Popart: Стиль живописи Поп-арт: развитие, мастера, произведения

Содержание

Стиль живописи Поп-арт: развитие, мастера, произведения

Новое направление в искусстве появилось в середине ХХ века в Британии – Поп-арт  (англ. pop-art, сокращение от popular art), целью которого было, в отличие от других направлений, не духовное развитие общества, а лишь развлечение.

Поп-арт это одна из веток авангардизма. Произведения в новом стиле были своеобразной реакцией на серьезность беспредметного искусства и других стилей, появившихся в ХХ веке, и не несли в себе никакого  глубокого философского смысла, а всего лишь отражали влияние массовой культуры на общество потребления.

История развития Поп-арта

Поп-арт как художественное направление зародился в 50-х годах ХХ века в Англии, а в 60-х годах стиль получил своё дальнейшее развитие в США, Нью-Йорке. Основоположниками поп-арта стали художники Энди Уорхол и Джаспер Джонс.

В 1952 году в Лондоне открылось объединение художников поп-арта "Независимая группа", которой руководили художники Э.

Паолоцци и Р. Гамильтон. Участники объединения изучали технологии создания современной рекламы и её влияние на сознание общества с помощью популярных образов - эмблем и логотипов товаров, изображений знаменитостей: актёров, певцов, телеведущих.

Художники поп-арта впервые продемонстрировали свой талант на выставке "Это - завтра", которая состоялась в Голливуде в 1956 году. На картинах были представлены звёзды Голливудского кино в кадрах из кинофильмов с увеличением. Выставка привлекла большое количество посетителей и вызвала явный интерес у многих выпускников школы искусств, которые решили примкнуть к этому течению.

Поп-арт был признан искусством социального равенства благодаря тому, что это направление эстетизировало товары массового потребления: упаковки из-под печенья и шоколадок, банки популярных газированных напитков - одним словом, предметов, которыми пользуются все люди, вне зависимости от материального положения и социального слоя.

Художники

Самые известные мастера поп-арта:

Кит Харинг - американский художник, скульптор и общественный деятель, автор известных карикатур.

C детства увлекался комиксами, влияние этого увлечения сказалось на дальнейших работах художника. Известность пришла к Харингу после появления его работ по росписи на стенах Нью-Йоркского метрополитена в начале 80-х.

 

 

 

Дэвид Хокни – британский художник, один из основателей поп-арта, а так же один из лучших мастеров данного стиля.

 

 

 

Джаспер Джонс - американский художник, одна из ключевых фигур стиля поп-арт, автор большого количества авангардных работ с изображением флага США.

 

 

Рой Лихтенштейн – американский художник, знаменитый своими работами в стиле поп-арт, автор комиксов. Свои первые работы Рой создавал, используя картинки из мультфильмов и комиксов, при этом он применял технологию из промышленной печати.

 

 

 

Уэйн Тибо - американский художник, один из известнейших представителей стиля поп-арт, автор большого количества картин с изображением сладостей и игрушек.

 

 

Энди Уорхол (Andy Warhol) американский художник, по происхождению русин. Один из самых известных мастеров в истории поп-арта и современного искусства. Как и многие молодые художники, начинал он свою карьеру с оформления витрин магазинов. Одной из первых его работ было иллюстрирование журналов. Его рисунки отличались эксцентричностью и крайней необычностью исполнения.

 

 

 

Присущие особенности стилю поп-арт

В основе поп-арта лежит изображение популярного символа: портрета звезды кинематографа или эстрады, эмблемы или логотипа всем известного лакомства или напитка. Для поп-арта характерна техника в стиле коллажа, фотопечати, чередование разных текстур, яркие цвета, а также надписи в форме девиза или слогана, благодаря которым картина почти не отличается от рекламного плаката.

Критика и значение стиля в искусстве

Несмотря на интерес общества и большое количество приверженцев, находились искусствоведы, которые критиковали поп-арт.

Знаменитый художественный критик Хилтон Крамер считал поп-арт слишком примитивным, прививающим вульгарность и безвкусицу обществу. По мнению критика, поп-арт - это не более чем обычная реклама, которую по ошибке назвали художественным направлением.

К его мнению присоединился критик С. Куница, который высказывал опасение в том, что поп-арт приведёт к формированию конформистского, бездуховного общества, которое не интересуется ничем, кроме ежедневного потребления товаров и услуг.

Сами представители поп-арта объясняли суть своего направления тем, что хотели вернуться к реальности, которая отсутствовала в произведениях художников-абстракционистов, и связать своё искусство с тем, что близко и понятно каждому современному человеку: кино, реклама, телевидение, индустрия товаров.

Со временем работы художников поп-арта оказали своё влияние на дизайн одежды и интерьера: некоторые работы были задействованы известными дизайнерами в качестве принта для одежды и декорирования помещений.

В одной из своих работ по аэрографии на холодильнике наши художнки использовали стиль поп-арт для воплощения в жизнь оригинальной и творческой задумки заказчиков

арт - история возникновения стиля, особенности, фотографии, примеры проектов с фото

Popular art – в переводе с английского «популярное искусство», а слово pop означает ещё и «резкий хлопок». Поэтому термин «поп-арт» имеет двойное значение: «искусство в массы» и нечто шокирующее. Такое сочетание было вполне в духе своего времени – как стиль, поп-арт оформился в Америке в 50-60-е годы XX-го века.

Поп-арт – это своеобразный протест против абстрактного искусства, безликого минимализма, пресного конструктивизма, ставших популярными ранее. Прародителями поп-арта стали художники-иллюстраторы, комиксисты, мультипликаторы, фотографы и рекламщики. Сменился контекст, масштабы изображений, цвет и способы отображения. Производственные дефекты: неравномерное распределение красок, типографское зерно, ошибки цвета при печати стали непременным атрибутом нового стиля.

На первый план вышла техника отображения, смысл отошёл на второй.

Поп-арт поменял местами внешнее и внутреннее.

Энди Уорхол

Стиль поп-арт не содержит заумных концептуальных идей, он адресован к обывателю, к народным массам в той же степени, как адресованы к ним средства массовой информации. Недаром расцвет поп-арта совпал с повсеместным распространением телевидения, глянцевых журналов и началом эпохи массового потребления. Глянцевость и гламур – ещё одна неотъемлемая черта этого стиля. Часто в интерьерах поп-арт используются гладкие глянцевые поверхности.

Узнаваемые картинки с обложек периодических изданий, фото знаковых мировых событий и звёзд экрана, популярные герои кино, мультфильмов и телешоу – всё это образы поп-арта. При этом они как будто воспроизводятся на печатном станке или сходят с конвейера – картинки тиражируются и располагаются в один ряд, детали орнамента образуют полотно из разноцветных повторяющихся элементов.

Эти рисунки и элементы орнамента часто расположены на плитке, крепящейся на стену. Конечно же, используются большие постеры и картины.

Классическим произведением, «иконой» поп-арта является шелкография Энди Уорхола «Диптих Мэрилин», включающая 50 изображений Мэрилин Монро со знаменитой фотографии актрисы 1953 года. Элементы этой и других работ художника часто встречаются в интерьерах поп-арт.

Материалы, используемые в поп-арте – крашеный металл, стекло, текстиль, дерматин и, конечно же, разноцветный пластик – получивший широкое распространение именно в 60-е годы. Массовое производство из пластмассы, как нового материала, пресса, телевидение, американские небоскрёбы в сочетании с неоновыми огнями реклам, противостояние мировых держав и, конечно же, покорение космоса и научная фантастика – вот что вдохновляло первопроходцев этого стиля! Неудивительно, что деревянная мебель в поп-арте встречается редко. Пластик, стекло, гладкие обтекаемые формы, минимум деталей, максимум цвета – вот что такое настоящий поп-арт.

Поп-арт невероятно пёстр и ярок, умудряется сочетать несочетаемое и часто балансирует на грани безвкусицы и вульгарности, но никогда эту грань не переступает. В самой противоречивости поп-арта есть изюминка, она всегда неожиданно уместна. Поп-арт – стиль, который способен удивлять. Он моментально захватывает зрителя, цепляет его внимание. Знакомые образы притягивают взгляд, приводят в лёгкое замешательство, завораживают. Насыщенные цвета и необычные формы наполняют пространство энергией, а повторяющиеся элементы дизайна задают ритм современной жизни.

Однако не следует думать, что поп-арт – это непременно что-то «кричащее», навязчивое и раздражающее, вроде пресловутой «попсы» или рекламы по телевизору. Интерьер поп-арт может быть выполнен в достаточно спокойных, пастельных тонах, при этом нисколько не изменяя традициям стиля.

Поп-арт позволяет дать волю воображению, непрерывно экспериментируя. Каждый интерьер в стиле поп-арт – неповторимая авторская работа. Поп-арт – стиль демократичный, в нём светильники в стиле минимализм или хай-тек могут соседствовать с мебелью в стиле арт-нуво или арт-деко.

И наоборот. Но, поскольку решающее значение имеют цвет и форма, дизайнеру необходимо позаботиться о правильном их сочетании.

----------------------

Если вы профессионально занимаетесь дизайном интерьера, читайте также:

Как правильно построить отношения с клиентом

28 способов найти заказчика

Как составить договор на дизайн-проект интерьера

Самопрезентация дизайнера

Художники по направлению: Поп-Арт - WikiArt.org

направление

Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное или естественное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм.

В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически, это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (англ. Lawrence Alloway), в 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит.

Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)[источник не указан 2704 дня].

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, Хокни Дэвид.

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.

Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Кьюниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».

Марио Амайя (англ.)

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru. wikipedia.org/wiki/Поп-арт

Поп-арт портрет по фото на заказ

Поп-арт портрет, автор: Лилия. По заказу Кати Гершуни - эксперта по стилю, Первый канал

Потяните за вертикальную линию, чтобы сравнить "До" и "После"

Создайте портрет в стиле поп-арт, дайте волю своей творческой фантазии, проявите свой яркий характер или просто сделайте подарок своему близкому человеку, коллеги в котором по вашему мнению есть «изюминка».

Muse (греч. Μούσα) Муза — это вдохновение


О стиле поп-арт

«Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» - называлась 1-ая картина в стиле, который мир впоследствии узнал под именем поп-арт.

У каждого, конечно, свой ответ на этот вопрос. Но если вам близки такие прилагательные как - популярный, молодой, остроумный, сексуальный, шуточный, шикарный, дерзкий – то этот портрет для вас.

Стиль "Че"

Портрет Че Гевары был создан в 1968 году. Его авторство иногда приписывают Уорхолу, но в реальности его нарисовал Джим Фитцпатрик по фотографии 1960 года кубинца Альберто Корды. Фитцпатрик прикрепил фото к стеклу, наложил на него белый лист бумаги и обвел черным карандашом контуры. Затем он просто сделал копию, но уже на красной бумаге и в итоге получил портрет, который знаком людям во всех уголках Земли. Ни Корда, ни Фитцпатрик сначала не зарабатывали деньги на своих безумно популярных изображениях. Только после использования образа Че в рекламе водки они закрепили за собой авторство, выиграв в суде у производителя Smirnoff. Причем Корда на полученные деньги построил больницу в Гаване и сказал, что так бы сделал Че.

