Рококо в живописи: художники и художники эпохи

Слово «рококо» сочетает французское слово «рокайль» (ракушка, декоративная раковина, дробленый камень) и «барокко» — итальянский стиль искусства, предшествующий рассматриваемому периоду. Барокко характеризуется пышностью, яркостью, динамичностью, стремлением к излишествам и роскоши. Рококо в живописи стал более утонченным и интимным аналогом барокко. Родиной стиля считается Франция, где направление развивалось в период с 1720 до 1760 года. Не смотря на появление других направлений, рококо сохранялся в качестве излюбленного стиля верхушки общества до конца столетия.

Термин «рококо» для обозначения стиля начали использовать в XIX столетии. Изначально он определял вид оформления гротов и фонтанов при помощи натурального камня. Цель декора – создать иллюзию природных окаменелостей, симметричных или ассиметричных. Во времена появления стиля, художники и критики называли его проявлением дурного вкуса, поскольку в стиле отсутствовала эстетика и практичность.

Зарождение стиля

Одна из теорий появления рококо – презентация идейного измельчания барокко. Считается, что роскошное направление с серьезной наполненностью превратилось в способ декора, который использовали художники Франции, России, Италии. В итоге – декоративные детали остались, а смысл утратился.

Французская культура была влиятельной, диктовала моду другим странам. Благодаря Людовику XIV, Франция стала маяком искусства, моды и культуры. На троне Людовика XIV сменил Людовик XV. Развитие стиля рококо связано с новым монархом и мадам де Помпадур.

Рококо не отражает политическую и экономическую реальность времени. Это характерно для Франции, России, Италии. Это было движение искусства, которое не было никак связано с рабочим классом, простыми людьми, отображало излишества придворной жизни знати. Характерно, что ни церковь, ни правительство не играли никакой роли в подъеме этого художественного движения.

Смотрите это видео на YouTube

Это художественное направление прекрасно иллюстрирует вкус французского высшего общества в то время, подытоженный словами Э. Шатле: «Нам нечего делать в мире, кроме поиска приятных ощущений и чувств». Рококо – замена барокко, его смысловая противоположность:

• Рококо – презентация праздности, направление существовало вне практичности, в нем не было места патриотизму, экономии или функциональности. Целью этого направления в искусстве было украшение домов, подчеркивание роскоши и богатства. Существовал спрос на всевозможные средства украшения интерьера, поэтому направление быстро проникло в скульптуру, дизайн, живопись, архитектуру.
• Характеризуется отсутствием глубины в изображении высшего класса, личных предпочтений высшего общества.
• Рококо не было интеллектуально глубоким, провокационным или сложным. У этого стиля были другие цели: не поклонение религии или возвышение власти, декор помещений жилого назначения.
• Развитие стиля стало реакцией против формализации стиля барокко. В то время как барокко было серьезным, рококо отражало игривость, флирт, легкость.
• Искусство барокко отображает героизм, библейские сюжеты, рококо отображает романтику, игры, роскошную сторону жизни богачей.
• Религиозные или политические темы барокко были заменены беспечными сюжетами, которые вращаются вокруг удовольствия. В барокко художники использовали темные, глубокие, насыщенные цвета, в стиле рококо используются мягкие и яркие оттенки, которые источают оптимизм.
• С предыдущим пунктом также связаны параметры полотен: барочные работы были монументальными, поскольку создавались для привлечения внимания к сюжету, а картины в направлении рококо использовались для жилых помещений, украшения будуаров, салонов. По причине особенностей стиля, он не пользуется успехом у критиков и искусствоведов.

Критики называли рококо модной причудой, которая возникла и быстро прошла, они осудили художественный направление за несерьезность и безвкусицу. Некоторые отмечали, что рококо – это презентация распущенности, пропаганда бесцельности существования. Одним из критиков стиля был Вольтер. Интеллектуалы стали движущей силой, борющейся с прекращением развития стиля.

Характерные черты

1. Изображение беззаботной жизни представителей высших слоев общества. Картины не несут никакого негатива, будто бедности, проблем нет в мире. Смотря на полотна художников рококо, мы не увидим жестоких реалий времени, социальных проблем.
2. Элегантно одетые дворяне во время игры в пасторальных ландшафтах.
3. Характерны сцены ухаживания, романтики, веселья, игривости и сексуальные символы. Все, изображенное на полотне, воплощает красоту и беззаботность.
4. Возрастание интереса к мифологическим темам.
5. Для эпохи характерны пастельные цвета, то есть мягкие и светлые оттенки, гармонично дополняющие друг друга.
6. В то время как некоторые церкви были построены в и оформлены в стиле рококо, как правило, религиозный элемент не существовал в живописи.
7. Декоративная перегруженность картин, пышность – эти черты отсылают нас к стилю барокко.
8. Изящная орнаментальность.
9. Художники часто изображали херувимов.
10. На смену монументальности приходит камерность, интимность.
11. Характерной чертой является эротизм.
12. С барокко стиль связывает пышность, тяга к излишествам, доминирование плавных линий, завитков.

