История поп-арта в предметах и продуктах • Arzamas

У вас отключено выполнение сценариев Javascript. Измените, пожалуйста, настройки браузера.

• История
• Искусство
• Литература
• Антропология

Мне повезёт!

21 сентября 2018Искусство, История

Зачем Энди Уорхол рисовал банки с супом Campbell, а Роберт Раушенберг — кока-колу? В издательстве Ad Marginem в серии «Основы искусства» вышла книга Флавии Фриджери «Поп-арт». Arzamas публикует главу «Поп-арт и рынок»

«Устав от аскетичности абстрактного экспрессионизма, молодые художники обратились к таким приземленным вещам, как кока-кола, мороженое, гамбургеры, супермаркеты, вывески „ЕДА“. Их глаза изголодались, они жаждали эмоций…»

 

Роберт Индиана. 1963 год

Джаспер Джонс. Окрашенная бронза. 1960 год © Jasper Johns / Museum Ludwig, Köln

Центральное место в сюжетном репертуаре поп-арта принадлежит всевозмож­ным продуктам и товарам — от кусков торта до сломанных игрушек.

Размыш­ляя над пестрым изобилием упаковок и над экономическими стратегиями, стоящими за их разработкой, поп-артисты заостряли внимание как на неотра­зимом очаровании дизайна товаров, так и на темных сторонах потребления. Джаспер Джонс одним из первых использовал готовый товар в качестве пред­мета художественного копирования, создав «Окрашенную бронзу» (1960) — аккуратную бронзовую репродукцию двух банок пива Ballantine. Эта работа обязана своим появлением реплике другого художника, Виллема де Кунинга, в адрес Джонса. Говоря о Джонсе и его влиятельном дилере Лео Кастелли, де Кунинг однажды бросил: «Если сунуть этому сукину сыну пару банок из-под пива, он и их продаст». Джонс, узнав об этих словах, решил отнестись к ним серьезно и отлил в бронзе две пивные банки, которые Кастелли действительно с успехом продал. По этому эпизоду можно судить не только о соперничестве между находившимся на закате славы абстрактным экспрессионизмом и зарождавшимся поп-артом, к которому имел отношение Джонс, но и о воз­раставшем интересе художников к коммерческой культуре.

Уорхол считал кока-колу эталоном общедоступного товара в поп-мире и эмблемой потребления:

«Что замечательно в нашей стране, так это то, что Америка положила начало традиции, по которой самые богатые потребители покупают, в принципе, то же самое, что и бедные. Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу и, представь себе, ты тоже можешь пить кока-колу».

Главное в этих словах — указание на демократичность кока-колы, одной и той же для любого потребителя, независимо от его расы, пола и социального стату­са. Другие товары, рассматриваемые в этой главе, тоже банальны настолько, что кажутся не заслуживающими интереса, и в то же время самой своей повсе­местностью интересны для художников, которые отозвались на них множест­вом восхищенных или вдумчиво-критичных реплик.

Суп Campbell: день за днем двадцать лет

Энди Уорхол. Банки супа Campbell. 1962 год © Andy Warhol / MoMA

Одной из эмблем творчества Уорхола стала банка супа Campbell — товар, кото­рый имеется в каждом доме и в любом супермаркете, а потому, как и кока-кола, уравнивает друг с другом всех своих потребителей. Свой интерес к этому сюжету Уорхол объяснял обыкновенной привычкой: «Просто одно время я ел суп Campbell постоянно. У меня в течение, наверное, лет двадцати каждый день был один и тот же ланч: день за днем одно и то же». Многократные повторы, которым он подверг суповую банку, кажутся под стать этой двадцатилетней череде одинаковых ланчей.

Первыми в его большой серии двумерных реплик ходовых консервов стали «Банки супа Campbell» (1962) — тридцать два небольших холста, первоначально выставленные в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Демонстрация откровенно рутинной магазинной продукции в качестве искусства вызвала полярные реакции — от заинтригованного замешательства до возмущения и насмешек. Одна из соседних галерей сочла остроумным выставить в своей витрине банки настоящего супа Campbell с ценниками в 60 центов. Картины Уорхола поку­пались неохотно, и его галерист в конце концов решил продать их все сразу со скидкой. Так они и стали единым и неделимым произведением, ныне находящимся в собрании нью-йоркского Музея современного искусства.

Кока-колонизация

1 / 2

Роберт Раушенберг. Кока-кола: план. 1958 год© Robert Rauschenberg / MoCA

2 / 2

Юсио Синохара. Кока-кола: план. 1964 год© 篠原有司男 / 富山県立近代美術館

Для Уорхола кока-кола была товаром, символизирующим всеобщее равенство в потребительском мире. Однако многие другие художники усматривали в ней характерное проявление капиталистического империализма. Красная этикетка, распространенная рынком по всей планете, стала визуальной неизбежностью, и это не могло не навести поп-артистов на мысль о скрывающейся за ней претензии на мировое господство.

Роберт Раушенберг, один из признанных родоначальников поп-арта, представил знаменитый бренд как культурную и социальную икону Америки в работе «Кока-кола: план» (1958). Победоносная роль товара, поставляемого всюду, выражена здесь крыльями, прикрепленными к конструкции с тремя бутылками кока-колы. Явно отсылающие к прославленной греческой статуе Нике Самофракийской (около 200–190 до н.  э.), эти крылья с изрядной долей иронии затмевают исторический памятник «светочем современности».

