Антропоморфные Пейзажи (17 век) — Все интересное в искусстве и не только. — LiveJournal

До эпохи Возрождения пейзаж в изобразительном искусстве в основном использовался как фон. Деревья, поля, горы, и моря присутствовали, конечно, но только для того, чтобы добавить правдоподобия к человеческой деятельности, содержащейся в картине. Казалось, что пейзажа просто не было без человека.
Но это постепенно меняется. Пейзажная живопись вскоре стала отдельной, своей собственной художественной формой.
В течение переходного периода между двумя формами был момент, когда изобразительное искусство и желание воплотить на холсте или бумаге пейзаж соединились в антропоморфных гравюрах и картинах.

Эти картины как правило, изображали лицо, замаскированное в ландшафте. Это было особенно актуально для различных художников 17-го века в Нидерландах.

Типичный пейзаж антропоморфного профиля бородатого человека в состоянии покоя у Кирхера (1602-80) — иезуитского священника и ученого. Возможно идея навеяна архитектором Дейнократом, который хотел превратить гору Афон в памятник Александру Македонскому.

Известный гравер Вацлав Холлар (1607-77) версия пейзажа Кирхера, с более модно подстриженной бородкой и волосами.

Цветной вариант головы. Вацлав Холлар, около 1797 года.

Картина Маттеуса Мериана Старшего (1593-1650) продолжает традицию.

Более классический антропоморфный пейзаж. Иоганн Мартин.

Иоганн Мартин в Азии.

Иоганн Мартин

Скалистый пейзаж с лицом человека голландского художника Германа Saftlevenа младшего, 1650.

Красивое и более тонкое изображение неизвестного художника, хотя, возможно, это Маттеус Мериан Старший. Эта картина содержит голову и то, что, представляется, как нога какого-то мертвого животного. Попробуйте ее увидеть).

Вот оно, изменение.
Пейзаж начинает доминировать, но это все еще можно увидеть лицо, скрытые в этой картине. Спящий разносчик ограблен обезьянами. Херри мет де Блес, ок 1550.

Еще интересное новшество.
Идея фигуры с пейзажем позже была использована для рекламы, как в этом объявлении для доктора Августа Кенига. Hamburger Tropfen, 19-й век.

Грандиозно.))
Йоос де Момпер. Лето, начало 17-го века.

Йоос де Момпер, осень , начало 17-го века.

Йоос де Момпер, зима, начало 17-го века.

Veridicus Christianus (1601).

Пейзажная живопись — история и развитие жанра.

Пейзажная живопись

Первые наброски пейзажа в виде контуров гор, деревьев и рек появились в первобытных наскальных рисунках. В то время человек делал первые попытки изобразить себя в окружении дикой природы.

Элементы пейзажа можно встретить в искусстве Древней Греции. Залы Кносского дворца на Крите до настоящего времени сохранили фрески, настенную живопись с реалистическим изображением людей на фоне моря, садов, горного ландшафта.

Пейзаж в виде самостоятельного жанра появился в древнем Китае как лирическое направление, воспевающее красоту и изящество первозданной натуры. Китайские художники тонко выписывали горные вершины, камни, ветви бамбука,  цветки сакуры и изогнутые сосны. Картины создавались в виде монохромных одноцветных пейзажей и сопровождались иероглифами.Китайское искусство оказало большое влияние на развитие пейзажа в странах Дальнего Востока: Японии, Монголии, Кореи.

В европейском искусстве средних веков пейзаж присутствовал на картинах лишь в виде необходимых декораций для религиозных, батальных сцен и портретов. В этот период заметны неудачные попытки передать пространство, нарушены пропорции и масштаб композиции. Только в эпоху Возрождения художники начали изучать линейную и воздушную перспективу, что стало прорывом в истории пейзажа.

Интерес к пейзажу в эпоху высокого Возрождения возрастал, сформировались голландская, немецкая, итальянская школа с характерными приемами и сюжетами написания картин. Выделились подвиды пейзажа – архитектурный и морской пейзаж. Позднее установились каноны так называемого идеалистического пейзажа, картины совершенного мира. Такие картины напоминали театральные декорации с могучими деревьями или красивыми развалинами зданий вместо  кулис по краям картины, лугами и полями вместо сцены и горными хребтами  и ясными небом на горизонте.

В XIII веке ярко проявилось искусство французских живописцев. В эпоху Просвещения художники уже не стремились идеализировать природу, они ставили задачей показать естественную красоту окружающего мира. Новый взгляд на пейзаж был обусловлен появлением пленэрной живописи.

Работа художников вне стен мастерских давала возможность пристального наблюдения за природой, более натурального изображения меняющейся погоды и освещения. Огромное влияние на пейзажную живопись оказали импрессионисты. Именно они живо и солнечно писали простые незатейливые сюжеты природы и повседневной жизни. Импрессионистический пейзаж наиболее популярное направление в мире в настоящее время.

В русском пейзаже с момента его зарождения стали сильны традиции академической живописи.

Особую популярность завоевали художники Товарищества Передвижных художественных выставок под руководством И.Н.Крамского. Выбор простой незатейливой натуры и особое патриотическое отношение к русской природе сделало уникальными картины Саврасова, Левитана, Шишкина.  С тех пор русский пейзаж занимает прочное место в творчестве российских художников.

Традиции пейзажной живописи продолжили художники 20 века.  Появились новые направления в пейзаже, такие как индустриальный, промышленный, космический пейзаж.

Пейзаж — жанр в живописи: суть, разновидности, типы пейзажей, история, примеры картин в пейзажном жанре. Известные художники-пейзажисты: Тёрнер, Левитан, Айвазовский, Шишкин

Updated: 31.03.2020

Пейзаж — это живописный жанр, предметом которого являются природные, сельские и городские ландшафты, а также атмосферные явления. Люди и животные тоже могут появляться в пейзажах, но их роль второстепенна: они «захвачены» кистью творца, поскольку оказались частью изображаемой реальности. Иногда это вообще не более чем стаффаж — фигуры, которые оживляют местность.

Пейзаж многолик в живописи. В этом жанре создано множество бессмертных шедевров. Пейзажисты переносят на холсты леса и моря, грозы и радугу, архитектуру и даже просторы космоса. Иногда они заглядывают в прошлое, а иногда в будущее. Часто отражают реальность, нередко дают волю фантазии, а порой переливают в краски своё настроение.

Пейзажи, вошедшие в число самых знаменитых творений планеты, оцениваются в миллионы долларов. Многие художники-пейзажисты — такие, как Уильям Тёрнер (Joseph Mallord William Turner), Исаак Ильич Левитан, Иван Константинович Айвазовский — относятся к элите живописцев. Их гениальность бесспорна. Поэтому даже трудно поверить, что ещё несколько веков назад этот жанр считался… низким! (Наряду с бытовым жанром и натюрмортом).

Мастера не сразу оценили его потенциал и довольно долгое время рассматривали ландшафты только как фон для сюжетных картин и портретов.

Развитие пейзажной живописи

Пейзажная живопись — это молодой жанр. В качестве самостоятельной живописной ветви в европейском искусстве он начал оформляться только в XV столетии, а зрелости достиг в XVII-XVIII веках.

Пейзажные мотивы встречались на античных фресках, но в эпоху Средневековья развитие традиций античности прервалось. Иногда ландшафтные детали появлялись в средневековых рукописях, но только как элемент среды обитания человека.

Крупным прорывом стало создание братьями Лимбург (Frères de Limbourg) «Великолепного часослова герцога Беррийского». Его наполняют изображения сельской местности в разные времена года. Иллюстрации написаны в духе интернациональной готики — переходного стиля, предшествовавшего Проторенессансу и Ренессансу.

В эпоху Возрождения мастера начинают всё больше уделять внимания природным мотивам, впрочем, всё ещё используя их в качестве фона. Но росло мастерство, повышалась реалистичность, усиливалась проработка деталей. Ландшафт всё чаще становится не просто дополнением, а значимым элементом композиции. Примером может служить знаменитая «Мона Лиза» Леонардо да Винчи (Leonardo di ser Piero da Vinci).

Совершенствовалась техника, изучались законы перспективы, композиции, светотени. Всё это открывало новые возможности для изображения окружающего мира.

Большую роль сыграла венецианская школа в период Позднего Возрождения. Одним из первых авторов, у которых природа обретает самостоятельное значение, стал Джорджоне (Giorgio Barbarelli da Castelfranco). В его «Буре» роль человеческих фигур уже второстепенна.

Параллельно на Севере Европы развивала пейзажно-живописное направление голландская школа. В отличие от насыщенного колорита итальянцев, у голландцев краски были приглушёнными.

К концу XVI столетия уже можно говорить о выделении пейзажно-ландшафтной живописи в качестве отдельной ветви. Так, в работе Эль Греко (El Greco) «Толедо в грозу» уже вообще нет человеческих фигур.

В XVII-XVIII веках свою изюминку в живописание «натуры» вносили различные стили:

• классицисты искали в ней идеальную гармонию;
• мастера барокко переносили на полотна буйство стихий, наполняли свои творения динамикой и эмоциями;
• представители рококо создавали изящные, утончённые, полные очарования образы, сотканные из пастельных оттенков.

Огромную роль сыграл романтизм XIX века. Художники-романтики обращались к темам, будоражащим чувства и воображение. Их творчество зовёт в дальние странствия, показывает экзотические или затерянные уголки мира, воспевает красоту стихии или же приглашает приоткрыть полог тайны.

Следующим революционным шагом стало появление пленэра — живописания на открытом воздухе. В конце XIX столетия начали выпускать тюбиковые краски, что позволило выезжать с мольбертами в леса, поля, луга, на берега водоёмов.

Благодаря натуральному освещению открылись новые возможности в передаче красоты воздушно-световой среды. Первую скрипку в этот период играли импрессионисты.

В XIX — начале XX веков также повышается значение реализма. Поразительно точная передача действительности — вплоть до травинки — характерна, например, для Ивана Ивановича Шишкина.

Ну, а затем разнообразие стилей становится таким, что нет смысла их перечислять. По-своему отображали окружающую среду «дикие фовисты», кубисты, абстракционисты…

Передача реальности окончательно теряет значение, а доминантой становится самовыражение художника, его личный взгляд на мир.

Какими бывают пейзажи

Природа многолика, и искусство отображает всё её многообразие. На полотнах предстают водопады, леса и реки, горы и озёра, моря и небо, луга и океаны, поля и города. В XX столетии живописцы-пейзажисты обратились даже к космической тематике, отражающей и реалистическое, и фантастическое представление о глубинах Вселенной.

Разнообразие тем привело к выделению пейзажных поджанров:

• Природный пейзаж. В центре внимания художников — местности, нетронутые цивилизацией, смена времён года, а также всевозможные естественные явления — от летнего дождика до извержения вулкана.
• Парковый (или усадебный) — отображение облагороженного ландшафта, которого коснулась рука человека. Образы, как правило, носили идиллический характер.
• Морской (марина). Разновидность природного, даже получившая собственное название. Авторов, вдохновлённых морем, называют маринистами. Сначала марины писали со стаффажем (кораблями), но в XIX веке живописцы-маринисты сосредоточились на красоте волн.
• Сельский. Этот поджанр возник в рамках пасторалей, приверженцы которых воспевали гармоничную жизнь на лоне природы без горестей и забот. Но постепенно и в сельские образы вторгается реализм.
• Городской. Предметом внимания художника-пейзажиста являются архитектура, урбанистика. В работах предстают силуэты городов, руин, а с конца XIX века — и индустриальные сооружения.
• Космический. Сравнительно недавно выделившийся подвид. К нему относятся и вполне реалистичные изображения, основанные на знаниях, полученных в результате развития космонавтики, и фантастические, и даже астрально-эзотерические (они превратились в визитную карточку целого направления — русских космистов).

