что это, особенности, характерные черты, венская школа, музыкальные жанры классики

В основе классицизма лежат идеи рационализма, которые формировались под влиянием философии Рене Декарта. Затронув все аспекты мировой художественной культуры, классицизм установил свои правила в музыке. Строгие каноны подчеркивали логичность макрокосмоса. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении рассматриваются типологические черты, не включая во внимание индивидуальные особенности.

Между барокко и романтизмом

Рождение классицизма, колыбелью которого считается Франция, свершилось в середине 18 века. В предшествующей ему эпохе Возрождения уже наблюдался интерес к античной культуре.

Основой тому послужила аристотелевская “Поэтика”, где утверждалось, что фундаментом для любого искусства (особенно для музыки) является принцип подражания. Именно этот труд способствовал формированию столпов, на которые опирался классицизм.

По Аристотелю, жанр комедии был наречен “низким подражанием”, так как считалось, что смешное не способно вызвать страдание, а потому безобразно. Трагедия, напротив, названная “подражанием действия” (причем действия серьезного и завершенного), состояла из страха и сострадания, результатами которых являлся катарсис (очищение).

Музыке эпохи классицизма были характерны такие черты, как:

• стройность;
• рационализм;
• подчинение всем канонам;
• логичность;
• простота и целостность;
• строгая гармония пропорций.

Дословный перевод с латыни самого слова “классицизм” звучит как “образцовый”. И действительно, античная эстетика не подразумевала индивидуализм, пышность, причудливость, что было свойственно стилю барокко, который господствовал около ста лет, вплоть до появления нового стиля.

Многие музыковеды приписывают музыку эпохи барокко к классицизму, считая ее неким ответвлением “образцового” стиля. Начиная с 20 века и по сей день ведутся жестокие дискуссии на эту тему.

Музыка эпохи 18-19 веков, в отличие от барокко, была лишена орнаментики (украшение главной мелодии). На первый план вместо контрапункта вышла гомофонная фактура (многоголосье). Четкость, универсальность сопровождают музыку эпохи классицизма. Особенно ярко это выражено в сонатной форме.

Модуляция подчеркивала драматическое содержание. В одной части музыкального произведения можно было услышать целый спектр разнообразных эмоций, что вело к апогею в кульминации и к последующему разрешению в конце.

Музыка барочной эпохи в одной части представляла только одну ярко выраженную эмоцию, которая даже после кульминации не уходила на задний план, а присутствовала до самого завершения произведения.

Венская школа

Вена – столица музыкальной культуры и вершина классической школы 18-19 веков.

Венская школа или “венская классика” сформировалась во второй половине 18 века. Три светила, без которых невозможно представить становление музыки эпохи классицизма:

• Йозеф Гайдн;
• Вольфганг Амадей Моцарт;
• Людвиг ван Бетховен.

Этих представителей классицизма объединяет виртуозное владение всеми жанрами данной эпохи. Их музыка, наполненная богатыми образами, доведена до совершенства в своей художественной форме.

Представители первой венской школы придерживались строгих канонов, характерных для музыки эпохи классицизма, во главе которых стояла простота, ясность и выразительность художественной формы. Но неповторимую индивидуальность представителей “образцового” стиля не удалось спрятать.

Бетховен и Гайдн, несмотря на глубочайшие познания во всех музыкальных жанрах, отдавали предпочтение инструментальной музыке (например, струнный квартет). 

Йозефу Гайдну был близок юмор и народно-жанровые образы. Людвигу ван Бетховену – героика, которая наиболее ярко выражена в его симфонии №3. А Вольфганг Амадей Моцарт, преуспевая абсолютно во всех жанрах классической музыки, включая и оперный, уделял внимание палитре лирических оттенков переживания.

В становлении венской школы огромную роль сыграла народная музыка.

Австрию населяли представители разных народов. Композиторы новой музыкальной эпохи использовали мелодии, характерные для разных слоев населения. В частности, Бетховен любил заниматься обработкой народных песен.