Идейное наполнение стиля – красота, галантность, ирреальность, идиллия, отказ от суеты и проблем мира. Направление не ограничилось распространением во Франции, был популярен в Германии, Чехии, России, где было представлено работами Рокотова и Антропова. В России появление нового направление стало периодом знакомства с европейской живописью, которая заставила пересмотреть иконописные традиции.

Известные художники

Картины рококо представлены разными жанрами – портретом, пейзажем, натюрмортом. Представители направления:

Ф.Буше (Франция)

Один из крупнейших представителей, работавший в портретном и пейзажном жанрах.

А.Ватто (Франция)

Доминирует тематика праздников, развлечений.

Дж.Тьеполо (Италия Венеция)

Работал над созданием декора для интерьера, преимущественно, фресок.

Художники Венеции создавали полотна с иллюзорными изображениями архитектурных сооружений, видов города. С расстояния пейзажи кажутся объемными.

Значение

Стиль стал новым способом мироощущения, способом пересмотреть ценности и идеалы. Развития направления позволило пересмотреть идейную наполненность картин. Впервые картины художников стали не только пропагандой, поддержкой религии или культуры, но и способом декора, который не обязательно должен поучать или наставлять зрителя. Живопись не несла морали, она была оптимистичной, радостной, светлой, где не было места социальным и политическим проблемам общества. В России, Чехии и других странах Европы рококо стало серьезной попыткой выйти за грани традиционной живописи.

Рококо в живописи: особенности стиля

Дорогие друзья, посетители и  постоянные читатели блога!

Хочу спросить, а волнует ли вас веселый и загадочный стиль Рококо? Знаете ли вы, что стиль считается самым легкомысленным, так сказать, «с легким ветерком в голове» из всех стилей в истории искусства, по словам критиков того времени? 

Мне же кажется, что среди всех стилей искусства он занимает особое место. Кстати, не только потому, что я ему очень симпатизирую! Согласитесь, само журчащее название «Рококо» уже обеспечивает часть успеха, оно интригует и запоминается.

Как всегда, законодательницей мод в искусстве выступила Франция. Именно там, в первой половине XVIII века, начал развиваться стиль Рококо, стиль легкости, изящества и беззаботности. А название «Рококо» производное от французского слова rocaille, что означает «скальный», также может переводиться как ракушка, коралл, обломки скал.

Причем тут ракушки, — спросите вы? А потому что изначально Рококо появился в декоре, а визитной карточкой стал завиток в виде морской раковины, самым ярким элементом композиций декора! А уже затем появились затейливые орнаменты, всякие милые глазу S-образные завитушечки.

Мебель с завитушками в стиле Рококо

Надо отметить, что эпоха Рококо — это стремление к свободе и непринужденности, освобождение от канонов и требований. То есть уход от стиля Барокко, который тогда находился в расцвете. А главной идеей Рококо является красота, идиллия, отказ от проблем и реальности, такая счастливая красивая жизнь.

Появление стиля Рококо в искусстве было закономерным. Как это часто бывает, публика пресытилась излишней пышностью, вычурностью и тяжеловесностью Барокко. И вот в начале XVIII века в декоре парковых павильонов появилось нечто новое, легкое и непринужденное.

На фото:
Слева — Франсуа Буше «Завтрак» 1739 г, на картине можно увидеть элементы интерьера того времени
Справа — неизвестный художник, на картине аристократка в одежде того времени

Стиль Рококо в живописи

А дальше все очень просто: появился спрос на подобные украшения, а затем и мода. С этого момента стиль Рококо стал активно распространяться по странам Европы. Что же касается видов искусства, то наиболее ярко он проявился в архитектуре и живописи.

Архитектура Рококо с игривостью противостоит строгой симметричности и парадности сооружений Барокко. Построенные в эпоху Рококо дворцы и храмы и сейчас радуют изысканностью форм, приветливостью и веселой красотой. Чаще всего, в этих сооружениях почти полностью отсутствуют прямые линии.

Как, это же архитектура, — скажете вы? Просто все эти линии старательно замаскировывались растительными орнаментами, плавными изгибами, кокетливыми карнизами и другими затейливыми элементами.

Архитектура в стиле Рококо

Но еще более ярко стиль Рококо выразился в декоре интерьеров! Сложные лепные узоры, завитки, гирлянды – все это создавало впечатление сказочной роскоши и живописной легкости. Картину интерьера дополняли многочисленные зеркала и хрустальные люстры.

Интерьеры эпохи Рококо

Для оформления в стиле Рококо кроме традиционных пастельных тонов, часто использовались золотистые и жемчужно-серебристые оттенки. Что и сказать, интерьер получался роскошный, даже сказочный! Помещение, украшенное таким декором, казалось изнутри невероятно красивой шкатулкой.

Чем отличается Рококо от Барокко?

