Поп арт в искусстве: Художники по направлению: Поп-Арт — WikiArt.org

Содержание

Художники по направлению: Поп-Арт — WikiArt.org

направление

Поп-а́рт (англ. pop art, сокращение от popular art — популярное или естественное искусство) — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически, это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

Термин «поп-арт» впервые появился в прессе в статье английского критика Лоуренса Эллоуэя (англ.

Lawrence Alloway), в 1966 году Эллоуэй открыто признавался: «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня. Я использовал это слово наравне с термином „поп-культура“, чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не произведения искусства, для которых были использованы элементы этой „народной культуры“. В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом».

Первые «попартовские» работы создали три художника, учившиеся в лондонском Королевском художественном колледже — Питер Блейк, Джо Тилсон и Ричард Смит. Но первой работой, получившей статус иконы поп-арта, был коллаж Ричарда Гамильтона «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956)

Поп-арт приходит на смену абстрактному экспрессионизму, ориентируясь на новую образность, создаваемую средствами массовой информации и рекламой.

Поп-арт породил следующие направления в искусстве: оп-арт, кинетическое искусство, ситуативное искусство (англ. situation art)[источник не указан 2704 дня].

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, Хокни Дэвид.

Поп-арт неоднократно подвергался критике со стороны деятелей искусств и художественных критиков. 13 сентября 1962 года Нью-Йоркский музей современного искусства организовал симпозиум по поп-арту. В ходе развернувшейся дискуссии влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер (англ. Hilton Kramer) из газеты «The New York Times» высказал мнение, что по своей сути поп-арт «ничем не отличается от искусства рекламы». По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности». Критик настаивал на необходимости решительного противодействия поп-арту.

Присутствовавший на симпозиуме поэт, критик и лауреат Пулитцеровской премии Стэнли Кьюниц также неодобрительно отозвался о поп-арте, упрекая представителей этого художественного направления в стремлении угодить господствующему социальному классу: по словам поэта, они выражают «дух конформизма и буржуазии». Кроме того, Куниц высказал мысль, что поп-артовские «знаки, слоганы и приёмы происходят прямо из цитадели буржуазного общества, из бастиона, где формируются образы и потребности масс».

Марио Амайя (англ.)

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Поп-арт

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 11 660

Дэвид Хокни. Генpи Гельдцалep и Kpистoфeр Cкoтт. 1969. Хoлст, aкpилoвыe Кpaски. 2l3 х 305 см. Частнaя кoллeкция

Поп-арт — направление в изобразительном искусстве Западной Европы и США конца 1950—1960-х годов, возникшее как реакция отрицания на абстрактный экспрессионизм. В качестве основного предмета и образа поп-арт использовал образы продуктов потребления. Фактически это направление в искусстве подменило традиционное изобразительное творчество — на демонстрацию тех или иных объектов массовой культуры или вещественного мира.

Поп-арт появился в середине 1950-х годов в Британии, а в другой форме — в конце 1950-х годов в Соединенных Штатах . В этой стране поп-арт бросает вызов традициям, утверждая, что производство серийных предметов достигнет большого объема. Важно очень четко отличить английский поп-арт от своего американского брата. Действительно, британский поп-арт принимает более ироничный и даже пародийный характер и воспринимает американскую культуру с более критической точки зрения.

История происхождения термина имеет несколько версий. Эдуардо Паолоцци еще в 1947 году употребил

Рой Лихтенштейн. Барселонская голова

словечко «поп» в одном из своих коллажей. Художественный критик и писатель Лоуренс Эллоуэ, будущий хранитель в музее Гуггенхейма в Нью-Йорке, увидел в 1954 году обозначение «поп» на одной из картин художника Р.

Б. Китая и пустил его в оборот как новый, нарождающийся феномен. В 1956 году в коллаже Ричарда Гамильтона под названием «Так что же придает нашему современному дому такое разнообразие, такую привлекательность?» снова мелькнуло знакомое «поп». Видимо, сленговая частичка «поп» циркулировала инкогнито в качестве жаргонного в кругах художников, близких битникам, обозначая нечто рассчитанное на вкус широких кругов публики. Кроме того, по своему звучанию оно напоминало хлопок пробки.

У поп-арта были свои истоки в дадаизме, в циничном варианте экспрессионизма 20-х годов, в сюрреализме, отчаянно отстаивавшем свое существование в годы абстракционистической диктатуры, и в ряде более мелких движений. И все же появление поп-арта выглядело неожиданным; в нем самом и в его названии, представляющем собой ироническое сокращение слов „популярное искусство», заключалось нечто невиданное для его эстетических предшественников.

Ольденбург. Бельевая прищепка. 1976

Под знаменем антиэстстизма поп-арт выступил против абстракционизма и подобных ему эстетских течений. В произведениях, утрачивающих осмысленную образную структуру, обыденно-банальная предметная стихия, поднятая поп-артом, начинает самовольничать. Она то складывается в иррациональные причудливые комбинации, то является людям в виде ошеломляющих монстров, как в сооруженном работающим в США шведом К. Ольденбургом колоссальном монументе, имеющем вид бельевой прищепки (1976, Филадельфия). В фигурных композициях поп-арта стремление к предметной натуральности побуждает имитировать или прямо использовать слепки человеческих тел (Сезар Бальдачини во Франции. Дж. Сегал и Э.Кинхольц в США).

Поп-арт своими изделиями, равными самим себе, обозначил тенденцию, выходящую за пределы искусства.

Во-вторых, поп-арт ознаменовал собой невиданную ранее агрессию массовой культуры, вырвавшейся из темных закоулков буржуазного мира, распугавшей в респектабельных салонах

BMW M1, дизайн раскраски Уорхола

своими дикими гримасами элитарное герметичное искусство и во всеуслышание заявившей о себе в художественном мире. Поп-арт ввел в этот мир все, что несла в себе массовая культура, — ее „негативный демократизм», низводящий духовное начало искусства до примитивного грубо-чувственного уровня, люмпен-популяризацию искусства, превращающую его в вульгарное зрелище, и т.д., придав этим свойствам не развлекательное успокаивающее, а парадоксально-гротескное истолкование. Он поднял на смех „изящное искусство», отменив отношение к нему почтительно „всерьез» и вежливо „на вы». Изобразительный материал поп-арта превращает само искусство в явление потребительской обыденщины. Для поп-арта не существует загадок таланта, тайн творчества, искушенности мастерства художника; его произведения не предполагают усилий эстетического восприятия. Все это становится низменно элементарным. На художественных выставках „Новой фигуративности» стало можно выставлять любые бытовые вещи, кучи мусора, оттиски тела натурщицы, измазанной краской.

История

Чарльз Демут. Мой Египет, 1927

Хотя как британский, так и американский поп-арт появились в 1950-х годах, Марсель Дюшан и другие в Европе, такие как Фрэнсис Пикабиа и Ман Рэй, предшествовали движению; кроме того, были некоторые ранние американские протопоп-корни, в которых использовались культурные объекты «как найдено». В течение 1920-х годов американские художники Патрик Генри Брюс, Джеральд Мерфи, Чарльз Демут и Стюарт Дэвис создавали картины, которые содержали образы поп-культуры (обыденные предметы, взятые из американских коммерческих продуктов и рекламного дизайна), почти «предваряя» движение поп-арта.

Лоуренс Эллоуэй, англий­ский художественный критик, позднее переселившийся в Нью-Йорк, преуменьшает свою заслугу в создании этого термина. «Тогда я не вкладывал в это понятие тот смысл, который оно содержит сегодня Я использовал это слово наравне с термином «поп-культура», чтобы охарактеризовать продукты средств массовой информации, а не про­изведения искусства,

Марсель Дюшан. «Фонтан», 1917

для которых были использованы элементы этой «народной культуры». В любом случае понятие вошло в употребление где-то между зимой 1954/55 годов и 1957 годом». Он написал это в 1966 году — к тому времени поп-арт уже перерос маленькие выстав­ки в художественных вузах и крохотных частных галереях и вышел на орбиту современного искусства. Молодые английские архитекторы, писатели, художники и интеллектуалы, основавшие в лондонском Институте современного искусства (Institute of Contemporary Arts) так на­зываемую независимую группу (Independent Group), были первыми, кто продемонстрировал особенный интерес к броскому словарю средств массовой информации Тем не менее ареной наиболее ус­пешных выступлений поп-арта стали США. Точнее, Нью-Йорк, еще точнее — Манхэттен

Своего рода «стратегия денди» (высококультурное опровержение культурности) наличествует в знаменитой выставке английских поп-артистов под названием «This is Tomorrow», проходившей в лондонской галерее Уайтчепел в 1956 году, то

Ричард Гамильтон. Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?, 1956

есть еще за несколько лет до того, как американский поп-арт всерьез заявил о себе. Основная задача ее организаторов заключалась в том, чтобы подорвать привычную оппозицию высоких музейных ценностей, с одной стороны, и массовой культуры — с другой. Главный экспонент этой скандально знаменитой выставки, Ричард Хамилтон показал не картину, а инвайронмент, в котором сочетались позаимствованные из какого-то научного журнала диаграммы, репродукция с картины Ван Гога «Подсолнухи» и грубо написанные воспроизведения уличной кинорекламы с изображениями соблазнительных девиц и пошлых ужасов попсового кинематографа. Сам художник считал это произведение началом нового понимания искусства и расширения возможностей художественного восприятия.

Красивой картине конец, музейная живопись умерла, дурацкие восторги перед глубинами смысла и вершинами мастерства, якобы наличествующими в покрытых красками прямоугольных поверхностях, более не актуальны. Вот о чем приблизительно стремились сказать людям новые художники. Но насколько можно им верить? Тот же Ричард Хамилтон после выставки 1956 года принялся за писание замечательно красивых картин в духе иронического фотореализма. Сам принцип красивой картины отвергал, но картины писал, причем делал это тонко и красиво. И понимать этот факт можно каким угодно образом.

Критик Джермано Челант в конце 1960-х годов назвал новое итальянское искусство термином «арте повера»

Зигмар Польке. Польке как астронавт. 1968

— «бедное искусство». Под «бедностью» понималось примерно то самое, о чем тогда часто говорили на Западе, то есть отказ от богатств культуры, от прекрасного, разумного и доброго. Не осталось ничего этого. Сокровища культуры оболганы, изгажены, скомпрометированы и утратили доверие.

Примерно в том же духе думали «ситуационисты» во Франции. В эпоху тоталитаризма, идеологий, рыночных демократий, массовых коммуникаций и других фантасмагорий Новой истории не может быть таких вещей, как «шедевр», «картина», «гений», «музей». То есть все эти вещи вроде бы есть в жизни, но они существуют как механизм рынка, идеологии, обработки мозгов. Это ловушка. Свободный, подлинный художник не участвует в вакханалиях коллективного самоодурачивания.

С появле­нием поп-арта Париж, до сих пор задававший тон развитию мирового художественного процесса, уступил роль метрополии современного искусства Нью-Йорку. С этого времени именно в галереях и музеях Манхэттена стало приниматься ответственное решение, является ли художник международной величиной или ему придется довольство­ваться менее значительной известностью. Кроме того, поп-арт проя­вил себя как типично американское искусство — к недовольству многих покровителей современного искусства в США.

Роберт Индиана. Звезда. 1960-е

Оторвавшись от восточного побережья Америки, волна поп-арта вскоре захлестнула европейский континент, произведя сильный резонанс, в особенности в западной части разделенной Германии Влиятельные коллекционеры Федеративной Республики Германия либо целиком покупали американские поп-коллекции, либо сами составляли собственные собрания Они приобретали множество работ, стремясь успеть выставить их в авторитетных музеях перед удивленной общественностью до того, пока необычное художественное направление не будет представлено в галереях всей страны. Ахен, Дармштадт, города культурной провинции, а также Кёльн были теми местами, где нашумев­шие объекты получали музейное посвящение. Немецкие художники вскоре стали обращать на себя внимание дерзостью собственных работ Состоявшаяся в 1968 году выставка Documenta 4 принесла, наконец, художественное признание картинам, основанным на плоском цвете и простых формах, и скульптуре из дешевых материалов А Кассель (где проходила выставка) — небольшой северогессенский город

Ларри Риверс. История русской революции от Маркса до Маяковского. 1965

не­далеко от демаркационной линии между блоками держав Запада и Востока — превзошел Венецию с ее старой бьеннале, став наиболее престижной международной платформой самых многообещающих тенденций современного искусства. До сих пор, пожалуй, лучшее собрание поп-арта принадлежит европейским, а не американским музеям Оно находится сразу в нескольких государствах, однако объ­единено покровительством одних и тех же коллекционеров: Петера и Ирэны Людвиг.