Музыкальные жанры классики

Музыка эпохи классицизма сформировала несколько жанров:

• соната;
• симфония;
• сонатно-симфонический жанр;
• концерт;
• струнный квартет;
• фортепианное трио.

Соната

Жанр сонаты появился еще в 17 веке, но окончательно сформировался в эпоху представителей классицизма. В основе сонатного жанра лежит противопоставление двух тем – побочной и главной. Эмоциональная окраска музыкальных линий может быть как контрастной, так и конфликтной.

Жанр включает в себя 3 раздела:

1. Экспозиция – проведение главной темы.
2. Развитие – сопоставление двух конфликтующих тем.
3. Реприза – повтор композиции, которая претерпела некоторые видоизменения (например, модуляцию).

Симфония

Жанры симфонии и сонаты схожи по своей структуре. В эпоху классицизма симфония состояла из:

• быстрой части;
• медленной части;
• менуэта;
• финальной быстрой части.

Этот музыкальный жанр эпохи классицизма являлся дополнением к большому оркестру смешанного состава. С древнегреческого слово “симфония” переводится как “созвучный, стройный”.

В классической симфонии может присутствовать хор или вокальное соло. Она может синтезироваться с другими жанрами, образуя своего рода музыкальный гибрид:

• симфония-сюита;
• симфония-поэма;
• симфония-кантата;
• симфония-фантазия.

Сонатно-симфонический цикл

Самая крупная циклическая форма среди инструментальных жанров музыки в классицизме. В этом жанре соната стала лишь частью значительного музыкального произведения. В сонатной форме принято оформлять только одну из составляющих сонатно-симфонического цикла, чаще первую.

Основная привилегия этого жанра классицизма в музыке заключается в гибкости. То есть произведения, написанные в сонатно-симфонической форме, могут быть как небольшими по длительности и масштабу, так и крупными.

Темповое соотношение частей достаточно свободное, но, следуя логике, присутствует чередование медленных и быстрых частей, иначе единство цикла будет нарушено:

1. Напряженная – первая часть в сонатном жанре.
2. Лирическая – вторая часть, по своему темпу довольно медленная и спокойная.
3. Танцевальная – третий этап музыкальной композиции, стремительный темп. Состоит из менуэта.
4. Финальная или обобщенно-жанровая – четвертая часть. Динамичное завершение.

На тональное соотношение законы классицизма тоже распространяются. Первая и четвертая части обязательно должны быть написаны в главной тональности. Модуляция допускается только во второй или третьей части, чаще именно медленная часть меняет свою тональность.

Струнный квартет

Структура аналогична сонатно-симфоническому циклу. Но этому представителю квартета эпохи классицизма характерен состав из четырех смычковых инструментов (две скрипки, альт, виолончель).

Помимо “классического” состава квартета, были востребованы фортепианный квартет и квартет из деревянных духовых инструментов.

Гайдн приложил руку к созданию более структурированной формы музыкальных произведений для квартетов. До эпохи классицизма в музыке квартетные произведения состояли из произвольного количества частей. Гайдн установил честырехчастную форму исполнения, схожую с симфонией: 

• динамичная часть;
• медленная часть;
• менуэт;
• быстрый финал.

Концерт

Дословный перевод с латыни – “состязание”. Это жанр был создан для оркестра и солирующего инструмента, иногда даже двух.

Пик развития пришелся на барочную эпоху. А в творчестве венских композиторов жанр обрел сонатно-симфоническую форму.

Концерт появился в Италии 16-17 века. Исполнялся в основном в церкви как полифоническое музыкальное произведение.

Классицизм оставил большой отпечаток в мировой культуре. Музыка и литература, архитектура и художественное искусство – все было загнано в рамки логики и рационализма. Торжество разума над чувствами длилось более ста лет. Эпоха романтизма, отдавшая предпочтение порывам сердца и сменившая классицизм в середине 19 века, освободила целое поле для деятельности тонко чувствующих душ.