Если Раушенберг, пусть иронически, прославлял кока-колу, а следовательно, и Америку, то японский художник Юсио Синохара едко посмеялся над ними обеими, создав свой «Кока-кола: план» (1964). Он познакомился с американ­ским поп-артом по публикации в журнале Art International за январь 1963 года и немедленно решил создать новое направление, названное им «имитативным искусством». Уже в сентябре того же года в токийской галерее Naiqua были выставлены его пародии на знаменитые поп-произведения, в том числе размноженные реплики работы Раушенберга. Синохара предпринял остроум­ную попытку развенчать американский поп-арт его же средствами — показать, что произведения поп-артистов, особенно тех из них, которые охотно исполь­зуют репродукцию и тиражирование, не застрахованы от выхода в тираж и сами. Взяв на вооружение подход американских художников к коммерческим продуктам вроде кока-колы, японский художник ощутимо пошатнул ориги­нальность произведений Раушенберга и, шире, всего поп-арта в целом. Его имитация искусства, и так уже имитативного в силу своих сюжетов, предста­вила кока-колу — «триумфальное знамя» Америки — как обычный одноразо­вый и легко воспроизводимый товар.

Иcтория игрушек

1 / 3

Криста Дихганс. Рождество — Нью-Йорк. 1967 год© Christa Dichgans / Contemporary Fine Arts, Berlin

2 / 3

Эрро. Продовольственный пейзаж. 1964 год© Erró / Moderna Museet

3 / 3

Дерек Бошьер. Особая К. 1961 год© Derek Boshier / The Mayor Gallery

Немецкая художница Криста Дихганс, увлеченная потребительскими товарами не столько как образами, сколько как особого рода вещами, создала ряд инте­ресных произведений на тему игрушек — в частности, «Рождество — Нью-Йорк» (1967). Поселившись в начале 1960-х годов в Нью-Йорке, Дихганс испы­тала большое впечатление от «гор старых игрушек», увиденных ею в центрах Армии спасения  Армия спасения — международная благотворительная организация, основанная в 1865 году в Великобритании для оказания помощи нуждающимся.

. Поскольку у нее самой был маленький сын, она имела и непосредственный опыт разбора игрушек, сваленных в беспорядке. В картине «Рождество — Нью-Йорк», входящей в серию, которую Дихганс посвятила этой теме, речь идет о рождественской лихорадке подарков, но вместо новых игру­шек, ожидающих распаковки, мы видим кучу потрепанных медведей, кукол, лошадок на колесах и т. п. Возможно, когда-то они были желанными подарка­ми, но теперь явно утратили весь свой коммерческий и эмоциональный престиж.

Исландский художник Эрро (Гудмундер Гудмундсон), с конца 1950-х годов живущий и работающий в Париже, критиковал потребительские привычки, связанные с американским образом жизни и символизируемые изобилием супермаркетов. Во Франции Эрро быстро вошел в контакт с местными худож­никами, которые стремились придать новую актуальность фигуративной живо­писи, обращаясь в поиске сюжетов к повседневности и, в частности, к обществу потребления. В полотне Эрро «Продовольственный пейзаж» (1964), с которого на зрителя обрушивается пестрая лавина всевозможных пищевых продуктов, читается откровенный сарказм в адрес мании приобретательства, порождаемой американской идеологией консюмеризма.

В этом море еды потребителю пред­ла­гается и навязывается всё — от щедрых сырных тарелок до плиток шоколада и тортов, нарезанных на куски.

Обнажая логику потребления, заставляющую людей покупать уже не в силу необходимости, а во власти неотразимого соблазна рекламы, такие картины, как «Продовольственный пейзаж» и почти современная ему «Особая К» английского художника Дерека Бошьера (1961), указывали на неуклонно растущую мощь экономико-политического влияния США. Бошьер, заимство­вав культовую красную букву «К» из фирменного стиля бренда сухих завтраков Kellogg’s, представил ее в виде космической ракеты, несущейся вверх. В резуль­тате буква стала намеком на соперничество США и СССР за контроль над кос­мосом и символом ненасытной власти, жаждущей подчинить себе всё — как на Земле, так и за ее пределами. В одном из первых обзоров творчества Бошьера Ричард Смит писал:

«Некоторые его сквозные темы подпадают под рубрику американизма. В этикетку спичек „Слава Англии“ или в кубинский флаг вторгаются звезды и полосы, рядом с английским „Юнион Джеком“ стоят две бутылки пепси-колы. Приветствуется ли этот американизм, осуждается или просто принимается как данность, неясно, как неясно и значение космических сюжетов, появляющихся у Бошьера. По-видимому, он не склонен прославлять современную технику. Возможно, речь даже не идет о космическом соперничестве: космонавты явно важны, но и другие герои приобретают в космосе Бошьера не меньшее значение».

Если Уорхол с воодушевлением изображал самые популярные американские товары вроде супа Campbell, то европейские художники — Дихганс, Эрро, Бошьер и другие — относились к обществу потребления гораздо более критично. Промежуточное положение между двумя этими позициями занимает имеющий ныне культовый статус «Магазин» Класа Олденбурга.

