***

Устроена экспозиция следующим образом: всем значительным, по мнению устроителей выставки, художникам гипотетического русского поп-артистского движения даны если не по залу, то по стене. Их сопровождают произведения менее значительных авторов. Начинается выставка с зала Михаила Рогинского, объявленного зачинателем поп-арта в России, – «Преддверие поп-арта в России». Это работы разного времени, от 60-х до 90-х, подобранные так, что определить время создания каждой довольно трудно. Рядом с Рогинским близкие по настроению и методу рисунки Турецкого – конца 60-х… Дальше вещи 60-х весьма важные, на взгляд организаторов, для конституирования поп-арта в русском искусстве. Они, казалось бы, подтверждают гипотезу авторов выставки о русском поп-арте как особом региональном художественном движении или тенденции. С помощью этих экспонатов создается иллюзия реальности русского поп-арта. Авторы как бы говорят зрителю: пусть русский поп-арт и значительно запаздывает по сравнению с британским и американским (50 – 60-е) и по сравнению с французским новым реализмом (1960 год), ведь Россия – страна догоняющего развития, но тем не менее вот он, русский поп-арт, налицо.

Эта иллюзия поддерживается примерами из Кабакова, Волохова и даже Янкилевского, с помощью единичных вещей отдельных художников-нонконформистов – нестройно датированных то 60-ми, то 80-ми и 90-ми – коллажей и монтажей из предметов. Но вот именно датировка и сеет сомнение в реальность поп-арта в СССР – России. Многие экспонаты Рухина, Гросицкого, Немухина, Смертина и других предстают перед зрителем скорее в качестве эпизодов в творчестве этих мастеров. Другие же экспонаты, например, ассамбляжи Турецкого 1974 года, по мнению авторов выставки, предваряющих зрелый московский вариант поп-арта, ставят под сомнение возможность столь позднего генезиса региональной тенденции поп-арта. Боюсь, в 1974 году эти работы выглядели как запоздалые упражнения по пропедевтике. Вообще хотя ассамбляж и был одним из наиболее часто применяемых поп-артистами и новыми реалистами приемов, в нем нет ничего специфически поп-артистского. Скорее это связано с подражанием дада, что дало повод называть поп-арт и новых реалистов неодада.

Зрелый русский поп-арт начинается, по мнению авторов выставки, «Дорожным знаком» Ивана Чуйкова 1973 года. Что, впрочем, выглядит довольно произвольно и малодоказательно, если мы решим считать саму выставку аргументацией заявленной исторической концепции. Экспликация объясняет, что в этой работе Чуйков смог добиться особого поп-артистского живописно-скульптурного сплава. Но почему за таковой не был взят живописно-скульптурный объем Кабакова 1965 года, изображающий автомат и цыплят, или работы 70-х Вячеслава Лебедева, непонятно. Скорее всего, авторы концепции решили не объявлять основателя московского концептуализма еще и основателем русского поп-арта. Хотя, на мой взгляд, это произведение Кабакова намного легче корреспондируется с оригинальным поп-артом и новым реализмом. Видимо, решение объявить началом московского поп-арта работу Чуйкова объясняется большим ее сходством с набором образов, в памяти русского знатока западного искусства помеченным ярлыком «поп-арт», который сегодня все больше сводится к творчеству одного Уорхола. Хотя, как мне представляется, если нам кажется, что чем-то напоминающие американские (на самом деле совершенно иные) социальные условия, советская массированная пропаганда, аналогичная массированной американской рекламе, и наличие средств коммуникации, таких как телевидение, могут служить поводом для обоснования поп-арта в качестве органически русского явления, то имеет смысл искать не внешнего сходства, но внутреннего. В то же время пока никто не смог доказать, что похожие процессы, например индустриализация, порождают во всех странах полностью совпадающие явления в надстройке, в том числе искусства-близнецы, даже не внешне, но внутренне схожие. С другой стороны, авторы концепции имеют право назначить в качестве первого полноценного произведения русского поп-арта любой экспонат, а основоположником – того, кто им больше нравится.

Бросающимся в глаза недостатком раздела «Московский поп-арт» является то, что он во многом состоит из повторений или произведений, по характеру и хронологически никакого отношения к названной тенденции не имеющих. Если Косолапов и Соков, продолжатели Ольденбурга и Рогинского, достаточно легко вписываются в мечту о русском поп-арте из-за внешнего сходства с предметами Ольденбурга и Уорхола, то работы Александра Юликова конца 80-х совсем выпадают из образа, несмотря даже на то, что в своих опусах художник играет с мотивами Джаспера Джонса и Роберта Индианы. Вообще нечто поп-артистское можно найти в мастерской почти любого художника 60 – 80-х годов, независимо от генеральной линии его творчества и степени его официальности, впрочем, как и нечто абстракционистское или сюрреалистическое, что ни в одном случае не привело к формированию устойчивых художественных движений, вообще движений, аналогичных западным.

