Цветовая палитра

Для кухни в стиле поп-арт характерно разнообразие ярких, порой кричащих, оттенков и многогранность эмоций.

В большинстве случаев белая поверхность стен, потолка и пола является неким полотном для создания ярких шедевров.

Также можно использовать нейтральные светлые оттенки, которые не будут контрастировать со стилистическими элементами.

Допустимо использование холодного серого оттенка, напоминающего хромированную сталь, поскольку данный тон в качестве отделки был популярен во времена распространения поп-арта.

В интерьере кухни в стиле поп-арт необходимо присутствие светлой стены, как фона для проявления вашей фантазии и воплощения самых незамысловатых идей.

Достаточно покрасить поверхность стены краской белого цвета и изобразить на ней ваш любимый продукт или бренд.

Для этой цели подойдут названия ваших любимых сладостей или напитков, автомобильных марок, при этом вы можете не обладать навыками профессионального художника.

Также существует возможность заказать фотообои по желаемому эскизу или за неимением идей просто ознакомиться с различными решениями на фото кухни в стиле поп-арт.

Мебель и текстиль

Меблировка в дизайне кухни в стиле поп-арт должна быть необычной и яркой. Для этого используется различные дизайнерские пуфы, стулья, столы самых разнообразных цветов.

Данные решения способны придать отличное настроение даже самому скучному оформлению.

При этом предметы мебели должны быть одной формы и оттенка. В большинстве случаев используются столы квадратной или круглой формы, а также столешницы, изготовленные из пластика.

В выборе стульев необходимо основываться на общем обустройстве помещения. Бытовая техника может быть выполнена в любых оттенках, а мойка – стандартная, из нержавеющей стали.

Если в интерьере присутствуют каменные или деревянные поверхности, или их имитация, то их лицевую сторону можно оформить яркой краской для стилизации.

Текстиль для подобного интерьера должен быть таким же ярким и однотонным, с принтом в виде полоски или горошка. Используйте занавески насыщенного оттенка с различными декоративными элементами.

Отделочные материалы

Так как поп-арт предусматривает собой использование яркой мебели, то отделочные материалы следует выполнять в нейтральном тоне.

Для пола отлично подойдёт виниловый линолеум тёмных или нейтральных цветов. Для потолочной поверхности используют краску одного оттенка и декорируют её подсветками и плинтусом.

Также существует и другой вариант оформления, когда поверхность стен оформляют насыщенным оттенком и используют предметы мебели спокойных и нейтральных тонов.

Характерные элементы декора

Для декорирования кухни в стиле поп-арт допустимо использование разнообразных тематик, будь то изображения Микки Мауса или известных кинодив.

Популярно использование красочных и креативных статуэток или скульптур, изготовленных из пластика, полиуретана или гипса.

Ещё одной характерной дизайнерской особенностью данного стиля является обилие ярких картин, которые можно создать самостоятельно, заказать услуги профессионального или воспользоваться услугами художника. Изображение должно быть кислотных цветов или нейтральным с несколькими насыщенными деталями.

Также в качестве картин можно использовать различные яркие фотографии, которые располагают на нейтральных светлых стенах.

На кухне в стиле поп-арт используется винтажная посуда, выполненная в насыщенных оттенках с различными изображениями героев мультсериала или известных голливудских фильмов. Также используются красочные светильники разнообразных форм.

Данная стилистика подойдёт тем, кто не боится экспериментировать и давать волю своим самым креативным и весёлым задумкам.

Даже рассматривая фото интерьера кухни в стиле поп-арт, можно восхищаться гармоничностью кричащих цветов и общим оформлением помещения.

Фото дизайна кухни в стиле поп-арт

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

Одноклассники

Стиль поп-арт в брендинге

Поп-арт или популярное искусство – это стиль в графическом дизайне, который зародился в 1950-1960 годах. В те годы абстрактный импрессионизм стал заменяться новомодным популярным искусством, в основе которого были средства массовой информации и реклама.

Самым первым идолом поп-арта стала работа Ричарда Гамильтона и она называлась – «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»

Коллаж вызвал всеобщее удивление и ажиотаж, работа до сих пор считается основоположником стиля поп-арт.

Также одним из первых последователей популярного искусства становится Энди Уорхол. Однажды, в 1960 году он работал на компанию «Кока-кола» и создал для них новый дизайн бутылок. Эта работа произвела настоящий фурор, а Энди Уорхол становится популярным художником с неординарным мышлением и видением искусства.

Особенности стиля

Чтобы отличать стиль поп-арт от других стилей графического дизайна, можно выделить несколько особенностей популярного искусства. Например, в поп-арте всегда присутствуют яркие цвета. Это важно, ведь главной аудиторией является молодежь, которую привлекают яркие расцветки. Кстати, от целевой аудитории зависит вся несерьезность поп-арта и пропаганда потребительского отношения.

Композиционные решения в популярном искусстве всегда динамичные и неожиданные. А главными героями обычно становятся известные фигуры (певцы, актрисы, политики).

В поп-арте часто используется техника коллажа и китча. А также, стиль рисовки из комиксов. Жирные контуры, живые герои, которые вот-вот начнут двигаться, и техника растровых точек, словно при печати в типографии.

Вы, наверное, не раз замечали изображения Мэрилин Монро, раскрашенные и растиражированные в цветных квадратах. Это знаменитая работа в стиле поп-арт, сегодня по этому принципу оформляются фотографии других знаменитых людей. Открытые и простые цветовые решения, а также недорогие материалы, рассчитанные на массы.

Как искусство, поп-арт отражает реалии современной жизни. Реализм является главным источником вдохновения для художников этого стиля, например визуальные вещатели (журналы, комиксы, телевидение).

Вообще, изначально стиль поп-арт был призван критиковать популяризацию, однако, благодаря рекламе СМИ и Голливуда, искусство поп-художников стало очень популярным.

Поп-искусство стало невероятно многообразным. Теперь это не просто коллажи и плакаты, теперь это стиль для создания интерьеров, логотипов, упаковок продуктов, рекламы общественных заведений. Это способ привлечь внимание публики, и многие активно им пользуются.

Например, вот несколько примеров отличного дизайна интерьеров в стиле поп-арт.

А это пример рекламы и рекламного плаката для суши-бара.

Поп-арт в брендинге активно используется для привлечения внимания целевой аудитории – молодежи.

А совсем недавно была создана необычная модель кабриолета Bentley. Дизайн был разработан совместно с британским художником Питером Блейком.

В салоне автомобиля сиденья обиты разноцветной кожей, а на подголовниках вышита подпись дизайнера. Машина создавалась для благотворительности и выставится на аукционе.

Поп-арт – это неотъемлемая часть нашей жизни. Это недалекое искусство во всех отношениях, но поразительно эффектное и привлекательное для масс.

 Читайте также:

21 аккаунт в Инстаграм, которые стоит посмотреть

7 культовых дизайнеров всех времен

Дизайнеру: психология логотипов

Стиль поп-арт, прочитайте советы — Mebel.

Название «поп-арт», или в оригинальном английском варианте «pop-art», расшифровать легко: это всего лишь сокращение от слов «popular art», массовое, популярное искусство. Как и пин-ап, этот стиль пришел в мебельный дизайн из изобразительного искусства, но появился позже, в пятидесятых-шестидесятых годах двадцатого века.

Откуда он пришёл?

Закончилась Вторая мировая война, общество, особенно американское, вовсю наслаждалось жизнью, которая зачастую сводилась к неумеренному потреблению. Оно стало возможным благодаря обилию дешевых материалов и массовому производству. Место прочных и добротных вещей, переживающих хозяев, занимали вещи-однодневки, принцип «сломал — и выбросил» широко пропагандировался.

У художников, людей искусства принято было презирать подобный подход, однако среди них нашлись те, что вполне сознательно сумел обыграть его, сделать культурным явлением, особым стилем, и распространить на другие области человеческой жизни.

Что это такое — поп-арт?

Один из основоположников поп-арта, Энди Уорхол, писал: «Если ты не можешь его победить — прими его. Вдобавок, если ты полностью сольешься с ним, то у тебя появится возможность выставить его напоказ». Так и случилось. Поп-арт рассматривал и рассматривает как предметы искусства любые, самые обычные, житейские вещи.

Классические примеры его — изображения банок супа «Кэмпбелл», портреты Мэрилин Монро, выполненные в разных цветах, кадры из комиксов, рекламные объявления, гипсовые изображения продуктов питания, раскрашенные в ненатуральные цвета. Именно на изображении, на повторяющихся мотивах, подчас навязчивых, во что бы то ни стало доносящих до зрителя мнение о ценности обычных вещей, на броскости и яркости и основывается поп-арт как стиль мебели, стиль интерьера.

Создатели поп-арта как стиля протестовали против «искусства для искусства» с одной стороны, а с другой превращали в объект искусства вещи самые банальные и привычные.

Картины как акцент стиля

Квартира или комната становится картиной, полотном, на которое художник наносит свое представление о жизни, о времени. Это тоже ретро-стиль, но поп-арт позволяет себе гораздо больше, чем другие. По сути, но позволяет почти все. Полотно, таким образом, сохраняет естественные светлые цвета.

Стены и потолок в комнате или квартире стиля поп-арт остаются однотонными, белыми, бежевыми, кремовыми или сероватыми. Пол, стены и потолок как бы сливаются друг с другом, преобразуя пространство. Еще сильнее оно искажается и сдвигается за счет ярких пятен на этом фоне. Это могут быть участки стен, окрашенные в насыщенные, даже кислотные оттенки, или куски обоев, или отделка плиткой.

Цвета могут контрастировать друг с другом, не сочетаться — единственно, они должны нравиться тому, кто собирается здесь жить. Часто каждую стену отделывают с использованием разных материалов и фактур. В стенах можно сделать ниши с подсветкой, встроенные шкафы. Таким же ярким и блестящим делается потолок. Здесь допустим и натяжной потолок из-за его блеска, и несколько разноуровневых светильников из цветного стекла и металла.

Однотонным остается разве что пол — но и на него укладывают несколько ярких ковриков неправильной формы со скругленными углами. Ну и, конечно, нельзя забывать главное — картины. Они размещаются везде, но обычно заранее выделяют одну из стен, которую покрывают изображениями полностью.

Для создания атмосферы обращаются к истокам: портретам Мэрилин, изображениям собак, кошек, рекламы, американских президентов, скопированных с долларовых купюр. Чтобы сделать такую стену, не обязательно приглашать дизайнера или уметь рисовать: каждый сам может нанести на нее по трафарету названия своих любимых марок еды, напитков, одежды, или распечатать на принтере коллажи с образцами рекламы середины прошлого века или портретам кинозвезд.

