Представителями стиля рококо в живописи являлись: Основные Представители Рококо

Содержание

Представителям стиля рококо в живописи являлись 1)Н.Пуссен,Ж.Калло 2)А.Ватто,Ф.Буше

Срочно!! Когда была первая мировая война? Когда была Куликовская битва?? ​

Заполните таблицу: ________________ ________________ ___типо таблица___ ________________ ________________ ________________ Б) Существует древняя китай … ская легенда об одном великом открытии. Прочитайте ее и выполните задание. Жена третьего императора Китая, его еще называли Желтым императором, гуляла по саду. Притомившись на солнце, она села в тени тутового дерева и служанки принесли ей чай. Чайная церемония не успела начаться, так как в тот момент, когда девушка держала чашку с напитком, в нее с дерева что-то упало. Юная императрица попробовала вынуть упавший предмет из чашки. Но чай был очень горячий, и подхватился только отделившийся кончик тоненькой ниточки. Нить была прочной, очень гладкой и нежной на ощупь. Что упало с дерева в чашку и что появилось благодаря этой случайности? Расскажите, как именно китайцы использовали это открытие. Ответ должен быть развернутым. В) Древний китайский историк писал о строительстве Великой Китайской стены: "Срывали горы, засыпали ущелья. Как дешево ценили труд народа". Какой вывод можно сделать из этих строк? Ответ должен содержать не менее 2 умозаключений.

сколько лет длилась сто летняя война?​

А) Заполните таблицу:

Установите соответствие между фрагментами исторических источников и их краткими характеристиками: к каждому фрагменту, обозначенному буквой, подберите … по пять соответствующих характеристик, обозначенных цифрами. Ответы напишите строго в хронологической последовательности. ФРАГМЕНТЫ ИСТОЧНИКОВ: А. "Войско царя Дмитрия, которое в то время около Калуги стояло, вступило в битву с войском Шуйского, у которого на поле полегло 13000, а с другой стороны также убито 6000 мужей. Предводителем в этой битве был некий Иван Болотников, доблестный гетман Дмитрия. После той кровавой битвы много из войска Шуйского как рядовых жолнеров, так и думных бояр на другую сторону передалось, из которых первыми были князь Долгорукий, также князь Андрей Телятевский и другие с выразительными фамилиями. .. Потом и другие битвы и кровавые стычки случались у Болотникова с войском Шуйского, и всегда он побеждал". Б. "О мятеже в Московии поступают до сих пор самые различные известия. В последнем из них [говорится] , что мятежник... недавно, 4 сентября, осадил с двадцатитысячным войском город Симбирск на реке Волге и пятнадцать раз подряд штурмовал его. Однако осаждённые в главе с храбрым губернатором Иваном Богдановичем Милославским мужественно отбили все атаки. При этом они были поддержаны воеводой князем Юрием Никитичем Барятинским, прибывшим туда и прорвавшимся к городу вдоль берега реки. Затем он [князь] вместе с осаждёнными атаковал мятежников и разбил их, так что им пришлось выбирать [смерть] от меча или в воде, и все они погибли, не считая шестисот человек, взятых в плен и позднее также убитых. Сам [главный] мятежник будто бы тяжело ранен и с большим трудом спасся на лодке с несколькими людьми. После этого поражения всё, что им раньше было захвачено, снова вернулось к великому князю, который 21 числа прошлого месяца очень пышно и торжественно отпраздновал на радость и удовольствие подданным свою свадьбу с царицей Натальей Кирилловной из рода Нарышкиных".

ХАРАКТЕРИСТИКИ: 1. Один из упоминаемых в отрывке исторических деятелей был приближённым царевны Софьи Алексеевны. 2. Начинается описываемое восстание с похода из Путивля. 3. Описываемые события относятся к первому десятилетию XVII в. 4. Предводитель восстания, о котором идёт речь, выдавал себя за "чудом спасшегося" императора. 5. Описываемые события относятся к 1670-м гг. 6. Предводитель восстания, о котором идёт речь, был казнён в Москве. 7. Современником описываемых событий был князь Д.М. Пожарский. 8. Восстание, о котором идёт речь, произошло в период правления Алексея Михайловича. 9. Восстание, о котором идёт речь, произошло в период правления Петра Великого. 10. Предводитель восстания не смог успешно завершить осаду города, в котором XIX веке родился мальчик, ставший в последствие лидером большевиков. 11. Предводитель данного восстания будет участником осады Москвы. 12. В период данного восстания проходила осада Соловецкого монастыря царскими войсками. 13. Данное восстание проходило в период Смутного времени. 14. В период восстания, о котором идёт речь, восставшие осадили Оренбург.

Установите соответствие между фрагментами исторических источников и их краткими характеристиками: к каждому фрагменту, обозначенному буквой, подберите … по пять соответствующих характеристик, обозначенных цифрами. Ответы напишите строго в хронологической последовательности. ФРАГМЕНТЫ ИСТОЧНИКОВ: А. "Войско царя Дмитрия, которое в то время около Калуги стояло, вступило в битву с войском Шуйского, у которого на поле полегло 13000, а с другой стороны также убито 6000 мужей. Предводителем в этой битве был некий Иван Болотников, доблестный гетман Дмитрия. После той кровавой битвы много из войска Шуйского как рядовых жолнеров, так и думных бояр на другую сторону передалось, из которых первыми были князь Долгорукий, также князь Андрей Телятевский и другие с выразительными фамилиями... Потом и другие битвы и кровавые стычки случались у Болотникова с войском Шуйского, и всегда он побеждал". Б. "О мятеже в Московии поступают до сих пор самые различные известия. В последнем из них [говорится] , что мятежник... недавно, 4 сентября, осадил с двадцатитысячным войском город Симбирск на реке Волге и пятнадцать раз подряд штурмовал его. Однако осаждённые в главе с храбрым губернатором Иваном Богдановичем Милославским мужественно отбили все атаки. При этом они были поддержаны воеводой князем Юрием Никитичем Барятинским, прибывшим туда и прорвавшимся к городу вдоль берега реки. Затем он [князь] вместе с осаждёнными атаковал мятежников и разбил их, так что им пришлось выбирать [смерть] от меча или в воде, и все они погибли, не считая шестисот человек, взятых в плен и позднее также убитых. Сам [главный] мятежник будто бы тяжело ранен и с большим трудом спасся на лодке с несколькими людьми. После этого поражения всё, что им раньше было захвачено, снова вернулось к великому князю, который 21 числа прошлого месяца очень пышно и торжественно отпраздновал на радость и удовольствие подданным свою свадьбу с царицей Натальей Кирилловной из рода Нарышкиных". ХАРАКТЕРИСТИКИ: 1.
Один из упоминаемых в отрывке исторических деятелей был приближённым царевны Софьи Алексеевны. 2. Начинается описываемое восстание с похода из Путивля. 3. Описываемые события относятся к первому десятилетию XVII в. 4. Предводитель восстания, о котором идёт речь, выдавал себя за "чудом спасшегося" императора. 5. Описываемые события относятся к 1670-м гг. 6. Предводитель восстания, о котором идёт речь, был казнён в Москве. 7. Современником описываемых событий был князь Д.М. Пожарский. 8. Восстание, о котором идёт речь, произошло в период правления Алексея Михайловича. 9. Восстание, о котором идёт речь, произошло в период правления Петра Великого. 10. Предводитель восстания не смог успешно завершить осаду города, в котором XIX веке родился мальчик, ставший в последствие лидером большевиков. 11. Предводитель данного восстания будет участником осады Москвы. 12. В период данного восстания проходила осада Соловецкого монастыря царскими войсками. 13. Данное восстание проходило в период Смутного времени.
14. В период восстания, о котором идёт речь, восставшие осадили Оренбург.

В каком году началась Куликовская битва? ​

Где произошло событие, 600-летие которого праздновалось 15 июля 2010 г.​

кто такой призедент?​

Какие русские земли вошли в состав Великого княжества Литовского? Выберите один ответ: a. Московское, Киевское, Новгородское княжества b. Рязанское, В … ладимиро-Суздальское, Муромское княжества c. Псковское, Новгородское, Черниговское княжества d. Киевское, Полоцкое, Витебское, Брестское княжества

Рококо в живописи. Представители рококо в живописи и их картины

В изобразительном искусстве существует бессчетное количество направлений. Чаще всего новый стиль возникает на основе уже существующего, и какое-то время они развиваются параллельно. Например, рококо в живописи Западной Европы сформировалось на базе помпезного и пышного барокко.

Однако появление нового стиля, как это нередко случается, вначале было встречено критически. Рококо обвиняли в отсутствии вкуса, легкомыслии и даже безнравственности. Тем не менее отрицать его вклад в дальнейшее развитие изобразительного искусства невозможно.

Во Франции XVII века стало модным украшать парки стилизованными гротами с лепными украшениями, которые представляли собой раковины с переплетающимися стеблями растений. Со временем этот декоративный элемент стал доминирующим орнаментальным мотивом, хотя и претерпел значительные изменения.

Людовик XV унаследовал престол в 1715 г., поэтому стиль рококо в живописи иногда называют его именем. Действительно, хронологические рамки правления короля и развития нового стилистического направления совпадают. А поскольку Франция в начале XVIII в. была бесспорной законодательницей мод, увлечение рококо вскоре охватило всю Европу.

Особенности стиля

Искусство барокко, зародившееся в Италии в XVII в., отличалось в первую очередь величественностью. Однако большого распространения во Франции оно так и не получило, хотя некоторые его черты можно проследить в стиле рококо. Например, оба направления декоративны и насыщенны, разница лишь в том, что рокайльная пышность изящна и расслаблена, а барочная – энергична и напряжена.

Интересно, что предшествующие стили первоначально возникали в архитектуре, а затем распространялись в скульптуре, декоре и живописи. С рококо все было наоборот. Это направление вначале сложилось в оформлении интерьеров аристократических будуаров и гостиных. Оно оказало влияние на развитие прикладного и декоративного искусства, практически не затронув архитектуру экстерьеров.

Рококо в живописи – это изображение галантных сцен из жизни аристократии. Здесь нет места жестоким реалиям, религиозным мотивам, прославлению силы и героизма. На полотнах запечатлены романтические ухаживания с налетом эротизма на фоне пасторальных пейзажей. Еще одна характерная особенность стиля – отсутствие ощущения течения времени.

Идейная основа французского рококо

Гедонизм с его стремлением к удовольствию как к высшему благу и смыслу жизни наряду с индивидуализмом стал главной философией французской аристократии XVIII в. Он же определил эмоциональную основу стиля рококо в живописи, выражавшегося в игривой грации, милых капризах и прелестных мелочах.

Не случайно любимой аллегорией рококо стал мифический остров Кифера – место, куда устремляются ищущие чувственных наслаждений паломники. Этот участок суши посреди Эгейского моря действительно существует.

Здесь, согласно древнегреческой мифологии, родилась прекрасная Афродита. Здесь же сложился культ богини любви, распространившийся впоследствии по всей Греции. Поклонники Афродиты приезжали на остров, чтобы принести жертвы в святилище, устроенном в ее честь.

В эпоху рококо Кифера символизировал рай для влюбленных, которые отправлялись на воображаемый остров к храму Венеры. Там царствовал изощренный эротизм, вечные праздники и безделье. На Кифере женщины молоды и прекрасны, а мужчины исключительно галантны.

Из дворца в частную гостиную

Тенденция к интимному оформлению интерьера обозначилась уже в начале XVIII в. Аристократические салоны и будуары частных домов, где главную роль играли женщины, стали центрами формирования галантной культуры и соответствующих правил поведения.

Целая армия французских ювелиров, мебельщиков, портных, живописцев и декораторов готова была удовлетворить любые запросы капризных заказчиц. Моду рококо в первую очередь диктовала королева Мария Лещинская и фаворитки Людовика XV: графиня Дюбарри и маркиза де Помпадур.

Настенные плафоны и панно, а также живописные композиции над проемами окон и дверей были главными видами изобразительного искусства. Теперь, кроме королевского двора и церковных прелатов, декоративные картины для своих гостиных художникам заказывала новая аристократия и представители третьего сословия.

Жанры и сюжеты

Несмотря на новые идеи, рококо в живописи не отвергло полностью традиционные темы, разрабатывавшиеся в прошлом. Например, продолжали использоваться мифологические сюжеты, только теперь из всего античного пантеона в основном рисовали амуров и нимф, а Венера скорее напоминала светскую даму, демонстрирующую прелести обнаженного тела в пикантной обстановке.

Со временем появилась пастораль – новый жанр камерной живописи, предназначенный для жилого интерьера. Пасторальные картины в стиле рококо представляли собой идиллические сельские пейзажи, на фоне которых пастушки и пастухи в богатых нарядах играют на свирелях, читают или танцуют. Несмотря на невинные занятия, всю обстановку окутывает легкий флер эротики.

Пионер галантного стиля

Основоположником рококо в живописи считается Ватто Жан-Антуан. Художник начинал с подражания фламандским живописцам, однако со временем нашел истинно свой стиль, изображая галантные сцены. Для его картин характерна особая художественная глубина, а не просто изображение праздных аристократов, флиртующих на лоне природе.

Антуан Ватто написал два полотна на популярный сюжет аллегорического путешествия на остров влюбленных. Одна из них, «Паломничество на остров Киферу», экспонируется в Лувре, а другая – в Берлине, во дворце Шарлоттенбург. Обе они представляют собой яркий образец стиля рококо.

Театральность, характерная вообще для искусства XVIII века, в работах Ватто особенно заметна. Например, в построении композиции («Пастушки», «На Елисейских полях»). Здесь всегда есть передний план – своеобразная сценическая площадка, а группы фигур расположены так же, как и в театре.

Многогранное творчество Буше

Разумеется, Ватто был не единственным художником, работавшем в новом направлении. Франсуа Буше – другой яркий представитель французского рококо, в чьем творчестве наиболее полно отразился откровенно фривольный гедонизм, присущий той эпохе. Он выполнял заказы Людовика XV, маркизы де Помпадур, в частности написал знаменитый портрет фаворитки.

Также Буше создавал декорации для опер, гравюры к книгам Мольера, картоны для гобеленов, эскизы для севрского фарфора, словом, работал в разных направлениях изобразительного искусства.

Антуан Ватто, сам того не подозревая, наложил отпечаток на творчество Буше, который в юности копировал его рисунки. Позднее Буше изучал технику барокко в Риме, стал профессором Французской Академии художеств, получил всеевропейскую славу.

Его творчество охватывает все темы, характерные для живописи рококо: мифологию, деревенские ярмарки, аллегории, китайские сценки, сюжеты из фешенебельной парижской жизни, пасторали, портреты и пейзажи.

Представители рококо в живописи

Фрагонар Жан Оноре, один из крупнейших французских художников XVIII в., создавал полотна с игриво-эротическими мотивами. Таковы, например, «Качели», «Поцелуй украдкой», «Две девушки», «Одалиска» и пр.

Его картины, исполненные чувственной неги, отличаются тонкими светотеневыми эффектами, легкой живописной манерой, декоративностью колорита. Стиль Фрагонара со временем менялся. Если в полотне «Задвижка» прослеживается классическая манера, то в портретах, написанных в 1760-е годы, заметно романтическое влияние.

Еще одним видным представителем рокайльной живописи был Николя Ланкре, который многое сделал для распространения в Европе французского вкуса. Его полотна охотно покупали Екатерина II, Фридрих II Прусский, не считая частных коллекционеров – почитателей стиля рококо.

Картины известных художников той поры сегодня представлены в экспозициях крупнейших музеев мира. Хотя критики по-разному оценивают эстетику рококо, тем не менее невозможно отрицать самобытную оригинальность этого стиля, не имеющего прототипов в истории.

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в. , в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др. ) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ. Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр. Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал. marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

Стиль рококо во французской живописи

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ

РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ

ФЕДЕРАЛЬНОЕ ГОСУДАРСТВЕННОЕ БЮДЖЕТНОЕ

УЧРЕЖДЕНИЕ

ВЫСШЕГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ ПЕНЗЕНСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ

 

Факультет заочного обучения

Кафедра «Коммуникационный менеджмент»

 

 

КУРСОВАЯ РАБОТА

по дисциплине «История искусств»

на тему: «СТИЛЬ РОКОКО ВО ФРАНЦУЗСКОЙ ЖИВОПИСИ »

 

 

Автор:.

Дата         .     Подпись  ______________

Руководитель:.

Дата   __________     Подпись  ______________

Защищена с оценкой _____________________

 

Пенза, 2013г.

СОДЕРЖАНИЕ

 

Введение......................................................................................................3

Глава 1. Век под лозунгом «искусство как наслаждение»……...……. 5

Глава 2. Новаторство стиля рококо и его распространение ..................10

Глава 3. Ведущие представители живописи рококо.............................. 20

Заключение..................................................................................................33

Список использованной литературы........................................................ 35

Приложения……………………………………………………………… 37

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ВВЕДЕНИЕ

    Актуальность темы: данная тема была выбрана, поскольку любой стиль, возникавший в ту или иную эпоху, вызывал явный интерес общества во все времена.

Стиль рококо до сегодняшнего дня является, пожалуй, одним из наиболее дискуссионных явлений в искусствознании, оцениваемым крайне неоднозначно. Долгое время вообще ставилось под сомнение рассмотрение рококо в качестве самостоятельного стиля, его определяли либо как  заключительную, «упадочную» фазу барочного искусства, либо как период барочного влияния внутри французского классицизма.  

