Ренессанс в живописи — кратко

В Средние века церковь определяла направления науки и культуры. Человек и его природа считались грешными, основным объектом познания должен был быть Бог, а основной источник мудрости, знаний и вдохновений — Священное Писание. Но в XV столетии появляется новый стиль в культуры, навсегда повернувший ход истории – Ренессанс или Эпоха Возрождения. В этой статье разберемся, какое влияние он оказал на развитие живописи.

Появление Ренессанса и его философия

С XIII века в Европе намечаются тенденции появления новых элементов в культуре. С развитием городов, возникают новые центры культуры, альтернативы церквям и монастырям. Формируется городское самоуправление, а также богатый класс горожан, спонсирующих деятелей культуры. 

Кроме того, с началом упадка Византии греческие книги все чаще вывозятся на Запад, в частности в итальянские города-государства. Итальянские литераторы Данте, Боккаччо и Петрарка начинают переосмыслить средневековые ценности, человек, его чувства и грехи дают авторам основные сюжеты. Появление книгопечатания в середине XV века ускорило популярность античной литературы. Начинается переосмысление античных авторов, человек вновь постепенно становится объектом для исследования. Появляется философия гуманизм: человек, наделенный разумом, объявляет наивысшей ценностью. 

История

В XIII в итальянских городах начинается развитие скульптуры с изображением человека. Авторы словно подражали античным скульпторам. Со временем их идеи перенимали художники. 

В XV веке в Италии начинается период «кватроченто», то есть «четыреста». В новых храмах появляется мода на огромные фрески со сценами из Нового и Старого завета. Тут следует выделить таких авторов как Мазаччо,  Пинтуриккио и Учелло. В 1490 году Леонардо да Винчи создал свою легендарную «Тайную вечерю» в Миланском соборе Санта-Мария делле Грация.

С конца XV столетия начинается эпоха Высокого Возрождения. Это было время творчества Боттичелли, Тициана, Рафаэля Санти, Микеланджело, ну и конечно же Леонардо да Винчи. Портретная живопись также окончательно входит в моду, яркий пример — «Мона Лиза». 

В XVI веке идеи Ренессанса проникают за пределы Италии, начинается «Северное возрождение». Самыми яркими представителями этого направления считаются Альбрехт Дюрер и Ганс Гольбейн.

Характеристика живописи

В Средние века живопись была представлена иконографией и книжными миниатюрами, где прослеживается непропорциональность элементов (особенно человеческих тел), а также условный характер изображения. Смысл и образ были важнее эстетического наполнения. 

Во Флоренции, Риме, Венеции и других городах Италии художники начали заново открывать для себя красоту старины. На картинах вновь стал изображаться человек, стали рисовать даже библейских персонажей (например, Мазаччо — «Изгнание из рая»), что раньше считалось татуированной темой. Мифологические темы также стали очень популярными (например, «Афинская школа» Рафаэля). В Италии развилась портретная живопись и был создан прототип пейзажа, популярного в позднем голландском искусстве барокко.

Существенным нововведением стало изобретение сходящейся геометрической, линейной и воздушной перспективы. Портреты стали писаться на фоне пейзажей, что подтверждает сильный поворот ренессансной живописи к природе. Было введено сфумато, свет на картинах стал слегка туманный, активно начали использовать светотень.

Художники эпохи Возрождения опирались на три важных принципа. Первым было возобновление интереса к древности и систематическому изучению античного искусства, вторым было сосредоточение внимания на человеке (гуманизм), а третьим — открытие и освоение принципов линейной перспективы. Благодаря этим трем принципам в западном искусстве произошла настоящая революция. Источником вдохновения для художников эпохи Возрождения была, с одной стороны, природа, за которой они терпеливо наблюдали, а с другой — античное искусство, усердно изучавшееся в этот период во всех мастерских художников, скульпторов и архитекторов.

Эпоха Возрождения начала новую эру не только в живописи, но и в целом истории. Человек перестал быть греховным. Человек, а не Бог стали в центре познания. Именно это положило конец Средневековью.  

 

Как техники живописи эпохи Ренессанса могут улучшить дизайн вашего интерфейса

Когда вы видите вдохновение, что именно вы ищете? Технику, цветовую палитру или конкретную форму?