• Самое главное отличие стилей, это их происхождение. Искусство Барокко в своем начале религиозное,  так как основным заказчиком картин была церковь, а Рококо — чисто светское, аристократическое. Ни правительство, ни церковь не покровительствовали в подъеме стиля Рококо

• Для Барокко характерна масштабность, монументальность и строгая симметричность. А Рококо напротив – изящный, построен на асимметрии.

Примеры картин эпохи Барокко и Рококо

• Барокко свойственны темные, контрастные, яркие цвета. А Рококо, будто бы играючи, все поменял: для него характерны мягкие цветовые переходы и светлые пастельные тона.

• Стиль Барокко создает театральность и торжественность, а Рококо – мягкую утонченность и галантность.

Характерные черты стиля Рококо в живописи

Основоположником Рококо в изобразительном искусстве стал французский живописец Жан Антуан Ватто (Antoine Watteau). Вначале он копировал картины фламандских мастеров, а со временем нашел свою тему в живописи. Он стал писать милые легкие картинки из жизни аристократов, и это было началом нового галантного жанра. А затем и нового стиля в живописи – Рококо.

Картины Рококо живописца  Жана Антуана Ватто

Картины Рококо наполнены, как сейчас сказали бы, няшностью. Полный уход от проблем современного мира и жестоких реалий, только идиллия и наслаждение жизнью. Элегантно одетые персонажи, находящиеся на фоне красивой природы, играющие, отдыхающие – традиционный сюжет картины Рококо.

В эпоху Рококо художники постоянно находились в поиске особенных изысканных оттенков. Были модными неестественные цвета, которых практически не встречалось в природе. Так вот, некоторые редкие оттенки даже получали милые названия за свою красоту.

Например: «голубиная шейка» (понятно, что голубой цвет), а вот как выглядел «цвет потерянного времени» или «цвет бедра взволнованной нимфы» даже догадаться сложно! Кстати, cuisse de nymphe émue (бедро взволнованной нимфы) считается бледно-розовый цвет, и даже есть розы с таким чудесным  названием! 

Картина Рококо и роза «cuisse de nymphe émue»   

На заметку: Франсуа Буше, автор пасторального жанра и живописец Рококо, считал, что природа несовершенна, к тому же часто природному сюжету недостаточно освещения. Поэтому он добавлял изумрудные, розовые и бирюзовые оттенки, делая  свою живопись яркой и радостной.

Примеры картин Франсуа Буше (François Boucher)

Слева — «Венера, утешающая Амура» («Venus Consoling Love»), 1751г.
Справа —  «Птичья клетка» («La cage d’oiseaux»), 1750г.

Картины Рококо Франсуа Буше

На заметку: Стиль Рококо иногда называли «стилем Помпадур». Почему? Да потому что мадам де Помпадур, фаворитка короля Людовик XV , была настоящей иконой стиля того времени! Маленькие, почти кукольные, ручки и ножки, изящная обувь, эротичное декольте, складочки, рюшечки, розочки, бантики… Такой она предстает на картинах художников того времени.

На фото: Франсуа Буше «Портрет мадам де Помпадур)

Стиль Рококо в живописи — Франсуа Буше

А знаете ли вы, кто сделал Францию центром культуры, искусства и моды? Именно король -солнце, как его называл французский народ, Людовик XIV! Со времен рассвета стиля Барокко на территории Франции все и началось, потом засветил поярче «культурный маяк» и последователь трона-  Людовик XV. Так с легкой руки короля, Франция до сих пор считается центром искусства и моды…

Еще одна особенность стиля Рококо в живописи – это отношение к внешнему виду персонажей. Герои картин все как на подбор румяные, нежные и холёные. Причем, это касается не только дам, но и мужчин. Стало модным иметь румяный вид, что подразумевало крепкое здоровье и молодость. Именно в этом был секрет стиля: неувядающая молодость и красота!

На фото: 
Элизабет Виже-Лебрен, «Портрет мадам Дюбарри» 1782г.
Густаф Лундберг, «Портрет Франсуа Буше» 1741г.

Рококо в живописи

Кстати, как вы думаете, кто рисует больше, мужчины или женщины и почему? Читайте мою статью с примерами, надеюсь, она вам понравится. А здесь вы можете почитать об малоизвестных художницах Франции, например, об Элизабет Виже-Лебрен, чья картина находится выше.

Вот и получается, что Основная идея Рококо в живописи — запечатлеть  вечную молодость и красоту! В картинах персонажи как бы изящно убегали от реальности, показывая всем своим существованием радостную беззаботность.

Как ни странно, но характерной чертой Рококо в живописи также является… эротика. Получилось, что в это время было полностью пересмотрено отношение к обнаженному телу. Художники еще со времен античности писали обнаженную натуру, но теперь в этих картинах добавился привкус соблазна и сладострастия.

Кстати, именно это служило темой для критики шедевров французских живописцев Франсуа Буше и Жана Оноре Фрагонара. Уж слишком откровенными и манящими выглядели молодые дамы на картинах этих художников!

На фото: 
Слева —  Фрагонар «Девочка играющая с собачкой» 1770г.
Справа — Франсуа Буше «Геркулес и Омфала» 1731г.

