Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 33 432

Стиль рококо рождается во Франции в 20-е годы XVIII столетия. Его развитие начинается в эпоху Регентства, но расцвет приходится на время правления Людовика XV. Сначала он проявляется в архитектуре, особенно в новых тенденциях оформления интерьера дворцов и фешенебельных городских домов знати, которые приходят на смену торжественному, величавому убранству залов Версальского дворца при Людовике XIV. Парадная декорация интерьеров, в которой ведущую роль играют строгие линии ордера, постепенно уступает место изощренно-прихотливым, волнистым очертаниям. Важное место в них занимает мотив рокайля, который представляет собой стилизованную раковину в обрамлении из сплетений причудливо изогнутых завитков.

Французское слово rocaille (букв. – дробленый камень) обозначало искусственные скалы, покрытые ракушками, которые с эпохи Ренессанса использовали для создания фонтанов и гротов в парках.

Само название стиля является производным от этого слова, однако термин рококо появляется только в XIX веке. Первоначально во Франции он назывался «стиль Помпадур» по имени знаменитой фаворитки Людовика XV мадам де Помпадур, что было связано с ее значительной ролью в развитии нового вкуса и нового направления в искусстве.

Характерным для рококо является отказ от парадных анфилад эпохи Людовика XIV и создание меньших по размеру, более удобных и комфортабельных комнат, отвечающих естественным потребностям человека. Оставаясь прежде всего стилем внутреннего убранства богатого дома, рококо редко проявляется полноценно в самой архитектуре. Лучшим примером рокального интерьера являются залы и комнаты Отеля Субиз в Париже, созданные Жерменом Бофраном (1738-1739).

Легкие настенные панели с золочеными бордюрами, зеркала, золоченая лепнина плафона, гирлянды золотых цветов, изгибающиеся на белой поверхности стен, создают ощущение праздничности, роскоши, воздушной легкости.

Пространство богато украшено живописью, размещенной на небольших поверхностях на стенах, плафоне, над дверьми, имеющими сложные затейливые формы. В создании живописного декора Отеля Субиз принимали участие лучшие художники рококо – Франсуа Буше, Шарль-Жозеф Натуар, Карл Ван Лоо. Для сюжетов выбраны любовные сцены из Овидия, Апулея, Лафонтена, галантные празднества.

Необходимость декорировать интерьеры богатых «отелей» – частных домов знати, – которые активно строятся в Париже и других городах страны, стимулирует быстрое распространение стиля рококо в декоративно-прикладном искусстве. В мебели и фарфоре эпохи Людовика XV богатство, элегантность и фантазийность его форм проявляются особенно ярко. Знаменитая севрская фарфоровая фабрика, недалеко от Парижа, директором которой некоторое время был скульптор 

Фальконе, автор «Медного всадника» в Санкт-Петербурге, является одним из известнейших центров производства фарфоровых изделий в стиле рококо.

В живописи, наряду с темой любви, которая часто приобретает эротический оттенок, активно используются мотивы шинуазри, тюркери, изображающие придуманный, сказочный восток.

Интерес к экзотике, к необычному, который все более активно начинает проявляться в европейской культуре, становится важной чертой искусства рококо. Рокайльная живопись отличается красочностью, яркими колористическими эффектами. Таким образом, борьба между «пуссенистами», поклонниками Пуссена, настаивающими на первенство рисунка над цветом, и «рубенсистами», приверженцами Рубенса, охватившая французскую Академию на рубеже XVII-XVIII веков, решается для рококо в пользу цвета и богатства колорита, но само противостояние между «пуссенистами» и «рубенсистами» в XVIII веке трансформируется в спор между «древними» и «современными». В этом плане культура рококо с ее попыткой создать более естественную, комфортабельную, органичную для человека среду, созвучна идеям «современных».

Из Франции рококо распространяется в другие европейские страны. Наиболее значительными центрами становятся католические регионы южной Германии и Австрия. Церковные интерьеры баварского архитектора Доминикуса Циммерамана в Виесе, недалеко от Мюнхена и Бальтазара Ноймана в Вюрцбурге остаются выдающимися образцами рококо вне Франции. Замечательным примером архитектуры, садово-паркового и декоративно-прикладного искусства рококо является дворцовый комплекс Сан Суси в Потсдаме (Германия), построенный королем Пруссии Фридрихом Великим.

С 1760-е годы стиль рококо вытесняется зарождающимся неоклассицизмом.

---

Новые общественные противоречия, новые проблемы, свойственные эпохе капитализма, вели к перевороту в европейской культуре и общественной мысли, которым были отмечены первые десятилетия нового 19 века.

Восемнадцатый век, расширив и углубив достижения предшествующей эпохи, внес много нового в развитие искусства европейских стран. Значительное влияние на него оказали изменения общественной жизни, укрепление капиталистических отношений и окончательное разложение феодального строя. Философия просветителей, быстро распространившаяся по всей Европе, активно воздействовала на духовную жизнь людей даже в самых отдаленных странах. В свете новых воззрений на мир, на общество, на человека пересматривались старые духовные ценности, рушились традиционные верования и представления. Во всех сферах культуры и искусства торжествовало светское начало. В зодчестве преобладающим стало гражданское строительство, в живописи обрели новые силы реалистические тенденции. Получили дальнейшее развитие светские жанры — портрет, пейзаж, натюрморт, изображение быта. Светский характер приобрела религиозная живопись, как правило, теряющая былую серьезность и глубину чувства.

18 век вошел в историю как век Разума, и, действительно, стремление подвергнуть все сущее контролю и суду рассудка стало господствующей тенденцией мироощущения эпохи. Однако это не означало подавления живого чувства в искусстве того времени. Критическое постижение мира часто сочеталось в нем с утонченной поэзией, ирония — с мечтательностью и причудливой игрой воображения.

В 18 столетии утверждается новое отношение к человеку, значение личности чаще, чем прежде, оказывается независимым от сословных прерогатив. Поиски новых духовных ценностей нередко ведутся в сфере частной жизни. Идея «естественного человека» оказывается неотделимой от представления о столь же естественных чувствах.

Художников, как и писателей, все больше интересует интимная духовная жизнь конкретного человека. Они углубляются в мир тонких и сложных эмоций, замечают бесконечное многообразие индивидуальных проявлений личности. Искусство, особенно живопись, становится более утонченным и изысканным, а с другой стороны, приобретает более интимный, камерный характер. 18 век — время особого расцвета станкового искусства. И хотя монументальная живопись и скульптура продолжают развиваться, лишь в редких случаях они достигают былого масштаба п значения. Открывая новые возможности развития искусства, художники 18 века постепенно теряли универсальную широту охвата явлений мира, характерную для великих мастеров Ренессанса и 17 столетия.

Искусство рококо выработало оригинальные приемы изобразительности, сопоставимые с уменьшительно-ласкательными формами естественной речи. Сентиментальность, готовность умиляться малым сквозят в языке живописи. Даже излюбленный формат рококо — овал — свидетельствует об этой наклонности.

При сравнительно небольших размерах полотен эффект интимности изображенного становится полным. Масляная живопись нередко уподобляется пастели, и совсем не случайно расцвет этой нежной техники приходится именно на эпоху рококо.

Некая интригующая двойственность — неотъемлемая черта живописи рококо, о чем столь выразительно свидетельствуют «галантный жанр» или портрет. Живописец ведет со зрителем игру, взаимопонимание в которой поддерживается языком намеков. Полуоборот, легкий жест, чуть заметное мимическое движение, полуулыбка, как бы затуманенный взгляд или влажный блеск в глазах — из подобных градаций сотканы образы представителей «галантного» века. От изысканного Ватто через Буше этот язык передается Фрагонару. В излюбленных мотивах Фрагонара всегда есть некий эффект мимолетности: художник будто ловит момент, когда звучит кокетливое «ах!» или что-нибудь в том же роде. Живопись Фрагонара — это язык междометий.

Сотни и тысячи картин, номинальными героями которых выступают одни и те же мифологические персонажи: Венера, Амур, Марс, Адонис, Вакх, Диана, Актеон, Юпитер, Европа, Аполлон, Дафна, Ариадна, Психея, нимфы, сатиры, вакханки, — все это множество изображений являет собой один предмет, преследует одну цель. Предмет и цель эти — любовь как чувственное наслаждение. Превратить наготу, а прежде всего обнаженное женское тело, в утонченное пиршество для глаза и ведомых им интимных чувств — в этом французская живопись XVIII века преуспела как никакая другая. Стоит сравнить любую из пуссеновских мифологических сцен с аналогичными сценами Буше, Ванлоо или Натуара, чтобы убедиться в метаморфозе жанра, слагавшегося под знаком Любви. Картина Карла Ванлоо «Юпитер и Антиопа» (ок. 1753; Санкт-Петербург, Эрмитаж) написана для собрания эротических сюжетов (Cabinet de nudites) по заказу маркиза де Мариньи, брата маркизы Помпадур. Композиция построена таким образом, что глазу зрителя дано скорее удовлетворить эротическое любопытство, чем вожделеющему сатиру-Юпитеру. Еще более красноречив в этом смысле образ Геркулеса в трактовке Франсуа Буше («Геркулес и Омфала», 1730-е; Москва, ГМИИ им. А. С. Пушкина). Величайший греческий герой представлен как упоенный страстью любовник. Сплетенные тела, сцепленные руки, жадно пьющие друг друга уста — воспаленный эротизм сцены означает некий предел возможного, достигнутый искусством рококо.

Искусство 18 века чрезвычайно многообразно и противоречиво. Весьма значительными были различия между отдельными школами, происходила борьба течений и направлений внутри каждой из школ, а иногда противоречия проявлялись в творчестве одного художника. Поэтому не существовало единого стиля, объединяющего все разноречивые искания эпохи. Лишь с большой степенью условности можно выделить в начале и середине столетия как определяющую стилистическую тенденцию позднее барокко, перерождавшееся почти повсеместно в рококо. Во второй половине века господствующей тенденцией стал классицизм.

Искусство 18 столетия было вместе с тем важной ступенью в развитии реализма. В некоторых странах, в частности в Англии, складываются элементы критического реализма, отразившего передовые взгляды представителей третьего сословия.

По сравнению с предшествующим периодом в 18 веке меняется соотношение различных искусств в общей структуре культурно-художественной жизни. Живопись во многих странах уступила первое место музыке и литературе, увеличилась роль театра, оказавшего значительное влияние на изобразительные искусства.

Продолжалось развитие многих национальных школ, но искусство разных стран развивалось неравномерно. Некоторые ведущие школы, совсем недавно достигшие блестящего расцвета, сошли со сцены. Так, Фландрия и Голландия уже пе выдвигали художественных явлений, которые могли бы претендовать на европейское значение. Это в большой мере относится и к Испании, где возрождение национальной культуры наступило лишь в последней четверти 18 века. В Италии оригинальные и крупные произведения создавала в основном лишь венецианская школа.