Стиль "Монро"

Одним из самых знаменитых портретов Энди Уорхола стал портрет Мэрилин Монро. Впервые он написал его в 1962 году. Закрасил холст золотой краской и в центре через трафарет напечатал лицо кинозвезды по мотивам ее рекламной фотографии к фильму «Ниагара». Позже появилось множество вариаций этой картины. Одна из них «Бирюзовая Мэрилин» была продана за 80 млн. долларов в 2007 году.
Уорхол также создал множество портретов и других известных людей: Брижит Бордо, Элизабет Тейлор, Жаклин Кеннеди, Елизаветы II, Мао Цзэдуна, Ленина и Элвиса Пресли.
Многие называют Уорхола королем поп-арта. Мама называла его Андрей. Он был четвертым ребенком русинской семьи эмигрантов из Словакии.

Cтиль "Уорхол"

Cтиль "Уорхол" – это композиция. Квадратное полотно, которое разделено на четыре равные части.Каждая из таких частей представляет из себя квадрат, залитый своим цветом. На его фоне размещается поп-арт портрет в любом стиле (Че, Монро или из Интернета). На каждом из маленьких квадратов может быть одинаковый портрет, только с измененной под фон тональностью; могут быть четыре разных портрета; может быть два и два одинаковых по диагонали портрета. В итоге получается квадратная картина, составленная из четырех маленьких квадратных картин.

История поп-арта в предметах и продуктах • Arzamas

Искусство, История

Зачем Энди Уорхол рисовал банки с супом Campbell, а Роберт Раушенберг — кока-колу? В издательстве Ad Marginem в серии «Основы искусства» вышла книга Флавии Фриджери «Поп-арт». Arzamas публикует главу «Поп-арт и рынок»

«Устав от аскетичности абстрактного экспрессионизма, молодые художники обратились к таким приземленным вещам, как кока-кола, мороженое, гамбургеры, супермаркеты, вывески „ЕДА“. Их глаза изголодались, они жаждали эмоций…»

 

Роберт Индиана. 1963 год

Джаспер Джонс. Окрашенная бронза. 1960 год © Jasper Johns / Museum Ludwig, Köln

Центральное место в сюжетном репертуаре поп-арта принадлежит всевозмож­ным продуктам и товарам — от кусков торта до сломанных игрушек. Размыш­ляя над пестрым изобилием упаковок и над экономическими стратегиями, стоящими за их разработкой, поп-артисты заостряли внимание как на неотра­зимом очаровании дизайна товаров, так и на темных сторонах потребления. Джаспер Джонс одним из первых использовал готовый товар в качестве пред­мета художественного копирования, создав «Окрашенную бронзу» (1960) — аккуратную бронзовую репродукцию двух банок пива Ballantine. Эта работа обязана своим появлением реплике другого художника, Виллема де Кунинга, в адрес Джонса. Говоря о Джонсе и его влиятельном дилере Лео Кастелли, де Кунинг однажды бросил: «Если сунуть этому сукину сыну пару банок из-под пива, он и их продаст». Джонс, узнав об этих словах, решил отнестись к ним серьезно и отлил в бронзе две пивные банки, которые Кастелли действительно с успехом продал. По этому эпизоду можно судить не только о соперничестве между находившимся на закате славы абстрактным экспрессионизмом и зарождавшимся поп-артом, к которому имел отношение Джонс, но и о воз­раставшем интересе художников к коммерческой культуре.

Уорхол считал кока-колу эталоном общедоступного товара в поп-мире и эмблемой потребления:

«Что замечательно в нашей стране, так это то, что Америка положила начало традиции, по которой самые богатые потребители покупают, в принципе, то же самое, что и бедные. Ты смотришь телевизор и видишь кока-колу, и ты знаешь, что президент пьет кока-колу, Лиз Тейлор пьет кока-колу и, представь себе, ты тоже можешь пить кока-колу».

Главное в этих словах — указание на демократичность кока-колы, одной и той же для любого потребителя, независимо от его расы, пола и социального стату­са. Другие товары, рассматриваемые в этой главе, тоже банальны настолько, что кажутся не заслуживающими интереса, и в то же время самой своей повсе­местностью интересны для художников, которые отозвались на них множест­вом восхищенных или вдумчиво-критичных реплик.

Суп Campbell: день за днем двадцать лет

Энди Уорхол. Банки супа Campbell. 1962 год © Andy Warhol / MoMA

Одной из эмблем творчества Уорхола стала банка супа Campbell — товар, кото­рый имеется в каждом доме и в любом супермаркете, а потому, как и кока-кола, уравнивает друг с другом всех своих потребителей. Свой интерес к этому сюжету Уорхол объяснял обыкновенной привычкой: «Просто одно время я ел суп Campbell постоянно. У меня в течение, наверное, лет двадцати каждый день был один и тот же ланч: день за днем одно и то же». Многократные повторы, которым он подверг суповую банку, кажутся под стать этой двадцатилетней череде одинаковых ланчей.

Первыми в его большой серии двумерных реплик ходовых консервов стали «Банки супа Campbell» (1962) — тридцать два небольших холста, первоначально выставленные в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Демонстрация откровенно рутинной магазинной продукции в качестве искусства вызвала полярные реакции — от заинтригованного замешательства до возмущения и насмешек. Одна из соседних галерей сочла остроумным выставить в своей витрине банки настоящего супа Campbell с ценниками в 60 центов. Картины Уорхола поку­пались неохотно, и его галерист в конце концов решил продать их все сразу со скидкой. Так они и стали единым и неделимым произведением, ныне находящимся в собрании нью-йоркского Музея современного искусства.

Кока-колонизация

1 / 2

Роберт Раушенберг. Кока-кола: план. 1958 год© Robert Rauschenberg / MoCA

2 / 2

Юсио Синохара. Кока-кола: план. 1964 год© 篠原有司男 / 富山県立近代美術館

Для Уорхола кока-кола была товаром, символизирующим всеобщее равенство в потребительском мире. Однако многие другие художники усматривали в ней характерное проявление капиталистического империализма. Красная этикетка, распространенная рынком по всей планете, стала визуальной неизбежностью, и это не могло не навести поп-артистов на мысль о скрывающейся за ней претензии на мировое господство.

Роберт Раушенберг, один из признанных родоначальников поп-арта, представил знаменитый бренд как культурную и социальную икону Америки в работе «Кока-кола: план» (1958). Победоносная роль товара, поставляемого всюду, выражена здесь крыльями, прикрепленными к конструкции с тремя бутылками кока-колы. Явно отсылающие к прославленной греческой статуе Нике Самофракийской (около 200–190 до н. э.), эти крылья с изрядной долей иронии затмевают исторический памятник «светочем современности».

Если Раушенберг, пусть иронически, прославлял кока-колу, а следовательно, и Америку, то японский художник Юсио Синохара едко посмеялся над ними обеими, создав свой «Кока-кола: план» (1964). Он познакомился с американ­ским поп-артом по публикации в журнале Art International за январь 1963 года и немедленно решил создать новое направление, названное им «имитативным искусством». Уже в сентябре того же года в токийской галерее Naiqua были выставлены его пародии на знаменитые поп-произведения, в том числе размноженные реплики работы Раушенберга. Синохара предпринял остроум­ную попытку развенчать американский поп-арт его же средствами — показать, что произведения поп-артистов, особенно тех из них, которые охотно исполь­зуют репродукцию и тиражирование, не застрахованы от выхода в тираж и сами. Взяв на вооружение подход американских художников к коммерческим продуктам вроде кока-колы, японский художник ощутимо пошатнул ориги­нальность произведений Раушенберга и, шире, всего поп-арта в целом. Его имитация искусства, и так уже имитативного в силу своих сюжетов, предста­вила кока-колу — «триумфальное знамя» Америки — как обычный одноразо­вый и легко воспроизводимый товар.

Иcтория игрушек

1 / 3

Криста Дихганс. Рождество — Нью-Йорк. 1967 год© Christa Dichgans / Contemporary Fine Arts, Berlin

2 / 3

Эрро. Продовольственный пейзаж. 1964 год© Erró / Moderna Museet

3 / 3

Дерек Бошьер. Особая К. 1961 год© Derek Boshier / The Mayor Gallery

Немецкая художница Криста Дихганс, увлеченная потребительскими товарами не столько как образами, сколько как особого рода вещами, создала ряд инте­ресных произведений на тему игрушек — в частности, «Рождество — Нью-Йорк» (1967). Поселившись в начале 1960-х годов в Нью-Йорке, Дихганс испы­тала большое впечатление от «гор старых игрушек», увиденных ею в центрах Армии спасения  Армия спасения — международная благотворительная организация, основанная в 1865 году в Великобритании для оказания помощи нуждающимся.. Поскольку у нее самой был маленький сын, она имела и непосредственный опыт разбора игрушек, сваленных в беспорядке. В картине «Рождество — Нью-Йорк», входящей в серию, которую Дихганс посвятила этой теме, речь идет о рождественской лихорадке подарков, но вместо новых игру­шек, ожидающих распаковки, мы видим кучу потрепанных медведей, кукол, лошадок на колесах и т. п. Возможно, когда-то они были желанными подарка­ми, но теперь явно утратили весь свой коммерческий и эмоциональный престиж.

Исландский художник Эрро (Гудмундер Гудмундсон), с конца 1950-х годов живущий и работающий в Париже, критиковал потребительские привычки, связанные с американским образом жизни и символизируемые изобилием супермаркетов. Во Франции Эрро быстро вошел в контакт с местными худож­никами, которые стремились придать новую актуальность фигуративной живо­писи, обращаясь в поиске сюжетов к повседневности и, в частности, к обществу потребления. В полотне Эрро «Продовольственный пейзаж» (1964), с которого на зрителя обрушивается пестрая лавина всевозможных пищевых продуктов, читается откровенный сарказм в адрес мании приобретательства, порождаемой американской идеологией консюмеризма. В этом море еды потребителю пред­ла­гается и навязывается всё — от щедрых сырных тарелок до плиток шоколада и тортов, нарезанных на куски.

Обнажая логику потребления, заставляющую людей покупать уже не в силу необходимости, а во власти неотразимого соблазна рекламы, такие картины, как «Продовольственный пейзаж» и почти современная ему «Особая К» английского художника Дерека Бошьера (1961), указывали на неуклонно растущую мощь экономико-политического влияния США. Бошьер, заимство­вав культовую красную букву «К» из фирменного стиля бренда сухих завтраков Kellogg's, представил ее в виде космической ракеты, несущейся вверх. В резуль­тате буква стала намеком на соперничество США и СССР за контроль над кос­мосом и символом ненасытной власти, жаждущей подчинить себе всё — как на Земле, так и за ее пределами. В одном из первых обзоров творчества Бошьера Ричард Смит писал:

«Некоторые его сквозные темы подпадают под рубрику американизма. В этикетку спичек „Слава Англии“ или в кубинский флаг вторгаются звезды и полосы, рядом с английским „Юнион Джеком“ стоят две бутылки пепси-колы. Приветствуется ли этот американизм, осуждается или просто принимается как данность, неясно, как неясно и значение космических сюжетов, появляющихся у Бошьера. По-видимому, он не склонен прославлять современную технику. Возможно, речь даже не идет о космическом соперничестве: космонавты явно важны, но и другие герои приобретают в космосе Бошьера не меньшее значение».