Пожалуй, не случайно час рождения авангарда пробил в то же время, когда начала интенсивно развиваться современная журналистика. Одним из самых существенных последствий этого развития в отноше­нии искусства было появление профессии художественного критика, который больше не был художником и не должен был

Питер Блейк. Газета

иметь ни художе­ственного образования, ни художественного таланта. Заявления по-боевому настроенных художественных критиков, выступавших во многих газетах и журналах с решительными «за» и «против», позволи­ли установить связь с общественностью Отныне они представляли общественное мнение. Произошла важная перемена в структуре об­щества, основой которого стала буржуазия. Если раньше обществен­ное развитие регулировали неподвижные предписания аристократи­ческого «ancien reginne» (франц. — «прогнивший режим»), то теперь социальный и культурный климат определяло общение равных перед законом граждан Хотя художники-авангардисты никогда не стремились и не могли полностью

Яёи Кусама. Накопление № 1. 1962

отождествлять собственные устремления с ху­дожественными представлениями буржуазии, они функционировали в той культурной среде, которая, как ни парадоксально, развивалась тем интенсивнее, чем сильнее они выступали против ее предполагаемых оков.

Ведущие художники снова и снова простыми и понятными словами рассказывали о своих произведениях и воплотившихся в них идеях Однако они редко бывали услышаны. В трактовке их добровольных интерпретаторов, которые вскоре начали выдавать себя за экспертов, устремления художников всегда усложнялись, приобретали дополнительную значимость и таинственность, нежели в изложении самих художников. Поэтому подобные интерпретации усиливали влия­ние собственно художественного мира, пробуждая к нему необходимое внимание и позволяя ему стать предметом публичного обсуждения Иногда художники восставали против слишком уж скандальных и не­правильных толкований, воздерживаясь, однако, от более тщательных разбирательств, так как они понимали, что на самом деле такие толко­вания были им полезны.

Америка

Дэвид Хокни. Два сцепившихся мальчишки. 1961

Международную известность американскому поп-арту принесли такие художники, как Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн, Джаспер Джонс, Джеймс Розенквист, Том Вессельман, Клас Олденбург, Энди Уорхол, Хокни Дэвид.

Про Америку отдельно здесь.

Англия

Если в середине 1950-х годов актуальное искусство в Нью- Йорке стремится к объектности и в случае Джаспера Джонса выбирает в качестве своих сюжетов обыденные, бывшие в употреблении вещи (карманные фонарики, электролампочки и проч.), то в Европе интерес вызывает прежде всего рекламная упаковка американского «сегодня», поскольку ее начинают активно импортировать вместе с планом Маршалла, с планом реанимации европейской промышленности и покупательного спроса. Европа прежде самих предметов американского современного мира видит их рекламы. Эту тему первыми начинают исследовать художники и теоретики Лондонской независимой группы. В 1952-1954 годах группа проводит семинары, посвященные современному чувству жизни.

Рональд Китай. Пальма

Возникший под крышей Института современного искусства, где собиралась группа, британский поп- арт отличался от того современного искусства, которое пропагандировали Г. Рид и Р. Пенроуз, идеологи Института и участники сюрреалистического движения. Если Рид в качестве эталонных современных мастеров представлял сюрреалиста Г. Арпа и абстракциониста Б. Николсона, уже остывшее музейное искусство, то критик Лоуренс Аллоуэй, который стал идеологом нового направления, понимал современную визуальную культуру как бескрайний коллаж, включающий в себя не только музейные картины и скульптуры, но и новейший дизайн, рекламу, полиграфию и, конечно же, кино. В области дизайна особое значение придавали оформлению американских автомобилей, которые собирали на заводах в Детройте, и считанные экземпляры — подлинные предметы роскоши — в середине 1950-х годов ездили по дорогам Англии, а читающее население Европы следило за виражами новейших машин по автомобильным журналам.

Такое расширение формата искусства немедленно предоставило все преимущества печатной продукции как

Ричард Гамильтон. Моя Мэрилин. 1965

современному средству репрезентации, основанному прежде всего на фотографиях.

В 1953 году входившие в независимую группу художники Эдуардо Паолоцци, Найджел Хендерсон и архитекторы Питер и Алисон Смитсоны устроили выставку фотографий под названием «Параллель жизни и искусства», призванную продемонстрировать универсальную проникающую силу фототехники, которая способна зафиксировать фактуры жизни и искусства на макроуровнях аэрофотосъемки и на микроуровнях отпечатков пальцев, в глубоких исторических перспективах (удаленные от европейских центров памятники археологии) и на рубежах творчества XX века (картины Клее, Дюбюффе, Поллока). Следующие два года уходят на осознание эффекта, производимого фотографией и, в частности, новой массовой прессой. Результатом этой интеллектуальной работы становится другой знаменитый выставочный проект независимой группы — экспозиция «Это — завтра», показанная в 1956 году в галерее Whitechapel и состоявшая из двенадцати разделов.

Ричард Гамильтон. Стол. 1964

Наибольший исторический интерес представлял раздел самого популярного художника группы Ричарда Хэмильтона. Он устроил свою экспозицию наподобие инвайронмента (окружающей среды), что можно объяснить влиянием затейливо инсталлированных сюрреалистических выставок. Однако Хэмильтон оформил свой бокс не в стиле картины сюрреального сна, а по принципам современного дизайна для фойе кинотеатра. При входе располагались муляжи сразу двух культовых фигур новейшего кинематографа: соблазнительной Мэрилин Монро в платье, развевающемся от ветра из вентиляционной решетки, и Робби Робота с девушкой на руках, героя космической фантастики. Внутри экспонировался вошедший в историю коллаж «Что же делает наши дома такими особенными, такими привлекательными?» — первое стопроцентное произведение поп-арта, в котором фигурировало и слово «ПОП». Уже само название коллажа указывало на внимание к рекламным приемам соблазнения потенциального потребителя. Хэмильтон представляет широкий спектр привлекательных товаров — от баночной консервированной ветчины и последней модели пылесоса до спортивных фигур самих по себе. Внимание к рекламе и к особой ауре магазинных витрин художники проявляли и в 1910-1920-е годы. Хорошо известно, что и писсуар и велосипедное колесо перекочевали именно из витрин в экспозиционные пространства музеев благодаря М. Дюшану. Кроме того, его знаменитые роторельефы (вращающиеся круги с изображениями) являются ближайшими аналогами движущихся спиралей, которыми, судя по фильму «М», в 1920-е годы украшали витрины парфюмерных магазинов. Хэмильтон выбирает и монтирует актуальные предметы потребительского спроса, новейшие фетиши с таким же пристальным и отстраненным холодным интересом, как и Дюшан, следуя за гением сюрреализма даже в том, чтобы подставить современную

Ричард Гамильтон. Мечтаю о белом рождестве. 1967

тайшетскую абстракцию в качестве задника для модной вещи. Однако в сочетании с декорацией при входе — с гигантским роботом, зазывной улыбкой Мэрилин Монро и огромной муляжной бутылкой — холод и тонкая ирония Хэмильтона начинают отступать перед забытым духом футуризма, духом пафосной современности, в которой автомобиль динамичнее и прекраснее Ники Самофракийской, а рекламные речевки «Моссельпрома» обладают магической убедительностью настоящих стихов. Состояние сознания, которое передает британский поп-арт по Хэмильтону, работает тогда, когда автор продвигает себя как интеллектуальный продукт на массовый рынок, который он же и описывает, постоянно колеблясь между высокомерным ироническим восприятием и неподдельным восхищением тем, как рынок, анонимный коллективный криэйтор и мотор жизни, преуспел  в организации целого мира, тучного пастбища товаров и услуг. Перед нами подход еще не пользователя, а экспериментатора, испытателя, который исследует

Найджел Хендерсон. Head of a Man 1956 Nigel Henderson 1917-1985 Presented by Colin St John Wilson 1975 http://www.tate.org.uk/art/work/T01939

влекущий и опасный для его социального и культурного статуса соблазн. Свой коллаж Хэмильтон экспонирует рядом с открыткой «Подсолнухи». Знаменитая картина Ван Гога пользуется наибольшей популярностью у зрителей Лондонской национальной галереи, и открытка в музейном магазине расходится громадными тиражами. Хэмильтон первым символически фиксирует превращение модернистской живописи в мегахит, раскрученный путем циркуляции воспроизведений-симулякров.

Совершенно другую работу на этой же самой выставке представил Найджел Хендерсон. Он также использовал фотографию, но не рекламную, а множество чужих испорченных фотоотпечатков, склеив большой коллаж «Голова человека». Лицо футуризма по Хендерсону, созданное из отходов, как сюрреалистический Франкенштейн, не может не напугать своей

Найджел Хендерсон. Collage for ‘Patio and Pavilion’ (the growth of plant forms) 1956 Nigel Henderson 1917-1985 Presented by the Estate of Nigel Henderson 2010 http://www. tate.org.uk/art/work/T13304

бугристой ожоговой фактурой. Коллаж Хендерсона экспонировался в павильоне Смитсонов и Паолоцци, похожем на блиндаж, где на полу валялись старые вещи и мусор (ржавый велосипед, расплющенная труба), которые навели историка архитектуры и дизайна Райнера Бэнхэма, тогда впервые издавшего на английском манифест футуризма Ф. Т. Маринетти, на сравнение дизайна павильона с раскопками в зоне ядерной катастрофы. Среда в боксе Хэмильтона, наоборот, была насыщена фруктовым освежителем воздуха. Очевидно, что организаторы выставки «Это — завтра» неоднозначно относились к идеям футуризма. Можно сказать, что они относились к этим идеям антиномично и амбивалентно. С появлением амбивалентной позиции мировоззрения Йохан Хейзинга в 1935 году соотносит структурный кризис культурологического мышления модернизма, заключающийся в том, что мыслительный процесс вынужден «парить между двумя противоположностями, которые прежде считались взаимоисключающими, в результате чего оценочное суждение колеблется в выборе, как «Буриданов осел». Именно так оценивают современность творцы британского поп-арта в 1950-е годы, иронично предлагая лондонским зрителям два истинно модернистских современных пространства: фойе кинотеатра и бомбоубежище.

Британский поп-арт в его наиболее известном первом поколении остался в истории как один из примеров авангардного интереса к массовой культуре.

Франция

Ив Кляйн. Голубое соглашение. 1960

«Новый реализм» относится к художественному движению, основанному в 1960 году искусствоведом Пьером Рестани и художником Ивом Кляйном во время первой коллективной экспозиции в галерее Apollinaire в Милане. Пьер Рестани написал оригинальный манифест для группы под названием «Учредительная декларация нового реализма» в апреле 1960 года, провозгласив «Nouveau Réalisme — новые способы восприятия реального». Это совместное заявление было подписано 27 октября 1960 года в мастерской Ива Кляйна девятью людьми: Ивом Кляйном, Арманом, Мартиалом Райссе, Пьером Рестани, Даниэлем Споерри, Джин Тингюли и Ультра-леттристами, Франсуа Дюфреном, Раймоном Хайнсом

Ники де Сен-Фалль. Автопортрет. 1959

и Жаком де ла Виллеле; в 1961 году к ним присоединились Сезар, Миммо Ротелла, затем Ники де Сен-Фаль и Жерар Дешам. Художник Кристо выступил с группой. Группа была распущена в 1970 году.

Современник американского поп-арта, часто воспринимаемый как его транспозиция во Франции, новый реализм был наряду с Флюксусом и другими группами одной из многочисленных тенденций авангарда в 1960-х годах. Первоначально группа выбрала Ниццу на Французской Ривьере в качестве своей домашней базы, поскольку Кляйн и Арман оба родились там; таким образом, новый реализм часто ретроспективно рассматривается историками как один из первых представителей движения школы Ниццы. Несмотря на разнообразие своего пластического языка, они воспринимали общую основу для своей работы; это метод прямого присвоения реальности, эквивалентный термину, используемому Рестани «поэтическая переработка городской, промышленной и рекламной реальности».


Превью: Рой Лихтенштейн, Whaam !, 1963

  1. Якимович А. К. Полеты над бездной: Искусство, культура, картина мира. 1930-1990..
  2. Полевой В.М. XX век. М., 1989. .
  3. Турчин В.С. Образ двадцатого… В прошлом и настоящем. — М., 2003. .
  4. Андреева Е.Ю. Постмодернизм : искусство второй половины XX — начала XXI века. — СПб., 2007..
  5. Бодрийяр Жан. Общество потребления. Его мифы и структуры. — М.: Культурная революция; Республика, 2006. — С. 150—158. (http://ec-dejavu.ru/p-2/Pop_Art-2.html)
  6. Хонеф К. Поп-арт.  — Москва: Taschen / «Арт-родник», 2005.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

«Поп-арт» — происхождение и значение слова

Поп-арт — это художественное направление, которое возникло после Второй мировой войны. Оно соединило в себе изобразительное искусство и популярную культуру. Для поп-арта характерно заимствование образов из рекламы, комиксов, журналов, телевидения и кинематографа.

Термин pop art появился в результате сокращения английского выражения popular art, что переводится как «популярное» или «общедоступное искусство». Впервые это словосочетание употребил британский искусствовед Лоуренс Аллоуэй в своем эссе «Искусство и средства массовой информации» в 1958 году.