Мебель в стиле поп-арт

А что же мебель? Она не отличается высокой стоимостью и обычно изготавливается из пластика, стекла, реже дерева. Этот стиль любит блестящий металл — ведь хромирование металла распространилось как раз в годы его создания.

Эта мебель также не имеет строгих форм, она «текучая», округлая, теряющая привычные очертания. Характерная особенность мебели в стиле поп-арт — ее нестандартность, даже эпатажность. Кресло в форме ладони с растопыренными пальцами или в виде прозрачной полусферы, подвешенной к потолку, диван в форме губ, кровать в виде сердечка, пуфы-мешки и пуфы-шахматы — вот примеры такой мебели. Конечно, встречаются и не столь вопиющие формы, но любой стол, стул или кровать должны нести на себе этот отпечаток, позволяющий посмеяться над банальностью и ширпотребом и в то же время не отвергать их.

Мебели в стиле поп-арт не должно быть слишком много, она и так достаточно притягивает взгляд. Лучше избежать предметов «скучных», например, одежных шкафов и гардеробов — здесь и пригодятся встроенные шкафы, стеллажи, открытые полки.

Встроенной может быть и кровать. Столы и столики в стиле поп-арт — ни в коем случае не прямоугольные и не квадратные. Они могут быть круглыми или овальными, или иметь неопределенные плавные очертания. Стулья — с хромированными деталями, самых невероятных форм и расцветок. Совсем не обязательно, чтобы у них было по четыре ножки: вполне возможно одна, две или три.

Что же в почете у поп-арта?

Поп-арт, при всей своей направленности на массовое производство, стиль штучный: кроме росписи стен, можно собственноручно обтянуть стулья тканью или клеенкой с рекламными мотивами, оклеить стол яркой, блестящей пластиковой пленкой.

Для кухни в стиле поп-арт вполне достаточно такого стола и стульев, а также рекламных плакатов, постеров и фотографий на стене. Сама кухонная мебель, то есть навесные шкафчики, полки и тумбы, могут иметь стандартные очертания, разве что не слишком угловатые, и яркую окраску.

Поп-арт требует также нестандартных аксессуаров: особым почетом пользуются пластиковые скульптуры собак, картонные изображения кинозвезд в натуральную величину на подставках, гипсовые и деревянные статуэтки, книги в ярких обложках, диванные подушки, рисунок которых повторяет изображения на стенах.

Поп-арт живет уже больше шестидесяти лет, и по-прежнему остается молодым и свежим, полным идей.

Интерьер в стиле поп-арт — впечатляющие яркость, неординарность и простота

Характеристика интерьера в стиле поп-арт

Популярный сегодня стиль поп-арт берет свое начало в Англии в 60-х годах как вызов абстракционизму. Термин «pор art» в переводе с английского определяется как «популярное искусство». Главные эстетические принципы этого дизайнерского вида  основываются на принципах рекламы: доходчивость, наглядность, броскость, связь реальности и иллюзии.

Чем характеризуется интерьер в стиле поп-арт? Этот стиль был создан с целью удивить и впечатлить людей дизайном. Тематика интерьера в стиле поп-арт выглядит ярко, необычно, экспрессивно и даже вызывающе. Основные характеристики стиля поп-арт  — это колоритные цвета, броские формы, повторяющиеся элементы и использование элементов из пластика.

Стиль поп-арт в интерьере возвел в ранг произведений искусства обычные предметы быта и изображения людей. В нем смешаны причудливые формы и сочные, насыщенные краски. Поп-арт — это энергичный и эмоциональный стиль.

Что характерно для мебели в стиле поп-арт

Выбор мебели в стиле поп-арт является самым сложным этапом в оформлении интерьера. Так как, чтобы оформить жилище в такой манере, в пользу экстравагантности  во многом придется отказаться от домашнего уюта. Корпусная мебель поп-арт должна иметь максимально простую форму, но иметь броский внешний вид. Для поп-арта в интерьере не приемлемы громоздкие шкафы и комоды, поэтому для хранения вещей следует отдать предпочтение встроенным в ниши шкафам и гардеробным.

Особенности мебели поп-арт

Мебель поп-арт  должна быть оригинальной и броской, но незатейливой по форме. Так как здесь недопустимо обилие мебели, следует ограничиться минимальным набором.  Для создания интерьера в таком стиле  необходимо подобрать всевозможные пуфы, кресла и диваны с контрастным рисунком, яркие пластиковые стулья, журнальные столики и стеллажи.

Современная мебель в стиле поп-арт имеет обтекаемые формы, яркий насыщенный цвет, повторяющиеся узоры и сверкающий глянец. Интересен и тот факт, что на подобные предметы можно и даже нужно наносить рисунки из комиксов, различные орнаменты и даже граффити.

Конечно, самая лучшая мебель поп-арт — это авторские работы, но сегодня можно найти и более доступную подходящую обстановку. Так как стиль поп-арт не слишком требователен к подбору предметов интерьера, в нем можно сочетать несочетаемое. В нашем каталоге можно найти и заказать любую подходящую вам мебель в стиле поп-арт.

Предлагаем весь ассортимент данного производителя. На сайте могут отсутствовать некоторые модели.

Делаем поп-арт интерьер от Твинстор

Что такое поп-арт? Это буйство красок и эмоций, стиль, отлично иллюстрирующий современный ритм жизни. Зародившись еще в 60-е годы ХХ века, этот стиль остается популярным по сей день.

Наибольшей популярностью этот стиль пользуется у молодежи, а также у представителей творческой интеллигенции. В основе стиля поп-арт лежат яркие цвета, зачастую контрастные друг другу. Если Вы решите оформить квартиру в этом стиле, смело выбирайте яркие кислотные цвета. Второй вариант – остановиться на классической смеси черного и белого.

Другая яркая отличительная черта стиля – декорирование стен афишами и плакатами, изображениями кумиров, героев мультфильмов или комиксов. При этом портреты можно разместить не только на стенах – популярные изображения можно разместить на подушках, постельном белье или декоративных предметах.

Немаловажен и свет, в частности, неоновые лампы освещения, светодиодная подсветка, а также разноцветные лампы. А вот в отношении мебели в стиле поп-арт действуют законы минимализма: активно используются встроенные шкафы, выдвижные кровати или тахты. Словом, больше пространства и воздуха!

• В отношении мебели исповедуется принцип минимализма. Количество предметов мебели сведено до минимума, часть из них может трансформироваться. Активно используются встроенные шкафы, выдвижные тахты и кровати.

• Еще стиль поп-арт в интерьере характерен слоганом «Сегодня использовал – завтра выбросил». Зачастую некоторые предметы быта используются не по назначению – например, использование бутылок и декорированных консервных банок вместо ваз. От большинства используемых предметов не требуется долговечности и высокого качества.

• Отделочные материалы часто имеют глянцевую фактуру. Это шелковистая ткань, яркая синтетика, стекло, полированный пластик, в декоре можно использовать блестящие нитки и стразы. Чем больше глянца – тем лучше.

Рестораны и кафе в стиле поп-арт

Говорить про поп-арт достаточно легко. Интерьеры в этом стиле описать можно несколькими словами: креативные, яркие, необычные. Дизайнеры, прикрываясь иностранным термином popular art, творят прямо-таки все, что хотят. Благо, никаких ограничений в использовании самых разных образов, красок и материалов стиль не предполагает. Буйство цвета, оригинальные идеи, микс из разных аксессуаров, мебели и оборудования — все это отражается в дизайне интерьера молодежного кафе, бара, клуба.

Зародилось течение popular art в изобразительном искусстве Англии середины двадцатого столетия. Сразу же оно провозгласило своей главной мыслью отказ от условностей. Активно развиваясь на протяжении последующих пяти-шести лет, поп-арт быстро стал элементом массовой культуры и символом, по мнению многих его и сторонников и критиков, общества потребления.

Особенности интерьера

Поп-арт — стиль эпатажный. Неподготовленный посетитель кафе или бара, оформленного столь броско, может вполне испытать шок. Он, правда, пройдет быстро и сменится большим интересом ко всему, чем наполнено помещение: кислотные цвета, принты, коллажи, изображения известных лиц в самых неожиданных образах.

Большинство поверхностей в интерьерах поп-арт имеет глянцевый блеск, начиная с потолка и заканчивая сиденьем стульев. Широко применяется пластик и стекло.

Дизайнеры предприятий HoReCa поп-арт любят. Стиль узнаваем, при талантливом исполнении всегда хорошо подается и воспринимается, к тому же, в отличие от жилых помещений, общественные имеют большую площадь, а значит и поле для деятельности и самореализации внушительное.

Игра цвета

Ограничений в цвете поп-арт не ставит. Пожелание лишь одно — выбирать самые смелые, контрастные и яркие оттенки. Но конечно, если Вы не хотите скатиться в китч, мера нужна и здесь.

Что касается потолка, пола и стен, то стоит отдать предпочтение нейтральному цвету. Например, классическому сочетанию черного и белого или белого и красного, которое можно выгодно дополнить оригинальной мягкой мебелью, фотографиями и аксессуарами.

Актуальна и разработка интерьера, где доминирует один цвет, а несколько остальных лишь оттеняют его или встраиваются в монохромную гамму.

Материалы

При выборе отделочных или декоративных материалов нужно как можно дальше уходить от классики — никакого дерева в его традиционном применении, венецианской штукатурки, лепнины, паркетных досок. Стены чаще всего украшают фотообои или художественная роспись. Изображают медийнных персон (современных и уже ушедших), сюжеты из комиксов, абстракцию, геометрические фигуры и т.д. На откуп художникам отдают одну или две стены, а остальные просто покрывают краской, чтобы не перегружать образами пространство.

Пол и потолок в интерьерах поп-арт глянцевые, блестящие. Потолки многоуровневые, подвесные с встроенной подсветкой. Полы наливные, из керамической плитки или паркета. Некоторые решаются на смелый шаг и используют в качестве покрытия ковролин.

Мебель рopular art

Если возник вопрос, какую купить мебель для ресторанов и кафе в стиле поп-арт, обратитесь к специалистам MebelCafe.ru. Подберем для Вашего кафе оптимальный вариант оснащения, согласно стилю и бюджету. В нашем интернет-магазине представлен большой выбор мебели для самых разных интерьеров — от классических до новаторских.

А пока — несколько советов, как выбрать столы и стулья, диваны, кресла и барную стойку для проекта в стиле рopular art.

Идеально будут смотреться столы разных форм, имеющие плавные, обтекаемые линии, изготовленные из стекла или пластика. Можно обыграть интерьер, разнообразив его невысокими пластиковыми столиками. К ним отлично подойдут стулья из того же материала, имеющие замысловатую форму, пуфики, обтянутые яркой тканью и мягкие кресла Лион.