Рококо – одно из интереснейших стилевых направлений в искусстве, которое следует изучать, так как для времени своего господства он проявил только ему присущие особенности в архитектуре, скульптуре и, конечно же, в живописи. Живопись рококо является наиболее интереснейшей частью художественной культуры. Эта сфера включает в себя идеи, основа которых лежит в прошлом, но неразрывно связана с настоящим. И эта связь является существенным историческим звеном, заложившим основы изучения данного вида искусства.

Объект работы: живопись рококо.

Предмет работы: французское рококо начала 18 века.  

Задачи:

- описать периоды возникновения стиля рококо живописи рококо;

- показать особенности и принципы  живописи в стиле рококо;

- проанализировать семантику определённых  мотивов в изображениях;

- рассмотреть синкретизм всех  сфер стиля рококо;

- ознакомиться с представителями  живописи рококо.

    Методы исследования:

В ходе проводимого исследования  используются следующие методы:

    -   анализ литературы по данной теме;  
    -    изучение    иллюстраций   картин,  архитектурных   памятников,   предметов   интерьера;

    -  сравнение произведений барокко и рококо, принадлежащих к разным видам искусств.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ГЛАВА 1

Век под лозунгом «искусство как наслаждение»

          XVIII век во Франции знаменуется очевидным обозначением процесса разложения французской абсолютной монархии.  
Смерть в 1715 году «короля – солнца» была просто завершающим событием в том длинном ряду явлений, которые подготовили приход нового века, а с ним и новых веяний в искусстве. 
        Новый век приносит и новый стиль в искусство. Во Франции появление стиля «рококо» ассоциируется с эпохой Людовика XV (1715 – 1755 гг.), с которой он практически совпадает по временным рамкам. Данный период и будем считать хронологическим этапом и рамками, так как именно в эпоху царствования этого короля данный стиль зародился и получил свое развитие. Немалый вклад в развитие стиля рококо внесла и история. Ведь в это время многое меняется: король перестает быть главным заказчиком произведений искусства, а двор – единственным коллекционером.

        Для более полного восприятия индивидуальности и особенностей стиля рококо, необходимо рассмотреть исторический период его зарождения и развития, так как особенности каждой эпохи накладывают свой отпечаток и на искусство.

    Смерть Людовика XIV — самого блистательного представителя абсолютной монархии, который более других государей принимал непосредственное участие во всей художественной жизни великой нации, воспринимается всеми как падение досадного препятствия, как наступившее, наконец, начало нового века.  
«Король так долго царствовавший умер», - без всякой тени удивления и сострадания пишет своему другу один из героев «Персидских писем» Монтескье. Именно так, равнодушно и почти пренебрежительно, встретила вся Франция первого сентября 1715 года – день смерти Людовика XIV. Престарелый «Король – солнце» пережил самого себя. Он оставил своему правнуку нищую страну, истощенную войнами и налогами. Помпезно и педантично построенное им здание абсолютизма уже давало угрожающие трещины, - никто не сомневался, что Франция стоит на пороге неизбежных перемен.

   Смерть столь блистательного монарха дала мощный толчок к перевороту во всех сферах жизни Франции, который с того времени начинает сказываться в дикой разнузданности и в полном изменении нравов внутри государства и общества, находит отражение и в искусстве, приводя к новому направлению, которое вначале, во время регентства за несовершеннолетнего наследника, принимает своеобразный отпечаток (стиль Регентства), но уже через десятилетие перерабатывается в стиль Людовика XV. Стиль Регентства мы помянем лишь как менее выраженный переходный стиль. 

  Стремления, которым следовали мастера эпохи Регентства, достигают своей полной зрелости в 1725 году, и с этого момента начинается во Франции стиль Людовика XV, стиль рококо в собственном смысле. Во Франции стиль рококо развивался ярче и последовательнее, чем где либо.

  Рококо складывается как стиль в результате смешения и синтеза новых эстетических тенденций, новых вкусов, которые постепенно кристаллизовались в качестве нового стиля, подчиняющем себе все французское искусство, и в последующие десятилетия бурно развивается, достигая высшего подъема в середине столетия. Но стоит вспомнить и о том стиле, который предшествовал стилю рококо. Этим стилем был барокко.  
Нужно особо отметить, что рококо и барокко довольно - таки похожи и имеют огромное количество сходств, как в истории происхождения, так и в характере орнамента и стиля.

 В эпоху барокко произведения искусства активно стремятся соединиться с другими, т. е. мастер эпохи барокко мыслит и как скульптор, и как архитектор, и как декоратор одновременно.  
В изобразительном искусстве барокко преобладают виртуозные декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты, подчёркивающие привилегированность общественного положения человека. Идеализация образов сочетается в них с бурной динамикой, неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность — с фантазией, религиозная аффектация — с подчёркнутой чувственностью, а нередко и с острой натуральностью и материальностью форм, граничащей с иллюзорностью.  
Кроме вышеперечисленных особенностей типичными также являются:

1. Усиление религиозной тематики, особенно тем, связанных с мученичеством, чудесами, видениями;

2. Повышенная эмоциональность;

3. Большое значение иррациональных эффектов, элементов;

4. Яркая контрастность, эмоциональность  образов;

5. Тяготение к обобщающим и связывающим формам: поиск единства в противоречиях жизни - в архитектуре – овал в линии здания, архитектурные ансамбли; скульптура подчинена общему декоративному оформлению; в живописи - отказ от прямолинейной перспективы, подчеркивание «бесконечности» пространства; в музыке - создание циклических форм (соната, концерт), многочастных произведений (опера).

        6. Сложность и избыточность, излишество (в частности, композиционных решений в архитектуре, музыке).

     В отличие от других католических стран, во Франции барокко ярче всего выразило себя на службе монархии, а не церкви. Людовик XIV понимал важность искусства как средства прославления королевской власти. Его советником в этой области был Шарль Лебрен, который руководил художниками и декораторами, работавшими во дворце Людовика в Версале. 

     Стоит отметить и то, что во всех видах искусств барокко слилось с более легковесным стилем рококо. Это слияние было весьма плодотворным в Центральной Европе, особенно во Франции.

    Подобно тому, как барокко часто называют последней стадией Возрождения, рококо нередко считают заключительным этапом барокко - длительным периодом восхитительных, но все же упаднических сумерек, прерванным эпохой Просвещения и неоклассицизмом. Во Франции рококо ассоциируется с эпохой Людовика XV (1715—1765), с которой оно почти совпадает хронологически. Однако, его не следует отождествлять с абсолютистским государством или с Церковью в большей степени, чем барокко,— даже при том, что они продолжали быть основными покровителями искусств. Более того, основные характеристики стиля рококо сложились до рождения короля - его первые признаки появились на пятьдесят лет раньше, во время длительного переходного периода, составлявшего позднее барокко.

    Действительно, Рококо хронологически следует за Барокко. Но и внутренняя суть, и внешние проявления этих стилей различны. 

    На смену силе эмоций, накалу страстей, помпезности и величественности Барокко пришел изящный и камерный стиль дамских будуаров и аристократических гостиных – Рококо. Стиль людей, ценящих утонченность обстановки, повседневные радости жизни и удобство быта. Идейная и эмоциональная основа Рококо – индивидуализм и гедонизм. Ж. Л. Давид называл его «эротическим маньеризмом». Девизом эпохи Рококо можно считать ценность «счастливого мига», для мироощущения человека этой эпохи была характерна любовь к жизни, умение наслаждаться её радостями, вкус к красивым вещам и новизне форм и в то же время настроения пессимизма, тоски, предчувствие конца. Современники называли Рококо «королевским стилем», он сформировался во время правления короля Людовика XV, достиг своего расцвета и, затем, его сменил художественный антипод - строгий, гармоничный и рациональный неоклассицизм. 

Рококо получил свое название от характерного для данного стиля орнамента рокайль.

Рокайль (от фр. rok – скала, утес) - главный элемент орнамента стиля рококо, напоминающий форму завитка раковины (см. Приложение 1).  Появился во Франции в начале XVIII века, при украшении парковых павильонов – гротов деталями, имитирующими природные элементы – морские раковины, причудливые растения, камни, обломки скал. Этим объясняется происхождение название “рокайль”. Впоследствии этот термин стал обозначать все изгибающиеся, вычурные, необычные формы, напоминающие раковину, неровную жемчужину, камень. 
В ходе своего развития данный стиль получил свое отражение не только в живописи, но и в других видах искусства, таких как архитектура, скульптура, оформление интерьера, даже в литературе и т. д. 

     Заключение по главе:

           Таким  образом, рассмотрев основные этапы  развития стиля рококо с момента  его возникновения во французской  культуре можно сделать заключение, что рококо является целостная стилевая система, основанная на определенных мировоззренческих, эстетических и философских установках, не только не тождественных барокко, но часто прямо ему противоположных.

 

 

Глава 2

Новаторство стиля рококо и его распространение

   Рококо -  стилевое направление в европейском искусстве 1-й половины 18 века.

   Для рококо характерны гедонистические настроения, уход в мир иллюзорной и идиллической театральной игры, пристрастие к идиллически-пасторальной и чувственно-эротической сюжетике. Возникшее во Франции, рококо в области архитектуры сказалось главным образом в характере декора, приобретшего подчеркнуто изящные, утонченно-усложненные формы; распространяясь в зодчестве других стран Европы (постройки Георга Кнобельсдорфа, Бальтазара Нёймана, отчасти Маттеуса Даниеля Пёппельмана), рококо часто выступало как местный вариант позднего барокко.  
        Преимущественно декоративный характер имела богатая тонкими переливами цвета и одновременно несколько блеклая по колориту живопись рококо (картины и росписи Франсуа Буше, Джованни Антонио Гварди, Никола Ланкре, Джованни Пеллегрини, Жана Оноре Фрагонара). Живопись рококо, тесно связанная с интерьером отеля, получила развитие в декоративных и станковых камерных формах. В росписях плафонов, стен, наддверных панно (дессюдепорт), в гобеленах преобладали пейзажи, мифологические и современные галантные темы, рисовавшие интимный быт аристократии, пасторальный жанр (пастушеские сцены), идеализированный портрет, изображающий модель в образе мифологического героя. Образ человека утрачивал самостоятельное значение, фигура превращалась в деталь орнаментального убранства интерьера.  
        Художникам рококо были присущи тонкая культура цвета, умение строить композицию слитными декоративными пятнами, достижение общей легкости, подчеркнутой светлой палитрой, предпочтение блеклых, серебристо-голубоватых, золотистых и розовых оттенков. Одновременно с развитием живописи рококо усиливалась роль реалистического направления; достигли расцвета портрет, натюрморт, бытовой жанр, пейзаж. Одним из основоположников стиля рококо был талантливый живописец Антуан Ватто, давший наиболее совершенное воплощение принципам этого стиля. Эмоциональность и меланхолическая мечтательность придают характерам персонажей картин Ватто особую утонченность. Непосредственными последователями мастера, которые по большей части превратили манеру Ватто в изысканную и поверхностную моду, являлись художники Никола Ланкре, Жан Батист Патер, Кийар и другие живописцы. Крупнейшим мастером собственно рокайльного искусства стал ученик художника исторического жанра Лемуана Франсуа Буше, мастер занимательных любовных сюжетов, великолепный колорист и рисовальщик. Живопись Буше диктовала законы целой плеяде мастеров (Шарль-Жозеф Натуар, братья Ванлоо, Антуан Куапель, отчасти Элизабет Виже-Лебрен, и другие) и это влияние продержалось вплоть до Великой Французской революции 1789 года. Среди значительных мастеров рококо были художники самого разного дарования, обращавшиеся к самым разным жанрам живописи: Франсуа-Гюбер Друэ, Луи Токе, Луи-Мишель Ванлоо, Морис Кантен де Латур, Жан-Марк Наттье, Жан Батист Перроно. Последним крупным живописцем рококо был Жан Оноре Фрагонар, тонкий портретист и пейзажист, как и Ватто, не вписывающийся в рамки просто модного стиля. 
          Скульптура рококо во Франции менее значительна и своеобразна, чем живопись. Большое распространение в искусстве рококо и всего 18 столетия получили портретные бюсты и маленькие скульптурные группы или статуи купальщиц, нимф, амуров, их ставили в парке, украшали ими беседки, салоны, купальни. Крупнейшие скульпторы рококо: Жан Батист Лемуан, Этьен Морис Фальконе, Огюстен Пажу, Клод Мишель Клодион. В скульптуре рококо других европейских стран также преобладали предназначенные для украшения интерьеров рельефы и статуи, небольшие статуэтки, в том числе из терракоты и фарфора (изделия немецкого скульптора, мастера фарфоровой пластики Иоганна Иоахима Кендлера). Прихотливое изящество отделки, частое заимствование экзотических декоративных мотивов китайского искусства, виртуозное выявление выразительных возможностей материала присущи рокайльному декоративно-прикладному искусству.

Imperio Grande мебель кухни детские прихожие в Новосибирске :: Важно и интересно

История возникновения

Рококо («причудливый», «капризный»; франц. rococo от rocaille — осколки камней, раковины), стилевое направление, господствовавшее в европейском искусстве в течение первых трех четвертей 18 в.Возник во Франции в период кризиса абсолютизма, отразив свойственные аристократии гедонистические настроения, тяготение к бегству от действительности в иллюзорный и идиллический мир театральной игры.  

Искусство рококо — это мир вымысла и интимных переживаний, декоративной театральности, изысканности, изощренной утонченности, в нем нет места героизму и пафосу — они сменяются игрою в любовь, фантазией, прелестными безделушками. Тяжелой и патетической торжественности барокко приходит на смену камерная хрупкая декоративность. Лозунгом краткого, недолговечного «века» рококо становится «искусство как наслаждение», цель которого — возбуждать легкие, приятные эмоции, развлекать, ласкать глаз причудливым узором линий, изысканными сочетаниями светлых нарядных красок, что особенно выразилось в архитектурном убранстве интерьеров, с новыми требованиями которого сообразовалась и живопись рококо.

Рокайль - главный элемент орнамента стиля рококо, напоминающий форму завитка раковины. Появился при украшении парковых павильонов деталями, имитирующими природные элементы – морские раковины, причудливые растения, камни, обломки скал. Этим объясняется происхождение название “рокайль” . В последствии этот термин стал обозначать все изгибающиеся, вычурные, необычные формы, напоминающие раковину, неровную жемчужину, камень.

Особенности стиля

Архитектура в стиле рококо представляет собой воздушность и игривость, целесообразность и симметричность в данном стиле уходит на второй план, на первом – воплощение капризов в интерьере и декоративной эффектности. Жилые помещения – становятся по размерам значительно меньше, но в тоже время приобретают уют и изысканность оформления. Изящная мебель, зеркала, пышные драпировки, цветочный орнамент, расписные плафоны, комоды, секретеры – делают стиль схожим с будуарным.  

В архитектуре рококо нашло наиболее яркое выражение в декоративном украшении интерьеров. Сложнейшие асимметричные резные и лепные узоры, затейливые завитки внутреннего убранства контрастировали с относительно строгим внешним видом зданий, например Малый Трианон, выстроенный в Версале зодчим Габриелем (1763-1769 гг.).

Интерьеры рококо поражают безудержной роскошью, ювелирной тонкостью отделки. Все переходы и грани закругляются. Светлый камень, приглушенных тонов, нежно-розовые, голубые и белые шпалеры, изящные резные панели усиливают впечатление легкости и жизнерадостности. Невысокий рельеф растительного лепного орнамента то выступает из стоп, то как бы растекается по их поверхности. Мотивы цветов, масок, обломков скал, раковин животных вкрапливаются в узоры и образуют «чарующий стенной убор».

Философия стиля интерьера определили женщины. Главное в стиле Рококо это создание праздника, утонченное наслаждение и любовь, большая декоративная загруженность в интерьере, личный комфорт.

В эпоху рококо впервые возникает представление об интерьере, как целостном ансамбле: стилевом единстве здания, декора стен, потолков, мебели.

Виды рококо

Рококо можно разделить на несколько направления. Это деление обусловлено страной, где развивался стиль.  

Французское рококо. В ранний период развития французского рококо (примерно до 1725) в отделку помещений вводился дробный орнамент, предметам обстановки придавались прихотливо изогнутые формы (так называемый стиль регентства). Развитое рококо (примерно 1725—50) широко использовало в декоре резные и лепные узоры, завитки, разорванные картуши, рокайли, маски-головки амуров.В убранстве помещений большую роль играли рельефы и живописные панно в изысканных обрамлениях, а также многочисленные зеркала, усиливавшие эффект лёгкого движения В архитектуре французских отелей (пышное оформление рокайльных интерьеров сочеталось с относительной, строгостью внешнего облика. Яркими представителями стиля стали архитекторы Ж. М. Оппенор, Ж. О. Мейсонье, Ж. Бофран.  

Фридерицианское рококо. Это историко-региональный художественный стиль, разновидность рококо, возникшая в Пруссии во времена правления Фридриха II и вобравшая в себя влияние Франции и Нидерландов. Самым известным представителем фридерицианского рококо стал архитектор Георг Венцеслаус фон Кнобельсдорф, работавший под непосредственным руководством Фридриха II. В живописи к фридерицианскому рококо относят творчество Антуана Пэна. Наиболее известными сооружениями в стиле фридерицианского рококо являются дворец Сан-Суси, Райнсбергский дворец, Городской дворец в Потсдаме и частично дворец Шарлоттенбург.

