что это, особенности и черты, музыкальные жанры, этапы, мангеймская и венская школа

Понятие «классическая музыка» широкое, может включать разные стили и эпохи. А вот «классицизм» — конкретное направление, оставившее заметный след в культуре. Классицизм в музыке с его правильностью и точностью пришел на смену другим стилям, быстро став популярным среди музыкантов. Несмотря на то, что он просуществовал недолго, многих композиторов той эпохи помнят до сих пор.

Между барокко и романтизмом

В середине XVIII века в Европе главенствующим направлением в музыке стало барокко. Его отличительной чертой были сложные замысловатые мелодии с большим количеством украшений. Такую музыку сложно исполнять или слушать.

Основой классицизма стала четкость, правильность, структура. Музыкальные произведения имели конкретную строгую форму, писались по канонам. Композиторы стремились к балансу, чтобы части одного сочинения не противоречили, а уравновешивали друг друга.

Разум и логика стали важнее эмоций и чувств, которые были присущи барокко. В музыке классицизма было следование закону, правилам, общественным идеалам в противовес индивидуализму отдельной личности.

Эпоху классицизма в музыке можно разделить на два этапа:

• мангеймскую школу;
• венскую школу.

Композиторы из Мангейма, среди которых были Франц Рихтер, Ян Стамиц, Антон Фильс, заложили основы этого направления. Например, они создали четырехчастную структуру симфонии, а также расширили диапазон громкости.

Венская школа

Наиболее известными композиторами классицизма стали представители венской школы. Самыми яркими представителями были:

• Франц Йозеф Гайдн;
• Вольфганг Амадей Моцарт;
• Людвиг ван Бетховен.

Именно их принято называть венскими классиками. 

Музыканты закрепили правила симфонической структуры, создали сонатную форму. Кроме того, стали появляться новые жанры, активно развивалась церковная музыка, опера.

Композиторы смогли соединить богатое содержание и образный стиль с простыми строгими формами произведений. Им удалось избежать банальности, скуки, сухости, благодаря чему их сочинения узнаваемы до сих пор.

Музыкальные жанры классики

Во время эпохи классицизма в музыке появилось много новых жанров. Эта система используется до сих пор, лишь иногда на классическую основу накладываются дополнительные детали.

Жанр	Характеристика
Сонатная форма	Основа — противопоставление двух контрастных музыкальных тем. Форма включает в себя три раздела: экспозиция, разработка, реприза. В первом показываются основные темы. Во втором они сопоставляются и развиваются. В третьем повторяется измененная экспозиция, где разные темы еще больше сближаются.
Симфония	Как и соната, состоит из нескольких частей: Активная, быстрая. Медленная, спокойная. Менуэт. Яркий быстрый финал.  Формы каждой из частей не определены строго, поэтому могут меняться в зависимости от произведения, но их темп, характер, порядок остаются.
Концерт	Произведение для оркестра и одного солирующего инструмента, например, скрипки. Сам жанр существовал и раньше, но в эпоху классицизма приобрел сонатно-симфоническую форму.
Струнный квартет или трио	Квартет состоит из четырех струнных инструментов: двух скрипок, виолончели, альта. Трио включало скрипку, виолончель, фортепиано.

На первый взгляд, классицизм может казаться скучным или слишком строгим направлением в музыке из-за обилия правил, главенства разума над чувствами. Но талантливым композиторам эпохи удалось совместить правильные формы и живые эмоции, благодаря чему их произведения исполняют до сих пор.

А как вы относитесь к классицизму в музыке? Нравятся ли вам какие-либо произведения в этом стиле? Напишите в комментариях. Поделитесь статьей в социальных сетях и сохраните ее в закладках.

Видео дополнит статью и ответит на оставшиеся вопросы.

Музыка классицизма. Гармония Гайдна, Моцарта, Бетховена.

Источники:

• https://nauka.club/kulturologiya/klassitsizm-v-muzyke.html
• https://sitekid.ru/kultura_i_iskusstvo/muzyka/muzyka_perioda_klassicizma.html
• https://music-education.ru/muzykalnaya-kultura-klassitsizma-e-steticheskie-voprosy-venskie-muzy-kal-ny-e-klassiki-osnovny-e-zhanry

Презентация на тему: «Музыка эпохи Классицизма ( обзорная лекция ). Классицизм – стиль и направление в искусстве XVII

1 Музыка эпохи Классицизма ( обзорная лекция )

2 Классицизм – стиль и направление в искусстве XVII — начала XIX вв.