Мебель поп-арт заметно отличается от мебели для европейского ресторана или паба. Она вряд ли подойдет под описание традиционных элементов интерьера. Даже стилизованные под ретро-стиль модели украшены яркими деталями и имеют нестандартную кислотную окраску.

Барная стойка, призванная отделять зону бара от основной части зала, проектируют отдельно. Она должна бросаться в глаза, но не выбиваться из общей идеи, не выглядеть, что называется, просто ярким пятном. Наши специалисты могут разработать дизайн эксклюзивной барной стойки, которая станет изюминкой любого ресторана, бара или кафе.

Аксессуары

Поп-арт — это не только разнообразие красок, но и аксессуаров. Активно применяется тиражирование заданного образа, акценты же ставят рамками для фотографий, картинами и постерами, текстилем, аксессуарами из металла.

Отличное решение — украсить интерьер многочисленными источниками искусственного света: люстры, неоновые лампы, диодная подсветка, торшеры, бра. Располагают светильники не только на потолке, стенах или полу, но и на столах или барной стойке. Всегда выигрышно смотря барные стулья серии Disco, на которые падает свет с козырька барной стойки. Посетители будто находятся под светом сценических прожекторов, привлекая к себе внимание.

Мягкую мебель можно украсить расшитыми вручную подушками. Таким образом создать отличную зону отдыха.

Поп-арт — направление для активных, динамичных и эмоциональных людей. Они с легкостью живут в ярком интерьере, не устают от цветового многообразия, поэтому выбирая этот стиль для своего заведения, обязательно учитывайте, кто станет Вашим гостем

произведений по стилю: Поп-арт

Стиль

Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и медиа-звезд, движение поп-арт стремилось стереть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Представление об отсутствии иерархии культуры и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из самых влиятельных характеристик поп-арта.

Можно утверждать, что абстрактные экспрессионисты искали травму в душе, в то время как поп-артисты искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, карикатур и популярных образов в целом. Но, пожалуй, точнее будет сказать, что художники поп-музыки первыми осознали, что нет прямого доступа к чему бы то ни было, будь то душа, мир природы или искусственная среда.Поп-артисты считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих работах.

Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, большая часть его несколько эмоционально удалена. В отличие от предшествовавшего ему «горячего» выражения жестовой абстракции, поп-арт вообще «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или отказ от него, было предметом многочисленных споров.

Большинство художников поп-музыки начинали свою карьеру в коммерческом искусстве: Энди Уорхол был очень успешным журнальным иллюстратором и графическим дизайнером; Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника по рекламным щитам. Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и популярной культуры.

Коллажи в стиле поп-арт, созданные британскими художниками Эдуардо Паолоцци и Ричардом Гамильтоном, передают неоднозначное отношение европейцев к американской поп-культуре; оба превозносят предметы и изображения массового производства, а также критикуют излишества.В его коллаже Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956 г.), Гамильтон объединил изображения из различных источников средств массовой информации, тщательно отобрав каждое изображение и собрав разрозненные элементы популярных изображений в одно последовательное исследование послевоенной потребительской культуры. Члены Независимой группы были первыми художниками, представившими образы средств массовой информации, признавая вызовы традиционным категориям искусства, возникшие в Америке и Великобритании после 1945 года.

В США Рой Лихтенштейн доказал, что он может удовлетворить требования «отличной» композиции, даже несмотря на то, что его сюжет взят из комиксов. Помимо использования изображений из этих массовых книжек с картинками, Лихтенштейн присвоил методы, используемые для создания изображений в комиксах, для создания своих картин. Он не только принял те же яркие цвета и четкие очертания, что и популярное искусство, но и его самым новаторским вкладом было также использование точек Бен-Дей: маленькие точки, используемые для передачи цвета в дешевых комиксах массового производства.Сосредоточив внимание на одной панели в комиксе, полотна Лихтенштейна не являются точным факсимиле, а скорее представляют собой творческое переосмысление художником композиции, в которой элементы могут быть добавлены или удалены, масштаб может смещаться, а текст может быть отредактирован. . Рисуя вручную точки, которые обычно создаются машинами, и воссоздавая сцены из комиксов, Лихтенштейн стер различие между массовым воспроизведением и высоким искусством.

Джеймс Розенквист также напрямую использовал образы из популярной культуры для своих картин.Однако вместо того, чтобы производить механические копии, Розенквист осуществлял творческий контроль за счет своего сюрреалистического сопоставления продуктов и знаменитостей, часто вставляя политические сообщения. В рамках своего метода Розенквист сделал коллаж из журнальных вырезок из рекламных объявлений и фоторепортажей, а затем использовал результаты в качестве этюдов для своей последней картины. Обучение Розенквиста рисованию рекламных щитов прекрасно перешло в его реалистичные изображения этих коллажей, расширенных до монументального масштаба. С работами, часто намного большими и широкими, чем 6 метров, Розенквист наделил мирское тем же статусом, который ранее был зарезервирован для высоких, иногда королевских предметов искусства.

Энди Уорхол наиболее известен своими яркими портретами знаменитостей, но на протяжении всей своей карьеры его сюжеты сильно менялись. Общей темой среди различных предметов является их вдохновение в культуре массового потребления. Его самые ранние работы изображают такие объекты, как бутылки Coca-Cola и банки супа Campbell, воспроизводимые до бесконечности, как если бы стена галереи была полкой в ​​​​супермаркете. Уорхол перешел от ручной живописи к трафаретной печати, чтобы еще больше облегчить крупномасштабное тиражирование поп-изображений.Настойчивость Уорхола в отношении механического воспроизведения отвергала представления о художественной подлинности и гениальности. Вместо этого он признал превращение искусства в товар, доказав, что картины ничем не отличаются от банок с супом Кэмпбелл; оба имеют материальную ценность и могут быть куплены и проданы как потребительские товары. Далее он приравнял статус массового производства потребительских товаров к статусу знаменитостей на таких портретах, как Мэрилин Диптих (1962).

Клас Ольденбург, известный своими монументальными публичными скульптурами из повседневных предметов и «мягкими» скульптурами, начал свою карьеру в гораздо меньшем масштабе.В 1961 году он арендовал магазин в Нью-Йорке на месяц, где установил и продал свои проволочные и гипсовые скульптуры мирских предметов, от выпечки до мужского и женского нижнего белья, в инсталляции, которую он назвал The Store (1961). Ольденбург взимал номинальную плату за каждое произведение, что подчеркивало его комментарий о роли искусства как товара. Он начал свои мягкие скульптуры вскоре после The Store , создавая большие предметы повседневного обихода, такие как кусок торта, рожок для мороженого или миксер, из ткани и наполнителя, так что конечный результат схлопывается сам по себе, как сдувающийся воздушный шар. .Ольденбург продолжал сосредотачиваться на обычных предметах на протяжении всей своей карьеры, переходя от мягких скульптур к грандиозному паблик-арту, такому как 45-футовая прищепка (1976) в центре Филадельфии. Независимо от масштаба, работы Ольденбурга всегда сохраняют игривое отношение к воссозданию обыденных вещей нетрадиционным способом, чтобы перевернуть ожидания зрителя.

В реестре Ferus Gallery Эд Руша был одним из ключевых художников поп-музыки Лос-Анджелеса, который работал в различных средствах массовой информации, большинство из которых обычно печатались или рисовались.Подчеркивая вездесущность вывесок в Лос-Анджелесе, Руша использовал слова и фразы в качестве сюжетов в своих ранних картинах в стиле поп-арт. Его первой ссылкой на поп-культуру была картина «Большой товарный знак с восемью прожекторами » (1962), где он использовал логотип 20th Century Fox в упрощенной композиции с резкими краями и четкой палитрой мультфильма, перекликаясь с аналогичными рекламными щитами. Его последующие картины слов еще больше стирали границы между рекламными вывесками, живописью и абстракцией, подрывая границы между эстетическим миром и коммерческой сферой, некоторые даже включали трехмерные объекты, такие как карандаши и комиксы на холстах. Работа Руши предвещает концептуальное искусство конца 1960-х годов, движимое идеей, стоящей за произведением искусства, а не конкретным изображением. Исследование Рушей множества обычных изображений и тем вышло за рамки простого их воспроизведения, но и привело к изучению взаимозаменяемости изображения, текста, места и опыта.

Поп-исполнители, похоже, восприняли бум производства и СМИ после Второй мировой войны. Некоторые критики назвали выбор образов в поп-арте восторженным одобрением капиталистического рынка и товаров, которые он распространял, в то время как другие отметили элемент культурной критики в возвышении поп-художниками повседневного до высокого искусства: привязка товарного статуса представленных товаров к статусу самого предмета искусства, подчеркивая место искусства как, по сути, товара.

См. также Поп-арт (направление в искусстве)

Источники: www.theartstory.org

Движение поп-арта | Форма визуальной коммуникации

Время чтения: 7 минут

Что такое поп-арт? – Поп-арт – очень известная форма искусства, зародившаяся в 1950-х годах. Это художественное движение, созданное в форме графического искусства.Он черпает вдохновение из существующих икон, таких как реклама, комиксы, знаменитости и т. д. В этом письме будут исследованы идеалы и убеждения, лежащие в основе художественного движения, рассмотрены известные поп-исполнители, а также методы и визуальные характеристики их искусства. Он также обсудит, какие другие движения вдохновили поп-арт, а также наследие этого движения. История. Поп-арт появился в середине 1950-х годов в Великобритании, но не возникал в Америке до конца 1950-х годов. 1950-е годы были временем окончания Великой депрессии и Второй мировой войны.Это было время, когда в американских семьях появилось телевидение, а Джон Ф. Кеннеди был избран президентом.

Так что, конечно, многие семьи по всей Америке подвергались печально известному количеству рекламы. Так появился поп-арт. Поп-арт хотел расширить идеи, выраженные абстрактным экспрессионизмом, и бросить вызов традициям изобразительного искусства. Он черпает вдохновение в художественном движении Дада из-за использования найденных предметов. Стиль поп-арт можно легко узнать по его ярким, смелым цветам, толстым четким линиям и какому-то культовому элементу, используемому в качестве основного предмета.Некоторый поп-арт использует повторение, а также вариации цветовых палитр, используемых на одном и том же объекте. Это стало одним из многих художественных движений, которые все еще проявляются в сегодняшней работе, в основном в графическом дизайне.

