Архитектура и скульптуры классицизма — ИЗГОТОВЛЕНИЕ СКУЛЬПТУР И ПАМЯТНИКОВ

Классические скульптуры

Классицизм переводится с латинского языка как «образцовый». Это направление в искусстве и культуре 17-19 веков. В те времена все художники и скульпторы, которые творили в рамках классицизма, обязаны были соблюдать все его каноны и правила.

В конце 17 столетия европейцы заинтересовались идеями просвещения. Это отразилось на культуре и искусстве. Скульпторов и архитекторов привлекала особая величественность, но в тоже самое время простота, выдержанность и лаконичность античной культуры, а именно древнегреческой.

Развиваясь, классицизм прошел следующие этапы:

• ранняя эпоха — 1760-1780 гг. В этот период произошел настоящий расцвет направления;
• средняя эпоха — 1780-1790 гг. Стиль укоренился. Были возведены восхитительные сооружения;
• поздняя получил название Ампир. Это первое тридцатилетие 19 века.

Характерными чертами данного стиля являются:

• строгие черты;
• выдержанность;
• четкие, правильные формы;
• материалы самого высокого качества;
• тщательная отделка;
• ощущение величественности.

Сегодня эти черты также используют в создании современного интерьера в минималистическом стиле. Такой интерьер выглядит следующим образом:

• гладкие стены;
• нежные цветочные мотивы;
• присутствуют элементы античности;
• красивый паркет и экологически чистого дерева;
• аккуратные обои из тканей;
• лепнина;
• изящная мебель.

Экстерьер, выполненный в данном направлении, обладает прочной, устойчивой конструкцией, а также спланированной композицией. Формы правильные, объемные. Здесь отчетливо видна монументальность и симметрия. Снаружи находятся статуи, колонны, в некоторых случая можно встретить и ниши. У большинства сооружений присутствуют барельефы, медальоны, изящные рисунки. Популярными материалами, используемые при возведении зданий, является кирпич, камень, лепнина, древесина. основные цвета, используемые при создании сооружений – белоснежный, розоватый, зеленоватый, нежно-голубой, золотистый.

Скульптуры эпохи классицизмаСтатуи классицизмаСтатуи классической эпохи

 

 

 

 

 

 

 

 

Характерные элементы:

• декор выдержанный, лаконичный;
• колонны строгие;
• обязательное присутствие античного орнамента;
• лестницы выполнены из мрамора;
• изящные балконы;
• обычно у таких зданий прямоугольные двери, по бокам расположены статуи львов, сфинксов;
• самым распространенным декором является резьба, бронза, позолота, а также перламутр.

Фигуры эпохи классицизма на заказ

Классицизм и сегодня является невероятно востребованным стилем в создании современного интерьера. Огромное количество людей, делая ремонт в своих квартирах, отдают предпочтению именно этому направлению, потому что здесь ощущается благородство, сдержанность и гармония. Предметы декора не должны быть слишком красивыми, яркими, как музейные экспонаты, а всего лишь подчеркивать утонченный вкус своего хозяина. Интерьер, выполненный в данном стиле, всегда обладает правильными линиями и формами, а также всегда присутствует атмосфера тепла и уюта. Для создания изысканного интерьера применяются материалы исключительно высокого качества. Потолки высокие и светлые.В качестве освещения обычно используются хрустальные или стеклянные светильники с плафонами в виде свеч. Стены отделаны светлыми тканями, возможно использование лепнины.

Паркет всегда из натуральной, экологически чистой древесины. Обычно для придания изюминки в интерьер включают также зеркала, камины, чайные столики и ковры в нежной расцветке. Лишний декор отсутствует.

Скульптура

В эпоху классицизма были возведены выдающиеся памятники, получившие широкое распространение. Главной идеей для скульпторов того времени стала модель изображения известных личностей. Причем этих людей изображали в виде античных богов.

Очень большой популярностью среди частных лиц пользовались надгробные камни для увековечивания имен людей. Скульптуры данной эпохи присуще спокойствие, умиротворенность и сдержанность, бесстрастность и нежность линий.

Скульптурные шедевры классицизма — Студопедия

Один из выдающихся скульпторов классицизма — Антонио Ка­нова (1757—1822). Первые работы молодого итальянского скульп­тора, изображавшие героев древнегреческой мифологии, прослави­ли его имя. Статуи «Орфей», «Эвридика», «Персей», «Дедал и Икар», «Тесей, победитель Минотавра», «Амур и Психея» поразили современников, отметивших, что в статуях пульсирует сама жизнь.

 

Антонио Канова. Три Грации.

1816 г. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Совершенной гармонией пропорций, красотой линий и тончай­шей обработкой поверхности мрамора отличается скульптурная группа «Три Грации». Современники Кановы считали её высшим воплощением нового идеала красоты. Известно, что в греческой ми­фологии три Грации олицетворяли красоту и женственную прелесть юности.

Скульптор расположил фигуры Граций полукругом, сблизив их обнимающим жестом рук центральной Грации. Переплетение их рук, композиционно объединяющее скульптурную группу, полно покоя и нежности. Изящныенаклоны очаровательных головок, бес­численные завитки причёсок, образующих сложные венки и гир­лянды, призваны усилить это впечатление. Тончайшая моделировка мрамора, нежные переходы света и тени создают ощущение прозрачности кожи. Один из современников справедливо писал:«Вся группа олицетворяет любовь, трудно найти другое, более тонкое её выражение в других произведениях за­падноевропейского искусства».

Художественным идеалом датского скульптора Бертеля Торвальдсена (1768— 1844) также стали шедевры античной плас­тики. Большинство своих произведений он посвятил мифологическим сюжетам и обра­зам. Лучшие среди них — «Язон с золотым руном»(1802), «Ганимед и орёл Зевса» (1817) и «Меркурий»(1818).

 

Бертель Торвальдсен. Княгиня М.Ф. Барятинская. 1818 г. Музей Торвальдсена, Копенгаген

Образ идеальной гармонии и красоты запечатлен в статуе княгини М. Ф. Баря­тинской, жены известного русского дипло­мата. При жизни она славилась острым умом и ослепительной красотой, добротой и женским обаянием. Здесь она представлена в облике античной богини в изящно ниспа­дающих одеждах, сквозь которые легко угадывается её чудесно сложённая фигура. Идеально прекрасны овал её лица, задум­чивая, исполненная достоинства поза, го­лова, чуть склонённая вправо. Левой рукой она осто­рожно придерживает лёгкую шаль, правая кокетливо поднесена к подбородку. Этот жест возвращает «ан­тичную богиню» к реальной жизни, делая её вполне земной женщиной.

Жан Антуан Гудон (1741—1828) — известный французский скульптор классицизма. Им создана уникальная портретная энциклопедия выдающихся людей эпохи. Его главный герой — человек общест­венный, благородного и сильного характера, мужест­венный и бесстрашный, творческая личность. Гудона никогда не интересовали титулы и звания тех, кого он запечатлевал в мраморе и бронзе. В созданных им образах мастерски переданы не только внешнее, но и внутреннее сходство с оригиналом, особенности пси­хологии героя.

Портрет композитора Глюка, оратора Мирабо, ко­медиографа Мольера, общественных деятелей Д. Дид­ро иЖ. Ж. Руссо, американского политика Дж. Ва­шингтона — вот лучшие работы великого скульпто­ра. Известно, что и ЕкатеринаII заказывала ему свой портрет, но Гудон отказался ехать в Россию. Статую русской императрицы он блестяще исполнил по мно­гочисленным портретным изображениям, так ни разу и не увидев оригинала.

 

Жан Антуан Гудон. Вольтер. 1779 — 1781 гг. «Комеди Франсез», Париж

Статуя Вольтера — выдающегося общественного деятеля и философа, талантливого журналиста и драматурга — вершина творчества Гудона, идеальный образ мыслителя-мудреца. Уже при жизни его имя стало легендой. Вольтер былсильно болен, когда его уговорили позировать скульптору.Шло время, но Гудон никак не мог уловить выражение лица сидящего перед ним больного и усталого человека. В 1778 г. смерть философа прервала начатые сеансы. Тогда Гудон снял слепки с лица и рук Вольтера и продолжил прерванную работу.

Философ сидит в кресле, чуть склонив­шись вперед. Скульптор не отступает от верности натуре: не скрывает дряхлости его фигуры, худобы и слабости. В то же время он наделяет его живой и вдохновен­ной силой духа. Мастерски переданы скульптором блистательный ум Вольтера, зоркость насмешливого взгляда, неукроти­мая жизненная энергия…

Статуя Вольтера вызвала множествовосторженных откликов не только у современников Гудона, но и у его последователей. Обращаясь к мраморному Вольтеру,французский скульптор Огюст Роден воск­лицал:«Какая удивительная вещь! Это воплощённая насмешка! Глаза несколько враскос, будто подстерегают противника. Острый нос напоминает лисицу: он весь извивается, пронюхивая всюду злоупотребления и повод к насмешке, он буквально трепещет. А рот — какое совершенство! С обеих сторон он окаймлён ирони­ческими морщинками. Того и гляди, он отпустит какой-нибудь сарказм… А глаза! Я всё опять к ним возвращаюсь. Они прозрач­ны, они светятся…»

 

КЛАССИЦИЗМ

1
Классицизм

Классицизм — художественный стиль в европейском искусстве XVII—начала XIX вв., одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства, как к идеальному эстетическому и этическому эталону. Поэтому в начале XVII века именно в Рим стекаются иностранцы для знакомства с наследием античности и Возрождения.

Классицизм сформировался в целостный стиль в острой полемике с барокко и сложился во французской художественной культуре XVII века. В его основе лежали принципы философии рационализма (Р. Декарт). С точки зрения классицистов, великие произведения — это упорное следование велениям разума, изучение классических произведений древности и знания правил вкуса, а не плод таланта или вдохновения.

Обращение к классицизму во Франции отвечало интересам государственной власти и процесса национального и государственного строительства. Следует отметить, что от античности классицисты заимствовали внешние черты. Под именами античных героев ясно виделись люди XVII —XVIII вв., а древние сюжеты служили для постановки самых острых проблем современности.

Ориентация на разумное начало определила твердую нормативность этических требований (подчинение личного общему, страстей — разуму, долгу, законам мироздания) и эстетических запросов Классицизма. Важная составляющая теории классицизма — воспитательная роль искусства.

Архитектуру Классицизма отличает логичность планировки и ясность объемной формы, главную роль играет ордер. Эстетика классицизма благоприятствовала масштабным градостроительным проектам и приводила к упорядочиванию городской застройки в масштабах целых городов.

В живописи Классицизма основными элементами моделировки формы стали линия и светотень, локальный цвет четко выявляет пластику фигур и предметов, разделяет пространственные планы картины. Классицисты стремились к скульптурной четкости форм, пластической завершенности рисунка, к ясности и уравновешенности композиции. Выдающимися представителями французского классицизма XVII века были художники Н. Пуссен и К. Лоррен.

