби стала частью Рокфеллеров, очень известной семьи филантропов, выйдя замуж за Джона Д. Рокфеллера-младшего, она посвятила себя поддержке идей, которые большинство людей в то время считали нетрадиционными, такими как искусство и продвижение женщин, фактически независимо от ее муж.В результате Рокфеллер не получила много положительных отзывов в обществе из-за того, что считала, что даже радикальное искусство заслуживает поддержки, однако она никогда не отступалась от идей, которые она всем сердцем поддерживала. Будучи дальновидной любительницей современного искусства, она была твердо убеждена в том, что некоторые художники, считавшиеся неоднозначными, не должны терять поддержку покровителей из-за характера создаваемой ими новой формы искусства. Рокфеллер внесла неоценимый вклад в MoMA, так как ее муж оказал большую финансовую помощь музею, а также пожертвовал место для знаменитого сада скульптур MoMA.В 1935 году Рокфеллер подарила музею 181 лучшую картину из своей коллекции, а в 1935 году журнал Time назвал ее «выдающимся покровителем ныне живущих художников США».

Мэри Куинн Салливан

Мэри Куинн Салливан была третьим соучредителем MoMA в 1929 году. Она была не так богата, как некоторые другие коллекционеры-женщины того времени, но ей все же удалось приобрести произведения Ван Гога, Пикассо, Сезанна, Дерен, Модильяни и другие известные художники. Салливан любила проводить время с женщинами, которые выходили за рамки возможного, что в конечном итоге положило начало ее дружбе с Блисс и Олдричем Рокфеллерами.

Трио мечтало о галерее современного искусства в Нью-Йорке, и с самого начала своей карьеры учителя рисования Мэри Куинн Салливан внесла в нее свой вклад, разработав образовательную миссию. Ее влияние является непреходящей частью учреждения, несмотря на то, что она ушла с должности попечителя музея всего через четыре года после его открытия. Салливан открыла свою собственную картинную галерею на Парк-авеню, наняв юную Бетти Парсонс в 1932 году, что могло отвлечь ее внимание от Музея современного искусства. Тем не менее, она по-прежнему помогла основать учреждение и осталась решительным сторонником многих благотворительных проектов и программ в области искусства.

Благодаря продаже трех произведений искусства из коллекции Лилли П. Блисс, в 1941 году МоМА приобрело картину Винсента Ван Гога «Звездная ночь». | Источник изображения: moma.org

Женщины-коллекционеры положительно повлияли на историю искусства, особенно в области нового и современного искусства. Они не отказались от того, что, по их мнению, должен делать каждый меценат, — от предоставления столь необходимых признаний и демонстрации площадок для этих начинающих и неизвестных художников.Они повысили свой голос, рассказали свои истории миру и изменили наследие искусства — те же самые ценности, которые мы в ARTDEX придерживаемся в своей основе.

В конечном счете, их новаторские усилия и влияние внесли неизмеримый вклад в современный мир искусства, с которым мы взаимодействуем. Без женщин-коллекционеров, таких как Гертруда Вандербильт Уитни, Пегги Гуггенхайм, Хелен Клэй Фрик, Лилли Блисс, Эбби Олдрич Рокфеллер и Мэри Куинн Салливан, и их непоколебимой поддержки искусства своего времени, трудно представить, что такое история современного искусства и художественные учреждения, ценимые широкой публикой, были бы такими же, как сегодня.

Эти коллекционеры искусства создают свою собственную метавселенную с помощью игр

Сильвен Леви только что стал со-продюсером своей первой видеоигры, Forgetter , которая была запущена в Steam 17 апреля. Сильвен Леви также никогда в жизни не играл в видеоигры. «Я не шучу», — говорит 67-летний коллекционер произведений искусства по телефону Zoom из Парижа. «Три игры, которые я знаю, — это Cyberpunk , футбольная игра FIFA , потому что в нее играет мой сын, и Forgetter .”