Идеалы и убеждения – Поп-арт не был художественным движением с точки зрения четко определенной группы. Не было ни организаций, ни целенаправленных групп, ни манифестов, ни единых призывов к определенной ориентации на искусство. Все, что там существовало, было небольшой группой людей, работающих независимо, создавая свою собственную интерпретацию поп-арта.Причина, по которой поп-арт был широко популярен в Америке, заключалась в том, что происходило в то время и в том, как люди превращались в совершенно новое поколение. Это было время, когда изобразительное искусство было широко популярно, поэтому художники хотели создать совершенно новую форму искусства, которая бросила бы вызов характеристикам изобразительного искусства. В качестве основного вдохновения они использовали рекламу и поп-культуру, особенно известные иконы. Поп-арт действительно хотел создать противоречивое сообщение, очень похожее на художественное движение Дада.

Влияние дадаизма – Основное влияние, которое поп-арт использовал для создания своих работ, было дадаизмом. Дадаизм был европейским художественным движением, возникшим в 1910-х годах. Дадаизм был создан из негативной реакции на ужасы Первой мировой войны. Он включал беспорядочные изображения, собранные вместе, как неорганизованный коллаж, чтобы передать сообщение, в основном о Первой мировой войне. Популярным художником, черпавшим вдохновение в движении Дада, был Ричард. Гамильтон. Он был одним из первых английских поп-исполнителей.Представленное произведение искусства называется «Что же делает современные дома такими разными и привлекательными?». Это коллаж, созданный в 1956 году для каталога выставки «Это завтра» в Лондоне, Англия. Это коллекция изображений, взятых из разных ресурсов и помещенных в единое произведение искусства. На нем изображены мужчина и женщина в домашнем хозяйстве. Мужчина интерпретируется как доминирующий человек по языку тела, обнажая большое мускулистое тело и большой «туси-поп». Женщина интерпретируется как сексуальный объект, судя по ее одежде и языку тела.Художественное произведение имеет очень минимальную цветовую палитру, поэтому оно в основном опирается на знаковые элементы дизайна для создания сообщения. Хотя использовались фотографии, это крайне нереалистичный и вымышленный дизайн из-за расположения и размещения элементов. Дадаизм был тем движением, которое зажгло и положило начало поп-арту.

Энди Уорхол — Энди Уорхол был американским художником и одним из самых влиятельных и известных поп-исполнителей всех времен. Его искусство было создано с использованием многих форм художественных техник, включая ручной рисунок, живопись, гравюру, фотографию и шелкографию. Двумя его известными работами были «Банки с супом Кэмпбелл» и «Мэрилин Диптих». Оба они представляют собой повторяющийся образец определенного символического элемента.

Мэрилин Диптих . Это произведение искусства было завершено после смерти Мэрилин Монро в августе 1962 года. Всего в нем 50 портретов Мэрилин Монро. Половина цветные, а половина черно-белые. Люди предполагали, что Уорхол использовал этот цветовой метод, чтобы символизировать Мэрилин в жизни и смерти; жизнь — это цветная сторона, а смерть — черно-белая сторона.Он был основан на фотографии знаменитости; однако это произведение было создано с использованием акрила на холсте и техники шелкографии, чтобы создать почти точную копию портрета. Используемые цвета очень смелые и яркие, и очень ограничены. Работа с линиями минимальна с точки зрения деталей, только черная краска, чтобы воспроизвести затенение. В целом, это произведение было одним из многих произведений искусства, которые очень успешно передавали художественное движение.

Банки для супа Campbell’s — Это произведение искусства было завершено в 1962 году.Всего на ней 32 полотна, на каждом из которых изображена банка супа Кэмпбелл, а на лицевой стороне напечатаны разные ароматы. Он был основан исключительно на самом продукте, сохранив первоначальный вид. Цветовая палитра довольно проста, используется яркий красный цвет, чтобы выделиться, а также сохранить целостность компании. Это произведение искусства, скорее всего, было нарисовано на холсте, а техника шелкографии позволила создать почти точную копию изделия. Работа с линиями снова минимальна, определяя только важные части дизайна без затенения или бликов, что делает дизайн плоским.В целом, это произведение искусства было одним из многих произведений искусства, которые очень успешно передавали художественное движение.

Рой Лихтенштейн — Тонущая девушка — Рой Лихтенштейн был американским поп-исполнителем, который вместе с Энди Уорхолом был ведущей фигурой в новом художественном движении. Он черпает вдохновение из существующих комиксов и придает им юмористический оттенок, почти пародийный. Одна из его самых известных работ называется «Утопающая девушка», созданная в 1963 году. На ней изображена женщина, застрявшая в воде, с речевым пузырем, в котором она говорит: «Мне все равно! Я лучше утону, чем позову Брэда на помощь».Обрезка дизайна очень плотная, раскрывает лишь небольшую часть персонажа, создавая ощущение клаустрофобии. Он использует особую технику, используя маленькие точки яркой цветной краски, чтобы заполнить искусство цветом. Линия толстая, определяет только важные части дизайна, практически без теней и бликов. В целом, это произведение искусства было одним из многих произведений искусства, которые успешно передавали художественное движение.

Наследие . Поп-арт по-прежнему присутствует в современном искусстве, особенно в графическом дизайне.Одно из самых известных произведений искусства называется «Надежда», созданное в 2008 году Шепардом Фейри. Это постер с изображением Барака Обамы, который в то время был культовым из-за выборов в Америке. Стилизован под поп-арт трафаретной техникой и цветовой палитрой. Другой пример — видеоклип известного диджея Дэвида Гетты «Shot Me Down». Стиль музыкального видео находится под сильным влиянием поп-арта с точки зрения стиля иллюстрации, техники и цветовой палитры. Есть много типов средств массовой информации, которые до сих пор включают в себя элементы, очевидные в оригинальном поп-арте.

Заключение – Поп-арт – британское и американское направление в искусстве, зародившееся в конце 1950-х годов. Он был создан с использованием ручных рисунков, красок, фотографии и шелкографии. В этом письме обсуждались идеалы и верования движения, исследовались визуальные характеристики и технические процессы произведений искусства Уорхола. Это также объяснило влияние дадаизма, которое было очень очевидно в творчестве Гамильтона, а также наследие движения. Поп-арт актуален и сегодня, так что это движение никогда не угасало; оно все еще жило.

Создайте свои собственные шедевры поп-арта

Изучите историю дизайна в стиле поп-арт, посмотрите примеры и узнайте, как легко создавать собственные чудеса поп-арта.

Дизайн в стиле поп-арт породил во время послевоенного потребительского бума в Америке и Британии. У художников, стоявших за этим движением, была общая цель — нанести удар кувалдой по предполагаемым давним столпам изобразительного искусства.

Другими словами — долой элитарность (и… здравствуй суповые банки, коллажи?).

Пик поп-арта пришелся на 60-е годы, но он остается одним из самых обсуждаемых и узнаваемых художественных движений в истории. Вот почему (осторожно, спойлер) мы собираемся поделиться дополнительной информацией о поп-арт-дизайне и его сверхзнакомых характеристиках.

Не стесняйтесь нажимать на любой из примеров в стиле поп-арт, которыми мы делимся — все это изображения Shutterstock, которые вы можете использовать в своих собственных проектах.

Кроме того, мы покажем вам, как легко превратить ваши собственные изображения в произведения искусства, вдохновленные Уорхолом!

Что такое поп-арт?

В то время как поп-арт, казалось бы, взорвался в Штатах в 60-х, он начался в 50-х с группой художников-бунтовщиков в Лондоне, которые называли себя Independent Group.

Одержимая борьбой со статус-кво и, как мы упоминали ранее, метафорическими ударами по тому, что составляет «настоящее» искусство, группа часто обсуждала рекламу, фильмы, комиксы, научную фантастику и т. д. — все из American. популярная культура .

Тем не менее, несмотря на то, что британский поп-арт (который, кстати, является термином, который, как говорят, был придуман во время одной из встреч Independent Group) черпал вдохновение в духе времени американской поп-культуры, он делал это на расстоянии. Вот почему многие примеры поп-арта из Британии имеют тенденцию быть более сентиментальными или юмористическими.

Напротив, известные американские поп-исполнители, такие как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Джеймс Розенквист, жили в центре перегрузки американских средств массовой информации, что объясняет заметное отличие от британских работ — в основном, искусство, которое немного смелее и громче.

Характеристики поп-арта

Если вы думаете о создании собственного дизайна в стиле поп-арт и ищете вдохновения, вот несколько наиболее распространенных характеристик поп-арта:

1. Яркие цветовые схемы

Возможно, одной из самых узнаваемых черт поп-арта являются его яркие цветовые схемы. Еще в 50-х и 60-х годах Америка процветала благодаря оптимистичному послевоенному менталитету. Яркие цвета пронизывали ее продукты, помогая им выделяться на полках и привлекая внимание в рекламе.

Художники поп-музыки прошлых лет часто полагались на основные и неоновые цвета, в результате чего искусство, несмотря на то, что оно получило свое название от слова популярный , по-настоящему ПОПС.

2. Фокус на повседневных предметах и ​​объектах

Некоторые из самых заметных произведений поп-арта берут банальные, повседневные предметы и наполняют их цветом и интригой.Причина? Подрывная деятельность.

Такие художники, как Энди Уорхол, хотели прокомментировать повседневную жизнь и отвести обычным предметам или предметам место на музейных стенах.

Это сработало хорошо.

3. Типы смешанных материалов

Вы найдете много поп-арта, вращающегося вокруг тем материализма и потребления. Это имеет смысл, учитывая бум потребления в Америке.

Кроме того, художники будут использовать средства массовой информации в своей работе. Возьмите коллаж 1956 года британского художника Ричарда Гамильтона, . Что же делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , например.

Мало того, что поп-арт часто включает в себя смешанную технику, он принимает форму фотомонтажей произвольной формы (вверху) или коллажей, ориентированных на цвет.

4. Иллюстративный или нарисованный от руки

Поскольку художники часто черпают вдохновение из различных средств массовой информации, вы найдете множество произведений поп-арта, в которых есть жирные линии, нарисованные от руки изображения и элементы дизайна в стиле комиксов.

5. Включает уникальную типографику

Откройте для себя еще больше шрифтов в стиле поп-арт. Изображения предоставлены Lilli Jemska Studio, PUN159 и Lilli Jemska Studio.

Учитывая влияние комиксов, вы обязательно найдете много привлекательной типографики, когда слова используются в поп-арте. Не говоря уже о том, что искусство типографики приобрело собственное направление: современные художники создают потрясающие дизайны, которые поднимают типографику на новые высоты.

Если вы используете типографику в дизайне поп-арта, подумайте о том, что вы хотите сказать, и как вы собираетесь это сказать.В случае с поп-артом как — это то, что придаст ему подлинный, привлекательный вид.