Как в настоящем магазине

Клас Олденбург. Магазин: витрина с пирожными. 1962 год © Claes Oldenburg / MoMA; The Sidney and Harriet Janis Collection

Олденбург открыл свой «Магазин» 1 декабря 1961 года в доме 107 по 2-й Восточной улице Нью-Йорка. Описывая основные характеристики этого проекта в тексте, который читается и как художественный манифест, и как обычная программа действий, он писал:

«„Магазин“, или „Мой магазин“, или Ray-Gun Mfg. Co., находящийся в доме 107 по 2-й Восточной улице Нью-Йорка, имеет 80 футов в высоту и около 10 футов в ширину. В переднем помещении я планирую создать обстановку типичного магазина, нарисовав и разместив (развесив, поставив, положив) там предметы, имеющие форму и вид популярных товаров, как это делается в настоящих магазинах, в их оконных витри­нах и рекламах на близлежащей территории».

Вскоре «Магазин» стал центром деятельности Олденбурга: он работал не толь­ко как пункт продажи предметов, созданных художником, но и как мастерская, где производились эти «как бы товары». Блюда с едой, торты, предметы одеж­ды… — при всем своем разнообразии все они размывали границу между банальными повседневными вещами и ценными произве­дениями искусства.

В «тортах» и других работах Олденбурга чувствуется рука скульптора и живо­писца, не позволяющая усомниться в их художественном статусе: сделанный из пропитанного гипсом холста, каждый предмет после просушки раскраши­вался в раскованной манере, не лишенной сходства как с любительскими натюрмортами, так и с жестуальной эстетикой абстрактного экспрессионизма.

Олденбург подчеркивал антимузейный, а значит, хотя прямо он об этом и не говорил, подрывной характер «Магазина», который в конечном счете лишь инсценировал магазинную торговлю, а на самом деле обнажал истинную суть музея. Там можно было что-то купить, но цены были абсурдными. Хлеб, ветчина, сласти и другие «продукты» стоили намного дороже их реальных аналогов и тем самым позволяли наивным покупателям почувствовать, что они приобретают произведения искусства. Имитируя общераспространенную еду, Олденбург, таким образом, направлял критику в направлении, противопо­лож­ном тому, которому следовал Эрро, рисуя пестрые горы продуктов, — не на об­щество потребления, а на систему искусства.

Но обоим художникам еда служи­ла способом выявления и подрыва потребительских привычек.

Торт, торт, торт

Уэйн Тибо. Торты. 1963 год © Wayne Thiebaud / National Gallery of Art

Калифорнийский живописец Уэйн Тибо, тоже любивший изображать пищевые продукты, смотрел на них — например, в картине «Торты» (1963) — глазами счастливого потребителя. Простые по композиции и обыденные по сюжету, его натюрморты представляют товары во всей их соблазнительной красоте. В отли­чие от грубых изделий Олденбурга, торты Тибо желанны. Их яркие пастозные краски не менее аппетитны для глаз зрителя, чем воздушное тесто и густой крем реальных кондитерских изделий. Говоря о своем увлечении темой еды, Тибо признавался:

«У еды есть один аспект, который мне особенно интересен. Еда — это своего рода ритуальное подношение в том смысле, что ее готовят так, как будто бы речь идет о чем-то большем, чем просто еда: украшают ее, пытаются придать ей необычный вид.

В этом есть связь с нашим жела­нием получить больше, чем у нас есть. Или узнать больше, чем мы зна­ем».

Внимание к ритуальному значению, которое придается еде, позво­лило Тибо проницательно взглянуть на потребление и на стратегии соблазна, используе­мые для продвижения продукции коммерческими дизайнерами. Он сам, поддаваясь этому соблазну, восхищался «велико­лепными, прекрасными, как игрушки» тортами, по-детски радовался краскам и формам продуктов, являя собой образ типичного американца. Помимо тортов, он посвятил множество картин хот-догам, сэндвичам и мороженому. Его картины 1960–1962 годов достаточно полно зафик­сировали тогдашний ассортимент общественного питания США. В 1961 году Тибо привез несколько своих работ в Нью-Йорк, а год спустя пред­ставил их на обозрение публики. Красота живописи не поме­шала искушенным зрителям усмотреть в них социальный критицизм, и Тибо вскоре был признан основателем «школы тортов» и одним из ведущих представителей поп-арта.

Жизнь с поп-культурой

1 / 2

На выставке Герхарда Рихтера и Конрада Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капиталистического реализма». 1963 годeiskellerberg.tv

2 / 2

К. П. Бремер. «Девушка 25. Чувство между пальцами…». 1968 год© K. P. Brehmer / Walker Art Center

Самопровозглашенными лидерами немецкого поп-арта стали в начале 1960-х годов Герхард Рихтер, Конрад Люг и Зигмар Польке. «Поп-арт не является американским изобретением, — заявляли они. — Мы не должны видеть в нем импортный товар. <…> Это искусство способно дать в нашей стране органичные и самостоятельные всходы». Подобно многим художникам, работавшим в поп-стилистике за пределами Америки, Рихтер, Люг и Польке стремились утвер­дить свою независимость от властных заокеанских авторитетов. И все же выставка Рихтера и Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капита­листического реализма» (1963) имела много общего с «Магазином» Олден­бурга.