«Манящие» картины в стиле Рококо

Критики того времени осуждали не только картины, но и все направление в целом. Они считали, что стиль несерьезен и безвкусен. Многие отмечали, что стиль Рококо несет распущенность в массы и не имеет эстетики …. Только вечная моложавость, беззаботность и любовь! Это критики того времени высказывали свое мнение по поводу стиля, а сейчас, современные критики искусства оценивают стиль совершенно иначе!

Кстати, стиль Рококо имеет популярность и в современной моде, и даже отражается в картинах многих современных художников

Стиль рококо в современной моде

В моей творческой деятельности есть совершенно разные картины, написанные в разных стилях, жанрах и направлениях. В том числе имеются и картины в современной интерпретации стиля Рококо. Выставляла их на выставке современного искусства во Франции.

Я заметила, что к картинам современного Рококо проявляется интерес, возле них задерживаются и задают вопросы. Поверьте, для творческого свободного художника это хороший знак, чтобы и дальше проводить эксперименты в картинах!

Картины Рококо в современной интерпретации

В картинах на фото выше, помимо краски, я использовала натуральные стразы, для ожерелья, папье маше для головного убора и нижней части платья, а также маленькие кусочки зеркала. В таком виде картина выглядит куда интереснее, ведь живопись и микс медиа на холсте относится к новым направления в искусстве!

Видео для размышления:  Зачем нам нужны картины и По какому принципу мы  их выбираем?

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

10 произведений, определивших стиль рококо

Искусство

Рэйчел Лебовиц

29 мая 2018 г. 16:41

После смерти короля Людовика XIV в 1715 году культурный центр французской элиты переместился из королевского дворца в Версаль и к частным домам в Париже. Эта более личная среда нашла свое художественное выражение в рококо, которое представляло собой отказ от формального величия искусства барокко. Получив свое название от французского слова rocaille (означающего камень или гальку), которое первоначально относилось к склонности эпохи Возрождения к украшению искусственных гротов ракушками и камнями, рококо зародился как стиль дизайна интерьера, предпочитаемый высшим городским классом.

Рококо, характеризующееся элегантностью, легкомыслием, цветочными мотивами, приглушенными цветами и изогнутыми асимметричными линиями, вскоре распространилось на живопись, где его эстетика сочетается с темами чувственной любви и природы. Стиль быстро распространился на остальную часть Франции, а затем в Германию, Австрию, Англию и другие европейские страны.

Несмотря на то, что в конце концов он потерял популярность из-за своей кажущейся легкомысленности, в то время как сторонники неоклассицизма преобладали в популяризации более сдержанного стиля, живопись рококо остается очаровательной — не только своими сладкими красками, но и своей игривостью, сочетанием натурализма. и украшение, и праздник отдыха, любви и молодости. Далее следуют 10 знаковых произведений искусства, которые иллюстрируют рококо в его различных итерациях, от мифологических сцен до исторических портретов, от пышных пейзажей до роскошных интерьеров.

Jean-Antoine Watteau,

Pilgrimage to Cythera (1717)

Jean-Antoine Watteau

Pélerinage à l’île de Cythère (Pilgrimage to Cythera) , 1717

Musée du Louvre

Permanent collection

Жану-Антуану Ватто приписывают рождение живописи в стиле рококо. Сочетая влияние фламандского мастера Питера Пауля Рубенса и гигантов венецианского Возрождения, таких как Тициан и Паоло Веронезе, с театром, Ватто создал динамичные композиции в блестяще сформулированных цветах. Он представил природу как идиллическую и дикую. Эти качества продолжали вдохновлять более поздних великих рококо, в том числе Жана-Оноре Фрагонара и Франсуа Буше.

Паломничество на остров Кифера (1717), известное также как Посадка на Китеру , пожалуй, самая известная работа Ватто. На картине пышный пейзаж в стиле ренессанс сочетается с аллегорической сценой, в которой группа пар либо возвращается, либо направляется (ученые расходятся в своих интерпретациях) с Киферы, небольшого греческого острова, расположенного недалеко от мифического места рождения Афродиты. долгое время ассоциировался с богиней любви. Каждая из трех пар на переднем плане представляет собой разную фазу ухаживания, а летящие амуры, взлетающие в небо, сигнализируют о любовных ассоциациях острова.

Выполненная в течение пяти лет работа ознаменовала поступление Ватто в Королевскую академию живописи и скульптуры. Приняв картину длиной более 6 футов, которая в настоящее время висит в Музее Лувра, Академия также официально признала новый жанр, положивший начало живописи в стиле рококо: galante . Показывая придворных персонажей в идеализированной пасторальной обстановке, этот жанр отражал период французского Регентства — время между смертью Людовика XIV и правлением Людовика XV, когда Филипп II правил как регент. Это была эпоха мира и процветания, когда люди упивались празднованием ритуалов ухаживания.