Слово это произошло от латинского classicus — образцовый. В основе классицизма лежало убеждение в разумности бытия, в том, что человеческая натура гармонична. Свой идеал классики видели в античном искусстве, которое считали высшей формой совершенства.

3 В восемнадцатом столетии начинается новый этап развития общественного сознания – Эпоха Просвещения. Разрушается старый общественный порядок; первостепенное значение приобретают идеи уважения человеческого достоинства, свободы и счастья; личность обретает независимость и зрелость, использует свой разум и критическое мышление.

На смену идеалам эпохи Барокко с ее пышностью, высокопарностью и торжественностью приходит новый стиль жизни, основанный на естественности и простоте. Наступает время идеалистических взглядов Жан-Жака Руссо, призывающего вернуться к природе, к естественной добродетели и свободе. Наряду с природой идеализируется Античность, поскольку считалось, что именно во времена Античности людям удалось воплотить все человеческие устремления. Античное искусство получает название классического, его признают образцовым, наиболее правдивым, совершенным, гармоничным и, в отличие от искусства эпохи Барокко, считают простым и понятным. В центре внимания, наряду с другими важными аспектами, находятся образование, положение простого народа в общественном устройстве, гениальность как свойство человека. Жан-Жак Руссо

4 Дени Дидро Разум царит и в искусстве. Желая подчеркнуть высокое назначение искусства, его общественную и гражданскую роль, французский философ-просветитель Дени Дидро писал: «Каждое произведение ваяния или живописи должно выражать собой какое-либо великое правило жизни, должно поучать». Театр одновременно был учебником жизни, и самой жизнью. Кроме того, в театре действие в высшей степени упорядочено, размеренно; оно разделено на акты и сцены, те, в свою очередь, расчленена на отдельные реплики персонажей, создавая столь дорогой 18 веку идеал искусства, где всё находится на своём месте и подчинено логическим законам.

5 Музыка классицизма чрезвычайно театральна, она как будто копирует искусство театра, подражает ему. Разделение классической сонаты и симфонии на крупные разделы — части, в каждой из которых происходит много музыкальных «событий», подобно делению спектакля на действия и сцены. В музыке классического века часто подразумевается сюжет, некое действие, которое развёртывается перед слушателями так же, как действие театральное развёртывается перед зрителями. Слушателю только остаётся включить воображение и узнать в «музыкальной одежде» персонажей классической комедии или трагедии. Искусство театра помогает объяснить и большие перемены в исполнении музыки, которые совершились в 18 веке. Раньше, главным местом, где звучала музыка, был храм: в нём человек находился внизу, в огромном пространстве, где музыка как будто помогала ему взглянуть ввысь и посвятить свои мысли Богу. Теперь, в 18 веке, музыка звучит в аристократическом салоне, в бальном зале дворянской усадьбы или на городской площади. Слушатель века Просвещения как будто обращается с музыкой «на ты» и не испытывает больше восторг и робость, которые она ему внушала, когда она звучала в храме.

В музыке уже нет мощного, торжественного звука органа, уменьшилась роль хора. Музыка классического стиля звучит легко, в ней гораздо меньше звуков, как будто она «меньше весит», чем грузная, многослойная музыка прошлого. Звучание органа и хора сменилось звучанием симфонического оркестра; возвышенные арии уступили место музыке лёгкой, ритмичной и танцевальной.

6 Новый век выдвинул новый идеал — им стал Фигаро, «севильский цирюльник». Этот парикмахер, хитрец и пройдоха, всегда знал, как одурачить господина и добиться своего, и не позволял никому, даже вельможному графу, унижать своё достоинство.

Но не только деятель и практик Фигаро занимает мыслящую публику 18 века; на роль идеала претендует и доктор Фауст- учёный, философ, который в поисках истины продал душу дьяволу — Мефистофелю. Фауст понял, что нет ничего прекраснее, чем труд, результаты которого останутся будущим поколениям, и нет такой жертвы, которую нельзя было бы принести ради общего блага. «Лишь тот достоин жизни и свободы, кто каждый день идёт за них на бой!» — эти слова Фауста повторили бы многие его современники. Фауст и Фигаро прекрасно соответствовали времени, поскольку в этих персонажах люди видели символ неразрывности мысли и действия: чтобы добиться успеха, оба они старались понять, зачем действовать, какие цели ставить перед собой, и, наконец, составив продуманный план, приступали к исполнению. Людям эпохи классицизма хотелось узнать, по каким законам живёт природа, общество, каждый человек, и, вооружившись знанием, сделать жизнь достойной и счастливой. Благодаря беспредельной вере в возможности человеческого разума и силу знания 18 век стали называть веком Разума или веком Просвещения.

