«назовите основные художественные стили первой половины 19 века»

Задание на фото… ..​

Чтобы не оставить ни единого шанса похитителям времени, проверь и исправь свой распорядок дня с помощью кросс-теста, 1. Каждую ночь ты спишь не более … 7 часов (4), 8-9 часов (5) или более 10 часов (6)? 2. Ты питаешься 1-2 раза в день (7), 3-4 раза (8), более 6 раз 6. в день (9)? 3. Ежедневно у тебя есть достаточно свободного времени для отдыха и игр (10) или из-за чрезмерной занятости не можешь себе этого позволить (11)? 4. Этого времени недостаточно для сна (1). 5. Этого времени достаточно для нормального отдыха (2), 6. Спать более 10 часов это тратить зря драгоценное время (1). 7. 1-2-разовое питание не является полезным. Твой организм нуждается в большом количестве питательных веществ, которые за один или два приёма пищи ему тяжело усвоить (2). 8. Хорошо. Если чувствуешь голод или жажду между основными приёмами пищи, можно съесть яблоко, выпить стакан сока (3). 9. Здоровым людям врачи советуют делать как минимум трёхча- совой перерыв между приёмами пищи.

Но если твой вес в норме, полагайся на свой аппетит (2). 10. Правильно. Учёба и домашние обязанности не должны заби- рать всё твоё свободное время. Ежедневно у тебя должны быть один-два часа для развлечений и занятий любимыми делами (12). 11. Это неправильно. У тебя обязательно должно быть свободное время для игр и развлечений. Досуг — необходимая составляющая часть твоей жизни (3). ​

Какие природные зоны сменяют друг друга в Северном полушарии от полюса до экватора?​

здатність і можливість свідомого вольового вибору своєї поведінки називається А) відповідальність Б)правом В)свобода​

Изучает таблицу «Основные мотивы казахского орнамента», записывает их в тетрадь и их краткую характеристику (1 слово). Сделайте пожалуйста

Игрок, взявший мяч в две руки после ведения имеет право: 1)Перейти в оборонительную позицию 2)Пересечь поле по диагонали за 12 секунд, защищая фланги … от нападения противника 3)Исполнить бросок или выполнить передачу партнеру

обчислить периметри прямокутника сторони якого доривнюють 6 см ,11 см ,8 см , 15 см , 14 см .

срочно правила безопасного и рационального труда в растениеводстве кратко срочно​

Що таке брак ? * А.Подпись отсутствует Б.Виріб, який некрасиво виглядає В.Виріб, низької якості, який не відповідає заданим параметрам Г.Виріб, який м … ає розміри більші ніж треба

Припуском в деревообробці називають шар матеріалу, який А.Утворює розмічальний інструмент Б.Утворює різальний інструмент В.Залишають на заготовці для … її кінцевої обробки Г.Залишають на заготовці, щоб легше було різати

Trojden | Культурное пространство империи в первой половине XIX в.: Художественная культура народов России: Арсентьев Н. М. — 9 класс

Материал для самостоятельной работы и проектной деятельности учащихся

Почему XIX век называют золотым веком русской культуры?

1. Особенности художественной культуры первой половины XIX в.

Главными особенностями художественной культуры первой половины XIX столетия явились быстрая смена различных художественных стилей, их параллельное существование. На рубеже веков господствовал классицизм, в основе которого лежала идея служения государю и Отечеству. В период, предшествовавший Отечественной войне 1812 г., приобрёл популярность сентиментализм, обращённый к внутреннему миру человека, его чувствам и переживаниям. Его сменил романтизм, возникший в переломный период борьбы с Наполеоном. В романтизме отразилось противопоставление некоего возвышенного, идеального образа реальной действительности.

Отличительным признаком русского романтизма был повышенный интерес писателей и художников к национальной самобытности, традициям отечественной истории, утверждение героики протеста, свободолюбивой личности.

Во второй четверти XIX в. получило распространение ещё одно направление — реализм. Его последователи старались отображать в своих произведениях действительность в её наиболее типических проявлениях. Одной из разновидностей нового стиля стал критический реализм, представители которого фиксировали неблагополучные стороны жизни и самим содержанием своих произведений ратовали за перемены к лучшему.

2. Литература

Русская литература переживала свой золотой век. Наиболее ярким представителем сентиментализма был Н. М. Карамзин («Бедная Лиза» и др.). Появление романтизма в русской литературе было связано прежде всего с произведениями В. А. Жуковского (1783—1852). В его балладах «Людмила», «Светлана» представлен мир народных поверий и легенд, далёких от реальной жизни, душевные переживания героев. В исторических повестях А. А. Бестужева-Марлинского действуют наделённые высокими чувствами романтические герои. Исторические романы М. Н. Загоскина («Юрий Милославский» и др.) формировали у читателя представление о самобытности русской истории. Романтические образы составляют основу ранних поэтических произведений А. С. Пушкина (1799—1837) и М. Ю. Лермонтова (1814—1841).

Реализм как новое течение в русской литературе был связан с наиболее зрелыми работами Пушкина («Борис Годунов», «Путешествие в Арзрум» и др.). Поэт был «явлением чрезвычайным» в русской литературе, оказавшим огромное влияние на всё её последующее развитие.

А. С. Пушкин. Художник В. А. Тропинин

Александр Сергеевич Пушкин (1799—1837)

Великий русский поэт, драматург, писатель. Считается основателем новой русской литературы. Учился в Царскосельском лицее. В ранние годы был дружен с декабристами и поддерживал их идеи, но в декабристских тайных обществах не принимал участия. В правление Николая I цензура пристально следила за его произведениями. А. С. Пушкин — автор множества произведений, вошедших в сокровищницу мировой литературы (поэмы «Евгений Онегин», «Медный всадник», «Полтава» и др., повесть «Пиковая дама», множество стихов, стихотворных сказок и др.), создатель «Литературной газеты» и журнала «Современник», в которых он был и редактором, и автором. Язык Пушкина, сочетающий книжные нормы с живым разговорным языком, остаётся до сих пор основой русского литературного языка. Творчество Пушкина оказало влияние на деятельность многих поколений писателей и поэтов.

М. Ю. Лермонтов

С выходом в свет романа «Герой нашего времени» в 1840 г. слава одного из основоположников критического реализма закрепилась за Лермонтовым. В творчестве Н. В. Гоголя реальная жизнь, с её печальными и смешными сторонами, соседствовала с мистицизмом и фантастикой. Сопричастностью и состраданием к простым людям проникнуты роман «Обыкновенная история» И. А. Гончарова, ранние стихи Н. А. Некрасова, «Записки охотника» И. С. Тургенева, повести «Бедные люди», «Белые ночи» и «Двойник» Ф. М. Достоевского. Мир русского купечества открыл читателю и зрителю в 1849 г. в первой своей социальной комедии «Свои люди — сочтёмся» начинающий в ту пору драматург А. Н. Островский.

Литература начала оказывать мощное воздействие на духовную жизнь российского общества, формируя мировоззрение мыслящей части общества.

3. Театр

Построенный в 1780 г. в Москве публичный Петровский театр (название произошло от улицы Петровка) был рассчитан на тысячу мест. Здесь шли постановки и музыкальных, и драматических спектаклей. В 1805 г. здание театра сгорело, на его месте в 1824 г. архитектором

О. И. Бове было построено новое. Этот театр был назван Большим Петровским (позднее просто Большой театр), в нём отныне ставились опера и балет. Драматическая труппа в том же 1824 г. была переведена в другой театр (Малый театр). Помимо публичных, открытых для всех театров, существовали крепостные театры при домах богатейших дворян (театр Шереметевых, крепостной театр Дурасова и др.).

В Петербурге наиболее известным был Александрийский драматический театр. В отличие от традиционно демократичного московского Малого, этот театр, предназначенный не для широкой публики, а главным образом для двора и чиновничества, носил парадно-официальный характер.

Из драматургов наиболее популярны были А. С. Грибоедов и Н. В. Гоголь, утверждавшие реалистические традиции в театральном искусстве. Их пьесы ставились в Малом театре.

Крупнейшим представителем романтизма в театре был выдающийся русский актёр П. С. Мочалов, снискавший особую популярность в ролях Гамлета (в трагедии У.

Шекспира) и Фердинанда (в драме Ф. Шиллера «Коварство и любовь»). Основоположником реализма на русской сцене стал великий актёр Малого театра М. С. Щепкин, подлинный реформатор русского театра (он первым предложил подчинить весь творческий процесс на сцене единой идее, разработал метод сценического творчества, основанный на обобщении широких жизненных наблюдений). С этого же времени начинается становление режиссуры и искусства оформления спектакля.

Большой театр в Москве. Литография первой половины XIX в.

Н. В. Гоголь. Художник Ф. А. Моллер

4. Музыка

Музыка больше, чем другие виды искусства, испытала на себе влияние героического 1812 года. Если прежде традиционно преобладала бытовая опера, то теперь композиторы обратились к героическим сюжетам исторического прошлого России. Одной из первых в этом ряду стала опера К. А. Кавоса «Иван Сусанин», поставленная в 1815 г. Романтическое направление в музыкальном искусстве представлял также А.

Н. Верстовский, автор популярной оперы «Аскольдова могила» по сюжету романа М. Н. Загоскина.

Центральное место в русском искусстве первой половины XIX в. принадлежит М. И. Глинке, заложившему основы национальной школы в музыке. М. И. Глинка — основоположник русской классической музыки. Оперы Глин ки «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила» положили начало двум направлениям русского оперного искусства — народной музыкальной драме и опере-сказке.

Большой социальной напряжённостью отличается творчество другого выдающегося композитора — А. С. Даргомыжского. Его главное произведение — опера «Русалка» по сюжету А. С. Пушкина — продолжило традиции жанра народной музыкальной психологической драмы, основанного Глинкой.

Большие аудитории собирали концертные залы. Популярностью пользовались музыкальные вечера в салонах А. А. Дельвига, В. Ф. Одоевского,

3. А. Волконской.

5. Живопись

Изобразительное искусство эпохи романтизма характеризовалось в первую очередь интересом художников к изображению духовного мира человека. Одним из наиболее распространённых жанров живописи в начале XIX в. стал романтический портрет. Ярким представителем романтизма в живописи был О. А. Кипренский, запечатлевший образы А. С. Пушкина, В. А. Жуковского и др. Ранние работы А. К. Айвазовского также проникнуты настроениями романтизма.

Классицизм в русской живописи представлен в пейзажах Ф. М. Матвеева, некоторых работах К. П. Брюллова. Драматической напряжённостью образов отличается картина Брюллова «Последний день Помпеи», в жанре парадного портрета написана «Всадница».

Одним из крупнейших мастеров русской живописи был А. А. Иванов. Главным произведением его жизни стала картина «Явление Христа народу», над созданием которой художник трудился 20 лет. Каждый из множества персонажей, изображённых на картине, индивидуален и по-человечески неповторим.

Явление Христа народу. Художник А. А. Иванов

Родоначальником критического реализма в русской живописи стал П. А. Федотов. Художник ввёл в бытовой жанр драматические сюжеты («Свежий кавалер», «Анкор, ещё анкор!», «Завтрак аристократа»), а также поэтическое восприятие обыденной жизни, добрый юмор («Сватовство майора»).

Рождение особенно популярного в XIX в. народно-бытового жанра связано с творчеством А. Г. Венецианова. Его картины стали настоящим открытием в русской живописи. Художник изображал повседневную жизнь крестьян в поэтических красках, тонко чувствуя и передавая красоту родной природы («На пашне. Весна», «На жатве. Лето», «Спящий пастушок», «Гумно» и др.).

Важнейшими центрами подготовки художников, архитекторов и скульпторов были высшие учебные заведения: Академия художеств в Петербурге (основанная ещё в 1757 г.) и Училище живописи, ваяния и зодчества в Москве (открытое в 1832 г.).

6. Архитектура

В первые три десятилетия XIX в. здесь господствовал стиль ампир (от фр. empire — империя). Так называют стиль позднего классицизма, для которого характерны массивные, монументальные формы с богатыми украшениями, подражающие Древнему Риму периода империи.

Памятники ампира в Петербурге проникнуты идеей торжества и независимости русского государства, величия империи. В российской столице А. Д. Захаров возвёл здание Адмиралтейства, А. Н. Воронихин (бывший крепостной графов Строгановых) построил Казанский собор, участвовал в строительстве дворцово-парковых ансамблей Павловска и Петергофа, положил начало ансамблю Невского проспекта.

По проекту талантливого архитектора К. И. Росси в Петербурге построены Михайловский дворец (ныне здание Русского музея), ансамбль Дворцовой площади со зданием Генерального штаба и аркой, Александрийский театр с Театральной улицей (ныне улица Зодчего Росси) и др.

В Москве многие сооружения, реконструированные после пожара 1812 г., имеют характерные черты ампира. В этом стиле работал Д. И. Жилярди, который возвёл здания Московского университета, Екатерининского института и др. Архитектор О. И. Бове создал ансамбль Большого театра и Театральной площади, возвёл Триумфальные ворота (разобраны в 1932 г., восстановлены в 1968 г. на Кутузовском проспекте).

Создатель русско-византийского стиля К. А. Тон работал над проектом храма Христа Спасителя, построил Большой Кремлёвский дворец и здание Оружейной палаты, а также здания вокзалов в Москве и Петербурге.

Храм Христа Спасителя в Москве. Архитектор К. А. Тон. Реконструкция 1990-х гг.

7. Художественная культура национальных регионов России

Первая половина XIX в. стала временем зарождения новой литературы народов России. Её представители выступали в этот период и как представители национальных движений.

Поляк А. Мицкевич, наиболее яркий представитель романтизма, сочетал в своём творчестве идеи независимости, стремление к свободе, служение своему народу и родине. Национальной классикой стали его поэмы «Дзяды» и «Пан Тадеуш».

Другой польский поэт — Ю. Словацкий, покинувший родину после неудачи Польского восстания 1830—1831 гг., в своих произведениях критикует польское дворянство за их действия, фактически приведшие Польшу к утрате независимости.

Народные фольклорные традиции и талантливая музыка соединились в творчестве композитора Ф. Шопена. Он заложил основы польской классической музыки.

Украинец Т. Г. Шевченко боролся за развитие национальной украинской культуры. Родившись в семье крепостных крестьян, он был выкуплен на волю художником К. П. Брюлловым и смог поступить в Петербургскую академию художеств. Шевченко сочетал в себе талант художника и поэта. Его произведения «Кобзарь», «Гайдамаки» и др. получили широкую известность. Их он создавал как на русском языке, так и на малороссийском наречии.

Развивалась и еврейская художественная культура. На её развитие повлияла одна из главнейших проблем еврейского народа — отношение к «сохранению нации». Здесь господствовали две точки зрения. Первую отстаивали религиозные деятели, которые говорили, что еврейский народ должен сохранять обособленность своей культуры (религии, языка, быта, традиций, одежды и т. п.) от культуры народов тех стран, в которых он проживает. Вторую, противоположную точку зрения выражали светские мыслители. По их мнению, евреям нужно активно ассимилироваться с населением, сотрудничать с ним и на культурном, бытовом, и на политическом уровне. Так, они ратовали за необходимость обучения в светских, а не религиозных школах.

Писатели, поддерживавшие идеи ассимиляции, создавали свои произведения на идише. Это Шлойме Этингер, Менделе Мойхер-Сфорим («Менделе-книгоноша») и др. Они противопоставляли ивриту (древнему еврейскому языку) идиш (язык германской группы, который сложился в результате слияния немецких диалектов с древнееврейскими элементами языка).

Вопросы национального языка также волновали армянских культурных деятелей. С 1820-х гг. в армянской литературе началась борьба между сторонниками использования в качестве языка литературы древнеармянского и новоармянского языка. Победу новоармянского литературного языка ознаменовал роман «Раны Армении». В нём автор X. Абовян живописал современные ему исторические события: борьбу с Ираном и переход Армении под покровительство России.

После присоединения к России местная культура обогатилась за счёт связей с русской и западной художественной культурой. Здесь творили художники А. Овнатанян, С. А. Нерсесян. Армянское происхождение имел всемирно известный художник-маринист И. К. Айвазовский (настоящее имя Ованес Айвазян).

Художественная культура татар Волго-Уралья развивалась, с одной стороны, в рамках исламской культуры, с другой — под воздействием европейской культуры. Роль религиозных традиций была сильна, ислам стал фактором этнического, общенационального самосознания. Образы татарского искусства регламентировались строгими установками ислама суннитского толка. Например, отвергались изображения живых существ и человека. Отличительной чертой татарской художественной культуры было использование арабской письменной графики, цитат из Корана. На этой основе высокого развития достигла каллиграфия — искусство утончённого письма.

ПОДВЕДЁМ ИТОГИ

На развитие художественной культуры различных этносов империи оказывало влияние несколько факторов: общий культурный подъём XIX в. в Европе и в России, рост национального самосознания народов, разный уровень социально-экономического развития народов, взаимовлияние европейской, русской и национальных культур. С одной стороны, вторая четверть XIX в. стала временем становления академических, профессиональных традиций в художественной культуре народов России, а с другой — ярко проявились индивидуальные черты, обусловленные национальной самобытностью.

Вопросы и задания для работы с текстом параграфа

1. В чём состояли важнейшие особенности развития художественной культуры России в первой половине XIX в.? 2. Приведите примеры произведений литературы, написанных в стиле сентиментализма, романтизма и реализма. 3. Перечислите произведения А. С. Пушкина, А. С. Грибоедова, Н. В. Гоголя, написанные специально для театра. 4. Что принципиально нового произошло в развитии музыкального искусства? 5. Назовите известные здания, возведённые в стиле классицизма в первой половине XIX в. Каковы основные черты этого стиля?

Думаем, сравниваем, размышляем

1. Чем было вызвано, на ваш взгляд, появление и быстрое распространение романтизма в художественной культуре? Почему вскоре его сменил реализм?

2. Почему литература оказывала огромное влияние на духовную жизнь русского общества? 3. Чем можно объяснить, что «купеческая тема» в русской литературе появилась лишь к середине XIX в.? 4. Подготовьте сообщение об одном из деятелей культуры, упомянутых в параграфе. 5. Используя дополнительную литературу и Интернет, узнайте, какие постановки шли в музыкальных театрах в первой половине XIX в.

Запоминаем новые слова

Ассигнации — бумажные деньги в XVIII—XIX вв., имевшие хождение наравне в серебряным рублём.

Жандармерия — полиция, имеющая военную организацию и выполняющая охранные задачи внутри страны и армии.

«Капиталистые» крестьяне — крестьяне, имевшие капитал (деньги, которые вкладывают в производство) и занимавшиеся предпринимательством. Классицизм — художественный стиль в европейском и русском искусстве XVII—XIX вв., одной из важнейших черт которого было обращение к формам античного искусства как к идеальному эстетическому эталону. Национальное самосознание — осознание представителями народа своего духовного, экономического, политического единства. Протекционизм — политика защиты государством своего внутреннего рынка, ограждения его от иностранных товаров.

Разночинцы — «люди разного чина и звания», межсословная категория населения в России XVIII—XIX вв.; выходцы из духовенства, купечества, мещанства, крестьянства, обедневшего дворянства. Как правило, мелкие чиновники, студенты, люди интеллектуальных профессий.

Теория утопического социализма — принятое в исторической и философской литературе обозначение учения о возможности преобразования общества на социалистических принципах, социальной справедливости, свободы и равенства ненасильственным способом, силой пропаганды и примера.

ПОВТОРЯЕМ И ДЕЛАЕМ ВЫВОДЫ

1. Назовите последствия выступления декабристов. Выскажите своё отношение к событию, произошедшему 14 декабря 1825 г. на Сенатской площади в Петербурге.

2. Каковы были особенности управления территориями Польши, Финляндии, Прибалтики, украинскими и белорусскими землями в рамках Российской империи во второй четверти XIX в. ?

3. Что такое Восточный вопрос? Какую роль он играл во внешней политике России?

4. Расскажите о главных этапах и ходе Крымской войны. Каковы были результаты войны для Российской империи?

5. Как развивалась система образования в России в первой половине XIX в.? Перечислите главные типы учебных заведений.

6. Перечислите стили, свойственные художественной культуре первой половины XIX в. Назовите характерные особенности каждого из стилей.



Урок «Художественная культура первой половины XIX века»

Ход урока

I. Изучение нового материала.

Вступительное слово учителя.

— Развитие культуры России в первой половине XIX века проходило в противоречивых условиях. С одной стороны, экономическое развитие вызывало потребность в грамотных людях, стимулировало развитие науки и техники, с другой – реакционная политика самодержавия в сфере культуры.

Тем не менее, вопреки отсталым крепостническим отношениям русская культура первой половины XIX века достигла блистательных вершин, и не случайно этот период в развитии культуры называют «золотым веком» культуры России.

Формулировка цели, плана, проблемы.

1.Особенности развития художественной культуры в первой половине XIX века

2. Русская литература

3.Театр

4. Музака

5. Живопись

6. Архитектура.

— Во время всего урока вы будете заполнять рабочие карты, поэтому прошу вас быть внимательными во время моего рассказа и рассказов своих одноклассников. На парте у каждого лежит словарь терминов, которые нам понадобятся для изучения новой темы.

1. Особенности развития художественной культуры в первой половине XIX века

— Важной особенностью развития литературы и искусства этого периода была быстрая смена художественных направлений и одновременное существование различных художественных стилей. (Работа со словарем)

Яркой чертой эпохи стало и усложнение культурной жизни, усиление взаимовлияния различных областей культуры – литературы, живописи, музыки.

Работа со схемой (на доске)

В конце XVIII века были заложены основы сентиментализма, который был обращен к чувствам человека.

Господствующим направлением в русском искусстве начала XIX века был классицизм, который, в отличие от сентиментализма, был обращен к разуму. Русский классицизм отличался от европейского. Он был тесно связан с идеями просвещения народа, освобождения угнетенных. А после наполеоновского нашествия в нем появились мотивы служения государю и Отечеству.

Еще одним направлением в художественной культуре был романтизм. Его отличало противопоставление романтического, идеального образа реальной жизни.

