французская живопись 18 века: стиль рококо, живописцы, представители

Восемнадцатый век стал последним этапом эпохи перехода от феодализма к капитализму. Хотя в большинстве западноевропейских стран сохранялся старый порядок, в Англии постепенно зарождалась машинная индустрия, а во Франции бурное развитие экономических и классовых противоречий подготавливало почву для буржуазной революции. Несмотря на неравномерное развитие экономической и культурной жизни в разных странах Европы, это столетие стало эпохой разума и просвещения, веком философов, экономистов, социологов.

Художественные школы некоторых западноевропейских стран переживают небывалый расцвет. Ведущее место в этом столетии принадлежит искусству Франции и Англии. В то же время Голландия и Фландрия, пережившие необыкновенный подъем художественной культуры в XVII в., отодвигаются на задний план. Испанское искусство также охвачено кризисными явлениями, его возрождение начнется лишь в конце XVIII в.

Французское рококо

В истории культуры Франции эпоху, наступившую в начале правления Людовика XV (1715) и завершившуюся в год революции (1789), называют веком Просвещения. Это время дало миру великих писателей, философов и ученых, в числе которых — Вольтер, Д. Дидро, Ж. Ж. Руссо, Ш. Л. Монтескьё, К. А. Гельвеций, П. А. Гольбах.

В 1720-е гг. при королевском дворе появляется стиль рококо, просуществовавший почти пятьдесят лет. Этот стиль родился из барокко, но был более легким, причудливым и изящным. Слово «рококо» произошло от французского rocaille — «рокайль» — так назывались модные садовые украшения из раковин и мелких камешков.

В живописи рококо были популярны светлые оттенки — розовые, голубые. Наряду с масляными красками, применялась пастель. Обращаясь к библейским и мифологическим сюжетам, художники создавали нарядные полотна, призванные услаждать аристократическую публику. Большим успехом пользовались картины, изображавшие пастухов и пастушек, которые походили не на крестьян, а на переодетых в театральные костюмы дам и кавалеров.

Одним из самых значительных художников Франции XVIII в. был Антуан Ватто, фламандец по происхождению.

Антуан Ватто

Антуан Ватто родился в 1684 г. в Валенсьене в семье кровельщика. Проучившись несколько лет у местного художника, Ватто отправился в Париж. Не имея денег, весь долгий путь он проделал пешком. В столице долго бедствовал: работая в мастерской художника, писавшего религиозные композиции, Ватто едва сводил концы с концами. Позднее он стал брать уроки у живописца Клода Жилло, а затем — у гравера Клода Одрана. Одран занимал должность хранителя картинной галереи Люксембургского дворца, в котором находились картины, написанные Рубенсом для королевы Марии Медичи. Эти творения великого фламандца произвели на Ватто неизгладимое впечатление. Влияние Рубенса и мастеров фламандской школы заметно в ранних жанровых работах молодого художника («Савояр», ок. 1709).

В 1710 г. Ватто знакомится с Лесажем, известным писателем-сатириком, и коллекционером Крозом, который вводит его в круг парижских меценатов и ценителей искусства, оказавших покровительство молодому художнику. В этот период Ватто начинает писать любовные сцены, увеселения аристократов и театрализованные маскарады, изображая радости жизни, которых он сам был лишен, страдая тяжелым заболеванием легких. Эта болезнь и стала причиной ранней смерти живописца.

Хотя тематика живописи Ватто была близка и понятна аристократической публике, эмоциональная глубина образов в произведениях художника не была оценена его современниками. В 1717 г. Ватто приняли в Академию, но не как мастера исторической живописи, а как художника «галантных празднеств». Подобного жанра не существовало до этого времени, он появился лишь в связи со вступлением Ватто в Академию.

Антуан Ватто. Савояр. Ок. 1709 г.

Ватто представил в Академию одну из лучших своих картин — «Паломничество на остров Киферу» (1717). На полотне изображены дамы и кавалеры, садящиеся в ладью, отплывающую к острову, на котором, согласно греческому мифу, родилась богиня любви Афродита. В отличие от манерной живописи многих современников Ватто, «Паломничество на остров Киферу» поражает своей эмоциональностью и поэтичным очарованием. Картина пронизана вибрирующим светом, который, сочетаясь с золотистыми, нежно-зелеными и бледно-розовыми тонами, делает изображение трепетным и подвижным.

Многие произведения Ватто отражают интерес их автора к театру. Самые значительные работы, посвященные театральной жизни, выполнены художником в последние годы жизни. Одна из лучших картин этого цикла — «Итальянские комедианты» — создана, вероятно, после 1716 г. (именно в это время во Францию вновь приехали итальянские актеры, выдворенные из страны в XVII в. за сатирические спектакли, направленные против французского правительства).

Шедевром театральной серии Ватто стала картина «Жиль» (1720). Странная и загадочная композиция этого произведения до настоящего времени вызывает множество толкований. Художник вывел на передний план актера в белой одежде. Его фигура неподвижна, глаза из-под полуопущенных век пристально смотрят на зрителя. А за спиной Жиля, под пригорком, расположилась группа оживленных комедиантов, тянущих за веревку осла, на котором восседает Скапен. До сих пор неясно, что же хотел сказать художник, изобразив на своем полотне не связанных между собой действием застывшего, как монумент, одинокого и печального Жиля и суетящихся за ним веселых актеров. Существует предположение, что эта картина была задумана как афиша для одного из сезонов Итальянской комедии — похожие вывески сопровождали ярмарочные театры той эпохи.

Антуан Ватто. Вывеска для антикварной лавки Жерсена (правая часть). Ок. 1721 г.

Последней картиной Ватто стала вывеска для антикварной лавки Жерсена, написанная в 1721 г. после поездки живописца в Лондон, где практиковал знаменитый английский врач. Надежды на излечение не оправдались, и умирающий художник вернулся в Париж.

Всего за несколько дней Ватто, остановившийся в доме Жерсена, написал полотно, изображавшее помещение антикварного магазина, продавцов и посетителей, разглядывающих картины, слуг, осторожно укладывающих в ящик проданный портрет. Это произведение, в котором проявилась тонкая наблюдательность автора, не укладывается в рамки «галантных празднеств». Реалистично и живо повествующая о XVIII в. и людях, живших в эту эпоху, картина предвосхитила появление реалистического искусства во Франции. Провисев над входом в лавку всего пятнадцать дней, «Вывеска Жерсена» привлекла множество зрителей. В настоящее время она находится в зале Государственных музеев в Берлине.

Смерть оборвала творческие искания мастера в 1721 г. Традиции его искусства были подхвачены Н. Ланкре и Ж. Б. Патером, но их живописи не хватало поэтичности и эмоциональности. Немного позднее к искусству Ватто обратились Ф. Буше, Ж. Б. Шарден и художники-реалисты.

Франсуа Буше

Ведущий живописец рококо Франсуа Буше родился в 1703 г. в Париже. Первые уроки рисования он получил у своего отца, затем занимался иллюстрацией и рисунком в мастерской Ф. Лемуана.

В 1723 г. Буше стал обладателем первой премии на конкурсе Академии. Спустя два года вместе с художником Карлом Ванлоо он отправился в Рим. В Италии Буше не привлекло искусство старых мастеров, гораздо больше его интересовала живопись современников.

Вернувшись на родину в 1731 г., художник стал членом Королевской академии живописи и скульптуры. В 1734 г. за композицию «Ринальдо и Армида» Буше получил звание академика. Карьера художника продвигалась успешно, в 1737 г. он стал профессором Академии, а через некоторое время — ее директором. Художнику покровительствовала маркиза де Помпадур: она содействовала получению Буше крупных заказов (декоративные работы для дворцов Фонтенбло, Бельвю и Креси), а в 1752 г. помогла ему поселиться в Лувре. В 1755 г. Буше возглавил Королевскую мануфактуру гобеленов, а в 1765 г. получил должность первого живописца при дворе Людовика XV.

Свой творческий путь художник начал с гравирования картин А. Ватто, последователем которого он себя считал. Но декоративные произведения Буше значительно отличаются от глубоко эмоционального и одухотворенного искусства А. Ватто. Гравюры Буше делали жанровые сцены, взятые из произведений А. Ватто, похожими на орнаментальные узоры, которые позднее стали обязательным элементом книжной иллюстрации рококо. В таком стиле вместе с художниками Ж. Б. Патером, Н. Ланкре и Ш. Эйзеном Буше выполнил гравюры к сказкам Ж. де Лафонтена.

Хотя рисункам Буше не хватает глубины и искренности, они по-своему выразительны и изящны. Особенно эмоциональны и лиричны его пейзажи («Мельница», 1752). Наряду с рисунками, гравюрами, эскизами для гобеленов и фарфора, театральными декорациями (оформление оперы-балета «Галантная Индия», 1735), художник создавал и станковые картины, отличающиеся той же декоративностью. Главный создатель пасторального жанра, Буше изображал в своих композициях сентиментальных пастушков и пастушек или чувственных красавиц из античной мифологии («Триумф Венеры», 1740; «Купание Дианы», 1742; «Уснувшая пастушка», 1745). Искусство Буше должно было вызывать у зрителей приятные и волнующие чувства, но не тревожить и не пугать.

Франсуа Буше. Купание Дианы. 1742 г.

Кроме мифологических картин и пасторалей, Буше писал жанровые сцены, религиозные композиции («Отдых на пути в Египет», 1757) и портреты. Им создано несколько портретов маркизы де Помпадур и множество изображений представителей аристократического общества Франции.

Палитра Буше соответствует требованиям моды искусства рококо — краски на его картинах кажутся нам неестественными, не соответствующими природным оттенкам. В эту эпоху художники стремились найти изысканные, редкие оттенки, которые получали удивительные названия: «цвет потерянного времени», «голубиная шейка», «цвет бедра взволнованной нимфы», «веселая вдова», «резвая пастушка». Буше считал, что природа недостаточно красива и совершенна, к тому же плохо освещена, поэтому свою живопись он делал пестрой и светлой, стараясь использовать голубые и розовые оттенки.

В последние годы жизни Буше интерес к его творчеству со стороны публики значительно упал. Но слепнущий художник, чье искусство осуждалось современниками (особенно Дени Дидро) за манерность и бездумную легкость, продолжал писать картины («Поклонение волхвов», 1764), создавать рисунки и театральные декорации («Тесей», 1765), представляя зрителю безмятежный и радостный мир своего искусства. Умер Буше в 1770 г.

Рядом с далеким от действительности искусством рококо, призванным услаждать изнеженную аристократическую публику, во французской живописи развивается реалистическое направление. Одним из самых крупных представителей этого течения стал Ж. Б. Шарден.