Если Уорхол с воодушевлением изображал самые популярные американские товары вроде супа Campbell, то европейские художники — Дихганс, Эрро, Бошьер и другие — относились к обществу потребления гораздо более критично. Промежуточное положение между двумя этими позициями занимает имеющий ныне культовый статус «Магазин» Класа Олденбурга.

Как в настоящем магазине

Клас Олденбург. Магазин: витрина с пирожными. 1962 год © Claes Oldenburg / MoMA; The Sidney and Harriet Janis Collection

Олденбург открыл свой «Магазин» 1 декабря 1961 года в доме 107 по 2-й Восточной улице Нью-Йорка. Описывая основные характеристики этого проекта в тексте, который читается и как художественный манифест, и как обычная программа действий, он писал:

«„Магазин“, или „Мой магазин“, или Ray-Gun Mfg. Co., находящийся в доме 107 по 2-й Восточной улице Нью-Йорка, имеет 80 футов в высоту и около 10 футов в ширину. В переднем помещении я планирую создать обстановку типичного магазина, нарисовав и разместив (развесив, поставив, положив) там предметы, имеющие форму и вид популярных товаров, как это делается в настоящих магазинах, в их оконных витри­нах и рекламах на близлежащей территории».

Вскоре «Магазин» стал центром деятельности Олденбурга: он работал не толь­ко как пункт продажи предметов, созданных художником, но и как мастерская, где производились эти «как бы товары». Блюда с едой, торты, предметы одеж­ды… — при всем своем разнообразии все они размывали границу между банальными повседневными вещами и ценными произве­дениями искусства. В «тортах» и других работах Олденбурга чувствуется рука скульптора и живо­писца, не позволяющая усомниться в их художественном статусе: сделанный из пропитанного гипсом холста, каждый предмет после просушки раскраши­вался в раскованной манере, не лишенной сходства как с любительскими натюрмортами, так и с жестуальной эстетикой абстрактного экспрессионизма.

Олденбург подчеркивал антимузейный, а значит, хотя прямо он об этом и не говорил, подрывной характер «Магазина», который в конечном счете лишь инсценировал магазинную торговлю, а на самом деле обнажал истинную суть музея. Там можно было что-то купить, но цены были абсурдными. Хлеб, ветчина, сласти и другие «продукты» стоили намного дороже их реальных аналогов и тем самым позволяли наивным покупателям почувствовать, что они приобретают произведения искусства. Имитируя общераспространенную еду, Олденбург, таким образом, направлял критику в направлении, противопо­лож­ном тому, которому следовал Эрро, рисуя пестрые горы продуктов, — не на об­щество потребления, а на систему искусства. Но обоим художникам еда служи­ла способом выявления и подрыва потребительских привычек.

Торт, торт, торт

Уэйн Тибо. Торты. 1963 год © Wayne Thiebaud / National Gallery of Art

Калифорнийский живописец Уэйн Тибо, тоже любивший изображать пищевые продукты, смотрел на них — например, в картине «Торты» (1963) — глазами счастливого потребителя. Простые по композиции и обыденные по сюжету, его натюрморты представляют товары во всей их соблазнительной красоте. В отли­чие от грубых изделий Олденбурга, торты Тибо желанны. Их яркие пастозные краски не менее аппетитны для глаз зрителя, чем воздушное тесто и густой крем реальных кондитерских изделий. Говоря о своем увлечении темой еды, Тибо признавался:

«У еды есть один аспект, который мне особенно интересен. Еда — это своего рода ритуальное подношение в том смысле, что ее готовят так, как будто бы речь идет о чем-то большем, чем просто еда: украшают ее, пытаются придать ей необычный вид. В этом есть связь с нашим жела­нием получить больше, чем у нас есть. Или узнать больше, чем мы зна­ем».

Внимание к ритуальному значению, которое придается еде, позво­лило Тибо проницательно взглянуть на потребление и на стратегии соблазна, используе­мые для продвижения продукции коммерческими дизайнерами. Он сам, поддаваясь этому соблазну, восхищался «велико­лепными, прекрасными, как игрушки» тортами, по-детски радовался краскам и формам продуктов, являя собой образ типичного американца. Помимо тортов, он посвятил множество картин хот-догам, сэндвичам и мороженому. Его картины 1960–1962 годов достаточно полно зафик­сировали тогдашний ассортимент общественного питания США. В 1961 году Тибо привез несколько своих работ в Нью-Йорк, а год спустя пред­ставил их на обозрение публики. Красота живописи не поме­шала искушенным зрителям усмотреть в них социальный критицизм, и Тибо вскоре был признан основателем «школы тортов» и одним из ведущих представителей поп-арта.

Жизнь с поп-культурой

1 / 2

На выставке Герхарда Рихтера и Конрада Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капиталистического реализма». 1963 годeiskellerberg.tv

2 / 2

К. П. Бремер. «Девушка 25. Чувство между пальцами…». 1968 год© K. P. Brehmer / Walker Art Center

Самопровозглашенными лидерами немецкого поп-арта стали в начале 1960-х годов Герхард Рихтер, Конрад Люг и Зигмар Польке. «Поп-арт не является американским изобретением, — заявляли они. — Мы не должны видеть в нем импортный товар. <…> Это искусство способно дать в нашей стране органичные и самостоятельные всходы». Подобно многим художникам, работавшим в поп-стилистике за пределами Америки, Рихтер, Люг и Польке стремились утвер­дить свою независимость от властных заокеанских авторитетов. И все же выставка Рихтера и Люга «Жизнь с поп-культурой. Презентация капита­листического реализма» (1963) имела много общего с «Магазином» Олден­бурга.

Расположившись на территории мебельного магазина в Дюссельдорфе, художники концептуально переосмыслили его пространство и устроили в нем свои пародийные гостиные и спальни. В центре экспозиции сами Рихтер и Люг, одетые в безупречные костюмы, сидели, соответственно, на диване и в кресле, а эти предметы мебели были установлены на белых пьедесталах, как подобает скульптурам. Перед этими живыми статуями стоял телевизор, по которому шли новости об отставке канцлера ФРГ Конрада Аденауэра. На «экономическое чудо», свершившееся в Германии при Аденауэре, и направлялась критика Рихтера и Люга. Подрыв потребительских норм, приличествующих мебель­ному магазину, привел к принудительному закрытию выставки через два часа после ее начала, и тем не менее она ознаменовала зарождение «капиталисти­ческого реализма» — немецкого варианта поп-арта, занявшего четкую позицию в отношении общества, экономики и политики.

Куратор и дилер Рене Блок, взявшийся за продвижение нового направления, в 1964 году открыл в Западном Берлине свою галерею и наряду с проведением выставок начал выпуск эстампов представляемых им художников. Один из них, дипломированный гравер и графический дизайнер К. П. Бремер, направил свой опыт на сатирическое обыгрывание стратегий рекламы, примером которого служит его работа «Девушка 25. Чувство между пальцами…», включенная в изданное галереей Рене Блока портфолио «Графика капиталистического реализма» (1968). В верхней части листа девушка в чувственной позе курит сигару, имеющую откровенно фаллический подтекст, а внизу к бумаге прикле­ены четыре пакетика с семенами цветов и овощей. Неестественные цвета, в которые окрашена фотография девушки, обращают внимание на то, насколь­ко обманчив привлекательный вид лука, моркови, огурцов и хризантем, изображенных на пакетиках: они слишком яркие, чтобы быть реальными, и их истинная функция — обещание чудес на домашней грядке. Как и многие другие представители поп-арта, Бремер указал на стремительно растущую власть рекламы — одну из определяющих тенденций 1960-х годов.

Культ чистоты

Томас Байрле. Аякс. 1966 год © Thomas Bayrle / Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main

Еще один немецкий художник — Томас Байрле, не связанный с движением капиталистического реализма — в 1966 году создал конструкцию под назва­нием «Аякс», тоже вступившую в критически ориентированный диалог с рек­ламой. Отсылающая к упаковке одноименного чистящего порошка, эта работа саркастически отразила двойственную одержимость чистотой, которая охва­тила послевоенную Германию: культ чистого дома совпал со стремлением очиститься от нацистского прошлого. Обе эти тенденции в нерасторжимом единстве воплощают бесчисленные хозяйки, заполняющие поверхность «Аякса» Байрле.

микрорубрики

Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

Архив

Что такое pop art и как его распознать

Поп-арт (англ. Pop art) означает популярное и доступное искусство. Оно понятно большинству людей, его легко узнать и объяснить. Это одно их крупнейших движений в искусстве ХХ века. Поп-арт зародился в Великобритании и СШАв 1950-е годы. Поп-арт появился на свет как реакция на совершенно другое направление современного искусства – абстрактный экспрессионизм.

Чтобы понять, что такое поп арт, нужно начать с другого направления в искусстве - абстрактный экспрессионизм. В нем художник освобождает разум от законов логики и выражает свой внутренний мир на холсте, как он “видит” и “чувствует”. Брррр, звучит непросто! А на деле все еще сложнее. К примеру сможете ли вы понять что нарисовано на картине лидера абстрактных экспрессионистов Джексона Поллока? Картина называется «Ключ», не огорчайтесь если вы ничего в ней не поняли, вспомните, что художник абстракционист выражает свои чувства. И неподготовленный человек не поймёт, где тут ключ, а где замок, а если и поймёт, то только с подсказками опытного искусствоведа.

Такая же проблема возникла в 50-х годах ХХ века, несмотря на огромную популярность, не все понимали работы художников абстрактных экспрессионистов. Чтобы оценить их по достоинству, человек долженуже разбираться в искусстве. Что сделало это направление искусства доступным не для всех, а для «избранных». Поп-арт стал своего рода реакцией, противопоставлением абстрактному экспрессионизму. Его девизом стала идея: возвращение к реальности, а не фантазия художника. Источником вдохновения стали реклама, журналы, упаковки продуктов питания, фотография, телевидение, кумиры, стереотипы, кино, супермаркеты, комиксы – в общем всё, что встречается в повседневной жизни большинства обычных людей.

Вот несколько представителей поп-арт-культуры и их работы.

Рой Лихтенштейн «Смотри, Микки», 1961 г.

Рой Лихтенштейн «Спящая девушка», 1964 г.

Художник взял за основу кадр из серии романтических комиксов № 105, опубликованных DC comics в 1964 годов.

Энди Уорхол «Банка с супом Кэмпбелл», 1962 г.

