Поп арт стиль в живописи: история художники картины

Поп-арт – это направление в искусстве, основанное на объектах массовой культуры и направленное на развлечения, коммерцию, а не на поиск глубинного смысла, философию и духовность. Ведущую роль в развитии направления играли: реклама, мода, тренды, иконы стиля, различные средства популяризации и коммерческого продвижения. Поп-арт был реакцией на серьезность абстракционизма и других стилей искусства 20 века. Стиль называют одним из ответвлений искусства авангарда.

История развития стиля

Это было одно из наиболее значимых и влиятельных художественных движений в живописи и других направлениях искусства 20 века, характеризуется специфическим выбором тем и методов, взятых из массовой популярной культуры. Стиль нацелен на широкую аудиторию, поскольку использует популярные образы. Благодаря доступности и простоте, поп-арт имел популярность.

Движение было основано в 1950-х годах, пиком популярности стали 1960-е. Родина поп-арта – Великобритания, но наибольшего развития движение достигло в США, где столицей этого культурного направления стал Нью-Йорк.

Основателями и наиболее известными творцами в стиле поп-арт были Энди Уорхол и Джаспер Джонс.

Независимая группа

Первые шаги нового стиля в живописи были связаны с деятельностью «Независимой группы» художников и архитекторов, основанной в 1952 году в Лондоне. Они первыми применили современные технологии для создания полотен с ведущими мотивами массовой и городской народной культуры. Основой для изучения стали американская культура. Пионеры стиля Э.Паолоцци и Р.Гамильтон изучали психологические влияния массовой культуры, ее смысл, лингвистическое содержание. В первую очередь, интересовали методы промышленной рекламы, современные технологии изготовления рекламы, техника создания коллажей.

Это – завтра

В 1956 году состоялась выставка «Это – завтра». Живописцы представили на суд общественности картины в стиле поп-арт, на которых были изображены звезды Голливуда, кадры из известных кинофильмов с увеличением. Именно после выставки к течению присоединились многие выпускники школы искусств, которых вдохновил новый стиль.

США

В США стиль развился и популяризировался. Здесь большое внимание уделяли эстетизации банального – упаковки, товаров массового потребления. Суть американского поп-арта: предметы, которые потребляют люди, делают представителей разных социальных слоев равными между собой. Таким образом, поп-арт – искусство социального равенства.

Как термин

Термин, используемый для определения стиля, появился в 1955-1957 годах, благодаря Л.Эллоуэю – британскому критику. Самого автора понятия удивлял факт, что термин начали использовать для определения целого культурного движения. Сам Эллоуэй имел в виду продукты, имеющие коммерческое назначение, принадлежащие к элементам средств массовой информации.

Художники

Наиболее известные представители направления:

Кит Гаринг

Художник из Нью-Йорка, известен карикатурами. На его работы оказало влияние искусство граффити.

Дэвид Хокни

Считается одним из наиболее известных английских художников 20 века. Хокни был одним из лидеров развития поп-арта в Великобритании.

Джаспер Джонс

Известен картинами с изображением американского флага. Одна из известнейших работ – «Числа в цвете».

Рой Лихтенштейн

Один из известных создателей комиксов.

Уэйн Тибо

Прославился, благодаря картинам с изображением тортов, пирожных, игрушек.

Энди Уорхол

Наиболее знаменитый творец в стиле поп-арт. Узнаваем, благодаря использованию повторяющихся портретов и ярких оттенков в работах.

Особенности работ в стиле поп-арт

Используются изображения и значки, которые популярны в современном мире. Это портреты знаменитостей, звезд кино и музыки, предметов – например, безалкогольных напитков, комиксов, а также любые другие эмблемы и изделия, которые пользуются популярностью в коммерческом мире.

• В живописи используются яркие цвета, технику создания коллажей, объединяют в одном изображении несколько логически невзаимосвязанных объектов.
• Поп-арт полотна трудно не заметить в интерьере – они станут ярким акцентом в помещении, оформленном в современном стиле. Стиль поп-арт подразумевает использование различных текстур.
• Картина может включать надписи, слоганы, девизы – она напоминает рекламный плакат.
• Для создания работ применялись техники фотопечати, комбинирования с реальными предметами, проектирование.
• Эстетические идеалы были заимствованы из массовой культуры, популяризированной средствами массовой информации.
• Приемы художники заимствовали из промышленной рекламы.

Стиль неоднократно подвергался критике. В 1962 году в Музее современного искусства в Нью-Йорке провели симпозиум по поп-арту. Известный критик Х.Крамер настаивал на том, что необходимо противостоять развитию поп-арта, поскольку он популяризирует банальность, вульгарность, безвкусицу. По мнению критика, поп-арт – обычная реклама, которую пытаются облачить в форму искусства.

По мнению другого критика – С.Куница – поп-арт является продуктом пропаганды, а нацелен на формирование конформистского общества, преследующего сугубо потребительские цели. Вся символика и слоганы, по мнению Куница, превращали рекламные плакаты в псевдо искусство.

Цель поп-арта, которую вкладывали в свои работы художники – вернуться к реальности, от которой отступили абстракционисты. Главным звеном творчества стал предмет, связанный с индустриальной культурой, кинематографом, печатными изданиями, телевидением.

Значение стиля в искусстве

Поп-арт является не только направлением в живописи – это философское течение, которое исследует особенности влияния массовой культуры. Стиль стал интеллектуальной формой искусства второй половины 20 века.

Стиль развился в других направлениях современного искусства. Ведущие деятели поп-арта оказали существенное влияние на моду – в одежде и интерьере. Э.Уорхол, Р.Лихтенштейн, К.Харинг, Я.Кусама создали работы, которые используются известными дизайнерами в качестве принта для декорирования предметов гардероба или помещений.

Стиль Поп-арт — экспрессия и безумство

Поп-арт — интересное направление в искусстве, актуальное и модное по сей день!

В конце 50-х годов, в Америке считалось модным такое непонятное направление, как абстрактный экспрессионизм. Ничего не значащие и не несущие никакого смысла мазюки, которые подавались, как полное глубокого смысла элитное Vip-искусство. Для просвещения и понимания всего лишь нужно было несколько минут в день, с умным видом и желательно при гостях созерцать это. Веселые абстракционисты часто даже название не придумывали, а просто называли свои творения цифрами, или фразами, что на ум первое придет. Ну например, «Автомобильный сок№689».

Стиль или направление Поп-арт началось с того, что любой популярный продукт, или любимый всеми символ — будь то пышногрудая красотка из глянцевого журнала, или культурист, упаковки от любимых и известных чипсов, или банки из под кока-колы, или супа предподносился как предмет искусства с откровенной иронией и сарказмом.

Все популярные художники поп-арта делали не одну уникальную картину, а могли штамповать десятками раз. Одним словом поп-арт — это стёб над массовой культурой.

Одним из ярчайших представителей этого направления был Энди Уорхол. Выдающийся тролль, режиссер, создатель современной рекламы, художник, писатель книг, любитель Макдональдсов, создатель знаменитых портретов Мерлин Монро, Элвиса, Мао Цзедуна, и прочих личностей в кислотных и ярких, кричащих цветах. Его не менее знаменитая картина банка томатного сока «Campbell», которую он тиражировал сотнями, методом трафарета и шелкографии — в день по 50-80 копий, и так круглый год. Он стилизовал под газетные фото и полицейские протоколы, картины автокотостроф, портреты серийных убийц и бандитов, в общем касался самого максимально далекого от «Высокого и искусства». Одним из его фильмов был 24 часа, без какого-либо сюжета, просто камера снимала спящего человека.

Поп-арт виновен немало в появлении дизайна как такового. Появилась куча последователей и дочерних стилей, таких как оп-арт, или гиперреализм. И как не странно, устраивая стеб над массовой культурой, поп-арт в конце концов стал ее частью, ее элитарной верхушкой. Этот стиль повлиял даже на часть фильмов о Джеймсе Бонде.

Одежда в стиле поп арт — это сумасшедший коктейль красок, броские и странные формы, а так же синтетические материалы. В наши дни этот экстравагантный стиль часто используется. В одежде — это и мини юбки, и платья неоновых цветок, жакеты с широкими плечами, футболки с цветными фотографиями, яркие леггинсы с геометрическим рисунком, свитера — платья прямого кроя. Главный девиз: «Удивлять и быть замеченным!»

Экспрессия и безумство — главные элементы стиля поп-арт.

Одним словом смотрим и вдохновляемся!

Знаменитый Энди Уорхол.

Поп-арт: 8 художников, которых должен знать каждый дизайнер

Они бросили вызов традициям, соединив искусство и поп культуру. Представляем вам самых известных художников движения поп-арт!

Поп-арт как направление визуального искусства возник в середине 1950-х. Особенности того времени — массовое производство, известность и быстроразвивающаяся отрасль рекламы на телевидении, радио и в печатных изданиях — оставили свой след и в сфере искусства и дизайна.

Характеризуемый дерзкими, смелыми, яркими и комичными работами, поп-арт проявился во многих аспектах дизайна, включая различные типы живописи, скульптуры, коллажа и уличного искусства.

01.Кейт Харинг

Кейт Харринг обрел международный успех в 1980-х.

Выросший в Пенсильвании Кейт Харринг начал рисовать в стиле поп-арт после окончания колледжа в 1978. Между 1980 и 1989 Харринг достиг международного признания, устраивая одиночные и совместные выставки. Кейт умер в Январе 1990, но его работы по-прежнему считаются одними наиболее влиятельных в мире поп-арта.

02. Клас Олденбург и Кузи ван Брюгген

Этот дуэт внес поп-арт в массы.

Клас Олденбург и Кузи ван Бругген хорошо известны тем, что внесли Поп-арт в массы, увеличивая некоторые бытовые вещи и размещая их на крышах зданий, в парках, офисах. «Мы хотим взаимодействовать с публикой, но на своих собственных условиях, даже если наши работы абсолютно шаблонны»- объясняет Олденбург.«Наше обсуждение проекта, которое в итоге и приводит к его осуществлению, может происходить где угодно, но обычно мы предпочитаем принимать решения в нашей студии, окруженные моделями, недавними заметками и набросками, где мы способны при необходимости собрать материал воедино.