7 Расцвет Классицизма наступает в 80-х годах восемнадцатого столетия. В 1781 году Й. Гайдн создает несколько новаторских произведений, среди которых его Струнный Квартет ор. 33; проходит премьера оперы В.А. Моцарта «Похищение из сераля»; выходят в свет драма Ф. Шиллера «Разбойники» и «Критика чистого разума» И. Канта. Ярчайшими представителями классического периода являются композиторы Венской Классической Школы Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен. Их искусство восхищает совершенством композиторской техники, гуманистической направленностью творчества и стремлением, особенно ощутимым в музыке В.

А. Моцарта, отобразить средствами музыки совершенную красоту. Само понятие Венской Классической Школы возникло вскоре после смерти Л. Бетховена. Классическое искусство отличает тонкое равновесие между чувствами и рассудком, формой и содержанием. Музыка Возрождения отражала дух и дыхание своей эпохи; в эпоху Барокко предметом отображения в музыке стали состояния человека; музыка эпохи Классицизма воспевает действия и поступки человека, испытываемые им эмоции и чувства, внимательный и целостный человеческий разум.

8 Йозеф Гайдн (1732–1809) Австрийский композитор, один из величайших классиков музыкального искусства.

Вспоминая о своем детстве, Гайдн писал в 1776: «Мой отец… был горячим любителем музыки и играл на арфе, совершенно не зная нот. Пятилетним ребенком я абсолютно точно мог спеть его простые мелодии, и это побудило отца поручить меня заботам нашего родственника, ректора школы в Хайнбурге, дабы я изучил первоосновы музыки и другие необходимые для юношества науки… Когда мне исполнилось семь лет, ныне покойный капельмейстер фон Ройтер, проезжая через Хайнбург, случайно услышал мой слабый, но приятный голос. Он взял меня с собой и определил в капеллу [собора cв. Стефана в Вене], где, продолжая образование, я учился пению, игре на клавесине и скрипке, причем у очень хороших учителей. До восемнадцати лет я с большим успехом исполнял сопрановые партии, и не только в соборе, но и при дворе. Потом у меня пропал голос, и мне пришлось целых восемь лет влачить жалкое существование… Я сочинял преимущественно по ночам, не зная, имею ли я какой-либо дар к композиции или нет, и записывал свою музыку усердно, но не совсем правильно. Так продолжалось до тех пор, пока мне не выпало счастье изучать подлинные основы искусства у господина Порпоры, который жил тогда в Вене».

9 Стиль Гайдна органически связан с почвой, на которой он вырос, – с Веной, великой австрийской столицей. Венский композитор середины 18 в. имел в своем распоряжении несколько разных стилей: один – «строгий», предназначавшийся для месс и прочей церковной музыки: в нем по- прежнему главная роль принадлежала полифоническому письму; второй – оперный: в нем итальянская манера преобладала вплоть до времен Моцарта; третий – для «уличной музыки», представленной жанром кассаций, часто для двух валторн и струнных или для духового ансамбля. Попав в этот пестрый мир, Гайдн быстро создал собственный стиль, притом единый для всех жанров, будь то месса или кантата, уличная серенада или клавирная соната, квартет или симфония.

10 Значение творчества Й.Гайдна. В 20 в. обнаружилось, что Гайдна нельзя считать, как полагали ранее, отцом симфонии. Полные симфонические циклы, включавшие менуэт, создавались уже в 1740-е годы. Заслуга Гайдна –в подытоживании и совершенствовании того, что было сделано его предшественниками. Гайдна можно назвать отцом струнного квартета, обладающего следующими типическими признаками: 1) состав – две скрипки, альт и виолончель; 2) четырехчастность (аллегро в сонатной форме, медленная часть, менуэт и финал) И рондо-сонаты, в которой принципы сонаты (экспозиция, разработка, реприза) сливаются с принципами рондо (А–В–С–А или А–В–А–С–А–В–А). В своей трактовке деревянных и медных духовых Гайдн с первых же шагов обнаруживает врожденное чувство колорита; даже в весьма скромных по составу партитурах композитор демонстрирует безошибочное чутье в выборе оркестровых тембров. Написанные с помощью весьма ограниченных средств, симфонии Гайдна, по выражению Римского-Корсакова, оркестрованы так хорошо, как никакая иная музыка Западной Европы. Пятьдесят лет творческой жизни Гайдна заполнили глубочайшую стилистическую пропасть – между Бахом и Бетховеном. В 19 в. все внимание было сосредоточено на Бахе и Бетховене, и при этом забывали того гиганта, который сумел перекинуть мост между этими двумя мирами.

