Ренессанс картина: Картина настенная интерьерная на натуральном холсте «Неоновый ренессанс», 50х70 см

Содержание

Картины эпохи возрождения ренессанс | Живопись в стиле ренесанс

Картины в манере Ренессанса

Не всякий человек является поклонником творчества современных художников и даже тех живописцев, которые жили и творили веком-двумя ранее. Многих людей гораздо сильнее привлекают более ранние стили изобразительного искусства. Среди них особое место занимают картины художников эпохи Возрождения, или Ренессанса. И это неудивительно. Произведения, создававшиеся в те времена, считаются вершиной мирового наследия, критики, историки и знатоки признают их лучшим, что способен сотворить человек.

 

По всем интересующим Вас вопросам обращайтесь по телефону: +7 (812) 309-28-38

 

 

Небольшой экскурс в историю

Ренессанс как стиль не только в живописи, но также в литературе, архитектуре и скульптуре пришел на смену готике в XIV веке. Основоположником его стал итальянский мастер Джотто. Именно он начал писать иконы в совершенно новом для того времени духе.

Так, на место двухмерного пространства пришло трехмерное, сами же изображенные на полотнах персонажи начали «испытывать эмоции». Строгая, не допускающая отклонений от канона средневековая живопись стала более живой, обрела наиболее человеческий образ. Расширился список освещаемых тем. Если раньше превалировали сцены, изображающие Страшный суд, муки, которые ждут грешников, и прочие мрачные события, то уже при Джотто начали появляться новые мотивы — например, значимые эпизоды из жизнеописания Христа.

То был Проторенессанс, предшественник начавшего зарождаться течения, сама же эпоха Возрождения наступила чуть позже — в XV веке, а своей наивысшей точки достигла к концу этого столетия. Тогда на мировую художественную сцену вышли такие мэтры, как Сандро Боттичелли, а чуть позже еще более известные живописцы — Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Тициан. Творения этих гениев эпохи Возрождения настолько знамениты, что видеть их мы можем практически повсюду — на страницах учебников и энциклопедий, картинках в Интернете и, конечно, в известнейших музеях мира.

Несмотря на то что живопись Ренессанса продолжает концентрироваться на религиозной тематике, все чаще она обращает внимание и на обычных людей. Художники активно интересуются мифическими сюжетами, воспевают великолепие человеческого тела. Джорджоне, например, прославился благодаря своим полотнам с обнаженной женской натурой. В эпоху же позднего Возрождения широкое распространение получила портретная живопись — картины, изображавшие знатных людей, представителей аристократии, королей.

География течения

Из Италии Ренессанс распространился по всей Европе, в новой для себя манере начали творить французские, английские, германские живописцы. В каждой новой стране он обретал уникальные черты. Во многом благодаря этому стилю изобразительное искусство начало развиваться в принципиально новом для себя направлении. Позже несколько гиперболизированные идеи Возрождения найдут себя в барокко и маньеризме, которые придут ему на смену веком позже.

Где полюбоваться на живопись Ренессанса и совершить покупку?

Сегодня вам не нужно ехать в Лувр или Галерею Боргезе, чтобы насладиться творениями известных живописцев эпохи Возрождения. В арт-пространстве «Мансарда Художников» вы всегда сможете найти качественные копии работ мастеров того времени. Более того, данные произведения удастся купить по самой выгодной цене — такую возможность мы предоставляем каждому, кто решит заглянуть к нам в дом 10 на Большой Пушкарской улице в Санкт-Петербурге. Совершить покупку можно и прямо на нашей сайте.

С «Мансардой Художников» высокое искусство не просто станет ближе — оно прочно войдет в вашу жизнь!

 

7 ПРИЧИН купить у нас:

 

1. Акции до 35%

2. Более 7000 произведений

3. Регулярное пополнение картин

4. Удобное местоположение

5. Своя Багетная мастерская

6. Реставрация картин

7. Возможность взять картину на примерку

 

Картины эпохи Возрождения и их авторы: самые известные полотна

«Весна» Сандро Боттичелли: Flickr

Эпоха Ренессанса подарила миру много громких имен. Да Винчи, Микеланджело, Рафаэль и другие художники оставили потомкам истинные шедевры изобразительного искусства, которыми люди восхищаются до сих пор. Расскажем о десяти самых выдающихся.

Какие картины эпохи Возрождения самые известные? Символами Ренессанса считаются полотна Леонардо да Винчи «Мона Лиза», «Тайная вечеря», «Рождение Венеры» Боттичелли, «Сикстинская мадонна» Рафаэля, «Сотворение Адама» Микеланджело, «Вознесение Марии» Тициана, «Сад земных наслаждений» Босха, «Похищение дочерей Левкиппа» Рубенса, «Поцелуй Иуды» Джотто и Караваджо и многие другие.

«Мона Лиза» Леонардо да Винчи

Загадочная «Мона Лиза» — самая знаменитая картина эпохи Ренессанса. Считается, что моделью для Леонардо была Лиза Герардини — супруга флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо, который восхищался работами художников своего времени и мечтал о портрете возлюбленной. Отсюда и другое название полотна — «Джоконда».

«Мона Лиза» Леонардо да Винчи: Wikipedia/Louvre

В чем уникальность картины «Мона Лиза» да Винчи? Искусствовед и историк Алексей Дживелегов писал, что для автора этот труд был особенным. Он годами работал над портретом и отзывался о нем с особой страстью. Из-за этого существует предположение, что да Винчи был тайно влюблен в эту женщину.

Впрочем, художник мог очень гордиться данной работой. Искусствовед Михаил Алпатов отмечал, что картина наделена превосходной композицией и игрой светотени. Сегодня «Мона Лиза», созданная в начале XVI века, хранится в парижском Лувре под стеклянным колпаком.

«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи

«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи: Wikipedia/Santa Maria delle Grazie

Монументальная роспись да Винчи, получившая название «Тайная вечеря», украсила торцевую стену трапезной доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие (Милан, Италия) еще в конце XV столетия. На ней изображена последняя трапеза Иисуса Христа с апостолами.

Чем интересна «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи? Согласно сюжету полотна, Иисус делится с учениками пророческими словами о том, что один из них предаст его. Да Винчи проявил себя тонким психологом и показал реакцию каждого апостола, исходя из документальных сведений о его характере. Тем временем сам Иисус тянется к вину и хлебу, которые впоследствии стали главными символами христианского таинства евхаристии.

«Рождение Венеры» Сандро Боттичелли

«Рождение Венеры» Боттичелли: Wikipedia/Uffizi

В чем особенность картины «Рождение Венеры»? Полотно итальянского живописца Боттичелли иллюстрирует миф о рождении богини Венеры, согласно которому она появилась из морской пены. В левой части картины — боги весны, подгоняющие раковину Венеры к берегу, где ее встречает одна из граций (богинь радости).

При создании картины автор вдохновлялся античными скульптурами. Сегодня работа хранится в галерее Уффици (Флоренция).

«Сикстинская мадонна» Рафаэля Санти

«Сикстинская мадонна» Рафаэля: Wikipedia/Gemäldegalerie Alter Meister

Эта работа итальянского художника принята за образец живописной школы Ренессанса. С 1754 года труд хранится в Галерее старых мастеров в Дрездене, где часто останавливалась русская интеллигенция. Поэтому, отмечает историк искусств Кира Долинина, упоминание картины можно встретить в произведениях Жуковского, Фета, Достоевского.

Чем интересна «Сикстинская мадонна» Рафаэля? Работа выполнена на холсте, а не на доске, как это было принято в начале XVI века. Скорее всего, это обусловлено немалым размером картины — 265х196. На ней изображена Мадонна с младенцем в окружении папы Сикста II и святой Варвары. «Божественность» картины контрастирует с нарочито обыкновенным карнизом. Эта тщательно прописанная деталь и скрытая в ней загадка обсуждаются по сей день.

«Сотворение Адама» Микеланджело Буонарроти

«Сотворение Адама» Микеланджело Буонарроти: Wikipedia/Sistine Chapel

Данная фреска — четвертая из девяти композиций, украшающих потолок Сикстинской капеллы. Каждая из них посвящена одному из девяти сюжетов книги Бытия. Чем особенна работа «Сотворение Адама» Микеланджело? В картине автор обыгрывает слова Библии: «И сотворил Бог человека по образу своему». Внимание сконцентрировано на жесте: Бог в белых одеждах протягивает руку Адаму, лежащему на скале, будто вдыхая в него жизнь.

«Сад земных наслаждений» Иеронима Босха

«Сад земных наслаждений» Иероним Босх: Wikipedia/Museo del Prado

Триптих «Сад земных наслаждений» — самая известная работа нидерландского художника. Автор посвятил ее греху сладострастия.

Чем удивительна картина Иеронима Босха «Сад земных наслаждений»? Работа состоит из трех частей:

  • Левая изображает безмятежный рай, Бога и Адама с Евой.
  • Центральная часть — олицетворение жизни человека. В ней через множество деталей передан человеческий опыт от рождения до загробной жизни.
  • Справа видим подобие ада с его жуткими пыточными машинами и мрачным пейзажем.

«Вознесение Марии» Тициана Вечеллио

«Вознесение Марии» Тициан: Wikipedia/Santa Maria Gloriosa dei Frari

Чем знаменита картина «Вознесение Марии» Тициана Вечеллио? «Ассунта» (оригинальное название работы) украсила главный алтарь венецианского собора Санта-Мария Глориоза деи Фрари.

Масштабы картины (6,9 м на 3,6 м) поражают воображение. Она состоит из трех уровней:

  • Внизу — апостолы, с надеждой взирающие в небеса.
  • В центре композиции — Дева Мария.
  • Сверху — Бог-Отец с приготовленной для Марии короной.

Любопытно, что Тициан не хотел браться за эту работу. Ему практически насильно вручили аванс за нее. Однако именно «Ассунта» принесла ему мгновенную славу.

«Поцелуй Иуды» («Взятие Христа под стражу») Джотто ди Бондоне

«Поцелуй Иуды» Джотто ди Бондоне: Wikipedia/Scrovegni Chapel

В отличие от названных выше работ, эта фреска была создана на несколько столетий раньше — в 1306 году. Чем особенна работа «Поцелуй Иуды» Джотто ди Бондоне? От других картин начала XIV века ее отличает невероятный драматизм. Автор изобразил момент предательства Иуды, наделив персонажей картины узнаваемыми чертами и характерами:

  • спокойный и прекрасный Иисус;
  • неприятный и подлый Иуда;
  • суровые стражники, готовые схватить того, кого поцелует апостол-предатель.

Этот подход в изображении библейских сюжетов стал новаторским и обеспечил автору признание.

«Поцелуй Иуды» («Взятие Христа под стражу») Микеланджело Караваджо

«Поцелуй Иуды» Караваджо: Wikipedia/National Gallery of Ireland

Свой взгляд на знаменитый библейский мотив спустя почти 300 лет после Джотто предложил другой итальянский художник. Чем интересна работа «Поцелуй Иуды» Микеланджело Караваджо? Автор отошел от классической ренессансной манеры в живописи:

  • его герои не статичны;
  • выражения лиц не передают внутренних переживаний;
  • палитра более мрачная.

Оригинал картины находится в Дублине (Ирландия), а ее точная копия — в Одессе (Украина). Любопытно, что именно «одесская версия» долгое время считалась оригиналом. В 2008-м она была похищена, разразился скандал, но спустя два года картину нашли и вернули.

«Похищение дочерей Левкиппа» Питера Рубенса

«Похищение дочерей Левкиппа» Рубенса: Wikipedia/Alte Pinakothek

Питера Пауля Рубенса называют певцом человеческого тела, и данная картина объясняет почему. В чем особенность работы «Похищение дочерей Левкиппа» Рубенса? За основу автор взял сюжет древнегреческого мифа. Согласно ему, братья Диоскуры похищают беззащитных женщин, тщетно просящих помощи у богов. Такой драматичный мотив в работе художника обрел легкую и эстетичную трактовку, которая определяет его уникальный стиль.

Эпоха Возрождения подарила миру шедевры, которые можно до бесконечности изучать и находить скрытые смыслы. Те, что сохранились до наших времен, тщательно оберегаются для следующих поколений.