Два способа создать собственный поп-арт с помощью PicMonkey

Чтобы получить еще больше вдохновения, обязательно ознакомьтесь с полной коллекцией поп-арта Shutterstock или воспользуйтесь строкой поиска, чтобы найти изображения, вдохновленные художником. Просто введите имена, такие как «Уорхол» или «Лихтенштейн».

Если у вас есть собственное изображение, которое вы хотели бы превратить в шедевр поп-арта, мы покажем вам два способа сделать это с помощью PicMonkey!

1.

Создайте коллаж в стиле поп-арт с эффектом Уорхола Эффект Уорхола в PicMonkey. Изображение через Юриказак.

1. В PicMonkey откройте пустой шаблон коллажа и выберите макет.

2. Нажмите Добавить изображение на верхней панели инструментов и загрузите свое изображение или выберите одно из библиотеки Shutterstock — наши изображения интегрированы с PicMonkey!

3. Нажмите на изображение и перетащите его в первую ячейку.

4. Не снимая выделения с ячейки, откройте вкладку Эффекты слева и примените эффект Уорхола .

5. Щелкните образцы цвета, чтобы выбрать цвета, затем настройте общий вид с помощью ползунков Яркость , Контраст и Выцветание . Не забудьте нажать Применить , чтобы сохранить изменения.

6. Повторите шаги 3-4 для других ячеек коллажа.

7. Когда вы закончите, нажмите Загрузить на верхней панели инструментов, чтобы экспортировать в виде JPG или PNG , или поделитесь в социальных сетях напрямую с PicMonkey.

Совет от профессионала: Если вы не хотите идти по пути коллажа, просто сначала загрузите свое изображение в PicMonkey, затем добавьте эффект Warhol , настройте и загрузите!

2. Добавьте к изображению элементы иллюстрации и комикса

Если вы предпочитаете что-то, напоминающее комикс, вы можете сделать это с помощью одной фотографии и всего в несколько кликов.

1. Загрузите собственное изображение на PicMonkey или выберите изображение из коллекции Shutterstock.

2. Откройте вкладку Effects слева и щелкните Edge Sketch (под Artsy ). Это делает вашу фотографию похожей на то, что она была обведена карандашом.

3. Чуть ниже Edge Sketch находится Posterize . Это придает вашей фотографии нарисованный вид. Щелкните эффект Posterize , затем используйте ползунки , чтобы настроить внешний вид. Если вещи выглядят размытыми, это нормально. Мы настроим через секунду.

4.Откройте вкладку Edits слева, затем используйте меню Exposure и Colors , чтобы получить нужный вид. Для быстрого редактирования вы также можете нажать Автоматическая настройка цветов . Если вам не нравится внешний вид, просто нажмите стрелку Отменить на нижней панели инструментов.

Совет для профессионалов: Используйте ползунки Saturation и Vibrance для создания образа в стиле поп-арт.

5. Наконец, добавьте комические элементы. Нажмите Themes на верхней панели инструментов, затем выберите Comic Heroes! тема. Настройте свой дизайн с помощью графики и текста.

6. Используйте кнопку Загрузить на верхней панели инструментов, чтобы экспортировать ваш окончательный дизайн и поделиться им!

---

От поп-арта до других долговечных стилей дизайна — в блоге Shutterstock вы найдете еще много интересного:

Обложка через Юди Шариф Мукти .

Что такое поп-арт? Определение движения

Бильярдная, спроектированная Тэдом Хейсом, украшена двойным портретом Трумэна Капоте Уорхола над камином.Фото Скотта Фрэнсиса/OTTO

Поп-арт, возможно, одно из самых влиятельных направлений современного искусства, возник в 1950-х годах. В отличие от традиционной художественной практики, он использовал образы из популярной культуры — комиксов, рекламы, упаковки продуктов и других коммерческих средств — для создания картин и скульптур, которые самым буквальным образом прославляли обычную жизнь.

Ниже мы представляем введение в поп-арт, описывая его характеристики и то, как он появился, а также некоторых из его самых влиятельных практиков и их работы.

Что такое поп-арт?

Поп-арт зародился в Великобритании в 1950-х годах как положительная и критическая реакция на потребительство того периода. Его целью было поставить массовую культуру на один уровень с так называемой высокой культурой.

Коллаж Ричарда Гамильтона 1956 года Что же делает современные дома такими разными, такими привлекательными? Широко распространено мнение, что номер положил начало этому нетрадиционному новому стилю.

Характеристики и темы поп-арта

Работы в стиле поп-арт отличаются смелой образностью, яркими красками и, казалось бы, банальной тематикой.Практикующие стремились бросить вызов статус-кво, порвав с кажущимся элитарным ранее доминирующим абстрактным экспрессионизмом и сделав заявления о текущих событиях.

Другие ключевые характеристики поп-арта включают:

• Присвоение изображений и техник из популярной и коммерческой культуры
• Использование различных средств массовой информации и форматов
• Повторение в изображениях и иконографии
• Включение обычных объектов из рекламы, мультфильмов и других популярных средств массовой информации
• Резкие грани
9033 Ирония и остроумие обработка предмета

Влиятельные художники поп-арта

Хотя британские художники запустили движение, вскоре их затмили американские коллеги.Поп-арт, пожалуй, наиболее тесно связан с Энди Уорхолом, чье умелое использование мотивов и образов помогло превратить художественный стиль в стиль жизни. Большинство самых известных художников поп-музыки начинали с коммерческого искусства, и это помогло им соединить высокую и популярную культуру.

Рой Лихтенштейн (1923–97)

Рой Лихтенштейн был еще одним выдающимся американским исполнителем поп-музыки. Как и Уорхол, Лихтенштейн черпал свои сюжеты из печатных изданий, особенно из комиксов, создавая картины и скульптуры, характеризующиеся основными цветами, смелыми очертаниями и полутоновыми точками, элементами, заимствованными из коммерческой печати.Реконтекстуализация неброского изображения путем импорта его в контекст изобразительного искусства была торговой маркой его стиля.

Роберт Раушенберг (1925–2008)

В равной степени интересуясь массовой культурой и текущими событиями, Роберт Раушенберг работал в различных медиа, создавая картины, коллажи и скульптуры. Однако он наиболее известен своими «комбинациями», сборками найденных предметов, которые сочетают в себе живопись и скульптуру, но не являются ни тем, ни другим.

Энди Уорхол (1928–87)

Энди Уорхол родился и получил образование в Питтсбурге, а в 1949 году переехал в Нью-Йорк, чтобы продолжить карьеру коммерческого иллюстратора.В начале 1960-х он начал создавать авангардные и весьма коммерческие работы, изобилующие портретами знаменитостей, повторением изображений и рекламной иконографией — всеми ключевыми чертами стиля.

В том же 60-х Уорхол запустил Фабрику, место сбора коллег-художников, а также знаменитостей той эпохи, писателей и трансвеститов. Сегодня он считается одним из самых важных художников 20-го века и продолжает оказывать влияние на современных творцов.

Клас Ольденбург (р.1929)

Клас Ольденбург наиболее известен своими гигантскими мягкими скульптурами, изображающими обыденные предметы повседневной жизни. Родившийся в Швеции, Ольденбург переехал со своей женой и творческим сотрудником Кусье ван Брюгген в Нью-Йорк в 1956 году. Там он был очарован городскими граффити, а также его символами коммерческой культуры, такими как витрины магазинов, реклама и фаст-фуд. еда.

Они предоставили модели для непочтительных работ, в том числе общественных скульптур размером с дом, с изображением чизбургеров, рожков мороженого, швейцарских армейских ножей, птичек для бадминтона, пепельниц и других предметов, которые можно найти в музеях по всему миру и рядом с ними.

Кит Харинг (1958–90)

Кит Харинг сделал себе имя в 1980-х годах благодаря своим графическим мультяшным фигурам, нарисованным жирными линиями на стенах станций метро Нью-Йорка. Его работы, похожие на граффити, часто касались серьезных проблем, таких как зависимость и СПИД. Он получил большую часть своей силы от контраста между серьезностью предмета и радостным, ярким пиктографическим языком, на котором он изображен.

Другое влиятельное поп-искусство

Другие художники оставили свой отпечаток на механизме, будь то их фирменный стиль или конкретная деталь.Ниже приведены несколько имен, которые стоит знать:

.

Женщины, которые помогли сформировать поп-арт

Поп-арт приобрел известность в основном благодаря работе горстки мужчин, создававших работы, которые были бесстрастными и отстраненными — другими словами, стереотипно мужскими. Однако было много важных поп-исполнителей, чей значительный вклад в движение признан сегодня.

• Розалин Дрекслер (р. 1926): Дрекслер, наиболее известная своей работой в качестве драматурга и романиста, также создавала картины и коллажи, воплощающие темы и стилистические особенности поп-арта.
• Марисоль Эскобар (1930–2016): Несмотря на сопротивление категоризации, Марисоль (так она предпочитала называть себя) смешивала темы и характеристики поп-музыки и народного искусства в своих фигуративных скульптурах.
• Эвелин Акселл (1935–72): бельгийская поп-художница противостояла гендерным стереотипам в картинах, изображающих женскую эротику.
• Полин Боти (1938–66): основатель и единственная женщина-художник в британском движении поп-арта, Боти создавала работы, выражающие критику мужского доминирования, исследуя женственность и женскую сексуальность.

Влиятельные картины в стиле поп-арт

Многие работы помогли определить движение, каждая из которых реализовала характерные темы и стилистические особенности по-своему, уникально и ярко. Ниже приведены несколько известных картин влиятельных поп-художников.

Энди Уорхол, Банки с супом Кэмпбелл (1962)

Одной из самых известных и знаменитых картин движения является картина Уорхола 1962 года «Банки с супом Кэмпбелл », воспроизводящая изображения из печатной рекламы популярного бренда.

Журналист

Сара МакКоркодейл написала об этом в 2015 году: «Работа, казалось, говорила о духе новой Америки, которая полностью охватила потребительскую культуру нового десятилетия. До конца года Банки супа Кэмпбелла были настолько в моде, что светские львицы Манхэттена надевали платья с принтом банок супа на светские мероприятия».

Рой Лихтенштейн, Плачущая девочка (1963)

Есть две версии Лихтенштейна Плачущая девушка : литография, созданная в 1963 году, и фарфоровая эмаль на стали, сделанная в следующем году.Работа иллюстрирует, как поп-арт исследовал и критиковал социальные нормы эпохи, исследуя идеализированные женские образы, распространенные в 1950-х и 1960-х годах, даже когда женщины боролись за равные права. На нем показаны многие характерные черты Лихтенштейна, такие как яркие цвета и изображение эмоций, на которых изображена женщина со светлыми волосами и красной помадой, а в уголках ее глаз образовались слезы.

