ЭВОЛЮЦИЯ ПОРТРЕТА. Часть 6. РОКОКО.

«Всякий портрет, написанный с любовью, —
это, в сущности, портрет самого художника,
а не того, кто ему позировал.»
Оскар Уайльд
Поговорим о портретах, написанных в стиле «рококо», одном из тех стилей, к которому у меня лично душа не лежит, но он ознаменовал собою почти весь XVIII век, дал миру целую плеяду знаменитых художников, в картинах и портретах которых отразилась эпоха.
РОКОКО («причудливый», «капризный», фр. rococo, от rocaille — ракушка, осколки раковины), по мнению некоторых искусствоведов не является самостоятельным стилем, а лишь определенным этапом в общеевропейском барокко. Другие исследователи считают его отдельным стилем, имеющим свои отличительные черты в философии, в отношении к религии и жизни, в тематике сюжетов и в изобразительных средствах.

И если барокко — искусство в своем истоке религиозное, рококо — сугубо светское. «Барокко со страстью и серьёзностью утверждает религиозные догмы, рококо чуждо как серьёзности, так и подлинной страсти». Философия рококо — неоэпикурейство: только наслаждение составляет суть человеческой жизни, идеальное времяпровождение — беззаботный флирт на лоне природы. Любовь и праздник становятся синонимами рококо. Этот стиль — прямой и непосредственный предок современной «глянцевой» культуры.

В живописи, особенно в портрете, мы видим явные отличия от патетической торжественности, величавости и пафоса барокко, на смену которым приходят изысканность, утонченность, декоративность и театральность. Главными признаками этого стиля становятся изогнутая капризная линия, напоминающая очертания раковины, и иная гамма цветов — легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые, серебристые.
Основоположником этого стиля, в творчестве которого впервые наглядно проявились основные черты рококо, считается Антуан Ватто (1684-1721), хотя в целом творчество художника далеко выходит за его рамки.

Сам художник испытал сильное влияние творчества Рубенса, произведения которого изучал в Люксембургском дворце в Париже, но в отличие от него вносил в свои произведения интимность, лирическую взволнованность, бесконечное разнообразие оттенков чувств и настроений. Особенно это проявилось в работах, изображающих актеров, с их целым миром тончайших душевных состояний, богатством эмоциональных оттенков и чувственностью.

Он был прекрасным и неутомимым рисовальщиком, делал множество подготовительных рисунков одного и того же персонажа в бесконечных вариациях поз, движений, жестов. поворотов головы, добиваясь наиболее выразительной композиции в будущей картине.

Прожив короткую, не очень счастливую жизнь — он умер от туберкулеза в возрасти 37 лет, Антуан Ватто оставил потомкам около двадцати тысяч картин и множество последователей, которые, однако, не достигают той особой утонченности и эмоциональности, которые были присущи образам Ватто.
Одним из них был Никола́ Ланкре́ (1690—1743), писавший в духе Ватто персонажей итальянской комедии, галантные сцены, пасторали, сцены из театральной жизни и портреты, которые почему-то считаются критиками не очень удачными.

У другого представителя стиля рококо времен Ватто, Франсуа Лемуана (1688-1737), художника в основном исторического жанра, стилистические особенности рококо проявились во второй половине творческой жизни, когда он отошел от исторической тематики и стал мастером занимательных любовных сюжетов, великолепным колористом и рисовальщиком.

Не выдержав жизненных неурядиц, переживая неудачную попытку справиться с одним ответственным и сложным заказом, потеряв своего покровителя герцога Антенского, Лемуан сошел с ума и покончил жизнь самоубийством.
Крупнейшим мастером собственно стиля рококо стал ученик Лемуана Франсуа Буше(1703-1770).

Именно с его именем у меня лично ассоциируется само название стиля, именно в его творчестве наиболее ярко и наглядно проявились его худшие (на мой взгляд) черты: слащавость сюжетов, жеманность поз, манерность, «кукольность» лиц, розово-серо-серебристая «сладенькая» цветовая гамма. В его «нарядно-кокетливых», сентиментальных портретах натура сильно приукрашена , недостатки внешности сглажены, фон и даже фигуры украшены цветами, драпировками и гирляндами.

Его герои (даже мужчины) похожи на кокетливых фарфоровых кукол, чувственно-однообразных, с розовыми щечками, красными губками и пустым взглядом, глуповато-жизнерадостные и безмятежные.

Это, разумеется, мое личное восприятие творчества Буше, хотя оно отчасти совпадает с современной оценкой французских искусствоведов, отмечающих «слащавость и невысокий художественный вкус его стиля». Еще Дидро в свое время говорил о Буше: «Его распутство должно пленять щеголей, легкомыслящих женщин, молодежь, людей света, то есть всех тех, кому чужды истинный вкус и правдивость».
Наиболее известным для русскоязычного читателя является, наверное, Жан-Марк Натье (1685-1766), потому что путешествуя в 1717 году по Голландии, он познакомился там с Петром I, написал его портрет и получил приглашение стать придворным живописцем.

И хотя Натье отказался покидать Париж, но написал по заказу царя несколько портретов приближенных из свиты и картин на исторические тымы. С 1720 года художник полностью посвятил себя портретной живописи, написав большое количество портретов членов королевской семьи и высокопоставленных особ, часто изображая их в виде мифологических или библейских героев.

Можно сказать, что Жан-Марк Натье стал создателем нового жанра — исторического портрета, который существовал, конечно, в разрозненном виде и у других художников до этого, но именно его блестяще написанные портреты составляют большие и важные коллекции выдающихся деятелей Франции и России во многих музеях мира.
Пару слов об еще одном замечательном художнике-портретисте — Морис Кантен де Латур (1704—1788),

которого формально относят к стилю рококо, но его работы приближаются к реализму, получающему во второй половине века все большее распространение. Посмотрите на пастельный автопортрет, на живое чуть насмешливое выражение глаз, легкую улыбку нервного подвижного рта, свободную раскованную позу. Героями его портретов чаще всего были представители блестящей культуры французского Просвещения, люди психологически сложные, проницательные и ироничные.

Художник не льстил им, а стремился передать не только их статус и профессию, но обнажить их внутренний мир, запечатлеть мимолетное движение человеческих страстей и мыслей.
И еще одним из представителей французского рококо, о котором необходимо сказать, является Жан Оноре Фрагонар (1732–1806), ученик Буше и продолжатель его традиций в жанровой живописи, но не в портретном жанре.

Если в жанровой живописи, в своих пасторальных сюжетах художник был часто беззастенчиво эротичен и легкомыслен, то в портретах он стремился вывести своих героев из обыденной жизни, показать их взволнованность, душевные переживания, интеллектуальную возвышенность.

Это уже приближало творчество художника к тем тенденциям, которые стали характерными для романтизма 19-го века., о котором мы будем еще говорить позже.

В это же время в Италии работает Джова́нни Батти́ста Тье́поло (Джанбаттиста, 1696-1770), прославившийся в основном как мастер фресок и гравюр, ставший к середине века признанным главой венецианской школы живописи, оставивший нам и некоторое количество портретов.

Двое из его сыновей (всего у него было 9 детей) тоже стали известными художниками, старший сын Джованни Доменико Тьеполо (Джандоменико, 1727-1804) считался лишь подражателем отца. Только после смерти Тьеполо-старшего, о сыне стали говорить, как о независимом художнике, он сумел внести и свою лепту в искусство итальянского рококо.

Еще один сын Старшего Тьеполо — Лоренцо Бальдиссера Тьеполо (1736-1776), живописец и рисовальщик, тоже принадлежал, разумеется, к кругу последователей своего великого отца. После его смерти он жил в Испании при дворе короля Карла III, писал портреты и картины, используя в них испанские народные типажи.

Еще одним известным художником стиля рококо (а позже и неоклассицизма) в Италии был Батони Помпео (1708-1787), в творчестве которого, особенно в портретах, все яснее проявлялись реалистические тенденции, хотя еще и носящие поверхностный характер.

Героям его портретов всегда присущи некие общие черты: знатность, аристократическое достоинство, эмоциональность, живое выражение лиц и глаз, свободные и естественные позы.

И еще пару слов об итальянской художнице венецианской школы — это Каррера Розальба (1675-1757). Она начинала как миниатюристка на табакерках из слоновой кости, но потом перешла к портретной живописи пастелью, ею были выполнены портреты многих знатных людей, приближенных к венецианскому двору.

Живя и работая некоторое время в Париже, она познакомилась с основоположником стиля рококо Антуаном Ватто, написала с уважением и любовью его портрет пастелью .

Совершенно ослепнув к старости, она уже не могла работать, но то, что она успела сделать, принесло ей популярность и до сих пор интересует любителей живописи.
Во второй половине века еще одна женщина прославила своим творчеством стиль рококо, на этот раз в Швейцарии. Кауфман Ангелика (1741-1807) очень рано, в 11 лет, начала писать портреты, а в более зрелом возрасте еще и сцены на исторические и литературные сюжеты.

Со временем она стала очень популярна в Европе благодаря тому, что ею были написаны многочисленные портреты королевских особ и их приближенных, изображенных в тонкой и изящной манере стиля рококо.

Большое влияние на творчество Кауфман оказала поездка в Англию, знакомство там с английской школой живописи и близкая дружба с одним из английских художников стиля рококо, которым был первый президент Королевской академии художеств сэр Джошуа Рейнольдс (1723-1792), родоначальник английской школы живописи, отличающейся глубиной тона и сочностью письма.

Кумирами Рейнольдса были Тициан, Рубенс и Рембрандт, лучшие качества написанных ими портретов — сходство с оригиналом, выразительность, выбор позы и аксессуаров, «сочная» манера письма — он сумел соединить в своем собственном творчестве. Особенно ему удавались «парадные» портреты, герои которых в нарядных одеждах изображались на фоне колонн, драпировок или декоративных пейзажей.

«Вы не должны зависеть от вашего гения. Если ваши таланты велики, труд их усилит; если у вас лишь скромные способности, трудолюбие возместит их несовершенство. Нет ничего невозможного для должным образом приложенного усилия: а без него ничто достигнуто быть не может». (Из ежегодной «Речи» Рейнольдса в Королевской академии)
Если высшим идеалом живописи Рейнольдс считает не выявление натуры и не выражение личности автора, а поиск совершенной красоты, то его младший современник и в какой-то мере соперник в искусстве, гениальный английский живописец Томас Гейнсборо (1727—1788)

и не думал следовать каким-либо теориями, он работал интуитивно и просто, глядя на натуру, стремясь сделать привлекательными обычные лица. Его картины отличаются изысканностью и виртуозной легкостью, создающей впечатление воздушности и мгновенности исполнения.

В своей речи в Академии вскоре после смерти художника Рейнольдс сказал о нем: «…Я осознал его превосходство… у меня создалось впечатление, что ему жаль было при расставании с жизнью расставаться прежде всего с искусством…». Об их взаимном уважении и одновременно соперничестве могут говорить эти две картины, изображающие двух мальчиков на фоне похожего пейзажа, но в разных позах и костюмах разного цвета.

И еще об одном английском художнике, творчество которого является переходным от эпохи рококо к реализму, хотелось бы сказать, это — Уи́льям Хо́гарт (1697-1764).

Если его картины — скорее реалистичные, близкие к политической сатире, обличающие феодальные предрассудки и привилегии, уродство буржуазного образа жизни, то в портретах остро проявляются его гуманизм и демократизм. Будучи противником «светского» парадного портрета, он пишет своих родственников, близких друзей, слуг с теплотой и проникновением в душевный мир своих героев вне зависимости от их социальных рангов.

Высшие достижения английского искусства второй половины 18 века относятся к жанру портрета, английские портреты в своем большинстве отмечены стремлением художников к созданию полнокровных живых характеров и в то же время использованием старых традиционных схем парадного портрета.
Подводя итог этому небольшому разговору о портрете эпохи рококо, можно сказать, что идейная основа стиля — это вечная молодость и красота, неприятие старости и уродства, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности в пастушескую идиллию. Недаром это «столетие париков, карет, менуэтов, треуголок» (Натан Эйдельман) еще называют «галантный век». можно сказать, что рококо — это «гламур» XVIII века, целиком обусловленный особым образом жизни: богатым, праздным, наполненным красотой и изяществом, флиртом и соблазнением. В этом смысле рококо действительно прямой предшественник глянцевой субкультуры наших дней.
Как всегда, я предлагаю посмотреть музыкальный видеоролик по теме (в котором 104 репродукции портретов), длительностью в 12 минут, в сопровождении музыки в стиле рококо.

Ссылки: 1. http://www.18sent.ru/pokoko.php
2. http://www.artap.ru/cult/portrait.htm
3. https://www.wikiart.org/ru/artists-by-century/18
4. http://smallbay.ru/rocoko.html
5. http://www.culturemass.ru/lemas-848-1.html

Рококо – глянец XVIII столетия: vakin — LiveJournal

Рококо называют самым легкомысленным и бездумным из всех стилей в искусстве. Почему тогда рококо столь значимо для русской изобразительной культуры? Почему определение от слова «рококо» звучит для нашего уха так экзотически — «рокайльный»? В чем основное различие рококо и барокко, которые люди малосведущие часто путают? Наконец, почему рококо — это прямой и непосредственный предок современной глянцевой культуры?

Эдуард Петрович Гау. Гостиная в стиле второго рококо


Франсуа Буше. Туалет Венеры, 1751. Нью-Йорк, Музей Метрополитен.

Рококо родилось во Франции XVIII столетия, хотя само название узаконит лишь следующий век, девятнадцатый.

Стиль получил имя от французского слова rocaille — ракушка или раковина. Издавна раковинами декорировали искусственные гроты и чаши фонтанов, позднее в оформлении интерьеров стали активно использоваться орнаменты, повторяющие витые, округлые очертания раковин. К XVIII веку интерес к ним только рос. Они усложнялись и переплетались, становились всё более изощренными и причудливыми. Такие орнаменты назывались рокайлями, а сам стиль, построенный на капризных гнутых линиях и нежнейших цветовых переливах, — соответственно, рококо.

Антуан Ватто. Вывеска лавки Жерсена
1720, 308×163 см

Говорят, этой картиной, написанной 37-летним художником перед смертью, Антуан Ватто напророчил будущее рококо. В «Лавке Жерсена» уже заключены все колористические возможности этого стиля: никаких контрастов, но взамен — богатейшая и тонкая пастельная палитра с тончайшими цветовыми переходами.

Рококо – это образ жизни
Появление стиля рококо связано с «концом прекрасной эпохи» — эпохи Людовика XIV. Не случайно знаменитая «Лавка Жерсена» изображает, как портрет короля-Солнце снимают со стены и убирают в коробку.

Но было бы неправильным отождествить всё XVIII столетие только со стилем рококо. Этот век многообразен, как никакой другой из предшествующих. Видоизменяясь, в искусстве продолжают существовать страстное барокко и строгий классицизм. Зарождается сентиментализм. Прогрессивная критика в лице Дени Дидро даже пытается угадать зачатки реализма.

И всё-таки именно галантное, капризное, вычурное рококо становится для XVIII века знаковым. Недаром это «столетие париков, карет, менуэтов, треуголок» (Натан Эйдельман) еще называют «галантный век». Галантному веку — галантное искусство.

Жан Оноре Фрагонар. Качели (Счастливые возможности качелей)
1767, 65×81 см

Извивающиеся ветви деревьев, порхающая с легкостью мотылька красавица, её летящая по изогнутой рокайльной траектории туфелька, томные взгляды и обнажившиеся коленки. На картине Жана-Оноре Фрагонара «Качели» — квинтессенция образа жизни в стиле рококо.

С уходом со сцены Луи XIV уходят из моды грандиозная пышность придворных празднеств в стиле барокко. Да и вообще — всё величественное и всё торжественное больше не комильфо.
Регент Филипп Орлеанский, а затем и король Людовик XV предпочитают образ жизни несколько более камерный, но зато и более комфортный. Он сосредоточен не в широком кругу придворных, а в близком, почти интимном кругу друзей-единомышленников.

Философия рококо — неоэпикурейство. Только наслаждение составляет суть человеческой жизни. Идеальное времяпровождение — беззаботный флирт на лоне природы. Любовь и праздник становятся синонимами рококо.

Антуан Ватто. Радости бала
1714, 65×52 см

Из парадных залов искусство плавно перемещается в будуар. Интерьеры рококо — уютные и комфортные. Именно во времена рококо появляются изысканные кушетки с мягкими спинками и кресла «кабриоль» с витыми ножками, обеспечивающие комфорт телу, шелковые шпалеры на стенах и небольшие изящные статуэтки, доставляющие наслаждение глазу.

Мишель Клодион, которого современники называли «Фрагонаром в скульптуре», отстаивал художественные принципы рококо — обратите внимание на причудливо изгибающиеся и переплетающиеся линии в его статуэтке «Сатир и Вакханка».

Каприз и прихоть — «альфа и омега» рококо. Это касается как общего настроения, так и самих форм искусства. Импровизация заменяет дисциплину. Причудливая асимметрия побеждает классические равновесие и ясность.

Возраст рококо

Интересная особенность стиля рококо — его отношение к возрасту. Чуть ли не впервые в истории старость перестаёт ассоциироваться с мудростью и почётом. Стареть теперь нежелательно и даже постыдно. Это касается не только женщин, но и мужчин, ведь сам тип внешности, популярный во времена рококо, — гендерно-универсальный.

Франсуа Буше. Голова Людовика XV/ 1729. Лос-Анджелес, музей Гетти.

Дмитрий Левицкий. Портрет Марии Дьяковой. Фрагмент. 1778. Москва. Государственная Третьяковская галерея.