В это же время появляется и другое направление – реализм, показывающий действительность в ее наиболее типичных проявлениях. Одним из течений этого направления стал критический реализм, произведения, написанные в этом стиле, не только показывали неблагополучные стороны жизни, но и призывали к переменам.

2. Русская литература

— Первая половина XIX века в русской литературе названа «золотым веком». Пытаясь найти ответы на вопросы современности, писатели обращались к историческому прошлому страны. Одной из важнейших общественных проблем литературы этого периода, стала проблема укрепления национального самосознания.

Н.М.Карамзин – Представитель сентиментализма, идеализировал сельскую жизнь, взаимоотношения крестьян и помещиков. Он автор повестей «Бедная Лиза», «Марфа Посадница, или покорение Новгорода», а так же большого научного труда «История государства Российского».

В.А.Жуковский – С его именем связано появление романтизма в русской литературе. Его произведениям свойственен мистицизм и мечтательность. Его перу принадлежат баллады «Людмила» и «Светлана».

А.С.Пушкин – В начале своего творчества создавал романтические произведения, но позже в его творчестве наметился переход к реализму. В выдающимися образцами литературы этого направления стали историческая драма «Борис Годунов», повести «Капитанская дочка», «Дубровский», «Повести Белкина», поэма «медный всадник».

М.Ю.Лермонтов – Так же в начале своего творчества работал в романтическом направлении, позже стал создавать реалистические произведения. Роман «Герой нашего времени».

Н.В.Гоголь – основатель русской школы критического реализма. Ярчайшими произведениями этого художественного направления стали повесть «Шинель», «Ревизор», «Мертвые души», которые открыли начало «гоголевского периода» русской литературы.

А.Н.Островский – Представитель реалистической школы, в своей драме «Свои люди – сочтемся» раскрывает особенности жизни русского купечества.

И.С.Тургенев – В его творчестве центральное место заняла тема крепостной деревни, ее обычаев, нравов. Подлинным литературным событием стал выход в свет «Записок охотника». Здесь он не только описывает прекрасную русскую природу, но и крепостных крестьян.

Чтение детьми отрывка из «Записок охотника»

Первая половина XIX века стала временем становления современного русского литературного языка, основанного на традициях народной речи.

4. Театр (Мосеева Екатерина)

— Русский театр так же переживает быструю смену художественных направлений.

Классицизм с его античными и мифологическими сюжетами начала XIX века сменяет романтизм, в котором явный акцент делается на переживаниях героев. Представителем театрального романтизма, игра которого отличалась бурной эмоциональностью, был Павел Степанович Мочалов.

С развитием реалистического направления на сценах театров появились произведения Пушкина, Грибоедова, Гоголя, Островского. С этим периодом в русском театре связано имена великих актеров Михаила Семеновича Щепкина и Александра Евстафьевича Мартынова.

Самыми крупными театрами России того времени были Александринский театр в Петербурге и Петровский театр в Москве, который в 1824 году был разделен на Большой и Малый.

3. Музыка (Абрамова Ангелина)

— Вся первая половина XIX века прошла под знаком усиления русской национальной тематики и влияния народных мелодий в музыкальных произведениях. Народные мотивы отчетливо звучат в творениях

А.А. Алябьева, А.Л. Гурилева, А.Е.Варламова. Но центральное место в русской музыке этого периода принадлежит Михаилу Ивановичу Глинке.

Презентация «М.И.Глинка»

6. Живопись.

Презентация «Русская живопись (Митягина Арина, Башмакоа Антонина)

Работа с интерактивной доской.

— В 1825 году в культурной жизни России произошло знаменательное событие. Открыл свои двери Эрмитаж, где были собраны художественные сокровища императорской фамилии. В России появился первый общедоступный художественный музей.

Русская живопись первой половины XIX века так же переживает смену направлений. Классицизм, крупнейшими представителями которого были Карл Павлович Брюллов и Александр Андреевич Иванов, уступает место романтизму (портретисты Орест Адамович Кипренский и Василий Андреевич Тропинин). Основоположником критического реализма в русской живописи стал Павел Андреевич Федотов.

В начале XIX века произошло рождение нового бытового жанра, которое связано с творчеством Алексея Гавриловича Венецианова. Он стал основоположником так называемой «венециановской школы»

II. Работа по группам

II – Работа с документами.

Завершение работы в рабочих картах.

5. Архитектура.

Презентация «Русская архитектура первой половины XIX века» (Гунченко Элина)

(Электронная доска)

III. Рефлексия

Игра «Умная игрушка» Передавая игрушку из рук в руки, вы должны назвать: 1) имя деятеля русской культуры;

2) название направления, стиля или жанра, свойственного культуре России этого периода.

IV. Подведение итогов.

— Первая половина XIX века вошла в историю как начало «золотого века» русской художественной культуры. Ее отличали: стремительная смена художественных стилей и направлений, взаимообогащение и тесная взаимосвязь литературы и других областей искусства, усиление общественного звучания создаваемых произведений, органическое единство и взаимодополнение лучших образцов западно-европейской и русской народной культуры. Все это делало художественную культуру России разнообразной и многозвучной, вело к возрастанию ее влияния на жизнь не только просвещенных слоев общества, но и миллионов простых людей.

Приложение 1

ДОКУМЕНТ № 1

Н. М. КАРАМЗИН

ИЗ СТАТЬИ «О СЛУЧАЯХ И ХАРАКТЕРАХ В РОССИЙСКОЙ ИСТОРИИ, КОТОРЫЕ МОГУТ БЫТЬ ПРЕДМЕТОМ ХУДОЖЕСТВ»

…Тени предков наших, хотевших лучше погибнуть, нежели принять цепи от могольских варваров, ожидают монументов нашей благодарности на месте, обагренном их кровию. Может ли искусство и мрамор найти для себя лучшее употребление? Пусть в разных местах России свидетельствуют они о величии древних сынов ее! Не в одних столицах заключен патриотизм; не одни столицы должны быть сферою благословенных действий художества. Во всех обширных странах российских надобно питать любовь к отечеству и чувство народное. Пусть в залах петербургской Академии художеств видим свою историю в картинах; но в Владимире и в Киеве хочу видеть памятники геройской жертвы, которою их жители прославили себя в тринадцатом веке. В Нижнем Новгороде глаза мои ищут статуи Минина, который, положив одну руку на сердце, указывает другою на Московскую дорогу. Мысль, что в русском отдаленном от столицы городе дети граждан будут собираться вокруг монумента славы, читать надписи и говорить о делах предков, радует мое сердце. Мне кажется, что я вижу, как народная гордость и славолюбие возрастают в России с новыми поколениями!..

Вопросы к документу:

1) Какие «случаи» и «характеры» могут быть, по мнению Н.М.Карамзина, примером для

восхищения?

2) Где должны находиться памятники русской истории?

ИЗ СТАТЬИ «О ЛЮБВИ К ОТЕЧЕСТВУ И НАРОДНОЙ ГОРДОСТИ»

…Есть всему предел и мера: как человек, так и народ начинает всегда подражанием; но должен со временем быть сам собою, чтобы сказать: «Я существую морально!» Теперь мы уже имеем столько знаний и вкуса в жизни, что могли бы жить, не спрашивая: как живут в Париже и в Лондоне? Что там носят, в чем ездят и как убирают домы? Патриот спешит присвоить отечеству благодетельное и нужное, но отвергает рабские подражания в безделках, оскорбительные для народной гордости. Хорошо и должно учиться; но горе и человеку и народу, который будет всегдашним учеником!

До сего времени Россия беспрестанно возвышалась как в политическом, так и в моральном смысле. Можно сказать, что Европа год от году нас более уважает, — и мы еще в средине нашего славного течения! Наблюдатель везде видит новые отрасли и развития; видит много плодов, но еще более цвета. Символ наш есть пылкий юноша: сердце его, полное жизни, любит деятельность; девиз его есть: труды и надежда! — Победы очистили нам путь ко благоденствию; слава есть право на счастие.

Вопрос к документу: Какова основная мысль отрывка из статьи?

ДОКУМЕНТ №2

Историческое и художественное значение творчества Глинки является основным, капитальным для истории русской музыки и может быть приравнено лишь к значению Пушкина для нашей литературы. Последний, однако, имел крупных предшественников вроде Державина, Карамзина, Батюшкова, Жуковского, тогда как Глинке почти все приходилось создавать силою своего гения. Псевдонациональные романсы и оперы наших композиторов-дилетантов и ремесленников конца XVIII в. и начала XIX в. по примитивности формы и техники и наивности музыкального содержания ничего не могли дать Глинке, могучему мастеру музыкальной характеристики, гениально непринужденному технику, яркому и богатому колористу, поражающему классической простотой и удивительной новизной и свежестью творчества в одно и то же время. На место условного национального стиля своих предшественников, выражавшегося в полуитальянском-полурусском складе мелодии, поддерживаемой нехитрым сопровождением и самой элементарной гармонизацией итальянско-европейского характера, Глинка дал образчики удивительного по новизне, гениального прозрения в сокровеннейшую глубь народного творчества, вроде хоров «Разливалася» и «Славься» в «Жизни за Царя», многих мест «Руслана», «Камаринской» и т. д. В Глинке, как и в Пушкине, мы находим гармоническое слияние национального начала с общечеловеческим и европейским.

Статья проф. С. К. Булича «Глинка» из «Нового энциклопедического словаря Брокгауза и Ефрона» (1911 –1916).

Вопрос к документу: В чем автор статьи видит особенности творчества М.И.Глинки?

ДОКУМЕНТ № 3

…Творчество Островского оставалось постоянно художественным быто-писательством, т. е. глубоким проникновением в главные основы народной жизни и воспроизведением ее с одной стороны посредством изображения нравов той или другой среды общества, с другой посредством создания типов, именно типов, а не отдельных индивидуальностей. С этой точки зрения чаще всего напрашивается на ум, при чтении произведений Островского, сравнение с Мольером. В «Свои люди-сочтемся» Островский взял предметом своего изображения только купеческую среду, но как в Гоголевском «Ревизоре» картина исключительно чиновничьего общества, при кажущейся узкости и определенности рамки, раздвинулась гораздо шире и пустила корни гораздо глубже, так и в «Свои люди — сочтемся» за картиной отдельного слоя русского общества виднеется целый мир, из которого произошел этот слой и откуда он получает свое питание.

Островский создал целую галерею типов, представляющих любопытные данные для изучения склада нашего общества и в тоже время остающихся типами, в большинстве случаев, общечеловеческими. Совершил все это Островский благодаря чисто художественному миросозерцанию, выразившемуся в объективном, доходившем до крайних пределов беспристрастия, но вместе с тем глубоко-гуманном отношении к людям, — изумительному знанию русской жизни, соединению неистощимого комизма, вернее — юмора (напр. в «Женитьбе Бальзаминова») с потрясающим трагизмом (Напр. в «Грозе»), наконец, благодаря необычному, можно сказать гениальному чутью ( не говоря уже о знании), черпавшему драгоценнейшие жемчужины из сокровищницы народного языка.

Статья российского поэта П. И. Вейберга «Островский» из «Энциклопедического словаря Брокгауза и Ефрона» (1890 –1907).

Вопросы к документу:

1. Какова основная характерная черта творчества Н.А.Островского?

2. Благодаря каким качествам писателя его творчество всегда было таким интересным?

Из воспоминаний актера и писателя И. Ф.Горбунова. 1849г.

…С появлением на сцене комедии Островского «Не в свои сани не садись» на московской сцене начинается новая эра. Я был на первом представлении этой комедии. Она была дана в бенефис Косицкой. Взвился занавес, и со сцены послышались новые слова, новый язык, до того неслыханный со сцены; появились живые люди из замкнутого купеческого мира, люди, на которых или плевал с высоты своего невежества петербургский драматург Григорьев «со товарищи», заставляя их говорить несуществующим, сочиненным, дурацким языком, или изображал их такими приторными патриотами, что тошно было смотреть.

Вопрос к документу: Чем творчество А.Н,Островского отличалось от работ его предшественников, описывающих купеческий быт?

Художественная культура России в первой половине XIX века. Литература. Театр

XVIII век подготовил благодатную почву для развития культуры. Люди все больше интересовались искусством, литературой, театром.

На этом уроке вам предстоит узнать особенности культуры России в первой половине XIX века. Познакомиться с ее основными направлениями. Больше узнать о литературе и театральном искусстве этого времени.

Начнем с особенностей развития культуры. В этот период проявилось стремление людей к свободе. Этому способствовала победа в Отечественной войне 1812 года, когда участники военных действий оказались на территории других государств и познакомились с местными условиями жизни. К тому же появилась вера в великое предназначение русского народа.

Начали зарождаться общественные движения, целью которых было переустройство государства. Немаловажную роль в этом процессе сыграла литература, которая имела большое влияние на умы россиян.

С другой стороны царское правительство прилагало максимум усилий к тому, чтобы вольнолюбивые произведения не просачивались в народ. Вводилась жесткая цензура.

В ходе урока нам предстоит столкнуться с разными направлениями культуры. Одно из них вам уже знакомо – это классицизм. Основой его являются патриотизм и внесословное отношение к личности. Однако в XIX веке в этом направлении в большей степени проявились идеи служения государю и Отечеству. Классицизм этого периода характеризуется простотой образов, монументальностью. 

В начале XIX века в России стало популярно еще одно направление – сентиментализм. В нем делался акцент на чувствах людей, их внутренних переживаниях, которые возникнут после прочтения произведения. Для сентиментализма были характерны следующие черты:

·  личностный подход к миру;

·  нравственная чистота;

·  особое внимание уделялось природе;

·  описание переживаний простого человека, которого больше волнуют личные чувства, а не занятия делами государства.

Сентиментализм стал основой для развития следующего направления культуры – романтизма. Он отображает духовную жизнь человека, страсти, которые кипят внутри. В русском романтизме прослеживалось недовольство существующим положением, жалоба на неоправдавшиеся надежды. У поэтов он проявился в бунтарском духе их произведений, критическом взгляде на окружающее, это заметно на примере стихотворений Михаила Юрьевича Лермонтова. Также для России было характерно внимание к фольклору, русским традициям.

Еще одно направление, характерное для начала XIX века – реализм, целью которого было правдивое отражение действительности со всеми ее недостатками. Одним из его течений стал критический реализм, который связывает человека и обстоятельства, в которых он оказывается. В произведениях появляется анализ поступков человека с точки зрения психологии. Происходит сближение искусства и реальной жизни. Развитие этого направления было обусловлено революционными событиями, происходившими как в Европе, так и в России.

Культура России в первой половине XIX века

Литература. В начале XIX века литература была одним из ведущих направлений культуры. Люди с нетерпением ждали выхода новых произведений. А авторы осознавали важность своей работы и то, как она влияет на умы населения России. Познакомимся с ведущими литераторами этого периода.

Николай Михайлович Карамзин. Был сыном дворянина среднего достатка. После учебы служил в петербургском Преображенском гвардейском полку. Большое влияние на его творчество оказало его пребывание в Париже во время Французской революции. Там он написал «Письма русского путешественника», которые принесли ему известность как литератору. Вернувшись в Россию, он начал издавать «Московский журнал», затем выпускал три альманаха, в которых печатал собственные произведения, стихотворения и переводные статьи иностранных авторов.

Карамзин был удостоен звания «историограф», которое ни до, ни после него никому не присуждалось. В феврале 1818 года выпущены первые 8 томов «Истории государства Российского». В дальнейшем были Изданы еще четыре тома. После выхода этого исторического сочинения Николай Карамзин сблизился с императорским двором и лично Александром I.

Карамзин стал реформатором русского языка. Именно он ввел в употребление такие привычные нам слова, как влюбленность, ответственность, достопримечательность. Одним из первых Карамзин стал употреблять букву «Ё».

Он был представителем сентиментализма. Рассмотрим произведения Николая Карамзина. В повести «Бедная Лиза» рассказывается о судьбе крестьянки, которая полюбила дворянина. Карамзин обратил внимание читателей на то, что человеческая жизнь ценна независимо от того, к какому сословию принадлежит человек. Крестьянская девушка предстает здесь полной красоты и благородства. Как и все представители сентиментализма, Карамзин с осуждением относится к власти денег над человеком. Находкой автора стало описание конкретных мест, где развивались события, прежде этим приемом никто из писателей не пользовался. Читая повесть, мы можем представить, как выглядело Подмосковье 200 лет назад.

В исторической повести «Марфа-Посадница, или Покорение Новогорода» рассказывается о событиях завоевания Новгорода Москвой. Здесь образ Карамзина как писателя отделяется от образа Карамзина как историка. Некоторые факты намеренно искажаются, чтобы придать им более лирический сентиментальный характер. Главная героиня повести Марфа Борецкая, вдова посадника Новгорода. Она пытается защитить город от захвата Московским князем и в своих действиях опирается на вече, которое до сих пор существует в Новгороде. Николай Карамзин сравнивает два способа управления, склоняясь к вечевому, как исконно русскому.

Николай Михайлович Карамзин

Представителем русского романтизма был Василий Андреевич Жуковский, автор первого российского гимна. Ярким примером его творчества является баллада «Светлана». Здесь встречается и мистика, и народные приметы и суеверия, и русский быт. Все это характерно для романтизма этого периода.

Кондратий Федорович Рылеев, поэт, декабрист. В своем творчестве он часто искал сюжеты в русской истории. Все творчество Рылеева проникнуто идеями декабристов. Оно было призвано воззвать к доблестям людей, описывая подвиги их предков. Рылеев написал цикл стихотворных рассказов, которые назвал «Думы». Самые известные из них «Святослав», «Смерть Ермака», «Рогнеда», «Иван Сусанин». Главный герой всех произведений – это человек, который борется за независимость своего государства.

Вильгельм Карлович Кюхельбекер. Как и Рылеев был декабристом, что отразилось на его творчестве в значительной степени. Герой его произведений сражался с тиранией, не сомневаясь, шел в бой. Поэт в представлении Кюхельбекера был борцом за будущее народа, предсказателем. Среди его произведений можем выделить «Оду на смерть Байрона», «Аргивяне», «Участь русских поэтов».

Среди представителей русского реализма возвышаются фигуры Александра Сергеевича Пушкина и Михаила Юрьевича Лермонтова.

Творчество Пушкина позднего периода – проникнуто новым направлением в культуре. В произведениях появляется изображение людей и событий такими, какими они существуют в действительности. У Пушкина начинает прослеживаться интерес к исторической тематике. Драму «Борис Годунов» можно считать первым произведением русского реализма. В романе «Арап Петра Великого» Пушкин высоко оценивает деятельность императора. Появляется новый взгляд на образы персонажей, окружающую их обстановку. Александр Сергеевич Пушкин помещает своих героев в реальную бытовую среду, где все события закономерны, а поступки мотивированы. Примером может служить роман «Евгений Онегин», в котором автор хотел показать кризис, наступивший в дворянской культуре, противостояние личности и общества.  

Большинство произведений Михаила Юрьевича Лермонтова относятся к романтическому направлению. Среди них выделяется роман «Герой нашего времени», написанный в духе реализма. Герой романа Григорий Печорин является отражением всего современного Лермонтову поколения. Он оказывается в самых разных ситуациях и предстает перед читателем всегда по-новому. Лермонтов при написании романа использовал прием «дневниковых записей», что также является чертой реализма.

Познакомимся с творчеством представителей критического реализма в России.

Критический реализм

В комедии Александра Ивановича Островского «Свои люди – сочтёмся» можно встретить невежество и духовную пустоту русского купечества, постоянное желание наживы и обогащения. Она очень быстро приобрела популярность, но по настоянию цензоров была запрещена к дальнейшему изданию и постановке в театре. Не все представители купечества были способны проанализировать собственную жизнь и свои недостатки.

Николай Васильевич Гоголь использовал приемы сатиры, чтобы наиболее ярко представить российскую реальность XIX века. Он словно насмехается над людьми, но при этом автор хочет, чтобы читатель задумался над своей жизнью и событиями в России. Каждый персонаж Гоголя является продуманным до мелочей, подвергшимся анализу с точки зрения психологии. Это ярко представлено в поэме «Мертвые души» и «Ревизор».

Необычным и новым для того времени является творчество Дмитрия Васильевича Григоровича, который в своих повестях изобразил реальный крестьянский быт. До этого, описания жизни крестьян были наполнены сентиментализмом, когда простые люди говорили абсолютно грамотно, используя сложные речевые конструкции. Григорович же показал жизнь в русской деревне, как она есть, ничего не приукрашивая. Славянофилы, которые превозносили простой русский народ, зная о нем только в теории, не приняли творчества Григоровича.

Таким образом, в литературе первой половины XIX века существовало смешение стилей. В это время появился и развивался новый русский язык, более легкий для чтения, который заметно отличался от языка произведений XVIII века. Литература стала голосом поколения, она, как зеркало, отражала все проблемы, существовавшие в обществе. 

Театр. В начале XIX века в русском театре сменились несколько направлений – от классицизма до реализма, и каждое из них внесло свой вклад в становление этого искусства.

На сцене театра зритель видел события, описывающие то, что происходит в России. Так, например, во время Отечественной войны шли пьесы, посвященные борьбе за Родину. В Большом театре Петербурга зрители овациями встречали актеров пьесы «Дмитрий Донской». Особенно тронула всех фраза «Лучше смерть в бою, чем мир бесчестный», произнесенная в спектакле накануне заключения Тильзитского мира.

Популярными были пьесы Гоголя и Островского, раскрывающие жизнь общества России. Однако чтобы зритель принял и пьесу, и спектакль были нужны люди, актеры, которые могут донести замысел автора до зрителя. Среди них можно выделить следующих.

Павел Степанович Мочалов. Игра этого актера захватывала тем, что он перерабатывал каждый образ и делал его современным зрителю. Актер не отличался красивой внешностью, но он настолько перевоплощался в своих героев, что наблюдающие за его игрой забывали обо всем. За свою жизнь Мочалов сыграл более 250 ролей.

Михаил Семенович Щепкин. Являлся основоположником актерской школы России. На протяжении жизни он играл в более чем 30 спектаклях. Этому актеру одинаково превосходно давались как мужские, так и женские роли. Кроме того, Щепкин не только играл в драматическом театре, он еще и пел в опере. Специально для него Белинский написал пьесу «Пятидесятилетний дядюшка, или Странная болезнь». Именем Михаила Семеновича Щепкина названо театральное училище при Малом театре Москвы.