В свою очередь, и эти разновидности дали свои ответвления. Среди природных пейзажей особняком стоит марина — возможно, потому, что морская стихия противостоит суше. Самостоятельность марина обрела ещё в XVII столетии.

Также выделяются (хотя, скорее, неофициально — у них нет специальных названий), пейзажи горные, лесные, степные и другие.

А вот городской пейзаж получил более чёткое деление.

От него отпочковались:

• Архитектурный (ведута). В ведутах итальянские мастера с высокой точностью порой близкой к фотографической, отражали детали зданий и сооружений.
• Каприччио (в переводе — «причуда» или «каприз»). Это тоже итальянское изобретение: виды с руинами (как правило, античными), причём зачастую они были несуществующими, вымышленными.
• Индустриальный. Возник с развитием промышленности, появлением грандиозных заводов, огромных мостов, железных дорог.
• Урбанистический. Это перенесённые на полотно небоскрёбы, эстакады и другие атрибуты мегаполисов. Интересная ветвь — футуристическая урбанистика, изображающая мегаполисы будущего.

Есть также обширные группы, объединённых общей пейзажной темой (достаточно узкой, специфической), но не имеющие специальных названий. Так, например, в эпоху романтизма живописцы-пейзажисты часто писали виды с замками, монастырями, средневековыми руинами.

Ещё одна интересная группа — пейзажисты, «специализирующиеся» на изображении неба. Главная фигура среди них — Уильям Тёрнер (Joseph Mallord William Turner), которого называют художником воздуха и света.

А минималист Ив Кляйн (Yves Klein) в 1962 году довёл воспевание красоты чистого неба до апофеоза работой «IKB», представляющей собой прямоугольник синего цвета.

Распространено также деление живописно-пейзажного творчества по времени года:

Делят работы мастеров-пейзажистов и по времени суток: на утренние, дневные, вечерние и ночные. Крупные тематические группы — картины, воспевающие закаты и восходы, жаркий полдень, таинственный покров ночи — звёздной, беззвёздной, лунной…

Специальной классификации для изображений природных явлений не разработано.

Но, опять же, можно выделить группы произведений, в которых основное внимание художника-пейзажиста сосредоточено именно на атмосферных явлениях: дожде, снеге, грозе, сильном ветре (вплоть до бури и шторма), радуге.

Типы пейзажей по жанру и характеру — эпика, лирика, сюрреализм…

Помимо тематического деления, есть и другие классификационные подходы. По характеру выделяют:

• Эпические пейзажи — полные величественности, размаха, масштаба, даже пафоса.
• Героические — близкие к эпическим, замысел которых — в преклонении перед величием природы, могуществом стихии.
• Лирические — их ещё называют пейзажем-настроением. В них звучат эмоции творца, а мир становится зеркалом души. Такие творения бывают радостными, грустными, меланхолическими.
• Идиллические — живописно-идеализированное лоно природы, дружественное человеку, дарующее ему радости отдыха.
• Пасторальные — подвид идиллических, со стаффажем из пейзан, овечек и тому подобных атрибутов сельской жизни.
• Исторические — демонстрирующими ландшафты в определённый период времени. Их частью бывают исторические и мифологические персонажи. Пример — «Дидона, основательница Карфагена» Уильяма Тёрнера.

• Фантастические — изображающие сказочные, фэнтезийные, небывалые миры. В их числе — футуристические (ландшафты будущего, как правило, технологичные), мистические (с флёром тайны и мистики), сюрреалистические (с парадоксальным слиянием реального и ирреального).
• Абстрактные — такие творения появились в XX столетии с появлением абстракционизма и родственных ему направлений.
• Реалистические — точно отображающие действительность (но, разумеется, не фотографически, а через призму художественного видения).

Важным моментом для характеристики является указание на конкретный стиль, в котором написано полотно: например, академический пейзаж, барочный, романтический, импрессионистский, гиперреалистичный.

Что ещё нужно знать о пейзажах

Значимое деление пейзажно-ландшафтных полотен — на камерные и панорамные. Первые изображают небольшие природные уголки и, как правило, наполнены лиризмом.

 

Особенности пейзажа в живописи

До эпохи Возрождения пейзаж выполнял декоративную функцию. Но прежде чем пейзаж стал носителем идеи и прежде чем начал помогать раскрывать характер главных героев, а уж тем более обрел самостоятельность, прошло очень много времени.

Как зарождался жанр пейзаж?

Впервые изображение природы мы встречаем на рельефах древних цивилизаций, которые возникли на берегах могучих рек. На картинах или скульптурах, дошедших до наших дней, пейзаж представляет собой редкие образцы флоры. И только в эпоху Ренессанса, когда у итальянцев проснулся интерес к натуре, пейзаж отвоевал себе место под рампами.

Обращение к природе происходит синхронно с пробуждением человеческой пытливости. Человек пытается разобраться, что в нем сильнее – духовное или материальное? Что является смыслом жизни или что приносит счастье? Инстинкт или разум?

Немцы считали, что природа привносит в жизнь человека сумбур. И уж если в человеке побеждают инстинкты — жди беды. Итальянцы были не согласны со своими северными коллегами, они находили, что только баланс двух начал в человеке может дать гармоничную личность. Тициан и Джорджоне воплощали эту идею в своих картинах, в то время как Рафаэль отдавал дать уважения городскому пейзажу, наслаждаясь стройностью линий. Эпоха романтизма возникла в противовес эпохи Просвещения, чтобы восстановить нарушенный баланс. Чувствуя, что человеческая мораль и нравы далеки от совершенства, художники обратились к природе. Сезоны года были призваны отражать состояния человеческой души. Наконец, натура к XIX веку возобладала.

Особенности пейзажа в живописи заключаются в трактовке этого жанра художниками. Своеобразие пейзажа зависит от места, которое отводится пейзажу на картине, и индивидуальному восприятию художниками природы.

Кульминация жанра пейзаж

Французы рисовали природу, пытаясь изобразить все ее многочисленные оттенки и настроения. Начиная с Коро и вплоть до импрессионистов, пейзаж переживал годы триумфа. Старшие импрессионисты — К.  Моне,  К.  Писсарро,  А.  Сислей  уже работали исключительно на свежем воздухе, чтобы не допустить и малейшего искажения. Пресловутая световоздушная среда, которая на картине соединяла природу и человека воедино, прочно вошла в анналы искусства.

Появились пейзажные серии, объединенные одним мотивом. Импрессионисты одинаково уважали и сельский, и городской пейзаж. Но пейзаж как вид искусства не мог стоять на месте и должен был развиваться. Сезанн, Жорж Сёра и Ван Гог привнесли в пейзаж свое характерное видение. Природа Поля Сезанна величественна, монументальна, она имеет четкие границы. Жорж Сёра играл с оптическим эффектом, воздействуя на зрителя цветом. Его мозаичные картины стилизованы, декоративны. Неистовый Ван Гог в своих картинах изливал душу, он использовал природу как рупор, чтобы донести до зрителя свою боль от сознания несовершенства человека. 

Поль Гоген замыкает строй постимпрессионистов, его творчество близко к символизму, где природа лишь отдаленно напоминает свой прототип. Его цветовые плоскости, заменившие форму, обладают категоричным звучанием.

Особенности пейзажа в живописи на картинах русских художников

Русские художники Саврасов и Шишкин также оказали влияние на развитие жанра. На своих картинах они любовно изображали русскую природу — степи и озера, поля и леса. Торжество сельской жизни на Руси было выполнено в духе среднеевропейского пейзажа. Неяркие краски как нельзя кстати подошли к русским просторам. Морские пейзажи получили мировую известность благодаря Айвазовскому, который достиг недосягаемых высот в этом жанре.

Французский импрессионизм нашел отклик в работах Серова и Коровина, работы которых получили признание. Советские художники — Крымов, Грабарь — манифестировали красоту человеческого труда, идущего рука об руку с природой. Процесс урбанизации также оказал влияние на мир искусства. Сегодня из плеяды талантливых художников можно выделить Василия Афанасьевича Лескова, его картины непредсказуемы и очень эффектны.

На протяжении веков роль пейзажа в искусстве постоянно менялась, а мастерство художников неукоснительно росло. Современные художники пользуются большой свободой при выборе средств выразительности и техники. Если вы хотите, чтобы ваш дом украсил пейзаж, способный воспламенить воображение, заказывайте картины у настоящего мастера.

40+ самых значимых картин мастеров Северного Возрождения, которые должен знать каждый образованный человек

Фламандское и нидерландское искусство XIV–XVIII вв. по своему значению сопоставимо с искусством Итальянского Возрождения. Особый расцвет его пришелся на XVII столетие, когда жили и творили такие великие мастера, как Рубенс, Вермеер, Рембрандт. В 2019 году международная сеть кураторов голландского и фламандского искусства CODART выбрала 100 величайших художественных работ — картин, скульптур, рисунков и других произведений искусства, созданных за 5 столетий.

AdMe.ru решил сосредоточиться исключительно на живописных полотнах, которые международное сообщество внесло в список самых значимых шедевров современных Нидерландов и Бельгии.

«Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк

Полотно было написано художником в 1434 году, а споры о том, кто именно изображен на картине, ведутся до сих пор. Интересно, что округлый живот женщины, скорее всего, не свидетельствует о беременности — дело в том, что в то время модными были платья с большим количеством сборок на животе, которые и создавали подобный эффект.

Роспись алтаря в соборе Святого Бавона, Хуберт и Ян ван Эйк

Алтарь в кафедральном соборе Святого Бавона в бельгийском Генте был освящен в 1432 году. Согласно надписи, работу над ним начал Хуберт ван Эйк, а закончил его младший брат Ян. Состоит алтарь, достигающий 3 метра в высоту и 5 в ширину, из 24 панелей, на которых в общей сложности изображено 258 человеческих фигур.

«Сад земных наслаждений», Иероним Босх

Пожалуй, одна из самых узнаваемых картин нидерландских мастеров, чье точное название и дата создания доподлинно неизвестны, таит в себе массу символов. Разные искусствоведы трактуют их по-разному, однако что именно зашифровал Босх в своем полотне, мы вряд ли когда-либо узнаем.

Роспись крыла алтаря монастыря Шанмоль, Мельхиор Брудерлам

Роспись крыла алтаря монастыря Шанмоль во французском Дижоне была сделана южнофламандским живописцем Мельхиором Брудерламом, жившим в XIV–XV вв. Скорее всего, это единственная дошедшая до нас живописная работа мастера.

«Поклонение волхвов», Хуго ван дер Гус

Центральная часть триптиха, написанного для алтаря испанского монастыря Монфорте-де-Лемос примерно в 1470 году, боковые створки которого были утеряны. Сегодня полотно работы ван дер Гуса хранится в Лондонской национальной галерее.

«Портрет девушки», Петрус Кристус

По мнению специалистов, на картине, написанной примерно в 1465 году, изображена одна из дочерей знаменитого английского полководца Джона Толбота. Считается, что большое влияние на эту работу Кристуса оказало творчество ван Эйка, а искусствоведы отмечают сходство девушки с женщиной на «Портрете четы Арнольфини».

Роспись алтаря «Таинство святого причастия», предположительно Дирк Баутс

Роспись алтаря «Таинство святого причастия» в церкви Святого Петра в бельгийском Левене была создана в 1464–1468 гг. Авторство приписывается Дирку Баутсу — фламандскому художнику, которого считают учеником Рогира ван дер Вейдена.

«Пейзаж с Хароном, пересекающим Стикс», Иоахим Патинир

Картина, изображающая сюжет из древнегреческих мифов, была написана в 1515–1524 гг. Сегодня работа хранится в музее Прадо в Мадриде. Считается, что видение ада, изображенного в правой части полотна, был «позаимствовано» Иоахимом Патиниром у «Сада земных наслаждений» Босха.