Оригинал статьи: https://www.nur.kz/family/school/1784058-kartiny-epohi-vozrozdenia-i-ih-avtory/

Ренессанс по-итальянски: как Тициан, Тинторетто и Веронезе поделили Венецию

https://ria.ru/20170609/1496196157.html

Ренессанс по-итальянски: как Тициан, Тинторетто и Веронезе поделили Венецию

Ренессанс по-итальянски: как Тициан, Тинторетто и Веронезе поделили Венецию — РИА Новости, 09.06.2017

Ренессанс по-итальянски: как Тициан, Тинторетто и Веронезе поделили Венецию

В Государственном музее изобразительных искусств имени А. С. Пушкина открывается главная летняя выставка — «Венеция Ренессанса. Тициан, Тинторетто, Веронезе. Из РИА Новости, 09.06.2017

2017-06-09T14:30

2017-06-09T14:30

2017-06-09T14:33

/html/head/meta[@name=’og:title’]/@content

/html/head/meta[@name=’og:description’]/@content

https://cdnn21.img.ria.ru/images/149611/70/1496117068_0:161:3069:1887_1920x0_80_0_0_30f228b5b1f62f15de57d40e9c713d72.jpg

москва

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

2017

Анна Михайлова

https://cdnn21.img.ria.ru/images/136183/58/1361835896_0:151:640:791_100x100_80_0_0_a43be02189bd7349159a284e2423353c.jpg

Анна Михайлова

https://cdnn21.img.ria.ru/images/136183/58/1361835896_0:151:640:791_100x100_80_0_0_a43be02189bd7349159a284e2423353c.jpg

Новости

ru-RU

https://ria.ru/docs/about/copyright.html

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og. xn--p1ai/awards/

https://cdnn21.img.ria.ru/images/149611/70/1496117068_170:0:2901:2048_1920x0_80_0_0_8147f9c9ef2fef32accfccb44a5d3400.jpg

РИА Новости

[email protected]

7 495 645-6601

ФГУП МИА «Россия сегодня»

https://xn--c1acbl2abdlkab1og.xn--p1ai/awards/

Анна Михайлова

https://cdnn21.img.ria.ru/images/136183/58/1361835896_0:151:640:791_100x100_80_0_0_a43be02189bd7349159a284e2423353c.jpg

авторы, москва, паоло веронезе, вечеллио тициан, государственный музей изобразительных искусств имени а. с. пушкина

«Лоренцо Лотто. Ренессанс в провинции Марке»: В Пушкинский музей привезли десять картин итальянского мастера

В Пушкинском музее все выставки представляют торжественно, все картины называют шедеврами. Здесь к искусству относятся с пиететом, а Лоренцо Лотто – мастер, достойный восхищения, хотя не все картины на выставке об этом свидетельствуют. Представлять его как недооцененного гения сегодня странно, из исторического забытья он был извлечен больше ста лет назад и с тех пор занимает среди художников итальянского Возрождения не первое и не пятое, но почетное место.

Эмблема выставки – изображение ангела из Городской пинакотеки города Йези. Златовласое существо в развевающихся голубых одеждах исключительно симпатично и воздушно. Кроме того, кажется хорошо знакомым. Очевидно, что тот же ангел, точнее, архангел Гавриил изображен на одной из самых знаменитых картин Лотто – «Благовещение» 1527 года, но там он коленопреклоненный и с поднятой рукой.

В книге «Особенно Ломбардия» Аркадий Ипполитов, описывая эту картину, замечает, что ангел остановился внезапно и растерян, поэтому похож на пропеллер и свастику. На привезенной к нам картине одинокий ангел спокоен, нежно держит в руках лилию, больше похож на звезду балета, вышедшую на поклон.

К сожалению, Городская пинакотека города Реканати на выставку знаменитое «Благовещение» с испуганной Марией и возмущенной черной кошкой не прислала, а выдала только маленького «Св. Иакова странника», мало чем, кроме алого плаща, примечательного.

Зато две картины с красавицей святой Екатериной из Академии Каррара в Бергамо вполне знамениты и представляют характерные для художника свойства – очень четкий рисунок, внутри которого исключительно ярким краскам тесно. Отчего картины кажутся избыточно ясными, словно увиденными через очки с лишним для глаза плюсом.

В них есть все, чтобы понравиться даже неискушенному зрителю: краски лоснятся, ткани образуют живописные складки, герои все внешне привлекательны, камни в кокетливом венце святой сверкают. Красота пейзажа в «Мистическом обручении св. Екатерины» соблазнила когда-то солдата наполеоновской армии, он вырезал его из картины, и сегодня она живет с утратой.

В сознании многих любителей искусства имя Лотто ассоциируется прежде всего с портретами полнотелых дам в роскошных костюмах. «Портрет Лючины Брембати» из Бергамо не такой торжественный, как шикарная луврская «Лукреция», и не столь романтичный, как портрет молодого человека из Вены, но он завораживает маэстрией исполнения и деликатностью художника, смотрящего на модель издалека, с почтением и нежеланием ковыряться в ее внутреннем мире. Впрочем, с уважением без мелочной придирчивости относились к человеку все лучшие художники блистательного итальянского Ренессанса, озабоченные собственным искусством больше, чем чужой душой.

30 фото, похожих на картины эпохи Возрождения » BigPicture.ru

Кто-то годами учится искусству фотографии и все равно не может сделать хороший снимок, а кто-то от балды рандомно щелкает камерой и получает настоящий шедевр. Несправедливо? Пожалуй, зато мы теперь можем насладиться отличной подборкой снимков из сообщества «Случайный Ренессанс», где пользователи Red­dit выкладывают фото, которые получились похожими на шедевры эпохи Возрождения.

«Засунул как-то раз на закате руку в курятник, чтобы сфотографировать кур»

Национальный парк в Италии

«Мой муж, когда в Техасе были перебои с электричеством»

Фото, которое получило гранпри на фестивале уличной фотографии в Майами, автор Пол Кессель

«Гусь Джефф уходит спать»

Атмосфера картин Вермеера

«Игрок»

«Девушка с гусем»

Окно с видом на луг

Протесты во Франции

Трое друзей

«Земные наслаждения»

«Помощь падре»

В холодные ночи французские фермеры спасают свои виноградники с помощью огня

Полароидный автопортрет, который мой отец сделал в Амстердаме в 1980‑х годах

Чем дольше рассматриваешь это фото, тем лучше оно становится

Прорыв водопровода зимней ночью

«Друг случайно оставил узел на веревке, и у нас получилось это роскошное фото»

Священник в парижской церкви, Франция

Выглядит знакомо…

Юг Франции, фото без фильтров

«День плохой прически обернулся картиной маслом»

«Молодой монах»

«Отец в пандемию»

Рим, монахини на обеде

«Моя мачеха, которая пытается охладиться, и собака Сэди»

«Ортодоксальные евреи во времена Ковида»

Стивену Фраю делают прививку в Уголке поэтов Вестминстерского аббатства

«Covid достиг США», 2020

«Празднество»

Смотрите также — 20 бытовых сюжетов, словно скопированных с картин Возрождения

А вы знали, что у нас есть Instagram и Telegram?

Подписывайтесь, если вы ценитель красивых фото и интересных историй!

Змеиная загадка Ренессанса.

Как биология и история помогли искусствоведению

Флорентийка Симонетта Веспуччи (1453—1476), возлюбленная Джулиано Медичи, младшего брата правителя республики Лоренцо, считалась первой красавицей Ренессанса и за свою красоту получила прозвище Несравненной. Считается, что именно ее Сандро Боттичелли изобразил на картинах «Весна» и «Рождение Венеры» и что  на последней опущенное левое плечо Венеры указывает на туберкулез, от которого Симонетта и умерла в 23 года.

Сандро Ботичелли, «Рождение Венеры»

Ее изображение кисти Пьеро ди Козимо считается одним из самых ярких женских портретов Ренессанса. В трактовке этой картины ученые еще  XVI веке разделились на два лагеря. Одни утверждают, что ди Козимо изобразил египетскую царицу Клеопатру, списав ее с Симонетты, так же как Ботичелли прежде поступил в «Рождении Венеры». А доказывается это наличием аспида, ядовитой змеи, с помощью которой царица покончила жизнь самоубийством. Вторые — что художник нарисовал именно Симонетту.

Пьеро ди Козимо. Портрет Симонетты Веспуччи. Или Клеопатры? (1490)

Самый сильный аргумент «партии Клеопатры»: женщина с обнаженной грудью и змеей вокруг шеи — слишком вольный образ для живой аристократки и это скорее некий античный персонаж. Больше всего под такой образ подходит Клеопатра, о смерти которой было хорошо известно по рассказу греческого писателя Плутарха. Историки много спорят о том, к какому виду принадлежала змея, именуемая у Плутарха

aspis, — к рогатым гадюкам или к египетским кобрам (из семейства аспидов). Но в любом случае змея на портрете ди Козимо считалась орудием смерти, будь то кобра или гадюка.

И вот уже в XXI веке искусствовед Гретчен Хиршауэр не выдержала, обратилась к Беле Деметер, и к весьма реалистично изображенной змее присмотрелся наконец специалист-серпентолог. Он пришел к выводу, что рептилия на груди Симонетты — это темная морфа (меланист) безобидного желто-зеленого полоза (Hierophis viridiflavus), многие популяции которого в Италии имеют полностью черный окрас. В Европе обитает еще одна змея такого же цвета — это меланист асписовой гадюки (Vipera aspis), но она значительно короче змеи на портрете Симонетты.

Кроме того, у животного на картине брюхо и подбородок имеют желтоватый окрас, которого лишены меланисты — и гадюки, и египетской кобры (

Naja haje). Вообще, отличить ужеобразных от гадюковых предельно легко. В Италии водятся три вида последних, и все они отличаются плотным телом, коротким хвостом и выделяющимися на фоне корпуса головами треугольной формы — в отличие от полозов и других ужеообразных с их вытянутым телом, длинным хвостом и маленькой головой. Если взглянуть на изображения Клеопатры в итальянской живописи, то контраст заметен и там. Например, на весьма реалистической картине Андреа Соларио царица держит змею в правой руке, собираясь приложить ее ядовитые зубы к своей обнаженной груди. Пятнышки на боку и контраст между темной головой и светлым «подбородком» однозначно указывают на то, что моделью для Соларио стала гадюка.

Андреа Солари, «Клеопатра» (пер. пол. XVI в.)

Таким образом, определение безобидного полоза вместо ядовитой гадюки кардинально меняет смысл картины. Идентификация девушки с Клеопатрой становится ошибочной. Рептилия, обвившаяся вокруг шеи Симонетты, из источника зла и смерти превращается в символ красоты, даже чувственности (во многом благодаря переплетению со змееподобным, «чешуйчатым» золотым ожерельем). Пьеро ди Козимо, полагает автор статьи, ушел от многовековой христианской традиции изображения рептилий как символа зла и обратился к античности, где они нередко играли положительную роль. Например, посох Асклепия со змеем, обозначающим исцеление и возрождение, или обвитый двумя змеями кадуцей (жезл Гермеса-Меркурия), указывающий на силу диалога, переговоров, торга.

 

 

Важность биологии как ключа к полотнам Ренессанса становится еще очевиднее при взгляде на еще одну известную картину ди Козимо — «Иоанн Евангелист». Лоснящаяся, свернувшаяся в кольца змея с широко раскрытой пастью всегда притягивала внимание ценителей искусства своей яркостью и натуралистичностью, и ее описывали как ядовитую гадюку, угрожающую святому. Но как раз редкая для живописцев Ренессанса одержимость реалистическими подробностями у ди Козимо позволяет безошибочно идентифицировать змею на картине как того же самого желто-зеленого полоза (но уже не в темной, а обычной морфе).

Пьеро ди Козимо, «Иоанн Евангелист» (1504—1506)

 

 

Тогда и смысл картины радикально меняется. Традиционно образ змея в чаше прочитывался как отсылка к «Золотой легенде» Иакова Ворагинского — сборника христианских легенд и житий святых, второй по популярности книги Средневековья. Одна из легенд в нем рассказывает о том, как Иоанн Евангелист поспорил со жрецом храма Дианы Эфесской: язычник дал Иоанну чашу с ядом и обещал перейти в христианскую веру, если святой выпьет его без вреда для себя. Иоанн благословил чашу, яд превратился в змею, та уползла, и он смог выпить напиток.