Последний раздел русского нео-поп-арта столь же растянут по времени и не очерчен как исторический процесс (даже если принять во внимание «неравномерность развития» творчества каждого приписываемого к поп-арту русского художника), как и два первых раздела выставки. Начинается раздел нео-поп-арта с обращений русских художников – Михаила Рошаля, Юрия Альберта, Вячеслава Лебедева – к американским поп-артистам. Первое из этих обращений – картина Михаила Рошаля, изображающая стеклянную банку с советскими консервами, – «Hi, Andy!». Более известны автопортреты Юрия Альберта, стилизованные под уорхоловские. Здесь же помещена его копия комиксовой картины Лихтенштейна с измененным текстом в пузыре. Рядом с посланиями братьям по разуму находятся увеличенные старые советские карикатуры на современное искусство опять же Альберта, свидетельства отторжения советской культурой послевоенного западного культурного проекта. Однако ничего специфически поп-артистского в этих произведениях нет. В них легко угадывается традиция московского концептуалистского каламбура.

Далее идет целый зал симуляций произведений Уорхола и Джаспера Джонса кисти Авдея Тер-Оганьяна. Их смысл трудно определим. Больше всего они напоминают пропедевтику: русский художник учится у обожаемых американских коллег. От Тер-Оганьяна разительно отличаются новорусские «нео-поп-артисты», капиталистические художники, Мамышев-Монро, дуэты Виноградов и Дубосарский, «Синие носы». Эти художники откровенно заняты развлечением своего зрителя и покупателя. Голые женские тела на фоне русских «народных» орнаментов «Синих носов», их же стилизованное под бандитские сериалы видео. Рядом серия новорусских картин Виноградова и Дубосарского, хотя и сильно напоминающих раннего Розенквиста, однако полностью лишенных ироничности американского коллеги. Русские художники открыто воспевают быт и ценности нового класса богатых.

Наконец, далее идут почти все находящиеся на поверхности сегодняшней художественной жизни творцы. В подавляющем большинстве это те, кто выполняет социальный заказ новой русской буржуазии: Олег Кулик, Ростан Тавасиев, Татьяна Антошина… Странным образом в этот ряд попали Алексей Каллима со «злыми чеченами» – «Мюриды» – и два молодых художника, москвичка Диана Мачулина и нижегородский художник Николай Олейников, чьи работы, скорее всего, сделаны специально для выставки. Явно эпизодический и школярский характер имеют «поп-артовские» торты Ольги Чернышевой, совершенно не типичные для зрелого творчества художницы. В то же время мало представлены те, кто действительно подвергся сильному влиянию поп-арта и французских новых реалистов, – Игорь Березовский и Наталья Турнова, для которых творческий опыт поп-арта и новых реалистов жизненно важен.

***

Столь подробный рассказ о выставке понадобился мне, чтобы показать, что экспозиция не стала аргументом в защиту концепции о существовании в СССР и современной России поп-арта. Мне понятны благие намерения организаторов выставки по созданию привлекательного образа русской культуры, развитие которой проходило якобы подобно тому, как это было в англосаксонских странах и зависимой от США Западной Европе, и так же, как там, протекало в рамках послевоенного американского культурного проекта. Мне близки и усилия авторов выставки по продвижению современного искусства в массы наших далеких от современного искусства современников. Однако хронологическое несовпадение генезиса тенденции у нас и на Западе, немногочисленность предполагаемых ее участников, эпизодичность «поп-артистских» опусов для большинства русских художников, а главное, иной характер творчества предположительных творцов русского поп-арта никак не подтверждают гипотезу организаторов. Никакого русского поп-арта не было.

Невозможно серьезно рассматривать и аргумент Андрея Ерофеева, согласно которому возвращение в Россию капитализма ведет к возвращению в лоно contemporary art, по той простой причине, что, когда в 1918 году Россия вставала на альтернативный капитализму путь развития, contemporary art еще не существовало. Даже если мы себе представим, что русское искусство, догоняя ушедший далеко вперед Запад (кстати, куда, собственно, он мог уйти?), наспех достраивает у себя недостающие элементы, подобно тому, как это было сделано с институтами парламентаризма и либеральности. Однако современное искусство, если отбросить обычные нечестные спекуляции, с помощью которых к современному искусству приписывают европейский и русский авангард, – феномен поздний. Contemporary art по происхождению и по сути явление относительно молодое и скорее американское, точнее англо-американское, чем европейское, искусственное и искусственно привитое в Европе в эпоху холодной войны страной-победительницей, при том что его формы несомненно европейские, т.е. заимствованные. Чего стоит проталкивание в течение 50-х годов американского абстрактного экспрессионизма и скандальная история по лоббированию американцами Гран-при Венецианской биеннале 1964 года, врученного, как того и требовали американцы, Роберту Раушенбергу.

Конечно, в наше время общепризнано, что contemporary art – явление глобальное, венец развития искусства, так же как парламентская демократия – вершина совершенствования политических институтов человеческого общества. И что, подобно парламентаризму, современное искусство можно насадить где угодно, невзирая на национальные и региональные традиции и вообще на уровень развития той или иной культуры, не только в России, в прошлом стране художественного авангарда, но и в Китайской Народной Республике, где еще несколько десятилетий назад молодые революционеры без особенного успеха пытались покончить с пятитысячелетним господством конфуцианства. Сказанное касается и поп-арта, хотя защитник глобальности поп-арта может указать на его национальные варианты, например на новых реалистов во Франции. Действительно, в списках поп-артистов, кроме Армана и Кристо, есть и Герхард Рихард. Художников разных стран поместили в один атлантистский список, в единое арт-НАТО – Index of Pop-Artists^.