«Я его [суп «Кэмпбелл»] просто пил. Каждый день я ел на обед одно и то же, лет двадцать, наверное, одно и то же, каждый божий день» Энди Уорхол

Джаспер Джонс «Флаг» 1954-1955 г.

Наиболее известная работа художника, которую он нарисовал после сна об американском флаге.

Поп-арт. Двусмысленный гимн обществу потребления | Публикации

«Я обожаю Америку, и мои произведения объясняют это. Мои произведения – это утверждение символов ярких, безличных продуктов и грубо-материальных объектов, на которых строится сегодняшняя Америка». Энди Уорхол, американец

Ах, как хороша стала быть жизнь в Западной Европе и США в конце первой половины 50-х годов ХХ века! Ай, хороша! Ну, сами посудите – раны войны затянулись? Затянулись. Благосостояние слоев населения возросло? Выросло. Уровень социального оптимизма подтянулся? Прямо неимоверно подтянулся. Тут и рок-н-ролл, наконец, появился, и бэби-бум вовсю попер, и производство товаров массового потребления на новый уровень вышло – радиол, допустим, или штанов стало много и они стали дешевыми. Хорошо!

В связи со всем этим в авангардизме, всегда чутком к актуальности и падком до социальности, должно было появиться что-то, что всю эту вполне выносимую радость простого как мычание бытия выразит. И появилось! Появилось, говорю!


Ричард Гамильтон. Так что же делает современные дома такими особенными, такими привлекательными?

Да поп-арт это, бляха-муха, в названии моего текста же есть. Последний большой стиль в авангардизме. Потом стили стали поменьше, но их было побольше - уж и не знаю, как лучше. Поп-арт появился в Англии, но полного совершенства и красоты достиг в Америке – там рынок купли-продажи был больше, а как это связано с искусством, станет понятно дальше. Так что мы будет говорить в основном об американском поп-арте. А до поп-арта американец и отчасти англичанин вынуждены были потреблять абстрактный экспрессионизм – направление крупное, серьезное, но не лишенное некоторых экстравагантностей.

Главное их – абстрактного экспрессионизма и поп-арта – различие состояло в том, что первый ничего знакомого не показывал, а второй показывал исключительно знакомое. Поп-арт изображал все то же и так же, что и реклама, глянцевые журналы, телевидение, комиксы и прочие массмедиа.


Рой Лихтенштейн. Бац!

Получалось, что вроде как поп-арт вернул в искусство реальность, вынутую оттуда абстрактным экспрессионизмом, что поп-арт – чуть ли новый извод реализма, очень позитивного к тому же. Отнюдь. Поп-арт дело имел не с реальностью и ничего он никуда и никому не возвращал. Он имел дело с изображением этой реальности в массмедиа. То есть Мэрилин Монро для него не реальный человек, а миф о нем, знак, закрепленный в поп-культуре. Симулякр, если уж совсем по-простому.


Энди Уорхол. Мэрилин Монро

Отсюда и эта куча однотипных изображений, поскольку одно из важных свойств поп-культуры – тиражируемость всего. И тут поп-арту совершенно по барабану, что изображать и что тиражировать - как, впрочем, и самой поп-культуре – Монро в этом смысле ничем не отличается от консервов. Это есть удивительное свойство массовой культуры – уравнивать все: НЛО, горе в семье Пугачевой, FMCG, отдых в Анталии и битцевского маньяка.


Энди Уорхол. Банка супа «Кэмпбелл»

Причем, заметьте – в названиях этих шеренг всегда стоит единственное число. И это - правильно, ведь мы всегда про стопку экземпляров одного номера журнала скажем – журнал, а не - журналы.

Поп-арт увлеченно и с энтузиазмом жил в пластмассовом мире золотых мам, Бэтменов, теть Ась, пиратов Карибского моря, миров кухни, обуви и плитки, пива «Клинское» - если переводить в нашу современную ситуацию. Он заражался оптимизмом, идущих от этих символов благополучия, радости и уверенности во всех днях, хоть завтрашних, хоть позавчерашних. Он воспевал этот прекрасный мир, где все счастливы, потому что у всех есть все, кроме новой жувачки* с оттенком вкуса помело, но вот и она теперь уже доступна, и все в этом мире равны – от президента до курьера, поскольку оба жуют одно и то же. И равенство это устанавливается не за счет снижения позиций президента, а за счет подъема статуса курьера, ибо! - жевание новой жовы с потрясающим новым вкусом помела гарантирует вам успех в работе и личной жизни! Жуйте больше, жуйте всегда - это престижно и вы будете счастливы! По всему поэтому поп-арт радостно вводил в свои работы реальные товары массового производства.


Том Вессельман. Ванная. Коллаж №3

Или имитировал их в серьезном материале типа бронзы – он же искусство все-таки как никак.


Джаспер Джонс. Лампочка

Тут, конечно, чувствуется сильный аромат дадаизма с его ready made. И правильно чувствуется. Сначала поп-арт в Америке вообще назывался неодада. Он использовал множество формальных приемов дадаизма, но не был таким тотально отрицающим весь мир. Поп-арт-то прилежно имитировал лояльность этому миру.

Вот тут я перехожу к самому главному. Вы должны понять, а если не понять, то поверить, что поп-арт весьма-а изощрен, он совсе-ем не похож на жизнерадостного тупого пиндоса, выходящего из супермаркета с приклеенной улыбкой. Как, впрочем, и американцы на него не похожи. Я там выше уже раскидал намеки на это - не знаю, просек кто их или нет, так остались.

Короче, мы, возможно, имеем дело с первым отрефлексированным, конституциональным персонажным высказыванием в авангардизме. Это когда автор говорит не от своего лица, а прикидывается кем-то другим. В данном случае этот кто-то – певец того самого мира потребления. Поп-арт как бы говорит обывателю: «Я свой, я такой же как ты, я тоже люблю всю эту радость приобретения, я люблю биг-мак, я люблю новые товары и технологии, я ищу новые бренды, я – cool, я радуюсь жизни и счастлив потому, что я следую всем тем рекомендациям, которые я нахожу в глянцевых журналах и рекламе, а уж они плохого не подскажут».


Клас Ольденбург. Гигантский гамбургер. 3х3 м

Но лик поп-арта, стоящего за этой подтасовкой, не ужасен. Он - не как дадаистический, любимый мною лик, который всей обозреваемой простым глазом вселенной сообщает прямо в сюрляк: вы все – козлы. Да дадаизм и не занимался подтасовками, был прям и честен. Это я так шучу – поп-арт я тоже люблю. Так вот, поп-арт эту подтасовку делает с довольно-таки доброй иронией. Грубо говоря, он мудрее дадаизма. Чем и неприятнее. Опять шутка. Да нормально все, пацаны.

О персонажности всех этих восторгов по поводу общества потребления, включая, кстати, и высказывания поп-артистов, которые, как всегда в авангардизме, есть часть их практики - вроде того, что в начале текста, говорит многое. Прежде всего – перебор средств (вообще, перебор – это в персонажном высказывании универсальный способ сообщить о том, что ты не тот, за кого себя выдаешь при знакомстве и длительном общении). Сооружение коллажа из исключительно рекламных материалов, как у Гамильтона в приведенном выше коллаже. Старательное воспроизведение типографических прибамбасов вроде растра в работе Лихтенштейна (это просто увеличенная до гигантских размеров картинка из комикса – она вырвана из контекста и мы, соответственно, не понимаем ее смысла). Отливка банальных предметов типа лампочки или пивных банок в бронзе, то есть перевод индустриально тиражируемых предметов в традиционный для традиционного искусства формат уникального произведения. Или вот, немереный пафос за счет места размещения и параметров – 15 метров и 10 тонн.


Клас Ольденбург. Прищепка

Вообще, о том, что поп-арт был нормальным созданием интеллектуалов – а в этом до сих пор сомневаются профаны, принимая за чистую монету его внешнюю радостную бездумность – говорит хотя бы такая тончайшая работа.


Джаспер Джонс. Флаг

Тут в чем дело. Берется плоский и, что важно, матерчатый объект. И изображается на плоскости и, что важно, на материи. То есть наличествует полное совпадение объекта изображения и его изображения. Ведь, грубо говоря, мы можем отодрать картинку Джонса от подрамника и она – будет флаг. Это также, как если бы в голландском натюрморте XVII написанная рыба была самой рыбой. С теми, кто не в состоянии оценить этот ход мысли, я не знаю, как общаться. И не буду.

Ну, надо же поговорить и о нашем поп-арте. Ведь есть такой. Он был даже в совсем дубовое советское время, когда об приятии/иронии по отношению к обществу потребления и речи быть не могло. Общество – было, потребления – не было. Об этом, впрочем, говорить не буду, все уже сказал Жванецкий, а его не перешибешь. В общем, ввиду тотального отсутствия этого самого потребления наш поп-арт, точнее, художественные практики, испытавшие влияния поп-арта или шедшие параллельным путем, сконцентрировались на изображении банального. Ну, конечно, это банальное не было таким прекрасным, как то банальное. Примусы всякие помятые. Или двери.


Михаил Рогинский. Дверь. 1965 год

В 70-е возник очень веселый соц-арт. Он действовал практически так же, как поп-арт – принимал за радостную данность местную медийную реальность и с ней работал. Поскольку у нас вместо рекламы, гламура и т.д. была идеология, то соц-арт ее и мучил.


Виталий Комар и Александр Меламид. Двойной автопортрет

Рожденные в СССР тут сразу вспомнят двойные-тройные-четверные профильные, наложенные друг на друга портреты основоположников и пророков коммунизма, выполненные мастерами из комбинатов искусств для фойе других, более полезных комбинатов.

Ну, и конечно, мощный проект Дубоссарского-Виноградова, очень сильно впитавший в себя пафос поп-арта.

*Так мы ее называли в наше школьное советское время. Или ласково – жова. Тогда ее можно было купить на туче по 50 копеек за пластинку или у Мальцина по 35 – у него мама работала в «Интуристе». Жувачка жевалась обычно дней пять-шесть с перерывом на приемы пищи и сон и доводилась до кашеобразного состояния. Иногда сдавалась в аренду – «дай пожую на перемене». Можно было услышать такую фразу: «Сейчас я жую две жовы – земляничную и мятную». Когда вызывали к доске, жова надежно закреплялась за ухом. Жующий человек всегда вызывал глубокое уважение.

 

Автор: Вадим Кругликов

Поп-арт | Фото на холсте

История поп-арта

Поп-арт - это движение, возникшее в конце 1950-х годов в Англии и США как реакция на искусство абстрактного экспрессионизма, которое они считали пустым и элитарным. Общим элементом в движении поп-арта является не похожий стиль или техника в композиции произведения искусства, а общая тема для всех произведений, созданных в эту эпоху.

Общая тема - массовый потребительский рынок и мир коммерции.Поп-арт использует знакомые изображения в другом смысле, чтобы достичь с ними эстетической позы или выразить социальную критику. Как следует из названия, «Популярное искусство» следует интересам и темам людей.

