Русский ампир в архитектуре

Русский ампир —  художественный стиль начала 19 в.,  который особенно ярко проявился в архитектуре, дизайне интерьеров, декоративно-прикладном искусстве столицы российской империи — Петербурге. Стиль сложился под влиянием французского ампира после победы России над Наполеоном в войне 1812—1815 гг.

Русский ампир – арка Генерального штаба в Петербурге по проекту архитектора К. Росси в 1820-1829 гг.

 

Венский конгресс 1815 г. — общеевропейская конференция, определившая границы европейских государств после наполеоновских войн.

Историки отмечают парадоксальность того, что ампир – имперский стиль наполеоновской эпохи, — прижился в стране, победившей  Наполеона, в отличие от других стран антинаполеоновской коалиции – Германии и Австрии. Однако моду на ампир в России можно объяснить появлением претензий Российской империи на диктат в Европе, тенденция которого наметилась после Венского конгресса 1815 г.

Кроме того, в России была сильна мода на все французское, даже во время войны. На волне триумфальной победы над наполеоновской Францией имперский стиль стал олицетворять торжество государственности, монархической власти.

Русский ампир должен был продемонстрировать  властителям Европы, что теперь Россия является наследницей Рима (Москву называли третьим Римом, а Петербург – четвертым Римом). Победа над Наполеоном доказала это право.

Пьер Верле (фр. Pierre Verlet), 1908 —1987гг. Французский искусствовед.

Такова была идеологическая основа русского ампира. Российский ампир смог воплотить основную идею Петра Великого – воспеть мощь Российской империи. Однако  русский ампир отличался большей живописностью и изяществом, что отмечал в своих исследованиях П. Верле.

Виды русского ампира

«Русский ампир» делится на две разновидности: петербургский (столичный) и провинциальный.

Стиль ампир в  России особенно ярко проявился в архитектуре Петербурга во второй четверти 19 века. Архитектуру этого периода нередко называют александровским классицизмом.

Однако александровский классицизм ориентирован на греческую античность в отличие от ампира, в основу которого легла античная классика Римской империи. Для русского ампира также как и для наполеоновского характерно использование изображений римских щитов, факелов, стрел, венков из дубовых листьев, орлов.

Московский ампир (и провинциальный) того периода практически не затронул официальные здания, отразившись в декоре монументов и памятников, а также в частных строениях.

Архитектор Карло Антонио де Росси

Карло Антонио де Росси — Carlo di Giovanni Rossi; (1775—1849гг.) Российский архитектор итальянского происхождения. По некоторым данным родился в Венеции, в Неаполе провел юные годы. С 1780-х гг. семья Росси жила в Петербурге. После окончания Отечественной войны 1812 г. работал в Петербурге. .

Жесткость и холодность французского ампира в русском варианте стиля смягчил архитектор итальянского происхождения К. Росси.

Благодаря творчеству К. Росси русский ампир отразил триумфальный, державный настрой империи.

Первый проект архитектора – парадная набережная от Зимнего дворца до Сенатской площади. Под руководством К. Росси возведены дворец императрицы Марии Федоровны на Елагином острове, ансамбль Дворцовой площади, Синода.

К. Росси спроектировал арку Главного штаба с триумфальной колесницей древнеримской богини победы – Виктории.

Арка Генерального Штаба. Архитектор К. Росси. (1820-1829 гг.).

Александровская колонна, созданная архитектором О. Монферраном  в 1834 г. по замыслу К. Росси напоминает Колонну Трояна в Риме. Построена ахитектором О. Монферраном по замыслу К. Росси, (1829-1834 гг.).

Материал – монолит розового гранита. Венчает колонну фигура ангела с крестом (скульптор Б. Орловский). Бронзовые барельефы на пъедестале включают изображения древнерусских кольчуг, шишаков, щитов.

umi-cms.ru/TR/umi»>

Александровская колонна. Колонна была создана по указу императора Николая I в память о победе Александра I над Наполеоном.

Создана в 113 году н. э. в честь победы Трояна над даками. Высота  колонны — 38 м, вместе с пьедесталом. Выполнена  колонна из Каррарского мрамора. На фундаменте колонны рельефный декор, изображающий военные доспехи и побежденных варваров (2500 фигуры, 154 сюжета).

Произведения К.Росси отражают триумф России в победоносной войне и создания образа Петербурга как «четвертого Рима». Городские ансамбли, созданные архитектором, охватывают широкие пространства и формируют облик Петербурга как имперского города.

Архитектор Василий Петрович Стасов

Василий Петрович Стасов (1769—1848гг) – российский архитектор.

Другим видным архитектором стиля ампир в России был В. П. Стасов. С 1808 г. Стасов работал на строительстве Петербурга.

Стасов является автором Гвардейских соборов — храмов гвардейских полков, расквартированных в столице: Спасо-Преображенского (1827—1829 гг. ) и Свято-Троицкого (1827—1835 гг.).

Троицкий собор Измайловского полка (на границе петербургской Коломны) с большими куполами, колоннами и крупным рельефным фризом (работа скульпторов С. И. Гальберга, И. И. Леппе). Кроме того Стасов  — создатель двух Триумфальных ворот в Петербурге.

Нарвские Триумфальные ворота (1827—1834гг.) – заменили деревянные, которые архитектор Дж. Кваренги построил  в 1814 г. — под ними проходили полки, возвращавшиеся с победой из Франции.

Триумфальные ворота строились из кирпича, а сверху обшивались медью. Медная скульптурная группа, венчающая ворота, изображает фигуру Славы с пальмовой ветвью и лавровым венком в руках — символами мира и славы ( кони – скульптор П.К. Клодт, колесница — В.И. Демут-Малиновский, фигура Славы — С.С. Пименов). На пьедесталах в нишах между колоннами — фигуры воинов в древнерусских доспехах (скульпторы С.С. Пименов и В.И. Демут-Малиновский). Над фигурами высечен и позолочен список полков русской армии,  которые принимали участие в войне 1812 года.

На карнизе — фигуры духов славы и мира, между ними — перечень битв, в которых они участвовали. Также ворота украшены именем царя-освободителя Александра I.

Нарвские триумфальные ворота  на площадь Стачек. 1827—1834 гг. Архитектор В. П. Стасов в память о победе в  Отечественной войне 1812 г. Возведение начато 26 августа 1827 года, в годовщину сражения при Бородино.

Московские триумфальные ворота (1834—1838гг.)  в Петербурге возведены в память победоносного завершения русско-турецкой войны 1829 г. и подавления в 1831 г. польского восстания. Композиция Московских триумфальных ворот не совсем характерна для ампира, так как строение напоминает не римскую триумфальную арку, а  греческие пропилеи.

Пропилеи в античной архитектуре — строение, оформляющее вход на площадь.

Триумфальные московские ворота оформлены колоннами дорического ордера из чугуна, над ними находится фриз, на нем тридцать крылатых фигур несут щиты с российскими гербами — городов, полки которых участвовали в сражениях.

Вверху установлены восемь  пятиметровых композиций из древнеримских военных атрибутов (скульптор Б. И. Орловский).

Московские триумфальные ворота в Петербурге.1834—1838 гг. Архитектор В. Стасов.

Период развития русского ампира в архитектуре первой половины 19 века иногда называют «николаевским»  (правление Николая I (1825—1855гг.)). Есть также мнение, что николаевский ампир – это последняя завершающая стадия русского классицизма, его т.н. «казенная версия».

В этот период стиль был более всего характерен для северной столицы — Петербурга. В то же время в загородных резиденциях царя больше преобладал романтический классицизм в неоготическим направлением, а храмы возводились в русско-византийском стиле.

В архитектуре Москвы после пожара появились новые строения с ампирским декором, в котором присутствовали орлы, факелы, венки, стрелы. Но при этом композиции зданий соответствуют типу классической московской городской усадьбы.

Гораздо позже ампир возродился в Советской России как символ могущества Советского Союза. Это произошло в период правления И.Сталина в 1930-1950 гг. Для сталинского русского ампира характерны величественность, помпезность, мощь. О сталинском ампире вы можете прочитать в статье «Сталинский ампир в архитектуре».

автор: Марина Калабухова

Архитектура столиц: русский ампир

Напоминаем, что у нас есть платные рассылки от редакции — «Влюблённым в Питер» для тех, кто любит архитектуру и историю Северной столицы, и «Живи интересно», в которой мы разбираемся в культурных феноменах. Вы можете еженедельно получать два новых материала, подписавшись на нашу платную рассылку на

Patreon или Boosty. Каждую неделю вы будете получать от нас два новых материала.

Русский ампир в мире

Стиль ампир как финальный этап классицизма возник в первой трети XIX века. Во Франции эпохи Наполеона произошло перерождение классицизма в официальный имперский стиль, который так и назвали: empire — «империя». Отличительная особенность ампира в архитектуре — обязательное наличие колонн, пилястр и лепных карнизов в сочетании с античными образцами скульптуры: например, грифонами, сфинксами, львиными лапами. Наверняка после этого вы вспомнили как минимум пару зданий, которые по всем признакам подходят под этот пышный стиль. И, скорее всего, вы не ошиблись в своих догадках.

В России

Триумфальная арка Главного штаба, Санкт-Петербург

В России ампир сформировался в 1812 году и просуществовал до 1830-х—1840-х гг. При этом в рамках стиля произошло почти моментальное деление на московскую и петербургскую ветки: как по территориальному признаку, так и по внешнему виду зданий. Московский ампир был намного сильнее связан с национальными традициями: его фасады выглядят куда более строгими, холодными и помпезными по сравнению с ампиром Петербурга. Архитектурному ампиру предшествовал александровский (поздний) классицизм (1800—1812 годы), который в немалой степени наложил отпечаток на облик городов и причудливо смешался с пришедшим на смену ампиром.

Наиболее известным представителем петербургского направления ампира стал архитектор Карл Росси. Среди других представителей — архитекторы Осип Бове и Доменико Жилярди (именно они преобразили облик Москвы после пожара 1812 года), Андреян Захаров, Андрей Воронихин, Василий Стасов и другие. В новых формах ампир вернулся к нам в советское время: с середины 1930-х до середины 1950-х годов большую популярность получил так называемый «сталинский ампир».

В Петербурге

Александровский, или поздний классицизм (предшественник русского ампира)

В этом стиле построены здание Горного института Императрицы Екатерины и знаменитый Казанский собор.

От первоначального прототипа Казанского собора осталась лишь общая компоновка с центральным куполом без колокольни и вытянутой базиликой. Симметричная южная колоннада, которая должна была уравновешивать северную (ту, которая полукругом развёрнута к Невскому проспекту), так и не была построена.

К позднему классицизму-предшественнику ампира также относится здание Большого театра, а также комплекс стрелки Васильевского острова с Ростральными колоннами и здание Адмиралтейства. Общие черты угадываются сразу: пышность украшений, монументальность строений и общий помпезный вид. Фасады разнообразны, но выдержаны в едином духе: чётко выстроенная композиция не позволяет деталям нарушить общий баланс.

Русский ампир

Михайловский дворец

Продолжая александровский классицизм, ампир ещё больше усилил стремление к большим масштабам и парадности архитектуры. Любое из зданий того периода имеет строго симметричную композицию и милитаристскую символику: доспехи, лавровые венки, орлы. Триумфальные арки и памятные колонны становятся популярными декоративными сооружениями.

Главных представителей этого стиля вы сразу узнаете: это ансамбли Дворцовой площади со зданием Главного штаба, Михайловской площади с Михайловским дворцом, Александринской площади с Александринским театром. Монументальные формы и свободная игра с пространством сделали эти памятники архитектуры поистине выдающимися — во всех смыслах. Всё это создал Карл Росси (теперь уже не возникает сомнений, почему именно он стал самой знаковой фигурой этого стиля, правда?).

Троице-Измайловский собор

К 20-м и 30-м годам XIX века стиль перешёл в свою финальную фазу: постройки, созданные в эти десятилетия, принято относить к позднему петербургскому ампиру. Здания в этом стиле вы можете увидеть, прогуливаясь мимо Павловских казарм на Марсовом поле, Спасо-Преображенского и Троице-Измайловского собора, Нарвских и Московских триумфальных ворот. Всё это — дело рук архитектора В. П. Стасова, который, к слову, стал предтечей неорусского стиля XIX века.

Вишенкой на торте русского ампира стал кафедральный Исаакиевский собор, возведённый по проекту О. Монферрана. В облике преобладают простые формы: куб, квадрат, треугольник, цилиндр. Это добавило храму дополнительной монументальности и до сих пор заставляет прохожих с восхищением смотреть наверх, пытаясь где-то далеко-далеко в небе разглядеть бронзовых ангелов под куполом собора.

Исаакиевский собор

На самом деле, здание весом в 300 тысяч тонн стоит на слабых грунтах, давление на которые близко к критическому. При этом под восточной частью собора остались старые сваи, а под западной частью были забиты просмоленные сваи на несколько метров короче восточных. Из-за этого разница в оседании углов собора колеблется в районе полуметра: юго-западный угол оседает сильнее.

В Москве

Большой Театр

Фото: weatlas.com

Здание Манежа

Фото: caoinform.moscow

Триумфальная арка, детали

Фото: culture.ru

Триумфальная арка, детали

Фото: culture.ru

Триумфальная арка, детали

Фото: culture.ru

В Москве период ампира ещё называют «архитектурой послепожарной Москвы», ведь дело происходило после победы 1812 года. Исторические события во многом повлияли на дальнейшее развитие градостроительства: военные мотивы, пафос победы — всё это отразилось в фасадах той эпохи. Именно ампирные постройки стали одной из визитных карточек «старой Москвы».

Самые «звёздные» представители столичного ампира — старое здание МГУ, Театральная площадь и здание Большого театра, Малый театр, Манеж, Триумфальная арка.

Что касается университета, то здание сильно пострадало от пожара: в числе всего прочего сгорела библиотека, в которой находилось 20 тысяч томов. Именно Доменико Жилярди руководил восстановлением фасадов: постройка стала выглядеть ещё более внушительно и монументально.

Также в группу русского столичного ампира вошли усадьба Гагарина, дом-музей А. С. Пушкина (также известен как дом Хрущёвых-Селезнёвых), усадьба Усачевых-Найдёновых, особняк Волковых-Сорокоумовских, усадьба Лазаревых (посольство Армении), Церковь Богоматери Всех Скорбящих Радости, Первая Градская больница.

Усадьба Гагарина

Фото: wikipedia.org

Первая Градская больница

Фото: culture.ru

Церковь Богоматери Всех Скорбящих Радости

Фото: culture.ru

Фрагмент фасада Первой Градской больницы

Фото: culture.ru

Прогуливаясь мимо старого здания МГУ или усадьбы Гагарина на Поварской улице, обратите внимание на львиные маски над окнами. Это — один из ведущих мотивов ампира, который добавил на фасады Доменико Жилярди.

Но, пожалуй, самыми анти-помпезными (и потому особенно любопытными) образцами столичного ампира стали два дома, словно перенесённые в шумный мегаполис из старой сказки: дом П. А. Фёдорова (Малый Власьевский переулок, д. 5) и дом Г. А. Палибина (ул. Бурденко, д. 23). Оба здания — представители столичного деревянного ампира: узоры и рельефы живо напоминают каменные украшения великолепных дворцов, но удивительным образом соседствуют с крашеными досками и небольшими формами.

Дом Г. А. Палибина

Фото: culture.ru

Дом Г. А. Палибина

Фото: culture.ru

Дом Г. А. Палибина

Фото: culture.ru

Дом П. А. Фёдорова

Фото: culture.ru

Дом П. А. Фёдорова

Фото: culture.ru

Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl+↵

Стиль ампир в архитектуре: что надо знать

Стиль ампир в архитектуре — это поздняя фаза классического искусства, которая процветала во Франции во времена Первой империи (1804-14). Какие примеры архитектуры проявили этот стиль? Как развивалось данное направление в России? Почему советскую архитектуру послевоенных лет называют сталинским ампиром? Об этом читайте ниже.

Страна рождения ампира в архитектуре — мнение искусствоведа

Эту стадию развития архитектурного направления называют ещё высоким классицизмом или наполеоновским стилем. Причём в каждой стране она носит своё название:

• бидермайер — в немецких землях,
• федеральный стиль — в США,
• регенство — в Великобритании.

Причём английский ампир возник раньше, чем французский. И, конечно же, англичане никогда не назовут свой стиль этим словом.

Секрет других имён стиля

Классицизм как направление в архитектуре возник в 16 веке. Его отличительными чертами называют симметрию и сдержанность.

• Ранний период развития — палладианство.
• Поздний этап классического направления, который отличает торжественность и парадность, звучит как ампир (французское слово empire — империя).

Поскольку высокий классицизм 19 века родился из интереса к истории, археологическим раскопкам и открытиям Древнего Египта и Греции, то некоторые искусствоведы относят его к неоклассицизму (ветка историзма), что логично.

Стиль ампир в архитектуре Парижа

Во время военных походов архитектура древнего Египта и Рима произвела на Наполеона сильное впечатление. Она внушала почтение и уважение, выражала величие, мощь и могущество. Он стремился создать сильную империю.  Архитектура стала своего рода пропагандисткой компанией.

Наполеон Боннапарт превращал Париж в столицу империи. Осуществляя его планы, в честь побед Великой армии строили монументальные сооружения.

Как ампир объединил храм Славы, римские бани и церковь?

Отличным примером подражания классическим римским храмам служит храм Славы (архитектор Пьер-Александр Виньон). Пришедшие из архитектуры Древней Греции 52 коринфские колонны высотой 20 м придают зданию величественный вид. Первоначальное предназначение — прославить завоевания Великой армии. После свержения Наполеона здание стали использовать как церковь Святой Марии Магдалины (Мадлен).

Церковь Мадлен (Святой Марии Магдалины) в Париже — действующий католический собор

Внутренняя часть состоит из одного нефа с тремя куполами, которые не видны снаружи. Над главным алтарём возвышается статуя Святой, а ещё выше в куполе есть фреска, посвященная истории христианства.

Внутренняя часть, завершенная в 1828-42 под руководством Жана-Жака Хуве, была смоделирована наподобие римских бань. Может поэтому французы говорят, что это самая удивительная церковь?

«Время, ставшее прошлым…» — ампир на площади Звезды

После победы под Аустерлицем Наполеон пообещал своим солдатам, что вернуться они домой как победители через Триумфальную арку (Несколько интересных фактов). По его распоряжению Жан Франсуа Тереза Шальгрен начал строительство самого большого в мире сооружения подобного типа. Моделью служила древнеримская арка Константина.