За несколько лет до Аллоуэя интерес к популярной культуре и возможности создавать искусство на ее основе проявила Независимая группа молодых художников в Лондоне. Послевоенный экономический подъем привел к увеличению ассортимента бытовых товаров — их рекламировали с небывалым энтузиазмом. Участники Независимой группы мечтали создавать произведения в подобной «рекламной» эстетике, которые казались бы зрителям такими же притягательными. Так, коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши дома такими особенными, такими привлекательными?» стал первым широко известным поп-арт-произведением. Для его создания художник использовал вырезки из рекламных страниц журналов.

Особую популярность это направление завоевало в США. Здесь основные сюжеты поп-арта были подкреплены эстетикой американского быта и мифом об «американской мечте».

Одним из лидеров этого течения стал Энди Уорхол, который увековечил в своих работах бутылку кока-колы и банку супа «Кэмпбелл». Отразился в поп-арте Уорхола и культ знаменитостей: художник создавал шелкографии с изображением актрисы Мэрилин Монро, первой леди США Жаклин Кеннеди и «короля рок-н-ролла» Элвиса Пресли.

Наряду с работами Уорхола большой общественный интерес вызвали картины-комиксы Роя Лихтенштейна и скульптуры еды Класа Олденбурга, например огромный виниловый бургер и рожок мороженого.

Популярность поп-арта с 1960-х годов практически не ослабла, а работы в этом жанре до сих пор остаются желанными предметами для коллекционеров искусства.

Искусствоведы не дают единого ответа на вопрос, существует ли отечественный поп-арт. Одни убеждены, что это исключительно американское явление, а в России можно выделить только его разновидность 一 соц-арт. Другие считают, что поп-арт был одним из течений советского андеграунда и процветает в России до сих пор, а среди отечественных художников этого направления называют Александра Косолапова, Сергея Шутова и Ивана Чуйкова.

Что такое pop art и как его распознать

Поп-арт (англ. Pop art) означает популярное и доступное искусство. Оно понятно большинству людей, его легко узнать и объяснить. Это одно их крупнейших движений в искусстве ХХ века. Поп-арт зародился в Великобритании и СШАв 1950-е годы. Поп-арт появился на свет как реакция на совершенно другое направление современного искусства – абстрактный экспрессионизм.

Чтобы понять, что такое поп арт, нужно начать с другого направления в искусстве — абстрактный экспрессионизм. В нем художник освобождает разум от законов логики и выражает свой внутренний мир на холсте, как он “видит” и “чувствует”. Брррр, звучит непросто! А на деле все еще сложнее. К примеру сможете ли вы понять что нарисовано на картине лидера абстрактных экспрессионистов Джексона Поллока? Картина называется «Ключ», не огорчайтесь если вы ничего в ней не поняли, вспомните, что художник абстракционист выражает свои чувства. И неподготовленный человек не поймёт, где тут ключ, а где замок, а если и поймёт, то только с подсказками опытного искусствоведа.

Такая же проблема возникла в 50-х годах ХХ века, несмотря на огромную популярность, не все понимали работы художников абстрактных экспрессионистов. Чтобы оценить их по достоинству, человек долженуже разбираться в искусстве. Что сделало это направление искусства доступным не для всех, а для «избранных». Поп-арт стал своего рода реакцией, противопоставлением абстрактному экспрессионизму. Его девизом стала идея: возвращение к реальности, а не фантазия художника. Источником вдохновения стали реклама, журналы, упаковки продуктов питания, фотография, телевидение, кумиры, стереотипы, кино, супермаркеты, комиксы – в общем всё, что встречается в повседневной жизни большинства обычных людей.

Вот несколько представителей поп-арт-культуры и их работы.

Рой Лихтенштейн «Смотри, Микки», 1961 г.

Рой Лихтенштейн «Спящая девушка», 1964 г.

Художник взял за основу кадр из серии романтических комиксов № 105, опубликованных DC comics в 1964 годов.

Энди Уорхол «Банка с супом Кэмпбелл», 1962 г.

«Я его [суп «Кэмпбелл»] просто пил. Каждый день я ел на обед одно и то же, лет двадцать, наверное, одно и то же, каждый божий день» Энди Уорхол

Джаспер Джонс «Флаг» 1954-1955 г.

Наиболее известная работа художника, которую он нарисовал после сна об американском флаге.

История живописи: поп-арт

Рассматривая популярные стили  живописи, нельзя не упомянуть о таком известном явлении в искусстве, как поп-арт.

Это направление возникло в пятидесятые годы прошлого века, как некая реакция на работы экспрессионистов. Стиль поп-арт берет за основу образы продуктов потребления массовой культуры, подразумевая тонкий контекст. Это игра масштабности материалов; оригинальный  технический метод  исполнения на холсте,  прием своеобразного обнажения предмета, а так же выявление информационных помех.

Впервые, терминология  «поп-арт» упоминается в работах критика Лоуренса Эллоуэя в 1954 году. Он использовал данное название  наравне с понятием «поп-культура», чтобы подчеркнуть связь между направлением  искусства и процессами, происходящими в социуме. Через пару лет после публикации его заметок, стиль поп-арт, как наименование течения вошел в употребление широкой аудиторией.

Поп-арт конкретно в живописи родился  в 1955 году благодаря картинам британских художников Джо Тилсона, Питера Блека и Ричарда Смита. Но громкую славу приобрел лишь год спустя, когда мир увидел потрясающий коллаж под названием «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» художника Ричарда Хамилтона.

Ричард Хамилтон. Коллаж «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»

Новая образность, которую создавали СМИ и реклама не могла пройти мимо взглядов и острой восприимчивости  творческих людей. Из туманного Лондона стиль перекочевал в Штаты. Его последователями в Америке являются такие видные фигуры, как Роберт Раушенберг,  Джеймс Розенквист, Рой Лихтенштейн, Том Вессельман,  Джаспер Джонс и, конечно же, всеми любимый Энди Уорхол.

Эндри Уорхол. Мэрлин Монро

Рассматривая историю живописи и вспоминая сюжетную линию поп-арта в ней, нельзя не сказать об острой критике, которой поддавались работы вышеупомянутых художников. Одни  считали их труды абсурдным, ничем не отличающимся от банальной рекламы; другие назвали стиль примитивным и вульгарным; а третьи – находили в нем определенный смысл и восхищались тонкостью серьезного подтекста. Некоторые поэты и писатели, в частности, Стэнли Куниц (лауреат Пулитцеровской премии) отзывался о живописи поп-арта, как об откровенном выражении духа буржуазии.

Тем не менее, именно поп-арт в живописи смог отлично передать вкус и  настроение времени. Молодость, мимолетность, сексуальность, мечтательность и некоторая наивность в картинах отражает истинную американскую мечту, о которой в России будут говорить лишь несколько десятилетий спустя.

Художники поп-арта смогли создать шедевры, передать культы общества своего поколения, а так же дать толчок к развитию новых стилей. Именно поп-арт в живописи породил такие модные и популярные течения, как оп-арт  и кинетическое искусство.

Оп-арт. Виктор Вазарели. Гештальт III. 1969

Оп-арт, примером, продолжил тему иллюзорности предметов в восприятии мира. Эффекты слияния или пространственного перемещения, парения или падения в извивающихся линиях популярны и сегодня. Самым ярким представителем такого стиля считают Виктора Вазарелли.

Кинетическое искусство, в продолжение к теме о движении и восприятии социальных масс, подразумевает не только простые физические изменения, но и серьезные процессы в жизни; любые ее формы, возникшие  в результате каких-либо действий. 

Важно так же отметить, что поп-арт в наши дни перекочевал в мир дизайна и моды. Он не утратил свою актуальность и сегодня, когда в обществе возникли новые культы и «свежие» идолы.

Вы имеете возможность посетить мастер-класс от Ольги Базановой и ближе познакомиться с техниками поп-арта, а так же самостоятельно написать картину в этом стиле на наших занятиях.

Популярное искусство поп-арт — презентация онлайн

1. Презентация на тему «Поп-арт»

Работу выполнила
студентка группы
СК-11
Денишова Дамиля.

2. Pop Art (сокращенное от Popular Art — популярное искусство) – это неоавангардистское направление в изобразительном искусстве,

Pop Art (сокращенное от Popular Art популярное искусство) – это
неоавангардистское направление в
изобразительном искусстве,
характеризующее образ общества
потребления и популярной культуры,
возникшее в Великобритании и чуть
позже в США примерно в середине
1950х гг.

3. Первой работой, которая стала иконой этого направления стал коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома

такими особенными,
такими
привлекательными?»
1956 год.

4. Появляются шелкографические полотна Энди Уорхола, впоследствии признанного королем американского поп-арта, с банками супа

Campbell’s, Мэрилин Монро и
Coca-Cola.

6. Представители Поп-арта. Ричард Гамильтон – английский художник, член «Независимой группы». Создатель первой работы в стиле Поп

– арт под названием «Так что же
делает наши сегодняшние дома такими разными, такими
привлекательными?»
Рой Лихтенштейн – английский художник, великий мастер поп-арта. Для
создания своих работ он использовал кислотные цвета и различные
типографские методы. Его работы с сюжетами из комиксов, выполненные
в формате масляной живописи, символизировали американскую жизнь в
иронической интерпретации.

7. Энди Уорхол – американский художник, дизайнер, писатель. Культовая фигура в направлении Поп-арт и в целом всего современного

искусства.
Создал всемирно известную картину Мерилин Монро в технике
шелкографии.
Клас Олденбург — известный американский скульптор, классик Поп-арта.
Его особенностью была манера изображать обыденные предметы в
гигантском масштабе и часто причудливой окраске, которые впоследствии
неожиданно располагались в окружающем пространстве города.
Например в Милане, перед железнодорожным вокзалом расположена его
скульптура – игла, с торчащей из нее разноцветной ниткой.

11. Роберт Раушенберг – американский художник. Изначально был представителем абстрактного экспрессионизма, а в дальнейшем

концептуального
искусства и направления попарт. Создавая свои работы, он
любил использовать мусор и
различные отбросы.

13. Тадаоми Шибуйя – дизайнер, художник, иллюстратор. Создавая изображения в стиле поп- арт, берет за основу прямые линии,

пользуется
эффектом размытости,
изображает
геометрические узоры
из которых в конце
получается очень
гармоничное
произведение с хорошо
читаемыми образами.

15. Джеймс Рицци – талантливейший художник, звезда направления Поп – арт.

Этот человек делал мир ярче. Для него не было никаких преград, он
рисовал практически на всем до чего можно дотянуться: на каких либо
мелких предметах, на ткани, на машинах и домах. Он дарил всем людям
счастье.

17. Питер Блейк – английский художник, который был представителем первого поколения британских мастеров живописи Поп-арта. Он

интересовался современным искусством еще в юные годы. В отличие от
многих художников этого направления, которые в своих работах
использовали вырезки объявлений и журналов, Питер Блейк создает
реальные живописные образы. Например, работа под названием «Игра в
шахматы с Трейси».

18. Так же он разработал обложку знаменитого на весь мир альбома Битлз «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band»

Все о поп-арте :: Впечатления :: РБК Стиль

Уже в конце 1960-х поп-арт стал главным направлением в США. Его последователи воспроизводили в своих работах образы из комиксов, рекламы и СМИ и создавали портреты поп-звезд. Это направление — редкий случай в истории ХХ века, когда художники не объясняли свои работы с помощью философских конструкций, понять которые могли только избранные. Банка супа, Мерилин Монро, гамбургеры — сюжеты поп-артистов (то есть художников поп-арта) близки всем и не требуют особых объяснений. На первый взгляд.

Впрочем, прежде чем поп-арт признали настоящим искусством, на него обрушилось море нападок. Мы вспомнили главное, в чем его обвиняли, и встали на защиту.

Главный принцип поп-арта

Предметы изображения — это объекты повседневной жизни, образы рекламы и массовой культуры. Поп-арт разрушил представление об искусстве как о чем-то «высоком»: отныне оно могло черпать вдохновение откуда угодно.

Портреты Мерилин Монро от Энди Уорхола                                                gettyimages. com

Неоригинальность

Так как художники в своих работах не просто использовали образы массовой культуры, а практически воспроизводили их без изменений, главным упреком со стороны адептов «высокого искусства» была неоригинальность.

Например, влиятельный критик-консерватор Хилтон Крамер считал, что по существу поп-арт ничем не отличается от искусства рекламы. По словам Крамера, оба этих явления преследуют цель «примирить нас с миром предметов потребления, банальностей и вульгарности».

В общем, такие обвинения кажутся обоснованными, ведь Рой Лихтенштейн копировал комиксы, а Уорхол — фотографии из газет. Правда, не так механически, как это могло показаться. В книге «Искусство с 1900 года: модернизм, антимодернизм, постмодернизм» рассказывается, что Лихтенштейн, например, выбирал одну или несколько картинок из комиксов, которые печатали в газетах, перерисовывал ее, затем проецировал свой рисунок (никогда не сам комикс) на холст, обводил проекцию и, наконец, заполнял ее цветами. Хотя работа Лихтенштейна могла показаться фабричным продуктом, на самом деле она представляла собой наложение механического репродуцирования (комикса), ручной работы (рисунка), снова механического репродуцирования (проекции) и снова ручной работы (раскраска). Другие художники действовали по сходной схеме, и в результате получался сплав живописи и фотографии, а не просто прямое заимствование.