«Веселая компания», Ян ван Хемессен

Картина, созданная примерно в 1545–1550 гг., изображает сцену в доме терпимости и является одним из полотен серии, посвященной людским порокам.

«Семейный портрет», Мартен ван Хемскерк

Точная дата создания картины неизвестна, но принято считать, что она была написана до путешествия художника в Италию, где он прожил несколько лет. Несмотря на то что на работы ван Хемскерка большое влияние оказали итальянские мастера эпохи Возрождения, на родине в Нидерландах его называют Голландским Рафаэлем.

«Низвержение мятежных ангелов», Франс Флорис

Франс Флорис считается одним из тех художников, которые привнесли стиль итальянских мастеров Ренессанса в нидерландскую живопись. Так, например, в этой работе 1554 года чувствуется влияние Микеланджело, у которого Флорис «позаимствовал» манеру написания обнаженных тел.

«Охотники на снегу», Питер Брейгель — старший

Картина является частью цикла из 6 картин (до нас дошли только 5 из них), посвященных временам года. Интересно, что сын Брейгеля, Питер Брейгель — младший, написал копию работы отца, которая, впрочем, заметно отличается от оригинала.

Портреты Джона Грешама и его жены Анны Фернли, Антонис Мор

Голландский живописец Антонис Мор известен в первую очередь портретом английской королевы Марии I Кровавой. Кроме того, именно его считают тем мастером, который положил начало испанской портретной живописи.

«Зимний пейзаж с фигуристами», Хедрик Аверкамп

Картина, написанная в 1608 году, очень напоминает работу Питера Брейгеля — старшего «Зимний пейзаж с фигуристами и ловушкой для птиц». Кроме того, он Аверкамп «позаимствовал» и саму ловушку, которую потом неоднократно помещал и на другие свои работы.

«Фруктовая лавка», Франс Снейдерс

Полотно, созданное между 1618 и 1621 гг., входит в серию из 4 картин: «Лавка дичи», «Овощная лавка», «Рыбная лавка» и «Фруктовая лавка», увидеть которые можно в Эрмитаже.

«Натюрморт с сырами, миндалем и кренделями», Клара Петерс

Клара Петерс — нидерландская художница первой половины XVII века, даты рождения и смерти которой точно не установлены. Принадлежит к забытым мастерам голландской живописи, чьи полотна нередко приписываются кисти других художников.

Цикл полотен «Аллегория пяти чувств», Питер Пауль Рубенс и Ян Брейгель

Серия из 5 картин, каждая из которых посвящена одному из чувств, была создана Рубенсом в соавторстве с его другом Яном Брейгелем. Рубенс написал человеческие фигуры, а Брейгель — окружающую обстановку.

«Смеющийся кавалер», Франс Халс

Имя и общественное положение молодого человека, изображенного на портрете, неизвестно, однако благодаря надписи на полотне мы знаем, что на момент написания картины в 1624 году ему было 26 лет. Интересно, что на самом деле он не смеется, однако у зрителя ощущение радости на лице героя создается благодаря его лихо закрученным усам и, конечно же, мастерству художника.

«Осмеяние Христа», Геррит ван Хонтхорст

Нидерландский художник, живший в первой половине XVII века, был известен современникам в первую очередь как мастер, специализирующийся на изображении музыкантов. Кроме того, за искусное изображение ночных сцен, освещенных пламенем свечи, Хонтхорст получил от итальянцев прозвище Ночной Герардо.

«Мальчик, играющий на флейте», Юдит Янс Лейстер

Нидерландская мастерица кисти, жившая в 1609–1660 гг., была первой женщиной, принятой в союз художников ее родного города Харлема. В числе работ Лейстер есть несколько полотен, изображающих женщин за домашней работой, что было новым и необычным для живописи того времени.

«Натюрморт со стаканом пива и копченой сельдью на тарелке», Питер Клас

Голландский художник Питер Клас, живший в 1597–1661 гг., и его сын Виллем Клас Хеда считаются родоначальниками жанра натюрморт в своей стране.

«Курильщики», Адриан Брауэр

Брауэр считается мастером бытового жанра, поскольку изображал в основном сцены из повседневности. Славы при жизни художник не сыскал и был настолько беден, что все его имущество было изъято в пользу кредиторов.

«Портрет Карла I на охоте», Антонис ван Дейк

Будучи поклонником творчества ван Дейка, английский король Карл I пригласил художника в Лондон, где тот получил дом и титул придворного живописца. Портрет был создан великим голландцем в 1635 году, а спустя почти полтора столетия Людовик XVI приобрел полотно для пополнения коллекции парижского Лувра.

«Ночной дозор», Рембрандт ван Рейн

Самое, пожалуй, узнаваемое полотно Рембрандта было написано им в 1624 году. У картины довольно печальная судьба: в XVIII веке полотно обрезали, чтобы оно поместилось в зале, куда было перемещено, а уничтожить шедевр пытались трижды — нападали с ножом и поливали кислотой. Интересно, что на картине на самом деле изображена дневная сцена, а темной она стала из-за свечной копоти и многочисленных слоев защитного лака.

«Вид на залив Харлем», Ян ван Гойен

Художник известен своими работами в стиле тонального пейзажа, для которого характерна практически монохромная палитра. Ван Гойен считается одним из самых плодовитых мастеров XVII века: он прожил всего 60 лет, однако список его работ исчисляется 1 200 картинами и 800 рисунками.

«Молодой бык», Паулюс Поттер

Голландский художник Паулюс Поттер прожил всего 28 лет, однако его наследие включает около 100 живописных полотен. Самое известное из них, «Молодой бык», имеет внушительный размер — 235,5 × 339 см и отличается тем, что внимание на нем уделено мельчайшим деталям: так, на картине тщательно прописаны даже мухи, летающие над животными.

«Торжество по поводу подписания Мюнстерского договора», Бартоломеус ван дер Хелст

Поистине монументальное полотно, чья длина достигает почти 5,5 метра, сегодня выставлено в том же музее Амстердама, что и «Ночной дозор». Доподлинно неизвестно, был ли ван дер Хелст учеником Рембрандта, однако влияние великого голландца на картину заметно даже неспециалисту.

«Еврейское кладбище», Якоб Исаакс ван Рёйсдал

Голландский художник, живший в 1628–1682 гг., считается одним из ведущих мастеров пейзажной живописи Нидерландов. Всего наследие мастера составляет примерно 450 картин, большая часть которых — пейзажи родной страны художника, и «Еврейское кладбище» не исключение.

«Спящая собака», Герард Дау

Художник считается одним из представителей так называемых «малых голландцев», чьи работы отличают небольшие размеры и внимание к деталям. Как и большинство работ Дау, «Спящая собака» относится к бытовому жанру живописи. Интересно, что полотна Дау, который был учеником Рембрандта, при жизни художника стоили дороже, чем творения его учителя.

«Испуганный лебедь», Ян Асселин

Картина, написанная в 1650 году, не просто изображает лебедя, который защищает свое яйцо. На самом деле птица — это аллюзия на видного государственного деятеля провинции Голландия Яна де Витта, который, подобно лебедю Асселина, защищал интересы своей родины в ее противостоянии с Англией.

«Галантная беседа», Герард Терборх

Терборх считается одним из «первооткрывателей» и лучших мастеров бытовой живописи Золотого века. Интересно, что картина сразу после создания стала настолько популярной, что и сам автор, и другие художники писали копии — известно по крайней мере 24 версии этого полотна, принадлежащие кисти копиистов.

«Дворик в Делфте», Питер де Хох

Еще один представитель Золотого века, де Хох, как и многие его современники, специализировался на написании бытовых сцен. Интересно, что тот же дворик художник запечатлел и на другой своей картине, написанной в том же 1658 году.

«Щегол», Карел Фабрициус

Карел Фабрициус считается одним из талантливейших учеников Рембрандта и чуть ли не единственным из них, кому удалось выработать свой собственный стиль. В наше время картина «Щегол» обрела известность благодаря одноименному роману Донны Тартт, за который ее удостоили Пулитцеровской премии.

«Мужчина, пишущий письмо» и «Женщина, читающая письмо», Габриель Метсю

Эти две картины, написанные в середине 1660-х годов, буквально за несколько лет до смерти художника, принято считать парными, но так ли это на самом деле, доподлинно неизвестно. Интересно, что его современник Вермеер, имя которого сегодня на слуху больше, чем имя Метсю, при жизни был гораздо менее известным и востребованным художником.

«Молочница», Ян Вермеер

Написанное примерно в 1658–1651 гг., это полотно Вермеера почти так же известно, как и знаменитая «Девушка с жемчужной сережкой». В первоначально версии на стене за спиной женщины была изображена картина, которую впоследствии закрасил сам мастер, и причина этого поступка неизвестна.

«Вид Делфта», Ян Вермеер

Всего за свою жизнь Вермеер написал 34 картины (по крайней мере авторство стольких установлено), и в их числе было всего 2 пейзажа: «Вид Делфта» и «Маленькая улица».

«Натюрморт с глиняным кувшином и глиняными трубками», Питер ван Анрадт

Этот натюрморт, написанный в 1658 году, уникален, поскольку все остальные дошедшие до нас полотна художника — это одиночные и групповые портреты.

«„Золотой поворот“ на канале Геренграхт в Амстердаме, вид с востока», Геррит Беркхейде

Еще один яркий представитель «малых голландцев», Беркхейде, известен своими городскими пейзажами. Этот, пожалуй, самый известный из них, изображает часть канала, возле которой зажиточные граждане Амстердама возводили свои многоэтажные дома.

«Аллея в Мидделхарнисе», Мейндерт Хоббема

Один из самых узнаваемых пейзажей эпохи Золотого века и самая известная картина Хоббема датируется 1689 годом. При жизни полотна художника не пользовались спросом, и он умер в нищете, однако уже в следующем веке его работы стали предметом борьбы коллекционеров, стремившихся обладать ими.

«Праздник святого Николая», Ян Стен

За 50 с небольшим лет жизни Ян Стен успел создать около 400 полотен, многие из которых изображают сюжеты из Библии. Однако основой творчества была все та же «бытовая» живопись, в которой он достиг признанного мастерства.

«Автопортрет с двумя кругами», Рембрандт

Рембрандт, как известно, был одним из самых плодовитых художников в истории, который оставил потомкам более 600 картин, около 400 офортов и примерно 2 000 рисунков. Кроме того, среди них было как минимум 75 автопортретов, написанных в разные годы. Этот мастер создал примерно в 1666 году, и на момент написания ему было как минимум 60 лет.

«Земляника Mauritshuis», Адриан Корте

О жизни этого голландского художника известно крайне мало, более того, даже точные даты его рождения и смерти не установлены. Наследие художника включает 80 работ, большая часть которых — натюрморты, написанные в чрезвычайно минималистской манере.

«Натюрморт с цветами», Рашель Рюйш

Художница Рашель Рюйш — настоящее исключение из правил. Женщин-живописцев, достигших успеха, известно крайне мало, и голландка, жившая в первой половине XVII века, одна из них: ее картины пользовались спросом и продавались за немалые деньги уже при ее жизни. Кстати, коллекция анатомических редкостей ее отца, Фредерика Рюйша, была выкуплена Петром I и стала основой экспозиции Кунсткамеры, созданной императором.

Вы были знакомы со всеми этими картинами? Или, возможно, какая-то из них стала для вас настоящим открытием?

Темы в итальянской живописи эпохи Возрождения

Темы, волновавшие итальянских художников эпохи Возрождения охватывают работы, начиная с произведений Джотто начала XIV века до работ Микеланджело с его Страшным судом 1530-х годов.

Художник эпохи возрождения имел гораздо больше свободы для творчества, чем средневековый художник. В эпоху Возрождения в живописи появились новые характерные элементы. Они включают в себя перспективу, изображение с определенной точки зрения, реализм, особенно в изображении человека.