Расскажите в комментариях, как вы относитесь к классицизму. Поделитесь полезной информацией в социальных сетях и сохраните статью в закладках, чтобы не потерять!

Также рекомендуем посмотреть подборку видео, которые закрепят знания и ответят на оставшиеся вопросы.

Музыка эпохи классицизма — Гайдн, Моцарт, Бетховен.

Музыка эпохи классицизма.

Источники:

• https://music-education.ru/muzykalnaya-kultura-klassitsizma-e-steticheskie-voprosy-venskie-muzy-kal-ny-e-klassiki-osnovny-e-zhanry
• http://www.classic-musik.com/raznoe/32-2013-03-10-12-05-21
• https://fb.ru/article/61182/klassitsizm-v-muzyike

2. Особенности классицизма в музыке. Классицизм как художественный стиль

Классицизм как художественный стиль

контрольная работа

Классицизм в музыке отличался от классицизма смежных видах искусств. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень «стройную и логическую систему правил построения произведения» [2; с. 174]. В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната.

Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его творческой программой были три великих принципа Ї простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не сладкоголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большей выразительной силы, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев. Опера «Орфей и Эвридика» была первым произведением, в котором Глюк осуществил новые идеи и положил начало оперной реформе. Строгость, соразмерность формы, благородная простота без вычур, чувство художественной меры в сочинениях Глюка напоминает гармоничность форм античной скульптуры. Арии, речитативы, хоры образуют большую оперную композицию.

Расцвет музыкального классицизма начался во второй половине XVIII века в Вене. Австрия в то время была могущественной империей. Многонациональность страны сказалась и на художественной культуре. Высшим выражением классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена, которые работали в Вене и образовали направление в музыкальной культуре Ї венскую классическую школу.

Гайдна называют «основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного симфонического оркестра и отцом симфонии» [4; с. 238]. Он установил законы классической симфонии: придал ей стройный, законченный вид, определил порядок их расположения, который сохранился в основных чертах до наших дней. Классическая симфония имеет четырехзначный цикл. Первая часть идет в быстром темпе и звучит чаще всего энергично, взволнованно. Вторая часть Ї медленная. Ее музыка передает лирическое настроение человека. Третья часть Ї менуэт Ї один из любимых танцев эпохи Гайдна. Четвертая часть Ї финал. Это итог всего цикла, вывод из всего, что было показано, продумано, прочувствовано в предыдущих частях. Музыка финала обычно устремлена вверх, она жизнеутверждающая, торжественная, победная. В классической симфонии найдена идеальная форма, способная вместить очень глубокое содержание.

В творчестве Гайдна устанавливается и тип классической трехчастной сонаты. Произведениям композитора присущи красота, порядок, тонкая и благородная простота. Его музыка очень светлая, легкая, в основном мажорная, полна бодрости, чудесной земной радости и неисчерпаемого юмора.

Искусство Гайдна оказало громадное воздействие на формирование симфонического и камерного стиля Моцарта. Опираясь на его достижения в области сонатно-симфонической музыки Моцарт внес много нового, интересного, оригинального. Вся история искусства не знает личности более поразительной, чем он. Моцарт обладал феноменальной памятью и слухом, имел блестящие данные импровизатора, прекрасно играл на скрипке и органе, а его первенство как клавесиниста не мог оспаривать никто. Он был самым популярным, самым признанным, самым любимым музыкантом Вены. Огромную художественную ценность составляют его оперы. Уже два столетия пользуются успехом «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан», поражающие обаятельно изящной мелодией, простотой, роскошной гармонией. А «Волшебная флейта» вошла в историю музыки как «лебединая песня» Моцарта, как произведение с наибольшей полнотой и яркостью раскрывающее его мировоззрение, его заветные мысли, как эпилог целой жизни, как некое грандиозное художественное завещание. «Искусство Моцарта совершенное по мастерству и абсолютно естественное. Он подарил мудрость, радость, свет и добро» [5; с. 271].