Португальское рококо. Это стиль и период в развитии португальского искусства. В XVIII веке формы рококо, пришедшие из Франции, а также из Испании, где распространению стиля способствовал архитектор Тьеполо, находят благодатную почву в Португалии.

Рококо в России

Период расцвета стиля рококо(rokoko) в России пришелся на правление Елизаветы Петровны, но человеком, поднявшим этот стиль на такую высоту, стал Франческо Бартоломео Растрелли.В России веяния рококо, особенно сильные в середине 18 в., проявились главным образом в отделке дворцовых интерьеров (в том числе созданных В. В. Растрелли), лепном декоре зданий, в ряде отраслей декоративно-прикладного искусстаа (резьба по дереву, художественное серебро и фарфор, мебель, ювелирное искусство).

Одним их ярких примеров архитектуры рококо в России является Китайский дворец, построенный для Екатерины II итальянским архитектором Антонио Ринальди с начала 60-х до середины 70-х годов 18 века.


Возврат к списку

британский рококо и живопись на стекле – Учительская газета

Горный пейзаж с пасущимися овцами

Томас Гейнсборо – один из лучших портретистов XVIII века, чье творчество нельзя вписать в шаблонные рамки и оценить при помощи стандартных критериев. Убедиться в этом вы можете лично: экспозиция открыта до 1 марта в ГМИИ им. А.С. Пушкина.

Для меня знакомство с изобразительным искусством – это всегда сложный разговор, имеющий шанс состояться только в приятной для него атмосфере. Освещение, композиция, звуковое сопровождение, выбор экспонатов, описание. Все это призвано упростить этот диалог.
Существует два уровня восприятия искусства – профессиональный и любительский. Первый основывается на глубоком понимании структуры творческого процесса и хорошем знании теории. Второй уровень определяется только двумя критериями: «нравится» и «не нравится». Экспозиция работ Томаса Гейнсборо будет интересна каждому, вне зависимости от его искусствоведческого опыта.

Выставка картин Гейнсборо в России проходит впервые. Экспозицию собирали из коллекций самых известных музеев Великобритании. Лондонская Национальная галерея, Галерея Тейт или Королевская академия художеств давно работают в партнерстве с ГМИИ им А.С. Пушкина. А Дом-музей Гейнсборо в Садбери, Музей Холбурн в Бате и лондонская Картинная галерея Далич сотрудничали с российским музеем впервые. Но именно оттуда на выставку прибыли ранние работы художника и его портреты – блестящие образцы жанра.

Произведения Томаса Гейнсборо прекрасно гармонируют с величественной обстановкой пушкинского музея. Широкая лестница и монументальные колонны здания, построенного в виде античного храма, приведут вас к живописным полотнам, открывающим портал в будни британских аристократов XVIII века.

Потрет девушки. Фрагмент

Гейнсборо работал в стиле рококо, а потому на его полотнах британцы изображены в свойственных им пышных и богатых облачениях, окруженные природой или уютной обстановкой дома. Они неотрывно связаны с представлениями об идиллии, бегством от реальности, радостью и легкомысленностью.

Условно выставку можно разделить на четыре раздела: раннее творчество, камерные портреты, период расцвета и графические произведения. Грамотное расположение полотен позволит вам увидеть, как со временем менялся стиль художника.

Несмотря на то, что художник был категорически против подражания другим мастерам и из-за этого даже старался не выезжать заграницу, в ранних работах Гейнсборо прослеживается влияние французского рококо. Что неудивительно, ведь его наставником был яркий представитель этого стиля – Юбер-Франсуа Бургиньон, более известный под псевдонимом Гравло.

Еще в начале своего творческого пути Томас Гейнсборо начал работать над разговорным портретом. Изображения людей органично вписывались им в детально прописанный пейзажный фон. Но несмотря на единую композицию, они могут существовать и отдельно друг от друга. Абсолютно самостоятельной и полноценной является каждая деталь.

Обязательно обратите внимание на работу Гейнсборо со светом. Освещенными иногда оказываются те фрагменты полотен, которые без этого не могли бы оказаться в центре внимания. Складывается ощущение, будто их специально подсветили современными прожекторами. Эту же особенность вы найдете и в пейзажах, представленных в Белом зале. К примеру, на картине «Горный пейзаж с пасущимися овцами» животные оказываются в лучах солнца, хотя оно уже клонится к закату и находится с другой стороны.

По воспоминаниям современников, Томаса Гейнсборо считали чудаком. Для работы он использовал странные вещи: жидкие краски или слишком длинные кисти, кухонные принадлежности и забытые всеми вещи из кладовой. Художник не радовался известности и считал себя пейзажистом, несмотря на высокую популярность написанных им портретов. Он был импульсивным и не стеснялся прямо выражать свои мысли.

«К чертям всех джентльменов! Для художника нет злейших врагов, чем они, если не уметь их держать на приличном расстоянии. Они думают, а может быть иногда и вы тоже, что вознаграждают ваши заслуги своим обществом и вниманием», – писал Гейнсборо своему коллеге.

К слову, известен Томас Гейнсборо действительно благодаря уникальному стилю создания портретов. Именно им и посвящен второй раздел выставки.

Карл Фридрих Абель

Вглядитесь в лица тех, кто смотрит на вас с полотен, и вы поймете, насколько необычна поза каждого из них. Они лишены светского лоска, в глазах героев картин – и тоска, и усталость от жизни, и искренняя радость. Они не идеализированы. Такими изображал людей Гейнсборо в начале своего творческого пути. Для его более поздних работ более характерна духовность.

Детские лица на его полотнах обретали хрупкость и воздушность, характерную для возраста. Кураторы выставки отмечают, что они «заметно отличаются от жизнерадостных розовощеких «ангелочков» на полотнах Джошуа Рейнольдса и его последователей». Хотя, стоит заметить, дети, написанные кистью Гейнсборо, обладают не менее ярким румянцем.

Ценителям классической музыки и любителям животных обязательно приглянутся полотна из Белого зала, в котором расположился третий раздел выставки. Томас Гейнсборо любил музыку, сам был превосходным музыкантом и дружил со многими представителями этого ремесла. Некоторые из них стали героями его картин, например, Карл Фридрих Абель, немецкий композитор и музыкант, исполняющий произведения на виола да гамба. К сожалению, портрета Иоганна Кристиана Баха, одного из сыновей Иоганна Себастьяна Баха, на выставке не оказалось.

Одна из жемчужин экспозиции – картина «Померанский шпиц и щенок». Ни один из посетителей выставки не может просто пройти мимо нее. На темном, отличном от привычных светлых оттенков, фоне изображены белоснежные собаки, одна из которых совсем еще кроха. Собаки в принципе были частыми героями работ Гейнсборо, к ним он относился с особой нежностью. Даже первая сохранившаяся подписанная картина художника – портрет бультерьера Бампера. Это же полотно вызвало у гостей оживленную дискуссию. Не знаю, как выглядели померанские шпицы в XVIII веке, но на нынешних представителей этой породы собаки Гейнсборо точно не похожи.

Особое внимание требует к себе композиция «Снятие с креста» – копия с полотна Рубенса, исполненная Гейнсборо по гравюре Лукаса Ворстермана. Это единственный религиозный сюжет за все время. Очевидно, для него он был по-своему важен. Один из эскизов Рубенса к «Снятию с креста», принадлежащий собранию Государственного Эрмитажа, представлен на выставке и находится прямо напротив версии Гейнсборо. Они отражают друг друга и в то же время являются уникальными по отдельности.

Напоследок загляните в зал с графическими и другими работами художника. Он считал эксперименты и поиск новых возможностей рисунка необходимой привычкой жизни. «Начав с традиционных зарисовок свинцовым карандашом, мастер с годами усложнял технику, добиваясь более «живописного» эффекта». Так гласит одно из описаний на выставочном стенде.

Померанский шпиц и щенок

Его графические работы наполнены жизнью, движением, ничуть не уступая «цветовым собратьям». Томаса Гейнсборо можно назвать настоящим мастером кьяроскуро – работы со светотенью. Даже самые крошечные персонажи прорисованы у него четко и объёмно, настолько, что можно забыть, что они неживые.

Экспериментировал Гейнсборо и с живописью на стекле. С помощью специально спроектированного ящика с увеличительным стеклом он демонстрировал собственноручно расписанные пластины. До наших дней дошли только десять работ. Они хранятся в коллекции Музея Виктории и Альберта в Лондоне и редко путешествуют по другим странам. На экспозиции в ГМИИ им А.С. Пушкина можно увидеть два пейзажа на стекле.

Прикосновение к искусству – это действительно диалог. Диалог с самим собой, своими знаниями и увлечениями. И даже непонимание картины или мелодии – причина порадоваться и улыбнуться, ведь столько всего предстоит узнать! Это ли не настоящее чудо?

Барокко в живописи

Живопись Барокко (в пер. с ит. – «причудливый») принято называть художественный стиль, преобладавший в искусстве Европы в 16-18 веках.

Именно эта эпоха считается началом триумфа «западной цивилизации».

Оно возникло благодаря двум важным событиям Средневековья. Первоначально изменились мировоззренческие представления о человеке и мироздании, благодаря эпохальным научным открытиям того времени. В дальнейшем возникла необходимость власти создать имитацию собственного величия на фоне материального упадка. Для этого стали использовать художественный стиль, прославляющий могущество знати и церкви. Однако человек стал ощущать себя деятелем и созидателем и уже в сам стиль прорвались дух свободы и чувственность.

Этот художественный стиль возник в Италии, в частности в Риме, Мантуе, Венеции, Флоренции, и распространился в другие страны после эпохи Ренессанса. В 17 веке Италия потеряла свое могущество в политике и экономике. Ее территория начинает подвергаться нападению со стороны иностранцев – испанцев и французов. Однако истощенная невзгодами Италия не потеряла своих позиций. Культурным центром Европы все равно осталась Италия. Церковь и знать стремилась показать свою мощь и состоятельность, но так как денег на это не было, они обратились к сфере искусства. Благодаря ему была создана иллюзия богатства и могущества.

Основными чертами данного стиля являются торжественность, парадность, пышность, жизнеутверждающий характер, динамичность.

Искусство барокко обладает смелыми контрастными масштабами колористики, тени и света, совмещении фантазии и реальности. Живописи этого направления характерны прогрессивные идеи о сложности мироздания, безграничном и многообразном мире, его непостоянстве.

Святое Семейство, Антонис ван Дейк
Томас Говард, 2-й граф Арундель, Антонис ван Дейк
Портрет Филадельфии и Елизаветы Уортон, Антонис ван Дейк

Человек – это часть мира, сложная личность, которая переживает жизненные конфликты.

Интерьер стали украшать портретами, подчеркивающими положение человека в обществе. Также очень популярны портреты правителей, на которых они изображены с античными Богами. Для барокко также свойственны натюрморты с изображением даров природы.

Джованна Гарцони
Благая весть, Филипп де Шампень
Джованна Гарцони

Художники направления барокко

Адриан ван де Вельде, Антонис ван Дейк, Бартоломе Эстебан Мурильо, Братья Ленен, Габриель Метсю, Гвидо Рени, Герард Терборх, Геркулес Сегерс, Давид Тенирс Младший, Джан Лоренцо Бернини, Диего Веласкес, Жан Батист Симеон Шарден, Жорж де Латур, Иван Никитин, Исаак ван Остаде, Каналетто, Караваджо, Клод Лоррен, Корнелис де Вос, Николя Пуссен, Николя Турнье, Питер де Хох, Питер Пауль Рубенс, Пьетро да Кортона, Рембрандт, Теодор ван Тульден, Франс Снейдерс, Франс Халс, Франсиско де Сурбаран, Франческо Гварди, Хендрик Тербрюгген, Хосе де Рибера, Эсайас ван де Вельде, Юдит Лейстер, Якоб Йорданс, Ян Вермеер, Ян Сиберехтс, Ян Стен

Известными представителями барокко являются Рубенс, Ван Дейк, Снейдерс, Йорданс, Маульберч.

Немного художников, даже выдающихся, заслужили честь быть основоположниками этого стиля в искусстве живописи. Рубенс оказался исключением. Он создал волнующую, живую манеру художественного выражения. Этот способ письма присущ его раннему произведению «Святой Георгий, поражающий дракона». Стиль Рубенса характеризуется показом крупных и тяжелых фигур в действии – они возбуждены и эмоциональны. Его картины наделены огромной энергией.

Никому не удавалось изобразить людей и животных в смертельной схватке так, как Рубенсу.

Раньше художниками изучались прирученные звери, они изображали их вместе с людьми. Эти работы обычно демонстрировали анатомические знания о строении животных. Их образы брали из рассказов Библии или мифов. Воображение художника порождало реальные картины сражающихся людей и зверей в настоящей схватке.

К этому стилю относятся и другие мастера живописи, к примеру, Караваджо и его последователи. Их картины реалистичные и обладают мрачными цветами.

Караваджо – наиболее значимый творец среди итальянских художников.

Его картины основываются на религиозных сюжетах. Им создан контраст эпох между поздней античностью и Новым временем.

Марта и Мария Магдалина, Караваджо
Музыканты, Караваджо
Христос у столба, Караваджо

В Германии, Австрии, Словакии, Венгрии, Словении, Хорватии, Западной Украине, Польше, Литве стиль барокко переплетался с тенденциями рококо. Так, во Франции основным стилем 17 века считался классицизм, барокко же считалось до середины столетия побочным течением, но в дальнейшем оба направления объединились в один большой стиль.

В Российской Империи барокко появилось в первой половине 18 века.

Русское барокко не обладало мистицизмом и экзальтацией, характерными для стран Европы, а имело национальные особенности. Русский стиль обладал чувством гордости за государственные успехи и народа. Живопись освободилась от средневековья и религии и обратилась к темам светского общества, к образу человека-деятеля.

Портрет Екатерины I с арапчонком, Адольский И-Б.Г.
Портрет напольного гетмана, Никитин И.Н.
Портрет Перта I, Никитин И.Н.

Повсеместно эволюция Барокко пришла к грациозности и легкости рококо. Оно переплеталось с этим стилем. А с 1760-ых годов его полностью вытеснил классицизм.

Художниками барокко были открыты новые способы интерпретации формы в пространстве, ее постоянно изменяющейся жизненной динамики. Они активизировали мировоззрение и показали, что жизнь едина с чувственной и телесной сущностью бытия. А трагические конфликты в живописи барокко создавали основу прекрасного.

Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Барокко в живописи

3.9 (77.14%) 7 голос(ов)

Рококо - концепции и стили

Начало рококо

В живописи на рококо в первую очередь повлияло использование венецианской школой цвета, эротических предметов и аркадских пейзажей, а школа Фонтенбло стала основой дизайна интерьера в стиле рококо.

Венецианская школа

Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, оказали влияние на акцент в эпоху рококо на вихревые цвета и эротические темы. Пасторальный концерт (ок.1509), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь он считается одной из ранних работ Тициана, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью коллекции музея. Произведения эпохи Возрождения, изображающие двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияли на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания. Термин относится к историческим картинам приятных прошлых времен и стал популяризироваться в работах Жана-Антуана Ватто.

Школа Фонтенбло 1528–1630

В 1530 году король Франциск I, известный меценат, пригласил итальянского художника Россо Флорентино во французский двор, где, став пионером изысканного стиля французского маньеризма, Россо основал школу Фонтенбло. Школа стала известна своим уникальным стилем дизайна интерьера, в котором все элементы создавали хореографическое единство. Россо был пионером в использовании больших лепных рельефов в качестве рам, украшенных декоративными и позолоченными мотивами, которые сильно повлияли на акцент рококо на сложных декорациях.

Золочение было ключевым вкладом Фонтенбло, придавая изысканное великолепие объектам, которые можно увидеть в знаменитом соляном погребе Беневенто Челлини (1543), который Франциск I заказал в золоте. Даже простые элементы интерьеров в стиле рококо стали сильно акцентироваться, о чем свидетельствует популярность часов картеля, встраивания обычных часов в замысловатые декорации, напоминающие скульптуры и органично дополняющие общий вид и ощущение окружающих их интерьеров.

Эпоха дизайна в стиле рококо

Рококо дебютировал в дизайне интерьеров, когда гравер Пьер Ле Потр работал с архитектором Жюлем Ардуэном-Мансаром над замком Марли (1679–1684), а затем в Версале в 1701 году, когда он перепроектировал частные апартаменты Людовика XIV. .Le Pautre первым начал использовать арабески, используя s-образную или c-образную линию, размещенную на белых стенах и потолке. Он также использовал вставные панели с позолоченной деревянной отделкой, создав причудливый и легкий стиль. Le Pautre был прежде всего известен как an ornemaniste , или дизайнер орнаментов, что отражает популярную роль ремесленников в то время в развитии высокодекоративного стиля.