Облик мужчин и женщин в искусстве рококо становится на удивление сходным. И те, и другие равно изнежены и капризны. И те и другие изящнейше одеты. И даже румянами и пудрой мужчины и женщины галантного века пользуются с одинаковым тщанием, ведь им важно выглядеть как можно лучше — авось удастся обмануть возраст?

Российская императрица Елизавета Петровна так болезненно переносила старение и панически боялась умереть, что от неё стали скрывать факты смерти знакомых. Придворные не смели говорить при ней «ни о Вольтере, ни о болезнях, ни о покойниках, ни о красивых женщинах».

Образец русского рококо — портрет императрицы Елизаветы Петровны работы Ивана Аргунова.

Иван Петрович Аргунов. Портрет императрицы Елизаветы Петровны

Кстати, отец Елизаветы Петр I пытался выдать её замуж за сверстника и наследника французского престола Людовика XV, но не сложилось. Однако страсть к музицированию, маскарадам, галантным празднествам и стилистике рококо осталась с императрицей на всю жизнь.

Рокайльный интерьер Большого Дворца в Петергофе. Дворец строился полтора века, изначально в стиле барокко и классицизма, а во время правления Елизаветы Петровны получив грандиозную по изысканности и богатству отделку в стиле рококо.

Итак, старости для рококо не существовало. А как же еще один важный возраст — детский? Да так же! Ведь не актуальна сама идея возрастных изменений. Дети, согласно убеждениям XVIII века, — всего лишь маленькие взрослые. Поэтому наряжать их следует совершенно по-взрослому. Более того, их игры и забавы точь в точь копируют взрослые. Дети со знаменитой картины Антуана Ватто «галантно» проводят время: мальчики музицируют, девочка готова начать танцевать.

Антуан Ватто. Танец
1721. Масло, Холст

Живопись рококо намеренно выбирает ситуации, где можно извлечь любые возможности для проявлений галантности или любовной интриги.

Пьетро Лонги. Утренний шоколад

Николя Ланкре. Крепление конька

Антуан Ватто. Ноты
1717

Не слишком уклоняясь от истины, можно сказать, что рококо — это «гламур» XVIII века, целиком обусловленный особым образом жизни: богатым, праздным, наполненным красотой и изяществом.

Из мира рококо, как и из глянца, прочно изгнаны старость и болезни, бедность и уродство.

А еще живопись рококо, подобно глянцевому фото, главной своей темой считает соблазн. Соблазнительность как качество, соблазнение как процесс — вот его ключевые сюжеты. И в этом смысле рококо действительно прямой предшественник глянцевой субкультуры.

Жан Оноре Фрагонар. Поцелуй украдкой
1780-е , 55×45 см

«Будуарная живопись» эпохи рококо

Пресловутая легкомысленность рококо — это, конечно, не виньетки и завитки. И не только галантные празднества и изнурительная праздность. Это еще и новое прочтение эротической темы.

Но ведь обнажённая натура, возразите вы, — это основа основ изобразительных искусств со времён античности, а доскональное знание человеческой анатомии и перспективная передача ракурсов и движения — заслуга эпохи Возрождения. Верно! Что же нового привнесло в тему «ню» рококо?

Ответ очевиден: отчетливый вкус сладострастия. Например, эту картину Франсуа Буше один из критиков назвал «самым долгим поцелуем в истории западноевропейской живописи»:

Франсуа Буше. Геркулес и Омфала
1731, 74×90 см

Интересно, что родоначальник французского рококо Антуан Ватто своих эротических работ стеснялся, а некоторые после своей смерти даже завещал сжечь. Но его картина «Туалет», тем не менее, положила начало «будуарному жанру». Уже у Буше и Фрагонара нагота не нуждается в «оправдании античностью», а приобретает современное звучание и беззастенчиво эротическую подоплёку.

Антуан Ватто. Туалет.
1717. Лондон, Собрание Уоллес.

Жан Оноре Фрагонар. Девочка в постели, играющая с собачкой
1765. Мюнхен, Старая пинакотека.

Франсуа Буше. Темноволосая одалиска
1745, 53×64 см

«Его картины не лишены сладострастия, — с иронией писал о разнузданном эротизме Буше его самый злой критик Дени Дидро. — Голые ноги, бедра, груди, ягодицы. Они интересны мне в силу моей порочности, а вовсе не благодаря таланту художника».

Рококо: шпаргалка

Художники стиля рококо

Антуан Ватто, Франсуа Буше, Жан-Оноре Фрагонар, Иван Аргунов, Никола Ланкре, Жан-Марк Натье, Шарль-Андре ван Лоо, Элизабет Виже-Лебрен, Федор Рокотов, Дмитрий Левицкий, Джованни Баттиста Тьеполо, Пьетро Лонги, Бернардо Беллотто, Аделаида Лабий-Гийар

Знаковые картины стиля рококо

Антуан Ватто. Отплытие на остров Цитеру. Полотно, изображающее, как искатели амурных приключений массово отчаливают в направлении острова любви. Французские академики придумали под эту картину Ватто отдельный, новый жанр — «галантное празднество». Собственно, этим определением можно обозначить и весь образ жизни в стиле рококо.

Франсуа Буше. Портрет мадам де Помпадур. Маленькая аккуратная головка вместо массивных париков эпохи барокко, «кукольные» кисти и ступни, резкий контраст между узким лифом и широчайшей юбкой. Фаворитка Луи XV была главным трендсеттером своей эпохи, популяризатором рококо и одновременно его модной иконой. По этой картине с успехом можно изучать рокайльный интерьер. А стиль рококо иначе будут называть «стилем Помпадур».

Антуан Ватто. Отплытие на остров Цитеру
1717, 194×129 см

Франсуа Буше. Портрет мадам де Помпадур
1756, 157×201 см

Вы профан, если:

— До сих пор путаете рококо и барокко только потому, что обоим стилям свойственны пышность и богатство декора.

Главное различие между рококо и барокко в идеологии, а не в эстетике: барокко — искусство в своем истоке религиозное, рококо — сугубо светское. Барокко со страстью и серьёзностью утверждает религиозные догмы «правильной веры». Рококо чуждо как серьёзности, так и подлинной страсти.

Вы эксперт, если:

— Легко вычленяете глазами в переплетениях декоративных орнаментов очертания раковин и рокайльные S-образные завитки.

— Отличаете колорит Ватто от «жемчужной гармонии» его последователя Буше.

— Знаете, что стиль «шинуазри» (в дословном переводе с французского — китайщина) со всеми веерами, пагодами, ширмами и китайскими зонтиками — это ответвление стиля рококо.

Франсуа Буше. Китайский сад
1742, 40×48 см

Автор Анна Вчерашняя
Источник — Артхив

французская живопись 18 века: стиль рококо, живописцы, представители

Восемнадцатый век стал последним этапом эпохи перехода от феодализма к капитализму. Хотя в большинстве западноевропейских стран сохранялся старый порядок, в Англии постепенно зарождалась машинная индустрия, а во Франции бурное развитие экономических и классовых противоречий подготавливало почву для буржуазной революции. Несмотря на неравномерное развитие экономической и культурной жизни в разных странах Европы, это столетие стало эпохой разума и просвещения, веком философов, экономистов, социологов.

Художественные школы некоторых западноевропейских стран переживают небывалый расцвет. Ведущее место в этом столетии принадлежит искусству Франции и Англии. В то же время Голландия и Фландрия, пережившие необыкновенный подъем художественной культуры в XVII в., отодвигаются на задний план. Испанское искусство также охвачено кризисными явлениями, его возрождение начнется лишь в конце XVIII в.

Французское рококо

В истории культуры Франции эпоху, наступившую в начале правления Людовика XV (1715) и завершившуюся в год революции (1789), называют веком Просвещения. Это время дало миру великих писателей, философов и ученых, в числе которых — Вольтер, Д. Дидро, Ж. Ж. Руссо, Ш. Л. Монтескьё, К. А. Гельвеций, П. А. Гольбах.

В 1720-е гг. при королевском дворе появляется стиль рококо, просуществовавший почти пятьдесят лет. Этот стиль родился из барокко, но был более легким, причудливым и изящным. Слово «рококо» произошло от французского rocaille — «рокайль» — так назывались модные садовые украшения из раковин и мелких камешков.

В живописи рококо были популярны светлые оттенки — розовые, голубые. Наряду с масляными красками, применялась пастель. Обращаясь к библейским и мифологическим сюжетам, художники создавали нарядные полотна, призванные услаждать аристократическую публику. Большим успехом пользовались картины, изображавшие пастухов и пастушек, которые походили не на крестьян, а на переодетых в театральные костюмы дам и кавалеров.

Одним из самых значительных художников Франции XVIII в. был Антуан Ватто, фламандец по происхождению.

Антуан Ватто

Антуан Ватто родился в 1684 г. в Валенсьене в семье кровельщика. Проучившись несколько лет у местного художника, Ватто отправился в Париж. Не имея денег, весь долгий путь он проделал пешком. В столице долго бедствовал: работая в мастерской художника, писавшего религиозные композиции, Ватто едва сводил концы с концами. Позднее он стал брать уроки у живописца Клода Жилло, а затем — у гравера Клода Одрана. Одран занимал должность хранителя картинной галереи Люксембургского дворца, в котором находились картины, написанные Рубенсом для королевы Марии Медичи. Эти творения великого фламандца произвели на Ватто неизгладимое впечатление. Влияние Рубенса и мастеров фламандской школы заметно в ранних жанровых работах молодого художника («Савояр», ок. 1709).

В 1710 г. Ватто знакомится с Лесажем, известным писателем-сатириком, и коллекционером Крозом, который вводит его в круг парижских меценатов и ценителей искусства, оказавших покровительство молодому художнику. В этот период Ватто начинает писать любовные сцены, увеселения аристократов и театрализованные маскарады, изображая радости жизни, которых он сам был лишен, страдая тяжелым заболеванием легких. Эта болезнь и стала причиной ранней смерти живописца.

Хотя тематика живописи Ватто была близка и понятна аристократической публике, эмоциональная глубина образов в произведениях художника не была оценена его современниками. В 1717 г. Ватто приняли в Академию, но не как мастера исторической живописи, а как художника «галантных празднеств». Подобного жанра не существовало до этого времени, он появился лишь в связи со вступлением Ватто в Академию.

Антуан Ватто. Савояр. Ок. 1709 г.

Ватто представил в Академию одну из лучших своих картин — «Паломничество на остров Киферу» (1717). На полотне изображены дамы и кавалеры, садящиеся в ладью, отплывающую к острову, на котором, согласно греческому мифу, родилась богиня любви Афродита. В отличие от манерной живописи многих современников Ватто, «Паломничество на остров Киферу» поражает своей эмоциональностью и поэтичным очарованием. Картина пронизана вибрирующим светом, который, сочетаясь с золотистыми, нежно-зелеными и бледно-розовыми тонами, делает изображение трепетным и подвижным.

Многие произведения Ватто отражают интерес их автора к театру. Самые значительные работы, посвященные театральной жизни, выполнены художником в последние годы жизни. Одна из лучших картин этого цикла — «Итальянские комедианты» — создана, вероятно, после 1716 г. (именно в это время во Францию вновь приехали итальянские актеры, выдворенные из страны в XVII в. за сатирические спектакли, направленные против французского правительства).

Шедевром театральной серии Ватто стала картина «Жиль» (1720). Странная и загадочная композиция этого произведения до настоящего времени вызывает множество толкований. Художник вывел на передний план актера в белой одежде. Его фигура неподвижна, глаза из-под полуопущенных век пристально смотрят на зрителя. А за спиной Жиля, под пригорком, расположилась группа оживленных комедиантов, тянущих за веревку осла, на котором восседает Скапен. До сих пор неясно, что же хотел сказать художник, изобразив на своем полотне не связанных между собой действием застывшего, как монумент, одинокого и печального Жиля и суетящихся за ним веселых актеров. Существует предположение, что эта картина была задумана как афиша для одного из сезонов Итальянской комедии — похожие вывески сопровождали ярмарочные театры той эпохи.

Антуан Ватто. Вывеска для антикварной лавки Жерсена (правая часть). Ок. 1721 г.

Последней картиной Ватто стала вывеска для антикварной лавки Жерсена, написанная в 1721 г. после поездки живописца в Лондон, где практиковал знаменитый английский врач. Надежды на излечение не оправдались, и умирающий художник вернулся в Париж.

Всего за несколько дней Ватто, остановившийся в доме Жерсена, написал полотно, изображавшее помещение антикварного магазина, продавцов и посетителей, разглядывающих картины, слуг, осторожно укладывающих в ящик проданный портрет. Это произведение, в котором проявилась тонкая наблюдательность автора, не укладывается в рамки «галантных празднеств». Реалистично и живо повествующая о XVIII в. и людях, живших в эту эпоху, картина предвосхитила появление реалистического искусства во Франции. Провисев над входом в лавку всего пятнадцать дней, «Вывеска Жерсена» привлекла множество зрителей. В настоящее время она находится в зале Государственных музеев в Берлине.

Смерть оборвала творческие искания мастера в 1721 г. Традиции его искусства были подхвачены Н. Ланкре и Ж. Б. Патером, но их живописи не хватало поэтичности и эмоциональности. Немного позднее к искусству Ватто обратились Ф. Буше, Ж. Б. Шарден и художники-реалисты.

Франсуа Буше

Ведущий живописец рококо Франсуа Буше родился в 1703 г. в Париже. Первые уроки рисования он получил у своего отца, затем занимался иллюстрацией и рисунком в мастерской Ф. Лемуана.

В 1723 г. Буше стал обладателем первой премии на конкурсе Академии. Спустя два года вместе с художником Карлом Ванлоо он отправился в Рим. В Италии Буше не привлекло искусство старых мастеров, гораздо больше его интересовала живопись современников.

Вернувшись на родину в 1731 г., художник стал членом Королевской академии живописи и скульптуры. В 1734 г. за композицию «Ринальдо и Армида» Буше получил звание академика. Карьера художника продвигалась успешно, в 1737 г. он стал профессором Академии, а через некоторое время — ее директором. Художнику покровительствовала маркиза де Помпадур: она содействовала получению Буше крупных заказов (декоративные работы для дворцов Фонтенбло, Бельвю и Креси), а в 1752 г. помогла ему поселиться в Лувре. В 1755 г. Буше возглавил Королевскую мануфактуру гобеленов, а в 1765 г. получил должность первого живописца при дворе Людовика XV.

Свой творческий путь художник начал с гравирования картин А. Ватто, последователем которого он себя считал. Но декоративные произведения Буше значительно отличаются от глубоко эмоционального и одухотворенного искусства А. Ватто. Гравюры Буше делали жанровые сцены, взятые из произведений А. Ватто, похожими на орнаментальные узоры, которые позднее стали обязательным элементом книжной иллюстрации рококо. В таком стиле вместе с художниками Ж. Б. Патером, Н. Ланкре и Ш. Эйзеном Буше выполнил гравюры к сказкам Ж. де Лафонтена.

Хотя рисункам Буше не хватает глубины и искренности, они по-своему выразительны и изящны. Особенно эмоциональны и лиричны его пейзажи («Мельница», 1752). Наряду с рисунками, гравюрами, эскизами для гобеленов и фарфора, театральными декорациями (оформление оперы-балета «Галантная Индия», 1735), художник создавал и станковые картины, отличающиеся той же декоративностью. Главный создатель пасторального жанра, Буше изображал в своих композициях сентиментальных пастушков и пастушек или чувственных красавиц из античной мифологии («Триумф Венеры», 1740; «Купание Дианы», 1742; «Уснувшая пастушка», 1745). Искусство Буше должно было вызывать у зрителей приятные и волнующие чувства, но не тревожить и не пугать.

Франсуа Буше. Купание Дианы. 1742 г.

Кроме мифологических картин и пасторалей, Буше писал жанровые сцены, религиозные композиции («Отдых на пути в Египет», 1757) и портреты. Им создано несколько портретов маркизы де Помпадур и множество изображений представителей аристократического общества Франции.

Палитра Буше соответствует требованиям моды искусства рококо — краски на его картинах кажутся нам неестественными, не соответствующими природным оттенкам. В эту эпоху художники стремились найти изысканные, редкие оттенки, которые получали удивительные названия: «цвет потерянного времени», «голубиная шейка», «цвет бедра взволнованной нимфы», «веселая вдова», «резвая пастушка». Буше считал, что природа недостаточно красива и совершенна, к тому же плохо освещена, поэтому свою живопись он делал пестрой и светлой, стараясь использовать голубые и розовые оттенки.

В последние годы жизни Буше интерес к его творчеству со стороны публики значительно упал. Но слепнущий художник, чье искусство осуждалось современниками (особенно Дени Дидро) за манерность и бездумную легкость, продолжал писать картины («Поклонение волхвов», 1764), создавать рисунки и театральные декорации («Тесей», 1765), представляя зрителю безмятежный и радостный мир своего искусства. Умер Буше в 1770 г.

Рядом с далеким от действительности искусством рококо, призванным услаждать изнеженную аристократическую публику, во французской живописи развивается реалистическое направление. Одним из самых крупных представителей этого течения стал Ж. Б. Шарден.

Жан Батист Симеон Шарден

Жан Батист Симеон Шарден родился в 1699 г. в Париже в семье столяра. Учился у художников-академистов Жана Батиста Ванлоо, Пьера Жака Каза, Ноэля Никола Куапеля. В мастерской Каза Шарден вместе с другими учениками долго копировал картины своего учителя, дожидаясь позволения приступить к изображению живой натуры. Этот метод обучения не устроил молодого художника, и вскоре он порвал с академистами.