François Boucher,

Triumph of Venus (1740)

François Boucher

Triumph of Venus , 1740

Nationalmuseum, Stockholm

9002. Франсуа Буше создавал гравюры по рисункам Жана-Антуана Ватто. Позже он отправился в Италию, чтобы изучать как венецианское барокко, так и голландскую пейзажную живопись 17-го века. Вернувшись в Париж в начале 1730-х годов, Буше получил признание как художник больших мифологических сцен, таких как его ликующие Триумф Венеры (1740 г.), на котором изображена богиня Венера (она же Афродита) после ее рождения из морской пены в сопровождении водяных нимф, тритонов (водолазов) и херувимов-путти. Обильная розовая плоть изобилует цветом и конфигурацией обнаженных фигур, которые перекликаются с розово-белым поясом, парящим над группой.

Хорошо сбалансированная, но активная, беззаботная, но сексуально заряженная сцена олицетворяет рококо своей энергией и палитрой и указывает на дальнейшее развитие Буше игривого чувства эротики как определяющего элемента жанра. Чрезвычайно популярные в свое время работы Буше были преобразованы в гравюры, фарфоровые статуэтки и гобелены, а за пять лет до своей смерти он стал первым художником короля и директором Королевской академии, двух высших должностей во французском искусстве. мир в то время.

Жан-Оноре Фрагонар,

Встреча (из «Любви пастухов») (1771–72)

Жан-Оноре Фрагонар

Встреча (из «Любви пастухов»)6 ,6 , -1773

Коллекция Фрика, Нью-Йорк

 

Размещенная в коллекции Фрика в Верхнем Ист-Сайде Манхэттена, картина Жана-Оноре Фрагонара «Встреча » (1771–1772 гг.) была заказана как часть набора из четырех картин для Кинга. Любовница Людовика XV, графиня дю Барри. Вместе эти панели «Прогресс любви» иллюстрируют развитие романтических отношений. Второй в сете, Встреча показывает сцену, которая происходит после того, как молодая женщина принимает предложение руки и сердца своего возлюбленного; любовник взобрался на ограду сада, чтобы украсть частную минуту со своей невестой. Работа раскрывает обучение Фрагонара исторической живописи, поскольку он наполняет интимную любовную сцену величием и драматизмом.

Как и Франсуа Буше, в мастерской которого он когда-то работал, Фрагонар находился под влиянием как итальянского барокко, так и голландской пейзажной живописи. Однако быстрые, живописные мазки, которыми прославился Фрагонар, представляют эволюцию поколений в рококо, а в Встреча , художник продемонстрировал свое мастерство в работе с различными текстурами, от вздымающихся облаков до пестрых листьев и цветов, а также тщательно сложенными тканями одежды пары. Вероятно, из-за того, что они не были достаточно неоклассическими, графиня вернула картины Фрагонару, который создал еще семь работ из этой серии.

Морис-Кантен де Латур,

Портрет маркизы де Помпадур (1748–1755)

Морис-Кантен де Латур

Portrait en pied de la marquise de Pompadour (Портрет маркизы де Помпадур)

Лувр

Постоянная коллекция письменный стол, на котором лежит пьеса, энциклопедия, тексты Вольтера и Монтескье, глобус и гравюра. Блестяще выполненный пастелью — фирменной техникой Мориса-Кантена де Латура — этот портрет маркизы в полный рост демонстрирует мирские таланты, ум и любовь модели к искусству.

Подруга и бывшая любовница Людовика XV, маркиза покровительствовала таким великим мыслителям, как Дени Дидро и Жан-Жак Руссо. Она стремилась убедить короля отстаивать идеи Просвещения, которые пронизывали парижское общество. Несмотря на серьезность картины в продвижении этой цели и ее относительную сдержанность, что проявляется в отсутствии у маркизы украшений и простой прическе, она, тем не менее, демонстрирует некоторую прихоть рококо в голубых оттенках и цветочных мотивах, которые переплетаются по всей композиции, визуально объединяя модный стиль маркизы. , роскошное платье с ее окружением. Это свидетельство выдающихся навыков де Латура в этой области, которые он использовал, чтобы перенести традиционно формальную портретную живопись в более личную, психологическую сферу.

Луис Парет и Алькасар,

Карл III, обед в суде (ок. 1775)

Луис Парет и Алькасар, Карл III, обед в суде , ок. 1775. Музей Прадо. Фото с Викисклада.

Луис Парет-и-Алькасар, известный как «испанский Ватто» благодаря умелому подражанию французскому стилю рококо, начал и закончил свою жизнь в Мадриде, где сегодня висит его картина «Карл III, обедающий перед судом» (ок. 1775 г.). Национальный музей Прадо. Картина, написанная маслом на доске, компенсирует свои скромные размеры роскошным, негабаритным интерьером, который он изображает с замечательными деталями. На картине изображен король Испании Карл III, обедающий в Королевском дворце в Мадриде в сопровождении гончих, послов, министров и слуг, включая того, кто подает ему воду и вино, преклонив колено.