Во время правления Людовика XIV Франция стала доминирующей европейской державой, и сочетание большого богатства и мирной стабильности заставило французов обратить свое внимание на личные дела и наслаждение мирскими удовольствиями.Когда король умер в 1715 году, его наследнику Людовику XV было всего пять лет, поэтому Регентство во главе с герцогом Орлеанским правило Францией до тех пор, пока дофин не достиг совершеннолетия. Герцог был известен своим гедонистическим образом жизни, а эстетика рококо казалась идеальным выражением чувственности той эпохи. Взойдя на трон в 1723 году, Людовик XV также стал известным сторонником и покровителем архитектуры и дизайна в стиле рококо. Поскольку Франция была художественным центром Европы, художественные дворы других европейских стран вскоре последовали ее примеру в своем энтузиазме в отношении подобных украшений.

Жан-Антуан Ватто

Жан-Антуан Ватто возглавил период рококо в живописи. Он родился в Валансьене, небольшой провинциальной деревушке в Бельгии, которая недавно была присоединена к французам. Его ранние познания в искусстве и рисовании привели к его раннему обучению у местного художника. Впоследствии он отправился в Париж, где зарабатывал на жизнь копиями произведений Тициана и Паоло Веронезе. Он присоединился к студии Клода Одрана, известного декоратора, где он познакомился и стал коллегой по творчеству Клода Жилло, известного своим оформлением комедии commedia dell'arte , или постановок комического театра.В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций, освещенных искусственным светом.

В 1712 году Ватто принял участие в конкурсе Prix de Rome Королевской академии скульптур и искусства, и Академия приняла его в качестве полноправного члена. Его «приемная» для Академии, Посадка в Cythera (1717), положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante , или вечеринка для ухаживания, для обозначения работы, тем самым установив категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи в стиле рококо. Fête galante картин изображали fête champêtre , или вечеринку в саду, популярную среди аристократического сословия, где, одетые как для бала, или в костюмах, они винили, обедали и участвовали в любовных увлечениях в аркадских садах и парках. . Художественный предмет не только нравился частным посетителям, но и его мифологизированные пейзажи и обстановка соответствовали стандартам Академии, которая причисляла историческую живопись, в том числе мифологические сюжеты, к высшей категории.

Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Поля Рубена Жизнь Марии Медичи (1622-25), которые были выставлены в дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала служить источником информации для творчества Ватто. Рубенс был пионером в технике trois crayons , то есть трех мелков, техники с использованием красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов.Ватто настолько овладел этой техникой, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, включая Франсуа Буше.

Франсуа Буше

Под влиянием Рубенса и Ватто Франсуа Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и до 1760-х годов. Известный своей картиной, сочетающей аристократическую элегантность с эротической обработкой обнаженной натуры, как показано в его Туалет Венеры (1751), он был одинаково влиятельным в декоративном искусстве, театральных постановках и дизайне гобеленов.Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своими долгими отношениями с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известным покровителем искусств. В результате своего мастерства в искусстве и дизайне рококо и своего королевского покровительства Буше стал «одним из тех людей, которые олицетворяют вкус века, выражают, олицетворяют и воплощают его», как писали известные авторы Эдмон и Жюль де Гонкур. .

Мадам де Помпадур

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении этого стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы.Она повлияла на дальнейшее применение стиля рококо благодаря покровительству таких художников, как Жан-Марк Наттье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай. Официальная первая любовница короля с 1745 по 1751 год, она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником до своей смерти в возрасте 42 лет от туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определением королевского патронажа.

Рококо: концепции, стили и тенденции

Французское рококо

Франция была центром развития рококо.В дизайне салона, зала для развлечения и впечатления гостей, было серьезным нововведением. Самым известным примером был Салон принцессы Шарля-Жозефа Натуара и Жермена Боффрана (1735-1740) в резиденции принца и принцессы Субиз. Белые стены цилиндрического интерьера, позолоченное дерево и множество зеркал создавали светлый и воздушный эффект. Арабески украшения, часто ссылающиеся на римские мотивы, амуров и гирлянды, были представлены золотой лепниной и рельефными пластинами. Асимметричные изгибы, иногда происходящие от органических форм, таких как ракушки или листья аканта, были сложными и преувеличенными.Минимальный акцент на архитектуре и максимальный акцент на декоре стал краеугольным камнем движения рококо.

Живопись была неотъемлемой частью движения рококо во Франции, и известные художники, которые руководили этим стилем, Антуан Ватто, а затем Франсуа Буше, оказали влияние на все элементы дизайна, от интерьеров до гобеленов и моды. Среди других известных художников были Жан-Батист ван Лоо, Жан-Марк Наттье и Франсуа Лемуан. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, которые можно увидеть в его Апофеозе Геркулеса (1733-1736), написанном на потолке Салона Геркулеса в Версале.Отмеченной особенностью французской живописи рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как Ван Лоос и Койпели, поддерживали последовательный стиль и тематику в своих мастерских.

Итальянское рококо

Живопись стала лидером итальянского рококо, примером которой являются работы венецианского художника Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с quadratura , или росписью потолка, шедеврами Тьеполо были фрески и большие алтари.Прославленный на всю Европу, он получил множество королевских заказов, таких как его серия потолочных картин в Вюрцбургской резиденции в Германии и его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо также было известно своими великими пейзажистами, известными как «живописцы с видом», в частности, Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто. Он был пионером в использовании двухточечной линейной перспективы при создании популярных сцен с каналами и зрелищем Венеции.Его работы, такие как его Venice: Santa Maria della Salute (c. 1740), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «Гранд-тур», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция стала известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами. Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами и покровителями произведений искусства, и большинство работ Каналетто были проданы английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему рынку произведений искусства, и прожил там почти десять лет.

Пастельные портреты Розальбы Каррьеры, миниатюрные и полноразмерные, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали в королевские дворы Франции, Австрии и Польши. Она была пионером в использовании пастели, ранее использовавшейся только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов. Ее портрет Людовика XV в образе дофина (1720-1721) положил начало новому стилю портретной живописи рококо, подчеркнув визуальную привлекательность и декоративность.

В архитектуре Италия продолжала делать упор на барокко с его сильной связью с католической церковью до 1720-х годов, когда архитектор Филиппо Хуварра построил несколько северных итальянских дворцов в стиле рококо. Его шедевром был дворец Ступиниги (1729-1731), построенный как охотничий домик короля Сардинии в Турине. В то же время интерьеры в стиле рококо стали популярными в Генуе, Сардинии, Сицилии и Венеции, где стиль приобрел региональные вариации, особенно в дизайне мебели.Итальянские интерьеры в стиле рококо были особенно известны своими венецианскими стеклянными люстрами и зеркалами, а также богатым использованием шелка и бархата.

Немецкое рококо

Энтузиазм Германии по поводу рококо ярко выразился, прежде всего, в архитектурных шедеврах и дизайне интерьеров, а также в прикладном искусстве. Заметным элементом немецкого рококо было использование ярких пастельных тонов, таких как сиреневый, лимонный, розовый и синий, как видно в дизайне Франсуа де Кувильеса Амалиенбурга (1734-1739), охотничьего домика для императора Священной Римской империи Карла VII в Мюнхен.Его Зеркальный зал в Амалиенбурге был описан историком искусства Хью Хонором как образец «легкой элегантности и тонкой тонкости».

Немецкие мотивы дизайна с использованием асимметрии и s- и c-изогнутых форм, часто основывались на цветочных или органических мотивах и использовали больше деталей. Немецкие архитекторы также новаторски исследовали различные возможности дизайна помещений, вырезая стены или делая изогнутые стены, и сделали размещение новых зданий важным элементом этого эффекта, как это видно в Мелькском аббатстве Якоба Прандтауэра (1702-1736)

Английский рококо

Англия использовала рококо, который назывался «французским стилем», был более сдержанным, поскольку излишества стиля встречались с мрачным протестантизмом.В результате модель rocaille , представленная эмигрантским гравером Юбером-Франсуа Гравело и серебряным мастером Полем де Ламери, использовалась только в качестве деталей и эпизодических мотивов. Примерно в 1740 году стиль рококо начал использоваться в британской мебели, особенно в дизайне Томаса Чиппендейла. Его каталог Каталог для джентльменов и краснодеревщиков (1754), иллюстрирующий дизайн в стиле рококо, стал популярным отраслевым стандартом.

Рококо оказало большее влияние на британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман.В своей книге The Analysis of Beauty (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной. Гейнсборо сначала учился у Грейвло, бывшего ученика Буше, чья перистая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону плавности света и цвета. Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, но большую часть жизни провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами.Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

Позднее развитие - после рококо

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандиера изучать события в итальянском искусстве и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандиер был назначен директором Королевских зданий, где он начал выступать за неоклассический подход.Он также стал известным искусствоведом, осудившим Буше petit style , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, включая философа Вольтера и искусствоведа Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское. Эти тенденции, наряду с растущим революционным пылом во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо вышло из немилости.

Новое движение неоклассицизма, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и моральную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих исполнителей и самого известного покровителя.В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодного», а к 1841 году использовалось для обозначения произведений, которые считались «безвкусными и витиеватыми». Негативные коннотации продолжались и в 20, -м, -м веке, как видно из описания Словаря 1902 года: «Следовательно, рококо используется ... для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе».

Дизайн и живопись в стиле рококо будут идти разными путями, поскольку дизайн в стиле рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал оставаться популярным во французских провинциях.В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи Филиппа возрождение, названное «вторым рококо», стало популярным и распространилось на Великобританию и Баварию. В Великобритании возрождение стало известно как викторианский рококо и продолжалось примерно до 1870 года, одновременно оказывая влияние на американское возрождение рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый для высококлассных отелей, был назван «Le gout Ritz» в 20–90–1990 – х годах. Однако в живописи рококо вышло из моды, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже оказали заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя главного художника в стиле рококо Жана Оноре Фрагонара в L'Art du XVIIIe siècle ( Eighteen-Century Art ) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, и впоследствии оказал влияние на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскаваге.

Также заново открытые братьями де Гонкур, сюжеты комедии дель арте Ватто оказали влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и его генерал Гийом Аполлинер, композитор Арнольд Шёнберг. и хореограф Джордж Баланчин.

Термин рококо и связанные с ним художники начали подвергаться критической переоценке только в конце 20-го, 90-го, девяносто девяностого, девяностого, первого, девяностого века, когда движение поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Вили и Джефф Кунс, создали новый контекст для искусства, выражающий те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо оказал влияние на современность, что видно из логотипа Ай Вэйвэя 2017 , где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин, «то, что выглядит как причудливый дизайн обоев рококо в черно-белом и золотом цветах, на самом деле является комбинацией наручников и цепочек. , камеры наблюдения, птицы Twitter и стилизованные альпаки - животное, которое в Китае стало мемом против цензуры.«Это движение также живет в популярной культуре, как показано в популярной песне Arcade Fire« Рококо »(2010).

10 самых известных художников в стиле рококо

Движение в стиле рококо зародилось, когда период барокко в Европе подошел к концу. начало 18 века. Возникнув во Франции, движение рококо началось как явный отход от влияний французского классицизма.

Смерть короля Людовика XIV в 1715 году ознаменовала конец эпохи для многих богатых французских семей, покинувших королевский дворец в Версале. и переехал в частные дома в окрестностях Парижа.

Этот шаг принес с собой всеобъемлющую тему, которая будет перенесена во французскую культуру того времени, известного как движение рококо. Он был оформлен в соответствии с чувством изобилия и изобилия по сравнению с более прямыми стилями предшествующих ему периодов.

Эпоха рококо была очень декоративной и призвана вызывать у зрителя чувство благоговения на всех уровнях.

В отличие от стиля барокко, существовавшего в прошлом веке, в движении рококо были представлены произведения, в которых не было такого же чувства симметрии или резких контрастов между светом и тьмой.

Художники в стиле рококо работали преимущественно в теплых пастельных тонах, которые больше радовали глаз, чем естественные оттенки.

Многие художники раннего периода рококо исследовали это новое движение с помощью тщательно разработанных работ, включающих кривые прокрутки и драматические сцены.

Здесь представлены 10 самых известных художников рококо в истории.

Художники рококо

1.

Франсуа Буше

Самым известным художником движения рококо, несомненно, является Франсуа Буше.Известный своими изображениями множества различных мифологических сказок древнегреческой и римской культуры, работы Буше формировали движение рококо в целом на протяжении всей его жизни.

Он путешествовал по Италии, будучи молодым студентом факультета искусств, изучал период позднего барокко, а также пейзажный стиль, который был так популярен в голландских регионах всего за несколько лет до этого.

Он снискал значительную известность и известность среди французских художников того времени за свой особенно сладострастный метод изображения фигур в своих работах.

Многие из его картин в стиле рококо посвящены пасторальным сценам, изображающим пастухов с разными видами домашнего скота на плавных лугах.

Самая известная работа Буше - это, возможно, «Триумф Венеры» (1740 г.), но он был также известен во всей Европе при жизни благодаря таким работам, как «Едоки винограда» (1749 г.) и «Завтрак» (1739 г.).

2.

Жан-Антуан Ватто

Жан-Антуан Ватто, безусловно, считается одним из самых известных художников периода рококо.Ему приписывают то, что он стал пионером стиля рококо, объединив различные элементы таких искусных художников, как Тициан и Питер Пауль Рубенс, со своим собственным талантом.

Его работы известны своей особенно красочной природой, так как Ватто выбрал одни из самых ярких оттенков для своих работ на протяжении всей своей недолгой карьеры.

Его стиль побудил других художников исследовать более глубокий уровень как движения, так и цвета. Фигуры многих самых известных произведений Ватто в определенном смысле можно охарактеризовать как театральные.

Среди его наиболее известных произведений - «Посадка на Китеру» (1717 г.) и «Пьеро» (1719 г.). Он, пожалуй, наиболее известен своей работой под названием «Паломничество на остров Кифера» (1717 г.).

3.

Жан-Оноре Фрагонар

Французский художник и гравер Жан-Оноре Фрагонар известен как один из самых выдающихся художников XVIII века в стиле рококо. Он жил в конце движения и создавал картины, которые были известны своей гедонистической природой.Известно, что Фрагонар при жизни написал много работ для французской королевской семьи.

В возрасте восемнадцати лет Фрагонар познакомился со знаменитым художником в стиле рококо Франсуа Буше после того, как авторитетные люди начали замечать его художественные способности. Буше отказался работать с Фрагонаром, поскольку он был крайне неопытен, и вместо этого отправил его учиться вместе с Жаном-Батистом-Симеоном Шарденом.

Фрагонар стал одним из самых плодовитых художников в истории Франции, создав такие работы, как «Украденный поцелуй» (1788 г.) и «Встреча» (1771 г.), которые были частью серии, созданной для любовницы короля Людовика XV.

4.

Жан-Батист-Симеон Шарден

Одним из наиболее своеобразных художников периода рококо был Жан-Батист-Симеон Шарден, который был известен своей способностью создавать невероятно реалистичные натюрморты. Шарден был одним из первых французских художников, которые сначала отважились на стиль рококо, а позже стали одной из самых выдающихся фигур той эпохи.

У него скромное начало, но благодаря своим артистическим способностям он сумел поступить в Королевскую академию и в 1724 году стал мастером Академии Сен-Люк.Его работы регулярно выставлялись в Салоне в 1730-1740-х годах. Позже король Людовик XV подарил ему особую студию и жилые помещения в Лувре.

Среди его самых известных работ были натюрморты, такие как «Шведский стол» (1728 г.), «Корзина персиков» (1768 г.) и «Натюрморт со сливами» (1730 г.). Он известен искусствоведам как один из самых влиятельных участников раннего движения рококо.

5.

Каналетто

Одним из самых известных художников 18 века был Джованни Антонио Канал, более всего известный как Каналетто.Каналетто родился в Италии в 1697 году. Он рано проявил склонность к искусству, а позже превратился в одного из самых выдающихся художников венецианской школы, а также стиля рококо.

Родившийся в семье известного итальянского художника по имени Бернардо Канал, художник взял свое знаменитое прозвище от имени своего отца, поскольку, как говорят, Каналетто означает «маленький канал».

Он был наиболее известен своей способностью к изображать городские пейзажи в очень реалистичной манере. Известно, что Каналетто при жизни путешествовал по Европе, создавая различные сцены из известных городов, посещая каждый из них.

Его работы, такие как «Двор каменщика» (1725 г.) и «Вход в Гранд-канал в Венеции» (1730 г.), были среди его самых заметных картин в молодости.

Эти произведения были созданы, когда движение рококо начало формироваться во Франции и позже распространилось на Италию благодаря усилиям Каналетто.

6.

Томас Гейнсборо

Французский стиль рококо проник в Англию примерно в 1735 году после того, как Юбер Франсуа Гравело основал Академию Сен-Мартен-Лейн.Один из самых выдающихся членов академии, Томас Гейнсборо, был британским художником, известным своими элегантными пейзажами, а также детализированными портретами, которые он сделал.

Гейнсборо известен прежде всего как художник, который объединил две свои сильные стороны, чтобы создать прекрасные произведения искусства рококо, в которых изображены холмистые пейзажи и пышно одетые люди. Его помнят как одного из самых выдающихся английских художников 18 века и прославили своими работами, выполненными в стиле рококо.

Некоторые из самых известных работ Гейнсборо были пейзажами, но его единственной величайшей работой в стиле рококо был «Синий мальчик» (1770).

7.