В то время как такие художники, как Рой Лихтенштейн, думали о поп-арте как о чем-то, что отражает серийность и неперсонализированность искусства, AllPopArt.com с момента своего скромного зарождения в 2004 году пытался обновить историю этого художественного движения и вернуть его людям. . Цитата из движения поп-арта Энди Уорхола, 1968:

«В будущем все будут всемирно известны по 15 минут.«-AllPopArt.com делает вас и ваших близких сюжетом картины.

Вот уже почти десять лет мы делаем из ваших фотографий потрясающие произведения искусства. Такое ощущение, что вчера мы впервые попробовали наш ныне пользующийся спросом стиль поп-арта Уорхола; За эти годы вы делились своими бесценными семейными воспоминаниями с нами историями счастья, достижений, любви, а иногда и потерь.

Когда мы получаем ваши фотографии, мы знаем, что за ними стоит какая-то история и что они значат для вас что-то особенное.Внимательно изучив ваш заказ, мы приступаем к работе, создавая уникальное произведение искусства специально для вас.

Мы ищем лучшие отделочные материалы, экологически чистые и устойчивые. Мы вручную изготавливаем каждый принт и каждую рамку в нашем магазине нестандартных рам, чтобы вы могли наслаждаться своим искусством в любой комнате вашего дома на долгие годы.

Итак, начните бесплатную консультацию по фотографии, наши арт-консультанты всегда готовы поговорить с вами в рабочее время. И, если по какой-либо причине вы не любите свое персонализированное искусство, верните его для возврата денег или замены.Это так просто.

Поп-арт | Характеристики, факты и художники

Поп-арт , искусство, в котором обычные предметы (такие как комиксы, консервные банки, дорожные знаки и гамбургеры) использовались в качестве предметов и часто были физически включены в работу.

Британская викторина

Викторина по художественным стилям и техникам

Вы знаете, как работает травление? Что использовалось в древнем Китае для рисования и надписей? Узнайте об этом и многом другом в этой викторине о художественных стилях и техниках.

Движение поп-арт было в значительной степени британским и американским культурным феноменом конца 1950-х и 1960-х годов и было названо искусствоведом Лоуренсом Аллоуэем в связи с прозаической иконографией его живописи и скульптуры. Работы таких поп-исполнителей, как американцы Рой Лихтенштейн, Энди Уорхол, Клас Ольденбург, Том Вессельман, Джеймс Розенквист и Роберт Индиана, а также британцы Дэвид Хокни и Питер Блейк, среди прочих, характеризовались изображением всех без исключения аспектов популярного искусства. культура, оказавшая мощное влияние на современную жизнь.Их иконография - взятая из телевидения, комиксов, киножурналов и всех форм рекламы - была представлена ​​решительно и объективно, без похвалы или осуждения, но с подавляющей непосредственностью и с помощью точных коммерческих методов, используемых средствами массовой информации, из которых иконография сам был заимствован. Поп-арт представлял собой попытку вернуться к более объективной, универсально приемлемой форме искусства после доминирования как в Соединенных Штатах, так и в Европе сугубо личного абстрактного экспрессионизма.Он также был иконоборцем, отвергая как превосходство «высокого искусства» прошлого, так и претензии другого современного авангардного искусства. Поп-арт стал культурным событием из-за того, что он точно отражает определенную социальную ситуацию, а также потому, что его легко воспринимаемые образы немедленно использовались средствами массовой информации. Хотя критики поп-арта называли его вульгарным, сенсационным, неэстетичным и шуткой, его сторонники (меньшинство в мире искусства) считали его искусством, которое было демократичным и недискриминационным, объединяющим как знатоков, так и неподготовленных зрителей.

Поп-арт был потомком дадаизма, нигилистического движения, существовавшего в 1920-х годах, которое высмеивало серьезность современного парижского искусства и, в более широком смысле, политическую и культурную ситуацию, которая привела к войне в Европе. Марсель Дюшан, поборник дадаизма в США, который пытался сократить расстояние между искусством и жизнью, прославляя объекты массового производства своего времени, был самой влиятельной фигурой в эволюции поп-арта. Другими художниками 20-го века, оказавшими влияние на поп-арт, были Стюарт Дэвис, Жерар Мерфи и Фернан Леже, все из которых изображали в своих картинах точность, массовое производство и коммерческие материалы машинно-индустриальной эпохи.Непосредственными предшественниками художников поп-музыки были Джаспер Джонс, Ларри Риверс и Роберт Раушенберг, американские художники, которые в 1950-х годах рисовали флаги, пивные банки и другие подобные предметы, хотя и с живописной, выразительной техникой.

Одними из наиболее ярких форм, которые принял поп-арт, были стилизованные репродукции комиксов Роя Лихтенштейна с использованием цветных точек и плоских тонов коммерческой печати; Скрупулезные буквальные рисунки Энди Уорхола и шелкотрафаретные репродукции этикеток для консервных банок, картонных коробок из-под мыла и рядов бутылок из-под прохладительных напитков; Мягкие пластмассовые скульптуры Класа Ольденбурга таких предметов, как сантехника, пишущие машинки и гигантские гамбургеры; «Великие американские обнаженные девушки» Тома Вессельмана, плоские прямые изображения безликих секс-символов; а также построенные картины Джорджа Сигала с гипсовыми фигурами в натуральную величину, помещенными в реальную среду (например,г., обеденные стойки и автобусы) извлечены со свалок.

Рой Лихтенштейн: Вау!

Whaam! , акрил и масло на двух холстовых панно, Рой Лихтенштейн, 1963; в галерее Тейт Модерн, Лондон. 174 × 408 см.

Предоставлено попечителями галереи Тейт, Лондон Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишись сейчас

Большинство художников поп-музыки стремились к безличному, вежливому отношению в своих работах. Некоторые примеры поп-арта, однако, тонко выражали социальную критику - например, поникшие предметы Ольденбурга и монотонное повторение одного и того же банального образа Уорхолом, несомненно, вызывают тревогу, - а некоторые, такие как таинственные, одинокие картины Сигала, являются откровенно экспрессионистскими. .

Джордж Сигал

Джордж Сигал с одной из своих работ, фотография Арнольда Ньюмана, 1964.

© Арнольд Ньюман

Американский поп-арт имел тенденцию быть символичным, анонимным и агрессивным; Английский поп, более субъективный и референциальный, выражал несколько романтический взгляд на поп-культуру, которому способствовала относительная удаленность Англии от нее. Английские исполнители поп-музыки имели тенденцию иметь дело с технологиями и популярной культурой в первую очередь как с темами, даже как с метафорами; некоторые американские поп-исполнители, казалось, действительно жили этими идеями.Девиз Уорхола, например, был: «Я думаю, что каждый должен быть машиной», и он пытался в своем искусстве создавать произведения, которые могла бы создать машина.

Поп-арт получил признание критиков как вид искусства, подходящий для высокотехнологичного, ориентированного на СМИ общества западных стран. Хотя поначалу публика не воспринимала это всерьез, к концу 20 века он стал одним из самых признанных течений в искусстве.

Что такое поп-арт? Техники, художники и примеры, сформировавшие движение

Возможно, самое известное художественное развитие 20-го века, поп-арт, возник как реакция на потребительство, средства массовой информации и массовую культуру.Это движение появилось в 1950-х годах и набрало обороты в шестидесятые. Поп-арт отошел от теории и методов, используемых в абстрактном экспрессионизме, ведущем движении, которое ему предшествовало. Вместо этого он использовал предметы повседневного обихода и средства массовой информации, такие как газеты, комиксы, журналы и другие обыденные предметы, для создания ярких композиций, сделав движение краеугольным камнем современного искусства.

Это введение идентифицируемых образов было серьезным отклонением от направления модернизма, который поп-артисты считали пустым и элитарным.Многие художники, связанные с этим движением, в первую очередь Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, достигли беспрецедентной славы и статуса, опыт, который приблизил практикующих к мейнстриму знаменитостей. Сегодня поп-арт - один из самых узнаваемых видов искусства.

Что такое поп-арт?

Поп-арт - это движение, возникшее в середине 20-го века, когда художники включали в свои работы обычные предметы - комиксы, консервные банки, газеты и многое другое. Движение поп-арт было направлено на укрепление идеи о том, что искусство может черпать из любого источника, и нет никакой иерархии культуры, которая могла бы этому помешать.

Краткая история поп-арта

Антонио Каро, «Колумбия», 1977 г. Продано за 10 000 долларов через Phillips (май 2014 г.).

Поп-арт возник в середине 1950-х годов в Великобритании группой художников, скульпторов, писателей и критиков под названием «Независимая группа». Вскоре он распространился в Соединенных Штатах. Большая часть корней движения возникла в результате культурной революции, возглавляемой активистами, мыслителями и художниками, которые стремились реструктурировать социальный порядок, управляемый конформизмом. Движение быстро распространилось, и многие считают, что У.Пионер К. поп-музыки Ричард Гамильтон, коллаж 1956 года Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? год стал официальным началом культурного феномена после того, как он появился в лондонской галерее Уайтчепел.

Гамильтон описал характеристики движения следующим образом: «Поп-арт - это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный (легко забываемый), дешевый, массовый, молодой (ориентированный на молодежь), остроумный. , Сексуальный, бесподобный, гламурный, крупный бизнес.«После того, как движение ворвалось на сцену в Соединенных Штатах, оно быстро распространилось по всему миру и продолжает оказывать влияние на изобразительное искусство и популярную культуру сегодня.

Характеристики поп-арта

Кусама Яёи, «Шляпа», 1929 г. Продано за 100 000 йен на аукционе Est-Ouest Auctions Co., Ltd (июль 2009 г.).

Поп-арт легко узнаваем благодаря его яркости и уникальным характеристикам, которые присутствуют во многих из самых знаковых произведений этого движения. Ниже приведены некоторые из определяющих характеристик поп-арта:

  • Узнаваемые образы: В поп-арт использовались изображения и значки из популярных СМИ и товаров.Сюда входили коммерческие товары, такие как консервные банки, дорожные знаки, фотографии знаменитостей, газеты и другие предметы, популярные в коммерческом мире. Были включены даже торговые марки и логотипы.
  • Яркие цвета: Поп-арт отличается яркими яркими красками. Основные цвета - красный, желтый и синий - были заметными пигментами, которые использовались во многих известных работах, особенно в работе Роя Лихтенштейна.
  • Ирония и сатира: Юмор был одной из основных составляющих поп-арта.Художники используют предмет, чтобы заявить о текущих событиях, высмеять причуды и бросить вызов статус-кво.
  • Инновационные методы: Многие художники поп-музыки занимались гравюрой, что позволяло им быстро воспроизводить изображения в больших количествах. Энди Уорхол использовал шелкографию - процесс, посредством которого чернила переносятся на бумагу или холст через сетку с трафаретом. Рой Лихтенштейн использовал литографию или печать с металлической пластины или камня, чтобы добиться своего фирменного визуального стиля.Поп-художники часто брали образы из других областей основной культуры и включали их в свои произведения искусства в измененном или исходном виде. Этот тип искусства присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить разделение между высоким и низким искусством, которое отделяло рекламу и медиа от изобразительного искусства.
  • Смешанная техника и коллаж: Поп-художники часто смешивали материалы и использовали различные типы средств массовой информации. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы предвосхитили движение поп-арта, художники Том Вессельманн и Ричард Гамильтон объединили, казалось бы, разрозненные образы в одно полотно, чтобы создать совершенно современную форму повествования.Точно так же Марисоль известен скульптурами, в которых для изображения фигур используются самые разные материалы.