Элементы живописи

В одной небольшой работе Бичевание Христа Пьеро делла Франческа (справа) показаны разные элементы техники живописи итальянского Возрождения. Бросается в глаза мастерство Пьеро в изображении перспективы и света. Архитектурные элементы включают в себя мозаичный пол, который становится все более центром действия. Внутреннее пространство картины освещается невидимым источником света. Его точное местоположение можно математически точно определить с помощью анализа направления падения тени на потолки. Три стоящие фигуры отбрасывают тени от дневного источника света. Сразу видны познания Пьеро в области перспективы и света.

Религиозная тема картины, связанная с бичеванием Иисуса Христа римлянами, представлена в каноническом эпизоде Страстей Христовых. Новозаветное событие происходит в открытой галерее на среднем плане картины. На переднем плане справа стоят три фигуры, явно безразличные к происходящему. Сцена бичевания освещается справа, а, возможно, «современный» художнику пейзаж — слева.

Элементы живописи эпохи Возрождения

Живопись эпохи Возрождения отличалась от живописи позднего средневековья своим внимательным наблюдением за природой, интересом к анатомии человека, применением научных принципов в использовании точки зрения и направления падения света.

Линейная перспектива

Картины в представленной галерее показывают развитие линейной перспективы, изобразительного искажения пропорций и форм зданий и городских пейзажей.

• У Джотто, здания являются декорациями, открытыми зрителям с одной стороны.
• У Паоло Уччелло фреска с изображением городского пейзажа создает впечатление глубины пространства.
• Картина Мазаччо Святая Троица была написана с тщательно просчитанными математическими пропорциями, в чём художнику, вероятно, помогал архитектор Брунеллески.
• Фра Анджелико использует изображение небольшой лоджии, чтобы создать интимное пространство.
• Джентиле Беллини изобразил широкое пространство на площади Сан-Марко в Венеции, в которое для отображения перспективы вставлены удаляющиеся фигуры.
• Леонардо да Винчи сделал детальные изображения классических руин, вписанных в задний план картины «Поклонение волхвов».
• Доменико Гирландайо создал исключительно сложную и масштабную композицию на трех уровнях, включая обрывающиеся пандусы, выступающие из стены. Элементы ландшафта, такие как церковь справа, просматриваются отрывками через другие структуры.
• Рафаэль в картине Пожар в Борго показывает здания, расположенные на небольшой площади, которые являются фоном для показанных событий и отображают перспективу.

• Джотто, Благовещение Святой Анны, Часовня Скровеньи.

• Паоло Учелло, Введение во храм Богородицы.

• Мазаччо, Троица, Храм Санта Мария Новелла.

• Фра Анджелико, Благовещение, Сан — Марко, Флоренция.

• Джентиле Беллини, Процессия Истинного Креста.

• Леонардо да Винчи, Поклонение волхвов.

• Доменико Гирландайо, Посещение Марией Елизаветы, Капелла Торнабуони.

• Рафаэль, завершена Джулио Романо, Пожар в Борго.

Пейзаж

Изображение на картинах пейзажа было одушевлено использованием линейной перспективы и включением подробных ландшафтов под влиянием картин ранней нидерландской живописи 15 века. Это влияние возникло через осознание необходимости отображения перспектив и путей прохождения света.

• Джотто изображает несколько больших камней, чтобы создать впечатление горной местности.
• Паоло Уччелло создал детальный и сюрреалистический фон для показа малых сцен.
• В картине Карпаччо Положение тела Христова опустошенный скалистый пейзаж перекликается с трагедией сцены.
• Ландшафт Мантеньи имеет скульптурное, трехмерное качество, говорящее о реальном физическом пространстве. Детали скалы, её слои и разломы, предполагают знания автора в области геологии, свойствах красного известняка, широко распространенного в областях Северной Италии.
• Антонелло да Мессина создает мрачную сцену распятия, как контраст спокойной загородной местности, уходящей к горизонту.
• Джованни Беллини отобразил детальный пейзаж с пасторальными сценами между передним и на задним склоном горы. В картине показано множество уровней местности, что делает ее схожей с картинами Гирландайо (выше).
• Перуджино в картине Поклонение волхвов отобразил привычный холмистый пейзаж Умбрии.
• Леонардо да Винчи, показывает театральное использование перспективы с крутыми склонами горы вокруг озера Лаго ди Гарда у подножия Альп Северной Италии.

• Джотто, Сон Иоахима .

• Паоло Учелло, Францисканская жизнь.

• Карпаччо, Осада.

• Мантенья, Агония в саду.

• Антонелло да Мессина, Распятие.

• Джованни Беллини, Св. Фрэнсис в Ecstasy.

• Перуджино, Поклонение волхвов, 1496.

• Леонардо да Винчи, Мадонна с младенцем и Святой Анной.

Свет

Свет и тень в живописи существуют в двух формах. Тон — это просто свет и промежуточные области изображений, градуированные от белого до черного. Тональная композиция является очень важной особенностью некоторых картин. Светотень является моделью видимых поверхностей в картине из света и тени. Несмотря на то, что тон был важной чертой картин средневекового периода, светотеней с них не было. Светотень становилась все более важным элементом картин для художников XV века, переводящим изображение в кажущееся трехмерное пространство.

• Благовещение Пастухам Таддео Гадди является первой известной большой картиной с изображением ночного события. Внутренний источник света сосредоточен на изображении ангела.
• В картинах небесного покровителя всех художников Фра Анджелико дневной свет, который исходит из окна монастыря, мягко освещает фигуры и окружающую келью.
• В картине Сон императора Пьеро делла Франческа интересует ночная сцена, освещенный ангел. Художник применяет свои научные знания о распространении света. Тональный рисунок создает главный элемент в композиции картины.
• В картине Агония в Гефсиманском саду Джованни Беллини использует эффект закатного солнца в пасмурный вечер, чтобы создать атмосферу напряженности и надвигающейся трагедии.
• В парадном портрете Доменико Венециано светотени используются для моделирования формы. В картине контрастируют бледное лицо, фон и темная одежда с узорчатым лифом.
• Боттичелли использует светотень, чтобы моделировать лицо человека и детали его одежды. Свет и тени на краю окна задают угол падения света.
• Предполагаемый автор портрета начала 16-го века — Ридольфо дель Гирландайо, Мариотто Albertinelli или Джулиано Буджардини. Картина включает в себя множество световых эффектов. Форма моделируется за счет света и тени, заходящее солнце дает драматический эффект, усиливаемый пейзажем. Тональный рисунок создает темную одежду и белое белье.
• В картине Леонардо да Винчи Иоанн Креститель элементы живописи, включая глаза и рот человека, маскируются в тени, создавая атмосферу неопределенности и таинственности.

• Таддео Гадди, Благовещение.

• Фра Анджелико, Благовещение.

• Пьеро делла Франческа, Сон императора.

• Джованни Беллини, Агония в Гефсиманском саду.

• Доменико Венециано, Портрет дамы.

• Ботичелли, Портрет молодого человека.

• Приписывается Джулиано Буджардини and others, Портрет дамы, 1510

• Леонардо да Винчи, Иоанн Креститель.

Анатомия

Основываюсь в значительной степени на наблюдениях, знания анатомии были приобретены Леонардо да Винчи изучением 30 трупов. Леонардо учил студентов необходимости пристального наблюдения за жизнью, призывал делать рисунки живой модели неотъемлемой частью живописи.

• Тема картины Чимабуэ Распятие, сильно испорченной от наводнения 1966 года, с изгибающимся телом и опущенной головой, была распространена в средневековом искусстве. Анатомия сильно стилизована в соответствии с традиционной формулой.
• Джотто отказался от традиционной формулы и занимался наблюдениями форм.
• У Мазаччо фигура Христа укорочена, если смотреть снизу. Верхняя часть туловища напряжена, Христос как будто с усилием дышит.
• Джованни Беллини не пытается показать жестокость распятия, а создает впечатление от смерти.
• В картине Пьеро делла Франческа Крещение фигура Иисуса написана с простотой и отсутствием резко выраженной мускулатуры, что указывает на его естественность.
• Фигура Иисуса на картине, являющейся совместной работой Верроккьо и молодого Леонардо, была, вероятно разработана Верроккьо. Контуры сохраняют готическую нелинейность. Большая часть туловища, однако, как полагают, была написана Леонардо, здесь показано хорошее знание анатомии человека.
• Картина Леонардо да Винчи «Святой Иероним» показывает результаты детальной проработки плечевого пояса.
• Микеланджело использовал анатомию человека для выразительности эффекта. Он был известен своими способностями создания выразительных поз, чему подражали другие художники и скульпторы.

• Чимабуэ. Распятие Санта — Кроче, 1287

• Джотто, Распятие Санта — Мария — Новелла, 1300

• Мазаччо, Распятие Санта — Мария дель Кармине (Пиза), 1420

• Джованни Беллини, Осаждение

• Пьеро делла Франческа, Крещение

• Верроккьо and Леонардо да Винчи, The Bapism of Christ

• Леонардо да Винчи, Св. Иероним,

• Микеланджело, Адам, 1510

Реализм

В итальянском изобразительном искусстве зародилась новая тенденция: пристальное внимание к окружающей природе, людям, общественным отношениям. Появился стиль — реализм. Распространенные в византийской живописи методы изображения символических жестов были заменены на отображение человеческих эмоций, раскрывающий смысл картины.

• В картине Воскресение, Джотто показаны спящие солдаты с сонными лицами, скрытыми под шлемами, что подчеркивает непринужденность поз.
• Андреа дель Кастаньо изобразил в полный рост кондотьера Пиппо Спано с целеустремленным выражением лица. Ноги и рука с мечом выступают за пределы нарисованной ниши.
• Филиппо Липпи в свой ранней работе очень натуралистично изобразил группу детей, столпившихся вокруг Девы Марии, невинным любопытством смотрящим на зрителей. Из них один ребенок имеет синдромом Дауна.
• Мазаччо изобразил страх и горе на лицах изгнанных из рая Адама и Еву.
• Антонелло да Мессина нарисовал несколько версий Ессе Номо, измученного Христа, как он был представлен народу Римским правителем. Такие картины обычно показывают Христа в трагической, но и героической роли, сводя к минимуму изображение страданий. Антонелло изобразил поразительно реалистичные эмоции.
• В картине Оплакивание Мертвого Христа художник Мантенья изобразил тело Иисуса со смелым ракурсом, как будто бы зритель стоял рядом.
• В этой детали более крупной картины, Мантенья изобразил маленького ребенка, сосущего палец, в дырявых тапочках.
• В этом портрете Джорджоне очень натурально изобразил старую женщину, обращают на себя внимание ее неопрятные волосы, открытый рот с кривыми зубами.

• Джотто, Воскресение.

• Андреа дель Кастаньо, Пиппо Спано.

• Фра Филиппо Липпи, Мадонна Тривульцио.

• Мазаччо, Aдам и Ева из Капеллы Бранкаччи.

• Антонелло да Мессина, Ecce Homo.

• Мантенья, Мертвый Христос.

• Мантенья, деталь картины Обрезание Христово.

• Джорджоне, Портрет пожилой женщины.

Композиция рисунка

Важнейшим компонентом художественной формы, придающим произведению единство и цельность является композиция картины. Композиционное решение связано с распределением предметов и фигур в пространстве, соотношениями размеров, света и тени, пятен цвета и др.