Элизабет Луиза Виже Ле Брен

Одна из самых известных женщин-художников в истории Франции - Элизабет Луиза Виже Ле Брен. Известная своими экстравагантными портретами, Ле Брен развивала свои художественные способности в то время, когда женщинам не разрешалось посещать какие-либо официальные художественные академии и школы. Вместо этого ее обучал ее отец, который сам по себе был выдающимся художником.

Ле Брюн начал работать профессиональным художником в возрасте 15 лет. Хотя многие искусствоведы того времени избегали произведений искусства, созданных женщиной, ей удалось привлечь внимание Марии-Антуанетты и короля Людовика XVI, которые поместили ее в Королевскую академию, когда Ле Бруну было 28 лет.

Она продолжила писать некоторые из самых знаковых работ в истории Франции, из которых самой известной была Мария-Антуанетта в придворном платье (1778).

8.

Морис-Квентин де Ла Тур

Морис-Квентин де Ла Тур - один из самых знаменитых французских художников, а также один из самых известных художников рококо в истории.Известно, что он рисовал некоторых из самых выдающихся фигур Франции 18 века. Личность художника была одной из примечательных, поскольку он был одним из немногих художников того времени, который изображал себя улыбающимся зрителю на многих своих автопортретах.

Ла Тур наиболее известен использованием мягких пастельных тонов во многих своих работах. Во время своей карьеры он рисовал такие фигуры, как Людовик XV Вольтер и мадам де Помпадур. Ла Туру было поручено нарисовать многие из этих фигур, поскольку он был широко известен своими способностями изображать предметы в мягком, льстивом свете.

Его работы включают широкий спектр портретов, но наиболее заметной работой Ла Тура является «Портрет маркизы де Помпадур» (1748 г.).

9.

Жан-Марк Наттье

Как и многие из самых известных художников рококо, Жан-Марк Наттье больше всего запомнился своими портретами.

Он уже был признанным художником, когда движение рококо начало формироваться во Франции, и позже стал заметным представителем эпохи благодаря своим портретам королевской семьи и других элитных членов французского общества в начале 1700-х годов.

Наттье не обязательно был художником-портретистом по натуре, но предпочитал рисовать в этом стиле, поскольку тяжелые финансовые затруднения вынуждали его тяготеть к более прибыльной форме живописи в период с начала до середины 18 века.

Ему приписывают поистине уникальную манеру изображения своих подданных, многие из которых изображены как греко-римские богини или другие фигуры, связанные с мифологическими преданиями.

Его самые известные работы включают серию портретов женщин, придворных короля Людовика XV, которые изображены одетыми в одну и ту же одежду и мантии, которые обычно можно увидеть на картинах с изображением мифологических персонажей.

10.

Джованни Баттиста Тьеполо

Джованни Баттиста Тьеполо был венецианским художником, прославившимся в середине 1700-х годов своими чрезмерно сложными работами, на которых часто изображались королевские фигуры. Он учился у художников, которые находились под сильным влиянием Высокого Возрождения, и в период рококо у них был собственный стиль, в котором некоторые элементы живописи Возрождения смешивались с новым движением.

Его самая известная работа, «Свадьба императора Фридриха и Беатрис Бургундские» (1752 г.), посвящена исторически значимому событию, изображенному в классической моде рококо.В произведении есть экстравагантно оформленный холл с плавными шторами и арками, а также каждая фигура, украшенная особенно элегантной манерой одежды.

Кто были самыми большими покровителями стиля рококо? - Цвета-NewYork.com

Кто были самыми большими покровителями стиля рококо?

Взойдя на трон в 1723 году, Людовик XV также стал известным сторонником и покровителем архитектуры и дизайна в стиле рококо. Поскольку Франция была художественным центром Европы, художественные дворы других европейских стран вскоре последовали ее примеру в своем энтузиазме в отношении подобных украшений.

Почему это называется рококо?

Слово рококо происходит от французского слова rocaille, которое обозначало каменную кладку, покрытую ракушками, которая использовалась для украшения искусственных гротов.

Где художники рококо любили писать больше всего?

Характеризуемый элегантностью, легкомыслием, цветочными мотивами, приглушенными цветами и изогнутыми асимметричными линиями, рококо вскоре распространился на живопись, где его эстетика сочеталась с темами чувственной любви и природы. Стиль быстро распространился на остальную часть Франции, а затем в Германию, Австрию, Англию и другие европейские страны.

Кто такой художник рококо?

Отцом живописи в стиле рококо был Жан Антуан Ватто (француз, 1684–1721), который изобрел новый жанр, названный fêtes galantes, который представлял собой сцены ухаживания. Родившийся недалеко от фламандской границы, Ватто находился под влиянием жанровых сцен повседневной жизни, которые были довольно популярны во Фландрии и Нидерландах.

Почему рококо было популярным?

Наследие. Наряду с импрессионизмом рококо считается одним из самых влиятельных французских художественных течений.Он известен как своими легкими и воздушными картинами, так и причудливым декоративным искусством, которые вместе демонстрируют элегантный, но кипучий вкус Франции 18-го века.

Какой стиль пришел после рококо?

Неоклассицизм

Что делает рококо уникальным?

Стиль рококо отличается продуманным орнаментом, асимметричностью, пастельной цветовой палитрой и изогнутыми или змеевидными линиями. Произведения искусства в стиле рококо часто изображают темы любви, классических мифов, молодости и игривости.

Что было основной темой для художников рококо?

главный представитель рококо, искусство которого было сосредоточено на аристократии и их снисходительном образе жизни, а не на набожности, морали, самодисциплине, разуме и героизме (все это можно найти в барокко). Последний великий художник французского рококо, Фрагонар развил яркую и подвижную манеру.

В чем разница между барокко и рококо?

Основное различие между искусством барокко и рококо состоит в том, что барокко описывает грандиозное, преувеличенное, динамичное искусство поздней Европы между 1650 и 1700 годами, а рококо - это ответ позднего барокко, воплощающий легкую игривость и большую интимность.

Что повлияло на искусство рококо?

Обзор рококо В живописи на рококо в первую очередь повлияло использование венецианской школой цвета, эротических сюжетов и аркадских пейзажей, тогда как школа Фонтенбло стала основой дизайна интерьера в стиле рококо.

Кто были самыми известными художниками в стиле рококо?

Художники и архитекторы рококо

  • Новое. Буше, Франсуа.
  • Новое. Шарден, Жан-Батист Симеон.
  • Новое. Фрагонар, Жан-Оноре,
  • Хогарт, Уильям.Быстрый просмотр ▼ Резюме Биография Работы.
  • Рейнольдс, Джошуа. Быстрый просмотр ▼ Резюме Биография Работы.
  • Тьеполо.
  • Виже Ле Брен, Элизабет Луиза.
  • Ватто, Жан-Антуан.

Что такое мебель в стиле рококо?

Рококо (произносится как roh-coh-coh) также известен как поздний барокко некоторыми энтузиастами антиквариата и историками. Богато украшенная мебель, украшавшая комнаты этого периода, часто отличалась причудливыми темами, включающими асимметрию, кривые и золотую отделку - это настоящие предметы рококо.

Кто красил качели?

Жан-Оноре Фрагонар

Кто был целевой аудиторией качелей?

Наша целевая аудитория - это люди, впервые открывающие для себя музыку той эпохи, а также знающие энтузиасты на протяжении всей жизни. Многие записи, воспроизводимые на Swing Street Radio, никогда не были доступны в современных форматах.

Кто нарисовал девушку на качелях?

Качели. «Качели» - одно из самых известных произведений Фрагонара, несколько рискованная композиция, изображающая любовницу барона де Сен-Жюльена.Эта молодая девушка, расположенная в центре композиции, появляется на качелях в розовом платье.

Кто эта женщина в разгаре?

Фрагонар основал этот объект на известной скульптуре, созданной Этьеном-Морисом Фальконе в 1755 году для бывшей любовницы короля Людовика XV, мадам де Помпадур. И нарисованный, и скульптурный Купидон подносят указательный палец одной руки к губам, а другой рукой вытягивают стрелу из колчана.

Где собака в «Качелях» Фрагонара?

Одна из вещей, упомянутых в этом видео, которую я никогда раньше не замечал, - это небольшая крошечная собачка в правом нижнем углу картины, недалеко от ног пожилого жениха.Собака стоит на задних лапах и, кажется, тявкает.

Где «Качели» Фрагонара?

Коллекция Уоллеса

В какую эпоху были нарисованы качели?

Знаменитая картина Фрагонара - одно из самых ярких образов французского искусства 18 века. Молодая женщина в красивом розовом шелковом платье соблазнительно сидит в воздухе на качелях между своим пожилым мужем справа и молодым любовником слева.

Что происходит, когда Фрагонар красит качели?

The Swing изображает молодого человека, скрытого в листве, который наблюдает за молодой женщиной на качелях.(В то время качели были обычным символом неверности.) Ее толкает пожилой мужчина на заднем плане, который не подозревает о присутствии молодого человека.

Рококо Арт

Так же, как здание Версаля связано с Людовиком XIV, наиболее значимое направление искусства во Франции в первой половине 18 века связано с его сыном Людовиком XV. Термин рококо происходит от французского слова, означающего «ракушка», потому что мотив раковины гребешка распространен во внутренней отделке в стиле рококо.В то время как внутреннее убранство в стиле рококо распространилось на другие страны, особенно в Германию, стиль живописи под названием рококо является преимущественно французским явлением. Вот некоторые характерные особенности:

Все изображения с пометкой MAS ​​ были сфотографированы на месте Мэри Энн Салливан. Все остальные изображения были отсканированы из других источников или загружены из всемирной паутины; они размещены на этом защищенном паролем сайте только в образовательных целях в Bluffton College в соответствии с положением о добросовестном использовании закона США об авторском праве.

Антуан Ватто (1684-1721)
Embarcation для Cythera
1717
Один из самых известных примеров искусства рококо, эта картина изображает группу аристократов, возвращающихся с мифического острова Кифера, места, связанного с Венерой.Сколько из перечисленных выше характеристик вы видите в этой работе?
Мезетин
1718
Ватто также интересуется психологией любви. Предположительно мужчина на этой картине ухаживает за женщиной, но статуя на заднем плане может указывать на то, что его ухаживания отвергаются. В этой работе есть меланхолическая тема, но отказ в любовном костюме вряд ли имеет серьезность некоторых религиозных или политических тем, которые мы исследовали в искусстве периода барокко.
Франсуа Буше (1703-70)
Маркиза де Помпадур
1756
Это типичный портрет в стиле рококо. Аристократка, любовница Людовика XV, элегантна, красиво одета и причесана, у нее есть необходимая болонка. (У аристократических мужчин есть большие охотничьи собаки, у бедных - дворняги, а у женщин - маленькие болонки.) Обратите внимание на обилие роз.
Баня Дианы
1742
Буше известен своим изображением обнаженной женщины. Как правило, у этих женщин красивые кукольные черты лица, фарфоровая плоть и стройные, но зрелые тела. Этот предмет сделан «респектабельным», потому что Диана - мифическая фигура.
Лежащая девушка
1752
Однако это не мифическая женщина; она еще одна любовница Людовика XV.Абсолютистский монарх имеет определенные сексуальные привилегии! «Божественное право» королей, по-видимому, не означало, что король подчинялся заповедям Бога.
Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)
Качели
ок. 1766-69
На этой знаменитой картине изображены играющие и флиртующие аристократы.Скрытый мужчина слева поднимает взгляд на нижнюю юбку своей любимой, когда ее туфля улетает. Какие еще элементы картин в стиле рококо здесь бросаются в глаза?
Встреча
1771-3
Эта картина - первая из серии под названием «Развитие любви». Здесь романтический свейн перепрыгивает через стену, а его возлюбленная кажется удивленной. Она? Статуя может прокомментировать событие, сказав: «Еще нет."Обратите внимание на элегантный открытый парк, снова с розами и перистыми деревьями.
Украденный поцелуй
ок. 1766
Аристократы снова в игре. Но обратите внимание на дату. Через два с небольшим десятилетия аристократы будут беспокоиться о своих головах, а не о украденных поцелуях.
Элизабет Виже Ле Брен (1755-1842)
Автопортрет
1790
Прежде чем покинуть Францию, мы должны отметить, что работы известной женщины-живописца 18 века, которая была очень известной, пользуются уважением во всем мире.Виже Ле Брен была одной из двух женщин-членов Французской академии художников - редкая привилегия и дань как ее таланту, так и политическим связям.
Мари-Антионетт
1784

Юбер Роберт
1788

Она специализировалась на портретах, рисовала как коллег-художников, так и аристократов, обычно льстив последним в своих изображениях.Она написала несколько портретов жены Людовика XVI, Марии-Антуанетты, которая позже была казнена, как и он, во время Французской революции.
Варвара Ивановна Ладомирская
1800
Во время Французской революции Виже Лебрен сбежала в Россию, где затем рисовала картины русских аристократов.
См. Также этот сайт для получения дополнительной информации об искусстве рококо.

Репродукции произведений искусства в стиле рококо | TOPofART


Аспетти , Луиджи б.1815-?
Батони , Помпео Джироламо 1708-1787
Беллотто , Бернардо 1720-1780
Буше , Франсуа 1703-1770
Бруниас , Агостино 1730-1796 Каналто Антонио -1768
Шарден , Жан-Батист-Симеон 1699-1779
Даэль , Ян Франс ван 1764-1840
Дукре , Джозеф 1735-1802
Duplessis , Джозеф-Сиффред 1725-1802 , Жан-Оноре 1732-1806
Гейнсборо , Томас 1727-1788
Джакинто , Коррадо 1703-1765
Гойя , Франсиско де 1746-1828
Грёз , Жан-Батист 9040 5 , Франческо 1712-1793
Юнкер , Юстус 1703-1767
Джастинат , Августин? -1743
Краффт , Барбара 1764-1825
Ла Тур , Морис Квентин де 1704-1788
Ланкре 395, Николя 1690-1743
Ле Сюер , Блез Николя 1716-1783
Лели , Адриан де 1755-1820
Лемойн , Франсуа 1688-1737
Лиотар , Жан Этьен
170239
Лиотар
, Жан Этьен
170239 , Пьетро гр.1702-1785
Loo , Charles-Andre van 1705-1765
Melendez , Luis Egidio 1716-1780
Meytens , Martin van 1695-1770
Mieris , Frans van 1689-1763
, Nattier Жан-Батист 1678-1726
Наттье , Жан-Марк 1685-1766
Перронно , Жан-Батист 1715-1783
Пьяцетта , Джованни Баттиста 1682-1754
Ранк 1674 9039 1735
Рейнольдс , сэр Джошуа 1723-1792
Риччи , Себастьяно 1659-1734
Риго , Жак 1681-1754
Роберт , Хуберт 1733-1808
Ромни 02 Спа 1740-1804 Ромни , Корнелис ван 1756-1840
Тьеполо , Джованни Баттиста 1696-1770
Валлайер-Костер , Анн 1744-1818
Ватто , Жан Антуан 1684-1721
Цуккарелли -17 Ro coco - Информация об истории искусства
Рококо - это стиль французского искусства и дизайна интерьеров 18 века.Комнаты в стиле рококо были спроектированы как произведения искусства с элегантной и богато украшенной мебелью, небольшими скульптурами, декоративными зеркалами и гобеленами, дополняющими архитектуру, рельефами и настенными росписями. Его в значительной степени вытеснил неоклассический стиль.

Слово рококо представляет собой сочетание французского рокайла, или ракушки, и итальянского барокко, или стиля барокко. Из-за любви к рококо к подобным раковинам изгибов и сосредоточенности на декоративном искусстве, некоторые критики использовали этот термин, чтобы унизительно намекнуть, что стиль был легкомысленным или просто модным; Интересно, что когда этот термин впервые был использован в английском языке примерно в 1836 году, это был разговорный язык, означающий «старомодный».Однако с середины 19 века этот термин был принят историками искусства. Хотя до сих пор ведутся споры об историческом значении этого стиля для искусства в целом, рококо в настоящее время широко признано важным периодом в развитии европейского искусства.

Историческое развитие
Рококо сначала развился в декоративно-прикладном искусстве и дизайне интерьеров. Преемственность Людовика XV внесла изменения в придворных художников и в общей художественной моде. К концу правления старого короля богатый дизайн в стиле барокко уступил место более легким элементам с большим количеством кривых и естественных узоров.Эти элементы очевидны в архитектурных решениях Николя Пино. Во время Регентства придворная жизнь отошла от Версаля, и это художественное изменение утвердилось сначала в королевском дворце, а затем во французском высшем обществе. Изящество и игривость дизайнов в стиле рококо часто прекрасно сочетаются с излишествами режима Людовика XV.

1730-е годы были периодом расцвета рококо во Франции. Стиль распространился за пределы архитектуры и мебели до живописи и скульптуры, примером которых являются работы Антуана Ватто и Франсуа Буше.Рококо по-прежнему сохранял вкус барокко к сложным формам и замысловатым узорам, но к этому моменту он начал объединять множество разнообразных характеристик, включая вкус к восточному дизайну и асимметричным композициям.