Но если на картине изображена не гадюка, символ Сатаны, зла и токсичности, а полоз, то эта интерпретация рушится. Неспроста же Пьеро ди Козимо так скрупулезно рисовал хорошо известную его аудитории безвредную змейку. В таком случае оправданной становится иная, более экзотическая интерпретация символики картины — в контексте Евангелия от Иоанна: «И как Моисей вознес змию в пустыне, так должно вознесену быть Сыну Человеческому, дабы всякий, верующий в Него, не погиб, но имел жизнь вечную» (3:14-15). Тогда змей в чаше из символа зла превращается в метафору Христа, символ воскресения и вечной жизни — весьма радикальный отход от традиционной средневековой иконографии.

От биологии к истории

Но не слишком ли смелую трактовку выдвигает Деметер? В конце концов, это мы, современные люди, вооруженные всеми инструментами зоологической классификации, способны легко и однозначно отличить гадюку от полоза, а меланистическую форму от лейкистической. Может быть, Пьеро ди Козимо просто не отличал один вид от другого или вообще считал всех змей одинаково ядовитыми? Чтобы ответить на этот вопрос и со всей уверенностью заявить, что выбор художником полозов был осмысленным, необходимо обратиться уже не к биологии, а к истории и выяснить, какую роль змеи играли в жизни ренессансной Флоренции.

Тосканцы жили в перманентном страхе перед чумой, регулярно опустошавшей итальянские города. В 1348—1600 годах эпидемии чумы на полуострове вспыхивали 171 раз. Сам Пьеро ди Козимо пережил две вспышки и погиб во время третьей, в 1522—1524 годах. Страх перед чумой вернул популярность экзотическому античному снадобью, известному еще со времен Галена — териаку. Оно состояло из 50—80 компонентов, в том числе перца, мирры, акации, зверобоя, опиума, гиацинта, бобровой струи и смолотого в порошок змеиного мяса. Последний компонент, лишенный каких-либо фармакологических свойств (в отличие от опиатов), занимал до трети веса препарата. В средневековой медицине считалось разумным лечить подобное подобным, и мясо ядовитой гадюки должно было спасать жизни. Териак признавали панацеей, лекарством от всех болезней, и с XV века массово производили в городах Италии. Его приготовление переросло в ежегодный ритуал, начинавшийся в мае с отлова гадюк, торжественно выставляемых в стеклянных сосудах на витринах аптекарских лавок.

Приготовление териака (гравюра из средневекового медицинского кодекса)

 

 

Главным источником териака со временем стала Венеция, на близлежащих холмах ежемесячно отлавливали до 800 гадюк. Такие масштабы потребления змеиного мяса указывают на увеличение популяций рептилий в Средние века. Как считают историки, ненависть церкви к котам и кошкам, как к помощникам ведьм, привела к истреблению этих животных, отчего сильно выросли популяции грызунов. Ликвидация из пищевой цепи кошек (которые охотились и на мышей, и на змей) помогла рептилиям расплодиться. Популярность териака привела также к возрождению античной профессии змеелова, ловца гадюк (oviperaio). Кроме профессиональных змееловов, гадюк аптекарям доставляли крестьяне, отлавливая их весной и осенью деревянными щипцами и сажая в огромные мешки.

Змееловы. Итальянская гравюра эпохи Возрождения

Успехи Венеции в торговле териаком подстегнули конкуренцию со стороны других городов-государств Италии: к середине XVI века число зарегистрированных в специальной гильдии аптекарей во Флоренции дошло до одного на 1500 жителей, выше, чем в Венеции (один на 2422 человек). Живописцы Флоренции также с 1297 года формально подчинялись гильдии врачей и аптекарей, потому что именно последние продавали им краски. В аптекарских лавках художники не только приобретали нужные им вещества, но и обменивались сплетнями и другой информацией. Так что Пьеро ди Козимо был, скорее всего, хорошо осведомлен о разных видах змей. К тем же аптекарям он и обратился за рептилиями, пригодными в качестве моделей его живописи. И продавцы отлично понимали разницу между гадюкой и полозом: для териака годились только ядовитые змеи, готовили снадобье в присутствии контролеров и подмена гадюки на полоза стоила бы аптекарю немалых денег или даже потери лицензии.

Парадоксальным образом достать ужа или полоза Пьеро ди Козимо было гораздо сложнее — эти рептилии были никому не нужны и ими не торговали. Художник мог обратиться напрямую к змееловам или просто пойти в сад или рощу за пределами городских стен и поймать себе животных. Любовь к дикой природе выделяла его на фоне других мастеров Ренессанса. Вазари писал в жизнеописании ди Козимо: «Он… не позволял окапывать и подрезать плодовые деревья, мало того, давал винограду разрастаться так, что лозы стелились по земле, а фиги и другие деревья никогда не подстригались. Словом, он предпочитал видеть все таким же диким, каким он сам был от природы, заявляя, что вещи, созданные природой, следует оставлять на ее собственное попечение, не изменяя их по-своему. Он часто ходил наблюдать животных, или растения, или другие какие-либо вещи, какие природа нередко создает странно и случайно, и это доставляло ему такое удовольствие и такое удовлетворение, что он выходил из себя от восторга и столько раз повторял об этом в своих разговорах, что подчас, хотя слушать его было приятно, в конце концов всем надоедал». Живописец мог наблюдать змей в естественной среде обитания, любоваться ими и получать вдохновение для своих будущих картин.

 

 

Думать как искусствовед

Вероятно, личный опыт натуралиста и продиктовал Пьеро ди Козимо выбор полоза в качестве офидической модели для портрета Симонетты Веспуччи: естественная грация, вытянутые и извилистые линии тела животного идеально дополняют образ ожерелья девушки. И во второй картине яркая, пестрая, переливающаяся змея фактически образует автономный портрет, оттеняющий приглушенное, в мягких тонах изображение апостола.

Любой историк искусства решает трудную задачу: при отсутствии документально засвидетельствованных замыслов и планов художника очень нелегко уверенно сказать, что именно тот стремился выразить своим произведением. Но исследование Деметера образцово демонстрирует метод работы искусствоведа — от смутной неудовлетворенности существующими трактовками к естественнонаучному анализу. Истина зоологической классификации (гадюка или полоз) становится архимедовым рычагом, опираясь на который ученый переворачивает весь смысл картины. Однако опереться на рычаг можно, лишь встав на твердую почву, а ее дает только историческое исследование о связи мира художников и мира змей в ренессансной Флоренции.

Владелец «Ренессанс Капитала» Дженнингс обратился в милицию с заявлением о том, что его обокрала жена // Картина развода

Владелец «Ренессанс Капитала» Дженнингс обратился в милицию с заявлением о том, что его обокрала жена

Оригинал этого материала
© «Русский Forbes», ноябрь, 2006, Шесть месяцев спустя

Картина развода

Елена Березанская

Стивен Дженнингс и его жена Тина живут теперь на разных континентах

В майском Forbes мы писали, какие сложности возникают в состоятельных семьях при разводах. И в том же журнале была заметка про основного владельца инвестиционной группы «Ренессанс Капитал», гражданина Новой Зеландии Стивена Дженнингса. Мы полагали, что за 10 лет работы в России он стал миллиардером: его компания оценивалась на тот момент в $1,5 млрд. Но мы и не подозревали, как две эти темы пересеклись в жизни.

Примерно в то время, когда готовилась наша публикация, Дженнингс ушел от своей жены Тины, с которой прожил 11 лет, и подал в суд иски оразводеиоб опеке, желая оставить себе троих детей. При разводе Тина могла претендовать на половину доли своего мужа в «Ренессансе», то есть более чем на $500 млн. Возможно, Дженнингс рассчитывал отделаться меньшей суммой. Как бы то ни было, после нескольких месяцев разбирательства супруги так и не развелись—на заседании Пресненского суда 4 октября 2006 года адвокаты Дженнингса объявили, что он отзывает все иски.

Корреспондент Forbes была свидетелем того, как развивались отношения Дженнингсов. Тина родилась в Канаде в семье эмигрантов из Словении, а образование получила в Оксфорде, где изучала русскую историю. Будущие супруги познакомились в начале 1990-х в Англии—они вместе работали в лондонском офисе инвестиционного банка CSFB. После того как Стивена назначили соруководителем московского представительства CSFB, Тина тоже переехала в российскую столицу. Когда в 1995-м Борис Иордан и Стивен Дженнингс решили создать компанию «Ренессанс Капитал», Тина ушла из CSFB и стала редактировать еженедельный бюллетень для инвесторов на английском языке (одно время он выпускался под эгидой издательского дома Independent Media). Стивен давал будущей супруге полезные советы и забирал ее после работы, которая зачастую заканчивалась глубокой ночью. Поженились они в День святого Валентина— 14 февраля 1996 года. Тине тогда было 27 лет, Стивену—35.

Через год у Дженнингсов родилась девочка, а еще через год—мальчик. Тина работала начальником аналитического отдела Райффайзенбанка, а Стивен к тому времени остался в «Ренессансе» единственным из первоначальных учредителей. Ему удалось быстро вывести компанию из кризиса 1998-го. Уже в 1999 году супруги переехали в роскошную квартиру на Малой Бронной, которую Тина украсила картинами русских художников начала XX века. К тому времени она уже несколько лет изучала историю русского искусства, а позже, в 2005-м, стала первым в России представителем аукционного дома Sotheby’s.

Хотя картины для коллекции Тина выбирала сама, одну работу купил Стивен. Это был по дарок Тине по случаю рождения третьего ребенка: в ноябре 2001 года на аукционе Sotheby’s он приобрел за £218 000 ($310000) картину любимой художницы Тины Зинаиды Серебряковой («Обнаженная на голубом фоне», 1927).

Все изменилось в их доме с того времени. Один лишь факт: в начале сентября Дженнингс обратился в милицию с заявлением о том, что его обокрали.

Он утверждал, что доверенные лица Тины вывезли из квартиры несколько ценных картин из коллекции, в том числе и «Обнаженную» Серебряковой.

Этому предшествовали не менее драматические события. Минувшей весной Стивен уехал от семьи, поселившись в своем новом загородном доме, и вскоре захотел развестись официально. Его интересы в суде представляли президент адвокатской конторы «Барщевский и Партнеры» Самвел Ка-раханян и дочка Михаила Барщевского Наталия. Тина наняла не менее известного адвоката—Александра Добровинского.

На первом заседании 18 августа (на нем присутствовала корреспондент Forbes) адвокат Тины объявил, что 10 августа ей пришлось срочно вылететь в Словению к больному отцу и что к началу учебного года она с детьми обещала вернуться. Суд отложили до 5 сентября. Тем временем, как утверждает человек, знакомый с подробностями процесса, между супругами продолжался торг о сумме компенсации. Однако к назначенному сроку Тина не вернулась. Более того, к тому времени она уже переехала в Канаду, где дети и пошли в школу. На очередном заседании адвокаты Стивена просили суд принять решение, которое бы обязало Тину с детьми приехать в Россию, но суд отказался рассматривать дело в отсутствие супруги. Фактически это означало, что дело не будет рассмотрено никогда. И Стивен забрал из суда свои иски.

Искусство эпохи Возрождения: история, характеристика

История Возрождения Арт

Эпоха Возрождения или Ринасименто , в значительной степени поддерживался постфеодальным ростом независимого города, подобные найдены в Италии и на юге Нидерландов. Разбогател благодаря торговли и промышленности, эти города обычно имели демократическую организацию гильдий, хотя политическая демократия обычно сдерживалась некоторыми богатый и влиятельный человек или семья.Хорошие примеры включают 15 век Флоренция — средоточие итальянского искусства эпохи Возрождения — и Брюгге — одно из центры фламандской живописи. Они были двумя столпами европейской торговли и финансов. Искусство и как следствие процветало декоративное ремесло: во фламандском городе под патронатом герцоги Бургундские, богатый купеческий класс и церковь; во Флоренции под тем из богатой семьи Медичи.