Яркий расцвет культуры и искусства переживали другие страны, и прежде всего Франция, которая уже в конце 17 столетия приобрела ведущее значение в художественной жизни Европы. Английская школа впервые после эпохи средневековья начала играть видную роль в развитии мирового искусства. После долгого упадка начинали возрождаться архитектура, скульптура и живопись Германии, Австрии, Польши, Чехии. К концу 18 века относится ряд значительных достижений в изобразительном искусстве Соединенных Штатов Америки.

Развитие европейских стран повлекло за собою усиление связей между ними. Интенсивный хозяйственный обмен активизировал культурные отношения. Новые художественные идеи быстро становились достоянием живописцев, скульпторов и архитекторов во всех уголках Европы. Рим, в известной мере уступивший роль столицы европейского художественного мира Парижу, сохраняет, однако, значение крупного культурного центра, куда съезжались люди искусства со всех концов света, где происходил обмен мнениями и рождались новые художественные идеи. Значение Рима стало особенно очевидным с середины 18 века, когда усилился интерес к античному наследию и началось его систематическое изучение. Рим превратился в крупнейший учебный центр для молодежи, многие академии ведущих стран имели там свои филиалы.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

2.68 Цветовые системы. История вопроса (часть 12)

Тема лекции: Европа 18 в. Рококо.

Источник — сайт Михалкевича на народ.ру

В XVIII веке барокко превращается в рококо. Появляется тяготение к ассиметрии композиции, декору (мягкая деталировка форм), сочетание ярких и чистых тонов цвета с белым и золотом.

Стиль рококо

Длительная эпоха барокко завершается во второй половине XVIII столетия искусством стиля рококо. Название стиля произошло от французского слова «rocaille» ,что означает композиции из раковин и гротов, играющих большую роль в новом стиле. Стиль рококо, затрагивающий главным образом орнаментально-декоративный строй предметов украшения, мебели и интерьеров, ассоциируется, прежде всего, с причудливыми формами орнаментики, состоящей из раковин, коралловидных образований, завитков, цветочных гирлянд, прихотливо извивающихся стеблей и т.д.

Стиль рококо является стилем искусства двора и аристократии. Появляются новые типы жилых помещений: будуары, интимные кабинеты. Стиль очень ярко и последовательно проявился в оформлении интерьеров. Зеркала, позолота, буйно стелющиеся по стенам и потолкам лепные узоры деформируют пространственную структуру интерьеров. Архитектоническое начало с его колоннами, пилястрами, карнизами сменяются откровенно декоративным; единственный элемент, служащий членению поверхностей стен и потолков, — капризно изогнутая рамка.

В этот период продолжается усиливаться восточное, и, прежде всего китайское влияние. Изящные по формам, украшенные тонким, изысканным декором художественные изделия китайских мастеров отлично гармонировали со стилем, процветавшим при европейских абсолютистских дворах.

Особенно в большом количестве завозился фарфор, привлекавший европейцев экзотичностью, новизной материала и форм.

Характерной особенностью стиля является сочетание внешней сдержанности и внутренней роскоши, которая была предназначена для комфорта.

Помещения не всегда выдерживаются в одной цветовой гамме и обустраиваются с учетом наклонностей хозяина и его рода занятий.

По сравнению со сдержанностью и трезвостью барокко, интерьеры рококо перенасыщены предметами меблировки, но в целом — это эталон утонченности, элегантности, изнеженности. Нежные, пастельные тона преобладают и в колорите, наиболее частые цветовые решения — белое в сочетании с голубым, зеленым или розовым и непременное золото.

Стилю рококо чужды прямая или правильных очертаний кривая линия и симметрия. В мебели и декоративном убранстве интерьера используются самые дорогие материалы: экзотические породы дерева, мрамор, шелк, гобелен, бронза, золото.

Внутри дом всегда украшается настенной живописью, достаточно часто встречается и роспись потолков, продолжающая сюжетную линию стен.

Да и сама комната строится в форме вытянутого овала или круга, углы могут присутствовать только в кабинетных комнатах и в будуаре, хотя и это встречается достаточно редко.

Стены помещений украшаются не фресками, а шпалерными развесками— коврами с расшитыми диковинными узорами по шелку или атласу.

Только в стиле рококо используются настенные консоли, которые делаются из стукко или фарфора. Эти два материала позволяют вылепить невысокий рельеф, который очень быстро принимает нужную форму и схватывается.

4

В качестве основных орнаментов используются восточные мотивы с изображением пальм, заморских животных и птиц, картин из жизни туземцев.

В сторону большего удобства и элегантности изменяются и формы мебели для сидения. Контуры предметов становятся мягкими, волнистыми, изгиб ножки усиливается. Характерной для рококо становится изысканная и в изобилии украшенная мебель. Здесь присутствует целая смесь характерных для других стилей черт: богатая рокайная резьба барокко и раскраска пастельными тонами отдельных деталей мебели, простота конструкций средневековья, отделка ножек в виде лап животных и золотая отделка в духе римского стиля.

В отделке полов присутствуют и каменная мозаика, и паркет, которые всегда гармонируют с остальным витиеватым убранством комнат.

Для того чтобы стилизовать интерьер вашей квартиры под стиль рококо, можно воспользоваться несколькими деталями. Цветочные скатерти, занавески, обои и плитка наиболее подходят для этого стиля. При этом лучше выбирать мелкий рисунок на бледном голубоватом или сиреневатом фоне. Для стилизации комнат потребуется больше деталей. Это и изысканная обивка мебели, и подобранные в тон занавеси, роскошно спадающие на пол, многочисленные вазы с вылепленными цветами, от больших напольных до миниатюрных. Также комнату можно украсить лепниной с тонким слоем бронзовой или золотой краски. Что касается спальни, то здесь можно установить балдахин, с каркаса которого, как свадебная фата, будет, струится волна полупрозрачного шелка.

Дополнения из Википедии

Архитектура

Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства (1715-1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов. Стиль рококо был продолжением стиля барокко или, точнее сказать, его видоизменением, соответствовавшим жеманному, вычурному времени. Он не внёс в архитектуру никаких новых конструктивных элементов, но пользовался старыми, не стесняя себя при их употреблении никакими традициями и имея в виду, главным образом, достижение декоративной эффектности.

Отбросив холодную парадность, тяжёлую и скучную напыщенность искусства времён Людовика XIV и итальянского барокко, архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой во что бы то ни стало; она не заботится ни об органичном сочетании и распределении частей сооружения, ни о целесообразности их форм, а распоряжается ими с полным произволом, доходящим до каприза, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом; крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, необделанных камней (рокайль) и т. п. Несмотря на такое отсутствие рациональности в пользовании архитектоническими элементами, на такую капризность, изысканность и обременённость форм, стиль рококо оставил много памятников, которые доныне прельщают своей оригинальностью, роскошью и весёлой красотой, живо переносящими нас в эпоху румян и белил, мушек и пудреных париков (отсюда немецкие названия стиля: Perückenstil, Zopfstil).

Живопись

Появление стиля рококо обусловлено изменениями в философии, вкусах и в придворной жизни. Идейная основа стиля — вечная молодость и красота, галантное и меланхолическое изящество, бегство от реальности, стремление укрыться от реальности в пастушеской идиллии и сельских радостях. Стиль рококо зародился во Франции и распространился в других странах: в Италии, Германии, России, Чехии и др. Это относится и к живописи, и к другим видам искусства. В России в эпоху рококо живопись европейского типа только появилась впервые, сменив свою, русскую традицию, иконопись. Это портретная живопись Антропова и Рокотова. На смену репрезентативности приходит камерность, изысканная декоративность, прихотливая игра форм. Наиболее ярко живопись рококо проявилась во Франции и Италии. Вместо контрастов и ярких красок в живописи появилась иная гамма цветов, легкие пастельные тона, розовые, голубоватые, сиреневые. В тематике преобладают пасторали, буколика, то есть пастушеские мотивы, где персонажи не обременены тяготами жизни, а предаются радостям любви на фоне красивых ландшафтов в окружении овечек. Впервые черты этого стиля проявились в творчестве Антуана Ватто, у которого главной темой были галантные празднества. Его творчество относят к реализму, он изображал жизнь придворных довольно справедливо. Но в его картинах явно просматривается и новый стиль. Другой, характерной чертой того времени, была эротика. Создано много картин, изображающих обнаженную натуру, различных нимф, Венеру. Крупнейший представитель рококо во Франции — Франсуа Буше, работавший в жанре портрета и пейзажа.

В Италии крупнейший представитель того времени — Джамбаттиста Тьеполо (1696, Венеция — 1770, Мадрид). Большое внимание тогда уделялось фрескам, росписи потолков, сводов, стен. Была даже особая специализация среди художников — квадратурист. Он изображал иллюзорные архитектурные формы, служившие обрамлением, а то и фоном. В этом случае нарисованное на плоскости с расстояния кажется скульптурой. Такие росписи есть, например, в вестибюле Зимнего дворца. Видным художником является Пьетро Лонги. Его бытовые сцены вполне соответствуют характеру стиля рококо — уютные гостиные, праздники, карнавалы. Кроме этого в Италии в это время развилось и другое направление, которое не совсем вписывается в рамки стиля. Это — ведутизм, реалистическое и точное изображение городских видов, прежде всего Венеции. Здесь преобладает принцип точной передачи действительности. Виды Венеции пишут Каналетто и Франческо Гварди. Бернардо Беллотто работал также в Германии. Его кисти принадлежат великолепные виды Дрездена и других мест.

Декоративно-прикладное искусство

Стиль рококо выразился блестящим образом также во всех отраслях художественно-промышленных производств; с особенным успехом он применялся в фабрикации фарфора, сообщая своеобразное изящество как форме, так и орнаментации его изделий; благодаря ему, эта фабрикация сделала в своё время огромный шаг вперёд и вошла в большой почёт у любителей искусства.

3

В 1708 году алхимик Иоганн Фридрих Бётгер открыл секрет изготовления фарфора и нашел подходящую для этого глину. В Майсене была открыта первая фабрика, где первым мастером был Иоганн Готтлиб Кирхнер. Фарфор получает популярность, появляются и другие центры его производства. Наиболее знаменитой была мануфактура в Севре, где работал Этьен Морис Фальконе. Кроме фарфора — в моде серебро. Изготовляются шоколадницы, супницы, кофейники, блюда, тарелки и другое. В этом веке рождается кулинарное искусство в его современном виде, в том числе — искусство сервировки стола.