В реальном аналоге этой церемонии представители публики наблюдали бы, как королевская семья ест в своих покоях. Художник вставил в картину мифологические сцены, представляющие такие темы, как любовь, патриотизм и охота, что, по сути, усилило зрелищность, окружающую то, что является необычным предметом королевской портретной живописи. Считается, что эти виньетки с юмором намекают на внутренние мысли короля. Добавляет шутливости и загадочности произведению то, что его покровитель неизвестен (скорее всего, это был , а не по заказу Карла III), и художник подписал свое творение греческими буквами: «Сделал это Луис Парет, сын своих отца и матери».

Джамбаттиста Тьеполо,

Бракосочетание императора Фридриха и Беатриче Бургундских (1751–1752)

Джамбаттиста Тьеполо

Бракосочетание императора Фридриха и Беатрис Буркогунской , Residenz , 1751-1752

Вюрцбург, Германия

 

Уроженец Венеции художник Джамбаттиста Тьеполо был приверженцем Великого Манера, стиля, восходящего к Высокому Возрождению. Таким образом, его использование цвета и его возвышенные сцены на ярких открытых пространствах демонстрируют сходство с мастером венецианского Возрождения Паоло Веронезе. Тем не менее, Тьеполо также хвалят за его вклад в итальянское рококо, которое было основано как на его французском аналоге, так и на более воздушной итерации предыдущего барокко. Его фрески в немецкой Вюрцбургской резиденции, спроектированной Бальтазаром Нейманом, являются одними из самых известных его работ, олицетворяющих использование им точной перспективы и ярких цветов.

В Бракосочетание императора Фридриха и Беатриче Бургундских (1751–1752 гг.) Тьеполо увековечивает фрагмент местной истории 1156 года, добавляя ему причудливости. Действие происходит в богатом архитектурном пространстве, изобилующем арками, колоннами и балконом, с которого играют музыканты. Путти держит золотой занавес по обеим сторонам богато украшенной авансцены, как будто открывая театральную декорацию. Обрамленный внутри, епископ Вюрцбургский председательствует над коленопреклоненной парой, королевской семьей и отцом невесты; в юмористическом ключе придворный шут распластывается по ступеням алтаря, спиной к зрителю. Среди темно-красных, ржавых и золотых оттенков роскошное платье Беатрис — квинтэссенция рококо в бледно-голубых и кремовых тонах — венчает беззаботную композицию.

Жан-Франсуа де Трой,

Признание в любви (1731)

Жан-Франсуа де Трой, Признание в любви , 1931 год. Фото с Wikimedia Commons.

Жан-Франсуа де Трой получил образование художника-историка сначала у своего отца-художника, а затем в Риме, где в 1738 году он стал директором Французской академии этого города. Но его новшеством был жанр tableau de mode : прямые, подробные сцены досуга состоятельных людей. Часто сравнивают с более общей и вневременной 9 картиной Жана-Антуана Ватто.0009 Галантный праздник сцен, картинок сознательно документируют определенный период времени и социальную обстановку.

Признание в любви (1731) является определяющим образцом жанра. На этой веселой картине маслом группа благовоспитанных дам и джентльменов останавливается возле сада, а один из молодых людей становится на колени и преподносит своей возлюбленной букет цветов. По обеим сторонам от дам три джентльмена почти сливаются с окружающей средой, поскольку их серо-коричневые наряды сочетаются как с землей, так и с классической садовой стеной. Дамы, однако, появляются в скоординированных причудливых платьях с цветочными точками розового, синего и белого цветов, что, наряду с наружной обстановкой и романтической темой, создает визуальный праздник рококо.

Elisabeth Louise Vigée-Le Brun,

Marie Antoinette в придворном платье (1778)

Elisabeth Louise Vigée-le Brun

Marie Antoipet Antiopett Le Brun» в RMN Grand Palais

 

Элизабет Луиза Виже-Ле Брюн нарушила традиции, и не только своей зубастой улыбкой. Родившись в Париже в то время, когда женщинам отказывали в формальном художественном образовании, она получила образование у своего отца, хотя в основном была самоучкой, и к 15 годам стала успешным профессиональным художником. В 28 лет благодаря заступничеству Людовика XVI и Марии. Антуанетта, она получила место в Королевской академии живописи и скульптуры, присоединившись к трем другим женщинам.

Будучи официальным портретистом Марии-Антуанетты, 22-летняя Виже-Лебрен впервые нарисовала печально известную королеву в 1778 году по воле матери Марии, императрицы Австрии Марии Терезии. Возвышаясь почти на 9 футов, портрет в полный рост помещает королеву рядом со столом, стулом, большой колонной и скульптурой, но Мария, великолепная в сияющем атласном платье, привлекает внимание даже в загроможденной композиции.

Драпировка, замысловатые узоры и цветочные элементы здесь соответствуют эстетике рококо, но, хотя Виже-Ле Брен придерживалась колорита и сюжета рококо, ее творчество колеблется между этим стилем и неоклассицизмом, который его вытеснил. Покинув страну, когда началась Французская революция, она продолжила плодотворную карьеру в Италии, Австрии, Германии и России, прежде чем в конце концов вернуться во Францию. Всего Виже-Ле Брен написала более 600 портретов, подавляющее большинство из которых изображают женщин.