Шарден начал творческий путь с натюрмортов. В 1728 г. на т. н. Выставке молодежи, которая устраивалась под открытым небом на площади Дофина, Шарден показал две работы — «Скат» и «Буфет». Натюрморты были восторженно встречены публикой, и, окрыленный успехом, художник представил свои картины в Академию, получив за них звание академика. В отличие от современников, которые писали декоративные натюрморты, Шарден создавал лишенные внешних эффектов, непритязательные и скромные картины, изображавшие простую кухонную посуду, бутылки, кувшины, овощи, фрукты, рыбу и битую дичь. Но удивительная гармония красок и мастерство исполнения позволили Шардену показать материальную сущность предметов, сделать их осязаемо реальными.

Большой успех Шардену принесли жанровые работы, написанные в 1730-1740-х гг. Художник изображал быт третьего сословия Франции — мелкой буржуазии и трудового народа. Выросший в семье ремесленника, он прекрасно знал жизнь простых людей. Произведения Шардена лишены манерности Буше, в них нет повествовательности и драматизма. Здесь изображены простые и спокойные сцены жизни семьи: стирающая белье прачка, ребенок которой забавляется мыльными пузырями («Прачка», ок. 1737), мать, читающая вместе с маленькими дочерьми молитву возле накрытого к обеду стола («Молитва перед обедом», 1744). Несмотря на свою простоту, эти картины полны поэзии, которую художник сумел уловить, наблюдая жизнь, но в них отсутствуют назидательность и сентиментальность, свойственные многим его современникам, например Ж. Б. Грёзу. Реалистичная и правдивая жанровая живопись Шардена раскрывает перед зрителем мир искренних человеческих чувств, связывающих героев его картин. Эти полотна, как и натюрморты, написаны в мягкой, приглушенной колористической гамме, построенной на тонких цветовых градациях.

Шарден с его искренней и поэтичной живописью оставался чужд морализаторству, которое в 1750-1760-х гг. появилось в работах многих французских художников, прославляющих буржуазную добродетель. В этот период мастер не создал уже ничего нового в области жанровой живописи.

Жан Батист Шарден. Прачка. Ок. 1737 г.

Замечательное мастерство Шардена, уже немолодого художника, проявилось в его портретных работах. В 1770-е г. он
написал пастелью чудесный портрет своей жены и «Автопортрет с зеленым козырьком».

Жанровая живопись Шардена оказала большое влияние на многих французских художников. Последователями талантливого живописца стали Ф. Кано, П. Л. Дюмениль Младший, Э. Жора. С его картин делали гравюры такие мастера, как Л. Кар, Ж. Ж. Флипар, И. Г. Вилль, Ж. Ф. Леба. Современники свидетельствуют, что гравюры с произведений Шардена пользовались популярностью и быстро раскупались ценителями искусства.

Умер Шарден в 1779 г.

Жан Батист Шарден. Кухарка. 1738 г.

Сентиментально-морализующее направление во французской живописи второй половины XVIII столетия возглавил Ж. Б. Грёз.

Жан Батист Грёз

Жан Батист Грёз родился в 1725 г. в Турню. Учился сначала у незначительного живописца Ш. Грандона в Лионе, затем — в Королевской академии живописи и скульптуры в Париже.

Впервые о художнике заговорили после создания им картины «Отец семейства, читающий Библию». В 1750-х гг. Грёз посетил Италию, но эта поездка мало что дала ему. В написанных там работах, помимо сюжета, нет ничего итальянского. Тем не менее живопись Грёза привлекла внимание ценителей искусства из самых разных кругов французского общества. Маркиз Мариньи, руководитель королевских строений, заказал художнику несколько аллегорических полотен для маркизы де Помпадур. Ценили Грёза просветители, считавшие, что искусство — великая воспитательная сила. Д. Дидро писал об этом мастере третьего сословия: «Вот поистине мой художник — это Грёз».

В Салоне 1761 г. живописец выставил свою картину «Деревенская невеста», которая, изображая одно из главных событий сельской семьи — свадьбу, восхваляла добродетельные нравы представителей третьего сословия. Композиция этого произведения напоминает театральную сцену, на которой расставлены фигуры актеров: отца новобрачной, передающего жениху приданое, и членов семьи. В расположении персонажей, в их жестах и мимике чувствуется стремление художника оказать воспитывающее воздействие на публику. Например, две сестры невесты изображены
так, чтобы зритель сразу увидел любовь и нежность одной девушки и жгучую зависть другой.

Вместе с «Деревенской невестой» в Салоне были представлены рисунки к картине «Паралитик». Один из них — акварель «Бабушка», изображающая бедное жилище старой больной женщины, вокруг которой стоят дети. Реалистичность и убедительность образов говорят о том, что эта работа, как и многие другие рисунки, выполнена Грёзом с натуры. Перед созданием каждой картины живописец делал множество натурных зарисовок, изображая бедных
ремесленников, крестьян, торговок, нищих. В «Паралитике» (1763) жизненность натурных рисунков отсутствует. Члены семьи паралитика кажутся актерами, играющими в благородство пред постелью больного. Даже детали
обстановки призваны подчеркнуть добродетель персонажей.

Например, тряпка, висящая на перилах лестницы в «Бабушке», превращается в «Паралитике» в изысканную драпировку.

Большинство работ Грёза представляют одни и те же образы: порочный сын, не уважающий своих родителей; добродетельный отец семейства, обиженный детьми; злая и жестокая мачеха. Таковы персонажи в картине «Отцовское проклятие» и в исторической композиции «Север и Каракалла», где римский император Каракалла представлен не только плохим сыном, но и отвратительным правителем.

Кроме жанровых сцен, Грёз писал и портреты, в основном изображавшие хорошеньких девушек. Эти сентиментальные и манерные картины, т. н. «головки», пользовались у современников большим успехом. Умер Грёз в 1805 г., оставив множество последователей.

Жан Батист Грёз. Портрет Софи Арну. Ок. 1786 г.

Значительное место во французской живописи 18 столетия занимает портрет. Одним из самых известных мастеров этого жанра был Морис Кантен Латур, создавший целую галерею портретов своих современников (маркизы де Помпадур, Ж. Ж. Руссо, королевского секретаря Д. де л’Эпине). Талантливым портретистом был Жан Батист Перронно, работы которого отличаются богатым колоритом.

Идеи просветительства, противопоставлявшие испорченным нравам светского общества чистоту сельской жизни на лоне природы, отразившиеся в сочинениях Ж. Ж. Руссо, способствовали развитию французского жанра пейзажа.

Крупнейший пейзажист этой эпохи — Клод Жозеф Верне, излюбленными мотивами которого были море и парковые виды («Утро в Кастелламаре», 1747; «Вилла Памфили», 1749; «Скалы у берега моря», 1753). Его картины представляли поэтичные ландшафты Франции, полные воздуха и света. Со временем известный художник, выполняя многочисленные заказы, начинает переписывать одни и те же работы, не создавая ничего нового.

Молодыми современниками Верне были Луи Габриэль Моро Старший, писавший изысканные по колориту виды Парижа и его окрестностей («Холмы в Медоне»), и Гюбер Робер, побывавший в Италии, любивший писать античные руины и соединявший в одной композиции несколько разных памятников. Вернувшись на родину, во Францию, он стал необыкновенно популярен. Не только французские, но и русские вельможи стремились заказать у Робера картины для украшения своих дворцов (в частности, князь Юсупов, для усадьбы которого художник исполнил несколько пейзажей).

Одним из крупнейших мастеров французской живописи второй половины XVIII в. был Оноре Фрагонар, работавший во многих жанрах. Он испытал заметное влияние итальянских мастеров XVII-XVIII вв. Хотя художник писал в стиле рококо, в его творчестве сильны реалистические тенденции. Фрагонар создавал тонкие и лиричные пейзажи («Берег моря близ Генуи», 1773), одухотворенные и искренние портреты («Мадам Фрагонар», «Маргарита Жерар»), свежие по колориту жанровые сцены («Прачки», «Поцелуй украдкой», 1780-е) и реалистичные и немного ироничные мифологические композиции («Похищение рубашки Амуром», ок. 1767) .

Последняя четверть XVIII в. ознаменована расцветом классицизма во французской живописи. Некоторые художники обращаются в своем творчестве к античному наследию, к поискам новых, четких и простых художественных решений (Ж.-М. Вьен). Черты классицизма прослеживаются в творчестве Ж. Б. Грёза. Ярким представителем этого направления в искусстве Франции был Ж. Л . Давид.

Жак Луи Давид

Жак Луи Давид — французский живописец, художник просветительского классицизма и ампира, а также один из основоположников нового искусства — родился в 1748 г. в семье состоятельного парижского коммерсанта. В юном возрасте поступил в Академию художеств, где с 1766 по 1774 г. учился у Ж.-М. Вьена, синтезировавшего в своем творчестве два стиля: классицизм и рококо. Конкурсная работа молодого художника на Римскую премию — «Бой Марса с Минервой», написанная в 1771 г., хотя и пришлась по нраву академическим кругам (она была исполнена в академической манере), полагающейся награды Давиду так и не принесла. Поэтому его поездка в Италию была отложена до 1775 г., когда он отправился туда вместе со своим учителем в качестве стипендиата.

В Риме на протяжении пяти лет (1775-1780) Давид изучал античное искусство, а также творчество мастеров эпохи Возрождения (Рафаэля и художников болонской школы) и барокко. По возвращении на родину им была выставлена картина «Велизарий, просящий подаяние» (1781). Ее сюжет — драматическая повесть о том, как знаменитый византийский полководец, подозреваемый в заговоре против императора, был лишен всех благ, ослеп и впал в нищету. Давид изобразил его сидящим у городских ворот Константинополя и просящим подаяние. Показательно то, что композиция представляет собой не мифологический сюжет, а исторический, хотя и носящий легендарный характер. Это произведение кардинально отличается от ранней работы художника, причем отличие заключено в простоте и строгости, скульптурности в трактовке форм, композиционной уравновешенности. Лаконизм, с которым написано полотно, прямо указывает на его тягу к монументальности и говорит о появлении индивидуального стиля.

В это же время появилась еще одна картина Давида — портрет графа Потоцкого (1781), который был написан благодаря одному эпизоду из жизни мастера. Будучи в Неаполе, молодой художник стал свидетелем того, как Потоцкий усмирил необъезженного коня. И хотя на картине приветствующий жест графа выглядит несколько театрально, это с лихвой компенсируется тем, как точно и детально Давид передает внешний облик героя: налицо нарочитая небрежность в одежде, спокойная уверенность в своей силе и т. д. Все это говорит о том, что начинающему живописцу вовсе не чужда передача реальной действительности в живой конкретности.

С этого времени творчество Давида идет как бы двумя путями: с одной стороны, он пишет исторические полотна на античные сюжеты, где с помощью отвлеченных образов стремится донести до зрителя идеалы, волнующие предреволюционную Францию, а с другой — создает портреты, утверждающие образ реального человека, причем эти две грани его творчества не смещиваются вплоть до самой революции.

Так, одна из наиболее знаменитых его картин, «Клятва Горациев» (1784), сюжет которой был взят из трагедии Корнеля, посвященной трем молодым римлянам, готовым расстаться с жизнью во исполнение долга, воспринимается как революционный призыв. Фон создают три полуциркульные арки, опорой для которых служат колонны. Они несколько ограничивают глубину картины, придвигаясь близко к переднему краю композиции и симметрично разделяя ее на три равные части, тем самым образуя ритмическую основу построения. В каждую из этих арок вписана одна из трех групп, резко противопоставленных друг другу: на первом плане изображены три сына, дающие отцу клятву победить или умереть, а на втором — поникшие в горе женщины. В то время как позы мужчин резки и напряжены, позы женщин, наоборот, выражают покорность судьбе. Гражданская доблесть одних вырисовывается на фоне переживаний других.

Жак Луи Давид. Клятва Горациев. 1784 г.

В данной картине один смысловой и композиционный центр — это руки отца, сжимающего мечи, и тянущиеся к ним руки братьев. От этого узла симметрично в обе стороны спускаются по линиям рук, ног и по складкам одежды основные направляющие линии, образующие равнобедренный треугольник. Такая математическая схема построения, заимствованная у мастеров Возрождения, у Давида объясняет стремление к логической ясности и архитектонической уравновешенности. В целом композиция отличается простотой и лаконизмом, скульптурной трактовкой форм, монохромностью цветовой гаммы и схематичной обрисовкой образов.

Отсутствие индивидуального конкретного момента, характерного для исторических композиций, Давид компенсирует созданием портретов г-на Пекуль и г-жи Пекуль. Если в «Клятве Горациев» представлены идеализированные, несколько абстрагированные образы, то в вышеназванных портретах он, наоборот, утверждает материальную сторону мира без какой бы то ни было идеализации. Художник не скрывает от зрителя некрасивые руки персонажей с толстыми короткими пальцами, а в женском портрете — оплывшую шею, кожа которой нависает над жемчужным ожерельем. На портретах изображено то, что живописец наблюдает в действительности. Он создает образы людей, довольных своей жизнью и богатством, которое они охотно выставляют напоказ.

А вот портрет «Лавуазье с женой» (1788) написан несколько в иной манере. Здесь все (красота линейных контуров, изящество жестов, грациозность, элегантность и утонченность образов) нацелено на то, чтобы передать обаяние ученого и его жены.

В дальнейшем Давид продолжает работать с материалами античной истории. В этом отношении наиболее значительно его полотно под названием «Брут, первый консул, по возвращении домой после того, как осудил двух своих сыновей, которые присоединились к Тарквинию и были в заговоре против римской свободы; ликторы приносят их тела для погребения» (1789). Нужно заметить, что эта картина, выставленная в Салоне в том же году, приковала к себе всеобщее внимание тем, как был представлен герой: для него гражданский долг оказался превыше всего, в том числе и отцовских чувств.

Сам Давид лично принимал активное участие в революционных событиях, благодаря чему был избран в депутаты Конвента, стал членом клуба якобинцев, приблизился к Робеспьеру. Заняв ответственный пост, Давид во многом повлиял на художественную жизнь страны: по его проекту ликвидируется Королевская академия, реорганизуется система художественного образования, а Лувр становится первым в Европе государственным музеем, открытым для массового зрителя.

Помимо занятий политикой, Давид вел большую педагогическую деятельность: руководил крупнейшей мастерской в Школе изящных искусств, занимался вместе с учениками оформлением массовых празднеств революционного характера, моделировал костюмы должностных лиц и обмундирования войск, причем делал все это в духе римской классики. Общественная жизнь того периода была отражена Давидом в композиции «Клятва в зале для игры в мяч» (1789), которая, несмотря на огромный собранный материал, так и осталась незаконченной по той причине, что стре-
мительное развитие революционных событий смело со сцены многих лиц, без которых она не могла считаться законченной.

Среди материала к «Клятве…» были десятки портретных рисунков, характеризующихся достоверностью и правдивостью, среди которых, например, рисунок головы Лепелетье де Сен-Фаржо, убитого монархистами. Позже Давидом была написана картина, прославляющая этого героя революции. К сожалению, она не сохранилась, но до настоящего времени дошла гравюра Тардье, исполненная по этому рисунку. На ней Лепелетье изображен на траурном ложе, полуобнаженным, с зияющей раной, так, как он был представлен в действительности во время всенародного прощания. При взгляде на изображение возникает впечатление, что в саркофаге лежит не обычный человек, а слепленная с него скульптура. Этот эффект был достигнут при помощи линий красиво откинутой назад головы и пластично вылепленных форм тела, что присуще принципам классицизма. Своей работой Давид не столько хотел запечатлеть убитого, сколько создать образ патриота своей родины и напомнить о той опасности, которой подвергается молодая республика. Этой же цели служит созданный им контраст: пластическая красота и кровавая рана, а над телом — меч, символизирующий угрозу, нависшую над революцией.

А вот к образу убитого Марата художник подошел несколько иначе («Смерть Марата», 1793). Хотя задача, которую он себе ставил, осталась прежней — воздействовать на чувства зрителей и преподать им очередной урок патриотизма, в этой картине Давид стремится к конкретизации характера, свойственной большинству его портретов. Поэтому он решил изобразить убитого лидера таким, каким представлял его себе в момент смерти. В одной руке Марат еще держит перо, а другая непроизвольно сжимает письмо Шарлотты Корде.

Жак Луи Давид. Смерть Марата.

Если в картине «Убитый Лепелетье» художник скрыл некрасивость профиля героя, запрокинув его голову, то в новом произведении изображенного мог узнать любой. Марат написан в домашней обстановке, сидящим в лечебной ванне, однако мастерство Давида смогло подняться над обыденностью, в результате чего получилось произведение возвышенное и с героическим пафосом. Во многом такой эффект был достигнут благодаря лаконизму, обобщенности и большим планам. Живописец смело подчеркнул пластичность тела, выдвинув его на передний план на фоне темной стены, занимающей больше места, нежели сама сцена, а куски материи превратил в монументальные складки.

В революционные годы мастер продолжает усердно работать в портретном жанре, причем его моделями становятся не только патриоты и революционные деятели, но и люди простого звания. Характерной особенностью этих произведений является точная детализация индивидуальных черт портретируемых. Все чаще и чаще Давид изображает людей на гладком фоне, который не отвлекает внимания на посторонние, не столь существенные моменты. Художника в большей мере интересует передача посредством живописи самых разных психологических состояний. К числу лучших его работ этого периода относятся «Автопортрет с палитрой» (1794), портреты супругов Серизиа (1795). С этого времени в мастерской Давида начинает складываться то классическое направление в искусстве, которое позднее будет названо ампиром (что означает «стиль империи»).

Революционный переворот, произошедший 9 термидора 1794 г., настиг художника и революционного деятеля столь внезапно, что он не успел ничего предпринять и в результате был арестован и препровожден в Люксембургский дворец, в котором пробыл весьма недолго. Уже в скором времени он предстал перед судом, отрекся от М. Робеспьера и был освобожден. За время нахождения в тюрьме Давид успел написать уголок Люксембургского сада (1794), наполненный спокойствием и умиротворением, и автопортрет (1794), оставшийся незаконченным, в котором царит совершенно противоположное чувство.