11 Вольфганг Амадей Моцарт (1756–1791) Спустя 250 лет после рождения Моцарта трудно создать отчетливое представление о его личности. По-видимому, в натуре Моцарта парадоксально сочетались самые противоположные качества: великодушие и склонность к едкому сарказму, ребячливость и житейская искушенность, веселость и склонность к глубокой меланхолии – вплоть до патологической, остроумие (он безжалостно передразнивал окружающих), высокая нравственность (хотя он не слишком жаловал церковь), рационализм, реалистический взгляд на жизнь. Без тени самолюбия он восторженно говорил о тех, кем восхищался, например о Гайдне, зато был беспощаден к тем, кого считал дилетантами. Отец однажды написал ему: «У тебя сплошные крайности, ты не знаешь золотой середины», прибавив, что Вольфганг либо слишком терпелив, слишком ленив, слишком снисходителен, либо – временами – слишком строптив и беспокоен, слишком торопит ход событий вместо того, чтобы предоставить им идти своим чередом. И по прошествии столетий личность его представляется нам подвижной и неуловимой, как ртуть.

12 Невозможно найти другого композитора, который бы с таким блеском, как Моцарт, владел самыми разнообразными жанрами и формами: это относится к симфонии и концерту, дивертисменту и квартету, опере и мессе, сонате и трио. Моцарт не был новатором, как Гайдн, но у него встречаются смелые прорывы в области обновления гармонического языка (например, известная Маленькая жига соль мажор, К. 574 для фортепиано – весьма показательный образец, напоминающий о современной 12-тоновой технике). Оркестровое письмо Моцарта не столь поразительно ново, как письмо Гайдна, но безупречность и совершенство моцартовского оркестра – постоянный предмет восхищения как музыкантов, так и профанов, которые, говоря словами самого композитора, «наслаждаются, не давая себе отчета, чем именно».

13 Стиль Моцарта сформировался на зальцбургской почве (где было сильно влияние Михаэля Гайдна, брата Йозефа), глубокое и продолжительное воздействие оказали на него впечатления от многочисленных путешествий, совершенных в детстве. Позже большую роль сыграла Италия (где Моцарт побывал трижды): там он воспринял основы драматургии и музыкального языка оперного жанра. А затем Моцарт стал близким другом и почитателем Й.Гайдна и был покорен гайдновской глубоко осмысленной трактовкой сонатной формы. Но вообще в венский период Моцарт создал собственный, исключительно самобытный стиль. И только в 20 в. было до конца осознано удивительное эмоциональное богатство моцартовского искусства и его внутренняя трагичность, близко соседствующая с внешней безмятежностью, солнечностью мажорных фрагментов его музыки. В былые времена только Бах и Бетховен рассматривались как главные столпы западноевропейской музыки, ныне же многие музыканты и любители музыки считают, что это искусство нашло свое самое совершенное выражение в творениях Моцарта.

14 Занимательно: Моцарт, как известно, был вундеркиндом: в четыре года малыш написал свой первый концерт для клавира, причем такой сложный, что вряд ли кто-либо из европейских виртуозов мог бы его исполнить. Когда любящий отец отнял у малыша неоконченную нотную запись, он изумленно воскликнул: — Но этот концерт так труден, что его никто не сможет сыграть! — Какие глупости, папа! — возразил Моцарт,- его может сыграть даже ребенок. Например я.

15 Людвиг Ван Бетховен (1770–1827) Немецкий композитор, которого нередко считают величайшим творцом всех времен. Его творчество относят как к классицизму, так и к романтизму. Сочинения Бетховена — прежде всего выражение его гениальной личности.

16 Бетховен продолжил общую линию развития жанров симфонии, сонаты, квартета, намеченную его предшественниками. Однако его трактовка известных форм и жанров отличалась большой свободой; можно сказать, что Бетховен раздвинул их рамки во времени и в пространстве. Его партитуры требуют, во-первых, большего числа исполнителей в каждой партии, во-вторых, невероятного в его эпоху исполнительского мастерства каждого оркестранта. Кроме того, Бетховен очень чувствителен к индивидуальной выразительности каждого инструментального тембра. Фортепиано в его сочинениях – не близкий родственник изящного клавесина: используются весь расширенный диапазон инструмента, все его динамические возможности.