03. Роберт Раушенберг

В 1993 году Роберт Раушенберг был награжден Национальной Медали США в области Искусств.

Роберт Раушенберг хорошо известен созданием «Комбинированных картин» (1950), в которых он невообразимо сочетает нетрадиционные материалы и объекты. Работая в сфере фотографии, печати и перфоманса, Раушенберг даже удостоился Национальной медали США в сфере Искусств. К сожалению, он умер в 2008 году

04. Ричард Гамильтон

Гамильтон создал коллаж «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» в стиле поп-арт для выставки «Это- завтрашний день» в 1956 году.

Ричард Гамильтон считается отцом британского поп-арта благодаря знаменитой серии работ 1950- 1960 годов. Наиболее известная из его работ – коллаж 1956 года «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» Изначально созданный для выставки «Это — завтрашний день», он представляет собой абсолютный справочник образов поп-арта, таких как отсылки к газетам, комиксам, рекламе, бытовым приборам, еде, упаковке, телевидению и кино.

Whaam! -один из наиболее известных примеров поп-арта, основанный на изображении из серии комиксов DC «All American Men of War»

Картина поп-арт художника Роя Лихтенштейна Whaam!, основанная на серии комиксов DC «All American Men of War», считается его самым значимым и влиятельным творением. Энергичный диптих изображает боевой самолет, выпускающий снаряд в противника, с красно-желтым взрывом на заднем плане.

Рожденный в Нью Йорке в 1923 годах, Лихтенштейн стал одной из главнейших фигур в движении поп-арта. Его картины в стиле комиксов, «Стиральная машина» и «Печеный картофель» считаются классикой эры поп-арта.

06. Питер Блейк

В своей картине «На балконе» Питер Блейк использовал смешанную технику с элементами поп-арта.

«На Балконе» — знаковая картина для Британского поп-арта. С первого взгляда кажется что это коллаж, но на самом деле- живописная картина с оригинальной композицией одного из известнейших Британских поп художников 1950х.

Первопроходец в сфере поп-арта, Блейк часто использует в своих картинах образы из рекламы и элементы коллажа. В частности, картина «На балконе» отражает заинтересованность Блека в совмещении традиционного искусства с элементами поп -атра.

07.Энди Уорхол

Изображения Мэрилин Монро (1962) от маэстро поп-арта Энди Уорхола

Энди Уорхол, вероятно, самая узнаваемая фигура в движении поп-арта. В 1960х он начал экспериментировать с массово распространяемыми изображениями (например, банки супа Кэмпбелл и бутылки Кока Колы)

В 1962 г., когда прошло 4 месяца после смерти Мэрилин Монро, Уорхол представил миру несколько размноженных изображений Мэрилин Монро, взяв за основу одну из известных фотографий со съемок фильма Ниагара (1953) . Являясь его самой известной работой, эта серия изображала частоту появления Мэрилин в СМИ. Диптих совмещает портреты в ярких цветах с одной стороны, и угасающей черно-белой гамме — с другой, что соответственно обозначает ее культ как звезды и ее смерть. Он продолжил свою идею, создав аналогичные работы с такими звездами как Джеки Кеннеди и Элвис Пресли.

 

08. Дэвид Хокни

Стиль Дэвида Хокни быстро завоевал ему славу «путеводного огня» Поп-арта

Британский художник Дэвид Хокни чаще всего ассоциируется с пропитанными солнечным светом пейзажами, которые он создавал, живя и работая в Лос Анжелесе с 1963 по 2005.Его ранние работы навевают определенное смешливое чувство, а яркие цвета и использование изображений в стиле глянцевых журналов помогли ему быстро приобрести репутации одного из лидирующих активистов в движения поп-арт.

С развитием своего стиля Хокни начал делать фотоколлажи, изначально составляя их из фотокарточек, а позже -из 35-миллиметровых цветных изображений. Он и сегодня продолжает работать в различных областях: в создании принтов, живописи, рисунке, режиссуре и театральном дизайне.

5 художников поп-арта, повлиявших на моду

Воспев культуру массового потребления, поп-арт сам стал одним из наиболее цитируемых направлений в современной культуре. Мы выбрали 5 художников поп-арта, которые влияют на моду до сих пор

18 августа в штате Индиана откроется выставка «POPOP: поп- и оп-арт», которая продемонстрирует то, как «массовое» искусство повлияло на современную культуру и направления в живописи. А мы в этой связи решили вспомнить, какие художники направления поп-арт внесли важный вклад в развитие моды.

1. Энди Уорхол

Икона поп-арта, превращавший в произведение искусства в принципе любой продукт широкого потребления, не обошел вниманием и одежду. Знаменитое бумажное платье The Souper Dress, созданное по мотивам его работ с банками супа Campbell’s, положило начало долгой связи Уорхола и моды. Так, в той же коллекции, что и платье «Мондриан», Ив Сен-Лоран обратился к творчеству Энди, используя на трапециевидных платьях коллаж из его портретов. На этом влияние Уорхола на мир моды не закончилось. В 2013 году Dior выпускают коллекцию платьев и аксессуаров с эскизами обуви, сделанными Уорхолом, а Жан-Шарль де Кастельбажак создает ироничное платье с черно-белым портретом отца поп-арта и белым синтетическим мехом вместо волос.

2. Рой Лихтенштейн

По использованию мотивов картин в дизайне одежды и мебели Лихтенштейн занимает чуть ли не первое место. В 2011 году Lisa Perry выпустили коллекцию платьев, целиком посвященную картинам-комиксам знаменитого художника. Через год их примеру последовали Karla Spetic, а Markus Lupfer выпустили серию кашемировых свитеров с вышитыми пайетками надписями с картин Лихтенштейна. А уж количество пар обуви, созданной по работам художника, и вовсе не счесть: кроссовки Nike, туфли Charlotte Olympia, кеды Vans и Converse — найдется пара на любой вкус и стиль жизни.

3. Кит Харинг

Работы Харинга настолько плотно вошли в современную культуру, что в прошлом году универмаг Colette запустил pop-up-магазин, весь заполненный вещами, созданными под влиянием его творчества. Целая коллекция маек, аксессуаров и даже скейтборды пользовались огромной популярностью. Гвоздем модной программы тогда стало платье, придуманное Vivienne Westwood. Это не первый раз, когда модельеры обращаются к творчеству знаменитого ученика Уорхола: дизайнер обуви Николас Кирквуд уже создавал провокационную коллекцию туфель по мотивам работ Кита, впрочем, как и adidas, и даже Томми Хилфигер (дизайнер выпустил резиновые сапоги со знаменитыми человечками Харинга).

4. Такаси Мураками

Один из самых успешных современных японских художников работает в очень близкой к поп-арту стилистике. Источник его вдохновения — культура манга и анимэ. Сам Мураками говорит, что «это более всего представляло современную жизнь Японии». Его интерес к моде как части современной поп-арт-культуры вылился в сотрудничество с Марком Джейкобсом для линии сумок и других предметов коллекции Louis Vuitton. В итоге бутики по всему миру превратились в сказочную «страну Мураками», населенную анимэ-персонажами и по-детски яркими цветами.

5. Яей Кусама

Дом Louis Vuitton вообще занимает первое место по количеству коллабораций с художниками поп-арта. Яей Кусама — японская художница, известная на весь мир своим узнаваемым рисунком в горошек, которым она заполняет комнаты, предметы и даже обнаженные тела своих ассистентов, не стала исключением. В 2012 году результат ее коллаборации с Louis Vuitton превратил бутики бренда в арт-инсталляции, а образ художницы послужил прототипом для манекенов витрин марки по всему миру. Сотрудничество с Кусама продолжило добрую традицию привлекать живописцев к работе над коллекциями Марка Джейкобса. До этого знаковые сумки уже превращались в произведения искусства с помощью Ричарда Принса и Стивена Спрауза.

Поп-арт или популярное искусство / Все о дизайне / Pollskill

Как появился поп-арт и где? Уже из названия понятно, что это стиль массовой культуры. Название придумал британский критик Лоуренс Аллоувэй из Института современных искусств Лондона в 1952-1955 годах. Он вместе со своими друзьями-коллегами анализировал визуальную культуру и читал иронические лекции, которые разъясняли зрителям, откуда растут ноги у своеобразных культурных образов. Во-первых, конечно, виновата война — в голодное послевоенное время товарное изобилие и потребительский образ жизни были мечтой, а вовсе не недостатком американской культуры. И не только американской — британская, французская подтянулись за ней, художники то бросали вызов правящей культурной элите, то, наоборот, пытались влиться в модные протестные течения.

Американский художник Том Вессельман

В работах художников того времени нет привычного для реалистов воспевания окружающей действительности. Наоборот, гротеск, присущий поп-арту, подчеркивает недостатки послевоенного общества, изголодавшегося по красивой богатой жизни. Поп-арт — абсолютно реакционный стиль, несмотря на кажущуюся новизну.

Основателями и наиболее известными творцами в стиле поп-арт были Энди Уорхол и Джаспер Джонс. Стиль — прямой родственник рекламы, и если в нем есть какой-то научный подтекст, то это психология влияния на потребителя. Художники и дизайнеры экспериментировали с упаковкой, товарами массового потребления, то есть, продуктами, имеющими коммерческое назначение. Некоторые из них, как Кит Харинг, массово использовали граффити.

Кит Харинг

А некоторые предпочитали комиксы, как, например, Рой Лихтенштейн. Ну а самый известный портретист — это, конечно, Энди Уорхол.

Американский художник Рой Лихтенштейн (Roy Lichtenstein)

Пара слов о технике. Коллаж, яркие цвета — все, что зацепило бы зрителя и своего рода дало бы ему толчок, пищу для эстетического наслаждения. Чем больше картина похожа на плакат из рекламы, тем лучше. Впоследствии далеко не одно изображение стало принтом для одежды, помещений. Поп-арт, подмечая людей в их повседневной жизни, знакомые и привычные объекты, стремился поднять массовую культуру до уровня изобразительного искусства.