Мебель рококо отличается характерными чертами. Одна из самых ярких черт — изогнутые линии, изогнутые ножки. Мебель становится более легкой и изящной по сравнению с той, что была прежде. Появляются новые предметы мебели, консольные столики, секретеры, бюро, комоды, шифоньеры. Два наиболее распространенных типа кресел — «Бержер» и «Маркиза».

Мастера мебели: Давид Рентген, Шарль Крессан, Жак Дюбуа, Франсуа Эбен, Пьетро Пиффетти (Рим), Эннемон-Александр Петито (Парма), Джузеппе Маджолини (Милан). Ведущее положение в изготовлении мебели в Италии занимали мастерские Турина и Венеции.

Мода

Мода эпохи рококо отличалась стремлением к рафинированности, утончённости и намеренному искажению «естественных» линий человеческого тела.

Моду рококо принято считать женственной модой, так как в эту эпоху произошло максимальное приближение мужской моды к типично-женским образцам. (Некоторые исследователи даже называют XVIII век «веком женщин»). Идеал мужчины — утончённый придворный, франт. Идеал женщины — хрупкая стройная жеманница. В моде — осиная талия, узкие бёдра, хрупкие плечи, круглое лицо. Этот силуэт оставался неизменным на протяжении всей эпохи рококо. Женщины носят пышные юбки — панье, создающие эффект «перевёрнутой рюмочки».

Женская причёска (см. подробно — Причёски XVIII века) претерпела значительные изменения. Так, в 1720—1760-х годах (после того, как фонтанж окончательно вышел из моды) в моде была гладкая, маленькая причёска с рядами ниспадающих локонов. Потом причёска начала «расти», чтобы в 1770-е годы превратиться в знаменитые «фрегаты» и «сады», которые так любила Мария-Антуанетта. Мужчины сперва отпускали с боков букли, а сзади носили длинную косу. Чуть позже в моду вошли белые напудренные парики, с закрученными с боков буклями, косичкой и бантом сзади.

Подробнее о прическах 18 века почитать в Википедии.

Основным типом мужской одежды оставался жюстокор, со времен моды барокко, но позже его стали называть аби. Под него надевали камзол. Носили белоснежные рубашки, кружевные жабо и шейные платки. Жюстокор имел в начале века более прямую форму, затем претерпел эволюцию: его полы стали шире, как бы торчали в разные стороны. На рукавах были широкие обшлага. На карманах — огромные клапаны. Женское платье также претерпело подобную эволюцию: сперва оно было уже, затем начало расширяться и расширилось до предела. В качестве головного убора популярной оставалась треуголка.

В самом начале эпохи рококо (Регентство) в моде был стиль ноншаланс, то есть нарочитая небрежность.

Эпоха рококо принесла моду на пастельные, приглушённые (по сравнению с эпохой барокко) тона: нежно-голубой, бледно-жёлтый, розовый, серо-голубой. Если в эпоху барокко все женщины выглядят значительными и зрелыми (им как будто всем за тридцать), то рококо — это время юных нимф и пастушек, которым никогда не будет больше двадцати. Румяна и пудра помогают всем дамам выглядеть молодыми, хотя эти лица и превращаются в безжизненные маски. Модные запахи, духи, — фиалковый корень, нероли, пачули, розовая вода.

Эпоха рококо: Мари Луиз Элизабет Виже-­Лебрен

Блогер ВК — Ирина Сигитова, художник

Правда ли, что Леонардо да Винчи был левшой? Почему Сальвадор Дали закручивал усы? Кто такие художники маринисты? Об этом и о многом другом мы рассказываем в рубрике «Детям об искусстве». Ее автор, художник Ирина Сигитова, убеждена: размышлять об искусстве полезно и детям и взрослым, а простой и доступной информации практически нет. Либо это «талмуды», которые в двух словах не перескажешь ребенку, либо написанные профессиональным искусствоведческим языком рассуждения, в которых и взрослый не всегда сможет разобраться. «Упрощать сложное!» – вот ее девиз.

В этой статье мы расскажем, чем отличается барокко от рококо. Почему так мало женщин — художниц. Узнаем о художнице эпохи рококо Виже-Лебрен. И попытаемся нарисовать ее мысли, ее личность и ее портрет.

ЧЕМ ОТЛИЧАЕТСЯ БАРОККО ОТ РОКОКО?
Барокко – это сочетание самых крайних противоречий. Если объяснять, не углубляясь в подробности, то барокко – это как театр, а рококо – сцена этого театра. Или по другому – если барокко – это фасад здания, то рококо – это внутренний дизайн помещения. В барокко все грандиозно, помпезно и тяжело. А в рококо чувствуется воздух, легкость, ленты развиваются на шляпах, а волосы – от легкого ветерка. С одной стороны, в рококо – беззастенчивое бегство от реального мира, но с другой – это открытие мира любви и диапазон человеческих чувств. В рококо семья – это одно из главных тем в искусстве.

ПОЧЕМУ ТАК МАЛО ЖЕНЩИН — ХУДОЖНИЦ?
На самом деле их совсем не мало. Еще Плиний в своей «Натуральной истории» описывает творчество художниц Греции и Рима. В средние века женщины занимались книжной миниатюрой. Правда, нам нужно помнить, что в истории искусства до «позднеготического» периода большинство художников работало вообще анонимно, так что удалось с трудом найти несколько работ, выполненных представителями слабого пола.
Заметные творческие личности появились среди женщин только в 16 веке. Женщинам запрещали изучать анатомию. Исключение – несколько итальянок, выросших в семьях художников, где им дали возможность развить свои способности. Но они все равно не получили равной с мужчинами подготовки.
Важную роль женщины стали играть уже в 17 веке с приходом в высокое искусство Артемизии Джентилески (1593-1653). Многие видели ее популярную картину «Юдифь и ее служанка с головой Олоферна» (1625г.), но немногие знают, что Джентилески — это женщина, выдающаяся художница эпохи барокко.

МАРИ ЛУИЗ ЭЛИЗАБЕТ ВИЖЕ- ЛЕБРЕН
Жил-был на свете один художник и звали его Луи Виже. Писал портреты на заказ, проживал свою жизнь тихо и спокойно. Его романтические картины вряд ли могли прославить своего создателя. И все-таки случилось так, что его имя осталось в истории искусства навсегда. В 1755 г. в семье Виже родилась дочь Луиза Элизабет, которая впоследствии стала великой художницей эпохи рококо. Да, вдобавок ко всему, еще и придворной портретисткой королевы Франции Марии-Антуанетты.
В 1776 году Элизабет вышла замуж и присоединила к своему имени фамилию мужа, поэтому в истории она осталась известна под именем Виже-Лебрен. Если посмотреть на ее автопортреты, мы увидим, что это очень красивая женщина, с ироничной улыбкой и интеллектом в глазах. А ее одежда чаще напоминает греческие туники, а не платья эпохи рококко. Луиза Элизабет увлекалась античностью и устраивала «греческие вечера», на которые собиралась вся местная элита – не только королева и представители высшей знати, но и философы, математики и ученые умы того времени.
Современники Луизы писали, что она была умна, необыкновенно красива, изящна и стройна, к тому же обладала редким даром остроумия, что способствовало росту ее популярности среди аристократии. Но при этом, постоянно росли слухи о ее баснословных тратах и вскоре вместе со своей подругой и покровительницей Марией-Антуанеттой она впала в немилость у народа. Элизабет Виже-Лебрен была вынуждена эмигрировать вместе с дочерью во время французской революции. Ее имя было в черном списке и она под страхом смертной казни не могла вернуться во Францию.
Виже-Лебрен жила в Швейцарии, в Австрии, в Италии и даже целых 6 лет провела в Петербурге, где постоянно трудилась и где ее с почетом приняли в члены Императорской Академии художеств.
В Париж она смогла вернуться только после 12 лет изгнания. В поздние годы она уже не занималась живописью, зато написала книгу «Воспоминания о моей жизни», которая стала бестселлером и была так же популярна, как и ее живопись. Умерла Виже-Лебрен в марте 1842.
Я предложила детям пофантазировать как выглядела Виже-Лебрен не в качестве портретного сходства, а в качестве личности, и вот что у нас получилось.

Ирина СИГИТОВА

Этот адрес электронной почты защищён от спам-ботов. У вас должен быть включен JavaScript для просмотра.

Читайте блог Ирины в Facebook по тегу #vk_Sigitova

 

Эпоха рококо и барокко — В погоне за стандартами

Эпоха рококо и барокко С приходом эпохи Барокко утратило свою прелесть естественность. Теперь люди стали выглядеть вычурно и театрально,повседневная одежда чаще походила на парадную. Дама должна была иметь все ту же лебединую шею,бледную кожу,но с ярким румянцем,яркими губами. Вошла мода и на парики,которые поражали воображение:они могли быть очень высокими с целыми сюжетами в волосах,например,корабли с парусами или мельницами. В моду вошли пышные платья и оборки, которые надевали поверх корсета из китового уса. Талия от этого становилась настолько узкой,что плечи и бедра становились на их фоне шире,а грудь больше,а женщины пытались ее подчеркнуть. Отсюда и появилась фигура песочные часы. Интересный факт:мужчины тоже носили корсет,чтобы избежать шутки о «пивном животе». К XVII в. появляется эпоха рококо,в которой театральность облика достигает своего пика. Теперь все -и мужчины и женщины-стали выглядеть как фарфоровые статуэтки. Они стали носить парики и приклеивать мушки.Красавица эпохи рококо имеет узкие плечи и тонкую талию, маленький лиф контрастирует с огромной округлой юбкой. Декольте все увеличивается, а юбка несколько укорачивается. Проявление своих чувств не считалось распущенностью,а даже наоборот. Мужчины считали,что если женщина смущается,то ей нечего продемонстрировать. Пока во Франции буйствовало рококо, в «Туманном Альбионе» вновь занялись переоткрытием «греческого вкуса и римского духа». Вскоре и Французская Революция в своей ненависти ко двору Марии Антуанетты вместе с королевской властью начала ликвидировать засилье париков, мушек, корсетов и румян. В моду снова стала входить естественность. Ярко краситься считается теперь дурным тоном, поэтому в декоративной косметике используются только естественные тона. Иногда косметического эффекта пытались достичь еще более естественными способами: если требовалась бледность – дамы пили уксус, если румянец – ели землянику. На некоторое время из моды выходят даже ювелирные украшения. Считается, что чем красивее женщина, тем меньше она нуждается в украшениях.

Эпоха рококо в Чехии-megatour.cz

 

Стиль Рококо стал как реакция на монументализм и впечатляющий барокко классицизм зародился во Франции около 1700 года и вскоре распространился по другим странам, особенно в Германии, Австрии и Италии. Стиль рококо принес в искусство подсветку, свободу и игривость, сексуальность и нежную сентиментальность. Это искусство аристократических салонов и социальные развлечения, но и применяется в области церкви.