Расположившись на территории мебельного магазина в Дюссельдорфе, художники концептуально переосмыслили его пространство и устроили в нем свои пародийные гостиные и спальни. В центре экспозиции сами Рихтер и Люг, одетые в безупречные костюмы, сидели, соответственно, на диване и в кресле, а эти предметы мебели были установлены на белых пьедесталах, как подобает скульптурам. Перед этими живыми статуями стоял телевизор, по которому шли новости об отставке канцлера ФРГ Конрада Аденауэра. На «экономическое чудо», свершившееся в Германии при Аденауэре, и направлялась критика Рихтера и Люга. Подрыв потребительских норм, приличествующих мебель­ному магазину, привел к принудительному закрытию выставки через два часа после ее начала, и тем не менее она ознаменовала зарождение «капиталисти­ческого реализма» — немецкого варианта поп-арта, занявшего четкую позицию в отношении общества, экономики и политики.

Куратор и дилер Рене Блок, взявшийся за продвижение нового направления, в 1964 году открыл в Западном Берлине свою галерею и наряду с проведением выставок начал выпуск эстампов представляемых им художников. Один из них, дипломированный гравер и графический дизайнер К.  П. Бремер, направил свой опыт на сатирическое обыгрывание стратегий рекламы, примером которого служит его работа «Девушка 25. Чувство между пальцами…», включенная в изданное галереей Рене Блока портфолио «Графика капиталистического реализма» (1968). В верхней части листа девушка в чувственной позе курит сигару, имеющую откровенно фаллический подтекст, а внизу к бумаге прикле­ены четыре пакетика с семенами цветов и овощей. Неестественные цвета, в которые окрашена фотография девушки, обращают внимание на то, насколь­ко обманчив привлекательный вид лука, моркови, огурцов и хризантем, изображенных на пакетиках: они слишком яркие, чтобы быть реальными, и их истинная функция — обещание чудес на домашней грядке. Как и многие другие представители поп-арта, Бремер указал на стремительно растущую власть рекламы — одну из определяющих тенденций 1960-х годов.

Культ чистоты

Томас Байрле. Аякс. 1966 год © Thomas Bayrle / Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main

Еще один немецкий художник — Томас Байрле, не связанный с движением капиталистического реализма — в 1966 году создал конструкцию под назва­нием «Аякс», тоже вступившую в критически ориентированный диалог с рек­ламой. Отсылающая к упаковке одноименного чистящего порошка, эта работа саркастически отразила двойственную одержимость чистотой, которая охва­тила послевоенную Германию: культ чистого дома совпал со стремлением очиститься от нацистского прошлого. Обе эти тенденции в нерасторжимом единстве воплощают бесчисленные хозяйки, заполняющие поверхность «Аякса» Байрле.

Теги

Живопись
Америка
Препринт

микрорубрики

Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Ария дня

Ленский — немец

Подкаст дня

Детективный сериал о жизни хип-хоп-продюсера

Топоним дня

Монтевидео

Архив

Литература

Разведение кроликов, скупка мертвых душ и поиск невесты: 10 проектов героев русской литературы

Как добивались успеха Чичиков, Вера Павловна, Левин и другие персонажи

О проектеЛицензияПолитика конфиденциальностиОбратная связь

Радио ArzamasГусьгусьСтикеры Arzamas

ОдноклассникиVKYouTubeПодкастыTwitterTelegramRSS

История, литература, искусство в лекциях, шпаргалках, играх и ответах экспертов: новые знания каждый день

© Arzamas 2023. Все права защищены

Поп-арт: 8 художников, которых должен знать каждый дизайнер

Они бросили вызов традициям, соединив искусство и поп культуру. Представляем вам самых известных художников движения поп-арт!

Поп-арт как направление визуального искусства возник в середине 1950-х. Особенности того времени — массовое производство, известность и быстроразвивающаяся отрасль рекламы на телевидении, радио и в печатных изданиях — оставили свой след и в сфере искусства и дизайна.

Характеризуемый дерзкими, смелыми, яркими и комичными работами, поп-арт проявился во многих аспектах дизайна, включая различные типы живописи, скульптуры, коллажа и уличного искусства.

01.Кейт Харинг

Кейт Харринг обрел международный успех в 1980-х.

Выросший в Пенсильвании Кейт Харринг начал рисовать в стиле поп-арт после окончания колледжа в 1978. Между 1980 и 1989 Харринг достиг международного признания, устраивая одиночные и совместные выставки. Кейт умер в Январе 1990, но его работы по-прежнему считаются одними наиболее влиятельных в мире поп-арта.

02. Клас Олденбург и Кузи ван Брюгген

Этот дуэт внес поп-арт в массы.

Клас Олденбург и Кузи ван Бругген хорошо известны тем, что внесли Поп-арт в массы, увеличивая некоторые бытовые вещи и размещая их на крышах зданий, в парках, офисах. «Мы хотим взаимодействовать с публикой, но на своих собственных условиях, даже если наши работы абсолютно шаблонны»- объясняет Олденбург.«Наше обсуждение проекта, которое в итоге и приводит к его осуществлению, может происходить где угодно, но обычно мы предпочитаем принимать решения в нашей студии, окруженные моделями, недавними заметками и набросками, где мы способны при необходимости собрать материал воедино.

03. Роберт Раушенберг

В 1993 году Роберт Раушенберг был награжден Национальной Медали США в области Искусств.

Роберт Раушенберг хорошо известен созданием «Комбинированных картин» (1950), в которых он невообразимо сочетает нетрадиционные материалы и объекты. Работая в сфере фотографии, печати и перфоманса, Раушенберг даже удостоился Национальной медали США в сфере Искусств. К сожалению, он умер в 2008 году

04. Ричард Гамильтон

Гамильтон создал коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» в стиле поп-арт для выставки «Это- завтрашний день» в 1956 году.