В этой доброжелательной атмосфере художники проявлял все больший интерес к представлению видимого мира вместо того, чтобы ограничиваться этой исключительной заботой о духовности религии , которую можно было придать только визуальную форму в символах и жестких условности.Изменение, санкционированное вкусами и либеральным отношением покровителей (в том числе искушенных церковников) уже проявляется в Готическая живопись позднего средневековья и кульминацией того, что известно как международный готический стиль четырнадцатого века и начала пятнадцатого. По всей Европе во Франции, Фландрии, Германии, Италии и Испания, художники, свободные от монашеских дисциплин, представили основные характеристики этого стиля в более сильном повествовательном интересе их религиозные картины, усилие придать больше человечности настроениям и внешнему виду Мадонне и другим почитаемые изображения, более индивидуальный характер портретной живописи в целом и представить детали пейзажа, жизни животных и птиц, которые художник-монах вчерашнего дня показалось бы слишком приземленным.Это может быть сказал, были характерны также для живописи эпохи Возрождения, но существенное различие появился в начале пятнадцатого века. Такие представители Интернационала Готика как Симона Мартини (1285-1344) из сиенской школы живописи, и родившийся в Умбрии язычник да Фабриано (ок. 1370-1427) все еще находился под властью идеей сделать элегантный дизайн поверхности с ярким, нереалистичным образец цвета. Реалистичная цель следующего поколения радикальный шаг проникновения сквозь поверхность, чтобы дать новое ощущение пространства, спада и трехмерной формы.

Это решительный шаг вперед в реализме. появились примерно в то же время в Италии и Нидерландах, а точнее в работах Мазаччо (1401-28) во Флоренции и Яна ван Эйка (около 1390-1441) в Брюгге. Мазаччо, о котором Делакруа сказал, что величайшая революция, которую когда-либо знала живопись, дала новый импульс Раннее Возрождение живопись в своих фресках в капелле Бранкаччи Санта-Мария-дель Кармин.

См., В частности: Высылка из Эдемского сада (1425-6, часовня Бранкаччи) и Святой Троица (1428, Санта-Мария-Новелла).

Фигуры в этих повествовательных композициях казалось, что он стоит и двигается в окружающем пространстве; они были смоделированы с чем-то чувства скульптора к трём измерениям, в то время как жест и выражение были изменены таким образом, что не только разные персонажи изображенных лиц, но и их взаимосвязь.В этом отношении он ожидал специального исследования Леонардо в году. Тайная вечеря (1495-98, монастырь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан).

Хотя Ван Эйк также создал новое чувство пространства и перспективы, есть очевидная разница между его работами и Мазаччо, который также подчеркивает различие между замечательными Фламандская школа пятнадцатого века и итальянский ранний ренессанс. Оба считались одинаково «современными», но отличались средним и идея.Италия имела давние традиции росписи роспись фреской, что само по себе стиль, в то время как нидерландский художник, работающий масляной средой на панно относительно небольшой размер, сохранивший некоторую мелкость миниатюрного художника. Мазаччо действительно был не одиноким новатором, а тем, кто разработал фреску. повествовательная традиция его великого предшественника эпохи Возрождения во Флоренции, Джотто ди Бондоне (1267-1337).См., Например, последний Scrovegni Фрески капеллы (ок. 1303-10, Падуя).

Флоренция тоже имела иную ориентацию как центр классического обучения и философских исследований. Городской интеллигент энергия сделала его главным центром Возрождения в пятнадцатом веке. века и оказал влияние на все виды искусства. Ученые, посвятившие себя изучению и переводу классических текстов, как латинских, так и греческих, были наставниками в богатых и знатных семьях, которые приходили поделиться своими литературный энтузиазм.Это, в свою очередь, вызвало потребность в графических версиях. древней истории и легенд. Круг сюжета художника был очень велик. вследствие этого расширился, и теперь у него возникли дополнительные проблемы с репрезентацией. решать.

Таким образом, то, что могло быть просто ностальгия по прошлому и ретроградный шаг в искусстве стал шагом вперед и увлекательный процесс открытий. Человеческое тело, так долго исключенное от живописи изобразительного искусства и средневековья скульптура из религиозных соображений — кроме самая скудная и нереальная форма — приобрела новое значение в изображение богов, богинь и героев классического мифа.Художники пришлось повторно познакомиться с анатомией , чтобы понять связь кости и мышцы, динамика движения. На картинке сейчас лечится как сцену вместо плоскости нужно было исследовать и делать использование науки линейная перспектива . Кроме того, пример классической скульптуры было стимулом для сочетания натурализма с идеал идеальных пропорций и физической красоты.

Художники и скульпторы по-своему утверждал достоинство человека, как это делали философы-гуманисты, и проявлял та же жажда знаний.Действительно экстраординарный список великих Флорентийские художники пятнадцатого века и, что немаловажно, выдающиеся, количество тех, кто практиковал более одного искусства или формы выражения.

Во всех отношениях замечательный Медичи семья способствовала интеллектуальному климату и развитию искусства, которые сделали Флоренцию движущей силой Возрождения. Удача происходит от банковского дома, основанного Джованни де Медичи (ок.1360-1429), с шестнадцатью филиалами в городах Европы. продвижение культуры, особенно двумя наиболее выдающимися членами семьи, Козимо, сын Джованни (1389-1464), и его внук Лоренцо (1448-92), который, будучи финансовым деятелем, политиком и дипломатия, их любовь к книгам, их щедрое покровительство жили и ценили разного рода антиквариат, были типичными универсальности, что было так в духе Возрождения.

Уравнение философии Платона и христианское учение в академии, учрежденной Козимо Медичи похоже, санкционировал разделение деятельности художника, как это часто бывает произошло между религиозным и языческим предметом. Интеллектуальный Атмосфера, созданная Медичи, была бодрящим элементом, вызывающим Флоренция обогнала соседнюю Сиену. Хотя ни один другой итальянский город пятнадцатого века мог претендовать на такое созвездие гения в искусства, ближе всего к Флоренции находились города, просвещенными покровителями. Людовико Гонзага (1414-78) маркиз де Мантуя был типичным правителем эпохи Возрождения в его склонностях к политике и дипломатии, в его поощрении гуманистического образования и в культурных вкуса, который привел его к созданию большой коллекции произведений искусства и использованию Андреа Мантенья (1431-1506) как придворный художник.

Аналогичного калибра был Федериго Монтефельтро , Герцог Урбино. Как и Людовико Гонзага, он был учеником знаменитого учитель-гуманист, Витторино да Фельтре, чья школа в Мантуе объединила мужественные упражнения с изучением греческих и латинских авторов и привитые гуманистическая вера во всестороннее улучшение, возможное для человека.На двор Урбино, который установил стандарты хороших манер и достижений описанный Бальдассаре Кастильоне в Il Cortigiano, герцог развлекал ряд художников, главный из которых великий Пьеро делла Франческа (1420-92).

История живописи эпохи Возрождения после Мазаччо сначала приводит нас к благочестивому фрау Анджелико (около 1400–1455), родился раньше, но прожил гораздо дольше. Что-то готического стиля остается в его творчестве, но монастырская невинность, что, пожалуй, первое, что бросается в глаза, сопровождается зрелым твердость линии и чувство структуры.Это видно на таких картинах о его последних годах как Поклонение волхвов сейчас в Лувре и фрески, иллюстрирующие жизнь святого Стефана и святого Лаврентия, фрески в Ватикане для Папы Николая V в конце 1440-х годов. Они показывают он осознавал и мог воспользоваться изменяющимися и расширение мировоззрения своего времени. Смотрите также его серию картин на Благовещение (c.1450 г., музей Сан-Марко). Тем не менее его ученик Беноццо Гоццоли (около 1421-97) сохранены в ярких декоративных цветах и ​​подробностях происшествий Международного Готический стиль в таком произведении, как панорамное шествие волхвов во Палаццо Риккарди во Флоренции, где он представил конный спорт портрет Лоренцо Медичи.

Ближе к фра Анджелико, чем был Мазаччо Фра Филиппо Липпи (около 1406-69), монах-кармелит в молодости и протеже Козимо Медичи, который снисходительно смотрел на различные выходки художника, любовные и прочие.Фра Филиппо, в религиозных сюжетах, которые он писал исключительно, как в фреска и панно, демонстрируют тенденцию прославлять очарование идеализированного человеческий тип, который контрастирует с стремлением пятнадцатого века к технические инновации. Он менее отличителен в чисто эстетическом или интеллектуальном отношении. качества, чем в его изображении Мадонны как существенно женственной существование. Его идеализированная модель, стройная, темноглазая и с приподнятыми бровями, слегка втянутым носом и маленьким ртом при условии иконографический образец для других.Некоторая тоскливость выражения возможно, был передан его ученику Сандро Боттичелли (1445-1510).

В картинах Боттичелли большая часть Подведены итоги предшествующего развития эпохи Возрождения. Он преуспел в ту грацию черт и форм, которую Фра Филиппо стремился передать и современник Боттичелли Доменико Гирландайо (1449-94), также имел свою восхитительную версию на фресках. и портреты. Он интерпретировал неоплатонизм в уникальной живописной манере. философов-гуманистов Лоренцо Медичи.Сеть гениальных аллегория, в которой Марсилио Фичино, наставник Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи (двоюродный брат Лоренцо Великолепного) стремился продемонстрировать отношение между Благодатью, Красотой и Верой имеет эквивалентную тонкость в La Primavera (c.1482-3, Уффици) и Рождение Венеры (ок. 1484-6, Уффици), казненных за Вилла Лоренцо. Поэтический подход к классике Анджело Полициано, также наставник семьи Медичи, можно увидеть отражение в Боттичелли Изобразительное искусство.Хотя продолжительность его жизни простиралась до периода Высокого Возрождения, он по-прежнему представляет молодежь движения в своем восторге от ясных цвета и изысканные природные детали. Возможно, в задумчивой красоте в его Афродите можно найти что-то от ностальгии по средневековью к которому, в конце концов, когда фундаменталистский монах Савонарола осудил Медичи и все их работы, он сделал свой страстный жест возврата.

Ностальгия и чистота Линейный дизайн Боттичелли, пока еще не затронутый акцентом на свет и тени, сделавшей его особенным объектом восхищения прерафаэлитов в девятнадцатый век.Но, как и у других художников эпохи Возрождения, был энергия в нем, которая сообщала его линейным ритмам способность интенсивно эмоциональное выражение, а также нежная изысканность. Расстояние до Возрождение из невыразительного спокойствия классического периода в его представлении статуями Венеры или Аполлона, находится в этой разнице духа или намерение, даже если оно обнаружено неосознанно. Выражение физической энергии которые во Флоренции, естественно, приняли форму представлений обнаженных мужчин, дает неклассическое насилие над творчеством художника и скульптора Антонио Поллайуоло (1426-98).Поллайуоло был одним из первых художников, преподнесших человеческие тела, чтобы точно следить за игрой костей, мышц и сухожилий в живом организме с такими динамическими эффектами, которые проявляются в мышечном Напряженность борьбы в его бронзе Геркулес и Антей (Флоренция, Барджелло) и движения лучников на его картине Мученичество. Святого Себастьяна (НГ, Лондон). Такой же скульптурный акцент можно замечен на фресках менее известного, но более влиятельного художника Андреа дель Кастаньо (ок.1420-57).

Лука Синьорелли (c.1441-1523), хотя и был связан с умбрийской школой как ученик Пьеро делла Франческа, находился под сильным влиянием Флорентийский Поллайуоло в трактовке фигуры. С менее анатомическим утонченность, но с большим акцентом на выпуклости и полосатости наружу. мышцы и сухожилия, он тоже нацелился на динамические эффекты движения, получение их внезапными взрывами жестов.

Это было направление усилий, которое кажется естественно и неизбежно привести к достижению Микеланджело (1475–1654).Хотя есть явные различия в образе мышления и стиле между его Последняя ложа в Сикстинской капелле и версия Синьорелли в фрески в соборе Орвието, их объединяет грозная энергетика. Это было качество, из-за которого они казались далекими от баланса и гармонии. классического искусства. Рафаэль (1483-1520) был намного ближе к классику дух в Аполлоне его Парнаса в Ватикане и Галатеи в Фарнезина, Рим.Один из самых ярких региональных контрастов эпохи Возрождения находится между суровым и интеллектуальным характер искусства Тосканы в изображении фигуры по сравнению с чувственным томлением женщины обнаженные натуры, написанные в Венеции Джорджоне (1477-1510) и Тицианом (около 1485-1576). (Подробнее см .: Венецианский Портретная живопись ок. 1400-1600 гг.) Хотя даже в этом отношении флорентийская наука не осталась без своего влияния.Разработана мягкая градация тени Леонардо да Винчи, чтобы дать тонкости моделирования был принят Джорджоне и в Парме Антонио Аллегри да Корреджо (1489-1534) как средство усиливая сладострастное очарование Венеры, Антиопы или Ио.