Но закончить её удалось только через 15 лет после смерти Наполеона. Сегодня этот памятник — символ французского патриотизма. В государственные праздники, такие как день Бастилии и день Перемирия, эта арка знаменует начало или конец парада.

«Счастья кругом — сколько угодно» — Триумфальная арка Каррузель

Архитекторы Шарль Персьер и Пьер Фонтен для сооружения монумента так же взяли за основу существующую древнеримскую триумфальную арку Септимия Севера. Памятник имеет размеры 19 х 23 х 7.3 м. Центральная арка высотой 6,4 м находится между двумя меньшими, высотой 4,3м и шириной 2,7м.

Триумфальная арка на площади Каррузель в Париже — монумент в стиле ампир, возведённый на площади Каррузель перед дворцом Тюильри

Украшают её восемь коринфских колонн из мрамора, увенчанных восемью солдатами Империи. На фронтоне, между солдатами, изображены геральдические символы Королевства Италии и Французской Империи.  Дипломатические и военные победы Наполеона отмечаются барельефами, выполненными в розовом мраморе. Они изображают:

• Пресбургский мир,
• победный въезд Наполеона в Мюнхен,
• в Вену (скульптор Луи-Пьер Десейн),
• битву при Аустерлице (работа Жан-Жозефа Эсперсье),
• Тильзитский конгресс,
• капитуляцию Ульма (автор Пьер Картелье).

Квадрига наверху является копией той, что украшает главный вход базилики Сан-Марко в Венеции. Во время французской империи стоял оригинал, но после падения Наполеона шедевр вернули.

Самый важный символ Парижа XIX века в стиле ампир

Это колонна Вандом. Каждое правительство стремилось оставить свой след на его бронзовой спирали, обвивающей каменный остов. Вся история Франции этого столетия нашла здесь отражение.

La colonne Vendôme находится в центре одноимённой площади — парижского символа высокой моды, стиля и шика.

Вандомская колонна создана по подобию Траянской в Риме. Сам обелиск по начальной задумке должен был быть украшен 108 фризами, поднимающимися по спирали, и статуей Карла Великого.

Но в 1805 году, на следующий день после Аустерлица, Вивант Денон, директор музеев, предложил увековечить на ней «незабываемую кампанию» 1805 года, подобно сражению Траяна с даками. Для этого использовать переплавленные русские и австрийские пушки, числом 1200.

Колонна была спроектирована Лепером и Гондоином и имела много разных имен —

• сначала «Аустерлицкая колонна»,
• затем «Колонна Победы»,
• наконец, стала «Colonne de la Grande Armée».

Выгравированная надпись гласит: «Памятник, воздвигнутый во славу Великой Армии Наполеона Великого, начат 25 августа 1806 года и закончен 15 августа 1810 года».

280-метровый фриз барельефов, спроектированный по рисункам Бержера, обвивает колонну по спирали. На нём изобразили основные события кампании — от лагеря в Булони до возвращения императора и его войска в 1806 году. Выполнить декоративный орнамент поручили команде скульпторов, включая Бойзот, Бозио, Бартолини, Рами, Руд, Корбет, Клодион и Руксетил.

Сорокадвухметровая колонна была увенчана статуей Первого Консула в римском платье. В течение следующих десятилетий её меняли на флаг Бурбонов с лилиями, на статую Генриха IV, снова на Наполеона в двууголке. И в 1871 году во время Парижской Коммуны колонну снесли совсем, но не надолго.

В 1873 году её восстановили. Суд обязал бывшего комиссара по культуре, известного художника Гюстава Курбе, компенсировать расходы на реконструкцию. Имущество его было распродано. Сам он умер в бедности раньше, чем выполнил это обязательство.

Русский ампир в архитектуре 19 века

Этот стиль в архитектуре России проявился во время правления Александра I (1801 — 1825) и главенствовал до 1830-40 годов. Одним из основоположников русского ампира стал приглашённый французский архитектор Монферран. Его император пригласил в Петербург для возведения Исаакиевского собора.

Другим архитектором, работавшим в стиле ампир в том же городе был итальянец Карл Росси, автор ансамбля Дворцовой площади со зданием главного штаба и триумфальной аркой в Петербурге. Представляют русский ампир также

• архитектор здания Адмиралтейства Андреян Захаров,
• Андрей Воронихин (Казанский собор в С-Петербурге),
• Осип Бове (Московские Триумфальные ворота у Тверской заставы),
• швейцарец Доменико Жилярди (восстанавливал здания Москвы после пожара 1812 года) и
• Василий Петрович Стасов (Нарвские триумфальные ворота в Санкт-Петербурге).

ТОП 7 зданий в стиле сталинского ампира

Так неофициально называют лидирующий архитектурный стиль в СССР послевоенных лет. Ярким примером сталинского ампира стала семёрка высотных зданий в Москве. Было решено изменить облик Москвы, внести в него архитектуру, символизирующую триумф советской власти, патриотизма и победы над фашизмом.

Советская архитектура и имперский символизм

Одним из требований к проектируемым сооружениям была их уникальность. Проекты не должны были повторять образцы известных за границей многоэтажных зданий, американских небоскрёбов. Наряду с этим они должны были композиционно соответствовать исторической застройке города. Стояла задача создать очертания, напоминающие русскую архитектуру, многоярусность башен Московского Кремля.

Полностью избежать схожести с американскими небоскрёбами не удалось. Но многоярусность и соответствие колокольням русских церквей высотки получили сполна. Кроме этих двух моментов их объединял белый цвет с небольшими вкраплениями красного и шпили. Сочетание белого камня и красного кирпича — традиционное цветовое сочетание в постройках Руси.

Как ампир Сталина стал памятником его диктатуры?

Проекты не всех зданий изначально предусматривали башни. Строительство высоток на Смоленской и Кудринской (бывшая Восстания) площадях было уже начато, когда «высочайшим указом» внесли коррективы. Архитекторам пришлось изловчиться, чтобы добавить шпили.

Высотное здание на площади Восстания фигурирует в драме «Москва слезам не верит»

Пример здания в стиле «самого русского» ампира

Наименьшее по высоте (139 метров) среди остальных здание наиболее ярко отражает разные стили эпох в русской архитектуре. Это гостиница Ленинградская на площади Трёх вокзалов (бывшая Комсомольская) архитекторов Полякова и Борецкого.

Характерные для средневековых русских построек три цвета — белый, красный и золотой — использованы в экстерьере здания. И в интерьере было очень много стилизованных деталей. Когда началась борьба «с излишествами в архитектуре» гостиница первая попала по удар. Архитекторов наказали, «излишества» снесли.

Что характеризует ампир в архитектуре на Воробьёвых горах?

Самое высокое здание «семёрки», на Воробьёвых горах, планировали как гостиницу и жилой дом. После начала строительства планы поменяли, и построили университет. Он стал самым крупным высшим учебным заведением в мире, что тоже прославило Советское правительство и государство.

В итоге, город Москва получил 7 высокоэтажных зданий: две гостиницы, два жилых дома, университет и два административных здания за очень короткий по всем меркам срок, с 1948-1953 годы. Тогда сталинские высотки явили миру силу и величие советского государства. Сейчас это — память той непростой эпохи.

Стиль ампир в архитектуре востребован диктаторскими режимами, так как помогает им влиять на сознание масс, внушая чувства превосходства, силы и авторитарности. Вы согласны с этим утверждением? Ампир в архитектуре — это обычные «понты», не так ли?

Пишите в комментариях своё мнение.
Делитесь с друзьями в интернете, чтобы обсудить на досуге.
Оцените статью, выбрав нужное количество звёзд ниже.

Стиль русский ампир — в Российскую империю прямиком из Франции

13.08.2019

1822

Время чтения: 5 минут

Введение к стилю русский ампир

Русский ампир — стиль, сформированный в начале XIX-го века в Российской Империи. Первоначально выражался в архитектуре, а зачем перекачивал в дизайн интерьеров. Стиль имеет огромное множество подвидов, так как менял направления в зависимости от периода.

История русского ампира

• Стиль русского ампира был заимствован от французского, после победы Российской Империи в войне против Наполеона. Стиль был заимствован, но под влиянием русского бытия был видоизменен. Парадокс русского ампирного стиля заключается в том, что Россия, в отличии от европейских стран, будучи победителем, позаимствовала стиль у проигравшей Франции. Основной причиной того, что в Российской Империи французский ампир прижился, является мода на все французское в то время. После Венского конгресса в 1815 году Россия решила показать свою мощь всем странам Европы. Русский ампир стал воплощением идей Петра Великого по воспевании Русского Величия. Этот стиль имеет два направления: петербургский и провинциальный. Петербургский стиль является самым роскошным и богатым, в отличии от провинциального, который не сильно ушел по своей красоте от типичной русской архитектуры.

В основу ампира вошла Античная Римская классика. Различные изображения щитов, колесниц, стрел, оружия — легли в основу ампирной скульптуры. Такое решение связано с тем, что Российское правительство часто ассоциировала себя с преемницей Римской Империей (Москву называли Третьем Римом).

Ярким примером русского ампира является Арка Генерального Штаба. Набережная К. Россия стала одним из самых узнаваемых мест в мире. Арка представляет собой нависающую конструкцию с скульптурной композицией наверху. Скульптура посвящена древнеримской богине победы Виктории. Украшена многочисленными мелкими скульптурами, лепниной и позолотой. Такой стиль выражало богатство России и ее военную мощь.

Еще один яркий представитель русской ампирной архитектуры — колонна, в честь победы Александра I в войне с Наполеоном. Колонна была построена по указу Николая I. Она является копией колонны Траяна, построенная в Риме в честь победы римской армии над даками.

Следы такого стиля можно найти по всей территории Российской Империи. Его легко узнать по определенным чертам. Колонны, лепнина, скульптуры — очень выдают российский, ампирный стиль.

В дизайне интерьеров в ампирном стиле используются такие же схожие принципы, как и в архитектуре. Большое количество позолоты, различные формы, дорогие ткани. Также приветствуется простор в помещении. Потолки большой высоты, окна, двери очень сильно влияют на вид ампирного стиля. Так как, такой стиль применялся в государственных учреждениях, залах для высшего света он всегда должен выглядеть идеально.

Услуги дизайнера.

Стиль русского ампира является очень сложным. Сложность заключается в том, что данный стиль сочетает в себе огромное множество мелких деталей и элементов. Достаточно непростым делом является подбор необходимой мебели, аксессуаров и других элементов дизайна. Если стоит задача воссоздать такой стиль в интерьере, то предстоит большая работа по разработке дизайна. Разработка начинается с детального плана. Стоит учитывать размеры помещения, так как дизайн русского ампира предполагает высокие потолки и большие размеры помещения. Не стоит делать дизайн в маленькой комнате, это будет плохо смотреться в таком помещении такого рода. Если дело касается наружных работ, также следует учесть большое количество деталей. При разработке дизайна лучше всего обратиться к профессионалам, которые помогут в решение любых вопросов и помогут советами.

Резюме

Русский ампир — безусловно интереснейший стиль. Он мало распространён из-за сложности в реализации и дороговизне. Однако, когда этот стиль встречается он радует своим великолепием и роскошностью. Он может радовать и обычных людей, которые не особо разбираются в архитектуре, а также радовать своим великолепием настоящих экспертов. Этот стиль имеет большое количество изъянов и недостатков, однако является настоящим олицетворение богатства и роскоши.

Вам также может понравиться стиль модернизм

Примеры стиля Ампир в архитектуре / Блог архитектора Дмитрия Новикова

Ампир (фр. style Empire имперский стиль) стиль позднего (высокого) классицизма в архитектуре и прикладном искусстве. Возник во Франции в период правления императора Наполеона I и развивался в течение трёх первых десятилетий XIX века. Стиль ампир является завершающим этапом классицизма, возник в первой трети XIX века. Во Франции эпохи Наполеона Бонапарта произошло перерождение классицизма в насаждающийся сверху, официальный имперский стиль, сущность которого нашла отражение в его названии (от фр. empire империя). Стиль получил распространение во многих европейских государствах и активно развивался на протяжении трёх первых десятилетий XIX века. В императорской Франции ампир отличала торжественность и парадность мемориальной архитектуры и дворцовых интерьеров, созданных придворными архитекторами Наполеона Шарлем Персье и Пьером Фонтеном. В Российской империи этот стиль появился при Александре I. Приглашение архитекторов-иностранцев в Россию было частым явлением, поскольку среди титулованных особ это было модно, а в начале XIX века в России существовало увлечение французской культурой. Для возведения Исаакиевского собора Александр I пригласил начинающего французского архитектора Анри Луи Огюста Рикар де Монферрана, впоследствии ставшего одним из основоположников русского ампира. Русский ампир получил разделение на московский и петербургский, причем такое деление определялось не столько территориальным признаком, сколько степенью отрыва от классицизма московский стоял к нему ближе. Наиболее известным представителем петербургского направления ампира стал архитектор Карл Росси, среди других представителей этого стиля принято называть архитекторов Андреяна Захарова, Андрея Воронихина, Осипа Бове, Доменико Жилярди, Василия Стасова, скульпторов Ивана Мартоса, Феодосия Щедрина.   Примеры петербургского ампира: Примеры московского ампира: Ампир относится к так называемым королевским стилям, которые можно характеризовать театральностью в оформлении архитектурных построек и внутренних интерьеров. Особенность архитектурного ампира заключается в обязательном наличии колонн, пилястров, лепных карнизов и других классических элементов, а также мотивов, репродуцирующих практически без изменений античные образцы скульптуры, подобные грифонам, сфинксам, львиным лапам и тому подобным скульптурным конструкциям. Данные элементы располагаются в ампире упорядоченно, с соблюдением равновесия и симметрии. Художественный замысел стиля с его массивными лапидарными и монументальными формами, а также богатым декорированием, содержанием элементов военной символики, прямым влиянием художественных форм прежде всего Римской империи, а также Древней Греции и эллинизма, был призван подчёркивать и воплощать идеи могущества власти и государства, наличия сильной армии. В России ампир главенствовал в архитектуре до 18301840 гг. Возрождение ампира в перерождённых формах произошло в России в советское время, в период от середины 1930-х до середины 1950-х годов. Данное направление ампира также известно как сталинский ампир.   Источник — wikipedia

что это такое, сталинский стиль в архитектуре, русский в интерьере, имперский классицизм, императорский барокко, чем отличается

“Ампир” в переводе с французского языка обозначает «имперский стиль». Он представляет собой движение эпохи Высокого классицизма в области архитектуры и прикладного искусства. Ампир зародился во Франции в годы правления Наполеона I Бонапарта. Активное развитие ампирного стиля наблюдалось в начале 19-го столетия, но после 30-х годов ему на смену пришел стиль эклектика. Цель ампира – воплощение идеологии могущественного государства и представителей власти, акцентирование на силе непобедимой армии.

Особенности

Театральность в интерьере и конструктивной организации зданий относит ампирское направление к «королевским стилям». Главной особенностью построек этого времени является наличие различных классических деталей – пилястров, лепных карнизов, высоких колонн и т.д. Кроме того, в ампире присутствуют репродукции монументов периода античности – лапы львов, мифические сфинксы и прочие композиции этого направления.

В ампире соблюдается симметричность и равновесие форм, все элементы декора распределяются в строгой упорядоченности. Для него характерно декорирование дорогостоящими деталями, присутствие элементов на военную тематику, а также скульптурные и выразительные композиции.

История возникновения

В мире

Ампирский стиль считается последним и завершающим этапом эпохи классицизма, который возник во 2-й половине 18-го столетия. Во Франции начался процесс возрождения классицизма в период правления императора Бонапарта. Отличительной чертой возродившегося движения стал официальный стиль, суть которого отобразилась в его официальном названии.

Ампир получил довольно широкое распространение в странах Европы и развивался в течение первых 30-ти лет 19-го века.

Во Франции имперский стиль отразился в дворцовых интерьерах и мемориальных архитектурных строениях. Для построек в стиле ампир были характерны парадность и торжественность композиций. Самые известные французские зодчие, трудившиеся при дворе императора:

• Пьер Фонтен.
• Шарль Персье.

В России

Русский ампир появился во времена правления Александра I Павловича. Тогда было очень модно приглашать иностранных архитекторов, тем более что в начале 19-го столетия в России наблюдалось активное увлечение французской модой и культурой.

Одним из основоположников ампира в русской архитектуре считается Анри Луи Огюста Рикар де Монферрана. Французский зодчий был приглашен в Россию для строительства крупнейшего православного храма в Санкт-Петербурге – Исаакиевского собора.

Стиль ампир в архитектуре подразделялся на два направления:

• Московское.
• Петербургское.

Это деление определилось не только по территориальному признаку. Оно также отличалось по степени отрыва от направления классицизма – московское направление стояло к нему значительно ближе.

Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия

Самый популярный деятель ампирского направления в Петербурге – Карл Росси. Не менее талантливыми зодчими этой эпохи были:

• Андрей Воронихин.
• Доменико Жилярди.
• Андреян Захаров.
• Василий Стасов.
• Остап Бове.

Среди скульпторов имели высокую популярность:

• Феодосий Щедрин.
• Иван Матрос.

Стиль ампир в российской скульптуре и архитектуре господствовал всего 10 лет (1830-40 гг). Но в период 1930-50 гг. в Советском Союзе это движение возродилось в несколько перерожденных формах и получило название «сталинский ампир».

На фото представлен Михайловский дворец, спроектированный архитектором Карлом Ивановичем Росси.

Читайте также про стиль Рококо в России.

Михайловский дворец, Карл Иванович Росси

Сталинский ампир

Стиль русского ампира занимал главенствующие позиции в монументальном и архитектурном искусстве Советского Союза 1940-50 годов. В декоре различных помещений преобладает деревянная мебель массивных форм, бронзовые статуэтки, светильники, а также лепнина под потолками значительной высоты.

Сталинские высотки, расположенные в столице, являют собой символ эпохи сталинского ампира и в частности архитектуры. В Москве к концу 1950-х годов было возведено 7 самых высоких строений того времени.

Стиль сталинского ампира объединяет в себе дизайн интерьера барокко, образы наполеоновской эпохи, классицизма (позднего) и орнаменты ар-деко.

Ярчайшим примером внутреннего интерьера, организованного в этом направлении, является банкетный зал, расположенный в помещении Центрального Московского ипподрома. На фото четко видны строгие черты ампирского стиля в архитектуре здания.