Поп-артисты, определившие движение

Энди Уорхол

Энди Уорхол. Продано на аукционе Sotheby’s за 17 327 500 долларов (май 1998 г.).

Имя Энди Уорхола стало синонимом американского поп-арта. Работы Уорхола олицетворяют многие аспекты движения, такие как одержимость знаменитостями, повторение изображений и использование рекламы в качестве темы.Его самые известные серии включают «Банки с супом Кэмпбелла», изображения Жаклин Кеннеди Онассис и «Смерть и катастрофа». Уорхол сотрудничал с такими артистами, как Жан-Мишель Баския, и коммерческими брендами, такими как Perrier. В конце концов он открыл студию художника под названием «Фабрика», которая служила мастерской для творчества Уорхола, а также местом встречи богемы.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн, «Нога и рука» (1964). Продано за 14000 долларов на аукционе Dane Fine Art Auctions (август 2018 г.).

Другой культовый американский поп-исполнитель - Рой Лихтенштейн. Характерный стиль Лихтенштейна, известного своим использованием основных цветов и смелых очертаний, отсылает к комиксам, из которых он заимствовал большую часть своих ранних исходных материалов. Даже в более поздних сериях работ Лихтенштейн использовал точки Бен-Дея, чтобы вызвать комический стиль в своих полотнах и скульптурах. Подобно Уорхолу и Лихтенштейну, Эд Руша и Джеймс Розенквист взяли темы из печатных СМИ, чтобы создать риффы на вывесках, которые олицетворяли культурный дух времени.

Роберт Раушенберг

Раушенберг радикально смешал материалы и методы для создания замечательных коллажей в стиле поп-арт, в которые были включены популярные образы того периода времени, в который он существовал. Одна из его самых известных работ, Retroactive II , созданная в 1964 году, представляла собой изображение на шелкографии, на котором был изображен портрет Джона Ф. Кеннеди и астронавта НАСА, среди других изображений, смешанных и перекомпонованных интересным образом.

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни помог стать пионером британского поп-арта в 1960-х годах, создавая полуабстрактные картины и экспериментируя с широким спектром средств массовой информации.Его работа 1967 года « A Bigger Splash » была одной из множества картин в стиле поп-арт, сосредоточенных вокруг бассейнов, очарование, которое возросло после того, как он переехал в Калифорнию и осознал непринужденный, чувственный образ жизни жителей этого района.

Женщины-поп-исполнители

Эвелин Аксель, «La directrice aux fruit», 1972 г. Продано за 50 000 евро через Cornette de Saint-Cyr-Bruxelles (декабрь 2016 г.).

Женщины-поп-исполнители часто исключаются из традиционного повествования движения, но многие из них играли ключевую роль на протяжении всей своей карьеры.Драматург и авангардистка Розалин Дрекслер, концептуалист и поп-художник Марисоль и бельгийская художница Эвелин Аксель внесли свой вклад в успех поп-движения. Сегодня все больше женщин-поп-исполнителей участвуют в музейных выставках и аукционах благодаря этим первопроходцам.

Факты о поп-арте

  • Первое произведение поп-арта было создано шотландским художником Эдуардо Паолоцци в 1952 году. Это был коллаж из журналов под названием «Я был игрушкой для богатых» .
  • Поп-арт изначально назывался пропагандистским искусством.
  • Энди Уорхол разработал культовую обложку для дебютного альбома The Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico.
  • The Souper Dress, одноразовая одежда, вдохновленная серией Уорхола Campbell’s Soup Can , была произведена Campbell Soup Company в 1966–67.
  • Использование найденных предметов и изображений в поп-арте восходит к движению Дада в начале 1900-х годов.
  • Художники, такие как Джефф Кунс и Клас Ольденбург, высмеивали повседневные предметы, изображая их в монументальных пропорциях.Знаменитые предметы Ольденбурга включают гигантские шарики для мороженого, ложки, прищепки и многое другое.
  • Самым дорогим из когда-либо проданных Уорхолом был Silver Car Crash (Double Disaster) , созданный им в 1963 году. Он был продан за 105 миллионов долларов в 2013 году.

Поп-арт распространился практически по всем слоям общества, сначала благодаря сотрудничеству художников в области дизайна и музыки, а затем, когда новые поколения художников были вдохновлены стилем середины века. В 80-е годы некоторые художники-постмодернисты работали под лозунгом «Нео-поп.Эти художники, в том числе Джефф Кунс, продолжали брать предметы из повседневной жизни и включать их в свои произведения искусства.

Сегодня мантию поп-арта подхватывают такие художники, как японский феномен Такаши Мураками. Мураками придумал термин «суперплоскость» для описания своего искусства, которое относится к его графическому характеру, вдохновленному аниме, поп-культурой и потреблением. Кроме того, уличные художники, такие как Бэнкси, испытали влияние наследия поп-арта, используя трафареты и графический дизайн для достижения аналогичной эстетики в своих работах.

Поскольку поп-арт почти идеально имитирует те аспекты общества, на которые он реагирует, его влияние на культуру в Соединенных Штатах и ​​за их пределами на данный момент неизмеримо.

Источники : Художественная история | Тейт | Моя современная встреча | МоМа | Британская энциклопедия | Искусство сердечное

Поп-арт пресс


ПопАрт

PopArt - это искусство, в котором обычные предметы и изображения, такие как автомобили, консервные банки, электроприборы, мультяшные ленты, используются как предметы художественного сочинение.Популяризированный такими, теперь уже печально известными художниками, как Рой Лихтенштейн, Энди Уорхол и Клаус Ольденбург, поп-арт был художественным и культурным движением в Америке и Великобритании в конце 1950-х годов. и 60-е гг. Хотя легко и часто игнорируется (как современно, так и исторически) как антиэстетический, чрезмерно коммерческий, сенсационный и даже вульгарный, поп-арт был мощный провокатор исторических художественных движений и поучительный для будущего в свое видение искусства.



Исторический Перспектива

Поп-арт несомненно уходит корнями в традиции Реализм, эстетика, отказавшаяся от идеализации предмета в пользу предмета материя взята из обыденного, повседневного.По словам Гюстава Курбе, поборник реалистической перспективы "для художника практика искусства должна включать использование его способностей на идеях и объектах период, в котором он живет »(Бритт). И действительно, в центре внимания поп-артистов предметы под рукой, изображения средств массовой информации - телевидения, кино, иллюстрированных журналов, рекламные щиты и т. д. Гамбургеры, спагетти, кока-кола - плодовитые образы в искусстве эпоха.



Дада


Поп-арт скрытно связан с художественным творчеством начала ХХ века. движение, известное как дадаизм.И дадаизм, и поп-арт развивались отчасти, чтобы противостоять статус-кво. противопоставление устоявшемуся «высокому искусству» своего времени. Дадаисты восстали в реакция на буржуазное общество довоенного общества. Общество, чье «гнилость» проявилась для дадаистов в разрушительной природе Мира. Война I. Полагая, что традиционный художник был всего лишь опорой элиты, оплачиваемый марионетки для сильных мира сего, дадаисты отменили статус-кво, создав искусство, которое антиэстетический.В одном из своих многочисленных манифестов дадаисты провозгласили, что «искусство имеет стать обесценившейся валютой - дело знатока, чей вкус был просто зависит от привычки "(Бритт). Они продвигали искусство" не художниками, а просто мужчины »(Бритт). Марсель Дюшан, лидер движения Дада, первым продвигал идею «готового» объект, напрашивается вопрос о том, определяет ли простое прикосновение художника объект как произведение искусства. «Готовые» объекты, такие как велосипедное колесо Дюшана 191 3, явно предшественник поп-арта 1960-х гг.
Попытка стереть границы между высоким и низким искусством очевидна в как движения дадаизма, так и поп-арта. Оба движения изменяют движение от предписывающая эстетика описательной эстетике.






Реакция на абстрактного экспрессионизма



Поп-арт также во многих отношениях был реакцией на абстрактное Экспрессионизм, доминирующее художественное направление в Соединенных Штатах в 1950-х годах.В очень выразительная мотивация и спонтанная техника таких абстрактных экспрессионистов поскольку Джексон Поллок и Ханс Хоффман находятся в решительной оппозиции обезличенному, объективированное произведение эстрадного артиста. Подчеркивая концепцию реального мира в опредмеченное изображение, такое как банка супа, поп-арт прямо опровергает эмоциональное содержание такие рисунки без рисунка, как Blue Poles Джексона Поллока. К противоположным полюсам эти доходят два движения. Абстрактные экспрессионисты глубоко погружаются в личное, индивидуальная психика, в то время как Поп-артист смотрит на объекты мира.






релевантности поп-арта

Поп-арт во многих смыслах продолжил работу таких антиэстетических традиций, как реализм и дадаизм, продолжая традиция, даже несмотря на жанровые границы, от таких движений, как Бертольд Брехт эпический театр (то есть теория Брехта относительно Verfremdungseffekt -alienation эффект).Рассмотрим эффект повторения изображений Мэрилин Монро Энди Уорхола и поверх холста, покрытого шелкографией, или его цветные коровы, покрывающие всю стену; в эффект поразительный, отталкивающий. Зритель не может игнорировать абсурдность повторения изображения, это изменяет видение зрителем объекта под рукой. Это ставит под сомнение то, что что ранее было принято, ожидаемо. Поп-арт не только противоречит традициям прошлого. движение 1960-х годов впервые предлагает своим слушателям новый способ увидеть мир, новый способ анализа, в то время как играет с обыденным, урбанистическим образом СМИ культура.Актуальным является именно это новое видение. Как изучающие литературу мы может применить это новаторское видение к анализу литературы, расширяя наше видение на Включите то, что на первый взгляд кажется банальным и банальным, Trash. Мы можем играть с современными изображениями и иконами, открывающими, что скрывается за поверхностной банальностью, кажущаяся мелочь. И тем самым мы не можем не отчуждаться от этого авторитетный голос, предписывающий, а не описывающий значение искусства.



Ресурсы

Интернет Сайтов

http://www.ibiblio.org/wm/paint/tl/20th/pop-art.html
WebMusuem Paris
На сайте представлена ​​общая информация о поп-арте с биографиями и обширным списком поп-артов. художники.


http://www.clpgh.org/warhol/tour/tour/touroz.htm
Музей Энди Уорхола
Сайт предлагает виртуальную пешеходную экскурсию по музею Уорхола в Питтсбурге, штат Пенсильвания. Musuem также есть ресурсы, фильмы Уорхола и парафанелия.
** Представляет общий интерес.

http://adbusters.org
Веб-сайт для Adbusters Magazine
Сайт предоставляет критику рекламы и рекламной индустрии.
** Представляет интерес для учителей средней школы.
(Примечание.Рекламные агенты считают, что рекламная индустрия развращает / вымогает / извращает культурные ценности. архетипы.)