Как дизайнер, я каждый день стараюсь выкроить время на поиск вдохновения. И когда я наблюдаю за тем, что меня вдохновляет, я пытаюсь уловить суть концепции или метода, лежащих в его основе, и думаю о том, как применить это в своем дизайне. Я считаю, что лучший способ идти в будущее – это смотреть в прошлое, и именно так в эпохе раннего итальянского возрождения я обнаружил отличные приемы применимые к стилю моей иллюстрации и разработки пользовательского интерфейса. Это четыре известных техники живописи, которые характеризуют раннее современное итальянское искусство, так называемые «четыре канонические техники рисования эпохи Возрождения». Их называют сфумато (sfumato), унионе (unione), кьяроскуро (chiaroscuro) и кангьянте (cangiante).

Сфумато

Сфумато – это живописная техника, в которой цвета смешиваются вместе. Это создает изображение, лишенное линий или краев вокруг фигур, создавая мягкий эффект размытия. Слева: Рождение Венеры (1485) кисти Боттичелли; справа: Мона Лиза (1503) Леонардо да Винчи Классический пример для понимания этого приема – сравнение двух великих картин Боттичелли и Леонардо да Винчи. Боттичелли не использует сфумато. На изображении присутствуют тонкие контуры, но мы можем ясно видеть черный контур, определяющий подбородок Венеры. Напротив, Леонардо использует сфумато, чтобы создать естественную градацию теней для своей Мона Лизы. Леонардо был увлеченным наблюдателем природы и хотел воссоздать то, как мы воспринимаем мир. Мы не видим контуров вокруг предметов или людей. Поэтому Леонардо использует технику сфумато, чтобы представить мир так, как его видят наши глаза. Если говорить о мире цифровых продуктов, то философия, которой мы придерживаемся в отделе дизайна фирмы Chama, заключается в том, что мы не вносим изменений в дизайн, мы улучшаем его.

Это означает, что мы не начинаем с нуля, когда хотим создать что-то новое. Мы улучшаем то, что уже существует. Мы начинаем с того, что имеем, и добавляем исследования и знания, чтобы выбрать путь, по которому идти. Именно так я представил концепцию сфумато для улучшения наших иллюстраций и дизайна. Я начал использовать ее на персонаже, который хорошо известен нашим пользователям по имени Chamoso. Он является ключом к общению с потребителями в нашем интерфейсе, и, естественно, мы прежде всего, сосредоточили свое внимание на создании новой версии этого «парня». Слева: старая версия Chamoso; Справа: новый Chamoso Обратите внимание, что форма Chamoso одинакова в обеих версиях. Но, как и при сравнении Боттичелли и Да Винчи, я сначала отбросил контуры вокруг объекта. Несмотря на то, что я использовал плоский стиль, я применил оттенки, которые делают форму единой. Это также относится к элементам интерфейса. Хороший пример – карточка. Очень часто можно увидеть карточку в обычном состоянии с ненужными контурами или тенями. Это не передает никаких сообщений и является дополнительной информацией в области, которая уже содержит много информации. Используя контрастный фон в качестве элемента разделения карточек, мы опускаем визуальную информацию, чтобы привлечь внимание к актуальной информации. Мы можем использовать тени и контуры для определения некоторых состояний пользовательского интерфейса.

Унионе

Второй прием называется унионе и очень похож на сфумато. Фактически, это ответ Рафаэля на сфумато Леонардо. Унионе также пытается создать медленную цветовую градацию, но в отличие от сфумато, использует яркие и более насыщенные цвета. Вы можете увидеть это ниже на картине Рафаэля. Как и Леонардо, Рафаэль не использует контуры, но в отличие от Леонардо, Рафаэль использует яркие цвета. Слева: Мона Лиза (1503) кисти Леонардо да Винчи; справа: Святая Екатерина Александрийская (1508) кисти Рафаэля Посмотрите на цвета каждой картины в отдельности и проверьте, насколько цветовая палитра Рафаэля насыщеннее, чем у да Винчи Я использовал эту концепцию (правда не с такими яркими цветами, как в картинах Рафаэля), чтобы создать более унифицированный дизайн интерфейса, используя немного синей насыщенности в градации цветов.