Центральный Московский ипподром

При оформлении интерьера мебели используется резьба. На поверхности шкафов и тумб можно наблюдать рельефы в виде пятиконечных звезд, колосьев и лавровых венков.

Важную роль в сталинском ампире играли люстры, которые не только освещали комнаты, но и отличались представительностью торжественного вида. Их изготавливали из бронзы и украшали подвесками из хрусталя. Для организации декора различных помещений использовались материалы исключительно натурального происхождения – мрамор, бронза, хрусталь, керамика, дерево.

Интерьер

Интерьер в стиле ампир характеризуется четкими линиями форм необычными решениями в вопросе отделки поверхностей. Для него присущи настенные ковры древних мастеров, многочисленные украшения из металла и картины в позолоченных рамах. К главным чертам ампирического направления относятся:

• Строгие линии.
• Торжественность форм.
• Парадность композиций.

Внутреннее оформление зданий в стиле ампир отличается насыщенной цветовой гаммой. Используются яркие оттенки: золотой, синий, голубой, белый или красный. Бронзовые и золотые вкрапления превосходно сочетаются в этой палитре.

К аксессуарам интерьера относятся детали снаряжения военных древнеримской армии:

• Знаки легионеров, на которых изображены орлы.
• Стрелы, собранные в пучках.
• Связки копий, щиты с рельефами.
• Топоры.

Скульптурное разнообразие наблюдается в гармоничном совмещении мифологических композиций и изображений античности: богиня победы, сфинксы, кариатиды или грифоны.

Мебель

Мебель в стиле ампир характеризуется, как классический рационализм в течении архитектурных и интерьерных веяний. Для изготовления гарнитуров используется орех, а также красное дерево. Мебель, выполненная из березы (карельской), применялась в интерьере российских построек. Украшением поверхностей служат накладки с позолотой или из бронзы. На них изображаются мотивы на военную тематику – шлемы, щиты, скрещенные копья или мечи, венки из лавровых листьев. Спинкам стульев придается изогнутая форма лиры. Стоит отметить, что мебельные гарнитуры эпохи ампира не отличаются комфортабельностью – особое предпочтение отдается внешней пышности и красоте композиций как и в готике.

Ампирная мода

Формирование ампирной моды началось еще в дореволюционной Франции, а популяризация и активное развитие наблюдалось при Бонапарте. Ампир характеризовался повышенным интересом к идеалам античной эпохи. После 20-х годов 19-го столетия ампир в модных тенденциях плавно перешел в новый викторианский стиль.

Особенности стиля в одежде

Законодательницами женской моды в Париже были:

• Жозефина Богарне.
• Тереза Тальен.
• Мадмуазель Ланж.

Благодаря Терезе Тальен в моду вошли платья в ампирном стиле, которые открывали для посторонних глаз женские ноги от элегантных туфелек и до самых ягодиц. Такая мода получила характерное название «аля-соваж», что в переводе с французского означает «нагая».

Популяризацией этого движения в Англии занималась Эмма Гамильтон – любовница адмирала Британии Нельсона Горацио.

После того как Наполеон взошел на имперский престол, дамские наряды стали более закрытыми, но общий силуэт платья сохранился. В эпоху наполеоновской империи появились громоздкие античные орнаменты, бархат, тяжелый шелк, а длинные шлейфы украшались рельефами золотого шитья. Идея золотого шитья на дамских нарядах была разработана в координации императора.

В пошиве платьев использовались хлопчатобумажные и льняные материалы: батист, фуляр, тюль, муслин, креп, кисея или кружево.

Свидетельством высокого положения в обществе были платья светлых цветов. В это время освоили технику отбеливания тканевых материалов.

Женские платья по внешнему виду напоминали рубахи. Над высокой талией под самой грудью красовался пояс в виде широкой ленты. Руки и шея оставались открытыми. Низ платья расшивался узорами из серебряных и золотых нитей, пестрил блесками, синелью и пайетками. Платья для танцев и визитов дополняли буфы на коротких рукавах.

Под наряды, походившие на туники, надевали трико или рубашку телесного цвета (шмиз). Сквозь тонки материи хорошо просматривались упругие женские формы. Ткань иногда смачивали водой, чтобы она соприкасалась с телом. Широкое декольте максимально глубоко открывало шею и грудь.

Глубокий вырез было принято прикрывать, если женщина выходила на улицу. Поверх тонких нарядов надевалось манто с кружевами, застегивающееся спереди одним крючком. В холодное время года использовались рединготы (шерстяное пальто) и спенсеры (теплый короткий жакет).

Неотъемлемым и дорогостоящим аксессуаром была шаль с разноцветными кистями. Декольте прикрывали треугольной или сложенной пополам прямоугольной прозрачной косынкой (фишю). Боа из густых перьев, а также короткие меховые шарфы наблюдались в нарядах замужних женщин.

Носились чулки с декоративной вышивкой (листы дуба и лавра) и стрелками из серебряных нитей. На руки надевали длинные перчатки светлого оттенка (выше локтя).

Обувь шили на плоской подошве, в форме “лодочки” с длинными носами. Для изготовления дамских туфель использовали атлас (голубой, белый или розовый), а также ленты, которые по примеру античных образов обвязывали вокруг ног.

Мужская одежда в стиле ампир особыми излишествами не отличалась. Костюм изготавливался преимущественно в темном цвете и состоял из фрака с воротничком-стойкой, жилета, белой рубашки и светлых панталон. Значительную популярность получили рединготы, высокие шляпы, а также сюртуки.

Особенности стиля в прическах

В своих прическах модницы ампирского стиля подражали греческим и римским образцам – высоко собранные волосы заплетались в косы (также использовалась специальная сеточка). «Узел Психеи» красовался на затылке и представлял собой незамысловатый пучок. Гладкие прически украшались цветами и красочными лентами, а также разделялись пробором. В моду вошли шиньоны, а лоб прелестных дам скрывался под завитой челкой. Дополнительными украшениями для головы служили обручи, диадемы или фероньерки. Особенно популярны были венки из лавровых или дубовых листьев, колосьев и живых цветов.

Белорусская плитка Домино: все о производителе, предлагаемой продукции и стоимости.

Дизайн прихожей в хрущевке: какие нужно знать нюансы при проектировании и ремонте вы узнаете в этой статье.

Стиль кантри в интерьере: https://trendsdesign.ru/home/liv/gostinaya-v-stile-kantri.html

Особенности королевского стиля

Выводы

Ампир стал переходным этапом от ренессансной эпохи Возрождения к новым течениям эклектики. В этот период наблюдаются значительные трансформации женских нарядов, которые открывали тело и выставляли напоказ упругие формы. Ампирский стиль затронул область архитектуры и монументального искусства – возводились новые здания, характерной чертой которых было объединение нескольких исторических стилей в общей композиции.

Современные дизайнеры используют за основу идеи гениальных творцов эпохи ампира, создавая уникальные интерьеры в жилых помещениях и зданиях коммерческого направления.

Ампир в архитектуре и интерьере

Изменение характера и направлений развития искусства классицизма, в первую очередь, в его французском варианте, произошло после буржуазной революции, после провозглашения древнегреческого и древнеримского искусства её идеалом. Но теперь эстетические идеалы античности эпохи просвещения должны были прославлять вновь народившуюся империю и лично первого императора Франции Наполеона I и его воинские доблести. Это новое направление стиля классицизма начало развиваться в эпоху Директории (1795–1799 гг.), а затем при Консульстве (1799– 1804 гг.), и достигло расцвета в период между 1804 (год коронации Наполеона I) и 1813 гг., получив название ампир (от фр. empire – империя и лат. imperium – власть). Стиль ампир держался во Франции до 1815 г. вплоть до реставрации Бурбонов, но его влияние на формирование, в первую очередь, дворцовых парадных интерьеров сохранится еще почти двадцать лет.

Стиль ампир, который сложился в архитектуре, декоративно-прикладном искусстве, мебели, одежде, живописи, скульптуре и т.д. во всех странах Западной Европы и России, стал завершающей стадией эволюции классицизма. Основными источниками творческого вдохновения для ампира являлось искусство Древней Греции периода архаики и Древнего Рима периода поздней империи, а также искусство и культура Древнего Египта, Этрурии и других древних цивилизаций. Ампир активно использовал пластические идеи древнеегипетской архитектуры, делая большие нерасчленённые поверхности стен, массивные колонны и пилоны, обеспечивая четкость и геометрическую правильность построения цельных объемов и т.п. От Древней Греции и Рима в ампир перешли лаконизм, монументальность, строгая уравновешенность частей, симметрия сооружаемых объектов. Большое распространение получили портики классических ордеров, которые решались на контрасте с гладью малорасчленённых стен и геометрических объёмов. Идеи утверждения имперского величия и воинской славы реализовались в ампире через искусство многочисленных символов и знаков. Например, в декоративном убранстве экстерьеров и интерьеров зданий, мебели, светильников, посуды и т.д. использовалась в большом количестве военная эмблематика и символы воинской славы, заимствованные из арсенала декоративных средств Древнего Рима в виде лавровых венков, трофеев, дикторских связок, орлов, факелов, повторяющейся буквы N и т.д. Использовались также многие мотивы древнеегипетских орнаментов и символов в виде характерных рельефов, сфинксов, мумий, львов и др. Такой экзотический декор лишь усиливал театральность обстановки всего интерьера. Ампир в пору своего расцвета характеризуется прямым заимствованием некоторых архитектурных типов и форм предметного мира древности. Например, сооружаются и соответствующим образом декорируются триумфальные арки, мемориальные обелиски и императорские колонны. Интерьеры дворцов и частных домов украшаются рельефами по типу древнеегипетских и античных образцов. Стенные росписи выполняются по помпеянским мотивам, посуда, декоративные вазы, светильники делаются весьма похожими на древнегреческие и этрусские и т.д.

С приходом стиля ампир искусство становится болеё масштабным, монументальным. Вместо изысканной тонкости стиля Людовика XVI приходят излишняя рассудочность, помпезность и даже пафос. В стремлении победившей буржуазии, отринувшей королевские стили, во всем подражать быту и нравам древних римлян было, конечно, много театрального, показного. Во многих европейских странах аристократия и крупная буржуазия, для которых французский классицизм эпохи Людовика XVI был еще совсем недавно образцом для подражания, стали откровенно следовать новому стилю. После революции в Париж вновь приехали из разных стран многочисленные архитекторы и художники, которые стали работать в этой новой для себя стилистике. Ампир, в отличие от предыдущих стилей, имел весьма космополитический характер и исключал, в силу своей регламентированности, возможность создания местных национальных школ, что, впрочем, не помешало России некоторое время спустя создать свою разновидность ампира.

Следует отметить, что формальный язык классицизма с одинаковым успехом служил королевствам, буржуазии и империям. На своем первом этапе классицизм был королевским стилем, затем его болеё строгие и лаконичные формы служили идеям буржуазной революции. На последнем этапе те же классицистические формы, но уже значительно переработанные в сторону большей парадности, внешней эффектности и величия, используются для прославления императора и его империи.

По сравнению с формами архитектуры, которые во времена ампира ориентируются, в основном, на образцы древнеримских построек и потому не имеют существенных изменений, интерьер, в котором достигается беспримерное стилевое единство всех элементов, его составляющих, теперь решается по-новому. Этот ампирный синтез возникает, в первую очередь, из строгого следования античным, главным образом, древнеримским образцам в оформлении стен, пола и потолка, мебели, рисунков обоев, обивочных тканей и драпировок, тканей занавесей, покрывал, скатертей, других изделий декоративно-прикладного искусства. Изысканные и легкие интерьеры предыдущей эпохи делаются теперь торжественно-монументальными, в них царят полный покой, упорядоченность и уравновешенность элементов, строгая симметрия. Ампир, подобно другим королевским стилям, служит, прежде всего, целям репрезентации – в этом его своеобразная театральность, характерная для дворцовых интерьеров со времен Людовика XIV.

Стены помещений, как и прежде, членятся на отдельные орнаментально обработанные панно прямоугольных форм, которые декорируются, к тому же, живописными картинами, часто нанесенными прямо на стену или стеновые панели. Стены декорируются также пилястрами и полуколоннами. Карниз, обычно подчеркнутый фризом, украшенным гирляндами и фигурами лебедей и сфинксов, четко отделяет окрашенный в белый цвет и декорированный по углам потолок от стен. Весьма часто потолки, в подражание древнеримским, делаются кессонированными. Стены оклеиваются обоями или затягиваются тканями, причём ткани драпируются, подражая формам античных одежд. Обои имеют строгий рисунок, но также делаются с изображениями пейзажей или различных сюжетов на темы египетских походов Наполеона. Иногда потолки расписываются по белому фону, а вся живописная композиция обрамляется широким бордюром. Полы также делаются весьма нарядными из наборного паркета разных пород дерева, рисунок которых соответствует античной орнаментике. В богатых домах и дворцах некоторые помещения имели полы, набранные в подражание античной мозаике. Дверные панели декорируются лепниной с изображениями женских фигурок или ваз с букетами цветов.

В эту эпоху стало модным украшать будуары, парадные залы, столовые и специальные помещения для коллекций скульптуры мраморными бюстами владельцев домов и т.н. антиками (вазами, скульптурой, посудой и т.д.). Весьма модными были в это время изделия из неглазурованного фарфора (бисквиты), керамика Севрских мануфактур под яшму или под мрамор и каменной массы фирмы Веджвуда в виде различных плакеток с белыми рельефами на античные темы на синем или оливковом фоне, которые развешивались строго симметрично на стенах или которыми декорировались мебельные объекты. Основным металлом, который применялся для декорирования или изготовления некоторых элементов интерьера, была бронза. Например, из бронзы, трактованной по цвету и фактуре согласно античным образцам, делались различные светильники: люстры, канделябры, торшеры. Ампирные канделябры во всем схожи с помпеянскими, имеют подставки в виде звериных лап или сфинксов. Торшеры делаются в виде скульптурных изваяний с кариатидами, фигурами крылатых Побед или трех Граций и т.п.

В ампирном интерьере весьма значительную роль играют зеркала. Зеркала помещают на шкафах, зеркалами отделываются потолки ванных комнат. Популярными становятся отдельно стоящие напольные зеркала – псише, украшенные бронзой, а также небольшие псише, устанавливаемые на туалетных столах. Появившаяся в это время форма камина имитирует античные древнеримские мраморные надгробья. Ширмы, каминные экраны обтягиваются гобеленовыми другими дорогами тканями, украшенными вышивкой. Подобные экраны значительно меньших размеров ставились также перед подсвечниками. Рукомойники приобретают форму жертвенного алтаря (алтаря чистоты) или форму лиры, курительницы делаются в форме урны. Входят в моду изделия из стекла или фарфора синего цвета, расписанные красками, в т.ч. золотыми, и украшенные позолоченными или посеребренными накладками.

Из-за обилия изображений животных и птиц, в первую очередь, хищных и фрагментов их тел, а также иных фантастических существ в виде грифонов и сфинксов, ампир считается звериным стилем.

Например, ножки мебельных объектов, опоры светильников и др. часто трактовались в виде когтистой лапы льва, переходящей в мифологическое фантастическое существо с головой и грудью женщины, телом льва и орлиными крыльями. Частыми изображениями были лебеди с сильно изогнутыми шеями, бараньи головы (букрании) и т.д.

У ампира было особое отношение к внешней форме и, прежде всего, к признанию самоценности поверхности как таковой, будь то стена или потолок помещения, дверка шкафа, спинка стула или кресла. Всегда эти поверхности подчеркиваются контрастно нанесенным орнаментом (часто рельефным), мотивы которого заимствовались из египетского, греческого, этрусского, римского искусства. Поэтому такая большая роль в ампире отводилась скульптуре в виде, например, резных лап на окончаниях ножек стульев и кресел, опор локотников в виде лир, опорных частей столов в виде герм и упоминавшихся выше грифонов и т.п. Такие скульптурные изображения зачастую выступали как конструктивные элементы того или иного материального объекта.

Французская мебель ампира

Основоположником стиля ампир считают живописца Луи Давида, а выразителями этого стиля – архитекторов Шарля Персье (1764–1838 гг.) и Пьера Фонтена (1762–1853 гг.).

Ампир в своем наиболеё рафинированном виде проявился в интерьерах загородных резиденций, которые вначале возводились для Первого консула, а затем императора Франции Наполеона. Отделка и меблировка всех помещений велась по проектам Фонтена и Персье. Широкому распространению нового стиля способствовало издание ими в 1801 г. альбома с проектами мебели и интерьеров, который был переиздан в 1812 г. Эти архитекторы создали интерьеры и мебель для дворца мадам Рекамье, а Наполеон поручил им отделку своего загородного дворца в Мальмезоне. Позднее, став придворными архитекторами императора, Персье и Фонтен возглавили работы по переделке помещений других королевских дворцов в Тюильри, Сен-Клу Фонтенбло, Лувре и др.

Мебель по проектам этих архитекторов выполняли знаменитые мебельщики Жорж Жакоб и его сын Жакоб-Демальтер (1770–1841 гг.).

Кресло, 1870 г., Франция

Кресло, Ч. Перкир и П. Фонтэн

Кресло. Дерево, резьба, золочение. Мастерская Жакоба

Кресло, сделанное для Маршала Нея (1769-1815 гг.) из армии Наполеона. Жакоб-Демальтер, 1800-ые, Париж

Кресло с лебедями. Ампир

Кресло, Жакоб-Демальтер, 1805 г., Париж (Музей Виктории и Альберта, Лондон)

В отличие от стиля предыдущей эпохи – стиля Людовика XVI – для мебели ампира характерно прямое заимствование античных форм. Мебель подчинена архитектуре, она монументальна и имеет четкие конструктивные членения. Важнейшими элементами украшения ампирной мебели являются архитектурные шаблоны: колонны, капители, фризы, карнизы. Архитектурность построения мебельных объектов, в т.ч. мебели для сидения, полностью исключает проседающие, мягкие обивки, поэтому она всегда кажется жесткой. Театральность ампира – как искусства дворцового, парадного – обуславливает специфику организации пространства помещения, где элементы интерьера располагаются как бы по периметру, превращая его в своеобразную театральную площадку. Поэтому у ампирной мебели преобладают горизонтальные формы. Декоративные украшения на мебельном объекте располагаются обычно по периметру его свободных поверхностей, подчеркивая тем самым красоту фактуры и текстуры тщательно отполированного дерева. В интерьерах мебель часто ставится целыми гарнитурами, выполненными из одной породы дерева, причём их цветовая гамма обязательно сгармонирована с цветом других элементов интерьера. Продолжает делаться мебель, окрашенная в белый цвет, декоративная резьба которой золотится или тонируется под старинную античную (патинированную, зеленую) бронзу.