• Композиция картины Джотто сочетает в себе три отдельных сюжетных линии на фоне драматической сцены. Иуда предает Иисуса, целуя его. Поцелуй, выбранный Иудой как условный знак для воинов, является традиционным приветствием у евреев. Первосвященник пытается схватить его. Петр разрезает ухо раба и делает шаг вперед, чтобы возложить руки на Иисуса. На переднем плане изображены пять фигур, окружающих Иисуса так, что видна только его голова. При умелой компоновке художником цветов и жестов лицо Иисуса становится координационным центром картины.
• В картине Смерть Адама, Пьеро делла Франческа уложил умирающего патриарха в окружение членов его семьи. Его значение для истории подчеркивают арки фигур, образуемых вокруг него и диагонали рук, которые ведут к его голове.
• Картина Воскрешение сына Теофила является удивительно цельным произведением, учитывая, что она была начата Мазаччо, недорисована, испорчена, и в итоге завершена художником Филиппино Липпи. Мазаччо расписал центральную часть картины.
• В картине Поллайоло арбалеты лучников на переднем плане составляют основу ее композиционной структуры. В созданной большой треугольной композиции существует и задний план.
• Картина Боттичелли Марс и Венера имеет композицию буквы W. Влюбленные пребывают в расслабленном состоянии. Композицию поддерживают четверо маленьких оленят.
• Мастерство Микеланджело в композиции рисунка Погребение вдохновляло многих художников на протяжении столетий. В этом панно вертикальная фигура Христа является тяжким грузом для тех, кто пытается его нести.
• На первый взгляд, Синьорелли в Осени проклятых изображено ужасающее нагромождение тел, но умелое размещение фигур по непересекаяющимся линиям придают картине волнообразное движение. Композиция состоит из большого количества отдельных сцен.
• В картине Битва при Остии Рафаэля помощником является дизайн. Передний план картины состоит из двух пересекающихся дугообразных форм. Избиение пленников на переднем плане соседствует с пленниками, стоящими на коленях перед папой. Изображение папы возвышается над действием, великолепный головной убор солдат является визуальный ступенькой к папе. Две фигуры по краям картины создают некое напряжение, прием одна отталкивает край картины, а другая тянет ее вверх.

• Джотто, Поцелуй Иуды из часовни Скровеньи.

• Пьеро делла Франческа Смерть Адама, из легенды об Истинном Кресте.

• Мазаччо и Филиппино Липпи, Воскресение Сына Феофила и из капеллы Бранкаччии.

• Антонио Полладио, Мученичество святого Себастьяна.

• Боттичелли, Венера и Марс.

• Микеланджело, Погребение.

• Синьорелли, Падение проклятых из собора Орвието.

• Мастерская Рафаэля, Битва при Остии

Фресковые циклы

Фресковые циклы представляют собой самую трудоемкую и масштабную работу, которую выполняли итальянские художники эпохи Возрождения для храмов, дворцов или общественных зданий. Ими расписывалась в конце средневекового периода Базилика Святого Франциска Ассизского, за ней последовали работы Джотто времен Прото-Ренессанса, работы Гоццоли Беноццо по заказу Медичи в Капелле волхвов. Высшим достижением в этой области является работа Микеланджело по заказу папы Юлия II в Сикстинской капелле.

• Джотто расписал большую часовню Скровеньи в Падуе сюжетами из жизни Богородицы и жизни Христа. Отказываясь от средневековых традиций, он установил новый стандарт натуралистической живописи.
• Два большие фрески Аллегории хорошего и плохого правительства Лоренцетти показывают жизнь горожан, подчеркивают необходимость общественного порядка.
• В противоположность этому, фрески цикла Триумф Церкви Андреа Бонайути показывают роль церкви в жизни общества. Картина включает в себя вид Флорентийского собора.
• Мазаччо и Мазолино да Паникале работали в капелле Бранкаччи, выполнив цикл фресок Жизнь Св. Петра. Цикл известен реалистичными инновациями Мазаччо, элегантным стилем Мазолино.
• Цикл фресок Пьеро делла Франческа в Базилике Сан-Франческо в Ареццо связан с Легендой Истинного Креста. Фрески показывают достижения художника в области света и линейной перспективы.
• Фрески Беноццо Гоццоли в Капелле волхвов Палаццо Медичи-Риккарди написаны в готическом стиле с затейливым и богато орнаментальным изображением Медичи (в процессии Молодого короля на восточной стене Капеллы художник изобразил себя в красной шапке с надписью Opus Benotii) и тремя волхвами.
• Сложный цикл работ Дома Эсте Палаццо Скифанойя в Ферраре, выполненный частично художником Франческо дель Косса причудлив в своих описаниях классических божеств и знаков Зодиака, которые включены в сцены из жизни семьи.
• Фрески Андреа Мантеньи также показывают семейную жизнь с элементами реализма, изображениями помещений, лестниц. Верхняя часть камина образует пол для изображаемых фигур.
• В то время, как в капелле Бранкаччи историки пытаются идентифицировать среди апостолов лица Мазаччо, Мазолино и, возможно, Донателло, Доменико Гирландайо в часовне Сассетти часовне не делает никаких попыток маскировать свои модели. Каждая фреска в его религиозном цикле имеет два набора фигур: те, кто рассказывают истории, и те, кто их слушает. В сцене Рождества Пресвятой Девы Марии изображены флорентийские женщины, которые вошли, как будто бы поздравить Деву Марию.
• В цикле Наказание восставших Левитов художника Сандро Боттичелли показаны эпизоды из жизни Моисея, связанные с жизнью Христа. Цикл был создан в 1480-х годах для украшения Сикстинской капеллы художниками Боттичелли, Перуджино, Доменико Гирландайо и Козимо Росселли. Художники работали слаженно, по заранее разработанной схеме.
• В росписи Микеланджело потолка Сикстинской капеллы, которую он исполнил в одиночку за пять лет, показаны сцены из Бытия, фигуры пророков и предков Христа. Росписи было суждено стать одним из самых известных произведений искусства.
• Рафаэль Санти со своими помощниками совместно расписывали папские палаты. На фреске Афинская школа Рафаэля показаны знаменитые люди того времени, в том числе Леонардо да Винчи, Микеланджело, Браманте, а также изображения самих художников, представленных как философов древних Афин. Созданные Рафаэлем фрески — аллегорические изображения человеческой деятельности: «Афинская школа» — философия, «Диспута» — богословие, «Мудрость, умеренность и сила» — правосудие, «Парнас» — поэзия. В этом фресковом цикле Рафаэль показал четыре основания, на которых, по его мнению, должно покоиться человеческое общество: разум (философия, наука), доброта и любовь (религия), красота (искусство), справедливость (правосудие).

• Джотто, Капелла Скровеньи, Падуя 1305-1310.

• Лоренцетти, Аллегория хорошее правительство, Сиена, 1338.

• Андреа Бонайути, Испанская часовня в церкви Санта — Мария — Новелла, 1350.

• Мазолино, часовня Бранкаччи. 1424-1427.

• Пьеро делла Франческа, Легенда Истинного Креста, Aреззо, 1450.

• Беноццо Гоццоли, Капелла волхвов, Флоренция, 1459.

• Франческо дель Косса, палаццо Чифания, Феррара, 1470.

• Андреа Мантенья, Суд Гонзага, Мантуя, 1471-1474.

• Доменико Гирландайо, часовня Сассетти, Флоренция, 1483-1486.

• Боттичелли, Сикстинская капелла, Ватикан, 1480.

• Микеланджело, Микеланджело, потолок Сикстинской капеллы, Ватикан, 1508-1511.

• Рафаэль, Афинская школа, Ватикан, 1509-1510.

Алтарные картины

Алтари занимали в храме центральное место. На Западе часто алтарём называли также алтарную картину — живописное изображение или композиция из живописных, скульптурных и архитектурных элементов, размещённых над престолом. В Италии в центральной части алтаря, как правило, изображалась Мадонна или святой покровитель, а на створках — разные святые, сцены из жизни которых помещены в нижней части.

• Два Мадонны в алтарях Чимабуэ и Дуччо ди Буонинсенья демонстрируют разные подходы к теме, которая была формализована и стеснена существующими традициями. Хотя позиции Мадонны с младенцем на двух картинах очень похожи, художники изобразили Мадонну по-разному. Трон Чимабуе изображен с перспектиой. Окружающие ангелы, их лица, крылья и нимбы, расположены так, чтобы сформировать богатый ореол Мадонне. Ребенок сидит царски, его ноги висят под тем же углом, как и у его матери.
• В картине Дуччо ди Буонинсенья Мадонна Ручеллаи, размером 4,5 метров в высоту, трон установлен по диагонали. Ребенок сидит также по диагонали к матери. Положение коленопреклоненных ангелов изображено упрощенно, их одежды имеют разнообразные красивыми цветовые комбинации. На одеянии Мадонны изогнутая золотая окантовка определяет форму и контуры, оживляя всю композицию.
• Мадонна, изображенная Джотто в настоящее время находится в том же помещении Уффици, что и картины Чимабуэ и Дуччо. Использование Джотто определенной токи зрения, наблюдением за природой, позволяет сравнить его работы с работами других художников. Несмотря на то, что его картина расположена в алтаре, она отклоняется от существующих традиций письма. Изображение Мадонны трёхмерно. Изображенная ниша усиливает этот эффект. По бокам симметрично расположены ангелы с разной драпировкой в деяниях.
• Сто лет спустя, Мазаччо, находясь в рамках ограничений в выполнении алтарных картин, уверенно создает трехмерный рисунок пухлого младенца Христоса, сосущего пальчики. В перспективе изображены лютни, на которых играют маленькие ангелы.
• Художник Фра Беато Анджелико был известен своей деликатностью в изображении Мадонны, что демонстрируется тем, как группируются вокруг неё ангелы Как и в живописи Мазаччо, нимб Мадонны украшен псевдо-куфическими (псевдо-арабскими) надписями, вероятно, чтобы указать на ее ближневосточное происхождение.
• В картине Пьеро делла Франческа рама превращается в классическую нишу. Художник обращается к линейной перспективе при дневном свете. Мадонна традиционно изображена в более крупном масштабе, чем другие фигуры.
• В картине Беллини сочетается реализм в изображении фигур, с византийскими традициями в иконописи.
• Миланский художник Бергоньоне опирался на работы Мантеньи и Беллини, чтобы создать картину, в которой красный халат и золотые волосы Екатерины Александрийской эффективно уравновешивается контрастными черно-белыми одеждами Екатерины из Сиены. Картина обрамлена аркой из битого кирпича.
• В картине Aндреа Мантенья Мадонна делла Виттория Мадонна занимает центрально место, обрамленное гирляндами беседке, но в центре внимания также итальянский кондотьер, маркиз Мантуи Франческо II Гонзага и героические святые Майкл и Джордж.
• Леонардо да Винчи отказался от каких — либо формальностей и окружил Мадонну с младенцем с величественной природой.
• В Сикстинской мадонне Рафаэль использует форму парадного портрета с рамкой из зеленых занавесок, через которые можно увидеть папу Сикста II, в честь которого работа и названа. Эта работа стала образцом как для художника Мурильо, так и многих других художников.
• Андреа дель Сарто в своей картине использовал манеру реализма, расположив Мадонну на классическом постаменте, как будто это статуя. Каждая фигура на его картине находится в состоянии нестабильности, что видно по поднятию колен фигурами. В картина показаны тенденции, которые в дальнейшем были развиты в живописи маньеризма.

• Чимабуэ, Мадонна Тринита, 1280

• Дуччо , Мадонна Ручеллаи, 1285

• Джотто, Мадонна Огниссанти, 1310.

• Мазаччо, Мадонна, 1420, Лондон

• Фра Анджелико, Мадонна Сан — Доменико, Фьезоле , 1428-30.

• Пьеро делла Франческа, Мадонна Брера 1460.

• Джованни Беллини, Алтарь Сан Жоббе, 1487.

• Бергоньоне Мадонна Святой Екатерины , Павия, Лондон 1490-1505?.

• Андреа Мантенья, Мадонна делла Виттория, 1496, Париж

• Леонардо да Винчи, Мадонна Скал, Лондон 1483-1508.

• Рафаэль, Сикстинская Мадонна, 1513-14.

• Андреа дель Сарто, Мадонна из Гарпии, 1517.