Бетховен прославился как величайший симфонист. Его искусство пронизано пафосом борьбы. Оно претворило передовые идеи эпохи Просвещения, утвердившего права и достоинства человеческой личности. Ему принадлежат девять симфоний, ряд симфонических увертюр («Эгмонт», «Кориолан»), а тридцать две фортепианные сонаты составили эпоху в фортепианной музыке. Мир образов Бетховена разнообразен. Его герой не только смелый и страстный, он наделен тонко развитым интеллектом. Он борец и мыслитель. В музыке Бетховена жизнь во всем ее разнообразии Ї бурные страсти и отрешенная мечтательность, драматическая патетика и лирическая исповедь, картины природы и сцены быта. Завершая эпоху классицизма, Бетховен одновременно открывал дорогу грядущему веку.

Классицизм Ї стиль исторически определенной эпохи. Но его идеал гармонии и соразмерности остается и поныне образцом для последующих поколений.

Делись добром 😉

Импрессионизм в живописи, музыке и литературе

4. Импрессионизм в музыке

Расцвет импрессионизма в изобразительном искусстве не мог не оказать влияния на формирование отдельных принципов и на развитие выразительных средств в литературе…

Импрессионизм в живописи, музыке и литературе

4. Импрессионизм в музыке

Расцвет импрессионизма в изобразительном искусстве не мог не оказать влияния на формирование отдельных принципов и на развитие выразительных средств в литературе…

Импрессионизм как направление в искусстве

3. Импрессионизм в скульптуре и музыке

Современником и соратником импрессионистов был великий французский скульптор Огюст Роден (1840—1917). Его драматическое, страстное, героически возвышенное искусство прославляет красоту и благородство человека. ..

Категория трагическое в античном театре и музыке

3.3. Аристотель. Отношение к музыке

Существенный вклад в развитие музыкальной эстетики внес Аристотель. Для него характерны колебания между материализмом и идеализмом в области философии. Выступал против идей, которые выдвигал Платон, признавая самостоятельное бытие вещей…

Культура Белоруссии в 1954-1985 гг.

Новые направления в белорусской музыке, архитектуре, искусстве

Со второй половины 50-х гг. в развитии белорусской музыки начался новый этап, характерный более глубоким освоением сущности и отказом от иллюстративности. В симфоническом жанре успешно работают М. Аладов, Л. Абелиёвич, Г. Бутвиловкий, Я. Глебов, А…

Культура и искусство XVII–XIX веков

1.2 Эстетика классицизма

Существенно изменился характер труда: успешно развивалась мануфактура, повлекшая за собой разделение труда, которое привело к достаточно высоким успехам материального производства…

Модернизм в испанской культуре

2.

2 Модернистские тенденции в музыке и её единство с драматургией

испания модернизм кинематограф культура Представителем modernismo в испанской музыке был Мануэль де Фалья. Впрочем, к этому жанру относят только одно его произведение — «Короткая жизнь» из музыкальной трилогии «Балаганчик»…

Постмодернизм и особенности его проявления в музыкальном искусстве

2.1 Стилевые черты постмодернизма в музыке

Многими исследователями постмодернизм рассматривается как философская попытка осмысления всего культурного наследия второго тысячелетия, и, вместе с тем, это и выражение самоощущения человека современной эпохи. Музыке…

Постмодернизм как направление в искусстве

3. ПОСТМОДЕРНИЗМ В МУЗЫКЕ

В 20 ст. продолжает развиваться, опираясь на традиции прошлых эпох, классическая музыка (пьесы Б. Бриттена, симфонизм Г, Малера). Появляются и принципиально новые направления…

Развитие искусства эпохи барокко в России

Глава 1. Стиль барокко в русском искусстве, архитектуре, литературе и музыке

Древнерусская музыка в своем развитии на протяжении XI—XVII вв. была монолитна. Она вся находилась в рамках единого стиля, выработанного в эпоху Средневековья. То новое, что возникало в процессе ее развития, не вносило существенных изменений…