Дэвид Хокни, Большой всплеск (1967)

Самая большая и самая яркая из трех картин «Всплеск», созданных Хокни. Эта работа 1967 года изображает бассейн в Калифорнии, поверхность которого взволнована сильным всплеском.Частично основанный на фотографии, он также связан с переездом британского художника в Лос-Анджелес и его увлечением вездесущими бассейнами. Это привело к различным другим изображениям бассейнов, каждое из которых представляло собой уникальное приспособление для отдыха.

Наследие поп-арта

Когда поп-арт появился на сцене в 1950-х годах, никто не мог предсказать, какое влияние он окажет не только на искусство, но и на музыку, моду, дизайн и культуру в целом. Новый стиль, включающий яркие изображения культурных ориентиров, вышел за пределы США. С. и Англии до Германии, Франции, Японии и даже России.

Нео-поп исполнители, такие как Джефф Кунс и Такаси Мураками, еще больше размыли грань между искусством и популярной культурой. Мураками, чьи работы сочетают в себе аниме и потребительскую культуру, даже разработал обложку для альбома Канье Уэста 2007 года « Graduation ».

Сегодня дизайнеры, маркетологи и дома моды черпают вдохновение в поп-арте, обращаясь к потребителям во всем мире. Тем временем современные художники отдают дань уважения этому движению, равно как и такие музеи, как MoMA, которые регулярно устраивают выставки, демонстрирующие его уникальный стиль.

Влияние искусства на дизайн: поп-арт

Художник-прорыв: Энди Уорхол

«Быть ​​успешным в бизнесе — это самое увлекательное искусство. Делать деньги — это искусство, работать — это искусство, а хороший бизнес — это лучшее искусство». –Энди Уорхол

Эндрю Уорхола родился в 1928 году в Питтсбурге в семье иммигрантов из Словакии и с юных лет любил рисовать и голливудские фильмы. Его отец умер, когда ему было 14 лет, оставив все свои сбережения на образование сына. Получив степень бакалавра в области дизайна, Эндрю Вахола сменил фамилию на «Уорхол» и переехал в Нью-Йорк, чтобы продолжить карьеру коммерческого художника.Его иллюстрации для журналов о стиле, таких как Glamour, сделали его одним из самых успешных дизайнеров 1950-х годов. Добившись коммерческого и критического успеха в мире дизайна, Уорхол обратил свое внимание на живопись в конце 1950-х годов. В 1962 году он дебютировал со своими культовыми изображениями банок с супом Кэмпбелл и сразу же произвел фурор своим высокохудожественным эстетическим подходом к дизайну продуктов, настолько вездесущим, что он был невидимым. Уорхол использовал шелкографию, сочетая эту технику с живописью, для создания множества одинаковых изображений товаров народного потребления.Он также создавал портреты знаменитостей, таких как Элвис и Мэрилин Монро, используя повторы и плоские, неестественные цвета, чтобы создать ощущение повышенной искусственности. Его искусство продавалось за огромные деньги, и Уорхол сам стал знаменитостью, и эту роль он принял. Рабочее пространство Уорхола 1960-х годов, «Фабрика», стало популярным местом для рок-звезд, музыкантов и светских львов, а также местом проведения некоторых из самых печально известных вечеринок той эпохи. На протяжении 1960-х годов он воспитывал и сотрудничал с начинающими художниками, в том числе с The Velvet Underground и Жаном-Мишелем Баския, а также экспериментировал в кино и фотографии.Он умер в 1968 году из-за осложнений после операции на желчном пузыре. Картины Уорхола, высмеивающие и прославляющие славу и культуру потребления, остаются одними из самых символичных изображений Америки 1960-х годов.

Профиль в стиле: искусственный цвет

В традиционной живописи цвет используется для придания реалистичности, атмосферы или эмоционального эффекта. Ни одна из этих художественных целей не важна для поп-арта. Наоборот, они использовали цвет, чтобы создать ощущение искусственности. Это часто означало подражание внешнему виду товаров массового производства, например, воспроизведение и даже преувеличение ярких однородных цветов обработанных пищевых продуктов и синтетических тканей. В других случаях художники воссоздавали внешний вид печатных изданий, таких как реклама и упаковка. Одним из очевидных примеров является работа Роя Лихтенштейна (1923–1997), в которой воспроизведен внешний вид печатных материалов, особенно панелей комиксов, в большом масштабе. Лихтенштейн не только имитировал плоские цвета иллюстраций в средствах массовой информации, но иногда на самом деле рисовал цветные полутоновые точки, которые составляют цвета в процессе коммерческой печати.Более поздние художники, такие как Дэвид Хокни (1937-), использовали яркие однотонные цвета, чтобы воссоздать идеализированные пейзажи американских туристических брошюр и открыток.

Мэрилин Монро, Энди Уорхол (1967)

Профиль в стиле: Повторение

Поп-артисты, созданные в ответ на готовые продукты культуры, от телевизионных обедов и консервированных супов, до голливудских идеалов мужественности и женственности, до идеализированных домов, автомобилей и пейзажей. Поскольку такие предметы предназначались для массового распространения и потребления, они были многочисленны и однородны.Поп-артисты, в первую очередь Энди Уорхол, обратили внимание на гипнотическую одинаковость таких продуктов, снова и снова повторяя их изображения в одинаковой форме. Одним из способов, которым он добился этого, было использование шелкографии для печати множества копий одного и того же изображения, и позже эта техника была принята Лихтенштейном. В своих знаменитых портретах знаменитостей Уорхол иногда менял цвет каждой трафаретной печати, чтобы создать видимость разнообразия в рамках одинаковости, как в различных вкусах одного и того же продукта.

Современный концертный плакат в стиле поп-арт

Pop Art in Design Today

«Я не вижу причин, по которым мир искусства не может полностью слиться с Мэдисон-авеню. Поп-арт — это движение в этом направлении. Почему у нас не может быть рекламы с красивыми словами и красивыми изображениями?» -Уильям С. Берроуз

Поп-арт был движением в изобразительном искусстве, прославляющим и критикующим коммерческое искусство. Сегодня это движение в изобразительном искусстве само поглощено миром дизайна и коммерческой эстетики.Всеамериканская фантазия о достатке и изобилии, которая доминировала в 50-х и 60-х годах, очень иронична, но привлекательна. Кивнув и подмигнув, современные дизайнеры используют этот праздник материализма в современной упаковке, брендинге, моде и графическом дизайне. Вместо того, чтобы играть на тревогах и желаниях потребителей, дизайн, основанный на поп-арте, предлагает зрителю поучаствовать в общей шутке. Например, многие такие дизайны визуально отсылают к китчу или поп-культуре.

Эстетика дизайна, вдохновленного поп-артом, заключается в ярком, смелом, забавном и удобном для пользователя виде.Дизайн в этом стиле отличается насыщенными цветами, тяжелыми контурами и смелой типографикой, которые привлекают внимание и визуально привлекательны. Дизайн, основанный на поп-арте, создает настроение высокой энергии, веселья и стиля.
В дизайне некоторых продуктов, одежды или веб-сайтов даже есть прямые ссылки на известные произведения поп-арта или стили известных поп-исполнителей, в которых представлены произведения искусства, созданные или вдохновленные Уорхолом или Лихтенштейном. Другие дизайнеры обращаются к самым ранним произведениям поп-арта, коллажам из глянцевых журналов, и создают образ найденного изображения, вызывающий удивление и юмор.Со своим игривым отношением и привлекательным внешним видом поп-арт сегодня чувствует себя как дома благодаря своему собственному исходному материалу — популярному дизайну.

Фото легко трансформируется в комикс в стиле поп-арт

Попробуйте: уроки

Расширьте свое дизайнерское образование; используйте современные инструменты для создания классических образов в стиле поп-арт с помощью этих онлайн-ресурсов по дизайну.

Портреты Энди Уорхола в стиле поп-арт: характеристики шелкографии

Эти работы занимают место среди величайших портретов картины 20 века. Зеленая автокатастрофа (1963) входит в число самых дорогих в мире. картины. СОВРЕМЕННАЯ ЖИВОПИСЬ Другие картины, подобные , созданные Энди Уорхолом, см. : Greatest 20th-Century Картины. СОВРЕМЕННЫЕ ХУДОЖНИКИ Другие художники, такие как Энди Уорхол, см.: Современные художники.