Работы Роя Лихтенштейна «Обнаженная с бюстом» (слева) и
«Девушки с пляжным мячом» (справа) в музее современного искусства в Париже, 2013 г.

AFP

Несмотря на это критикам казалось, что поп-артисты подрывают оппозиции, на которых основывалась живопись ХХ века: высокое/низкое, абстрактное/фигуративное, возвышенное/коммерческое.

Главные художники

Ричард Гамильтон — создал первую работу в стиле поп-арт — коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» 1956 года. Он же дал первое определение стилю: «Поп-арт это: популярное, преходящее, расходное, недорогое, серийное, молодое, остроумное, сексуальное, бесполезное, гламурное, и Большой Бизнес».


 

Коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» 1956 г.  wikipedia.org

 

Рой Лихтенштейн — автор работ-комиксов, а потом — оммажей Пикассо, Ваг Гогу и Матиссу.


Энди Уорхол — первый художник-суперзвезда. Автор знаменитых «Банок супа Кэмпбелл» и разноцветных портретов Мерилин. В основном работал в технике шелкографии, в которой воспроизводил в том числе и фотографии из газет, посвященные катастрофам и смертям.


Роберт Раушенберг — автор «комбинированных картин», в которых живопись соединялась с объектами. Например, «Кровать» (1955) — это настоящая кровать Раушенберга, забрызганная краской и поставленная вертикально, а «Монограмма»  — чучело барана внутри автомобильной шины.


Джеймс Розенквист — создатель полотен, которые выглядят как коллаж из вырванных из газет изображений.


Клас Олденбург — создатель скульптур-копий реальных объектов. Работы Олденбурга разной величины: от имитаций гамбургеров в масштабе 1:1 до многометровых зубных щеток, веников и огрызков, которые украшают площади городов по всему миру.

Бессмысленность

Особенно ополчились на поп-арт и стали обвинять его в бессмысленности сторонники предшествующего ему направления — абстрактного экспрессионизма (мы писали о нем здесь). Они воспринимали живопись и картину как метафизическое пространство, что-то бесконечно высокое, а поп-артисты воспроизводили на полотнах образы из масс-медиа и показывали, что в общем-то никакой особой святой ауры вокруг живописи на самом деле нет.


 

Впрочем, поп-арт неправильно обвинять в бессмысленности еще и потому, что он, как и всякое хорошее искусство, анализирует современную ему реальность: в послевоенном мире все казалось тиражируемым и подверженным репродуцированию. А еще банки супа Кэмбелл и другие потребительские товары действительно были главными героями дня, ведь потребление было главным лозунгом Америки того времени.

Собственно, использование образов из СМИ или кино позволяло показать власть медиа над современным обществом (тогда же знаменитый философ Маршалл Маклюэн произнес свое знаменитое «Media is the message», то есть сказал, что каналы коммуникации не являются нейтральными способами передачи информации, а обладают свойствами, которые влияют на человека и общество сами по себе). Чтобы сделать это, художники немного изменяли образы, то есть помещали их в другой контекст, или показывали информационные помехи.


 

Потакание рынку

В потакании рынку поп-арт тоже обвиняли. Но только до тех пор, пока Клас Олденбург не сделал свой «Магазин» — энвайромент (то есть «тотальную инсталляцию»), представляющий собой собственно магазин, в котором продавались копии еды и других товаров ежедневного потребления.


 

Клас Олденбург, скульптура Mistos                                                             oldenburgvanbruggen.com

Сделанные из ткани и пропитанные гипсом, эти мороженые, сосиски и рубашки не пытались сойти за настоящих, скорее, они демонстрировали, что искусство — такой же товар, как и все остальное, а значит, можно перестать притворяться и обнажить механизмы общества потребления.

Уорхол тоже говорил о механизмах рынка: «Если ты не можешь его победить — прими его. Вдобавок, если ты полностью сольешься с ним, то у тебя появится возможность выставить его напоказ; можно продемонстрировать его автоматизм и даже аутизм на собственном выразительном примере».


Поп — это любовь, так как поп признает все… Поп подобен разрыву бомбы. Это американская мечта, оптимистичная, щедрая и наивная. 

Роберт Индиана


Эти смелые творцы не только покажут нам, словно впервые, мир, который всегда нас окружал, хотя мы его не замечали: они откроют нечто совершенно неслыханное — события и явления, найденные в мусорных баках, полицейских досье и коридорах отелей, увиденные в витринах магазинов и на улицах, пережитые в снах и в несчастных случаях. Запах раздавленной земляники, письмо от друга, билборд с рекламой «Драно», три стука во входную дверь, царапина, вздох или голос, читающий нескончаемую лекцию, мгновенная ослепляющая вспышка, шляпа-котелок  — все станет материалом для этого нового конкретного искусства.

Аллан Капроу, художник и теоретик


Что такое поп-арт? Путеводитель по движению поп-арт

Поп-арт возник как художественное направление в 1950-х годах в Америке и Великобритании и достиг своего пика в 1960-х годах. Движение было вдохновлено популярной и коммерческой культурой в западном мире и началось как восстание против традиционных форм искусства.

Поп-художники чувствовали, что искусство, выставленное в музеях или преподаваемое в школах, не представляет реальный мир, и вместо этого обратились к современной массовой культуре в поисках вдохновения. На пике своего расцвета поп-арт часто объявлялся «анти-искусством» за отказ подчиняться стандартам современного искусства того времени.

Мы собрали это руководство, чтобы ответить на некоторые из наиболее распространенных вопросов о жанре. Узнайте, кто ввел «поп-арт» в поп-арт и почему этот стиль сегодня стал одной из самых узнаваемых форм современного искусства.

Хотите вместо этого купить поп-арт? Взгляните на нашу коллекцию или исследуйте картины в стиле поп-арт.

Источники поп-арта III сэра Питера Блейка

Каковы основные характеристики поп-арта?

Понимание того, что означает термин «поп-арт», может помочь осветить ключевые идеи, поддерживающие движение.Художник Ричард Гамильтон ранее перечислял « характеристики поп-арта » в письме своим друзьям.

Он разбил значение поп-арта на простые термины: популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный (легко забываемый), недорогой, массовый, молодой (ориентированный на молодежь), Остроумный, сексуальный, бесподобный, гламурный, большой бизнес.

«Я скорее буду счастлив, чем достоин достоинства», Магнус Джоэн

Как узнать поп-арт?

Поп-арт часто можно идентифицировать по использованию популярных, потребительских символов, будь то предметы домашнего обихода, такие как скромная банка с бобами в «Банках супа Кэмпбелла » Энди Уорхола 1962 года или знаковых знаменитостях, таких как Мэрилин Монро в « Мэрилин Монро», I by Джеймс Розенквист, еще один ключевой сторонник движения.

Чтобы квалифицировать это, Уорхол сказал: «Поп-артисты создавали образы, которые любой, идущий по Бродвею, мог бы распознать за доли секунды — комиксы, столы для пикника, мужские брюки, знаменитостей, занавески для душа, холодильники, бутылки из-под колы», все современные вещи, которые художники пробовали ранее. избегать в своей работе.

Кричать для Шанель от Ольги Ломаки

Действительно, фирменная или коммерческая символика — особенно важная тема в поп-арте. Включение логотипов или безличных образов укрепило идею о том, что искусство может быть вдохновлено всем и вся, а не только историей, мифологией или моралью.

Поп-арт часто характеризуется яркими цветами, особенно основными цветами: красным, синим и желтым. Цвета обычно были яркими и похожими на вашу типичную палитру комиксов. Эти цвета не использовались для представления внутреннего мира или личности художника, как это часто было в предыдущих классических формах искусства, но отражали яркую, популярную культуру вокруг них.

Композиции с резкими краями — популярный мотив, используемый для смягчения «живописной раскованности» таких стилей, как абстрактный экспрессионизм. Следовательно, многие произведения поп-арта состоят из отличительных или фрагментированных форм. Некоторые художники также высмеивали предметы, увеличивая их до почти комических размеров.

Чего-то всегда не хватало, Питер Хорват

Какие техники используются в поп-арте?

Подобно дадаизму и, возможно, вдохновляясь им, поп-артисты часто создавали необычные и бессмысленные комбинации «найденных» или «готовых» объектов и образов популярных, политических или социальных явлений. Эти объекты или изображения часто отображаются в виде коллажей, организованных в художественном процессе, называемом присвоением. Это копирование, заимствование или изменение изображений или предметов из массовой массовой культуры.

С ростом потребительской культуры и распространением визуальных явлений благодаря постоянно расширяющимся средствам массовой информации присвоение приобрело совершенно новое значение в искусстве.

Поп-артисты также освоили процессы индустрии дизайна, такие как коммерческая трафаретная печать и чрезвычайно графические макеты, имитирующие рекламу, рекламные щиты, каталоги и другую маркетинговую пропаганду, внедренную в окружающий их мир.По этой причине этот стиль первоначально назывался «Пропагандистское искусство».

Сексуальное время 2, автор: D13EGO

Что делает движение поп-арта уникальным?

Когда Энди Уорхол указал на то, что художники отказываются замечать все великие современные вещи, которые замечали все остальные, он подчеркивает тот факт, что искусство в то время было полностью оторвано от реальной жизни и реальных людей; одержимость мазком кисти создавала атмосферу исключительности.

Одна из вещей, которая сделала поп-арт таким уникальным, заключалась в том, что он решил сосредоточиться на таком «реальном» и актуальном предмете, решение, которое критики модернистов открыто ненавидели. Поп-артисты стерли границы между «низким» и «высоким» искусством, преодолев разрыв между популярной культурой и классическим искусством, переопределив традиционные параметры того, что составляет искусство и что значит быть художником.

Движение поп-арта важно, потому что оно сделало искусство доступным для масс, а не только для элиты.Поскольку стиль был вдохновлен коммерческими деятелями и культурными событиями, работа получила признание и уважение среди широкой публики. Наконец, появился вид искусства, который казался не только уместным, но и доступным каждому. В некотором смысле поп-арт был «искусством для народа».

Маньяк Виктория Топпинг

В чем разница между американским поп-артом и британским поп-артом?

В США соблазнительная «американская мечта» об успехе, красоте и деньгах двигала культуру поклонения знаменитостям в 50-х и 60-х годах. Появление телевидения практически в каждом доме по всей стране повлияло на весь культурный ландшафт. Каждый дом наполнялся лицами и идеями американских музыкантов, спортсменов, актеров и политиков, восхваляющих новую американскую эпоху.

В то время как американские художники были вдохновлены тем, что они видели и пережили в своей культуре и обществе, на поп-арт в Британии существенно повлияли издалека.

Британский поп-арт создавался с точки зрения стороннего наблюдателя, в значительной степени заимствовав лексику, изображения и предметы из послевоенной Америки.Подпитываемые желанием сбежать из едва выздоровевшей послевоенной обанкротившейся страны, британские художники создавали искусство, которое тосковало — обычно по иронии судьбы — глянцевой американской мечты, восхваляемой на телевидении, в газетах и ​​в рекламе.

Дороти Дэндридж, Тим Таулер

Кто такие известные поп-исполнители?

Энди Уорхол, Дэвид Хокни, Ричард Гамильтон и Рой Лихтенштейн относятся к числу тех, кого считают первыми поп-артистами.

Ричарда Гамильтона часто называют отцом-основателем британского поп-арта за то, что он изложил цели и идеалы движения, перечисленные выше. Гамильтон считал, что искусство предназначено не только для галерей и выставок, но и для образа жизни. Таким образом, он внес свой вклад в популяризацию искусства, а не только для частных выставок.

Энди Уорхол, возможно, более широко известный сторонник этого движения, использовал свой статус знаменитости для распространения поп-арта в другие сферы искусства, особенно в кино.Фактически, его часто считают родоначальником независимого кино.

Зоя от Албана

Поп-арт все еще актуален сегодня?

Многие современные поп-артисты продолжают поддерживать движение не только в живых, но и в процветающем. К популярным сегодня исполнителям поп-музыки относятся нео-поп-исполнитель Джефф Кунс, культовый Алекс Кац и японский визуальный художник Яёи Кусама.

Если вы ищете поп-арт для продажи, мы рекомендуем взглянуть на известного гравера Питера Хорват , художника Яссин Моурит и Ники Харе , или узнать больше здесь .

Motor Cade Love от Пирса Бурка

Поп-арт | Национальные галереи Шотландии

Художественное движение 1950–1970-х годов, в основном базировавшееся в Великобритании и США. Поп-артистов называют так из-за того, что они используют образы из популярной культуры. Они также представили методы и материалы из коммерческого мира, такие как трафаретная печать, в практику изобразительного искусства.

Поп-арт появился примерно через десять лет после Второй мировой войны, прежде всего в Великобритании и Соединенных Штатах.Он назван так потому, что художники использовали образы популярной культуры. После периода послевоенной жесткой экономии движение сосредоточилось на гламурном коммерческом дизайне и медиа-культуре, говоря об оптимизме и возможностях. Многие поп-художники, особенно в Соединенных Штатах, выступили против более раннего интроспективного языка абстрактного экспрессионизма, стремясь привлечь внимание масс, смешивая элементы популярной культуры, коллажей и гравюры с традиционными техниками живописи.