Ричард Гамильтон считается отцом британского поп-арта благодаря знаменитой серии работ 1950- 1960 годов. Наиболее известная из его работ – коллаж 1956 года «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» Изначально созданный для выставки «Это — завтрашний день», он представляет собой абсолютный справочник образов поп-арта, таких как отсылки к газетам, комиксам, рекламе, бытовым приборам, еде, упаковке, телевидению и кино.

Whaam! -один из наиболее известных примеров поп-арта, основанный на изображении из серии комиксов DC «All American Men of War»

Картина поп-арт художника Роя Лихтенштейна Whaam!, основанная на серии комиксов DC «All American Men of War», считается его самым значимым и влиятельным творением. Энергичный диптих изображает боевой самолет, выпускающий снаряд в противника, с красно-желтым взрывом на заднем плане.

Рожденный в Нью Йорке в 1923 годах, Лихтенштейн стал одной из главнейших фигур в движении поп-арта. Его картины в стиле комиксов, «Стиральная машина» и «Печеный картофель» считаются классикой эры поп-арта.

06. Питер Блейк

В своей картине «На балконе» Питер Блейк использовал смешанную технику с элементами поп-арта.

«На Балконе» — знаковая картина для Британского поп-арта. С первого взгляда кажется что это коллаж, но на самом деле- живописная картина с оригинальной композицией одного из известнейших Британских поп художников 1950х.

Первопроходец в сфере поп-арта, Блейк часто использует в своих картинах образы из рекламы и элементы коллажа. В частности, картина «На балконе» отражает заинтересованность Блека в совмещении традиционного искусства с элементами поп -атра.

07.Энди Уорхол

Изображения Мэрилин Монро (1962) от маэстро поп-арта Энди Уорхола

Энди Уорхол, вероятно, самая узнаваемая фигура в движении поп-арта. В 1960х он начал экспериментировать с массово распространяемыми изображениями (например, банки супа Кэмпбелл и бутылки Кока Колы)

В 1962 г., когда прошло 4 месяца после смерти Мэрилин Монро, Уорхол представил миру несколько размноженных изображений Мэрилин Монро, взяв за основу одну из известных фотографий со съемок фильма Ниагара (1953) . Являясь его самой известной работой, эта серия изображала частоту появления Мэрилин в СМИ. Диптих совмещает портреты в ярких цветах с одной стороны, и угасающей черно-белой гамме — с другой, что соответственно обозначает ее культ как звезды и ее смерть. Он продолжил свою идею, создав аналогичные работы с такими звездами как Джеки Кеннеди и Элвис Пресли.

 

08. Дэвид Хокни

Стиль Дэвида Хокни быстро завоевал ему славу «путеводного огня» Поп-арта

Британский художник Дэвид Хокни чаще всего ассоциируется с пропитанными солнечным светом пейзажами, которые он создавал, живя и работая в Лос Анжелесе с 1963 по 2005. Его ранние работы навевают определенное смешливое чувство, а яркие цвета и использование изображений в стиле глянцевых журналов помогли ему быстро приобрести репутации одного из лидирующих активистов в движения поп-арт.

С развитием своего стиля Хокни начал делать фотоколлажи, изначально составляя их из фотокарточек, а позже -из 35-миллиметровых цветных изображений. Он и сегодня продолжает работать в различных областях: в создании принтов, живописи, рисунке, режиссуре и театральном дизайне.

Художники поп-арта и их известные произведения

Как я открыл огонь Роя Лихтенштейна, 1964, Stedelijk Museum

 

Поп-арт — движение, зародившееся в середине 20 века. В нем использовались элементы популярной культуры, включая рекламу, журналы, логотипы продуктов и средства массовой информации, чтобы бросить вызов традиционным представлениям об искусстве. Он также использовал сатиру, чтобы подвергнуть сомнению потребительство и индустриализм американской культуры. Ниже приведены некоторые из самых знаковых участников движения поп-арт и их самые известные работы, которые охватывают целый ряд сред и влияний.

 

Художник поп-арта Энди Уорхол «Суп Кэмпбелл», Мэрилин Монро и популярная культура

 

Энди Уорхол — американский художник и кинорежиссёр, один из ведущих участников движения поп-арт. Его работа известна тем, что она использует популярные СМИ, культуру знаменитостей и рекламу. Он создавал искусство в различных средах, включая живопись, трафаретную печать, кино, скульптуру и фотографию. Его помнят как одного из самых плодовитых художников 20-го века, а его искусство известно во всем мире благодаря ярким цветам и упрощенному характеру.

 

Банки с супом Кэмпбелл (1962 г.)  Банки с супом Кэмпбелл , Энди Уорхол, 1962, MoMA

 

Банки для супа Campbell’s состоят из нескольких полотен, расположенных линейно, как на полке продуктового магазина. В каждом есть банка супа Кэмпбелл с разным вкусом. Хотя каждый холст расписан вручную, все они воспроизведены одинаково, неотличимы друг от друга, за исключением их разных вкусов. Таким образом, произведение иллюстрирует использование поп-артом стиля рекламы массового производства.