Энди Уорхол (Andy Warhol)

Современные технические средства возродили этот стиль и даже позволили ему заиграть новыми красками. Предназначение — декор — стиль выполняет на все 100%, причем как в жилых помещениях, так и в офисах, где подобные картины сразу привлекают внимание клиентов и сотрудников. Очень популярен этот стиль в мебельном искусстве.

Реклама с удовольствием использует все приемы поп-арта. Возможно, это простое совпадение, но когда Энди Уорхол творил свои живописные шедевры, Дэвид Огилви создавал рекламу с нуля. Многие крупнейшие бренды так или иначе соприкасались с поп-артом и считали за честь приглашать художников создавать эмблемы. В какой-то мере все это происходит и сейчас.

Американский художник поп-арта Джеймс Рицци

Русский поп-арт | Журнал «ТРЕТЬЯКОВСКАЯ ГАЛЕРЕЯ»

«В стране тотального дефицита и очередей поп-арта не может быть», — сказал советский авангардист Виталий Комар перед тем, как в 1972 году изобрел политизированную разновидность постмодернизма с остроумным названием «соц-арт». Ряд друзей и коллег знаменитого «соц-артиста» не поверили этому замечанию и постарались совместно выработать такие формы искусства, которые поэт Генрих Сапгир назвал «русским поп-артом». Сегодня, спустя тридцать пять лет, вопрос о русско-советском поп-арте так и остается открытым. Был или не был стиль поп-арт в России?

Прежде, чем предложить ответы на этот вопрос, отметим бесспорный факт — сегодня в России поп-арт есть. Он широко разрабатывается в творчестве ряда выдающихся российских художников, за которыми стоят не только их младшие коллеги по цеху, но также дизайнеры, архитекторы, декораторы и модельеры, все, кто заимствует и адаптирует художественные идеи для разных видов прикладных искусств и ремесел. Поп-арт поддерживается все возрастающим числом коллекционеров и просто любителей новых форм эстетики. Поэтому можно утверждать: поп-арт не только существует, он сейчас в моде.

—
Владислав МАМЫШЕВ-МОНРО. Монро-Уорхол-Монро. 2005
Цветная фотопечать на холсте. Общество коллекционеров современного искусства

За прошедшие десятилетия со времени формирования стиля прояснилась и уточнилась его идеология. Во-первых, поп-арт массовое всегда предпочитает единичному. Это — его главная, родовая черта. Он устремлен к «публичности» и всеобщности. Само название стиля — «поп» как сокращение от слова «популярное», то есть «присущее всем», — свидетельствует об этих приоритетах. Поп-арт ориентирован на «выбор народа», на массовый вкус населения (во всех сферах, кроме самого искусства), на растиражированные огромными партиями предметы и образы. Художники поп-арта любят именно самый ходовой, наиболее востребованный продукт. Они его ставят на котурны, вносят в музеи, превращают в памятники. И напротив, поп-арт не терпит эксклюзивности, единичных, уникальных, штучных вещей, дорогих раритетов, ибо этот стиль вообще направлен против любой кастовости, как элитной, так и богемной. Поп-арт игнорирует субкультурные среды, местные и локальные традиции. Его не увлекают специфические особенности «духа» или «гения» какого-либо исторического места. Он не предрасположен ни к одной из классовых, возрастных или конфессиональных групп населения. Как любой эпохальный стиль, поп-арт воспринимает себя искусством глобальных, самых общих проблем современной цивилизации.

Он индифферентен к власти и вообще отрицает формулу культуры в виде противостояния двух лагерей — официоза и нонконформистов. Ведь согласно этому ментальному стереотипу, искусство рождается в схватке гладиаторов интеллектуального андерграунда с буйволами официозных «изящных искусств». Население в этом турнире не участвует, а довольствуется пассивной ролью зрителей. Однако схватка затянулась, борцы выдохлись и зрители, заскучав, покинули трибуны. Пошли развлекаться в Диснейленд или ВВЦ. Поп-арт ушел вместе с ними.

Второе важное предпочтение поп-арта — любовь ко всему «низкому», «уличному», банальному и бросовому, в том числе и к вещам, относящимся к сфере «материально-телесного низа». Поп-арт оперирует явлениями, которые отвергаются хорошим вкусом в качестве «низкопробных» вещей, «нелитературных» выражений или «антихудожественных» образов. Он устремлен к тому, что еще не нормировано, не санкционировано, не освоено «высокой» культурой: газетные образы, телевизионные клипы, рекламные имиджи, машинная печать этикеток и наклеек, пиктограммы, указатели и прочие бесчисленные изображения, повсеместно присутствующие в современном городе. Все эти разношерстные предметы ценны для художников поп-арта одним общим свойством. Они являются носителями общепонятных и общепринятых знаковых систем, позволяющих установить коммуникацию практически с каждым членом общества. Как в свое время Федор Достоевский, сделавший бульварный роман литературной нормой, или Михаил Ларионов, представивший вывеску образцом современной живописи, поп-арт устанавливает принципы нового искусства по законам языков массовых коммуникаций. И напротив, все те языковые формы и риторические фигуры, которые возносятся над бытовым горизонтом и являются воплощением изящества и тонкого вкуса, поп-артом решительно отвергаются вне зависимости от того, кто ими пользуется — президент академии или «подпольный» модернист.

Третья существенная особенность стиля поп-арт состоит в том, что для него не существует никакой иной реальности, кроме мира бытовых вещей и картинок. Когда художник поп-арта рисует портрет или пейзаж, то он изображает не живую натуру, а кем-то уже созданное изображение (рекламное, газетное, телевизионное, афишу, плакат и т.п.) Поп-арт любит менять масштабы, кадрировать, упрощать, «оживлять» образ. Тем не менее художник поп- арта всегда помнит, что копируемый образ есть всего лишь рисунок (или набор точек на телеэкране), а потому не забывает подчеркнуть составляющий его растр, пиксели, линии и потеки типографской краски. Поп-арт копирует изобразительные языки. Но и самого себя он также воспринимает именно языком, а не речью, не авторским высказыванием художника. В произведении поп-арта не слышен голос автора, и (в идеале) не угадывается его личность, душа, характер. Это не значит, что поп-арт пуст, холоден и бесчеловечен. Напротив, он умеет с помощью элементарных, расхожих знаков построить разные по смыслу и эмоциональной палитре образы, повествующие о любви, смерти, одиночестве, славе. Тяга к передаче пограничных человеческих состояний не удивительна. Ведь поп- арт родился и развивался почти одновременно не только со структурализмом и семиотикой, но и с экзистенциализмом.

Мог ли возникнуть поп-арт в советском обществе, где не существовало супермаркетов, рекламной индустрии, развитой сферы бульварной иллюстрированной прессы, комиксов и т.п.? Действительно, в скудном быте тех лет визуальная информация не отличалась большим разнообразием, но она все-таки была, так же как и «низовые» языки, и знаковые, заряженные богатыми метафорическими возможностями, бытовые вещи. Нарисованные на жести железнодорожные плакаты, пожарные стенды, указатели дорожного движения, конфетные обертки, графика папиросных пачек с горнопейзажными мотивами — вся эта незамысловатая оформительская продукция на рубеже 1960-1970-х годов вдруг наводнила картины-ассамбляжи наших авангардистов. Прямым влиянием идей американского искусства вряд ли можно объяснить этот поворот к объекту и знаку.

Вероятно, в отечественном искусстве середины 1960-х годов сложилась такая же кризисная ситуация, как и в американском авангарде конца 1950-х. Искусство тогда утратило потребность структурировать и эстетически переосмыслять бытовой контекст современной жизни. Оно превратилось в практику фиксации личных неврозов и фантазмов художника. Таков в Америке абстрактный экспрессионизм, игнорирующий какую-либо связь внутренних переживаний художника с окружающим миром «чистогана» и массовой культуры голливудского типа. В СССР аналогичный аутизм — уход в себя, в прошлое далеких исторических культур, во вневременные метафизические медитации — расцвел в творчестве художников- нонконформистов и лег отраженным светом на сновиденческие безлюдные пейзажи живописцев либерального крыла Союза художников. При всем различии культурная ситуация в США и СССР типологически была сходной. Художники отвергали современное им общество даже больше, чем оно не принимало их. Они в буквальном смысле ненавидели эстетические аспекты окружения, презирали и стыдились их, а потому выстраивали свое искусство по принципу радикальной оппозиции. Важно подчеркнуть, что это было не (или не только) политическое неприятие режима, но эстетическое отторжение условий быта и форм коммуникации с согражданами. В результате авангардное искусство начало вырождаться в салонный маньеризм самодостаточного, самовлюбленного творчества. Бунт против этой деградации искусства подняли лишь отдельные смельчаки.

В Нью-Йорке в круг бунтарей, замахнувшихся на «почтенный» абстрактный экспрессионизм, вошли пятеро (Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Том Весселманн, Джеймс Розенквист и Клас Ольденбург). Затем эта группа расширилась, но совсем немного. В Париже и Риме также отмечено весьма ограниченное число художников, решившихся перейти на идеологические позиции поп-арта и порвать с «высоким» искусством. Поэтому не удивительно, что и в Москве середины 1960-х годов кружок революционеров и борцов с «метафизическим» искусством был крайне узок (Михаил Рогинский, Михаил Чернышов и Борис Турецкий). С приходом в искусство молодого поколения 1970-х движение местного поп-арта расширилось до десяти художников и скульпторов (Александр Косолапов, Леонид Соков, Игорь Шелков- ский, Ростислав Лебедев, Дмитрий Пригов, Иван Чуйков, Александр Юликов), объединенных в несколько сотрудничающих групп. Как это принято в поп-арте, каждый из этих художников нашел свой вариант знака и объекта, свой узнаваемый брэнд, и на протяжении нескольких лет разрабатывал его, растиражировав во множестве произведений.