Мастера эпохи Возрождения не только создали специальное изучение анатомии, а также перспективы, математические пропорции и вообще наука о космосе. Стремление периода к знаниям может частично объяснить это абстрактное стремление, но оно было более конкретным. происхождение и причины.Линейная перспектива изначально была предметом изучения архитекторов. в чертежах и реконструкциях классических типов зданий они стремился возродить. В этом отношении великий архитектор Филиппо Брунеллески (1377–1446) был лидером своих исследований в Риме. Во Флоренции он дал демонстрация перспективы на рисунке площади Сан-Джованни это пробудило интерес других художников, в частности его друга Мазаччо. Архитектор Леон Баттиста Альберти (1404-72) был еще одним пропагандистом научной теории.Художники, озабоченные изображением как реализованной трехмерной иллюзией важность перспективы как вклад в эффект пространства — вопрос, связанный с техникой иллюзионистской росписи, такой как quadratura , впервые примененный Мантенья в Герцогском дворце в Мантуе в его фресках Camera degli Sposi (1465-74).

Паоло Уччелло (1397-1475) был одним из графские покровители науки во Флоренции.Его картина битвы года Сан-Романо в Национальной галерее Лондона с его живописностью геральдики представляет собой прекрасно рассчитанную серию геометрических форм и математические интервалы. Даже сломанные копья на земле кажутся такими устроенными чтобы привести взгляд к точке схода. Его ракурс рыцаря лежа на земле было упражнением, которым Андреа Мантенья был подражать. Именно Мантенья принес в Венецию новую науку об искусстве.

В сложном обмене рефератов математические идеи и влияния, Пьеро делла Франческа выделяется как величайшая личность. Хотя уроженец Умбрии родился в маленьком городке Борго Сан Сеполькро, он впитал атмосферу Флоренции и Флоренции. искусство в молодости, когда он работал там с венецианцем Доменико Венециано (ок. 1410-61). Доменико усвоил тосканский стиль и у него был собственный пример перспективы, как в прекрасном Благовещении теперь в Музее Фитцуильяма в Кембридже, хотя Пьеро, вероятно, получил его научное отношение к дизайну от трех пионеров исследований, Брунеллески, Альберти и Донателло (1386-1466), величайший скульптор в quattrocento Florence.

Классика в заказном дизайне и больших размерах концепции, но без намека на антиквариат, который можно найти в Мантеньи Пьеро оказал влияние на многих художников. Его внутренние перспективы архитектуры эпохи Возрождения, добавившего элемент геометрической абстракции к его фигурам композиции были хорошо известны его флорентийским современником, Андреа дель Кастаньо (ок. 1420-57). Жестко геометрическая установка противоречит и все же подчеркивает гибкость человеческого выражения в Апостолах в Андреа шедевр Тайная вечеря в монастыре Святой Аполлонии, Флоренция.Антонелло да Мессина (1430-1479), который представил фламандскую технику масляной живописи. в Венецию принесло также чувство формы, полученное от Пьеро делла Франческа. это, в свою очередь, оказало стимулирующее влияние на Джованни Беллини (1430-1516), отвлекая его от такого жесткого линейного стиля Мантеньи и способствуя его зрелому величию как лидера венецианской Живопись и учитель Джорджоне и Тициана.

Всего чудесного развития Итальянский ренессанс в пятнадцатом веке, Леонардо да Винчи и Микеланджело были наследниками.Универсальность художника была одним из важнейших аспект века. Между архитектором, скульптором, художником, мастером и писатель не было жесткого различия. Альберти был архитектором, скульптор, художник, музыкант, автор трактатов по теории искусство. Андреа дель Верроккьо (1435-88), ранний мастер Леонардо, описывается как ювелир, художник, скульптор и музыкант: а в скульптуре мог соперничать с любым мастером.Но Леонардо и Микеланджело продемонстрировали эту универсальность высшая степень. Леонардо, инженер, пророческий изобретатель, ученый ученик природы во всех аспектах, художник запоминающихся шедевров, никогда не переставал вызывать удивление. См., Например, его Virgin. скал (1483-5, Лувр, Париж) и Леди с горностаем (1490, Музей Чарторыйских, Краков). Сколько может можно сказать о Микеланджело, скульпторе, живописце, архитекторе и поэте.В корона флорентийского достижения, они также знаменуют упадок города величие. Рим, восстановленный в великолепии амбициозными папами после долгого упадка, утверждал, что Микеланджело вместе с Рафаэлем создал монументальный концепции высоких Живопись эпохи Возрождения: два абсолютных шедевра Микеланджело Genesis фреска (1508-12, потолок Сикстинской капеллы, Рим), которая включает знаменитый Creation Адама (1511-12) и Рафаэлло Санцио Sistine Мадонна (1513-14, Gemaldegalerie Alte Meister, Дрезден).Кроме того, оба художника были назначены ответственными архитекторами новой церкви Св. Базилика Петра в Риме, символ преобразования города из от средневековья до города эпохи Возрождения. Леонардо, поглощенный своими исследованиями, был наконец переманили во Францию. Но в этих великих людях гений Флоренции жил дальше. За историю позднего Возрождения периода (1530-1600 гг.) — период, в который входят величайшие венецианские запрестольные части, а также великолепные, но зловещие произведения Микеланджело. Последний Фреска «Суд » на алтарной стене Сикстинской капеллы — см .: Маньерист. Живопись в Италии.Смотрите также: Тициан и венецианская цветная живопись c.1500-76.

Лучшие коллекции искусства эпохи Возрождения

Следующие итальянские галереи имеют основные коллекции картин или скульптур эпохи Возрождения.

• Уффици Галерея (Флоренция)
• Дворец Питти (Флоренция)
• Музеи Ватикана (Рим)
• Галерея Дориа Памфили (Рим)
• Музей Каподимонте (Неаполь)
• Изабелла Музей Стюарта Гарднера (Бостон, США)

Почему эта картина эпохи Возрождения светится

Поясный портрет Святой Екатерины Лоренцо Лотто, даже когда он выставлен на обозрение в галерее, полной ярких работ, выглядит необычно.Отчасти ощущение ее красоты исходит от красоты самой святой, но не только ее лицо делает эту картину такой привлекательной. Цвета отражаются; зеленый и красный расположены в сильной оппозиции. Зеленый насыщенный, с оттенками желтого в светлых участках. Красные оттенки варьируются от глубокого бордового оттенка бархатистой парчовой занавески за спиной святой до ярко-горячего цвета ее платья. Это платье добавляет удивительной силы — пышные волнистые складки ткани отражают свет, напоминая блестящий шелк.

В своем Saint Catherine Лотто достиг визуальных эффектов текстуры и мерцания, используя методы и материалы, которые были немного необычны для художников в Италии в 16 веке. Чтобы создать блестящий светящийся эффект, он использовал прозрачность масляной краски, сделанной с использованием органических красных красителей, которые мы называем красными озерами.

Сложный метод рисования

Lotto раскрывается в крошечном образце поперечного сечения, взятом с нижнего края панели. Образец показывает последовательность слоев цвета Лото и усилия, которые он приложил при изображении ткани для платья.

Поперечное сечение слоев краски Saint Catherine , при флуоресценции (слева) и в видимом свете (справа)

Правая часть этого изображения показывает поперечное сечение в видимом свете. На подготовительном белом слое, видимом в самом низу поперечного сечения, он нанес розовую краску — смесь свинцового белого, киноварь и немного красного озера — затем тонкую красную глазурь, затем бледно-розовую и полупрозрачную темно-красную. покрасить.(Красный слой перекрывается темно-коричневым слоем, чтобы предположить затененную складку ткани, хотя ее трудно различить на черном фоне на этом изображении.)

Изображение в левой части поперечного сечения, полученное с помощью флуоресцентной микроскопии, показывает, что то, что кажется глазу в видимом свете как один толстый слой красной краски, на самом деле состоит из четырех или пяти тонких слоев. Разница в цвете флуоресценции между слоями убедительно свидетельствует о том, что в чередующихся слоях краски присутствуют разные пигменты.Многослойная полупрозрачная краска, нанесенная на непрозрачную светло-розовую краску, заставляет эту работу сиять.

Краски Red Lake сохнут очень медленно, и это может быть одной из причин, по которой Lotto создала глубину цвета, используя множество тонких слоев. Чтобы ускорить медленное высыхание и, возможно, увеличить прозрачность, некоторые художники добавляли порошкообразное стекло в свои краски красного озера. Мы обнаружили, что Лотто сделал нечто иное: он добавил порошкообразный кварц.

Чистая кварцевая галька была источником кремнезема, важнейшего сырья для прочной стекольной промышленности Венеции.Эту кварцевую гальку нужно было измельчить в порошок — стеклодув Антонио Нери в своем трактате 1612 года о ремесле сказал, что она должна быть такой же мелкой, как мука. Частицы кварца в краске Lotto настолько малы, что невидимы невооруженным глазом и не видны в увеличенном поперечном сечении, показанном здесь; их можно найти только с помощью сканирующей электронной микроскопии. Лотто возвращался в Венецию, свой родной город, время от времени на протяжении всей своей карьеры, и он мог купить мелко измельченный кварц у продавцов, которые там торговали.

Сложная техника Lotto и использование нетрадиционных материалов для рисования — это признаки творческой изобретательности, качество, которое ценилось как в эпоху Возрождения, так и сегодня. Заново открывая для себя инновации художников прошлого, мы можем глубже оценить такие достижения, как Saint Catherine , и вдохновить на новые идеи, которые проявятся в наших собственных работах.

Дополнительная техническая информация об анализе этой картины доступна в статье «Материальные инновации и художественные изобретения: новые материалы и новые цвета в венецианской живописи эпохи Возрождения.”

Лучшее искусство и архитектура высокого Возрождения

1512

Сикстинская Мадонна

Художник: Рафаэль

Сикстинская Мадонна представляет безмятежную, самообладание Деву Марию с младенцем Христом, женщину идеального материнского великолепия и красоты. Она стоит на облаках впереди и в центре, в развевающихся одеждах, с задернутыми занавесками по обе стороны от нее, чтобы подчеркнуть ее важность. Вид позади нее открывается в небеса, поскольку лица душ нерожденных детей или ангелов толпятся в облаках.Ее встречают два мученика третьего века, покровители церкви Сан-Систо. Слева от нее Папа Сикст II становится на колени, чтобы взглянуть на нее, его левая рука находится над сердцем, а правая рука приглашает зрителя вперед. Справа святая Варвара становится на колени, повернувшись лицом к зрителю и вниз, к двум озорным херувимам, смотрящим снизу вверх.

Во времена Рафаэля такие композиции, стилизованные под сценические декорации, где центральные персонажи были обрамлены драпировкой или другими очерчивающими элементами, были обычным явлением для гробниц богатых, представляя грандиозный вход на небеса после смерти.Эта Мадонна, созданная по образцу возлюбленной художника Маргарити Лутти, создает эффект классического благородства, хотя и одолжен женщине, имеющей историческое религиозное значение. Представляя не только божественную мать, она, как считается, олицетворяет прекрасную серьезность и легкость универсальной концепции матери.

Новаторство Рафаэля в традиционном предмете заключалось в добавлении светлых, остроумных человеческих элементов, особенно видимых в херувимах внизу в центре. Подобно маленьким мальчикам, неугомонным в ожидании, тот, что справа, почти закатывает глаза, в то время как тот, что слева, взявшись за подбородок, смотрит в пространство, как будто ему скучно в церкви.Они добавляют сладкий и озорный элемент реальности, который делает другие фигуры более убедительными и обосновывает картину как союз духовности и эмоциональной человечности. Прикосновение к реалистичному обычному человеческому поведению также можно увидеть в том, что Папа снял митру, помещенную в нижнем левом углу холста, как человек, снимающий шляпу в честь Богородицы. Как писала историк искусства Бетти Талваккия: «Его искусство никогда не перестает поражать воображение зрителя, будь то завораживающая, изящная красота его Мадонн, совершенство его классических форм или неизбывная притягательность его повествовательных сцен.»