Введение Энтузиазм Энди Уорхол за эстетику телевидения, колонки светских газет, и фан-журналы полностью противоречили европейской модели борющийся авангардист, за которым последовали абстрактные экспрессионисты.Уорхол требовал богатства и славы, и считал любого, у кого они были, очаровательный. А также его «палитра помады и перекиси». является, как указал Адам Гопник (New Yorker, 10 апреля 1989 г.), « совершенно оригинальное чувство цвета, которое делает все предыдущие американские палитры выглядеть по-европейски». Отрицание Уорхолом какой-либо оригинальности определяло его художественную самобытность и свежий вид его картин — использование новейших приемы коммерческого искусства — подтвердили это. Часть уникального мастерства Уорхола заключалась в его признание того, что человек может общаться через СМИ гораздо больше эффективно, чем может быть предмет искусства, и он попытался определить его существование целиком на мелкой плоскости воспроизводимых образов. В его В каталоге выставки 1968 года для Moderna Museet в Стокгольме он писал: «Если вы хотите узнать все об Энди Уорхоле, просто взгляните на поверхность моих картин, и вот я здесь.Больше ничего нет». С начала 1960-х до своей смерти в 1987 году Уорхол ловко использовал оба стиль и средства массовой информации, и тем самым разоблачили поверхностные ценности современного общество с откровенностью, одновременно подрывной и намного опережающей его время. Он показал, что вся слава одинакова и в основе своей бессмысленна. мир постоянно меняющихся образов; его собственный публичный имидж мог быть неотразимо гламурным, но его поверхностность также оставила тревожный эмоциональный пустота. Примечание: Среди других поп-исполнителей: Алекс. Кац (р.1927), Рэй Джонсон (1927-95), Том Вессельманн (р.1931), Джеймс Розенквист (р.1933), Джим Дайн (р.1935) и Эд Руша (р. 1937). Фон Уорхол родился недалеко от Питтсбурга в 1928 году. в семье византийско-католических рабочих словацких иммигрантов. Получив степень по графическому дизайну в Технологическом институте Карнеги в 1949 году, он переехал в квартиру в Нью-Йорке со своим одноклассником Филипом Перлштейном. (б.1924) и быстро добился успеха как коммерческий художник. Уорхола Рисунки обуви для Miller and Co, опубликованные в New York Times, принесли ему особую признание, и в течение десяти лет он был одним из самых высокооплачиваемых коммерческих художников в городе, зарабатывая 65 000 долларов в год. Уорхол продолжил карьеру в графике. искусство до декабря 1962 года, но с самого начала у него были частные устремления стать успешным художником. Стилистически попытки Уорхола в искусстве в 1950-х годах был тесно связан с его коммерческой работой в рекламе, и несколько методов и приемов из его практики коммерческого дизайна. ожидаемые аспекты его более позднего изобразительного искусства.Например, он провел «раскраску сторон» для производства своей рекламы и делегировал несколько задач своей матери, тактика, которую он повторит позже, широко используя помощников для производства его произведений искусства. Точно так же его техника рисования — или калька картинки из журналов — на бумаге с последующим переводом их мокрой тушью на подготовленный фон был повторен позже, когда он принял шелкографию. печать. Характеристики раннего поп-арта Уорхола В то время как несколько художественных практик Уорхола 1950-х годов сохранились в его более поздних работах, вряд ли можно сказать, что они неизбежно привело к поразительной прямоте, с которой он вдруг начал принять коммерческий художественный стиль в своей живописи в конце 1959 года. Ни один был ли прецедент для его радикального присвоения предмета непосредственно из средств массовой информации за его большие картины с изображениями комиксов и реклама в газетах (например, банка супа Кэмпбеллс, 1962 г.). По словам Барри Блиндермана (Современные мифы: интервью с Энди Уорхолом, 1981 г.), в начале шестидесятых Уорхол использовал проектор, чтобы транскрибировать и увеличивать свои источники. с механической точностью, и в своих заявлениях для прессы он подчеркивал отбрасывания любой оригинальности в его работе.Тем не менее он отказался от комиксы в качестве предмета с того момента, как он столкнулся с Роем Лихтенштейном. картины комиксов в галерее Лео Кастелли в 1961 году, раскрывающие острый инстинкт необходимости создания оригинального стиля. Определившись с тематикой — дешево реклама, комиксы и заголовки из дешевых бульварных газет — Уорхол играл в разных стилях между 1960 и 1962 годами. В некоторых композициях он расшифровал свои источники в свободной манере с каплями краски чтобы придать им выразительный характер, характерный для живописи жестами.В то же время он создавал другие образы с жесткими, четкими краями, холодным, механический стиль, на котором он в конце концов остановился, назвав их своим «нет». комментарий» картины. Уорхол наслаждался ошеломляющим неизбирательным массовые изображения, продвигаемые рекламой в СМИ. Его искусство выражало и превозносили «одинаковость» массовой культуры, которую так называемая интеллектуалы, вовлеченные в абстрактный экспрессионизм, ненавидели. В своей книге Философия любого Уорхола (1975), он сказал, что ему нравится Америка заключалась в том, что ее самые богатые потребители покупают многие из тех же вещей, что и беднейший.«Президент пьет кока-колу, Элвис пьет кока-колу — кто угодно и все пьют колу. И никакая сумма денег не может купить кого-то лучше Кока-кола, потому что все кока-колы одинаковы. Несмотря на это, его выбор предметов не был случайным или произвольным. Как рассказывает Кинастон МакШайн в своей публикации Andy Уорхол: ретроспектива (1989, MOMA, Нью-Йорк), многие из его ранних изображений — «Парики», «Где твой разрыв?», «До и После» — о продуктах, обещающих телесное улучшение осанки, волосы и большие мышцы отражают физическую неуверенность Уорхола.Четное Супермен и Попай, которых он нарисовал в 1960–1961 годах, — персонажи, переживающие мгновенные физические превращения. Интерпретация Макшайна подтверждается попытками Уорхола улучшить свою внешность в 1950-х годах, надев серебряный парик и косметическая операция по изменению формы носа в 1957 году. У Уорхола не было выставки поп-картины в Нью-Йорке, пока Элеонора Уорд не продвигала их в конюшне Галерея осенью 1962 года, правда некоторые из них он повесил (напр.Реклама, Маленький король, Супермен, До и после и Попай по субботам) в качестве фона к модным манекенам на витрине универмага, которую он организовал для Бонвит Теллер в апреле 1961 года. Это был Ирвинг Блюм из галереи Ферус (Лос-Анджелес). Анхелесе), который устроил ему свою первую выставку в галерее осенью 1962 года: установка тридцати двух банок для супа Кэмпбелл размером 20 х 16 дюймов каждый. Уорхол, всегда в курсе последних тенденций, возможно, рисовал их как ответ на Painted Bronze Ale Cans (1960) Джаспера Джонса, но они превзошли скульптуру Джона в мягком нейтралитете своего серийное состояние.Образы настолько неотразимы, какие они есть; Oни не банки супа, а образы, отделяющие «означающее» от «означаемое» более абсолютно, чем почти любая картина, созданная до того времени. Хотя несколько рисунков суповых банок Уорхола до сих пор сохранили деликатную жестикуляцию вплоть до 1962 года, тридцать две банки не имеют следов выразительного жеста или индивидуальности. Шелкография: Устранение прикосновения художника Уорхол нарисовал банки и газетные заголовки 1961 и 1962 годов вручную, но в конце 1962 года он научился передавать фотоснимок на шелкографию и тут же переключился к этой технике, устраняя все следы прикосновения художника и производя более механически отстраненная картина. Более того, он все чаще приходил к зависит от помощников для создания его картин. В июне 1963 года он нанял Жерар Маланга будет работать полный рабочий день над шелкографией и постепенно другие помощники присоединились к платежной ведомости. Они действовали как персонал в бюро графического дизайна. Когда Уорхол начал работу над своей Мэрилин Монро, например, Маланга и Билли Нейм выполнили большую часть работы, например резал вещи и расставлял ширмы, пока ходил по рядам задавая такие вопросы, как «Какой цвет, по вашему мнению, был бы хорош?» Уорхол намеренно подчеркивал свое невмешательство, полагая, что кто-то другой должен быть в состоянии сделать все его картины за него.Он утверждал что причина, по которой он использовал помощников и работал так, как он делал, заключалась в том, что он хотел быть машиной и создать совершенно «нейтральный» вид, без всякого человеческого прикосновения. Однако правда в том, что он легко мог заключал контракт с работой, если он действительно хотел подлинно коммерческого Смотреть. Как бы то ни было, он предпочитал включать случайные человеческие ошибки, такие как как смещение экранов, неравномерное рисование и прерывистый мазки. Губы Мэрилин Монро (1962, Музей Хиршхорна) и Сад скульптур, Вашингтон, округ Колумбия) имеет вид несовершенного отпечатка. запустить, где черная линия и цветной экран не совсем сочетаются и качество чернил сильно различается. Банальное повторение создано коммерческими процессами массового рынка, кажется, противоречит (хотя и пассивное) индивидуальное присутствие как в этой картине, так и в Золотой Мэрилин Монро (1962, Музей современного искусства, Нью-Йорк).Повторение дает образы анонимный, бесстрастный внешний вид, в то время как конкретные черты в каждом несовершенном сфабрикованному блоку удается самоутвердиться, создавая неловкий диссонанс между механическим фасадом и ощущением личности, погребенной внутри Это. Таким образом, и наблюдатель, и художник превращаются в ничто. больше, чем пассивные вуайеристы, переживающие жизнь как сборочный конвейер массового производства картинки. Кинозвезда и Картины катастроф: пугающая пустота Растет количество портретов Мэрилин Монро, Лиз Тейлор и другие звезды кино имели непосредственное отношение к творчеству Уорхола. увлеченность гламуром и блеском Голливуда.В Энди Уорхоле (1968 г.) в своем выставочном каталоге для Moderna Museet в Стокгольме он заявил: «Я люблю Голливуд. Он прекрасен. Все пластичны. Я хочу быть пластиковым». Он был абсолютным поклонником, окончательным потребителем. у его «Мэрилин Монро» тоже есть темная сторона. Они были сделаны после самоубийства актрисы в августе 1962 года. Более того, механическое повторение ее портрета делает ее прозрачно поверхностной, отрицающей ее любое чувство индивидуальности под поверхностным изображением.Он представляет собой пугающая деперсонализация человека и, возможно, отражает образ художника самого себя. Например, еще в 1975 году он писал: «Меня до сих пор преследует мысль посмотреть в зеркало и увидеть никого, ничего.» Во время телетрансляции национальной трагедии как самоубийство Мэрилин Монро или убийство и похороны Джон Ф. Кеннеди (все это одержимо нарисовал Уорхол) то же самое видео клипы воспроизводятся снова и снова в течение нескольких дней подряд.«Мэрилин» Уорхола. и другие многообразные портреты имеют такое же обезболивающее повторение. В 1963 году Уорхол начал работу над катастрофой. серии — например, «Субботняя катастрофа» (1964, Rose Art Museum, Brandeis Университет — это еще больше развило болезненное качество «Мэрилин». Он основал сериал на ужасных полицейских и бульварных фотографиях автомобилей. жертвы авиакатастроф, электрический стул и атомная бомба. Он воспроизвел изображения в различных цветах и ​​декоративных узорах.Эти изображения вызывают тревогу не только из-за их ужасающей откровенности, но еще и потому, что отстраненность Уорхола предполагает жуткую деперсонализацию: эмоциональная пустота, отражающая отчуждение жизни шестидесятых годов. В 1962 и 1963 годах Уорхол создал несколько портреты художника-неодадаиста Роберта Раушенберга, которого он почитал за то, что поднялся от бедности до славы. В некотором смысле пример Раушенберга иллюстрирует знаменитое изречение Уорхола о том, что «в будущем все быть всемирно известным в течение пятнадцати минут.«Уорхола очень привлекала представление о знаменитости как о потребительском продукте, доступном каждому владеть. Фабрика (1963-67) В конце 1963 года студия Уорхола была переехал на старую фабрику на Восточной Сорок седьмой улице. «Фабрика,» как стало известно, постепенно превратилось в место, наполненное шикарной модой личностей и прочих «красивых людей», трансвеститов, вместе с участниками музыкального андеграунда, многие из которых употребляли наркотики и/или странное поведение.Уорхола, казалось, нужно было окружить странностями, так и художниками, декадансом и развратом, а также прекрасными Изобразительное искусство. В любом случае, в 1964 году Уорхол все еще производил продукцию. назад, многие искусствоведы все еще убеждены, что важная работа Уорхола датируется с 1960 по 1964 год. К 1965 году растущая слава Уорхола привлекала другие нью-йоркские знаменитости, которые хотели увидеть и быть увиденными на Фабрике. В то же время СМИ преследовали Уорхола, а посетители и прихлебатели толкался за его внимание.Осенью 1965 года на открытии Выставка Уорхола в Институте современного искусства в Филадельфии. четыре тысячи человек втиснулись в две маленькие комнаты, и персоналу пришлось убрать картины со стен для безопасности. Это была художественная выставка без Изобразительное искусство! «Интересно, что сделало все эти люди кричат», — вспоминал позже Уорхол в книге «Попизм». (1980, Уорхол и Хакетт). «Было невероятно думать, что это происходит на художественном открытии.Но ведь мы были не просто на художественной выставке — мы были художественная выставка. » В 1966 году толпа Фабрики начала собираться по вечерам в ресторане на Юнион-сквер, известном как Max’s Kansas Город. Он был популярен среди художников и писателей, а в его подсобных помещениях размещались цирк эксгибиционизма, наркотиков и сексуальности. Включены знаменитости Трумэн Капоте, Бобби Кеннеди, а также влиятельные деятели создание города, а также его подземелья.Но Уорхол оставался катализатор: присутствие, которое вдохновляло или пассивно провоцировало людей жить из своих фантазий, пока он смотрел или фотографировал. Одна из самых престижных галерей Нью-Йорка постмодернистского искусства принадлежал Лео Кастелли. Уорхол всегда хотел провести там персональную выставку (у Роя Лихтенштейна была там одна в 1962 году), и Кастелли, наконец, дал ему один в 1964 году. Его первое выступление было «Цветы», в которых Уорхол еще больше отошел от натурализма в его палитре — не то чтобы его ранние работы были в каком-то сильном смысле натуралистичными, но он склонен либо использовать шкалу ценностей, соответствующую природе, или более искусственная шкала, хотя бы с остаточным сходством. От В 1964 году он начал включать в свою палитру совершенно ненатуралистические цвета: например, покрасить в бирюзовый и розовый цвета «Банки с супом Кэмпбелл». вместо красно-белых и создание многоцветных «Автопортретов» с синим лицом и желтыми волосами. К 1966 году, став ведущим в Нью-Йорке художественная знаменитость шестидесятых, с выставкой в ​​самом модном галерее Уорхолу стало скучно заниматься живописью, и он практически перестал, предпочитая сосредоточиться на продвижении психоделического мультимедийного выступления под названием «The Exploding Plastic Inevitable» с участием рока группа Velvet Underground.Он также все больше обращался к кино, снимая Девочки из Челси (1966), первая финансово успешная, хотя и в высшей степени скучный, андеграундный фильм. Затем последовал ряд ужасающих фильмов. что полностью не оправдало их художественных счетов. Это не было неожиданностью, поскольку его ранние фильмы были бескомпромиссно уорхоловскими в своей пассивности. Все, что он сделал, это просто навел камеру на кого-то и дал ей поработать. не было звуковой дорожки, как в его 6-часовом бездейственном фильме под названием «Сон». (1963).В «Ешь» (1963) камера непрерывно фокусируется в течение 45 минут. поп-артист Роберт Индиана во время поедания гриб. В «Империи» (1964) камера жестко фокусируется на 8 часов. вершине Эмпайр Стейт Билдинг. Художественный Отказ В 1967 году фабрика переехала на Юнион-сквер, 33. Уэст, и сцена становилась все более и более странной до июня 1968 года, когда Уорхол был застрелен и тяжело ранен поклонницей Валери Соланас, у которой был небольшая роль в одном из его фильмов.Карнавальная атмосфера резко оборвалась. Уорхол был объявлен мертвым на операционном столе, но, к счастью, ожил. Проведя 8 недель в больнице, он вернулся на Фабрику испуганным. человек. Несмотря на его страх, что он может потерять свои творческие способности без стимула карнавального хаоса вокруг него доступ в студию был закрыт. Фабрика сосредоточилась на массовом производстве искусства, которое продавалось бы, т. е. коммерческие сувениры авангарда, которые Уорхол называл «деловыми Изобразительное искусство. На самом деле произведения Уорхола были созданы с использованием конвейерных методов с 1963 г. — в середине 60-х гг. Фабрика изготовлял до 80 картин шелкографией в день в день и в один момент фильм каждую неделю. В любом случае, к середине 1969 года изобразительное искусство Уорхола в значительной степени высушенные. По словам Бриджит Полк, одной из ассистенток Уорхола в студии, говоря: «Я делал все это последние полтора года. Энди больше не занимается искусством.Ему это надоело.» Во многом это было правдой. Уорхол обратил внимание на другие предприятия, такие как Interview, его светский журнал сплетен. Новые портреты В начале 1970-х Уорхол возродил его интерес к рисованию серией светских портретов и картин китайского коммунистического лидера Мао Цзэдуна — например. Мао (1973, Художественный институт Чикаго). К настоящему времени Уорхол стал всемирно известным художником-знаменитостью. — самый обсуждаемый художник после Пикассо и постоянный гость A-list общественные мероприятия и культурные мероприятия.Когда вьетнамский эндшпиль начал разворачиваться, наряду с политическими и криминальными разоблачениями Уотергейта, и очень богатые, и контркультурное протестное движение заботились о себе с символами. Картины Уорхола с изображением председателя Мао позабавили богатых коллекционеров произведений искусства в то же время подтверждая господство западного капитализма превратив культового чемпиона мировой революции в потребителя продукт для богатых. Появилось больше портретов.Конечно, Светские шелкографические портреты Уорхола семидесятых оживили Жанр портретного искусства. Многие печатались на подготовленных грунтах текстурных мазок в стандартном формате из двух панелей 40 X 40 дюймов, и многие из испытуемые приобретали вид безразмерных пластичных объектов. Что реально? В семидесятых и восьмидесятых годах Уорхол взял на большее количество заказов на рекламу и дизайн. Он даже стал потребителем сам продукт, когда он был представлен в рождественском каталоге 1986 года. для Neiman-Marcus: он рекламировал портретную сессию с Уорхолом по цене в размере 35 000 долларов США.Усиление ассоциации Уорхола со статусом и деньгами. поверхностность и материализм американской потребительской культуры в 70-х и 80-х годов, когда люди повсюду начали чувствовать себя более отчужденными нереальность жизни. Как признался сам художник: «Не знаю где кончается искусственное и начинается настоящее». Печальное признание от жреца поп-арта, сделавшего карьеру на раскрытии «правда» о современном обществе. картины и рисунки в стиле поп-арт Энди Уорхола можно увидеть во многих лучших мировых галереях современного искусства и в лучших художественных музеев по всему миру.