Жан Батист Симеон Шарден

Жан Батист Симеон Шарден родился в 1699 г. в Париже в семье столяра. Учился у художников-академистов Жана Батиста Ванлоо, Пьера Жака Каза, Ноэля Никола Куапеля. В мастерской Каза Шарден вместе с другими учениками долго копировал картины своего учителя, дожидаясь позволения приступить к изображению живой натуры. Этот метод обучения не устроил молодого художника, и вскоре он порвал с академистами.

Шарден начал творческий путь с натюрмортов. В 1728 г. на т. н. Выставке молодежи, которая устраивалась под открытым небом на площади Дофина, Шарден показал две работы — «Скат» и «Буфет». Натюрморты были восторженно встречены публикой, и, окрыленный успехом, художник представил свои картины в Академию, получив за них звание академика. В отличие от современников, которые писали декоративные натюрморты, Шарден создавал лишенные внешних эффектов, непритязательные и скромные картины, изображавшие простую кухонную посуду, бутылки, кувшины, овощи, фрукты, рыбу и битую дичь. Но удивительная гармония красок и мастерство исполнения позволили Шардену показать материальную сущность предметов, сделать их осязаемо реальными.

Большой успех Шардену принесли жанровые работы, написанные в 1730-1740-х гг. Художник изображал быт третьего сословия Франции — мелкой буржуазии и трудового народа. Выросший в семье ремесленника, он прекрасно знал жизнь простых людей. Произведения Шардена лишены манерности Буше, в них нет повествовательности и драматизма. Здесь изображены простые и спокойные сцены жизни семьи: стирающая белье прачка, ребенок которой забавляется мыльными пузырями («Прачка», ок. 1737), мать, читающая вместе с маленькими дочерьми молитву возле накрытого к обеду стола («Молитва перед обедом», 1744). Несмотря на свою простоту, эти картины полны поэзии, которую художник сумел уловить, наблюдая жизнь, но в них отсутствуют назидательность и сентиментальность, свойственные многим его современникам, например Ж. Б. Грёзу. Реалистичная и правдивая жанровая живопись Шардена раскрывает перед зрителем мир искренних человеческих чувств, связывающих героев его картин. Эти полотна, как и натюрморты, написаны в мягкой, приглушенной колористической гамме, построенной на тонких цветовых градациях.

Шарден с его искренней и поэтичной живописью оставался чужд морализаторству, которое в 1750-1760-х гг. появилось в работах многих французских художников, прославляющих буржуазную добродетель. В этот период мастер не создал уже ничего нового в области жанровой живописи.

Жан Батист Шарден. Прачка. Ок. 1737 г.

Замечательное мастерство Шардена, уже немолодого художника, проявилось в его портретных работах. В 1770-е г. он
написал пастелью чудесный портрет своей жены и «Автопортрет с зеленым козырьком».

Жанровая живопись Шардена оказала большое влияние на многих французских художников. Последователями талантливого живописца стали Ф. Кано, П. Л. Дюмениль Младший, Э. Жора. С его картин делали гравюры такие мастера, как Л. Кар, Ж. Ж. Флипар, И. Г. Вилль, Ж. Ф. Леба. Современники свидетельствуют, что гравюры с произведений Шардена пользовались популярностью и быстро раскупались ценителями искусства.

Умер Шарден в 1779 г.

Жан Батист Шарден. Кухарка. 1738 г.

Сентиментально-морализующее направление во французской живописи второй половины XVIII столетия возглавил Ж. Б. Грёз.

Жан Батист Грёз

Жан Батист Грёз родился в 1725 г. в Турню. Учился сначала у незначительного живописца Ш. Грандона в Лионе, затем — в Королевской академии живописи и скульптуры в Париже.

Впервые о художнике заговорили после создания им картины «Отец семейства, читающий Библию». В 1750-х гг. Грёз посетил Италию, но эта поездка мало что дала ему. В написанных там работах, помимо сюжета, нет ничего итальянского. Тем не менее живопись Грёза привлекла внимание ценителей искусства из самых разных кругов французского общества. Маркиз Мариньи, руководитель королевских строений, заказал художнику несколько аллегорических полотен для маркизы де Помпадур. Ценили Грёза просветители, считавшие, что искусство — великая воспитательная сила. Д. Дидро писал об этом мастере третьего сословия: «Вот поистине мой художник — это Грёз».

В Салоне 1761 г. живописец выставил свою картину «Деревенская невеста», которая, изображая одно из главных событий сельской семьи — свадьбу, восхваляла добродетельные нравы представителей третьего сословия. Композиция этого произведения напоминает театральную сцену, на которой расставлены фигуры актеров: отца новобрачной, передающего жениху приданое, и членов семьи. В расположении персонажей, в их жестах и мимике чувствуется стремление художника оказать воспитывающее воздействие на публику. Например, две сестры невесты изображены
так, чтобы зритель сразу увидел любовь и нежность одной девушки и жгучую зависть другой.

Вместе с «Деревенской невестой» в Салоне были представлены рисунки к картине «Паралитик». Один из них — акварель «Бабушка», изображающая бедное жилище старой больной женщины, вокруг которой стоят дети. Реалистичность и убедительность образов говорят о том, что эта работа, как и многие другие рисунки, выполнена Грёзом с натуры. Перед созданием каждой картины живописец делал множество натурных зарисовок, изображая бедных
ремесленников, крестьян, торговок, нищих. В «Паралитике» (1763) жизненность натурных рисунков отсутствует. Члены семьи паралитика кажутся актерами, играющими в благородство пред постелью больного. Даже детали
обстановки призваны подчеркнуть добродетель персонажей.

Например, тряпка, висящая на перилах лестницы в «Бабушке», превращается в «Паралитике» в изысканную драпировку.

Большинство работ Грёза представляют одни и те же образы: порочный сын, не уважающий своих родителей; добродетельный отец семейства, обиженный детьми; злая и жестокая мачеха. Таковы персонажи в картине «Отцовское проклятие» и в исторической композиции «Север и Каракалла», где римский император Каракалла представлен не только плохим сыном, но и отвратительным правителем.

Кроме жанровых сцен, Грёз писал и портреты, в основном изображавшие хорошеньких девушек. Эти сентиментальные и манерные картины, т. н. «головки», пользовались у современников большим успехом. Умер Грёз в 1805 г., оставив множество последователей.

Жан Батист Грёз. Портрет Софи Арну. Ок. 1786 г.

Значительное место во французской живописи 18 столетия занимает портрет. Одним из самых известных мастеров этого жанра был Морис Кантен Латур, создавший целую галерею портретов своих современников (маркизы де Помпадур, Ж. Ж. Руссо, королевского секретаря Д. де л’Эпине). Талантливым портретистом был Жан Батист Перронно, работы которого отличаются богатым колоритом.

Идеи просветительства, противопоставлявшие испорченным нравам светского общества чистоту сельской жизни на лоне природы, отразившиеся в сочинениях Ж. Ж. Руссо, способствовали развитию французского жанра пейзажа.

Крупнейший пейзажист этой эпохи — Клод Жозеф Верне, излюбленными мотивами которого были море и парковые виды («Утро в Кастелламаре», 1747; «Вилла Памфили», 1749; «Скалы у берега моря», 1753). Его картины представляли поэтичные ландшафты Франции, полные воздуха и света. Со временем известный художник, выполняя многочисленные заказы, начинает переписывать одни и те же работы, не создавая ничего нового.

Молодыми современниками Верне были Луи Габриэль Моро Старший, писавший изысканные по колориту виды Парижа и его окрестностей («Холмы в Медоне»), и Гюбер Робер, побывавший в Италии, любивший писать античные руины и соединявший в одной композиции несколько разных памятников. Вернувшись на родину, во Францию, он стал необыкновенно популярен. Не только французские, но и русские вельможи стремились заказать у Робера картины для украшения своих дворцов (в частности, князь Юсупов, для усадьбы которого художник исполнил несколько пейзажей).

Одним из крупнейших мастеров французской живописи второй половины XVIII в. был Оноре Фрагонар, работавший во многих жанрах. Он испытал заметное влияние итальянских мастеров XVII-XVIII вв. Хотя художник писал в стиле рококо, в его творчестве сильны реалистические тенденции. Фрагонар создавал тонкие и лиричные пейзажи («Берег моря близ Генуи», 1773), одухотворенные и искренние портреты («Мадам Фрагонар», «Маргарита Жерар»), свежие по колориту жанровые сцены («Прачки», «Поцелуй украдкой», 1780-е) и реалистичные и немного ироничные мифологические композиции («Похищение рубашки Амуром», ок. 1767) .

Последняя четверть XVIII в. ознаменована расцветом классицизма во французской живописи. Некоторые художники обращаются в своем творчестве к античному наследию, к поискам новых, четких и простых художественных решений (Ж.-М. Вьен). Черты классицизма прослеживаются в творчестве Ж. Б. Грёза. Ярким представителем этого направления в искусстве Франции был Ж. Л . Давид.

Жак Луи Давид

Жак Луи Давид — французский живописец, художник просветительского классицизма и ампира, а также один из основоположников нового искусства — родился в 1748 г. в семье состоятельного парижского коммерсанта. В юном возрасте поступил в Академию художеств, где с 1766 по 1774 г. учился у Ж.-М. Вьена, синтезировавшего в своем творчестве два стиля: классицизм и рококо. Конкурсная работа молодого художника на Римскую премию — «Бой Марса с Минервой», написанная в 1771 г., хотя и пришлась по нраву академическим кругам (она была исполнена в академической манере), полагающейся награды Давиду так и не принесла. Поэтому его поездка в Италию была отложена до 1775 г., когда он отправился туда вместе со своим учителем в качестве стипендиата.

В Риме на протяжении пяти лет (1775-1780) Давид изучал античное искусство, а также творчество мастеров эпохи Возрождения (Рафаэля и художников болонской школы) и барокко. По возвращении на родину им была выставлена картина «Велизарий, просящий подаяние» (1781). Ее сюжет — драматическая повесть о том, как знаменитый византийский полководец, подозреваемый в заговоре против императора, был лишен всех благ, ослеп и впал в нищету. Давид изобразил его сидящим у городских ворот Константинополя и просящим подаяние. Показательно то, что композиция представляет собой не мифологический сюжет, а исторический, хотя и носящий легендарный характер. Это произведение кардинально отличается от ранней работы художника, причем отличие заключено в простоте и строгости, скульптурности в трактовке форм, композиционной уравновешенности. Лаконизм, с которым написано полотно, прямо указывает на его тягу к монументальности и говорит о появлении индивидуального стиля.