Темы

Изображения Мадонны с младенцем в эпоху Возрождения были произведены в очень больших количествах, чаще для частных клиентов. Сцены из жизни Христа, жизни Девы Марии и жития святых были также сделаны в большом количестве, особенно сцены, связанные с Рождеством и страстями Христовыми.

Состоятельные меценатов заказывали произведения искусства светской тематики для украшения для своих домов.

Мадонна

Небольшие картины с изображением Мадонны находятся в большинстве художественных музеев мира. Картины писали чаще по заказам частных лиц, но заказывали картины и для алтарей часовен.

• В картине Мадонна с младенцем и двумя ангелами ангел с улыбкой поддерживает младенца Христа. В картине Филиппо Липпи ощущается влияние творчества Боттичелли.
• Верроккьо отделяет Мадонну и младенцем Христом от зрителя через каменный подоконник, который также используется во многих портретах. Розы и вишни символизируют духовную и жертвенная любовь.
• Картина Антонелло да Мессина Мадонна и ребенок внешне очень схожа на картины Верроккьо, но в ней гораздо меньше условностей, кажется, что ребенок движется, а не позирует художнику.
• Фигуры в картине Мадонны и ребенка от Леонардо да Винчи размещены по диагоналям. Эта композиция повторяются во многих его произведениях.
• Живопись Джованни Беллини находилась под влиянием греческой Православной иконы. Синяя ткань в этой картине написана на сусальным золотом фоне. На заднем плане — город у реки, всадник и мудрецы.
• В картине Витторе Карпаччо Мадонна с младенцем и святым Иоанном Крестителем необычна современная одежда ребенка. Тщательная детализация быта была характерна для ранней нидерландской живописи.
• Картина Микеланджело Мадонна Дони является самой крупной из представленных работ. Необычна поза Мадонны, три головы в верхней части картины несут сложные функции. Картина проникнута символизмом. Так, клевер на переднем плане символизирует Троицу, иссоп перед Иоанном Предтечей — крещение. Загадочные обнажённые мужские фигуры на заднем плане, отделены от Святого семейства горизонтальной полосой и не смотрят на Христа. В искусствоведческой литературе приводятся многочисленные интерпретации этих фигур — от теологических (древние язычники, ожидающие крещения) до психоаналитических (гомосексуальные влечения автора).
• Рафаэль умело объединил противоборствующие силы с игрой. Мадонна и ребенок смотрят друг на друга любящим взглядом.

• Фра Филиппо Липпи, Мадонна с младенцем с двумя ангелами, 1450

• Андреа Верроккьо, Мадонна Розы, 1460

• Антонелло да Мессина, Мадонна Бенсон, 1465-70.

• Леонардо да Винчи, Мадонна Бенуа, 1470.

• Джованни Беллини, Каррара Мадонна, 1487.

• Витторе Карпаччо, Мадонна с младенцем святого Иоанна Крестителя, 1500.

• Микеланджело, Мадонна Дони, 1504.

• Рафаэль, Мадонна Бриджуотер, 1505.

Ню

Четыре известные картины демонстрируют появление и принятие «ню», как темы для художников.

• В картине Боттичелли Рождение Венеры обнаженная фигура занимает центральное место в картине. Сюжет картины — история из классической мифологии. Тот факт, что Богиня Венера рождена из морской пены и выходит на сушу, является иконографическим типом её изображения в современное художнику время. Картина была написана для Лоренцо ди Пьерфранческо Медичи. Обнажённая богиня плывет к берегу в створке раковины ребристой сердцевидки, подгоняемая ветром. В левой части картины Зефир (западный ветер) в объятиях своей супруги Хлориды дует на раковину, создавая ветер, наполненный цветами. На берегу богиню встречает одна из граций.
• Предназначение созданной тридцать лет спустя картины Джованни Беллини не совсем понятно. В Ренессансной работе Наличие зеркала имеет символический смысл, предполагающий некую аллегорию. Нагота молодой леди — признак не столько соблазнения, сколько невинности и беззащитности. Наличие двух зеркал — признак бесконечности. Зеркало часто является символом пророчества, тщеславия. Молодая женщины выступает в роли Нарцисса.
• Живопись Джорджоне предшествует Беллини лет на десять. Картину, известную как Спящая Венера отличает отсутствие символичческих элементов, делается акцент на тело, как объект красоты. Полагают, что картина была завершена Тицианом.
• Картина Тициана Венера Урбинская, с другой стороны, была написана для развлечения герцога Урбино, и как у Боттичелли в его картине Рождение Венеры женщина смотрит прямо на зрителя. Венера представлена молодой женщиной, как символ небесного совершенства.

• Боттичелли, Рождение Венеры, 1482-86.

• Джованни Беллини, Зеркало, 1510.

• Джорджоне, Спящая Венера, 1500.

• Тициан, Венера Урбино, 1530.

Автопортрет

По мере роста мастерства реалистического портретирования художников Возрождения, на изображаемые фигуры обращается все больше внимания. Художники не упускают возможности поместить в свою картину автопортрет. Известны несколько автопортретов художника Доменико Гирландайо, написавшего также портрет всей своей семьи (Капелла Торнабуони, Санта Мария Новелла, 1485—90): отца Томмазо, себя, брата Давида и шурина Бастиано Майнарди, помогавших ему в росписях, известны автопортреты Леонардо да Винчи, Луки Синьорелли, Тициана, Рафаэля, Боттичелли и др.

На протяжении XV века «скрытый» портрет становится все более явным; отдельные персонажи религиозного полотна превращаются в групповые портреты. Возрастающая реалистичность живописи проистекает из новых форм донаторского и станкового портрета.

• Бальдовинетти, Автопортрет. Фреска из церкви Санта-Тринита во Флоренции. Хранится в Академии Каррара, Бергамо.

• Мазаччо, Автопортрет, фрагмент фрески «Св. Петр на кафедре» из капеллы Бранкаччи.

• Тициан, Автопортрет, около 1567.

• Леонардо да Винчи, Автопортрет, около 1510-1515

• Лоренцо ди Креди, Лоренцо ди Креди или Перуджино, «Автопортрет (портрет Лоренцо ди Креди»

• Рафаэль Санти, Автопортрет.

• Беноццо Гоццоли , Автопортрет. 1459 г. Фрагмент фрески «Шествие волхвов» из Капеллы волхвов в Палаццо Медичи-Риккарди.

• Сандро Боттичелли, Автопортрет, фрагмент фрески «Поклонение волхвов», около 1475.

• Доменико Гирландайо, Автопортрет Доменико Гирландайо (справа)

• Гирландайо, «Изгнание Иоакима из храма», капелла Торнабуони, семейный групповой портрет художника, 1485 — 1490.

• Автопортрет Доменико Гирландайо.

• Автопортрет Доменико Гирландайо (слева).

Классическая мифология

Картины с сюжетами классической мифологии создавались художниками для салонов в дома богатых заказчиков. Боттичелли создавал самые известные свои произведения для Медичи, Рафаэль изобразил Галатею для итальянского банкира, кредитовавшего пап Юлия II и Льва X, Чезаре Борджиа и семейство Медичи — Агостино Киджи, картины Беллини Пир богов и некоторые произведения Тициана — для дома герцога Феррары, Модены и Реджио Альфонсо I д’Эсте.

• В картине Поллайоло Геркулес и Гидра добро побеждает зло. Тема Геракла связана с библейским персонажем Самсоном, который был известен своей силой, убив Льва.
• В картине Боттичелли Паллада и Кентавр богиня Афина, олицетворяющая мудрость, берет кентавра за волосы, что является символом преодоления грубых инстинктов, которые символизирует кентавр.
• Сюжет картины Рафаэля Триумф Галатеи имеет классическое происхождение. Здесь речь идет о природе любви. В то время как окружение Галатеи, израненное стрелами купидонов, стремится к земной любви, Галатея выбирает духовную любовь, отворачивая взгляд к небесам.
• Картина Беллини, законченная Тицианом, «Вакх и Ариадна» представляет зрителям натуралистическое изображение древних богов и их веселящееся окружение.

• Поллайоло, Геркулес и гидра, 1470.

• Боттичелли, Афина Паллада и кентавр, 1481.

• Рафаэль, Tриумф Галатеи, 1511

• Беллини, Пир богов, 1514.

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв., которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И.К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

ландшафтный дизайнер в Грин-Бей, штат Висконсин

Landscape Renaissance LLC с 2006 года предлагает команду проверенных ландшафтных дизайнеров для комплексного озеленения в Грин-Бей, Висконсин и Северо-Восточный Висконсин, и наши художники-пейзажисты увлечены своей работой. Если вам нужен уход за газоном или замысловатый ландшафтный дизайн и строительные работы, мы вам поможем!

Озеленение в Северо-Восточном Висконсине

Вы ищете ландшафтный бизнес в Грин-Бей, округе Дор или на северо-востоке Висконсина, который может превратить ваше видение ландшафта в реальность? Тогда вы сделали отличный выбор, выбрав ООО «Пейзаж Ренессанс», чтобы воплотить в жизнь свои мечты о пейзажах.Мы с энтузиазмом относимся к созданию уникального функционального дизайна для вашего открытого жилого помещения, будь то жилое или коммерческое помещение. Наши обученные ландшафтные дизайнеры стремятся предоставить выдающуюся работу каждому клиенту, и мы любим свою работу! Вы можете быть уверены, что ваш пейзаж будет создан с высоким качеством исполнения и вниманием к деталям.

В компании Landscape Renaissance LLC наши ландшафтные подрядчики обладают опытом, знаниями и инструментами, необходимыми для выполнения любого задуманного вами ландшафтного проекта! У нас есть опыт в области подпорных стен из природного камня и бетонных блоков, мощеных тротуаров и патио, водных объектов, прудов и водопадов без прудов, ландшафтного освещения, установки деревьев, кустарников и многолетних растений, а также ландшафтного ремонта.Наша цель — воплотить в жизнь мечты наших клиентов о ландшафте. Мы гордимся тем, что считаемся одной из ведущих компаний по ландшафтному дизайну / строительству в Северо-Восточном Висконсине. Взгляните на некоторые из причин, по которым люди в районе обращаются к нам , когда им нужны ландшафтные подрядчики, и ознакомьтесь с нашей галереей дизайна :

• Мы с гордостью обслуживаем весь Северо-Восточный Висконсин.
• У нас есть офисы в Грин-Бей и округе Дор.
• У нас растущий бизнес, основанный в 2006 году.
• Предлагаем бесплатные первичные консультации, проекты и сметы.
• We are Better Business Bureau, аккредитованная компания с рейтингом A +.
• Мы являемся активными членами Ассоциации ландшафтных подрядчиков штата Висконсин.

ООО «Ландшафтный Ренессанс» ищет специалиста по ландшафтному дизайну / ландшафтного техника.

Ландшафтный дизайн Green Bay, WI

Когда дело доходит до пейзажей в Грин-Бей, штат Висконсин, отличный ландшафтный дизайн часто является ключевым моментом.Ландшафтные дизайнеры Landscape Renaissance LLC годами улучшали открытые пространства с помощью художественного дизайна и творчества, и мы здесь, чтобы ваш двор выглядел наилучшим образом.