В это время весьма модными становятся т.н. диванные комнаты, в которых устанавливаются диваны, а на ковре перед ними – т.н. преддиванные столики на одной центральной широкой опоре и несколько кресел в форме корытца, расставленные вокруг столика. Как правило, яркая обивка дивана и кресел гармонировала с декором стен. Рисунок обивочных тканей обычно был вышит шерстью или выткан золотыми нитями. В моде была обивка алым сукном с черными бордюрами, шелком с золотыми звездами или розетками на сетчатом узоре, ценились насыщенные цвета: синий, желтый, пурпурный, малиновый и также такие модные цветовые сочетания как белый цвет с золотом или синий с золотом. В начальный период ампира большую популярность имели большие диваны, стоящие на тумбах, подобных пилонам, опирающиеся на львиные лапы и имеющие глухие локотники (боковины). Поверхности спинок и локотников диванов фанеровались красным деревом, а резные украшения выполнялись в форме музыкальных инструментов, лебедей, военных трофеев, орлов, львов и др. Для форм локотников (боковин) диванов часто использовался мотив рога изобилия. Подобные скульптурные украшения иногда делались из бронзы. Опоры и подстолье преддиванных столиков также украшались резьбой или золоченой бронзой.

Геридон (стол-тумба). Жакоб-Демальтер Приставной стол с каминными часами «Амур и Психея», 1799 г., Франция Стол-геридон с мраморной столешницей. 1803 г., Париж, Франция Афинская пара (раковины). Поздний ампир по проекту Шарля Персье (1764–1838 гг.) и Пьера Фонтена (1762–1853 гг.) Туалетный стол с зеркалом «псише». Мастерская М. Бьенне. Дерево, резьба, золочение, бронзовые накладки. Ок. 1817 г. Париж, Франция Табурет. 1805 г., музей Виктории и Альберта, Лондон Умывальник, Ш. Персье и М. Бьенне, 1804-1814 гг. Кровать. Жакоб-Демальтер, XIX в. Кровать императрицы Жозефины Спальня императора, дворец Фонтенбло, Франция Тронный зал, дворец Фонтенбло, Франция Трон был предназначен для Наполеона I, 1805 г. Жакоб-Демальтер Церемониальная спальня Полины Бонапарт. 1804 г. Британское посольство, Париж

Получают распространение кушетки своеобразной формы с двумя, как правило, развернутыми наружу торцовыми спинками, выполненными в форме буквы S. Кресла делаются весьма похожими на древнеримские. Их локотники поддерживаются резными фигурами лебедей, грифонов, львов и пр. или же колоннами с каннелюрами и капителями, завитками и т.п. Иногда передние ножки представляют собой гермы, которые доходят до локотников и служат им опорой. Популярны кресла-гондолы (корытца), имеющие полукруглую в плане спинку, переходящую в локотники, которые часто украшаются резными фигурами лебедей. Стулья делаются проще, чем кресла. Их спинки имеют простую, слегка изогнутую и откинутую назад прямоугольную форму или делаются в форме лиры.

Иногда формы античной мебели для сидения заимствуются почти без изменений. Например, известный греческий стул-клисмос неоднократно воспроизводился в это время без каких-либо искажений его первоначальной формы и конструктивной схемы. Большой популярностью пользуются табуреты или банкетки на скрещивающихся, украшенных бронзой ножках, форма которых пришла из Древнего Египта. Копируются трехногие античные табуреты, найденные при раскопках Геркуланума и Помпей. Опорные части кресел и стульев, а также диванов и столов, делаются в виде уже упомянутых выше герм, сфинксов, кариатид, атлантов, грифонов, тритонов, львиных лап и колонн. Все эти фигуры фантастических чудовищ, крылатых женщин, кариатид, герм и атлантов стоят в неподвижных позах, движения их скованы, лица так же неподвижны, как и складки их одежд. Формы мебельных емкостей: шкафов, комодов, секретеров, бюро и др. массивны, прямоугольны, замкнуты. Комоды делаются иногда без ножек и стоят прямо на цоколе, имеют мраморную верхнюю доску. Установленные под большими настенными зеркалами-трюмо эти шкафы выполняют роль столов-консолей. Иногда вся фасадная грань комодов делалась из одной целой доски, распиленной по линии ящиков, благодаря чему сохранялся общий рисунок струй древесины. Гладкие плоскости мало расчлененных поверхностей шкафов подчеркиваются бронзовыми или резными накладками в виде гирлянд, венков, пальметок, розеток, полосок из золоченой бронзы с резным орнаментом, а также орлов, львиных и бараньих голов, крылатой Ники, фаянсовых, фарфоровых или керамических веджвудских плакеток, которые вставляются в деревянную основу мебельных объектов. Такие шкафы, украшенные колоннами или пилястрами с бронзовыми золочеными базами и капителями, фронтонами, карнизами, фризами, архитектурными профилями и т.д., делаются весьма похожими на античные храмы. Излюбленным украшением, которое появляется в это время на косяках или углах шкафов, комодов и секретеров, становятся своеобразной формы кариатиды с неестественно вытянутыми мумиеобразными туловищами, женскими головками и ногами.

Портрет мадам Рекамье. Ж. Давид. 1800 г. Масло, 173 x 244 см. Лувр, Париж

Портрет мадам Рекамье. Ф. Жерар. 1805 г. Масло, 255 x 145 см. Музей Карнавале́, Париж

Ампир рождает новые типы мебели. Появляются: книжный шкаф, украшенный трельяжем, узкая горка для драгоценностей, узкий сервант, шкафы для фарфора, круглые сервировочные столы для фарфоровой посуды, клавикорды, псише и др. Распространение получают массивные тумбочки цилиндрической формы, весьма похожие на пьедесталы. Они обычно устанавливались в спальне симметрично по обеим сторонам кровати. Секретеры в это время по-прежнему принадлежат к числу наиболеё популярных предметов меблировки помещений. За откидными столешницами секретеров скрываются многочисленные ящички, ниши, полочки, которые отделываются дорогими породами дерева, зеркалами, бронзой и др.

Письменные столы делаются различных типов, иногда превращаясь в столы-бюро или шкафы-бюро. Такие столы делаются, как правило, двухтумбовыми с выдвижными ящиками. Но существуют и столы, стоящие на четырех ножках. Большой популярностью в стиле ампир пользуются разнообразные круглые столы, имеющие одну центральную опору или ножки в виде крылатых химер или других чудовищ, а также волютообразной формы с львиными масками или букраниями в их верхней части.

В моду входят круглые столы-геридоны, жардиньерки-подставки для цветов и столики для умывания в виде античных жертвенников (трипосы). Столешницы и коробки подстолья часто выполняются из мрамора или малахита и украшаются вставками из золоченой бронзы с типично ампирным декором в виде венков, вазонов, гирлянд, профилей женских головок и др. Жардиньерки нередко имеют форму античных бронзовых алтарей. Продолжают делаться и прямоугольные столы на четырех свободно стоящих ножках, а также столы-консоли на ножках в виде герм, представляющих собой четырехгранный, расширяющийся кверху столб, увенчанный головой или бюстом мифологического персонажа, кариатид, грифонов или мумий, опирающихся на специальные хорошо профилированные подставки-постаменты (цоколи).

Большую известность получил т.н. стол наполеоновских маршалов, созданный по проекту Ш. Персье и декорированный золоченой бронзой работы известного бронзовщика П.Ф. Томира и мозаикой из севрского фарфора по эскизу Ж.-Б. Изабе. Другим выдающимся произведением мебельного искусства является бюро Наполеона.

Кровати в эту эпоху делаются с одинаковыми боковинами и с балдахином или без него и часто устанавливаются на цоколи. Балдахин теперь подвешивается на раму, которая крепится к потолку. Такие кровати в стиле ампир решаются в форме римского саркофага, но создается и новый тип кровати, т.н. кровать-ладья, предназначенная, как тогда говорили, облегчить течение жизни. Выдающийся образец кровати этой эпохи – кровать императрицы Жозефины. Опорные части этой кровати выполнены в форме огромных рогов изобилия из позолоченного дерева, опоры изголовья также представляют собой рога изобилия, над которыми расположены резные фигуры лебедей с поднятыми крыльями. Само ложе напоминает походную палатку римского полководца с шатром из алого кашемира.

В болеё позднеё время мебель ампира явно перенасыщается бронзовым декором, болеё того, появляются небольшие декоративные предметы, выполненные целиком из золоченой бронзы, серебра и даже стекла. Традиция декорирования мебельных объектов бронзой держалась во французском мебельном искусстве начиная с Людовика XIV и заканчивая ампиром почти полтора века.

В эпоху ампира, по сравнению с предыдущим стилем, мастера-мебельщики не применяют каких-либо новых приемов при отделке мебельных объектов. Важную роль в отделке мебели стали играть фактура и текстура материала, которые раньше были скрыты за массой резных украшений и архитектурных шаблонов. В первую очередь применяется доведенная до совершенства техника фанерования. Фанера изготавливается, обычно, из темного красного дерева, а иногда из чёрного, и тщательно полируется. Применяются также и светлые породы дерева: лимонное дерево, ясень, клён, вишнёвое дерево и др. Отполированные до зеркального блеска поверхности мебельных объектов из красного и черного дерева и поверхности мебельных объектов, окрашенные в белый цвет под лак, оттеняются бронзовыми золочеными накладками и, реже, накладной золоченой резьбой, что придает интерьеру торжественность, строгое изящество и монументальность.

Интарсия и маркетри из различных пород дерева в эту эпоху встречаются крайне редко.

У мебели стиля ампир есть связь с мебелью стиля Людовика XVI. Например, мебель Жакоба, который начал работать еще в предыдущем стиле, а в ампирную эпоху был главным исполнителем мебели для Наполеона и других королевских дворов и аристократии, выполняется по проектам (рисункам) Персье и Фонтена. Сотрудником Жакоба был уже упоминавшийся выше знаменитый бронзовщик П.Ф. Томир, который делал бронзовые украшения и скульптуру для всех существовавших тогда дворцов.

По своему характеру стиль ампир в мебели во всех европейских странах имеет единообразные формы, хотя и отличается региональными оттенками. Однако влияние французского ампира на подобную стилистику в других странах было весьма значительным и определяющим.

Австрийская, немецкая, итальянская и английская мебель ампира

Австрийский и немецкий ампир представляют собой все тот же предыдущий стиль классицизма, но с большим тяготением к античной стилистике, т.н. стиль цопф. В это время Вена становится одним из ведущих центров мебельного производства, а австрийская аристократия и крупная буржуазия, которая всегда тяготела к богатству и роскоши, тем не менеё обставляла свои апартаменты мебелью весьма изысканной, но простой по форме и не перегруженной бронзовым декором, характерным для французских образцов. Формы добротно изготовленных стульев и кресел имеют хорошие пропорции и изящный абрис. Ножки, обычно, делаются гладкими, а бронзовых украшений используется минимальное количество. Столы в это время делаются круглыми и прямоугольными, близкими к стилям Людовика XVI и цопф, громоздкие диваны имеют высокие боковины, декорированные колонками. Важным предметом обстановки становится клавир. Известно, что Вена стала после 1790 г. одним из центров по производству такого рода музыкальных инструментов. Добротная столярная основа, наличие различных технических устройств, изящество форм ставят австрийские изделия этой эпохи в один ряд с английскими образцами.

Диван. Лондон, 1759–1765 гг.

Кресло для короля Вильгельма IV. 1834 г.

Новый имперский стиль мало коснулся Германии, т.к. она была в это время раздроблена на множество княжеств. Однако часть немецкой мебели делается в стиле ампир, правда, этот стиль в мебели тяготеет больше к греческой классике, нежели к имперскому Риму и весьма похож на стиль цопф.

Насаждение имперского стиля в Италии начинается со времен правления Наполеона, который подчинил себе большую её часть. Вначале в этом стиле решаются резиденции родственников Наполеона в Италии и их обстановка. Например, сестра Наполеона Элиза Бачиоки выписывает из Франции мастеров-мебельщиков и декораторов для отделки дворца Питти во Флоренции, покровительствует местным итальянским мастерам, работающим в этом стиле. В ампирном стиле меблируется дворец Жерома Бонапарта в Портичи и т.п. Однако свой расцвет стиль ампир, развивавшийся в Италии в период с 1815 до 1840 гг., достиг уже после свержения Наполеона.

В Англии в период 1812–1830 гг. складывается стилевое направление, близкое к французскому стилю ампир. Это направление, получившеё название стиля Регентства (Regency), и наступивший после него стиль Георга IV (1820–1830 гг.) зародились еще в классических интерьерах и мебели братьев Адам. Направление было подхвачено Хеппельуайтом и Шератоном и окончательно сложилось в творчестве последующего поколения английских мастеров. К середине XIX в. в Англии в стиле и образе жизни различных социальных групп усиливается дух рациональности и здорового практицизма. Это стремление к простоте проявляется сначала в одежде, а затем в мебели и интерьере. Английские классические формы мебели оказали влияние на мебель многих европейских стран и даже на французскую мебель. Это влияние проявилось в общей тенденции к целесообразности, простоте и стремлении освободить мебель от влияния архитектурных форм и принципов их построения.

Влияние ампира проявилось болеё всего в проектах Томаса Хоупа, но эти проекты можно считать скореё исключением, чем правилом развития английского мебельного искусства. Но даже эти проекты болеё строга и «демократичны», чем антиквизирующие формы мебели Персье и Фонтена и близкие к ним образцы мебели итальянцев Джузеппе Сали и Джакомо Альбертоли.

После падения Наполеона все, что было связано с его именем и деятельностью во Франции и в других европейских державах, постарались забыть; это относилось и к насаждаемому там стилю ампир. Однако стилистика ампира продолжала жить и дальше, например, в пришедшем на его смену, в первую очередь в Германии, Австрии и даже России, бидермейеру, не говоря уже о возникших впоследствии т.н. неостилях. Влияние ампира на крестьянскую мебель в некоторых странах продолжало ощущаться до конца XIX в.

Русская мебель ампира. Александровский ампир

В искусстве европейского классицизма и ампира конца XVIII–начала XIX в. важное место принадлежит России. В России становление и развитие ампира приходится на начало XIX в. и время правления Александра I (1801–1825 гг.). Победа в Отечественной войне 1812 г., восстановление и застройка Москвы, сооружение величественных архитектурных ансамблей в Петербурге послужили благоприятной почвой для расцвета ампира в России, который весьма существенно стал отличаться от европейского, хотя исходные стилевые элементы русского ампира и роднят его с французским.

Кресло. Красное дерево, позолота. XIX в.

Табурет. Красное дерево, позолота. XIX в.

Наиболеё ярко стиль ампир проявился в архитектуре. В это время в России работают великие архитекторы: А.Н. Воронихин, А.Д. Захаров, М.Ф. Казаков, Дж. Кваренги, Тома де Томон, К.И. Росси, В.П. Стасов, О.И. Бове. Русская архитектура находится на подъеме, она может решать сложные градостроительные задачи и создавать великолепные сооружения. Адмиралтейство, Казанский собор, здание Главного штаба, Михайловский и Елагинский дворцы и, особенно, их интерьеры представляют собой удивительные по своей завершенности и ясности архитектурные композиции и художественные ансамбли. В этот период подъем переживает и русское мебельное искусство. Архитекторы, проектируя интерьеры, проектируют и мебель, внося в её формы и декор совершенно новые черты, которые начинают придавать русской мебели своеобразный характер. Вначале русская мебель, особенно дворцовая, не свободна от влияния французских и даже английских образцов, но позднеё русское мебельное искусство приобретает самобытный самостоятельный характер. Наряду с роскошно декорированной парадной мебелью русские мастера создают болеё удобную и простую мебель для помещичьих усадеб и зажиточных слоев городского населения.

Спальня, Павловский Дворец

Красное дерево, бронзи-рованное и позолоченное только изнутри кресло, приблизительно 1800 г.

Кресло-жардиньерка. Павловский дворец. Дерево, резьба, позолота, окраска под бронзу, бархат, вышивка по канве. По проекту А. Воронихина. Мастерская К. Шейбе, 1806 г.

В самом начале века популярностью пользуются работы петербургской мебельной мастерской X. Мейера. Считается, что именно он стал делать мебель из красного дерева простых прямолинейных форм, украшенную латунными узкими полосками (тягами), подчеркивающими вертикальные и горизонтальные членения мебельного объекта. Такая мебель несколько позже получила в России название мебели, изготовленной в стиле Жакоб – по имени известного французского мебельного мастера. В первой четверти XIX в. на первые роли выдвигается придворный мебельщик Г. Гамбс, ученик Д. Рентгена. Он сам и мебельщики его фирмы производят много мебели, близкой к творчеству Рентгена и Жакоба Демальтера, а также мебели по проектам русских архитекторов. Кроме Г. Гамбса в Петербурге заслуженной славой пользуются мастерские В. Бобкова, А. Тура, И. Баумана, Ф. Гроссе, а в Москве – А.К. Пика.

Русская ампирная мебель отличается от французской и английской. Формы её проще, и выглядит она болеё монументальной, поражая красотой своих пропорций и согласованностью отдельных частей. Основная черта ампирной мебели, в т.ч. и русской – это строгое подчинение её формообразования законам классической архитектуры: трехчастным делением основного объема на основание (цоколь), тулово (основную часть) и завершающую верхнюю часть, что подчеркивалось обычными для зодчества членениями в горизонтальном и вертикальном направлениях. В каждом мебельном объекте массы строго пропорционально рассчитаны, что усиливает и подчеркивает статичную и монументальную их композицию. Своеобразие декорировки мебели александровского ампира – это концентрация отдельных пятен орнаментировки в определенных местах на сравнительно небольших гладких поверхностях мебельных объектов. Большинство русской мебели, кроме некоторых образцов дворцовой, парадной, не декорируется золоченой бронзой. Вместо неё применяется лепка из гипса или левкаса или же резьба из дерева, которые потом или золотятся, или красятся в черный цвет, или отделываются под старую (патинированную) зелёную бронзу.