В это же время появилась еще одна картина Давида — портрет графа Потоцкого (1781), который был написан благодаря одному эпизоду из жизни мастера. Будучи в Неаполе, молодой художник стал свидетелем того, как Потоцкий усмирил необъезженного коня. И хотя на картине приветствующий жест графа выглядит несколько театрально, это с лихвой компенсируется тем, как точно и детально Давид передает внешний облик героя: налицо нарочитая небрежность в одежде, спокойная уверенность в своей силе и т. д. Все это говорит о том, что начинающему живописцу вовсе не чужда передача реальной действительности в живой конкретности.

С этого времени творчество Давида идет как бы двумя путями: с одной стороны, он пишет исторические полотна на античные сюжеты, где с помощью отвлеченных образов стремится донести до зрителя идеалы, волнующие предреволюционную Францию, а с другой — создает портреты, утверждающие образ реального человека, причем эти две грани его творчества не смещиваются вплоть до самой революции.

Так, одна из наиболее знаменитых его картин, «Клятва Горациев» (1784), сюжет которой был взят из трагедии Корнеля, посвященной трем молодым римлянам, готовым расстаться с жизнью во исполнение долга, воспринимается как революционный призыв. Фон создают три полуциркульные арки, опорой для которых служат колонны. Они несколько ограничивают глубину картины, придвигаясь близко к переднему краю композиции и симметрично разделяя ее на три равные части, тем самым образуя ритмическую основу построения. В каждую из этих арок вписана одна из трех групп, резко противопоставленных друг другу: на первом плане изображены три сына, дающие отцу клятву победить или умереть, а на втором — поникшие в горе женщины. В то время как позы мужчин резки и напряжены, позы женщин, наоборот, выражают покорность судьбе. Гражданская доблесть одних вырисовывается на фоне переживаний других.

Жак Луи Давид. Клятва Горациев. 1784 г.

В данной картине один смысловой и композиционный центр — это руки отца, сжимающего мечи, и тянущиеся к ним руки братьев. От этого узла симметрично в обе стороны спускаются по линиям рук, ног и по складкам одежды основные направляющие линии, образующие равнобедренный треугольник. Такая математическая схема построения, заимствованная у мастеров Возрождения, у Давида объясняет стремление к логической ясности и архитектонической уравновешенности. В целом композиция отличается простотой и лаконизмом, скульптурной трактовкой форм, монохромностью цветовой гаммы и схематичной обрисовкой образов.

Отсутствие индивидуального конкретного момента, характерного для исторических композиций, Давид компенсирует созданием портретов г-на Пекуль и г-жи Пекуль. Если в «Клятве Горациев» представлены идеализированные, несколько абстрагированные образы, то в вышеназванных портретах он, наоборот, утверждает материальную сторону мира без какой бы то ни было идеализации. Художник не ск

История стиля Рококо — Студопедия

Студопедия Категории Авто Автоматизация Архитектура Астрономия Аудит Биология Бухгалтерия Военное дело Генетика География Геология Государство Дом Журналистика и СМИ Изобретательство Иностранные языки Информатика Искусство История Компьютеры Кулинария Культура Лексикология Литература Логика Маркетинг Математика Машиностроение Медицина Менеджмент Металлы и Сварка Механика Музыка Население Образование Охрана безопасности жизни Охрана Труда Педагогика Политика Право Программирование Производство Промышленность Психология Радио Регилия Связь Социология Спорт Стандартизация Строительство Технологии Торговля Туризм Физика Физиология Философия Финансы Химия Хозяйство Черчение Экология Эконометрика Экономика Электроника Юриспунденкция Предметы Авиадвигателестроения Административное право Административное право Беларусии Алгебра Архитектура Безопасность жизнедеятельности Введение в профессию «психолог» Введение в экономику культуры Высшая математика Геология Геоморфология Гидрология и гидрометрии Гидросистемы и гидромашины История Украины Культурология Культурология Логика Маркетинг Машиностроение Медицинская психология Менеджмент Металлы и сварка Методы и средства измерений
электрических величин Мировая экономика Начертательная геометрия Основы экономической теории Охрана труда Пожарная тактика Процессы и структуры мышления Профессиональная психология Психология Психология менеджмента Современные фундаментальные и
прикладные исследования
в приборостроении Социальная психология Социально-философская проблематика Социология Статистика Теоретические основы информатики Теория автоматического регулирования Теория вероятности Транспортное право Туроператор Уголовное право Уголовный процесс Управление современным производством Физика Физические явления Философия Холодильные установки Экология Экономика История экономики Основы экономики Экономика предприятия Экономическая история Экономическая теория Экономический анализ Развитие экономики ЕС

Рококо в живописи (Доклад)

Содержание:

1. Век под лозунгом «искусство как удовольствие»
2. Появление рококо
3. Инновации в стиле рококо и их распространение
4. Особенности художественной техники
5. Рококо в интерьере
6. Изменение трендов рококо
7. Ведущие представители живописи рококо.
8. Жан Антуан Ватто
9. Франсуа Буше
10. Жан Оноре Фрагонар
11. Никола Ланкре
12. Помпео Батони
13. Вывод:

Предмет:	Культурология
Тип работы:	Доклад
Язык:	Русский
Дата добавления:	19.01.2020

 

 

 

 

• Данный тип работы не является научным трудом, не является готовой выпускной квалификационной работой!
• Данный тип работы представляет собой готовый результат обработки, структурирования и форматирования собранной информации, предназначенной для использования в качестве источника материала для самостоятельной подготовки учебной работы.

Если вам тяжело разобраться в данной теме напишите мне в whatsapp разберём вашу тему, согласуем сроки и я вам помогу!

Если вы хотите научиться сами писать доклады по любым предметам, то на странице «что такое доклад и как его написать» я подробно рассказала.

Посмотрите похожие темы возможно они вам могут быть полезны:

 

 

Введение:

Рококо — одно из самых интересных направлений стиля в искусстве, которое следует изучать, поскольку за время своего правления он проявил только свои неотъемлемые черты в архитектуре, скульптуре и, конечно же, в живописи. Рококо живопись — самая интересная часть художественной культуры. Эта область включает идеи, основа которых лежит в прошлом, но неразрывно связана с настоящим. И эта связь является важной исторической связью, которая заложила основы для изучения этого вида искусства.

Век под лозунгом «искусство как удовольствие»

Появление рококо

Художественная культура каждого исторического периода имеет свой, свойственный ему, а потому уникальный и, следовательно, уникальный стиль, со своими особенностями и оригинальностью пластического языка.

Рококо — это стилистическое направление в европейском искусстве первой половины и середины 18 века, которое распространилось во Франции, Германии, Австрии и других странах. Первоначально этот стиль наиболее ярко проявился в аристократических кругах Франции. В начале периода рококо во Франции (примерно до 1725 г.) существовал так называемый «стиль регентства» . С началом нового, восемнадцатого века, процесс разложения французской абсолютной монархии стал совершенно очевидным. Смерть «солнечного короля» в 1715 году Людовик XIV, который в последнее десятилетие лишь формально сохранил власть, был просто последним событием в длинной серии явлений, которые подготовили наступление нового столетия, а вместе с ним и новые тенденции в искусстве. Начало регентства герцога Орлеанского, дяди будущего короля Людовика X, ознаменовалось изменением строгого придворного этикета в совершенно противоположной сфере: легкомыслие, жажда удовольствий, развлечения, роскошь не такая тяжелая, как в прошедшее время и рутина жизни не так торжественны. Но в этом бурном веселье, стремлении успеть насладиться всем, была также доля бравады тревоги, предчувствие краткости момента надвигающихся грозных бедствий.

Рококо получил свое название от рокайля, характерного для этого ст

Билет 15. В.1. Искусство Нового времени,18 век: стиль рококо — Студопедия.Нет

18 век стилистически многообразен, в отличие от предшествующих. Продолжают сосуществовать противоположности: ориентированные на публичность страстное драматичное католическоебарокко и строгий рациональный светский классицизм, возникшие еще в 17 веке. Из новых стилей: им противостоит светский, но сугубо камерный и легкомысленный стиль рококо, зарождаетсяэмоциональный сентиментализм (предромантизм)– предтеча романтизма 19 века. Прогрессивная критика в лице Дени Дидро пытается угадать зачатки реализма. Стили 18 века воплощали различные, часто противоположные тенденции в искусстве, уравновешивая друг друга.

И всё-таки именно рококо — галантное, капризное, вычурное — становится для 18 века знаковым. Рококо – влиятельный стиль в европейской и русской культурах 18 века, и в то же время о нем говорят, как о самом легкомысленном и бездумном из всех стилей в искусстве. Он оказался предтечей современной глянцевой культуры начала 21 века.

Рококо явилось эстетическим завершением барокко: обоим стилям свойственны пышность и богатство декора. Поэтому их часто путают, однако они совершенно разные. Главное различие между рококо и барокко в идеологии, а не в эстетике: барокко — искусство в своем истоке религиозное, рококо — сугубо светское. Барокко масштабно со страстью и серьёзностью утверждает религиозные догмы «правильной веры». Рококо оберегает частную светскую жизнь, ему чужды как серьёзность, так и подлинная страсть. Эпоха феодализма и абсолютных монархий подошла к концу, в воздухе витал дух буржуазных революций. Жажда публичной славы аристократии, выраженная в искусстве стилей классицизма и барокко уже смениласьжеланием укрыться в уютных маленьких комнатах, забыться, не видеть предвестников надвигающейся социальной бури революций. 

Стиль рококо во Франции. Стиль рококо родился во Франции 18 столетия, получил имя от французского слова rocaille — «ракушка» или «раковина». Прилагательное от слова «рококо» звучит как «рокайльный». Название рококо закрепилось спустя столетие, в 19 веке, благодаря главному декоративному элементу: мотив раковины сделался в 18 веке ведущим.

В переплетениях декоративных орнаментов рококо всегда маркером стиля выступают очертания раковин и рокайльные S-образные завитки.Этот декоративный элемент существовал в искусстве давно. Раковинами еще в античности декорировали искусственные гроты и чаши фонтанов, позднее в оформлении интерьеров стали активно использоваться орнаменты, повторяющие витые, округлые очертания раковин. К 18 веку интерес к ним только рос. Они усложнялись и переплетались, становились всё более изощренными и причудливыми (1). Такие орнаменты назывались рокайлями, первым их стал использовать в своих эскизахфранцузский художник Жиль-Мари Оппенор, а сам стиль, построенный на капризных гнутых линиях и нежнейших цветовых переливах, напоминающих игру перламутра, — соответственно назвали рококо. Жиль Мари Оппенор Эскиз обрамления зеркала «Три амура» Бумага, перо, акварель (1)Эскиз фонтана. Бумага, перо, тушь. (2)

1 2 3 3

Жиль-Мари Оппенор родился в семье чернодеревщика короля и был приобщен к созданию мебели и орнаментов в отцовской мастерской. Его талант формировался среди признанных художников и ремесленников своего времени. Основы архитектуры Оппенор изучал в мастерской Жюля-АрдуэнаМансара, а завершилось его формирование как художника и архитектора во Французской Академии в Риме (1692 — 1699).Оппенора называют одним из создателей рококо. В своих произведениях он смягчил барочные черты стиля Людовика XIV и выдвинул в качестве основного формообразующего элемента мягко изогнутую линию, причудливый завиток, впоследствии получивший название «рокайль».Художник был признанным, в зрелые годы занимал пост Генерального директора королевских парков и садов, директора королевских мануфактур.