В архитектуре рококо находит свое отражение в интерьере. Стены разделены высокими зеркала и панелями из натурального или белого крашеного дерева с позолоченными декоративными рамками, потолки украшены живописью или лепниной, мебель свободно размещена в помещениях к объединяющему разговору. Ножки мебели изогнуты S-образно или C, кресла и стулья обтянуты в пастельно  крашеную парчу, гобеленом или сплетены из камыша. Излюбленными становятся китайские и японские лаки и декоры на роскошных секретерах. Основные цвета белый и золотой.

Типичным декоративным элементом является рокайль — асимметричной формы обогащенный часто творчески богатыми усиками и изображен аналогичной гребню петуха.

 

 

Внешне архитектура существенно не отличается от барокко только становится более декоративной и игривой. Типичными становятся меньшие строения посреди сада. В Чехии, например это пристройки в замке Хоржине у Мельника и в замке Бечвары неподалеку от Кутной Горы, но стиль рококо в Чехии не особо выразительный, больше применялся просто в фасадах (например, перестройка архиепископского дворца в Праге от Яна Йозефа Вирча). Скульптуры создавались главным образом для украшения архитектуры. Главное применение создания скульптур стали небольшие фигурные сцены из фарфора. Чешские скульпторы стиля рококо наиболее зарекомендовали себя в мастерстве резьбы, например Франтишек Игнаце Вайс, Карл Йозеф Хиернлего, Ричард Прахнер, Лазар Виндман и т.д.

В живопись стиль рококо принес новые идеи изображения в первую очередь любовных отношений и забав дворянства — так называемые галантные сцены, и из идеализированного мира села и природы. Тем не менее, принес новое, яркое и расслабленные рукописи, мягкие цвета и эмоции. В чешском искусстве стиль рококо наблюдается прежде всего в работах художников по фреске, но иногда трудно определить, является ли картина барокко или рококо. Разница в основном в более светлых цветах и воздушности, как можно увидеть уже в поздних работах Рейнеровых, в некоторых Космы Дамиана Асама, на Моравии Павла Трогера. Типичной является Роспись потолка Малостранского костела св. Николая, где Франтишек Кхавер Карел Палко расписал купола, а Ян Лукас Кракер неф. Святой Николай с ангелами возноситься к небесам. Рококо также наблюдаеться в оформление Маскарадного зала замка в Чешском Крумлове.

 

Если Вы влюблены в рококо или барокко, то Вам следует отправиться из Праги в Дрезден. Этот город на Эльбе известен своей архитектурой в этом стиле. Также Вы там найдете множество галерей с произведениями мировых мастеров. Чтобы больше узнать о поездке в Дрезден и экскурсиях в этот город, прочитайте наш раздел — поездка из Праги в Дрезден отзывы.

---

MegaTour cz+ Google+author

читать другие новости | перейти на Главную www.megatour.cz

История танца: рождение балета, эпоха Рококо

В 16 веке танец стал предметом серьезных исследований во Франции. Группа писателей, называющих себя La Pléiade, стремилась к возрождению театра древних греков с его музыкой, песней и танцем. Екатерина де Медичи (1519–89), флорентийская жена короля Франции Генриха II, стала настоящим меценатом танцев в Париже. Она вызвала в Париж итальянского музыканта и хореографа Бальтазарини ди Бельгиоиозо, который сменил имя на Бальтазар де Божуаель (в 1587 году). Он начал ассимилировать в Франции итальянские праздники, в которых фигурировали маскарады, пантомимы и танцы с аллегорическими и символическими предметами.

Зарождение балета в придворных танцах

В 1581 году Божуаель организовал для Екатерины танцевальную постановку Ballet comique de la reine. Этот первый «балет» рассказывал историю о легендарной волшебнице Сирс и ее злых деяниях. Разговорные тексты чередовались с танцами, при этом вся постановка отличалась великолепными декорациями. Исполнители, которые были дворянами, отличались потрясающе детальными костюмами и гораздо более оживленными танцами, чем отдельные танцоры. Они объединялись по ходу балета в группы, демонстрируя заранее срежиссированные фигуры, у которых были очень символические значения (к примеру, три концентрических круга из танцоров представляли «Прекрасную Правду», а два равносторонних треугольника в кругу — «Высшую Власть»).

У балета, который закончился знаком уважения присутствующим монархам, на самом деле была отличная политическая мораль: Сирс должна была отдать свою силу абсолютистской власти короля Франции в качестве высшего символа мирного и гармоничного мира.

Комический балет породил разновидность, известную как «балет де кур», в котором участвовали сами монархи. Идеализированные танцы предоставляли высшему свету Франции то, чего ему так не хватало (ведь страна в то время страдала от внутренних войн). Хотя в основном танцы того времени отражали социальные проблемы, ученые и хореографы продолжали экспериментировать с возрождением греческих танцев. Они полностью проанализировали и систематизировали танцы, и в 1588 году священник Жан Табуро, пишущий под псевдонимом Туанэ Арбо, издал свою «Оркестрографию» — трактат в форме диалога. Это была первая книга, содержащая подробные описания того, как и какому танцу использовать какую музыку.

Танцы эпохи рококо

Во время правления королей Людовика XIV и Людовика XV Франция фактически привела Западную Европу в эпоху искусства, которая стала известна под названием «Рококо». Фактически рококо началось как движение к простоте и естественности и было реакцией против неестественной манерности.

Постепенно отношение к ценностям более раннего искусства эпохи барокко ухудшилось. Это была прекрасная эпоха для танцев, а менуэт стал символом акцента рококо к цивилизованному движению. Это был формальный танец, прекрасное исполнение которого само по себе фактически было наукой, что отражало идею рококо относительно естественности. Заявление композитора Жана-Филиппа Рамо (1683–1764), что «танец теперь достиг самого высокого пункта его совершенства» предполагает, насколько сознательно французы подходили к созданию танцев в то время. То, что это особенно четко прослеживалось во Франции, было подтверждено английским поэтом и эссеистом Соумом Дженинсом (1704–87) в его строках «Никто не может конкурировать с Францией, будь то создание и исполнение танца». Но самая четкая оценка этого занятия была дана в комедии-балете Мольера «Мещанин во дворянстве» (1670):

Для людей нет ничего столь же необходимого, как танец… Без танца человек попросту не был бы в состоянии сделать что-либо… Все неудачи человека, всех мрачные перемены, которыми была переполнена история, грубые ошибки политиков и неудачи великих лидеров.. все это — результат неумения танцевать.

Развитие балета

Танец наконец окончательно созрел к созданию собственной академии. В 1661 году 13 мастеров танца, которые были членами профессиональной гильдии средневекового происхождения, вместе с некоторыми музыкантами, композиторами и производителями инструментов, создали под патронажем Людовика XIV Королевскую Академию танца (Academie Royale de Danse). Именно эти «академики» считаются ответственными в подготовке объективных стандартов для совершенствования их искусств, в объединении правил обучения танцу, а также в издании лицензий для преподавателей танца. Хотя дворянство продолжало в течение некоторого времени участвовать в «балетах де кур», и сам Людовик XIV принимал в них участие до 1669 года, танец начал все больше становиться областью отлично обученных специалистов.

Танцы 18 века

После 1700 года балет и социальный танец начали развиваться отдельными, независимыми путями. Но, несмотря в то время балет продолжал «впитывать» новые идеи из народных и социальных танцев, его практики и теоретики начали смотреть свысока на другие формы танцев. Начало появляться множество книг по танцам — трактаты, инструкции и анализы, а также первые попытки записать танцы посредством письменных обозначений.

Первую историю танца опубликовал Клод-Франсуа Менестье в своей работе «Древние и современные балеты» (Des ballets anciens et modernes) в 1682 году. Второй основной работой европейской танцевальной литературы после «Оркестрографии» Арбо стала «Хореография или искусство описания танцев» Рауля Фулье в 1700) году. Она стала настоящей «азбукой» для танцоров и хореографов на рубеже веков, описывая танцы и работу ног в них в мельчайших деталях с помощью специальной системы, разработанной Фулье. Но в ней был один огромный недостаток. Несмотрия на то, что работа ног и ступней была проработана досконально, в этой системе нотации абсолютно не упоминалась работа верхней части тела.

В 1706 году популярная книга Фулье была переведена на английский язык Джоном Уивером (1673-1760) — танцором, хореографом и преподавателем, который работал в основном в театре Друри-Лейн в Лондоне. В 1717 году он создал один из первых серьезных «немых» балетов «Любовь Марса и Венеры». Уивер был первым учителем танцев, который настаивал на том, что преподаватели танцев должны иметь глубокие познания в анатомии человека. В 1721 году он опубликовал свою работу «Анатомические и механические лекции после танцев», которая стала стандартом международного значения.

Германия в то время также вела активные исследования в области танцевальной науки. Готфрид Таубер из Лейпцига выпустил работу под названием «Der rechtschaffene Tanzlehrer» («Правильная работа учителя танцев») в 1717 году. Эта книга сильно подчеркивала вклад танца в общее образование и манеры человека. В этот период танец считался основой всего образования, и хорошо обеспеченные родители прилагали все усилия, чтобы обучить своих детей танцам надлежащим образом.

Разновидности балета

Поскольку в 17 веке технические требования к балетным выступлениям стали больше и любители уступили дорогу профессионалам, постепенно выступления балета перебрались с танцевальных залов на сцену. Там в балете постепенно отказались от декламаций и песен и сконцентрировались на пересказе историй посредством жестов и пантомимы в танце. Но на данный процесс «очистки балета от всего лишнего» потребовалось определенное время.

В течение многих десятилетий после этого начали появляться различные формы смешанных жанров — от комедий-балетов Мольера (1622-1673) и композитора Жана-Батиста Люлли (1632-1687) до опер-балетов Андре Кампра (1660-1744) и Рамо, которые являлись сочетанием песен и танцев на общую тему. Первым балетом, который был исполнен только в виде чистого танца, без примесей декламаций или песен, стал Le Triomphe de l’Amour («Триумф любви», 1681). Он был поставлен хореографом Шарлем-Луи Бошампом (1636-1719) на музыку Люлли. Первоначально это произведение по сути было «балетом-де-кур», но позже он был возрожден на сцене с профессиональными танцорами. Звезда этой постановки, мадемуазель Лафонтен, стала первой в мире профессиональной женщиной-балериной.