Forgetter — не первый набег Леви в цифровой мир, но это его первая работа с дизайнерами игр. В данном случае проживают в Гонконге Эллисон Ян Цзин и Алан Кван. Это едкий подход к очищению творчества: игрок работает на стартап, который очищает мозги мертвых художников от дисфункций и травм и продает чистые мозги родителям, которые хотят одаренных, спокойных детей. Стирая эти сокровенные воспоминания, вы также можете найти настоящие произведения китайских художников — все из коллекции Леви — и разбить их на куски.Это также квази-уборщик-симулятор, так что вам дополнительно платят за уборку беспорядка.

После 10 месяцев разработки Ян и Кван сделали видео с пошаговым руководством по игре для Леви. «Я не думаю, что мои руки достаточно подвижны, чтобы быть эффективными в игре», — говорит он, переворачивая ладони. «Но я люблю видеоигры и люблю смотреть, как люди играют в видеоигры».

Леви — не просто коллекционер. Он новый тип покровителя видеоигр, стремящийся изучить то, что он называет нашим «цифровым двойником», — наши развивающиеся онлайн-персонажи с разными аппетитами и поведением.«Очень важно понимать, что у нас есть эта двойная личность», — говорит он, особенно потому, что технологии стимулируют человеческие преобразования. Поскольку цифровые пространства продолжают определять нашу жизнь после COVID, чем ближе мы подходим к тому, что действительно может предложить метавселенная. Коммерческие игры, такие как Fortnite и даже Roblox , долгое время считались предшественниками идеи общей виртуальной вселенной, в которой мы живем, работаем и играем. Но работа Леви с играми может стимулировать более глубокие разговоры о том, чего мы хотим (и что нам нужно) в метавселенной, которая неизбежно будет формироваться корпорациями и основной культурой.

В 2005 году Леви и его жена Доминик создали Dslcollection, влиятельную коллекцию китайского современного искусства, которая никогда не превышает 350 предметов. Их дочь Карен также помогает управлять коллекцией, в которую входят работы таких звезд китайского искусства, как Гу Дексинь, Ян Фудун, Цзя Айли, Цзэн Фаньчжи и Ай Вэйвэй. Пара начинала с моды и последние «36 или 37» лет собирала произведения искусства и дизайна. Ситуация изменилась после того, как зять Леви переехал в Шанхай, непреднамеренно познакомив Леви с современным искусством в Китае и подтолкнув семейный бизнес в новую эру.«Мы сказали:« Хорошо, поскольку искусство — это зеркало общества, давайте соберем современное китайское искусство и попытаемся найти энергию… которую мы испытываем в городе », — говорит Леви.

Используя Интернет и YouTube, Леви также решили сделать свою новую коллекцию общедоступной — чего они никогда раньше не делали. Как один из первых защитников новых технологий, Сильвен Леви вспоминает, как в конце 2010 года создавал приложение Dslcollection для iPad. «Было очень забавно, когда я показывал свое приложение, когда шел на ярмарку», — улыбается он.«Галереи обращались ко мне:« У вас нет денег, чтобы напечатать каталог? »»

Забывчивый.

Для Dslcollection было не так уж сложно переосмыслить то, как они хотели делиться своим искусством с миром. В 2009 году они создали музей Second Life с художниками новых медиа Лили и Хунлей. Несколькими годами позже появилась виртуальная выставка взломанного воссозданного музея Гран-Пале в Париже, для которого потребовались стереоскопические очки, чтобы в полной мере насладиться произведением искусства.А вскоре после этого появилась виртуальная реальность. «Очень быстро мы узнали, что погружение и геймификация становятся очень важными в опыте искусства, и особенно с VR, мы пытались охватить недостающую аудиторию», — говорит Леви.

Когда Эллисон Янг упомянула «покровителя» искусства Forgetter другим разработчикам игр, они казались удивленными. Леви сначала обратился к ней по поводу VR-проекта, но она возразила идеей игры. «Многие люди, которых могут запугать музей или не интересоваться современным искусством, будут вынуждены увидеть ваше искусство в игре, даже не зная об этом заранее», — сказала она ему.После работы над несколькими демонстрациями Ян и Кван ежемесячно встречались с Леви, который также финансировал часть производственного бюджета. «[Сильвен] очень смелый человек», — говорит она. «Он дал нам полную творческую свободу делать то, что мы считали подходящим».