Из-за этой насыщенности изображения становятся более последовательными, и я также воспользовался возможностью, чтобы использовать цвета бренда во всей композиции. Чтобы сделать это, я взял оттенки серого, которые составляли мою иллюстрацию, и насыщал их синим. Правая сторона с синей насыщенностью Я также создал эффект тумана, используя твердые формы. Это очень сложная деталь, которая сразу дала потрясающий результат, но она проявится еще сильнее, когда вы примените эту концепцию ко всей композиции. Чтобы объяснить наше композиционное мышление, мне сначала нужно объяснить трехслойную концепцию: Мне действительно нравится использовать эту концепцию, в которой интерфейс представляет собой трехмерную среду. Она основана на концепции повышения Google Material Design. Кроме того, используя 2D-элементы и плоский стиль, вы должны рассматривать интерфейс, как трехмерную среду, таким образом, вы можете определить 3 слоя, один из которых имеет функцию, полезную для других. Первый слой – фон, и его основной функцией является выделение следующих слоев, как правило, путем использования цветов и форм, которые контрастируют с элементами второго слоя. Второй слой – проводник к третьему. Обычно именно контент определяет решение, которое будет принимать пользователь. И последний, третий слой, определяет взаимодействие и изменение или завершение сценария. Обычно это слой действий или слой, который будет подсвечивать информацию для пользователя, чтобы определить действие, которое он предпримет. 3 слоя – это тема для отдельной статьи, но дело в том, что, если вы внимательно посмотрите на окружающие нас интерфейсы, вы сможете легко определить эту концепцию. Это свидетельствует о высоком качестве информационной архитектуры и иерархии элементов. Но этот простой способ идентифицировать их – это то, что беспокоит меня, потому что, даже если слои связаны, у композиции нет единства. По этой причине я почти не использовал в композиции чистый черный и белый цвета. Поскольку композиция имеет вариацию синего цвета, абсолютный белый выглядит как ледяной цвет из-за дополнительной иллюзии.

Поэтому я использую в своей композиции синий, как основной цвет и его оттенки. Белый, черный и оттенки серого смешиваются с небольшим количеством синего, так что слои в моей композиции соединяются и становятся частью целого.

Кьяроскуро

Это одна из моих любимых техник и та, которая удивила меня больше всего, когда я увидел перед собой картину. Кьяроскуро – это техника, в которой художник создает высокий контраст между светом и тьмой. Ночной дозор (1642) Рембрандт Картина с использованием техники кьяроскуро имеет глубокие темные тени и яркие блики рядом друг с другом. Кьяроскуро создает драматический эффект, который иногда выглядит так, как будто на фигуру проецируется прожектор, а также делает фигуру более объемной. Эта техника широко использовалась в эпоху Возрождения и Барокко. Караваджо станет известен благодаря использованию еще более драматического подхода к кьяроскуро, называемого тенебросо. Это тип кьяроскуро, который создает более интенсивный контраст света и тьмы.

Христос у колонны (1607) Караваджо Очень впечатляет то, что этот режим обладает способностью направлять наш взгляд на информацию. Темный фон – это элемент, привлекающий внимание и создающий контраст для контента, который поможет вам получить доступ к информации.

«На самом деле этот интенсивный контраст является рассказчиком истории, находящейся за пределами полотна».

Может быть, когда вы увидели первую версию персонажа Chamoso, когда я говорил о технике сфумато, вы подумали, что его тело было чистого цвета для чистоты, а не для заметности. Это потому, что я использовал технику кьяроскуро. Это очень важно, потому что я создал глубокий контраст, и он защищает слой (который я назвал информационным) для более четкой передачи информации.

Слой за слоем

Все еще используя концепцию трех слоев, первый слой является фоном. Он должен быть привлекательным, чтобы удерживать внимание пользователя. Второй слой создает пространство для четкого отображения информации. В дизайне это называется негативным пространством или пробелом, и в этом случае тело персонажа является пробелом. Оно не только определяет границы объектов, но и создает необходимые связи между ними в соответствии с принципами гештальт психологии и создает эффективную визуальную производительность. Что касается последнего слоя, я смогу объяснить это лучше, рассказав о последней канонической технике рисования.