Как же получилось, что спустя всего 10-15 лет, когда появились первые публикации, критические и исторические тексты о новом, «постметафизическом» этапе советского авангарда, словосочетание «русский поп-арт» полностью выпало из употребления и заменилось терминами «соц-арт» и «московский концептуализм»? Для многих художников — зачинателей русского поп-арта, а также их коллег и последователей поп-артистские поиски начала 1970-х годов сыграли роль стартовой площадки, оттолкнувшись от которой они катапультировали себя в ряды последующих художественных движений. Эволюционное скольжение сквозь разные стилистические потоки без долговременного пребывания в каждом из них вообще характерно для русского искусства, вынужденного в рамках почти каждого следующего поколения осваивать слишком объемный и разнообразный опыт иностранного искусства, а также стараться выработать свои национальные версии стилей. Подобная ситуация напоминает обучение экспромтом, которое завершается не работой по специальности, а переходом в другой вуз ускоренного обучения. Кроме того, многие художники, начавшие работать в поп-артовском ключе, уже в середине 1970-х годов эмигрировали на Запад, где обратились по-преимуществу к соц-артовской, узнаваемо советской стилистике. Наконец, русский поп-арт не получил в свое время никакой выставочно-критической поддержки, не был должным образом объявлен, позиционирован среди родственных движений, поддержан закупками и заказами. В итоге вплоть до конца 1980-х годов поп-артовские поиски предшествующего десятилетия были совершенно забыты. А те немногие, кто помнил и хранил этот круг произведений, считали русский поп-арт не получившим продолжение эпизодом, курьезом и не более.

Тем временем в Россию вернулся капитализм, который в мгновение ока построил и общество потребления, и индустрию массовых маркетинговых зрелищ, а современных художников призвал к усвоению международного опыта неопопарта. В этой ситуации творческие поиски тридцатилетней давности оказались вдруг традицией, получающей свое продолжение, бесценным подспорьем для сегодняшней художественной работы.

Спонсоры проекта Компания «Стройтекс»
Генеральная Энергетическая Топливная Компания Посольство США в Москве
Организаторы выставки Государственная Третьяковская галерея Генеральный директор Валентин Родионов при участии
Музея «Другое искусство»
(коллекция Л. Талочкина) в РГГУ Фонда культуры «Екатерина»
Фонда «Новый»

Иллюстрации

Сергей ШЕХОВЦОВ. Кинотеатр. 2004
Инсталляция. Поролон. 500×300×150. Галерея Риджина

Александр КОСОЛАПОВ. Щеколда. 1972 (авторский повтор 2000)
Дерево. 97,5×52,5×31. Государственная Третьяковская галерея

Михаил РОГИНСКИЙ. Дверь. 1965
Дерево, масло, дверная ручка. 160×70×10. Музей «Другое искусство»

Игорь ШЕЛКОВСКИЙ. Пакет молока. 2005
Картон, акрил. Собственность автора

Александр КОСОЛАПОВ. Купальщица. 1974. (авторский повтор 1995)
Дерево, гипс, маслo

Леонид СОКОВ. Мишка косолапый. 1978
(Из инсталляции «Дефицитные продукты» для столовой завода «Динамо». Авторский повтор 2005). Фонд «Новый»

Михаил РОШАЛЬ. Хай, Энди! 1975 Холст, масло. Собственность автора

Авдей ТЕР-ОГАНЬЯН. Энди Уорхол. Campbells soup. 1990
Из серии «Картины для музея». Холст, масло. Общество коллекционеров современного искусства

Илья КАБАКОВ. Автомат и цыплята. 1966
Фанера, гуашь, холст, гипс. 100×100×50. Государственная Третьяковская галерея

Иван ЧУЙКОВ. Происшествие на дороге. 1982 (2005)
Оргалит, эмаль. Собственность автора

Василий ЦАГОЛОВ. Из серии «Блуждающее поле». 2004
Холст, масло.140×168. Галерея М.Гельмана

Владимир ЯНКИЛЕВСКИЙ. Торс женшины. 1965
Фанера, масло, смешанная техника. 153,5×99. Коллекция Екатерины и Владимира Семенихиных

Сергей ШУТОВ. «Небо…Небо…». 2003
Инсталляция. Фрагмент. Холст, масло. 200х150. Собственность автора

Олег КУЛИК. Оранжерейная пара. 1995
Инсталляция. Стекло, металл, цветы. 400×250×600. Собственность автора

Картины известных художников по лучшей цене — Отличные предложения на картины известных художников от мировых художников Продавцы картин известных художников

Отличные новости !!! Вы попали в нужное место для картин известных художников. К настоящему времени вы уже знаете, что что бы вы ни искали, вы обязательно найдете это на AliExpress. У нас буквально тысячи отличных продуктов во всех товарных категориях. Ищете ли вы товары высокого класса или дешевые и недорогие оптовые закупки, мы гарантируем, что он есть на AliExpress.

Вы найдете официальные магазины торговых марок наряду с небольшими независимыми продавцами со скидками, каждый из которых предлагает быструю доставку и надежные, а также удобные и безопасные способы оплаты, независимо от того, сколько вы решите потратить.

AliExpress никогда не уступит по выбору, качеству и цене.Каждый день вы будете находить новые онлайн-предложения, скидки в магазинах и возможность сэкономить еще больше, собирая купоны. Но вам, возможно, придется действовать быстро, так как эти картины известных художников в кратчайшие сроки станут одним из самых востребованных бестселлеров. Подумайте, как вам будут завидовать друзья, когда вы скажете им, что купили на AliExpress свои картины известных художников. Благодаря самым низким ценам в Интернете, дешевым тарифам на доставку и возможности получения на месте вы можете еще больше сэкономить.

Если вы все еще не уверены в картинах известных художников и думаете о выборе аналогичного товара, AliExpress — отличное место для сравнения цен и продавцов.Мы поможем вам разобраться, стоит ли доплачивать за высококачественную версию или вы получаете столь же выгодную сделку, приобретая более дешевую вещь. А если вы просто хотите побаловать себя и потратиться на самую дорогую версию, AliExpress всегда позаботится о том, чтобы вы могли получить лучшую цену за свои деньги, даже сообщая вам, когда вам будет лучше дождаться начала рекламной акции. и ожидаемая экономия.AliExpress гордится тем, что у вас всегда есть осознанный выбор при покупке в одном из сотен магазинов и продавцов на нашей платформе.Реальные покупатели оценивают качество обслуживания, цену и качество каждого магазина и продавца. Кроме того, вы можете узнать рейтинги магазина или отдельных продавцов, а также сравнить цены, доставку и скидки на один и тот же продукт, прочитав комментарии и отзывы, оставленные пользователями. Каждая покупка имеет звездный рейтинг, и предыдущие клиенты часто оставляют комментарии, описывающие свой опыт транзакций, поэтому вы можете покупать с уверенностью каждый раз. Короче говоря, вам не нужно верить нам на слово — просто слушайте миллионы наших довольных клиентов.

А если вы новичок на AliExpress, мы откроем вам секрет. Непосредственно перед тем, как вы нажмете «купить сейчас» в процессе транзакции, найдите время, чтобы проверить купоны — и вы сэкономите еще больше. Вы можете найти купоны магазина, купоны AliExpress или собирать купоны каждый день, играя в игры в приложении AliExpress. Вместе с бесплатной доставкой, которую предлагают большинство продавцов на нашем сайте, мы думаем, вы согласитесь, что вы получите картины известных художников по самой выгодной цене.

У нас всегда есть новейшие технологии, новейшие тенденции и самые обсуждаемые лейблы. На AliExpress отличное качество, цена и сервис всегда в стандартной комплектации. Начните самый лучший шоппинг прямо здесь.

Список 10 лучших поп-исполнителей 60-х

Культура | 6 августа 2019

Слева: фрагмент картины Роберта Раушенберга «Буффало II», 1964 год.Справа: «Smoker, 1 (Mouth, 12)» Тома Вессельмана, 1967.

Мы все видели «Банки с супом Кэмпбелла» Энди Уорхола и холсты из комиксов Роя Лихтенштейна — движение «поп-арт», появившееся в 1960-х, практически определяется этими изображениями. Но жанр — это нечто большее, чем эти двое — десятки художников достигли успеха, создав запоминающиеся произведения, которые мы относим к категории поп-арт.

А что такое поп-арт? Что ж, это, наверное, самое разнообразное направление искусства всех времен, поскольку здесь проявляется безумный диапазон стилей.Одна большая идея в поп-арте — рассматривать иллюстрации или коммерческий дизайн как высокое искусство. Это что-то вроде консервной банки или комиксов — идея о том, что продукт, созданный для массового потребления, является таким же предметом искусства, как и пейзаж во французской деревне. Поп-арт также напрямую извлекает образы из массовой культуры, вытягивая газетные фотографии или кадры из фильмов на шелкографию или коллажи.

Движение поп-арт возникло в 1950-х годах, по мнению некоторых, как реакция на абстрактный экспрессионизм (вспомним Джексона Поллока).Он бросил вызов традиционному изобразительному искусству, включив элементы в массовую культуру и найденные предметы. Несколько художников появились как часть движения.

Ричард Гамильтон: ранний новатор

Ричард Гамильтон, «Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» Источник: standard.co.uk

Британский художник Ричард Гамильтон, хотя и менее известен, чем Энди Уорхол, является одним из основателей движения поп-арт. Гамильтон родился в Лондоне в 1922 году. Он работал подмастерьем в компании, производившей электрическое оборудование, а затем поступил в Королевскую академию, чтобы изучать искусство, но его выгнали, потому что он был плохим учеником.После службы в армии он продолжил учебу в Школе изящных искусств Слейда.

Самая известная работа Гамильтона, коллаж «Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» Датируется 1956 годом и является первым известным произведением поп-арта.

Его философия рассматривала художника как участника потребительской культуры, а также обращала внимание на роль новых технологий в жизни людей: они были безумными и, должно быть, казались очень странными первым поколениям, использующим их.Он думал, что поп-арт будет «популярным, преходящим, одноразовым, недорогим, массовым, молодым, остроумным, сексуальным, бесподобным, гламурным и большим бизнесом». Его искусство помогло преодолеть разрыв между высоким искусством и культурой потребления. Его влияние можно увидеть в работах каждого поп-артиста, пришедшего после него.