С начала 1950-х годов группа художников и писателей под названием «Независимая группа» собиралась в лондонском Институте современного искусства, чтобы обсудить растущую культуру кино, рекламы и консьюмеризма, эмигрирующих из Соединенных Штатов.Среди членов были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, Лоуренс Аллоуэй, Элисон и Питер Смитсон. Считается, что термин «поп» имеет несколько источников, о которых писали Аллоуэй, Смитсон и Гамильтон. Паолоцци также использовал это слово в коллаже под названием Я был игрушкой для богатого человека , 1947. Его коллажи 1940-х и 1950-х годов теперь часто называют «прото-поп», а его новаторская лекция «Крах» в Институте для современного искусства в 1952 году следовал аналогичным идеям.

Эдуардо Паолоцци, Я был игрушкой богатого человека, 1947
© Попечители Фонда Паолоцци, Лицензия DACS 2017.

В 1956 году Гамильтон привлек международное внимание своим коллажем « Just What is it, that does the modern homes so different, such a привлекательные» , 1956. Создан для групповой выставки « This is Tomorrow » в 1956 году в галерее Уайтчепел в Лондоне. сатирический подход к новому поверхностному «американскому образу жизни».В 1957 году Гамильтон написал письмо Элисон и Питеру Смитсон, в котором описал характеристики Попа как:

«Популярные, преходящие, расходные материалы, недорогие, массовые, молодые, остроумные, сексуальные, бесподобные, гламурные и имеющие большой бизнес».
— Ричард Гамильтон

В Нью-Йорке к 1950-м годам художники начали исследовать популярную культуру в стилях нео-дада, фанк, бит и перформанс. Среди выдающихся имен были Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол, которые участвовали в ряде персональных выставок. В 1962 году в галерее Sidney Janis в Нью-Йорке прошла международная выставка New Realists , на которой художники исследовали такие поп-темы, как «повседневный объект», «средства массовой информации» и «повторение». Аллоуэй, который переехал в Нью-Йорк, чтобы работать куратором в Музее Гуггенхайма, ввел британский термин «поп», чтобы обозначить эту новую эру в искусстве, которая распространилась по остальным Соединенным Штатам и Европе.

Многие из культовых изображений поп-музыки из Соединенных Штатов были созданы Энди Уорхолом, и его имя стало синонимом стиля.Уорхол, как известно, копировал такие бренды, как Coca Cola и Campbell’s Soup, вместе с изображениями знаменитостей, таких как Мэрилин Монро, Джеки Кеннеди и Элизабет Тейлор, в массовом производстве с использованием методов шелкографии, но он также снимал фильмы, цифровые произведения искусства, картины и скульптуры. Название студии Уорхола, The Factory , связано с его массовыми работами. Позиция Уорхола о том, что искусство и жизнь должны быть взаимосвязаны, продолжает влиять на современную практику сегодня.

Во Франции поп-арт возник в форме модернистского реализма, определенного критиком Пьером Рестани как «новые способы восприятия реальности». Художник Арман отказался от своего более раннего абстрактного стиля живописи в пользу создания скульптур из найденных или выброшенных произведенных предметов. В Германии термин «капитальный реализм» стал обозначать художников, на которых оказала влияние американская поп-музыка, основанная Зигмаром Польке и включающая участников Герхарда Рихтера и Конрада Люга, которые исследовали и анализировали образы и фотографии популярной культуры с понимающей иронией.В Великобритании поп продолжал развиваться в Лондоне, среди представителей которого были Дэвид Хокни, Джо Тисон и Билли Эппл.

Влияние поп-музыки продолжалось на протяжении 1960-х и 70-х годов, прежде чем его затмили концептуальное искусство, инсталляция и перформанс. В конце 1970-х — начале 1980-х годов идеи поп-музыки начали возрождаться как нео-поп, возглавляемый Джеффом Кунсом, который прославляет американскую культуру потребления и китч диковинными картинами, скульптурами и фотографиями. Такаши Мураками также был связан с нео-попом, с его присвоением японской поп-культуры и культуры моды и его «суперплоским» стилем рисования.Оба художника придерживаются делового подхода к производству произведений искусства, нанимая помощников на крупных фабриках для производства товаров, что напоминает Фабрику Уорхола в 1960-х годах.

Поп-арт Движение: Художники и произведения искусства

Энди Уорхол, Банки с супом Кэмпбелла, 1962. Предоставлено MoMA

«Художники поп-арта создавали изображения, которые любой, идущий по Бродвею, мог распознать за доли секунды — комиксы, столы для пикника, мужские брюки, знаменитости и т. Д. занавески для душа, холодильники, бутылки из-под колы — все те великие современные вещи, которые абстрактные экспрессионисты так старались не замечать вообще.”

Энди Уорхол

Определение поп-арта: что такое поп-арт?

Первое определение поп-арта было дано британским куратором Лоуренсом Аллоуэем, который изобрел термин «поп-арт» в 1955 году для описания новой формы искусства, характеризующейся образами потребительства, новых медиа и массового воспроизведения; Одним словом: популярная культура. Благодаря смелым, простым, повседневным изображениям и ярким цветам, поп-арт был одним из первых художественных движений, сокративших разрыв между коммерческим и изобразительным искусством.

Художники поп-арта черпали вдохновение из рекламы, журналов, рекламных щитов, фильмов, телевидения, комиксов и витрин для своих юмористических, остроумных и ироничных работ, которые можно рассматривать как праздник и критику поп-культуры. Но как появился поп-арт, кто был ключевыми игроками и каковы их художественные цели?

Ключевые даты: 1955-1965
Ключевые регионы: Великобритания и США
Ключевые слова: Популярная культура, СМИ, консьюмеризм
Ключевые художники: Энди Уорхол, Рой Лохтенштейн, Роберт Раушенберг, Клас Ольденбург, Ричард Гамильтон, Дэвид Хокни

Дэвид Хокни, Мы всегда видим памятью.

Истоки поп-арта

Поп-арт, который обычно ассоциируется с Соединенными Штатами, рано нашел свое признание в Великобритании как критическое и ироничное отражение послевоенной потребительской культуры конца 1950-х годов.
Фактически, в 1952 году в Британии группа художников, писателей и критиков, которая впоследствии стала известна как «Независимая группа» — или просто «IG» — начала регулярно встречаться, движимая общим восприятием разрыва между искусство и жизнь того времени, чтобы обсудить новые теории и методы включения в художественную практику тех аспектов визуальной культуры, которые традиционно не были ее частью, но которые неизбежно стали элементами повседневной жизни, от упаковки продуктов до знаменитостей кино.

Коллективная выставка группы This Is Tomorrow, , проходившая в лондонской галерее Уайтчепел в 1956 году, стала ключевой отправной точкой для поп-арта и стала беспрецедентным примером интеграции искусства и современной жизни.

За границей, в те же годы поп-арт возник как реакция на доминирующее художественное движение, абстрактный экспрессионизм. Развивая идею о том, что искусство — это индивидуальное выражение гения художника, поп-арт позволил художникам заново ввести фрагменты реальности в искусство с помощью изображений и сочетаний повседневных предметов.
Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг были одними из первых художников в Америке, которые уловили силу обычного, положив начало движению. Первые исследовали границы между искусством и повседневным миром, буквально включив обычные предметы в окрашенные холсты; последний представляет то, что он определил как «вещи, которые уже знает разум», набор повторяющихся концепций и популярных образов.

Ключевые идеи, лежащие в основе поп-арта

Английский поп-художник Ричард Гамильтон в 1957 году перечислил характеристики поп-арта: «Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), Расходный (легко забываемый), Низкая стоимость, Массовое производство, Молодежный (нацеленный на молодежь), Остроумный, Сексуальный, Бесподобный, Гламурный, Большой бизнес.
Поп-арт, созданный из эстетики банальной его подписи, отражает времена массового производства и быстрых банальных развлечений, а также исследует превращение славы в товар. Предметы повседневного обихода, такие как консервные банки Кэмпбелла и знаменитости поп-культуры, такие как Мэрилин Монро, превратились в искусство и стали иконами движения.

Элементы множественности и воспроизводства — типичные для культуры массового производства — также отражены в художественных средствах и процессах: в то время как акриловые краски позволяли художникам создавать яркие плоские поверхности, техника трафаретной печати создавала смелые цветные изображения в виде повторяющихся узоров, разрушающих идея живописи как средства оригинальности.

Энди Уорхол и его коробки с брилло. Предоставлено HBO

British Pop Art v.s. Американский поп-арт

Хотя британский поп-арт в значительной степени вдохновлен американской поп-культурой, это было довольно игривое и ироничное исследование того, что представляют собой популярные американские образы и как они влияют на жизнь и образ жизни людей.
Для американских художников, с другой стороны, поп-арт означал возвращение к репрезентации: теперь царили резкие грани, четкие формы и узнаваемый сюжет, контрастируя со свободной абстракцией и символизмом абстрактных экспрессионистов.
Находясь под сильным влиянием практики коммерческого искусства, эти художники черпали вдохновение из того, что они видели и пережили непосредственно. Неудивительно, что многие начинали свою карьеру в коммерческом искусстве. Энди Уорхол был иллюстратором журналов и графическим дизайнером, Эд Руша был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начинал как художник-билборд. Их опыт дал им отличный визуальный словарь массовой культуры, а также технические навыки, позволяющие легко переходить между высоким искусством и популярной культурой и объединять эти два мира.

Известные художники поп-арта

Среди ведущих британских художников поп-арта были сэр Питер Блейк (род. 1932), Патрик Колфилд (1936-2006), Ричард Гамильтон (род. 1922), Дэвид Хокни (род. 1937) и Аллен Джонс. (р. 1937).

Среди известных представителей поп-арта в американском искусстве были Роберт Раушенберг (1925–2008), Джаспер Джонс (род. 1930), Рой Лихтенштейн (1923–97) и Энди Уорхол (1928–87). Среди других американских представителей были Джим Дайн (род. 1935), Роберт Индиана (он же Джон Кларк) (р. 1928), Рэй Джонсон (1927-95), Алекс Кац (р.1927), Клас Ольденбург (р. 1929), Эд Руша (р. 1937), Джеймс Розенквист (р. 1933-2017) и Том Вессельманн (р. 1931).

Знаковые произведения поп-арта

Ричард Гамильтон, Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , 1956 Ричард Гамильтон, «Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными?», 1956. С любезного разрешения Phaidon

Коллаж Ричарда Гамильтона представляет пространство гостиной, наполненное объектами и идеями, которые, по словам Гамильтона, теснились. послевоенное сознание.Внимание зрителя привлекает фигура культуриста, держащего гигантский леденец с нацарапанным на нем словом «ПОП». Неудивительно, что этот коллаж часто называют первым образцом поп-арта.

Энди Уорхол, Мэрилин Диптих , 1962 Энди Уорхол, Мэрилин Диптих, 1962. С любезного разрешения Tate

Увлечение Уорхола популярной культурой и славой привело его к созданию большого количества скриншотов с портретами знаменитостей, экспериментируя с ними. вариации в цветах и ​​умножение.
Его Диптих Мэрилин содержит 50 изображений Мэрилин Монро, половина из которых окрашены в цвет, а другая половина — в черно-белые. Работа была завершена через несколько недель после смерти актрисы.

Рой Лихтенштейн, Whaam! , 1963 Рой Лихтенштейн, Whaam !, 1963. Предоставлено Tate

Рой Лихтенштейн Whaam! — это большая картина на двух холстах, напоминающая полоску комиксов о взрыве ракеты в небе. Лихтенштейн был заинтересован в изображении крайне напряженных ситуаций в этой особенно отстраненной, расчетливой манере.

Кейт Харинг, Сияющий младенец , 1982 Кейт Харинг, Сияющий младенец, 1990. Предоставлено Тейт

В 1980-х годах в Нью-Йорке Кейт Харинг превратил метро в свою студию. Мелом он нанес свой фирменный рисунок на стены. Одним из них был его Radiant Baby , который для него был одним из самых чистых и положительных человеческих опытов. На протяжении многих лет он стал повторяющейся визуальной идиомой Харинга и теперь считается визитной карточкой художника.

Роберт Индиана, ЛЮБОВЬ , 1967 Роберт Индиана, Любовь, 1967. Предоставлено MoMA

Роберт Кларк родился в Индиане, Роберт Индиана получил имя своего родного штата, когда переехал в Нью-Йорк в 1954 году. вдохновенное восхищение силой обычных слов никогда не было более явным, чем в его работах « ЛЮБОВЬ ». LOVE Индианы — одно из самых известных образов поп-арта. Первоначально он был задуман как рождественская открытка для Музея современного искусства в 1965 году.С тех пор LOVE превратился в гравюры, картины, скульптуры, знамена, кольца, гобелены и марки.

Прием критиков против публики

В то время как многие академики и критики были потрясены тем, как поп-артисты используют приземленные темы и очевидно неизбирательное их использование, более образные и приземленные образы поп-арта обратился к широкой публике и вскоре стал одним из самых популярных стилей искусства, а также одним из первых проявлений постмодернизма.