Кангьянте

Техника кангьянте характеризуется изменением оттенка или цвета, чтобы изобразить тени и блики. Фрески Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы являются отличным примером этой техники. Пророк Даниил — Сикстинская капелла (приблизательно1508–1512) кисти Микеланджело Посмотрите на одежду пророка Даниила. Вы можете видеть, что заштрихованная часть одежды окрашена в зеленый цвет, но выделенная часть – желтая. Я использовал оттенки синего во всех иллюстрациях в композиции первого слоя (фон) и второго слоя (контент). Но я использовал другой цвет в третьем слое, потому что это информационный слой. Я подготовил поле для работы над этим последним слоем. Это важно, потому что я могу использовать его во многих ситуациях, чтобы информировать и создавать связь с пользователями. Вот так появились на свет эти ребята, пожалуйста, поприветствуйте отряд Chamoso: Я также использовал эту концепцию в интерфейсе. В карточках, которые я показывал вам ранее, ETA (расчетное время прибытия) и статус доставки являются основной информацией, которую пользователь должен знать, чтобы принять решение. Вот несколько примеров финальной иллюстрации и дизайна интерфейса: Если вы хотите увидеть больше, проверьте наш Dribble Как видите, канонические техники эпохи Ренессанса включают не процесс творения, а процесс эволюции. Сфумато – это принцип «больше значит меньше». Унионе касается последовательности и согласованности. Кьяроскуро – негативного пространства. А кангьянте касается эффективного использовании противоположных цветов.

Настойчивый поиск этих приёмов в процессе проектирования – это то, что заставит ваш дизайн вызвать у ваших пользователей эмоции. Так же, как Дитер Рамс был вдохновителем для Джони Айва, великие живописцы прошлого могут вдохновить ваш дизайн. Секрет в том, что, когда вы смотрите на источник вдохновения, придерживаетесь не просто техники, а чистой концепции, лежащей в его основе. Спасибо за прочтение

---

Перевод статьи Lincoln Soares

Софонисба Ангвиссола | Биография, картины, искусство, автопортрет и факты

Sofonisba Anguissola

Смотреть все медиа

Год рождения:

около 1532 г. Кремона Италия

Умер:

ноябрь 1625 г. Палермо Италия

Механизм/стиль:

Искусство эпохи Возрождения Ренессанс

Просмотреть весь связанный контент →

Sofonisba Anguissola (род. ок. 1532, Кремона [Италия] — умерла в ноябре 1625, Палермо), художница позднего Возрождения, наиболее известная своими портретами. Она была одной из первых известных художниц и одной из первых художниц, завоевавших международную репутацию. Среди женщин-художников она отличалась тем, что ее отец был дворянином, а не художником.

Старшая из семи братьев и сестер — шести девочек и одного мальчика — Ангвиссола родилась в богатой семье. Ее отец, Амилькаре Ангвиссола, руководствовался словами Бальдассаре Кастильоне в 9 г.0031 Il cortegiano ( Придворный ), не в последнюю очередь в его соображениях относительно надлежащего образования молодой женщины. В 1546 году Софонисба и Елена, его вторая дочь, были отправлены на пансион в дом Бернардино Кампи, известного местного художника. Они оставались под руководством Кампи в течение трех лет, пока он не переехал из Кремоны в Милан. Софонисба продолжила обучение у Бернардино Гатти, благодаря которому она по достоинству оценила работу Корреджо. В этот период своей жизни, благодаря влиянию отца, она также получила поддержку от Микеланджело, скопировав рисунок, который он прислал ей, и отправив его ему для оценки. Начав зарабатывать на жизнь, Софонисба также научила рисовать своих сестер Люсию, Европу и Анну-Марию. Около 30 ее картин этого периода, в том числе множество автопортретов и знаменитые Лючия, Минерва и Европа Ангвиссола, играющие в шахматы (1555), дожили до 21 века.

Викторина «Британника»

Сможете ли вы сопоставить эти малоизвестные картины с их художниками?

Слава Ангвиссолы распространилась, и в 1559 году она была приглашена в Мадрид, ко двору Филиппа II, где, помимо написания портретов, была служанкой инфанты Изабеллы Клары Евгении (впоследствии эрцгерцогини Австрийской) и дамой- в ожидании третьей жены Филиппа, Елизаветы Валуа. Большинство картин Ангвиссолы этого периода больше не сохранились, так как они сгорели в костре при дворе в 17 веке. Около 1571 года, еще в Мадриде и с приданым, предоставленным королем, она вышла замуж за сицилийца Фабрицио де Монкада. Хотя когда-то считалось, что она поселилась с ним на Сицилии, недавние исследования предполагают, что она могла остаться в Испании после замужества. Она овдовела около 1579 г..