Еще более драматичная форма балета, которая стала известной как ballet d’action, возникла в 1708 году, когда два профессиональных танцора представили всю сцену из трагедии «Гораций» Пьера Корнеля (1606-1684) посредством только танца и пантомима.
Безмолвные балеты Уивер, чей экспрессивный танец произвел большое впечатление на английских зрителей, также вдохновил Марию Салле, весьма амбициозную драматическую танцовщицу. Разочаровавшись в операх-балетах Парижа, она отправилась в Лондон, где выступала в пантомимам и сама написала миниатюрную танец-драму для собственного выступления под названием «Пигмалион» (1734). В ней Салле появилась в воздушном кисейном платье в отличие от тяжелых пышных балетных костюмов тех времен, в также с распущенными волосами, а не в парике. Таким образом балерина получила возможность двигаться в танце с гораздо большей свободой.

Источники Википедия и 4dancing.ru

Мебель в стиле Рококо / Красивый антиквариат в салоне «Эпоха»

07.12.2017

Возникший в начале XIX века стиль рококо явился естественным развитием стиля барокко, однако, в более модернизированном, измененном виде. Зародился стиль во Франции. Начало эпохи рококо связано со смертью Людовика XIV, последние годы которого были тоскливым и наполненным церковными обрядами и богослужениями. Знати хотелось праздника, и она получила его. Рококо проявляет все признаки, свойственные эпохе уходящих традиций абсолютизма — уход от жестокой реальности в область иллюзий и неприкрытой роскоши. Культура формируется не в огромных парадных залах, а в более интимных, небольших салонах, где и происходит зарождение нового стиля мышления, в котором преобладает изящество вечного праздника жизни. 

В первую очередь переход аристократической жизни из залов в комфортные салоны отразился именно на мебели. Несмотря на то, что в оформлении комнат проявляется небывалая роскошь, рационализм приводит к появлению множества практичных в быту предметов: удобный письменный стол, секретер с многочисленными ящичками, подразумевающими тайные отделения и множество других практичных, но изящных вещиц. В конструкции всех предметов мебели используются плавные, манящие линии, провоцирующие уход от симметрии в область фантазий, проникнутых эротизмом эпохи. Многочисленные небольшие тумбочки разнообразной формы и практичные комоды с тайными отделениями для любовной переписки заполнили салоны того времени, привнося атмосферу всепоглощающей и страстной любви к тайнам и загадкам. 

Мягкая мебель и стулья приобретают все большую практичность, становятся удобными для сидения. Форма ножек изменяется и приобретает плавные закругленные формы. К низу ножки стульев утончаются, превращаясь в подобие каблука, или изгибаются в форме лапы птицы, держащей шар. Появляется невероятно практичное и удобное кресло бержер, являющееся характерным предметом мебели для стиля рококо. Мягкая спинка, широкое, оснащенное дополнительной подушкой сидение кресла являлись образцом комфорта и удобства. В изготовлении деревянной мебели чаще всего использовалась липа или орех, благородные сорта дерева, позволяющие выполнять утонченную резьбу. Нередки экзотические породы дерева класса махагони, имеющие красноватый оттенок. В украшении используется черная полированная фанера и бронзовые украшения-накладки. 

Стиль рококо в интерьере. 

Интерьерный стиль эпохи рококо прошел под лозунгом фаворитки короля Людовика XV маркизы де Помпадур: «После нас хоть потоп». В отделке салонов используются дорогие материалы, выставляющие напоказ небывалую роскошь и богатство.

Позолоченная бронза, дорогостоящий китайский фарфор, живопись в элементах декора стен — все эти элементы характеризуют интерьер рококо как стиль, пропагандирующий уход в мир иллюзий и чувственных любовных переживаний. При оформлении стен и потолка используется лепнина и резные панели с искусными орнаментами в форме диковинных цветов, раковин, амуров.

 

Мода рококо: история, период и термины — видео и стенограмма урока

Дизайн в стиле рококо

Рококо было целым художественным движением, охватывающим искусство, архитектуру и театр. Чтобы понять роль моды в этом мире, нам нужно сначала понять тенденции всего рококо. Эта эпоха последовала за серьезной и величественной эпохой барокко, характеризующейся чрезмерным орнаментом, демонстрирующим торжественную мощь. Рококо полностью отказался от торжественности барокко, но сохранил акцент на богатстве и украшении.

Дизайн в стиле рококо, как правило, был богато украшен, со сложными узорами и из лучших материалов. Цветовая палитра была светлой и пастельной, дизайн был причудливым и асимметричным, а органические мотивы покрывали все. Куртуазная жизнь была связана с расслаблением, весельем и наслаждением привилегированным богатством, часто игнорируя при этом более серьезные обязанности, связанные с этим. Поскольку аристократов реже требовали в суде, они проводили большую часть своего времени в частных поместьях, часто устраивая пышные вечеринки.Мода пришла, чтобы отразить эту непочтительность и корыстолюбие, а также этот вкус ко всему фантастическому.

Женская мода

На аристократическую женскую моду 18 века большое влияние оказал менталитет рококо. В то время как одежда в стиле барокко была жесткой и формальной, женщины в стиле рококо стали адаптировать более свободные платья и юбки. Поскольку большая часть аристократической жизни теперь сосредоточена в частных владениях, а не в формальном дворе, женщины стали публично носить такую ​​одежду, которую раньше носили только в частном порядке.В частности, за пределами дома стал появляться неглиже , который в то время был разновидностью утреннего халата. Со временем это превратилось в свободные халаты, которые носили поверх платьев или юбок и свисали с плеч. В платьях по-прежнему использовались корсеты, корсеты и юбки-кольца, чтобы подчеркнуть определенную сладострастность и чувственность для владельца. В начале рококо этот стиль был свободным и неформальным, но он стал более богато украшенным, поскольку в конце 18 века использовались более тонкие материалы и больше декоративных узоров.

Конечно, каким было бы рококо без крайних украшений? Женская мода определялась типом нарядов, связанных с ней. Материалы были изысканными, но воздушными, с преобладанием шелка из тафты в пастельных тонах. Мантии и платья были отделаны мехом, а органические детали в цветочек были вшиты во все. Волосы иногда покрывали париком, но этот стиль барокко чаще заменяли заколками из натуральных волос, которые напудрили, чтобы они выглядели седыми или белыми. Добавьте к этому изысканные украшения из игривого золота или жемчуга, и вы готовы к аристократическому обществу рококо.

Мужская мода

Мужская мода изменилась менее радикально, чем женская. Однако, хотя он по-прежнему отражал многие черты барокко, он также был усовершенствован, чтобы быть менее торжественным, но при этом сохраняющим чувство достоинства. Самым заметным модным трендом стал французский костюм «à la francaise» , сочетающийся с пальто и жилетом, лентами и бантами на плечах, а также короткими брюками с чулками.

Это был первый стиль мужской моды рококо, который изменился на протяжении столетия.Брюки стали до колен и простирались поверх чулок, пальто — длиннее, а акцент на частной моде привел к тому, что пальто (или пальто для верховой езды) также стали основным продуктом общественной моды. Это также было влиянием аристократии Англии на Францию, и другая шерстяная одежда была принята в том, что французы называли своей «английской модой». Мужские каблуки были укорочены, а на лицо часто наносилась пудра. В отличие от женщин, аристократические мужчины почти всегда носили парики на публике. Однако, в отличие от массивных вьющихся париков барокко, парики в стиле рококо, как правило, были более простыми, с волосами, связанными в один хвост.

Влияние на общество

Аристократы рококо были богатыми и привилегированными, но утонченными и достойными. Они с гордостью носили свои наряды на публике, что создавало резкую визуализацию разделения во французском обществе. Крестьянство носило более простые материалы и простые варианты аристократической моды. По мере того как богатые продолжали возвышать себя над бедными, напряженность росла и росла. Когда крестьянство окончательно свергнет монархию, падет и аристократическая мода.Рококо будет последним разом, когда Франция обратилась к аристократии, чтобы определить свою моду.

Краткое содержание урока

Рококо — это эпоха 18 века во Франции, продолжавшаяся примерно с 1720 по 1789 год, когда она была прервана Французской революцией. Это было движение элегантности и утонченности, характеризовавшееся пастельными тонами, органическими мотивами и легким, но обильным орнаментом. На женскую моду повлияло сочетание частной и придворной жизни, и неглиже было халатом, который задавал тон более свободной общественной моде на протяжении всего столетия.Мужской стиль начался с привычки à la francaise и сохранил больше черт барокко, но также стал длиннее и изысканнее. Наряд аристократических стилей контрастировал с простотой заброшенного крестьянства, что наглядно проиллюстрировало резкие разногласия во французском обществе. Когда крестьянство окончательно свергнет монархию, падет и аристократическая мода. Рококо закончился, и началась эпоха одежды, вдохновленной простонародьем.

Стиль рококо (18 век)