Эта картина приобрела огромное влияние после того, как ее перевезли в 1754 году в Дрезден, Германия, где она стала особенно важной для произведений Иоганна Иоахима Винкельмана, пионера в изучении истории искусства, который увидел в ней некое видение, объединяющее классику. и христианские элементы. Согласно немецкой легенде, Рафаэль написал ее из религиозного видения, и многие считали, что эта работа обладает чудодейственной силой. Историк искусства Гомбрих писал о Рафаэле, что его «лучшие работы дают нам возможность заглянуть в мир. мир более безмятежный и гармоничный, чем наш собственный.»

Легенда о Рафаэле и вдохновляющий характер произведения послужили основой для романтического движения и оказали большое влияние на немецкого писателя и ученого Гете, музыканта Вагнера и философа Ницше. Великий русский писатель Достоевский назвал его» величайшим «. откровение человеческого духа, «таким образом повторяя то, что Вазари сказал о работе в 1500-х годах, — поистине редкое и необычное произведение». Рафаэль также оказал влияние на современных художников, таких как Пабло Пикассо, который сказал: «Леонардо да Винчи обещает нам рай.Рафаэль дает его нам ». Изображение одного херувима широко присутствует в массовой культуре, его можно увидеть на современных открытках, марках США, футболках и других предметах потребления.

Холст, масло — Gemäldegalerie Alte Meister, Дрезден , Германия

Произведения по стилю: Высокое Возрождение

Стиль

Художники высокого Возрождения находились под влиянием линейной перспективы, затенения и натуралистической фигуративной обработки, начатой ​​художниками раннего Возрождения, такими как Мазаччо и Мантенья.Но они овладели этими техниками, чтобы передать новый эстетический идеал, в котором прежде всего ценилась красота. Человеческая фигура рассматривалась как олицетворение божественного, и были использованы новые техники, такие как живопись маслом, чтобы передать человеческие движения и психологическую глубину в градациях тона и цвета. Опираясь на классическую греческую и римскую пропорциональную точность в архитектуре и анатомическую правильность тела, такие мастера, как Леонардо, Микеланджело и Рафаэль, создали мощные композиции, в которых части их предметов были показаны как гармоничные и связанные с целым.

В то время как живопись Высокого Возрождения продолжала традицию фресковой живописи в связи с религиозными сценами, практика таких мастеров, как Рафаэль, Леонардо и Микеланджело, была основана на нововведениях в среде. Например, чтобы нарисовать Сикстинскую капеллу, Микеланджело не только разработал систему строительных лесов, чтобы достичь этой области, но и разработал новую формулу и приложение для фрески, чтобы противостоять проблеме плесени, а также технику стирки и использование различных кистей. , чтобы сначала применить цвет, а затем добавить мелкие детали, тени и линии.Для своего Тайная вечеря (около 1495) Леонардо экспериментировал, работая над сухой фреской и использовал комбинацию масла и темперы для достижения эффекта масляной живописи. Рафаэль, Леонардо и Микеланджело использовали trompe l’oeil в своих фресках, технику, с помощью которой достигается оптическая иллюзия трех измерений, живописное пространство интегрируется в окружающую архитектурную среду. Quadratura , или потолочные росписи, родились в это время, призванные восторженно привлекать взоры зрителей в небесный облик.

В то же время многие шедевры Высокого Возрождения впервые были написаны маслом, обычно на деревянных панелях, но иногда и на холсте. Поскольку масла предоставляли больше возможностей для тонких тональных и цветовых градаций, полученные работы были более реалистичными. В результате появился новый корпус увлекательных портретов обычных людей. Леонардо Мона Лиза (около 1519 г.), несомненно, является самым известным примером. Другие художники Высокого Возрождения, такие как Андреа дель Сарто в его Мадонна гарпий (1517) и Фра Бартоломео в его Портрет Джироламо Савонарола (ок.1497-1498) также создал мощные работы маслом.

Рисование маслом привело к тому, что Леонардо разработал новую технику под названием sfumato , что означает «постепенно исчезать, как дым». Это включало использование полупрозрачной глазури, обработанной кистью, для создания постепенных переходов между тонами света и тени. В результате, как писал Леонардо, «без линий и границ, в дыму» создается яркая имитация реальности, лишенная всяких следов мазков художника. Другие художники Высокого Возрождения, такие как Рафаэль, Фра Бартоломео и Корреджо, также овладели этим стилем, который позже сильно повлиял на художников эпохи Возрождения венецианской школы, таких как Джорджоне, а затем и на художников-маньеристов.Мастерство Рафаэля в сфумато особенно заметно в его обращении с лицом Богородицы в его «Мадонне с младенцем Христом и святым Иоанном Крестителем » (1506).

Ведущим архитектором Высокого Возрождения был Донато Браманте, наиболее известный своим акцентом на классическую гармонию, использование центрального плана и вращательной симметрии, как видно из его Tempietto (c.1500). Вращательная симметрия предполагала использование восьмиугольников, кругов или квадратов, так что здание сохраняло одну и ту же форму с разных точек зрения.Он также создал первый эффект trompe l’oeil для архитектурных целей в церкви Санта-Мария-прессо Сан-Сатиро в Милане. Из-за наличия дороги за стеной церкви от хора оставалось всего три фута, поэтому архитектор использовал линейную перспективу и живопись, чтобы создать иллюзорное ощущение расширенного пространства.

Ученик Браманте Антонио да Сангалло Младший спроектировал Палаццо Фарнезе, который сэр Баристер Флетчер назвал «самым внушительным итальянским дворцом 16 века».«Дизайн соответствовал классическим принципам, имел спартанскую простоту и использовал рустикацию, которая оставила строительный камень в его текстурированном и незавершенном состоянии, позволяющем естественные линии и цвет. Однако эпоха была отмечена конкурирующими дизайнами и личным соперничеством. Кардинал Фарнезе, ставший Папой Павлом III в 1534 году, был недоволен дизайном карниза Палаццо и провел конкурс на новый дизайн, который был присужден Микеланджело. Популярная история рассказывает, как Сангалло Младший умер от стыда в следующем году, когда Микеланджело закончил последние штрихи здания.

Микеланджело был главным соперником Браманте, так как в дальнейшем он работал архитектором. Он спроектировал Лаврентьевскую библиотеку во Флоренции и создал купол для базилики Святого Петра, хотя здание в целом отражало работы Браманте, Рафаэля и более поздних архитекторов, таких как Бернини. Эта работа, которая проходила между 1523–1571 гг., Была особенно новаторской; создавая динамическое ощущение движения в лестницах и стенах, которые оказали влияние на более поздних архитекторов.

Несомненным мастером скульптуры в период Высокого Возрождения был Микеланджело, чья картина Pietà (1499), законченная, когда ему было всего двадцать четыре года, положила начало его карьере.Он решил изобразить необычно юную Деву Марию, держащую на коленях мертвого Христа. Хотя обработка этой сцены была популярна во Франции, она была совершенно новой для итальянского искусства. Пирамидальная композиция и натуралистическая образная обработка произведения создали мощный классический эффект. Тем не менее, в работе также были обнаружены новаторские вариации. Монументальный масштаб Богородицы по сравнению с Христом придал этой картине эмоциональный материнский аспект и стал фирменным приемом художника в его работе, этой манипуляции с высоким контрастом.В отличие от скульпторов раннего Возрождения, таких как Донателло, работавших в бронзе, Микеланджело единолично возродил классическое использование мрамора и внес элементы монументальности во все свои последующие скульптуры, как в размере фигур, так и в масштабе проектов.

Леонардо также исследовал скульптуру, в частности, спроектировал самую большую в мире бронзовую конную статую. По заказу герцога Миланского в 1482 году в честь своего отца проект так и не был завершен, так как глиняная модель художника высотой 24 фута была разрушена во время вторжения французской армии в Милан в 1499 году.Несколько вариантов коня, основанные на рисунках художника, выполнены в наше время.

Период Высокого Возрождения известен возвращением идеалов красоты в искусство. Будь то изображение религиозных деятелей или обычных граждан, в архитектуре или искусстве, художники Высокого Возрождения стремились представить произведения визуального, симметричного и композиционного совершенства.

См. Также Высокое Возрождение (художественное движение)

Нет, эта вирусная фотография — не просто картина эпохи Возрождения.

В прошлую субботу правительство Германии опубликовало официальную фотографию с саммита G7, запечатлевшую канцлера Германии Ангелу Меркель и других мировых лидеров, озаглавленную как «спонтанную встречу между двумя рабочими сессиями. .На снимке, сделанном немецким фотожурналистом Джеско Дензелем, Меркель, кажется, привлекает внимание всей комнаты: окруженная почти полностью мужской группой, она стоит над столом, ее небесно-голубой костюм выделяется на фоне моря дипломатической военно-морского флота, чтобы взглянуть на Дональда Трампа, который выглядит типично раздраженным, сидящим в углу со скрещенными руками. Неудивительно, что фотография стала вирусной, и искусствоведы издали коллективный стон, когда последовал уже неизбежный рефрен: «Это похоже на картину эпохи Возрождения.”

Jesco Denzel

Представление о том, что современная фотография может иметь сходство с искусством эпохи Возрождения, стало настоящим мемом. Это восходит к 2014 году, когда по общему признанию фантастическая фотография кулачной драки в украинском парламенте начала распространяться в Интернете со схемой спирали Фибоначчи, которая широко, хотя и сомнительно, использовалась художниками эпохи Возрождения в качестве модели идеальных пропорций, наложенной на Топ. В магазинах от Guardian до Buzzfeed начали собирать другие примеры фотографий, которые они сочли похожими на картины эпохи Возрождения: сцены пьяных в канун Нового года в Манчестере, профессиональные футболисты, празднующие забитый гол, кричащие политики.Каждые несколько месяцев появляется новая запись; Субреддит, посвященный этой теме, r / AccidentalRenaissance, в настоящее время имеет более 400 000 подписчиков.

Сюжеты различных вирусных фотографий, описываемых как «похожие на картины эпохи Возрождения», разнообразны, но у них есть две общие черты: они представляют собой драматические изображения многофигурных групп и совсем не похожи на картины эпохи Возрождения.

Послушайте другие мысли Рэйчел Ветцлер о «Outline World Dispatch».


В случае фотографии G7, @palle_hoffstein указал в самопровозглашенном опровержении «педантичного до чертиков», что ее композиция была более характерна для барокко, чем для самого Возрождения: картины из прежнего периода времени, как он утверждал , «равномерно распределены по холсту, на равном расстоянии от зрителя, как на сцене», как в «Примавере» Боттичелли (ок. 1482 г.). Напротив, картины в стиле барокко, такие как картины Караваджо или Рембрандта, ориентированы вокруг диагональной оси и обычно используют преувеличенную светотень — контраст между областями света и тени — известный как «тенебризм», чтобы создать ощущение повышенной повествовательной драмы.

Наблюдение Хоффштейна в основном верно, но только в самом поверхностном смысле. Боттичелли был чем-то особенным среди крупных художников-кватроченто, и более распространенной отличительной чертой картин итальянского Возрождения является пирамидальная композиция — сложное, широко симметричное расположение фигур, рационально расположенных в иллюзионистском изображении глубокого космоса (см., Например, Мадонна Леонардо. скал, или Мадонна Рафаэля на лугу).

На самом деле фотография Дензела G7 выглядит именно так: хорошо составленная фотография.Если это имеет какое-то ограниченное сходство с произведениями искусства эпохи Возрождения (или барокко), то это потому, что Италия эпохи Возрождения — это то время и место, где впервые были установлены большинство основных условностей западной живописной композиции. Сказать, что он похож на картину эпохи Возрождения, примерно так же полезно, как назвать любой трагический сценарий «шекспировским».

Мадонна Щегла — картина эпохи Возрождения. Два других — просто классные фотографии.

Это еще один вирусный твит о фотографии G7 от @mikeduncan — «Это похоже на историческую картину, на планирование, составление и завершение которой ушли годы» — который непреднамеренно затрагивает реальную проблему, называя все хорошие фотографии «картинами эпохи Возрождения». .«Фотография по определению не требует лет, чтобы ее спланировать, составить и завершить. Скорее, как писал Анри Картье-Брессон в своем предисловии к «Решающему моменту», среди канонических текстов фотографии 20-го века создание фотографии включает «одновременное признание, за доли секунды, значимости события как а также точной организации форм, которые придают этому событию должное выражение ».