Примерно в это же время Давидом было написано одно из самых значительных полотен эпохи — «Зеленщица» (1795). Существует мнение, что данное произведение не принадлежит его кисти, однако это предположение ничем не подтверждено, а значит, нет оснований не принимать эту работу во внимание, тем более что она очень близка творчеству Давида. На картине изображена женщина из народа, по-прежнему верная идеям революции. Она настороженно и внимательно за кем-то наблюдает, а с губ может вот-вот сорваться гневное слово протеста. По сути, этот образ можно рассматривать и как образ самой революции, недаром между синим фартуком и белой повязкой ярко пламенеет красная косынка (три цвета революционного знамени).

В 1795 г. Давид задумал полотно «Сабинянки останавливают битву между римлянами и сабинянами» (реализация данного замысла произошла только в 1799 г.). В этой работе художник намеревался показать возможность примирения враждующих партий. Однако сам живописец не верил в такой исход, а потому картина получилась излишне холодной и академической. В результате в творчестве Давида вновь наблюдается расхождение между портретом и картиной на историческую тему, что было свойственно ему в дореволюционный период. Можно сказать, что это был своеобразный шаг назад. Но нельзя также забывать и о том, что данное обстоятельство было присуще не всем его работам — некоторые портреты конца века были созданы в новой манере. В этом отношении наиболее характерен портрет молодого Энгра (1800) , необычайно мягкий и живописный. В нем отсутствует ярко выраженная объемность и линейность, и хотя наблюдаются четкие границы освещенных и затемненных мест в трактовке лица, контраст создан не для моделирования объема. Свет, падающий с одной стороны, введен для усиления выразительности и одухотворенности образа.

Так же как и в портретах многих других живописцев, в работах Давида всегда можно с большой точностью определить отношение автора к изображаемому герою. Особенно ярко это проявилось в таких работах, как «Госпожа Рекамье» (1800), «Бонапарт на перевале Сен-Бернар» (1800) и др.

На первом портрете изображена грациозная молодая женщина, расположившаяся на ложе, выполненном в античном стиле
мебельщиком Жакобом; рядом с ней стоит античный подсвечник. Модный в то время греческий хитон изящно драпирует
стройную фигуру, а прическа «а la grecqua» обрамляет красивое лицо с большими умными глазами. И хотя художник с большой симпатией рисует линии ее нежного лица и грациозной фигуры, все же у зрителя не возникает ощущения внутренней связи живописца с моделью, он понимает, что мастер только любуется ею. С этого времени обращение к античности — лишь предлог для того, чтобы сотворить особый мир, далекий от современности, мир чисто эстетического любования.

Что касается портрета «Бонапарт на привале Сен-Бернар», то до него живописцем в 1797 г. был начат другой портрет, отличающийся большей жизненностью и драматической выразительностью (портрет остался незаконченным). Незавершенную работу отличает отсутствие заранее заданной идеи и оформленности композиции — качеств, свойственных художественной манере Давида. Здесь рядом с неожиданно неровными мазками краски, которой предполагалось закрасить мундир, лицо с напряженно-волевым, огненным взглядом кажется особенно пластичным, четко вылепленным. Вместе с тем картина сохраняет ощущение наброска, как бы выполненного с натуры (портрет должен был войти в большую, так и не написанную композицию). Совсем в ином плане написан конный портрет знаменитого полководца на привале Сен-Бернар. В это время Давид видел в Наполеоне только героя-победителя и принял заказ изобразить его спокойным на вздыбленном коне. Однако позировать Бонапарт отказался, мотивируя это тем, что мало кого интересует реальное сходство, достаточно выразить суть гения. Живописец выполнил пожелание и
создал произведение, похожее в большей степени на памятник, а не на портрет полководца.

Жак Луи Давид. Автопортрет. 1794 г.

В 1804 г. Наполеон Бонапарт стал императором, а Давид получил звание первого живописца императора. Наполеон выразил желание, чтобы в произведении искусства было прежде всего отражено восхваление империи, и тогда Давид по его заказам написал две крупные композиции: «Коронование императора и императрицы» (1806-1807) и «Присяга армии Наполеону после раздачи орлов на Марсовом поле в декабре 1804 г.» (1810). На первом полотне художник стремился представить коронацию так, как она происходила в действительности, с максимальной объективностью. Каждое лицо изображено с большей экспрессией и психологичностью; идеализированы только образы Наполеона и Жозефины, выделенные светом. «Коронование…» характеризуется новой, более яркой цветовой гаммой (здесь присутствуют черные, белые, зеленые, красные и золотистые тона), в которой угадывается стремление живописца передать краски такими, какие они есть на самом деле, и несоответствием между реалистическим портретом и театрально напыщенной и вялой композицией.

Все работы последующего периода, выполненные в жанре портрета, отличаются высоким мастерством, чего нельзя сказать об исторических и аллегорических композициях, которые утрачивают революционный пафос и становятся холодными и академическими. В некоторых полотнах наблюдается замена строгого стиля претенциозной изысканностью и красивостью («Сафо и Фаон», 1809).

В последние годы существования империи, в то время, когда над Францией нависла угроза вторжения, мастер выставил картину «Леонид в Фермопилах» (1799-1814). Данный поступок можно рассматривать как призыв художника к защите отечества. Однако все попытки подобного рода заранее были обречены на неудачу, так как события термидора и империя основательно подорвали патриотизм и гражданскую доблесть республиканцев. Да и сама композиция получилась чересчур безжизненной и академической, что также не могло вызвать того энтузиазма, которым были встречены работы Давида времен Республики, повествующие о республиканских добродетелях и гражданской доблести древних греков и римлян.

В 1814 г. власть перешла к Бурбонам, и художник, голосовавший в Конвенте за казнь Людовика XVI и принимавший активное участие в революционных действиях, был изгнан из Франции и нашел пристанище в Брюсселе, где и прожил до конца своих дней.

Нужно отметить, что все большое и значимое в творчестве Давида предреволюционного периода оказалось уничтожено в годы реакции, и только его портреты (в большинстве случаев безымянные) по-прежнему остаются достойными внимания. Лучшей портретной работой, созданной живописцем в годы изгнания, принято считать «Портрет старика», написанный в 1815 г.

Умер живописец в 1825 г.

Жан Оноре Фрагонар (Fragonard). Стиль рококо в живописи.

Галерея картин Фрагонара «Качели» (Счастливые случайности качания на качелях) Жан Оноре Фрагонар (фр. Jean-Honoré Fragonard;  1732, Грасс — 1806, Париж) — знаменитый французский художник,  живописец и график, яркий представитель стиля рококо. Один из крупнейших живописцев Франции второй половины XVIII в. В своём творчестве продолжая и развивая традиции художественного стиля рококо, создавал картины с галантными сценами,  игриво-эротическими мотивами.   После Ватто и Шардена Фрагонар — самый крупный французский художник XVIII столетия. Творчество Фрагонара — утонченный и яркий цветок искусства рококо и всей французской культуры второй половины века. Фрагонар родился на юге Франции, в Грассе. Его отец был перчаточником, в 40-х годах переселившимся в поисках заработка в Париж. Здесь семнадцатилетний Жан-Оноре Фрагонар попытался поступить в обучение к Франсуа Буше, но был отослан мэтром в мастерскую Жана Батиста Шардена. Время, проведенное у великого живописца, не прошло для Фрагонара даром — но это скажется позднее; пока ему не пришлись по вкусу ни прозаические сюжеты Шардена, ни его кропотливые штудии натуры. Через полгода начинающий художник снова отправился к Буше, который проявил на этот раз большую благосклонность. За сравнительно короткий срок Фрагонар перенял стилевые приемы своего учителя и в 1752 году был удостоен Римской премии за картину на библейский сюжет. После трехлетней стажировки в Париже у академического живописца Ванлоо Фрагонар уезжает в Рим в качестве стипендиата учрежденной там еще в XVII веке французской Академии. В годы, проведенные в Италии (1756—1761), происходит превращение бескрылого эпигона Буше и академиков в неповторимо самобытного мастера. Этой метаморфозе способствовала дружба Фрагонара с просвещенным меценатом Сен-Ноном и впоследствии знаменитым автором пейзажных панно — Юбером Робером, но, прежде всего — встреча с искусством и природой Италии. Фрагонар создает в этот период серию замечательных графических пейзажей, дополненную во время вторичного посещения Италии в 1773—1776 годах. Это по преимуществу виды прославленных вилл, расположенных в Риме и его окрестностях. На этих рисунках, выполненных бистром или сангиной, изображены тенистые аллеи, напоминающие своды соборов, величавые зонты пиний, целые каскады зелени, гроты, ступенчатые террасы с балюстрадами и статуями. Все это отличается архитектурной стройностью композиции и проникнуто почти космическим чувством природы, роднящим Фрагонара с мастерами XVII века. Собственно «фрагонаровское»— в сочетании величия с невиданной прежде интимной теплотой, мягкостью и утонченностью восприятия мира. Его кисть и карандаш передают бесчисленное множество оттенков черного и белого, градаций размытых и четких форм. Но, пожалуй, главное очарование фрагонаровской графики — в ее светоносности. Свет в его пейзажах то мерцает, то струится широким потоком, вспыхивает в листве, таинственно озаряет дали… На заметку: За работой на компьютере удобно слушать онлайн музыку с iPlayer.fm. Хорошо тонизирует. Там сделан удобный и быстрый поиск музыки. Сегодня слушал ремиксы 2013, пока готовил публикацию. Автопортрет После возвращения в Париж Фрагонар создает ряд картин, навеянных впечатлениями от Италии, таких же свободно-поэтичных, как его графика, и утонченных по колориту («Прачки», «Сады виллы д’Эсте»), пишет пейзажи, а также композиции в историческом жанре. В 1765 году за картину «Корез жертвует собой для спасения Каллирои» Фрагонар «причисляется» к академикам. Однако почетной и бесплодной карьере академического живописца он предпочитает свободное творчество. Главное место в нем занимают теперь «галантные» и эротические сюжеты, отвечавшие и характеру дарования Фрагонара, и духу времени. Его картины украшают отели знати (в числе заказчиков художника — любовница короля, знаменитая Дюбарри), будуары актрис и апартаменты богатых любителей искусства. Фрагонар порой уступал вкусам заказчиков, но в большинстве работ оставался неизмеримо выше их. «Пикантные» сюжеты, которые в работах посредственных мастеров казались пошлыми и пустыми, у него, сохраняя легкость, наполняются поэзией, приобретают характер радостной фантазии, очаровывают грацией, чистотой и свежестью. Таковы его знаменитые «Похищение рубашки Амуром», «Счастливое мгновение», «Жимблет». Иногда он создавал произведения, захватывающие широким музыкальным ритмом и подлинно вакхическим, в духе Рубенса, порывом (например, луврские «Купальщицы»). Отличительные черты фрагонаровского стиля — динамичный, скользящий мазок, букет свежих и ярких красок, богатство оттенков и одновременно смелое построение формы чистыми тонами. Но наряду с этим Фрагонар работал и в более «отделанном» стиле, одним из лучших образцов которого являются знаменитые «Качели» (полное название: «Счастливые случайности качания на качелях»). Фрагонар писал много портретов, среди которых выделяется серия с моделями в полумаскарадных «исторических» костюмах. Здесь напрасно искать глубины психологической характеристики, но зато с неподражаемой силой переданы жизненный порыв, грация и красота. Портреты написаны стремительным и острым «хальсовским» мазком, динамичны по композиции и декоративны (многие из них служили украшениями интерьера, «десюдепортами»). Среди наиболее известных работ — портрет Сен-Нона, «Вдохновение» и словно излучающая солнечное сияние «Читающая». В 1670-е годы широкое распространение просветительских идей, призывы Руссо и Дидро к естественности, простоте и нравственности, а также изменения в личной жизни Фрагонара (он женится и становится отцом семейства) приводят к переменам в его искусстве. Теперь в его живописи преобладают идиллические семейные сцены, в которых художник как бы соревнуется с вошедшим в моду Грезом. Однако в работах Фрагонара нет слащавости Греза и его плоского, с оттенком ханжества, морализаторства. Особенно удавались ему сцены с детьми, написанные с необыкновенной нежностью и юмором. В живописном стиле художника ощущаются уже влияния не столько Рубенса, сколько малых голландцев, хотя Фрагонар как всегда далек от подражания. Одна из самых ярких страниц творчества мастера в 1670-е годы — серия «празднеств», протекающих на фоне прекрасных парков, аналогичных итальянским («Праздник в Сен-Клу», «Игра в жмурки», «Театр кукол», «Продавцы игрушек», «Актеры»). Театральное и игровое начало, которым проникнуто все искусство Фрагонара, здесь выражено, пожалуй, с наибольшей силой. Его картины, одновременно реалистичные и откровенно условные, напоминают прекрасную грезу. В отличие от «галантных празднеств» Ватто, в них нет меланхолии — они излучают радость жизни. Вместе с тем в образах Фрагонара нет и свойственной Ватто глубины проникновения в духовную жизнь человека. В 1680-е годы в искусстве Фрагонара происходит некоторый спад; однако наряду с шаблонными заказными произведениями он создает необыкновенно утонченные по живописному языку работы («Воспоминание», «Любовная записка»), заканчивает начатые прежде циклы графических иллюстраций к Лафонтену и Ариосто. В его позднем творчестве есть предвосхищение романтизма и даже классицизма следующего столетия («Фонтан любви»). Однако героический и чеканный классицизм Давида — художника наступившей революции — имел мало общего с утонченно-гедонистическим и чувственным искусством мастера эпохи рококо. После революции Фрагонар лишается заказчиков и славы. Благодаря протекции Давида Фрагонар работает последние годы столетия (с 1794 по 1800 год) в музейной комисии Лувра, формирует его кабинет рисунков; затем лишается и этого места. Умер Фрагонар почти в полной безвестности, в скупых некрологах упоминалось о «художнике старой Академии, которому удавались галантные и эротические сюжеты». Однако его творчеству была суждена долгая жизнь. Жизнерадостное, поэтическое и несравненное по красоте живописного и графического языка искусство Фрагонара вдохновляло многих живописцев XIX и XX веков — от Делакруа и Коро до Ренуара, Боннара и Шагала.   The Love Letter 1770 The lock 1776-79 Psyche and Her Two Sisters The Fountain of Love.1785.Wallace Collection, London     A Young Scholar.1775-1778.Wallace Collection, London Дени Дидро Blind man’s bluff game   Diana and Endymion, c. 1753-1755 Coresus Sacrificing himselt to Save Callirhoe.1765.Musйe du Louvre, Paris Comite revolutionnaire Captured kiss   Adoration of the Shepherds.1775. A Young Girl Reading.1776.National Gallery of Art, Washington A Boy as Pierrot.1776-1780.Wallace Collection, London         The Fountain of Love 1785   Visite à la nourrice The Faithful Dog The Bathers.1772-1775. Portrait of a Man called ‘The Warrior’ Урок музыки   The Shady Walk   Мечтания 1768 Девушка, играющая с собачкой 1772 Девочка в постели, играющая с собачкой, Мюнхен, Венец возлюбленному 1771-73 Танец сатиров Четвертый лист Свидание 1771-73 Поцелуй украдкой На заметку: В преддверии Евро-2012 представляем стадионы Чемпионата Европы по футболу: Польша, Вроцлавский стадион  (город Вроцлав) Последние материалы в этом разделе: ↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

Картины и интерьер. Барокко, рококо, классицизм, ампир.

В наши дни, без элементов декора не обходится ни одно помещение, и так как у каждого стиля интерьера есть свои особенности, мы поможем вам определиться какие художественные произведения подошли бы вам больше всего. В данной статье мы рассмотрим особенности классических стилей, олицетворяющие разные эпохи архитектурного искусства. Речь пойдет о барокко, классицизме,  рококо и ампире.

Барокко — итальянское слово, которым назван стиль дизайна интерьера, появившийся в конце XVI века. Само слово означает раковину вычурной формы. В дизайне интерьера Барокко стремится к величию, пышности, пространственному размаху. Этому стилю присущи яркие краски, богатая игра света и тени, сложные изогнутые очертания элементов интерьера.

Рококо — стиль появившийся в XVIIIв, олицетворяет собой изящество, легкость и комфорт.  В дизайне интерьера этого стиля огромную роль выполняют рельефы, живописные панно в изысканном стиле, множество зеркал, пасторальные и эротичные силуэты, гобелены, ассиметричное строение композиции.

Что касается классицизма, то его монументальность и величественный характер сменил роскошь предыдущих стилей Барокко и Рококо. Этому стилю характерны правильные формы, натуральное дерево, позолота, ручная работа.

И наконец Ампир — стиль-продолжение классицизма. Дизайну интерьера в стиле Ампир присущий декор военной эмблематики, нет никаких грубых, резких форм, они скорей массивны и упрощены, подчеркнута монументальность отдельных его элементов.

Для всех этих стилей характерны монументальные  пейзажи художников тех времен: Гейнсборо Т., Каналетто, Рейсдала, французских импрессионистов — Моне, Ренуара и др.. Также, хорошо для данных интерьеров подходят классические пейзажи русских художников — Шишкина И., Клодта М., Саврасова А., Левитана И. и др. Возможны оформления портретными репродукциями художников XVIII-XIXвв., а также картинами религиозного направления. Обращаем ваше внимание, что для подчеркивания монументальности и помпезности все картины оформляются в дорогие, широкие, вычурные рамы, что придает работам величественный характер.

Стиль рококо в прическах ХVIII века, фото и картины

Если у них нет хлеба, пусть едят пирожные.
Мария-Антуанетта, королева Франции.