Декоративными мотивами служат весьма популярные в этом стиле различные воинские эмблемы, лавровые венки, гирлянды, орлы, стилизованные лебеди с изогнутыми шеями, грифоны, львы, лиры, листья аканта, меандр, симметричные пальметты и т.д. Мебель украшается элементами архитектурных ордеров: колоннами с базами и капителями, фризами, карнизами, а её конструктивные членения подчеркиваются архитектурными тягами невысокого рельефа. Кроме того используются гермы, выполненные на древнеримский или древнегреческий манер, сфинксы, химеры, крылатые богини Ники и другие фантастические фигуры, симметрично расставленные и застывшие в неподвижных позах.

В это время в России большое разнообразие получает мебель для сидения. У стульев и кресел спинки делаются прямоугольными, глухими и мягкими, несколько напоминающими образцы предыдущего стиля. Локотники кресел часто опираются на резные фигуры орлов, львов или лебедей. Мотивы животных и фантастических чудовищ используются также для декорировки ножек, особенно передних. Вместо глухих мягких спинок в большом количестве делаются прорезные ажурные спинки с разнообразным рисунком. В качестве мотивов для таких рисунков также используются фигуры лебедей, военные трофеи и музыкальные инструменты. В то же время делается мебель для сидения, фанерованная красным деревом, карельской или волнистой берёзой, в которой почти нет украшений. Большой популярностью пользуется кресло-корытце с полукруглой спинкой, плавно переходящей в низкие локотники, которые часто украшались резными фигурками лебедей. Первоначально этот тип кресел был выработан во Франции как кресло к письменному столу. Но постепенно его ввели в состав гарнитуров для гостиных. Такие кресла были весьма характерны для интерьеров дворцов, дворянских особняков и помещичьих усадеб. Оригинальной переработкой мотива формы кресла-корытца является кресло красного или тополевого дерева, не имеющеё аналогий в западноевропейском мебелестроении. Центральную часть его спинки украшают фигурки двух грифонов с вазой между ними. Грифоны окрашены в черный цвет, а ваза и некоторые другие резные элементы – позолочены. Верхняя поперечная планка спинки изысканной линией плавно переходит в изогнутые бруски локотников. Передние ножки прямые точеные, суживающиеся книзу. Задние ножки искривлены. Большую роль в меблировке русских домов начинают играть диваны. В дворянских домах появляется т.н. диванная комната. В начале XIX в. диваны имеют характерные прямоугольные очертания, формы их внушительны и монументальны. Вместо локотников они имеют высокие боковины с резными колонками. Стоят такие диваны на широких прямоугольных опорах или на ножках, декорированных в виде львиных лап. Делаются диваны в форме ладьи или широкого кресла, а резные локотники имеют форму лебедей, львов или сфинксов. Гладкие поверхности спинок и локотников покрывались фанерой высокого качества из красного дерева или карельской берёзы. Ампирный диван, обязательный преддиванный круглый, овальный или прямоугольный стол на одной широкой вазообразной стойке (или в виде тумбы) и несколько расставленных вокруг него стульев или кресел, большое зеркало или картина над диваном в богатой раме из красного дерева или карельской берёзы являлись непременными атрибутами меблировки русского жилища того времени. Украшением парадных комнат богатого дома служила также т.н. клавишная арфа, или клавицериум, в виде большого шкафа, т.к. этот музыкальный инструмент (по существу, рояль) имел вертикально расположенные струны. Корпус этого инструмента делался из ореха или красного дерева и устанавливался на ножки в виде грифонов. Постепенно такие инструменты стали заменяться на фортепиано. Изготавливаемые в то время книжные шкафы, комоды, горки, шифоньеры, секретеры, этажерки и т.п. мебельные емкости декорировались колонками и пилястрами с капителями, фризами и карнизами и имели четкие членения и пропорциональную согласованность своих основных формообразующих элементов. Такая мебель, а также мебель для сидения, расставлялась в помещении как можно симметричнее, образуя строгие композиции и согласуясь с рисунком декора и членениями стен.

Красиво декорированных кроватей в России в ампирном стиле делалось по-прежнему весьма мало. На них, по сравнению с французской традицией, почему-то мало обращали внимания, довольствуясь старыми образцами.

Десятые годы XIX в. характерны для русских мастеров расширением номенклатуры используемых мебельных материалов. Кроме уже известных к тому времени красного дерева, карельской берёзы и ясеня, стали широко применять тополь, волнистые клён и берёзу, мореную грушу и др. породы. Мебель, которая изготавливалась из местных пород и поэтому была недорогой, часто окрашивалась в белый цвет, а резьба золотилась, окрашивалась в темные цвета или чернилась. В это время по рисункам архитекторов детали столов начали изготавливать из хрусталя или цветного стекла. Гранильные фабрики Петергофа, Екатеринбурга и Колывани стали делать столешницы из мрамора, малахита и яшмы. Петербургский фарфоровый завод приступил к изготовлению различных плакеток и медальонов из фарфора и фаянса, украшенных мотивами на античные темы, которые врезались в деревянные плоскости парадной ампирной мебели.

Одним из прекрасных мастеров русского классицизма и ампира был архитектор А.Н. Воронихин (1759–1814 гг.), спроектировавший Казанский собор и Горный институт. Он много работает над интерьерами создаваемых им и реконструируемых зданий, проектируя, в том числе мебель, светильники, обивочные и драпировочные ткани, декоративные хрустальные вазы и т.д. После пожара, случившегося в Павловском дворце в 1803 г., ему было поручено восстановление его парадных апартаментов, а несколько позднеё – интерьеров и меблировки жилых помещений дворца. В своей мебели А.Н. Воронихин не использовал бронзовых украшений, заменяя их резьбой по дереву, которая потом золотилась или покрывалась черно-зеленой краской, имитирующей старую бронзу. Качество резьбы русских резчиков было безупречным – их мастерство опиралось на вековые традиции народной резьбы. В мебельных объектах, выполненных по рисункам А.Н. Воронихина, уже просматривается определенная тенденция формообразования русской мебели первой трети XIX в., которое идет по двум весьма самостоятельным направлениям. По одному мебель делается парадной, по другому – бытовой, камерной. Например, мастер создал типичную парадную обстановку залов Мира и Войны и Греческого зала в Павловском дворце. Прекрасно выполнены золоченые кресла и диваны для Греческого зала с ажурными спинками, украшенными грифонами, и резными передними ножками в виде орлов, крылья которых соединены со спинками и служат локотниками. В залах Мира и Войны мебелью для сидения служат курульные кресла, опоры которых выполнены в виде пучков стеблей, перевитых золочеными жгутами, стоящих на львиных лапах. Прекрасно выглядит мебель, созданная им для неофициальных помещений, которая отличается легкостью пропорций и светлыми тонами использованного материала и его отделки. Здесь Воронихин использует, также как и для мебели Розового павильона, волнистую берёзу с её великолепным золотистым оттенком и красотой текстуры, которые здесь слегка подчеркиваются небольшими вставками черненого дерева. Обивка мебели выбирается самим архитектором, а её рисунок им проектируется заранеё в полном согласии с композицией мебельного объекта и декором стен. Например, им были созданы многочисленные эскизы для вышивок шерстью крестом на мебельных тканях.

Орнаментировка воронихинской мебели выполняется в русле принятой в то время антиквизирующей тематики стиля ампир. Те же розетки, венки, пальметты, геометризированные растительные орнаменты, трофеи, кариатиды, аллегорические фигуры, орлы, лебеди, грифоны и т.п., но их трактовка поражает своим разнообразием, богатством выдумки и особым изяществом исполнения.

Особое место в мебельном искусстве принадлежит зодчему К.И. Росси (1775–1849 гг.), который уже с 1816 г. для возводимых им зданий сам проектирует мебель. Мебель по его рисункам заказывалась таким известным мастерам как В. Бобков, Г. Гамбс, А. Тур, И. Бауман. Создаваемые им интерьеры в перестраиваемом Аничковом дворце, в строящихся Елагине и Михайловском дворцах, здании Главного штаба, библиотеке дворца в Павловске и т.д. меблируются авторской мебелью. Для парадных помещений К. Росси создавал мебель большей частью золоченую или окрашенную в белый цвет с золоченой резьбой. Проектировал также гарнитуры из красного дерева, карельской берёзы, серого клена, ореха, тополя, допуская иногда накладки из золоченой бронзы. В его мебели достаточно много резного декора, где в качестве мотивов используются, в основном, растительные античные орнаменты из венков, пальметок, акантовых листьев, а также мотивов рога изобилия и лиры. Он почти не применяет орлиных лап и голов, львиных масок, птичьих крыльев и т.п. Излюбленными цветами и цветосочетаниями обивки, которую он также проектировал, становится белый цвет с жёлтым или оранжевым, белый с синим или голубым. Иногда он применяет также бледно-зеленые и бледно-сиреневые тона. Известен большой гарнитур, выполненный К. Росси в 1817 г. для гостиной Аничкова дворца. Вся мебель окрашена здесь в белый цвет, а резьба невысокого рельефа позолочена. Центральный объект гостиной – ладьевидной формы диван, декорированный накладной плоской резьбой в виде пальметт, лир, бабочек, веток плюща, розеток. Стулья и кресла имеют TV-образные, слегка скругленные в плане спинки, центральные планки которых напоминают лиру, украшенную бабочками. Первоначальная обивка этого гарнитура была из голубого бархата; но позже (когда гарнитур поступил в одну из парадных гостиных Зимнего дворца в 80-х гг. XIX в.) была заменена на обивку светло-зеленого тона. Существуют еще два подобных по форме и декору гарнитура по рисунку К. Росси, созданных для Зимнего дворца и Петровского дворца в Москве в 1817 г. Подобных повторений в последующие годы К. Росси не делал. Проектируемая им мебель, люстры и драпировки, роспись, скульптура, декоративные вазы и т.п. создавались исходя из специфики того или иного интерьера, для строго определенного зала и определенного места. Такой подход, как наиболеё характерный, осуществлялся в процессе возведения Елагина и Михайловского дворцов. Камерность Елагина-дворца задают размеры и масштаб его помещений, каждое из которых было задумано зодчим как самостоятельный интерьерный комплекс, где все элементы подчинены единому композиционному замыслу. Мебельные гарнитуры этого дворца являются примером прекрасного использования волнистого клена и бронзовых накладок – весьма редких украшений для русской мебели, оттеняющих гладкие полированные поверхности этого дерева. Гарнитуры были созданы по рисункам К. Росси в 1819–1822 гг. в петербургских мастерских И. Баумана, который начал свою деятельность еще в конце XVIII в. Там же делались и гарнитуры, окрашенные в белый цвет с золочёной резьбой. В мебельный гарнитур Елагина-дворца из волнистого клёна входят, помимо дивана, стульев, кресел и преддиванного стола, еще кушетка с небольшой скамеечкой для ног, стоящей на звериных лапах, низкие шкафчики, которые часто использовались для книг, с плоской столешницей вверху, где устанавливались подсвечники, декоративные вазы, кашпо с цветами, часы и др., и дамское бюро, стоящеё на точеных, суживающихся книзу ножках. Верхняя часть бюро имеет емкость с рядом выдвижных ящиков и верхнюю полку, стоящую на колонках. Между ёмкостью и полкой установлены зеркала.

Михайловский дворец, ныне Государственный Русский музей, строительство которого К. Росси закончил в 1825 г., поражает великолепием своих просторных, украшенных лепниной и росписью залов, праздничность которых дополняет парадная бело-золотая мебель, которая и сегодня частично стоит на отведенных ей зодчим местах. Здесь сохранился почти без изменений центральный Белоколонный зал. Мебель для этого зала по рисункам К. Росси выполнил мастер В. Бобков, который до этого делал резные створки дверей и мебель в Елагине-дворце. Белые стены зала имеют теплый оттенок и украшены в верхней части лепным золоченым фризом, над которым находится живописный плафон потолка. Объем зала разделен колоннами на три части. Стволы колонн окрашены в цвет стен и имеют золоченые капители. Меблировка зала тщательно продумана и состоит из множества резных золоченых стульев и кресел, диванов, овальных и круглых столов, а также столов-консолей с голубыми стеклянными столешницами, которые поддерживают огромные зеркала в простенках между окон. Диваны, стоящие у стен, столы перед ними и расставленные вокруг кресла образуют строго продуманные симметричные композиции. Два двухсторонних дивана оригинальной формы стоят между колоннами, как бы отделяя и организуя самостоятельное пространство каждой трети объёма зала для собравшегося там общества. В декоре этого зала, где мастер добился гармоничного сочетания белого цвета с голубым и золотом, мебель выполняет одну из ведущих образно-смысловых и формально-композиционных ролей. Она может показаться излишне тяжеловесной и пышной, но, бесспорно, выражает торжественный и помпезный образ этого дворца. В других помещениях дворца стояла мебель из карельской берёзы, красного дерева и ореха с золоченой резьбой. Эта мебель хорошо сочеталась с бумажными и ткаными обоями синего, оранжевого и лилового цвета с золотыми узорами.

Влияние на развитие русской мебели оказал и другой замечательный мастер того времени – архитектор В.П. Стасов (1769–1848 гг.), автор целого ряда интерьеров и мебели Большого Царскосельского дворца в начале 1825 г. Им был создан один из шедевров – т.н. кленовая опочивальня Марии Фёдоровны и другие помещения для Александра I. Мебель для дворца, спроектированная Стасовым, изготовлялась мастерскими Г. Гамбса и А. Тура. По сравнению с ампирной мебелью Росси, его мебель имеет болеё строгий вид и не перегружена резной орнаментикой. Считается, что именно Стасов ввел в оборот новую и весьма рациональную конструкцию стула и кресла с т.н. боковой рамой и вкладным сиденьем. Такой тип конструкции стула или кресла продержался в русской мебели весьма долго. Конструкция такого стула состоит из двух плоских боковых рам, каждая из которых образует переднюю ножку, боковую стенку коробки сиденья и заднюю ножку, переходящую в стойку спинки. На высоте сиденья рамы стягиваются двумя поперечными брусками. Стойки спинки соединяются поперечной доской, обычно украшенной резьбой невысокого рельефа. Вкладное сиденье устанавливается между боковыми стенками рам стула на поперечные бруски. Такое сиденье делается трапециевидной формы. Рациональность конструкции, простота сборки, высокая прочность и жесткость, удобство обеспечили такому типу стула или кресла широкое распространение. Подобные места для сидения входили в меблировку как дворянских, так и купеческих домов. Дворянские усадьбы, в подражание императорскому двору, также меблировались в стиле ампир. Такие парадные помещения как гостиные, кабинеты, диванные комнаты обставлялись, в основном, удлиненными овальными или восьмигранными столами, стоящими перед диванами на ковре, и рядом стульев или кресел. В гостиных стояли еще и горки с декоративным фарфором и хрусталем. В кабинетах к этим мебельным объектам добавлялись: письменный стол или бюро, книжный шкаф, секретер или конторка. В парадных комнатах платяные шкафы и комоды традиционной прямоугольной формы с тремя или четырьмя выдвижными ящиками не ставились. Подобная мебель обычно изготовлялась руками крепостных мастеров. Материалом для её изготовления служили берёза, липа, ясень. Иногда мебель фанеровали, но чаще тонировали, например, берёзу под красное дерево, и полировали. Своими формами и декором она напоминала образцы столичной мебели, но характерными для последней строгостью пропорций, жёсткостью прорисовки отдельных деталей, пышностью и помпезностью не обладала.

Одним из лучших мебельных мастеров александровского и предыдущего периодов по праву считается Генрих Гамбс (1765–1831 гг.) и его фирма, которую после его смерти возглавили его сыновья и преемники Пётр Гамбс (1802–1871 гг.) и Эрнст Гамбс (1805?–1849 гг.). Его имя ассоциировалось у современников с высшими достижениями мебельного искусства. В этом нас убеждает одна из уникальных его вещей – большое бюро красного дерева, украшенное золочёной бронзой. Над этим мебельным объектом мастер работал около двадцати лет, начиная с 1795 г. и до 1815 г. Бюро напоминает архитектурное сооружение с цоколем, каннелированными колоннами, цилиндрической крышкой, выступающей средней верхней частью, балюстрадой. Бюро богато декорировано золочёной бронзой. Особого внимания заслуживает центральная прямоугольной формы плакетка с рельефной композицией Аполлон и музы (по мотивам картины итальянского художника XVII в. Гвидо Рени), а также медальоны с античными головками, фигуры муз, изображения орлов, дельфинов, маскаронов. В центре на верхнем выступе бюро установлена бронзовая скульптурная группа из трех мифологических персонажей: Минервы, Клио и Виктории. Это бюро не только прекрасный образец мебельного искусства, но и сложное техническое сооружение, снабжённое потайными механизмами. Например, при повороте ключа выезжает пюпитр, раскладывается столешница, выдвигаются ящики для письменных принадлежностей. При нажатии на одну из деталей в бронзовом медальоне появляется полочка для секретных вещей. Затем в нижней части цоколя выдвигается подставка, на которой стоит складное кресло с локотниками, обитое зелёным бархатом. Все эти технические манипуляции сопровождаются музыкой Моцарта, которую воспроизводит спрятанный внутри корпуса бюро механический орган. Вся стилистика формы бюро, его архитектурное построение, прямые членения, колонны, фигуры в античных одеждах и т.п. указывают на то, что большая часть работы над ним была выполнена Гамбсом в конце XVIII в. в подражание работам своего учителя Д. Рентгена. Предполагается, что этот мебельный объект он создавал для Екатерины И. По словам мастера, он начал работу над ним лишь для того, чтобы публично подтвердить свой талант механика и краснодеревца. Наряду с такими уникальными произведениями как это бюро фирма Гамбса изготовляла в большом количестве болеё простую и недорогую мебель для небогатых городских домов и загородных усадеб: шкафы, бюро, секретеры, комоды, горки, различную мебель для сидения, столы, консоли, тумбы, корпуса для часов и т.д. Во всех образцах такой мебели выявлена природная красота дерева, которую подчеркивают типичные для Гамбса золоченые или патинированные бронзовые накладки и прорезные латунные орнаменты. Для производства качественных бронзовых конструктивных элементов и украшений мебели у Гамбса была своя литейная мастерская.