«Мы пытались достучаться до отсутствующей аудитории».

Кван, который занимается созданием арт-игр почти десять лет, рассматривает это новое партнерство между патронами и производителями как потенциальную финансовую модель для экспериментальных игр. В конце концов, финансирование паблик-арта — это не золотая жила.«Итак, мы пытаемся исследовать, помимо краудфандинга, помимо привлечения издателя, другие альтернативные модели для поддержки экспериментальных проектов инди-игр», — говорит он. Согласно недавнему отчету, мировой рынок искусства оценивается примерно в 50 миллиардов долларов. Конечно, мир изобразительного искусства — это в основном площадка для богатых, желающих потратить деньги, а коллекционеры вроде Леви — редкость. Но интересно представить сценарий, в котором более прогрессивные умы в мире искусства вложили свой капитал — финансовый, культурный и другой — в видение более полной и богатой общей вселенной.(Нет, NFT, я не имею в виду вас.)

«Мы сознательно выбрали людей, не связанных с индустрией видеоигр, для создания этих игр», — говорит Леви о своих новых начинаниях. «Когда вы смотрите на [игры], вы чувствуете, что это было сделано художником, людьми, сформированными искусством или культурой, а не только технологиями или маркетингом. Вы можете почувствовать душу … вы можете почувствовать, что это делают люди, более связанные с миром искусства, чем с индустрией досуга ».

По словам дизайнера Калина Сигала, Dslcollection — один из первых (если не первый) коллекционеров произведений искусства, которые помогли разрабатывать игры.Сигал стал соучредителем многопрофильной группы «Дети киберпространства», которая работает с Леви над игрой под названием « июнь ». «Я видел … коллекции, которые брали напрокат или заимствовали изображения для видеоигр, но это всегда было в форме уловки», — говорит Сигал.

Июнь прослеживает эволюцию ребенка в киберпространстве и будет включать более традиционные элементы платформера. Игра раскрывает путь художника к самопознанию, используя все, от прямого сканирования произведений искусства и цифровых репродукций до намеков на текстуры и визуальных пасхальных яиц.Это также наладило новые связи между дизайнерами игр и художниками, чьи работы представлены. Одним из вдохновителей команды является художник-перформанс Чжан Хуань, который был частью авангардного арт-сообщества Пекина Ист-Виллидж — фотография его дискомфортного произведения 12 квадратных метров является частью коллекции Dslcollection. Персонаж Джун с его благословения переживет собственную версию изнурительного выступления Чжана.

Но это виртуальная реальность, где Леви кажется наиболее удобным — он использует ее дома, и это легко для него.Это наиболее интуитивно понятный способ окунуться в будущее, «оставаясь человеком», что, по мнению Леви, будет самым сложным в метавселенной, где миллионы пользователей взаимодействуют тысячами различных способов. Еще более важно оставаться человеком, поскольку наша нынешняя реальность превращается в антиутопию. «Если вы посмотрите на то, что происходит во всем мире, мир будет немного похож на 1984 », — размышляет он. «Мы должны вернуть гуманизм в основу всех технологий… и лучший способ сделать это — через культуру, через искусство, и я верю, что все больше и больше искусство может быть способом уравновесить этот новый мир, который мы» повторный вход.”

Вместе со своими бывшими сотрудниками Second Life Лили и Хонглей Леви сейчас работает над амбициозным VR-проектом по воссозданию Ист-Виллидж, где несколько художников Dslcollection оттачивали свое мастерство. Лили и Хонглей рассмотрели несколько платформ для VR Art Village: VRchat, Sinespace и Second Life / Linden Lab’s Sansar, в конечном итоге выбрав Sansar из-за его способности одновременно принимать несколько сотен человек.

В коротком ролике проекта показан виртуальный полузащитный аватар, бегающий по сельской деревне пасмурным вечером. На заднем плане вырисовывается заброшенный цементный завод. Игроки смогут принимать участие в мероприятиях, смотреть живые выступления и встречаться с артистами в космосе. Есть даже транспортная система, по которой можно передвигаться. Там будут мастерские художников и витрины — парикмахерская и книжный магазин, а также сельская школа с кинотеатром, основанная на воспоминаниях Лили и Хунлей о детстве в Пекине.