На это можно возразить: европейские «параллели» вовсе не совпадают с поп-артом. И вообще contemporary art вовсе не обязательно должен был стать столбовой дорогой мирового искусства. Если бы не американские претензии на культурное лидерство и желание обозначить радикальное различие между западной и советской культурой, мир бы продолжал жить в традиционном культурном проекте, к которому, кстати, относился и авангард^{. Культурный раскол между Россией и Западом был искусственно создан на пороге 50-х Соединенными Штатами. После чего, как известно, проект этот был более или менее успешно насажден в Западной Европе и даже в социалистических странах. Но вот в России прививался с трудом. Для послевоенной России более характерна работа с собственными корнями, с русским и советским модернизмом, как в официальном искусстве, так и в неофициальном. Вот почему относить Рогинского и Турецкого к поп-арту, т.е. к искусству холодной войны, как это делает Ерофеев, не слишком корректно. Тем более, тот же Рогинский так и не принял contemporary art, притом, что прожил на Западе последние двадцать пять лет своей жизни.}

Здесь имеет смысл привести довольно обоснованное мнение тех, кто считает социалистический реализм апогеем русского авангарда и во многом подобием американского поп-арта, оспаривая тем самым авангардистское первородство поп-арта. Я с этим мнением согласен лишь частично. Социалистический реализм не был вершиной русского авангарда. Но социалистический реализм был первой искусственной, совершенно волюнтаристской культурной конструкцией. Своего рода инновационным продуктом. Вторым подобным продуктом стал американский contemporary art^{. Не принимая современное искусство, впрочем, как и соцреализм, Михаил Рогинский отрицал право на жизнь подобных искусственных культурных продуктов. Может быть, поэтому он и не любил дизайн, но ценил посконную естественность нехитрых предметов советского обихода, которые можно было перечислить на одной страничке ученической тетрадки.}

Вот почему, на мой взгляд, Рогинский, возможно, и вместе с ним Турецкий, заслуживают серьезного концептуирования их находок, но вот ярлык «поп-арт», никак не проявляющий своеобразие этих художников, не подходит для характеристики их творчества. Придется историкам искусства придумать более точный термин.

Несколько сложнее выглядит вопрос о соц-арте, который был калькой с американского поп-арта и в котором больше внешнего сходства с произведениями поп-артистов, но и это, как говорится, не бином Ньютона. Действительно, Александр Косолапов прямо подражал Ольденбургу, а Комар и Меламид изображали свои профили в соответствии с советским каноном изображения вождей. Но все же они, согласно Ерофееву, понимали, что в СССР поп-арта не может быть. Это значит, что даже прямые подражатели американского поп-арта хорошо понимали: и калька, прямое подражание, не остается тем же самым в ином культурном контексте, что и копируемый оригинал, не делает их поп-артистами. Отсюда остроумный ярлык – соц-арт. И поэтому, видимо, у Косолапова и Сокова так много работ демонстрируют именно различие между американским «поп» и советским «соц» – Сталин с Мерилин Монро etc. Кстати, почему поп-арт в СССР так и не задействовал образы таких развитых областей советской массовой культуры, как популярная музыка и кино? Думаю, по причине того, что поп-арта в СССР не было.

***

Невозможно согласиться и с утверждением Ерофеева о том, что гипотетический современный русский нео-поп-арт соответствует недавно объявленному русскому обществу потребления, подобно тому, как поп-арт в прошлом соответствовал американскому обществу потребления. Не вдаваясь в детали, следует указать на то, что общества потребления в России нет^{, как не было его в СССР, где, по предположению Ерофеева, тридцать – сорок лет назад возник русский поп-арт. Не было общества потребления в 1960 году и во Франции, где Пьер Рестани концептуировал новых реалистов. Американское общество потребления во многих отношениях явление уникальное. Никто никогда нигде не будет жить так благополучно, как американцы 50 – 60-х, даже сами американцы. Не могло быть общества потребления и в Советском Союзе, где сорок пять лет после войны царила ограниченно товарная мобилизационная экономика с ее склонностью к нормированию потребления и дефицитом не только предметов роскоши, но и предметов широкого потребления. Потому СССР никак не походил в качестве родины регионального варианта поп-арта. Это касается и коммуникационного режима, которые в СССР и США были совершенно разными. Если основным содержанием американской коммуникации была коммерция с замаскированным политическим коннотатом, то в СССР главным содержанием коммуникации была политика. Ко всему прочему, в СССР не было системы галерей и музеев, через которые художник-поп-артист смог бы вступить в контакт со зрителем.}