Классицизм XVIII века получил свое дальнейшее развитие под влиянием идей Просвещения и в других европейских странах. Крупнейшим представителем «нового классицизма» (второй половины XVIII — первой трети XIX) веков был французский художник Жак-Луи Давид; его предельно лаконичный и драматичный художественный язык с равным успехом служил как пропаганде идеалов Французской революции так и прославлению личности Наполеона.

2

Жак-Луи Давид «Клятва Горациев», 1784
Лувр, Париж

В 1780 Давид получил заказ на историческое полотно, которое должно было «оживить добродетели и патриотические чувства». Художник завершил его в 1784 г. в Риме. Сюжет был подсказан пьесой Корнеля «Гораций», который был известен из древнеримских легенд VII века до н. э. В ней идет речь о борьбе двух родов (Горациев и Куриациев) за главенство в Риме. Братьям было суждено вступить в смертельный поединок с друзьями детства и родственниками. Давид стремился раскрыть непримиримые и трагические противоречия между гражданским долгом и чувствами людей.

Действие картины происходит во внутреннем дворике древнеримского дома. Автор запечатлел тот самый момент, когда отец благословляет своих детей на смертельный бой, протягивая им мечи. Клятва между тремя сыновьями и отцом — это акт сплочения во имя торжества справедливости.

Картина разделена на две части, где изображение женщин сильно контрастирует с изображением мужчин: мягкие женские фигуры меньше по размеру в сравнении с мужскими, олицетворяющими силу и абсолютную дисциплину. Безвольные и пассивные позы женщин, мягкие и плавные очертания их фигур выражают молчаливую скорбь. Приглушенные золотисто-серые и белые тона одежд еще более подчеркивают локальный красный цвет одежды мужчин. Художник показал не только готовность к самопожертвованию, но и личные переживания отчаявшихся: сестра братьев, невеста одного из Куриациев, склонила голову к сестре противников — жене одного из Горациев, в глубине — мать славных героев, которая нежно обнимает внуков.

Картину отличает логически ясное построение композиции, рациональная организованность пространства. Трехпролетная античная арка разбивает пространство картины, выделяя главные образные группы, создает ощущение монументальности. Сценическая торжественность образного строя, чеканная барельефность композиции, преобладание объемно-светотеневого начала над колористическим, контраст ритмов и жестов (в античной символике скрещение рук и мечей воспринималось как символ величия и оправданности приносимой жертвы) соответствовали строгим художественным принципам неоклассицизма. А современники восприняли картину «Клятва Горациев», как образец героизма и высокой морали, призыв художника к революционной борьбе.

Видеолекция о картине «Клятва Горациев» Ильи Доронченкова, декана факультета истории искусств Европейского университета (Санкт-Петербург)

3

Жак-Луи Давид (Jacques-Louis David) — французский живописец. Родился 30 августа 1748 года в Париже. С 1766 по 1774 год учился в Королевской академии живописи и скульптуры, изучал античное искусство в Риме. Тщательно изучая творения великих мастеров античности и Ренессанса, художник пишет: «Понимаю, насколько несовершенен мой стиль, и я готов многое пройти, чтобы приблизиться к истине. Мне нужно стремиться к уровню Рафаэля».

Вернувшись во Францию, художник воодушевляется идеями назревающей революции и в 1780–1790-е годы Жак-Луи Давид становится основоположником и признанным лидером так называемого революционного классицизма — направления во французском искусстве конца XVIII века. В его творчестве он сумеем соединить реальную действительность и идеалы классики. Его стихией стали героические образы, строгие и неподкупные, готовые жертвовать собой ради Отечества.

Он стремился выразить героические идеалы свободы через образы античной истории («Смерть Сократа», 1787, Метрополитен-музей; «Клятва Горациев» 1784, Лувр, Париж «Ликторы приносят Бруту тела его сыновей», 1789, Лувр, Париж). Эти произведения воспринимались художественными провозвестниками революционных событий.

Вовлеченный в революционный круговорот, Жак-Луи Давид стремился к созданию художественно — исторической хроники событий («Клятва в зале для игры в мяч», 1791). Он запечатлевает деятелей Великой французской революции, совмещая черты портрета и исторической картины: «Убитый Лепелетье» и, особенно, «Смерть Марата» с их трагическим звучанием, отличаются простотой и лаконизмом композиции, скульптурной монументальностью форм.

Активная деятельность художника, члена Конвента, была многообразна: организация массовых народных революционных празднеств, работа над их декоративной частью, создание моделей революционной одежды и т.д. После термидорианского переворота, падения и казни Робеспьера был арестован и его друг Давид, и только слава последнего как художника спасла его голову от гильотины.

С приходом к власти Наполеона он вновь принимает активное участие в политической жизни и становится пылким поклонником императора, делающего его первым художником Франции и придворным живописцем. Им были увековечены на полотне славные события Консульства и Империи («Наполеон на перевале Сен-Бернар», «Коронация Наполеона», «Раздача орлов» и т.п.).

После низвержения Бонапарта художник был вычеркнут из списков Академии художеств и Почетного легиона и бежал в Брюссель, где продолжил руководить образованием молодых художников и писать картины. Жак-Луи умирает в Брюсселе в 1825 году, оставив после себя около 500 учеников.

Основание целой школы, в которой его ученикам предоставлялась возможность развивать свои способности сообразно их натуре, без всяких стеснений, и после строгого изучения антиков бросить рабское подражание им и идти не по стопам своего учителя, а самостоятельным путем к совершенству, — одна из важных заслуг художника. Из этой школы вышли Гро, Гране, Друе, Жироде, Жерар, Изабе, Навез, Робер, Энгр и многие другие, менее значительные художники.

Видеосюжет о Жак-Луи Давиде (11 мин.)

Классицизм и барокко: сравнение направлений искусства

Искусство 17-18-го веков сформировало два удивительных стиля — классицизм и барокко. Эти два крупнейших общеевропейских стиля существовали бок о бок на протяжении двух веков. Несмотря на очевидные различия, они тесно взаимодействовали друг с другом. За время своего развития, классицизм и барокко нашли себя не только в мировой и российской архитектуре, но также в скульптуре, литературе, интерьере и художественном искусстве. Сравнение классицизма и барокко, двух стилей, ярких, эпатажных и неповторимых, рассмотрим далее.

История классицизма

Классицизм в переводе с латинского — «образцовый». Запоминающиеся направление в европейской культуре возникло в 17-м в. Это была эпоха укрепления монархии, все должно быть идеально и в то же время роскошно, что прослеживается в безупречных фигурах античного мира.

Основателем стиля классицизм стала Франция, где летал дух свободы и совершенства человека как духовного, так и физического. Строгие, идеальные силуэты в архитектурных ансамблях, античные сюжеты в живописи и скульптурах, богатое, но сдержанное убранство интерьеров. Все это — черты классицизма.

В России этот стиль закрепился при Екатерине II, ее желание европеизировать страну сыграло ключевую роль в постройке знаменитых памятников архитектуры того времени.

Классицизм — это классика, гармония человека и природы, простая и лаконичная в своем направлении. Стиль, где нужно соблюдать определенные правила, очень быстро нашел себя в дворцовой культуре в Германии, Италии, Англии и России.

История барокко

Барокко значит — «распущенный», «склонный к излишествам». Основателем этого помпезного стиля стала Италия. Конец 16-го в. — эпоха Возрождения, укрепления католической власти, яркая, смелая и величественная, она должна была производить впечатление. Все отличительные элементы барокко нашли воплощение в католических городах Италии.

Однако европейские страны также взяли для себя некие атрибуты и элементы «распущенного» итальянского стиля. Англия, Франция, Россия использовали новое веянье культуры в своей архитектуре и интерьере, дабы подчеркнуть свой блеск и уникальность.

Стиль, ориентированный на создание иллюзии богатства и роскоши церкви, а также итальянской знати, впоследствии нашел отражение во всех странах Европы, Америки и России. И остался бессмертным спутником католической церкви.

Два стиля на протяжении веков идут рядом друг с другом. Однако они имеют явные различия в истории и целях создания, в воплощении в искусстве.

Сравнение классицизма и барокко

Направление	Классицизм	Барокко
Общее	За образец берется античное искусство. Простота, утонченность, понятные и лаконичные образы. Идеальная рациональность. Строгость, единые образы, равновесие деталей	За образец берется роскошь и помпезность, демонстративное богатство. Сильные контрасты, театральность. Яркая экспрессивность
В искусстве	Объемные уравновешенные композиции, четкость линий, античные идеалы в искусстве. Понятный сюжет, сдержанные эмоции	Стремительное развитие действий. Сильные, яркие эмоции. Восторженные образы. Замысловатый сюжет
В архитектуре	Строгие четкие формы. Масштабность. Величие. Гармоничные пропорции, монументальность. Строгая простота	Сложные криволинейные формы. Праздничная напыщенность. Масштабные колоннады, искажение пропорций строений. Цветовые контрасты, большие окна
В интерьере	Дорогие, сдержанные материалы. Спокойные цвета, богатая простота. Преобладание геометрических форм. Античные орнаменты	Богатые, разнообразные материалы в декоре. Яркие сочетания, золото, мрамор, лак. Сложные орнаменты. Роспись на потолке, крупногабаритная мебель

Классицизм и барокко наглядно

Основные черты барокко и классицизма роскошь и сдержанное богатство. Оба стиля нашли свое отражение в дорогих произведениях искусства и ярких архитектурных сооружениях. Рассмотрим самые известные объекты двух разных стилей одного периода времени.

Классицизм — это, конечно, площадь Восстания и Пантеон в Париже. Исаакиевский и Казанский соборы в Петербурге. Большой театр в Варшаве. Знаменитая картина Жака-Луи Давида «Переход Наполеона через Альпы» — совершенно отражает стиль классицизма в живописи. «Психея, разбуженная поцелуем Амура» — самая известная статуя в классицизме. Архитектурный ансамбль «Аполлон и нимфы» — невероятный по своей красоте пример классического стиля.

Тогда как барокко известен нам по Смольному собору в Санкт-Петербурге, Оперному театру в Одессе и, конечно, же Католическому храму в Ватикане. Рубенс и Караваджо — самые узнаваемые живописцы в стиле барокко. А итальянец Лоренцо Бернини раскрывает нам всю выразительность барокко в своих потрясающих скульптурах.

Классицизм и барокко в архитектуре

Как мы можем видеть из описаний и сравнений двух стилей, различия барокко и классицизма очевидны. В последнем — это обращение прежде всего к античному зодчеству, в барокко — к роскоши католических храмов.

Классицизм и барокко в архитектуре, сравнение на примере двух выдающихся памятников

Базилика дель Санта Кроче, Италия — типичный пример итальянского барокко. Отличительные особенности — пышный декор и множество статуй на фасаде. Скульптуры, балконы, колонны, сложная форма здания. Центр венчает огромное круглое окно — уже выход за стандарты типичной архитектуры. Кариатиды и атланты, причудливые формы — все это отличительные черты барокко.

Классицизм — это Большой театр в Москве. На его примере мы можем увидеть характерные черты в архитектуре этого стиля. Простота и лаконичность. Монументальность и строгость. Четкие формы, колонны. Маленькие окна стандартной формы. Сдержанный рисунок лепки на фасаде с типичными узорами античного мира. Четкая геометрическая форма строения. Приятный неброский однородный цвет всего здания.