Мэрилин Диптих (1962) Мэрилин Диптих Энди Уорхола, 1962, Тейт

 

Мэрилин Диптих представляет собой многохолстную композицию из портретов, изображающих Мэрилин Монро. Каждое полотно выполнено в неоновых блочных цветах с эффектом перекрытия шелкографией. Одна половина композиции выполнена в цвете, а другая половина монохромная черно-белая с эффектом блеклой печати. Он иллюстрирует повышенную материальность середины 20 века, утверждая, что даже люди могут быть объективированы и превращены в товар.

Получайте последние статьи на свой почтовый ящик

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей

 

Коробки Brillo (1964) Коробка с мыльными подушечками Brillo , Энди Уорхол, 1964, MoMA

 

Коробка для мыльных подушечек Brillo представляет собой эксперимент Уорхола со скульптурой в стиле продукта. Он поручил нескольким плотникам изготовить копии коробок для супермаркетов из фанеры, а затем разрисовал их информацией о продукте и логотипами. Эти коробки были почти идентичны своим функциональным аналогам. Логотип Brillo Soap Pads стал самым популярным из них из-за своей приземленности, которая бросала вызов тому, что считается искусством, и тому, как общество взаимодействует с ним.

Рой Лихтенштейн: комиксы и поп-арт

 

Рой Лихтенштейн — американский художник, видный участник движения поп-арт. Его работа широко известна тем, что в ней используется пародия, имитирующая материалы средств массовой информации. В частности, он связан с коммерческим искусством в стиле комиксов и своим фирменным использованием точек Бен-Дей. За свою карьеру он подвергся серьезной критике за свои сатирические комиксы, но посмертно его запомнили как революционера искусства 20-го века.

 

Ура! (1963) Ура! Рой Лихтенштейн, 1963, Тейт

 

Ура! представляет собой композицию из двух полотен, на которых один истребитель сбивает ракетой другой. Вся часть выполнена в стиле комиксов с ограниченной основной цветовой палитрой и блочным цветовым оформлением. Он также имеет характерные пузыри комических слов и звуковые эффекты печатных букв. Работа была вдохновлена ​​комиксом из 9 комиксов DC.0004 All-American Men of War , нарисованный Ирвом Новиком и опубликованный в 1962 году. 

 

Тонущая девушка (1963) «Утопающая девочка », Рой Лихтенштейн, 1963, MoMA

 

Тонущая девушка изображает тонущую девушку в фирменном стиле комиксов Лихтенштейна. Ее лицо занимает центральное место в произведении, окруженное водой. В нем также есть мысленный пузырь с фразой: «МНЕ НЕ ВАЖНО! Я ЛУЧШЕ УТОНУ, ЧЕМ ЗВОНИТЬ БРЭДУ НА ПОМОЩЬ!» Диалог на панели, явно оторванный от остального сюжета рассказа, добавляет произведению элемент сатиры. Он скопирован из DC Comics «Run For Love!» из 9-го выпуска.0004 Тайная любовь серия комиксов.

 

Искусство Кита Харинга: уличные фрески и активизм

 

Кит Харинг — американский художник, связанный с движением поп-арт и известный своим уличным искусством. На него сильно повлиял политический климат Нью-Йорка 1980-х годов. Его работы отражают это, используя сексуальные и часто шокирующие образы, чтобы стимулировать социальную активность. В то время он затронул несколько социальных и политических тем, включая эпидемию СПИДа и апартеид. Его считают революционером, который использовал доступность уличного искусства для распространения информации о социальных проблемах.

 

Crack is Wack (1986) Crack is Wack Кит Харинг, 1986, Нью-Йорк, AD

 

Crack is Wack — уличная фреска, расположенная на 128-й Восточной улице и 2-й авеню в Нью-Йорке. Это произведение является реакцией на эпидемию крэка в Нью-Йорке и служит предостережением от употребления наркотиков. На нем изображены большие печатные буквы в стиле комиксов в кажущемся облаке дыма. Под буквами появляется хаотичная толпа людей. Их затмевает скелет с трубкой и горящей долларовой банкнотой, символизирующий опасность наркотиков. Первоначально фреска была сделана без разрешения города, но впоследствии была защищена городом как память о борьбе с наркотиками.

 

Картины Дэвида Хокни: поп-арт и модернизм ХХ века

 

Дэвид Хокни — британский художник, фотограф и рисовальщик, который остается одним из самых важных участников движения поп-арт. Его творчество очень эклектично, оно охватывает различные техники и движения, включая кубистическую живопись, фотоколлажи, рекламные плакаты и пейзажи. Именно эта вариация оказала на него непреходящее влияние на искусство 20-го века. Во время учебы он общался с художником-экспрессионистом Фрэнсисом Бэконом, а также находился под влиянием творчества иконы кубизма Пабло Пикассо и ведущего импрессиониста Анри Матисса.

Большой всплеск (1967) Большой всплеск Дэвида Хокни, 1967, Тейт

 

Большой всплеск изображает бассейн возле дома в Калифорнии. Это моментальный снимок всплеска в бассейне сразу после того, как кто-то прыгнул в него. Он был вдохновлен фотографией из книги, с которой Хокни столкнулся, о том, как строить бассейны. Картина является частью серии, которую Хокни создал с изображением бассейнов возле домов между 19 и 19 веками.64 и 1971. Сериал представляет более расслабленный калифорнийский образ жизни, который Хокни испытал, в сравнении с быстрым и напряженным образом жизни в Нью-Йорке.