Стиль рококо распространился французскими художниками и гравированными изданиями. Его с радостью приняли в католических частях Германии, Богемии и Австрии, где он был смешан с живыми традициями немецкого барокко. Немецкое рококо с энтузиазмом применялось к церквям и дворцам, особенно на юге, в то время как фредериканское рококо развивалось в Королевстве Пруссия.Архитекторы часто драпировали свои интерьеры облаками пушистой белой штукатурки. В Италии стили позднего барокко Борромини и Гуарини задали тон рококо в Турине, Венеции, Неаполе и Сицилии, в то время как искусство Тосканы и Рима оставалось более привязанным к барокко.

Рококо в Англии всегда считалось «французским вкусом». Архитектурный стиль никогда не приживался, хотя изделия из серебра, фарфора и шелка находились под сильным влиянием континентального стиля. Томас Чиппендейл преобразил английский дизайн мебели, адаптировав и усовершенствовав стиль.Уильям Хогарт помог разработать теоретические основы красоты в стиле рококо. Хотя и не ссылаясь намеренно на движение, он утверждал в своем «Анализе красоты» (1753 г.), что волнистые линии и S-образные изгибы, заметные в рококо, были основой изящества и красоты в искусстве или природе (в отличие от прямой линии или круга в классицизме). . Считается, что развитие рококо в Англии связано с возрождением интереса к готической архитектуре в начале 18 века.

Начало конца рококо наступило в начале 1760-х годов, когда такие деятели, как Вольтер и Жак-Франсуа Блондель, начали критиковать поверхностность и вырождение искусства.Блондель осуждает «смехотворное нагромождение ракушек, драконов, тростника, пальм и растений» в современных интерьерах. К 1785 году рококо во Франции вышло из моды, его сменили порядок и серьезность художников-неоклассиков, таких как Жак Луи Давид. В Германии рококо конца 18 века называлось Zopf und Perucke («косичка и парик»), и эту фазу иногда называют Zopfstil. Рококо оставалось популярным в провинции и в Италии, пока вторая фаза неоклассицизма, «стиль ампир», не пришла с наполеоновскими правительствами и не смела рококо.

Интерес к стилю рококо возродился между 1820 и 1870 годами. Англичане были одними из первых, кто возродил «стиль Людовика XIV», как его сначала ошибочно называли, и заплатили завышенные цены за подержанные предметы роскоши в стиле рококо, которые могли вряд ли будет продано в Париже. Но известные художники, такие как Делакруа, и покровители, такие как императрица Евгения, также заново открыли для себя ценность изящества и игривости в искусстве и дизайне.

Мебель и предметы декора
Беззаботные темы и замысловатый дизайн рококо лучше всего проявили себя в меньшем масштабе, чем внушительная архитектура и скульптура в стиле барокко.Поэтому неудивительно, что искусство французского рококо было как дома в помещении. Металлические изделия, фарфоровые фигуры, оборки и особенно мебель приобрели новое преобладание, поскольку французские высшие классы стремились обставить свои дома в модном ныне стиле.

Стиль рококо наслаждался асимметрией, вкусом, новым для европейского стиля. Такая практика оставлять элементы неуравновешенными для достижения эффекта называется контрастностью.

В период рококо мебель была беззаботной, как физически, так и визуально.Идея мебели превратилась из символа статуса в комфорт и универсальность. Мебель можно было легко перемещать для собраний, и появилось множество специализированных форм, таких как стул fauteuil, стул voyeuse и berger en gondola. Изменения в дизайне этих стульев варьируются от мягких отдельных подлокотников до удлиненной мягкой спинки (также известной как «голова молота») и свободной подушки сиденья. Мебель также была отдельно стоящей, а не прикреплялась к стене, чтобы подчеркнуть беззаботную атмосферу и универсальность каждого предмета.Красное дерево широко использовалось в производстве мебели из-за своей прочности, что привело к отсутствию носилок, как на многих стульях того времени. Кроме того, использование зеркал, висящих над каминами, стало все более популярным в свете развития безупречного стекла.

В полномасштабном дизайне рококо, таком как Table d'appartement (ок. 1730 г.) немецкого дизайнера Дж. А. Мейссонье, работавшего в Париже, нет никаких ссылок на тектонические формы: даже поверхность мраморной плиты имеет форму. Фартук, ноги, носилки - все было органично интегрировано в поток противоположных свитков и рокайля.«Узел (ноуд) подрамника демонстрирует асимметричный« контраст », который был нововведением в стиле рококо.

Для маленьких пластмассовых фигурок из гипса, глины, бисквита, фарфора (Севр, Мейсен) рококо подходит; в дереве, железе , и королевский металл, он создал некоторые ценные произведения. Однако исповедальни, кафедры, алтари и даже фасады все больше уводят на территорию архитектоники, которая нелегко сочетается с изгибами рококо, светом и мелочностью, с формами, откуда и почему затрудняют поиск.

Династии парижских эбенистов, некоторые из которых родились в Германии, разработали стиль поверхностей, изогнутых в трех измерениях (бомба), где подобранный шпон (маркетри, временно находящийся в затмении) или вернис мартин японское без особых усилий дополнялось позолоченной бронзой (" ормолу "): Антуан Годро, Шарль Крессан, Жан-Пьер Латц, Франсуа Обен, Бернар II ван Рисенберг - выдающиеся имена.

Французские дизайнеры, такие как Франсуа де Кювилли, Николас Пино и Бартоломео Растрелли, лично экспортировали парижские стили в Мюнхен и Санкт-Петербург, а немец Жюст-Орель Мейсонье начал свою карьеру в Париже.Руководителями парижского рококо была небольшая группа маршанов-наемников, предшественников современных декораторов, во главе с Симоном-Филиппенисом Пуарье.

Во Франции стиль оставался несколько более сдержанным, поскольку орнаменты в основном были из дерева или, в соответствии с модой резьбы по дереву, менее прочными и натуралистичными и менее яркими в сочетании естественных и искусственных форм всех видов (например, растительные мотивы, сталактитовые изображения, гротески, маски, предметы различных профессий, значки, картины, драгоценные камни).

Английское рококо было более сдержанным. Мебель Томаса Чиппендейла сохраняла изгибы и ощущения, но не дотягивала до французской прихоти. Наиболее успешным представителем английского рококо был, вероятно, Томас Джонсон, талантливый резчик и дизайнер мебели, работавший в Лондоне в середине 1700-х годов.

Дизайн интерьера
Дворец Одиночества в Штутгарте и Китайский дворец в Ораниенбауме, баварская церковь Виз и Сан-Суси в Потсдаме - примеры того, как рококо проникло в европейскую архитектуру.

В тех континентальных контекстах, где рококо полностью контролирует, спортивные, фантастические и скульптурные формы выражаются абстрактным орнаментом с использованием пылающих, лиственных или ракушечных текстур с асимметричными линиями, росчерками и ломаными кривыми; интимные интерьеры в стиле рококо подавляют архитектурные разделения архитрава, фриза и карниза для живописного, любопытного и причудливого, выраженного в пластических материалах, таких как резное дерево и, прежде всего, лепнина (как в работах школы Вессобруннера).Стены, потолок, мебель, изделия из металла и фарфора составляют единый ансамбль. Палитра рококо мягче и бледнее, чем богатые основные цвета и темные оттенки, которые предпочитают вкусы барокко.

Несколько антиархитектурных намеков быстро превратились в полномасштабное рококо в конце 1720-х годов и начали влиять на интерьеры и декоративное искусство по всей Европе. Самые богатые формы немецкого рококо - в католической Германии.

Штукатурка в стиле рококо, выполненная итальянско-швейцарскими иммигрантами, такими как Багутти и Артари, является особенностью домов Джеймса Гиббса, а братья Франчини, работающие в Ирландии, не уступают всему, что было предпринято в Англии.

Открытый в некоторых залах Версаля, он раскрывает свое великолепие в нескольких парижских зданиях (особенно в отеле Soubise). В Германии французские и немецкие художники (Кувиллис, Нойман, Кнобельсдорф и др.) Выполнили достойное оборудование Амалиенбурга под Мюнхеном и замков Вюрцбурга, Потсдама, Шарлоттенбурга, Брюля, Брухзаля, Солитьюда (Штутгарт) и Шенбрунна.

В Англии на одной из картин Хогарта, составляющих мелодраматическую моральную сказку «Брак в моде», выгравированной в 1745 году, изображены парадные залы стильного лондонского дома, в котором единственный рококо украшен штукатуркой потолка салона.Все под контролем палладианской архитектуры. Здесь, на каминной полке кентианца, толпа китайских ваз и мандаринов сатирически изображена как отвратительные маленькие чудовища, а настенные часы в стиле рококо - это нагромождение лиственных ветвей.

В целом рококо - это полностью интерьерный стиль, потому что богатые и аристократические люди вернулись в Париж из Версаля. Париж уже был застроен, поэтому вместо того, чтобы заниматься крупными архитектурными дополнениями, они просто обновили интерьеры существующих зданий.

Живопись
Хотя рококо зародилось в чисто декоративном искусстве, этот стиль отчетливо проявился в живописи. Эти художники использовали нежные цвета и изогнутые формы, украшая свои полотна херувимами и мифами о любви. Портретная живопись была также популярна среди художников рококо. Некоторые работы показывают своего рода озорство или нечистоплотность в поведении их испытуемых, показывая историческую тенденцию отхода от церковно-государственной ориентации барокко. Пейзажи были пасторальными и часто изображали неторопливые прогулки аристократических пар.

Жан-Антуан Ватто (1684-1721) считается первым великим художником рококо. Он оказал большое влияние на более поздних художников, включая Франсуа Буше (1703-1770) и Жан-Оноре Фрагонара (1732-1806), двух мастеров позднего периода. Даже тонкое прикосновение и чувствительность Томаса Гейнсборо (1727-1788) отражают дух рококо.

Скульптура
Скульптура была еще одной областью, в которую разветвились художники рококо. Этьен-Морис Фальконе (1716–1791) по праву считается одним из лучших представителей французского рококо.В целом этот стиль лучше всего выразился через изящную фарфоровую скульптуру, а не через внушительные мраморные статуи. Сам Фальконе был директором известного фарфорового завода в Севре. В скульптуре нашли отражение темы любви и веселья, а также элементы природы, изгибы линий и асимметрия.

Скульптор Бушардон изобразил Купидона, вырезавшего дротики любви из дубинки Геркулеса; это служит превосходным символом стиля рококо: полубог превращается в мягкого ребенка, сокрушающая кости дубинка становится пронзительными стрелами, точно так же, как мрамор так легко заменяется лепниной.В этой связи можно упомянуть французских скульпторов Роберта ле Лоррена, Мишеля Клодиона и Пигаль.

Музыка
Стиль Галанте был эквивалентом рококо в истории музыки, между барокко и классикой, и его нелегко определить словами. Сам музыкальный стиль рококо развился из музыки барокко, особенно во Франции. Его можно охарактеризовать как интимную музыку с чрезвычайно изысканными формами декора. Примеры включают Жан-Филиппа Рамо и Луи-Клода Дакена.

Картина Буше дает представление об обществе, отраженном в стиле рококо. «Куртуазный» был бы претенциозным в этом высшем буржуазном кругу, но жест этого человека галантен. Стильный, но уютный интерьер, неформальная изящная интимность манер людей, любопытные и восхитительные детали, куда ни глянь, роскошь потягивать шоколад - все это «галанте».

Искусство рококо - взгляд на роскошный и беззаботный период рококо

Стиль рококо в декоративном искусстве, архитектуре, дизайне интерьеров, скульптуре и живописи зародился в Париже в начале 18 века.Это яркое и элегантное движение распространилось по Франции и другим европейским странам, таким как Австрия и Германия. Стиль рококо роскошен, экстравагантен и беззаботен.

Краткое введение в стиль рококо

С точки зрения определения рококо, если когда-либо существовал аристократический стиль французского искусства, то это рококо. Узоры в стиле рококо были невероятно театральными и орнаментальными, призванными произвести впечатление и передать богатство. Стиль рококо, характеризующийся легкостью, изогнутыми формами, асимметричными ценностями, вдохновленными природой мотивами и игривыми темами, поистине уникален.

Стиль эпохи рококо отличается сильным чувством прихоти. По сравнению с предшествующим стилем барокко, стиль рококо имел гораздо более светлую цветовую палитру. Легкость и элегантность пронизывают дизайн в стиле рококо с использованием пастельных тонов, большого количества золота и белого цвета слоновой кости. Многие дизайнеры интерьеров в стиле рококо использовали зеркала, чтобы создать ощущение легкости и простора.

Изогнутые формы были характерной чертой дизайна рококо с завитками и соблазнительной мебелью. Изгибы и волнистости отражали естественные формы, такие как растения и морские ракушки.Пышные конструкции включали в себя извилистые линии или извилистые линии, которые изгибались в разных направлениях, как виноградные лозы.

Одним из отличительных элементов периода рококо является отсутствие точной сбалансированности декоративных элементов. Асимметрия проявляется как в декоре, так и в предмете мебели или архитектуре в целом. Мебель и архитектурные конструкции часто включали асимметричные С-образные улитки. Асимметричные ценности также включали изображение ракушек и других форм, вдохновленных природой.Предметы мебели в стиле рококо, такие как шкафы и диваны, часто имели несбалансированные элементы декора. Несмотря на несбалансированность в отделке, общее чувство равновесия сохраняется.

Особенно заметный декоративный мотив, используемый в живописи, скульптуре и дизайне интерьеров в стиле рококо, вдохновлен природой. Многие изогнутые формы были основаны на органических формах, таких как волны, ракушки и другие мотивы морской тематики. Мотивы листьев также были распространены, с завивающимися виноградными листьями, похожими на стилизованные листья аканта.Несмотря на то, что эти формы были органичными, они часто были преувеличены и позолочены.

Игривые и веселые темы - отличительные черты живописи и скульптуры в стиле рококо. Часто в основе картин в стиле рококо лежали темы любви, игривости и природы. Классические мифы также были популярными темами среди художников рококо. Популярные темы рококо - еще один пример того, как дизайн рококо отказался от традиций стиля барокко.

Жюль Лашез, CC0, через Wikimedia Commons

Происхождение термина рококо

Определение рококо было впервые использовано в юмористической форме как вариация французского слова rocaille, как метод украшения гротов и фонтанов ракушками, галькой и цементом.К концу 17 века люди начали использовать этот термин для описания декоративного мотива, возникшего в стиле позднего Людовика XIV. В этом орнаменте использовалась морская ракушка, переплетенная с листьями аканта.

Впервые термин rocaille был использован для обозначения определенного стиля в 1736 году ювелиром и дизайнером Жаном Мондоном. Мондон опубликовал каталог дизайнов мебели и других декоративных украшений в стиле рокай. Эти конструкции для мебели, декоративных дверных проемов и стеновых панелей отличались изогнутыми ракушками в сочетании с вьющимися лозами или пальмовыми листьями.

В 1825 году, почти столетие спустя, впервые был напечатан термин рококо. В этом контексте термин рококо описывал старомодный стиль прошлого века. Этот термин использовался на протяжении 19 века для описания чрезмерно декоративной архитектуры, музыки, скульптуры и дизайна. С тех пор историки искусства приняли термин рококо как стиль европейского искусства 18 века.

Несмотря на споры об историческом значении стиля рококо, он признан особенным стилем европейского дизайна.

История стиля рококо

Стиль рококо начался с дизайна интерьера и мебели. В ответ на строгую жесткость эпохи барокко дизайн в стиле рококо был чрезмерно орнаментальным. Иногда искусствоведы называют период рококо поздним барокко, которое началось во Франции как реакция на формальный стиль Людовика XIV. Когда правление Людовика XIV закончилось, аристократы и богатые вернулись в Париж. Там они начали оформлять свои дома в стиле рококо.Дизайнеры интерьеров, граверы и художники, в том числе Жюст-Орель Мейсонье, Николя Пино, Пьер Ле Потр и Жан Берен, разработали более интимный стиль украшения домов знати.

Французский рококо

Рококо процветал во Франции между 1723 и 1759 годами. Французский дизайн рококо был наиболее заметным в салонах. Салон был оформлен в новом стиле и был разработан, чтобы развлекать и впечатлять гостей. Салон Princess в парижском отеле De Soubise является прекрасным образцом салонов в стиле рококо.

NonOmnisMoriar, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Исключительный артистизм был определяющим фактором французского стиля рококо, особенно в рамах картин и зеркал. Эти узоры часто представляли собой переплетенные формы растений, вылепленные из гипса и позолоченные. Эти извилистые изгибы и дизайн, вдохновленный природой, также были популярны в дизайне мебели. Ведущие французские мебельщики, такие как Шарль Крессан и Мейсонье, были сторонниками стиля рококо.

Стиль рококо доминировал во французском искусстве и дизайне до середины 18 века, когда открытия римских древностей привели французскую архитектуру к неоклассическому дизайну.

Итальянское рококо

Стиль рококо особенно процветал в Италии. Венеция была эпицентром итальянского рококо. В итальянских конструкциях в стиле рококо, таких как венецианские комоды, использовались те же орнаментальные украшения и изогнутые линии, что и во французской рокайле , но с некоторыми дополнительными элементами. Многие венецианские произведения были расписаны цветами, пейзажами или сценами известных художников. Шинуазри, или европейское подражание китайским и другим восточноазиатским художественным традициям, также было популярно в итальянском рококо.