***

Однако если не ставить перед собой задачу доказательства существования русского поп-арта, у нас было довольно много продуктивных попыток освоения его опыта в тех аспектах, которые были понятны русскому художнику, находившемуся в русской реальности, и таким, каким поп-арт виделся из русского далёка. Собственно, устроители много для этого сделали. Хотя за бортом осталось несколько ярких феноменов. Среди них выставочный отдел ВНИИТЭ 60 – 70-х годов. Единственно известный его продукт – теоретик архитектуры и дизайна, педагог Александр Ермолаев и его сподвижники. Другим активным «поп-артистом» отдела был Игорь Березовский, дизайнер, плакатист, фотограф, шелкограф. Кроме живописных приемов, больших красочных плоскостей и решительных контуров, Березовский получил от поп-артистов другой дар – обыденность, которая для советских художников существовала лишь в виде сервизов и интерьеров ателье и частных квартир, а также крестьянского быта. Уорхол и поп-арт раскрыли русским художникам глаза на реальность. Когда, подражая поп-арту, русский художник приклеивает к картине старые предметы, он как бы касается самого вещества вещей, чего ему не позволяла предметная иерархия советского искусства. Когда Березовский фотографировал бедные предметы советского быта и раскрашивал анилином свои фотографии, он обнаруживал их для нашего сознания.

Если сегодняшний русский капиталистический художник воспринимает Уорхола и поп-артистов в целом как певцов вселенной VIP, с ее VIP-иерархией предметного мира, то Березовскому поп-арт открыл мир вещей, как сказал бы Тадеуш Кантор, низшего ранга, которые Рогинский до того нашел самостоятельно. И эта сторона понимания поп-арта, связанная с его реализмом, для русского искусства оказалась куда важнее, и плодотворней, и тотальней, чем манипуляции с до сих пор малопонятной реальностью «общества потребления», которое не что иное, как идеологический миф.

Все о поп-арте :: Впечатления :: РБК Стиль

Молодежный стиль поп-арт в дизайне

Что такое поп-арт?

Поп-арт является художественным направлением, который использует образы материальных реалий, предметов, явлений из повседневной жизни людей, и напрямую обращен к массовой культуре. Образы, взращенные на удовольствиях человека, вырываются из привычного нам контекста и помещаются в совершенно иную, искусственную реальность, тем самым приобретая новые качества и утрачивая старые.

Художник в стиле поп-арт не был ограничен в четких правилах и нормах, он мог для своей работы использовать совершенно разные материалы, а образы, в большинстве случаев, банальные и примитивные, брались из визуальных удовольствий человека – из телевизора, журналов, рекламы и даже из комиксов. Данное направление искусства было направлено на простых людей, оно было понятным и несложным, доступным для понимания каждым человеком.

Стиль поп-арт возник в 50-х годах ХХ века как противопоставление абстрактному экспрессионизму. Данный стиль нарочито подчеркивал и выделял банальные, привычные предметы, окружающие людей, которые абстрактные экспрессионисты никак не замечали. Элитарный, «не каждому доступный» экспрессионизм и понятный для всех поп-арт – это было грандиозной точкой преломления в мире искусства, при котором прежние каноны красоты кардинально изменились. Немаловажной чертой поп-арта было наличие контрастов в одном образе и сочетание того, что казалось совершенно несочитаемым. Именно это качество сделало поп-арт очень востребованным у рекламщиков, которые успешно могли соединить красивое и невзрачное, дорогое и дешевое, солидное и непрезентабельное.

История развития поп-арта

Стиль поп-арт зародился в Англии в 1950-х годах, к началу 60-х он появился и в США. В Англии поп-арт стал противовесом абстрактной живописи, которую приверженцы поп-арта считали слишком непонятной и тяжелой для понимания людьми, однако его расцвет пришелся на США.

Основателем поп-арта принято считать «Независимую группу», образованную несколькими критиками, архитекторами и художниками в 1952 году в Лондоне. Именно в то время один из участников этой группы, талантливый скульптур и художник Эдуардо Паолоцци представил на публичную оценку свою серию работ под незамысловатым названием «Bunk!». Это была серия коллажей, составленная из совершенно несовместимых элементов – объектов рекламы, обложек журналов и предметов массового потребления. На одном из произведений было изображено облако дыма с вписанным в него словом «pop». Тогда же в статье одного из участников «Независимой группы», английского критика Лоуренса Эллоуэя, впервые появился термин «поп-арт», став названием для зародившегося нового течения изобразительного искусства. Благодаря проведению множества выставок и галерей, поп-арт получил широкое распространение по всей Европе и США.

Культ товаров, вещей и принципы равных возможностей в конце 50-х – начале 60-х годов ХХ века в США помогли бурному развитию и укреплению позиций поп-арта в американском обществе. Наиболее известными художниками, работающими в данном направлении, стали: Клаас Олденбург и его масштабные скульптуры различных предметов – пирожных, спичек, булавки, кегель и многого другого, Энди Уорхол и его знаменитый «Диптих Мэрилин», Роберт Раушенберг с прославленным сочетанием масляной краски и газетных вырезок в своих картинах, Рой Лихтенштейн и его комиксы больших размеров, Джеймс Розенквист, Том Весселман и многие другие.

В работах всех этих художников прослеживается чувство гордости за товары массового потребления, которые одновременно были не только хороши, но недороги и доступны для обычного человека.

Подчеркивалось социальное равенство – каждый человек мог сопоставить себя с любым другим потребителем. «При просмотре телевизора можно заметить рекламу кока-колы, и ты будешь уверен, что президент покупает и пьет кока-колу, звезды пьют кока-колу, ты также можешь купить и пить кока-колу… Каждая бутылка кока-колы хороша и одинакова» – повторял Энди Уорхол.