17 В отличие от своего предшественника Моцарта, Бетховен сочинял с трудом. Записные книжки Бетховена показывают, как постепенно, шаг за шагом из неуверенных набросков возникает грандиозная композиция, отмеченная убедительной логикой построения и редкой красотой. Именно логика – главный источник бетховенского величия, его несравненного умения организовать контрастные элементы в монолитное целое. Бетховен стирает традиционные цезуры между разделами формы, избегает симметрии, сливает части цикла, развивает протяженные построения из тематических и ритмических мотивов, на первый взгляд не содержащих в себе ничего интересного. Иначе говоря, Бетховен творит музыкальное пространство силой ума, собственной волей. Он предвосхищал и создавал те художественные направления, которые стали определяющими для музыкального искусства 19 в. И сегодня его произведения входят в число величайших, наиболее почитаемых творений человеческого гения.

Характеристики классической музыки: Введение

Характеристики классической музыки

Музыкальные периоды часто горячо оспариваются и сопровождаются представлением о том, что за одну ночь один музыкальный период волшебным образом трансформируется в другой. Представьте, что вы засыпаете в стиле барокко, а просыпаетесь в совершенно новом классическом мире. Для целей этой статьи мы согласимся с тем, что классический период простирался примерно с 1750 по 1820 год . Именно музыку и ее характеристики я рассмотрю в этой статье, чтобы дать представление о ключевых чертах музыки этого периода.

Читайте также:

• Характеристики музыки барокко
• Характеристики музыки эпохи романтизма
• Характеристики музыки эпохи Возрождения

Музыка барокко возникла непосредственно перед классическим периодом, и многие ее черты естественным образом перешли в новый классический период. Однако многие характеристики барокко начали приходить в упадок в пользу свежего взгляда на музыку и все искусства. Классическая эпоха возникла в результате реакции на многие устоявшиеся музыкальные нормы, и композиторы работали над созданием совершенно другого звучания.

Классическая музыка, как и классическая архитектура, построена на основе симметрии и кажущейся простоты. Формы, которые доминировали в греческой и римской империях, теперь начали возрождаться в мире классической музыки. Композиторы начали отказываться от сложной полифонии[1] барокко в поддержку более гомофонных[2] форм. Богато украшенные мелодии, часто встречающиеся в музыке барокко, уступают место размеренным, ритмичным мелодиям.

Именно в классический период окончательно принимается идея шкалы равной темперации, и тональность в том виде, в каком мы ее признаем даже сегодня, становится прочно установленной. Увеличение динамического диапазона (громкости) развивается в этот период музыки по мере улучшения качества инструментов. Композиторы указывают эту динамику в нотации своих партитур, чего не было в более ранней музыке.

В этот период музыки мы также входим на знакомую территорию с точки зрения известных композиторов. Моцарт и Гайдн, два самых известных и уважаемых композитора, когда-либо живших, были столпами классического движения. Это не означает, что никакие другие композиторы не были равны им, но что именно их имена и их музыка сохранились спустя сотни лет после их смерти. Именно эти два удивительных композитора во многом определили путь развития классической музыки и заложили краеугольные камни будущих стилей музыки.

Почти независимо от композитора-классика, которого вы выбрали для прослушивания, есть черты, присущие большинству музыки этого периода, которую вы можете слушать. Есть много музыкальных форм, которые становятся все более популярными как у композиторов-классиков, так и у их слушателей, и их необходимо упомянуть перед более детальной оценкой характеристик музыки.

Из барочной сюиты происходит соната и соната . Возникновение симфонии как музыкальной формы происходит вместе с развитием оркестра и инструментов, которые в нем задействованы. Камерная музыка становится все более популярной как у Моцарта, так и у Гайдна, чемпионов Струнного квартета и Струнного квинтета. Концерт остается популярной музыкальной формой в классический период, а также священными музыкальными формами мессы и оратории. Опера начинает совершенно новый путь как средство богатого музыкального выражения как комической, так и серьезной оперы.

Каковы характеристики музыки классического периода?

Доминантой классического периода музыки является построение мелодии. Регулярная или периодическая фразировка распространена в музыке многих композиторов-классиков. Это означает, что мелодия часто состоит из четных, одинаковых тактов[3]. Наиболее распространены мелодии, которые образуют фразу из восьми тактов, поровну разделенную на две части по четыре такта. Это придает тщательно выверенное звучание многим любимым классическим мелодиям.

Еще одна причина привлекательности этой фразы — гармония, лежащая в основе мелодии. В классический период приходится высота тонального строя с четкой полярностью тоники и доминантного лада. Тоника относится к начальной или домашней тональности пьесы, а слово «доминанта» относится к следующей по значимости с точки зрения гармонии тональности, то есть к тональности 5 ^th ; на основе 5 ^й примечание шкалы.