 

Американские коллекционеры (Фред и Марси Вайсман; 1968) Американские коллекционеры (Фред и Марси Вайсман) Дэвид Хокни, 1968, Художественный институт Чикаго

 

Американские коллекционеры представляет собой двойной портрет пары коллекционеров произведений искусства Фреда и Марси Вейсман. Пара показана рядом друг с другом, Фред смотрит в сторону, а Марси смотрит вперед. Они обрамлены двумя наборами раздвижных дверей и окружены четырьмя объектами: тремя скульптурными произведениями искусства и деревом. Произведение ставит под сомнение отношения между объектом и субъектом, придавая ему легкую нотку иронического юмора.

 

Ричард Гамильтон: генезис поп-арта

 

Ричард Гамильтон был английским коллажистом и художником, одним из первых участников движения поп-арт. Его работа с коллажами сыграла особенно важную роль в развитии поп-арта, вдохновленного обыденностью жизни и банальностью продукции средств массовой информации. Он был наставником нескольких выдающихся художников в 1950-х годах, в том числе Дэвида Хокни и Питера Блейка, закрепив за собой место ведущего деятеля модернизма середины 20-го века. Он также разработал обложку альбома The Beatles 9.0004 Белый альбом (1968).

 

Что же делает современные дома такими разными и привлекательными? (1956)
Что же делает современные дома такими разными, такими привлекательными? Ричарда Гамильтона, 1956, Kunsthalle Tübingen

 

Что же делает современные дома такими разными, такими привлекательными? считается первой выдающейся работой движения поп-арт. Это коллаж, изображающий интерьер дома, образованный вырезками из журналов. Это современные Адам и Ева, окруженные многочисленными элементами послевоенного потребительства и массовой медийной культуры. В нем много ироничного юмора, в том числе Адам прикрывает свои гениталии массивным леденцом на палочке, а не традиционным фиговым листком. Этот юмор пародирует потребительство промышленного и рекламного бума середины 20-го века.

 

Художник поп-арта Клас Ольденбург: Скульптура и предметы быта

 

Клас Ольденбург — шведско-американский скульптор, известный своими копиями обычных предметов. Он упомянул, что его искусство в высшей степени «бессмысленно» по своей природе, что позволяет зрителям интерпретировать его по-своему. Его более ранние работы были сосредоточены на мягкой скульптуре повседневных предметов, которые превратились в более реалистичные изображения. Он создал несколько работ в сотрудничестве со своей женой Кусье ван Брюгген, пока она не умерла в 2009 году. .

 

Ящик для кондитерских изделий, I Класа Ольденбурга, 1961-62, MoMA

 

Витрина для кондитерских изделий, I — это точная копия витрины, полной еды. Изготовлен из муслина, пластика и эмали. В витрине торт, корзинка с ребрышками, надкушенное карамельное яблоко, банановый сплит и другие десерты. Это и аппетитно, и отталкивающе, подчеркивая противопоставление продуктов и очевидную фальшь рекламы. Ольденбург называет эти «разочаровывающие ожидания», поскольку предметы в футляре нельзя потреблять.

Артисты поп-музыки, которые любили еду

Еда часто появляется в мире искусства. Будь то натюрморты XIX века или современная скульптура, эта связь оставалась прочной на протяжении десятилетий. Но что такого в еде, что побуждает художников так часто использовать ее в качестве темы, независимо от стиля? И почему художники движения поп-арт были особенно одержимы этим?

Демократизация продуктов питания

В послевоенной Америке производство продуктов питания резко возросло после многих лет нормирования из-за появления массового производства. Это означало, что пища стала гомогенизированной; одни и те же продукты фабричного производства потреблялись людьми любого достатка и социального положения, от президента до рабочего класса.

Художники поп-музыки стремились представить реальный, современный мир через искусство. Поскольку супермаркет стал основным продуктом повседневной жизни и символом современной Америки, он также стал центральным элементом движения. В их работах часто изображались повседневные продукты питания с использованием традиционных художественных приемов, стирающих границу между «высокой» и «низкой» культурой. Примером этого являются знаменитые картины Энди Уорхола с банкой супа Кэмпбелл. В то время как художники в прошлом часто изображали дорогие продукты, чтобы продемонстрировать богатство, поп-художники изображали продукты массового производства, чтобы бросить вызов элитарному и серьезному миру искусства.

Потребительство встречается с искусством

Джеймс Розенквист , Я люблю тебя своим Фордом ,
1961 © Фонд Джеймса Розенквиста / Лицензия Общества прав художников (ARS), Нью-Йорк

Объединение изображений консервированных спагетти, автомобиля и женских губ, Джеймс Работа Розенквиста 1961 года « Я люблю тебя своим Ford » воплощает эту тенденцию. Это масштабное полотно на первый взгляд может показаться головокружительным, и в этом суть. Вдохновленные современной культурой, его работы часто наслаивают и сопоставляют визуальные мотивы, обычно встречающиеся в рекламе. Этот метод отражает подавляющее присутствие потребительства в современном мире. Розенквист хорошо разбирался в мире рекламы, работая художником по рекламным щитам в Нью-Йорке. Это влияние проявляется в его картинах, которые имеют слегка размытый эффект.