Рой Лихтенштейн: Панель комиксов как искусство

«Напуганная девушка» Роя Лихтенштейна, 1964 год. Источник: (TheArtNewspaper.com)

Любитель джаза, пианист и кларнетист и, конечно же, художник, Рой Лихтенштейн учился в Университете штата Огайо, где он развил свои сомнения в общепринятых канонах и эстетике, поскольку люди по-разному воспринимают то, что является артистическим.Его призвали и отправили воевать в Европу. Он намеревался учиться в Сорбонне, но вернулся домой, когда узнал, что его отец болен, и получил степень в штате Огайо. В 40-х и 50-х годах его иконография была основана на печатных изображениях, и он создал кубистские переосмысления ковбоев и индейцев. Он имел тенденцию тяготеть к тому, что могло считаться худшими визуальными элементами, которые он мог найти, а затем работал над их улучшением. В 1957 году SUNY Oswego нанял его преподавать промышленный дизайн. Это привело его к преподаванию в Дуглас-колледже, женском колледже Рутгерского университета в 1960 году.Находясь в Дугласе, он вернулся к своей более ранней идее — рисовать героев мультфильмов с абстрактным фоном. Он добавил один из своих фирменных приемов: использование точек Бендея, которые используются в коммерческой гравюре (и да, в комиксах) для создания градаций цвета и текстуры.

Самые известные картины Лихтенштейна прославляют эффективное искусство и повествование комиксов за десять центов.

В конце концов он оставил работу и сосредоточился на своем искусстве. Он рискнул заняться гравюрой и вернулся к скульптуре.Его работы стали более абстрактными, поскольку он создавал работы, в которых мазки кисти были предметом живописи. В 70-х он вернулся к теме, которая его увлекала: восприятию, сосредоточив внимание на том, как люди принимают то, что они видят, как реальное, потому что они не анализируют изображения. Он также изучал другие движения, такие как кубизм, и начал работать художником-монументалистом. Его последней работой с художественным движением была серия « Китайские пейзажи », в которой с помощью градуированных точек смоделировались элементы картин династии Сун.

Джаспер Джонс: символы как структура

Джаспер Джонс, «Три флага», 1958. Источник: kcrw.org

Движимый философией, что процесс есть искусство, его искусство перешло от экспрессионизма к форме, известной как бетон. Он родился в Огасте, штат Джорджия, и вырос в Аделаиде, штат Южная Каролина. Он знал, что хочет стать художником с раннего возраста. После непродолжительного обучения в Университете Южной Калифорнии он переехал в Нью-Йорк в начале 1950-х, где познакомился с художниками, которые вдохновили его еще больше.Его ранние работы состояли из росписи флагов и карт.

Джаспер Джонс работал с повседневными, слишком знакомыми символами — флагом, картой, числами, алфавитом, яблочком.

Хотя Джонс использовал символы, означают ли они что-нибудь — другой вопрос. В некотором смысле знакомые формы были просто удобными контейнерами или структурами для рисования, которые могли быть абстрактными. В 28 лет у него была собственная выставка, и некоторые из его работ были проданы в Музей современного искусства. Он перешел к гравюру. Он также работал над скульптурами и сотрудничал с такими художниками, как Энди Уорхол, и создавал произведения для книг.Его работа снова изменилась, и он создал автобиографические произведения, что было отходом от более ранних работ, которые не были написаны эмоционально.

Роберт Раушенберг: коллажи из коллажей

«Буффало II» Роберта Раушенберга, 1964. Источник: Christies

До того, как Роберт Раушенберг стал художником, он изучал фармакологию в Техасском университете в Остине, а затем работал психоневрологом в корпусе военно-морского госпиталя в Сан-Диего после того, как был призван в военно-морской флот.Он поступил в Художественный институт Канзас-Сити и в конце концов учился у Йозефа Альберса в колледже Блэк-Маунтин. Он работал над коллажами, висящими сборками и небольшими коробками с найденными объектами с 1952 по 1953 год, а по прибытии в Нью-Йорк в 1953 году он начал свою серию «Красная живопись», которая включала найденные объекты и превратилась в серию «Объединить».

В работах Раушенберга найденные предметы сочетаются с переработанными изображениями, такими как увеличенные цветные газетные фотографии.

Серия «Комбайн» включала в себя элементы живописи и скульптуры, часто помещая в произведения искусства обычные предметы, такие как чучело орла, знак или подушку.Комбайны могут быть отдельно стоящими или подвесными. Он провел большую часть 1960-х годов, работая над совместными проектами, которые включали сценографию, перформанс, печать и даже хореографию. В 70-х годах он создавал шелкографию и произведения искусства, используя газеты и картонные коробки.

Том Вессельманн: Тело как товар

Том Вессельманн, «Великая американская обнаженная натура», № 99; 1968. Источник: (buypopart.com)

Том Вессельманн начинал как художник-карикатурист для мужских журналов.Он был известен своими обнаженными телами, которые сводили женщин к их эрогенным зонам. Он использовал яркие цвета, а его произведениям не хватало тонкости. Вессельманн не хотел, чтобы его называли поп-артистом, потому что, по его словам, его искусство не было культурным комментарием.

Работы Вессельмана, вероятно, были самыми эротичными из художников поп-музыки и сочетали в себе потребительство и вуайеризм.

Обнаженные фигуры или части тела Вессельмана существуют среди беспорядка продуктов или предметов домашнего обихода, предполагая, что человеческое тело — это всего лишь еще одна вещь, которую нужно съесть.

Клас Ольденбург: Гигантские обыденные вещи

Слева: «Бесплатная марка» возле мэрии Кливленда. Справа: «Ластик для пишущей машинки, масштаб X» в Художественном музее Нортона, Уэст-Палм-Бич, Флорида. Источники: Artcyclopedia; norton.org

Шведский / американский художник Клас Ольденбург окончил Йельский университет в 1951 году и продолжил обучение в Чикагском институте искусств с 1952 по 1954 год. Он рисовал и рисовал, но больше всего известен как скульптор.

Ольденбург создал огромные причудливые скульптуры из обычных предметов, таких как ножницы, губная помада и ластик для пишущей машинки.

Он заинтересовался экологическим искусством и устроил шоу в имитирующем магазине, заполненном гипсовыми предметами. С 1970-х годов он работал в основном по заказам и участвовал в архитектурных проектах.

Джеймс Розенквист: Сюрреалистические рекламные щиты

Джеймс Розенквист, «F-111» (фрагмент), 1965 г. Источник: PBS.org

Джеймс Розенквист изучал искусство в подростковом возрасте и продолжал изучать его в Университете Миннесоты с 1952 по 1954 год. Летом он рисовал рекламные щиты, и к этой работе он вернется в Нью-Йорке с 1957 по 1960 год.Он снял небольшую студию и к 1962 году провел свою первую персональную выставку. Розенквист создавал не только картины, но и гравюры, коллажи и рисунки.

Обучение Розенквиста как рисовальщика рекламных щитов отражено в его гигантских сюрреалистических полотнах, сочетающих новости, историю и продукты.

Он стал известен размерами своих работ, в том числе росписью в масштабе комнаты, F-111. Эта работа длиной 86 футов является современной исторической картиной, а его работа Time Dust считается самой большой гравюрой в мире, размером семь на тридцать пять футов.Он был вдохновлен текущими событиями на протяжении всей своей карьеры и использовал рекламные образы в своей работе.

Питер Макс: коммерческий иллюстратор Попа

Питер Макс, Discovery, 1992. Источник: (artbrokerage.com)

Питер Макс родился в Германии и немного переезжал со своей семьей, прежде чем оказался в Бенсонхерсте в Бруклине, штат Нью-Йорк. Он начал свое формальное художественное обучение в Лиге студентов-художников Нью-Йорка и продолжил обучение в Школе визуальных искусств в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк.В 1962 году он и Том Дейли открыли небольшую студию. Он, Дейли и Дон Руббо создали рекламные образы.

В отличие от большинства художников поп-арта, Питер Макс также является профессиональным иллюстратором, активно создавая коммерческие изображения — рекламу, плакаты — которые в первую очередь вдохновили поп-арт.

Популярность Макса выросла благодаря рекламной кампании un-cola для 7-Up. Его работы известны своими яркими цветами, он нарисовал для шести президентов, и его картины выставлены в различных U.С. посольства. Он также был официальным артистом ряда мероприятий, включая Суперкубок , и премию Грэмми. Он жив сегодня, хотя некоторые утверждали, что у него слабоумие, и возникли вопросы относительно подлинности его недавних работ.

Мел Рамос: Объекты и объективизация

Мел Рамос, «Энни»; 1972. Источник: frankfluegel.com

Мел Рамос был известен своими пикантными обнаженными телами и, вероятно, является самым противоречивым художником в этом списке.Он получил образование в Государственном колледже Сакраменто, в конечном итоге получив степень магистра. В его работах использованы насыщенные цвета, на которые повлияли рекламные изображения. На нем были изображены женщины, раздевающиеся на разных этапах, позирующие с предметами размером с человека, включая бокалы для мартини, сигары, свечи зажигания AC Delco, бананы Chiquita и сыр Velveeta.

Картины Мела Рамоса могут быть заявлением об объективации женщин. Или они могут просто объективировать женщин.

Его женщины были стилистически похожи на более ранних девушек в стиле пин-ап, что заставило некоторых заявить, что он высмеивал этот жанр.Некоторые критиковали его работу за то, что она объективировала женщин, в то время как другие утверждали, что Рамос использовал свои работы, чтобы высмеять использование секса в рекламе.

Энди Уорхол: знаменитый художник

Источник: (Викимедиа)

Возможно, самый известный поп-исполнитель, Энди Уорхол родился 6 августа 1928 года в Питтсбурге, штат Пенсильвания, городе, где сейчас находится музей, посвященный его творчеству. После окончания Технологического института Карнеги в 1949 году он переехал в Нью-Йорк, где работал для таких журналов, как Vogue, и Glamour. Он начал свою карьеру как успешный дизайнер рекламы, и это влияние заметно во многих его работах. Как он сказал: «Я просто рисую вещи, которые всегда считал красивыми, вещи, которые вы используете каждый день и никогда не думаете о них».