Джованни Баттиста Тьеполо был известным художником-декоратором периода итальянского рококо. Тьеполо расписывал потолки и фрески палаццо и церквей. В 1750-х годах Тьеполо путешествовал со своим сыном в Германию, и они украшали потолки Вюрцбургской резиденции. Еще одним знаменитым итальянским художником в стиле рококо был Джованни Баттиста Крозато. Кросато наиболее известен квадратурной росписью потолка бального зала Ка Реццонико.

Myriam Thyes, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Венецианская стеклянная посуда была значительной частью периода итальянского рококо.Именно в это время процветало цветное и часто гравированное муранское стекло. Стекольные изделия, такие как зеркала в декоративных рамах и разноцветные люстры, экспортировались по всей Европе.

Южно-германский рококо

Именно в Южной Германии и Австрии стиль рококо достиг своего расцвета. Опубликованные работы французских архитекторов и дизайнеров представили стиль рококо в Германии, и он продолжал доминировать в немецком искусстве и дизайне между 1730-ми и 1770-ми годами.В то время как немецкие дизайнеры и архитекторы черпали вдохновение у французских архитекторов, таких как Жермен Боффран, и дизайнеров интерьеров, таких как Жиль-Мари Оппенорд, немецкая архитектура и дизайн в стиле рококо достигли новых высот.

Архитектурный стиль рококо был заимствован немецкими архитекторами, которые украсили его еще более изысканным декором и сделали его гораздо более асимметричным. Декоративный стиль рококо до сих пор доминирует в немецких церквях. Архитекторы выстраивали из лепнины кривые и встречные изгибы, создавая узоры, которые изгибались и поворачивались, а стены и потолки - без прямых углов.Особенно популярным мотивом была лепная листва, которая, казалось, расползалась по стенам и потолку. Это богато украшенное украшение часто было посеребренным или позолоченным, что создавало потрясающий контраст со светлыми пастельными или белыми стенами.

Первым зданием, построенным в стиле рококо, был павильон Амалиенбург в Мюнхене. Дизайнер и архитектор бельгийского происхождения Франсуа де Кувильи был ответственным за проектирование этого здания и нашел вдохновение в павильонах французских Марли и Трианон.Павильон Амалиенбург изначально был построен как охотничий домик и имел площадку на крыше для отстрела фазанов. В интерьере был Зеркальный зал, созданный Иоганном Батистом Циммерманном. Экстравагантность этого здания выходила далеко за рамки архитектуры французского рококо.

Цифровой кот, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Еще один выдающийся образец немецкой архитектуры рококо - Вюрцбургская резиденция. Этот внушительный дворец имел экстерьер в стиле барокко, но в интерьере отражался легкий стиль рококо.Резиденция была спроектирована по согласованию с французскими художниками Робертом де Коттом и Жерменом Боффраном и Тьеполо, итальянским художником в стиле рококо, которые создали фреску над трехуровневой лестницей. Центральным элементом этой резиденции была лестница, как и лестница во дворце Августусбург. Во дворце парадная лестница переносила посетителей вверх через видение скульптур, картин, украшений и изделий из железа.

Хотя стиль рококо изначально был светским, в немецкий период было много церквей в стиле рококо.На протяжении 1740-1750-х годов архитекторы в стиле рококо спроектировали несколько паломнических церквей по всей Баварии. В интерьере этих церквей отчетливо виден стиль рококо. Яркими примерами являются Wierskirche Доминикуса Циммермана, имевший простой внешний вид с небольшим количеством орнаментов и простых цветов. Однако при входе в церковь вас встречает полувагон овальной формы, который заливает церковь светом. Голубые и розовые лепные колонны в хоре контрастируют с белыми стенами, а гипсовые ангелы окружают потолок купола.

Британский рококо

Хотя влияние рококо не ощущалось в Великобритании так сильно, как в других странах Европы, британские шелка, фарфор и изделия из серебра действительно черпали вдохновение из рококо. Теоретическая основа красоты рококо была частично заложена Уильямом Хогартом, который утверждал, что S-образные изгибы и волнистые линии рококо были основой красоты и изящества в природе и искусстве.

Стиль рококо быстро пришел в Англию.Британская мебель долгое время следовала палладианской неоклассической модели под руководством дизайнера Уильяма Кента. Кент был влиятельной фигурой, разработавшей мебель для лорда Берлингтона. Именно с лордом Берлингтоном Кент отправился в Италию между 1712 и 1720 годами. Кент привез идеи и модели Палладио и спроектировал мебель для дома Чизвик, дворца Хэмптон-Корт и Холкхэм-холла.

Появление красного дерева в Англии около 1720 года было самым значительным развитием рококо того времени.Наряду с ореховым деревом для изготовления мебели стало популярным красное дерево. Это был дизайнер мебели Томас Чиппендейл, чьи работы были наиболее близки стилю рококо. Каталог дизайнов мебели в стиле шинуазри, рококо и готики под названием «Справочник джентльменов и краснодеревщиков », , был опубликован Чиппендейлом в 1754 году. Хотя мебель Чиппендейла определенно вдохновлялась рококо, он не использовал инкрустации или маркетри в своей мебели. в отличие от французских дизайнеров.

Томас Джонсон был еще одной важной фигурой в британской мебели в стиле рококо.В 1761 году Джонсон опубликовал свой собственный каталог дизайнов мебели в стиле рококо, в том числе мебели, основанной на индийских и китайских мотивах.

Искусство и дизайн эпохи рококо

Как вы видели, в Европе было много вариантов дизайна. В то время как Южная Германия влюбилась в архитектуру рококо, англичане предпочли мебель в стиле рококо. Будь то живопись, скульптура, мебель или архитектурный дизайн, мы можем увидеть самобытный стиль рококо.

Дизайн интерьера в стиле рококо

Дизайн интерьера был искрой эпохи рококо. Хотя стиль рококо стал доминировать в живописи, скульптуре и даже музыке, он начинался как стиль дизайна интерьера. В то время как архитектура обычно сосредоточена на внешнем дизайне, дизайнеры в стиле рококо внесли его внутрь. Вершина дизайна интерьера в стиле рококо лежит в салоне.

Парсифаль, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Что такое салон в стиле рококо?

Салон, во многом похожий на гостиную или гостиную, предназначен для развлечения и впечатления гостей.Изначально предназначенный для богатой аристократии, салон был местом, где можно было продемонстрировать их невероятное богатство и провести интеллектуальные беседы. В то время философия просвещения считала, что внешняя архитектурная среда поощряет определенный образ жизни.

Салоны в стиле рококо - это центральные помещения, оформленные в типично экстравагантном и роскошном стиле рококо.

Салоны отличались типично продуманным декором в стиле рококо, серпантинными линиями, светлыми пастельными тонами, замысловатыми узорами, асимметрией и большим количеством золота.Планировка салонов часто была асимметричной, тип дизайна, известный как contraste . Скульптурные формы на стенах и потолках с абстрактными, зелеными и подобными ракушкам фактурами были украшениями интерьера.

Salon de Monsieur le Prince - особенно известный пример. Еще один яркий пример салона в стиле рококо - салон Жермена Боффрана в парижском отеле Soubise. У всех этих салонов есть потолки, стены и лепнина с замысловатыми украшениями S-образных изгибов, естественных форм и форм раковин.

Мебель в стиле рококо

Салон был способом отразить социальный статус, а мебель в салоне - другим. В период рококо в мебельном производстве произошел взрыв. Дизайн мебели подчеркивал легкость периода рококо. Мебель была сделана физически легче, чтобы ее можно было легко перемещать. Мебель также стала более изящной и изысканной, с тонкими изогнутыми ножками стола.

Мебель в стиле рококо стояла отдельно, а не прислонялась к стене.Эта особенность также помогла придать желанной аристократии комнате легкости и универсальности.

Красное дерево стало популярным деревом для мебели в стиле рококо, потому что оно было прочным. Сила красного дерева означала, что производители мебели могли вырезать изящную мебель, которая не сломалась бы. Многие специализированные предметы интерьера появились в период рококо, в том числе стул voyeuse . Зеркала с витиеватой резьбой и декорированными рамами также становились все более популярными в эпоху рококо.Дизайнеры интерьеров использовали бы зеркала, чтобы усилить ощущение света и простора в комнате.

Sailko, CC BY 3.0, через Wikimedia Commons

Архитектура рококо: барокко против рококо

Архитектура рококо 18 века была изящнее, легче и сложнее, чем стили барокко. Хотя архитектура рококо в некоторых отношениях была похожа на образцы барокко, в других они значительно отличались.

Барокко vs.Архитектурный стиль рококо

Как и в дизайне интерьеров и мебели, архитектура рококо подчеркивала дизайн и асимметрию форм, тогда как в стиле барокко все было наоборот. Архитектура барокко была в целом более серьезной, с использованием религиозных тем протестантской реформации, в то время как архитектура рококо была более беззаботной, шутливой и светской. В то время как здания в стиле барокко были спроектированы для большого публичного величия, архитектура рококо подчеркивала уединение.

Изгибы рококо и декоративные элементы, которые мы видим в мебели и внутренней отделке, также были перенесены в архитектурный дизайн.Фирменная цветовая палитра рококо из золота, белого и пастельных тонов также была важной особенностью архитектуры рококо.

Некоторые известные здания в стиле рококо включают португальский национальный дворец Келуш, Екатерининский дворец в России, Китайский дом в Потсдаме, дворцы Фалькенлуст и Августусбург, части Версальского дворца и дворец Шарлоттенбург в Германии. Итальянский архитектор Франческо Бартоломео Растрелли известен своими роскошными и щедрыми проектами и работал в России.Филип де Ланге работал как в голландской, так и в датской архитектуре, а Маттеус Даниэль Поппельманн был архитектором в стиле позднего барокко, который помог с реконструкцией немецкого города Дрездена.

W. Bulach, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Картина в стиле рококо

Тонкая и беззаботная природа дизайна в стиле рококо, пожалуй, наиболее заметна в картинах той эпохи. Используя легкую палитру рококо пастелей, золота и белого, а также другие элементы дизайна в стиле рококо, такие как асимметричные кривые и серпантинные линии, живопись в стиле рококо легко различима.Невероятное внимание к деталям, игривые темы и пастельная цветовая палитра - важные особенности живописи рококо.

Безупречное внимание к деталям

Вдохновленные художниками эпохи Возрождения, картины в стиле рококо отличаются невероятным вниманием к деталям. Французский художник Франсуа Буше особенно известен своим детальным подходом к живописи. Буше удается запечатлеть мельчайшие детали изысканных костюмов и создать красиво детализированные сцены.

Игровые темы

Возможно, темы картин в стиле рококо лучше всего подчеркивают веселую атмосферу этого периода искусства. Темы молодости, любви, игры, классических мифов, идиллических пейзажей и портретов типичны для живописи рококо. Французскому художнику Антуану Ватто приписывают популярность игривого сюжета в стиле рококо. Ватто известен как отец fete galante жанра фестивалей живописи, вечеринок в саду и других мероприятий на открытом воздухе.Ватто рисовал сцены пасторальных пейзажей и общения причудливых людей. Часто изображались греческие богини, амуры и другие мифологические существа, в которых реальность смешивалась с фантазией в игровой форме.

Антуан Ватто, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Цветовая палитра рококо

Цветовая палитра картин эпохи рококо значительно отличается от палитры более раннего периода барокко. Художники барокко использовали глубокие и эмоциональные цвета, а художники рококо, такие как Жан-Оноре Фрагонар, создавали беззаботные сцены в светлых пастельных тонах.Картина Фрагонара "Качели " - одна из самых известных картин периода рококо. Светло-зеленые завитки листвы окружают женщину в светло-розовом платье, кокетливо сбрасывающую туфлю на качелях.

Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Скульптура рококо

Скульптура эпохи рококо была динамичной, театральной и красочной. Эти скульптуры пронизаны чувством движения во всех направлениях. Скульптуры были тесно связаны с архитектурой и живописью и часто можно было найти внутри церквей.

Скульптура раннего французского рококо намного легче классического стиля Людовика XIV. Мадам де Помпадур была покровительницей скульптур в стиле рококо и заказала несколько работ для своих садов и замков. Скульптура купидона, высекающего свои любовные стрелы из клуба Геркулеса, - это знаменитая скульптура в стиле рококо, созданная Эдме Бушардоном. Вы можете найти другие образцы скульптуры в стиле рококо вокруг фонтанов Версаля, такие как Фонтан Нептуна Николя-Себастьяна Адама и Ламберта-Сигизберта Адама, созданный в 1740 году.После их успеха Фридрих Великий пригласил этих скульпторов создать скульптуру фонтана для своего дворца в Пруссии.

Национальная галерея искусств, CC0, через Wikimedia Commons

Ведущий французский скульптор Этьен-Морис Фальконе наиболее известен своей петербургской статуей Петра Великого, а также создавал небольшие работы из терракоты или бронзы для состоятельных коллекционеров. Фальконе был не единственным скульптором, создавшим небольшие серии скульптур для коллекционеров. Жан-Батист Пигаль, Мишель Клодион, Жан-Луи Лемуан и Луи-Симон Буазо создали серию скульптур.

Итальянец Антонио Коррадини был одним из ведущих скульпторов в стиле рококо в Венеции. Он путешествовал по Европе, какое-то время работал в Санкт-Петербурге у Петра Великого, а также при австрийских и напальских императорских дворах. Скульптуры Коррадини вызывают больше сентиментальности, и он создал несколько изящных скульптур женщин в чадрах.

Фарфор в стиле рококо

В период рококо начали появляться небольшие фарфоровые скульптуры. Первоначально созданные для замены сахарных скульптур на больших обеденных столах, фарфоровые фигурки вскоре стали популярными в качестве украшений для мантий.По мере того как в XVIII веке количество европейских фарфоровых фабрик росло, небольшие фарфоровые скульптуры стали доступны людям среднего класса. С течением века количество надглазурных украшений на этих красочных фарфоровых скульптурах также увеличивалось.

Мейсенский фарфоровый завод является старейшим в Европе и оставался самым важным до 1760 года. Иоганн Иоахим Кандлер был главным моделистом на Мейсенской фабрике. Франц Антон Бустелли, немецкий скульптор, работал на Нимфенбургской фарфоровой мануфактуре и был известен своей коллекцией красочных фигур, которые продавались по всей Европе.Следуя его примеру, Этьен-Морис Фальконе стал директором Севрского фарфорового завода. Здесь он создал серию различных небольших скульптур на темы беззаботности и любви.

Rufus46, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Музыка рококо

Хотя музыка рококо не так хорошо известна, как более поздняя классика и более ранние формы барокко, ей есть место в истории музыки. Музыкальный стиль рококо, как и большая часть движения рококо, возник в эпоху барокко.Во Франции стиль , галант или элегантный стиль музыки, был легкой, изысканной и сложной музыкой для интимной жизни. Среди влиятельных французских композиторов рококо - Луи-Клод Дакен, Жан Филипп Рамо и Франсуа Куперен. В Германии двое сыновей Иоганна Себастьяна Баха, Иоганн Христиан Бах и Карл Филип Эмануэль Бах стали первопроходцами в музыке рококо или «чувственном стиле».

Во второй половине XVIII века возникла негативная реакция на чрезмерное использование декора и орнаментов в стиле рококо.Кристоф Виллибальд Глюк возглавил это реакционное движение, которое в конечном итоге стало классическим стилем. вариаций на тему рококо Петра Ильича Чайковского написаны в стиле рококо, хотя в эпоху рококо написаны не были.

Мода рококо

Экстравагантность, утонченность, орнамент и элегантность стиля рококо не утеряны в моде рококо. Женская мода 18 века была изысканной и богато украшенной в истинном стиле рококо.Начиная с Королевского двора, эта мода вскоре распространилась на кафе и салоны буржуазии.

К концу правления Людовика XIV стало популярным свободное платье, известное как robe volante . Лиф, закругленная нижняя юбка и широкие складки, ниспадающие на спину, были отличительными чертами этого платья. Темная и богатая цветовая палитра тканей сочетается с тяжелыми и смелыми элементами дизайна. После смерти короля Людовика XIV стили моды начали меняться вместе с тенденциями рококо.

Мода рококо была легкомысленнее, легче и откровеннее. Пастельная цветовая гамма, обилие бантов, кружева, оборок, оборок и глубокий вырез - отличительные черты женской моды в стиле рококо. Новое платье, известное как robe a la Francaise , имело узкий лиф и обычно большое количество лент спереди. У этого платья были широкие корзины и оно было украшено обильным количеством цветов, кружев и лент. Жан-Антуан Ватто, художник, который запечатлел замысловатые детали вышивки, кружева и другой отделки на богато украшенных платьях, был вдохновителем для складок Watteau .

Музей искусств округа Лос-Анджелес, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Примерно в 1718 году в моду вошли mantua и pannier . Это были широкие обручи, расширявшие бедра в стороны, надеваемые под платье. Эти предметы вскоре стали неотъемлемой частью моды рококо. Культовый образ эпохи рококо - платье с расширенными бедрами и чрезмерным количеством украшений. В особых случаях требовались очень широкие корзины, некоторые достигали 16 футов в диаметре.Обручи меньшего размера предназначались для повседневного ношения.

Этот стиль одежды возник в Испании 17 века и изначально был разработан, чтобы скрыть беременный живот.