Примечательно, что оба актеры были выходцами из крепостных, впоследствии получившими вольную.

Пришла пора узнать о театрах, на сценах которых развивались события. С 1780 года центром театральной жизни Москвы был Петровский театр. Однако осенью 1805 года здание театра сгорело, и актеры стали относится к дирекции Императорских театров. Они играли на самых разных сценах. Интересно то, что в 1803 году труппа театра уже начала разделяться на драматических актеров и актеров оперы и балета. Но вплоть до 1825 года все актеры были универсальными, они могли исполнять любые роли. В 1825 году было построено новое здание Петровского театра, прозванного Большим. Теперь здесь ставились в основном оперы и балет. Драматические актеры получили Малый театр, перестроенный из особняка купца.

Театр России в первой половине XIX века

В Петербурге самым знаменитым был Александринский театр, названный в честь Александры Федоровны, супруги императора. Это старейший национальный театр России.

XIX век стал временем расцвета театральной культуры России. Театральные постановки обращались к патриотическим чувствам зрителей, изображали реальную жизнь, критиковали ее. В это время зародилась русская актерская школа.

Таким образом, в культуре первой половины XIX века одновременно существовали несколько направлений – классицизм, сентиментализм, романтизм и реализм. Происходила реформа русского литературного языка. Литература отражала события и проблемы России. Авторы критически их оценивали. Начала зарождаться русская театральная школа.

Реализм в литературе — черты и жанры направления

Реализм как направление был ответом не только эпохе Просвещения (классицизму),  с ее надеждами на человеческий Разум, но и романтическому негодованию на человека и общество. Мир оказался не таким, каким его изображали классицисты и романтики.

Необходимо было не только просвещать мир, не только показать его высокие идеалы, но и понять действительность.

Ответом на этот запрос и стало реалистическое направление, возникшее в литературе Европы и  России в 30-х годах XIX века.

Под реализмом понимается правдивое отношение к действительности в художественном произведении того или иного исторического периода. В этом смысле его черты можно найти и художественных текстах эпохи Возрождения или Просвещения. Но как литературное направление русский реализм стал ведущим именно во второй трети XIX века.

        

Основные черты реализма 

К главным его признакам относятся:

• объективизм в изображении жизни

(это не значит, что текст является «сколком» с действительности. Это авторское видение действительности, которую он описывает)

• нравственный  идеал автора

(в той или иной степени выраженная авторская позиция)

• типические характеры при несомненной индивидуальности героев

(таковы, например, герои пушкинского «Онегина» или гоголевские помещики)

• типические ситуации и конфликты

(наиболее распространенные – конфликт лишнего человека и общества, маленького человека и общества и т.п.)

• типические обстоятельства

(например, обстоятельства воспитания Татьяны Лариной и т.п.)

• внимание к психологической достоверности характеров

(психологическая  характеристика героев Толстого или Достоевского)

• обыденная и повседневная жизнь героев

(герой – не выдающаяся личность, как в романтизме, а тот, кто узнаваем читателями как, например, их современник)

• внимание к точности  и достоверности детали

(по деталям в «Евгении Онегине» можно изучить эпоху)

• неоднозначность авторского отношения к героям

(нет деления на положительных и отрицательных персонажей – например, отношение Лермонтова к Печорину)

• важность социальных проблем: общество и личность, роль личности в истории, «маленький человек» и общество и т. д.

• исследование социальных закономерностей

(например, в романе «Воскресение» Льва Толстого)

• приближение языка художественного произведения к живой речи

• возможность использования символа, мифа, гротеска и т.п. как средства раскрытия характера

(при создании образа Наполеона у Толстого или образов помещиков и чиновников у Гоголя). 

Наша презентация по теме

Основные жанры реализма

К ним относят:

• рассказ,
• повесть,
• роман.

Однако постепенно границы между ними размываются.

По мнению ученых, первым реалистическим романом в России стал «Евгений Онегин» Пушкина.

Расцвет этого литературного направления в России – вся вторая половина XIX века. Произведения писателей этой эпохи  вошли в сокровищницу мировой художественной культуры.

С точки зрения И.Бродского, это стало возможно благодаря высоте достижений русской поэзии  предыдущего периода.

Вам понравилось? Не скрывайте от мира свою радость — поделитесь

Жанры художественного стиля речи

Художественный стиль используется в художественной литературе. Он воздействует на воображение и чувства читателя, передаёт мысли и чувства автора, использует всё богатство лексики, возможности разных стилей, характеризуется образностью, эмоциональностью речи.

Эмоциональность художественного стиля отличается от эмоциональности разговорно-бытового и публицистического стилей. Эмоциональность художественной речи выполняет эстетическую функцию. Художественный стиль предполагает предварительный отбор языковых средств; для создания образов используются все языковые средства.

Жанр как понятие появился уже очень давно, еще в античном мире. В это же время появилась и типология жанров. Сегодня типологии текстов более строгие и обладают четкими границами. Причем применяются они во всех сферах жизни – в государственной деятельности, в профессиональных сферах, театре, медицине и даже быту.

Жанры в художественной литературе – это особый сложный вопрос. Как известно, все литературные произведения в зависимости от характера изображаемого относятся к одному из трёх родов: эпосу, лирике или драме. Литературный род — это обобщённое название группы произведений в зависимости от характера отображения действительности.

ЭПОС (от греч. «повествование») — это обобщённое название произведений, изображающих внешние по отношению к автору события.

ЛИРИКА (от греч. «исполняемое под лиру») — это обобщённое название произведений, в которых нет сюжета, а изображаются чувства, мысли, переживания автора или его лирического героя.

ДРАМА (от греч. «действие») — обобщённое название произведений, предназначенных для постановки на сцене; в драме преобладают диалоги персонажей, авторское начало сведено к минимуму.

Разновидности эпических, лирических и драматических произведений называют видами литературных произведений.

Вид и жанр — понятия в литературоведении очень близкие.

Жанрами называют вариации вида литературного произведения. Например, жанровой разновидностью повести может быть фантастическая или историческая повесть, а жанровой разновидностью комедии — водевиль и т.д. Строго говоря, литературный жанр — это исторически сложившийся тип художественного произведения, содержащий определённые, свойственные данной группе произведений структурные черты  и эстетическое качество.

ВИДЫ (ЖАНРЫ) ЭПИЧЕСКИХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ:

эпопея, роман, повесть, рассказ, сказка, басня, легенда.

ЭПОПЕЯ – крупное художественное произведение, повествующее о значительных исторических событиях. В древности – повествовательная поэма героического содержания. В литературе 19-20 веков появляется жанр роман-эпопея – это произведение, в котором становление характеров главных героев происходит в ходе их участия в исторических событиях.

РОМАН – большое повествовательное художественное произведение со сложным сюжетом, в центре которого – судьба личности.

ПОВЕСТЬ – художественное произведение, занимающее серединное положение между романом и рассказом по объему и сложности сюжета. В древности повестью называли всякое повествовательное произведение.

РАССКАЗ – художественное произведение небольшого размера, в основе которого – эпизод, случай из жизни героя.

СКАЗКА – произведение о вымышленных событиях и героях, обычно с участием волшебных, фантастических сил.

БАСНЯ (от «баять» — рассказывать) – это повествовательное произведение в стихотворной форме, небольшого размера, нравоучительного или сатирического характера.

 

ВИДЫ (ЖАНРЫ) ЛИРИЧЕСКИХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ:

ода, гимн, песня, элегия, сонет, эпиграмма, послание.

ОДА (с греч. «песнь») – хоровая, торжественная песня.

ГИМН (с греч. «хвала») – торжественная песня на стихи программного характера.

ЭПИГРАММА (с греч. «надпись») – короткое сатирическое стихотворение насмешливого характера, возникшее в 3 веке до н. э.

ЭЛЕГИЯ – жанр лирики, посвященный печальным раздумьям или лирическое стихотворение, проникнутое грустью. Белинский назвал элегией «песню грустного содержания». Слово «элегия» переводится как «тростниковая флейта» или «жалобная песня». Элегия возникла в Древней Греции в 7 веке до н. э.

ПОСЛАНИЕ – стихотворное письмо, обращение к конкретному лицу, просьба, пожелание, признание.

СОНЕТ (от провансальского sonette – «песенка») – стихотворение из 14 строк, обладающее определенной системой рифмовки и строгими стилистическими законами. Сонет зародился в Италии в 13 веке (создатель – поэт Якопо да Лентини), в Англии появился в первой половине 16 века (Г. Сарри), а в России – в 18 веке. Основные виды сонета – итальянский (из 2-х кат-ренов и 2-х терцетов) и английский (из 3-х катренов и заключительного двустишия).

ЛИРОЭПИЧЕСКИЕ ВИДЫ (ЖАНРЫ):

поэма, баллада.

ПОЭМА (с греч. poieio – «делаю, творю») – крупное стихотворное произведение с повество-вательным или лирическим сюжетом обычно на историческую или легендарную тему.

БАЛЛАДА – сюжетная песня драматического содержания, рассказ в стихах.

 

ВИДЫ (ЖАНРЫ) ДРАМАТИЧЕСКИХ ПРОИЗВЕДЕНИЙ:

трагедия, комедия, драма (в узком смысле).

ТРАГЕДИЯ (с греч. tragos ode – «козлиная песня») – драматическое произведение, изображающее напряженную борьбу сильных характеров и страстей, которое обычно заканчивается гибелью героя.

КОМЕДИЯ (с греч. komos ode – «веселая песня») – драматическое произведение с веселым, смешным сюжетом, обычно высмеивающее общественные или бытовые пороки.

ДРАМА («действие») – это литературное произведение в форме диалога с серьезным сюжетом, изображающее личность в ее драматических отношениях с обществом. Разновидностями драмы могут быть трагикомедия или мелодрама.

ВОДЕВИЛЬ – жанровая разновидность комедии, это лёгкая комедия с пением куплетов и танцами.

ФАРС – жанровая разновидность комедии, это театральная пьеса лёгкого, игривого характера с внешними комическими эффектами, рассчитанная на грубый вкус.

6 Особенности английской культуры и искусства XVIII века

Лекция № 6

Особенности английской культуры и искусства XVIII века

1. Литература

2. Театр

3. Живопись

4. Графика

5. Гравюра

6. Скульптура

7. Мебельное искусство

Рекомендуемые файлы

8. Английский парк

9. Классицизм в различных видах искусства Англии.

10. Английский неоклассицизм.

            Английское Просвещение породило жанр реалистического романа, который явился своеобразной мастерской для разработки новых приемов изображения действительности. На волне реализма взлетели Даниэль Дефо (1661-1731), Сэмюэль Ричардсон (1689-1761), Генри Филдинг (1707-1754), великий актер Дэвид Гаррик (1719-1779), живописец Уильям Хогарт (1697- 1764).

            Филдинг в какой-то мере явился продолжателем сатирической линии Свифта-памфлетиста. В повести «Джонатан Уайльд» главарь преступной шайки обращается к двум враждующим группировкам разбойников (под которыми Филдинг, надо думать, подразумевал тори и вигов) со следующими словами: «Джентльмены, мне стыдно видеть людей, посвятивших себя столь великому и славному начинанию, как ограбление публики, занятых такими глупыми и мелочными раздорами».

Роман «История Тома Джона, найденыша» во многом напоминает плутовской роман ХV-ХVII вв., он насыщен неожиданными поворотами сюжета, приключениями. Однако главный герой его бывает порой умилительно простодушен, видимо, Филдинг хотел показать человека, начисто лишённого буржуазной расчётливости и пуританского благоразумия.
            Возможно, что самое могучее влияние Просвещение оказало на английский театр. В то время как в середине ХVII столетия во Франции был всего лишь один-единственный театр, в Лондоне их насчитывалось около 20. Коренную реформу театрального искусства удалось осуществить гениальному актёру Дэвиду Гаррику. Гаррик отбросил комплекс классицистских условностей и старался максимально вжиться в своих героев. Современник Гаррика, рецензент, писал о нём: «Играя на сцене, он перевоплощается в исполняемый образ так, что публика видит перед собой не актера, а исполняемого актёром человека».

Английское искусство появилось на свет уже весьма «умным», рассуждающим, опирающимся на фундамент эстетики, на опыт литературы и театра. В отличие от французских просветителей, просветители Англии в прямой критике не добивались коренных изменений общественного и государственного строя, поскольку революция была уже позади, тем не менее, и они были вполне решительны и непримиримы.

В  30-х годах ХVIII столетия наступил расцвет английской живописи. Первым английским художником, снискавшим мировую известность, был Уильям Хогарт. В своем теоретическом трактате «Анализ красоты» (1753) художник выдвигал положение эстетики реализма, выступая против бездушного эклектизма официального академического направления.

Хогарт отстаивал бытовую живопись, основанную на непосредственном наблюдении и раскрывающую сущность жизненных явлений. Наибольший успех Хогарту принесли его работы на бытовые и нравоучительные темы. Излюбленным «коньком» живописца были серии картин маслом. Впоследствии картины воспроизводились в гравюре на металле самим художником. Часть досок гравировали привлечённые им к участию в этой работе другие граверы.

«Карьера проститутки» —  так назывался первый из этих циклов, который вышел в свет в 1732 году и сразу получил большую известность. Вторым циклом был цикл из восьми листов «Карьера мота», вышедший в 1735 году. Спустя 10 лет Хогарт создаёт наиболее известный из циклов —  «Модный брак», состоящий из 6 картин, хранящихся в Национальной галерее Лондона. Затем последовали циклы «Жизнь подмастерья», «Прилежание и леность». Последний, вероятно, был наименее удачным из всех.  В 1754 году Хогарт закончил последний из своих циклов, «Парламентские выборы». Он состоял из четырёх картин, отличающихся сатирической остротой и необычайно смелой и динамичной живописью.

Хогарт также послужил родоначальником особого жанра портретной живописи. В 20-30-е годы он создал много так называемых «разговорных картин» —  групповых портретов, в которых персонажи связаны каким-нибудь относительно несложным сюжетом, действием, преимущественно беседой. Картины эти имели большой успех. Например, портрет быстроглазой, розовощёкой «Девушки с креветками».

Крупнейшим мастером английской живописи второй половины XVIII века был Джошуа Рейнольдс. Лучшую часть его художественного наследия составляют портреты представителей высших слоёв английского общества. Индивидуальные особенности моделей передаются Рейнольдсом с трезвой реалистической позиции, общая концепция рациональна, однако, в то же время в творчестве художника нашёл выражение специфический характер эстетических требований и вкусов господствующих классов Англии его времени.

Первой работой, принесшей ему успех и известность, был портрет адмирала Кеппеля, написанный в 1753 году. За ним последовали многочисленные заказы, в некоторые периоды он писал до сотни портретов в год. Лучшим портретом зрелого периода творчества Рейнольдса, длившегося до середины 1760-х годов, является портрет Нелли О`Брайен, датированный 1760-1762гг.

Фигура молодой женщины занимает почти всю плоскость холста. Красиво написано свежее лицо, верхнюю часть которого покрывает мягкая прозрачная тень от шляпы. В этом портрете особенно ясно видны результаты изучения Рейнольдсом живописи венецианцев и поиски колористической гармонии.

В 1768 году Рейнольдс становится первым президентом Королевской академии художеств. При его помощи в Англии была создана система обучения художников, которая основывалась на широком профессиональном образовании. Наиболее плодотворный период творчества Рейнольдса приходится на середину 1770-х годов и позднее. Именно в это время художник написал портрет знаменитой актрисы Сары Сиддонс, портрет адмирала лорда Хитфилда, портрет «Мисс Хорн с ребёнком».

Апологетом английского сентиментализма в живописи явился Томас Гейнсборо (1727-1788). Самое большое влияние на манеру Гейнсборо оказал голландец Ван Дейк, что прочитывается в композиционном построении многих портретов и в некоторых живописных приемах английского художника. При всем этом Гейнсборо ни разу не предпринял поездок в чужие страны для ознакомления с работами старых мастеров, как это делал Рейнольдс.

Томас Гейнсборо (1727-1788) родился в маленьком, типичном для Восточной Англии городке. Семейство Гейнсборо было типичным семейством почтенных купцов. Отец торговал сукном, дела его понемногу приходили в упадок, как у многих других в канун великой Промышленной революции. И только Томас, младший, девятый ребенок в семье оказался нетипичным. Вместо того чтобы приглядываться к работе отца, он, прогуливая школу, рисовал все, что видел вокруг, — деревья, зеленые изгороди, овраги, скалы, пастухов, крестьян, лошадей, собак. Когда мальчику исполнилось 13 лет, родственник увез его в Лондон и пристроил к серебряных дел мастеру. Население страны было меньше, чем во Франции, Германии или даже Италии, а Лондон уже в конце XVII века стал крупнейшим городом в Европе. В нем кипела культурная жизнь, работали 17 театров, научные общества, существовала мощная художественная школа — целый мир, независимый и влиятельный, не последнее место в котором занимали меценаты, покровители талантов. Один из них и приметил способного мальчика, обеспечив Томасу возможность учиться в Академии св. Мартина (Королевская Академия художеств будет создана только через тридцать с лишним лет).

Наиболее известные и зрелые произведения мастера создаются в 1770-х годах. Это «Голубой мальчик», «Портрет миссис Грэхем» и некоторые другие. В числе лучших портретов Гейнсборо портрет Сары Сиддонс.

Заветным желанием Гейнсборо было удалиться на покой и писать пейзажи. Та Англия, которую он действительно любил, — это Англия уютных усадеб, далёких от столичной суеты, где жизнь течет созерцательно и неспешно, как длинный безмятежный летний день, от восхода до заката. Но портреты доставляли ему известность и деньги, а пейзажами Гейнсборо при его жизни мало кто интересовался. Все смешалось в художественной культуре Англии того времени — остатки принципов и традиций барокко, диктовавшего торжественный «большой стиль»; занесенное из Франции рококо, изящное, декоративное, но неглубокое; классицизм с его организованностью форм, идеализированной природой, строгой иерархией искусств, в которой излюбленные Гейнсборо пейзаж и портрет занимали низшую ступень; сентиментализм, взывавший к «естественным чувствам»; нарождавшийся острый, сатирический реализм.

Картинных галерей и музеев в Англии еще не было, доступ к частным коллекциям имел не всякий, но существовало замечательное английское изобретение — аукционы, где выставлялись картины на продажу. На аукционных выставках и отражалась борьба художественных мнений и вкусов.

Юный Томас Гейнсборо впитывал могучую живопись Рубенса и Ван Дейка, тонкую реалистичную живопись «малых голландцев», реализм Хогарта, извивы рококо, но в зрелые годы не копировал выигрышные приемы, а с их помощью пытался передать состояние и движение природы, характер человека. В начале пути, вынужденный зарабатывать на жизнь, он выполняет декоративные работы, пишет маленькие пейзажи. Одна из  самых ранних подписных картин изображает бультерьера на фоне пейзажа, а на обороте рукой художника сделана уважительная надпись: «Замечательно умный пес».

Скоро Гейнсборо замечают и начинают ценить коллеги, сам Хогарт приглашает его к участию в украшении детского приюта, и он пишет вид лондонского госпиталя «Чартерхаус».   Но этой работе, выполненной в 1748 году, когда Гейнсборо был 21 год, видно, как зарождались особенности его мастерства. При неизбежном для изображения архитектурных форм математически точном построении композиции здесь уже присутствуем движение, увлекающее зрителя, при замкнутом пространстве уже сделана попытка прорыва, создания форм игрой теней и света. Человеческие фигурки — ритмические точки — уже пытаются жить собственной жизнью.

У зрелого Гейнсборо мы не найдем ни городских архитектурных пейзажей, ни даже изображения узнаваемых конкретных мест. Несмотря на необходимость зарабатывать, он отказывался писать   топографически точные виды поместий, которые жаждали иметь английские сквайры.

Заказов «для души» добиться в Лондоне не удавалось, и Гейнсборо переехал в небольшой портовый город Ипсуич, где было поменьше соперников. Первым, кто пригласил его к себе, был местный помещик, желавший… покрасить окна и двери. Однако дело постепенно налаживалось – здесь художник написал около 80 портретов, продемонстрировав замечательный дар мгновенно и точно схватывать сходство.

Долгое время главным в творчестве Гейнсборо считался портрет, хотя самому художнику всегда был ближе пейзаж. Однако отвлеченных пейзажей тогда не ценили, а потому не заказывали и не покупали, мода на них пришла лишь в конце XVIII века. Может быть, необходимость писать портреты ради денег в сочетании с душевной потребностью писать пейзажи и привели Гейнсборо к одному из его главных художественных открытий — созданию пейзажного портрета, где человек и природа сливались воедино.

Огромную роль в творчестве художника сыграла его редкостная музыкальность. Каким-то чудом Гейнсборо сумел перенести свою любовь к музыке и ее тонкое понимание в живопись — в портреты, где легкая игра светлых пятен, вьющиеся линии создают  впечатление  только  что отзвучавшей мелодии; в пейзажи — с их ритмической перекличкой. «Лес Корнар» («Лес Гейнсборо»), написанный в 1748 году, — итог раннего творчества художника. Текущая под облачным небом меж могучими деревьями извилистая дорога пронизана серебристым светом. Крестьяне на дороге уже не просто маленькие фигурки, но часть природы, достойная художественного изображения. Гейнсборо постепенно отказывается от реальных наблюдений в природе и варьирует по собственному усмотрению самые разнообразные мотивы, воспоминания о родных местах. В портретах он пытается  передать мгновенное, непосредственное впечатление от модели, невзирая на ее «общественное положение»; его интересует обычный повседневный облик человека.

В 1759 году художник  переехал  в модный курортный городок Бат, о котором мы знаем из произведений Чарлза Диккенса, — там с октября по апрель собиралось высшее общество, к услугам которого были минеральные воды, бассейны, развлечения. Портрет Анны Форд, музыкантши — любительницы, мечтавшей о профессиональной  карьере,  привлек   всеобщее внимание. Любовь художника к музыке продиктовала композицию портрета — очертания женской фигуры повторяют форму гидры, лежащей на коленях Анны, и выступающей из полутени виолы.