Изображения Уорхола часто критикуют окружающую нас культуру потребления. Некоторые из его работ критикуют то, как люди, например Мэрилин Монро превращается в товар.

В дополнение к своим картинам, он снял сотни фильмов за свою жизнь, например, Sleep , примерно пять с половиной часов, в которых поэт Джон Джорно спит в обнаженном виде.Его фильмы повлияли как на авангардные, так и на коммерческие фильмы.

Теги: Реклама | Энди Уорхол | Искусство | Клаас Ольденбург | Джеймс Розенквист | Джаспер Джонс | Мел Рамос | Питер Макс | Поп-арт | Популярные списки всего, что написано в эпоху Groovy | Ричард Гамильтон | Роберт Раушенберг | Рой Лихтенштейн | Скульптура | Том Вессельманн

Нравится? Поделись с друзьями!

---

Cyn Felthousen-Post

Писатель

Син любит историю, музыку, ирландские танцы, американский футбол и природу.Социальные сети — это тоже ее дело, она идет в ногу с трендами, а знаменитости — с позитивными новостями. Когда она не работает, ее можно встретить на прогулке или в походе с сыном. Carpe diem — ее любимая цитата, выбирайся и лови день!

---

10 типов абстрактного искусства, которые нужно знать и использовать в своих проектах

Абстрактное искусство может показаться эксцентричным, но оно гораздо полезнее, чем вы думаете. Вот десять видов абстрактного искусства, которые вы должны знать и использовать в своих проектах.

Читайте дальше, чтобы узнать больше о различных типах абстрактного искусства — от кубизма до сюрреализма, от мраморности до абстрактной органики — и о том, какие стили переосмысляются в современном дизайне, а также о том, как вы можете использовать абстрактные изображения в своих собственных проектах.

---

Что такое абстрактное искусство?

В то время как реалистическое искусство пытается представить реальную реальность, абстрактное искусство стремится к прямо противоположному. Ранние абстрактные художники, работавшие в конце 19 — начале 20 веков, использовали цвет, форму, форму и линии для создания картин, скульптур и рисунков, которые целенаправленно ощущались независимыми от идентифицируемых объектов, пейзажей и людей.Абстракция дала художникам новый уровень свободы для экспериментов с художественными методами и позволила этим художникам изменить традиционное значение понятия «искусство».

Посетители Музея современного искусства в Нью-Йорке рассматривают картину абстрактного художника Джексона Поллока. Изображение Бамбл Ди.

Абстрактное искусство шло рука об руку с развитием модернизма и постмодернизма, междисциплинарных движений, которые поощряли отход от традиционных подходов, стилей и способов мышления, унаследованных от эпох Возрождения, раннего модерна и викторианской эпохи.

В течение 20 века ряд движений защищал и выдвигал интерпретации абстрактного искусства, включая сюрреализм, дадаизм, кубизм и фовизм. Такие художники, как Пабло Пикассо, Пит Мондриан, Василий Кандинский, Барбара Хепворт и многие другие изобрели и усовершенствовали свои собственные версии абстракции, в результате чего картины и скульптуры сегодня считаются шедеврами.

Для современных дизайнеров абстрактное искусство — это термин, охватывающий огромное количество различных стилей и художественных подходов.Однако, как правило, все стремятся представить творчество, визуальность и художественное выражение нереалистично.

---

Почему абстрактные изображения полезны в дизайн-проектах?

Многие значимые движения графического дизайна, такие как швейцарский стиль 1950-х годов, стиль Мемфиса 1980-х и минимализм 1990-х годов, заимствовали свои реплики из мира абстрактного искусства. Геометрические формы, минималистичные макеты и яркие цвета — все это отличительные черты.

На протяжении 20-го века графический дизайн постоянно обращался к стилям абстрактного искусства для создания коммерческих плакатов, журналов, упаковки и брендинга.Почему абстрактное искусство так привлекает дизайнеров?

Во-первых, абстрактное искусство невероятно многогранно. Поскольку реальные объекты или люди не представлены в абстрактных изображениях, дизайнеры могут применять эти стили изображений к широкому кругу проектов. Абстракция делает акцент на визуальном настроении и индивидуальности изображения, а не на реалистическом содержании. Таким образом, дизайнер может придать дизайну определенный внешний вид, манипулируя цветом, формой и узором, сохраняя при этом нейтральность в дизайне.

Во-вторых, абстрактные образы обладают психологической силой. Ряд исследований показал, что абстрактное искусство может оказывать значительное эмоциональное воздействие на зрителя, возможно, отчасти потому, что абстракция освобождает мозг от доминирования над реальностью. Исследование 2012 года установило прямую связь между просмотром абстрактного искусства и чувством удовольствия. Помня об этом, опытные дизайнеры и бренды могут использовать абстрактные изображения, чтобы манипулировать настроением зрителя и даже повысить вероятность покупки продукта.

Зрители смотрят на абстрактную картину на выставке в Болонье, Италия. Изображение от starmaro.

Наконец, абстрактные образы связаны с современностью и авангардом в общественном восприятии. Компании, которые хотели бы быть связаны с чувством современности и новаторским подходом, часто используют абстрактные образы в своем брендинге и маркетинге.

Ниже вы узнаете о десяти стилях абстрактного искусства, на которые постоянно опираются дизайнеры, привлекая творчество, красоту и интерес в коммерческие проекты, а также о нашем редактировании лучших изображений для экспериментов для упаковки, веб-дизайна и полиграфических проектов.

---

1. Брызги, капли и брызги краски

Вдохновленный работами американского абстрактного экспрессиониста Джексона Поллока, изображения брызг краски и текстуры капель придают дизайн-проектам эклектичный и энергичный вид. Эти типы изображений особенно красивы в качестве фона для упаковки и крупномасштабных печатных дизайнов, таких как плакаты и баннеры, придают макетам цвет, текстуру и движение, создавая при этом удивительно однородный и универсальный фон для типографики и логотипов.

Изображение Джухку. Изображение Ensuper. Изображение Ксении Мартьяновой. Эти различные фактурные техники придают вашему дизайну энергичность и эклектичность. Изображение им классное.

2. Цвет блока

Искусство вышло на новый уровень абстракции благодаря работам американского художника Марка Ротко, известного своими масштабными картинами «Цветовое поле». Его монументальные полотна раскрывают психологический и драматический потенциал блочного цвета.

Чтобы воплотить блочный цвет в своих проектах, обратите внимание на Ротко, а также на работы голландского художника Пита Мондриана, одного из первых сторонников современного абстрактного искусства, для красочного графического вдохновения.

Оба этих художника были ключевыми источниками вдохновения для дизайнеров международного, или швейцарского, стиля 1950-х годов. И неудивительно — простые цветные блоки создают простой и потрясающий фон для макетов на основе сетки.

Изображение сделано Харе Кришна. Изображение V.stock. Изображение Рэйчел Брюнетт. Эти простые цветные блоки позволяют создавать потрясающие фоновые рисунки. Изображение SOMMAI.

3. Мрамор

Суминагаси, древнее искусство японского мрамора, возможно, является одной из самых ранних форм абстрактного искусства, первый известный образец относится к 10 веку.

Художник наносит цветные чернила на воду перед тем, как перенести их на впитывающую поверхность, например бумагу или ткань.Каждый образец мрамора уникален, а результаты получаются невероятно красивыми и абстрактными.

Поскольку бумага под мрамор использовалась в книжном производстве в 18-19 веках, этот художественный стиль прочно ассоциируется с издательским делом и интеллектуализмом. Попробуйте использовать мраморный фон в дизайне книг или канцелярских принадлежностей или используйте на веб-сайтах, чтобы придать цифровому дизайну больше тактильного качества.

Изображение предоставлено мисс Смайл. Изображение CARACOLLA. Изображение Лейлы Дивайн. Мраморные фоны позволяют создавать красивый и оригинальный дизайн книг, канцелярских товаров и веб-сайтов. Изображение предоставлено Prostock-studio.

4. Кубизм

В начале 20 века художники Пабло Пикассо и Жорж Брак стремились одновременно представить все возможные точки зрения на предмет или объект. Результатом эксперимента стал кубизм, стиль абстрактного искусства, в котором слабо идентифицируемые предметы выглядят фрагментированными и геометрическими.

Этот стиль был разработан русским художником Василием Кандинским, который абстрагировался от кубизма и считается многими искусствоведами пионером нефигуративного искусства.

Сегодня дизайнеры могут обновить кубизм с помощью низкополигональных фонов и архитектурных плоскостей, придавая трехмерное качество иммерсивности фоновым текстурам, векторным иллюстрациям и дизайнам приложений.

Изображение сделано Харе Кришна. Изображение пользователя Unconventional. Созданные под влиянием кубизма и нефигуративного искусства, эти низкополигональные конструкции и архитектурные плоскости станут отличной отправной точкой для вашего проекта. Изображение Сакэмомо.

5. Штриховая графика

Каталонский художник Жоан Миро сочетал абстрактные линейные рисунки и картины с сюрреалистическим сюжетом.Большая часть его работ использовала или находилась под влиянием процесса печати литографии, что, возможно, способствовало графическому восприятию его искусства.

Абстрактное линейное искусство, в котором простые непрерывные линии использовались для создания форм и форм, является отличительной чертой работ Миро и многих других абстрактных художников, работавших в 1950-х и 1960-х годах.

Line art прекрасна своей простотой и может использоваться дизайнерами для передачи концепций, а также для создания значков и логотипов.

Изображение Dinni91. Изображение предоставлено abstract_art7. Простота абстрактных линий идеально подходит для значков и логотипов. Изображение tutsi.

6. Мемфисский стиль

Эклектичный стиль Мемфис — результат движения, инициированного группой итальянских дизайнеров, архитекторов и художников в начале 1980-х годов. Стиль Мемфис подчеркивает геометрию, смелые цвета и узор и затрагивает целый ряд художественных стилей от ар-деко до китча.