   В живописи с приходом рококо с его перламутровыми переливами изменилась цветовая палитра, теперь колористической задачей было передать тончайшие нюансы, появились новые цвета:«цвет бедра нимфы» — бледно-розовый (перевод французского cuissedenympheeffrayée). И его оттенки — cuissedenympheeffrayée (бедро испуганной нимфы) и cuissedenympheémue (бедро взволнованной нимфы). Цвет блошиного брюшка(FrenchPuce)

Появление стиля рококо связано с «концом прекрасной эпохи» — эпохи Людовика XIV. Не случайно в живописи рококо в знаменитой картине Антуана Ватто «Лавка Жерсена» изображено, как портрет короля-Солнца снимают со стены и убирают в коробку.

    На смену «прекрасной эпохи» классицизма и барокко Людовика XIV пришел «галантный век» рококо Людовика XV — это «столетие париков, карет, менуэтов, треуголок» (Натан Эйдельман). Галантному веку — галантное искусство. С уходом со сцены Луи XIV уходят из моды грандиозная пышность придворных празднеств в стиле барокко, с театрализованностью жизни, когда интерьеры служили своеобразными декорациями для многолюдных собраний. Регент Филипп Орлеанский, а затем и короли Людовик XV и Людовик XVI предпочитают образ жизни камерный, приватный, но зато и более комфортный. Он сосредоточен не в широком кругу придворных, а в близком, почти интимном кругу друзей-единомышленников.

Большинство построек рококо – это не только королевские дворцы, но и частные дома французской аристократии, богатые городские особняки, которые во Франции называли отелями. В них комфорт и практичность повседневной жизни должны были сопровождаться изяществом и изысканностью мелочей. Высокая ограда отделяла особняк от города, скрывая жизнь владельцев. Комнаты приобрели криволинейные очертания, они не располагались больше анфиладой как было принято раньше, а образовывали ассиметричные композиции. В центре размещался парадный зал – салон. Комнаты были гораздо меньше, чем залы дворцов, и с более низкими потолками. Окна делались большими, почти от пола. Интерьеры были оформлены скульптурами, живописью, лепниной и множеством зеркал. Среди мотивов для декоративной живописи и скульптуры были популярны цветочные гирлянды, изображения резвящихся амуров, пасторальные сценки.Пастораль – изображение идиллической жизни пастухов и пастушек на лоне природы. Франсуа Буше «Дафнис и Хлоя»1743 (1)

Ярким примером архитектуры рококо служит отель Субизв Париже, построенный для принца де Субиза по проекту П.А.Деламера. Фасад в стиле классицизма (1). Отель отгорожен от прилегающих улиц высокой стеной с роскошными въездными воротами. Центром интерьера является Овальный салон в стиле рококо (2). Все его углы закруглены, нет ни одной прямой линии, переход от стен к потолку тоже скруглен и замаскирован живописью в рамах криволинейных очертаний. Стены украшены резными панелями, позолоченными орнаментами и зеркалами, которые условно расширяют пространство, придавая ему в то же время неопределенность.

1 2

В архитектуре стиль рококопреобладал в декоративном украшении интерьеров. Строительство и украшение городских особняков-отелей, развитие орнаментально-декоративных форм пластики, роль лепнины в украшении интерьера, создание художественной мебели, предметов декоративно-прикладного искусства в едином стиле. Сложнейшие асимметричные резные и лепные узоры, затейливые завитки внутреннего убранства в стиле рококо контрастировали с относительно строгим внешним видомзданий в стиле классицизма.Яркий пример – небольшой дворец Малый Трианон, выстроенный в Версале зодчим классицизма Габриелем (1763-1769 гг.) для Жанны-Антуанетты Пуассон, известной как маркиза де Помпаду́р, официальной фаворитки (с 1745) короля Людовика XV, которая на протяжении 20 лет имела огромное влияние на государственные дела, покровительствовала наукам и искусствам. Фасад Малого Трианона выполнен в стиле классицизма, главный вход (1), а интерьеры решены в стиле рококо.Все четыре фасада оформлены по-разному: каждый из них по стилю соответствует ландшафту той части парка, к которой он обращен.

1 2

В 1774 году на трон вступил Людовик XVI и сразу же пожаловал Малый Трианон и прилегающую к нему часть парка своей супруге Марии-Антуанетте, которая стала новой законодательницей моды рококо и довела этот стиль до абсурда, что особенно проявилось в моде на высокие прически с кораблями и корзинами фруктов. Ценность приватности, личного пространства возросла настолько, что доступ во владения королевы стал возможен лишь по личному приглашению Ее Величества. Исключений не делалось даже для самого короля.

Таким образом на формирование стиля рококо решающее влияние оказали две женщины, сначала официальная фаворитка Людовика XV Мадам де Помпадур, а затем королева Мария Антуанетта, жена Людовика XVI. Франсуа Буше «Портрет мадам де Помпадур» (1) Портрет Марии Антуанетты (2)

2

Главная героиня эпохи рококо – женщина, для нее трудились декораторы, архитекторы, мебельщики. Комфорт для прекрасной обитательницы отеля создавали небольшие комнаты – будуары и дамские кабинеты, новые формы мебели – козетки, канапе, пуфы, шезлонги, на которых можно было в непринужденной обстановке принимать гостей. Интерьеры рококо — уютные и комфортные. Именно во времена рококо появляются изысканные кушетки с мягкими спинками (1) и кресла «кабриоль» с витыми ножками (2), обеспечивающие комфорт телу, шпалеры из нежного шелка на стенах (3) и небольшие изящные статуэтки, доставляющие наслаждение глазу. Все вокруг служило ддя того, чтобы доставлять чувственные удовольствия. Рококо – это образ жизни. Философия рококо — неоэпикурейство: наслаждение составляет суть человеческой жизни. Идеальное времяпровождение — беззаботный флирт на лоне природы. Любовь и праздник становятся синонимами рококо. Из парадных залов искусство плавно перемещается в будуар.

1 2 3 Каприз и прихоть — движущая сила рококо. Это касается как общего настроения, так и самих форм искусства. Импровизация заменяет дисциплину. Причудливая асимметрия побеждает классические равновесие и ясность.

Интересная особенность стиля рококо — его отношение к возрасту. Чуть ли не впервые в истории старость перестаёт ассоциироваться с мудростью и почётом. Стареть теперь нежелательно и даже постыдно. Это касается не только женщин, но и мужчин, ведь сам тип внешности, популярный во времена рококо, — гендерно-универсальный. Рококо — это «гламур» 18 века, целиком обусловленный особым образом жизни: богатым, праздным, наполненным красотой и изяществом. Из мира рококо, как и из глянца, прочно изгнаны старость и болезни, бедность и уродство. А еще живопись рококо, подобно глянцевому фото, главной своей темой считает соблазн. Соблазнительность как качество, соблазнение как процесс — вот его ключевые сюжеты. И в этом смысле рококо действительно прямой предшественник глянцевой субкультуры.

Скульптура рококо во Франции. Самым ярким представителем этого стиля во французской скульптуре является, пожалуй, Фальконе. Он был к тому же управляющим знаменитой Севрской фарфоровой мануфактуры (1розовый фарфор с росписью «резвящиеся амуры»). «Грозящий Амур» создан по личной просьбе маркизы де Помпадур (2)

1 2

Живопись рококо во Франции 18 века. Художники стиля рококо Жан Антуан Ватто, Франсуа Буше, Жан-Оноре Фрагонар, Никола Ланкре, Жан-Марк Натье, Шарль-АндреванЛоо, Элизабет Виже-Лебрён,ставшая с 14 лет профессиональной художницей,супруга художника Жан-Батиста Лебрена, любимая художница королевы Марии-Антуанетты, после революции Виже-Лебрен была вынуждена покинуть Францию, в конце 1790-х годов работала в России. АделаидаЛабий-Гийар- французская художница-портретист, основательница первой Парижской женской школы живописи.

Стиль рококо в творчестве Антуана Ватто(1684-1721)– один из основоположников стиля рококо, мастер и создатель «галантного празднества» (fetes galantes) — нового оригинального жанра, в основе которого лежит сюжет-настроение. Жанр галантных празднеств – послужил опорой в развитии стиля рококо в изобразительном искусстве. Ватто — самобытный талантливый художник, прожил всего 37 лет, умер от туберкулеза.Родился во французской провинции, в раннем возрасте начал рисовать, любимым занятием было сидеть на городской площади с карандашом и рисовать бродячих актеров, веселивших толпу. В 17 лет сбежал из дома в Париж без средств к существованию, чтобы учиться живописи. В свой первый столичный год будущий родоначальник «королевского стиля» рококо почти всё время провёл под открытым небом на улице, а от непогоды прятался под сводами собора –Нотр-Дам де Пари. Вокруг Собора теснились лавки посредственных богомазов, у которых за умеренную плату суеверные паломники скупали образки святых. Отчаявшись найти более достойную работу, Антуан Ватто нанялся в одну из таких лавок и рисовал образы Николая Чудотворца. Три франка в неделю плюс ежедневная миска супа — таков был доход художника. Икаким-то чудом наброски 20-летнего Ватто попали в руки знаменитого французского декоратора Клода Жилло – вмешался случай. Они были так не похожи на мазню ремесленников с моста Нотр-Дам, что Жилло сходу предложил Ватто место своего ассистента. И Антуан, не раздумывая, согласился расписывать театральные декорации и украшать городские карнавалы. Опытный и успешный Жилло вывел его в люди, обеспечил заказчиками и знакомствами. После Жилло покровителемВатто стал наследственный живописец и хранитель коллекции Люксембургского дворца Клод Одран. Он привлекал Ватто к оформлению королевских резиденций в Версале и в Фонтенбло. А в Люксембургском дворце художник познакомился с редкой серией Рубенса, посвященной Марии Медичи. Ватто и раньше любил фламандцев, но Рубенс его потряс и «перепахал». Когда еще один его друг, аббат Нуартерр, преподнёс художнику в дар оригинал Рубенса, Ватто испытал почти религиозный экстаз: «Я потерял покой. Мои глаза беспрестанно ищут картину, которую я воздвиг на мольберт, как на аналой (столик-подставка для икон)».