Другими словами, мастерство фотографа зависит как от зрения, так и от рефлексов: способность мгновенно идентифицировать композицию, поскольку событие находится в процессе развертывания, и нажимать кнопку, прежде чем она быстро исчезнет.Хотя сравнение хорошо составленной фотографии с картиной эпохи Возрождения, по-видимому, задумано как комплимент, но, возможно, это работает, чтобы стереть реальное достижение, связанное с созданием убедительного фотожурналистического изображения.

В своей книге 1972 года «Живопись и опыт Италии 15 века» историк искусства Майкл Баксандалл описал картины эпохи Возрождения как «залог социальных отношений», в которых художник с одной стороны, а покровитель — с другой. Баксандалл ввел термин «глаз периода» для описания исторически обусловленной природы визуальной интерпретации: изображения не только формировались в зависимости от конкретного контекста, в котором они создавались, но и предназначались для обращения к зрителю, социально-культурно подготовленному к их восприятию.

Средний флорентийский торговец, например, был бы хорошо знаком как с математическими пропорциями, так и с Библией, что позволило бы ему оценить перспективную конструкцию, скажем, фрески Пьеро делла Франческа «Благовещение Ареццо», а также нюансы описываемой в ней истории. — современные христианские зрители могут распознать основные библейские контуры сцены «Благовещения», но вряд ли оценят, как «ходящий в церковь бизнесмен» Баксандалла 15 века, тонкие различия между одним типом Благовещения и другим.Современная фотография просто не может быть «похожей на картину эпохи Возрождения», потому что она участвует в другом виде социальных отношений, обусловленных другим набором условностей для создания и просмотра изображений.

Я подозреваю, что тенденция находить картины «Случайного Возрождения» на современных фотографиях говорит больше о нашем собственном «взгляде эпохи», чем любое реальное композиционное сходство (в конце концов, размещение спирали Фибоначчи поверх изображения не обнаруживает ничего, кроме базовые знания Photoshop).Фотографии и картины — это принципиально разные типы объектов, но это различие буквально стирается при просмотре на экране: такова логика поисковой сетки Google Image, которая алгоритмически сортирует JPEG-файлы на основе слабого сходства между точками данных. Приравнивать каждое вирусное изображение к картине эпохи Возрождения имеет смысл только тогда, когда они оба воспринимаются в первую очередь как изображения, не привязанные к материальным основам или различным видам художественного труда. Так что, пожалуйста, назовите такие изображения как они есть: отличные фотографии.

Культура

Мой отец нарисовал культовую обложку для «Акваланга» Джетро Талла, , и она преследует его с

Его стремление получить надлежащую компенсацию проливает свет на борьбу за права художников и на то, как закодированы обиды десятилетней давности в мифологию рок-н-ролла.

Подробнее

Подробнее

Культура

Вот самый странный портрет президента в Смитсоновском институте

Все дело в руках Рузвельта Демократической партии.

Подробнее

Рэйчел Ветцлер — историк искусства и критик искусства Америки.

Введение в искусство высокого Возрождения в 12 работах

Тициан, Вакх и Ариадна, 1520–23 | © Национальная галерея / WikiCommons

Высокое Возрождение заключалось в том, чтобы взять то, что делали художники раннего Возрождения, и расширить это, подняв это на новые невероятные высоты. Этот период длился недолго, он начался примерно с 1480 года и продолжался около 40 лет; однако в этом списке есть работы, которые немного моложе.Начиная с Леонардо да Винчи, который начал следующую фазу Возрождения в искусстве, мы представляем вам 12 работ, которые познакомят вас с этим невероятным периодом в истории искусства.

При обсуждении Высокого Возрождения мы должны начать с Леонардо да Винчи, который начал расширять то, что делали художники раннего Возрождения. Он начинает играть с пространством, используя более чем одну точку схода и используя свет и тень по-новому. Леонардо также любил рисовать всевозможные рисунки, особенно человеческие фигуры, что он делал с большой точностью — в отличие от кого-либо прежде.Один из его знаменитых рисунков — это Витрувианский человек, на котором изображено, как «человек с идеальными пропорциями» идеально вписался бы в круг внутри квадрата — это римский архитектор Витрувий описал в своей книге «Об архитектуре». Этот рисунок находится в коллекции Галереи Академии в Венеции.

Леонардо да Винчи, Витрувианский человек, ок. 1490 | © Люк Ватур / www.Lucnix.be / WikiCommons

Как было сказано выше, Леонардо стремился поднять искусство эпохи Возрождения, экспериментируя, а иногда и используя различные техники, которые не всегда срабатывали.Один из таких примеров, который, к счастью, сохранился до сих пор, — это культовая «Тайная вечеря». Эта фреска, созданная между 1495 и 1498 годами для трапезной Санта-Мария-делла-Грацие в Милане, основана на экспериментальной технике масла и темперы на гипсе — она ​​ужасно потускнела; тем не менее, это одна из самых лучших и любимых вещей всех времен. Используя многоточечную перспективу, Леонардо также обладал невероятным талантом изображать отдельные личности и персонажи, очевидным в этой работе.Он был восстановлен; однако осталось только около 42 процентов работ Леонардо.

Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, 1495-98 | © Женский монастырь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан / WikiCommons

Давид Микеланджело сильно отличается от версии Донателло раннего Возрождения — молодой человек, похожий на молодого человека, который только что убил врага. Версия Микеланджело колоссальна: он стоит на высоте 17 футов с чрезвычайно большими руками: причина этого в том, что она предназначена для того, чтобы ее ставили высоко, чтобы зрители смотрели вверх — правильный способ ее увидеть, заставляя его казаться сверхчеловеком.Будучи еще молодым человеком — 16 лет, этот Дэвид обладает сильным телом, из-за чего кажется, что он немного старше своих 16 лет, а с перевязью на плече он еще не вступил в бой. Дэвида можно увидеть в Галерее Академии во Флоренции.

Микеланджело, Давид, 1501-04 | © Йорг Биттнер Унна / WikiCommons

Если вы когда-нибудь были в Лувре, то знаете, сколько людей собирается увидеть эту картину лично. Одно из самых узнаваемых произведений искусства, если не самое известное в мире, Мона Лиза Леонардо была написана в 1503 году.Считается, что натурщик — Лиза Герардини, жена Франческо дель Джокондо, флорентийского торговца тканями; однако Леонардо так и не отдал портрет тому, кто его заказал, так как он все еще находился в его распоряжении, когда он умер. Некоторые из уникальных особенностей этой картины — это положение натурщика — длинного и слегка повернутого, что было новым для Италии — на фоне пейзажа и использование сфумато освещения — туманный, мягкий контраст между светом и тенью.

Леонардо да Винчи, Мона Лиза, 1503-04 | © Louvre Museum / WikiCommons

В 1508-12 годах сам человек эпохи Возрождения, Микеланджело, создал великолепный потолок Сикстинской капеллы — эпическое произведение эпохи Возрождения, от которого захватывает дух.По заказу Папы Юлия II потолок украшен историями из Ветхого Завета, разделенными нарисованными архитектурными элементами. Фрески ярко окрашены с использованием светотени, а фигуры очень скульптурны по форме. Некоторые из представленных историй включают Сотворение Адама и Евы, Изгнание из Эдемского сада, Ноя и Великий Потоп, а также повсюду разбросаны различные сивиллы, пророки и игнуди, или обнаженные юноши.

Микеланджело, Потолок Сикстинской капеллы, 1508-12 | © Йорг Биттнер Унна / WikiCommons

«Буря» Джорджоне так же загадочна, как и сам художник.Живописец эпохи Возрождения венецианской школы, Джорджоне оборвался в возрасте 30 лет, и ему приписывают от полдюжины до дюжины работ — эксперты не согласны, отсюда и диапазон. Буря вызывает такие же споры среди ученых, как и то, сколько работ на самом деле сделано его рукой. Красивый пейзаж, хотя и угрожающий, легко может стоять сам по себе — ему не нужны присутствующие фигуры. Кто такие цифры? Никто не знает наверняка. Обнаженную женщину, кормящую своего ребенка, иногда называют цыганкой, а напротив нее стоит солдат.Было предпринято множество попыток определить предмет — литературный или библейский — но это все еще остается загадкой. Найдите его в Галерее Академии в Венеции.

Джорджоне, Буря, 1506-08 | © Academia of Venice / WikiCommons

Введение в искусство Высокого Возрождения было бы неполным без Рафаэля. Современник Леонардо и Микеланджело, Рафаэль был моложе и вдохновлялся ими и своим учителем Перуджино; поэтому вы часто найдете намёки на все из них в его работах.Несмотря на то, что он дожил до 37 лет, Рафаэль оставил после себя множество невероятных работ, в том числе Афинскую школу фресок, расположенную в том, что сейчас называется Станце ди Рафаэлла, или комнатами Рафаэля, внутри Дворца Ватикана. На этой большой фреске изображена арка труппы l’oeil — нарисованная так хорошо и с такими невероятными деталями, что она кажется реальной — со всеми представленными великими философами, включая Платона и Аристотеля. Также считается, что на правой стороне находится автопортрет самого Рафаэля, а на переднем плане — портрет Микеланджело.

Рафаэль, Афинская школа, 1509-11 | © Vatican / WikiCommons

Еще одна работа Рафаэля, картина маслом «Сикстинская Мадонна» — первая Мадонна Рафаэля, когда-либо написанная на холсте. Картина, заказанная Папой Юлием II для Сан-Систо в Пьяченце, сейчас висит в Галерее Старых Мейстеров в Дрездене, Германия. Этот шедевр прекрасно визуализирован: Мадонна и Младенец Христос в центре, Святые Сикст и Варвара по бокам, а также зеленые шторы.На заднем фоне изображены десятки херувимов, которые выглядят туманными, что делает их похожими на облака. Если вы не знакомы с этой картиной, вы почти наверняка видели двух ангелочков внизу картины; Известные своим классическим скучающим видом, эти двое были изображены на канцелярских принадлежностях, фарфоре и всем остальном.

Рафаэль, Сикстинская Мадонна, 1512 | © Gemäldegalerie Alte Meister / WikiCommons

Скульптура Микеланджело Моисея была создана для гробницы Папы Юлия II — в те времена правители обычно заказывали гробницу перед смертью.Гробница была задумана как трехэтажное мраморное здание; однако Папа умер до того, как Микеланджело успел закончить, поэтому они заставили его работать с тем, что уже было сделано. Скульптура уникальна тем, что у Моисея есть рога, и все из-за неправильного толкования. Когда святой Иероним переводил Библию, он ошибочно принял слово лучи — когда объяснялось, что свет Бога исходил от Моисея — за рога, так что теперь у этого Моисея всегда будут рога. Его торс также довольно длинный, потому что изначально предполагалось, что скульптура будет размещена высоко на втором уровне, а не на земле.Моисей находится в Сан-Пьетро-ин-Винколи, Рим.

Микеланджело, Моисей, 1513-15 гг. | © Jörg Bittner Unna / WikiCommons

Один из величайших, если не лучший, живописцев Венеции XVI века, Тициан, урожденный Тициано Вечеллио, сделал долгую карьеру, создав множество невероятных произведений искусства. Одна из таких работ — «Вакх и Ариадна» находится в Национальной галерее в Лондоне. Картина маслом — Тициан был известен тем, что использовал слои масляных красок для достижения богатого качества, наблюдаемого в его работах. Вакх и Ариадна — это мифологический сюжет о Вакхе, боге вина, который влюбляется в Ариадну, которая осталась заброшенный на Наксосе, греческом острове.Картина входит в серию, написанную для Альфонсо д’Эсте, который заказал их для Камерино д’Алабастро во дворце герцогов.

Тициан, Вакх и Ариадна, 1520–23 | © Национальная галерея / WikiCommons

Страшный суд — еще один грандиозный шедевр Микеланджело, расположенный в Сикстинской капелле. Эта великолепная работа, созданная по заказу Папы Павла III, включает более 300 фигур, большинство из которых мускулистые (некоторые сверху) и обнаженные, с красочными кусками ткани кое-где. Христос, конечно же, находится в центре фрески вместе со своей Матерью и окружен различными святыми, в том числе св.Варфоломея, с которого содрали кожу живьем; он действительно изображен держащим кожу с карикатурой на лицо Микеланджело. В то время как большинство работ изображает Небеса на небесно-синем фоне, нижняя часть картины принимает ужасающий оборот, поскольку многие из этих людей не будут взлетать, а, скорее, тянутся в Ад.