С 1759 года начались ежегодные   общедоступные   выставки   в лондонском Художественном обществе, и Гейнсборо регулярно посылает на них свои работы, резко выделявшиеся на общем фоне. В ту пору господствовали  два  типа пейзажей — героико-исторический, который развивали знаменитые французские живописцы Никола Пуссен и Клод Лоррен, и прозаическая топографическая видопись, столь милая сердцам владельцев английских поместий. Гейнсборо же показывал естественную жизнь природы и жизнь человека в природе. Бесконечно разнообразны световые эффекты, передающие самое разное   время суток; художник увлечен ночными пейзажами, пробует работать при искусственном освещении. Музыкальность его композиций помогает отойти от непосредственной передачи натуры и заняться ее ритмическим преобразованием. На редкость необычным был творческий метод Гейнсборо. Не делая эскизов, он начинал работать сразу на холсте в затененной мастерской, постепенно впуская все больше света, чтоб выхватить детали. По словам его главного соперника, первого президента Академии художеств, сэра Джошуа Рейнолдса, вблизи живопись Гейнсборо выглядела настоящим хаосом, а на расстоянии все как по волшебству вставало на свои места и обретало форму. Внешне незавершенные   картины заставляли зрителя думать и фантазировать, участвуя в творческом процессе.

Гейнсборо охотно шел на всевозможные технические эксперименты. В Лондоне в 1781 году состоялось несколько сеансов своеобразного волшебного фонаря, с помощью которого на подсвеченном экране демонстрировались в сопровождении музыки слайды. Очарованный этой забавой, Гейнсборо построил собственный аппарат и расписал десятки  стеклянных пластинок — лунный пейзаж с хижиной, цыгане у костра…

Писал Гейнсборо чуть ли не двухметровыми кистями, стараясь находиться на одинаковом расстоянии от модели и от холста; клал тени привязанным к палочке кусочком губки, а пробелы прорабатывал обломком белил, зажатым сахарными щипчиками; краски разводил очень жидко. Его портреты часто кажутся чрезмерно яркими, но надо помнить, что дамы в XVIII веке не мыслили себя без косметики, были модны очень красные тубы, черные брови   и   ресницы, белила, румяна, сильно напудренные волосы.  Как необычно проявилась эта внутренняя жизнь в работах Гейнсборо начала 1770-х годов! Пышный парадный свадебный портрет 17-летней Мэри Грэм — выступающая из грозовой темноты серебристая фигурка, пепельно-серые и приглушенные золотистые тона. Образ и атмосфера портрета вызывали почти суеверные чувства — миссис Грэм умерла молодой, горячо любивший ее муж был не в силах смотреть на изображение. Картину упаковали и спрятали почти на полвека. Джонатан Баттл (этот портрет еще называют «Голубой мальчик»)   стоит в небесно-синем костюме на коричневато-сером фоне листвы и заката. Редкостное для XVIII века проникновение в духовный мир мы видим в портрете герцогини де Бофор («Дама в голубом»— единственная картина Гейнсборо в нашей стране, в собрании Эрмитажа), словно сотканной из легких мазков, тающей и мерцающей в изысканной гармонии холодных тонов;   королевы Шарлотты, некрасивой, но очаровывающей зрителя благодаря виртуозному письму об этом полотне один из современников художника сказал: «Признак таланта — создание прекрасных вещей из невозможных  сюжетов»;  скользящей  в  танце Джованны Бачелли; знаменитой актрисы Сары Сиддонс и во многих других работах Гейнсборо, оставившего нам настоящую портретную галерею английского общества.

Скажем еще об одном шедевре художника — портрете миссис Шеридан, жены прославленного драматурга, написанном в 1783 году. Она сидит на скамье под деревом, чуть ли не растворяясь в пейзаже. Трудно понять, где пряди ее волос, ленты шарфа, а где волнующаяся под ветром листва. Прекрасное задумчивое лицо вечно будет сиять в мягком сумеречном свете дня.

Громкая слава пришла к Гейнсборо незадолго до смерти, и в некрологах его назвали «певцом природы», чего художник добивался всю жизнь, и в середине XVIII века Томас Гейнсборо проторил дорогу   не   только романтикам, но и импрессионистам, намного опередив свое время.

Век Просвещения подарил человечеству множество замечательных мастеров. Мы не можем не упомянуть об Аллане Ремзее (1713-1784), третьем из основателей школы портретной живописи, основателе шотландской школы живописи, который задал её тон на несколько веков вперёд. Ремзей в 16 лет поступил в художественное училище — Академию св. Луки в Эдинбурге. Затем он учился некоторое время в Лондоне у шведского художника Ганса Хюсинга, а в 1736-1737 годах — в Италии. С 1738 года Ремзей работал в Эдинбурге, а в 1757 году обосновался в Лондоне. Он был одним из членов-учредителей академии художеств.

Ремзей был высокообразованным человеком, дружил со многими выдающимися деятелями английской культуры, переписывался с Вольтером и Руссо. Во время пребывания Руссо в Англии, Ремзей написал его портрет. Работы Ремзея отличаются уверенным, точным рисунком, уравновешенной композицией и сдержанной прохладной гаммой тонов. Характерным примером портретной живописи Ремзея является «Портрет Эмили, графини Килдер» (1756). Особенно много заказчиков было у шотландского мастера из среды его знатных соотечественников. Мы не можем не упомянуть об основном сопернике Рейнольдса Джордже Ромни, который обладал счастливым даром делать свою модель красивой, не теряя при этом портретного сходства. В эрмитажном собрании его творчество представлено уверенно написанным «Портретом миссис Грир» (1781).

Огромный вклад в совершенствование английской живописи вложили Джон Хопнер (1758-1810), Бенджамин Уэст (1738-1820), Ричард Уилсон (1714-1782) – «Речной пейзаж с замком и фигурами», Джордж Морленд (1763-1804) – «Приближение грозы», Джозеф Райд из Дерби (1734- 1797) – «Опыт с воздушным насосом», «Лекция о солнечной системе». Картина Уэста «Смерть генерала Вольфа» (1770), написанная в Англии, изображала эпизод завоевания англичанами Канады. Это была первая картина в европейской живописи ХVIII столетия, реалистически представлявшая действительное историческое событие, происшедшее за несколько лет до её написания. Хорошее знание обстановки, людей и природы заокеанских колоний было использовано живописцем для правдивой передачи условий, в которых происходила битва под Квебеком.

В большинстве стран Европы ХVIII век был беднее художественными ценностями, чем ХVII век, а в некоторых, как в Голландии, Фландрии, Испании, изобразительное искусство «галантного» столетия опустилось до уровня посредственности. Англия являлась исключением. Только в ХVIII веке Англия выдвинула живописцев всеевропейского масштаба. К этому времени послеренессансное искусство в других странах уже прошло большой исторический путь, и значительно прогрессировала теория, эстетическая мысль. И в самой Англии философия искусства опережала его практику, что сообщило особый отпечаток английскому искусству.

Однако в целом изобразительное искусство Англии XVIII века не пошло по пути повествовательности. Рассказ был предоставлен литературе, а живопись, наверстывая упущенное, совершенствовала свои собственные возможности главным образом в жанре портрета.  Напомню,   что портрет и ранее культивировался в Англии, беря начало от Гольбейна и Ван Дейка. Укрепленный литературой интерес к психологии поддержал эту   традицию. Плеяда портретистов второй половины XVIII века является  гордостью  английского искусства. Достаточно назвать двух крупнейших, которые были в известном смысле антиподами, — Рейнолдса и Гейнсборо.

Джошуа Рейнолдс (1723-1792)

В 1789 году в Россию на корабле «Дружба» прибыла из Англии огромная картина, выполненная прославленным английским живописцем Джошуа Рейнолдсом по заказу русской государыни Екатерины II. Сюжет монументального полотна «Младенец Геракл, удушающий змей, подосланных Герой» — одной из наиболее известных исторических композиций Рейнолдса, — был выбран неслучайно — рассматривали как своеобразную   дипломатическую  миссию  по укреплению взаимоотношений между двумя странами и высокую честь, оказанную Англии. Екатерина II заплатила за картину 1500 гиней, послала художнику табакерку со своим портретом, украшенным   бриллиантами, и благодарственную записку.

В последней трети XVIII века национальная   английская   школа живописи достигла подлинного расцвета, а ее признанным лидером, законодателем «моды», «высокого» стиля в искусстве стал автор «Младенца Геракла» Джошуа Рейнолдс. Ко времени создания этого знаменитого полотна,   и   поныне украшающего петербургский Эрмитаж, Рейнолдс находился на вершине славы, осыпанный всевозможными почестями и званиями. Похоже, судьба изначально благоволила к молодому человеку, провинциалу из небогатой семьи пастора в г.Плимптоне, в Девоншире. «Я буду художником, если вы дадите мне возможность сделаться хорошим художником», как утверждают, сказал он родителям. И судя по всему такую возможность он получил.

В 1741 году 18-летний Рейнолдс поступил в мастерскую к модному тогда, но весьма заурядному портретисту Хадсону, где проучился два года. Обретя необходимые навыки профессионального художника, Рейнолдс вернулся   из Лондона на родину и стал исполнять незначительные работы. Дальнейшему своему развитию и успеху художник прежде всего был обязан покровителям — знатным девонширским помещикам, которые радушно его принимали. В Англии XVIII века довольно многие меценаты-аристократы увлекались «выращиванием»художественных талантов. В доме лорда Эджкомба Рейнолдс познакомился с капитаном (впоследствии адмиралом) Кеппелем, который помог ему побывать в Италии. Художник запечатлел этого романтически воодушевленного молодого офицера на берегу бурного моря.

На протяжении трех лет Рейнолдс изучал и копировал творения великих мастеров прошлого, особенно фрески Микеланджело в Ватикане, венецианских живописцев и, прежде всего Тициана. На обратном пути в Англию Рейнолдс  останавливался в Париже, познакомился там со многими шедеврами живописи, а уже в зрелые годы дважды побывал в Нидерландах, где на него оказало особенно сильное воздействие искусство Рембрандта.

По возвращении из Италии в 1753 году Рейнолдс окончательно обосновался в Лондоне и открыл собственную мастерскую. Благодаря своей высокой технике, необычайной работоспособности и широкому покровительству художник   вскоре стал очень популярным. Слава Рейнолдса росла, как и цены на его портреты, но это не останавливало многочисленных поклонников, желавших быть запечатленными кистью национального «маэстро». Были годы, когда Рейнолдс писал по три-четыре портрета в неделю, но позже, став видным общественным деятелем, создавал не более 60-70 портретов в год, и почти каждый из них становился событием в художественной жизни Англии.

Человек светский, хорошо воспитанный и образованный, он дружил со многими из тех, кто составлял «цвет» нации — ученым-литератором С. Джонсоном,   великим   трагическим    актером    Л. Гарриком, замечательными английскими писателями-драматургами О. Голдсмитом, Я. (терном, Р. Шериданом и другими светилами того времени. Все они увековечены     в     портретах художника, не только великолепно передававшего сходство с оригиналом, но и сумевшего в каждом выявить характерное, сугубо индивидуальное. Отступая от установившихся еще с XVII века традиций парадного портрета с его пышным декором и идеализацией модели, Рейнолдс стремился подчеркнуть, прежде всего, личные достоинства человека, при этом сохраняя взволнованно- торжественный стиль, свойственный его портретам.

Губернатор Гибралтара, лорд Хитфилд изображен на фоне дымящихся орудий, с ключом от крепости, которую он отстоял от посягательств испанцев и французов. К своим моделям художник относился достаточно сдержанно (его портреты всегда холодноваты) и в то же время старался в меру им польстить, находя в каждом что-то наиболее выигрышное. Большинство изображенных респектабельны, но не напыщенны, и все аристократичны, даже если это представители буржуазной или артистической богемы, как Нелли О’Брайен (лучший женский портрет Рейнодса), о любовных похождениях которой судачил весь Лондон.

Видное место среди портретов Рейнолдса занимают детские. У каждого ребенка свой облик и жесты, типичные имений для его возраста. Рейнолдсу, человеку суховатому и педантичному,  не имевшему своей семьи и даже, по  свидетельству современников,  ни разу не пережившему романтическое увлечение, доставляло особое удовольствие изучать лицо ребенка, его фигуру, жесты. Истинным шедевром, по признанию самого Рейнолдса, стала «Девочка с земляникой» — решенный глубоко психологически портрет его племянницы Оффи Палмер.

Во всех полотнах Рейнолдса поражают удивительная композиционная  изобретательность,  прирожденное  чувство  ритма, насыщенный,     теплый     колорит,   светотеневые контрасты, свидетельствующие  об  уроках  у  венецианцев, Рембрандта, других мастеров прошлого. В высказываниях Рейнолдса постоянно развивается мысль о том, что художник   должен   знать   опыт   великих предшественников и вправе их «цитировать». «Изучая изобретения других, мы сами научаемся изобретать; можно взять готовую форму и влить в нее новое содержание — тогда картина является собственностью художника, несмотря   на очевидные заимствования», — эту концепцию Рейнолдса поддержали и его друзья- философы.

Свои мысли об искусстве Рейнолдс изложил в знаменитых «Речах», которые он ежегодно произносил перед слушателями Академии художеств в Лондоне. Они многократно издавались отдельной книгой и   стали важным вкладом    в классическую эстетику эпохи Просвещения, в значительной степени повлияли на формирование художественного вкуса современного ему английского общества. В своей эстетике Рейнолдс защищает строгое академическое преподавание и настаивает не только на изучении старых мастеров, но и на постоянном обращении к натуре. Приверженец классических традиций, почитатель античности и Высокого Возрождения, он в то же время был близким другом Стерна, одного из главных представителей сентиментализма в Англии, искавшего «дорогу к сердцу». Рейнолдс сам в одной из   своих  речей провозгласил первенство в искусстве воображения и чувства. Его портретам часто присуща та двойственность, которая ощущается в его теории.

Еще при жизни старшего современника Рейнолдса — У. Хогарта в английском обществе зрело желание создать  профессиональное художественное учебное заведение, с постоянным выставочным помещением и музеем. В декабре 1768 года устав Академии художеств был подписан королем, ставшим ее патроном, так что и по сей день Академия имеет титул Королевской. Ее двери распахнулись для первой выставки 130 картин известнейших английских живописцев того времени во главе с Рейнолдсом. С тех пор в стенах этого учебного заведения регулярно устраиваются выставки, а  из  лучших  дипломных работ выпускников Академии составлена и постоянно пополняется замечательная картинная галерея.

Первым президентом Королевской академии художеств стал и почти до самой смерти оставался Джошуа Рейнолдс. Президент Академии расширял с каждым годом свои общественные связи, становился членом всевозможных  клубов,  получил степень доктора гражданского права Оксфордского университета, был избран мэром родного города Плимптона и с 1784 года занимал должность главного королевского художника.

Создавая «исторический», «большой» стиль в портретной живописи, Рейнолдс как глава Академии не мог не отдать   дань   собственно исторической картине. В академической иерархии жанров на первом месте традиционно был исторический (хотя в те времена под историческим сюжетом подразумевался прежде всего мифологический или религиозный). Но знаменитого портретиста в этом жанре преследовали неудачи. Среди большого числа малооригинальных исторических композиций Рейнолдса наиболее интересными   и облагающими высокими художественными достоинствами  являются  уже  упомянутый  «Младенец Геракл» и написанный по заказу Потемкина «Амур, развязывающий пояс Венеры».

Джошуа Рейнолдс творил более 40 лет, имел множество поклонников и немало друзей, но всегда оставался одинок. С молодости он плохо слышал, а с 1789 года начал терять зрение. Биографы рассказывают, что, когда художник перестал видеть одним глазом, он положил кисть на мольберт и спокойно заметил с мужеством, которое ему никогда не изменяло: «Всему на свете есть конец, пришел и мой конец». В 1790 году Джошуа Рейнолдс сказал прощальную речь студентам Академии, а в 1792 году он был торжественно похоронен в лондонском соборе св. Павла, навсегда оставшись гордостью английской живописи.

Уильям Хогарт (1697-1764)

Каждая европейская страна пережила свой «золотой» век классического искусства, отмеченный высочайшими достижениями национальной художественной школы, творчеством самых отдаренных мастеров. Для Англии таким веком стал восемнадцатый. Победившая в конце XVII столетия буржуазная революция дала возможность этой стране стать богатейшей державой мира, где работало целое созвездие талантливых философов, ученых, писателей, театральных деятелей, художников.

Но в первой трети XVIII века, когда великий Хогарт был еще молод, этот процесс только начинался. Однако уже тогда в Англии сложились богатые традиции литературы и театра, а славные имена поэтов предшествующего времени Джефри Чосера, Джона Мильтона и особенно Уильяма Шекспира составляли гордость нации.

Театр еще со времен Шекспира занимал особое место в жизни англичан, оставаясь и в XVIII веке едва ли не самым любимым их увлечением. И не случайно одна из постановок была, увековечена в   самой   ранней тематической композиции Хогарта. Это был особенно нашумевший в 1720-е годы красочный и остроумный спектакль «Опера нищего» Джона Гея. Хогарт откликнулся на спектакль, от которого был в восторге, картиной «Опера нищего» (1727), где очень точно воспроизвел одну из сцен третьего акта пьесы — детали, декорации, исполнители, — то, что обычно навсегда уходит. А, кроме того, эта работа стала своего рода отправной точкой в том неизведанном мире, куда Хогарта влекла его «Муза комедии».

Уильям Хогарт родился в Лондоне, в семье бедного школьного учителя-неудачника. Жить приходилось почти в трущобах, в холоде и голоде, один за другим умирали братья и сестры маленького Уильяма. А впечатлительная натура мальчика уже впитывала «крики» Лондона — царившие на его улицах быт и нравы, подмечала противоречия и парадоксы.

В столице Англии была тогда сосредоточена вся общественно-политическая и культурная жизнь страны. Но здесь же соперничали роскошь и нищета, изысканность и вульгарность, каких в «галантном» XVIII веке не знала ни одна европейская столица. На улицах Лондона, в кофейнях, в домах Хогарт встречал людей разных сословий, профессий, нравов и взглядов, внимательно присматривался к ним. Для Хогарта, чье общее образование ограничивалось уроками отца да неоконченной приходской школой, именно   Лондон   стал подлинным учителем. И мастер, рисовавший вывески, и гравер, и придворный живописец Джеймс Торнхилл, у которых Хогарт обучался профессиональному умению, в своих художественных интересах были далеки от того, что особенно влекло их подопечного — повседневность, жизненность, реализм.

Хогарт первым вступил на рискованный и тернистый путь зачинателя новых жанров. А по существу стал творцом  самобытного,  чисто английского искусства. «Я обратился к совсем новому жанру — к писанию картин и созданию гравюр на современные нравственные темы — области, еще не испробованной ни в одной стране и ни в какие времена», -вспоминал он позже в «Автобиографии».

Первая живописная «пьеса» Хогарта — серия из шести картин «Карьера потаскушки» (1731) — показывает дно английского общества. Это грязные улицы вдали от фешенебельного центра Лондона, жалкие холодные комнаты дешевых домов, становившиеся нередко притонами бродяг и воров; тюрьма, страшный образ которой жил в сознании Хогарта с детства, — его отец был арестован за неуплату долгов.

Достоверна и типична не только история падения героини Хогарта -Мери Хэкэбаут, неопытной провинциалки, с   легкой   руки   сводни превратившейся в проститутку. Кажется, что все персонажи написаны с подлинных   лиц,   их   даже отождествляли с известными публике современниками. И это не случайно — Хогарт хотел, чтобы сюжет и мораль каждой картины и серии в целом были предельно понятны зрителю.

Такой подход к живописи был абсолютно новым в изобразительном искусстве, но не в философии, театре, литературе Англии XVIII века. Вера в исправительную, очищающую силу искусства была характерна для английского Просвещения, призывавшего активно вторгаться в жизнь, воздействовать на нее.

Хогарт стал первым и самым ярким художником-просветителем Англии. Знаменитый писатель-просветитель Генри Фелдинг провозгласил Хогарта «одним из самых полезных сатириков своего времени». По Хогарту, основная задача «полезного искусства» — не развлечение публики, а обличение порока, суд над жизнью, вершит который сатира. Гравюры, которые со своих картин собственноручно делал Хогарт, раскупались, развозились во все уголки Англии, принесли их автору широкую известность.

К 1735 году появилась «Карьера распутника», состоявшая из восьми картин. В   этой серии окончательно определилось   основное направление искусства Хогарта: сатирически заостренный реализм. В XX веке на несколько видоизмененный сюжет этой серии была написана опера великого композитора И.Ф. Стравинского «Похождения повесы».

У Хогарта каждая серия объединена общим сюжетом, единым героем, действие развивается из картины в картину. Между крайними событиями обеих серий — приездом в Лондон Мери и похоронами, вступлением в наследство Томаса и его заключением в сумасшедший дом Бедлам — Хогарт подробно изображает жизнь Лондона. Впервые в искусстве город становится не просто фоном и даже местом действия,  а  живым организмом, со своей меняющейся физиономией, характером,  настроением. Он обретает  самостоятельную  тему в творчестве художника, о чем  говорит исполненная большого чувства серия «Четыре времени суток» (конец 1730-х). Позже, в своей знаменитой гравюре «Переулок Джина» (1751) Хогарт показывает самую уродливую и отвратительную гримасу города — повальное пьянство и его последствия, ставшие тогда подлинным бичом и болью английского общества. В 1740-е годы в Лондоне джин стоил едва ли не   дешевле чая, по этой причине смертность вдвое превысила рождаемость; на сто   жителей города, включая детей и стариков, приходилось по питейному заведению.

К середине 1740-х годов Хогарт был уже видным деятелем английской культуры,  достаточно  обеспеченным  человеком,  но    продолжал оставаться поборником справедливости, вскрывал «язвы», поразившие не только «низы», но и «верхи» английского общества. В 1744 году под кистью Хогарта рождаются шесть картин новой серии, самого знаменитого его живописного театра — «Модный брак», где художник высмеивает и осуждает уже не дешевых проституток и сведен, не ничтожных развратников, а высшие круги английского общества.