А еще Антуан Ватто страстно мечтал попасть в Рим. Для этого он даже лет в 25, переступив через самолюбие и комплексы, огласился участвовать в конкурсе для начинающих художников, объявленном Академией. Увы, ему присудили лишь золотую медаль. А в Рим отправился Антуан Гризон, взявший гран-при, и больше он не прославится ничем — его имя история сохранила лишь потому, что когда-то он обошёл великого Ватто.

Антуан оказался в Париже в эпоху, которую позже назовут безвременьем и упадком стиля. Королевский двор стремительно терял авторитет и влияние. Классицизм 17 века испустил дух. Но что это значило для художников?Только то, что нужно было выстраивать новую систему координат, искать новыеидеи, которые могли бы по-настоящему вдохновлять. Героика и пафос больше никого не привлекали. Королевский двор перестал быть законодателем мод. Никто из художников не хотел становиться эпигоном классицизма. Никто не верил в «большие идеи».

Обмелевшая культурная жизнь сместилась из дворцов в дворянские усадьбы с их милыми забавами вроде домашних спектаклей и перемежаемого музицированием флирта. «Невыносимая легкость бытия» стала символом эпохи. А еще — она стала главной темой творчества Ватто. «Соблазнитель», «Кокетка», «Капризница» — вот его герои. На картинах Антуана Ватто кто-то любезничает («Затруднительное предложение «), кто-то ревнует («Две кузины»), а кто-то большой компанией устремляется на поиски любви («Отплытие на остров Киферу»). Такие картины Антуана Ватто ждал громкий успех – они отвечали своему времени. Антуан Ватто «Паломничество на остров Киферу». 1717, 1-й вариант(1),Антуан Ватто «Паломничество на остров Киферу». ок. 1718, 2-й вариант (2).

1    2

 Ватто стал членомКоролевской академии художеств. Для вступления в Академию требовалось создать картину на заданную тему, для Ватто сделали исключение, он написал «Отплытие на остров Киферу».Сюжет картины изображает аллегорическое паломничество современных Антуану Ватто персонажей на реально существующий остров, иногда именуемый в латинском варианте — Цитера (греч. Κύθηρα), расположеный в Эгейском море к югу от Пелопоннеса и считающийся одним из главных культовых центров богини любви и красоты Афродиты (от названия острова происходит один из эпитетов Афродиты — «Киферийская»). Считается, что Ватто имел в виду сюжетный мотив популярной в его годы комедии ФлоранаДанкура «Три кузины», «в котором упоминался чудесный остров, откуда ни одна девушка не возвращается без поклонника или мужа».Французские академики придумали под эту картину Ватто отдельный, новый жанр — «галантное празднество», которыйоткрыл двери для нового стиля — рококо. Собственно, этим определением можно обозначить и весь образ жизни в стиле рококо.Легкомысленные дамы и их рассеянно-учтивые кавалеры, меланхоличные музыканты, уличные торговцы и актёры — вот герои Ватто. Его картины не столько повествовательны, сколько атмосферны — настроение в них важнее сюжета, подтекст важнее интриги, эмоция важнее действия. И еще у Ватто всё пронизывает ощущение мимолётности и непродолжительности счастья, затаённой печали. Творчество Ватто называют еще «меланхолический реализм». Театральные сцены: «Актеры французского театра»1712(1), «Жиль» 1720(2,3 фрагмент) (афиша, в коллекции Лувра)

1         2

Рисунок Ватто всегда лёгок, динамичен, его линии — прихотливы и мелодичны. Ватто первым обозначил рокайльную цветовую гамму: новый колорит — переливы перламутра. Художник избегал контрастных сочетаний и локальных цветов, он предпочитал богатые, сложные и утончённо-изысканные созвучия оттенков, делал многослойные лессировки, создавал особую мерцающую фактуру. Несмотря на неприятие и непонимание со стороны многих современников и ближайших потомков (Дидро заявлял, что «готов дать десяток Ватто за одного Тенирса», а французские студенты конца века, предпочитавшие героическую живопись Жака-Луи Давида, однажды закидали полотна Ватто хлебными шариками), сейчас творчество Антуана Ватто признано одной из вершин искусства 18 века; как рисовальщик и колорист он опередил своё время — влияние Ватто ощутимо не только в живописи его соотечественников Буше и Фрагонара, но также у Хогарта, Рейнолдса, Гойи, художников-романтиков. Оценить в полной мере новаторство Антуана Ватто как художника смогли только потомки. Его гением буквально грезили романтики и символисты, Шарль Бодлер и Поль Велен. А Марсель Пруст скажет, что Ватто и Ла Тур сделали для славы Франции больше, чем все революционеры, взятые вместе.

В возрасте после тридцати лет Ватто стал очень богат, и больше не помышлял о Риме. Вопреки здравому смыслу и ожиданиям друзей, разбогатев, он поехал не в Италию, а в Англию. Именно в богемном Лондоне Ватто в полной мере ощутил вкус признания. Однако общество оказалось к нему благосклонее, чем природа. Промозглый британский климат обострил чахотку. Болезнь прогрессировала. Смертельно больной Ватто вернулся в Париж.

«Сатира на врачей» (1) — картина в комедийном стиле, имеет второе название, которым автор полностью охарактеризовал содержание: «Что я вам сделал, проклятые убийцы?» Полотно благодаря своему нестареющему сюжету стало хрестоматийным произведением изобразительного искусства о медицине.

 

 Реалистическая основа творческого метода Ватто, стремление к передаче тонких душевных движений. Тематическое разнообразие живописи: жанровые сцены:«Радости бала» 1714 г.(1), уличный музыкант «Савояр с сурком» 1716(2), «Лавка Жерсена» 1720(3) – картина-вывеска магазина; Создавал рекламные вывески для театра или лавки по продаже картин – все они сейчас в коллекции Лувра!

1 2

3

Приехав из Англии за год до смерти, Ваттоостанавился у торговца предметами искусства Жерсена. У того была лавка с громким названием «Великий монарх». Ватто сам вызвался написать для лавки вывеску. Именно её придирчивый Ватто считал лучшей из всех своих картин. Жерсен станет первым (и очень тактичным) биографом своего рано умершего друга. Всю короткую жизнь Антуану Ватто удивительно везло с друзьями.

«Лавка Жерсена» — знаменитая живопись, предназначавшая для рекламной вывескидля магазина произведений искусства на мосту Нотр-Дам, воплотила очень многое и о художнике, и об искусстве. Относительно замысла Ватто высказывались разные гипотезы.Одна из них в том, что под видом вывески он представил историю живописи, какой он её знал; вместе с тем это картина творческой эволюции самого живописца, ставшая его «художественным завещанием». Ватто провожает время «большого стиля» Людовика XIV, изображая как портрет короля-солнце сняли со стены и укладывают в коробку. Всё было исполнено с натуры, позы были так правдивы и непринуждённы, композиция столь естественна; группы так хорошо размещены, что привлекали взор всех прохожих, и даже самые опытные живописцы приходили по несколько раз, чтобы полюбоваться вывеской.

   Написана она была всего за неделю, и художник работал только по утрам; слабость не позволяла ему работать дольше.

Биографы обходят молчанием личную жизнь мастера. О ней почти ничего не известно. В 2007-м году французы сняли изысканный и меланхоличныйхудожественный фильм «Что видели мои глаза» (в русском прокате «Тайна Антуана Ватто») о непростом искусствоведческом исследовании и предполагаемой любви художника к актрисе КомедиФрансез Шарлотте Демар — загадочной женщине, присутствующей на многих полотнах Ватто и всегда изображённой со спины.

Расцвет стиля рококо.

Монументально-декоративные и станковые формы живописи рококо:

росписи плафонов–(фр. Плафон – «потолок») всего потолка или его части (украшался живописью, мозаикой или лепкой)(1)

стен, создание десюдепортов — декоративных композиций, расположенных над дверью, чаще скульптурных или рельефных, иногда в виде живописного панно, конструктивно связанных с дверным проёмом (2), декоративных и сюжетных гобеленов, распространение камерного портрета и пейзажа, мифологических и аллегорических картин, галантного и пасторального жанров.

1

Творчество Франсуа Буше(1703-1770) – многогранно, его колорит — «жемчужная гармония». Последователь Антуана Ватто.Универсализм Буше – отражение основных стилистических черт рококо (станковая и монументально-декоративная живопись, создание эскизов для гобеленов, мебели, предметов декоративно-прикладного искусства, оформление книг, работа в театре, эскизы костюмов и пр.). Автопортрет в студии 1735(1), Портрет Мари-Жанне Бюзо, жены художника (2), «Молодая женщина с букетом роз» (3).

1 2 3

Портреты мадам де Помпадур кисти Франсуа Буше (1,2): маленькая аккуратная головка вместо массивных париков эпохи барокко, «кукольные» руки и ступни, резкий контраст между узким лифом и широчайшей юбкой. Фаворитка Луи XV была главным трендсеттером своей эпохи, популяризатором рококо и одновременно его модной иконой. По этой картине с успехом можно изучать рокайльный интерьер. А стиль рококо иначе будут называть «стилем Помпадур».

1 2

Пейзажи: «пасторальный пейзаж с Купидоном» в рокайльном обрамлении (1), пастораль «Веселый пастух» (2)

1 2

 

«Будуарная живопись» эпохи рококо, легкомысленность— это, конечно, не виньетки и завитки. И не только галантные празднества, и изнурительная праздность. Это еще и новое прочтениежанра ню – обнаженной натуры, этой основы основ изобразительных искусств со времён античности. Доскональное знание человеческой анатомии и перспективная передача ракурсов и движения — заслуга эпохи Возрождения.То новое, что привнесло в тему «ню» рококо – это чувственность.

Франсуа Буше «Туалет Венеры» (1), «Купание Дианы» (2)

               1 2

Пейзажи: «Деревенский мостик» (1), «У реки» (2)

1 2

Эволюция искусства рококо в творчестве Жана Оноре Фрагонара (1732-1806). Жизнеутверждающий гедонизм его искусства. «Поцелуй украдкой» 1780(1), «Счастливые возможности качелей» 1767(2).

1 2

Бытовые картины и пейзажи, графические работы.

 

Родившийся во Франции, стиль Рококо быстро распространялся в других странах благодаря французским художникам, работавшим за границей, а также публикациям проектов французских архитекторов.

В России: Иван Аргунов, Федор Рокотов, Дмитрий Левицкий

В Италии: Джованни Баттиста Тьеполо, Пьетро Лонги, Бернардо Беллотто

Тьеполо способствовал распространениюрококо в Испании.