Статьи

Artforum , Summer’99, v.37,10,150 (2). Нанесение вреда: Дада вторгается в новые York.
Хорошее обсуждение трэш-арта, вариация на тему поп-арта, как практиковали Марсель Дюшан и Джозеф Корнелл: «Вы должны серьезно относиться к мусору, повторять ежедневный половой акт любого человека с отказом и отказом: отброшенные мысли, идеи, брошенная любовь и предметы, свалка реальности (150).«

Английский журнал в области образования . т.86, н8, стр.24-28. Бивис и Баттхед: еще двое Белые самцы для Canon от Джона Скретты
Интересное обсуждение ценности использования популярного телевидения программирование для обсуждения в классе.

Журнал эстетики и художественной критики Sp.’99,161 (1). Секретные материалы, эстетика и политика поста Дугласа Келлнер.
Активное обсуждение зарождающегося модернизма (смешанные жанры, новаторский эстетики и новых идеологий) в популярный телесериал Секретные материалы .

Журнал кино и видео. Sum'97, т.49, №1-2, с.52-65. Канон и культура Исследования: культура и иерархия в Готэм-сити Геррика Дебоны.
Аллегорический этюд к фильму Бэтмен , разоблачающий злодеев и жертвы канона.

Книги

Уайтинг, Сесиль. Вкус к поп-музыке: искусство, гендер и культура потребления. Кембридж Исследования в американской визуальной культуре. Кембридж: Издательство Кембриджского университета, 1997.
Интригующая книга, в которой представлены популярные дизайны продуктов, которые мы покупаем. мужские связи с бритвами Lady Schick.

Источники

Бритт, Дэвид.Современное искусство: от до импрессионизма Постмодернизм . Thames and Hudson Ltd.: Лондон, 1974.

Лихтенштейн, Рой. Рой Лихтенштейн: Рисунки и гравюры . Chelsea House Pulishers: Нью-Йорк, 1969.

Ливингстон, Марко. Поп-арт: продолжение История . Harry H. Abrams Inc.: Нью-Йорк 1990.







Сеть испытаний по профилактике ВИЧ

HPTN 071 - Эффекты антиретровирусной терапии для снижения передачи ВИЧ среди населения (PopART) исследовала влияние пакета мер по профилактике ВИЧ на заболеваемость ВИЧ на уровне сообществ.Профилактические мероприятия включали всеобщее добровольное консультирование и тестирование на ВИЧ, предоставляемые на уровне домохозяйства, привязку ВИЧ-инфицированных к уходу и раннее начало антиретровирусной терапии (АРТ) для всех, кто получил положительный результат теста на ВИЧ. Исследование проводилось в 21 общине в Западной Капской провинции Южной Африки и в Замбии.

Двадцать одно (21) городское и пригородное сообщество в Замбии и Южной Африке с общим населением около 1 миллиона человек приняло участие в этом исследовании.Чтобы измерить влияние вмешательства, когорта исследования под названием «Популяционная когорта», состоящая из выборки из примерно 2300 взрослых в возрасте от 18 до 44 лет, была отобрана из общей популяции в каждом из 21 сообщества (всего 48 302 человека во всех населенных пунктах). сообщества), и наблюдение проводилось раз в год в течение трех лет для измерения заболеваемости ВИЧ и других результатов.

Почему было проведено исследование?

Уровень заболеваемости ВИЧ остается на очень высоком уровне во многих частях юга Африки.Необходимы более эффективные стратегии профилактики, чтобы резко сократить количество новых случаев заражения ВИЧ и обеспечить возможность оказания помощи всем людям, живущим с ВИЧ. Результаты исследования HPTN 071 (PopART) помогут информировать о расширении масштабов будущих программ по борьбе с ВИЧ и определить экономически эффективные вмешательства.

Каков был дизайн исследования?

Всего в испытании HPTN 071 (PopART) участвовала 21 община, 12 - в Замбии и девять - в Южной Африке. В Замбии 12 общин были разделены на четыре одинаковых «тройки» по три общины в каждой.Тройки были составлены из сообществ, которые были сопоставлены, поэтому все три имели одинаковую оценку распространенности ВИЧ, чтобы минимизировать вариабельность в исходной заболеваемости ВИЧ в тройке. Затем сообщества в каждой тройке были случайным образом распределены по трем группам исследования: A, B и C. Тот же процесс был повторен для девяти сообществ в Южной Африке. В обеих странах группа A получила полный пакет комбинированной профилактики ВИЧ от PopART, включая предложение универсальной АРТ, группа B получила пакет PopART, но АРТ предлагалась только тем, кто имеет на нее право в соответствии с национальными руководящими принципами, а в группе C в сообществах не было домохозяйств. вмешательство, но может получить доступ к услугам по тестированию и лечению ВИЧ в соответствии с национальными руководящими принципами.

Каковы были цели исследования?

Первичным результатом исследования была заболеваемость ВИЧ в период между 12 и 36 месяцами среди членов когорты населения, которые были ВИЧ-отрицательными на исходном уровне, при сравнении заболеваемости ВИЧ в группах вмешательства и стандарта медицинской помощи (A против C и B против C). . Это позволило измерить эффективность вмешательства PopART на популяционном уровне. Данные для исследования второстепенных задач были взяты из данных когорты населения, а также из данных местных поставщиков услуг по уходу за ВИЧ (CHiP), медицинских центров и исследований в области социальных наук.Эти цели оценивают влияние вмешательства на несколько дополнительных переменных, в том числе:

  • Заболеваемость ВИЧ за каждый год наблюдения
  • АРТ (употребление наркотиков) и подавление вируса
  • Развитие и смерть ВИЧ-инфекции
  • Принятие тестирования на ВИЧ и повторного тестирования
  • Заболеваемость туберкулезом
  • Распространение медицинского обрезания мужчин среди ВИЧ-неинфицированных мужчин

Что было включено в интервенцию PopART в Arms A и B?

Пакет комбинированной профилактики ВИЧ PopART в группах A и B был доставлен в каждое исследуемое сообщество местными поставщиками услуг по уходу за ВИЧ (CHiP).Это были специально обученные вожатые-непрофессионалы, работавшие парами. Каждая пара отвечала за предоставление услуг в зоне, состоящей примерно из 500 домашних хозяйств. CHiP было поручено посещать каждое домохозяйство не реже одного раза в год на протяжении всего испытания и предоставлять следующие услуги:

  • Ежегодное консультирование и тестирование на ВИЧ на дому
  • Как помочь людям с ВИЧ получить медицинскую помощь в местном центре здоровья
  • Последующие посещения клиентов, живущих с ВИЧ, чтобы убедиться, что они подключены к медицинской помощи и поддержать приверженность АРТ
  • Содействие добровольному медицинскому обрезанию мужчин для мужчин с отрицательным результатом теста на ВИЧ
  • Продвижение услуг по профилактике передачи инфекции от матери ребенку (ППМР) беременным женщинам, живущим с ВИЧ
  • Направление на лечение инфекций, передающихся половым путем
  • Раздача презервативов по месту жительства
  • Обследование и направление на туберкулез (ТБ)

Как дизайн исследования менялся с течением времени?

Помощь при ВИЧ и АРТ были предоставлены в местной государственной клинике, обслуживающей это сообщество.В группе А всем клиентам, живущим с ВИЧ, была предложена АРТ независимо от числа лимфоцитов CD4 или клинической стадии. В группе B АРТ была начата в соответствии с национальными рекомендациями. Первоначально это было при количестве CD4 350, затем оно изменилось до 500, а в 2016 году, после изменения рекомендаций Всемирной организации здравоохранения (ВОЗ), АРТ была предложена всем клиентам, живущим с ВИЧ, как в группе A.

Даты, указанные для начала универсальной АРТ (т. Е. АРТ независимо от количества клеток CD4 у пациента или стадии по классификации ВОЗ), относятся к тому, когда это было внедрено в исследуемых клиниках в соответствующих странах.В Замбии первая исследовательская клиника перешла 19 апреля 2016 года, а последняя - 9 мая 2016 года. Этот переход представлен на рисунке темно-фиолетовой полосой. В Южной Африке первые исследовательские клиники перешли 10 октября 2016 г., а последние - 21 ноября 2016 г., период, представленный на рисунке темно-фиолетовой полосой. Исследовательский персонал, персонал клиник и партнеры-исполнители работали над тем, чтобы учебные клиники внедрили новую политику, как только это позволят внутренние инструкции и логистика, например обучение персонала.Таким образом, переход на универсальную АРТ в исследуемых клиниках часто предшествовал переходу в соседних общинах.

Каковы были основные выводы исследования HPTN 071 (PopART)?

Результаты исследования HPTN 071 (PopART) показывают, что реализация стратегии профилактики ВИЧ, которая включает предложение тестирования на ВИЧ для всех, с немедленным обращением к специалистам по лечению ВИЧ и лечением людей, живущих с ВИЧ, на основе действующих в стране руководящих принципов, может значительно снизить количество новых случаев ВИЧ. инфекции.В группе исследования, где вмешательство PopART включало лечение ВИЧ в соответствии с национальными руководящими принципами (Группа B), заболеваемость ВИЧ снизилась на 30 процентов по сравнению со стандартными сообществами по оказанию помощи (Группа C), что является статистически значимым улучшением. В обеих группах вмешательства (A и B) были достигнуты первые две из целей ЮНЭЙДС 90-90-90 (в отношении знания о ВИЧ-статусе и прохождения лечения) и достигнуты высокие показатели подавления вируса. В группе исследования, где вмешательство PopART включало предложение универсальной АРТ еще до того, как это стало национальной политикой (группа А), заболеваемость снизилась только на семь процентов по сравнению с группой стандартной помощи, и это не было статистически значимым.Отсутствие явного эффекта в группе А было неожиданным и не объяснялось наблюдаемыми темпами подавления вирусной нагрузки. Дальнейший анализ, проводимый в настоящее время, может помочь объяснить этот вывод. Эти результаты, уточненные дальнейшим анализом и в сочетании с результатами других испытаний универсального тестирования и лечения, помогут директивным органам понять, как лучше всего использовать тестирование на ВИЧ на уровне сообществ и связь с медицинской помощью для достижения контроля над ВИЧ. Отдельно прогнозы на основе математического моделирования и анализа экономической эффективности были представлены на 10-й Международной конференции общества СПИДа по науке о ВИЧ в Мехико (IAS 2019).Исследователи обнаружили, что продолжение тестирования на ВИЧ в сообществе и быстрое начало лечения, как это предусмотрено в исследовании, могут привести к значительному сокращению новых случаев ВИЧ, быть рентабельными и помочь в достижении целей ЮНЭЙДС на период до 2030 года.

Чем HPTN 071 (PopART) отличался от других испытаний UTT?