Мы с гордостью обслуживаем Грин Бэй и прилегающие районы, в том числе Manitowoc и Door County, поэтому вы можете воспользоваться нашими творческими услугами по ландшафтному дизайну. Взгляните только на некоторые из впечатляющих услуг по ландшафтному дизайну, которые мы можем предложить для вашего открытого пространства:

• • Уход за газоном и экологическое восстановление: Иногда все, что нужно вашему газону и ландшафту, — это нежная забота.Мы используем натуральные и органические удобрения и биологические продукты для строительства почвы, чтобы обеспечить ваш газон и ландшафт безопасными и устойчивыми питательными веществами. Наши лицензированные сотрудники также могут предоставить средства для борьбы с сорняками. Если вы имеете дело с большими или нежелательными лужайками или лужайками, наши услуги по экологическому восстановлению в Грин-Бей и Северо-Восточном Висконсине превратят ваши газоны, требующие особого ухода, в яркую среду обитания диких цветов и прерий. Мы можем спроектировать вашу естественную среду обитания по индивидуальному заказу.
  • Планы посадки и установка: В процессе проектирования мы разрабатываем планы, которые включают многолетние растения, кустарники, деревья, луковицы и однолетние растения в вашу жилую зону на открытом воздухе.Использование разнообразных растений — отличный способ повысить как визуальную привлекательность, так и уровень комфорта во дворе. Наш опытный персонал возьмет на себя всю работу за вас. У нас есть доступ к тысячам сортов растений и высококачественным растительным материалам, которые сделают вашу жилую зону на открытом воздухе более яркой, здоровой и красивой.

• Пейзажи и ландшафтное освещение: Зелень — не единственная наша специализация. Наши ландшафтные специалисты обладают обширными знаниями и инструментами для создания функциональных и творческих сложных пейзажей, включая внутренние дворики, подпорные стены и пешеходные дорожки.Мы работаем с видами продукции от натурального камня и брусчатки до высококачественных бетонных покрытий. Низковольтное ландшафтное освещение может улучшить внешний вид открытых пространств. Осветите дорожки, выделите образцы деревьев или продемонстрируйте свой новый внутренний дворик, воспользовавшись нашими профессиональными услугами по ландшафтному освещению.

Если вы нуждаетесь в экологической реставрации вашей собственности или ваш задний двор может просто извлечь выгоду из установки деревьев, вы будете рады узнать, что компания Landscape Renaissance LLC может позаботиться обо всем вашем ландшафтном дизайне и подпорных стенах.У нас есть гораздо больше, чем просто зеленый палец. Мы работаем с осторожностью и используем наши обширные знания в области дизайна, чтобы объединить все элементы зелени, освещения и каменной кладки для создания привлекательного внешнего ландшафта. Свяжитесь с нами для ландшафтного дизайна , для ухода за газоном и других сегодня, или загляните в нашу галерею !

Отзывы клиентов

31 декабря 2019 г., Джеймс Лемски

Настоятельно рекомендую.

«Мы живем на берегу залива, и у нас возникла серьезная проблема эрозии береговой линии. Поговорили с многочисленными предприятиями, в результате чего были получены диковинные цитаты, невозвратные телефонные звонки и серьезная ерунда! Одно обсуждение с Робом привело к немедленному, точному и разумному предложению. Работа выполнена хорошо в течение недели. Роб выглядел долгим, а не выдалбливал отдельный экземпляр. НАСТОЯТЕЛЬНО рекомендую «.

14 января 2019 г., Эллисон

Творческая и заботливая ландшафтная компания

«Зимой 16-го мы с мужем построили дом в Бейлис-Харбор.Собраны заявки / предложения от 4-х ландшафтных дизайнеров. Роб — единственный, кто нашел время, чтобы навестить нас, осмотреть собственность и узнать о нашем видении нашего нового дома. Он перевел нашу беседу и видение в красивую визуализацию и заявку на участие в проекте. Предложение Роба было наиболее полным и не самым дешевым из четырех, которые мы получили, но из-за его времени, заботы и страсти к своей работе мы пошли с ним. Хотя это заняло больше времени, чем мы ожидали (проблемы с погодой), мы очень довольны результатами.Команда Роба была вежливой, заботливой, отзывчивой, и работать с ней в целом было приятно. Я намеренно ждал, чтобы написать в этот обзор, чтобы увидеть, как посадки будут вести себя в течение всего вегетационного периода. Все получилось красиво, за исключением двух можжевельников. Роб заменил их без вопросов и хлопот. Если вы хотите работать с творческой, заботливой ландшафтной компанией, вам обязательно стоит включить ландшафтный ренессанс ».

28 февраля 2017 г. Хайди

«Спасибо вам и вашей команде за прекрасную работу.Я хочу, чтобы вы знали, насколько я ценю вашу доброту «.

28 февраля 2017 г. Синди

«Я просто хотел сообщить вам, насколько мы счастливы с нашим новым двором! В ту первую ночь нам удалось выпить бокал вина в нашем новом внутреннем дворике… А потом пошли дожди! »

28 февраля 2017 г. Мел и Сэнди

«Было приятно работать с вами и вашей командой.Патио выглядит отлично! Спасибо!»

Пейзаж в эпоху Возрождения (Выставки Центра Гетти)

Пейзаж — настолько распространенный предмет в искусстве, что мы принимаем его как должное. Но пейзаж как категория европейской живописи возник только в эпоху Возрождения. На этой выставке рассматриваются аспекты природы, которые привлекали внимание авторов рукописных иллюстраций в эпоху Возрождения: сад, вода, свет, горизонт, атмосфера и вид с высоты птичьего полета. Вода падает с небес на этом раннем и редком изображении дождя. Он иллюстрирует историю из Бытия о первом дожде в Раю после семи дней сотворения мира.

На протяжении большей части Средневековья художники подчеркивали фигуры за счет декораций. Однако, начиная с конца 1300-х годов, художники вновь заинтересовались наблюдением за природой и поэтическим характером окружающей природы. Эта миниатюра демонстрирует сдвиг в сторону включения естественных деталей в изображение обстановки. Художник наполнил изображение множеством внимательно наблюдаемых деталей: движение воды, голубое небо с далеким горизонтом, окутанным атмосферной дымкой, горы и крутой скалистый остров. Крошечный остров Патмос резко уходит в космос, а море простирается еще дальше.

Сад представляет собой ландшафтный сад, созданный для человеческого удовольствия.В эпоху Возрождения сад был характерной чертой аристократических поместий. В искусстве сад также использовался аллегорически, например, для обозначения любви в популярной теме сада любви. Сад также был важной темой в литературе, начиная с библейского Эдемского сада, изображенного в этом изображении искушения Адама и Евы.

Моря, озера, реки и ручьи издавна вдохновляли художников и поэтов.В средние века вода также играла практическую роль. Переходы через озера, реки вброд и плавание вверх по течению были обычными частями путешествий. С 1200-х по 1500-е годы художники начали интересоваться прозрачностью и движением воды. Фламандский художник Ливен ван Латем особенно восхищался изображением водоемов, таких как извилистая река на этом изображении Христа, являющегося святому Иакову Великому.

европейских художников и художников 1400-х годов разделяли интерес к изображению света.Художники Северной Европы особенно умели запечатлевать отражения и эффекты ночного света. Войска продвигаются к городу на восходе солнца на этом изображении, сделанном мастером Гетти Фруассара, которое иллюстрирует отчет о Столетней войне. Первые лучи дневного света отражаются от металлической брони, освещают продуваемые всем ветром облака и отражают арки моста в реке.

Ангел в золотом ореоле появляется пастухам на этой миниатюре, которая имеет ряд ночных световых эффектов.Свет в окнах на далекой вершине холма показывает ясли, где родился младенец Христос. Колонна золотых ангелов, парящая над яслями, подчеркивает его божественное значение. Лишь проблеск лунного света в правом верхнем углу проникает сквозь густые облака над холмами Вифлеема на заднем плане.

Пожалуй, самой новаторской чертой пейзажной живописи 1400-х и 1500-х годов была концепция пейзажа как обширной территории с глубоко уходящим пространством.Художники начали изображать далекий горизонт и улавливать осязаемую атмосферу, лежащую между зрителем и далеким расстоянием. На этой картине Дева и Младенец появляются на террасе перед зеленым пейзажем с водоемом и голубыми холмами. Петрус Христос кропотливо нанес несколько тонких слоев прозрачной глазури, чтобы создать атмосферную дымку, которая наполняет воду и холмы голубизной неба.

Важным нововведением в пейзажной живописи 1500-х годов стал вид с высоты птичьего полета, выгодная точка для изображения земли с облаков.Достижения в картографии в начале 1500-х подпитывали это художественное развитие. Так же поступали путешествия Христофора Колумба и других исследователей, которые усилили представление человека о просторе Земли. Распятие, кажется, парит высоко над ландшафтом на этой большой миниатюре из мессала, служебной книжки для мессы. Большой размер распятого Христа в сочетании с обширностью ландшафта придает универсальность значению его смерти.

В раннем и позднем средневековье изображения рая, ада и чистилища часто упрощались до абстракции.Однако художники позднего средневековья и эпохи Возрождения включили земные перспективы в свои изображения этих потусторонних пейзажей. Здесь Святая Троица восседает на небесном троне в окружении прозрачных, мягких цветов, напоминающих радугу. Художник помещает трон над облаками, показывая небо с земной точки зрения. Он остроумно напоминает нам, что его рай — это иллюзия, показывая текст, строку из молитвы, как клочок пергамента, прикрепленный к миниатюре. Выставка находится в Центре Гетти, Музее, Северном павильоне.