Суммируя сказанное, в русской мебели стиля ампир можно выделить три весьма резко различающиеся её разновидности:

1. мебель, которая изготовлялась для императорского двора и крупных представителей правящего класса. Такая мебель по своим формам и декору напоминала французские ампирные образцы и делалась из массива красного дерева или карельской берёзы и декорировалась массивными бронзовыми накладками. Производили мебель крупные столичные мастерские, например, Г. Гамбса, А. Тура и др.;
2. мебель, вышедшая из мастерских помещичьих усадеб, болеё скромная по материалу и декоративным украшениям. Вместо бронзовых накладок здесь делается плоская резьба по дереву, которая иногда заменяется лепниной из левкаса. Такая резьба или лепнина, имитирующая резьбу, обычно красится в черный цвет, под старую бронзу или золотится;
3. мебель, которая получает распространение в России в период 30–40 гг. XIX в. Стилистика такой ампирной мебели, как бы переделанной в сторону её большего удобства и полного соответствия тем или иным жизненным процессам, соответствует уже стилю бидермейер, который получил распространение, в противовес европейскому ампиру, в Германии, Австрии и Англии после падения Наполеона. Но русский бидермейер строже и ближе к ампиру. Кроме того, в этой мебели под красное дерево сохранилось много чисто народных черт, что послужило причиной столь длительного её существования и широкого распространения в России в течение всего XIX в.

Эпоха ампира в России была весьма непродолжительной. Однако этот стиль успел вобрать в себя весь образ эпохи, все разнообразие уровней мастерства и приемов художников и архитекторов того времени. Подъём в архитектуре и русском искусстве в целом был вызван универсальностью, целостностью и упорядоченностью новой художественной системы, её внутренней логикой и завершенностью. Именно на эти её качества опирался ампир. В упорядоченной системе ампира, основанной на универсальных принципах античного искусства, где архитектурно организованное внешнеё и внутреннеё пространство зданий и сооружений существовало в гармонии с окружающей средой, легко вмещалось множество тенденций, течений и направлений стиля. Это единство противостояло неумолимо надвигающейся эклектике. Александровский ампир, начиная с 1830 г., особенно в столичных городах, сменяется новыми стилевыми направлениями, но продолжает жить в провинции и в усадебной архитектуре России до самой середины XIX в. Сохранившиеся памятники русского ампира своим изяществом, завершенностью и согласованностью своих элементов, величием и торжественностью напоминают нам о золотом веке художественной культуры России.

Использованы материалы учеб. пособия: Грашин А.А. Краткий курс стилевой эволюции мебели – Москва: Архитектура-С, 2007

Архитектура — Воссоздание фоторепортажа Прокудина-Горского: Империя, которой была Россия | Выставки

архитектурное богатство Российской Империи отражало ее многовековую историю. и культурное, этническое и религиозное разнообразие его народа. Прокудин-Горский фотографировал средневековые церкви и монастыри Европейской России и мечети и исламские школы на Кавказе и в Средней Азии.Многие из здания, которые он сфотографировал, позже были разрушены войной или революцией, но другие пережили советский период и были отреставрированы. Кроме того к культовым сооружениям, Прокудин-Горский сфотографировал дома, дачу поместья, фабрики и сараи. Его навыки фотографа и технические изощренность его методов проявляется в лечении субъектов от церковных интерьеров до панорамных снимков городов.

Вечерний вид на мечеть

Горы Памира создают драматический фон для вечера вид на мечеть Шахи Зинде в Самарканде, комплекс могил и погребальные часовни, построенные на протяжении многих веков для женщин династии произошли от Тимура (Тамерлана, 1336-1405), великий средневековый правитель Средней Азии.

Этюд аистового гнезда

Аист, традиционно символ удачи у тюрков. народов, сидит в своем гнезде на вершине дворцовой стены в Бухаре. в Средней Азии.

Иконостас и Чудотворная икона

Эта фотография интерьера церкви Рождества Христова. Богородицы в Смоленске показывает экран с иконами, который в Православная церковь отделяет алтарную часть от прихожан.Справа — особая святыня чудотворной иконы. как «Одигитрия» традиционно ассоциируется со Смоленском.

Вид на Ниловский монастырь

Монастырь преподобного Нила на острове Столобный на озере Селигер в Тверской губернии, к северо-западу от Москвы, иллюстрирует судьбу церковные учреждения в русской истории.Санкт-Нил (ум. 1554) основал на острове небольшое монастырское поселение. около 1528 года. В начале 1600-х годов его ученики построили то, что должно было стать одним из крупнейших и богатейших монастырей в России. Империя. Монастырь был закрыт советской властью в 1927 году. и структура использовалась для различных светских целей, в том числе концлагерь и детский дом. В 1990 году имущество было возвращено. Русской Православной Церкви и в настоящее время является действующим монастырским сообщество еще раз.

Церковь Святого Дмитрия

Дмитриевская церковь, построенная в 1190-х гг. Во Владимире, к востоку от Москвы в центральной части европейской части России, иллюстрирует вертикальность общий для раннерусского церковного зодчества. Эта церковь служила как макет Собора Святого Николая Православного Церковь Америки на Массачусетс-авеню, в Вашингтоне, округ Колумбия.С.

В начало

Вид на Соловецкий монастырь

Соловецкий монастырь, основанный в начале ХV века. на острове в Белом море на крайнем севере европейской части России, на протяжении веков был одним из важнейших монастырских и культурных учреждения в России. Толстые стены, показанные на этой фотографии, защищают монастырь от иностранных захватчиков несколько раз.Монастырь был частично разрушен в ранний советский период и стал место первого крупного концлагеря системы ГУЛАГ. В постсоветское время его вернули Православной церкви и снова действующий монастырь.

Изразцовая фарфоровая печь в Княжеском дворце

На этой фотографии интерьера Княжеского дворца изображен печь-камин из керамической плитки в окружении ярко окрашенной мебели и стены с декоративными фресками.Дворец построен в пятнадцатого века в Ростове Великом, старинном русском городе на северо-востоке Москвы.

Церковь Воскресения Христова

русских храмов были представлены в наружной и внутренней отделке. формы мозаики, фресок и резьбы, часто в блестящих цвета. Церковь Воскресения Христова в Костроме на севере часть Европейской России была построена в 1650-х годах и демонстрирует пышное убранство экстерьера, характерное для его период.Однако, несмотря на эффектный внешний вид, церковь известен прежде всего своими внутренними настенными росписями.

Собор Рождества Богородицы

Собор Рождества Богородицы — старейшая церковь. здание в Суздале. Расположен в Суздальском кремле, г. оригинальная, обнесенная стеной, крепостная часть города. Собор, который датируется XII веком, много раз перестраивался лет и отображает луковичные купола, столь характерные для русских церковная архитектура.

Часть медресе Шир-Дар

Изразцовые колонны, стены и купола Шир-Дара («Львиный дом»). медресе в Самарканде демонстрируют сложные абстрактные конструкции и использование каллиграфии, типичной для большей части исламской и среднеазиатской архитектуры. Это медресе, построенное в 1619-1636 годах и по сути являющееся мусульманским богословским домом. академия и школа, входит в комплекс мечетей и медресе найден в Регистане, самом священном месте старого Самарканда.

Церковь Рождества Богородицы

Основанный около 1330 г., Троице-Ипатьевский монастырь в старинном Российская Волга, город Кострома, к северо-востоку от Москвы, содержал в его стенах несколько старинных церквей, в том числе церковь Рождество Богородицы изображенное здесь. Первоначально построенный в шестнадцатого века церковь была снесена в раннесоветский период.Эта фотография может быть единственной цветной фотографией, когда-либо сделанной церкви.

Вид на Тобольск с колокольни Преображенской церкви

С момента основания в 1587 г. до конца 1800-х гг., Г. Тобольск. был одним из крупнейших и важнейших городов Сибири. Для несколько веков Тобольск служил военным, административным, и политический центр русского владычества в Сибири.Этот панорамный вид показывает реку Иртыш на переднем плане и широкую плоскую Сибирская равнина за пределами центральной части города.

В начало

Собор Святого Николая, Можайск

Грунтовая дорога ведет к ярко окрашенному зданию XVII века. Никольский собор среди скромных жилых построек в Можайске к западу от Москвы.

Вид на Тифлис

Этот панорамный вид на Тифлис показывает город, расположенный в долине. среди хребтов Кавказских гор. Город сегодня — Тбилиси, столица теперь независимой Республики Грузия. На Когда была сделана эта фотография, примерно в 1910 году, в городе существовала многонациональная население 160 000 человек, в том числе грузины, армяне, русские, Персы, поляки, татары и евреи.

Вид на Ликанский дворец со стороны Куры

Ликанские предгорья Кавказских гор создают впечатляющий фон для дворца, построенного на реке Кура, недалеко от русского граница с Турцией и близ города Боржоми в настоящее время Грузия.

Деревянная часовня на месте Старого Белозерска

Впервые упоминается в русских летописях за 862 год н.э.Д., город Белозерск или «Белое озеро» был заброшен и переселен несколько раз. Первоначальное поселение, возведенное здесь в честь небольшого памятника девятнадцатого века. деревянная часовня, находилась на северной стороне Белого озера на севере Центральная Европейская Россия.

Хранилище сена

В поселке Вязовая Транссибирской магистрали. в Уральском районе, деревянные склады для сена. и продовольственные культуры фотографируются на фоне плотного Сосновый лес.

Вид на Суздаль со стороны реки Каменки

Каменные церкви, деревянные дома и мостик через Каменку. Река сфотографирована на окраине старинного русского города. Суздаля, северо-восточнее Москвы. Когда-то важный и мощный княжества, Суздаль пришел в упадок по мере того, как Москва выросла в консолидированный контроль над несколькими княжествами в Центральной Европе Россия.

Село Колчедан

Грунтовая дорога, проходящая через каменный мост, ведет к городку. Колчедана в Уральских горах, к юго-востоку от Екатеринбурга. Первоначально основанный в 1673 году как приграничный частокол, к тому времени это фото было сделано в 1912 году, город был средоточием песчаника. горнодобывающей и обрабатывающей промышленности и имел два крупных каменных церковных здания, в том числе монастырь со школой.

К началу

Искусство и архитектура России

Из икон и луковичных куполов супрематизму и сталинскому барокко, русское искусство и архитектура многим кажется для России — довольно непонятное множество экзотических форм и чуждых чувств.Без любое ощущение богатых традиций русской культуры, понимание страны огромное художественное богатство превращается в игру исторического анекдота — «церковь, где такой-то укрылся от того, как его зовут «- или бессмысленного набора эстетических фенечки — «Мне больше всего нравятся синие купола». На самом деле русское искусство и архитектура не так сложно понять, как думают многие, и даже немного зная немного о том, почему они выглядят именно так и что они значат, воплощает в жизнь культуру и личность всей страны. Иконки Традиция иконописи была унаследованный русскими от Византии, где он начался как ответвление мозаики и фресковая традиция ранних византийских церквей. В течение 8 и 9 веков иконоборческая полемика в Православной церкви поставила под сомнение религиозность изображения были законной практикой или кощунственным идолопоклонством. Хотя использование изображений не был запрещен, это побудило к глубокому пониманию разницы между искусством предназначен для изображения действительности и искусства, предназначенного для духовного созерцания.Эта разница Это одна из причин того, что художественный стиль иконок может казаться столь неизменным. Определенный виды баланса и гармонии стали отражением божественности, и как таковые они предлагали тщательное воспроизведение и тонкую изысканность, а не поразительную новизну. Хотя эта философия привела к сравнительно медленной эволюции стиля, икона живопись значительно развивалась на протяжении веков. В частности, в XIV веке иконопись на Руси обрела гораздо большую степень субъективности и личностного выражение.Самой заметной фигурой в этом изменении стал Андрей Рублев, чьи работы могут быть просмотрено как в Третьяковской галерее в Москве, так и в Русском музее в Санкт-Петербурге. В отличие от живописной традиции, которой стали придерживаться жители Запада. Русская иконная традиция не имеет отношения к изображению физических пространство или внешний вид. Иконы — это изображения, предназначенные для помощи в созерцательной молитве, и в этом чувство, что они больше озабочены передачей медитативной гармонии, чем планированием реалистичная сцена.Вместо того, чтобы оценивать размер фигуры на значке, оценивая его искажение уровень, посмотрите, как расположены и уравновешены линии, составляющие фигуру, как они перемещают ваш взгляд. Если у вас возникло ощущение, что цифры немного преследует, это хорошо. Они были нарисованы не для того, чтобы очаровывать, а для того, чтобы вдохновлять на размышления и самоанализ. Если вы чувствуете, что должны стоять и ценить каждую икону, которую видите, вам не понравится ни одно из них.Вместо этого попробуйте потратить немного больше времени, просто один или два, не рассматривая каждую деталь, а просто наслаждаясь несколькими моментами размышлений как ваш глаз идет своим чередом. Лучшие коллекции иконок можно найти в Третьяковская галерея и Русский музей, хотя, конечно, во многих русских церквях есть сохранили или отреставрировали свои традиционные произведения. Великий эксперимент Рост влияния европейской культуры в России в период XVII и XVIII века приблизили русское искусство к знакомым традициям западная живопись.Лишь в конце XIX века следующая большая группа возникли уникальные русские художественные стили, развившиеся в связке с либеральными силы социальной реформы. Это современное движение приняло много разных направлений почти из его зарождение, и описать их все было бы невозможно. Однако даже очень общее знакомство с их общими идеями и интересами делает их работу намного более интересной доступный. С самого начала современное искусство движение было озабочено отходом от классической традиции и созданием новой вид искусства, тесно связанного с повседневной жизнью российского общества.Это возродился интерес к традиционным формам русского искусства, включая как декоративные народное искусство и, конечно же, иконопись. Из декоративного искусства он получил признание сила абстрактных геометрических узоров — линий, форм и цвета использовались для создавать ритмы и энергетические формы, не обязательно для изображения объектов или реальных пространств. Пересмотр иконописи заставил художников лучше осознать силу квартиры, двухмерная визуальная перспектива.Другими словами, они поняли, что могут лечить холст похож на холст, а не пытается создать впечатление, что это окно в пространство. С конца девятнадцатого века примерно до 1910 года, движение современного искусства по-прежнему интересовалось традиционными аспектами русского жизнь — религия и деревенская жизнь имели такое же влияние, как и жизнь больших городов. В виде силы социальной реформы стали более тесно связаны с ростом населения промышленные рабочие, художники-авангардисты России все чаще обращались к фабрике и бешеный ритм городской жизни для вдохновения.Яркие цвета, упрощенные и четкие угловатые формы и акцент на освободительной энергии современного мира стали основа для новых и все более абстрактных композиций. Кубофутуризм, лучизм и Супрематизм был важнейшим из стилей и школ, возникших в это время. время. Среди их самых выдающихся художников были Казимир Малевич, Владимир Татлин, Михаил Ларионов и Анна Гончарова. После революции 1917 года русский авангард совершил рывок на службу новому большевистскому режиму.Казалось, это обещало просто перерыв в новый мир и сметание старого, ради чего они работали в искусстве. годы. Они выпускали политические плакаты, организовывали уличные конкурсы и ярмарки, и большинство в частности, выполнил дизайн больших общественных пространств страны к юбилею. празднования революции. Пойманный акцентом нового режима на важности промышленной мощи, они начали привносить в композицию чувство рациональности и технологическая направленность производственных работ и дизайна.Конструктивизм, как этот стиль известен, продолжал развиваться до конца 1920-х годов, когда консерватизм сталинского государства отказался от авангарда в пользу советского реализма. Многие выдающиеся художники более ранние школы играли центральную роль в конструктивизме, особенно Татлин. Другой известные художники конструктивистского движения: Александр Родченко, Варвара. Степанова и Любовь Попова. Отвергнут сталинским правительством и пренебрегли На западе русский авангард совсем недавно привлек к себе должное внимание.В Русский музей в Санкт-Петербурге обладает лучшей коллекцией произведений искусства. Архитектура На протяжении большей части своей истории русский архитектура была преимущественно религиозной. Церкви на протяжении веков были единственными здания должны быть построены из камня, и сегодня это почти единственные здания, которые остались от его древнего прошлого. Основные элементы русского церковного убранства сложились справедливо. рано, примерно в одиннадцатом веке.План обычно такой же, как у греческого креста (все четыре руки равны), а стены высокие и относительно без отверстий. С крутым уклоном Крыши (шатровые) и множество куполов покрывают сооружение. Характерный лук купол впервые появился в Новгороде на соборе Святой Софии, в одиннадцатом век. В интерьере главной особенностью является иконостас, алтарная ширма, на которой иконы церкви расположены иерархически. Центры средневековой церковной архитектуры следовали за смещение господства городов старой Руси — из Киева в Новгород и Псков, а из конец 15 века, Москва. С созданием единого Российского государства под Иван III, зарубежная архитектура стала появляться в России. Первый экземпляр такого иностранная работа — Большой Успенский собор Москвы, завершенный в 1479 г. архитектор Аритотле Фиораванти.Собор на самом деле представляет собой замечательный синтез традиционные русские архитектурные стили, хотя его классические пропорции отмечают его как произведение итальянского Возрождения. Русская традиция пережила непродолжительный период возобновившееся влияние при Иване IV (Грозном), при котором легендарный собор Василия Блаженного. Однако в целом цари начали объединяться. все больше и больше с европейскими архитектурными стилями. Великолепным примером этого сдвига был Питер Великий, спроектировавший св.-Петербург в соответствии с преобладающим европейским дизайном. Его преемники продолжили эту модель, наняв итальянского архитектора Растрелли для создания Зимний дворец в стиле рококо и Смольный собор. При Екатерине Великой был установлен рококо. помимо неоклассицизма, завершая полностью европейскую топографию Санкт-Петербурга. В девятнадцатом веке новый интерес к возникли традиционные русские формы. Как и связанное с ним движение в изобразительном искусстве, это возрождение старых стилей участвовало в создании авангардного движения в начало двадцатого века.В течение короткого периода после революции 1917 года авангард Конструктивистское движение получило достаточное влияние на проектирование крупных зданий. Ленина Мавзолей, спроектированный в 1924 году Алексеем Щусевым, — самый примечательный из немногих сохранившихся. Конструктивистские постройки. К концу 1920-х годов авангард оказался отвергнутым. Сталинское все более консервативное государство. Отход от модернизма, сталинские времена Архитектура лучше всего иллюстрируется семью почти неразличимыми «свадебные» небоскребы, возвышающиеся над горизонтом города. В последние годы распад Советского государства и возобновление интереса к традиционной русской культуре привело к новому пониманию более скромная народная архитектура. Немногочисленные оставшиеся образцы традиционных деревянных архитектура, например, экспонаты в архитектурном музее под открытым небом в Костроме, сегодня являются одними из самых ценных архитектурных памятников России. Copyright (c) 1996-2005 InterKnowledge Corp.Все права сдержанный.