В те времена беднеющая аристократия Англии стремилась сблизиться с богатыми буржуа, зачастую идя на «модные браки» — «деловые» союзы без любви. Хогарт впервые создает социальную сатиру, опережая своего современника писателя Филдинга и открывая путь в литературе Уильяму Теккерею и Чарльзу Диккенсу в XIX веке, но в живописи Англии ни при Хогарте, ни позже уже ничего подобного не было. Серия «Модный брак» замечательна и живописными достижениями, но лишь XX столетие сумело оценить высокие эстетические достоинства работ художника, блестящее мастерство Хогарта-колориста. В 1750-е годы в творчестве Хогарта дошел черед до «святая святых» английской эпохи, заложил особенности национального живописного языка и вошел в историю мирового искусства как «отец английской живописи».

Именно в ХVIII веке оформилась самобытная английская графика, английская школа акварели, разработавшая оригинальную технику, и светлую, звучную палитру чистых тонов. Крупнейшими мастерами акварели ХVIII века были Поль Сэндби (1725-1809), Джон Роберт Козенс (1752-1799) и Томас Гертин (1775-1802). Английские граверы разработали новые виды техники, которые давали возможность передачи сложнейших, живописных тоновых отношений: меццо-тинто, пунктирная манера и цветная гравюра резцом.

К середине ХVIII века сформировалась очень сильная группа граверов так называемой ирландской школы, крупнейшим мастером которой был Джеймс Мак Арделл (1729-1765).

В творчестве Джона Рафаэля Смита (1752-1812) и других мастеров последней трети ХVIII века репродукционная гравюра меццо-тинто достигла наивысшего расцвета. В последующие десятилетия она быстро потеряла свою популярность и художественные достоинства и сошла на нет, уступив место более лёгким, быстрым и дешёвым способам художественной репродукции. Частично её упадок явился результатом развития оригинальной гравюры на дереве, возродившейся в Англии в конце ХVIII века.

Громко заявили о себе в ХVIII веке английские скульпторы-классицисты. Пожалуй, самым известным из них был Джон Бэкон (1740-1799), автор знаменитой статуи доктора Джонсона в лондонском соборе Святого Павла. Джозеф Ноллекенс (1737-1823) особенно успешно работал в области портрета. В своих портретных бюстах он умело добивался выразительной реалистической характеристики модели в духе римских образцов («Портрет Джона Фокса»).

Крупнейший мастер английской скульптуры ХVIII века — Джон Флаксман (1755-1826) был типичным представителем классицизма. Характерным примером его монументальных работ может служить памятник адмиралу Нельсону в соборе св. Павла, интересно скомпонованный, но вместе с тем перегруженный аллегорическими фигурами и производящий впечатление несколько холодноватой рассудочности.

Развитие производства фарфора отчасти сдерживалось широким распространением фаянсового производства, которое достигает своего наивысшего расцвета во второй половине ХVIII столетия в творчестве  Джозайи Уэджвуда (1730-1795). Он явился создателем разнообразных керамических масс, получивших наименование агатовой, базальтовой, яшмовой, и усовершенствовал особый сорт тонкого фаянса, так называемого фаянса цвета сливок. Уэджвуд был не только пытливым исследователем, он работал и над созданием новых форм сосудов, изучая памятники античного искусства и античную керамику. Он может считаться одним из создателей классицизма в керамике, и влияние его творчества выходит за пределы Англии, во многом определяя развитие стиля европейской керамики в целом.

ХVIII век в Англии отмечен расцветом мебельного искусства. Крупнейшим мебельным мастером середины столетия становится Томас Чиппендейл (1718-1779). Он обогатил формы английской мебели чертами стиля рококо и элементами, воспринятыми в искусстве Китая. В конце его творческого пути заметно также увлечение готикой.

Развитие стиля английской мебели конца ХVIII — начала ХIХ века было связано с именами Георга Эплуайта (?— 1786) и Томаса Шератона (1751 — 1806), издавших в 1788 и 1794 годах гравированные сборники моделей английской мебели классицизма. Им свойственны простота, ясность и рациональность конструкции, строгость пропорций и в то же время элегантность и изящество. Эти качества проявились не только в совершенстве форм, но и в виртуозном мастерстве исполнения, в умении подобрать материал, в характере и расположении тактично стилизованного антикизирующего орнамента. Обычно эта мебель имела прямые четырехгранные ножки, но порой им придавалась форма круглой колонны. Популярными были спинки кресел в виде античной лиры или щита с орнаментом. Изделия английских мастеров по праву могут быть отнесены к числу наивысших остижений мебельного искусства.

Образцом всего прекрасного для просветителей  XVIII в. была природа. В 60-х г. XVIII ее культ создадут сентименталисты. Но в это время большое внимание уделялось садам и паркам.

Пейзажный (английский) парк, вероятно, самое важное из того, что внесла Англия в архитектуру ХVIII века. В отличие от регулярного (французского) парка, в котором дорожки и аллеи прокладывали по строгой, геометрически правильной схеме, в пейзажном парке создавалась иллюзия реальной, нетронутой природы. Идеалом такого парка был девственный лес, в котором не чувствовалось присутствия человека и современной цивилизации. Придумали пейзажный парк именно англичане, поэтому его нередко называют английским парком.

У истоков этой идеи стоял архитектор Джон Ванбро (1664-1726). Во время строительства дворца Бленим близ Оксфорда (1705-1724) он написал специальный «меморандум», в котором призывал свою заказчицу, герцогиню Сару Мальборо, сохранить в усадьбе старый полуразрушенный дом, поскольку эти руины являлись прекрасным украшением парка.

Лучшие пейзажные парки той эпохи были созданы Уильямом Кентом, одним из главных представителей палладианства. Это парк на вилле лорда Ричарда Бойла Бёрлинггона в Чизике, пригороде Лондона (1725-1730), и парк «Елисейские поля» в Стоу в Центральной Англии (ЗО-е годы ХVI1Iв.). Парк в Стоу украшали павильоны, построенные в разных стилях. Они были частью пейзажа; особенно сильное впечатление производили искусственные, специально построенные руины, которые напоминали зрителю о давно минувших временах. В целом пейзажный парк представлял собой своеобразное путешествие  —  не только в пространстве, но и во времени.

            КЛАССИЦИЗМ В РАЗЛИЧНЫХ ВИДАХ ИСКУССТВА

Классицизм (от лат. classicus — образцовый), стиль и направление в литературе и искусстве XVII — нач. XIX вв., обратившиеся к античному наследию как к норме и идеальному образцу. Классицизм сложился в XVII в. во Франции. В XVIII в. классицизм был связан с Просвещением; основываясь на идеях философского рационализма, на представлениях о разумной закономерности мира, о прекрасной облагороженной природе, стремился к выражению большого общественного содержания, возвышенных героических и нравственных идеалов, к строгой организованности логичных, ясных и гармоничных образов.

Соответственно возвышенным этическим идеям, воспитательной программе искусства эстетика классицизма устанавливала иерархию жанров — «высоких» (трагедия, эпопея, ода, история, мифология, религиозная картина и т. д.) и «низких» (комедия, сатира, басня, жанровая картина и т. д.). В литературе (трагедии П. Корнеля, Ж. Расина, Вольтера, комедии Мольера, поэма «Поэтическое искусство» и сатиры Н. Буало, басни Ж. Лафонтена, проза Ф. Ларошфуко, Ж. Лабрюйера во Франции, творчество веймарского периода И. В. Гете и Ф. Шиллера в Германии, оды М. В. Ломоносова и Г. Р. Державина, трагедии А. П. Сумарокова и Я. Б. Княжнина в России) ведущую роль играют значительные этические коллизии, нормативные типизированные образы.

Архитектуре классицизма (Ж. Ардуэн-Мансар, Ж. А. Габриель, К. Н. Леду во Франции, К. Рен в Англии, В. И. Баженов, М. Ф. Казаков, А. Н. Воронихин, А. Д. Захаров, К. И. Росси в России) присущи четкость и геометризм форм, логичность планировки, сочетание гладкой стены с ордером и сдержанным декором. Изобразительное искусство (живописцы Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. Л. Давид, Ж. О. Д. Энгр, скульпторы Ж. Б. Пигаль, Э. М. Фальконе во Франции, скульпторы Г. Шадов в Германии, Б. Торвальдсен в Дании, А. Канова в Италии, живописцы А. П. Лосенко, Г. И. Угрюмов, скульпторы М. И. Козловский, И. П. Мартос в России) отличается логичным развертыванием сюжета, ясностью, уравновешенностью композиции.

РЕН (Wren) Кристофер (1632-1723), английский архитектор, математик и астроном. Представитель классицизма. Гармонично связывал разнообразные по формам здания с пейзажем и городской средой (план реконструкции Лондона, 1666; собор св. Павла, 1675-1710, в Лондоне).

В «Истории эстетики» В. Татаркевич формулирует основные принципы искусства классицизма, ссылаясь на теоретика Итальянского Возрождения Л. Б. Альберти (1404 — 1472), который, в свою очередь, как он сам утверждал, выдвинул их на основе изучения античного искусства:

1.Красота является объективным качеством, свойственным реальным предметам, а не их переживанию человеком.

2. Красота заключается в порядке, правильном размещении частей и установлении пропорций…

3.Красота воспринимается глазами, но оценивается разумом…

4. Красота…является законом в природе, но целью в искусств…Поэтому искусство способно превосходить ее.

5. Искусство должно обладать рациональной дисциплиной, поскольку оно пользуется наукой.

6. План или рисунок являются наиболее существенными для зрительного искусства…

7. Искусство способно обращаться к важным темам и приспосабливать свои формы с соответствующему содержанию…

8. Великие возможности искусства были осуществлены античностью.

ЛИТЕРАТУРА.

Развитие английской литературы периода Реставрации шло главным образом под знаком классицизма, который представлял собою в Англии явление весьма самобытное и отличался от французского классицизма XVII столетия. Английский классицизм не мог стать выражением идеологии прогрессивных сил нации в той мере, в какой это удалось классицизму французскому. Поэзия и драма английского классицизма (лишь формально соблюдавшего правило трех единств и внешне подражавшего античным образцам) не обрели той глубины постижения действительности, которая была одним из важнейших достоинств творчества Корнеля, Расина и Мольера.

Крупнейшим представителем классицизма Англии второй половины XVII в. был Джон Драйден (John Dryden, 1631—1700), поэт, драматург, литературный критик. Творческий путь Драйдена отличается сложностью, неоднозначностью политических привязанностей, разнообразием художественных устремлений.

Многочисленные эпизоды политической, религиозной и литературно-философской борьбы времени нашли отражение в поэтических произведениях Драйдена. Среди них поэмы «Авессалом и Ахитофель» (1681—1682), отразившая острую борьбу между ториями и вигами по поводу билля о престолонаследии, «Медаль: сатира против мятежников» (1682), посвященная защите монархии, «Вера мирянина» (1682), восхваляющая англиканскую церковь, «Лань и Пантера» (1687), обозначившая резкий поворот Драйдена к католицизму. 

АРХИТЕКТУРА.

Типичный английский классицизм: изысканность, сдержанность, достоинство, рациональность в планировке. Мраморный Дворец – одно из немногих сохранившихся произведений всемирно известного английского архитектора Роберта Адамса, строившего в XVIII столетии. Дворец расположен в центральной части Лондона. Сейчас в столице Англии осталось всего несколько особняков Адамса. Мраморный Дворец — один из самых фешенебельных и великолепных. На протяжении XVIII, XIX и XX веков Дворец был домом для нескольких поколений английской и европейской аристократии.

Строительство Мраморного Дворца началось по заказу Герцога Портландского и заняло более пяти лет, с 1770 по 1775 год. Роскошный архитектурный ансамбль в истинно английском стиле был построен специально для привлечения знатнейшей аристократии. В нем в разное время жили бароны, маркизы, лорды и даже принцесса.

Адамс — автор таких произведений архитектуры, как квартал Адельфи, расположенный террасами на берегу Темзы, ворота Адмиралтейства, площади Фицрой и Финсбери и ряда частных домов, среди которых особое место занимает Мраморный Дворец. Интерьеры дворца примечательны характерными для творчества Адамса деталями — лепными потолками, изразцовыми каминами и роскошными лестницами. Классические скульптуры — неотъемлемый атрибут английского стиля XVIII столетия – заимствованы, по предположениям специалистов, из другого особняка Адамса на Портланд плейс в 1950-х годах. Скульптуры перевезены на Портланд плейс из их первоначальной  резиденции в целях безопасности в военное время и с тех пор прижились во Дворце, став неотъемлемой и гармоничной частью интерьера. В особняке представлены и другие работы мастера — античные трехпанельные зеркала над каминами, сверху завершенные полукругом, украшенные фигурами и цветочными гирляндами, и декорации основного приемного зала на втором этаже. Все эти детали представляют собой культурно-историческую и художественную ценность и сохранились до наших дней в первоначальном, нетронутом виде.

Дворец представляет собой идеальный образец английского классицизма – тенденции, охватившей Англию в конце XVIII столетия. Главное его отличие от других архитектурных шедевров этого периода – большее количество пространства, четыре фронтонных окна, а также изысканный и утонченный декор Адамса. Естественно материальную часть, то есть интерьер и экстерьер Дворца, гармонично дополняет духовная – история и судьбы людей, живших в нем на протяжении двух столетий.

ЖИВОПИСЬ.

Предметом художественного изображения в искусстве классицизма является этический, а не социальный человек. Поэтому типология классицистических героев основана не на их социальном статусе (король, священнослужитель, дворянин, ремесленник и т. п.), а на их моральных качествах (ханжа, скупец, мот, щеголь и т. д.). В свою очередь, из отношения к человеку как явлению этическому и из требования изображения правдоподобного (т. е. должного, а не сущего) непосредственно вытекает характерный для классицизма принцип внеисторизма.

В живописи долгое время ведущая роль принадлежала иностранцам: X. Хольбайну Младшему в XVI столетии, А. Ван Дейку и П. Рубенсу в XVII. И только в XVIII в. в лице У. Хогарта английская живопись обрела свой голос, хотя и довольно странный. «Литературная» живопись Хогарта находилась вне европейской художественной традиции, но его теоретический трактат «Анализ красоты» (1753) опередил свое время.

Более «живописные» художники, Дж. Рейнолдс и Дж. Ромни, продолжили заложенную Хогартом сентиментальную традицию в портретной живописи, но она быстро привела к помпезному «большому статуарному стилю» — воплощению самого поверхностного, декларативного академизма. Англия знаменита своими граверами. Но классик «чисто английской» техники пунктира — Ф. Бартолоцци, с 1764 г. работавший в Лондоне, по национальности итальянец, и все его достижения — в области воспроизведения живописных оригиналов, картин других художников.

Важнейшую роль в архитектуре английского неоклассицизма сыграли два мастера— Уилльям Чемберс (1723-1796) и Роберт Адам (1728-1794). Этот стиль нередко называют просто «стилем Адама», в честь его творца. В 1754-1756 годах Роберт Адам совершил путешествие в Италию и вернулся оттуда страстным поклонником античности. В его творчестве чувствовалось влияние английского палладианства. Вместе с тем, его стиль был очень своеобразным и легко узнаваемым.

В 60-е годы ХVIII века Адам создал множество усадебных домов в пригороде Лондона и в Центральной Англии. Особенно интересны интерьеры тех знаний, в которых архитектор нередко использовал этрусские орнаментальные мотивы (например, Этрусская комната в усадьбе Остерн Парк). Самый известный интерьер Адама —  приемная в доме Сайон-хаус (1764г.), украшенная 12 колоннами из голубого мрамора с позолоченными капителями и скульптурами наверху. Стволы этих колонн подлинно античные —  они найдены на дне реки Тибр в Риме. Колонны здесь не поддерживают потолок, а просто приставлены к стене.

  Интерьеры Адама ещё при жизни мастера многие считали высшим достижением английской архитектуры того времени. Его стиль был очень популярен.
       Уильям Чемберс был придворным архитектором короля Англии Георга III (1760-1820). В 1748-1749гг. он совершил путешествие в Китай, откуда привёз множество рисунков. Благодаря им в Англии возникла мода на китайский стиль. Один из павильонов в королевском парке Кью в пригороде Лондона (1757-1762) мастер выполнил в виде китайской пагоды.

   Историю английского неоклассицизма ХVIII века завершают 2 архитектора, манера которых сильно отличалась от «стиля Адама»: Джордж Дэнс Младший (1741-1825) и сэр Джон Соун (1753-1837).

Самой известной постройкой Дэнса была тюрьма Ньюгейт в Лондоне. Это суровое здание, стены которого сверху донизу были оформлены мощным рустом, производило мрачное впечатление, полностью соответствовавшее его назначению. Джон Соун во многом следовал манере Дэнса. Он был главным архитектором здания Английского банка и посвятил его строительству значительную часть жизни. В своём доме в Лондоне он устроил музей архитектуры, который подвёл своеобразный итог английскому неоклассицизму ХVIII в.

Вопросы для контроля:

1.Какой жанр в литературе появился в эпоху английского Просвещения?

2.Кто осуществил коренную реформу театрального искусства?

3.Кто был  создателем жанра портрета в XVIII веке?

4.Как писал пейзажи Гейнсборо?

5.Перечислите картины Джошуа Рейнолдса.

6.Родоначальником какого жанра является У.Хогарт?

7.Назовите основные полотна Уильяма Хогарта.

8.Какие картины английских художников находятся в Эрмитаже?

9.В каких видах искусства проявил себя классицизм?

10.  Кто и когда начал заниматься фаянсовым производством в Англии?

11.  Каковы особенности «английского парка»?

 

Список  основной литературы:

1. Дмитриева Н.А. Искусство Англии XVIII века. Краткая история искусств. Книга вторая. — М., 2002.

2. Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. — М., 1999.

3. Полищук В.И. Культурология. – М., 1999.

4. Ильина Т.В. История искусств Западной Европы. — М., 2002.

Список дополнительной литературы:

1.      Бадак А.Н. и др. Всемирная история, том 15. Эпоха Просвещения. — Минск, 1999.

2.      Грибунина Н.Г. История мировой художественной культуры. – Тверь, 1998.

3.      История искусства зарубежных стран. — Т. 1-2. – М., 1998.

Обратите внимание на лекцию «Лекция 4».

4.      Кроль А.Е. Английская живопись XVI-XIX вв. в Эрмитаже. Альбом. – Л., 1961.

5.      Хогарт У. Анализ красоты. – М.-Л., 1988

6.      Чегодаев А.Д. Статьи об искусстве Франции, Англии, США 18-20 вв. – М., 1978.

7.      Эренгросс Б.А. Мировая художественная культура. — М., 2001.

 

 

4.4: СТИЛИ ИСКУССТВА — Гуманитарные науки LibreTexts

В дополнение к рассмотрению того, где по спектру от репрезентации до непредставления может упасть произведение искусства, мы можем изучить стиль работы. Стиль может включать в себя принципы формы и внешнего вида, присущие определенной культуре или эпохе. Стиль может относиться к движению или группе художников и их работам, где общие черты могут варьироваться от использования одинаковых элементов и принципов дизайна до использования определенных материалов или процессов и следования набору религиозных, политических или идеологических убеждений.Стиль также указывает на визуальные характеристики работы отдельного художника. Мы проводим стилистический анализ, исследуя художественные элементы и рассматривая, как они использовались и как они соотносятся с другими работами этого художника, группы художников или в определенных временных рамках, культуре или регионе.

В целом художественные стили обычно делятся на три большие категории: периодические, региональные и формальные стили. Стили периода — это группы искусства, в которых характерная структура произведений основана на культуре, преобладающей в течение определенного периода времени.Хорошим примером старинного стиля может служить готическое искусство или искусство династии Мин. Региональные стили — это группы искусства, в которых произведения строятся на основе культуры, преобладающей в конкретном месте. Хорошим примером регионального стиля может быть голландское искусство или латиноамериканское искусство. Формальные стили — это группы искусства, в которых произведения строятся на принципах, не характерных ни для одного места, ни для одного времени. Хорошим примером формального стиля может быть сюрреализм, импрессионизм или модернизм.Формальные стили — это, как правило, «измы».

С давних времен мы можем видеть, что некоторые художники стремились сделать свои изображения близкими к тому, что они видели в окружающем мире, но по разным причинам они часто предпочитали подчеркивать определенные аспекты за счет большого натурализма. Однако было бы ошибкой предполагать, что степень натурализма, которую вы видите в произведении искусства, обязательно и в первую очередь связана с уровнем мастерства художника.

Художественные и стилистические изменения — это, как правило, вопрос эволюции и часто довольно реакционный.Художественный выбор стиля (и других вопросов), сделанный в какой-либо конкретный момент, зависит от того, как выглядят другие произведения искусства в этот момент. Таким образом, художник, скорее всего, попытается создать выражение, которое идет дальше в одном направлении или каким-то образом меняет направление. Таким образом, искусство может стать более натуралистичным, как мы видели, или может стать менее естественным, потому что художник думает, что искусство могло бы лучше выразить идею, используя немного другой стиль или радикально другую идею. Расхождение связано с текущим «мышлением» в рамках культуры и другими более конкретными обстоятельствами.

4.4.1 Культурный стиль

В каждой работе есть художественный выбор стиля. Хотя сегодня этот выбор обычно делается на усмотрение отдельного художника, большая часть исторического стиля была отражением более широких культурных течений, которые влияют на жизнь в любое время и в любом месте. Эти культурные факторы часто приводили к общим подходам к репрезентации, которые искусствоведы называют «условностями репрезентации». Чтобы познакомиться с этими условностями и тем, как они относятся к культурному стилю, мы рассмотрим несколько примеров.

4.4.1.1 Древний Ближний Восток

Эти условности очевидны для нас, когда мы исследуем широкий выбор произведений, созданных в древних культурах Ближнего Востока в течение нескольких столетий. Посмотрите, как фигуры изображены в деталях со Стандарта Ура (ок. 2600-2400 до н. Э.) Из древней Месопотамии, нынешнего Ирака, деревянного ящика со сценами войны и мира, сделанного из инкрустированных кусков переливающейся ракушки, красного цвета. известняк и голубой лазурит. (Рисунок 4.13) Мы видим, что у фигур достаточно натурализма, чтобы мы могли легко узнать человеческое тело.Но мы также видим, что они включают в себя ряд натуралистических деталей.