Стиль рококо – это одновременно и продолжение и противоположность барокко. Рококо – стиль XVIII века. Стиль, в отличие от барокко, рассчитанный на более скромные помещения и малые размеры. Недаром рококо еще называют интерьерным стилем. Однако не менее пышный, нарядный и яркий.

Кадр из фильма «Мария-Антуанетта»
Прически и костюм периода рококо.

Рококо – стиль нежный: неяркие цвета (нежно-розовый, нежно-голубой, салатовый), весенние мотивы в живописи, а также мотивы вечной юности и любовь к жанру ню. А еще рококо – это стиль последних лет существования французской монархии, предреволюционный стиль. Стиль времен, когда народу не хватало продуктов и самого необходимого, а во дворцах царила чрезмерная роскошь.

Прически периода рококо отчасти продолжали традиции периода барокко. Это были прически на париках у мужчин и высокие прически у женщин. Впрочем, в период рококо, это одна из главных особенностей женских причесок того времени, они достигнут невообразимо высоких размеров.

В моде по-прежнему остается прическа «аля-фонтанж». Данную прическу очень любит Мария-Антуанетта. Появляется и еще один вариант такой прически – «фонтанж коммод» («удобная»).

Портрет мадам Дю Барри, работы художницы Элизабет Виже-Лебрен
Прическа и головной убор XVIII века.

В 20-е годы XVIII века в моде небольшие прически. К примеру, прическа «малая пудреная» — прическа из слегка завитых волос, уложенных вокруг головы, и с гладким затылком. Еще одно название такой прически – «графиня Коссель». На основе «малой пудреной» прически была создана и прическа «полонез». Ее авторство приписывается французской королеве польского происхождения Марии Лещинской. Обязательными элементами прически «полонез» были украшения – перо и брошь.

В середине XVIII века носили прическу «тапи» — взбитые завитые волосы, уложенные высоко надо лбом. Также в моде были прически с яйцевидным силуэтом.

Жан Батист Готье Даготи. Мария-Антуанетта.
Прическа Марии-Антуанетты, украшенная драгоценностями. Автор куафер (парикмахер) Леонар.

Портрет Марии-Антуанетты, работы художницы и ее подруги Элизабет Виже-Лебрен, 1785.

А в 60-70-е годы XVIII века приходит мода на высокие прически. Такие прически делаются с использованием искусственных прядей, а также целых декоративных элементов – фигурок людей, животных, фруктов. К примеру, прическа фрегат – с корабликом на голове. Такие прически сооружались длительное время и носились в течение не одного месяца. Посыпались пудрой, различными ароматическими веществами. И в таких прическах вполне могли заводиться различные насекомые. У одной из придворных дам на голове даже поселилась мышь. Прически чесались. Чтобы дамы могли чесать головы, у них существовали специальные длинные палочки. А так как с такими огромными прическами проблематично было сесть в карету с крышей, то дамы путешествовали в повозках. Но вскоре известный французский парикмахер того периода, личный парикмахер Марии-Антуанетты, Леонар придумал механизм, с помощью которого прически могли складываться.

Прическа фрегат

Карикатура на высокие прически

Помимо прически «фрегат» была популярна и прическа «а-ля мадам дю Барри», названная так в честь фаворитки короля Франции Людовика XV. Прическа состояла из завитых и напудренных волос, уложенных на высокий каркас.

Мужские прически делались на париках. Однако в отличие от париков XVII века парики века XVIII имели гораздо меньший размер.

Так, широко был распространен парик с мелкой завивкой «а-ля мутон» («под барана»). Носили и прическу «ке» («хвост») – подвитые волосы зачесывались назад и завязывались на затылке черной лентой. Изначально такая прическа делалась из своих волос, однако затем ее начнут носить и на париках.

Элизабет Виже-Лебрен. Портрет Этьена Виже (брата художницы), 1773.
Прическа с хвостом.

Еще одна прическа «а-ля бурс» — хвост из волос убирался в мешочек или же футляр, который делался из черного бархата и имел четырехугольную форму, а также украшался бантами, пряжками и рюшами. При этом около висков оставлялись пряди волос, которые спускались чуть ниже уха. Такие пряди назывались «крылья голубя».

Морис Кантен де Латур. Автопортрет.
Прическа «а-ля бурс».

В 30-е годы XVIII века очень популярна была прическа «а-ля катоган» («узел»). Прическа делалась из завитых и напудренных волос. На висках волосы завивались в букли или же завитки-ракушки, а на затылке оставлялась длинная прядь, которая и собиралась в толстый узел, чем-то напоминая конский хвост.

Носили и прическу «а-ля будера» («крысиный хвост»). Волосы надо лбом взбивались в высокий кок, на висках завивались в букли, а на затылке плотно обвивались кожаными ремешками, муарной лентой.

Жозеф Дюплесси. Портрет Людовика XVI, 1775.
Парик и «крылья голубя» (у висков) на прическе.

Были и прически с косами, которые перевязывались бантом. Такие косы не были длинными и их называли «свиными хвостиками».

Со второй половины XVIII века моду на мужские прически все больше и больше начинает диктовать Англия. Плюс начинает проявляться интерес к Античности (ведутся раскопки Помпей), а соответственно и к античным прическам.

Морис Кантен де Латур. Портрет Руссо, 1753.
Мужская прическа. XVIII век.

Интересный факт: именно в XVIII веке в Париже была открыта Академия парикмахерского искусства. Парикмахеров тогда называли куаферами. Самыми известными куаферами были Легро – парикмахер Людовика XV, он же являлся и создателем Академии, и Леонар – парикмахер Марии-Антуанетты.

Буше, Франсуа. Все картины художника

История возникновения

Французское слово rococo произошло от rocaille – т.е. «осколки раковины». Название стиль получил за свою затейливость, напоминавшую узоры камней и раковин. Зародилось рококо ещё в XVII столетии во времена правлении Людовика XIV – «короля-солнце», а превратилось в господствующий стиль уже в XVIII столетии, когда на престол взошёл Людовик XV (1720-1774 г.г.). Именно в это время Франция становится богатой, роскошной страной, законодательницей мод, и занимает ведущее место в художественной и культурной жизни Европы. Вдохновителем стиля рококо считается Жан-Луи-Эрнест Месонье́, поскольку именно в его творениях впервые появились ассиметричные формы и необычные контуры причудливо изогнутой морской раковины.

До середины XIX века искусство рококо не выделялось как отдельное стилевое направление. Считалось, что это барокко в своём позднем развитии. Однако, являясь логическим завершением тяжеловесного барочного искусства, рококо трансформировал некоторые его идеи в нечто принципиально новое, непохожее на искусство своего предшественника. Таким образом, рококо, начавшись, как эволюция барочного направления, со временем стал самостоятельным художественным стилем, в какой-то мере даже антиподом искусства барокко.

Изначально rocaille – это способ декорирования интерьера садовых гротов, фронтальных чаш, а «рокайльщиком» называли мастера, работающего в этой сфере. Постепенно термин просочился во все виды искусства, однако в большей мере стиль рококо выразился в интерьере.

Для живописи и скульптуры характерны в основном эротические, мифологические и пасторальные сюжеты. Первым мастером картин в стиле рококо стал Ватто, в дальнейшем искусство развивается в творчестве Буше и Фрагонар. В рамках стиля развитие получил такой вид живописи, как декоративное панно. Ярчайшим представителем в скульптуре явился Фальконе, его бюстами и статуями украшались интерьеры.

Музыкальный стиль рококо в чистом виде проявил себя в творчестве великих французских клавесинистов Франсуа Куперена и Жана Рамо. В этой манере работают сейчас современные музыканты: Андре Кампра, Марин Маре и др.

Эстетика рококо сыграла важную роль и в других европейских странах: более всего в Австрии и Германии, чуть меньше – в Италии, Англии (роскошный викторианский стиль), Испании.

В России рококо развивалось под влиянием приезжих французских и немецких мастеров (Токке, Фальконе, Рослин). Также под этим влиянием в России работали такие великие мастера, как Растрелли, Ринальди (постройки в Ораниенбауме), Ухтомский, Рокотов, Левицкий.

Именно в эпоху рококо произошёл расцвет графики.

Главные черты и особенности стиля рококо:

• камерная декоративность;
• изящество и лёгкость;
• пастельные тона;
• деталь как основной художественный приём;
• сюжеты из мифов и пасторалей;
• лепнина, орнамент, позолота (для интерьера)

Рококо в живописи: особенности стиля

Дорогие друзья, посетители и постоянные читатели блога!

Хочу спросить, а волнует ли вас веселый и загадочный стиль Рококо? Знаете ли вы, что стиль считается самым легкомысленным, так сказать, «с легким ветерком в голове» из всех стилей в истории искусства, по словам критиков того времени?

Мне же кажется, что среди всех стилей искусства он занимает особое место. Кстати, не только потому, что я ему очень симпатизирую! Согласитесь, само журчащее название «Рококо» уже обеспечивает часть успеха, оно интригует и запоминается.

Как всегда, законодательницей мод в искусстве выступила Франция. Именно там, в первой половине XVIII века, начал развиваться стиль Рококо, стиль легкости, изящества и беззаботности. А название «Рококо» производное от французского слова rocaille, что означает «скальный», также может переводиться как ракушка, коралл, обломки скал.

Причем тут ракушки, — спросите вы? А потому что изначально Рококо появился в декоре, а визитной карточкой стал завиток в виде морской раковины, самым ярким элементом композиций декора! А уже затем появились затейливые орнаменты, всякие милые глазу S-образные завитушечки.

Мебель с завитушками в стиле Рококо

Надо отметить, что эпоха Рококо — это стремление к свободе и непринужденности, освобождение от канонов и требований. То есть уход от стиля Барокко, который тогда находился в расцвете. А главной идеей Рококо является красота, идиллия, отказ от проблем и реальности, такая счастливая красивая жизнь.

Появление стиля Рококо в искусстве было закономерным. Как это часто бывает, публика пресытилась излишней пышностью, вычурностью и тяжеловесностью Барокко. И вот в начале XVIII века в декоре парковых павильонов появилось нечто новое, легкое и непринужденное.

На фото: Слева — Франсуа Буше «Завтрак» 1739 г, на картине можно увидеть элементы интерьера того времени Справа — неизвестный художник, на картине аристократка в одежде того времени

Стиль Рококо в живописи

А дальше все очень просто: появился спрос на подобные украшения, а затем и мода. С этого момента стиль Рококо стал активно распространяться по странам Европы. Что же касается видов искусства, то наиболее ярко он проявился в архитектуре и живописи.

Архитектура Рококо с игривостью противостоит строгой симметричности и парадности сооружений Барокко. Построенные в эпоху Рококо дворцы и храмы и сейчас радуют изысканностью форм, приветливостью и веселой красотой. Чаще всего, в этих сооружениях почти полностью отсутствуют прямые линии.

Как, это же архитектура, — скажете вы? Просто все эти линии старательно замаскировывались растительными орнаментами, плавными изгибами, кокетливыми карнизами и другими затейливыми элементами.

Архитектура в стиле Рококо

Но еще более ярко стиль Рококо выразился в декоре интерьеров! Сложные лепные узоры, завитки, гирлянды – все это создавало впечатление сказочной роскоши и живописной легкости. Картину интерьера дополняли многочисленные зеркала и хрустальные люстры.

Интерьеры эпохи Рококо

Для оформления в стиле Рококо кроме традиционных пастельных тонов, часто использовались золотистые и жемчужно-серебристые оттенки. Что и сказать, интерьер получался роскошный, даже сказочный! Помещение, украшенное таким декором, казалось изнутри невероятно красивой шкатулкой.

Чем отличается Рококо от Барокко?

• Самое главное отличие стилей, это их происхождение. Искусство Барокко в своем начале религиозное, так как основным заказчиком картин была церковь, а Рококо — чисто светское, аристократическое. Ни правительство, ни церковь не покровительствовали в подъеме стиля Рококо

• Для Барокко характерна масштабность, монументальность и строгая симметричность. А Рококо напротив – изящный, построен на асимметрии.

Примеры картин эпохи Барокко и Рококо

• Барокко свойственны темные, контрастные, яркие цвета. А Рококо, будто бы играючи, все поменял: для него характерны мягкие цветовые переходы и светлые пастельные тона.

• Стиль Барокко создает театральность и торжественность, а Рококо – мягкую утонченность и галантность.

Характерные черты стиля Рококо в живописи

Основоположником Рококо в изобразительном искусстве стал французский живописец Жан Антуан Ватто (Antoine Watteau). Вначале он копировал картины фламандских мастеров, а со временем нашел свою тему в живописи. Он стал писать милые легкие картинки из жизни аристократов, и это было началом нового галантного жанра. А затем и нового стиля в живописи – Рококо.

Картины Рококо живописца Жана Антуана Ватто

Картины Рококо наполнены, как сейчас сказали бы, няшностью. Полный уход от проблем современного мира и жестоких реалий, только идиллия и наслаждение жизнью. Элегантно одетые персонажи, находящиеся на фоне красивой природы, играющие, отдыхающие – традиционный сюжет картины Рококо.

В эпоху Рококо художники постоянно находились в поиске особенных изысканных оттенков. Были модными неестественные цвета, которых практически не встречалось в природе. Так вот, некоторые редкие оттенки даже получали милые названия за свою красоту.

Например: «голубиная шейка» (понятно, что голубой цвет), а вот как выглядел «цвет потерянного времени» или «цвет бедра взволнованной нимфы» даже догадаться сложно! Кстати, cuisse de nymphe émue

(бедро взволнованной нимфы) считается бледно-розовый цвет, и даже есть розы с таким чудесным названием!

Картина Рококо и роза «cuisse de nymphe émue»

На заметку: Франсуа Буше, автор пасторального жанра и живописец Рококо, считал, что природа несовершенна, к тому же часто природному сюжету недостаточно освещения. Поэтому он добавлял изумрудные, розовые и бирюзовые оттенки, делая свою живопись яркой и радостной.

Примеры картин Франсуа Буше (François Boucher)

Слева — «Венера, утешающая Амура» («Venus Consoling Love»), 1751г. Справа — «Птичья клетка» («La cage d’oiseaux»), 1750г.

Картины Рококо Франсуа Буше

На заметку: Стиль Рококо иногда называли «стилем Помпадур». Почему? Да потому что мадам де Помпадур, фаворитка короля Людовик XV , была настоящей иконой стиля того времени! Маленькие, почти кукольные, ручки и ножки, изящная обувь, эротичное декольте, складочки, рюшечки, розочки, бантики… Такой она предстает на картинах художников того времени.

На фото: Франсуа Буше «Портрет мадам де Помпадур)

Стиль Рококо в живописи — Франсуа Буше

А знаете ли вы, кто сделал Францию центром культуры, искусства и моды? Именно король -солнце, как его называл французский народ, Людовик XIV! Со времен рассвета стиля Барокко на территории Франции все и началось, потом засветил поярче «культурный маяк» и последователь трона- Людовик XV. Так с легкой руки короля, Франция до сих пор считается центром искусства и моды…

Еще одна особенность стиля Рококо в живописи – это отношение к внешнему виду персонажей. Герои картин все как на подбор румяные, нежные и холёные. Причем, это касается не только дам, но и мужчин. Стало модным иметь румяный вид, что подразумевало крепкое здоровье и молодость. Именно в этом был секрет стиля: неувядающая молодость и красота!

На фото: Элизабет Виже-Лебрен, «Портрет мадам Дюбарри» 1782г. Густаф Лундберг, «Портрет Франсуа Буше» 1741г.

Рококо в живописи

Кстати, как вы думаете, кто рисует больше, мужчины или женщины и почему? Читайте мою статью с примерами, надеюсь, она вам понравится. А здесь вы можете почитать об малоизвестных художницах Франции, например, об Элизабет Виже-Лебрен, чья картина находится выше.

Вот и получается, что Основная идея Рококо в живописи — запечатлеть  вечную молодость и красоту! В картинах персонажи как бы изящно убегали от реальности, показывая всем своим существованием радостную беззаботность.

Как ни странно, но характерной чертой Рококо в живописи также является… эротика. Получилось, что в это время было полностью пересмотрено отношение к обнаженному телу. Художники еще со времен античности писали обнаженную натуру, но теперь в этих картинах добавился привкус соблазна и сладострастия.

Кстати, именно это служило темой для критики шедевров французских живописцев Франсуа Буше и Жана Оноре Фрагонара. Уж слишком откровенными и манящими выглядели молодые дамы на картинах этих художников!

На фото: Слева — Фрагонар «Девочка играющая с собачкой» 1770г. Справа — Франсуа Буше «Геркулес и Омфала» 1731г.

«Манящие» картины в стиле Рококо

Критики того времени осуждали не только картины, но и все направление в целом. Они считали, что стиль несерьезен и безвкусен. Многие отмечали, что стиль Рококо несет распущенность в массы и не имеет эстетики …. Только вечная моложавость, беззаботность и любовь! Это критики того времени высказывали свое мнение по поводу стиля, а сейчас, современные критики искусства оценивают стиль совершенно иначе!

Кстати, стиль Рококо имеет популярность и в современной моде, и даже отражается в картинах многих современных художников

Стиль рококо в современной моде

В моей творческой деятельности есть совершенно разные картины, написанные в разных стилях, жанрах и направлениях. В том числе имеются и картины в современной интерпретации стиля Рококо. Выставляла их на выставке современного искусства во Франции.

Я заметила, что к картинам современного Рококо проявляется интерес, возле них задерживаются и задают вопросы. Поверьте, для творческого свободного художника это хороший знак, чтобы и дальше проводить эксперименты в картинах!

Картины Рококо в современной интерпретации

В картинах на фото выше, помимо краски, я использовала натуральные стразы, для ожерелья, папье маше для головного убора и нижней части платья, а также маленькие кусочки зеркала. В таком виде картина выглядит куда интереснее, ведь живопись и микс медиа на холсте относится к новым направления в искусстве!