Магазин : искусство как товар

В то время как картины Розенквиста визуально сильны, некоторые поп-художники использовали скульптуру, чтобы еще больше раздвинуть границу между искусством и потребительством. В 1961 году шведско-американский скульптор Клас Ольденбург открыл магазин на Манхэттене для продажи своих работ и назвал его The Store . Скульптуры из тортов, пирожных, пачек сигарет и нижнего белья заполнили полки, и все это было доступно для покупки публике. Рекламируя выставку-магазин афишами и канцтоварами, художник обошел нужду в галерее и стал промоутером самого себя.

Claes Oldenburg, Кондитерская, I , 1961-62 © The Museum of Modern Art

Благодаря The Store Ольденбург не только реструктурировал типичный процесс выставления и продажи произведений искусства, но и бросил вызов определениям искусства и потребления. Изображения коммерческих изделий из гипса и эмалевых красок стали искусством. Искусство стало товаром, отражающим реальность современного материального мира. Во вселенной Ольденбурга грань между произведениями изобразительного искусства и повседневным потребительством была размыта, предлагая знакомое, но странное представление современной жизни.

Из магазина в супермаркет

Три года спустя в Нью-Йорке открылась выставка The American Supermarket , которая еще больше исследовала границу между искусством и товаром. Выставку возглавили представители движения поп-арт, включая Энди Уорхола, Класа Ольденбурга, Роя Лихтенштейна и Тома Вессельмана, которые к тому времени достигли статуса знаменитости. Расположенный в галерее Бьянкини, Американский супермаркет был создан как имитация супермаркета. Его полки были заполнены продуктами массового производства, от восковых помидоров и мяса до печатных пакетов для покупок.

Энди Уорхол на выставке American Supermarket , 1964 © Henry Dauman/Dauman Pictures Картина Энди Уорхола «Банка с супом Кэмпбелл », например, была выставлена ​​на стене выставки. Размещая такие произведения рядом с оригинальными продуктами, которые они представляют, поп-исполнители смешали два, казалось бы, разных мира. Шоппинг превратился из повседневного занятия в форму искусства, когда коллекционеры просматривали полки с товарами.

Вопросы, поднятые Американский супермаркет , сделали его поворотным моментом в истории искусства. Это заставило зрителей пересмотреть то, что они считают «настоящим» искусством, и бросило вызов серьезности мира искусства. В конечном счете, Американский супермаркет изменил концепцию искусства в современную эпоху, используя еду как средство передвижения.

Роберт Маршалл Уоттс; Энди Уорхол; Билли Эппл, предметы с выставки American Supermarket , 1964 год © Chrysler Museum of Art

Энди Уорхол: бизнес искусства

Для Уорхола этот переход между искусством и коммерциализацией был центральным в его работе, которую он назвал «Бизнес-искусство». Уорхол не только изображал в своих работах потребительские товары, но и использовал методы коммерческого производства, такие как шелкография. Товары массового производства, такие как банки из-под супа и бутылки из-под кока-колы, олицетворяли собой аспект современной американской культуры, который был актуален для всех слоев общества. Превращая их в художественные объекты, а рекламируя и монетизируя свои работы как товары, Уорхол создал совокупность произведений, столь же универсальных, как и продукты, которые они представляли. В Зеленые бутылки Coca-Cola, Уорхол использовал повторяющееся изображение бутылки Coca-Cola как для критики, так и для прославления потребительских икон и рекламной культуры послевоенной Америки.

Энди Уорхол, Зеленые бутылки Coca-Cola , 1962 © Фонд визуальных искусств Энди Уорхола, Inc. / Лицензия Общества прав художников (ARS), Нью-Йорк
6 1554

Феминистский взгляд на еду в искусстве

Хотя поп-арт базируется в основном в Нью-Йорке, влияние поп-арта быстро распространилось по всему миру. Одним из редких европейских представителей движения является бельгийская художница Эвелин Аксель. На ее творчество повлияли различные представители арт-сцены Нью-Йорка, такие как Марисоль Эскобар и Энди Уорхол. Аксель также находился под сильным влиянием социальных и политических движений 19-го века.60-е, в том числе Черные пантеры и феминизм. Она экспериментировала с материалами и техниками, часто используя коллаж для создания эффектов прозрачности и глубины.

Evelyne Axell, Ice Cream , 1964 © ADAGP, Paris

В Ice Cream, Axell играет с визуальными элементами рекламы продуктов питания и поп-арта, чтобы создать работу, в которой женщина находится на первом плане. Изображение смелое и провокационное, контрастная фигура и абстракция, а также яркие блоки цвета и оттенков серого. Подчеркивая детально изображенное лицо женщины по сравнению с плоскими красками, заполняющими остальную часть изображения, Аксель обращает внимание на эмоциональные и индивидуальные качества субъекта. Ее нисходящий взгляд отвергает взгляд зрителя, подчеркивая ее роль агента собственного удовольствия, а не просто пассивного, сексуализированного объекта.

Искусство современной жизни

В ответ на кажущуюся недоступность и оторванность движения абстрактного экспрессионизма от реального мира художники поп-арта стремились изменить способ восприятия и потребления искусства в обществе. Еда в своей универсальности была идеальным средством для преодоления барьера между элитарным миром искусства и повседневной жизнью человека. Поп-исполнители, такие как Уорхол, использовали узнаваемые образы, чтобы отразить современную жизнь и потребительство в Америке. Через представление еды они сделали осязаемым и ценным то, что раньше считалось только мимолетным и массовым.