Уильям Хогарт,

Поселение (из «Брак a-la-mode») (1742–44)

William Hogarth

Поселение , 1742-1744

.

Уильям Хогарт известен своими революционными, нравственно поучительными работами, в которых карикатура используется для того, чтобы с юмором указать на пороки британского общества 18-го века. Известные серии лондонского гравера и художника, такие как «Прогресс повесы» и «Женитьба по-модному», также демонстрируют явный уклон в стиле рококо, хотя и в британской вариации, поскольку Хогарт высмеивает en-vogue 9.0009 картин моды картин таких художников, как Жан-Франсуа де Труа.

«Женитьба по-модному» (1742–1745 гг.), например, рассказывает историю вымышленного графа Сквандера, который планирует женить своего сына на дочери купца. Первая работа в серии, Поселение (1742–1744 гг.), намекает на моральные недостатки и притязания участников матча: граф величественно сидит рядом со свитком, в котором подробно описывается его генеалогическое древо, а торговец пытается купить социальный статус. через матч; тем временем молодая пара игнорирует друг друга. Она выглядит удрученной, потому что он вернулся из континентальной Европы не только в своем модном парижском наряде, но и с сифилисом, о чем свидетельствует черная метка на шее. Две собаки, прикованные к их ногам, символизируют их злополучную пару. Используя сатирический потенциал рококо в отчетливую, мощную форму, Хогарт обнажил неприглядную изнанку под очаровательной беззаботной поверхностью.

Томас Гейнсборо,

Голубой мальчик (ок. 1770)

Томас Гейнсборо, Голубой мальчик , ок. 1770 г. Фото с Викисклада.

Рококо закрепилось в Англии во многом благодаря французскому художнику Юберу Франсуа Гравело, который жил в Лондоне, когда Уильям Хогарт основал Академию Св. Мартина Лейн в 1735 году. Школа стала резиденцией английского рококо, как Гравело, сам бывший ученик Франсуа Буше, распространял рисунки и гравюры в стиле рококо в качестве учителя. Одним из самых известных его учеников был Томас Гейнсборо. Знаменитый портретист, настоящей любовью Гейнсборо был пейзаж, и его портреты уместно исследуют динамику между человеческими фигурами и их окружением, напоминая об интересе рококо к модно одетым людям на открытом воздухе.

«Голубой мальчик » (ок. 1770 г.) — одна из самых узнаваемых работ Гейнсборо — изображает розовощекого мальчика в элегантном, детализированном наряде на более живописном фоне, создавая контраст между изящной фигурой и деревенским окружением. Под влиянием фламандского художника 17-го века Энтони ван Дейка лазурный костюм мальчика был одной из первых попыток Гейнсборо нарисовать наряд в стиле ван Дейка. Возможно, это также было опровержением художника его сопернику Джошуа Рейнольдсу, который утверждал, что холодные цвета, такие как синий и зеленый, не должны занимать видное место в произведении искусства.

Одновременно виртуозный и интимный портрет в натуральную величину, на котором, скорее всего, изображен Джонатан Баттолл, сын зажиточного торговца и висит в библиотеке Хантингтона в Сан-Марино, Калифорния, отражает увлечение Гейнсборо стилем рококо. игра между фантазией и реальностью.

Рэйчел Лебовиц

Понимание искусства рококо – журнал Artsper

Три часа в стиле рококо, 18 век

Искусство рококо – трудно поддающееся определению художественное движение 18 ^– веков, которое охватывает многие области. Искусство рококо охватывает архитектуру, а также живопись, музыку, дизайн, внутреннее убранство и даже литературу. Вслед за барокко искусство рококо определяется в основном фантазией и легкомыслием форм и тем, к которым они обращаются. Он имел большой успех во Франции, а затем и в остальной Европе. Давайте познакомимся с искусством рококо…

Истоки искусства рококо

Конечно, если бы существовал кулинарный эквивалент искусства рококо, то нужно было бы представить себе большой торт, покрытый сахарной пудрой, взбитыми сливками, маленькими рисунками и пралине, потому что искусство рококо щекочет наши чувства . Поэтому он предлагает зрителю антологию художественных выдумок и фантазий, призванных польстить глазу и остроумию.

Термин «рококо» изначально уничижительный. Он обозначает те художественные формы, которые происходят от барокко, художественного течения, освоившего постановку чрезмерных драматических эффектов в конце 16 века. Также забавно отметить, что мы находим ту же ссылку в используемой терминологии… Во-первых, термин «барокко» произошел от португальского слова «barroco» и обозначал неправильную жемчужину. Во-вторых, термин «рококо» использует ту же фонетическую структуру и также обозначает «рокайль», эти имитации неправильных и искусственных камней, которые можно было найти в архитектуре и садах. Таким образом, термин «рококо» используется художниками-неоклассиками для насмешки над теми, кто проявляет такое мастерство в игре с этими фривольными и искусственными художественными формами.