Детали эпохи Возрождения — Ландшафтная архитектура

Детали эпохи Возрождения — Ландшафтная архитектура перейти к содержанию

		ТЯГА… ПРИМЕЧАНИЯ: 10.ДЕТАЛИ ВОЗРОЖДЕНИЯ. Филиппо Брунеллески 1377-1446 Брунеллески известен своей победой в конкурсе на предложение купола Флорентийского собора. Его дизайн был самым большим куполом со времен купола Пантеона в Риме. Купол во Флоренции представляет собой явное возрождение классической архитектуры. Пантеон датируется примерно 118 годом нашей эры, и купол во Флоренции и купол Пантеона имеют диаметр около 144 футов (44 метра). Брунеллески приписывают изобретение линейной перспективы как метода изображения трехмерного пространства на двухмерной поверхности. Линейная перспектива стала научным способом описания физического мира с высокой степенью точности. Троица, написанная Мазаччо около 1427 года, иллюстрирует использование линейной перспективы. Линия горизонта делит картину на две части, и точка схода находится в центре изображения. Размер части составляет почти 22 на 11 футов. «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи около 1497 года также ясно иллюстрирует изобретение перспективы как способа создания глубокого геометрически контролируемого пространства. Размер картины составляет почти 15 на 29 футов. Изобретение Брунеллески было расширено многими последовавшими за ним художниками, включая Леона Баттиста Альберти, Леонардо да Винчи и Альбрехта Дюрера (1471-1528). «Сеть чертежников» Дюрера основана на аналогичном дизайне Леонардо да Винчи и предназначена для помощи в рисовании перспективных сцен.Сеть чертежников состояла из фиксированной точки зрения, сетки нитей в рамке с сеткой и поверхности для рисования с аналогичной сеткой. Изобретение перспективы в конечном итоге привело к перспективным фокусам или иллюзиям. Свод нефа святого Игнацио в Риме (1691 г.) предназначен для осмотра с одного места на полу. С этого места потолок кажется намного выше, чем есть на самом деле. Архитектура в некоторых случаях также выражала иллюзию пространства. Аркада внутреннего двора Палаццо Спада в Риме (1652 г.) выражала вынужденную перспективу, заставляющую зрителя поверить в удлиненный или укороченный вид.
		Лоренцо Гиберти 1378-1455 Гиберти с большим успехом использовал недавно изобретенную систему перспективы в своем дизайне восточных дверей баптистерия во Флоренции. Он был победителем конкурса 1401 года на пару дверей (возможно, это был первый публичный конкурс такого рода). Схема Гиберти представляла собой серию сцен и фигур. Глубина была раскрыта через комбинацию перспективного изображения и реальной скульптурной глубины, что привело к усиленному восприятию пространства. После успеха конкурсных панелей Гиберти попросили завершить вторую пару дверей для портала, обращенного к собору Флоренции — портал был известен как Porta del Paradiso. Эти двери были построены в 1452 году и состояли из меньшего количества больших сцен, чем двери для соревнований.
		Леон Баттиста Альберти 1404-1472 Альберти был ответственным за ряд научных трактатов по живописи, скульптуре и архитектуре, которые были связаны с его интересами к классической римской архитектуре и, в частности, с его знанием письма Витрувия, римского архитектора первого века до нашей эры. Альберти написал «Десять архитектурных книг», которые он смоделировал по образцу произведений Витрувия — De Architectura. Альберти предположил, что вся архитектура должна быть основана на квадрате и круге, двух наиболее совершенных геометрических формах. Ясность и порядок, о которых писал Альберти, проявились в строительстве построенных им зданий. В своем дизайне фасада церкви Санта-Мария-Новелла во Флоренции Альберти повторил формы круга и квадрата как средства упорядочивания. Весь фасад укладывается в идеальный квадрат. Измерение от верха здания до уровня земли такое же, как и ширина фасада. Верхняя часть фасада вписывается в еще один идеальный квадрат, который составляет четверть размера большего квадрата. Гармония в здании достигается за счет пропорций и соотношения частей фасада друг к другу.
		Леонардо да Винчи 1452-1519 Некоторые художники того периода учились понимать и записывать мир природы посредством экспериментов, наблюдений и документирования.Леонардо да Винчи, наверное, самый известный художник-ученый эпохи Возрождения. Методы исследования включали рисование с живых студийных моделей, изучение анатомии человека и животных, а также эксперименты с воздействием естественного света на объекты. Искусство эпохи Возрождения стало формой научного исследования. В своих многочисленных альбомах Леонардо да Винчи также изучал ветер и воду и провел множество исследований механических устройств и даже планов городов. В своем плане Имолы около 1503 года он разработал большой круг, разделенный на восемь секторов в форме пирога, помеченных названиями восьми ветров. Леонардо считал, что принципы пропорциональности управляют и природой, и искусством, как и Витрувий. Понимание Леонардом универсального порядка было сосредоточено вокруг и привело к изучению человеческих пропорций как отношения к идеальным геометрическим формам — кругу и квадрату. Его рисунок Витрувианского человека, датируемый примерно 1487 годом, является выражением идеальных человеческих пропорций.
		Микеланджело Буонарроти 1475-1564 Микеланджело был поэтом, художником, инженером, архитектором и, как он считал, прежде всего скульптором.Он получил известность во Флоренции после того, как вылепил отдельно стоящую статую библейского Давида размером больше жизни (13,5 футов) из огромного блока мрамора (1501 г.). По сравнению с Давидом Донателло (1430 г.), Микеланджелос Давид был доминирующим и дерзким. Его руки и голова непропорциональны остальному телу, а тело мускулистое и напряженное. Микеланджелос Давид был помещен перед ратушей Флоренции, вероятно, как символ флорентийской власти. Еще одним важным заказом Микеланджело была роспись Сикстинской капеллы в Ватикане в Риме.Он потратил четыре года, чтобы завершить работу, которая проиллюстрировала создание и падение человечества.
		Андреа Палладио 1518-1580 Андреа Палладио известен прежде всего как архитектор. Он написал и опубликовал «Четыре книги архитектуры» в Венеции в 1570 году. В своих статьях он подчеркивал, что симметрия и стабильность являются определяющими элементами успешного архитектурного дизайна. Многие из его проектов загородных домов и других построек выражают его идеологию. Вилла Ротонда — это 32-комнатный загородный дом с идеальной симметрией вокруг центральной комнаты, покрытой куполом. Все четыре фасада одинаковы, на каждом есть портик и лестничный пролет. Как образец внутренней архитектуры для богатых, Вилла Ротонда вдохновляла многие поколения дизайнеров по всей Англии и Америке.

243121-2617 A R T Мебель Зеркало для спальни в стиле ренессанс с пейзажем

Информация для 243121-2617

Размер:	45.0 Ш x 4,5 В x 40,88 Г
Вес:	72,6 фунта
Кубики:	10,0 куб. Футов
Комната:	Мебель для спальни
Категория:	Зеркала

Renaissance by A R T Furniture

Эта коллекция для спален эпохи Возрождения с легкой роскошной отделкой и демонстрацией многочисленных традиционных элементов дизайна привнесет в ваш дом гламур стиля Старого Света.Змеевидные передние панели корпуса и аппликации в виде листьев аканта очаровывают внешний вид изделий. Наслаждайтесь роскошью, которую эти изысканно выполненные изделия вносят в вашу повседневную жизнь. Коллекция Renaissance — отличный вариант, если вы ищете традиционную мебель в Ft. Лодердейл, Форт. Майерс, Орландо, Неаполь, Майами, Флорида.

Некоторые из особенностей, которые отличают коллекцию Renaissance от A R T Furniture:

• Направляющие металлического ящика полного выдвижения
• Обширная традиционная отделка и формовка.Кронштейн ножек.
• Шпон и твердые материалы для дерева
• Традиционный стиль
• Отделка светлым деревом

Основанная в 2003 году, компания A R T Furniture привносит в свой дизайн страсть и качество. Их изысканный ассортимент коллекций спальни, столовой и случайной мебели прекрасно дополнит ваш дом. Каждый предмет мебели тщательно продуман, чтобы гарантировать качество и единообразие. Элегантная и стильная мебель от A R T Furniture объединяет некоторые общие черты, такие как нанесение превосходных твердых материалов и эффектного шпона, а также потрясающий дизайн ручной работы.Компания A R T Furniture стремится постоянно предлагать инновационный дизайн, высочайшее качество изготовления и функциональность всех предметов мебели.

Многие предметы в коллекциях мебели для спален и столовых украшены бархатными подкладками для украшений. Большинство развлекательных предметов и шкафов имеют электрические розетки для подключения любого типа электроники. A R T Furniture предлагает новые коллекции и безупречное качество строительства.

Обзоры 243121-2617

---

Этот продукт еще не получил оценок.Щелкните здесь, чтобы просмотреть этот товар первым.

Влияние Брейгеля в пейзажной живописи эпохи Возрождения

Пейзажи — настолько распространенный предмет искусства, что иногда зритель может принять это как должное. Пейзажи северного и южного европейского Возрождения послужили основой для Питера Брейгеля, который позже изменил способ изображения этих пейзажных картин. Этот ренессанс представлял пейзаж с использованием освещения, декораций, воды, глубоких пространств, обширной местности, вида с высоты птичьего полета и прохладных цветовых палитр.Эти пейзажи эпохи Возрождения были чрезвычайно религиозными и использовались в качестве роли в христианской религиозной живописи. Религиозные пейзажи доминировали в 1400 — середине 1500-х годов, пока Питер Брейгель не изменил восприятие природы.

Питер Брейгель Старший получил заказ от антверпенского купца Никласа Йонгелинка для написания серии картин для украшения своего дома. Конечным результатом стала серия картин под названием «Времена года». Эти картины отходят от христианских религиозных картин и представляют гуманистический подход.На картинах Брейгеля мы видим, как человеческая жизнь гармонирует с жизнью природы. Обычный нидерландский крестьянин изображен на каждой картине, и мы можем видеть, как они вписываются в трансформацию ландшафта каждого сезона. Вы сначала увидите традиционные пейзажи еще до Брейгеля. Следующие картины демонстрируют другой гуманистический подход к пейзажу, который Брейгель представил Нидерландам, и то влияние, которое они оказали на будущие пейзажные картины.

Питер Брейгель Старший, Жнецы, 1565, масло на дереве, 119 х 162 см, 19.164.

Это панно из серии «Времена года» было создано для антверпенского купца Никлаеса Йонгелинка. Это лишь одна из картин, созданных Брейгелем, которая выходит за рамки традиционных пейзажных картин. В картине преобладают тонкие мазки яркой пшеницы и холодные цветовые палитры. Четкий передний план, середина и задний план делают местность необъятной. Аспекты традиционных пейзажных картин поглощают кусок, но обычные крестьяне в полях подавляют религиозный предлог для пейзажных картин.Гуманистический подход просматривается в естественном мире рабочего крестьянина, который Брейгель наблюдает сам. Это произведение искусства — поворотный момент в прорыве в традиционном ландшафтном искусстве.

Благовещение пастухов , Мастер миниатюр Хоутона, конец 1470-х годов, темперные краски и золотая краска на пергаменте, Музей Дж. Пола Гетти. 12,5 x 9 см

Европейские художники разделяли интерес к изображению света.Отступая на шаг назад от 1565 года, мы начинаем понимать, как создавалось искусство в эпоху Возрождения, и Мастер миниатюр Хоутона показывает нам, в основном, использование освещения. Его тело окружает ангел с золотым ореолом. Вдалеке виднеется свет, который кажется маленьким зданием или конюшней. Прикольные цветовые палитры для неба управляют фоном, на котором есть колонна золотых ангелов. Это крутое изображение этой земли наполнено светом, что символизирует значение рождения Христа.Мастер миниатюр Хоутона пробуждает натуралистическую красоту и неподвижность темного и ночного пейзажа, в то же время привнося в картину религиозное значение. Хотя изображена естественная красота ландшафта, главная цель пейзажа — показать христианское значение.

Винсент Реймонд, Распятие, 1545, темпера и золото на пергаменте, 37,2 x 26 см, Музей Дж. Пола Гетти (Пейзаж в эпоху Возрождения)

Раймонд привлекает внимание зрителя к Христу на кресте, устанавливая крупный крест среди обширной атмосферы заднего плана.Мы снова знакомимся с холодными цветовыми палитрами неба и тела Христа. Тропинки луга уходят далеко на задний план, где мы не видим конца. Опять же, на этой картине изображен естественный пейзаж. Изображена красота земли, но, несмотря на пейзаж, Христос находится в центре внимания картины. Эта картина в курировании, наряду с Благовещениями пастухов, напоминает нам, что центральная тема этих пейзажных картин эпохи Возрождения находилась не на самом пейзаже, а также позволяет нам понять разницу и значение изменений, которые Брейгель принес в Нидерланды. .

Питер Брейгель, Снежные охотники, 1565, масло, панель, 117 x 162 см, Художественно-исторический музей в Вене.

Эта панель в курировании — первая часть «Времен года» Брейгеля. Брейгель резко отходит от традиционного стиля пейзажной живописи с использованием «холодных» цветовых палитр, включающих белый цвет снега и бледно-зеленый цвет неба. Эти цвета призваны показать, что этот пейзаж (зима) приносит сон и смерть. Обладая схожими качествами пейзажных картин эпохи Возрождения, он отходит от них, показывая, как природа контролирует этих охотников.Гениальный дизайн Брейгеля обеспечивает не просто естественный вид на пейзаж, но и гуманистическое наблюдение. Это время года влияет на человеческие жизни, и мы увидим, как эти люди справляются с этой погодой, на этой картине заснеженной сельской местности.

Питер Брейгель, Сенокос, 1565, Масло на панели, 117 x 161 см, Коллекции Лобковича, (Лобковицкий дворец, Прага)

Это панно также относится к шести картинам «Времена года». Подобно «Жнецам», эта пейзажная картина включает в себя обширную местность с четким передним, средним и задним планами.Идентичные цветовые палитры и рельеф отображают красоту окружающей среды. Однако Брейгель создает сцену, которая, скорее всего, встречается в повседневной голландской жизни, а не только для библейских сюжетов. Человеческая жизнь продиктована самой землей, и мы видим, как время года влияет на человеческую деятельность. Почти все работают, чтобы собрать еду, изображающую общение среднего крестьянина с природой.

Ян Ван Гойен, Замок у реки, 1647, дерево, масло, 66 x 97.2 см, 64.65.1

Ян Ван Гойен передает влияние новых пейзажных картин Питера Брейгеля на эту сцену в Нидерландах. Эффектное изображение реки, акцент на небе, замке и тональная цветовая палитра картины представляют собой основные основы цивилизации этого времени. Противопоставление рыбака и, скорее всего, богатых людей замка показывает разницу в повседневной жизни голландцев.