Коллекционирование поп-арта

Поп-арт смог проникнуть в широкую публику так, как это сделали — или сделали с тех пор немногие направления современного искусства, — и коллекционерам это тоже нравится. Например, картина Джаспера Джонса «Фальстарт» (1959) была продана в 2006 году за 80 миллионов долларов: это 9-е место в списке самых дорогих произведений искусства в истории того времени. Работа Энди Уорхола «Зеленая автомобильная авария» (1963) (синтетический полимер, шелкография, акрил на полотне) была продана на Christie’s, Нью-Йорк, в 2007 году за 71 доллар. 7 миллионов, что делает его 14-м произведением искусства, проданным на тот момент по самой высокой цене. Неплохо для произведения неброского искусства.

Клас Ольденбург, Спунбридж и Вишня, TK. Фото m01229, через Flickr.

Соответствующие источники, чтобы узнать больше

Узнайте больше о художественных движениях и стилях на протяжении всей истории здесь

Что такое поп-арт? Техники, художники и примеры, сформировавшие движение

Возможно, самое известное художественное развитие 20-го века, поп-арт, возник как реакция на потребительство, средства массовой информации и массовую культуру.Это движение появилось в 1950-х годах и набрало обороты в шестидесятые годы. Поп-арт отошел от теории и методов, используемых в абстрактном экспрессионизме, ведущем движении, которое ему предшествовало. Вместо этого он использовал предметы повседневного обихода и средства массовой информации, такие как газеты, комиксы, журналы и другие обыденные предметы, для создания ярких композиций, сделав движение краеугольным камнем современного искусства.

Это введение идентифицируемых образов было серьезным отклонением от направления модернизма, который поп-артисты считали пустым и элитарным.Многие художники, связанные с этим движением, в первую очередь Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, достигли беспрецедентной славы и статуса, опыт, который приблизил практикующих к мейнстриму знаменитостей. Сегодня поп-арт — один из самых узнаваемых видов искусства.

Что такое поп-арт?

Поп-арт — это движение, возникшее в середине 20-го века, когда художники включали в свои работы обычные предметы — комиксы, консервные банки, газеты и многое другое. Движение поп-арт было направлено на укрепление идеи о том, что искусство может черпать из любого источника, и нет никакой иерархии культуры, которая могла бы этому помешать.

Краткая история поп-арта

Антонио Каро, «Колумбия», 1977 г. Продано за 10 000 долларов через Phillips (май 2014 г.).

Поп-арт зародился в середине 1950-х годов в Великобритании группой художников, скульпторов, писателей и критиков под названием «Независимая группа». Вскоре он распространился в Соединенных Штатах. Большая часть корней движения возникла в результате культурной революции, возглавляемой активистами, мыслителями и художниками, которые стремились реструктурировать социальный порядок, управляемый конформизмом. Движение быстро распространилось, и многие считают, что У.Коллаж «», пионера К. поп-музыки Ричарда Гамильтона 1956 года. Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? ознаменовал официальное начало культурного феномена после того, как он появился в галерее Уайтчепел в Лондоне.

Гамильтон описал характеристики движения, написав: «Поп-арт — это популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный (легко забываемый), дешевый, массовый, молодой (ориентированный на молодежь), остроумный. , Сексуальный, бесподобный, гламурный, крупный бизнес.«После того, как движение ворвалось на сцену в Соединенных Штатах, оно быстро распространилось по всему миру и продолжает оказывать влияние на изобразительное искусство и популярную культуру сегодня.

Характеристики поп-арта

Kusama Yayoi, «Hat», 1929 г. Продано за 100 000 йен на аукционе Est-Ouest Auctions Co., Ltd (июль 2009 г.).

Поп-арт легко узнаваем благодаря его яркости и уникальным характеристикам, которые присутствуют во многих из самых знаковых произведений этого движения. Ниже приведены некоторые из определяющих характеристик поп-арта:

  • Узнаваемые образы: В поп-арт использовались изображения и значки из популярных СМИ и товаров.Сюда входили коммерческие товары, такие как консервные банки, дорожные знаки, фотографии знаменитостей, газеты и другие предметы, популярные в коммерческом мире. Были включены даже торговые марки и логотипы.
  • Яркие цвета: Поп-арт характеризуется яркими яркими красками. Основные цвета — красный, желтый и синий — были заметными пигментами, которые использовались во многих известных работах, особенно в работе Роя Лихтенштейна.
  • Ирония и сатира: Юмор был одной из основных составляющих поп-арта. Художники используют предмет, чтобы заявить о текущих событиях, высмеять причуды и бросить вызов статус-кво.
  • Инновационные методы: Многие художники поп-музыки занимались гравюрой, что позволяло им быстро воспроизводить изображения в больших количествах. Энди Уорхол использовал шелкографию — процесс, посредством которого чернила переносятся на бумагу или холст через сетку с трафаретом. Рой Лихтенштейн использовал литографию или печать с металлической пластины или камня, чтобы добиться своего фирменного визуального стиля.Поп-художники часто брали образы из других областей основной культуры и включали их в свои произведения искусства в измененной или исходной форме. Этот тип искусства присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить разделение между высоким и низким искусством, которое отделяло рекламу и медиа от изобразительного искусства.
  • Смешанная техника и коллаж: Поп-художники часто смешивали материалы и использовали различные типы средств массовой информации. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы предвосхитили движение поп-арта, художники Том Вессельманн и Ричард Гамильтон объединили, казалось бы, разрозненные образы в одно полотно, чтобы создать совершенно современную форму повествования.Точно так же Марисоль известен скульптурами, в которых для изображения фигур используются самые разные материалы.

Поп-артисты, определившие движение

Энди Уорхол

Энди Уорхол. Продано на аукционе Sotheby’s за 17 327 500 долларов (май 1998 г.).

Имя Энди Уорхола стало синонимом американского поп-арта. Работы Уорхола олицетворяют многие аспекты движения, такие как одержимость знаменитостями, повторение изображений и использование рекламы в качестве темы.Его самые известные серии включают «Банки с супом Кэмпбелла», изображения Жаклин Кеннеди Онассис и «Смерть и катастрофа». Уорхол сотрудничал с такими артистами, как Жан-Мишель Баския, и коммерческими брендами, такими как Perrier. В конце концов он открыл студию художника под названием «Фабрика», которая служила мастерской для творчества Уорхола, а также местом встречи богемы.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн, «Нога и рука» (1964). Продано за 14000 долларов на аукционе Dane Fine Art Auctions (август 2018 г.).

Другой культовый американский поп-исполнитель — Рой Лихтенштейн. Характерный стиль Лихтенштейна, известного своим использованием основных цветов и смелых очертаний, отсылает к комиксам, из которых он заимствовал большую часть своих ранних исходных материалов. Даже в более поздних сериях работ Лихтенштейн использовал точки Бен-Дея, чтобы вызвать комический стиль в своих полотнах и скульптурах. Подобно Уорхолу и Лихтенштейну, Эд Руша и Джеймс Розенквист взяли темы из печатных СМИ, чтобы создать риффы на вывесках, которые олицетворяли культурный дух времени.

Роберт Раушенберг

Раушенберг радикально смешал материалы и методы для создания замечательных коллажей в стиле поп-арт, в которые были включены популярные образы того периода времени, в который он существовал. Одна из его самых заметных работ, Retroactive II , созданная в 1964 году, представляла собой изображение на шелкографии, на котором был изображен портрет Джона Ф. Кеннеди и астронавта НАСА среди других изображений, смешанных и смешанных интересным образом.

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни помогал пионеру британского поп-арта в 1960-х годах, создавая полуабстрактные картины и экспериментируя с широким спектром средств массовой информации.Его работа 1967 года « Большой всплеск » была одной из множества картин в стиле поп-арт, сосредоточенных вокруг плавательных бассейнов, и очарование возросло после того, как он переехал в Калифорнию и осознал непринужденный, чувственный образ жизни жителей этого района.

Женщины-поп-исполнители

Эвелин Аксель, «La directrice aux fruit», 1972 г. Продана за 50 000 евро через Cornette de Saint-Cyr-Bruxelles (декабрь 2016 г.).

Женщины-поп-исполнители часто исключаются из традиционного повествования движения, но многие из них играли ключевую роль на протяжении всей своей карьеры.Драматург и авангардистка Розалин Дрекслер, концептуалист и поп-художник Марисоль и бельгийская художница Эвелин Акселл внесли свой вклад в успех поп-движения. Сегодня все больше женщин-поп-исполнителей участвуют в музейных выставках и аукционах благодаря этим первопроходцам.

Факты о поп-арте

  • Первое произведение поп-арта было создано шотландским художником Эдуардо Паолоцци в 1952 году. Это был коллаж из журналов под названием «Я был игрушкой для богатых» .
  • Поп-арт изначально назывался пропагандистским искусством.
  • Энди Уорхол разработал культовую обложку для дебютного альбома The Velvet Underground, The Velvet Underground & Nico.
  • The Souper Dress, одноразовая одежда, вдохновленная серией Уорхола Campbell’s Soup Can , была произведена Campbell Soup Company в 1966–67.
  • Использование найденных предметов и изображений в поп-арте восходит к движению Дада в начале 1900-х годов.
  • Художники, такие как Джефф Кунс и Клас Ольденбург, высмеивали повседневные предметы, изображая их в монументальных пропорциях.Знаменитые предметы Ольденбурга включают гигантские шарики для мороженого, ложки, прищепки и многое другое.
  • Самым дорогим из когда-либо проданных Уорхолом был Silver Car Crash (Double Disaster) , созданный им в 1963 году. Он был продан за 105 миллионов долларов в 2013 году.

Поп-арт распространился практически по всем слоям общества, сначала благодаря сотрудничеству художников в области дизайна и музыки, а затем, когда новые поколения художников были вдохновлены стилем середины века. В 80-е годы некоторые художники-постмодернисты работали под лозунгом «Нео-поп.Эти художники, в том числе Джефф Кунс, продолжали брать предметы из повседневной жизни и включать их в свои произведения искусства.

Сегодня мантию поп-арта подхватывают такие художники, как японский феномен Такаши Мураками. Мураками придумал термин «суперплоскость» для описания своего искусства, которое указывает на его графическую природу, вдохновленную аниме, поп-культурой и потреблением. Кроме того, уличные художники, такие как Бэнкси, испытали влияние наследия поп-арта, используя трафареты и графический дизайн для достижения аналогичной эстетики в своих работах.

Поскольку поп-арт почти идеально имитирует те аспекты общества, на которые он реагирует, его влияние на культуру в Соединенных Штатах и ​​за их пределами на данный момент неизмеримо.

Источники : Художественная история | Тейт | Моя современная встреча | МоМа | Британская энциклопедия | Искусство сердечное

10 известных художников поп-арта, которых вы должны знать

Как бы вы определили, что такое поп-арт, и что он представляет для вас? Международный феномен Pop Art появился в середине 1950-х — начале 1960-х годов.Примерно шесть десятилетий спустя влияние и след художников поп-арта можно увидеть почти во всех аспектах нашего современного общества. Поп-арт, которого некоторые считают прямым потомком дадаизма, с точки зрения того, как он издевался над устоявшимся миром искусства, присваивая изображения с улиц, супермаркетов, средств массовой информации и представляя это как искусство само по себе, поп-арт был сосредоточен на массовом производстве, знаменитостях и расширяющихся отраслях. рекламы, телевидения, радио и печатных СМИ. В конечном итоге сформировал совершенно новую культурную идентичность в области искусства и дизайна.Движение в искусстве было направлено на то, чтобы поднять массовую культуру на уровень изящного искусства, стирая тем самым границы между высоким и низким искусствами. С одним из ключевых принципов, что не существует иерархии культуры и что искусство должно иметь возможность заимствовать из любого источника, поп-арт бросил вызов традициям изобразительного искусства, поставил под сомнение установленные рамки творчества и представил совершенно новый мир эстетики. Итак, давайте посмотрим на десять самых известных художников поп-арта, чьи работы сформировали, развили, повлияли и сформировали красочный и яркий мир поп-арта.Своими картинами, скульптурами и изображениями эти художники поп-арта оставили значительный след в мире искусства и покорили воображение грядущих поколений, переопределяя наш визуальный взгляд на популярную культуру вокруг нас.


Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн — Революция в современном искусстве

Одно из первых имен в поп-арте, получивших широкую известность, Рой Лихтенштейн быстро стал ведущей фигурой этого движения. Его работа была в основном вдохновлена ​​комиксами , и хотя она часто встречалась с негативной критикой банальности и отсутствия оригинальности, она определяла основную предпосылку поп-арта через пародию.Эффектные культовые изображения Лихтенштейна произвели революцию в поп-арте и современном искусстве. Устранив себя от доминирующего абстрактного экспрессионизма, сосредоточенного на трагических темах душ художников, Рой черпал вдохновение в окружающей культуре, а не в исследовании индивидуальных чувств художника. Он создал значительный объем работ из массово воспроизводимых изображений, которые вызвали бесконечные споры по поводу понятий оригинальности, потребительства и исследовали тонкую грань между искусством и развлечением.Это как раз один из основных принципов поп-арта, основанный на исследовании всех форм коммуникации и сообщений через коды или язык.