Фигуры кажутся статичными, даже когда показано, что они движутся в пространстве. Они показаны на комбинированном виде , то есть с частями тела, показанными в профиль, а другие на виде спереди, чтобы художник мог предоставить детали, которые не были бы видны в строгом профиле. Они поворачивают тело в пространстве так, что зритель видит бедра и плечи, а также скрученный торс, слегка повернутые к зрителю.Для воинов и лидеров это героическая позиция, демонстрирующая силу и командование. Составной вид завершается фронтальным обзором глаза по профилю лица и головы.

Такой подход к фигуральным формам продолжается и в древних ближневосточных произведениях. Музыкальная стела (ок. 2120 г. до н. Э.), Изображающая Гудеа со служителями в одном регистре и музыкантами внизу, показывает, что король торжественно готовится заложить храм в городе Гирсу под музыку и пение.(Рис. 4.14). В рельефе Саргона II, ассирийского царя, правившего 722–705 гг. До н.э., созданного примерно 1400 лет спустя, мы снова видим использование этих устройств, а также другие варианты костюмов и головных уборов. (Рисунок 4.15)

Эти примеры, заимствованные из многих веков, но из одного и того же географического региона, которым является сегодня Ирак, демонстрируют стойкость набора условностей репрезентации, разделяемых соответствующими культурными группами. Мы также можем заметить здесь, что, когда больше внимания уделяется натурализму человеческого тела, оно служит для передачи чувства силы, обычно для придания большей детализации мускулатуре, особенно в груди и плечах.Эта небольшая абстракция или отклонение от абсолютного натурализма также используется для создания ощущения большего физического роста и присутствия, манипулирование фактическими размерами, известное как иерархическая пропорция , предназначенная для демонстрации относительной важности фигур. Эти условные обозначения служат для передачи достоинства и значимости в рамках широкого культурного стиля, разделяемого этими ассоциированными группами.

Как уже отмечалось, абстракция не является современным методом искусства, но целенаправленно использовалась во многие эпохи.Абстракция, упрощение натуралистических форм, появляется в условных обозначениях на древнем Ближнем Востоке; Однако в отличие от большинства более поздних примеров абстракции, эти условности не продолжали и не демонстрировали реакционного движения против натуралистического подхода, а также не являлись этапом, который еще больше усиливал определенные черты в целях выражения или эмоционального преувеличения.

4.5.1.2 Древняя Греция и Рим

Ранее мы обсуждали развитие культурного стиля в Древней Греции от периода архаики до периода высокой классики.Последняя также была эпохой, когда храм Парфенона и другие сооружения на Акрополе в Афинах были перестроены или отремонтированы в знак могущества этого города-государства. (Рисунок 4.16) Произведение этой эпохи художественной вершины называется классическим .

В более широком смысле, древнеримские произведения, созданные для подражания греческому классическому стилю, иногда также определяются как классическое искусство. Тем не менее, необходимо проводить четкие различия между строго классической, имитационной и возрожденной классической формой в более поздние эпохи.Исследуя эти стили дальше, давайте сначала посмотрим, что произошло после эпохи греческой высокой классики. Искусство в Греции, в так называемом позднем классическом (400-323 г. до н.э.) и эллинистическом (323-31 гг. До н. Э.) Периодах, демонстрирует изменения, которые отходят от высоких классических норм, становясь в разной степени более динамичным, более выразительным, более эмоциональным. , более драматично. (Рисунки 4.17 и 4.18). То есть они в некоторой степени преувеличены из-за спокойного хладнокровия классического стиля, который выражал культурную ценность полного баланса, достигнутого «здоровым умом в здоровом теле», довольно трезвым и самоуверенным. содержал идеал.

В более поздней греческой культуре мы можем видеть изменения в экспансивном политическом духе, притоке иностранных культурных сил, развитии драмы в театре, усилении материализма и других факторах, которые меняют художественный и эстетический дух, что, следовательно, требует различных форм художественного творчества. выражение. Римляне, хотя и глубоко восхищались классическим греческим искусством, придерживались различных культурных идей и идеалов, поэтому римское искусство, если оно прямо не копирует греческое, выражало бы их разные взгляды на жизнь и мир.К ним относятся, в первую очередь, мирская жизнь римлян, их безграничный интерес к экспансии (который привел к большому разнообразию дополнительных влияний), их большая изобретательность и изобретательность в таких областях, как инженерия и архитектура, а также их упор на индивидуализм.

Период римской республики (509–27 гг. До н. Э.) Перекрывает греческий позднеархаический, классический и эллинистический периоды. В республиканский период римляне предпочитали антиидеализированный подход к изображению людей, который выходил за рамки простого натурализма и перешел к очень откровенному и неприукрашенному изучению людей, с некоторым почтением к более зрелым гражданам как к образцам завершенной жизни.(Рис. 4.19) Римляне почитали своих предков и хранили свои почтенные изображения в виде портретных голов, которые они несли в похоронных процессиях и хранили в своих домах; они ценили достижения старости, поэтому их взгляды на старение и пожилых людей часто выражались через достоверных или правдивых изображений их образов.

Однако использование этих неидеализированных изображений менялось от фазы к фазе на протяжении всей древнеримской истории. Особо следует отметить, что в раннюю имперскую эпоху (27 г. до н.э. — 197 г. н.э.), с возвышением Августа до императора, практика идеализации в портретной живописи снова была предпочтительна для имперских изображений, которые часто явно рассматривались как часть используемой политической пропаганды. способствовать позитивному восприятию императора и продвижению его политических целей и программ.Изображение человека Августа, независимо от его возраста на момент создания портрета, было создано как образ могущественного молодого человека, героического роста, подтянутого и прекрасного. (Рисунок 4.20) Последующие императоры изменили свой выбор в этом отношении, некоторые из них предпочли вернуться к эпохе до Имперской эпохи и представлениям о республиканской добродетели, ценности возраста и опыта, другие в некоторой степени использовали идеализирующий и пропагандистский подход. .

Однако в поздней Римской империи (284–476 гг. Н. Э.) Мы видим подавление и упорядочение естественных деталей в искусстве, которое последовало за этим и было реакцией на тот длительный период натуралистических представлений о человеческой фигуре.Ученые интерпретируют эту абстракцию как средство подчеркивания отличных от естественных черт, которые имеют идеологический, духовный или философский характер. Например, в «Портрете четырех тетрархов » г. 300 CE , мы видим, что идея тетрархов , или четырех соправствующих императоров, работающих вместе, чтобы управлять четырьмя разделами обширной Римской империи, более важна, чем представление подобия любого из них. этих соправителей как личности.(Рисунок 4.21)

Натурализм уступил место единообразию с почти идентичными фигурами мужчин в одинаковых костюмах, короне, доспехах и стойках, обнимающих друг друга, чтобы показать свою совместную службу и усилия на службе римских граждан. Несмотря на то, что в их одежде много деталей, которые связывают их совместное правление с римскими традициями военных правителей и лидеров, используется подавление отличительных индивидуальных физических характеристик, чтобы передать представление о том, как они будут действовать как одно целое.

Несколько лет спустя, когда Римская империя ненадолго вернулась к единственному правилу при Константине Великом, новый император выбрал еще более абстрактное и упрощенное портретное изображение. (Рис. 4.22) Таким образом, он еще дальше отошел от традиции имперских портретов, каждый из которых отличался степенью натурализма и идеализации, даже несмотря на то, что голова имитирует некоторые в том, что она чисто выбрита, с бахромой из волос и имеет вид. имперского высокомерия. Но это гораздо менее личное и менее интимное в обращении к зрителю, как в значительной степени из-за заметного подавления деталей, чем изображения более ранних правителей.Кроме того, Константин, кажется, сосредоточен на небесах наверху, на которые направлен его взгляд. Изображение было воспринято как более духовное, что связывает его с зарождающейся христианской верой. Таким образом, портрет связан с социальным и культурным поворотом от мирских к духовным вопросам, и это, вероятно, отражается в этом изменении художественной интерпретации.

4.4.1.3 Индийский субконтинент

Строго говоря, Греция и Рим были классическими цивилизациями античности на Западе, и некоторые даже ограничили использование термина «классический» в искусстве высоким классическим периодом в Греции.Однако те же принципы и условности репрезентации включают в себя множество произведений из других времен и мест. Возрождение характеристик, связанных с культурными стилями, связанными с Древней Грецией и Римом, неоднократно повторяется на протяжении истории на Западе, а также иногда проявляется в незападных культурах. Ознакомление с несколькими примерами сделает более очевидными вариации натуралистического стиля, будь то тонкие или довольно явные, которые можно исследовать в дальнейшем с учетом культурных и индивидуальных ценностей, оказывающих влияние на момент создания и использования произведения.

В Индии натурализм обычно не был таким сдержанным, как приверженцы классического идеала, который мы изучаем. Император Ашока (годы правления 268–232 до н. Э.), Правивший на большей части индийского субконтинента, руководил строительством 84 000 ступ , куполообразных святилищ, для размещения буддийских реликвий. В этом Якши , или женской природной фигуре, охраняющей одну из четверок ворот Великой ступы в Санчи, акцент сделан на мясистой форме, сладострастной и процветающей, что указывает на крепкое здоровое телосложение с коннотациями земного благословения и процветания.(Рисунок 4.23)

Во время правления Ашоки и в последующие столетия, под влиянием возрастающих контактов с западными культурами и художественными стилями, которые сопровождались как дружеской торговлей, так и агрессивными военными вторжениями греков и римлян, в индийском искусстве произошло много изменений. Ярким примером является буддийская скульптура Майтрейи из Гандхары (сегодня Пакистан), датируемая третьим или четвертым веком нашей эры. (Рис. 4.24) Майтрейя, производное от санскритского слова «друг», — это бодхисаттва — человек, способный достичь нирваны, но из сострадания решающий помочь другим избавиться от человеческих страданий.Майтрейя, преемник нынешнего Будды, появится в будущем.

Влияние греческого и римского искусства проявляется в обработке драпировки и физической формы. Хотя фигура несколько более плотная, чем западные аналоги, сохраняя индийскую склонность к более полному телосложению, она несколько менее существенна и определенно более скрыта за счет обильной ткани, чем то, что ранее было нормой для фигуральной интерпретации в Индии.

4.4.1.4 Романская и готическая эпохи в Европе

Возвращаясь в Европу, романское искусство одиннадцатого и двенадцатого веков примечательно тем, что выражает преобладающую озабоченность христиан концом своей жизни и концом времен. В духовных целях они часто делали выбор в пользу большей абстракции и искажения, а не акцентировали внимание на натуралистическом изображении человеческой формы, как это видно в древнегреческом и римском искусстве. Их формы не только упрощены за счет некоторого подавления натуралистических черт, но также скручены и повернуты в пространстве, в то время как их одежда имеет множество линейных деталей, которые не соответствуют физическим формам тел, которые они украшают.Эффект состоит в том, чтобы убрать их смысл из сосредоточения на мирских явлениях, перенаправив его на чувство духовного волнения.

Многие из изображенных сцен связаны с христианскими ожиданиями события Страшного суда, отражая предупреждения набожным о том, что их жизнь и дела сейчас будут оценены в тот момент в будущем. В соборе Отена (1120–1132 гг.) Во Франции мы видим графическое множество удлиненных фигур Страшного суда внутри тимпана , пространства над порталами или дверями.(Рис. 4.25) Сцена и окружающие ее декоративные рельефы, созданные скульптором Гислебертом (активный ок. 1115–1135, Франция) между 1130 и 1135 годами, сосредоточены на уплощенной фигуре Судящего Христа. Он руководит воскрешением мертвых и последующим назначением на небесное приветствие или гротескное приветствие обитателей ада. Несмотря на отсутствие натурализма, сообщения ясны в отношении человеческого опыта и распространенных верований той эпохи.

За романским стилем в Европе последовала готическая эпоха, охватившая двенадцатый-четырнадцатый века в Италии и продолжавшаяся до шестнадцатого века в Северной Европе.Готический стиль включал в себя возвращение к большему натурализму, поскольку во многих отношениях акцент сместился обратно на мир природы. (Рис. 4.26) Фигурные формы начали отражать наблюдение физических фактов, и началась фаза художественной эволюции, которая в конечном итоге завершилась интенсивным натурализмом эпохи Возрождения, особенно в Италии с четырнадцатого по шестнадцатый века.

Однако по ходу пути представления в Италии и Северной Европе разошлись, что привело к увеличению различных культурных стилей.Например, «придворный стиль» преобладал в королевских произведениях эпохи поздней готики (с конца четырнадцатого до шестнадцатого веков), особенно во Франции, и сохранился до раннего Возрождения конца пятнадцатого века в Северной Европе. Такой подход отражал выдающееся положение аристократических вкусов и возвышение земных правителей, а также представление о Боге и святых (особенно Деве Марии) как о суде на Небесах. ( Богородица Парижа , Нотр-Дам, Париж: https: // www.oneonta.edu/ faculty / farberas / arth / Images / arth312images / gothic / notre_dame_madonna_child.jpg)

Хотя есть явное отличие от романского стиля, фигуры еще не совсем натуралистичны, с акцентом на элегантность и аристократичность, доминирующие в фигуральном воображении. Как видно здесь, часто бывает обильная драпировка, ниспадающая богатыми и изящными складками, настолько преувеличенными, что невозможно различить пространство для полной фигуры внизу. Бедра и колени, вместо того, чтобы демонстрировать классическое положение контрапоста, разработанное древними греками, изящно изогнуты в S-образную форму, что означает изысканность и утонченность.

4.4.2 Стилистические периоды или движения

В дополнение к рассмотрению стиля как широкого выражения и воплощения культурных убеждений и ценностей, мы можем более точно сосредоточиться на стилистических группах и художественных движениях как художниках и произведениях, сгруппированных вместе из-за сходства в предмете, формальном подходе, духовных или политических убеждениях, или другие общие черты. Стилистическое движение может быть основано на целенаправленном и сознательном возрождении визуальных и философских черт более раннего стиля.Художественное движение может также отражать циклическую и повторяющуюся эволюцию стиля с фазами постепенного продвижения к большему натурализму, а затем отскока к некоторой стилистической аберрации, которая меньше отражает физическую природу и вместо этого выражает некоторый другой интерес человеческой жизни и художественного внимания.

4.4.2.1 Итальянский ренессанс

Первая художественная эпоха на современном Западе, о которой мы можем говорить как о обладающей более специфическими чертами и общностями, чем более широко определенный культурный стиль, — это период, известный как Ренессанс, что по-французски означает «возрождение».Возрождение, зародившееся в Италии в четырнадцатом веке, было периодом сознательного и целенаправленного возрождения идей и идеалов классического прошлого. В рамках общего культурного интереса к гуманизму , философской вере в ценность людей и их усилий, художники итальянского Возрождения искали способы выразить себя как личности в своем искусстве. Изучая древнее искусство и пристально наблюдая за окружающим миром, художники эпохи Возрождения как группа — но каждому свойственны уникальные черты — осознали еще одну вершину натурализма в человеческом обличье.Итальянские художники пятнадцатого века также изобрели линейную перспективу, так что все линии, параллельные взору зрителя, отступали в точку схода на линии горизонта.

Хорошим примером линейной перспективы является фреска « Святая Троица » Мазаччо (1401–1428, Италия), первая картина, в которой эта техника использовалась систематически. (Рисунок 4.27) Работа изображает распятие Христа, с Богом-Отцом позади и над ним, поддерживающим крест, а также Марией и Св.Иоанн Креститель стоит по обе стороны. Когда мы вытягиваем ортогональные линии от потолочного свода над святыми фигурами, мы обнаруживаем, что они сходятся в точке на полу, где изображения покровителей преклоняют колени, ниже и за пределами сводчатой ​​области. Эта линия делит фреску на две зоны: зону над ней, которая для христиан символизировала вечную жизнь, и скелет под линией, символизирующий могилу ожидания. точка схода и внимание зрителя находится на линии между ними, где покровители преклоняют колени в молитве.Таким образом, он тонко, но элегантно использует линейную перспективу для передачи сообщения. Покровители и зритель находятся «на грани жизни и смерти» и должны принять религиозное решение.

В предшествующие романские и готические эпохи философская мысль смещалась от акцента на достижении вечной жизни через преданность и рассматривала людей и их подвиги как слабые и незначительные; однако сила религии и религиозных верований не уменьшилась. Гуманизм итальянского Возрождения отмечал как интеллектуальные, так и творческие достижения человека, что можно увидеть в использовании линейной перспективы в Святая Троица , и охватил учение Римско-католической церкви, подчеркивающее человечность Христа.

В результате произошел переход от четкого физического и эмоционального разделения святых фигур в произведениях искусства к изображениям, подчеркивающим их духовное присутствие среди верующих. Например, в «Мадонне с младенцем и младенцем на троне со святыми » Рафаэля (1498-1520, Италия) сохраняется иерархия Марии как Царицы Небесной, сидящей высоко на троне с церемониальным балдахином и висящей тканью, подчеркивающей ее величие. (Рис. 4.28) Шаги перед ней, однако, открыты для зрителя, чтобы символически подняться через преданность, и безмятежный пейзаж позади нее явно находится на этой земле, а не в видении небесного неба.

Такие предметы, как Мадонна с младенцем, которые позволили художнику подчеркнуть человеческие качества, такие как любовь, милосердие и нежность, которые эти святые фигуры были общими с поклонником, были популярны во время итальянского Возрождения. Выбор предмета не только отражал новую ценность человеческого сочувствия и свободы воли, но и бесчисленное множество подходов к таким предметам указывают на новую свободу, которую почувствовали художники, чтобы отказаться от широкого культурного стиля, как это было в предыдущие эпохи. Вместо этого они переняли стилистические черты, воплощавшие коллективное желание «возродить» формы и философию искусства, практикуемые в классической Греции и Риме.Это привело к тому, что художники акцентировали внимание на личности в своем творчестве в рамках согласованных стилистических стандартов и идеалов того периода.

В качестве примера сравните картину Рафаэля « Мадонна с младенцем на троне со святыми –» Мадонна с младенцем , написанная приблизительно шестью годами позже Тицианом (ок. 1488–1576, Италия). (Рис. 4.29) Оба художника подчеркивают нежную связь между матерью и ребенком. Однако, внимательно посмотрев на лица всех трех женщин на работах Рафаэля, мы можем увидеть их черты и наклон головы почти одинаковыми, что позволяет предположить, что художник решил изобразить их в такой же идеализированной манере.С другой стороны, у Мадонны в творчестве Тициана более индивидуальные черты лица. Тициан делает больший акцент на натуралистических складках и потоке драпировки, чем Рафаэль, подчеркивая, например, прозрачность ткани на коленях Мэри. Наконец, Тициан приближает детальный пейзаж за фигурами к картинной плоскости, помещая фигуры в натуру; Рафаэль сосредотачивается на группировке фигур на переднем плане с далеким видом на землю. Таким образом, благодаря их искусству, мы оказываемся в первом ряду перед изменяющимся культурным взглядом на правильное отношение религиозных деятелей к повседневному физическому миру во времена итальянского Возрождения.

4.4.2.2 Реализм

Мы уже обсуждали натурализм как подход к изображению объектов, существующих в физическом мире, в изобразительном искусстве. Теперь давайте рассмотрим термины «натуралистический» и «реалистичный». Эти термины часто (неправильно) используются как синонимы, но их значения и значения в искусстве различаются. Работы натуралистичны, — это те, в которых внешний вид соответствует природе, то есть тому, как объект работы выглядит в естественном, феноменальном мире, например, коровы Розы Бонер.В отличие от них, те, которые правильно называются реалистичными, передают информацию или мнения о лежащей в основе социальной или философской реальности предмета изучения: они выходят за рамки естественного внешнего вида, чтобы выразить дополнительные идеи.

Работы, созданные с учетом такой реалистичности, также могут быть натуралистичными по внешнему виду, но они выходят за рамки натуралистического внешнего вида и включают социальные комментарии в графическое сообщение. Примеры включают работы, такие как работы Гюстава Курбе (1819-1877, Франция, Швейцария), которые были созданы, чтобы выразить реалии сельской бедноты во Франции середины XIX века и которые были частично художественными заявлениями восстания против преобладающих норм академически приемлемого искусства. . École des Beaux Arts была учрежденной на национальном уровне организацией, контролирующей обучение и выставку произведений искусства во Франции, и ее консервативные тенденции противоречили столь откровенному обращению с мирскими предметами. Скорее, они продвигали возвышенные темы, изысканные методы лечения, а их самые ценные работы касались таких тем, как история, религия, героические повествования и тому подобное. Здесь, в захоронении в Орнане, Курбе представил не грандиозное торжественное мероприятие, а обычные деревенские похороны.(Рис. 4.30) Сцена включает разрозненную группу простых людей, стоящих неловко в беспорядке, хотя большие размеры были связаны с более возвышенным объектом и обращением.

Академические нормы диктовали бы, что такое ритуальное событие должно быть представлено с большим чувством формальности и пышности, подчеркивая координацию действий в возвышающей и благоговейной манере. Поскольку Курбе обучался и достиг мастерства в официальной французской системе, картина была показана в ежегодном Салоне, официальном месте École des Beaux-Arts ; тем не менее, он был широко раскритикован за недостаток приличия и слишком много реализма .

Другая работа Курбе, «Камнедробители», , также показанная в Салоне в 1851 году, вызвала такую ​​же критику, поскольку в ней тяжелый труд сельских крестьян представлялся как героический поступок. (Рис. 4.31) Курбе снова использовал реализм, чтобы наглядно продемонстрировать благородство людей и задачи, которые лежали далеко за пределами утонченных академических определений искусства. Тем самым он осудил не только Академию, но и общественные стандарты, которые поддерживали такое суждение и ранжирование искусства и человеческой деятельности.Так было положено начало художественному направлению, известному как реализм. Многие работы, созданные в этом ключе, были осуждены и отклонены для показа в официальных Салонах, что привело к антиакадемическому движению среди художников и стремлению многих к независимости от контролируемой государством системы обучения и выставок.