Микеланджело, Страшный суд, 1535-41 гг. | © Сикстинская капелла / WikiCommons

Еще один шедевр Тициана — Венера из Урбино, вдохновившая Эдуара Мане на Олимпию 1863 года.Во внутреннем пространстве зрители видят лежащую обнаженную женщину с собакой у ног — символ верности. Эта работа, написанная для герцога Урбино Гвидобальдо II Делла Ровере в честь его женитьбы, источает эротизм и звучит очень « прямо вам в лицо », поскольку женская фигура смотрит прямо на зрителя, прикрывая свои гениталии одной рукой и держась за нее. цветы с другим. На заднем плане женщина наблюдает за молодой девушкой в ​​белом платье, которая что-то ищет в кассоне, сундуке, где часто хранилась одежда.Сегодня Венера Урбино находится в галерее Уффици во Флоренции.

Тициан, Венера из Урбино, 1538 | © Галерея Уффици / WikiCommons

10 самых известных картин эпохи Возрождения

Самые известные картины эпохи Возрождения датируются периодом около 300 лет и ознаменовали период революции в искусстве, аналогов которой нет до сих пор.

Эпоха Возрождения охватывает более трех веков, с 14 по 17 век нашей эры, и знаменует собой бум классических произведений искусства, выдержавших испытание временем.

Наиболее заметными были художники и их возвращение к классическому мышлению и философии древних греков и римлян.

Сегодня такие имена, как Да Винчи, Микеланджело, Боттичелли и Рафаэль, считаются гениями, и их вклад в искусство, гуманитарные науки, науку и философию не имеет себе равных.

Картины эпохи Возрождения совершили качественный скачок вперед с точки зрения материалов и техники, с линейной перспективой и высокоточным анатомическим изображением человеческой формы.

Многие великие работы были профинансированы либо богатыми купцами, либо католической церковью.

Следующий список самых известных картин эпохи Возрождения не является исчерпывающим, но в нем подробно описаны самые известные работы.

Известные картины эпохи Возрождения

1. Мона Лиза

«Мона Лиза» может считаться самой известной картиной в мире, а также самой известной улыбкой!

На его имя у да Винчи относительно мало законченных полотен по сравнению с другими плодовитыми сторонниками того времени.

Тем не менее, все его работы считаются настоящими шедеврами, и это награда, которую получают очень немногие.

«Мона Лиза» — портрет половинного роста, который, как полагают, принадлежит Лизе Герардини, жене богатого флорентийского купца по имени Франческо дель Джокондо.

«Мона Лиза» теперь принадлежит французской публике и выставлена ​​в Лувре, находится в доверительном управлении публики и никогда не может быть продана.

Однажды он был украден итальянским служащим и доставлен обратно в Италию, который утверждал, что он принадлежит именно этому месту.В конце концов его поймали, а произведение вернули в Лувр.

Каждый день приходится отвечать на длинные вопросы, чтобы хоть мельком увидеть ее знаменитую улыбку.

Это самая известная картина эпохи Возрождения, если не всех времен.

2. Тайная вечеря

Как и многие известные произведения искусства эпохи Возрождения. Тайная вечеря — это религиозная сцена, изображающая Тайную вечерю Иисуса и его двенадцать апостолов и написанная Леонардо да Винчи.

Это нетипичная фреска, которую обычно рисуют на стенах. Леонардо решил использовать свои любимые масляные краски.

Леонардо, как говорят, предпочитает масло, поскольку оно медленно сохнет и позволяет ему вносить изменения и более медленный, более продуманный подход к работе.

Также читайте: Картины Леонардо да Винчи

Леонардо понял, что если он будет использовать масляные краски, то естественная влага, которая проникает через большинство каменных стен зданий, должна быть запечатана, иначе это испортит его работу.

Чтобы противостоять этому, он нанес двойной слой левкаса, мастики и смолы.

За свою долгую историю картину неоднократно приходилось реставрировать.

В результате как экологического, так и преднамеренного ущерба, от первоначального верхнего слоя масляной живописи осталось очень мало.

3. Сотворение Адама

«Сотворение Адама» было написано Микеланджело примерно в 1508–1512 годах.

Он является центральным изображением потолка Сикстинской капеллы.

Изображение изображает Бога, дающего жизнь Адаму из Книги Бытия, и стало одним из самых знаковых и воспроизводимых изображений, когда-либо созданных.

Общая площадь составляет около 500 квадратных метров, и Микеланджело потребовалось более четырех лет, чтобы закончить то, что является одной из самых сложных и крупных фресок, когда-либо созданных.

Всего существует около 300 фигур, но Сотворение Адама сосредоточено на Боге справа, дающем жизнь Адаму, который представляет человека.

Адам лежит на краю земли в довольно расслабленном состоянии, и его ангелы несут Бога, протягивая руку к Адаму, чтобы дать дар жизни через его прикосновение.

Чтобы по-настоящему оценить величие одного из лучших произведений искусства эпохи Возрождения, вы должны пройти под потолком Сикстинской капеллы и посмотреть вверх.

4. Primavera

Считается, что Сандро Боттичелли написал Primavera в 1482 году, название на английском языке означает Весна, и картину иногда называют « Аллегория весны ».

Сама сцена и то, что она представляет, являются причиной многих споров среди ученых-искусствоведов и комментаторов, некоторые говорят, что она изображает мифическую аллегорию, а другие — смену времен года.

Это один из лучших образцов искусства эпохи Возрождения, который примечателен не только своим значением, но и тем, как Боттичелли использовал цвет, который был довольно поразительным для той эпохи, в которой он был написан.

5. Афинская школа

Афинская школа — это фреска, написанная Рафаэлем между 1509 и 1511 годами в Апостольском дворце в Ватикане.

На картине изображен почти всегда выдающийся греческий философ.

Он написан в Stanza della Segnatura, которая находится на втором этаже северного крыла Ватиканского дворца.

Это одна из четырех больших фресок, написанных в этой комнате, каждая из которых представляет такие области человеческого знания, как Правосудие, Философия, Поэзия и Афинская школа.

В композиции широко используются перспективные элементы, и взгляд прикован к двум центральным фигурам Платона слева и Аристотеля справа.

Слева — философы, представляющие философию Платона, а справа — философы, представляющие философию Аристотеля, всего 50 фигур на картине.

6. Рождение Венеры

Одно из лучших произведений искусства эпохи Возрождения «Рождение Венеры» изображает римскую богиню Венеру, когда она прибывает на берег, родившись полностью выросшей в море, ее доставляют на гигантской раковине.

Сандро Боттичелли написал другую знаменитую картину эпохи Возрождения, на которой изображен мифологический образ Примаверы.

Оба великих произведения искусства были заказаны могущественной банковской династией Медичи, которые были чрезвычайно сильными покровителями искусства во Флоренции.

Раньше большинство работ было написано на деревянных панелях, но Рождение Венеры на самом деле является темпурой на холсте.

Холст имел явное преимущество перед деревом, так как во влажном климате дерево имело тенденцию к деформации, а холст — нет.

7. Сикстинская Мадонна

«Сикстинская Мадонна» была одним из последних великих произведений Рафаэля в области искусства эпохи Возрождения. Он умер всего через несколько лет.

На картине изображена Дева Мария с младенцем Иисусом по бокам, на изображении — святые Сикст и святая Варвара, под ней на переднем плане — херувимы, смотрящие вверх на Марию.

Картина была написана для монахов-бенедиктинцев в монастыре Сан-Систо Пьяченца, который был повешен на почетном месте возле алтаря.

Позже он попал в Германию в 1754 году к королю Саксонии Агусту III, по прибытии в Германию он вызвал серьезные споры, ставящие под сомнение границы между искусством и религией.

Картина позже переехала в Москву после Второй мировой войны, а затем, наконец, вернулась в Германию в 1955 году.

Считается одной из самых известных картин Девы Марии эпохи Возрождения и представляет собой мастер-класс Рафаэля с точки зрения света и тени.

8. Страшный суд

«Страшный суд» — это массивная фреска, написанная Микеланджело, которая украшает всю переднюю стену Сикстинской капеллы в Ватикане.

Микеланджело занимал более четырех лет между 1536 и 1541 годами не только из-за его размера, но и сложности и количества фигур.

Он начал работать над ним через 25 лет после завершения строительства потолка Сикстинской капеллы и к тому моменту был значительно стар — 67 лет к тому времени, когда он был завершен.

Первоначально все мужчины были нарисованы как обнаженные, но позже они были прикрыты раскрашенными драпировками.

Первоначально прием был смешанным между похвалой и критикой, при этом основным предметом обсуждения были обнаженные тела, а также то, насколько мускулистыми были многие фигуры.

9. Поцелуй Иуды

Поцелуй Иуды также известен как Предательство Христа и изображает сцену, когда Иуда знакомит Христа с должностными лицами синедриона, что привело к его аресту и окончательной казни.

Он был написан Джотто ди Бондоне по заказу влиятельной семьи банкиров Скровенги в часовне Скровенги, построенной семьей на месте древнеримской арены.

Картина, вероятно, наиболее известна тем, что положила конец привычному средневековому стилю живописи и знаменовала новую волну художественной революции, которой было раннее Возрождение.

Серия фресок, написанных Джотто для богатой банковской семьи, в то время считалась самым современным произведением искусства любого художника.

10. Успение Богородицы

«Успение Богородицы», также известное как «Успение Фрари», — это картина Титана, которая находится на главном алтаре базилики Санта-Мария-Глориоска-деи-Фрари в Венеции.

Он был расписан Титаном между 1515 и 1518 годами и является крупнейшим алтарем Венеции.

Для Титана это был первый раз, когда он стремился подражать более современным динамичным сценам, которые Рафаэль и Микеланджело становились известными на юге Флоренции.

Картина обрамлена массивными мраморными колоннами и позолоченными краями и при взгляде с другого конца церкви выглядит весьма эффектно.


Итальянские картины эпохи Возрождения

Движение живописи итальянского Возрождения ознаменовало массовый отход от более готических сцен средневекового искусства, которые предшествовали ему, к возврату к более гуманистическому подходу как к искусству, так и к мышлению.

Вдохновленные великими греческими философами и мыслителями, художники эпохи Возрождения отказались от прежнего акцента на символизме и сосредоточили внимание на личности.

Расцвет богатых купцов и банковских семей, таких как Медичи, из итальянских городов, таких как Флоренция и Венеция, позволил заметно увеличить финансовую поддержку начинающих и будущих художников, чтобы продемонстрировать там более современный стиль.

Уменьшение силы и влияния церкви также повлияло на распространение гуманизма, в то время как предыдущие церкви сопротивлялись такому развитию.

При этом церковь по-прежнему была массовым потребителем искусства эпохи Возрождения, и многие из самых известных картин эпохи Возрождения были фресками, которые украшают интерьеры некоторых из лучших итальянских часовен и соборов.

Большинство произведений искусства эпохи Возрождения находится в Италии, многие известные картины маслом все еще находятся в хорошем состоянии, однако большая часть сохранившихся фресок подверглась существенным изменениям в целях консервации.

Искусство раннего Возрождения (1400-1500)

Искусство раннего Возрождения было мостом между предыдущим византийским готическим стилем искусства и более современным гуманистическим подходом к искусству, архитектуре, мышлению и науке.

Флорентийский художник Джотто был одним из первых, кто вырвался из мира примерно с 1300 по 1310 год, создав фрески капеллы Скровеньи.

Период между 1300 и 1400 годами считается прото-ренессансом и отмечен постепенным отклонением от классического символического византийского искусства с религиозными изображениями с использованием плоских 2D-живописных техник к более натуралистическому подходу.

Джотто проложил путь раннему возрождению, которым руководили такие, как Брунеллески, Донателло и Мазаччо, а также великие банкиры Флоренции, поддерживающие и финансирующие это новое движение.

И Брунеллески, и Донателло произвели революцию в использовании линейной перспективы и дали жизнь и глубину живописи и архитектурным рисункам.

Искусство высокого Возрождения

Высокий ренессанс — это примерно тридцатилетний период, когда все великие имена были очень активными и часто конкурировали друг с другом за различные комиссии.

Большинство историков считают, что искусство эпохи Возрождения началось примерно в 1495 году и закончилось в 1520 году, и было отмечено смертью Рафаэля.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*