Американский или Английский поп-арт

До сегодняшнего дня ведутся активные дискуссии о том, кто является первопроходцем в поп-арте. С одной стороны, именно в Англии зародился данный стиль искусства, но, с другой стороны, именно американцы дали ему наибольшее развитие и популярность. Английский поп-арт был более сдержанным и деликатным, художники в своих произведениях выражали присущие им идеи и показывали актуальные темы той эпохи. В американском поп-арте все было более агрессивно, присутствовало много креатива, смелости и нестандартных подходов и идей. Его немаловажной особенностью был уклон в сторону рекламы и коммерческих проектов.

Несмотря на это противостояние, американский и английский поп-арт объединял общий бунтарский дух. Молодежь того времени хотела значительных перемен, изменения привычных, заложенных с рождения, принципов бытия. Они готовы были полностью забыть, ни капли не жалея, всю прошлую культуру. Именно этот бунтарский характер противостояния и лег в основы поп-арта, как в американской, так и английской среде.

Что характерно для поп-арта?

Одной из самых характерных особенностей данного стиля является использование ярких, экстремально-вызывающих, «кислотных» оттенков. Поп-арт поддерживает смелость идей: в одном произведении искусно сочетаются контрастные цвета, здесь считается нормой соседство ярких насыщенных оттенков рядом с пастельными и белыми тонами. Поп-арт не ограничивает в выборе цветовой гаммы, но, по праву, самими популярными считаются красный, желтый и ярко-синий цвета.

Еще одна немаловажная черта – использование множества одинаковых изображений в одном произведении. Изображения будто переходят из одного в другое, при этом изменяя окраску и размеры. Переход изображений может быть как плавным, так и резким, контрастирующим с предыдущим цветом. Ярким примером этих слов является широко известная работа Энди Уорхола с несравненной Мэрилин Монро.

Для поп-арта также характерно использование разнообразных принтов. Это может быть знаменитый узор из точек, аппликации, содержащие сердца, губы, фрукты, еду, бабочек и, конечно, прямые символы того времени –  кока-кола, суп Campbell, а также портреты знаменитых людей Мэрилин Монро, Элвиса Пресли и многих других.

В данном стиле считается обязательным использование нестандартных образов, основанных на комиксах, ярких наклейках, портретах людей и персонажей из мультфильмов, использование объектов рекламной продукции, вырезок из газет и журналов. Поп-арт поддерживает экспрессивное сочетание нескольких различных предметов и образов в одном полотне, количество в данном случае не ограничено.

Интересен необычный подход художников данного направления искусства к фотографиям. Как уже упоминалось выше, это может быть игра с количеством, цветом. Обычно вырезанные фото имеют черную или белую обводку, либо нечеткие оборванные края. Зачастую в одном сюжете присутствует не только фотографическое изображение, но и наложенные на него другие фото либо же нарисованные объекты, образуя своеобразный коллаж. В данном случае нет четких правил и границ, художник, либо дизайнер самостоятельно выбирает то, что ему по душе.

Поп-арт и современность

Несмотря на стремительно меняющийся мир, поп-арт и в наше время остается довольно популярным стилем среди современных дизайнеров и художников. Прошло более 50 лет с момента его появления, но до сих пор активно создаются интересные иллюстрации, креативная реклама с узнаваемым точечным рисунком, картины, яркая айдентика, разработанная в данном стиле. Нередко он используется в дизайне интерьеров, в декорировании аксессуаров, а также при создании принтов на одежду.

Что же такого притягательного и завораживающего в поп-арте? Почему поп-арт не только не теряет актуальности, но и постоянно приобретает все больше новых поклонников? С одной стороны, данный стиль является многогранным и отлично подходит для передачи эмоций, мыслей, посланий людей. С другой стороны, яркая цветовая гамма поп-арта, простота, демонстрирование повседневных, окружающих нас вещей притягивает на эмоциональном, подсознательном уровне.

Реклама, телевидение, модная индустрия, графический дизайн, дизайн интерьеров – и это не полный перечень сфер искусства, где активно применяется поп-арт. Ярким примером использования поп-арта в наши дни является клип американской певицы Рианны «Rude Boy».

Возможно, по сравнению с 50-ыми годами поп-арт стал менее грубым и приобрел более сглаженный характер, но тем не менее способность данного стиля моментально создавать своеобразный эмоциональный мир – одновременно и реальный, и абстрактный, позволяет ему не только не сдавать позиций, но и постоянно находить применение в самых разнообразных сферах искусства.

Если вам понравилась или была полезна данная статья, будем рады получить небольшое поощрение в виде ссылки в социальных сетях. Для этого нажмите на кнопку любой социальной сети, расположенной ниже.

Просто о стилях и направлениях в искусстве. Часть 5

Существует бесконечное количество направлений в искусстве. Более того, не всегда видны четкие границы стилей. Один может вытекать из другого или являться смешением нескольких стилей. Развитие направления в искусстве, мышление художника и многое другое влияет на стиль.

В этой серии статей мы постараемся просто и доступно разобрать основные направления в искусстве.