Выдающимся в искусстве инкрустации был Пьетро Пиффетти (1700-77), который работал в Савойском доме в Турине, создавая очень индивидуальная мебель, сочетающая в себе вставки из дерева и слоновой кости с такими доработки в металле в виде масок по углам и крепления для ног.В Королевский дворец в Турине содержит несколько захватывающих произведений искусства, буквально покрытых с инкрустацией из слоновой кости и иногда кажется, что поддерживается исключительно случайно, настолько хрупки ноги под их сложными верхними частями. В музее Civico в Турине — это карточный стол Пиффетти с печатью 1758 года и Совершенно убедительный обман игральных карт из слоновой кости и редких пород дерева. В области малых искусств в Италии не производилось ничего значительного. по сравнению с другими странами Европы, и, конечно же, керамических фабрик не было. чтобы соперничать с Севром.Но две фабрики производили фарфор, большая часть что, безусловно, очень красиво — Виново в Пьемонте и Каподимонте за пределами Неаполя. Фарфор Каподимонте отличается блеском. его окраски, часто в неожиданных сочетаниях, как в знаменитых Фарфоровый зал из дворца в Портичи (1754-59). Итальянская живопись рококо Резюме Рококо возникло в Италии несколько позже. чем во Франции.Ранние следы можно увидеть в более светлом стиле поздних Живопись в стиле барокко, представленная в Риме, а также в Неаполе такими художниками, как Лука Джордано (1634-1705) и Франческо Солимена (1657-1747). Затем, через 25 лет, Венеция произведено Giambattista Тьеполо (1696-1770), его сын Джандоменико (1727-1804) Антонио Каналетто (1697-1768), Пьетро Лонги (1701-85), Франческо Гварди (1712-93), Джованни Баттиста Пиранези (1720-78) и племянник Каналетто Бернардо Беллотто (1720–1780).Все они, кроме двух последних, отработали живет в Венеции, хотя Каналетто посетил Англию в 1746 году. Лонги и в меньшей степени младший Тьеполо изображал повседневную жизнь Венеции, первые на небольших холстах, вторые — на рисунках; в то время как Каналетто, Гварди и Беллотто рисовали уличные сцены на каналах и на площади. Пиранези, хотя родился в Венеции, но приехал в Рим в 1738 году. Его картины не известны. и его слава полностью основана на его архитектурных гравюрах и руинах.Старший Тьеполо известен своими необычными фресками. парадной столовой ( Kaiseraal ) и потолка Большого Лестница ( Trepenhaus ) в Вюрцбургской резиденции принца-епископа Карла Филиппа фон Грайффенклау, который, несомненно, был величайшим и самый творческий шедевр его карьеры. Фокусом был парящий фреска Аполлон приносит невесту (1750-1) в центре Трепенхаус, произведение, завершающее итальянскую традицию. фресковой живописи, инициированной Джотто (1270-1337) четыреста лет ранее. Тьеполо В старшем Тьеполо и в нем одном, можно ли говорить о чистом стиле рококо, во многих отношениях родственном позднему барокко. способов, но создавая совершенно новый тип визуального опыта. Не удивительно, многие из величайших венецианских качеств прошлого присутствуют в его работы: колорит и оригинальная фантазия Тициана; типы фигур и роскошные материалы Паоло Веронезе, вместе с его любовью к роскошной классической архитектуре как фон для богатых театрализованных представлений истории и мифологии. Искусственность атмосферы в его ранние фрески сразу связывают Тьеполо с мейнстримом рококо. искусства, но в то время, когда он не мог много знать о современном Французская живопись. С тех пор его карьера имела головокружительный успех, пока его затмение в Мадриде в конце его жизни от рук неоклассиков при Менгсе (1728-79). Его самый большой заказ пришел в 1750 году, когда он поехал в Вюрцбург рисовать. фрески для недавно построенного дворца и оставались там до 1753 г. украсить лестницу (самый большой панно живопись в мире), Кайзерсал и часовня.Незадолго до уезжая в Вюрцбург, Тьеполо украсил Палаццо Лабиа в Венеции. с историей Антония и Клеопатры, одним из самых запоминающихся его произведений. классической истории. Сравнение стиля Тьеполо со стилем его современника Буше, обнаруживает другой и, возможно, более интеллектуальный темперамент. Его ледниково элегантные, но все же сладострастные обнаженные тела и его тонкое сопоставление типов, как в Вюрцбургской лестнице, где ярко контрастируют «континенты», оригинальнее и сложнее, чем что-либо от Буше.Это было не случайно что Буше восхищался Тьеполо больше всех остальных; «гораздо больше, чем у Ватто, его искусство — это искусство театра, со сценой, которая намеренно возвышается над нами и актеры, которые держатся на расстоянии », — говорит Майкл Леви. В самом деле, его искусство — последнее, что действительно представляет аристократическую аристократию. идеалы, которые вскоре будут заменены республиканскими ценностями Французской революции, искусство, которое могло процветать только в таком упадочном городе-государстве, как Венеция в восемнадцатом веке View Painters В то время как Тьеполо, отец и сын, были лучшими декораторами в городе, были ведутисти , или живописцы, такие как Canaletto (1697-1768), чья большая известность привела его в Англию между 1746 и 1756, и его племянник Бернардо Беллотто (1720-80). Картины Франческо Guardi (1712-93) — триумф атмосферных исследований и понимания об уникальном влиянии венецианского света на воду и архитектуру. С участием минимальная палитра, в некоторых случаях сведенная почти полностью к простой зелени и серые, Гварди вызывает ассоциации с пейзажами и видами на каналы во многих так же, как Тьеполо изображает фигуры, и волшебными цветными точками предлагает людям, спешащим или занятым разговором на площади Сан Марко или любой из многих площадей Венеции, которые он так явно любил. Пьетро Лонги (1702-85), напротив, специализировался на несколько грубых интерпретациях современной жизни; в их однако в их великом очаровании кроется неуклюжесть, а зачастую восхитительно неожиданный выбор сюжета, например, «Носорог» (Национальная галерея, Лондон) или «Мавританский вестник» (Ка ‘Реццонико, Венеция). Но Италия никогда не была так довольна стилем рококо, как раньше. предшествующий стиль барокко или неоклассицизма, оба из них тяжелее и способнее выразить столь любимую grandezza итальянского постренессансного искусства.Это, однако, появляется у Тьеполо в измененная форма, и это его имя остается выдающимся. Стиль рококо в Англии — Характеристика из всех европейских стран, в которых переняла или внесла свой вклад в стиль барокко, Англия была той, которая Меньше всего обращал внимание на рококо. Архитектура английского рококо, Интерьер Дизайн и оформление По крайней мере, в архитектуре Англия переехала непосредственно от стиля барокко Рена и Ванбру до палладианизма, переход настолько быстр, что не допускает промежуточного развития.Со зданиями, такими как Strawberry Hill Уолпола, Туикенхем, построенными из 1748 г., и Арбери, Уорикшир, того же дня, что и другой готик. здания, возведенные в эпоху позднего архитектура восемнадцатого века, именно сантименты помещают эти работает скорее в категории рококо, чем в каких-либо отношениях с рокайлем. Фактически Английский Gothick разделен на две отдельные категории — «ассоциативные» и «рококо», последняя беззаботная форма украшения, основанная на средневековых прецедентах но достаточно легкомысленный, чтобы стать почти двойником континентального рококо. в его самоотверженности и поверхностности. Уильям Кент (1684-1748), архитектор и декоратор, придумавший собственный словарь готического декора, которые распространились по Англии так же быстро и эффективно, как арабески континентального рококо. Но, помимо этого, рокайль в Англии коснулся только несколько интерьеров, немного качественной мебели, некоторые картины и немного фарфора, в частности изделия Chelsea и Bow. Самый ранний образец рокайля в Англии. было поручено великому французскому дизайнеру Meissonnier герцогом Кингстоном в 1735 году за набор столовой мебели из серебра.Но это был довольно редкий экземпляр и оформление в стиле рококо в основном ограничивалось. гравированному декору на твердых формах, почти полностью не подверженном влиянию стиль. Новые тенденции распространялись преимущественно в моделях. например, «Джентльмен или Строитель» Матиаса Лока или Джонса. Спутник »1739 г., сделавшего доступными детали рококо или квазирококо. каждому мастеру, который мог себе позволить объем. Тот факт, что это были только детали, оторванные от их окружения, составляют часто Грубое качество большей части английской мебели в стиле рококо.так как мастер мог не следует ожидать, что он оценит органический характер стиля с простого фрагменты. Как и в Италии и во Франции, вкус покровителя восемнадцатого века часто расширялся. к Востоку в той или иной форме. с учетом нескольких рококо известные комнаты в Англии, такие как спальня в Nostell Priory, Йоркшир, 1745 г., или, что самое главное. Клейдонский дом в Бакингемшире (около 1768 г.), где ряд комнат украшал некий Лайтфут, о котором Мало что известно.Однако в этих комнатах стиль отнюдь не такой. чистый, как континентальный рококо. Появление декоративно-прикладного искусства в стиле рококо на других английских языках интерьеры загородных и загородных домов, а иногда и высочайшего качества — особенно в холле в Рэгли, в соседнем Хэгли и в клубах штукатурка братьев Франчини. который выполнил много лепных работ в Ирландия, и особенно известны своей работой в Рассборо. Но это привлекательное местное мастерство далеко от непревзойденного, всеобъемлющие схемы континента. Английский стиль рококо Мебель и декоративный Искусство В отличие от французских, английские краснодеревщики обычно не подписывали свои работы, и поэтому известно сравнительно мало мужчин, таких как Джон Линнелл , Джон Кобб , Бенджамин Гудисон и Уильям Вайл , которые, по всей видимости, много работали в новая мода. Имя Chippendale , однако, выдающееся, не только из-за качества его произведений, но и из-за его издание «Джентльмен и директор краснодеревщика» (1754 г.). В своих проектах зеркал и каминных полок, часто приправленный шинуазри, можно увидеть экзотические образцы стиля рококо, каждый не менее дотошный как французские буазери, но предназначены для использования в качестве отдельных элементов и редко как часть единой декоративной схемы. Точно так же продуманный и фантастический резьба в холле Клейдона изолирована в классическом стиле. параметр. Английский рококо Живопись В живописи два английских художника пошли на уступки рококо. — Уильям Хогарт (1697-1764) и Томас Гейнсборо (1727-88).Хогарт категорически против этого типа живописи истории барокко, столь востребованной «любителями» и ввел в свою работу так называемую «линию красоты», которая он объяснил в своем «Анализе красоты» (1753 г.), что была змеевидной линией, скорее похожей на удлиненную букву «S». Это было, конечно, именно форма многих украшений в стиле рококо. Гейнсборо, с другой стороны, начал жизнь художника небольших, неестественных портретов, позже развивающих более утонченный стиль после его переезда в модную баню.Он нарисовал некоторые портреты в стиле рококо, удивительно близкие Буше, их парящие манера письма и перистые пейзажи, ярко-розовый и серебристо-серый оттенки ярко выражены больше рококо, чем любая современная английская живопись. См. Также Регентство светский портретист Thomas Лоуренс . Неоклассицизм охватил Англию после возвращения в страну Роберта Адама. в 1758 году, но даже его целомудренный и эпицентский стиль перекликается с изящным, скрупулезным качество большинства французских декораций в стиле рококо, а его готика — как рококо. как любое украшение того периода в Англии.Швейцарский художник-портретист и исторический художник, Анжелика Кауфманн (1741-1807), которым очень восхищался сэр Джошуа Рейнольдс за ее портреты, работал с Робертом Адамом над рядом его архитектурных украшения. Стиль рококо в Германии — Характеристика В отличие от превосходной сдержанности лучшее французское рококо, Германия предлагает захватывающий дух ассортимент некоторых самой грандиозной и великолепной архитектуры и интерьера в стиле рококо украшение в истории европейского искусства. Немецкая архитектура рококо, Интерьер Дизайн и отделка Этот высокий стандарт качества распространяется от архитектуры к прикладной искусство — мебель, предметы интерьера и фарфор — хотя они редко превосходили те из Франции. Ничто в соперниках Франции, Италии или Англии XVIII века явный избыток таких архитектурных шедевров, как Мельк или Дрезден Цвингер, и только по количеству первоклассных церквей и дворцов Германия легко опережает остальных.Это может быть связано с тем, что мы теперь называемая Германией, в восемнадцатом веке была разделена на несколько различные княжества, царства и епископства, так что определенное соперничество должны были определить создание важнейших зданий — в отличие от Франция или Англия, где неизменно ограничивается небольшим количеством постоянных посетителей. Немецкое рококо можно увидеть, чтобы проследить его истоки к римским церквям периода барокко, таким как Сант Бернини Андреа аль Квиринале, где цвет, свет и сложная скульптура — все это комбинированный.Впервые это видно в Германии в аббатстве. Церковь Вельтенбург, построенная после 1714 года, с срезанным внутри овальным куполом чтобы показать расписанное фресками видение небес наверху. Цвет основной тетивы для лука немецкого рококо — розовый, сиреневый, лимонный, синий — все они были объединены или использованы индивидуально для создания выразительного эффекта, как в Амалиенбурге, недалеко от Мюнхена. Более тяжелые, изогнутые формы В немецком рококо барокко превращается в ритмы стаккато, и один находит влияние крупного памятника барокко, такого как балдахин Бернини в г.Рим Петра, преобразованный Бальтазаром г. Neumann (1687-1753), в кондитерское изделие высшего порядка. алтарь в Vierzehnheiligen, пожалуй, самый сложный и приятный из Немецкие церкви. В то время как формы комнат во Франции в восемнадцатом веке не менялись много, а план церковных построек почти не Немецкие архитекторы в стиле рококо изучали все возможности. Стены не только кажутся качаться, несмотря на их огромные масштабы, но целые участки, кажется, были срезаны так, что огромные потолки, расписанные фресками, полностью доминируют в большинстве этих церквей, кажутся парящими над верующим. Одна из самых интересных особенностей немецкого Архитектура рококо — это очень драматическое место расположения некоторых из самых важные примеры, такие как аббатство Мельк J. Prandtauer , начат в 1702 году. Намеренно поставлен на руководящую должность высоко над Дунай, две большие башни возвышаются над двором перед открытым во внешний мир большой аркой палладианского типа. Такое чувство драма, и для полного вовлечения верующих как внешне, так и внутри, также находится в Эттале, в обратной роли, с монастырем преобладают окружающие горы. Светское строительство также достигло высокого уровня совершенства. Возможно самые сложные примеры можно найти в Мюнхене и его окрестностях, где, как придворный карлик и архитектор, Франсуа Кувилли (1695-1768) был участвует во многих зданиях, пожалуй, самым прекрасным из них является Амалиенбург. Этот небольшой павильон, построенный между 1734 и 1739 годами и названный в честь курфюрста У жены, по словам Хью Хонура, «легкая элегантность и тонкая тонкость».Его мягко покачивающийся фасад, неглубокий руст и необычные фронтоны предвещают один из самых красивых залов Европы — знаменитый Зеркальный зал с его серебряная рокайль на пудрово-синем фоне и сверкающем стекле. На противоположном конце шкалы — театр Cuvillies Residenz в Мюнхене. (1751-53) использует богато позолоченные фигуры и музыкальные инструменты для обрамления весь зрительный зал, ярко контрастирующий с красным штофом и бархатом стен и сидений. Потсдам и Дрезден никогда не создавали такого утонченного стиля рококо, как стиль Мюнхен, но такие здания, как Цвингер (1709-19) от Poppelmann в Дрездене поражают своим масштабом и изобилием декоративных деталей. Эффект такой архитектуры ощущается и в маленьком дворце. Сан-Суси в Потсдаме (1745-51), построенный для Фридриха Большой. Для абсолютного масштаба, роскоши и подавляющего величия деталей, рококо Германии занимает лидирующие позиции в Европе. Подробнее об интерьерах в стиле рококо в России см. работу Бартоломео Растрелли (1700-71). Более поздние варианты рококо Стиль рококо так и не умер в провинциальной Франции. С приход историзма в 1820-е годы, многие мастера сочли его сравнительно легко изготовить целые интерьеры и постройки в стиле «второго рококо» так любимый Луи Филиппом и его королевой, примеры которых можно найти по всему Парижу. Возрождение архитектуры и дизайна рококо пришло в Англию еще в 1828 г. с камерой Ватвилля Ватерлоо в Доме Апсли, интерьеры Ланкастер-хаус и салон Элизабет в замке Бельвуар. Это понравилось естественно для богатых, и Ротшильды украсили несколько дома в этом стиле, даже с подлинными интерьерами 18 века в поместье Уоддесдон в 1880-х годах. Королевское согласие было дано стилю Людвиг Баварский в своем дворце Линдерхоф и Херренкимзее того же период.Это стало общепринятым вкусом в украшении многих новых отели конца девятнадцатого и начала двадцатого веков и ‘Le gout «Ритц» стал синонимом роскоши и элегантности.