Архитектура барокко и классицизма в сравнении очень различны. С первого взгляда можно отличить их друг от друга: вычурность барокко бросается в глаза, безусловно, это сложные архитектурные произведения. Тогда как здания в стиле классицизма настолько имеют четкие пропорции и строгий вид, что невольно заставляют задуматься о своем величии и монументальности.

Классицизм и барокко в живописи

Выходцы из одной временной эпохи, классицизм и барокко, тем не менее, имеют отличительные черты в искусстве.

Микеланджело — один из самых известных итальянских художников, который задал новый стиль в живописи — барокко. Это преимущественно религиозные сюжеты, яркие образы, эмоциональные сцены из жизни обычных людей. Контраст цветов, свет и полумрак, много предметов быта, реалистичность эмоций. Последователи этого стиля в искусстве — Аннибале Карраччи и Гвидо Рени.

Классицизм не менее живописен, но за основу берется античная Греция. Рафаэль, Джулио Романо на своих полотнах изображают идеальные физические формы божественных персонажей. Холодные мифические сюжеты завораживают своей лаконичностью, ничего лишнего, до мелочей продуманная композиция и пространство вокруг действующих лиц.

Можно выделить главные элементы в сравнении направлений искусства классицизма и барокко. Во-первых, это реальная эмоциональность барокко, сила сюжета и красочность образов, и во-вторых, сдержанная красота античной мифологии, понятная и лаконичная в своем проявлении.

Сравнение классицизма и барокко в интерьере

Помимо выдающихся произведений искусства и невероятных памятников архитектуры, барокко и классицизм нашли отражение и в интерьере домов и комнат. Далее — сравнение классицизма и барокко в убранстве помещений.

Свои основные черты эти два стиля привнесли и в интерьер. Прежде всего это дорого. В обоих случаях — это роскошь и богатство. А дальше можно говорить о цветовых решениях. Барокко — это всегда ярко, всегда золото, мрамор, лакированные поверхности. Множество дополнительных предметов, сложная форма мебели и причудливые узоры балдахинов и обивки кресел. Безусловно, это та красота, в которую хочется погрузиться, каждый предмет, которой хочется изучать. Восхищение и помпезность, то, что так любят короли.

Классицизм в этом плане играет на контрасте с барокко. Сдержанные пастельные цвета, гармонирующие между собой. Спокойный, но не менее величественный интерьер создан, скорее, успокаивать, нежили будоражить. Преимущественно светлые тона, четкость линий, правильность предметов. Функциональность атрибутов интерьера, не лишенная, тем не менее, своего очарования.

Классицизм и барокко в России

В Россию эти два стиля пришли в 18-м в. Царская Россия была в тесном контакте с европейскими государствами и не хотела отставать в возможности продемонстрировать свое величие.

Барокко и классицизм в архитектуре России воплотил, преимущественно, Растрелли. Именно он занимался реконструкцией и возведением основных зданий Петербурга в то время. Естественно, стили были русифицированы, переняв основные принципы двух направлений, традиционное русское зодчество было сохранено. Смольный монастырь, пожалуй, самый яркий представитель барокко в Петербурге, тогда как «изюминкой» классицизма является, естественно, Казанский собор. У истоков этого стиля в России стояли архитекторы В. Баженов, М. Казаков, И. Старов, возведенные по их проектам церкви и дома можно увидеть в Москве.

Барокко и классицизм в русской архитектуре играют большую роль. Как в историческом проявлении — основание Петербурга, новая Москва, так и в борьбе за равенство русских писателей-классицистов.

Сейчас невозможно представить наши города без Эрмитажа, Академии наук и Таврического дворца.

Классицизм и барокко в наше время

В современном мире архитекторы часто обращаются к барокко и классицизму, сравнивая и смешивая эти стили. Времена королей и императоров прошли, а любовь к роскоши и величию осталась. Сейчас можно увидеть уже современные замки в стиле барокко где-нибудь на Рублевке или дачу очередного олигарха в стиле классицизма в поселке Нирвана под Петербургом.

В отеле «Трезини» вы можете погрузиться в роскошь царей, а в ресторане «Ампир» отведать блюда современных королей. Но это уже сегодняшняя роскошь, хотя доступна она по-прежнему не каждому.

Классицизм и неоклассицизм | Artrue

Разбор терминов, примеры картин в данных стилях, основные идеи художников-классицистов.

Классицизм и неоклассицизм

В изобразительном искусстве термин «классицизм», как правило, предполагает имитацию искусства классической античности (греческого, римского и этрусского искусства). Таким образом, любой архитектурный проект, скульптура или картина, созданные в средние века или более поздний период, вдохновленные искусством Древней Греции или Рима, являются примерами классицизма.

Термин «неоклассицизм» (иногда — «неоклассика») не равнозначен понятию «классицизм»: это понятие используется, как правило, для характеристики искусства Европы и Америки в период между 1750 и 1860 годами, для которого характерно использование обращение к образцам греческого и римского искусства.

Так, для статуи Давида работы Микеланджело правомерным является отнесение к стилю «классицизм», а для характеристики архитектурного стиля здания Капитолия в Вашингтоне предпочтительным является использование термина «неоклассицизм».

Статуя Давида

Характеристики классического стиля

Классическое искусство отличается своей гармонией, балансом и чувством меры. В живописи и скульптуре данного направления используются идеализированные фигуры и формы, субъекты представлены совершенными, а цвета картин нацелены на создание гармоничного эффекта.

Архитектура классицизма базируется на математических пропорциях и отношениях. Принципы, характеристики и идеи, заложенные греческими архитекторами и скульпторами, с течением времени доказали свою жизнеспособность и сохранились до сих пор с незначительными изменениями.

Давид. Донателло.

История

Средневековый классицизм (800–1400)

Для Средневекового искусства характерно явление нескольких волн классицизма. Первое обращение к образцам античности, относящееся к концу 10-го века, известно под названием «Каролингское возрождение». Этот период характеризуется значительным культурным и интеллектуальным развитием, что вылилось в создание большого числа манускриптов на латыни, церквей и других архитектурных произведений.

Вторую волну иногда называют «Оттоновский ренессанс». За ней последовала готическая эпоха, подарившая множество архитектурных шедевров.

Ренессанс (1400–1600)

Не удивительно, что именно в Италии — сердце Римской империи с традициями эллинистического искусства — произошло величайшее классическое Возрождение в Европе. Процесс, начавшийся периодом раннего кватроченто, объединил работы Альберти, Брунеллески, Мазаччо, Донателло и других видных мастеров своего времени. Классицизм доминирует в искусстве этой эпохи, что влечет за собой появление целого ряда шедевров: «Сикстинская Мадонна» Рафаэля, «Витрувианский человек» и другие прославленные работы Леонардо да Винчи и множество других произведений в живописи, скульптуре и архитектуре. Классические принципы искусства того времени распространились по Франции, Испании, Германии и другим странам.

Сикстинская Мадонна

Барокко (1600–1700)

Гармоничных и выверенных пропорций классического искусства Возрождения, в конце концов, оказалось недостаточно для творческих импульсов и толчков в начале 17-го века, поэтому они сменились идиомами более сложного и драматичного барокко. Известные представители этого направления — Андре Поццо, Аннибале Карраччи, Караваджо и другие мастера. Развитию традиций классицизма в то время способствовало появление академий искусств.

Караваджо, «Больной Вакх».

Неоклассицизм (1780–1850)

В 18-го веке барокко уступает место капризному и склонному к внешнему украшательству рококо. Позднее этот стиль вытесняется неоклассицизмом, свидетельствующем о еще одном возрождении классического искусства. Это направление можно проиллюстрировать работами Жака-Луи Давида, Жана-Огюста-Доминика, Антонио Канова, Томаса Джефферсона и др.

Жак-Луи Давид, «Смерть Марата».

Классицизм в 19-20 веке

Для искусства этого периода характерным является поиск новых методов и форм отражения действительности, поэтому классические идеалы искусства Древней Греции и Рима отступают на задний план. В результате обращение к основным постулатам классицизма не было широко распространено в 19-м и 20-м веке. Исключение представляет творчество французских академий и работы братства прерафаэлитов. Обращение к идеям классицизма можно увидеть в некоторых работах Пикассо, Джорджо Моранди, Фернана Леже, Андре Дерена.

Танец под музыку времени. Пуссен.

Заключение

Все периоды классицизма разделяют идеи и почитают художественные ценности античности. Основные идеалы стиля оставались одинаковыми, независимо от жанра, эпохи и направления искусства.

Классицизм в Петербурге

С приходом к власти в России императрицы Екатерины II за несколько лет господствующее долгое время барокко сменилось модным в Европе классицизмом.

С приходом к власти в России императрицы Екатерины II за несколько лет господствующее долгое время барокко сменилось модным в Европе классицизмом. Утверждение и развитие классицизма в России началось с двух столиц – Москвы и Петербурга.

Архитектура классицизма в Петербурге получила свое развитие не только из-за философских наклонностей императрицы, общавшейся с великими мыслителями того времени, хотя это влияние несомненно, но и из-за возросших задач зодчества в условиях бурно развивающегося города.

Великолепие барочных дворцов нельзя было распространить на «казенные дома» — торговые ряды, присутственные места, здания школ, больниц, судов, тюрем и т.д. – это было не только неуместно, но и сложно в техническом исполнении, поскольку строительство должно было вестись быстрыми темпами, чтобы удовлетворить нужды молодого города.

Язык классицизма оказался универсален: он позволял строить как дворцовые и храмовые сооружения, так и государственные и общественные учреждения, частные дома-усадьбы. Поэтому классицизм быстро получил широкое признание в России.

Вместе с классицизмом в Санкт-Петербурге утверждались и новые методы строительства. Если при строительстве сооружений Растрелли, мастера резали и крепили элементы декора, гармонизируя строение прямо по месту, то в период классицизма закреплялось разделение труда: архитектор отвечал за замысел, разработку чертежей, которые во всех деталях отражали будущее здание, а за строительство отвечали подрядчики.

Предшествующее классицизму барокко было стилем индивидуальным, а новый стиль, благодаря определенному набору требований к форме и декору, стал унифицированным. Создавались проекты-образцы, выполненные известными архитекторами, их размножали и рассылали в разные города страны. Стиль позволил расширить возможности строительства, более широко использовать образы исторических и литературных персонажей, которые были представлены в скульптурах на фасадах зданий и памятных сооружениях.

Скульптуры на здании Адмиралтейства в Петербурге. Это аллегорические изображения времен года, четырёх стран света, огня, воды, земли, воздуха, Урании — музы астрономии, Изиды – покровительницы корабельщиков и другие.

Петербургский классицизм, начало которому положила Екатерина, отвечал представлениям об абсолютистской власти монарха, а также идеям просвещения и демократизации, поскольку позволял строить в одном стиле людям разных сословий и достатка. По мнению историков, здания в стиле классицизм в исполнении известных зодчих, создавали новое архитектурное единство, нередко подчиняя строения, построенные в других стилях, становились центром городской композиции.