HPTN071 (PopART) отличался от других испытаний следующим образом:

1. Сообщества PopART были крупными городскими или пригородными сообществами, тогда как другие испытания проводились в небольших сельских сообществах.

2. Заболеваемость ВИЧ измерялась в отдельно набранной когорте населения в PopART и Ya Tsie / BCPP, а в TasP и SEARCH заболеваемость измерялась в рамках вмешательства.

3. В PopART и Ya Tsie / BCPP контрольные сообщества не получали никаких дополнительных вмешательств, помимо текущих стандартов ухода, в то время как SEARCH и TasP контрольные сообщества получали расширенные услуги в связи с ВИЧ в масштабах всего сообщества, особенно в отношении тестирования на ВИЧ и связи с уходом, вероятно, это объясняется отсутствием наблюдаемой разницы между вмешивающейся и контрольной группами.

Какие дополнительные анализы исследования HPTN 071 (PopART) находятся в стадии реализации?

Исследователи

HPTN 071 (PopART) в настоящее время изучают влияние вмешательств на другие результаты исследования, включая заболеваемость вирусом простого герпеса 2, туберкулез и стигму, связанную с ВИЧ.

Кластерное рандомизированное исследование с тремя группами с участием 21 сообщества (оригинальный дизайн исследования

, поп-арт. TASCHEN Books

Сюжеты Pop Art лежат в банальных и обыденных предметах , которые нас окружают; суповые банки и комиксы, кинозвезды и заправочные станции.Охватывая период с середины 1950-х годов и продолжающийся до наших дней, движение поп-арта бросило вызов самим основам изящного и «высокого» искусства. Созданные из «поп-музыки» в массовой культуре, произведения искусства этой эпохи использовали в качестве материала массовую культуру, , ставили под сомнение роль художника и применяли методы, связанные с методами механического воспроизведения.

Поп-арт возник как реакция на идеи абстрактного экспрессионизма, которые отдавали предпочтение субъективному опыту и подчеркивали уникальный подход отдельного художника.Вместо этого поп-художники создавали произведения, которые отрицали возможность оригинальности, и во многих случаях были копиями или сериями повторов, например, шелкография Энди Уорхола с изображением Мэрилин Монро или Плачущая девушка Роя Лихтенштейна, симулякра иллюстрации из комиксов . В произведениях искусства использовались реклама, журналы, знаменитости, маркировка, логотипы, найденные изображения и объекты, а также типографика коммерческого графического дизайна. Поп-арт также можно идентифицировать по характеристикам иронии, китч и стилизации, что делает его отчетливо выраженным постмодернистским движением .

Будь то глянцевые копии или фрагментированные повествования, поп-артисты, такие как Кейт Харинг, Джефф Кунс, Ричард Гамильтон, Клас Ольденбург, Эд Руша, Роберт Индиана, Джаспер Джонс и Билли Эппл, создали самые разные работы. TASCHEN отражает широту популярности в книгах , адресованных группе в целом, а также в книгах серии Basic Art Series о выдающихся художниках. Многие из книг TASCHEN связаны с наследием поп-арта, как, например, обложка Аллена Джонса для монографии Наоми Кэмпбелл или SUMO Дэвида Хокни.Отмечая середину искусства XX века , Pop продолжает помогать нам понять мир, в котором мы живем, - мир, в котором границы искусства и жизни продолжают стираться.

История поп-арта (1950-1970-е годы)

Поп-арт зародился в Великобритании в середине 1950-х годов. Это было детище нескольких молодых художников-подрывников - как это обычно бывает в современном искусстве. Первое применение термина «поп-арт» произошло во время дискуссий между художниками, которые называли себя Независимой группой (IG), которая входила в состав Института современного искусства в Лондоне, начавшихся примерно в 1952–53.

Поп-арт ценит популярную культуру или то, что мы также называем «материальной культурой». Он не критикует последствия материализма и потребительства; он просто признает свое повсеместное присутствие как естественный факт.

Приобретение потребительских товаров, реагирование на умную рекламу и создание более эффективных форм массовой коммуникации (в то время: фильмы, телевидение, газеты и журналы) стимулировали энергию среди молодых людей, родившихся в послевоенное поколение.Восстав против эзотерической лексики абстрактного искусства, они хотели выразить свой оптимизм молодым визуальным языком, отвечая на столько лишений и лишений. Поп-арт стал символом единого поколения покупателей.

Как долго длилось движение?

Движение было официально названо британским искусствоведом Лоуренсом Аллоуэем в статье 1958 года под названием «Искусство и средства массовой информации». Учебники по истории искусства часто утверждают, что коллаж «» британского художника Ричарда Гамильтона «Что именно делает современный дом таким необычным и таким привлекательным?» (1956) сигнализирует о появлении поп-арта.Коллаж появился на выставке This Is Tomorrow в Художественной галерее Уайтчепел в 1956 году, поэтому мы можем сказать, что это произведение искусства и эта выставка знаменуют официальное начало движения, хотя художники работали над темами поп-арта ранее в своих карьеры.

Поп-арт, по большей части, завершил движение модернизма в начале 1970-х с его оптимистическими инвестициями в современные темы. Он также положил конец движению модернизма, подняв зеркало современного общества.Как только постмодернистское поколение пристально и долго смотрело в зеркало, неуверенность в себе взяла верх, и праздничная атмосфера поп-арта исчезла.

Ключевые характеристики поп-арта

Есть несколько легко узнаваемых характеристик, которые арт-критики используют для определения поп-арта:

  • Узнаваемые изображения, взятые из популярных СМИ и продуктов.
  • Обычно очень яркие цвета.
  • Плоские изображения под влиянием комиксов и газетных фотографий.
  • Изображения знаменитостей или вымышленных персонажей в комиксах, рекламных объявлениях и журналах для поклонников.
  • В скульптуре - новаторское использование медиа.

Исторический прецедент

Интеграция изобразительного искусства и массовой культуры (таких как рекламные щиты, упаковка и печатная реклама) началась задолго до 1950-х годов. В 1855 году французский художник-реалист Гюстав Курбе символически потакал народным вкусам, включив позу из недорогой серии гравюр под названием Imagerie d’Épinal. В этой чрезвычайно популярной серии были представлены ярко раскрашенные морализаторские сцены, придуманные французским иллюстратором (и его соперником в искусстве) Жаном-Шарлем Пеллереном (1756–1836). Каждый школьник знал эти картины уличной жизни, военных и легендарных персонажей. Уловил ли средний класс дрейф Курбе? Может, и нет, но Курбе было все равно. Он знал, что вторгся в «высокое искусство» с «низким» видом искусства.

Испанский художник Пабло Пикассо использовал ту же стратегию. Он пошутил о нашей любви к покупкам, создав женщину из лейбла и рекламы из универмага Bon Marché.Хотя Au Bon Marché (1913) не может считаться первым коллажем в стиле поп-арт, он, безусловно, посеял семена движения.

Корни в Дада

Пионер дадаизма Марсель Дюшан продвинул потребительскую уловку Пикассо, представив на выставке реальные объекты массового производства: стеллаж для бутылок, лопату для снега, писсуар (вверх ногами). Он назвал эти объекты Ready-Mades, анти-художественным выражением, принадлежащим движению Дада.

Нео-дада, или ранний поп-арт

Ранние исполнители поп-музыки последовали примеру Дюшана в 1950-х годах, вернувшись к образам в период расцвета абстрактного экспрессионизма и намеренно выбрав «небрежные» популярные образы.Они также включали или воспроизводили трехмерные объекты. Пивные банки Джаспера Джонса (1960) и Роберта Раушенберга Кровать (1955) - два примера. В годы становления это произведение называлось «Неодада». Сегодня мы можем назвать это пре-поп-артом или ранним поп-артом.

Британский поп-арт

Независимая группа (Институт современного искусства)

  • Ричард Гамильтон
  • Эдуардо Паолоцци
  • Питер Блейк
  • Джон Макхейл
  • Лоуренс Аллоуэй
  • Питер Рейнер Бэнхэм
  • Ричард Смит
  • Джон Томпсон

Юные современники (Королевский художественный колледж)

  • р.Б. Китайж
  • Питер Филипс
  • Билли Эппл (Барри Бейтс)
  • Дерек Бошир
  • Патрик Кэнфилд
  • Дэвид Хокни
  • Аллен Джонс
  • Норман Тойнтон

Американский поп-арт

Энди Уорхол разбирался в покупках и понимал очарование знаменитостей. Вместе эти навязчивые идеи после Второй мировой войны стали двигателем экономики. От торговых центров до People Magazine - Уорхол запечатлел подлинную американскую эстетику: упаковку продуктов и людей.Это было проницательное наблюдение. Правило публичное выступление, и каждый хотел своих пятнадцати минут славы.

Нью-Йорк Поп-арт

  • Рой Лихтенштейн
  • Энди Уорхол
  • Роберт Индиана
  • Джордж Брехт
  • Марисол (Эскобар)
  • Том Вессельманн
  • Марджори Страйдер
  • Аллан Д'Арканджело
  • Ида Вебер
  • Клас Ольденберг - обычные продукты нечетные материалы
  • Джордж Сигал - белые гипсовые слепки тел в повседневной обстановке
  • Джеймс Розенквист - картины, похожие на рекламные коллажи
  • Розалин Дрекслер - звезды эстрады и современные издания.

Калифорния Поп-арт

  • Билли Аль Бенгстон
  • Эдвард Кинхольц
  • Уоллес Берман
  • Джон Уэсли
  • Джесс Коллинз
  • Ричард Петтибоун
  • Мел Ремос
  • Эдвард Руша
  • Уэйн Тибауд
  • Джо Гуд Вон Датч Холланд
  • Berlant
  • Виктор Дебрей
  • Филип Хеффертон
  • Роберт О'Дауд
  • Джеймс Гилл
  • Роберт Кунц

Источники

  • Аллоуэй, Лоуренс.«Искусство и СМИ». Архитектурное проектирование 28 (1958): 85-86.
  • Фрэнсис, Марк и Хэл Фостеры. « Pop ». Лондон и Нью-Йорк: Phaidon, 2010.
  • Липпард, Люси с Лоуренсом Аллоуэй, Николас Кала и Нэнси Мармер. « Поп-арт ». Лондон и Нью-Йорк: Темза и Гудзон, 1985.
  • Мэдофф, Стивен Генри, изд. « Поп-арт: критическая история ». Беркли: Калифорнийский университет, 1997.
  • Остервальд, Тильман. « Поп-арт ». Кельн, Германия: Taschen, 2007.
  • Райс, Шелли. «Назад в будущее: Джордж Кублер, Лоуренс Аллоуэй и сложное настоящее». Art Journal 68,4 (2009): 78-87. Распечатать.
  • Шапиро, Мейер. «Курбе и популярные образы: эссе о реализме и наивности». Журнал институтов Варбурга и Курто 4.3 / 4 (1941): 164-91.
  • Сук, Алистер.«Ричард Гамильтон и работа, создавшая поп-арт». Культура .

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*