Русская архитектура второй половины XIX века

1.1 Распространение классицизма

Архитектура первой половины XIX в. пережила свой расцвет в рамках классицизма. В это время в Париже, Лондоне, Берлине, Санкт-Петербурге появляются многочисленные архитектурные ансамбли…

Русская архитектура второй половины XIX века

2.3 Кризис классицизма

Взгляды русских зодчих начала XIX века на общественные задачи архитектуры выразил архитектор К.И. Росси в пояснительной записке к одному из своих проектов. Он призывал зодчих-современников доказать, что они восприняли «систему древних»…

Санкт-Петербург второй половины XVIII века. Российское Просвещение

3.1 Особенности русского классицизма

Во второй половине XVIII века классицизм утверждается как господствующее направление художественной культуры Петербурга. Этому благоприятствовало его освоение русской литературой 40 — 50-е годы…

Театр французского классицизма. Театр Жана Батиста Мольера

1. Зачатки французского классицизма

Возникновение французского национального театра совпадает с периодом образования французского национального государства. Средневековая политическая и хозяйственная разобщенность, препятствовавшая объединению французского народа…

Художественная культура Франции эпохи классицизма

1.2 Характерные особенности классицизма

Классицизм — одно из важнейших направлений искусства прошлого, художественный стиль, в основе которого лежит нормативная эстетика, требующая строгого соблюдения ряда правил, канонов, единств…

Классическая музыка (1750-1810)

Классика с буквой «с» означает все, что является высшим классом, и особенно относится к древних греков и римлян. Буква «С» означает определенный стиль композиторов. Термин классика обычно и неправильно применяется к любой музыке, которая не является современной.

Правильный термин для этого на самом деле художественная музыка.

Композитор	Национальность	Композитор	Национальность
Стамиц	Немецкий (Богемский)	Бетховен (1770-1827)	немецкий
Глюк (1714-1787)	немецкий	Гайдн (1732-1809)*	Австрийский
К.П.Э. Бах	немецкий	Моцарт (1756-1791)*	Австрийский
И. К. Бах	немецкий

Композиторы, отмеченные звездочкой, являются наиболее важными для запоминания.

Ранний классический стиль, очень изысканный стиль. Это должно было понравиться слушателя, а не заставлять слушателя думать. CPE Бах и И. К. Бах были основные композиторы, использовавшие этот стиль.

В этом стиле больше баланса и контроля, изящества и красоты мелодии, а форма или дизайн стали важными.

Классическая музыка в основном гомофонна. (Музыка барокко была полифонической.)

Оркестр начал расти. Клавесин континуо постепенно вышел из употребления. Духовые инструменты стали более важными, особенно рожки, чтобы связать текстуру. Струны по-прежнему оставались основным инструментом, к которому добавлялись два рожка, одна или две флейты или пара гобоев. Постепенно композиторы добавляли один-два фагота, а иногда и пару фаготов. трубы или пара литавров. Кларнеты появились в конце 18 в. Века. Моцарт был композитором, ответственным за популяризацию кларнета. деревянные духовые раздел стал самостоятельным разделом:

• Одна или две канавки
• Два гобоя
• Два кларнета
• Два фагота
• Два рога
• Две трубы
• Две литавры
• Струны

Изобретен еще в 1698 году Кристофори в Италии. Этот инструмент позволяет мягко и громкие ноты, которые нужно играть. По струнам ударяли молоточками, а не перещипывали. Можно сыграть более экспрессивно (например, легато, стаккато, кантабиле). музыка идет, и намечает гармонию.

C.P.E. Бах был одним из первых фортепианных композиторов и начал сочинять около 1750 года. И. К. Бах дал первое фортепианное выступление в Лондоне. Было напечатано много музыки для клавесин или фортепиано, но клавесин постепенно вышел из употребления.

Соната – это произведение, состоящее из нескольких частей, для одного или двух инструментов. С тремя инструментов — это трио, с четырьмя — квартет, с пятью — квинтет.