Например, Адмиралтейство после перестройки архитектором Захаровым своей монументальностью архитектурно подчинило себе систему центральных площадей. Перестраивая Главное Адмиралтейство, архитектор комплексно решил сложные градостроительные и архитектурно-художественные задачи.

Главное Адмиралтейство является центром архитектурной композиции.

Биржа перетянула на себя фокус внимания, ранее приходившееся на Петропавловскую крепость. Специалисты объясняют это явление тем, что здания, построенные в стилях, предшествующих классицизму, не были рассчитаны на определяющую роль в ансамбле городских сооружений. Они создавались как самостоятельные и самодостаточные строения. В отличие от них здания в стиле классицизм возводились архитекторами как постройки, рассчитанные на компоновку городского ансамбля.

Здание Биржи – композиционный центр ансамбля Стрелки Васильевского острова.

Для частного строительства в Петербурге конца 18 века тоже присущи классические формы и декор. Обычно у частных домов делали невысокий фундамент, устанавливали двух- или четырехколонные портики, фронтоны с окнами, строгие оконные наличники, украшенные рельефом. Окраска зданий чаще двухцветная – светло-зеленый или охровый сочетается с белым.

Архитекторы, создававшие сооружения в стиле петербургского классицизма

Жан-Батист Валлен-Деламот (1729-1800гг.): Малый Эрмитаж на Невском проспекте, 32-34 — костел Святой Екатерины, Академия художеств на Университетской набережной, 17, Дворец Разумовских на Мойке, 48.

Малый Эрмитаж на Невском проспекте, арх. Жан-Батист Валлен-Деламот. 1729-1800гг.

Ю. М. Фельтен (1730-1801гг.): Церкви: Святой Екатерины, Святой Анны Армянской, (1771—1776 гг.), Старый Эрмитаж (1771 — 1787гг. ) и переход в Эрмитажный театр. Ограда Летнего сада, одно из зданий Воспитательного дома близ Смольного. Архитектор также участвовал в сооружении гранитных набережных Невы.

Старый Эрмитаж.

В. И. Баженов (1737-1799 гг.): Дом Теплова (Свердловская набережная, 40) , Михайловский (Инженерный) замок, Второй дворец Павла I.

Дом сенатора и ученого Г.Н. Теплова.

А. В. Квасов (1718-1772гг.): cоздал генплан Санкт-Петербурга, его идеи определили облик предмостных площадей на Фонтанке. Участвовал в застройке Адмиралтейской части.

И. Е. Старов (1745-1808 гг.): завершал ансамбль Александро-Невской Лавры, предмостная площадь (Александра Невского) с домами на ней, Надвратную церковь, Троицкий собор, Таврический дворец, Фасады Аничкова дворца.

Собор во имя Святой Троицы в Александро-Невском монастыре (лавре) 1776-1790 гг.

Н. А. Львов (1751-1803гг.): Невские ворота Петропавловской крепости, Главпочтамт, церковь-ротонда (проспект Обуховской обороны). Зодчий перестроил дом Г. Р. Державина на Фонтанке 118, Приоратский дворец (в Гатчинском парке).

Дом Державина на Фонтанке.

Д. Кваренги (1744-1817гг.): Эрмитажный театр у Зимней канавки, здание Академии Наук, Английская церковь, Иностранная коллегия, дом №4 на Дворцовой набережной, усадьба Безбородко (Свердловская набережная, 40), Конногвардейский манеж, Смольный институт, Малый Гостиный двор и “Серебряные ряды” (Невский пр. 31-33), Ассигнационный банк с оградой (ул. Садовая, 21), Мальтийская капелла, церковь во дворе Воронцовского дворца, Колокольня Владимирской церкви (на Колокольной улице) , Екатерининский институт, дворец Юсуповых на Фонтанке 115, здание Кабинета Аничкого дворца на Невском проспекте 39, Деревянные Триумфальные Нарвские ворота и др.

Здание Академии наук.

А. Ринальди (1710-1794 гг.): Мраморный дворец (Дворцовая набережная, 6), Князь Владимирский собор, ряд зданий на Большом проспекте П. С. (Петроградской стороны).

Мраморный дворец. Дворцовая набережная, 6. арх. А. Ринальди. 1710-1794 гг.

Классицизм Петербурга вызывал как восторг гостей северной столицы, так и удивление. Не все воспринимали соединение русских национальных традиций и интернационального классицизма, основанного на античных формах. Некоторые иностранные путешественники удивлялись сочетанием античных статуй на фасадах домов и колоннад с суровым климатом, образом жизни людей, их одеждой, манерами, религиозными традициями и национальным зодчеством. Их поражал, например, контраст колоннады под античность, греко-римские портики храмов с крестами над ними, как в архитектуре храмов Александро-Невской Лавры (архитектор И. Е. Старов, 1776—1790 гг.) Тем не менее, петербургское направление стиля никого не могло оставить равнодушным.

автор: Марина Калабухова

Классический период — Стили и периоды — Скульптура

• Юноша (Критианский мальчик) из Афинского Акрополя. Около 480 г. до н.э.
  г. Литой № B068a

В начале V века греческие художники начали сознательно пытаться реалистично передать человеческие и животные формы. Это повлекло за собой тщательное наблюдение за моделью, а также понимание механики анатомии — как тело приспосабливается к позе, которая не жестко фронтальный, но с переносом веса на одну сторону тела и поведением тела при резких движениях.Преемники архаичный курой, в основном фигуры спортсменов, таким образом, регулярно показываются расслабленными, одна нога расслаблена, с дополнительным смещением плеч и целиком. подчеркнуты контрастами жесткости и расслабленности в конечностях.

• Метопа из храма Зевса, Олимпия. Афина и Геракл забирают яблоки из Атласа. Около 460 г. до н.э. Отливка No. A069

• Голова провидца с восточного фронтона храма Зевса в Олимпии.Около 460 г. до н.э.
  Литой No. A050

Новый стиль лучше всего выражен в мраморных плитках Парфенона около 450-435 гг. До н.э., но существовал и предшествующий стиль некоторых важность — ранний классический стиль, иногда называемый суровым стилем, который воплощен в скульптурах для Храма Зевс в Олимпии. Фигуры здесь в основном реалистичны, но формы драпировки более просты (переход от архаичного ионийского хитона к тем более строгий пеплос для женщин), и есть целенаправленные попытки изобразить эмоции на лицах и разного возраста в рендеринг тел.

• Лежащая фигура Диониса с восточного фронтона Парфенона. Около 430 г. до н.э.
  Литой № A091

• Лежащие фигуры Дионы и Афродиты из восточный фронтон Парфенона. Около 430 г. до н.э.
  Литой № A094

• «Дрезденский Зевс». Копия статуи ок. 440 г. до н.э.
  Литой № C049
  

Эти нововведения были отвергнуты Фидиасом в его проекте Парфенона и заменены более идеализированным реализмом в чьи формы тела часто были более правильными, чем при жизни, а головы, за исключением монстров вроде кентавров, кажутся бесстрастными и спокойными.Платье, после строгости ранней классики, становится невероятно реалистичным. Но Парфенон — наиболее полное выражение то, что иногда называют высокой классикой. Именно в этот период и стиль в последующие сто лет многие из Были разработаны основные типы греческих богов, которые оставались влиятельными на протяжении всей древности.

Страница 1 2 3 4 5

Искусство классицизма | Статья о движении классицизма в The Free Dictionary

— художественный стиль и эстетическая тенденция в европейской литературе и искусстве XVII — начала XIX веков, одной из главных черт которой было возвращение к образам и формам литературы и искусства. искусство античности как идеальный эстетический эталон.

Классицизм возник в результате взаимодействия с другими европейскими направлениями в искусстве. Он был основан на более ранней эстетике Возрождения и противопоставлен современному искусству барокко, проникнутому чувством всеобщего разлада, возникшего из кризиса идеалов предыдущей эпохи. Хотя он продолжал такие традиции эпохи Возрождения, как почитание древности, вера в разум и идеализация гармонии и меры, классицизм также представлял собой явную противоположность эпохе Возрождения.За внешней гармонией классицизма скрывалась внутренняя дихотомия мировоззрения, которая, несмотря на глубокие различия, приближала его к барокко. Родовое и индивидуальное, социальное и личное, разум и чувство, цивилизация и природа, которые в эпоху Возрождения были объединены в единое гармоничное целое, были поляризованы в классицизме и стали взаимоисключающими. Эта дихотомия отражала новую историческую ситуацию, в которой сферы политической и частной жизни начали разделяться, а социальные отношения стали для человека изолированной и абстрактной силой.В 17 веке идея разума была неотделима от идеи абсолютистского государства, которое в то время, согласно К. Марксу, действовало как «универсальный разум» (К. Маркс и Ф. Энгельс, Soch., 2 ed. ., vol. 1, p. 254), как «центр цивилизации, объединяющий принцип общества» (там же, vol. 10, p. 431), как сила, способная сдерживать феодальную анархию и устанавливать мир и заказ.

В основе эстетики классицизма лежали принципы рационализма, соответствующие философским идеям Р.Декарт и картезианцы. В соответствии с этими принципами художественное произведение рассматривалось как искусственное творение — сознательно созданное, рационально организованное и логически построенное. Пропагандируя «подражание природе», классики считали непременным условием его достижения строгое соблюдение неизменных правил, вытекающих из классической поэтики (Аристотель, Гораций) и искусства. Эти правила определяли законы художественной формы, в которых проявлялась рациональная творческая воля художника, превращая жизнь в красивое, логически гармоничное и ясное произведение искусства.

Художественное превращение природы в прекрасное и облагораживающее также представляло собой более высокое познание природы; искусство было призвано показать идеальную логику мироздания, часто скрытую за внешним хаосом и беспорядком действительности. Разум, постигающий идеальную гармонию, был явлением более высоким, чем индивидуальные особенности и многообразие жизни. Для классицизма эстетической ценностью обладало только общее, неизменное и вневременное. Классицизм стремился раскрыть и воплотить существенные, постоянные черты каждого явления; отсюда его интерес к античности как абсолютной, надисторической эстетической норме, а также его приверженность принципам типов персонажей, воплощающих определенные социальные или духовные силы.

Классики стремились создавать образы, которые были моделями, отражающими жизнь в ее идеальном, вечном аспекте. Эти образы были зеркалами, в которых индивидуальное превращалось в общее, временное — в вечное, реальное — в идеальное, а история — в миф. Классический образ изображал то, что есть везде и нигде в действительности. Это была победа разума и порядка над хаосом. Воплощение высоких этических идей в соответствующих гармоничных и красивых формах придало произведениям, выполненным по канонам классицизма, оттенок утопизма, обусловленный также акцентом классицизма на дидактических и социальных функциях искусства.

Эстетика классицизма установила строгую иерархию жанров: «высокий» и «низкий». В литературе к высоким жанрам относятся трагедия, эпос и ода, а в живописи — исторический, мифологический и религиозный. Темы высоких жанров касались государства или религиозной истории, а их героями были монархи, военачальники, мифологические персонажи и религиозные фанатики. Повседневная жизнь среднего класса изображалась в литературе низкими жанрами комедии, сатиры и басни.В живописи соответствующими «маленькими» жанрами были пейзаж, портрет и натюрморт. У каждого жанра были строгие границы и четкие формальные особенности; нельзя смешивать высокое с низким, трагическое с комическим, а героическое с повседневным.