Помимо помещения мира изобразительного искусства в один маленький уголок метавселенной, VR Art Village также является живой данью уважения одному из значительных периодов в истории современного искусства Китая, от которого сохранилось мало исторического материала. «К всеобщему удивлению, систематическая документация об обществе 1980-х и 1990-х годов в Китае на удивление скудна и разрознена, вы просто не можете найти что-то», — говорит Лили. Ист-Виллидж, возникший в результате протестов на площади Тяньаньмэнь в 1989 году, был недолгим убежищем для политического дискурса через искусство в особенно нестабильную эпоху.«Я думаю, что если мы сможем предоставить социальный контекст для коллекции Dsl, это будет что-то особенное», — говорит Лили. «Когда вы смотрите на произведения искусства в музеях и галереях, они каким-то образом теряют контекст с обществом и средой, которые создали или повлияли на эти произведения искусства».

«Это вымышленное место, которое мы создали, чтобы придать смысл нашему времени».

Дизайнеры также открывают деревню Гран-Пале, где будет сад скульптур для их коллекции.Конечный план состоит в том, чтобы продолжать добавлять больше пространств и соединять их вместе, и Лили в конечном итоге надеется привлечь арт-сообщество Нью-Йорка. «Эта платформа немного похожа на игру Fortnite », — говорит Леви. «Я думаю, что это будет следующий уровень, и мы выпустим эту платформу к концу года». Лили считает, что деревня завершена примерно на 70 процентов; они просто ждут появления искусства.

Конечно, арт-игры и эксперименты в виртуальной реальности не новость.Независимые дизайнеры работали над своим ремеслом годами, часто без ресурсов, доступных для более крупных студий. Но энтузиазм Леви к играм — маленьким экспериментальным играм, созданным крошечными командами из двух человек — является маяком для большего числа художников и коллекционеров, чтобы они могли осмысленно участвовать в нашей общей цифровой вселенной, используя язык нашего времени.

На сегодняшний день распространенные представления о метавселенной настолько обширны и устрашающи, что только миллиардные корпорации, такие как Facebook или Epic, могут позволить себе разработать и внедрить необходимую инфраструктуру.Как отчетливо коммерческое пространство, Fortnite позволяет всем нашим любимым знаменитостям и брендам тусоваться вместе, от кинематографической вселенной Marvel и Star Wars до NFL и Major Lazer. В конце концов, это все бизнес — бизнес, который будет продолжать процветать за счет уловок и культурного капитала. Но как бы ни разворачивалась наша надвигающаяся метавселенная, это не будет единый монолитный монокультурный мир.

«Всегда есть мрачное представление о том, как капиталисты могут манипулировать вещами, но я все же думаю, что есть некоторые возможности.… как для Сильвена, мецената, работать с такими художниками и дизайнерами, как мы, и создавать что-то интересное », — говорит Кван. «Конечно, масштаб намного меньше, но я думаю, что это все еще может быть интересное сотрудничество, которое заставляет вещи работать между этими двумя мирами».

Художникам есть куда нести правду и сочувствие, даже в рамках корпоративного или капиталистического мира; некоторые могут даже возразить, что это обязанность художника. «[Метавселенная] одновременно является реальным и воображаемым местом, потому что то, что мы считаем метавселенной или киберпространством, в конце концов, это мифическая страна», — говорит Сигал.«Это вымышленное место, которое мы создали, чтобы придать смысл нашему времени, и в практическом смысле … это никогда не будет централизованной системой, но у нее будут очаги сопротивления».

На данный момент видение Леви семейной коллекции — это новый смелый проводник между изобразительным искусством и играми. Он очень счастлив, если то, что он делает, побуждает других коллекционеров искусства заниматься играми и виртуальной реальностью не ради денег, а для создания гуманного опыта и новых экспериментов в заведомо ориентированном на прибыль пространстве.