Видео для размышления: Зачем нам нужны картины и По какому принципу мы их выбираем?

Друзья, чтобы статья не затерялась среди множество других статей в интернете, сохраните ее в закладках. Она всегда будет под рукой, если вы захотите к ней вернуться!

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Рекомендую к прочтению похожие статьи:

Современное направление

Сегодня стилистика рококо проявляется главным образом в дизайне интерьеров. В нынешних условиях завитки и рокайли, присущие рококо, слегка упразднены; сейчас они присутствуют в основном на мебели, зеркалах и аксессуарах. Современную версию этого искусства можно смело называть минималистической, а скудность украшений сегодня – это дань моде, имеющей урбанистическую направленность.

Сегодня дизайнеры интерьеров в основном используют стиль рококо не в чистом виде, а в комбинации с другими стилями, главным образом мешая с барокко и классицизмом. Искусство рококо в основном представлено только в деталях. В современной версии уже нет той нежной палитры оттенков, гармонирующих с золотом и серебром. Нынешние интерьерные решения – это более яркие стены, на фоне которых контрастирует светлая мебель. Часто применяется сочетание чёрно-белых цветов в оформлении под современный стиль рококо. Классическая мебель в этой стилистике получает более яркую, необычную обивку. Устаревающий паркет уже предлагается заменить более современным напольным покрытием: ламинатом, плиткой (для кухни и ванной). На древесном ламинате интересно смотрятся мягкие шкуры животных, что тоже является комбинацией классики и рококо.

Главное для современного рококо – это атрибуты и аксессуары: торшер с подвесками из хрусталя, зеркала, канделябры, которые подчеркнут настроение той эпохи.

Смешение стилей можно наблюдать сегодня и в моде. Экстравагантные наряды подобной направленности впервые в XX веке продемонстрировали мастера одежды Dolce & Gabbana. Отличительной чертой их нарядов стали многообразность покроя одежды, применение всевозможных аксессуаров, преобладание красных, серых, золотых оттенков.

В наши дни модельеры успешно внедряют стиль рококо, используя красивые платья, украшенные стразами, бантами, бисером, золотом, кружевами и вышивкой. Бусы, ожерелья, массивные серьги, новые технологии вышивки металлической нитью, сложные манжеты, веера, шляпки с перьями – всё это в тренде сегодняшнего дня. Наряды в стиле рококо, очень пышные, помпезные и в то же время изящные и привлекательные, пользуются сегодня большим спросом.

Жанры и сюжеты

Несмотря на новые идеи, рококо в живописи не отвергло полностью традиционные темы, разрабатывавшиеся в прошлом. Например, продолжали использоваться мифологические сюжеты, только теперь из всего античного пантеона в основном рисовали амуров и нимф, а Венера скорее напоминала светскую даму, демонстрирующую прелести обнаженного тела в пикантной обстановке.

Со временем появилась пастораль – новый жанр камерной живописи, предназначенный для жилого интерьера. Пасторальные картины в стиле рококо представляли собой идиллические сельские пейзажи, на фоне которых пастушки и пастухи в богатых нарядах играют на свирелях, читают или танцуют. Несмотря на невинные занятия, всю обстановку окутывает легкий флер эротики.

Архитектура

Центром формирования новой культуры XVII столетия становятся не дворцы и грандиозные ансамбли, а небольшие нарядные салоны рококо. Новый стиль (в отличии от готического стиля в архитектуре) утрачивает тенденцию к масштабности и величественности. Архитектура стремится стать лёгкой, игривой, красочной, приветливой. На смену усадебному замку приходит небольшой городской особняк, утопающий в зелени пышных садов. Вместо огромных залов в них размещаются нарядные салоны и будуары, в которых проводит время французская знать.

Планировка зданий отличается ассиметричностью; помещения в них круглые, овальные, восьмиугольные. Попытка избежать резких прямых углов бросается сразу же в глаза. Даже линия соединения стен маскируется орнаментом. Плоскость стены зачастую дробится, углубляется, и комнаты тем самым получают причудливую форму.

Национальный оперный театр в Париже

В целом стиль рококо не так сложен, как флорентийская мозаика, и не привнёс никаких новых конструктивных элементов в архитектуру, а только украсил старые образцы своей декоративностью и нарядностью. Китайские домики, скрытые павильоны, укромные гроты, салоны и будуары, уютные нарядные помещения – это то новое, чем отличилась архитектура эпохи рококо. А главное внимание стиль рококо сосредоточил на декорировании интерьеров.

Интерьер

Стиль рококо прежде всего ориентирован на комфорт и уют интерьера. В убранстве комнат лежит печать доведённой до предела утончённости. Характерные черты интерьера помещений:

• изогнутые линии и ассиметричные формы;
• большая декоративная нагруженность;
• грациозная орнаментальность;
• большое внимание к мифологии;
• множество миниатюрных предметов прикладного искусства.

Цветовая гамма

Приоритетные цвета – приглушённые, пастельные: жемчужный, серебристый, перламутровый, бледно-охристый, пастельно-розовый, зеленоватый и бледно-голубой. На фоне прозрачных, светлых красок интересно и причудливо смотрятся ажурные формы и сложный орнамент рококо. Всё вместе рождает праздничное, феерическое зрелище.

Материалы

Для мебели в стиле рококо используется дерево, в основном орех и липа, так как эти породы прекрасно поддаются резьбе. Для отделки и декора – богато расшитые ткани, главным образом шёлк. Фарфор, керамика, золото – эти материалы просто созданы для экстравагантного и роскошного искусства рококо. В период его расцвета богатая знать увлеклась предметами, привезёнными с Востока. В моду входит китайский фарфор (посуда, вазы, статуэтки), шёлк и чай. А в рококо намечается отдельное течение, получившее название «шинуазри», что дословно означает «китайщина».

Полы и стены

Потолок в стиле рококо – это произведение искусства. Он светлый, однотонный, но обязательно с лепниной, которая может быть украшена позолотой. Потолочные фрески смотрятся богато и удивительно красиво. Дополнением к декору потолка служит большая хрустальная люстра с большим количеством плафонов.

Оригинальность стен проявляется в том, что они не имеют углов. Вместо них – изощрённые изогнутые линии, украшенные орнаментом и элементами лепнины. Для отделки стен используются китайские обои различной фактуры с цветочным орнаментом. Возможны и крашеные стены, с добавлением шёлка и глянца.

В качестве напольного покрытия применяются дерево и мрамор, а также плитка и керамика. Характерная деталь полов в стиле рококо – это блеск, который должен бросаться в глаза. Яркие, красочные ковры сделают интерьер ещё уютнее.

Оконные, дверные проёмы, декоративные панно над ними – закруглённой формы.

Мебель

Резная деревянная мебель в стиле рококо миниатюрна, удобна, с закруглёнными очертаниями. Волнообразный декор, изогнутые ножки кресел и диванов сочетаются с нежной расцветкой обивки. В изобилии используются различные скамейки, кушетки, маленькие диванчики, секретеры и комоды. Именно в эпоху рококо появляются первые передвижные ширмы, канапе, шезлонги и бержеры (глубокие кресла). В качестве мебельного декора применяются специальные накладки с узорами и резьбой, покрытые бронзовой краской. Богатство украшений на мебели в виде вьющейся лозы, цветочных гирлянд, фигурок птиц только подчёркивает стиль.

Декор и аксессуары

Камерность – это главное для стиля рококо. Никаких пугающих трофеев, алебард, шпаг и мушкетов. В обстановке должно быть всё, что приятно глазу, что вызывает удовольствие. Легкомысленная эпоха рококо утопала в иллюзии вечного праздника, рассматривая себя в венецианских зеркалах будуаров. Их размещали повсюду: на стенах и потолках, ставнях и створках комодов.

Мода рококо оставила самый заметный след в предметах интерьера и аксессуарах. Именно в эту эпоху возникает идея целостного ансамбля в оформлении интерьера: стилевого единства здания, декора стен, потолков и мебели. Рокайль (завиток) и картель (композиция из рокайлей) – основные черты стиля.

Обязательный атрибут интерьера рококо – камин, отделанный натуральным камнем. Он должен быть заставлен различными вещицами: часами, канделябрами, фарфоровыми безделушками. Обычно над камином расположено зеркало в богатой позолоченной раме или картина.

Изобилие аксессуаров – неотъемлемая часть рококо. Здесь и различные фарфоровые статуэтки, и гобелены, картины и зеркала, подушечки и пуфы, расшитые шёлком, ширмы. Все эти приятные мелочи придают уют и комфорт помещению. Новшество дизайна – аквариум с рыбками.

Истоки стиля

История термина берет название от французского слова рокайль (rocaille). Именно так называли декоративные элементы из грубовато обработанных камней и раковин, украшавших малые архитектурные формы. Постепенно произошла трансформация слова, им стали обозначать затейливые, нарочито вычурные элементы декора. Термин закрепился за художественным стилем в искусстве и нашел отражение в архитектуре, одежде, аксессуарах, мебели и посуде.

Рококо́ пришел на смену барокко в XVIII веке. Устав от высокопарности, скучности и ограниченности форм, светское общество, возглавляемое регентом Филиппом Орлеанским, жаждало нового – легкого и парящего. На смену многолюдным торжественным приемам пришли приватные встречи в салонах, которые несли некоторую интимность и требовали такой же утонченно-укромной обстановки. Потакая прихотям регента, появились миниатюрные диванчики на двоих с закругленными ножками и завитушками в орнаменте. Интерьер сменился на удобный, со множеством зеркал, с резными амурчиками, ажурными гирляндами на стенах и потолках, создающими настроение вечного праздника. Светское общество обратилось к предметам, не носившим смысловой нагрузки. Рококо характеризуется таким понятием, как «bagatelle» («пустяк»). У милых безделушек была одна цель – радовать глаз. Вся эпоха рококо характеризуется некой театральностью, легкомысленностью, иллюзией праздника.

Выводы

Стиль рококо впервые в истории культур воздвиг удобство и комфорт в ранг искусства. В современном дизайне его можно использовать подетально, сочетая с другими стилями. Атрибуты рококо легко впишутся даже в небольшую комнату, сделав её уютной, по-домашнему тёплой. Цветочные скатерти, обои, занавески, подобранные в тон обивки мебели, различные вещицы из фарфора и керамики украсят любое помещение, будь то спальня или гостиная, кабинет или столовая. А если в интерьере появятся предметы мебели в этом стиле да ещё и лепнина на потолке и стенах, – комната будет выглядеть роскошно и изысканно.

Минимализм, как отдельный стиль интерьера, также имеет и этнические особенности в зависимости от страны, в котором он развивается (скандинавский стиль в интерьере, японский минимализм, китайский). Также и стиль рококо под влиянием разных культур имеет свои особенности, как пример, американские интерьеры.

10 самых известных картин в стиле рококо

Движение рококо возникло из-за изменения социального климата во Франции в начале 18 века после смерти короля Людовика XIV в 1715 году.

Многие семьи и члены правящего класса и социальной элиты переехали из королевского дворца в Версале после смерти короля в окрестности Парижа.

Художники в то время стали менее заинтересованы в продолжении академического стиля периода барокко и начали исследовать новые пути выражения, которые привели их к тому, что мы теперь знаем как движение рококо.

Стиль рококо можно охарактеризовать его тенденцией к элегантно одетым фигурам, плавным мотивам, пастельным тонам и отсутствию заботы о симметрии. Движение началось во Франции и позже распространилось на другие части Европы, как и многие другие стили искусства на протяжении всей истории.

Те, кто работал в стиле рококо, обладали особым чутьем на изобилие и часто изображали свои картины с чувством необузданной природной красоты.

Хотя некоторые из громких имен той эпохи не так примечательны, как искусные художники других периодов, некоторые из самых известных картин движения рококо также являются одними из самых известных произведений, вышедших из Европы со времен Возрождения. .

Картины в стиле рококо

1.

Посадка на Cythera — Жан-Антуан Ватто

Немногие художники рококо более известны в этом движении, чем Жан-Антуан Ватто. Он известен как художник, положивший начало стилю рококо во Франции в начале 1700-х годов.

Ватто имел фламандское происхождение в то время, когда Франция только что аннексировала территорию при короле Людовике XIV.

По мнению искусствоведов, Ватто уникальным образом сочетал фламандский стиль живописи с живописными техниками венецианского Возрождения.

Его самая известная работа, несомненно, «Посадка на Киферу», которую он писал в течение пяти лет, закончившихся в 1717 году.

На картине изображена группа пар, которые, похоже, отправляются в путешествие на Киферу, остров в море недалеко от Греции, который был известен как место рождения богини Афродиты.

Ватто нарисовал каждую из трех пар способами, которые, кажется, находятся в разной степени ухаживания, с летающими амурами, парящими над их головами, что, кажется, указывает на цель путешествия.

2.

The Swing — Жан Оноре Фрагонар

Жан-Оноре Фрагонар был известен как один из самых заметных участников движения рококо. Он написал несколько мастерских работ для французской королевской семьи за свою карьеру, которая охватывала вторую половину движения рококо 18 века. Он наиболее известен своей работой под названием «Качели», написанной в 1767 году.

На этой конкретной работе изображена молодая женщина, игриво раскачивающаяся с ветки дерева, а молодой человек смотрит на нее из кустов под ней.

Угол взгляда мужчины таков, что он мог бы видеть из-под платья молодой женщины, что наводит на мысль о чувстве гедонизма, которое так часто сопровождало многие картины Фрагонара. В тени позади женщины можно увидеть еще одного мужчину, который тянет качели на веревках.

Это произведение было несколько спорным в то время, когда его создал Фрагонар, поскольку во Франции XVIII века оно считалось слишком легкомысленным для социальных стандартов.

3.

Триумф Венеры — Франсуа Буше

Франсуа Буше, возможно, самое известное имя эпохи рококо. На его картинах часто изображались мифологические фигуры или декорации, а его стиль живописи действительно изменил французское искусство при его жизни.

Его техника была особенно отличной, поскольку большинство фигур в его работах были сладострастными по своей природе и часто изображались на открытом воздухе.

Буше создал множество работ, которые были одними из самых известных картин эпохи рококо, но его «Триумф Венеры», пожалуй, самый известный среди искусствоведов и критиков.

Картина была написана в 1740 году и изображает богиню Венеру вскоре после рождения из моря. Ее сопровождает множество нимф, херувимов и тритонов, которые часто использовались в картинах в стиле рококо.

Картина иллюстрирует асимметричный характер произведений искусства в стиле рококо и установила сродство среди других художников к использованию мифологических фигур в своих произведениях.

4.

Вход в Большой канал — Каналетто

Ни один художник в истории не был так известен своими итальянскими городскими пейзажами, как Канал Джованни Антонио.

Он был известен как Каналетто, имя, которое он получил в честь своего отца, который был довольно заметной фигурой в мире венецианского искусства.

За свою карьеру он путешествовал по большей части Европы, рисовал множество разных сцен из определенных эстетически приятных мест во многих городах.

Его самая известная работа — «Вход в Гранд-канал», картина, на которой изображен водный путь, ведущий в итальянский город Венецию, который в то время в 1730 году был рассадником художественного чутья.

Картина отличается такой же асимметричной природой, как и другие работы в стиле рококо, и считается одной из самых известных картин, созданных за пределами Франции в 18 веке.

5.

Портрет мадам де Помпадур — Франсуа Буше

Франсуа Буше был известен по всей Франции своим умением воплотить в жизнь некоторые мифологические сцены из греческой культуры столетий назад.

Он также был провозглашен одним из самых известных портретистов периода рококо. Эта работа была последней из семи различных картин с изображением мадам де Помпадур.

Эта работа была завершена в 1759 году и предлагает вид на мадам, который имеет несколько игривый характер, что было довольно типично для многих произведений рококо в середине 18 века.

Ее можно увидеть прислоненной к основанию большой статуи и одетой в характерные струящиеся платья, которые в то время были так обычны для элитных членов французского общества.

6.

Встреча (от любви пастырей) — Жан-Оноре Фрагонар

Жан-Оноре Фрагонар был известен в эпоху рококо тем, что рисовал сцены, изображающие несколько игривую гедонистическую обстановку.

Он написал множество сцен, в которых молодые любовники были вовлечены в романтические обстоятельства, которые иногда считались табу во французском обществе в то время. Так было в его самом известном произведении «Встреча» (из романа «Любовь пастырей»).

На этой картине, созданной в 1772 году, изображены молодые мужчина и женщина, явно участвующие в встрече, которую они пытаются сохранить в секрете.

Видно, как мужчина кричит из-за стены, в то время как молодая женщина смотрит через плечо, словно желая убедиться, что их не увидят во время вечеринки.

7.

Пьеро — Жан-Антуан Ватто

Карьера Жан-Антуана Ватто была недолгой: он трагически погиб в возрасте 36 лет от туберкулеза.Однако перед смертью он, как известно, создал некоторые из самых влиятельных произведений движения рококо.

Его стиль был одним из самых ярких для всей французской эпохи 18 века.

Его работа 1719 года под названием «Пьеро» — одна из его самых известных картин, поскольку на ней изображено несколько актеров, окружающих длинную фигуру, стоящую на вершине какого-то типа платформы.

Произведение имеет своеобразный характер, но в нем присутствуют многие из наиболее распространенных элементов периода рококо.

8.

Аллегория планет и континентов — Джованни Баттиста Тьеполо

Джованни Баттиста Тьеполо известен со времен рококо как один из самых известных художников Италии.

Его венецианское воспитание сильно повлияло на его собственный художественный стиль, который имел многие черты, восходящие к Высокому Возрождению.

Одной из самых известных его картин была работа 1752 года «Аллегория планет и континентов».

На этой конкретной картине представлен обильный ассортимент небесных фигур, которые представляют множество различных планет, а также континенты Земли.