Литература. Поэтика классицизма начала развиваться в Италии в эпоху позднего Возрождения в поэтике Л. Кастельветро и Я. К. Скалигера, но только во Франции 17 века, во время консолидации и расцвета абсолютизма, классицизм возник как целостная художественная система. .

Поэтика французского классицизма, постепенно развивающаяся в противоречии как с préciosité , так и с бурлеском, получила окончательное и систематическое выражение в книге Art poétique (1674) Н. Буало, обобщившей художественный опыт XVII в. французская литература века. Основоположником поэзии и поэтики классицизма был Ф. Мальерб, чьи языковые и стихотворные реформы были приняты Французской академией, которой было поручено создать обязательный лингвистический и литературный канон.

Ведущим жанром классицизма была трагедия, разрешившая важнейшие социальные и нравственные проблемы эпохи. В трагедии социальные конфликты отражаются в душах героев, стоящих перед выбором между нравственным долгом и страстями. Этот конфликт отражал поляризацию социальной и частной жизни, поляризацию, которая также определила структуру персонажа. Родовое и социальное, мышление и рассуждающее «Я» противопоставляется непосредственному индивидуальному существованию героя, и герой, пытающийся следовать велениям разума, кажется, смотрит на себя извне, самоанализ, терзается своей двойственностью и чувствами императив стать равным идеальному «Я».В работах П. Корнеля этот императив слился с долгом перед государством. Позже, в творчестве Дж. Расина, нарастающее отчуждение от государства привело к тому, что императив утратил политическое значение и приобрел этический характер. Внутреннее ощущение надвигающегося кризиса абсолютистской системы раскрывается и в трагедиях Расина, идеально гармоничное художественное построение которых контрастирует с изображаемыми слепыми и стихийными страстями; перед лицом этих страстей человеческий разум и воля бессильны.

Во французском классицизме «низкие» жанры получили также развитие в баснях Ж. де Лафонтена, сатирах Буало, комедиях Мольера. Именно в низменных жанрах, персонажи которых черпались не из идеализированного исторического или мифологического далекого прошлого, а из современной действительности, мог развиться реалистический принцип. Это особенно верно в отношении Мольера, произведения которого ассимилировали различные интеллектуальные и художественные течения и во многом определили последующее развитие литературы.В Мольере комедия перестала быть низким жанром; его лучшие пьесы назывались «высокими комедиями», потому что, как и трагедия, они пытались разрешить важнейшие социальные, моральные и философские проблемы эпохи. В классицизме развивалась и проза, отличавшаяся типологизированными страстями, аналитической характеристикой, точным и ясным стилем, как в произведениях моралистов Ф. де Ла Рошфуко, Б. Паскаля, Ж. де Ла Брюйера и психолога-романиста М. Ла Файет.

После упадка в конце 17 века классицизм возродился в эпоху Просвещения.Новый классицизм Просвещения сосуществовал на протяжении 18 века с реализмом Просвещения, снова став доминирующим художественным течением в конце века. Классицизм Просвещения во многом продолжал традиции классицизма 17 века: человек рассматривался как сознательно относящийся к миру и самому себе, как способный подчинить свои надежды и страсти общественному и нравственному долгу. Классики эпохи Просвещения разделяли энтузиазм классиков XVII века по отношению к цивилизации и рационалистическое понимание художественного творчества.Однако социально-политическая направленность классицизма Просвещения изменилась. В рамках классических традиций Вольтер писал трагедии, противостоящие религиозному фанатизму и абсолютистскому угнетению и выражающие любовь к свободе.

Восхищение античностью как миром идеальных прототипов — суть классицизма, в том числе XVIII века — уходило корнями в идеологию Просвещения. Когда люди Просвещения пытались выйти за пределы внешнего потока жизни, выйти за пределы частной жизни, они обычно оказывались в мире идеальных абстракций, потому что многие из их теорий основывались на изолированном человеке и потому что они не искали сущности. человека в социальных обстоятельствах жизни или в истории, а скорее в абстрактной человеческой природе.Между классицизмом Просвещения и литературой Великой французской революции существовала тесная связь, в которой героические устремления воплощались в классических мифах и легендах, как, например, в творчестве М. Ж. Шенье. Как писал Маркс, революционеры нашли в легендах античности «идеалы и художественные формы, иллюзии, необходимые им, чтобы скрыть от самих себя ограниченное, буржуазное содержание своей борьбы, поддержать свое вдохновение на высоком уровне великой исторической трагедии» (К. Маркс и Ф.Энгельс, Соч., 2-е изд., Т. 8, стр. 120).

Под влиянием французской литературы классицизм развился и в других странах Европы. В Англии ее ведущими представителями были А. Поуп и Дж. Аддисон; в Италии — В. Альфьери и отчасти Уго Фосколо. В Германии классические произведения Я. К. Готшеда, полностью построенные по французским образцам, не оставили значительного следа в немецкой литературе. Лишь во второй половине 18 века возник новый немецкий классицизм, известный как веймарский классицизм, как своеобразное художественное явление.В отличие от французского классицизма, он имел тенденцию подчеркивать моральные и эстетические проблемы. Его основы были заложены Я. Винкельманом, но наивысшего расцвета он достиг в творчестве Й. В. фон Гете и Ф. фон Шиллера в веймарский период их карьеры. Немецкие поэты противопоставляли «благородную простоту», гармонию и художественное совершенство греческих классиков, возникших в условиях демократии городов-государств, духовной нищете немецкой действительности и всей современной цивилизации, оказавшей разрушительное воздействие на человека.Шиллер и до некоторой степени Гете видели в искусстве главное средство воспитания гармоничной личности и, опираясь на культуру античности, стремились создать новую современную литературу высокого стиля, способную выполнить эту задачу.

Во времена Наполеоновской империи классицизм перестал быть прогрессивной силой. Для него были характерны официальная помпезность и хвастовство, холодный и безжизненный академизм. Тем не менее, как подражательное течение, он продолжал существовать во Франции до 1840-х годов.

Классицизм зародился в России во второй четверти XVIII века под идейным влиянием эпохи Петра I, с его безусловным подчинением отдельной личности осознанно определенным национальным интересам. Классические элементы проявились в творчестве первых русских просветителей, основавших современную русскую литературу — А. Д. Кантемир, В. К. Тредиаковский, М. В. Ломоносов. Идея естественного равенства людей легла в основу социологических и этических концепций русской просветительской мысли.В классической литературе эта идея проявлялась в заботе об этической сущности человека, художественно выраженной в акценте на присутствии автора и его отношении к тому, что он изображал. Существенно изменив западноевропейский классицизм, русский классицизм культивировал жанры, требующие обязательной авторской оценки исторической действительности: сатира (Кантемир), басня (А.П. Сумароков, В.И. Майков, И.И. Хемницер), ода (Ломоносов, В.П. Г.Р. Державин).В основе трагедий в первую очередь лежали национально-исторические сюжеты (Сумароков, Л. Б. Княжнин, Н. П. Николев), преобладающими стилистическими чертами которых были лиризм и «выразительность» главных героев, прямо выражавших излюбленные идеи автора. Классическая эстетика пережила сложное развитие с 1730-х по 1790-е годы, когда на нее напали сторонники нового литературного направления — сентиментализма. Перестав удовлетворять потребности общества, классицизм завещал русской литературе XIX века страсть к гражданской добродетели и сатирическому разоблачению.После появления статей В.Г. Белинского российская академическая наука и литературоведение долгое время отрицательно относились к классицизму, преодолеть который смогли только работы советских ученых.

Изобразительное искусство. В пластическом искусстве антецеденты классицизма появились в Италии уже во второй половине XVI века в архитектурной теории и практике Палладио и в теоретических трактатах Виньолы и С. Серлио. Более подробно эти принципы получили развитие в трудах Г.П. Беллори (17 в.) И в эстетических нормах, разработанных академиками болонской школы. Классицизм развивался в противоречии с барокко на протяжении 17 века, но только во французском искусстве он стал целостной стилистической системой. Он стал общеевропейским стилем в XVIII и начале XIX веков.

Классическая архитектура отличается геометрическим качеством ее статичных форм, ее логическим дизайном и постоянным возвращением к архитектурным формам античности, не только в использовании мотивов и элементов, но и в поглощении общих тектонических принципов.Ордены составляли основу классической архитектурной лексики, а их пропорции и формы больше напоминали древние, чем ордена более ранних периодов. Стены рассматривались как гладкие поверхности, очерчивающие четкие, симметрично расположенные массы. Архитектурный декор введен таким образом, чтобы никогда не «скрывать» общую структуру; скорее, он стал тонким и сдержанным аккомпанементом. Интерьеры отличались четким пространственным разделением и мягкими цветами; Широко применяя эффекты перспективы в монументально-декоративной живописи, классицизм отделил иллюзорное от реального пространства.В классическом синтезе искусств формы подчинялись строгой иерархии, в которой явно доминировала архитектура. Городское планирование было генетически связано с принципами ренессанса и барокко и активно стремилось создать «идеальный город». В конце 18 века и в первой трети 19 века были разработаны новые планировки, органично сочетающие городское строительство с природой и создававшие открытые площади, которые пространственно сливались с улицами или эспланадами.

Тектоническая четкость классической архитектуры соответствовала строгой дифференциации пространственных плоскостей в скульптуре и живописи.В пластических искусствах использовались замкнутые монохромные массы, обычно зависящие от фиксированной точки наблюдения; преобладала мягкая лепка и устойчивость формы. В живописи рисунок и обработка света и тени приобрели первостепенное значение, особенно в позднем классицизме, когда живопись временами склонялась к монохромному, а графика — к чистой стилизованной линии. Цветовая схема была основана на сочетании трех преобладающих цветов, например, коричневого для переднего плана, зеленого для второй плоскости и синего для фона.Среда света и воздуха стала более разреженной, нейтрально заполнив промежутки между пластическими массами, и действие развернулось как на сцене.

Величайшим художником и теоретиком французского классицизма XVII века был Н. Пуссен, картины которого отличаются высоким этическим содержанием и четкой гармонией ритмической структуры и цветовой гаммы. Идеализированные пейзажи, воплощающие мечту Золотого века, блестяще разработали Пуссен, Клод Лоррейн, Ж. Дюге. Принципы классицизма получили развитие у Ф.Здания Мансара, известные своим четким разделением порядков и композиции, на восточном фасаде Лувра К. Перро, чистейшем образце классицизма 17 века, а также в работах Л. Ле Вау и Ф. Блонделя. Начиная со второй половины XVII века французский классицизм постепенно ассимилировал элементы барокко, что особенно ярко проявляется в архитектуре и планировке Версаля (архитекторы Ж. Хардуэн-Мансар и др.), А также в планировке А. Ленотра. сады. Консолидации доктрины классицизма способствовало создание в Париже Королевской академии живописи и скульптуры (1648 г.) и Академии архитектуры (1671 г.), которые разработали канон композиции и рисунка, нормы изображения эмоций и система жанров в живописи и пропорций в архитектуре.В 17 — начале 18 вв. Классицизм распространился на Голландию (Якоб ван Кампен, П. Пост), где возник особенно сдержанный вариант. В Англии классицизм нашел выражение в архитектуре Палладио, в которой суровое благородство построек И. Джонса сохранило элементы ренессанса. Архитектурные работы К. Рена и его последователей окончательно утвердили национальный вариант классицизма.