ПЕРИОД РОКОКО (ок. 1700 — 1800)

В период истории, предшествовавший Французской революции, период рококо вытеснил эпоху барокко и заменил ее более темные темы сложностями, орнаментом и декором, а работа рококо означает «работа из ракушек».Он сосредоточился на красоте и мотиве. Будучи исключительным периодом искусства для французского двора, он обслуживал только аристократию и был всего лишь еще одним примером того, как буржуазия становилась все более и более отстраненной от людей, поскольку их богатство было выставлено на обозрение через искусство, особенно связанное с правлением Людовика XV. .

Особенности искусства рококо

В период рококо живопись была тонкой и детализированной, что позже подверглось критике, несмотря на замысловатые криволинейные формы и безупречную отделку, в сочетании с богатыми и роскошными тканями и красивым фоном.В каком-то смысле это было полной противоположностью тому, чего пытались достичь художники эпохи барокко. Однако следы живописи в стиле рококо показаны мягкими мазками, отражающими богатство и королевскую власть французского двора.

Ключевые исполнители

Жан-Оноре Фрагонар — пример художника, который рисовал высшее общество французского двора, его самая известная работа — The Swing (Les hasards heureux de l’escarpolette) , написанная в 1767 году с использованием масла на холсте, что сделало его популярным. с аристократами двора.Его фигуры выделяются розовыми щеками, обнаженным телом и «страстными» объятиями, как показано в The Swing. На этой картине показан их образ жизни. Муж толкает девушку на качелях, а ее муж сидит впереди и смотрит ей в юбку.

«Качели» Жан-Оноре Фрагонара, масло , холст, конец 1767.

Уильям Хогарт

Начиная с периода рококо, Уильям Хогарт стал жизненно важным именем для его ключевой теории о «змеиной линии».В книге Уильяма Хогарта «Анализ красоты» 1753 года. В книге он описывает, как исправить искусство можно было бы, остановив «колеблющиеся представления о вкусе». Он утверждал, что Серпантин имеет оптимальную красоту, а наблюдение за природой является «краеугольным камнем художественной практики». Согласно Хогарту, мы должны радовать глаз чувством разнообразия.

Чем закончился период рококо?

Французская революция положила конец французскому правлению Людовика XVI и политическому климату, вокруг которого вращалось искусство рококо.Конец этого правила был вызван восстаниями, которые фактически положили конец французской монархии и поставили Наполеона на место. Этот период искусства был быстро маргинализирован, считался слишком основанным на орнаменте и богатстве, очень простых и сентиментальных темах. Искусство, которое позже станет популярным, будет стилями неоклассицизма и искусства, вышедшего из эпохи Просвещения. Некоторые писатели и критики, такие как Вольтер, также считали период искусства слишком поверхностным и позднее становящимся «дегенеративным».Неоклассицизм заменит искусство рококо во Франции.

«Простота» Жана-Батиста Грёза (ок. 1759 г.).

Дегенеративные качества периода рококо во второй половине 18 века проиллюстрированы на изображении выше, «Простота» Жана-Батиста Грёза, написанном в 1759 году. Тема изображения является чисто сентиментальной и основана на ее эмоциональной ценности. портреты молодой девушки, а не портреты аристократов, таких как мадам де Помпадур ранее того периода.Работа очень мягкая и незамысловатая, не вызывает особого интереса. Самого Греза часто обвиняли в откровенных эмоциях, неестественной и плохой композиции и непривлекательных цветовых схемах и палитрах.

В конечном счете, период истории искусства рококо — это период, который тесно связан с обществом того времени и политическим климатом, напрямую влияя на произведения искусства. Его темы не часто отличаются от предметов богатства, роскоши, статуса, сексуальности и т. Д. — все аспекты французской жизни эксплуатируются при дворе Людовиком XV и самой монархией.Его критика как художественного направления более разнообразна, чем большинство на протяжении всей истории, от искаженного изображения эмоций, отсутствия динамики в предмете, вырождения и общих декоративных качеств, которые позже были отвергнуты после Французской революции в 1789-1799 годах.

барокко | Вики по эстетике | Фэндом

Барокко

Десятилетие происхождения

17-18 века

Основные цвета

Любой цвет, но популярные цвета: темно-фиолетовый, синий индиго, бархатно-красный, изумрудно-зеленый, охристо-желтый, золотой, серебряный, жемчужный, темно-коричневый, черный, белый.

Ключевые значения

Роскошь, величие, чувственность, экстравагантность, суетность, напряжение, жизненная сила, страсть, яркость, декаданс

Связанные бренды

Дольче и Габбана
Везасе

Барокко — это термин, используемый для описания преобладающего стиля европейской архитектуры, музыки и искусства 17-18 веков.

Термин «барокко» произошел от португальского слова barroco , что означает «деформированная жемчужина». Барроко сначала использовался для критики чрезмерно богато украшенной музыки эпохи барокко. Позже он был также применен к искусству, моде и архитектуре того периода, но в конечном итоге потерял свой уничижительный оттенок.

Несмотря на то, что XX и XXI века относительно небольшие, интерес к музыке, искусству и мотивам в стиле барокко возобновился и продолжился. Как известно, коллекция одежды в стиле барокко 2012 года от Dolce and Gabbana подтвердила тонкую, многолетнюю тенденцию: возвращение некоторых из самых узнаваемых узоров и цветов эпохи барокко.

История

Известные художники

• Артемизия Джентилески
• Караваджо
• Рембрандт

Визуальный

Художественное направление в стиле барокко характеризуется мелодраматическими сценками, богатым орнаментом, использованием глубоких цветов, светотени и асимметрии. На картинах чаще всего изображены сцены из Библии или греческой мифологии и портреты знати.

Общие визуальные эффекты включают:

• Цветы
• Религиозные деятели (святые, ангелы, демоны и т. Д.)
• Мифические существа
• Древнегреческие и римские символы
• Небесные тела (планеты, созвездия, солнце / луна и т. Д.)
• Покрашенные потолки
• Свечи
• Инструменты музыкальные
• Memento mori
• Бал-маскарад
• Фонтаны
• Замки
• Большие, величественные церкви
• Изысканные дворцы
• Оперные театры
• Пасторальные сцены (цветочные корзины, пастухи, влюбленные в лесу и т. Д.))
• Банкеты

Мода:

• Массивное украшение с крупными камнями
• крон
• Длинные платья со шлейфом
• Бальные платья
• Кружево
• Ленты
• Плавные накидки
• Пальто и блейзеры с орнаментом и узором
• Украшение из золота с филигранью
• Кисточки
• Отделка парча
• Каблуки с острым носком

Выкройки, ткани и материалы:

• Жаккард
• Дамаск
• Клетчатый
• Toile de Jouy
• Шинуазри
• Флер де лис
• Мрамор
• Фарфор
• шелк
• бархат
• Атлас

Архитектура

В архитектуре период барокко определяется величием: позолоченный орнамент, роскошный декор и простор.Версальский дворец и работы Бернини в Италии служат примером этого стиля.