Смотрите другие работы Роя Лихтенштейна на нашей торговой площадке!


Кейт Харинг

Кейт Харинг — вневременной визуальный язык

Один из наиболее широко известных визуальных языков 20-го века возник прямо из поп-арта, за его создание отвечал Кейт Харинг. Когда вы видите его работу, в ней нет ошибок, вы сразу понимаете, харинг это или нет, не нужно сомневаться.Его знаковые персонажи и фирменный стиль по-прежнему широко распространены и популярны в современном обществе. Харинг был еще одной ведущей фигурой в усилиях по разрушению барьеров между высоким и низким искусством и созданию искусства для всех. Стремясь сделать свое искусство еще более доступным для людей, он открыл розничный магазин под названием Pop Shop, где продавал плакаты, футболки и другие доступные изображения в стиле поп-арт с его фирменным дизайном. Несмотря на то, что его жизнь внезапно оборвалась из-за осложнений, связанных со СПИДом, Харинг оставил после себя весьма плодотворную карьеру новаторского художника, чьи работы десятилетия спустя находят отклик в современной культуре.


Роберт Раушенберг

Роберт Раушенберг — Захват визуального шума в рамках иронической аллегории

Радикальное смешение материалов и методов вывело Роберта Раушенберга на передний план нескольких направлений в искусстве, включая поп-арт. Будучи одним из первых новаторов шелкографии, Раушенберг воспользовался преимуществами новых коммерческих процессов печати того времени, перенося фотографии и изображения на холст. Многократная воспроизводимость изображений, которая до этого момента использовалась только в коммерческих приложениях, стала инновационным инструментом в творческих руках Роберта Раушенберга.Объединив масляную живопись с фотографической шелкографией, он отразил наш опыт СМИ , уловив визуальный шум в рамках иронической аллегории. Наряду с Джаспером Джонсом Раушенберг заложил основы моста между абстрактным экспрессионизмом и тем, что впоследствии стало американским поп-артом.

Не забудьте проверить доступные работы Роберта Раушенберга на нашей торговой площадке!


Ричард Гамильтон

Ричард Гамильтон — Игривый и смелый, делая все, что ему казалось

Мы переходим к еще одному известному исполнителю поп-арта. Вдохновленный пошлостью и повседневностью, игривый и влиятельный Ричард Гамильтон был назван отцом движения поп-арта . По некоторым данным, Гамильтон даже был автором самого термина, заявив, что он впервые использовал Pop Art в письме архитекторам Элисон и Питеру Смитсону относительно одной из выставок. В любом случае, Гамильтон, безусловно, остается одним из первых и самых влиятельных художников этого движения. Его коллаж 1956 года под названием «». Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? представлял собой жилое пространство, загроможденное множеством объектов желаний, таких как пылесос, телевизор, консервная банка, магнитофон, мускулы для бодибилдинга и т. Д.Хотя каталог этого потребителя демонстрировал определенный уровень игривости, он также отражал подчеркнутый уровень ужасного беспокойства того возраста. Фаллические леденцы, всплывающие тостеры, переработанные изображения из популярных американских журналов … это лишь некоторые из символов, которые Гамильтон смело использовал в своих новаторских произведениях искусства и которые лучше всего описывают его карьеру и, возможно, даже весь принцип создания искусства в мире. В общем, оставим вам одну из цитат Ричарда Гамильтона:

Люди, кажется, не понимают, что художник волен делать все, что хочет, и мне всегда нравилась такая возможность.Я делаю все, что хочу.


Энди Уорхол

Энди Уорхол — Первопроходец поп-арта

Конечно, обсуждение поп-арта невозможно без включения одного из самых плодовитых и популярных художников своего времени, Энди Уорхола. Суперзвезда поп-арта, Уорхол прославился на весь мир своими уже легендарными банками для супа Кэмпбелла и золотыми банками Мэрилин Монро . Среди многих новаторских вещей, которые связаны с этим плодовитым художником поп-арта, он также был одним из первых художников, когда-либо выставлявших видео в качестве произведения искусства. В наши дни это может показаться обычным и нормальным, но в 1960-х годах, когда движение поп-арта процветало, оно считалось почти революционным. Обычно окруженный знаменитостями, Энди Уорхол был заметной фигурой в ночной жизни Нью-Йорка. Знаменитая фраза, которую использовали многие в то время, гласила, что вы знали, что были на хорошей вечеринке в Нью-Йорке, если бы Уорхол появился. Поскольку поп-арт сыграл важную роль в разделении между высокими и низкими формами искусства, работы Уорхола послужили новаторским маяком в этом развитии, и в конечном итоге его карьера повлияла на бесчисленное количество других художников и остается важным фактором даже сегодня.

Хотите получить гравюру Энди Уорхола? Вы можете сделать это, посетив нашу торговую площадку!


Дэвид Хокни

Дэвид Хокни — Плейбой современного искусства и пионер поп-арта в Великобритании

Дэвид Хокни, перенесший его из США в Великобританию, считается первопроходцем в области поп-арта в Великобритании . Несмотря на то, что Хокни лично отвергает обозначение своего искусства как поп-арта, его разносторонняя работа охватывает живопись, фотографию, гравюру, сценическое оформление и другие области, в которых есть множество влияний, некоторые из которых происходят от популярного искусства и культуры.Из-за похотливых отношений, которого часто называют плейбоем современного искусства, Хокни был преданным творцом на протяжении всей своей карьеры. В 1963 году британский художник влюбился в Лос-Анджелес, в результате чего он разработал залитую солнцем палитру, с которой началась его серия картин, основанная на его фантазиях о гомоэротической жизни в Калифорнии. Эти картины калифорнийских бассейнов, несомненно, связывают его с движением поп-арта, зародившимся как в Великобритании, так и в США в 1960-х годах.


Роберт Индиана

Роберт Индиана — Американская идентичность и сила языка

Самопровозглашенный «художник знаков», наиболее известный своим поп-артом, Роберт Индиана использовал уникальный словарь дорожных знаков и рекламных работ , чтобы изобразить культуру Америки 1960-х годов. Сногсшибательные рисунки с текстом, числами и символами, которые отражали абстракцию времени, также содержали политический и социальный подтекст и несли подчеркнутую идею. Немногие произведения поп-арта получили более широкое признание, чем ЛЮБОВЬ Индианы. Сделанное в 1966 году его фирменное изображение, которое довольно просто написано буквами L O V E , было воспроизведено в бесчисленном множестве различных материалов и цветов, став иконой поп-арта. Роберт Индиана сосредоточился на реальности американского общества с помощью простых, но визуально смелых композиций и фигурных полотен, которые сделали его одним из самых известных художников американского поп-арта.


Джеймс Розенквист

Джеймс Розенквист — художник рекламного щита

Ранние описания Джеймса Розенквиста часто включают тег «Поп-арт», который художнику не нравился. Увы, Розенквист определенно был одной из основополагающих фигур движения. За счет сложного наслоения популярных мотивов, таких как бутылки кока-колы, упакованные продукты, кухонные принадлежности, губы с помадой женщин и ухоженные руки, работы Розенквиста олицетворяли головокружительную вездесущность мира потребителей . Его крупномасштабные фрагментированные картины в стиле поп-арт трансформировали визуальный язык коммерческих работ на холст. Работая художником по рекламе рекламных щитов, он часто использовал остатки краски для создания небольших абстрактных картин. Розенквист исследовал эффекты использования стиля рисования на рекламных щитах на меньших холстах, создавая произведения, которые играли бы с изменениями в масштабе и технике. В его творчестве вошли различные поп-образы и символы рекламного языка и поп-культуры. Фирменные произведения Розенквиста включают фрагментированные, странные изображения, объединенные и наложенные друг на друга, чтобы сформировать визуальную историю на холсте.Его ссылки на товары массового производства, журналы, фильмы и другие аспекты средств массовой информации сделали его одной из ключевых фигур в развитии поп-арта в Соединенных Штатах.

Щелкните, чтобы увидеть подборку изображений Джеймса Розенквиста на нашей торговой площадке!


Алекс Кац

Алекс Кац — В предвкушении поп-арта

Еще один создатель, который не назвал бы себя художником поп-арта, но несомненно оказал влияние и развил движение поп-арта, — это Алекс Кац. Конечно, Кац начал раньше и продолжал развиваться после этого, и в целом его искусство кажется более тонким, спокойным и дружелюбным, чем , чем другие произведения известных художников поп-музыки.Его стилизованная, упрощенная техника была вырезана, чтобы радовать глаз, но в то же время она никогда не становилась тривиальной. Кац, казалось, нашел определенный уровень между поп-музыкой и глубиной, где он использовал свой фирменный стиль для создания простых, но впечатляющих произведений искусства. Вначале он использовал монохромный фон, который позже стал определяющей характеристикой его стиля и предвосхитил поп-арт. Работы Каца преодолели разрыв между традициями абстракции и фигурации. Сам художник утверждал, что его искусство «поверхностное», возможно, имея в виду то, что его образы не имели явной психологической сложности.Взяв реплики из фильмов и рекламных щитов Cinemascope, можно с уверенностью сказать, что его стилизованные картины предвосхитили поп-арт.


Такаши Мураками

Такаши Мураками — современный наследник движения поп-арт

Известный во всем мире современный японский художник Такаши Мураками однажды сказал, что художник — это тот, кто понимает границы между мирами и пытается их познать. Мураками — творец, который полностью осознает современную эпоху, в которой он работает и живет, принимая тот факт, что все искусство сегодня продается.Он откровенно отказывается обманывать себя по поводу внутренней глубины и подчеркнутых сообщений, он даже отрицает их наличие. Хорошо известно, что стирает грань между высоким и низким искусством, творчество Мураками включает в себя широкий спектр сред и обычно описывается как суперплоский — термин, который он ввел в употребление. Используя мотивы традиционной и популярной японской культуры и используя плоские / глянцевые поверхности, Мураками успешно создал свой собственный стиль. С повторяющимися мотивами и знаковыми персонажами, такими как улыбающиеся цветы, грибы и черепа, он даже затрагивает буддийскую иконографию и сексуальные комплексы культуры отаку .Яркие цвета, сверкающие цвета и эстетика в стиле аниме делают стиль Мураками мгновенно узнаваемым. Вдохновленный поп-артом, художник считается наследником Уорхола в его способности превращать популярные коммерческие изображения в высококачественные произведения изобразительного искусства.

Смотрите другие работы Такаши Мураками на нашей торговой площадке!

Все изображения используются только в иллюстративных целях

Избранные изображения:
Роберт Индиана — Любовная скульптура; Ричард Гамильтон, Джон Макхейл — Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? Кит Харинг — Ромеро

10 самых известных картин и коллажей в стиле поп-арт

Поп-арт — это художественное направление, которое доминировало в мире искусства в середине 20-го века .Поп-арт , который считается последним заметным движением современного искусства, ценит популярную культуру, а не элитарную культуру . Он характеризуется яркими цветами, и использованием узнаваемых образов из популярной культуры , таких как реклама, знаменитости, мирские культурные объекты и персонажи комиксов. Поп-арт можно рассматривать как реакцию на Abstract Expressionism , доминирующее в то время движение, которое подчеркивало , передавая сильное эмоциональное или выразительное содержание через абстракцию . Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон обычно считаются пионерами движения поп-арта. «Я был игрушкой богатого человека» Паолоцци был первым произведением , в котором использовалось слово «поп». , а произведение Гамильтона Just what Is It было первым произведением движения , которое достигло культового статуса . Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн стали самыми известными фигурами механизма .Их самые известные работы: Мэрилин Диптих, Whaam! и Банки для супа Campbell’s . Вот 10 самых известных произведений поп-арта.

# 10 Натюрморт # 35

Натюрморт # 35 (1963) — Том Вессельманн

Место нахождения: Художественный музей Далласа, Техас

Автор: Том Вессельманн

Год: 1963

Том Вессельманн категорически заявил, что: «Я не люблю лейблы в целом и« Pop »в частности, особенно потому, что они слишком подчеркивают используемый материал. Тем не менее, он считается одним из главных художников нью-йоркского поп-арта , наряду с Роем Лихтенштейном и Энди Уорхолом. Среди его самых популярных работ в поп-арте — «Натюрморт » из серии «». Эта работа (Still Life # 35) , пожалуй, самая известная работа из серии . С первого взгляда можно сказать, что это изображение Америки середины 20 века . Тем не менее, он также ссылается на традиционные европейские натюрморты, на которых изображено обычных предметов.Вессельманн, среди прочего, показывает на холсте хлеб и сигареты.