Часть 1, Часть 2, Часть 3, Часть 4

Неодадаизм — термин, обозначающий различные стили, направления и произведения современного искусства, в которых угадываются мировоззренческие установки, возрожденные приёмы или методы исторического дадаизма. В направлениях неодадаизма ярко выразились позиция отрицания искусства, стремление «растворить его в жизни», заменив художественное произведение объектом повседневного быта или абсурдной акцией. Движение неодадаизма дало толчок к возникновению поп-арта.

Неоклассицизм — термин, применяемый для обозначения художественных явлений последней трети XIX и XX веков, которым присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие «вечные» эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности.

Неопластицизм — обозначение направления абстрактного искусства, которое существовало в 1917—1928 гг. в Голландии и объединяло художников, группировавшихся вокруг журнала «De Stijl» («Стиль»). Для «Стиля» характерны чёткие прямоугольные формы в архитектуре и абстрактная живопись в компоновке крупных прямоугольных плоскостей, окрашенных в основные цвета спектра и четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета.

Неореализм — художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм — направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернули в искусство образность, фигуративность, живую и эмоциональную манеру, яркие, насыщенные цвета. В современном неоэкспрессионизме включаются и абстракционистские фрагменты — и как формальный эстетический компонент, и как средство раскрытия образа.

Нео-гео, неогеометрический концептуализм — одно из направлений в абстрактном искусстве XX столетия. Стиль нео-гео возник в американском искусстве в начале 80-х годов и часто рассматривается как продолжение традиций не столько классической геометрической абстракции первой половины XX века, сколько поп-арта. Нео-гео — это абстракция эпохи постмодернизма, отказавшаяся как от утопических амбиций Малевича или Мондриана, так и от предельно личного и драматического начала абстрактного экспрессионизма.

Нео-поп, нео-поп-арт или пост-поп — направление, возникшие в 80-е годы XX столетия как реакция на концептуализм и минимализм. Нео-поп не является принципиально новым художественным движением, а скорее представляет собой эволюцию поп-арта с его интересом к предметам массового потребления и знаменитостям мира популярной культуры, только уже с иконами и символами нового времени. В творчестве многих художников нео-попа помимо поп-арта можно обнаружить влияние минимализма, концептуального искусства и фотореализма.

Часть 1, Часть 2, Часть 3, Часть 4

Понравилось?

Подписывайтесь на Вдохновение в соц сетях:

Лайкайте 👍, делитесь ➡️ и комментируйте 💬

Нет?

Дизлайк 👎 и коммент 💬 помогут мне стать лучше 😇

Стиль поп-арт в брендинге

Поп-арт или популярное искусство – это стиль в графическом дизайне, который зародился в 1950-1960 годах. В те годы абстрактный импрессионизм стал заменяться новомодным популярным искусством, в основе которого были средства массовой информации и реклама.

Самым первым идолом поп-арта стала работа Ричарда Гамильтона и она называлась – «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»

Коллаж вызвал всеобщее удивление и ажиотаж, работа до сих пор считается основоположником стиля поп-арт.

Также одним из первых последователей популярного искусства становится Энди Уорхол. Однажды, в 1960 году он работал на компанию «Кока-кола» и создал для них новый дизайн бутылок. Эта работа произвела настоящий фурор, а Энди Уорхол становится популярным художником с неординарным мышлением и видением искусства.

Особенности стиля

Чтобы отличать стиль поп-арт от других стилей графического дизайна, можно выделить несколько особенностей популярного искусства. Например, в поп-арте всегда присутствуют яркие цвета. Это важно, ведь главной аудиторией является молодежь, которую привлекают яркие расцветки. Кстати, от целевой аудитории зависит вся несерьезность поп-арта и пропаганда потребительского отношения.

Композиционные решения в популярном искусстве всегда динамичные и неожиданные. А главными героями обычно становятся известные фигуры (певцы, актрисы, политики).

В поп-арте часто используется техника коллажа и китча. А также, стиль рисовки из комиксов. Жирные контуры, живые герои, которые вот-вот начнут двигаться, и техника растровых точек, словно при печати в типографии.

Вы, наверное, не раз замечали изображения Мэрилин Монро, раскрашенные и растиражированные в цветных квадратах. Это знаменитая работа в стиле поп-арт, сегодня по этому принципу оформляются фотографии других знаменитых людей. Открытые и простые цветовые решения, а также недорогие материалы, рассчитанные на массы.

Как искусство, поп-арт отражает реалии современной жизни. Реализм является главным источником вдохновения для художников этого стиля, например визуальные вещатели (журналы, комиксы, телевидение).

Вообще, изначально стиль поп-арт был призван критиковать популяризацию, однако, благодаря рекламе СМИ и Голливуда, искусство поп-художников стало очень популярным.

Поп-искусство стало невероятно многообразным. Теперь это не просто коллажи и плакаты, теперь это стиль для создания интерьеров, логотипов, упаковок продуктов, рекламы общественных заведений. Это способ привлечь внимание публики, и многие активно им пользуются.

Например, вот несколько примеров отличного дизайна интерьеров в стиле поп-арт.

А это пример рекламы и рекламного плаката для суши-бара.