Такие предметы и подход к созданию искусства появлялись во многих разных местах на протяжении девятнадцатого и двадцатого веков. Такие произведения искусства неизменно ассоциировались с другими признаками социальных изменений и потрясений, часто отражая жизнь и интересы крестьян, как сельских, так и городских, и подчеркивая тяжелые условия их жизни.В России, среди прочего, движение включало в себя дух исследования и творчества художников, выражающих отличительные культурные особенности и специфические социальные проблемы своих соотечественников. Илья Репин (1844-1930, Россия) в книге « Бурлаки на Волге», представил реалистичный взгляд на тяжелый труд людей, доставляющих речные баржи на берег для разгрузки; художник очень старался представить каждого из них как личность, заслуживающую уважения. (Рис. 4.32) Он также определил их по возрасту, телосложению, росту и этнической принадлежности, представив эту группу как своего рода поперечное сечение русского крестьянства того времени.

В Германии влияние реализма Курбе в сочетании с изучением портретов старых мастеров (известных европейских художников около 1200–1800 гг.) Проявляется в исследовании Вильгельма Лейбля (1844–1900, Германия) под названием « Три женщины в мире». Церковь. (рис. 4.33) На этой картине примечательны детали отдельных женщин, они подчеркивают их деревенские костюмы, их ярко выраженные индивидуальные характеры, их большие потрепанные руки и другие их физические особенности. Лейбль с реалистичным вниманием относился к этим крестьянам к последствиям их тяжелой жизни в разном возрасте, передавая при этом большое чувство уважения к их традициям семьи и веры.Он стремился противопоставить наследию прославленной немецкой истории и мифов непоколебимыми взглядами на простых людей, которых он знал.

Стилистические компоненты и идеи, лежащие в основе реализма, также использовались американскими художниками, особенно в первые десятилетия двадцатого века, когда многолюдные городские центры создавали тяжелые условия жизни для бедных граждан из рабочего класса. В одну важную группу в рамках этого стилистического движения, известную как Школа Ашкан, входили такие художники, как Джордж Беллоуз (1882-1925, США), чей Cliff Dwellers показывает скопление людей и хаос в районе Нижнего Ист-Сайда в Нью-Йорке жарким летом. день.(Рисунок 4.34)

Эти художники часто комментировали нежелательные эффекты, которые испытывали недавно прибывшие иммигранты и сельская беднота, которую заманили в большие мегаполисы в надежде на лучшее процветание и лучший образ жизни, особенно учитывая то, что многие из них оставались на нижних ступенях индустриализации и торговли. ориентированное общество. Опять же, общее определение формы можно рассматривать как натуралистическое, но его усилия по реализму привели Беллоуса к довольно живописному, чистому подходу, который не имеет полностью натуралистических деталей.

Еще одна особенность должна быть сделана относительно идеи реализма в искусстве. Ошибочно полагать, что фотографические работы по своей сути или обязательно более реалистичны, чем любые другие работы, потому что они отражают некоторую реальность. Художник, использующий фотографию, имеет столько же возможностей выбора, как и тот, кто работает в любой другой среде, и может делать выбор, изменяющий эту действительность или ее внешний вид. Фотограф выбирает объект, а затем может выбрать точку обзора, освещение, композиционное поле, различные фотопроцессы и материалы, а также время экспозиции.Процесс разработки и печати предлагает дополнительные возможности для управления изображениями, а иногда изменения вносятся после завершения процесса печати. В фотографии не обязательно больше «правды» или «реализма», чем в любом другом виде искусства.

Например, в работах некоторых фотографов, таких как Эдвард Стейхен (1879-1973, Люксембург, жил в США) и Лукас Самарас (род. 1936, Греция, живет в США), мы видим, что художники манипулировали фотографиями, чтобы изменить их внешний вид. .Стейхен использовал слои бихромата камеди , чтобы добавить цвета и создать ощущение туманной атмосферы таинственного ночного пейзажа. (Рис. 4.35) Самарас, с другой стороны, создал тип фотографии, который он назвал Photo-Transformation , используя пальцы и стилус, чтобы перемещать и размазывать краски на отпечатке Polaroid, пока он еще влажный. ( Photo-Transformation , Лукас Самарас: http://www.metmuseum.org/art/collection/ search / 265049) Оставив выступающую руку нетронутой, Самарас изменил пространственные отношения на своей фотографии, размыв окружающие образы, включая его собственное лицо, которое при этом стало нечетким.Этапы создания фотографий предлагают бесчисленные возможности для изменения изображения от его «естественного» внешнего вида, при этом часто сохраняя ощущение «подлинности» самой фотографии.

4.4.2.3 Выражение (ism)

Как мы видели, выбор, сделанный в пользу отхода от натурализма, может отражать как культуру в целом, так и проблемы, которыми занимаются художники, когда они стремятся выразить идеи и / или чувства момента. Expression искали для многих целей, связанных с мыслью, верой, эмоциональным импульсом и любыми человеческими заботами, которые могут побудить к созданию художественной артикуляции, в ее различных формах и средствах.Однако часто идея экспрессионизма в искусстве более узко используется для определения идеи отказа от меры натурализма в пользу эмоционального содержания, подчеркивая, как культура и художник относились к предмету. Это может быть использовано на Западе или Востоке.

Примеры многочисленны в иллюстрациях повествований, таких как индийская мифологическая история об индуистской богине Дурге, которая драматично убивает демона-буйвола, используя оружие, заимствованное у богов-мужчин.(Рисунок 4.36) Такая история хорошо поддается динамической выразительной интерпретации в искусстве, как и религиозная идея, представленная в немецких произведениях под названием andachtsbilder , религиозные образы, используемые для помощи в молитве, как показано на рисунке 4.37. Эти произведения были созданы как в малых, так и в больших масштабах, чтобы вызвать размышления о страданиях Девы Марии и Иисуса Христа, вызванных историями о Страстях Христовых. Такие работы были также вдохновлены связью страданий святых фигур с физическими последствиями Черной чумы, свирепствовавшей от Азии до Европы в четырнадцатом веке.

Более конкретное движение экспрессионизма в Германии возникло в начале двадцатого века, чтобы придать художественную форму эмоциональным и социальным реакциям на беспорядки, вызванные политическими и культурными потрясениями. Отражая стремление к социальной реформе, которое было частью реализма, а также долгую историю выразительности в немецком искусстве, группа получила название «Новая объективность » (Neue Sachlichkeit). После Первой мировой войны (1914-1918) эти художники представили резкие и пронзительные взгляды на последствия опустошительной войны для немецкого общества в 1920-х годах и последовавшие за этим социальные волнения, сопровождавшие появление нацистов и Третьего рейха. в 1930-е гг.Такие художники, как Макс Бекманн (1844–1950, Германия, Нидерланды, США) и Джордж Гросс (1893–1959, Германия) использовали свое мастерство для резкой и циничной критики того, что они видели в окружающем обществе, дома и по всей Европе.

В парижском обществе , Бекманн показал группу бизнесменов, аристократов и интеллектуалов (многие из которых эмигрировали в Париж, спасаясь от домашних условий), собравшуюся на то, что должно было быть вечером социальных шуток, но вместо этого было явно проникнуто чувство дурного предчувствия и уныния.( Парижское общество , Макс Брекманн: http: // www.guggenheim.org/new-york/collections/ collection-online / artwork / 503) Реализм здесь показывает отсутствие связи между тусовщиками, даже до такой степени, что они явно избегают или игнорируют друг друга, будучи тесненными в неудобном месте. Сам Бекманн, когда-то известный художник в Германии, стал объектом осуждения и насмешек во времена нацистского режима, и его работы часто полны ощущения недуга того времени.

Гросс, которого также презирали нацисты, имел тенденцию более конкретно использовать свой критический реализм, особенно резко осуждая военные и правительственные учреждения. Например, в сериале «« Герой »,« »Гросс использовал графический реализм, чтобы передать свое видение антигероического обращения с людьми, особенно с ветеранами Первой мировой войны, которые он видел вокруг себя. ( The Hero , Джордж Гросс: http://www.moma.org/collection_ge/ob…bject_id=72585) В работах этих двух художников мы можем отметить, что реалистический подход иногда уходит от сильного естественного — изм.Художники, кажется, сознательно решили сделать свои исполнения несколько абстрактными и необработанными — даже грубыми — ради выразительного акцента.

4.4.2.4 Абстрактный экспрессионизм

Мы исследовали различия между репрезентативным и абстрактным искусством, когда исследовали исследование коров Ван Дусбургом и работы других художников, которые манипулировали формой, уменьшая ее визуальные компоненты или изменяя ее внешний вид таким образом, чтобы форма не соответствовала тому, как она может проявляться в природе. .Эти художники решили ограничить степень, в которой они будут проводить исследования абстракции, избегая потери ссылок, которые были более или менее четко узнаваемы.

В середине двадцатого века, базирующееся в Нью-Йорке, движение под названием Абстрактный экспрессионизм включало в себя работы по рисунку, живописи, печати и скульптуре, которые были сосредоточены на физических свойствах используемого носителя, а не на живописном повествовании. хотя не все они вообще не имели отношения к фигуре или феноменальному миру.В работе Клиффорда Стилла (1901-1980, США) Untitled 1957 года мы видим, как образы могут напоминать нам зубчатую трещину в горном пейзаже, но без окончательного представления, а сам художник отрицал, что такая была сабж там. ( PH-971 , Клиффорд Стилл: https://www.sfmoma.org/artwork/75.35)

Другие художники, связанные с абстрактным экспрессионизмом, меньше использовали в своих работах чувство репрезентации. В эту категорию вошли Джексон Поллок и Марк Ротко (1903-1970, Латвия, жил в США).( The Deep , Джексон Поллок: http://www.wikiart.org/en/jackson-po…/the-deep-1953; No. 61 (Rust and Blue) , Марк Ротко: en.wikipedia.org/wiki/File:No_61_Mark_Rothko. jpg) Художники-абстрактные экспрессионисты были больше озабочены художественным процессом и формальными средствами, чем созданием повествовательных картин. Изучая небольшой поперечный разрез работ художников-абстрактных экспрессионистов, мы видим, что, в конце концов, может быть неуместно называть это стилистической категорией, поскольку на самом деле между ними нет потока визуальных сходств; скорее, для них характерна свобода от ограничений стилистических правил и отсутствие унифицирующих визуальных характеристик.

4.4.3 Индивидуальный стиль

Йоханнес (или Ян) Вермеер жил в семнадцатом веке, во время художественного расцвета, которое часто называют золотым веком голландского искусства. В течение своей жизни Вермеер был известным художником в своем родном городе Делфте, чьи работы были приобретены небольшим количеством коллекционеров. Однако после его смерти в 1675 году в возрасте сорока трех лет он и его работы были в значительной степени забыты, отчасти потому, что несколько работ, которые он написал, находились в частных коллекциях и редко видели.Например, картина Вермеера The Ge ographer находилась в руках более двух десятков частных владельцев до того, как была продана в Штедельский музей (Städelsches Kunstinstitut) во Франкфурте, Германия, в 1885 году (рис. 4.38). Сам Вермеер не был «заново открыт» до 1860 года, когда директор музея Густав Вааген признал произведение, приписываемое другому художнику, картиной Вермеера. Работая с Ваагеном, художественный критик Теофиль Торе-Бюргер опубликовал в 1866 году каталог raisonné , подробный, исчерпывающий список работ художника, положив начало Вермееру, чтобы сохранить известность, которой он и его тридцать четыре известные картины пользуются по сей день.
После такого долгого периода безвестности тем более интересно, что сегодня считается, что Vermeer обладает таким самобытным стилем. Как и в «Географ », подавляющее большинство его работ находится в домашнем интерьере, сильно освещенном многослойным окном слева. Солнечный свет заливает стол у окна и стоящую там фигуру, на пол и стену позади. В комнате находятся как предметы, которые обычно можно найти в голландском доме того времени, так и предметы, связанные с профессией географа, а именно: земной шар, карты и компас, который держит человек.Vermeer добился яркости сцены с мелкими деталями, которые были тепло выделены до тонкого свечения, путем нанесения нескольких слоев полупрозрачной глазури. Палитра землистых тонов с вкраплениями яркого синего цвета лазурита и ярко-красной киновари в порошке придает богатство, ясность и спокойствие, которые также характерны для Вермеера.

Жизнь и творчество Винсента Ван Гога также служат нам хорошим примером для описания индивидуального стиля художника.Помимо того, что можно узнать о художнике из его рисунков и картин, более 800 писем Ван Гога, написанных его брату, Тео, другим членам семьи и друзьям, предоставляют ценную информацию о его художественных намерениях и мыслях о своем искусстве и жизнь. После детства, которое художник описал как беспокойное и одинокое, он обрел счастье в 1869 году в возрасте шестнадцати лет, когда он устроился на работу в арт-дилер Goupil & Cie сначала в голландском городе Гааге, а затем в Лондоне, Англия.Однако после ухода из фирмы в 1876 году он провел следующие семь лет в череде профессиональных и романтических занятий, которые оставили Ван Гога разочарованным и брошенным на произвол судьбы. В 1883 году он начал увлекаться рисованием и рисованием, в которых он был многообещающим в детстве. Два года, которые он провел в Париже (1886–1888), предоставили ему, казалось бы, бесконечные возможности учиться и расти как художник. Однако в 1888 году, пораженный темпом жизни, он поселился в Арле, небольшом городке на юге Франции, где провел последние два года своей жизни.

Во многом основанный на плодовитой художественной работе и биографических деталях последних двух лет, Ван Гог хорошо известен как эмоционально обеспокоенный художник, который боролся с творческими, финансовыми и социальными проблемами. Его работы того периода не похожи на работы его современников, поэтому мы уверены, что его выбор темы и техники раскрывает нечто личное и интимное, а не отполированное, далекое и условное. (Рис. 4.39) Его кружащиеся мазки кисти и яркие цвета, кажется, указывают на хаотичную и эмоционально бурную жизнь, в которой он жил.Его выбор кипарисов как символов вечности свидетельствует о его заботе о духовном, что хорошо задокументировано в его письмах того времени. Его страсть, преданность живописи и, возможно, даже своего рода отчаяние, кажется, движут индивидуальным стилистическим подходом Ван Гога.

Страница не найдена | LACMA

Метрополис II Криса Бёрдена — это интенсивная кинетическая скульптура, созданная по образцу фа…

Каулин Смит — междисциплинарная художница из Лос-Анджелеса, чьи работы отражают…

View From Here: Recent Acquisitions представляет подборку из 16 недавно приобретенных работ…

Ёситомо Нара — один из самых любимых японских художников своего поколения.Его…

Пожалуй, самый доминирующий вид искусства за последние 100 лет, фильм имеет важное значение…

Утренники вторника

Наслаждайтесь концертами ведущих международных и местных ансамблей в программах…

Искусство и музыка, Джаз в LACMA, Latin Sounds, Sunday Live

Живопись, эстамп, коллаж и многое другое — не выходя из дома!…

Rain Room от Random International (2012) — это захватывающая среда вечного…

Rain Room

«150 портретных тонов» Марка Брэдфорда, композиция размером с фреску, содержащая элементы…

Работы художника Роберта Ирвина за последние пять десятилетий исследовали восприятие…

«Без названия» Барбары Крюгер (Shafted) демонстрирует своеобразное использование рекламы…

Band (2006) может квалифицироваться как magnum opus Ричарда Серры, представляя самый полный…

Коллекция современного искусства LACMA, в которой представлены преимущественно европейские и американские произведения искусства…

Группа закупок и члены Художественного совета LACMA разделяют глубокую близость к…

Художественные советы, Группы по приобретению, Искусство Ближнего Востока: СОВРЕМЕННОЕ, Азиатский совет по искусству, Совет по костюмам, Совет по декоративному искусству и дизайну, LENS: Совет по фотографии, Совет по современному и современному искусству, Совет по гравюрам и рисункам

Добро пожаловать на страницу вакансий Художественного музея округа Лос-Анджелес.Чтобы увидеть…

Работа, карьера, стажировка, волонтер

Присоединяйтесь к музейным педагогам, художникам, кураторам и экспертам для бесед с художниками, виртуальных…

Создавать + сотрудничать

В «Золотом часе» более 70 художников и три фото-коллектива предлагают эстетику…

Основанный в 1967 году Центр консервации в LACMA поддерживает связь музея…

консервация живописи, консервация бумаги, консервация объектов, консервация текстиля, консервация науки, консервация изображений

Барбара Крюгер: Думаю о тебе.Я имею в виду себя. Я имею ввиду тебя. является крупной выставкой…

С участием Ай Вэйвэя, Хуан Юн Пина, Ван Гуаньи, Сюй Бина, Юэ Миньцзюня и других…

Помимо конкретных материалов, чернил и бумаги, существует неосязаемый дух…

В дополнение к презентации портретов Обамы Кехинде Уайли и Эми С.

С момента их открытия в Национальной портретной галерее Смитсоновского института…

Гетти словарей (Исследовательский институт Гетти)

AAT — это тезаурус, содержащий общие термины на нескольких языках, взаимосвязи, источники и примечания к сфере деятельности для агентов, типов работы, ролей, материалов, стилей, культур и методов, связанных с искусством, архитектурой и другим культурным наследием (например,г., амфора, масляная краска, оливерф, ацетолиз, спекание, орфографические рисунки, ольмека, ринасименто, буддизм, акварель, аса-но-ха-тодзи, сралис ).

CONA фокусируется на архитектуре, множестве и произведениях, изображенных в других произведениях. Это тезаурус, который включает названия, атрибуцию художника, даты создания, взаимосвязи и местоположение для работ, как текущих, так и исторических, задокументированных как элементы или в группах, независимо от того, существуют ли работы, уничтожены или запланированы, но никогда не построены (например,г., Флорентийский кодекс, Codice Fiorentino, Герника, Девушка с жемчужной серьгой, Храм Чаясомесвара, Собор Святой Софии, Великая волна, Канагава оки нами ура, Le déjeuner sur l’herbe, Venus de Milo ).

IA — это тезаурус, который включает имена собственные, отношения и даты для иконографических повествований, религиозных или вымышленных персонажей, исторических событий, названий литературных произведений и исполнительского искусства. IA уделяет особое внимание незападным темам, делая ссылки на другие ресурсы, включая Iconclass для дублирования западных тем (например.g., Bouddha couché, Поклонение волхвов, Потоп Девкалиона, Французская революция, Шибальба, Нифльхейм, Шива, Апедемак, Туматауэнга ).

TGN — это уникальный тезаурус глобального масштаба, но не исчерпывающий, сосредоточенный на местах, имеющих отношение к искусству, архитектуре и смежным дисциплинам. Включены названия мест, богатые взаимосвязи, типы мест, даты, примечания и координаты исторических и нынешних городов, наций, империй, археологических памятников, потерянных поселений и физических особенностей, адаптированных для нашей основной аудитории.TGN имеет ссылки на ГИС и другие ресурсы (например, Фив, Диосполис, Османская империя, пещеры Могао, Цзянь-футунг, река Ганг ).

ULAN включает имена, обширные связи, заметки, источники и биографические данные для художников, архитекторов, фирм, студий, репозиториев и покровителей, как физических, так и юридических лиц, названных и анонимных. Он может включать ссылки на другие ресурсы для обеспечения взаимосвязей между смежными дисциплинами (например, Titian, Tiziano Vecellio, Mark Rothko, Cai Xiang, Crevole Master, Altobelli & Molins, Rajaraja Museum, Jenaer Glaswerk Schott ).

CDWA — это набор руководящих принципов и правил каталогизации для описания произведений искусства, архитектуры и других культурных ценностей. CDWA сообщает, какие поля и категории в метаданных об искусстве подходят для использования словарей. CDWA представляет собой обычную практику и дает рекомендации по каталогизации на основе опросов и достижения консенсуса с сообществом пользователей.

7 различных форм искусства: простое руководство

Определение искусства разнообразно, охватывая множество уникальных форм выражения.Однако существует семь форм искусства, которые подпадают под общее коллективное определение «искусства».

Определение искусства

Искусство в любой форме — это выражение или применение человеческого творчества, навыков и воображения. Многие виды искусства воспринимаются визуально, но их можно также услышать или насладиться посредством сенсорного прикосновения. Искусство традиционно ценилось в первую очередь за его красоту или эмоциональную силу, но теперь часто используется для политического выражения или социальных комментариев.

Большинство произведений искусства можно разделить на семь различных форм искусства, которые мы рассмотрим в этой статье. Признание и понимание каждой из отдельных категорий искусства не только позволяет нам больше получать удовольствие от искусства, но также жизненно важно, чтобы помочь нам понять роль искусства в нашей жизни и истории.

Какие 7 различных форм искусства?

Конкретные средства и формы художественного выражения менялись на протяжении всей истории человечества, но по большей части искусство относится к одной из следующих семи классических форм.Каждый вид искусства воспринимается по-разному и влияет на наши эмоции и чувства.

• Живопись
• Скульптура
• Литература
• Архитектура
• Кинотеатр
• Музыка
• Театр

Мы исследуем, что охватывает каждый вид искусства, его историю и как оно обогащает нашу повседневную жизнь.

1. Живопись

Живопись — это то, к чему приходит большинство умов, когда мы думаем об искусстве. Живопись — это наиболее распространенная художественная среда в детском образовании.Многие из самых известных современных художников сегодня работают в этой среде, в том числе Алек Монополия, Дэвид Краков, Йоэль Бенхарруш, Анджело Аккарди и Кальман Шеми.

Живопись — это форма выражения вашего художественного видения с использованием краски в качестве основного средства. Художник, который работал преимущественно в этой среде, известен как живописец и развивает свою работу, нанося разноцветные краски на твердую поверхность, обычно холст, для создания произведения искусства. Краски обычно бывают масляными, акриловыми или акварельными, но вы также можете рисовать пигментами, красителями и чернилами или включать другие материалы.

Нанесение краски бывает разных форм; его можно растереть щеткой, намазать, промокнуть или забрызгать. Живопись — один из древних видов искусства, наскальные рисунки которого восходят к доисторическим временам.

Картины классифицируются по тематике, стилю и жанру. Сюжеты живописи обычно относятся к натюрмортам, пейзажам, морским пейзажам, портретам или абстрактным. Существует множество стилей живописи, включая модерн, экспрессионизм, классический, сюрреалистический, кубистический, китайский стиль, абстракционизм, импрессионизм и многие другие.