# 9 На балконе

На балконе (1957) — Питер Блейк

Место нахождения: Тейт Британия, Лондон

Автор: Питер Блейк

Год: 1957

Питер Блейк — разносторонний художник, занимающийся скульптурой, гравюрой и гравюрой, а также коммерческим искусством в форме графики.Тем не менее, он наиболее известен своими коллажами , в которых сочетают изображения из поп-культуры и изобразительного искусства . В его ярких произведениях искусства можно увидеть изображения борцов, артистов мюзик-холла, кинозвезд, рекламу и т. Д. Наряду с традиционным изобразительным искусством. Это произведение берет свое название от «Балкон» Эдуарда Мане (1868) , копию которого держит мальчик слева. Хотя произведение выглядит как коллаж, оно полностью нарисовано . Это яркий пример фирменной техники Блейка по созданию метаизображений или картинок внутри картинок . On the Balcony — это одно из самых известных произведений Питера Блейка и знаковое произведение британского поп-арта.


# 8 Я был игрушкой для богача

Я был игрушкой богача (1947) — Эдуардо Паолоцци

Место нахождения: Тейт Модерн, Лондон

Автор: Эдуардо Паолоцци

Год: 1947

Сэр Эдуардо Луиджи Паолоцци широко известен как один из пионеров движения поп-арт .Созданный в 1947 году, «Я был игрушкой для богатых». — это коллаж, сделанный из вырезок из американских журналов и рекламных объявлений, закрепленный на открытке. Самый большой элемент коллажа занимает верхние две трети работы. Это обложка журнала под названием «Интимные признания» . Рядом приклеен пистолет, издающий слово «pop» . «Я был богатым человеком». Игра была первым произведением искусства, на котором было изображено слово «поп». , за годы до того, как появился термин «поп-арт». Этот коллаж — самая известная работа Паолоцци , и он считается первоначальным знаменосцем движения поп-арта .


# 7 Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?

Просто что это (1956) Ричард Гамильтон

Место нахождения: Kunsthalle Tübingen, Tübingen, Germany

Автор: Ричард Гамильтон

Год: 1956

Наряду с шотландским художником Эдуардо Паолоцци , Ричард Гамильтон считается пионером движения поп-арта .Его выставка 1955 года Человек, машина и движение ; и его коллаж Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? считаются историками искусства среди самых ранних произведений поп-арта . Just What Is It, пародия на американскую рекламу, фактически дала название движению поп-арта . Название происходит от огромного леденца на палочке в руках центральной фигуры коллажа с торговой маркой «Tootsie POP» . Just What Is It, состоящий из изображений, взятых из американских журналов, считается первым произведением поп-арта , получившим культовый статус .


# 6 Тонущая девушка

Тонущая девушка (1962) — Рой Лихтенштейн

Место нахождения: Музей современного искусства, Нью-Йорк

Автор: Рой Лихтенштейн

Год: 1963

Рой Лихтенштейн первоначально работал в кубизме и абстрактном экспрессионизме , прежде чем перейти к поп-арту , жанру, в котором он оставил свой след.Считающийся краеугольным камнем работы Лихтенштейна, Drowning Girl иногда также называют «Мне все равно! Я бы предпочел утопить ‘. Метод печати и использование речевого шара для передачи мыслей придают картине вид страницы комиксов . Героиня оказывается жертвой несчастного любовного романа, которая скорее утонет, чем попросит помощи у своего любовника . Утопающая девушка была описана как «шедевр мелодрамы» , и это самая известная картина Лихтенштейна после Whaam! .Он является частью постоянной коллекции МоМА с по 1971 год .


# 5 Большой всплеск

Большой всплеск (1967) — Дэвид Хокни

Место нахождения: Тейт Британия, Лондон

Автор: Дэвид Хокни

Год: 1967

самая известная работа Хокни, Большой всплеск — это большая картина в стиле поп-арт размером 242.5 см × 243,9 см (95,5 дюйма × 96,0 дюйма) . На нем изображен залитый солнцем бассейн в Лос-Анджелесе . Помимо бассейна, на картине изображено розовое модернистское здание, пустой стул и тонкие пальмы. Кроме того, отражение соседнего здания можно увидеть на стекле окна розового дома. Однако что делает работу интересной, так это то, что она лишена человеческого присутствия . Всплеск отображается, но зрителю остается только гадать, кто в него нырнул.Большой всплеск был создан с тщательной тщательностью Хокни, упрощая, но увеличивая его более ранние картины под названием «Маленький всплеск» (1966) и «Всплеск» (1966) . Позже Хоккей сказал о картине, что «понял, что всплеск нельзя увидеть таким образом в реальной жизни, это происходит слишком быстро. Меня это позабавило, поэтому я нарисовал это очень, очень медленно ».


# 4 Флаг

Флаг (1955) — Джаспер Джонс

Место нахождения: Музей современного искусства, Нью-Йорк

Автор: Джаспер Джонс

Год: 1955

Джаспер Джонс один из самых известных ныне живущих художников в мире .Его работы в области живописи, скульптуры и гравюры повлияли почти на все художественные движения с 1950-х годов по настоящее время , включая абстрактный экспрессионизм, Нео-Дада и движение поп-арта. Джонс был среди художников, которые заложили основы движения поп-арта в отношении товарной культуры . Основное внимание в его работах в стиле поп-арта уделяется знакам , таким как флаги, цели и карты. Его самая известная работа, Flag , является одним из самых узнаваемых произведений поп-арта .Говорят, что он создал его после того, как мечтал об американском флаге. Джонс создал картину в возрасте года, когда ему было 24 года лет, и она была включена в его первую персональную выставку. Успех Флага был настолько велик, что Джонс создал более 40 произведений на основе американского флага.


# 3 Whaam!

Ваам! (1963) — Рой Лихтенштейн

Место нахождения: Тейт Модерн, Лондон

Автор: Рой Лихтенштейн

Год: 1963

Рой Лихтенштейн — самый известный американский художник поп-арта после Энди Уорхола и Whaam! его самая известная работа .Картина — одна из нескольких работ художника, изображающих воздушный бой. Лихтенштейн прослужил в армии США три года с 1943 по 1946 год и Whaam! навеян иллюстрацией иллюстратора комиксов Ирва Новика , с которым он познакомился в этот период. На картине, вдохновленной изображениями комиксов, изображен истребитель, запускающий ракету, которая попадает в другой самолет и поджигает его. Ваам! отличается сочетанием яркого цвета и сюжетной ситуации.Он «документирует, в то же время мягко пародируя знакомые образы героев современной Америки».


# 2 Банки для супа Campbell’s

Банка супа Кэмпбелла (1962) (Помидор) — Энди Уорхол

Место нахождения: Музей современного искусства, Нью-Йорк

Автор: Энди Уорхол

Год: 1962

Одно из самых известных произведений поп-арта, Банки для супа Кэмпбелла состоят из тридцати двух полотен , по одному из 32 разновидностей, предлагаемых компанией в то время.Это произведение искусства , которое привело к тому, что поп-арт стал основным направлением искусства в США. тогда доминирующий стиль в Америке. Возникшие в результате дебаты о достоинствах и этичности такой картины, в которой отсутствовала эстетика и мистическая направленность произведений абстрактного экспрессионизма, вызвали бурю негодования в мире американского искусства .Это сделало Энди Уорхола ведущим и самым известным художником движения поп-арта.


# 1 Мэрилин Диптих

Мэрилин Диптих (1962) — Энди Уорхол

Место нахождения: Тейт Модерн, Лондон

Автор: Энди Уорхол

Год: 1962

Легендарная американская актриса Мэрилин Монро умерла в августе 1962 года .В последующие недели Энди Уорхол, известный как Папа поп-арта , создал этот шедевр, который содержит пятьдесят изображений актрисы . Все изображения основаны на одной и той же рекламной фотографии из фильма 1953 Niagara . 25 изображений на левой стороне работы ярко окрашены, а 25 справа — в черно-белом цвете с эффектом выцветания. Критики предполагают, что этот контраст свидетельствует о смертности звезды. Мэрилин Диптих является культовым произведением в стиле поп-арт .Это также самый известный шедевр Энди Уорхола ; и самая известная картина американского художника . В 2004 году он был назван третьим по значимости произведением современного искусства в опросе 500 художников, кураторов, критиков и дилеров, который был заказан спонсором премии Тернера .

Блог

— Что такое поп-арт? Определение, художники и шедевры

Когда вы слышите поп-арт, вам, вероятно, приходят на ум изображения «Банки для супа Кэмпбелла» Энди Уорхола и стилизованные картины в стиле комиксов Роя Лихтенштейна.Движение поп-арта началось в 1950-х годах, но его преходящий, одноразовый и гламурный стиль продолжает вдохновлять художников и по сей день, а его сексуальный, молодой и крупный бизнес по-прежнему притягивает коллекционеров произведений искусства по всему миру. Давайте углубимся в это направление искусства и найдем истинное определение поп-арта.

Что такое поп-арт? Определение и основные характеристики

Рождение оригинальной формы искусства

Движение Pop art зародилось в середине 1950-х годов в Англии и через несколько лет стало популярным через Атлантику в Соединенных Штатах.Это художественное направление было создано как реакция на абстрактный экспрессионизм, который некоторые художники того времени считали слишком жестким и претенциозным. Независимая группа 1950-х годов (IG) считается предшественником британского движения поп-арта. Эту группу возглавил Эдуардо Паолоцци, король коллажей, его работы были одними из первых, в которых использовалась реклама, персонажи комиксов и обложки журналов.

Энди Уорхол: воплощение художественного обновления

Энди Уорхол (1928-1987) представляет собой одну, если не самую важную фигуру в поп-арте.Он родился в Питтсбурге, штат Пенсильвания, США, сначала работал коммерческим иллюстратором, прежде чем погрузиться в мир искусства. Он стал художником, трафаретом, режиссером, музыкальным продюсером и автором. Его картины с изображением американских икон (Трой Донахью, Мэрилин Монро, Элвис Пресли, Натали Вуд, Уоррен Битти и др.) И товаров народного потребления (банка для супа Кэмпбелла ) стали известны во всем мире.

Что такое поп-арт?

Аббревиатура от Popular Art, Pop art характеризуется деконструкцией изображений, которые можно увидеть в массовой культуре — телевидении, комиксах, журналах, фильмах и других различных формах рекламы.Эти элементы были представлены объективно и заимствовали коммерческие методы, используемые СМИ, из которых были заимствованы сюжеты.

Определение поп-арта сквозь призму социологии

Что такое поп-арт с социологической точки зрения? Поп-артисты приняли тот факт, что их изображения могут быть массовыми, легко доступными, одноразовыми и временными. Эту идею продвигал писатель Вальтер Бенджамин в своей книге «Произведение искусства в эпоху механического воспроизводства » (1935).Бенджамин заявил, что копия имеет более высокое социальное значение, чем оригинал, поскольку покупатель может владеть ею и пользоваться ею в любой момент. Эта идея оказала глубокое влияние на постмодернистскую мысль и сильно повлияла на движение Pop art .

Социальная критика

Поп-арт — это критика материализма и потребительства, присутствующих в современных обществах. Идея произведения искусства стала важнее, чем само произведение.

В Бразилии Поп-арт стал инструментом для осуждения социальных злоупотреблений политического режима и тоталитарных аспектов его политики во время военной диктатуры 1960-х годов.Ромеро Бритто и Габриэль Греко являются яркими примерами бразильских исполнителей поп-музыки. Однако техника Греко колеблется между Стрит и Поп-арт свежим голосом, который напоминает голос Бэнкси.

Ключевые фигуры и шедевры

Движение Pop art создало множество других крупных художников, помимо Энди Уорхола, чей Marylin Diptych известен во всем мире. Часто лучший способ определения крупного художественного движения, такого как Поп-арт , лучше всего сделать, посмотрев на примеры ключевых произведений и фигур, которые способствовали им.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн родился в Нью-Йорке в 1923 году и является мастером рисунка, который учился в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. Он известен созданием огромных стилизованных репродукций комиксов с использованием точек, имитирующих плоские тона, используемые в коммерческой печати. Этот художник-новатор является ключевой фигурой Pop art наряду с Энди Уорхолом. Плачущая девушка (1963) — одна из самых известных его работ.

Сэр Питер Томас Блейк

Англичанин сэр Питер Томас Блейк, 1932 года рождения, учился в крупнейших художественных институтах Англии.Он создавал коллажи, сочетая изображения из поп-культуры и изобразительного искусства. Он наиболее известен как соавтор обложки для альбома The Beatles Sgt. Оркестр клуба одиноких сердец Пеппера .

Джаспер Джонс

Джаспер Джонс — всемирно известный художник и гравер в стиле неодада. Его работа была сосредоточена на изображении обычных объектов, таких как флаги и карты, и помогла создать переход от абстрактного экспрессионизма к Pop art . Его самая известная работа — энкаустическая картина Flag (1954-1955).Он создал это произведение после того, как ему приснился сон, в котором он рисовал американский флаг.

Уэйн Тибо

Уэйн Тибо — американский художник и гравер, которого часто сравнивают с Эдвардом Хоппером. Он наиболее известен своими натюрмортами с предметами повседневного обихода, такими как еда и косметика. Некоторые историки искусства классифицируют его как Pop Artist из-за банальности его темы, однако тот факт, что он рисовал из реальной жизни, а не из медиа-изображений, делает его технически неклассифицированным как Pop Artist .

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*