Поп-арт в брендинге активно используется для привлечения внимания целевой аудитории – молодежи.

А совсем недавно была создана необычная модель кабриолета Bentley. Дизайн был разработан совместно с британским художником Питером Блейком.

В салоне автомобиля сиденья обиты разноцветной кожей, а на подголовниках вышита подпись дизайнера. Машина создавалась для благотворительности и выставится на аукционе.

Поп-арт – это неотъемлемая часть нашей жизни. Это недалекое искусство во всех отношениях, но поразительно эффектное и привлекательное для масс.

 Читайте также:

21 аккаунт в Инстаграм, которые стоит посмотреть

7 культовых дизайнеров всех времен

Дизайнеру: психология логотипов

Что такое поп-арт? Путеводитель по движению поп-арт

Поп-арт возник как художественное направление в 1950-х годах в Америке и Великобритании и достиг своего пика в 1960-х годах. Движение было вдохновлено популярной и коммерческой культурой в западном мире и началось как восстание против традиционных форм искусства.

Поп-художники считали, что искусство, выставленное в музеях или преподаваемое в школах, не представляет реальный мир, и вместо этого обращались к современной массовой культуре в поисках вдохновения.На пике своего расцвета поп-арт часто объявлялся «анти-искусством» за отказ подчиняться стандартам современного искусства того времени.

Мы собрали это руководство, чтобы ответить на некоторые из наиболее распространенных вопросов о жанре. Узнайте, кто сделал поп-арт в стиле поп-арта и почему этот стиль сегодня стал одной из самых узнаваемых форм современного искусства.

Хотите купить вместо этого поп-арт? Взгляните на нашу коллекцию здесь.

Источники поп-арта III Сэра Питера Блейка

Понимание того, что означает термин «поп-арт», может помочь осветить ключевые идеи, поддерживающие движение.Художник Ричард Гамильтон ранее перечислял « характеристик поп-арта » в письме своим друзьям.

Он разбил значение поп-арта на простые термины: популярный (рассчитанный на массовую аудиторию), временный (краткосрочное решение), расходный (легко забываемый), дешевый, массовый, молодой (ориентированный на молодежь), остроумный, Сексуальный, Бесподобный, Гламурный, Большой бизнес.

Я скорее буду счастлив, чем достоин достоинства Магнуса Джоена

Вы часто можете идентифицировать поп-арт по использованию популярных потребительских символов, будь то предметы домашнего обихода, такие как скромная банка с бобами в Campbell’s Soup Cans Энди Уорхола 1962 года или знаковые знаменитости, такие как Мэрилин Монро в Мэрилин Монро, I by Джеймс Розенквист, еще один ключевой сторонник движения.

Чтобы квалифицировать это, Энди Уорхол сказал: «Поп-артисты создавали изображения, которые любой, идущий по Бродвею, мог бы распознать за доли секунды — комиксы, столы для пикника, мужские брюки, знаменитостей, занавески для душа, холодильники, бутылки из-под колы», все современные вещи, которые художники раньше старались избегать в своей работе.

Действительно, фирменная или коммерческая символика — особенно важная тема в поп-арте. Включение логотипов или безличных образов укрепило идею о том, что искусство может быть вдохновлено всем и вся, а не только историей, мифологией или моралью.

Для поп-арта характерны смелые цвета, особенно основные цвета: красный, синий и желтый. Цвета обычно были яркими и похожими на вашу типичную палитру комиксов. Эти цвета не использовались для представления внутреннего мира или личности художника, как это часто было в предыдущих классических формах искусства, но отражали яркую, популярную культуру вокруг них.

Композиции с резкими краями — популярный мотив, используемый для смягчения «живописной раскованности» таких стилей, как абстрактный экспрессионизм.Следовательно, многие произведения поп-арта состоят из отличительных или фрагментированных форм. Некоторые художники также высмеивали предметы, увеличивая их до почти комических размеров.

Что-то всегда пропадало Питер Хорват

Подобно дадаизму и, возможно, вдохновляясь им, поп-артисты часто создавали необычные и бессмысленные комбинации «найденных» или «готовых» объектов и образов популярных, политических или социальных явлений.Эти объекты или изображения часто отображаются в виде коллажей, организованных в рамках художественного процесса, называемого присвоением. Это копирование, заимствование или изменение изображений или предметов из массовой массовой культуры.

С ростом потребительской культуры и распространением визуальных явлений благодаря постоянно расширяющимся средствам массовой информации присвоение приобрело совершенно новое значение в искусстве.

Поп-артисты также использовали процессы индустрии дизайна, такие как коммерческая трафаретная печать и чрезвычайно графические макеты, имитирующие рекламу, рекламные щиты, каталоги и другую маркетинговую пропаганду, встроенную в окружающий их мир.По этой причине этот стиль первоначально назывался «Пропагандистское искусство».

сексуальное время 2 по d13ego

Когда Энди Уорхол указал на то, что художники отказываются замечать все великие современные вещи, которые замечали все остальные, он подчеркивает тот факт, что искусство в то время было полностью оторвано от реальной жизни и реальных людей; одержимость мазком кисти создавала атмосферу исключительности.