Одни критики считают его безвкусным, другие любят веселую и экспериментальную энергию Мемфиса.Современные дизайнеры заново открыли для себя и возродили стиль Мемфис, и это оптимистичное и радостное настроение стиля, которое бренды сочли эффективным для привлечения и преобразования клиентов.

В этом году возрождение Мемфисского стиля переходит на трехмерную территорию. Созданные с помощью САПР рендеры и потрясающие 3D-фоны придают стилю новое преимущество.

Изображение предоставлено Bug_Fish. Изображение Ю.О. Чеха. Изображение предоставлено local_doctor. Эти плоские и трехмерные модели в стиле Мемфис возродились в мире искусства.Изображение предоставлено Ozz Design.

7. Абстрактная органика

Плавные, изогнутые формы и приглушенные цвета середины века — отличительные черты стиля абстрактного органического искусства. Такие художники, как Чарльз и Рэй Имз, пересмотрели и переосмыслили местные художественные стили 1950-х годов, что привело к созданию органических форм и акценту на натуральных материалах, текстурах и цветах.

Простая элегантность абстрактного органического стиля сделала его неизменным фаворитом среди дизайнеров на протяжении десятилетий, многие из которых используют этот стиль для брендинга, рекламы и упаковки.

Наивно нарисованные, органичные формы и иллюстрации могут работать как стильный плоский дизайн. Или попробуйте разместить абстрактные 3D-иллюстрации в качестве фона для макетов веб-сайтов.

Изображение предоставлено KarolinaCloud. Изображение предоставлено SF Stock. Эти абстрактные, органические художественные стили станут шикарным дополнением к любому дизайну веб-сайта. Изображение предоставлено Media Whalestock.

8. Полутона

Полутона описывает эффект точек, создаваемый при печати, путем разделения изображения на серию точек.Эффект был воспроизведен такими поп-артистами, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн. В 1960-х и 1970-х годах эти художники часто стремились сделать свои работы похожими на рекламные щиты в газетах.

Дизайнеры могут придать макетам нотку ретро, ​​используя полутоновые фоны или наложения. Или попробуйте поэкспериментировать с изменяющимся дизайном полутонов, чтобы добавить текстуры и интереса к градиентному дизайну. Яркие привлекательные цвета — естественный партнер для этого эффекта, вдохновленного поп-артом, или выберите монохромный, чтобы подчеркнуть его газетное наследие.

Изображение Spietsen. Изображение Vanzyst. Полутоновые текстуры создают эффект в стиле поп-арт. Изображение от jumpingsack.

9. Сюрреализм

Хотя сюрреалистическое искусство не является строго абстрактным, оно направлено на достижение искаженной версии реальности путем манипулирования реалистическими образами. Такие художники, как Сальвадор Дали, Рене Магритт и Фрида Кало, испытали влияние психоанализа, растущей области исследования и практики в начале 20 века. Их картины и скульптуры стремились расширить творческий потенциал разума путем сопоставления образов, которые казались иррациональными и нетрадиционными.

Хотя позже он был устаревшим абстрактным модернистским искусством, сюрреализм и сегодня продолжает вдохновлять художников и дизайнеров, которые ценят этот стиль за его способность удивлять и восхищать зрителя.

Чтобы направить сюрреализм в свои проекты, ищите нестандартные изображения статуй, предметов и людей. Найдите дизайны, в которых используются искажения, склейки или необычные концепции, чтобы предложить что-то уникальное для редакционных дизайнов, плакатов и изображений веб-сайтов.

Изображение от frankie’s. Изображение Zamurovic Photography. Изображение Фриды Мишо. Необычные концепции творят чудеса с постерами, редакционным дизайном и изображениями веб-сайтов. Изображение предоставлено Тити Луадтонгом.

10. Абстрактный рельеф и скульптура

Живопись часто рассматривается как доминирующее средство абстрактного искусства. Однако многие художники обращались к скульптуре и рельефу, чтобы воплотить абстрактные концепции в трехмерную форму.

Обратитесь к британской скульптуре Барбаре Хепуорт за абсолютным абстрактным вдохновением.Ее монументальные скульптуры, отлитые из металла, камня и дерева, представляют собой вершину модернистских достижений между 1930-ми и 1960-ми годами.

Даже плоский дизайн выиграет от трехмерных текстур и рельефных изображений, вдохновленных Хепуорт и ее современниками. Просмотрите нашу редакцию лучших абстрактных рельефных изображений, идеально подходящую для добавления динамизма и роскоши фону.

Изображение предоставлено pernsanitfoto. Изображение предоставлено wacomka. Абстрактные рельефные изображения добавляют динамичной роскоши фону.Изображение предоставлено Evannovostro.

---

Ищете больше художественного вдохновения? От известных художников, которые решили работать из домашних студий, до художников, определяющих современную дизайнерскую сцену Японии, — откройте для себя что-то творческое, которое вдохновит вас сегодня:

Изображение на обложке — KarolinaCloud.

Искусство ()

ИСКУССТВО В мире много искусств, но самые популярные из них: литература, музыка, театр, кино и другие.У каждого человека есть его или ее любимое искусство. Музыка всегда восхищала людей. Это трогает их сердца и заставляет их смеяться или плакать. Музыка слышна везде. В наше время есть много музыкальных жанров: классическая музыка, рок музыка, поп-музыка, клубная музыка и другие. Я могу слушать любой жанр Музыка. Это зависит от моего настроения. Когда мне грустно, я слушаю классическая музыка. Когда я счастлив, мне нравится слушать энергичное, быстрая музыка и тяжелый бит.Однако некоторые люди слушают один только музыка, которую слушают в любом настроении они в. Есть много замечательных произведений литературы. Известные писатели и поэты создали множество стихов, рассказов и романов. которые читают во всем мире. Русские поэты и писатели любят Пушкин, Толстой и Достоевский известны во всем мире. Их произведения переведены на многие языки. Театр — тоже популярный вид искусства.Есть много театры в России, но большинство из них находится в Москве. В Большой театр и Малый театр всемирно известны. если ты как опера, ты должен пойти в Большой театр. Билеты довольно дорого. Малый театр ставит драмы и пьесы по классическим романам. Я любитель театра. Я предпочитаю ходить в драматические театры. я не люблю оперу и балет. Не так давно я видел «Сон дяди». Достоевского в Театре Вахтангова.Спектакль мне очень понравился. Декорации были богатыми, и известные актеры играли очень хорошо. хорошо. После спектакля последовали бурные аплодисменты. В наши дни театры становятся все менее популярными, а кино получил большую популярность. В городе много кинотеатров. Москва: современно и старомодно, дешево и дорого. Современный фильмы полны аудио и компьютерных спецэффектов и людей сходите в кино, чтобы насладиться ими.В так называемых домашних кинотеатрах есть появился в последнее время. Все больше и больше людей покупают современные телевизоры с большие плоские экраны и специальное звуковое оборудование и просмотр фильмов дома. Мое любимое искусство — живопись. Мне нравится ходить в художественные галереи, чтобы посмотрите на картины. Я думаю, что такой вид искусства будет навсегда. Художники выражают свои чувства и эмоции в своих картины. В Москве много картинных галерей, но самая известная из них — Третьяковская галерея.Он имеет большой коллекции картин русских и зарубежных художников. Мой излюбленный жанр живописи — пейзаж. Я думаю что русский ландшафтные дизайнеры — лучшие в мире. Я люблю ходить в это галерея в свободное время. Один из моих друзей очень рисует хорошо. Она собирается поступать в Университет искусств, чтобы стать профессиональный художник. Но я считаю, что любители лучшие художники. К сожалению, у меня нет таланта к тому или иному искусству.я в детстве пела, но потом бросила. я так думаю искусство не для меня. Словарь: любитель [‘aemata] появляются [‘] аплодисменты [a’ploiz] балет [‘баэлей] украшение [, dek3’rerj (3) n] зависит от sth / sb [di’pend] — / — эмоция [1 ‘[()] оборудование [I’kwrpmant] существует [игзист] экспресс [икспрес] очаровывать [‘feemeit] плоский экран [‘fket’skriin] () сдавайся [»], пейзаж [‘kendskerp] настроение [грязь] старомодный [l3uld’fceJ (3) nd] популярность [pttpju’kenti] этап [steid3] () театралов [’91,] прикоснуться к сердцу [‘tAtfha: t] — ( ) Вопросы: 1.Какие искусства ты знаешь? Какие из них самые популярные? 2. Почему театр становится все менее популярным? Ты театралов? Почему бы и нет)? 3. Вы часто ходите в кино? Почему бы и нет)? 4. Какие твои любимые искусства? Почему?

Живопись и живопись — Интернет-музей Gallerix

Интернет-картинная галерея.
Огромная коллекция репродукций изобразительного искусства

Все наши впечатления, фантазии, архитектурные формы, предметы и пейзажи чудесным образом находят свое отражение в творчестве великих мастеров и известных художников. Без преувеличения можно сказать, что любая картинная галерея насыщает зрителя таинственным колоритом высокого искусства и неповторимыми оттенками внутреннего мира создателя картины.

Декоративные, монументальные, иконописные, циклорамы, миниатюры, диорамы — все это разнообразие придает каждому свой кусочек мира, характер и настроение.Несмотря на это, шаги по созданию очередной репродукции картин известных художников остаются загадочными и имеют специфическую загадочную дымку. Возможно, именно это дает возможность зрителю каждый раз с энтузиазмом наслаждаться богатой палитрой, необычными формами и возвышенной глубиной сюжета произведения.

Будучи истинным поклонником художника, как в первый раз, приятно наблюдать, как на поверхности холста проявляются новые образы и неумолимый поток краски.Художник же вдыхает жизнь в эти краски, и они игриво падают на холст нового творения, иногда широко и свободно распространяясь, а иногда выплескиваясь и мягко ложась слоями. Каждый мазок на репродукциях известных картин создает новый элемент. Это может воплотиться в вызывающем и неутомимом характере «Шторма у берегов Ниццы» Ивана Айвазовского или в мягких и теплых тонах «Швейцарского пейзажа с лошадьми» Алексея Саврасова.