Золотой век моды рококо пришелся на 1745 год, когда во Франции стала популярна более восточная и экзотическая культура, известная как a la turque . Мадам де Помпадур сыграла важную роль в продвижении этого стиля, когда она заказала картину Шарля Андре Ван Лоо, изображающую себя в образе турецкой султаны.В 1760-х годах появился менее формальный стиль моды. Полонез, более короткое платье, вдохновленное польской модой, делало видны щиколотки и нижнюю юбку. Платье-полонез также позволяло женщинам передвигаться с большей легкостью.

robe a l’anglais, или английское платье, было еще одним популярным стилем во второй половине 18 века. Это платье включало в себя более мужские модные элементы, такие как длинные рукава, широкие лацканы и короткий жакет. Завершали ансамбль пышная юбка с небольшим шлейфом, но без кофров, плотный лиф и небольшой кружевной платок на шее.Редингот, сочетание пальто и накидки, был еще одним новым предметом моды в стиле рококо.

Помимо множества различных предметов одежды, аксессуары были неотъемлемой частью моды рококо 18 века. Такие аксессуары, как ожерелья и украшения, добавляли роскоши и декадентского декора платьям. Женщины с короткими рукавами должны были носить перчатки на официальных церемониях.

Постепенный упадок стиля рококо

Вскоре акцент рококо на галантности и декоративной мифологии вызвал реакцию.Французская Академия начала преподавать более Классический стиль искусства , и Де Трой, выдающийся художник-классик, стал директором Академии в 1738 году. Хотя период рококо во Франции находился в упадке, он продолжал процветать в Австрии и Германии.

Мадам де Помпадур была видной и влиятельной фигурой на протяжении 18 века, пропагандировала искусство и моду рококо и способствовала его упадку. В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего брата и нескольких художников, в том числе архитектора Суффло и гравера Шарля-Николя Кочина, в двухлетнюю поездку для изучения итальянских археологических и художественных разработок.Эта группа вернулась со страстью к классицизму, и Абель-Франсуа Пуассон де Вандиер, брат мадам де Помпадур, стал маркизом.

Шарль-Андре ван Лоо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Вандиер был также назначен генеральным директором королевских зданий и отвечал за сдвиг французской архитектуры в сторону неоклассицизма. Кочин, влиятельный искусствовед, осудил стиль Буше, который он назвал пети-стилем. Скорее, Кочин призывал к более грандиозному стилю живописи и архитектуры, который подчеркивал бы благородство и классическую древность.

Жак-Франсуа Блондель и Вольтер добавили свои голоса к громкой критике поверхностного характера искусства рококо. 1760-е годы стали началом конца стиля рококо, поскольку художники начали целеустремленно и ценно призывать к искусству. Рококо официально скончался к 1785 году и был заменен неоклассицизмом.

Насмешки над рококо как над поверхностным и легкомысленным распространились на Германию к концу 18 века. Хотя рококо удалось сохранить популярность в Италии и некоторых немецких государствах, оно было полностью уничтожено второй волной ампир неоклассицизма .

Известные исполнители рококо

В период рококо появилось так много художников, архитекторов и скульпторов. Из многих, есть несколько, которые произвели неизгладимое впечатление на мир декоративного искусства, в том числе Франсуа Буше, Элизабет Луиза Виже ле Брун и Джованни Баттиста Тьеполо.

Франсуа Буше (1703-1770)

Из всех выдающихся художников рококо Буше, безусловно, заслуживает места в этом списке.Картины Буше, известные своими изображениями древнеримских и греческих мифологий, сформировали курс стиля рококо. Будучи молодым студентом-художником, Буше учился в период позднего барокко и путешествовал по Италии. Он также изучал голландский пейзажный стиль.

Буше в свое время стал очень известен среди французских художников. Сладострастная манера, в которой Буше изображал фигуры на своих картинах, принесла ему значительную известность. На многих картинах Буше в пасторальных сценах изображены пастухи и различные виды домашнего скота.Из его работ Триумф Венеры (1740) считается его самым известным, но он находится в тесном противоречии с The Breakfast (1739) и The Grape Eaters (1749).

Франсуа Буше, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Жан-Оноре Фрагонар (1732-1806)

Французский гравер и художник в стиле рококо Жан-Оноре Фрагонар - один из самых известных художников периода рококо. Хотя он жил в конце 18 века, когда рококо начал приходить в упадок, он создавал гедонистические картины.За свою жизнь Фрагонар также написал несколько работ для королевской семьи, в том числе The Meeting (1771).

Фрагонар познакомился с Буше, когда ему было всего 18 лет, и хотя Буше отказался работать с Фрагонаром из-за отсутствия у него опыта, он отправил его учиться у Жана-Батиста-Симеона Шардена. Несмотря на раннее отсутствие опыта, Фрагонар стал одним из самых плодовитых художников в истории французского искусства. Особенно известной картиной Фрагонара является «Поцелуй украдкой» (1788 г.).

Жан-Оноре Фрагонар, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Жан-Антуан Ватто (1684-1721)

Хотя Жан-Антуан Ватто умер до Золотого века рококо, он был одной из самых влиятельных фигур в этом движении. Именно Ватто считается пионером стиля рококо, которого он достиг, объединив свое собственное художественное чутье с элементами таких мастеров, как Питер Пауль Рубенс и Тициан.

Стиль

Ватто был особенно красочным, с яркими оттенками и большой глубиной.Многие работы Ватто по своему театральному облику типичны для стиля рококо. Ватто также прославился своей невероятной способностью улавливать мельчайшие и сложные детали, особенно в богато украшенной одежде. Пожалуй, самая известная картина Ватто - это «Паломничество на остров Кифера», , которое он завершил в 1717 году. Среди других примечательных работ - Пьеро, (1719) и , Посадка на Китеру, (1717).

Антуан Ватто, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Элизабет Луиза Виже-ле-Брен (1755-1842)

Одна из самых выдающихся женщин-художников в истории Франции, Ле Брун больше всего известна своими роскошными портретами.Когда Ле Брун развила свои художественные способности, ей не разрешили посещать какие-либо официальные художественные школы или академии. К счастью, ее отец был художником и научил ее рисовать.

В возрасте 15 лет Ле Брун начал работать профессиональным художником. Несмотря на сексизм того времени и многих, кто избегал ее работ, Ле Брун была помещена в Королевскую академию в 28 лет королем Людовиком XVI и Марией Антуанеттой. Ле Брен продолжала рисовать одни из самых известных картин в истории Франции, самой известной из которых была ее картина Мария-Антуанетта в придворном платье (1778).

Художественно-исторический музей, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Джованни Баттиста Тьеполо (1696-1770)

Знаменитый венецианский художник Тьеполо хорошо известен своими декоративными и чрезмерно сложными картинами, часто изображающими королевские фигуры. Тьеполо обладал уникальным стилем в период рококо, он учился у нескольких художников, испытавших влияние эпохи Высокого Возрождения . В результате его образования стиль Тьеполо представлял собой сочетание рококо и ренессанса.

Из его многочисленных работ, Свадьба императора Фридриха и Беатрис Бургундские (1752), вероятно, самая известная. Это невероятно значимое историческое событие было запечатлено в типичном стиле рококо. Богато украшенный зал с арками, плавными шторами и элегантно одетыми фигурами украшает холст этой знаменитой картины.

Джованни Доменико Тьеполо, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Канал Джовани Антонио (1697-1768)

Джовани Антонио Канал, более известный как Каналетто, был одним из самых известных деятелей рококо 18 века.Художник итальянского происхождения рано проявил художественные способности и стал одним из самых известных художников как в стиле рококо, так и в венецианской школе.

Много путешествуя по Европе при жизни, Каналетто был известен своими невероятно реалистичными городскими пейзажами. Среди самых известных картин его юности - «Вход в Гранд-канал», «Венеция » (1730 г.) и «Двор каменщиков» (1725 г.). Каналетто завершил обе эти картины, когда во Франции начало расти движение рококо.Именно благодаря действиям Каналетто рококо распространилось на Италию.

Каналетто, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Томас Гейнсборо (1727-1788)

Выдающийся британский художник в стиле рококо Гейнсборо наиболее известен своими детально проработанными портретами и элегантными пейзажами. Гейнсборо был одним из самых видных членов Академии Сен-Мартен-Лейн, основанной Юбером Франсуа Гравело после того, как рококо пересек Ла-Манш из Франции.

Гейнсборо - один из самых известных британских художников XVIII века. Картины в стиле рококо - одни из самых знаменитых. Хотя многие из самых любимых картин Гейнсборо - это пейзажи, его самая известная картина в стиле рококо - это «Голубой мальчик », которую он написал в 1770 году.

Каналетто, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Стиль рококо 18 века, полный роскоши, золота и экстравагантности, узнаваем сразу.Хотя движение просуществовало недолго, оно определенно произвело впечатление, и многие художники этого периода остаются важными историческими фигурами.

Что такое скульптура рококо? Характеристики и представители

Определение скульптуры рококо

Стиль рококо, стиль, используемый в основном в дизайне интерьеров, объединяющий искусство живописи, архитектуры и скульптуры, возник в Париже в 18 веке, но вскоре был принят по всей Франции, а затем в другие страны, в основном Германия и Австрия.Он отличается легкостью, элегантностью и обильным использованием изгибов и естественных форм в орнаменте. Слово рококо происходит от французского слова rocaille, которое обозначает каменную конструкцию, похожую на навес, которая использовалась для украшения искусственных гротов.

В этом смысле скульптура рококо - это техническое определение, используемое историками искусства, которое не обязательно подразумевает глубокое отличие от барокко. Фактически, термин «рококо», поскольку он может быть применен к скульптуре, следует понимать как описывающий не стиль, отличный от барокко, а лишь вариацию стиля, воплощенную в жизнь Бернини и его современниками.Однако можно говорить о качествах стиля рококо в скульптурном произведении из-за характеристик неформальности, жизнерадостности, заботы о сердечных делах и сознательного избегания серьезности. Таким образом, в восемнадцатом веке, открывшемся во Франции в настроении реакции на крайнюю формальность двора Людовика XIV, этот новый дух, который выражен во французской академии, в которой также можно увидеть невынужденный натурализм бюстов, даже если в то время скульптура могла только предполагать, что она всего лишь средство, приспособленное для выражения тонкостей человеческого поведения.

В этом отношении наиболее яркое проявление рококо в скульптуре можно найти в Германии, хотя, как правило, оно носит менее сложный характер, чем декоративное искусство салонов Парижа начала восемнадцатого века. Скульптура, созданная в немецких княжествах в восемнадцатом веке, слишком разнообразна, чтобы допускать обобщение, но большая часть лучших и наиболее характерных работ того периода демонстрирует замечательное продолжение более раннего духа высокого барокко.Так, Бальтазар Пермозер (1651-1732), дрезденский скульптор, учился в Италии во второй половине 17-го века, но его желание включить живописные качества в скульптуру, безусловно, было связано с изучением работ Бернини, и он уехал как личный Завещание - это ныне уничтоженная группа картин, посвященных скульптуре. Тем не менее элегантность его фигур, несомненно, является развитием позднего барокко, и ничто так не иллюстрирует двусмысленность термина «рококо», как художественно-исторический стиль этих немецких произведений 18-го века.

Как развивалась скульптура в стиле рококо?

Изначально стиль рококо представлял собой реакцию на кропотливый дизайн Версальского дворца Людовика XIV и официальное искусство барокко его правления. Несколько дизайнеров интерьеров, художников и граверов, в том числе Пьер Ле Потр, Ж. А. Мейсонье, Жан Берен и Николя Пино, разработали более легкий и интимный стиль оформления новых резиденций знати в Париже. В стиле рококо стены, потолки и молдинги были украшены тонким переплетением изгибов и встречных изгибов, основанных на основных формах «C» и «S», а также ракушках и других естественных формах, поскольку асимметричный дизайн был правилом.Мягкая пастель, белый цвет слоновой кости и золото были преобладающими цветами, а декораторы в стиле рококо использовали зеркала, чтобы усилить ощущение открытого пространства. Точно так же превосходным примером французского рококо является салон Monsieur le Prince (завершен в 1722 году) в Маленьком замке в Шантийи, оформленный Жаном Обером, и салоны (начало в 1732 году) в Hôtel de Soubise в Париже, созданные Жерменом Боффраном. Точно так же стиль рококо проявился и в декоративном искусстве. Его асимметричные формы и орнамент рокай были быстро адаптированы к серебру и фарфору, к французской мебели того периода, также показавшей изогнутые формы, натуралистическую форму раковин и цветочного орнамента, а также более сложное, орнаментальное и игривое использование позолоченной бронзы и фарфора.

Из Франции стиль рококо распространился в 1730-х годах на католические немецкоязычные земли, где он адаптировался к блестящему стилю религиозной архитектуры, сочетающему французскую элегантность с южногерманской фантазией, а также сохраняющийся интерес барокко к драматическим пространственным и пластическим эффектам. . Некоторые из самых красивых зданий в стиле рококо - это все здания на окраинах Франции, такие как, например, построенные в Мюнхене, такие как изысканный и изящный Амалиенбург (1734-1739 гг.), Парк Нимфенбург и Residenztheater (1750–1750 гг.) 53).Точно так же многие из этих зданий были перестроены после Второй мировой войны Франсуа де Кувильес.

В Италии стиль рококо был в основном сконцентрирован в Венеции, где он был воплощен в крупномасштабных декоративных картинах Джованни Баттиста Тьеполо. Городские пейзажи Франческо Гварди и Каналетто также испытали влияние рококо. Между тем, во Франции этот стиль уже начал приходить в упадок в 1750-х годах, когда он подвергся критике за его тривиальность и орнаментальные излишества, а к 1760-м годам новое, более суровое движение неоклассицизма начало вытеснять рококо во Франции.

Каково наследие скульптуры в стиле рококо?

Характеристики рококо включают использование сложных изгибов и завитков, орнаментов в виде ракушек и растений, поэтому все комнаты должны быть овальной формы. Узоры были сложными и тонкими в деталях. Таким образом, сложность овальной комнаты французского отеля Soubise в Париже в 1740 году можно сравнить с автократическим золотом в палате короля Франции Людовика XIV в Версальском дворце в 1701 году. Таким образом, в рококо формы были сложными и несимметричными. Точно так же цвета часто были мягкими и пастельными, но не без ярких и светлых оттенков.Применение золота было полезным.

Однако, если барокко было более трудоемким, массивным и подавляющим, то рококо тонкое, легкое и очаровательное. Тем не менее, несмотря на то, что не все были очарованы рококо, художники-скульпторы пошли на риск, которого раньше не делали другие. Точно так же художники в стиле рококо могли создавать не только большие фрески для великих дворцов, но и более мелкие и изящные, которые можно было выставлять во французских салонах. Таким образом, как и скульптура, картины характеризовались использованием мягких цветов и размытых контуров, а в скульптуре и живописи использовались обильные изогнутые линии с большим количеством орнаментов и отсутствием симметрии.Точно так же сюжет скульптур этого периода был более смелым, так что некоторые скульптурные работы даже считаются порнографическими по сегодняшним стандартам.

Скульптура рококо в России

В то время как сложная скульптура в стиле барокко встречается во Франции, Италии, Англии, Испании и Южной Америке, более мягкие стили рококо нашли свое применение в Германии, Австрии, Восточной Европе и России. Таким образом, хотя рококо в основном ограничивалось внутренней отделкой и декоративным искусством в Западной Европе, Восточная Европа была очарована стилями рококо как в помещении, так и на открытом воздухе.По сравнению с барокко скульптура в стиле рококо была более мягкой и элегантной, с преобладанием изогнутых форм и бледных цветов. Точно так же Екатерина I, императрица России с 1725 года до своей смерти в 1727 году, была одной из великих женщин-правительниц 18 века. Петербургский дворец был основан в 1717 году ее мужем Петром Великим. Таким образом, в 1756 году он был увеличен в размерах и славе специально, чтобы соперничать с Версальским дворцом во Франции. Говорят, что Екатерина Великая, императрица России, гневно не одобряла экстравагантность рококо.

Кто были главными представителями скульптуры рококо?

Вероятно, величайшим скульптором первой половины 18 века был Гийом Кусту (1677-1746), директор Французской академии с 1707 года, который продолжил барочную тенденцию своего дяди Койсевокса. Его главная работа, Les Chevaux de Marly, 1740–1745, которая сейчас стоит на Елисейских полях в Париже, была первоначально предназначена для садов Марли, еще одной резиденции Людовика XIV. Кроме того, его ученик, Эдме Бушардон (1698-1762), представляет собой интересную фигуру, чье чувство древности привело его к предвосхищению более поздней тенденции к неоклассицизму, как в его фонтане на улице Гренель.Точно так же его конная статуя Людовика XV, разрушенная во время Революции, была более серьезной, чем статуя Людовика XIV Жирардона, и была раскритикована Кочином как слишком отполированная и законченная, но, как и первая, она была основана на Марке Аврелии в Риме. и, несмотря на удаленность во времени от Жирардона, не сильно отличается по стилю.

Точно так же Бушардон также показал себя пионером в своем портрете Джона, лорда Херви, в котором туловище упрощено до преднамеренной имитации имперского римского бюста.Пожалуй, только один скульптурный проект действительно уловил нюансы любовного чувства, которые связаны с кругом мадам де Помпадур и относятся к тому периоду, когда уже были намеки на рококо.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*