Искусство и архитектура в России

Русское искусство и архитектура остаются загадкой для большинства посторонних, даже несмотря на то, что сама страна открылась миру. Если вы немного узнаете об эволюции русского изобразительного и прикладного искусства, а также о политических движениях, которые часто руководили ими, ваша поездка станет менее захватывающей и более открывающей глаза.

На протяжении тысячелетия, от обращения России в православие в IX веке до XIX века, русское искусство почти полностью определялось иконописью . Византийская практика рисования святых или библейских сцен на резных деревянных панелях строго руководствовалась церковным каноном, поэтому иконы выглядят гораздо более единообразными и повторяющимися, чем, например, западноевропейское религиозное искусство эпохи Возрождения. Лучший совет для начинающего зрителя — выбрать одну или две иконки в комнате и изучить их линии и баланс — не ищите реализма или классических пропорций и не ожидайте возвышения. Они должны быть несколько захватывающими и интроспективными.

Некоторым русским иконописцам удалось привнести в свои работы оригинальность, но чтобы заметить различия, нужен наметанный глаз.Андрей Рублев был самым известным и противоречивым средневековым иконописцем, который в XIV веке вывел этот жанр на новый уровень. Его работы больше всего ценят в Третьяковской галерее в Москве и Троицком монастыре в Сергиевом Посаде. В Спасо-Андронниковом монастыре в Москве, где он жил и работал, нет ни одной его оригинальной работы, но есть информативная выставка о нем.

Русское искусство вышло из моды после того, как Петр Великий перенес столицу в Санкт-Петербург в начале 1700-х годов и украсил его французскими и итальянскими шедеврами или их подражаниями.Только в середине XIX века славянофильское движение принесло русским живописцам настоящий успех. Странники, или передвижники, оторвались от Петербургской Академии художеств и ее западных традиций, чтобы сосредоточиться на изображении русской деревенской жизни. Среди выдающихся деятелей этого периода — Иван Крамской и Илья Репин, работы которых хорошо представлены в Третьяковской галерее и Русском музее в Санкт-Петербурге.

В конце XIX века русская версия движения декоративно-прикладного искусства опиралась на традиционное русское прикладное искусство.Русские художники также приняли то, что они называют Style Moderne, или Art Nouveau. Потрясающие интерпретации этого стиля можно найти в мозаике « Dream Princess » Михаила Врубеля на верхней части фасада гостиницы «Метрополь» и на связанной с ним мозаике размером с комнату в Третьяковской галерее.

Политические потрясения начала 20 века были главным двигателем развития русского искусства. Яркие цвета, угловатые формы и интенсивность городской жизни заменили сельские сельские сцены, и русское движение Avante-Garde процветало.Казимир Малевич и Михаил Ларионов исследовали жанры футуризма, лучизма (единственного истинно абстрактного искусства в России) и супрематизма. Белорус Марк Шагал в этот период создавал сюрреалистические и удивительные картины. Многие из этих работ выставлены в Третьяковской галерее в Москве (старое и новое крыло) и в Русском музее в Санкт-Петербурге.

Ранние советские лидеры изначально использовали творчество свободомыслящих художников в пропагандистских целях, а плакаты, скульптуры и общественные пространства, созданные русскими художниками в 1920-х годах, являются одними из самых ярких произведений искусства в мире. конструктивистов, в том числе Владимир Татлин, Александр Родченко и Варвара Степанова, включили в свои работы технологические и индустриальные темы и энергию. Их работы только начинают выходить из музейных хранилищ, а некоторые экспонируются в Третьяковской галерее и в Русском музее Санкт-Петербурга. Российский авангард внес в мировое искусство больше, чем обычно ценится, в основном потому, что советское правительство так эффективно стерло или дискредитировало их работы к 1930-м годам, отстаивая вместо этого смелые образы, но менее смелые идеи социалистического реализма.

Пропагандистский плакат пришел на смену иконе в качестве главного полотна России на протяжении большей части советской эпохи, пока свобода от художественных ограничений в конце 1980-х и 1990-х годах не породила волну смелого экспериментального искусства. Сегодня российские артисты, похоже, ищут новую роль.

Русская архитектура тоже была церковно-ориентированной и веками следовала православной строгости. Церкви были построены в форме греческого креста с несколькими окнами и крутыми крышами. Луковые купола стали заметной особенностью в 11 веке.Иконостас , ширма перед алтарем с тщательно продуманной иерархией икон, является ключевым объектом для поиска внутри церкви.

Средневековые архитекторы рисковали больше, чем их коллеги-иконописцы. Соборы в Кремле являются наиболее яркими примерами постепенного посягательства итальянского влияния на русскую традицию в 15 и 16 веках. Венецианские гребешки обрамляют крыши, хотя здания включают кокошники (остроконечные арки) и закомари (полукруглые фронтоны), типичные для архитектуры Москвы той эпохи.Храм Василия Блаженного в Москве — одна из последних церквей, которые так смело использовали скошенные купола и шатер , или шатровую башню, позже запрещенную православными лидерами — ни один другой храм в России сегодня не выглядит так, как это.

Западные идеи Петра Великого перевернули русскую архитектуру, а построенная им столица соответствовала идеалам Просвещения и неуклонной симметрии. Зимний дворец и Смольный собор в стиле рококо, а также Михайловский дворец и Адмиралтейство в неоклассическом стиле почти не похожи на искривленные купола средневековой Москвы.Посетите любую площадь Санкт-Петербурга и развернитесь на 360 градусов, и вы почувствуете, насколько последовательными и светскими были дизайнеры города, даже те, кто пришел хорошо после смерти Петра.

Возрожденческое движение XIX века привело к возвращению традиционных русских церковных элементов, таких как украшенные купола церкви Спаса-на-Крови в Санкт-Петербурге. После победы над Наполеоном стиль ампир прижился в русских аристократических резиденциях, свидетельством чего являются улицы Пречистенка и Остоженка в Москве.

Ранняя советская архитектура была такой же творческой и энергичной, как и искусство того времени. Такие архитекторы, как Константин Мельников, создавали функциональные, элегантные здания, благодаря которым советская идея (прогрессивного, эгалитарного государства) казалась вершиной современности. (Его самый известный дом находится недалеко от Арбата в Кривоарбатском переулке, 6.) Мавзолей Ленина на Красной площади, при всей своей болезненной функции, является одним из последних сохранившихся образцов конструктивистской архитектуры. Система московского метро была спроектирована лучшими архитекторами страны и представляет собой отличное место для просмотра противопоставления традиций (цветочные столицы) и советской политики (статуи пролетариата).Это также одна из самых красивых систем метро в мире.

Позже стиль «сталинской готики» появился в десятках высотных зданий вокруг Москвы (до Варшавы и Праги), с башенками и шпилями на административных или жилых зданиях. Два ярких примера — гостиница «Украина» и МГУ. Архитектура после Сталина превратилась в мрачные квадратные башни, которые омрачают горизонт любого российского города. Сегодняшние архитектурные тенденции задаются тем, что россияне-нувориши строят многомиллионные «коттеджи» на окраинах Москвы и Санкт-Петербурга.Петербург. Руководящий принцип часто кажется «настолько большим и экстравагантным, насколько это возможно». Они делают просмотр забавным, хотя многие из них окружены высокими стенами и системами безопасности, чтобы вы не могли этого сделать.

Примечание : Эта информация была точной на момент публикации, но может быть изменена без предварительного уведомления. Перед планированием поездки обязательно подтвердите все цены и детали непосредственно у соответствующих компаний.

История русской архитектуры | АрхитектураКурсы.Org

История русской архитектуры; c.1450 — c.1750: своего рода классовая структура.

Многие люди называют период между 1450 и 1750 годами «возвышением России», возможно, потому, что в это время страна действительно стала самостоятельной. Действительно, восточноевропейский мир, каким мы его знаем, и особенно в том, что касается России, действительно сформировался в этот период.

Балансы электроэнергии были изменены и реорганизованы за это время не только в России, но и во всей Евразии.Россия сделала свой первый «силовой ход», освободившись от монгольского господства. Затем страна начала расширяться на восток. В конце концов, у него даже будут хорошие отношения с западным миром, хотя ему удалось сохранить свою собственную уникальную культуру и «индивидуальность», а также свой собственный уникальный архитектурный бренд.

Московский Кремль ;

История русского деревянного зодчества?

«Кремль» — это русское слово, означающее «цитадель», и хотя таких построек много по всей России, ни одна из них не так известна, как Московский Кремль, построенный в 1485 году.Московский Кремль состоит из дворцов, соборов, башен и большой стены. В настоящее время здесь проживает президент Российской Федерации.

Кремль треугольной формы занимает огромную площадь в 90 акров и расположен недалеко от многих других важных достопримечательностей, включая Красную площадь и собор Василия Блаженного. Несмотря на то, что в непосредственной близости от Кремля расположены все важные постройки, он по-прежнему остается наиболее интересным и интересным с архитектурной точки зрения местностью в округе.

На самом деле, даже зубчатые стены Кремля, возведенные в 15 веке, привлекают большое внимание.Стены увенчаны двадцатью башнями, в том числе знаменитой Спасской башней, которая находится над главными воротами и украшена курантами.

Вдоль этих знаменитых стен возвышаются массивные дворцы, такие как Грановитая палата, Оружейная палата и Большой дворец.

Также примечательна Соборная площадь, область, которая может похвастаться несколькими впечатляющими церквями, в том числе Успенским собором, построенным в конце 15 века; Благовещенский собор и Архангельский собор.Каждый собор важен не только с архитектурной точки зрения, но и потому, что каждый из когда-то проводившихся важных политических и королевских мероприятий.

Многие утверждают, что Архангельский собор является самым впечатляющим с архитектурной точки зрения из-за отдельной колокольни и богато украшенного золотого купола. В соборе также находятся гробницы важных царей.

Важно отметить, однако, что кремлевские люди видят сегодня уже не Кремль, каким он был когда-то. Деревянная версия Кремля была возведена в 13 веке, за ней последовал Кремль в стиле итальянского Возрождения и более современный Кремль, спроектированный Екатериной Великой в ​​18 веке.Несмотря на многие изменения, которые он претерпел, Кремль впечатляет просто потому, что, в отличие от почти всех других структур Москвы, ему удавалось продолжать стоять все это время.

Красная площадь

Рядом со знаменитым Кремлем находится Красная площадь. Фактически Красная площадь отделяет Кремль от ближайшего торгового квартала. Первоначально площадь создавалась как центральный рынок, но со временем она стала местом проведения важных общественных церемоний.Действительно, это место до сих пор используется для публичных церемоний.

Хотя Красная площадь, безусловно, является важным и знаменитым местом, на самом деле строения вокруг площади представляют наибольшую ценность и интерес с архитектурной точки зрения. Примерно с 1508 по 1516 год уважаемый архитектор Алоизио Новый спроектировал ров, ныне известный как ров Алевизос, и поместил его перед восточной стеной. Ров длиной 541 метр построен из известняка и зубчатого кирпича.

Три квадратных ворот также видны вокруг площади.Эти ворота были названы в честь важных исторических икон 17 века и позволяют заглянуть в умы и верования русских народов того времени. Три «святых покровителя» ворот, если хотите, включают Константина, Елену, Иисуса Христа и Святого Николая.

Хотя структуры, окружающие площадь и саму площадь, претерпят множество изменений, они все еще достаточно верны своей первоначальной форме, чтобы дать подлинное представление об архитектуре того периода. Последнее строение, которое необходимо отметить, — это собор Покрова Пресвятой Богородицы или «Собор Василия Блаженного», который находится под вышеупомянутым рвом.

Старый дворец, Коломенское

Когда большинство людей думают о Коломенском, они думают о Старом дворце, также известном как Большой дворец. Однако Коломенское — это больше, чем сам дворец; на самом деле это целое королевское поместье с множеством важных построек, хотя дворец, безусловно, занимает центральное место.

Дворец был заказан царем Алексием I. Он хотел создать что-то новое, что свидетельствовало бы о его великой силе и лидерстве, поэтому он приказал разрушить все деревянные постройки, которые когда-то заполняли Коломенское.Он заменил эти строения еще одним деревянным строением, оригинальной версией дворца, который сейчас так знаменит. К чести, дворец был знаменит и в свое время, хотя выглядел он совсем иначе, чем сегодня.

Частично причина первоначальной известности дворца заключалась в том, что мало кто видел что-либо подобное. Алексис совершенно не сдерживался, создав парящие крыши из сборников рассказов и заполнив дворец удивительными 250 комнатами. Возможно, что еще более удивительно, так это то, что дворец, каким бы красивым он ни был, не был создан с использованием сложных инструментов.Фактически, при его строительстве не использовались даже пилы или молотки.

К сожалению, Екатерина II была недовольна дворцом, особенно после того, как он начал изнашиваться. Следуя по стопам Алексис, она снесла первоначальное строение в 1768 году. Поскольку она не была заинтересована в игре за власть и имела гораздо более скромные вкусы, построенный ею дворец был меньше по размеру и был сделан из камня и кирпича.

Второй дворец интересен архитектурно, но не может сравниться с первоначальным проектом, поэтому Правительство Москвы заказало аутентичную реконструкцию оригинального замка в 2010 году.Поэтому те, кто посетит Старый дворец, не увидят истинную оригинальную структуру, но все же получат очень аутентичный взгляд на историю.

Другие постройки в этом районе, которые стоит изучить, включают церковь Иоанна Крестителя, построенную в 16 веке; церковь Георгия Победоносца и церковь Казанской иконы Божией Матери, построенные в 17 веке.

История русского зодчества; Зимний дворец

С 1732 по 1917 год русские монархи жили в огромном Зимнем дворце, расположенном в Санкт-Петербурге, Россия.Дворец стоял рядом как с Дворцовой набережной, так и с Дворцовой площадью, и, несмотря на внушительное строение, он был не первым, кто встал на его место. На территории Зимнего дворца когда-то располагался Зимний дворец Петра Великого, построенный между 1711 и 1712 годами.

Дворец, который сейчас стоит и который сейчас считается Зимним дворцом, на самом деле является четвертой версией этого сооружения, построенным в конце 1730-х годов и регулярно обновляющимся. Дворец даже удалось вернуться после пожара 1837 года; Реставрационные работы были быстро завершены, что доказало, насколько важен дворец для людей того времени.

Эта четвертая версия Зимнего дворца огромных размеров; действительно, он был разработан специально, чтобы продемонстрировать и выступить в качестве символа великой державы Императорской России. Поскольку конструкция была такой большой и сложной по своей конструкции, над ней работали несколько архитекторов, в том числе Бартоломео Растрелли. Дизайны Растрелли были настолько новаторскими, что привели к созданию нового стиля, известного теперь как стиль елизаветинского барокко.

Дворец бело-зеленого цвета, прямоугольной формы, имеет 1500 комнат.Многие элементы дворца, в том числе его грандиозность, считаются образцами стиля рококо.

Хотя Зимний дворец Святого Петра, возможно, больше не существует, он также отмечен важными архитектурными достижениями. Ее комиссар, Петр I из России, хотел создать не просто дворец, а целую Империю и город, чтобы отметить эту Империю. Таким образом, его первоначальный дворец был свидетельством его желаний и его склонности к вестернизации.

И дворец, созданный Петром, и его новый город отражают отказ от некогда стандартной русской архитектуры с византийскими корнями и принятие стиля петровского барокко.Петр поручил архитектору Доменико Трезини поработать над структурой. Поскольку безопасность не была такой большой проблемой, как в предыдущие годы, Трезини не сосредоточился на обычных элементах, таких как укрепленные стены, а вместо этого сосредоточился на красоте и дизайне. Дворец имел простую, но элегантную шиферную крышу и светлые декоративные элементы, что далеко от показных дворцов, которые последуют за ним, и когда-то являлся осязаемым символом новаторских тенденций дизайна того времени.

Бревенчатые дома, Коломенское; Дома 18 века

Как уже упоминалось, Коломенское было и было больше, чем просто «старый дворец».«Это было целое поместье, в котором было несколько важных построек, структур, которые были не только важны в то время, но также стали важными для изучения и понимания архитектуры.

В Коломенском много очаровательных бревенчатых хижин, но ни одна из них не является более важной и уважаемой, чем Бревенчатая хижина Петра Великого. Хижина была создана в течение короткого промежутка времени в несколько дней в 1703 году местными солдатами. Солдаты использовали базовую форму традиционных русских загородных домов, известных как избас, и стиль голландского барокко, чтобы создать очень уникальную маленькую хижину.Кабина действительно «маленькая»: всего три комнаты и занимает небольшую площадь около 60 метров. Поскольку кабина предназначена для использования в теплую погоду, в ней отсутствуют дымоходы и камины.

Очаровательные дома 18 века можно найти и в Коломенском. На самом деле, возле конюшенного двора можно найти небольшие деревянные домики, расположенные прямо над оврагом. Эти миниатюрные коттеджи позволяют заглянуть в обычные жилые помещения того времени. Рядом с сторожкой стоит одинокий коттедж XVIII века, это из Преображенского, а у главных ворот — ряд недостроенных деревянных домов.

История русского зодчества; Особняк Аничкова

Особняк Аничкова, также известный как Аничков дворец, назван в честь прилегающего Аничкова моста. Особняк был спроектирован с учетом вкусов российской императрицы Елизаветы и выполнен в стиле барокко.

Хотя убедительных доказательств, подтверждающих это мнение, нет, многие ученые утверждают, что архитекторами особняка могли быть Бартоломео Растрелли и / или Михаил Земцов.

Кто бы ни стоял за постройкой особняка, строительство особняка началось в 1741 году, и проект был завершен только в 1754 году. После завершения строительства Елизавета почти сразу подарила постройку графу Алексею Разумовскому. Когда он умер, корона снова взяла под свой контроль дворец, пока Екатерина Великая Россия не подарила его князю Потемкину.

По приказу князя уважаемый архитектор того времени Иван Старов отреставрировал дворец в популярном тогда неоклассическом стиле.После смерти Потемкина особняк снова был возвращен короне, в чьей собственности он регулярно подвергался изменениям в соответствии с современным вкусом и стилем.

Сегодня особняк известен как Дворец пионеров, где проходят внеклассные программы для детей младшего возраста. Хотя это определенно приемлемое использование для конструкции, это можно наблюдать только снаружи без специальных приспособлений, что разочаровывает многих студентов-архитекторов.