Картина окружена рамкой, состоящей из множества фигур, которые можно увидеть в развевающихся одеждах и указывающих внутрь, как будто для обозначения чувства божественности в центре картины. Некоторые фигуры на картине представляют людей из Европы, Африки, Америки и Азии.

9.

Мыльные пузыри — Жан-Батист-Симеон Шарден

Жан-Батист-Симеон Шарден обладал особым способом рисования сцен в довольно простой перспективе, несмотря на то, что он был частью движения рококо, которое так часто было известно экстравагантными фигурами и большими открытыми сценами.

Он был одним из первых художников, которые положили начало движению рококо вскоре после того, как стиль барокко почти вымер во Франции и Европе в целом.

Многие из его самых известных работ посвящены игровой природе детей, в первую очередь его картина 1734 года под названием «Мыльные пузыри». На картине изображен ребенок, который надувает пузырь, а его друг наблюдает за ним из-за выступа.

По мнению многих искусствоведов и критиков, картина, похоже, не несет в себе какой-либо важной символики или послания, а скорее представляет собой прямолинейное произведение, подчеркивающее невинную природу детства и легкость, с которой так часто забавляют детей.

10.

Купальщицы — Жан-Оноре Фрагонар

Жан-Оноре Фрагонар начал развивать стиль, который сам по себе был уникальным во время движения рококо.

Молодой художник был известен тем, что использовал более яркие цвета, чем его коллеги, и часто создавал работы, которые явно отличались от картин в стиле рококо начала 18 века.

Он известен своей картиной 1765 года «Купальщицы», на которой изображена группа из восьми женщин, наслаждающихся беззаботной ванной под полуденным солнцем.

Деревья и кусты, окружающие женщин, создают ощущение границы, в то время как все тела расположены в разных позах, каждое со своими уникальными характеристиками и индивидуальностью.

Сцены купания, подобные этой, были обычным явлением в картинах в стиле рококо, и был ряд других, которые создавали сцены, в которых обнаженные фигуры были замечены купающимися в открытом бассейне или текущей реке.

Это была одна из последних картин Фрагонара, которая была выставлена ​​на всеобщее обозрение, поскольку он начал производить работы исключительно для частных клиентов в 1767 году, вскоре после того, как эта картина была закончена.

рококо — главное искусство | TheArtStory

c. 1770

Синий мальчик

Художник: Томас Гейнсборо

На этом портрете в полный рост изображен мальчик в синих атласных бриджах до колен и камзоле с кружевным воротником, который без улыбки смотрит на зрителя. Держа в правой руке шляпу с плюмажем, а другую руку на бедре, он выражает как уверенность в себе, так и легкую чванливость. Сложенный слоями резких и тонких мазков с нежными оттенками сланца, бирюзы, кобальта, индиго и лазурита, синий становится великолепным, почти электрическим на фоне бурного и каменистого ландшафта.

Первоначально считалось, что на картине изображен Джонатан Баттолл, сын богатого торговца, но современные исследования определили, что модель, скорее всего, была ассистентом художника и племянником Гейнсборо Дюпон. Как писала искусствовед Кимберли Крисман-Кэмпбелл, эта работа «является своего рода косплеем времен Гражданской войны в Англии, популярным для маскарадных балов в 18 веке», изображая мальчика в костюме кавалера, который носили аристократические роялисты 1630-х годов. Его осанка и выражение лица также имеют значение, поскольку кавалеров определяла не только их стильная одежда, но и их беззаботная и беззаботная манера поведения.Таким образом, самая популярная работа Гейнсборо — tour de force , сочетающая в себе мастерскую портретную живопись с этюдом костюмов и его художественный ответ на работы Антониса ван Дейка, известного своими портретами двора короля Карла I и кавалеров, которые поддержали его. Тем не менее, используя в основном синий цвет, который традиционно считался более подходящим для элементов фона, Гейнсборо также бросил вызов традиционным эстетическим предположениям.

Работа несет традиционную визуальную привлекательность рококо и игру с костюмированными фигурами, но Гейнсборо также добавил новаторские элементы реализма, как видно на кнопках, плотно скрепляющих дублет, и прообраз романтизма, изобразив одинокую фигуру, очерченную на фоне бурного неба.Гейнсборо стал примером британского рококо, создав светские портреты своих богатых клиентов.

Картина сразу же имела успех во время своего дебюта в 1770 году в Королевской академии художеств в Лондоне и настолько отождествилась с британской культурной идентичностью, что, когда в 1921 году герцог Вестминстерский продал ее американскому магнату Генри Хантингтону, это вызвало скандал. Немой фильм Фридриха Вильгельма Мурнау Knabe in Blau ( The Boy in Blue ) (1919) был вдохновлен картиной, как и песня Коула Портера Blue Boy Blues (1922).Поп-художник Роберт Раушенберг и современный художник Кехинде Вили были вдохновлены этой работой, а художник Алекс Израэль упомянул ее в своем автопортрете (Dodgers) (2014–2015). Показанная в Хантингтонском музее вместе с портретом девушки в розовом, Pinkie (1794) Томаса Лоуренса, эта работа приобрела дальнейшую культурную значимость, поскольку обе картины использовались в телевизионном пилотном фильме Eerie, Indiana ( 1991) и в качестве декораций в эпизодах Leave It to Beaver (1957-1963).

Холст, масло — Библиотека Хантингтона, Сан-Марино, Калифорния

Произведения по стилю: рококо — WikiArt.org

Стиль

Термин «рококо» впервые был использован Жаном Мондоном в его книге « Premier Livre de forme rocquaille et cartel » (Первая книга о формах и обстановке в стиле рококо) (1736 г.) с иллюстрациями, изображающими стиль, используемый в архитектуре и дизайне интерьеров.Этот термин произошел от французского rocaille , означающего «работа из ракушек, работа из гальки», используемого для описания фонтанов или садовых гротов эпохи Возрождения, в которых использовались ракушки и галька, встроенные в штукатурку, для создания сложного декоративного эффекта. Этот легкий, чувственный, сильно декоративный стиль возник во Франции в начале 18 века после смерти Людовика XIV и в ответ на барочное величие Версаля.

Искусство и архитектура рококо были наполнены сильным чувством театральности и драматизма, на которое повлиял дизайн сцены.Влияние театра можно увидеть в новаторских способах вплетения живописных и декоративных предметов в различные среды, создавая атмосферу полного погружения. Детализированная работа также процветала в период рококо. Лепные рельефы в виде рамок, асимметричные узоры, включающие мотивы и завитки, скульптурные арабески, позолота, пастель и тромп-л’оэйл — самые известные методы, которые использовались для достижения бесшовной интеграции искусства и архитектуры.

Жанровые картины были популярным способом передать смелую и радостную жажду жизни эпохи рококо.Сюда входили fete galante , или работы, обозначающие времяпрепровождение на открытом воздухе, эротические картины, наполненные чувством причудливого гедонизма, аркадские пейзажи и портреты «знаменитостей», в которых обычные люди играли роли известных исторических или аллегорических персонажей. Французский рококо. Живопись в целом характеризовалась непринужденной, беззаботной обработкой мифологических и ухаживающих тем, богатой и нежной манерой письма, относительно легкой тональной тональностью и чувственной окраской.Скульптура в стиле рококо отличалась интимным масштабом, натурализмом и разнообразными эффектами поверхности. В живописи в стиле рококо, характеризующейся элегантностью, легкомыслием, цветочными мотивами, приглушенными цветами и изогнутыми асимметричными линиями, эта эстетика сочетается с темами чувственной любви и природы. Стиль быстро распространился на остальную часть Франции, а затем в Германию, Австрию, Англию и другие европейские страны.

В 1730-х годах стиль рококо распространился на католические немецкие -говорящие страны, где он был адаптирован к блестящему стилю религиозной архитектуры, сочетающему французскую элегантность с южногерманской фантазией, а также с сохраняющимся интересом барокко к драматическим пространственным и архитектурным решениям. пластические эффекты.В Италия стиль рококо был сконцентрирован в основном в Венеции, где он был воплощен в крупномасштабных декоративных росписях и городских пейзажах. Между тем, во Франции этот стиль уже начал приходить в упадок к 1750-м годам, когда он подвергся критике за его тривиальность и орнаментальные излишества, а к 1760-м годам новый, более строгий стиль неоклассицизма начал вытеснять рококо во Франции.

В Великобритании рококо называлось «французским вкусом» и оказывало меньшее влияние на дизайн и декоративное искусство, чем в континентальной Европе, хотя его влияние ощущалось в таких областях, как изделия из серебра, фарфора и шелка.Не становясь ярким, английское искусство приобрело новый, более светлый вид.

Рококо пересекло Атлантику тремя основными способами: гравированные рисунки в сериях и книгах, импортированные предметы и ремесленники-иммигранты. Принятие American рококо было сосредоточено почти исключительно на орнаментальных мотивах стиля — ракушках и рокайлях, завитках, листьях аканта и другой флоре и фауне, часто в симметричных композициях. Многие ведущие городские мастера с энтузиазмом применяли их для создания архитектурных интерьеров, гравюр, серебра, мебели и другого домашнего оборудования.

См. Также Рококо (художественное движение)

Источники: www.theartstory.org

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Rococo

Переосмысление рококо: художница Флора Юхнович добавляет современный поворот

Художница Флора Юхнович недавно открыла свою персональную выставку «Fête Galante» (28 февраля — 9 апреля 2020 г.) в галерее Blenheim Walk, Университет искусств Лидса.

Вдохновленные причудливым жанром французской живописи рококо, работы Флоры предлагают освежающий, современный поворот в стиле живописи восемнадцатого века, который особенно актуален для поколений миллениалов и поколения Z.

Художник регулярно посещает Собрание Уоллеса, величественный дом, спрятанный на лондонской Манчестер-сквер, который ранее принадлежал маркизам Хертфорд и назван в честь фанатика искусства сэра Ричарда Уоллеса.

По сей день в доме представлена ​​одна из лучших коллекций французского и итальянского искусства рококо в мире, содержащая работы таких любимых художников, как Жан-Оноре Фрагонар, Франсуа Буше, Николя Ланкре и Жан-Антуан Ватто.

Прокрутите вниз, чтобы узнать больше об игривом взгляде Флоры на жанр, который во многом перекликается с современной культурой.

Флора Юхнович

Lydia Figes, Art UK: Когда вы начали изучать живопись рококо?

Флора Юхнович: Во время учебы в магистратуре я наткнулась на книгу работ Жана-Оноре Фрагонара. Его картины произвели на меня такое сильное впечатление, но я не мог понять почему.Я начал подражать его палитре и работать с образами, заимствованными из его картин, чтобы попытаться лучше понять их.

Должно быть, я настроился на эстетику рококо, потому что начал замечать его повсюду вокруг себя: в рекламе, в магазинах, мультфильмах, детских игрушках, музыкальных клипах и так далее. Вскоре я понял, что большинство из этих вещей было так или иначе нацелено на женщин и девочек.

Думаю, именно поэтому картина Фрагонара показалась мне такой интригующей. С одной стороны, я наслаждался их сладостью, но в то же время я чувствовал себя неловко из-за того, что меня тянет к чему-то столь стереотипно женственному.

Качели 1767

Жан-Оноре Фрагонар (1732–1806)

Коллекция Уоллеса

Lydia: Расскажите нам больше о Фрагонар и других художниках рококо, которые особенно повлияли на ваше творчество.

Флора: Фрагонар остался для меня чрезвычайно важным художником из-за его живописных качеств.Например, если бы вы каким-то образом очистили The Swing (1767–1768) от его буквального значения, я думаю, что это все равно имело бы тот же эротический и мясистый смысл, потому что прикосновение его кисти так чутко отражает смысл произведения.

Поверхность кажется более твердой, более плотной версией предмета. Для меня эта картина открыла другой способ думать о гендере, поскольку она сочетает в себе стереотипно мужской способ рисования с причудливой красотой сцены.

В итальянском рококо наибольшее влияние оказал Джованни Баттиста Тьеполо (1696–1770). Недавно я провел два месяца в Венеции в ординатуре, внимательно изучая его работы. Я думаю, что его картины, как и картины Фрагонара, демонстрируют, что что-то может быть декоративным, но мощным и захватывающим

Для моего нынешнего шоу в Университете искусств Лидса я изучаю праздничные галанты Жана-Антуана Ватто, Жана-Батиста Патера и Николя Ланкре, учитывая сексуальную политику в этом жанре и пытаюсь создать более женственно-ориентированный домен.

Я смотрел пасторали Франсуа Буше для этих картин. Я нахожу каламбуры и двусмысленность очень привлекательными, поэтому мне особенно нравятся юмористические эротические подтексты его картин — например, кувшины для молока, фрукты или полная корзина цветов в A Summer Pastoral (1749), например, которые могут быть метафорами для плодородия или возбуждение. Я включил некоторые из этих символов в свои недавние картины.

Lydia: Как часто вы посещаете The Wallace Collection?

Флора: Наверное, раз в месяц.Мне очень повезло, что одна из самых обширных коллекций французской живописи восемнадцатого века находится в Лондоне. Картины висят среди внутреннего убранства и дизайна того времени, так что вы действительно можете понять, как это могло выглядеть.

Warm Wet ‘n’ Wild

2020, холст, масло Флора Юхнович (1990 г.р.)

Для меня подсвечники, часы, фарфор, обои и ткани так же увлекательны, как и картины, и каждый раз, когда я возвращаюсь, я замечаю что-то новое, что меня вдохновляет.Я обычно приезжаю, прежде чем приступить к рисованию, чтобы пополнить свой мозг образами рококо. Прямо сейчас я работаю над картиной, вдохновленной платьем из романа Фрагонара The Musical Contest (1755), которое почему-то одновременно ощущается как кусок спелого фрукта, окровавленное сердце или какой-то другой орган или складки лепестков в Цветочный бутон.

Lydia: Многие ассоциируют рококо с декадансом, женственностью и легкомыслием, некоторые даже находят его отталкивающим.Как вы думаете, часто ли такие интерпретации носят гендерный характер?

Флора: Да, думаю, да. В то время было много женского покровительства, и когда стиль рококо вышел из моды, виноваты были виноваты женщины и их явно некультурные вкусы. Таким образом, они действительно были сбиты с толку и теперь, как следствие, разделяют многие негативные коннотации. Конечно, в изображении богатства и роскоши в картинах есть и пошлость, которая, естественно, сохраняется.

Я получу то, что у нее

2020, холст, масло, Флора Юхнович (р.1990)

Lydia: Каков ваш процесс рисования? Допускаете ли вы полную спонтанность или ваше нанесение мазка и цвета более взвешено?

Флора: На создание картины у меня уходит много времени. Я часто трачу целый месяц на одну работу.

Обычно я начинаю с одного или двух источников, а затем добавляю разные референсы по мере развития картины, следуя в любом направлении. Так что я полагаю, что это интуитивно понятно, но, вероятно, не спонтанно.Даже самые быстрые и нечеткие отметки достигаются довольно медленно.

Lydia: Названия ваших картин кажутся игривыми, почти насмешливыми. Вы называете картину до или после ее завершения?

Флора: Иногда название приходит ко мне, когда я делаю работу, но чаще всего после. Мне нравится, как название может изменить тон произведения, возможно, предлагая более легкое, более юмористическое прочтение или ссылаясь на более современное вдохновение для работы.

Когда я рисую, я всегда собираю отсылки из разных историй или художников. Выбор названия — это просто продолжение этого процесса, позволяющее мне добавить в работу еще один фрагмент.

Спасибо небесам за маленьких девочек

2018–2019, холст, масло Флора Юхнович (1990 г.р.)

Лидия: Последний вопрос: как, по вашему мнению, рококо находит отклик в сегодняшней культуре?

Flora: Мы живем в такое насыщенное изображениями время, которое, я думаю, способствовало созданию более громкой и показной эстетики, напоминающей склонность к излишествам в стиле рококо.Я также думаю, что есть что-то довольно рококо в нашей культуре знаменитостей и в том желаемом удовольствии, которое мы получаем, наблюдая за гламурной жизнью супербогатых по реалити-шоу.

Лидия Файджес, редактор контента Art UK

Чтобы узнать больше о работах Флоры, посетите Parafin Gallery. Ее выставка «Флора Юхнович: Fête Galante» в Лидском университете искусств открылась 28 февраля и продлится до 9 апреля 2020 года, но может быть временно закрыта из-за вспышки COVID-19.

Художники, принадлежащие к художественному движению: Rococo

Художественное движение

Рококо наполнил мир искусства и дизайна интерьеров аристократическим идеализмом, который отдавал предпочтение сложному орнаменту и замысловатым деталям.Картины, ставшие визитной карточкой той эпохи, были созданы в честь грандиозных идеалов рококо и страсти к аристократическому образу жизни и развлечениям. Движение, развившееся во Франции в начале 1700-х годов, превратилось в новый, чрезмерный союз декоративного и изящного искусства, который стал визуальным лексиконом, проникшим в континентальную Европу 18-го века.

В живописи рококо в первую очередь испытал влияние венецианской школы на использование цвета, эротических сюжетов. Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, повлияли на акцент периода рококо на кружащемся цвете. Пасторальный концерт (около 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь он считается одним из ранних произведений Тициана большинством ученых, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью собрание музея. Произведения эпохи Возрождения, изображающие двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияли на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания.Этот термин относится к историческим картинам приятных прошлых времен и стал популяризироваться в работах Жана-Антуана Ватто. Его «приемная» для Королевской академии искусства и скульптуры, «Посадка на Киферу», (1717 г.), по сути, положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante для обозначения работы, тем самым установив категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи рококо. Изображение аристократов, одетых как для бала или в костюмах, которые винят, обедают и занимаются любовными развлечениями в садах и парках Аркадии, стало чрезвычайно популярной темой.Он не только понравился частным посетителям, но и его мифологизированные пейзажи и декорации соответствовали стандартам Академии, которая причисляла историческую живопись, в том числе мифологические сюжеты, к высшей категории.