Одна из вещей, которая сделала поп-арт таким уникальным, заключалась в том, что он решил сосредоточиться на таком «реальном» и актуальном предмете, решение, которое критики модернистов открыто ненавидели. Поп-артисты стерли границы между «низким» и «высоким» искусством, преодолев разрыв между популярной культурой и классическим искусством, переопределив традиционные параметры того, что составляет искусство и что значит быть художником.

Движение поп-арта важно, потому что оно сделало искусство доступным для масс, а не только для элиты.Поскольку стиль был вдохновлен коммерческими деятелями и культурными событиями, работа получила признание и уважение среди широкой публики. Наконец, появился вид искусства, который казался не только уместным, но и доступным каждому. В некотором смысле поп-арт был «искусством для народа».

Маньяк Виктория Топпинг

В США соблазнительная «американская мечта» об успехе, красоте и деньгах двигала культуру поклонения знаменитостям в 50-х и 60-х годах.Появление телевидения практически в каждом доме в Соединенных Штатах повлияло на весь культурный ландшафт Америки. Каждый дом наполнялся лицами и идеями американских музыкантов, спортсменов, актеров и политиков, восхваляющих новую американскую эпоху.

В то время как американские художники были вдохновлены тем, что они видели и пережили в своей культуре и обществе, на поп-арт в Британии существенно повлияли издалека.

Британский поп-арт создавался с точки зрения стороннего наблюдателя, в значительной степени заимствовав лексику, изображения и предметы из послевоенной Америки.Подпитываемые желанием сбежать из едва выздоровевшей послевоенной страны-банкрота, британские художники создавали искусство, которое тосковало — обычно по иронии судьбы — глянцевой американской мечты, восхваляемой на телевидении, в газетах и ​​в рекламе.

Дороти Дендридж, , Тим Таулер,

Энди Уорхол, Дэвид Хокни, Ричард Гамильтон и Рой Лихтенштейн относятся к числу тех, кого считают первыми поп-артистами.

Ричарда Гамильтона часто называют отцом-основателем британского поп-арта за то, что он изложил цели и идеалы движения, как указано выше. Гамильтон считал, что искусство предназначено не только для галерей и выставок, но и для образа жизни. Таким образом, он внес свой вклад в популяризацию искусства, а не только для частных выставок.

Энди Уорхол, возможно, более широко известный сторонник этого движения, использовал свой статус знаменитости для распространения поп-арта в другие сферы искусства, особенно в кино.Фактически, его часто считают родоначальником независимого кино.

Зоя от Албана

Многие современные поп-артисты продолжают поддерживать движение не только в живых, но и в процветающем. К популярным сегодня исполнителям поп-музыки относятся нео-поп-исполнитель Джефф Кунс, культовый Алекс Кац и японский визуальный художник Яёи Кусама.

Если вы ищете поп-арт для продажи, мы рекомендуем обратить внимание на известного художника-гравера Питера Хорват , художника-графика Яссин Моурит и Ники Харе .Или узнайте больше здесь .

Motor Cade Love от Пирса Бурка

Что такое поп-арт? — 7 шедевров, определяющих движение поп-арта

С момента своего красочного дебюта в 1950-х годах поп-арт остается заметным художественным движением. Благодаря инновациям таких известных мастеров, как Энди Уорхол, Дэвид Хоккей и Кейт Харинг, этот единственный в своем роде жанр ознаменовал конец модернизма и ознаменовал наступление современного искусства.

Ключевые произведения поп-арта способствовали этому значительному сдвигу в художественном восприятии. Эти экспериментальные шедевры от нетрадиционного коллажа Ричарда Гамильтона, положившего начало движению, до самой культовой адаптации комиксов Роя Лихтенштейна, доказывают, что популярная культура — это больше, чем кажется на первый взгляд.

Что такое поп-арт?

Поп-арт — особый жанр искусства, который впервые «появился» в послевоенной Британии и Америке. Движение, в первую очередь характеризующееся интересом к популярной культуре и творческим толкованием коммерческих продуктов, открыло новый и доступный подход к искусству.От причудливых до критических — произведения, созданные художниками поп-музыки 1950-х и 1960-х годов, рассказывают о современной жизни и событиях.

Помимо уникальной иконографии, художественная трактовка сюжета помогает определить жанр. Этот механизм, известный своей смелостью, яркой цветовой палитрой и повторяющимся подходом, вдохновленным массовым производством, славится своим уникальным и узнаваемым стилем.

Ключевой завод

Созданный в 1956 году, этот коллаж считается катализатором распространения поп-арта в Соединенном Королевстве.Британский художник Ричард Гамильтон создал ее для специальной выставки This is Tomorrow, в лондонской Художественной галерее Уайтчепел, которая представила интерпретации современности современными художниками и их прогнозы на будущее.

Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? включает в себя несколько тем, связанных с общением, которые заранее были разработаны Гамильтоном. К ним относятся: «Мужчина, женщина, еда, история, газеты, кино, бытовая техника, автомобили, космос, комиксы, телевидение, телефон, информация.Используя вырезки из американских журналов, он создал сцену, основанную на этих мотивах, буквально создав произведение искусства из произведений популярной культуры и комментируя «различные влияния, которые начали формировать послевоенную Британию».