В середине 18 века в пластике возникло новое классицистическое направление, соответствующее классицизму эпохи Просвещения в литературе и первоначально возникшее из конфликта с искусством рококо.Архитектура этого периода отказалась от жесткого дизайна, стремилась подчеркнуть структурную значимость заказов и уделяла особое внимание интерьерам и гибкой планировке комфортабельной резиденции. Идеальной обстановкой для классической застройки нового типа стал пейзаж «английского» парка. Рост археологических знаний о греческой и римской древности, полученных, в частности, из раскопок Геркуланума и Помпеи, оказал огромное влияние на классицизм XVIII века, как и теоретические работы Винкельмана, Гете и Ф.Милиция.

Французская архитектура того времени стала свидетелем развития новых форм, таких как элегантная уединенная частная резиденция, монументальное общественное здание и открытая городская площадь (архитекторы Ж.-А. Габриэль и Ж.-Г. Суффло). Гражданский задор и лирическая задумчивость сочетаются в скульптуре Ж.-Б. Пигаль, Э.-М. Фальконе, Ж.-А. Гудона, в историко-мифологических картинах Ж.-М. Вена и в декоративных пейзажах Х. Роберта. Накануне Великой французской революции архитектура стремилась к строгим, граничащим формам, внушительным и назидательным образам.Все чаще архитекторы обращались к архаичным греческим мотивам и искусству Древнего Египта, иногда даже к системе без заказа, например, в зданиях и конструкциях К.-Н. Леду и Э.-Л. Булле. Эти тенденции, в которых также обнаруживается влияние офортов Г. Б. Пиранези, послужили отправной точкой для стиля позднего классицизма, или ампира. Крупнейшим представителем революционного направления в классической живописи был Ж.-Л. Дэвид, чьи работы проникнуты смелой драматичностью и величественной образностью.В эпоху Наполеона I стиль французского ампира был отмечен своей все более заметной демонстрацией (К. Персье, П. Фонтен и Ж.-Ф. Шалгрен), что часто приводило к использованию чрезвычайно мелких деталей даже в декоративно-прикладном искусстве . Несмотря на появление отдельных мастеров, таких как Д. Энгр, живопись позднего классицизма выродилась либо в официозно-апологетическое, либо в эротико-сентиментальное салонное направление.

В 18 — начале 19 веков Рим стал важнейшим международным центром классицизма.Здесь господствующее направление часто сочетало величественное благородство форм с абстрактной и холодной идеализацией. Среди художников, работавших в Риме, были немецкий живописец А. Р. Менгс, итальянский скульптор А. Канова, датский скульптор Б. Торвальдсен, австрийский художник-пейзажист Я. А. Кох.

Немецкая классическая архитектура XVIII — начала XIX веков отличается строгим и рациональным стилем строительства Палладио Ф. В. Эрдманнсдорфа, а также К. Г. Лангханса, Д. Гилли и Ф.Джилли. В творчестве К. Ф. Шинкеля — кульминации позднего немецкого классицизма — строгие монументальные формы органично связаны с поиском архитектором новых функциональных решений. С другой стороны, в зданиях Л. фон Кленце и Ф. Гертнера доминирует сухой археологический вид. Созерцательное по настроению немецкое классическое изобразительное искусство лучше всего представлено портретами А. и В. Тишбейнов, мифологическими и аллегорическими карикатурами А. Я. Карстенса, скульптурой И. Г. Шадова, И. Х.Даннекер, К. Д. Раух, декоративно-прикладное искусство мебельщика Д. Рентгена.

Палладианская школа, которая изначально преобладала в английской классической архитектуре XVIII — начала XIX веков, была тесно связана с полным развитием паркового строительства (архитекторы В. Кент, Дж. Х. Пейн, У. Чемберс). Рост археологического интереса к классическим моделям проявился в постройках братьев Адамов, отмеченных декоративной изысканностью. В начале 19 века проявились черты ампира, особенно в творчестве Я.Соан. Основными достижениями английского классицизма были его превосходство в проектировании жилого пространства и его смелые усилия в области городского планирования, в определенной степени предвосхищающие идею «городов-садов» (Дж. Вуд, Дж. Вуд II, Дж. Нэш). Истинными представителями английского классицизма были иллюстратор и скульптор Дж. Флаксман, а также такие мастера декоративно-прикладного искусства в керамике, как Дж. Веджвуд и мастера Дерби.

В 18 — начале 19 вв. В Италии развивался классицизм (Г.Пьермарини), в Испании (Х. де Вильянуэва), в странах Восточной Европы и Скандинавии. В США представителями классицизма были архитекторы Т. Джефферсон и Дж. Хобан, художники Б. Уэст и Дж. С. Копли. К 1830-м годам классицизм перестал быть ведущим течением в искусстве и стал одним из псевдоисторических стилей; отголоски этого сохранились в неоклассицизме ХХ века.

Русский классицизм возник в середине XVIII века и стал преобладающим художественным стилем примерно с 1770 по 1830 год.Процесс национальной консолидации, рост могущества Российского государства и беспрецедентный в истории России расцвет светской культуры послужили исторической и идеологической почвой, питавшей патриотический пыл в русском классицизме. Здания архитекторов раннего классицизма (1760-1770-е гг.), В частности А. Ф. Кокоринова, Ж. Б. Валлен де ла Моте, Ю. М. Фельтен, К. И. Бланк, А. Ринальди сохранили пластическое богатство форм, характерное для барокко. Мастера зрелого классицизма (1770-1790-е гг.) Проектировали здания с тонко дифференцированными фасадами, которые способствовали организации пространственной планировки города (В.И. Баженов, И. Е. Старов, М. Ф. Казаков). Малый дворец нового типа был разработан Ч. Камерон, Дж. Кваренги и Н. А. Львов создали русский вариант палладианского стиля. Стиль ампир первых трех десятилетий XIX века отражал политический триумф и мощь России. В период его расцвета были реализованы великолепные градостроительные проекты, в частности, в Санкт-Петербурге, где впервые была поставлена ​​и решена проблема совмещения закономерных принципов симметрично-осевой планировки со свободным открытым пространством реки.Планы были разработаны более чем для 400 городов, а архитекторы создали «модельные» проекты почти для каждого типа строений. Ансамбли строились в центре разных городов, в том числе Костромы, Полтавы, Твери, Ярославля. Великолепные комплексы и отдельные здания (прежде всего в Санкт-Петербурге) проектировали А. Н. Воронихин, А. Д. Захаров, Тома де Томон, К. И. Росси, В. П. Стасов. В Москве ведущими архитекторами были Д. И. Жиларди, О. И. Бове, А. Г. Григорьев, а доминирующей архитектурной формой стал небольшой особняк с уютным интерьером.Тонкая оригинальность и поэтичность отличают городские дома и загородные усадьбы, построенные в стиле русского классицизма, в котором классические формы и украшения нашли органичное воплощение в дереве.

В изобразительном искусстве развитие русского классицизма было тесно связано с работой Академии художеств, основанной в Санкт-Петербурге в 1757 году. Скульптура была представлена ​​монументально-декоративными произведениями (тонко вписанными в архитектуру ампира), отдельно стоящими композиции, и элегической скульптурой надгробия (И.П. Прокофьев, Ф. Г. Гордеев, М. И. Козловский, И. П. Мартос, Ф. Ф. Щедрин, В. И. Демут-Малиновский, С. С. Пименов, И. И. Теребенев). Важное значение имела работа медалиста Ф. П. Толстого. В живописи мастерами классического исторического жанра были А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмов, И. А. Акимов, А. И. Иванов, А. Е. Егоров, В. К. Шебуев, А. А. Иванов (ранний период). Принципы классицизма нашли отражение и в психологически восприимчивых бюстах Ф. И. Шубина, портретах Д.Г. Левицкий и В. Л. Боровиковский, пейзажи Ф. М. Матвеева, поэтическая графика Ф. П. Толстого. В декоративно-прикладном искусстве отличная работа выполнена в средах, типичных для классицизма в целом, таких как художественная обработка металла, фарфор и хрусталь. Столярные изделия, изделия из полированной стали, мебель из карельской березы особенно выделялись своей оригинальной техникой и материалами. В первой половине XIX века русский классицизм в изобразительном искусстве постепенно превратился в бесплодный академизм, которому противостояли художники демократических течений.

Театр. В театре классицизм способствовал более глубокому пониманию идей, содержащихся в драматическом произведении, помог преодолеть преувеличенное изображение чувств, характерное для средневекового театра. Исполнение классической трагедии, достигшей уровня подлинного искусства, было приведено в соответствие с принципами классической эстетики Н. Буало. В основе актерского мастерства лежал рационалистический метод, осознанное развитие роли.От актера-трагика требовалось выразительно декламировать свои стихи, не стремясь создать иллюзию искренних эмоций. Актерское мастерство показало присущее классицизму противоречие между апелляцией к природе, разуму и истине и ограничивающими нормами придворного, аристократического вкуса. В целом классические пьесы были помпезными и статичными. Актеры выступали на сцене, в постановке которой не хватало исторических или бытовых деталей.

Развитие классицизма в актерской игре связано с французскими актерами Монтдори, Флоридором, Т.Du Parc и M. Champmeslé. Среди выдающихся деятелей эпохи классицизма эпохи Просвещения были Х. Лекен, К. Клерон, М. Дюмениль, этический и гражданский пыл которых превосходил салонную изысканность придворного классицизма. Наиболее ярко демократические тенденции в классицизме проявились в постановках Мольера. В годы Великой французской революции прогрессивные деятели театра, в частности Ф. Ж. Тальма, придали классицизму новое героическое и революционное звучание.

Французский классицизм 17-18 веков оказал влияние на театр других европейских стран.Его ведущими представителями были К. Нойбер в Германии, Т. Беттертон и Дж. Кембл в Англии. Блестящей актрисой французского театра была Э. Рашель. Эстетические нормы классицизма 19 и начала 20 веков наложили отпечаток на постановки французской комедии и на игру Ж. Мунэ-Сюлли и Сары Бернар.

Классицизм зародился в русском театре 30–50-х гг. Сохраняя основные черты классицизма, искусство ведущих деятелей русского театра, в отличие от западноевропейского театра, отличалось просвещенческими тенденциями, протестом и сатирическим разоблачением.Среди актеров, воспитанных в отечественной школе классицизма, были Ф. Г. Волков, И. А. Дмитревский, Т. Н. Троепольская, С. Н. Сандунов. На рубеже XIX и XIX веков классицизм переживал идеологический и художественный кризис, в котором правда и сила актерских эмоций вступили в противоречие с канонами классического актерского стиля и опровергли его.