Музыка

Музыка барокко энергична и экстравагантна, как и ее художественные и архитектурные аналоги. Для него характерны извилистые, витиеватые мелодии, а басовая линия часто служит «биением сердца», которое движет музыку вперед.

Известные композиторы эпохи барокко и некоторые примеры их творчества:

• Иоганн Себастьян Бах
• Антонио Вивальди
• Жан-Батист Люлли
• Джордж Фредерик Гендель
• Арканджело Корелли
• Генри Перселл

Поджанр

Рококо

Рококо , часто называемый поздним барокко, был архитектурным и художественным стилем, развитым во Франции в первой половине восемнадцатого века.Король Франции Людовик XV часто считается ключевым покровителем и сторонником этого движения — весьма вероятная гипотеза, учитывающая необходимость монарху отличаться от короля, который его преследовал: Людовика XIV (ключевого покровителя барокко). стиль). Рококо берет все образы и тенденции искусства барокко и преувеличивает их до тех пор, пока не остается ничего, кроме орнаментов и уловок.

Влияние и вклад ЛГБТ

Информацию о ЛГБТ эпохи барокко см. В статьях Википедии о ЛГБТ 17 и 18 веков.

В последние десятилетия некоторые ЛГБТ приняли эстетику барокко как часть своей сцены или выступления. Певец-новатор Клаус Номи использовал музыку, мотивы и костюмы в стиле барокко в своих выступлениях 1970-х и особенно 1980-х годов. Сейчас певец Prince Poppycock для выступлений носит стилизованные в стиле барокко костюмы. Популярный танцор Карлос Фиттанте специализируется на танцах эпохи барокко и часто выступает в полном костюме; этот танец принес исцеление после того, как его партнер умер во время террористической атаки 11 сентября 2001 года в Нью-Йорке.

Галерея

Ethereal | Вики по эстетике | Фэндом

Эфириал

Десятилетие происхождения

2010–2020 гг.

Основные цвета

Зеленый, розовый, белый и синий

Ключевые значения

Доброта, любовь, умиротворение, сострадание и спокойствие

Ethereal — это эстетика, основанная на чувстве невероятной нежности и легкости, что, кажется, не от мира сего.

Визуальный

Эту эстетику можно охарактеризовать как очень небесную и светлую. В него входят ангелы, ангельские крылья, кружева, цветочные узоры, люстры, соборы, соборные потолки и т. Д.

Филиалы

• Природа
  • Клифсайдс
  • потоков
  • Леса
  • лагуны
  • Пруды
  • Meadows
  • Поля
  • Природные тропы
• Сады
  • Сады заросшие
  • Цветники
• Малые фермы
• Коттеджи
• Блестящая вода
• Мягкий, приятный свет
• Минералы (особенно кварц)
• Замки
• Заросшие дома

Мода

Эфирная мода обычно включает в себя белое кружево, украшения с бриллиантами, прозрачные аксессуары, узоры ангелов, бледные цвета, белый мех, серьги-подвески, плиссированные юбки, белую сетку и т. Д.

Музыка

Эфирная музыка может быть любой музыкой, если вы ей дорожите и чувствуете, что она усиливает ваше тонкое и легкое состояние. Настоятельно рекомендуются эфирные ремиксы на ностальгические песни, такие как «When You Wish Upon a Star», но если вы делаете их частью себя и это помогает вам чувствовать себя «не от мира сего», они могут быть приняты в этой эстетике.

Плейлисты

Spotify

Фильмы

• Золушка (1950)
• Золушка (2015)
• Спящая красавица (1959)
• Малефисента (2014)
• Красавица и чудовище (1992)
• Красавица и чудовище (2017)
• Белоснежка и семь гномов (1938)
• Гордость и предубеждение (2005)
• Тайный сад (1993)
• Сказка: Правдивая история (1997)
• Сказки Беатрикс Поттер (1971)
• Малефисента: Хозяйка зла (2019)
• Casper (1995)

Галерея

Princesscore | Вики по эстетике | Фэндом

Princesscore

Ключевые мотивы

Диадемы, кружево, струящаяся ткань, блеск и блеск, украшения, смех, белые лошади, цветы, книги, выпечка

Основные цвета

Золото, серебро, белый, розовый, голубой

Ключевые значения

Элитарность, вежливость, богатство, презентабельность, женственность, молодость, веселье, оптимизм, доброта

Связанные СМИ

София Первая

Princesscore — это эстетика, основанная на жизни, моде и манерах принцессы.Это о визуальном; быть похожей на принцессу, но также и поведением: быть уравновешенным, образованным и хорошо воспитанным, но, что самое главное, обладать всеми качествами, чтобы править.

Мода

Как и следовало ожидать от эстетики с таким названием, мода Princesscore черпает вдохновение из реальных членов королевской семьи, особенно принцесс и королев, а также вымышленных представлений. В этом стиле очень важны видимость богатства и классовой принадлежности.

Одежда

• Первоначально пришитые и задрапированные куски ткани
  • Дорогие ткани
    • Абака
    • Агава
    • Бирманский, шелковичный или другой шелк
    • Кашемир
    • Хлопок
    • Гуанако
    • Индийская шерсть
    • Белье
    • Шахтуш
    • Шерсть Викунья
• Туники до колен
• Халаты до щиколотки
• Платки
• Халаты в пол
• Легкие струящиеся платья
• Платки
• Корсеты
• Вырез
  • Воротник с высоким костяком
  • Квадратное или круглое
  • V-образный вырез
  • Милая
  • Глубокий и узкий
  • С рюшами
  • С плеча
• С кружевом и / или вышивкой
• Сложные узоры, часто в основных цветах
• Свадебные платья

Аксессуары

• Ножные браслеты
• Браслеты
• Короны и диадемы
• Серьги
• Вентиляторы
• Перчатки
• Ожерелья
• Зонтики
• Кольца
• Богатые масла и парфюмерия
• Искры

Изображения

Атмосфера тесно связана с положением принцессы, поскольку отражает культурные традиции и различные аспекты ее жизни.Кроме того, это задает или отвечает на различные вопросы о ее статусе и неизвестном будущем. В отличие от эстетики Queencore, Princesscore обычно не принимает решений или не вносит изменений во внутреннюю политику или экономику, но изучает это, чтобы однажды они могли это сделать. Стоит отметить, что в зависимости от региона, откуда родом принцесса, набор слов, связанных с позицией, может сильно меняться.

Несмотря на обобщение, некоторые возможные, связанные вещи могут быть:

• Драгоценные металлы и драгоценные камни
• Замки, дворцы и особняки
• Банкетные залы
• Большая лестница
• Престолы и яркие ковры
• Коляски
• Мечи
• Свечи
• Зеркала
• Кубков
• Чай и кофе

Мероприятия

• Написание букв
• Каллиграфия
• Чтение
• Пить чай
• Шахматы
• Daydream
• Глядя на цветы
• Исследуйте необычные места, такие как антикварные магазины, пекарни и книжные магазины
• Игра с животными

Вот список некоторых влиятельных принцесс в истории:

• Амира бинт Эйдан бин Найеф аль-Тавил аль-Отайби
• An Tư
• Анна Комнене
• Ашраф ол-Молук Пехлеви
• Асманю
• Айо Мэри Лоран
• Бендара
• Condrokirono
• Диана Фрэнсис Спенсер
• Деохи Онджу
• Элизабет Олову
• Элизабет Шарлотта фон дер Пфальц
• Фифи Эканем Эджинду
• Хаю
• Ядвига
• Жанна Кентская
• Лалла Абла бинт Тахар
• Мадуретно
• Мандухай Сечен Хатун
• Матильда Чонг
• Палей Наталья Павловна
• Пембаюн
• Рани Лакшми Бай
• Разия ад-Дин
• Сатеник
• Сара Форбс Бонетта Дэвис (Омоба Айна)
• Татьяна Константиновна Романова
• Урдуджа
• Йи Банджа
• Чжу Мэйчуо, принцесса Чанпин

Медиа

Книги

• Королевские дневники серии
• Дневники принцесс из серии Мэг Кэбот
• Сказки о принцессе, серия Гейл Карсон Левин
• Академия принцесс, Шеннон Хейл
• Принцесса-невеста Уильяма Гольдмана

Фильмы

• Белоснежка и семь гномов (1937)
• Золушка (1950)
• Золушка (2015)
• Спящая красавица (1959)
• Русалочка (1989)
• Красавица и чудовище (1991)
• Аладдин (1992)
• Покахонтас (1995)
• Мулан (1998)
• Принцесса и лягушка (2009)
• Запутанная история (2010)
• Смелый (2012)
• Холодное сердце (2013)
• Моана (2016)
• Программа защиты принцесс (2009)
• Барби в образе принцессы и нищего (2004)
• Дневники принцессы (2001) и Дневники принцессы 2: Королевская помолвка (2004)
• Зачарованные (2007)
• Анастасия (1997)
• Ever After (1998)
• Принцесса (2008)
• Принцесса-невеста (1987)
• Римские каникулы (1953)

TV

• Испанская принцесса (2019-2020)
• Белая принцесса (2017)
• София Первая (2012-2018)
• Принцессы (1991)
• Елена Авалорская (2016-2020)

Ресурсы

Статьи

Продавцы

Tiktok

Youtube

Плейлисты

Галерея

Стиль рококо | Макияж в стиле рококо Франция

Косметика

была огромной частью французского рококо, будучи частью «неформальной церемонии» — public toilette , где аристократические женщины укладывали волосы и «красили» лица перед публикой.Макияж был сделан из высокотоксичных материалов, и даже зная об этом, косметика была настолько популярна, что использовалась независимо.

Густая белая краска должна быть нанесена на лица с сильными румянами и ‘ mouches’ (косметические пятна, сделанные из небольших кусочков тафты). На лице было моднее носить косметику, чем иметь естественную бледность.

Двумя основными косметическими средствами, используемыми мужчинами и женщинами, были blanc и rouge .

Белая краска для лица с сильным блеском была нанесена на все лицо и плечи, с румянами на щеках; дамы французского двора наносили широкие мазки румян от уголков глаз по контуру щеки до рта, в то время как буржуа и провинциальная знать наносили небольшие круглые мазки на яблоки щек.

Губы часто краснели от уксуса или дистиллированного спирта, оттенки варьировались, иногда между коралловым, розовым или (немного реже) бордовым.

Глаза часто имели «красноватый цвет» вокруг них, возможно, это было вызвано сильным контрастом между белым макияжем или реакцией на ядовитое содержание свинца в косметике.