На борту корабля, направлявшегося в Кремону в конце 1579 года, Ангвиссола встретила капитана, генуэзского дворянина по имени Орацио Ломеллино, и в январе 1580 года вышла за него замуж. Известно, что с 1584 по 1616–1620 годы пара жила в Генуе. В этот более поздний период на нее повлияли работы генуэзского художника Луки Камбьязо. Ее работы, как и работы многих ранних художников-женщин, часто приписывались художникам-мужчинам того периода — в случае Ангвиссолы, таким разным художникам, как Тициан, Леонардо да Винчи, Джованни Баттиста Морони, Алонсо Санчес Коэльо и Франсиско де Сурбаран. Ближе к концу ее жизни, 12 июля 1624 года, ее посетил молодой фламандский художник Антонис ван Дейк, который записал ему ее совет и зарисовал пожилого художника в своей записной книжке.

Несомненно, Ангвиссола был одним из самых выдающихся художников позднего Возрождения. Не кто иной, как Джорджо Вазари, комментатор, видевший ее работы в доме ее отца в 1566 г., отметил в своих « Жизнеописаниях наиболее выдающихся живописцев, скульпторов и зодчих », что она работала с более глубоким изучением и большим изяществом, чем кто-либо другой. женщина нашего времени в проблемах дизайна, ибо она не только научилась рисовать, рисовать и копировать с натуры и наиболее искусно воспроизводить произведения других художников, но и сама написала несколько редчайших и прекраснейших картин.

Кэтлин Койпер

Джентиле Беллини | Итальянский художник

Чудо Истинного Креста на мосту Сан-Лоренцо

Смотреть все медиа

Дата рождения:

около 1429 г. Венеция Италия

Похоронен:

23 февраля 1507 г. Италия

Известные работы:

«Чудо Истинного Креста на мосту Сан-Лоренцо» «Портрет Мухаммеда II» «Сидящий писец» «Св. Марк проповедует в Александрии».

Механизм/стиль:

Искусство эпохи Возрождения Венецианская школа Ренессанс

Известные члены семьи:

отец Якопо Беллини брат Джованни Беллини

Посмотреть все связанные материалы →

Джентиле Беллини , (род. ок. 1429, Венеция [Италия] — похоронен 23 февраля 1507, Венеция), итальянский художник, член семьи основателей венецианской школы живописи эпохи Возрождения , наиболее известный своими портретами и сценами из Венеции.

Джентиле обучался у своего отца, Якопо Беллини, художника, который привнес в Венецию идеи и мотивы эпохи Возрождения. В начале карьеры Джентиле он работал со своим отцом и братом Джованни, и влияние Якопо можно увидеть в ранней Мадонне Джентиле . Как независимый художник, Джентиле заключил контракт с офицерами школы Сан-Марко в 1466 году, чтобы они украсили двери корпуса их органа. Эти картины изображают четырех святых, колоссальных размеров и выполненных с суровой строгостью и смелой перспективой, которые характеризовали стиль его зятя Андреа Мантенья, в то время самого выдающегося художника падуанской школы. То же влияние можно увидеть и в 9-й книге Джентиле.0031 Знамя блаженного Лоренцо Джустиниани (1465 г.) с острыми резными очертаниями и жесткой драпировкой. В 1474 году Джентиле получил заказ на выполнение серии картин для комнаты во Дворце дожей в Венеции.

Викторина «Британника»

Окончательная викторина по искусству

В 1479 году дож («герцог») Венеции отправил его в Константинополь в качестве живописца ко двору султана Мехмеда II. Самая важная из сохранившихся работ, написанных Джентиле, — это Портрет Мухаммеда II ( ок. 1480), мастерская характеристика проницательного, образованного правителя. В своем рисунке пером и гуашью Сидящий писец (1479–1480) Джентиле использует стиль плоского узора, аналогичный стилю турецких миниатюр, который повлиял на такие более поздние работы, как его Портрет дожа Джованни Мочениго (1478–1485). .

Среди самых известных работ Джентиле — сцены Венеции, написанные для школы Сан-Джованни-Евангелиста, одного из многочисленных религиозных братств города. Эти произведения посвящены эпизодам, связанным с реликвией Святого Креста, принадлежавшей школе.