ЛИТЕРАТУРА

Реизов Б.Г. Между классицизмом и романтизмом. Ленинград, 1962.
Русская литература XVIII т.Эпоха классицизма (сборник статей). Москва-Ленинград, 1964.
Виппер Ю. Б. Формирование классицизма во французской поэзии начала 17 в. Москва, 1967.
Обломиевский, Д. Д. Французский классицизм. Москва, 1968.
Поспелов Г.Н. «Художественная система» русского классицизма. В г. Проблемы литературного стиля. Москва, 1970.
Эрнст, Ф. Der Klassizismus in Italien, Frankreich und Deutschland. Вена, 1924 год.
Bray, R. La Formation de la doctrine classique en France. Geneva, 1931.
Adam, A. Histoire de la littérature française au XVII siècle, vols. 1–5. Париж, 1948–56.
Peyre, H. Qu’est-ce que le classicisme? Париж, 1933.
История русского искусства, тт. 6–8 (книга 1). Москва, 1961–63.
Всеобщая история искусств, тт. 4–5. Москва, 1963–64.
Коваленская, Н. Н. Русский классицизм. Москва, 1964.
Ренессанс, Барокко, Классицизм: Проблема стиля в западноевропейском искусстве 15–17 веков. Москва, 1968.
Всеобщая история архитектуры, т. 7. Москва, 1969.
Ротенберг Э.И. Западноевропейское искусство 17 века. Москва, 1971. (Памятники мирового искусства, книга 4, серия 1.)
Zeitler, R. Klassizismus und Utopie. Stockholm, 1954.
Kaufmann, E. Архитектура в эпоху разума. Кембридж, Массачусетс., 1955.
Hautecoeur, L. L’Histoire de l’architecture classique en France, vols. 1–7. Париж, 1943–57.
Tapie, V. Барокко и классицизм. Париж [1957].
Praz, M. Gusto neoclassico. Неаполь, 1959.
Новотны, Ф. Живопись и скульптура в Европе, 1780–1880 гг. Harmondsworth, 1960.
Hubala, E. Die Kunst des 17. Jahrhunderts. Berlin, 1970.
Keller, H. Die Kunst des 18. Jahrhunderts. Берлин, 1971 год.
История западноевропейского театра, т. 1. Москва, 1956.
Асеев Б. Н. Русский драматический театр XVII-XVIII вв. Москва, 1958.

Большая Советская Энциклопедия, 3-е издание (1970–1979). © 2010 The Gale Group, Inc. Все права защищены.

История, анализ, описание, интересные факты

Давид — мраморная скульптура в натуральную величину, созданная Джан Лоренцо Бернини. Он был заказан кардиналом Сципионе Боргезе для украшения галереи Боргезе.Шедевр был завершен за семь месяцев, с 1623 по 1624 год. Главный объект скульптуры — библейский Давид, собирающийся бросить камень, который сокрушит Голиафа, что позволит Давиду обезглавить его.

Описание

В образе Давида присутствовали сила, благородство и героизм во всей красе. Поэтому в композициях пятнадцатого века он был показан победителем. Бернини в своем творчестве показал несколько иное направление: динамику, душевное напряжение и движение. Его статуя запечатлела сам эпизод битвы. Бернини поставил свое творение в один ряд с другими известными произведениями. Он показал Давиду, который готовился к атаке, собирая все свои силы и волю. Статуя смотрит на врага напряженными и ненавидящими глазами. Молодой человек серьезен: брови нахмурены, губы покусаны. Статуя изображает бунтаря, который живет беспокойной жизнью, наполненной драматизмом. Более того, Бернини выполнял свои работы в стиле раннего барокко.
Скульптор старался не имитировать Пергамский алтарь. Бернини создал свое произведение не как отдельную фигуру, а как парную композицию, в которой основное внимание уделяется врагам Давида. По его виду и позе сразу понимаешь, где противник Давида. Пространство между ними имеет определенный заряд, принадлежащий статуе. В этом отличие творчества Бернини от классического барокко. В семнадцатом веке его статуя привлекла большое внимание общественности. Он включает в себя иллюзию живого присутствия героев. А также взглянув на рисунок, можно сразу понять, что герой будет делать дальше.Все эмоции и чувства Дэвида можно прочитать по лицу, поэтому автору удалось четко вылепить и увековечить их.

Три Давида

Библейский Давид был важным предметом для художников эпохи Возрождения. Более того, его рассматривали скульпторы Донателло, Микеланджело и Верроккьо. Скульптура Бернини не замкнута в себе, а взаимодействует с пространством вокруг произведения искусства. Говоря о других известных изображениях Давида, Микеланджело показал, как он готовится к битве, а Веррочио и Донателло потом показали ему победу.С другой стороны, Бернини изобразил Давида бросающим камень.

Бросающие герои были настолько редки в скульптурах постантичности

Интересные факты

1. Согласно Библии, молодой пастырь Давид победил великана Голиафа. Многие скульпторы эпохи Возрождения посвятили свои работы героическому подвигу героя
.
2. Говорят, что во время работы друг Бернини и будущий понтифик Маффео Барберини держал зеркало перед скульптором, поэтому гримаса Дэвида отражает ухмылку автора.
3. Бернини получил заказ на вырезание статуи Давида от кардинала Сципионе Боргезе
4. Перед созданием статуи Бернини изучил отрывки из Библии о Давиде и Голиафе и скульптуры Давида от других художников
5. Работа выполнена за семь месяцев
6. Художник постарался передать эмоции объекта живыми и реалистичными.
7. «Давид» Бернини — сложная скульптура, подчеркивающая расцвет барочного механизма начала 17 века.
8. История Давида и Голиафа — одна из самых узнаваемых в иудео-христианской традиции
9. Эпоха барокко связана с композициями в форме диагональных линий, как в «Давиде
» Бернини.
10. Были еще три знаменитые скульптуры Давида Микеланджело, Веррочио и Донателло

Галерея Боргезе в Риме,

Автор: Джан Лоренцо Бернини

Как архитектор и градостроитель, он проектировал светские здания, церкви, часовни и площади, а также массивные произведения, сочетающие архитектуру и скульптуру, особенно тщательно продуманные общественные фонтаны и погребальные памятники, а также целый ряд временных сооружений (из лепнины и дерева). ) для похорон и праздников.

Читайте также

Показать больше

НЕТ

НЕТ

Никола Пизано и Джотто: основоположники классицизма эпохи Возрождения

Никола Пизано

Первым классическим произведением эпохи Возрождения является кафедра Никола Пизано для Баптистерия Пизанского собора, которую он подписал и датировал 1260 годом.Как его общая форма, так и моделирование и поза некоторых фигур показывают влияние античной скульптуры, которую Никола мог изучать в Апулии, где он жил в молодости. Королевство Обеих Сицилий под властью Фридриха II, императора Священной Римской империи, создало светский стиль классической скульптуры, который также повлиял на обучение Никола. ³¹⁰ ‘ ³¹¹ Вазари сообщает, что Никола посетил Рим, хотя у нас нет доказательств этому. Во всяком случае, в Пизе были античные саркофаги, привезенные с юга пизанским флотом в качестве добычи или балласта; один из них, как говорит Вазари, изображает мелеагеров, охотящихся на калидонского кабана, был прикреплен к фасаду собора «из-за его красоты».Мы знаем, что рельеф саркофага II века нашей эры на портале трансепта Сан-Паоло-а-Рипа-д’Арно в Пизе использовался в качестве модели как Никола Пизано, так и его учеником Арнольфо ди Камбио. ³¹⁵ Вазари утверждает, что Никола постоянно изучал римские останки, и мы можем убедиться в этом, изучив его кафедру 1260 года и сравнив ее с античными саркофагами, которые до сих пор украшают близлежащий Кампосанто.

Большое значение имеет сама ткань кафедры, которая, как и большая часть собора, сделана из мрамора и колонн из останков Остии и Порту.Возможно, скульптор выбрал себе подержанный камень и увидел в Риме триумфальные арки, которые послужили ему источником вдохновения для его кафедры, которая заметно отличается от современных работ. Колонны кафедры имеют богатые коринфские капители, и, хотя арочные проемы, которые они поддерживают, имеют остроконечные выступы в готической манере, на перемычках есть фигуры, как и на Арке Константина в Риме. Опять же, у этой античной арки есть фигуры, стоящие на колоннах, и мансардный этаж со скульптурными сценами на нем: так же, как и кафедра Пизанского баптистерия.Эти сцены, конечно, религиозные по содержанию, отражают тщательное изучение античных работ. ³¹⁶ За исключением «Страшный суд», , который должен происходить из какой-то византийской слоновой кости, и «Распятие», , излучающего элегантность, похожую на современную французскую готику, все сцены являются античными в духе античных саркофагов. Одним из таких источников является саркофаг Phaedra и в соседнем Кампосанто. В Николе «Поклонение волхвов », Федра становится Девой, а обнаженная перед Федрой становится Стойкости, — одной из фигур на уровне арки, под сценами.

Саркофаг с историей Федры. (Он был повторно использован для христианских захоронений.) Пиза, Кампосанто.

69

Никола Пизано: Рождение Христа и связанные с ним эпизоды. Пизанский баптистерий. Панно кафедры, 1260.

Джованни Пизано: Рождение Христа. Пизанский собор. Панель кафедры, 1302-10.

Никола — настоящий подражатель, а не своенравный стилист, нашедший легкий источник для копирования.Очень немногие из фигур на кафедре имеют какой-либо прослеживаемый источник, поскольку они являются оригинальными творениями, созданными на основе глубокого понимания античных и романских прототипов. ³¹⁷ Панель Рождества (и связанных с ней эпизодов) служит для демонстрации той ясности мысли, которая определяет и композицию, и стиль фигуры. В римской моде фигур немногочисленны, и они увеличены до полной высоты их простой, плоской прямоугольной рамки. Их одежда — римская: туника с ее широкими складками собрана на талии и покрыта паллиумом или тогой , , которую Дева носит на голове, как римская матрона, приносящая жертву.Она носит гребешок в ее недоразвитых волнистых волосах, которые с трезвым выражением лица и пустыми глазами завершают картину имперского римского погребального портрета. В некоторых из них и в их этрусских прототипах фигура аналогичным образом откидывается на кушетке. Сами жесты, которыми люди, созданные Никола, управляют большими и простыми складками своей тяжелой одежды, добавляют благородной серьезности темы: все движения медленные и продуманные, все эмоции сдерживаются. Никола открыл, как рассказывать христианскую историю на античном языке.