Что такое поп-арт? — 7 шедевров, определяющих направление поп-арта

С момента своего красочного дебюта в 1950-х годах поп-арт остается заметным художественным движением. Благодаря инновациям таких известных мастеров, как Энди Уорхол, Дэвид Хоккей и Кит Харинг, единственный в своем роде жанр ознаменовал конец модернизма и ознаменовал начало современного искусства.

ключевых произведения поп-арта способствовали этому значительному сдвигу в художественном восприятии.Эти экспериментальные шедевры, от нетрадиционного коллажа Ричарда Гамильтона, положившего начало движению, до самой культовой адаптации комиксов Роя Лихтенштейна, доказывают, что популярная культура – это больше, чем кажется на первый взгляд.

Что такое поп-арт?

Поп-арт – особый жанр искусства, который впервые «всплыл» в послевоенных Британии и Америке. Движение, в первую очередь характеризующееся интересом к популярной культуре и творческими интерпретациями коммерческих продуктов, открыло новый и доступный подход к искусству. Произведения поп-артистов 1950-х и 1960-х годов, от причудливых до критических, комментировали современную жизнь и события.

В дополнение к самой уникальной иконографии, трактовка художниками предмета помогает определить жанр. Движение, известное своими смелыми образами, яркой цветовой палитрой и повторяющимся подходом, вдохновленным массовым производством, отличается уникальным и узнаваемым стилем.

Ключевые работы

Ричард Гамильтон, Что же делает современные дома такими разными и привлекательными?  (1956)

Этот коллаж, созданный в 1956 году, считается катализатором распространения поп-арта в Соединенном Королевстве.Британский художник Ричард Гамильтон создал его для специальной выставки This is Tomorrow, в лондонской художественной галерее Уайтчепел, на которой были представлены интерпретации современности современными художниками и их прогнозы на будущее.

Что же делает современные дома такими разными и привлекательными? включает в себя несколько тем, связанных с коммуникацией, которые Гамильтон предварительно обдумал. К ним относятся: «Мужчина, Женщина, Еда, История, Газеты, Кино, Бытовая техника, Автомобили, Космос, Комиксы, ТВ, Телефон, Информация.Используя вырезки из американских журналов, он создал сцену на основе этих мотивов, буквально создав произведение искусства из произведений популярной культуры и комментируя «различные влияния, которые начинали формировать послевоенную Британию».

 

Энди Уорхол, 32 банки супа ( 1962)

В 1962 году американский художник Энди Уорхол впервые исследовал свой известный мотив «суповой банки». 32 баночки с супом состоит из 32 раскрашенных и штампованных вручную полотен, на каждом из которых изображен суп Кэмпбелл с разным вкусом.Уорхол, новатор в области поп-музыки, выбрал эту тему, потому что она отражала направленность поп-арта на массовое производство и его собственный художественный интерес к повторению. «Раньше я пил его. У меня был один и тот же обед каждый день, наверное, в течение 20 лет, одно и то же снова и снова».

Вскоре после написания этой коллекции полотен Уорхол продолжил экспериментировать с мотивом консервной банки и идеей кратности. Однако в этих более поздних работах он переключил свой процесс с рисования на шелкографию, метод гравюры, который уместно использовался в коммерческом производстве рекламы.

 

Рой Лихтенштейн, Whaam! ( 1963)

Известный своими красочными картинами, вдохновленными комиксами, художник Рой Лихтенштейн придал поп-арту оживленный и энергичный оттенок. Ура! , одна из его самых известных композиций, адаптирует сцену из All American Men of War , популярного сериала, опубликованного DC comics с 1956 по 1966 год.

Оригинальная панель Ирва Новика для DC Comics «All-American Men of War», № 89 (февраль.1962)

Напоминает открытый комикс, Whaam! визуализируется на 2 панелях. В левой части диптиха самолет стреляет в другой самолет, который вместе с восклицанием «ВААМ!» занимает всю правую часть произведения. Хотя композиция поразительно похожа на исходное изображение, Лихтенштейн изменил несколько деталей: он изменил дизайн самолетов, убрал облачко с текстом и изменил цветовую схему.

Эти небольшие изменения говорят о более важной цели Лихтенштейна, которая заключалась в том, чтобы персонализировать эти массовые произведения искусства.«Я рисую картину не для того, чтобы воспроизвести ее, — я делаю это для того, чтобы ее перекомпоновать», — объяснял он. «Я прохожу весь путь от того, чтобы мой рисунок был почти как оригинал, до полного его создания».

.