8 интересных особенностей, уникальных для русской архитектуры

Царское Село, Собор Святой Екатерины I © Александров / WikiCommons

Русская архитектура издавна известна своим самобытным стилем.Хотя большинство знаковых зданий страны, как мы их знаем, были построены в 1870–1890-х годах, есть и более поздние выдающиеся образцы. Если вы хотите узнать больше перед следующей поездкой, обратите внимание на эти уникальные особенности русских построек.

Начавшись как движение, связанное как с древней Русью, так и с византийскими культурными связями, архитектура русского стиля вобрала в себя элементы обоих. Визуально постройки в русском стиле вызывают мгновенную ассоциацию с византийской архитектурой, хотя во многих случаях это просто стилистические фантазии архитекторов — классический пример — Храм Христа Спасителя в Москве.

Источник изображения: WikiCommons

Дерево, вероятно, было самым популярным строительным материалом в традиционной русской архитектуре. Строительство на огромных территориях, окруженных лесами, было лучшим выбором для домов, церквей и городских стен. Материал часто вырезался в различных формах и окрашивался, чтобы добавить декоративные элементы к зданиям.

Источник изображения: WikiCommons

На несколько лет, в 19, ^и годах, кирпичная архитектура стала почти синонимом архитектуры русского стиля.Многие замечательные образцы архитектуры в русском стиле построены из кирпича: среди них Государственный Исторический музей в Москве (1875–1883) и Дом Игумнова в Москве (1888–1895).

Источник изображения: WikiCommons

В основном их можно увидеть внутри зданий, либо интегрированных в настенные росписи, либо выраженных в других декоративных элементах, таких как дерево, кирпич или мозаичные украшения. Этот стилизованный орнамент также напоминает византийские здания и иконописи.

Еще один элемент, который очень часто встречается в русских домах, узкие окна в данном случае тоже довольно высокие.Форма таких окон обычно представляет собой вариацию строгой геометрической формы — верхняя часть окон часто имеет форму небольшой арки.

Источник изображения: WikiCommons

Арки есть в русской архитектуре везде, от окон и дверей до потолков. Одним из основных элементов русской архитектуры был слегка изогнутый потолок — как небо, каким мы его видим, — особенно в галереях с колоннами как частью фасада.

Этот тип крыши / здания имеет очень характерную треугольную крышу с очень маленьким углом между двумя частями крыши.Он может быть основной частью крыши или увенчан дополнительными меньшими башнями для усиления декоративного эффекта.

Хотя часто фасады строятся из одного материала и даже могут быть одного цвета, они полны мелких украшений. Орнаменты вокруг окон, дверей, колонн, а также целые линии орнамента по периметру всего здания — например, на Храме Спаса-на-Крови в Санкт-Петербурге — все это элементы, которые создают незабываемый архитектурный ритм русского стиля.

Источник изображения: WikiCommons

Архитектура русского барокко: характеристики и примеры

Характеристики архитектуры русского барокко

Чтобы лучше понять русское барокко, его часто делят на три периода, названных в честь правящего монарха, который продвигал постройки в то время:

Московское барокко

Новый стиль появился в постройках для Нарышкина семья в конце 17 века. Здания не копировали архитектуру западного барокко, а были основаны на традиционной русской архитектуре и включали некоторые новые черты, вдохновленные немецким и итальянским барокко.Планировкой религиозных построек по-прежнему был греческий крест , с пятью куполами , по одному посередине и по одному с каждой стороны, украшенным многочисленными арками . Исчезла традиционная пирамидальная форма. Постройки выполнены из красного кирпича с обилием орнаментов из белого камня .

Этот тип русского барокко закончился внезапно, когда царь Петр Великий постановил, что все строительство в Москве должно быть остановлено, а рабочие должны отправиться в Санкт-Петербург, чтобы ускорить строительство там.

Петровское барокко

Именно во время правления Петра в Россию пришел европейский образ жизни, и барокко стало основным стилем в стране. Многие постройки были построены, когда монарх основал Санкт-Петербург как новую столицу империи.

Петровское барокко возникло в первые десятилетия 18 века, и его стиль в основном вдохновлялся скромной архитектурой Голландии и Скандинавии. Главной характеристикой этой архитектуры были простые объемы и плоские фасады , контрастирующие с высоким уровнем детализации внутренней отделки. Благородные материалы В отделке интерьеров использованы . Что касается композиции и планировки церквей, этот стиль нарушает византийскую традицию греческого креста и вводит более западноевропейский макет латинского креста . Планировка дворцов также включала идеи французского барокко, такие как дифференцированное основание , благородный и верхний этажи и главное крыло в середине и симметричные крылья с каждой стороны.

Елизаветинское барокко

Наконец, самые известные здания в стиле барокко в России были построены во время правления дочери Петра Елизаветы, которая привлекала итальянских архитекторов для работы не только в новой столице, но и в крупных городах, таких как Москва и Киев.Самым известным архитектором стиля русского барокко был Франческо Бартоломео Растрелли.

Этот стиль повторяет расположение центрических греческого креста с использованием пяти куполов с формой луковицы, чтобы венчать середину и острия креста. Он стал архитектурой величия, стремящейся продвигать и прославлять Российскую Империю в каждой детали. Мы видим использование цвета на фасадах, причем используется более одного тона. Интерьер и экстерьер были украшены богатым орнаментом, и каждое пространство использовалось для украшения здания.

Со смертью императрицы Елизаветы барокко утратило свое значение и зародился стиль рококо. Некоторые другие местные стили архитектуры барокко также развивались на обширных территориях Российской империи; такие как сибирское барокко и белорусское барокко.

Образцы архитектуры русского барокко

Московское барокко

• Церковь Покрова в Филях (Под Москвой, 1694 г.): имеет традиционную схему греческого креста с четырьмя закругленными концами, каждый с заостренной связкой.Посередине находится самая высокая башня, также увенчанная связкой. Арки широко использовались как декоративные элементы. После ремонта он был выкрашен в красный цвет, но первоначальный тон остается неопределенным.

Церковь Покрова в Филях

• Меншикова башня (Москва, 1707 г.): Церковь имеет традиционную крестовую планировку, с входами в крестовинах и центральной башне. Мы видим использование цвета и обилие украшений из белого камня на фасадах.В последующие годы его отреставрировали, изменив первоначальный облик в стиле барокко.

Меншикова башня в Санкт-Петербурге

Петровское барокко

• Меншиковский дворец (Санкт-Петербург, 1710 г.): Построен как резиденция губернатора. Дворец состоит из главного посередине и двух симметричных крыльев. Он имеет очень ритмичную композицию для фасадов, созданную за счет использования окон и видимых колонн, которые скромно украшены.

Меншиковский дворец в Санкт-Петербурге

• Собор Святых Петра и Павла (Санкт-Петербург, 1733 г.): Это был первый каменный храм в городе, ставший очень символичным зданием. Самыми выдающимися характеристиками являются красивые интерьеры с детальной отделкой и обильным использованием благородных материалов. Церковь нарушает традиционную схему греческого креста, принимая схему латинского креста, и ее венчает остроконечная башня.

Интерьер собора Святых Петра и Павла в Санкт-Петербурге

Елизаветинское барокко

• Екатерининский дворец (Москва, 1756 г.): это была летняя резиденция царей. Это очень большой комплекс с хорошо дифференцированной базой, благородным этажом и верхним этажом. Композиция фасадов очень ритмична и объемна; это голубые, белокаменные колонны, оконные рамы и арки и множество нежных золотых украшений.Внутренние помещения представляют собой сочетание искусства. Большой зал или бальный зал был вдохновлен Зеркальным залом Версаля и представляет собой прекрасное украшение с золотыми орнаментами, скульптурами, зеркалами и фресками.

Екатерининский дворец в Москве

• Воскресенский собор (Санкт-Петербург, 1764 г.): Использовалась схема греческого креста с пятью куполами. Фасады богато декорированы, с большим количеством арок и объемных элементов, создающих тени.Арка использована в композиции как декоративный элемент.

Воскресенский собор в Санкт-Петербурге

Краткое содержание урока

Архитектура барокко развивалась в России в последние годы 17–18 веков. Его часто делят на три периода. Москвич был первым, с постройками греческого креста, планировка, с пятью куполами , из красного кирпича с множеством орнаментов из белого камня и украшенных обильными арками .Затем последовал Петровский, характеризующийся латинской крестовой раскладкой , простыми объемами , плоскими фасадами , высококлассно декорированными интерьерами и использованием благородных материалов . Наконец, елизаветинцы переняли макет греческого креста , использовали пять куполов с формой луковицы, цвета на фасадах, и как интерьеры, так и экстерьеры были сильно орнаментированы .

Примеры архитектуры русского барокко:

• Московское барокко: Покровская церковь , в Филях и Меншикова башня .
• Петровское барокко: Меншиковский дворец и Петропавловский собор .
• Елизаветинское барокко: Екатерининский дворец и Воскресенский собор

Уникальная и недооцененная русская архитектура

Находясь между Востоком и Западом, русская архитектура пропитана историей и православным христианством, породив совершенно уникальный, но совершенно недооцененный архитектурный стиль.

В разных городах России используются разные аспекты русской архитектуры, от традиционных стилей до современных подходов. Мы кратко рассмотрим, что делает архитектуру «русской», и несколько примеров, в которых традиция сочетается с модерном.

Особенности традиционной русской архитектуры

От характерных куполов до ярко раскрашенных структур и наклонных крыш — русская архитектура представляет собой отчетливое сочетание богатства и практичности, отражающее сложную историю благородных излишеств, советского угнетения и сурового, а иногда и негостеприимного пейзажа региона.

Хотя различные цари и императоры пропагандировали русскую архитектуру на протяжении веков, именно Екатерина Великая и ее сын Павел I превратили русскую архитектуру из относительно малоизвестного стиля строительства в европейскую классику, побудив крестьян со всей России переехать в город. и дать толчок шагу России в современный мир.

Византийское происхождение

Являясь одним из наследников Византийской империи в средние века, византийская архитектура и культура влияли на традиционную русскую архитектуру, по крайней мере, с раннего московского периода российской истории.Русская архитектура отражает многие из ее византийских корней, особенно в ее луковичных куполах (которые, как предполагается, вызывают идею пламени свечи) и ярких цветах.

Соборы Василия Блаженного и Храм Христа Спасителя (оба находятся в Москве) являются прекрасными примерами византийских корней русской архитектуры.

Натуральное дерево

Использование натурального сибирского дерева является популярной архитектурной особенностью России, учитывая обширные леса страны из прочной древесины, которая естественным образом адаптировалась к суровому климату России.Это делает его идеальным материалом для защиты от непогоды для церквей, домов и городских стен, а российские каменщики рано учатся вырезать и красить древесину для получения более визуально потрясающего вида.

Однако некоторые исследователи утверждают, что дерево стало популярным материалом в русской архитектуре из-за постоянной угрозы монгольского нашествия. Камень и металл часто использовались при строительстве оружия и укреплений, а более хрупкая древесина использовалась для строительства домов и церквей.

Дерево, вероятно, было самым популярным строительным материалом в традиционной русской архитектуре. Строительство на огромных территориях, окруженных лесами, было лучшим выбором для домов, церквей и городских стен. Материал часто вырезался в различных формах и окрашивался, чтобы добавить декоративные элементы к зданиям.

Использование кирпича

К 19, 90–347–90–348 годам производство кирпича стало основной отраслью в Императорской России, и русская архитектура постепенно включила его в свой стиль.Яркие образцы российского мастерства кирпичной кладки можно найти в нескольких московских зданиях, таких как Государственный Исторический музей, построенный между 1875 и 1883 годами, и Дом Игумнова, построенный между 1888 и 1895 годами.

Цветочные узоры

В основном рассматриваемые как элементы интерьера, цветочные узоры и орнаменты широко используются в традиционной русской архитектуре, от настенных росписей и мозаики из плитки до кирпичных узоров и резьбы по дереву. Использование этих цветочных узоров, опять же, является пережитком византийских корней традиционной русской архитектуры.

Окна узкие

Высокие и узкие окна — отличительная черта традиционной русской архитектуры, вариация строгих геометрических форм, характерных для византийской архитектуры (которая сама по себе заимствована из исламской архитектуры). Верхняя часть этих узких окон обычно имеет форму тонкой арки.

Это не только придавало зданиям отчетливо русский вид, но и помогало архитекторам справляться с суровыми русскими зимами и позволяло зданиям иметь оборонительные позиции, с которых можно было отражать захватчиков (часто монгольских).

Арки

От узких окон и дверей до потолков и отдельно стоящих конструкций — традиционная русская архитектура включает арки везде, где только возможно, причем арочные потолки являются наиболее популярным применением формы. Это должно отражать форму неба, поскольку российские архитекторы также добавили свою яркую мозаику и цвета в потолочный фасад.

Крыша «Терем»

Возможно, одна из самых отличительных черт русской архитектуры. Крыша «Терем» представляет собой треугольную крышу с небольшим и тонким углом между двумя частями конструкции крыши.Крыши из терема либо используются в качестве основного элемента крыши, либо служат основанием для небольших декоративных башен и других элементов дизайна.

Знаки русской архитектуры

Самобытная, узнаваемая и поразительно красивая русская архитектура охватывает долгую историю различных стилей и влияний, от византийского и барокко до континентальной Европы и советского социалистического классицизма.

Храм Воскресения Христова, остров Кижи

Расположен на Онежском озере в г.В Петербурге остров Кижи славится прекрасно сохранившейся коллекцией деревянных церквей, некоторые из которых относятся к 14 ^-м годам и 15 ^-м векам. Одним из самых замечательных примеров таких церквей является Церковь Воскресения Лазаря, также известная просто как Церковь Воскресения.

Эти сложные деревянные церкви часто строились на вершинах холмов с видом на весь лес и являются самой высокой частью большинства деревень. Стены этих деревянных церквей часто были грубыми и рудиментарными, отражая бревенчатые хижины викингов, которые также присутствуют в этом районе.Однако то, что отличает эти деревянные церкви, — это их тщательно продуманные и сложные крыши, из которых Церковь Воскресения является одной из самых ярких на острове.

Луковичный купол, символизирующий пламя свечей и небо в русском православии, является визитной карточкой византийских корней традиционной русской архитектуры. Строго декоративные, эти луковичные купола не имели структурной функции, но были добавлены как часть эстетической привлекательности.

Собор Василия Блаженного в Москве

Один из самых ярких, если не самый яркий образец русской архитектуры, церковь Св.Собор Василия Блаженного в Москве, расположенный недалеко от Кремля. Он подчеркивает все аспекты традиционной русской архитектуры: яркие цвета, луковичные купола, использование дерева и кирпича, декоративные цветочные элементы дизайна и замысловатые арки.

Построенный Иваном Грозным в 1560 году собор Василия Блаженного, формально известный как собор Покрова Пресвятой Богородицы, был задуман как памятник первому победителю России над ее татарскими врагами в Казани. Это отличительная черта русско-византийской архитектуры, сочетающая в себе все лучшие элементы дизайна этого стиля в одном здании.

Легенда гласит, что Иван Грозный, возможно, пытаясь сохранить свое имя, решил ослепить архитекторов и проектировщиков церкви, чтобы они никогда больше не смогли построить что-то столь же блестящее.

Зимний дворец Эрмитаж в Санкт-Петербурге

После возведения Храма Василия Блаженного и кончины Ивана Грозного русская архитектура сместилась в сторону более восточных и европейских стилей, что привело к завершению строительства Зимнего дворца Императорского Эрмитажа в Санкт-Петербурге.Петербург.

Спроектированный и построенный известным архитектором 16 веков Растрелли, Эрмитаж использует в своей архитектуре влияние барокко и рококо. Это смелый шаг архитектора, учитывая, что эти стили в основном использовались для оформления интерьера. Тем не менее, рискованный шаг окупился, и Растрелли создал один из самых декадентских и роскошных дворцов в континентальной Европе (не говоря уже об идеальном убежище для интровертов, таких как российские правители), соперничая даже с легендарным Версальским дворцом.

На протяжении веков бесчисленные русские правители (и их хозяйки) дополняли дворец, от простого ремонта дома до обширных реконструкций. Зимний дворец, служивший зимней резиденцией правителей Российской империи с 17–90–347– годов, в конце концов был захвачен большевиками во время Октябрьской революции, а затем превращен в музей Эрмитаж.

Мавзолей Ленина в Москве

Мавзолей Ленина, спроектированный Алексеем Щусевым, служит не только могилой для одного из 20 самых знаковых, революционных и известных мыслителей ^-го -го века, но также служит ярким примером русской конструктивистской архитектуры, стиля архитектуры, который ориентирован на использование абстрактных и строгих визуальных элементов, отражающих современное индустриальное общество и городское пространство.

Сам мавзолей состоит из простых кубов, которые образуют ступенчатую пирамиду. Именно это здание считается шедевром архитектурной простоты, образцом архитектуры и философии русского конструктивизма и ярким событием выдающейся карьеры Алексея Щусева.

Он был построен сразу после смерти Владимира Ленина, с пристройками, построенными в 1924 году, чтобы придать ему форму пирамиды. Между тем, оригинальные деревянные панели мавзолея были заменены на красный гранит, символизирующий коммунизм, и выделены черным лабрадоритом, чтобы символизировать национальный траур в связи с кончиной Ленина.

«Семь сестер» Москвы

Когда большевики и российские коммунисты захватили власть, они стремились перестроить Москву, чтобы отразить свои идеологии. В конце 1920-х и до конца 1930-х годов диктатор Иосиф Сталин сносил различные церкви, соборы, колокольни и другие деревянные постройки в городе, чтобы освободить место для грандиозных и внушительных построек под названием « Высотные Здания, », или «Высокие здания». .

После Второй мировой войны Сталин на полной скорости реализовал свой план, возведя семь из восьми запланированных небоскребов в центре Москвы в период с 1945 по конец 1950-х годов. Эти структуры, получившие название «Семь сестер», выглядят следующим образом:

• Котельническая набережная, , также известная как Котельники или Котельническая набережная
• Министерство иностранных дел
• Башня МГУ
• Ленинградская Гостиница
• Площадь Красных ворот
• Кудринская площадь , также известная как Кудринская площадь 1, Площадь Восстания, Востания и Площадь Восстания
• Гостиница Украина, также известная как Radisson Royal Hotel

Mercury City Tower в Москве

Москва печально известна в Европе меньшим количеством строительных норм и правил, но это позволило России оправиться от советских времен, положив начало возрождению строительной отрасли в 21 ^гг.