Рококо картины художников стиля rococo

Рококо (франц. rococo, от rocaille, рокайль – декоративный мотив в форме раковины), стилевое направление в европейском искусстве первой половины восемнадцатого века. Для рококо характерны гедонистические настроения, уход в мир иллюзорной и идиллической театральной игры, пристрастие к идиллически-пасторальной и чувственно-эротической сюжетике. Возникшее во Франции, рококо в области архитектуры сказалось главным образом в характере декора, приобретшего подчеркнуто изящные, утонченно-усложненные формы.

Распространяясь в зодчестве других стран Европы (постройки Георга Кнобельсдорфа, Бальтазара Нёймана, отчасти Маттеуса Даниеля Пёппельмана), рококо часто выступало как местный вариант позднего барокко. Преимущественно декоративный характер имела богатая тонкими переливами цвета и одновременно несколько блеклая по колориту живопись рококо (картины и росписи Франсуа Буше, Джованни Антонио Гварди, Никола Ланкре, Джованни Пеллегрини, Жана Оноре Фрагонара). Живопись рококо, тесно связанная с интерьером отеля, получила развитие в декоративных и станковых камерных формах. В росписях плафонов, стен, наддверных панно (дессюдепорт), в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные галантные темы, рисовавшие интимный быт аристократии, пасторальный жанр (пастушеские сцены), идеализированный портрет, изображающий модель в образе мифологического героя. Образ человека утрачивал самостоятельное значение, фигура превращалась в деталь орнаментального убранства интерьера.

Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков. Одновременно с развитием живописи рококо усиливалась роль реалистического направления; достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж. Одним из основоположников стиля рококо был талантливый живописец Антуан Ватто, давший наиболее совершенное воплощение принципам этого стиля. Эмоциональность и меланхолическая мечтательность придают характерам персонажей картин Ватто особую утонченность. Непосредственными последователями мастера, которые по большей части превратили манеру Ватто в изысканную и поверхностную моду, являлись художники Никола Ланкре, Жан Батист Патер, Кийар и другие живописцы.

Крупнейшим мастером собственно рокайльного искусства стал ученик художника исторического жанра Лемуана Франсуа – живописец Франсуа Буше, мастер занимательных любовных сюжетов, великолепный колорист и рисовальщик. Живопись Буше диктовала законы целой плеяде мастеров (Натуар Шарль-Жозеф, братья Ванлоо, Куапель Антуан, отчасти Виже-Лебрен Элизабет, и другие) и это влияние продержалось вплоть до Великой Французской революции 1789 года. Среди значительных мастеров рококо были художники самого разного дарования, обращавшиеся к самым разным жанрам живописи: Токе Луи, Ванлоо Луи-Мишель, Морис Кантен де Латур, Друэ Франсуа-Гюбер, Натье Жан-Марк, Перроно Жан Батист. Последним крупным живописцем рококо был Жан Оноре Фрагонар, тонкий портретист и пейзажист, как и Ватто, не вписывающийся в рамки просто модного стиля.

Скульптура рококо во Франции менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение в искусстве рококо и всего 18 столетия получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни. Крупнейшие скульпторы рококо: Лемуан Жан Батист, Фальконе Этьен Морис, Пажу Огюстен, Клодион Клод Мишель. В скульптуре рококо других европейских стран также преобладали предназначенные для украшения интерьеров рельефы и статуи, небольшие статуэтки, в том числе из терракоты и фарфора (изделия немецкого скульптора, мастера фарфоровой пластики Иоганна Иоахима Кендлера). Прихотливое изящество отделки, частое заимствование экзотических декоративных мотивов китайского искусства, виртуозное выявление выразительных возможностей материала присущи рокайльному декоративно-прикладному искусству.

История костюма стиля рококо, страсти и новаторства!

Ну вот я наконец и закончила свою подготовку к публикации, надеюсь, она будет вам интересна и в чем-то познавательна. Хочу для начала чуть-чуть по ностальгировать. Когда-то, двадцать лет назад, когда я училась в институте легкой промышленности на факультете художественного моделирования, и мне в мои в семнадцать лет казалось, что я и так достаточно гениальна и талантлива, такой предмет как история костюма был не понятен и лишней тратой времени. Впрочем, как и пласт анатомия! Но прошло время и я поняла, что для того что бы создавать хорошие стилизации нужно и то и другое! Пришлось восполнить свои знания, благо дядя Google, может помочь, и я перелопатила кучу информации по этим вопросам. Сегодня я не буду углубляться в историю костюма эпохи рококо, просто постараюсь провести не большой экскурс с небольшими комментариями.

Как я уже отмечала ранее, в своем мастер-классе по стульчику, я большая поклонница эпохи рококо. От себя хочу сказать: была во Франции давешне, наверное и куклы потому у меня такие грустные, но впечатление от дворцов хорошее. Философию стиля рококо определяют женщины, ну куда без нас-то? К справке, женщина сильнее мужчины эмоционально в девять раз, ну а физически — это не так важно для этого есть рыцарь на белом коне. Да же Пушкин сказал — » Женщины царствовали», о том времени, когда заря рококо только занималась. Сам стиль предусматривает в жизни главным — праздник, утонченность и любовь!

В период рококо силуэт платья напоминал перевернутый бокал — затянутый верх и очень широкий низ. Юбку поддерживал юбочный каркас. Сам каркас делали из плотной проклеенной ткани, а обручи из китового уса, металлических и ивовых прутьев или туго сплетенного конского волоса. И вся эта конструкция прикреплялась к корсету. Сам каркас назывался панье (от французского — корзина), но в России и Германии — фижмами (китовый ус). Наверное все-таки там китового уса было много. Различались маленькие утренние панье, панье гондолы, сплющенные спереди и сзади и очень широкие панье с локтями.При Марии-Антуанетте, например, юбки достигали семи и более футов в диаметре. Ну если учесть, что один фут равен почти тридцать одному сантиметру, то вообще не понятно как они ходили.

В одежде рококо, сильно обнажалась тело, так что огромное внимание уделялось белью.Теперь оно стало просто произведением искусств. Под корсетом и панье носили рубашки, расшитые золотом, кружевами, шелком и шитьем.

Вот иллюстрации корсетов и панье того времени.

Что касается самого стиля, по верх рубашки корсета и панье надевали выходную юбку, а то и две, но так чтобы пышно декорированная верхняя не накрывала нижнюю, а уж потом корсет скрывался лифом на шнуровке с рукавами в три четверти, которые пышно украшались, каскадами кружев виде воронки, которая называлась пагодой.

В эпоху рококо к шнуровке, чтобы платье было законченным, пристегивали треугольную вставку «Стомак». Такие накладки считались ювелирным украшениям могли пристигать к разным платьям.

Еще женщины носили обязательно белые чулки. Правда были и исключения.

В конце XVIII века в женской обуви, представленной туфлями на высоких каблуках, возникает строгая классификация цвета: черная обувь считалась парадной, коричневая предназначалась для прогулок, красная и белая была привилегией знатных дам. Танцевали в узких лёгких, светлых, шёлковых туфлях с красными или расписанными миниатюрами изогнутыми каблуками, высотой в «четыре пальца». Сзади к туфельке пришивали крохотный язычок, торчащий вверх, весь осыпанный бриллиантами. Красный каблук, ещё со времён Людовика XIV, оставался знаком принадлежности к дворянскому сословию.

Самое интересное, что о нижнем белье я ни чего не нашла. Наверно, его тогда не было, но это и логично, ведь нося на себе такую конструкцию, чтобы справится, извините, по личным нуждам нужно было иметь еще ту сноровку. Ну в вот в целом и весь краткий экскурс по эпохе рококо. Хочу лишь добавить, основной целью этой публикации было показать, что не только стиль Бохо может быть модным для кукол, ведь если разобраться в истории костюма то любой стиль можно применить для стилизации. Нужно только понять направление и стилистику.

На этом хочу закончить, и пожелать вам творческих успехов и огромного счастья!

История искусства рококо

Поиск:: Художники по алфавиту 100 величайших художников 50 величайших картин Художественные движения Рококо Арт 1710-1750 Около искусство рококо Движение ‘The Искусство Аристократия ‘ Слово является производным из «рокайль» (галька), но срок упоминается в частности к маленьким камням и снаряды, используемые для украшать интерьеры гроты.Такие снаряды или формы оболочки были основные мотивы в Рококо орнамент. Движение рококо было изначально ограничивался Франция, позднее распространение по всей Европе и прежде всего в Англию.Движение продолжалось развиваться до тех пор, пока прибытие Неоклассицизм который попытался вернуться в пуризм классическая древность.Рококо художественные темы сосредоточены вокруг беззаботные аристократы в притворяться настройки.Херувимы были часто включается в смешать, чтобы придать работе прикосновение восхитительного прихоть. Романтичный сцены изображают роскошно одетый леди и джентельмены флирт, пикник и играть музыку в галантном деревенские вечеринки. В фон пейзаж часто безмятежный естественная обстановка с нежные деревья и кусты роз. Цвета изобилие успокаивающие, светлые пастели.Известный художник Рокко, Джошуа Рейнольдс заявил «Рафаэль и Тициан, кажется, посмотрел на Природу для разные цели; Oни оба обладали силой расширяя свою точку зрения на целый; но один искал только общий эффект как произведенный по форме, другое, произведенное цвет.» Стиль рококо начался как ответная реакция на Барокко формальность и духота.в отличие Барокко, рококо нет обеспокоен религиозные вопросы или драматическое выражение. Очень декоративный искусство и дизайн движение началось в Париж, Франция в начало 1700-х годов и иногда называют стиль Людовика XV (15).Стиль глубоко символично гедонизм Европейский высшие классы. Рокко манера был характеризован изящный, чарующий, беззаботные темы флирт и безответный, меланхолическая любовь среди аристократия.Настроения были выраженный по причине и эмоциональность была выраженный через интеллект. Картины анимированы и умный, отражающий озорно чувственный мечта. Портрет в стиле рококо Картины Рокко особенности красивые аристократы наряжены из бархата, элегантный кружева и богатый золотой вышивки.В фигуры высокие и гибкие, стильные и очаровательный. Лица представлены как мягкие и розовая, женственная и вечно молодой.Изображены дворяне носить женственный прически, накрашенные губы и щеки, часто спортивный высокие каблуки.Семья портреты мечтательны и беззаботный. Изображены слуги с радостью обслуживая их аристократические работодатели и часто были включен в семейные портреты.Рокко женские фигуры нежные и свет; лица, по-детски и сентиментальный.Линии изгиба рта в мягкое озорство или в нежное очарование улыбка.