Чтобы проиллюстрировать это, скажем, что если бы музыка была написана в тональности ля, то доминанта была бы на пять нот выше ля (ля считается номером один), давая доминанту ми. Обычно мелодия перемещалась бы от тоники к доминанта в первых четырех тактах, за которой следует возврат к тонике во вторых четырех тактах.

Сила тональной системы и притяжение тонической доминанты придали структуру более крупным формам, чем просто композиция мелодии в классический период. Это позволило композиторам разработать чрезвычайно инновационную музыкальную форму, названную «формой сонаты». Эта структура обеспечила строительные блоки для концертов, симфоний и сонат.

Принцип формы прост. В чистом виде есть три раздела, которые составляют всю форму. Это экспозиция , разработка и повторение . В первом разделе (экспозиции) композитор обычно представлял две контрастные темы; один основан на тонике, другой на доминанте. В разделе разработки композитор исследует мелодические, ритмические, фактурные и гармонические возможности каждой темы. В заключительной части формы (резюме) мы слышим те же темы в новой, а иногда и в переработанной форме.

Форма сонаты предлагала композиторам классического периода гармоническую элегантность системы тонической доминанты и возможность полностью исследовать материал своих композиций, а не просто изложение мелодии. Если вы слушаете первую часть симфонии, концерта или сонаты классического периода, скорее всего, она написана в сонатной форме.

По мере развития инструментов в классический период мы обнаруживаем, что оркестр также начинает приобретать новое звучание. Введение кларнета в секцию деревянных духовых существенно изменило тембр классического оркестра. Композиторы все чаще использовали до четырех валторн, две трубы и литавры (барабаны-чайники).

Струнная секция оркестра увеличилась в размерах и теперь включает в себя отдельные секции: первую и вторую скрипки, альт, виолончель и контрабасы. От ранних симфоний Гайдна, где исполнителей могло быть всего тридцать, до его последних симфоний, где исполнителей было ближе к шестидесяти. Это резко изменило возможности разных композиторов исследовать новые звуковые комбинации в своих композициях. Это, безусловно, допускало то, что описывается как sturm und drang (буря и натиск) течение в немецкой литературе, где в центре внимания произведения был огромный контраст эмоционального выражения[4].

Фортепиано стало занимать центральное место в линейке доступных инструментов для изучения классическими композиторами. Он оставил позади звенящую ненадежность клавесина и по мере своего развития превратился в инструмент с большим диапазоном и выразительными возможностями. Сонаты и концерты для фортепиано составляют большую часть классического репертуара. Соната для фортепиано предназначена для более интимной обстановки и часто сочиняется по специальному заказу благородного покровителя. Концерт становился все более популярным средством виртуозности и ослепительного зрелища.

Типичным классическим элементом фортепианной музыки того времени является бас alberti . Он был назван в честь композитора 18 ^— веков Доменико Альберти[5] (1710-1740). Сопутствующая фигура, то есть бас альберти, состоит из аккорда, разбитого на кваверы (четвертные ноты) или полукваверы (восьмые ноты), при этом основная нота аккорда звучит первой. Эта аккомпанирующая линия будет играться левой рукой пианиста, в то время как правая рука будет играть мелодию выше. Эта идея широко использовалась Гайдном и Моцартом, а Бетховен позже перенял ее и во многих своих фортепианных произведениях.

Было бы ошибкой не упомянуть важную музыкальную форму под названием rondo [6] до завершения этой статьи. Эта широко распространенная музыкальная форма произошла от риторнели (маленькая отдача), популярной в стиле барокко. Форма рондо часто использовалась в финальных частях симфоний, концертов и сонат в классический период. Это была также форма, которую любил Моцарт, поскольку она давала ему почти безграничные музыкальные возможности. Форма работы с открывающей темой, за которой следует контрастная; затем снова возвращение вступительной темы. Обозначается так: A B A C A D и т. д.

Наконец, список нескольких действительно ключевых классических произведений, которые всем, кто интересуется этим периодом музыки, рекомендуется послушать и изучить. Во многих из этих знаковых произведений вы можете услышать черты, которые скрепляли это великое время в музыкальной истории.

Гайдн:

Струнное трио № 26 соль мажор: Hob.V:G4

Струнные квартеты Op.76; № 1-4

Соната для фортепиано до минор: Hob. XVI/20

Лондонские симфонии №№ 93-98

Оратория «Сотворение мира» – Hob.XXI/2

Моцарт:

Симфония №40 соль минор; K.550

Концерт для фортепиано с оркестром ля мажор; K. 488

Соната для фортепиано ля минор; К.300

Струнный квартет №17, «Охота»; K.458

Волшебная флейта; K.620

[1] Полифония означает использование множества голосов или мелодических линий, звучащих одновременно. Одним из примеров полифонической музыки эпохи барокко является фуга.