Его сын, Джованни Пизано, не ценил эту римскую манеру. ³¹³ И действительно, возможно, Никола сам нашел современника

70

мода на готику ³¹² ‘ ³¹⁸ слишком распространена, чтобы ее игнорировать, потому что в 12658 году с помощью своего сына и Арнольфо ди Камбио он сделал кафедру для Сиенского собора, которая имеет много готических черт. Никола умер около 1284 года, а его сын закончил кафедры Пизанского собора (1302-10 гг.) И церкви Св.Андреа в Пистойе (1301 г.). ³¹⁴ Кафедра Джованни в Пизанском соборе — самая сложная из всех его работ. В основном круглый в плане, богато украшенный, с изогнутыми и сильно подрезанными панелями чердака, эта кафедра отказывается от строгих и простых форм и громоздких монументальных предметов одежды в пользу более линейного стиля. В Рождение Христа (включая Благовещение пастырям, и Омывание Младенца), он стремится к приятной сладости вместо имперской гравитаций: Дева все еще возлежит, но теперь улыбается пока она раскачивает колыбель для ребенка, которая является настоящей колыбелью, а не римским саркофагом в интерпретации Никола.Тяжелые складки уступили место одежде, облегающей фигуру, которая текла, как водная рябь, вокруг ее тела и даже по ее ногам, добавляя атмосферу волнения в сцену, которая течет по всей композиции колеблющимися изгибами. Они спускаются через плащ Девы, в тело правой акушерки, снова вверх через извилистую пещеру, в которой, согласно средневековым преданиям, произошло рождение; ‘; затем — к возбужденному и жестикулирующему ангелу, а также к пастухам, окруженным стадами и собаками, цепляющимся за отвесный склон горы.Такой стиль, с его мягкими, сладкими изгибами,

Традиционная кафедра Гвидо да Комо, 1250 г., деталь. Пистойя, С. Бартоломео. Противопоставьте антикварным нововведениям Н. Пизано.

высокие эмоции и тщательная детализация внешнего мира сильно контрастируют с отцовскими манерами. Возможно, Джованни даже посетил Францию ​​и в готических соборах научился работать с большими и мощными фигурами, как он делал это с фасадом Сиенского собора; возможно, он просто видел импортированную французскую слоновую кость, которая должна была повлиять на создателя первой пары дверей баптистерия во Флорентийском соборе, Андреа Пизано (не родственник, двери закончены в 1336 году) и его сына Нино.

Я описал творчество Джованни Пизано, потому что его очевидная популярность показывает, что классицизм его отца ни в коем случае не был единственным доступным стилем XIII века. ³²⁵ Также следует помнить, что, хотя классический стиль вполне может восторжествовать в короткий период Высокого Возрождения, он обычно существует вместе с другими стилями, которые часто столь же популярны. Таким образом, несмотря на то, как Вазари рассказывает историю Возрождения в своих « жизнях», классицизм не обязательно был самым популярным стилем в каждом поколении того периода; он, вероятно, нравился ограниченному кругу даже знатоков и, например, в пятнадцатом веке, несомненно, превосходил по количеству произведений международную готику и ее вариации.

Возможно, по этой причине классицизм в скульптуре играет небольшую роль в искусстве XIV века. Учеником Никола и наследником его классического стиля был Арнольфо да Камбио (ок. 1250–1302), чья ранняя смерть оставила поле открытым для стиля Джованни Пизано. Арнольфо работал за кафедрой в Сиенском соборе при Николае и на святилище Святого Доминика в Болонье (12647), прежде чем отправиться в Рим в 1277 году, где он соревновался с династией мраморных рабочих, известной как Космати, и подражал их использованию цветные tesserae, — практика, которая восходит непосредственно к античным работам, заметным среди руин Рима.Стиль Арнольфо лучше всего виден в его гробнице кардинала де Брайе ​​ (Орвието, начало 1282 г.), где он кристаллизовал тип памятника-гробницы, который должен был оставаться популярным на протяжении всего раннего Возрождения: мертвец лежит на носилке над могилой. сундук в архитектурном каркасе, оживленном скульптурными фигурами, наиболее важной из которых является восседающая на троне Дева Мария. Пожалуй, главная претензия Арнольфо к нашему вниманию — это работа, которую он выполнил для собора Флоренции, фасад которого ему было поручено спроектировать в 1296 году.Схема, доходящая до барабанной перепонки, известна по рисунку шестнадцатого века. Судя по фрагментам, сохранившимся от Лежащей Богородицы из Рождества, или сидящей Девы с младенцем года (оба во Флоренции, Museo dell’Opera del Duomo), влияние его фасада на художников Флоренции эпохи Возрождения должно быть Пизанский баптистерий с кафедры Николая Пизано в большом размере. Лежащая Богородица имитируется прямо с этой кафедры, в то время как сидящая группа, помещенная в люнет над центральным дверным проемом, должна была казаться героической в ​​своей строгой фронтальности и суровой монументальности по сравнению с элегантными марионетками на дверях Андреа Пизано для

71

Баптистерий, основанный в 1336 году.Тем не менее, именно двери Андреа, как мы увидим, должны были служить моделью для соревнований 1401 года, которые часто считаются отправной точкой флорентийского Возрождения. Тем не менее, если мы хотим приравнять Возрождение к истинно классическому стилю, а не просто к потоку античных ссылок в готическом стиле, мы должны вернуться в самое начало четырнадцатого века, к фрескам человека, который по праву может быть назван отцом современной живописи.

Джотто

Джотто (ок.1266-1337) был флорентийцем, искусство которого когда-то было широко представлено во Флоренции, поскольку он расписал фресками четыре часовни в Санта-Кроче, из которых частично сохранились работы в двух, часовнях Барди и Перуцци. Однако его самая большая работа находится в Падуе, в Часовне Арены (завершено в г. ок. г. — 1306 г.). ³²⁶ Интерьер этой часовни настолько прост и прост: шесть окон симметрично расположены вдоль южной стены нефа и ни одного окна вдоль северной стены, что вполне возможно, что Джотто спроектировал ее сам (как в конце жизни , он спроектировал колокольню Флорентийского собора).Конечно, отсутствие архитектурного беспорядка гарантирует, что его повествование, столь четко сформулированное в каждой отдельной сцене, приобретает смысл из-за ясности общей схемы и, следовательно, возможностей для параллелизма и контраста между предметами, которые возникают. ³¹⁹ В верхней полосе, над уровнем окна, рассказывается история Иоакима и Анны, а также история ранней жизни их дочери Марии; Основная часть нефа отображает историю Жизни и Страстей Христовых, читаемую слева направо.Примеры из двух основных полос продемонстрируют, как Джотто может указать мораль: ³²¹ на северной стене, Крещение Христа находится прямо над Распятие, и вода одного контрастирует с кровью другого так же, как ангелы на верхней сцене держат одежды Христа, а внизу воины рисуют для них жребий; на южной стене, Поклонение волхвов помещено над Мытье ног, , и эти сцены структурно перекликаются друг с другом, но в то время как акт преклонения колен в первом случае означает падение богатого и могущественного перед более слабым, но Великий Царь, во втором тот же Царь показан на службе грешному человечеству.

72

Озабоченность Джотто ясностью смысла очевидна в каждой отдельной фреске из-за совершенно нового отношения к психологии, которую он может «объяснять» не только жестами и выражениями, но и самим способом, которым он сочиняет свои сцены. Первый эпизод в часовне, Изгнание Иоакима из Храма, демонстрирует его технику. Чувства Иоакима, чье храмовое приношение было отвергнуто, потому что он и его жена бездетны (на сцене ниже, Рождество, его чудесным образом зачатая дочь и ее Сын также отвергнуты), показаны священником, выталкивающим его. храма в небытие.Храм изображается как христианская церковь с тремя основными функциями: причастием, отпущением грехов и проповедью, представленными алтарем, священником и кающимся, а также кафедрой. ³³⁰ Сопоставляя в достоверной перспективе основы религии, которая его отвергает, «дыра», в которую вталкивают Иоахима, представляет нам мгновенно узнаваемую метафору его переживания, усиленного его печальным взглядом назад и защитными объятиями. его предложения. Большие и просто одетые фигуры описываются светом, который придает им статую массивность.Они движутся в обстановке, лишенной всех случайных деталей, и каждый элемент этой обстановки помогает объяснить историю, точно так же, как в описанной сцене сами линии архитектуры помогают первосвященнику столкнуть Иоахима в пустоту. Ни в одной из сцен пейзаж или архитектура не являются случайными: они служат для объяснения действия, определения морали и создания убедительного пространственного окружения для фигур. Стены часовни Арены передают ощущение духовной значимости, усиленное той сдержанностью, которая составляет основу искусства Джотто.Внешность фигур Джотто, подчеркнутая геометрической формой композиций и мощной, но простой прорисовкой, является весомым отражением их нравственности. Для христианина эта история — это история спасения человечества, но это история Джотто

.

Джотто: Поцелуй Иуды. Падуя, Часовня Арены, гр. 1306.

забота об «установлении достоинства человеческой судьбы через материальное значение человеческой фигуры» ³²² , что делает Часовню Арены первым памятником, окрашенным в возрожденную классическую традицию.

Где Джотто научился рисовать таким образом? Вдохновлялся ли он, как Никола Пизано, имперской римской скульптурой? Есть несколько случаев прямого заимствования из древностей, например, убитая горем фигура Святого Иоанна в Pietd в часовне Арены: он происходит из того же самого саркофага Meleager в Кампосанто в Пизе, для которого учился Никола Пизано. фигура в его «Избиение младенцев» (кафедра, собор Сиены, 1265/8).Точно так же фигуры Добродетелей и Пороков, которые подчеркивают дадо Часовни Арены и которые призваны напоминать статуи, стоящие в настоящих нишах, могут быть имитацией статуй: Fortitudo — женская фигура, принимающая одежду какого-то античного Геркулеса, или Юнона Соспита; Кроме того, Caritas и Hope, носят старинный хитон. Winged Victory , удерживаемая на троне Justitia , также провозглашает имперский прототип. Случайная нерешительность приведенных выше предположений должна указывать на то, что ссылки Джотто на античность не являются прямыми копиями; он не относится к прошлому как к

73

кладезь мотивов, но как корпус идей и взглядов, на которых он может строить.Святой Иоанн из Pieta — единственное прямое заимствование в этой сцене из Meleager Sarcophagus, , но мы можем быть уверены, что именно тщательное изучение Джотто таких древностей вдохновило общую профильную позу мертвого Христа, эмоциональные отношения между фигурами и той неглубокой барельефной постановкой, которая использовалась в большинстве сцен. По всей Часовне фигуры не ходят, а скорее сочетаются с медленным и величественным ритмом антиквариата gravitas , который является функцией их тяжелой драпировки и их продуманных жестов.Изучите любое изображение имперской римской процессии или жертвоприношения Императора (* например, allocutio Адриана из Арко-ди-Портогалло, Рим, сейчас находится в Капитолийском музее; иллюстрированный Nash, A Pictorial Dictionary of Ancient Rome, rev. едн, я, плита 87 ): именно из таких работ Джотто научился синтаксису своего стиля. ³²⁴ ‘ ³²⁷

Можно также предположить, что Джотто имел непосредственное отношение к античным фрескам и мозаикам. ³²⁰ Он посетил Рим, вероятно, примерно в 1298 году, но все, что там осталось от его работ, — это сильно переработанная мозаика Navicella в соборе Святого Петра. ³²³ Однако он познакомился с работами своего величайшего современника римской школы Пьетро Каваллини, главным достижением которого стала серия фресок в нефе Сан Паоло фуори ле Мура, известных нам только по гравюрам и гравюрам.