ключевых описательных слов и Фразы, связанные с движением рококо — Позднее барокко, гобелен, дворец Шарлоттенбург, Версаль, 18 век, Франция, разговорная речь, правление Людовика XV, оборки, напудренные парики, маски, капризный, броский макияж, мужчины в высоком каблуки, херувимы, сложные рецепты, дореволюционное, новое открытие из классический мир, Chteau de Chantilly, эфирный фоновый пейзаж, мелодраматический, декоративный, Век открытий, аксонометрический рисунок, любопытство к миру природы, пастель цвета, романтизированные пейзажи, ухаживания Требовать больше фактов и информация о Рококо Картина ? Копайся в каждом уголке и трещина известных Вселенная для информации эта тема.Искать здесь Примеры живописи рококо нажмите чтобы увеличить История художников.com Если вам нравится эта страница и вы хотите поделиться Вы можете дать ссылку на него с нашей благодарностью. Если вы чувствуете, что располагаете полезной информацией, вы хотели бы внести свой вклад, мы будем рады услышать от вас.Собираем необходимое биографические данные и цитаты артистов от людей со всего мира земного шара и ценим ваше участие. При отправке пожалуйста, по возможности, разместите источник на сайте и укажите английский перевод. Электронная почта на [email protected] Ссылки Символизм авторское право 2011 — история художников.ком

Высота французской яркости

Счастливые случайности качелей (1767-1768) Жан-Оноре Фрагонар (1732–1806) │ © wartburg.edu

Смерть Людовика XIV в 1715 году знаменовала собой время для нового зародилась в умах парижской знатной аристократии. В конце концов, король правил 72 года и 110 дней — дольше, чем любой современный европейский монарх.Исчез великий, упорядоченный стиль барокко, который он предпочитал, и появилось художественное движение, оптимистично охватившее более светлую сторону жизни: рококо.

Название стиля происходит от французского слова rocaille (рок) и coquille (ракушка), двух его распространенных мотивов, или, возможно, от итальянского слова barocco (деформированный жемчуг). В любом случае, когда знать покинула Версаль и вернулась в свои городские особняки, они начали массовую реконструкцию дома.Нежные цвета заменили богатые, лепные украшения, буазери и зеркальное стекло заменили драгоценные металлы, а узоры с замысловатыми неровностями и изящными изгибами заменили жесткую симметрию. Отель de Soubise в Париже, отремонтированный Жерменом Боффраном в 1730-х годах, остается одним из лучших образцов интерьера в стиле рококо во Франции.

Салон принцессы (Отель де Субиз, Париж) │ | © Jean-Pierre Dalbéra

Мягкие цвета, особенно розовый и синий, были определяющими чертами недавно раскрашенных и развешанных произведений искусства, изображавших природу, повседневную жизнь, придворную любовь и юношеское легкомыслие.Художники отдавали предпочтение динамичным композициям и атмосферным эффектам, таким как экстремальное выделение. Антуан Ватто считается отцом художников рококо. Родившийся недалеко от фламандской границы, он находился под влиянием голландских жанровых сцен и разработал свою собственную категорию, известную как fêtes galantes , в которой элегантные фигуры собирались на улице на вечеринках для ухаживания, весело болтали и слушали музыку.

Паломничество на Китеру (1718–1721) Антуана Ватто (1684–1721) │ | © Lafit86

Франсуа Буше приписывают развитие живописи в стиле рококо и продвижение ее по всей Европе.Будучи искусным бизнесменом, он также создавал множество декоративных предметов, включая фарфор и гобелены. С 1731 года Буше был любимым художником знати и буржуазных коллекционеров. К 1965 году он достиг двух высших должностей, которые мог занимать французский художник: от первого художника до короля и директора Королевской академии. Его пасторальные сцены, наполненные одетыми в шелк влюбчивыми пастухами, заимствованными из комических опер его друга Чарльза Саймона Фавара, являются одними из самых заметных его художественных новшеств.

Отдыхающая дева (1751 г.) Франсуа Буше (1703–1770 гг.) │ | © WikiCommons

Жан-Оноре Фрагонар продолжил там, где остановились Ватто и Буше, хотя истинное признание его работы пришло после его смерти. Его картины, которые отдавали предпочтение игривому, элегантному эротизму и домашним удовольствиям, были задуманы как легкое развлечение и не несли более глубокого послания. Изначально он стремился только угодить. Не сумев приспособить свою работу к изменяющимся вкусам на протяжении столетия, он впал в немилость и умер в полной безвестности в 1806 году.

Дени Дидро (около 1769 г.) — Жан-Оноре Фрагонар (1732–1806 гг.) │ | © Лувр; Развитие любви Встреча (19771–1772) Жана-Оноре Фрагонара (1732–1806) │ | Коллекция Фрика

Ранние работы Элизабет Луизы Виже Лебрен, такие как ее королевские портреты середины 1780-х годов, представляют собой некоторые из последних картин в стиле рококо, который достиг пика популярности между 1730 и 1770 годами и был почти готов. к 1785 году. Как видите, цвета и естественная обстановка остались, но тон стал более мрачным.

Мария-Антуанетта с розой (1783) — Луиза Элизабет Виже Ле Брен (1755–1842) │ | © qwHgKqLoAQb9FQ в Google Cultural Institute

Все больше и больше людей соглашались с мыслителями Просвещения, такими как Дени Дидро, который призывал к «более благородному искусству», или Вольтер, который поощрял отказ от легкомыслия. Даже в отношении Буше на его пике Дидро мог получить только смешанную оценку: «Cet homme a tout — excepté la vérité» («Этот человек способен на все, кроме правды») .

На смену рококо пришел неоклассицизм, который черпал вдохновение из культуры Древней Греции и Рима. У яркости был свой день, и пришло время немного больше по существу.

PPT — Рококо живопись PowerPoint Presentation, скачать бесплатно

Рококо живопись Век Людовика XV

Маркиза де Помпадур стала любовницей Людовика XV, короля Франции года, в 1745 году. Франсуа Буше рисовал этот портрет, который висит в Лувре в Париже, Франция

Наброски • Введение • Часть I.XVIII век во Франции • Часть II. Определение рококо • Часть III. Художники рококо • Заключение • Список литературы

Введение • Искусство рококо, процветавшее во Франции и Германии в начале 18 века, было во многих отношениях продолжением барокко, особенно в использовании света и тени и композиционных движений. • Отказался от традиционных тем героев и мифологии и вместо этого сосредоточился на представлении беззаботной жизни, характерной для аристократических меценатов. • Этот стиль получил свое название в девятнадцатом веке от французских эмигрантов, которые использовали это слово для причудливого обозначения старых Стиль ракушек (стиль рокай), который в то время считался старофранкским

Часть I.18 век во Франции • Стиль рококо пришел на смену искусству барокко в Европе. Его центром была Франция, связанная с правлением Людовика XV • Людовика XV (1710-74), короля Франции (1715-74), чья неспособность обеспечить сильное руководство и крайне необходимые реформы способствовали кризису, который навлек на себя французов. Революция • Помпадур, маркиза де, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон (1721-64), влиятельная любовница Людовика XV, короля Франции, известная своим покровительством искусству и литературе. • В 1745 году население Франции 25 миллионов; 28 миллионов в 1789 г. • Возникновение интеллектуального движения под названием Просвещение

Часть II.Определение рококо • Художественный стиль восемнадцатого века, в котором акцент делался на изображении беззаботной жизни аристократии, а не на великих героях или благочестивых мучениках. Любовь и романтика считались лучшими предметами для искусства, чем исторические или религиозные предметы. отличается свободными грациозными движениями; игривое использование лески; и нежные цвета • Жанровая живопись снова стала популярной, когда Академия приняла Ватто в свои ряды в 1717 году на презентации этой работы, тема которой была настолько новой, что для ее описания был придуман термин «fête galante»

Часть III.Художники в стиле рококо • Среди художников в стиле рококо Жан-Антуан Ватто известен своими неземными картинами элегантно одетых влюбленных, развлекающихся на fêtes galantes (модных собраниях на открытом воздухе). Большой популярностью пользовались также мифологические и пасторальные сцены, включая беззаботные и изящные изображения женщин, Фрагонара и Шардена

а. Ватто • Ватто, Жан-Антуан (1684-1721), французский художник, который считается одним из выдающихся художников периода рококо • Родился в Валансьене, который перешел во Францию ​​из испанских Нидерландов всего за шесть лет до его рождения. • Переехал в Париж в 1702 году, работал с Жилло, который стимулировал его интерес к театральным костюмам и сценам из повседневной жизни. • В 1717 году он представил «Паломничество на остров Кифера» (Лувр, Париж) в качестве приемной в Академии • Ватто у него было много верных друзей и сторонников, которые признали его гений, и хотя его репутация пострадала с революцией и ростом неоклассицизма

Эта картина была дипломом Ватто для Королевской академии скульптур и искусства .Номинация Ватто была принята Академией в 1712 году. Общая атмосфера картины венецианская, а далекие горы в их голубой дымке напоминают Леонардо «Паломничество на остров Кифера»

b. Фрагонар • Фрагонар, Жан-Оноре (1732–1806), французский художник эпохи рококо, стал фаворитом при дворах Людовика XV и Людовика XVI. Наиболее известные его работы, такие как «Качели» (около 1766 г.), характеризуется тонким гедонизмом • Франсуа Буше уговорили принять его в ученики • В 1752 году, когда Фрагонар закончил начальную подготовку, Буше рекомендовал ему побороться за стипендию Prix de Rome, что означало обучение у Карла Ван Лоо в Париже • В 1756 году , Фрагонар отправился вместе с другими обладателями стипендии для Французской академии в Риме • Чрезвычайно активный художник, он создал более 550 картин, несколько тысяч рисунков (хотя многие сотни, как известно, утеряны) и 35 офортов.Его стиль, основанный в первую очередь на стиле Рубенса, был быстрым, энергичным и плавным, никогда не скованным или суетливым

The Swing 1767Холст, масло, 81 x 64 см, Wallace Collection, Лондон

c. Шарден • Шарден, Жан Батист Симеон (1699-1779), французский художник, один из величайших художников XVIII века • Воплощает легкомыслие и элегантную поверхностность французской придворной жизни середины XVIII века • В 1727-31 гг. в Италии, а по возвращении вскоре был занят как разносторонний модный художник • Директор фабрики Гобеленов в 1755 году и директор Академии и Королевский художник в 1765 году • Любимый художник самой известной любовницы Людовика XV, мадам де Помпадур, которой он давал уроки и чей портрет писал несколько раз

Зима (1735; Frick Collection, Нью-Йорк)

Заключение • Это была реакция дворянства на классическое барокко, навязанное в Версале Людовиком XIV • Стиль аристократии: он раскрыл вкус к ясному и элегантному, утонченному и галантному • Жизнь без забот, тесно связанная с природой • Его влияние на французскую архитектуру ограничено, тем не менее, он достигает Германии, где находит благоприятную почву. • Французская революция 1789 года прервала развитие рококо • рококо в конечном итоге было заменено неоклассицизмом, который был популярным стилем американской и французской революций

Ссылки • http: // www.kfki.hu/~arthp/html/w/watteau/antoine/1/index.html • http://www.artlex.com/ArtLex/r/rococo.html • http://witcombe.sbc.edu/ARTh28thcentury .html • http://www.abcgallery.com/movemind.html#Rococo • http://www.ibiblio.org/wm/paint/auth/fragonard/ • http://www.zeroland.co.nz/ art_periods.html • http://www.artcyclopedia.com/history/rococo.html

Искусство рококо Глава 20. Искусство во Франции Искусство рококо делает упор на беззаботную жизнь аристократии, а не на великих героев или благочестивых мучеников.