Характеристики живописи в стиле рококо

Помимо уничижительного использования слова, термин «рококо» стал обозначать художественное движение. Ее золотой век пришелся на 18 ^й век, особенно во Франции, затем и в остальной Европе. Например, в живописи для искусства рококо характерны сцены радости жизни и веселья… Жизнь поверхностная, немного тщеславная, немного легкомысленная. Времена барочной серьезности прошли. Уступите место пасторальным сценам, херувимам, разврату и любовным историям! Такие художники, как Оноре Фрагонар, Антуан Ватто или Франсуа Буше, хорошо это понимали. Чтобы угодить этому 18 ^{-й аристократии} -го века, оставившей позади себя жесткость Версаля и Людовика XIV, надо быть легкомысленной. Поэтому в искусстве рококо повторно используются постановочные и драматические эффекты барокко, но на этот раз с более светлыми и веселыми цветами.

Nicolas Lancret, La Camargo dansant, crica 1730, Национальная художественная галерея, Вашингтон

Шедевр рококо

Escarpolette Оноре Фрагонара — шедевр искусства рококо. На нем изображена молодая дворянка, играющая на качелях (в то время называвшихся escarpolette). На заднем плане много листвы. Художник мастерски передает эти причудливые растительные текстуры. На первом плане все легкомыслие и игра. Молодая девушка качается в полном дисбалансе, в полной асимметрии. Ей так весело, что она роняет свой ботинок — он летит в воздухе. Как смешно… Она улыбается, немного задорно и игриво. Ее платье развевается во всех направлениях, яростно, в балете из шелка, кружева и завитков. Мы даже видим ее ноги: как неприлично!

Постепенно раскрывается сцена. В тени справа мы видим мужчину, с которым она пришла. Он тот, кто толкает качели. Тем не менее, он не тот, на кого мы смотрим в первую очередь, нет. Нас интригует человек слева от картины. Он был спрятан в кустах, и его сбила молодая девушка. Но он не жалуется, наоборот: его взгляд словно застыл в экстазе на нижнем белье юной девушки. По его восторженному взгляду можно только сказать, что он видит внутреннюю часть ее бедер. Молодая девушка это знает, она смотрит на него, она играет с ним: это, должно быть, ее любовник. В то время как скульптура двух маленьких херувимов, кажется, ошеломленно наблюдает за происходящим, луч света освещает другую скульптуру.

Купидон прикладывает палец к губам, говоря нам, чтобы мы молчали. Тише! Давайте останемся легкомысленными…

Оноре Фрагонар, Les heureux hasards de l’Escarpolette, 1766-1769, Коллекция Уоллеса

Разнообразие стилей в искусстве рококо

Искусство рококо волшебно, поскольку оно изображает вселенную радостей и удовольствий. Это также нашло отражение в декоративно-прикладном искусстве и архитектуре. В частности, во Франции искусство рококо часто ассоциируется со «стилем рокайль» или «стилем Людовика XV». Хотя очень похожие (если не синонимичные) историки считают, что эти стили охватывают разные реалии. Обратите внимание, что эти термины являются лишь историческими терминами, которые не использовались в то время. Следовательно, это искусственно созданные имена, а потому несовершенные.

Искусство рококо в декоративно-прикладном искусстве пережило золотой век в середине 18 века. Особенно это касается внутренней отделки, мебели и предметов, которые одновременно являются декоративными и функциональными. Вообще, мы можем найти много фантазии, с изогнутыми и асимметричными линиями, напоминающими завитки ракушек или листвы. В декоративном искусстве рококо широко используются узоры из цветов, листьев, фруктов и лент. Чтобы подчеркнуть жизнерадостность и яркость, они отдают предпочтение светлым оттенкам (белому, цвету слоновой кости и золоту) и вставке краски и зеркал во все доступные пространства.

Итак, на изделиях из железа, посуде, потолках и обрамлениях каминов, шкафах и креслах мы видим искусство рококо. В архитектуре некоторые из этих принципов также применяются, но мало во Франции. Принципы искусства рококо встречаются, в частности, в Баварии и Пруссии. И даже, в некотором роде, в великих памятниках Санкт-Петербурга.

Диван в стиле Людовика XV

Возрождение искусства рококо

Рококо со временем вышло из моды. В конце 18 века интеллектуалы выступали за возврат к более торжественному и строгому искусству. Такие люди, как Вольтер, критикуют этот стиль, который он назвал «дегенеративным» и «поверхностным». Жан-Франсуа Блондель, великий французский архитектор, назвал этот стиль «нелепой смесью ракушек, драконов, тростника, пальм и других растений». Это ознаменовало подъем неоклассицизма во главе с Жаком Луи Давидом…

Искусство рококо не умерло… Хотя оно обозначает художественное движение 18 ^го века, ограниченное во времени, интерес к нему в последние десятилетия возобновился.