[2] Гомофоническая музыка в своей простейшей форме представляет собой мелодию плюс аккомпанемент.

[3] В качестве хорошего примера правильной фразировки послушайте начало симфонии «Прощание» Гайдна.

[4] Симфония Гайдна 46 ^th — хорошая отправная точка для бури и натиска.

[5] https://www.britannica.com/biography/Domenico-Alberti#ref129107

[6] Знаменитое рондо — третья часть ля мажорной сонаты K.331 с псевдонимом Rondo a La. Турка.

Характеристики классической музыки — Musician Wave

Классическая музыка последовала за периодом барокко в 17 и начале 18 веков. Он длился примерно с 1750 по 1820 год. Для него характерны менее сложные материалы, более тонкие текстуры и преобладание гомофонной гармонии.

В плане музыкальной структуры было больше разнообразия и контраста. Тем не менее, классическую музыку разумно охарактеризовать как «авторитетную и традиционную». Он создал множество стандартов, которым композиторы следуют до сих пор.

Случайно используемый термин «классическая музыка» (с минускулом с) обычно относится к музыке западной художественной традиции. Это включает в себя музыку, которая не является поп-музыкой, миром, джазом и так далее. Это потому, что многое из того, что мы знаем о западной музыке сегодня, пришло из классического периода.

Contents

• Characteristics of Classical Music
• 1. Simplicity
• 2. Accessibility
• 3. Contrasting Moods
• 4. Texture
• 5. Themes and Melody
• Instruments used in classical music
  • Strings
  • Winds
  • Перкуссия
• Известные композиторы классической музыки
• Резюме

Характеристики классической музыки

1. Простота

В отличие от предыдущей эпохи барокко, музыка этого времени была сделана менее сложной.

В отличие от сложных мелодий и украшений, эта форма использовала основные мелодии и большие ансамбли для их поддержки. Это облегчило музыкантам чтение, сделав музыку более мягкой и приятной.

В музыке барокко были приукрашенные мелодии, сложные текстуры и узоры, а также эмоциональные крайности. Музыкальные стили барокко продолжали оказывать влияние на композиторов, музыкантов и слушателей классического периода.

После этого композиторы стали уделять больше внимания форме и функции. Они использовали уникальные, запоминающиеся, однострочные мелодии и простую тональную гармонию.

Для получения новых вариаций композиторы использовали знакомые мелодии из народной музыки. Кроме того, они изменили тональность, скорость и динамику. Из состояния безмолвного уважения к Божественному и важнейших вопросов развивалась музыка. В современной музыке эффективность ценилась выше величия. Оно заменило чувство удивления и удивления, связанное со сложностью музыки барокко.

Этот узор зародился в классическую эпоху, но развивался на протяжении всей эпохи романтизма. Короче говоря, с классической музыкой связана меньшая экстравагантность барокко.

2. Доступность

Первые публичные концертные залы были построены в эпоху позднего барокко. Это позволило широкой публике увидеть и услышать исполнение классической музыки.

Композиторы ранней классики в основном все еще работали при аристократических дворах. Однако публичные концерты стали становиться все более популярными в Европе. Новые слушатели появились благодаря запоминающимся мелодиям музыки и менее сложным структурам.

В классический период количество публичных концертных залов со зрителями росло. Это стало важным источником дохода для композиторов и художников. Это сделало классическую музыку более доступной, популярной и инклюзивной, чем музыку барокко.

В то время барочная музыка в основном представлялась как камерная музыка для состоятельных меценатов. В результате участие в музыке, наконец, стало доступным для среднего класса.

Началась новая эра, когда музыкантам больше не приходилось полагаться на церкви или дворы, чтобы исполнять свою музыку. Это породило практику создания музыки специально для публичных выступлений.

3. Контрастные настроения

Настроение классического произведения меняется либо умеренно, либо резко, отражая противопоставление друг другу эйфории и меланхолии.

Поскольку эта функция была одним из нововведений того времени, имеет смысл сравнить ее с музыкой барокко. Классическая музыка не подчеркивает исключительную преданность, как это делает музыка барокко. Он разработан для включения резких контрастов, иногда даже в рамках одной темы.