Презентация на тему: «Искусство рококо Глава 20. Искусство во Франции Искусство рококо делает упор на беззаботную жизнь аристократии, а не на великих героев или благочестивых мучеников». — Стенограмма презентации:

1 Rococo Art Глава 20

2 Искусство во Франции Искусство рококо делает упор на беззаботную жизнь аристократии, а не на великих героев или благочестивых мучеников.Любовь и романтика. Беззаботный мир, радость и счастье.

3 Дворец в Версале, дом короля Людовика XIV и столица Франции.

4 Французская живопись Антуан Ватто 1684-1721 гг. Прибытие придворного художника из Китеры, 1717-1719 гг. Мягкая сказочная атмосфера, роскошные костюмы, изящные фигуры, серебристые цвета.

5

6 Жан-Оноре Фрагонар 1732–1806 гг. Придворный художник Аристократия любила резвиться, баловать своих питомцев, играть на элегантных качелях и болтать по пустякам. Качели, 1765 год.

8 Жан Батист Симеон Шарден 1699–1779 гг. Предпочитал маленьких голландских мастеров.Крестьяне и средний класс. Натюрморт с говяжьим ребром. Жанровые картины. Внимательная медсестра.

10 Искусство Англии и Испании. Портретная живопись стала популярной. Предпочитает повседневную жизнь и натюрморты.

11 Сэр Джошуа Рейнольдс 1723-1792 Писал модные портреты. Съемка чувствительных и мимолетных эмоций детей.

12 Томас Гейнсборо 1727-1788 Начал свою карьеру с пейзажной живописи. Стал любимым портретистом английского высшего общества. Синий мальчик, 1770 год.

Художественное определение рококо, живопись, скульптура Художники и произведения искусства

1600-1700

Хотя рококо было ответом на тяжесть и величие барокко, его попытка утонченности была только легкой для своего времени.Более поздние движения смотрели на это как на богатое само по себе.

Рококо тяготеет к плавности линий, цветочным мотивам, изяществу и женственности. Французская аристократия была великими покровителями этого периода по сравнению с флегматичной церковью позднего барокко. Таким образом, в стиле рококо чувствуется игривая и остроумная сущность.

В этот период был отмечен сплоченность дизайна, так что живопись была не просто картиной и комнатой, а не просто комнатой, но все элементы были разработаны вместе или, по крайней мере, с осознанием наличия соседних элементов.Дизайн комнаты состоял из множества украшений в виде позолоченных стульев, зеркал и штукатурки, а рисунки присутствовали на коврах и рельефах на стенах.

Украденный поцелуй — искусство рококо.

Цвета того периода были частично определены дизайном интерьера, в котором предпочтение отдавалось чередованию изящных гипсовых изгибов S и C и других гипсовых украшений в форме раковин на стенах. Некоторые из них были позолоченными, и золото обычно было самым тяжелым цветом в комнате, поскольку большинство других цветов были пастельными или светлыми по своей природе.Зеркала подчеркнули просторность помещения, а их позолоченные рамы добавили роскоши в комнате.

Истоки и историческое значение искусства рококо:

Корни рококо уходят в поздний барокко, когда архитекторов из Италии соблазняла церковь на север, а их работы видели богатые семьи тех регионов, которые они посетили. Они поручили этим художникам и архитекторам спроектировать свои дворцы.

Когда Людовик XIV занял трон и переместил центр придворной жизни из Версаля, рококо захватило французское общество.Людовик XV будет «вечным юношей», поэтому игривый характер и утонченность стиля рококо хорошо подходили для его правления.

Качели — искусство рококо

Стиль был распространен путем воздействия через иллюстрации французских граверов в печатных изданиях и из уст в уста. Его прием за границей был немного насмешливым по отношению к архитектуре, но дизайн его серебряных и золотых предметов был оценен. Британия увлекалась фарфором и тканями того периода и внедряла некоторые принципы рококо в свои ткани и керамику.

«Представьте, что вы застряли в кресле-коляске с электроприводом, чтобы вы могли просто слегка двигать руками или вообще не двигать руками, а затем внезапно с рукой вы можете есть самостоятельно, пить самостоятельно, а не иметь опекуна, которая приходит к вам домой, чтобы кормить вас ». — François Boucher

Изобразительное искусство в период рококо вышло за рамки внутреннего убранства, и стиль этого периода проявился в живописи и скульптуре.

Художники с любовью использовали пастель, свет и цвета, которые пробуждали более женственную и нежную сущность, чем суровые, смелые и драматические картины периода барокко.Испытуемые были склонны к сценам веселья, причуд, смеха и любви и иногда включали позитивных мифических существ, ангелов и херувимов. Пейзаж утратил резкость и величие в пользу спокойствия и пасторальности. Пейзажи часто включали людей.

Туалет Венеры — искусство рококо

Что касается скульптуры, то мрамор в основном оставили позади, чтобы пропустить более легкий и нежный фарфор. Фарфоровая скульптура следовала тем же предметам, что и живопись, с акцентом на счастье, легкомыслие и флирт.

«Если нужно, я бы даже попкой красил». — Жан-Оноре Фрагонар

Конец рококо, когда авторы, художники и активисты указали на поверхностность аристократии и легкомыслие связанных с ней художественных стилей. Немцы считали этот период временем «косичек и париков».

На смену рококо пришел неоклассицизм, который стремился к гармонии после двух периодов избытка.

Основные моменты искусства рококо:

• Рококо имеет небольшое влияние восточных источников и включает в себя его природные мотивы и асимметрию.
• Британский дизайнер мебели Томас Чиппендейл позаимствовал некоторые элементы своего дизайна у стиля рококо.
• Некоторые примеры произведений искусства в стиле рококо намекают на аморальность, сексуальные намеки и флирт, что полностью контрастирует с интересом предыдущей эпохи к религии в живописи.
• Посетители дворцов в стиле рококо в Италии иногда разочаровывались, заходя на величественный фасад и обнаруживая, что их собственная комната не украшена.
• Отчасти успех этого периода обязан тщеславию французской аристократии того времени.Их очень вдохновляли мода и тенденции в мысли, литературе, искусстве и особенно в тщеславии.
• Мадам де Помпадур, любовница короля и авторитет во всем стильном, была главным покровителем искусства рококо во Франции. Для любовницы было очень необычно играть такую ​​роль, и, когда она стала известна, она стала ассоциироваться с этим стилем. Она заказывала свои портреты. Простые люди не были впечатлены ее расточительной тратой богатства на то, что начинало считаться декадентским, дегенеративным искусством.

Искусство рококо Лучшие работы:

• Урок любви — Жан-Антуан Ватто
• Украденный поцелуй — Жан-Оноре Фрагонар
• Диана после охоты — Франсуа Буше
• Дама в саду пьет кофе с некоторые дети — Николя Ланкре
• Туалет Венеры — Франсуа Бушерв
• Качели — Жан-Оноре Фрагонар
• Посадка на Цифру — Жан-Антуан Ватто
• Купальщицы — Жан Оноре Фрагонар

Порядок по периоду происхождения)

Dawn of Man — 10 до н.э.

Искусство палеолита (Dawn of Man — 10 000 до н.э.), неолитическое искусство (8000 до н.э. — 500 н.э.), египетское искусство (3000 до н.э. — 100 н.э.), древнее ближнее Восточное искусство (эпоха неолита — 651 г. до н.э.), искусство бронзового и железного веков (3000 г. до н.э. — дебаты), эгейское искусство (2800-100 гг. До н.э.), архаическое греческое искусство (660-480 гг. До н.э.), классическое греческое искусство (480-323 г. до н.э.) , Эллинистическое искусство (323 г. до н.э. — 27 г. до н.э.), Этрусское искусство (700 — 90 г. до н.э.)

1–10 веков

Римское искусство (500 г. до н.э. — 500 г. н.э.), кельтское искусство.Парфянское и сасанидское искусство (247 г. до н.э. — 600 г. н.э.), степное искусство (9000 г. до н.э. — 100 г. н.э.), индийское искусство (3000 г. до н.э. — настоящее время), искусство Юго-Восточной Азии (2200 г. до н.э. — настоящее время), китайское и корейское искусство, японское искусство (11000 г. до н.э.) — Настоящее время), Раннехристианское искусство (260-525 гг. Н.э., византийское искусство (330-1453 гг.), Ирландское искусство (3300 г. до н.э. — настоящее время), англосаксонское искусство (450-1066 гг. Н.э.), искусство викингов (780-1100 гг. Н.э.), Исламское искусство (600 г. до н.э. — настоящее время)

10–15 веков

Искусство доколумбовой эпохи (13000 г. до н.э. — 1500 г. н.э.), искусство североамериканских индейцев и инуитов (4000 г. до н.э. — настоящее время), африканское искусство (), океаническое искусство (1500 — 1615 г. н.э.), Каролингское искусство (780-900 гг.), Оттоновское искусство (900-1050 гг.), Романское искусство (1000 г. — 1150 г.), готическое искусство (1100-1600 гг.), Выживание в античности ()

Искусство История — 15 век и позже

Стиль Возрождения (1300-1700), Северное Возрождение (1500-1615), Маньеризм (1520-17 век), Барокко (1600-1700), Рококо (1600-1700), Неоклассицизм (1720 — 1830), Роман тицизм (1790-1890), реализм (1848 — настоящее время), импрессионизм (1860 — 1895), постимпрессионизм (1886 — 1904), символизм и ар-нуво (1880-1910), фовизм, экспрессионизм (1898-1920), кубизм .Футуризм (1907-1928) Абстрактное искусство (1907 — наши дни), Дадасим ,. Сюрреализм (1916-1970). Латиноамериканское искусство (1492 г.