В начале своей творческой карьеры Ватто присоединился к студии Клода Одрана, известного декоратора, где он познакомился и стал коллегой по творчеству Клода Жилло, известного своим украшением комедии commedia dell’arte , или комикса. театральные постановки. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций, освещенных искусственным светом.Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Пауля Рубенса из жизни Марии Медичи (1622–1625). дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала служить источником информации для творчества Ватто. Рубенс был пионером в технике использования трех мелков, что означает использование красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов.Ватто овладел этой техникой до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, включая Франсуа Буше.

Под влиянием Рубенса и Ватто Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и до 1760-х годов. Известный своей картиной, сочетающей аристократическую элегантность с эротической обработкой обнаженной натуры, как показано в его Туалет Венеры (1751), он был одинаково влиятельным в декоративном искусстве, театральных постановках и дизайне гобеленов.Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своими долгими отношениями с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известным покровителем искусств.

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении этого стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение стиля рококо благодаря покровительству таких художников, как Жан-Марк Наттье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай.Она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником короля до самой своей смерти в возрасте 42 лет от туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определением королевского патронажа. Среди других известных художников французского рококо были Жан-Батист ван Лоо и Франсуа Лемойн. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, которые можно увидеть в его Апофеоз Геракла (1733-1736), написанном на потолке Салона Геркулеса в Версале. Отмеченной особенностью французской живописи рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как ван Лоос, поддерживали последовательный стиль и тематику в своих мастерских.

Живопись лидирует в итальянском рококо , примером чему служат работы венецианского художника Джамбаттисты Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с квадратурами или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие алтари. Прославленный на всю Европу, он получил множество королевских заказов, таких как его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо также было известно своими великими пейзажистами, известными как «живописцы», в частности, Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто.Он был пионером в использовании двухточечной линейной перспективы при создании популярных сцен с каналами и зрелищем Венеции. Его работы, такие как его Venice: Santa Maria della Salute (c. 1740), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «Гранд-тур», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция стала известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами.Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами и покровителями произведений искусства, и большинство работ Каналетто были проданы английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему рынку произведений искусства, и прожил там почти десять лет.

Пастельные портреты Розальбы Каррьеры, как миниатюрные, так и полноразмерные, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали в королевские дворы Франции, Австрии и Польши. Она была пионером в использовании пастели, которая раньше использовалась только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов.Ее портрет Людовика XV как дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи рококо, подчеркивая визуальную привлекательность и декоративный эффект.

Английский рококо , который называли «французским стилем», был более сдержанным, так как излишества стиля были встречены мрачным протестантизмом. Это можно проследить в творчестве британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В своей книге The Analysis of Beauty (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной.Гейнсборо сначала учился у Грейвло, бывшего ученика Буше, чья перистая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону плавности света и цвета. Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, но большую часть жизни провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандиера изучать развитие итальянского искусства и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандиер был назначен директором Королевских зданий, где начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным искусствоведом, осудившим Буше petit style , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, включая философа Вольтера и искусствоведа Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское.Эти тенденции, наряду с растущим революционным пылом во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо вышло из немилости.

Новое движение неоклассицизма, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и моральную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих исполнителей и самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодного», а к 1841 году использовалось для обозначения работ, которые считались «безвкусными и витиеватыми».«Негативные коннотации продолжались и в ХХ веке, как видно из описания в словаре 1902 года« Следовательно, рококо используется … для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе ».

Дизайн и живопись в стиле рококо будут идти разными путями. , поскольку дизайн рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал пользоваться популярностью во всех французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи Филиппа возрождение, названное «вторым рококо», стало популярным и распространилось в Британии и Бавария.В Великобритании возрождение стало известно как викторианский рококо и продолжалось примерно до 1870 года, одновременно оказывая влияние на американское возрождение рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый для высококлассных отелей, в 20 веке был назван «Le gout Ritz». Однако в живописи рококо вышло из моды, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже оказали заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя крупнейшего художника в стиле рококо Жана Оноре Фрагонара в L’Art du XVIIIe siècle (Искусство восемнадцатого века) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, и впоследствии оказал влияние на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскаваге. Также заново открытая братьями де Гонкур, сюжеты комедии дель арте Ватто оказали влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и Гийом Аполлинер, композитора Арнольда Шенберга и хореографа Джорджа Балана.

Термин рококо и связанные с ним художники начали подвергаться критической переоценке только в конце 20-го века, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Вили и Джефф Кунс, создали новый контекст. для искусства, выражающего те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо оказал влияние на современность, что видно в логотипе Ai Weiwei (2017), где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин: «То, что выглядит как причудливый дизайн обоев в стиле рококо в черно-белом и золотом цветах, на самом деле представляет собой набор наручников и цепочек. , камеры наблюдения, птицы Twitter и стилизованные альпаки — животное, которое в Китае стало мемом против цензуры.«Это движение живет и в популярной культуре, как показано в популярной песне Arcade Fire« Рококо »(2010).

См. Также Рококо (стиль)

Источники: www.theartstory.org

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Rococo

Арт Движение рококо | Картины

Франция 1710 — 1785

Искусство рококо, История, Картины и художники в стиле рококо.

Движение искусства рококо утвердилось во французском обществе, когда Людовик XIV стал королем и решил перенести придворную жизнь из королевской резиденции в Версале. Во время правления Людовика XV утвердился стиль живописи рококо эротико-галантный и праздничный галанте, который ценился в придворных кругах и был воплощен личными вкусами маркизы де Помпадур.Людовик XV будет «вечным юношей», поэтому живая игривая природа и утонченность стиля рококо соответствовали его правлению.

Госпожа де Помпадур , любовница короля и авторитет во всем модном мире, была главным покровителем искусства рококо во Франции. Для любовницы было необычно играть такую ​​роль, и, однажды известная, она стала ассоциироваться с этим стилем. Она заказывала свои портреты. Простые люди не были впечатлены ее расточительной тратой богатства на то, что начинало считаться декадентским, дегенеративным искусством. Рококо — это слово, сочетающее в себе французское «рокайль», означающее «ракушка», и «барокко», итальянское слово «барокко», художественный стиль, пришедший на смену рококо.

Вуайеризм становится мейнстримом во французской живописи.

Франсуа Буше , художник, чей стиль был четким, легким и ярким, был ведущим представителем этого жанра. В аркадских условиях, далеких от идеальных пейзажей художников-неоклассиков семнадцатого века, дамы и галантники в крестьянских костюмах играют в искусственные игры.Здесь есть четкая связь с современным развитием пасторальных пьес. Большая непосредственность проявляется в домашних интерьерах Буше, в тонких проблесках буржуазных комнат, спален и будуаров, где он передает интимный, тайный аспект повседневного существования, изображенный с оттенком приятного вуайеризма. Жанр праздника-галанте изображает радостные темы: дворянские собрания, танцы, страстные свидания, садовые забавы, балы в масках, театральные развлечения и чувственные забавы, обычно с участием средних или маленьких фигурок

В отличие от прежнего стиля искусства, искусство рококо отражало недостаток глубины, и его изображение высшего общества, ищущего личных развлечений, само по себе было ответом на условность стиля барокко . Рококо было игривым, художники показывали любовно-голубиные темы и игру аристократии с беззаботными темами, вращающимися вокруг веселья, любовников и озорного поведения. В нем использованы мягкие и яркие цвета в очень оптимистичной атмосфере «жизнь прекрасна». Также художественное произведение было глубоким, или провокационным. Даже размер картин претерпел кардинальные изменения: , масляных полотен, , , стали намного меньше, чтобы сделать их идеальными для декора. декоративность была причиной того, что искусство рококо не получило большого уважения со стороны искусствоведов.

Как распознать французские картины в стиле рококо.

1. Веселое изображение семейной жизни в светском доме. Le Dejeuner или Завтрак Франсуа Буше.

2. Играют тщательно одетые аристократы, обычно в мирных пасторальных пейзажах. Урок любви Жан-Антуан Ватто .

3. Ищите ухаживания, красоту, романтику, веселье, игривость и сексуальные символы Молодой певец с мандолиной by Джованни Баттиста Тьеполо .

4. Легендарные темы. Диана после охоты — Франсуа Буше.

5. Пастельные тона, нежные и светлые оттенки — нормальное явление для той эпохи. Дама в саду пьет кофе с детьми by Николя Ланкре .

6. Ищите херувимов, парящих вокруг картины, пухлых обнаженных младенцев мужского пола с крыльями. Туалет Венеры Франсуа Буше.

Хвостики и парики в немецкой живописи.

Немцы считали период «косичками и париками». История искусства рококо в Центральной Европе, разоренной войнами, приобрела совершенно другой вид. В течение семнадцатого века живопись в разрушенной войной Центральной Европе не была выражением единой школы, хотя было несколько интересных художников. Однако школа возникла в следующем столетии, когда в Австрии и католических регионах Германии началось бурное брожение в области архитектуры, декоративной скульптуры и живописи.Это положило начало плодотворному периоду в искусстве. С одной стороны, известные художники, такие как братья Асам, рисовали монументальные декоративные схемы для королевских клиентов и великих реконструированных бенедиктинских аббатств, а с другой стороны, многие небольшие масляные картины, эскизы для больших работ или даже самостоятельные композиции, написанные с помощью свежая непосредственность производилась. После середины века в Германии началось движение за «морализаторство» искусства. Страна самых оригинальных и изобретательных произведений рококо заложила теоретические основы и создала конкретные образцы сурового искусства, основанного на классических образцах.Неоклассицизм пришел на смену рококо, которое, несмотря на избыток художников, искало более гармоничное искусство.

Впервые ни церковь, ни правительство не сыграли никакой роли в подъеме этого художественного движения. Это был знак того, что французское общество менее привержено религии. Не так в католической Центральной Европе.

Другие художники в стиле рококо : Розальба Карьера , Жан-Батист-Симеон Шарден , Александр-Франсуа Деспорт , Жан-Оноре Фрагонар , Коррадо Джакинто , Коррадо Джакинто , Коррадо Джакинто , Джованни Баттиста , Элизабет Луиза Виже-Лебрен

Частично из: Определить это искусство и художника.мне

Репродукции картин известного движения в стиле рококо.

Художники Движения Рококо Биографии и репродукции картин.

• Беллотто, Бернардо
• Буше, Франсуа
• Каналетто, Джованни Антонио
• Гейнсборо, Томас
• Гварди, Франческо
• Хогарт, Уильям
• Хейсум, Ян Ван
• Ланкре, Николя
• Рейнольдс, Джошуа
• Тьеполо, Джованни Баттиста
• Ван Лоо, Карл
• Верне, Клод Жозеф
• Ватто, Жан Антуан

Еще интересные разделы на сайте The Worlds Artist.

Если вы не видите нужную репродукцию картины маслом, не проблема, просто дайте нам знать, и мы можем ее нарисовать, вы также можете запросить на заказ масляных картин . Чтобы убедиться, что вы удовлетворены, взгляните на наш макет настенного искусства , фото , который поможет решить ваши потребности в декорировании. Чтобы увидеть наш процесс рисования, посетите нашу студию и наших художников страниц. Перед тем, как выбрать картину, вы можете визуализировать ее и получить информацию о художественном холсте размером , а после покупки загляните в нашу программу ухода за масляными красками .Узнайте об искусстве и известных художниках, посетив раздел биографии художников, вы также можете выполнить поиск в нашей базе данных по художникам, цвету или тематике . Мы создали очень интересную страницу, сравнивающую локации масляной живописи с произведениями искусства из разных течений в Then and Now, а также с фотографиями рисования с наклоном и сдвигом . На нашей странице часто задаваемых вопросов есть ответы на самые распространенные вопросы. Как насчет портрета собаки или портрета маслом из ваших фотографий или даже картины маслом вашего дома?

Говорящие объекты: Картина в стиле рококо

Рококо, также известное как «Позднее барокко», было художественным движением начала 18 века.Он был разработан, чтобы противостоять строгому симметричному дизайну, который назывался барокко. Впервые он был найден во Франции, он был разработан, чтобы произвести эффект, полностью противоположный эффекту барокко. В стиле рококо использовались светлые яркие цвета, которые делали его изящным и элегантным с легким прикосновением. Архитектурные постройки в стиле рококо будут декорированы естественной формой ракушек типа «s» или «c», изящно вылепленной на потолке и стенах. Раскрашен в яркие, изящные и светлые тона. Вся идея движения заключалась в том, чтобы быть игривым, беззаботным, а не драматическим или эмоциональным комплексом.У них была уникальная тема элегантности, красоты, остроумной, но простой. Художники рококо использовали более изящный подход и использовали светлые цвета, кривые, цветочные, золотые и асимметричные узоры. Художники рококо, такие как сэр Джошуа Рейнольдс, использовали бы светлые пастели, цвета слоновой кости и золото, чтобы усилить ощущение открытого пространства. Картины нарисованы и написаны в нежно-меланхоличном, игривом и «вольном» стиле. Как и в стиле барокко, картины ломают четвертую стену. Зрители чувствуют себя вовлеченными в разговор. Но вместо того, чтобы чувствовать отвращение и желание отступить, зрители чувствуют себя приглашенными.Приятно присоединяться, почти как «к чаю». Он натуралистичен, но в то же время мифологичен. Художники рококо вообще любили рисовать мифологических существ из греческой и римской мифологии. Их мазки легкие, нежные и насыщенные чувственными цветами, которые производят на зрителей яркий и непринужденный эффект. Сэр Джошуа Рейнольдс, леди Смит (Шарлотта Делаваль) и ее дети (Джордж Генри, Луиза и Шарлотта), 1787 год, холст, масло, 140,7 x 112,1 см, масло. Как и художники рококо, он использует яркие и элегантные цвета.А пигменты, которые он использует, придают гораздо более естественный вид, глаза детей выглядят очень живыми, как будто они могут моргнуть в любую секунду. Рейнольдс смешивает свои цвета, чтобы получить цвета, близкие к точным цветовым пигментам, и играет с разными цветами, чтобы придать глубину освоенного использования тени и света. Как и у художника в стиле рококо, его предметы находятся в движении, в игровом движении, как вы видите, дети взаимодействуют. Девушка, стоящая спиной к зрителям, ломает четвертую стену.

Людовик XV (1710-1774) в детстве, после Гиацинта Риго, ок. 1716-24, холст, масло, 60.6

После смерти своего прадеда, Людовика XIV, Людовик XV вступил на престол в 1715 году. Он был единственным выжившим сыном, ему было всего 5 лет. Риго допустили к написанию официального портрета Людовика XV. Всю свою карьеру он посвятил придворному портрету, писал историю и портреты. Риго нарисовал Людовика XV в ярких насыщенных цветах: белые чулки, синяя бархатная мантия, усыпанная золотыми геральдическими лилиями и подбитая горностаем, а также воротник и крест Сен-Эспри.

Автопортрет с двумя учениками, Мари Габриель Капе (1761-1818) и Мари Маргерит Карро де Розмонд (умерла 1788), Аделаида Лабель-Гьяр, 1785, 53.225,5

Аделаида — женщина-художник, которая представила свое искусство в Салоне в 1783 году. Она изучала пастель, и эта картина отражает это. Цвета элегантные и нежные, а глаза людей выглядят живыми. Также она играла с освещением на своей картине. То, как свет падает на картину, делает ее более яркой и глубокой.Одна из девушек, стоящих за Аделаидой, обращает внимание на холст, на котором рисует Аделаида, что заставляет зрителей тоже присоединиться к картине.

Прерванный сон, Франсуа Буше, 1750, холст, масло, 49.7.46

Франсуа — художник, рисующий мифологические и пасторальные сюжеты. Здесь он нарисовал игривую тему, где пастух щекочет спящую пастушку. В каком-то смысле вы можете услышать легкий смешок пастуха, который заставляет вас улыбнуться и является частью заговора, чтобы разбудить ее и быстро убежать, когда она это сделает.Франсуа так хорошо показал здесь искусство рококо, что он воплотил игривую тему в ярких ярких красках. Пастух, игриво щекочущий спящую пастушку, вызывает у зрителей хихиканье. Солнечный пейзаж со сдвинутой вправо веткой дерева и одеждой помогает представить, как дует теплый ветерок.

Мадам Гран (Ноэль Кэтрин Форли, 1761-1835), Элизабет Луиза Виже-Лебрен, 1783, холст, масло, 50.135.2

Элизабет запечатлела подходящий момент, когда кто-то собирается рассмеяться.То, как Элизабет подчеркнула щеки и губы мадам Гранд, подчеркивает ее улыбку, забавный игривый момент. Это вызывает у зрителей улыбку. Элизабет — художница, которая показала еще один прекрасный образец стиля рококо. Мадам Гранд носит красивое белое платье правильной формы, украшенное синими лентами. Ее светлые волосы перевязаны большой голубой лентой, а светлая кожа подчеркнута. Выбранный Элизабет цвет для кожи имеет этот тонкий оттенок, который делает кожу мягкой.А выбор цвета ее платья делает его волшебным.

Туалетная вода Венеры, Франсуа Буше, 1751, холст, масло, 20.155.9

На этой картине изображен мифологический аспект художественного стиля рококо. На этой картине изображен лесной пейзаж, где сидит богиня в сопровождении купидона и двух других крылатых путти. У ее ног гнездится голубь, а другой — в ее руках. Богиня Венера сидит на своем «стуле», окруженная драпировкой розового, синего и белого цветов.Золото расписано на ее тесьме и кистях. Эта картина отображает самый стиль рококо среди всех других картин, потому что в ней есть все цветные элементы, а также чаша в форме раковины, жемчуг и цветы, окружающие богиню Венеру.

.