2. Скульптура

Скульптура — еще один древний вид изобразительного искусства, восходящий к доисторическим временам. Скульптура создает трехмерные визуальные образы, традиционно используя такие материалы, как глина, камень, керамика, металлы или дерево.

Известные скульпторы-классики, такие как Микеланджело и Мирон, отдавали предпочтение технике резьбы и литья с использованием мрамора и бронзы. Многие из самых известных скульптур в мире, такие как «Давид», «Статуя Свободы» и «Писающий мальчик», используют эти материалы.

Однако современные скульпторы имеют в своем распоряжении практически любой объект для создания скульптуры, включая металл, пластик, стекло или найденные предметы. Современные скульпторы также имеют в своем распоряжении более широкий спектр техник, включая сварку, резьбу, сборку или моделирование.

Современные скульпторы, такие как Дорит Левинштейн, часто сочетают скульптуру с другими материалами, такими как акрил и масляные краски. Новый художник галереи Eden, Гал Йосеф (Гали), занимается цифровой скульптурой с помощью программ 3D, прежде чем его видение станет физическим произведением искусства.

В 1917 году «Фонтан» Марселя Дюшана изменил общественное восприятие того, что такое искусство и скульптура, когда он представил скульптуру, состоящую из готового фарфорового писсуара. С тех пор определение того, что относится к категории скульптуры, продолжает расширяться.

Во многих культурах скульптуры были первой и самой старой формой общественного искусства. Часто слишком большие для частных домов, скульптуры заказывались королями или религиозными и политическими лидерами и выставлялись в общественных местах — обычно как выражение богатства, власти, религии или политики.Многие классические города древнего мира, такие как Афины, Иерусалим, Стамбул и Рим, являются домом для впечатляющих общественных собраний скульптур.

3. Литература

Литература — это искусство, в котором рассказывается истории. Это художественная форма языка, которую можно читать или говорить. Краткий Оксфордский словарь определяет литературу как «произведения, ценность которых заключается в красоте формы или эмоциональном воздействии».

Литература охватывает все письменные языки и охватывает широкий спектр письменных произведений, включая стихи, эссе, пьесы, биографии, художественную литературу, научную литературу, сатиры и многое другое.

Писатели создают искусство с литературой, используя слова, доставляющие удовольствие, и хотя чтение доставляет удовольствие, эти слова часто являются критикой общества. Многие из самых известных авторов использовали язык и письменное слово для критики или предложения точки зрения на общество, в том числе Джордж Оруэлл, Шарлотта Бронте и Чарльз Диккенс.

Хотя литература является самостоятельной формой искусства и является одной из семи различных форм искусства, она также тесно связана с театром, поэзией, кино, музыкой и устным словом.

4. Архитектура

Архитектура — это искусство, которое вы проходите каждый день, не осознавая и не осознавая его как вид искусства. Архитектура — это искусство строить конструкции, и мы могли бы разумно датировать архитектуру тем временем, когда человек впервые создал убежище. Однако более распространенное восприятие архитектуры как вида искусства относится лишь к горстке зданий, которые особенно красивы или внушают благоговение.

Древние шедевры архитектурного дизайна включают такие достопримечательности, как Великие пирамиды, Римский Колизей, Тадж-Махал, Собор Святой Софии или Стоунхендж.Современные архитектурные чудеса включают Эйфелеву башню, Храм Святого Семейства, Сиднейский оперный театр, Лувр, небоскреб Бурдж-Халифа и музей Гуггенхайма.

Архитектура служит функциональному назначению, но является ранним и последовательным выражением желания человека строить значимые структуры на протяжении всей истории. Архитектура — это одновременно и хозяйственная необходимость, и форма искусства, а как скульптура она общедоступна.

Многие из самых известных в мире архитектурных произведений можно легко увидеть в крупных городах по всему миру.Однако такие известные современные архитекторы, как Фрэнк Ллйод Райт и Фрэнк Гери, также реализовали проекты частных домов. На вашей собственной улице вполне может быть какое-то искусство.

5. Кино

Кино — новейшее из семи видов искусства. Созданный чуть более века назад, кино, возможно, не имеет такой длительной истории, как другие виды искусства в этом списке, но быстро стало одним из самых популярных.

Фильмы — это проекция трехмерного мира на двухмерный экран, форма искусства, которая задействует наши слуховые и визуальные чувства.Как и литература, фильмы рассказывают историю, но в них используется как устное слово, так и визуальное искусство и многое другое.

Кино быстро превратилось в крупную индустрию, которую мы знаем сегодня. В киноиндустрии работают мастера по спецэффектам, анимации, макияжу, костюмам, сценариям, декорациям, саундтреку, актерскому мастерству, режиссуре и многому другому. Многие из этих профессионалов искусства подпадают под другие семь широких категорий искусства, перечисленных в этой статье. В каждую кинематографическую постановку входит широкий спектр творческого видения и навыков.

Хотя для создания кинематографического искусства требуется много квалифицированных мастеров, главный художник часто считается режиссером. Такие режиссеры, как Стэнли Кубрик, Альфред Хичкок, Джордж Лукас, Акира Куросава, считаются одними из самых известных режиссеров всех времен.

Хотя кино часто не воспринимается как высокое искусство, как некоторые из классических форм, это, несомненно, одна из самых доступных и популярных категорий искусства современной эпохи.

6. Музыка

Музыка — это искусство упорядочивания слышимых звуков и вибраций для создания музыкальной композиции с использованием элементов мелодии, гармонии, ритма и тембра.Музыка может использовать человеческий голос, инструменты или и то, и другое.

Музыка — это универсальная в культурном отношении форма искусства, которая присутствует во всех человеческих обществах по всему миру. Музыка также имеет сильные ассоциации с религией и является стандартной частью многих религиозных обрядов. Когда звуки, издаваемые голосовыми связками и различными инструментами, комбинируются, они могут выражать красоту эмоций.

С музыкой сложнее познакомиться, чем с изобразительным искусством, но считается, что звуки голоса играли важную роль в раннем общении человечества до развития речи.Есть свидетельства того, что наши древние предки создавали музыкальные инструменты из дерева, костей, камней и других природных материалов.

В настоящее время современные музыканты имеют в своем распоряжении множество музыкальных инструментов, чтобы создавать музыку вместе со своими голосами. Музыка определяется по жанрам, и у нее слишком много жанров и стилей, чтобы их можно было назвать. Популярные западные музыкальные жанры включают в себя все: от классики до госпела, рока, поп, хип-хопа, рэпа, электроники, блюза, кантри, регги, инди, трэпа, реггетона, фолка, металла, панка, соула, фанка, техно и многих других. .

7. Театр

Театр — это вид искусства, в котором художник сочетает в себе визуальное искусство и драматический перформанс. Со временем определение театра расширилось, включив в него перформанс. Обычно это различные формы искусства, в которых художник или художники представляют или исполняют свое искусство на сцене.

Театр был частью культуры еще со времен древних греков в VI веке до нашей эры. С тех пор театр стал одним из самых популярных источников развлечений. Более широкое исполнительское искусство включает театр и танец, музыку, оперу, цирковое искусство, мюзиклы, магию или иллюзию, пантомиму, устное слово, кукольный театр и исполнительское искусство.Традиционные греческие классификации театра: драма, трагедия и комедия, все еще применимы ко многим современным постановкам.

Театр часто включает в себя семь других различных форм искусства в своем общем пакете, с музыкой, сценографией и литературой, которые часто используются в качестве элементов театральной постановки. Другие формы декоративного искусства, такие как изготовление костюмов, также вносят свой вклад в общее впечатление. Театральные представления также устраивались в некоторых из самых впечатляющих архитектурных сооружений истории, таких как Помпеи и другие известные древнегреческие и римские амфитеатры.

Многие артисты внесли свой вклад в создание театральных постановок. Среди известных артистов театра — драматурги, такие как Уильям Шекспир, композиторы, такие как Эндрю Ллойд Уэббер, а также режиссеры и актеры, такие как Ли Страсберг, Лоуренс Оливье и Джули Эндрюс.

Заключение

На вопрос, какой вид искусства самый популярный, очень сложно определить только один ответ. Ответ очень субъективен и все время меняется.Тем не менее, семь форм искусства , которые наиболее ясно показывают нам, как история и общество изменились с течением времени, несомненно, являются кино, живописью, архитектурой, скульптурой, литературой, театром и музыкой.

Американское искусство, поп-культура и литература 1920-х годов — видео и стенограмма урока

1920-е годы Art

На смену сложным стилям, связанным с викторианством, новое художественное движение под названием Art Deco процветало на протяжении 1920-х годов.Стиль ар-деко применялся не только в искусстве, но и в архитектуре, дизайне мебели, моде, рекламе и многих других областях. Ар-деко был минималистичным и обтекаемым. Стиль часто отличался смелыми геометрическими формами, такими как сферы и треугольники, яркими цветами и крупными буквами. Крайслер-билдинг и Эмпайр-стейт-билдинг в Нью-Йорке являются яркими примерами архитектуры ар-деко. Ар-деко был определенно современным — он олицетворял роскошь, изысканность и надежду на человеческий прогресс.

На протяжении 1920-х годов художники-реалисты, такие как Джордж Лукс из школы Ашкан, продолжали пользоваться популярностью, даже когда новаторское модернистское искусство начало процветать. Художник Джорджия О’Киф , которая до сих пор известна своими изображениями абстрактных сцен природы, впервые стала популярной в 1920-х годах. В 1929 году был основан Музей современного искусства в Нью-Йорке. В это время фотография также стала самостоятельной формой современного искусства, и первыми стали такие фотографы, как Альфред Штиглиц и Пол Странд.

Крупное движение под названием «Гарлемский ренессанс » процветало на протяжении 1920-х годов. Это художественное (и интеллектуальное) движение, сосредоточенное в Гарлеме, штат Нью-Йорк, выражало уникальность афроамериканской культуры. Художники Гарлемского Возрождения, такие как Палмер К. Хейден, Малвин Грей Джонсон и Лора Уилер Уоринг, создали смелые, красочные образы, передающие афроамериканскую гордость.

1920-е годы Литература

Как и в мире искусства, литературное творчество процветало на протяжении 1920-х годов.Излишне формальные стили, связанные с викторианством, были заменены более прямым, демократичным стилем. В литературных кругах разочарование после Первой мировой войны заставило некоторых писателей сосредоточиться на ужасах и тщетности войны. Другие общие темы в литературе 1920-х годов включали сексуальность и человеческую способность искать удовольствия и счастья.

Ф. Скотт Фицджеральд , один из самых популярных писателей 20-х годов, опубликовал «Великий Гэтсби » в 1925 году. Роман затрагивает проблемы упадка и излишеств и широко интерпретируется как поучительный рассказ.Еще одним чрезвычайно популярным писателем того времени был Эрнест Хемингуэй.

Хемингуэй, который воочию стал свидетелем ужасов Первой мировой войны, писал рассказы в упрощенном, минималистском стиле. Он прожил жизнь, полную приключений, и обычно имел дело с темами борьбы, отваги и потерь. Среди наиболее популярных произведений Хемингуэя — «И восходит солнце», , «Прощай, оружие, » и «, по ком звонит колокол», . Среди других популярных писателей 1920-х годов Т.С. Элиот, Эзра Паунд и Джон Дос Пассос.

Гарлемский ренессанс произвел на свет множество афроамериканских писателей. Среди наиболее известных был писатель и поэт Лэнгстон Хьюз. Среди других известных писателей — Джин Тумер, Зора Нил Херстон, Джеймс Велдон Джонсон и В. Э. Б. Дюбуа.

1920-е годы Народная культура

Как упоминалось ранее, 1920-е годы были временем огромных социальных изменений. Экономическое процветание и технический прогресс 1920-х годов открыли беспрецедентные возможности для досуга. Новый стиль музыки под названием джаз был чрезвычайно популярен на протяжении 1920-х годов.С акцентом на ритм и импровизацию, джазовая музыка представляла все беззаботное и современное. Луи Армстронг и Дюк Эллингтон были двумя популярными джазовыми музыкантами того времени.

Танцевальные причуды, такие как Чарльстон, стали всеобщей модой, поскольку мужчины и женщины танцевали всю ночь напролет в ночных клубах и кабаре. Несмотря на то, что действовал запрет, многие люди продолжали употреблять алкоголь в незаконных барах, называемых «подпольными».

Интерес к спорту был обычным явлением в 1920-е годы.Бейсбол был особенно популярен, так как такие игроки, как Бейб Рут и Лу Гериг, очаровывали любителей спорта. Кинофильмы были относительно новым явлением, и посещение кино стало любимым занятием для многих американцев. Среди популярных кинозвезд были Чарли Чаплин, Клара Боу и Джоан Кроуфорд.

Женская мода 1920-х годов сильно отличалась от той, что была в предыдущие годы. Стиль хлопушек был распространен среди многих городских женщин, которые проявляли растущий интерес к выражению своей автономии через моду.Женщины, принявшие этот стиль, обычно носили короткие «стриженные» волосы, яркие украшения и менее строгую одежду, не требующую пояса. Многие «хлопушки» также курили и пили — занятия, которые ранее были разрешены только мужчинам в общественных местах.

Краткое содержание урока

Творчество взлетело в художественных кругах 1920-х годов, что привело к появлению широкого спектра инновационного экспериментального искусства, которое бросило вызов традиционным стандартам. Ар-деко с его упором на простоту и смелость был чрезвычайно популярным стилем, который применялся не только в искусстве, но и в архитектуре и дизайне.Темы сексуальности и человеческого прогресса часто выражались в жанрах современного искусства. Джорджия О ‘Киф была влиятельным американским художником-модернистом, который часто изображал природу через абстрактные восприятия.

В Нью-Йорке Гарлемский ренессанс процветал, когда афроамериканские художники и интеллектуалы выражали гордость за уникальность своей культуры. Ф. Скотт Фицджеральд и Эрнест Хемингуэй были одними из самых популярных писателей десятилетия.Модель Фитцджеральда «Великий Гэтсби » остается американской классикой. Джазовая музыка была чрезвычайно популярна на протяжении 1920-х годов, когда толпы людей стекались, чтобы послушать таких музыкантов, как Луи Армстронг и Дюк Эллингтон. Мода на «хлопушки» стала большой популярностью.

В результате экономического процветания и технологических достижений десятилетия у американцев было больше времени, чтобы заниматься неторопливыми занятиями, такими как просмотр бейсбола и посещение кино. За всем этим проник дух модернизма и излишеств.

Результаты обучения

К концу урока учащиеся должны уметь:

• Выявить культурные изменения «бурных двадцатых»
• Признать новые творческие изменения в архитектуре и ар-деко
• Вспомните модернизм в искусстве и фотографии
• Вспомните Гарлемский ренессанс в литературе, искусстве и музыке
• Подробное описание технологических достижений, сделавших возможным создание фильмов и звукозаписи в Америке

изучает культурную ценность граффити и уличного искусства

Исмаэль Ильескас вырос, восхищаясь граффити вокруг своего района в Лос-Анджелесе.Он переехал в город со своей матерью и братом из Эквадора в 1990-х годах в составе большой латиноамериканской диаспоры. В своей городской среде он оказался окруженным красивыми загадочными сообщениями. Они были написаны на стенах и дерзко нацарапаны на рекламных щитах. Постепенно он начал понимать значение некоторых из этих сообщений. И, в конце концов, он начал отвечать.

Ильескас на время сам стал писателем граффити. С тех пор он отказался от этого, но никогда не терял своего первоначального чувства любопытства и восхищения.Фактически, теперь, будучи докторантом в области латиноамериканских и латиноамериканских исследований, его диссертационное исследование вернуло его в Лос-Анджелес, где он собрал идеи нынешних и бывших авторов граффити о том, как их работа связана с концепциями искусства, идентичности, культуры. , и пространство.

Согласно исследованию Ильескаса, для тех, кто его создает, граффити — это выражение индивидуальности и выход для творчества, социальных связей и достижений. По его словам, некоторые из самых популярных ярдов для граффити в Лос-Анджелесе — это заброшенные пространства в цветных сообществах, в которые ни экономика, ни город не хотели вкладывать средства.Но граффити позволяет чернокожим и латиноамериканским молодым мужчинам превращать эти области в места собрания и расширения возможностей.

«В городе, где эти молодые люди маргинализированы, подвергаются остракизму и невидимы, граффити — это способ их увидеть», — сказал Ильескас. «Они чувствуют, что система против них, а их социальная мобильность ограничена, поэтому размещение их имен в городе — это способ добиться уважения со стороны сверстников и отстаивать свое достоинство, а это нелегко. из других мест и институтов общества.”

Художники юридической фрески в Лос-Анджелесе перечисляют
своих имен в стиле, вдохновленном традиционными
«плакатами». Фото любезно предоставлено Исмаэлем Ильескасом.

Graffiti также предлагает то, что Ильескас называет «незаконной картографией», что означает, что его можно рассматривать как культурную карту города. Например, стили граффити в Восточном Лос-Анджелесе отражают мексикано-американское художественное влияние, которое началось с контркультуры Пачуко в 1940-х годах. Возникли богатые традиции написания граффити, в том числе «плакаты», или метки, на которых перечисляется стилизованная подпись писателя, и «каллиграфия баррио», которая сочетает в себе повторяющиеся шрифты с древнеанглийскими буквами.В 1980-х годах эти традиции включали красочные, причудливые влияния Восточного побережья.

«В результате в Лос-Анджелесе появился действительно уникальный стиль граффити», — сказал Ильескас. «Хотя посторонние не обязательно замечают это, вы легко можете увидеть мексикано-американское художественное влияние в эстетике, которое стало ассоциироваться с латиноамериканской городской идентичностью».

Граффити — это многорасовая и многоэтническая субкультура, и Ильескас говорит, что его исследование направлено на признание особого вклада сообществ чернокожих и латиноамериканцев.Он также критически исследует сверхмужественность субкультуры и то, как это может ограничить ее преобразующий потенциал. И он особенно заинтересован в том, чтобы пролить свет на то, как раса может повлиять на восприятие граффити общественностью.

В зависимости от контекста, граффити можно либо публично восхищать как «уличное искусство» — и оценивать в миллионы долларов, — либо оно может быть криминализовано на уровне вплоть до обвинений в уголовном преступлении и нескольких лет тюремного заключения. В Лос-Анджелесе, городе, который многие исследователи считают сильно сегрегированным по расовому признаку, сообщества чернокожих и латиноамериканцев, такие как Южный Центральный Лос-Анджелес и Восточный Лос-Анджелес, являются местами, где граффити, скорее всего, будут жестко криминализованы и объединены с деятельностью банд. Ильескас говорит.

Между тем, Ильескас говорит, что уличное искусство с большей вероятностью будет признано таковым в районах искусств, где официально санкционированные проекты «благоустройства» используют паблик-арт для привлечения большего числа деловых людей и новых жителей, что может способствовать проблемам джентрификации. И некоторые из самых известных уличных художников на самом деле являются белыми мужчинами, такими как Бэнкси или Шепард Фейри, каждый из которых добился международного признания за художественную ценность своих незаконных работ.

«Здесь и проявляется системный расизм», — сказал Ильескас.«Есть люди, которые более склонны к уголовной ответственности и суровому наказанию за очень похожий поступок, и это наказание выпадает в основном на молодых чернокожих и латиноамериканцев».

Неизведанная Америка была первой легальной росписью аэрозоля, выполненной по заказу
художниками-граффити в районе искусств Лос-Анджелеса. Фото любезно предоставлено Исмаэлем Ильескасом.

По этим причинам Ильескас обнаружил, что многие авторы цветных граффити испытывают смешанные чувства по поводу растущего общественного признания уличного искусства.

«С одной стороны, это капиталистическое присвоение трансгрессивного граффити коммерциализированному уличному искусству», — сказал Ильескас. «Но это также связано с усилиями авторов граффити, которые годами настаивали на декриминализации своего искусства и демонстрации его художественной и социальной ценности, а также типов знаний, которые оно приносит с собой».

Уличное искусство, по сути, уже открыло возможности для некоторых ветеранов черных и латиноамериканских граффити, которые рассказали Ильескасу, что недавно получили заказ на их искусство или нашли работу в качестве гидов в районах искусств.Но каждый из этих художников начинал создавать нелегальные теги граффити. Ильескас считает, что декриминализация в конечном итоге потребует преобразования общественного признания уличного искусства в более глубокое понимание выразительной ценности других форм граффити. И он надеется, что его исследования помогут в этом процессе.

«Граффити, которые мы видим на улицах, некоторым людям могут показаться незначительными ярлыками или каракулями, но за ними стоит много смысла», — сказал он. «Необходимо признать, что граффити на самом деле является визуальным представлением чьей-то личности, а также потенциально может стать отправной точкой для их очень значимой артистической карьеры.»

33 основных направления в искусстве и их влияние на сегодняшнюю жизнь и мир искусства

Термин« барокко », образованный от португальского« barocco », что означает« жемчужина или камень неправильной формы », — это направление в искусстве и архитектуре, зародившееся в Европе с самого начала. с семнадцатого до середины восемнадцатого века. Барокко подчеркивает драматические, преувеличенные движения и четкие, легко интерпретируемые детали, что очень далеко от сюрреализма, создавая драматизм, напряжение, изобилие и величие.

В стиле барокко использовались контраст, движение, яркие детали, глубокий цвет, величие и неожиданность, чтобы вызвать чувство благоговения.Этот стиль зародился в начале 17 века в Риме, затем быстро распространился во Франции, северной Италии, Испании и Португалии, затем в Австрии, южной Германии и России. К 1730-м годам он превратился в еще более яркий стиль, названный рокайль или рококо, который появлялся во Франции и Центральной Европе до середины-конца 18 века.

В декоративно-прикладном искусстве используется обильный и замысловатый орнамент. Отход от классицизма Возрождения в каждой стране происходит по-своему.Но общая черта в том, что везде отправной точкой являются элементы орнамента, внесенные эпохой Возрождения. Классический репертуар переполнен, плотен, перекрывается, нагружен, чтобы вызвать шоковые эффекты.