Что интересно, любое воспроизведение одного и того же мастера открывает новые грани его таланта.Единственный решающий момент — это то, где художник черпает вдохновение в создании уникальных вариаций древних, средневековых или абстрактных линий. Художники в своем творчестве умело сочетают последнюю страницу загадочного прошлого и необъявленное настоящее. Возможно, поэтому художественная галерея дает вдохновение романтическому импульсу, обращенному к образам прошлого фигуративного или традиционного искусства.

Здесь мы видим вечный творческий поиск талантливых авторов как в прошлом, так и в настоящем.Если вам не терпится ощутить их дух и настроение, вернитесь сегодня в Третьяковскую галерею, Эрмитаж или Русский музей, единственное, что вам нужно — это скачать картины известных художников и насладиться их реалистичностью, цветным высоким искусством. И эти картины, как и много лет назад, не перестают удивлять ценителей живописи. Многие художники в своих работах обращаются к истории, к образам прошлого века. Это делает репродукции не только ценными с художественной точки зрения, но и интересными интеллектуально. Поклонники старых и современных живописных форм ценят также «дыхание жизни».«Каждый штрих, блики и оттенки передают богатую реальность объекта в целом. По этой причине Леонардо да Винчи однажды сказал о картине как о видимой поэзии. Взгляните поближе на богатую палитру знаменитого« Букета роз »Ренуара. In A Green Vase ». С первого момента кажется, что мы чувствуем манящий сладкий аромат, чувствуем нежность каждого лепестка и свежесть капель росы. А искусство Андерса Цорна — это гимн женской красоте, чувственности и элегантность.Художник мастерски передал современную эстетику ню, наполненную высоким академическим стилем и динамикой футуризма.Несомненно, репродукции картин известных художников позволяют по-новому взглянуть на привычные вещи, изображенные на холсте. Они не только радуют невероятным богатством красок и оттенков, но и передают людям красоту окружающего мира, пробуждают в них лучшие чувства.

Сегодня Gallerix.ru — крупнейшая онлайн-галерея в русскоязычном Интернете (Рунете), где представлены картины изобразительного искусства, репродукции картин российских и зарубежных художников, а также коллекции крупнейших музеев мира.Наша еженедельно обновляемая галерея теперь содержит около 25 000 изображений в высоком разрешении, из которых более 150 000 картин находятся в архиве сайта. Мы надеемся, что вам понравится ваш тур по нашим галереям и вы найдете что-то полезное или интересное для вас. Добро пожаловать и благодарим вас за посещение нашего сайта!

Общие новости
Культура
Photoshop Online

Zap! Характеристика, история и факты движения поп-арт

Смелая, красочная, остроумная, юная, гламурная, преходящая! Поп-арт — это все и многое другое.Эта статья ArtHearty отправит вас в художественное путешествие по одному из самых популярных направлений в искусстве — Движению поп-арта.

Не так уж и дешево!

Произведение Энди Уорхола Eight Elvisses было продано в 2009 году за 100 миллионов долларов США, что сделало его пятым по цене произведением искусства из когда-либо проданных. Другая его работа, Green Car Crash , была продана в 2007 году за 71,7 миллиона долларов США.

False Start Джаспера Джонса стало девятым самым дорогим произведением искусства в истории, когда оно было продано за 80 миллионов долларов.

Хотите написать для нас? Что ж, мы ищем хороших писателей, которые хотят распространять информацию. Свяжитесь с нами, и мы поговорим …

Давайте работать вместе!

Поп-арт — это популярный, преходящий, расходный материал, недорогой, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, бесподобный, гламурный и большой бизнес. — Ричард Гамильтон

Эта строка лучше всего описывает поп-арт и движение, которое привело к его популярности. Изначально искусство ограничивалось только вещами, достойными эстетического смысла, такими как обнаженные человеческие тела, человеческие лица, пейзажи и натюрморты.Но началось движение поп-арта, в которое вошли такие знаменитости, как Мэрилин Монро, Элвис Пресли, популярные продукты питания, фирменные товары, предметы домашнего обихода и т. Д. Оно было вдохновлено современным обществом, новостями, журналами и даже комиксами.

В этой статье ArtHearty обсуждаются характеристики и значение этого движения, а также некоторые известные поп-исполнители и их работы.

Характеристики механизма

★ Поп-арт был визуально привлекательным, так как использовались яркие и смелые цвета, такие как красный, желтый, синий.Такие приемы, как блокировка цвета, использование черных контуров и точек Бендея — техника печати, в которой точки используются для визуализации эффектов — были значительным аспектом движения поп-арт.

★ Шелкография с использованием акриловых красок также стала очень популярной. Окраска стала намного четче, а линии четче.

★ Повторяющимися темами в поп-арте были еда, предметы домашнего обихода и многие другие обыденные предметы. Невообразимые объекты, такие как туалеты, также были частью поп-арта. Например, «Мягкий туалет» Класа Ольденбурга.

★ Использовались логотипы, торговые марки и названия продуктов.

Что побудило к движению

★ Основная идея этого движения заключалась в том, чтобы доказать, что искусство не элитарно, оно может касаться простых людей или повседневных вещей.

Хотите написать для нас? Что ж, мы ищем хороших писателей, которые хотят распространять информацию. Свяжитесь с нами, и мы поговорим …

Давайте работать вместе!

★ Это была сильная реакция на абстрактный экспрессионизм , распространенный после Второй мировой войны.Поп-арт был успешной попыткой отвлечь общество от абстракции.

★ Поп-арт в определенной степени был вдохновлен движением Дада, но в то же время отличался от него. Дадаизм был направлен на антиискусство, тогда как поп-арт — это искусство для масс.

Эволюция поп-арта

★ Одно из самых популярных направлений в искусстве, движение поп-арт зародилось в Великобритании в начале 1950-х годов и распространилось в Америке к концу 50-х годов.

В Великобритании

★ Группа художников, скульпторов, писателей и критиков под названием Independent Group была предвестником движения поп-арт в Великобритании.

★ Эдуардо Паолоцци, соучредитель группы, создал серию коллажей под названием Bunk! На них повлияли журналы, комиксы и другие графические работы, представляющие современное общество.

★ Фактически, одна его работа «Игрушка богатого человека » была первым произведением искусства, на котором было слово «популярность». Это было написано на дыму, выходящем из револьвера.

★ Британское движение поп-арт использовало сильный символизм американского общества и его растущего процветания.

В Америке

★ Художники начали использовать иронию и пародию, а также вдохновение из реальной жизни, чтобы отказаться от абстрактного экспрессионизма.

★ К 1960 году поп-арт официально стал известен, и такие художники, как Клас Ольденбург и Джим Дайн, провели свои первые выставки.

★ Энди Уорхол, самый популярный поп-исполнитель всех времен, провел свою первую персональную выставку в 1962 году.

★ Поп-арт в Америке был намного более смелым и агрессивным, чем его британский аналог.

Американские исполнители поп-музыки

★ Роберт Раушенберг
★ Джаспер Джонс
★ Рой Лихтенштейн
★ Энди Уорхол
★ Джим Дайн
★ Роберт Индиана
★ Рэй Джонсон
★ Алекс Кац
★ Клас Ольденбург

Британские исполнители поп-музыки

★ Сэр Питер Блейк
★ Патрик Колфилд
★ Ричард Гамильтон
★ Дэвид Хокни
★ Аллен Джонс

Самые популярные произведения

★ Я был игрушкой богача , Эдуардо Луиджи Паолоцци
★ Flag , Джаспер Джонс
★ Кровать , Роберт Раушенберг
★ Что именно делает сегодняшние дома такими разными? , р.Гамильтон
★ Dual Hamburger , Клас Ольденбург
★ 210 бутылок кока-колы, Энди Уорхол
★ Мэрилин Монро , Энди Уорхол
★ Банка супа Кэмпбелла , Энди Уорхол
★ Любовь , Роберт Индиана
★ Ale Cans , Джаспер Джонс
★ Сувенир , Джаспер Джонс
★ Brillo , Энди Уорхол
★ Утопающая девушка , Рой Лихтенштейн
★ Вау! , Roy Lichtenstein
★ Estate , Robert Rauschenberg
★ Field Painting , Jasper Johns
★ Choke, Robert Rauschenberg
★ Retroactive , Robert Rauschenberg
★ Great American Nude , Tom Wesselmann
★ Напольный торт, Клас Ольденбург
★ Тройной Элвис , Энди Уорхол
★ F 111 , Джеймс Розенквист
★ Закусочная , Джордж Сигал
★ Электрический стул , Энди Уорхол
★ Большая картина No.6 , Рой Лихтенштейн
★ Мягкий туалет , Клас Ольденбург
★ Ингрид Бергман , Энди Уорхол
★ Большой всплеск , Дэвид Хокни
★ Лисп , Эдвард Руша
★ Геометрическая мышь , Клас Ольденбург
★ Софа Джо , Де Пас, Ломацци, Д’Урбино
★ Бургер на полу , Клас Ольденбург
★ Натюрморт с чашей для золотой рыбки , Рой Лихтенштейн

Значение

★ Что делает движение поп-арта таким значительным, так это то, что оно принесло искусство обычному человеку.Он служил мостом между коммерческим и изящным искусствами.

★ Поп-арт отражает современное общество; таким образом, зрители могли прикоснуться к искусству. Это произвело сильное визуальное впечатление на публику.

★ Хотя критики презирали его и назвали большой шуткой без всякого юмора; это было привлекательно для широкой публики.

★ Художники начали экспериментировать с разными медиумами, что внесло в искусство новизну. Акриловая живопись, коллаж на холсте, шелкография, использование контрастных цветов сделало искусство более привлекательным.

★ Поп-арт, поп-исполнители и их работы оказали влияние на поколения художников. И даже сегодня мы можем видеть множество отсылок к поп-арту в графике.

Раушенберг считал, что живопись больше похожа на реальный мир, если она создана из реального мира. В этом суть движения поп-арт.

Нравится? Поделиться этим!

.