Классическое произведение содержит большее разнообразие нюансов. В музыке барокко цель состояла в том, чтобы поддерживать постоянное настроение на протяжении всего произведения. Например, если мелодия меланхолична, она остается грустной все время.

Классическая музыка, с другой стороны, намного разнообразнее. Это толкает вас на эмоциональные американские горки. Могут быть времена, когда вы радостны, и времена, когда вам грустно, так что есть взлеты и падения.

Композиторы-классики умели сочетать различные эмоции несколькими способами. Это включало синкопы с мгновенными паузами, встречные темы и мотивы в разных тональных тональностях с прогрессивной динамикой.

4. Текстура

Когда композиторы стали сосредотачиваться на одной мелодии, гомофонная фактура стала более популярной.

Аккордовый аккомпанемент часто звучит в одной строке как фактура классических произведений. Кроме того, инструментальные мелодии имеют тенденцию течь в более постепенном темпе с меньшим количеством прыжков, чем в период барокко, из-за этого акцента на мелодии. После этого публика еще долго пела песни после того, как опустился занавес.

Все в эпоху барокко было невероятно сложно и страстно. От инструментальной музыки до талантливых оперных певцов, поразивших публику. Однако классическая музыка немного упрощает и обеспечивает большую точность.

Контрапункт, формальный термин для обозначения полифонии, был весьма популярен в эпоху барокко. Под полифонией понимается одновременное воспроизведение нескольких мелодий, которые бывает довольно сложно воспроизвести, а также прослушать.

В отличие от сложности музыки барокко, классическая музыка отличалась легкой простотой. Одной из повторяющихся тем этого периода была идея о том, что вселенная проста, устроена, прекрасна и полна.

Поэтому композиторы старались привнести в свои произведения организованную простоту. Музыкальные каденции и последовательности аккордов показывают необходимость порядка, который преобладал в тот период. Аккорды сыграли значительную роль в создании чувства гармонии и организованности.

Чтобы увидеть это в действии, рассмотрим пьесы Моцарта для фортепиано. В левой руке можно увидеть аккордовые узоры, и это создает впечатление гомофонии.

5. Темы и мелодия

Темы и мелодия в классической музыке уравновешены и симметричны. Они включают народный или популярный персонаж, который делает их запоминающимися и запоминающимися.

Классические темы и мелодии обычно состоят из двух фраз одинаковой длины. Если вторая фраза темы начинается так же, как первая, она завершается более определенно. Конечно, петь будет легче из-за определенности концовки. Кроме того, мелодическая фраза обычно состоит из двух или четырех тактов, как вопрос и ответ.

Композиторы иногда вдохновлялись популярными мелодиями. Но чаще всего они создавали уникальные темы с народным характером даже в самых сложных произведениях. Это делает классические мелодии одними из самых мелодичных и легко запоминающихся.

Инструменты, используемые в классической музыке

Эволюция оркестровки и изобретение фортепиано произошли в эпоху классицизма.

Поскольку инструментальная музыка становится все более популярной, мы наблюдаем рождение новых форм музыки. В классический период оркестр приобрел ту форму, которую можно увидеть и сегодня. Кроме того, симфония стала структурированной формой музыки.

Можно увидеть струнный квартет в действии. Это было еще одно изобретение классического периода.

Вот некоторые из инструментов, которые часто можно услышать в классической музыке. Сюда входят оркестры, коллективы камерной музыки и различные ансамбли:

Струны

Скрипки (первая и вторая),

Альты,

Виолончели,

Контрабасы.

Ветры

Флейты,

Гобои,

Кларнеты,

Фаготы,

Рога,

Трубы.

Ударные

Литавры.

Даже в эпоху классицизма симфонии не всегда были такими объемными произведениями, какими они станут в будущем.

В классический период фортепиано также стало важным событием. К концу эпохи барокко фортепиано было построено. Как самый популярный инструмент классической эпохи клавесин уступил место фортепиано.

Известные композиторы классической музыки

Известные композиторы классической музыки широко известны как члены Венской школы. Он считался сердцем европейской классической музыки.

Вольфганг Амадей Моцарт — самый значительный и самый известный композитор не только эпохи классицизма, но и всех времен. За то короткое время, что у него было, он написал сотни классических произведений. Каждый символизирует безупречную чистоту.

Другой известный композитор классической музыки — Франц Йозеф Гайдн. Он также написал сотни произведений для симфоний, квартетов и других видов инструментальной музыки.

К концу классического и началу романтического периода появились и другие известные композиторы-классики. Такие композиторы, как Франц Шуберт и Людвиг ван Бетховен, начали пересматривать стандарты классической музыки.