Симфония означает сонату для оркестра. Оно выросло из итальянской увертюры, но Симфония состоит из трех частей вместо трех разделов. Позже была четвертая часть. добавлено (обычно менуэт в трио). Стамиц был знаменитым симфоническим композитором Фроста. отец этого стиля Гайдн и Моцарт усовершенствовали Симфонию во второй половине 18-ый век. Симфонию можно разделить на:

• Первая часть: Обычно быстрая и в сонатной форме.
• Вторая часть. . Обычно более медленная и похожая на песню. Это может быть в форме сонаты или тройной форме, и, возможно, с вариациями.
• Третья часть: Гайдн и Моцарт написали в этом месте минуту в трио. Бетховен позже превратил это в скерцо (Прямой перевод — шутка.)
• Четвертая часть: Быстрая, часто беззаботная, возможно, в форме рондо или сонаты. форме или с вариациями.

Гайдн написал множество сонат, в том числе Симфонию-сюрприз, Симфонию барабанной дроби. и Лондонский симфонический оркестр. Трио и квартеты также были в четырех частях. Сонаты могут три-четыре движения. Классический концерт не включал менуэта, поэтому только было три движения.

Сонатная форма – это способ построения индивидуального движения, а не произведения. Это состоит из трех разделов:

1. Экспозиция: Композитор излагает свои музыкальные идеи. Основные идеи называются предметы. Первая тема находится в тонике, которая модулируется (меняет тональность) ближе к концу. к мостовому (переходному) проходу, ведущему ко второму предмету. Второй предмет в новой, но родственной тональности, часто доминантной (Sta) или относительной мажорной (если первая подлежащее м минор). Вторая тема обычно более мелодична.
2. Развитие: Здесь идеи развиваются. Это создает ощущение напряжения и конфликт. Кульминация может быть в этом разделе.
3. Резюме: Музыка повторяется с самого начала, но второй предмет сейчас в тонике. Наконец, музыка может иметь коду (прямой перевод — хвост), что завершает музыку.

Содержит сольный инструмент и оркестр. Три движения (медленное, быстрый медленный). Первая часть имеет двойную экспозицию. Первый для оркестра. один, за ним солист. Второй, со второй предметной группой в родственной ключ. Затем идет развитие и перепросмотр, как для оркестра, так и для исполнителя. солист. Ближе к концу оркестр делает паузу, и солист играет каденцию (короткую отрывок, основанный на услышанных ранее темах, который отображает гениальность игрока. ) Когда солист кончает, солист кончает трелью, что означает, что оркестр должен заходи и закончи кусок. Оркестр играет коду до конца.

Композиторы-классики написали много вокальной музыки, особенно оперы. Глюк был крупный оперный композитор. «Орфей и Эвридика» — одна из его работ. Он сделал действия более главное в опере. В начале оперы увертюра подготовила публику к Что было дальше, Моцарт написал оперы, в том числе «Женитьба Фигаро», «Волшебная флейта». и Дон Жуан. «Волшебная флейта» — пример зингшпиля (опера, в которой пение перепутал с диалогом). Оркестр отражает настроение и драматизм действия. Дон Джовани — пример «опера-буффа» (комическая опера).

Бетховен сочинил для себя. Он написал 32 сонаты для фортепиано, девять симфоний. 9-я симфония — Хоровая симфония. Он написал одну оперу под названием «Фиделио». По направлению к к концу жизни он оглох. Он мог еще сочинять, и слышать звуки в голове, но с большим трудом дирижировал своими произведениями.

Модифицированный Бетховен Классическая музыка. Его музыка весомее и масштабнее. В его музыке больше эмоций, и его последние движения обычно самые важные. Он использует больше диссонансов, больше динамического контраста и больше контраста в высоте. Он увеличил размера оркестра, например, он часто добавлял 3-ю валторну и пикколо, а также добавил хор в свои 9й симфон.

1. Менее сложная фактура, чем барокко (более гомофонная).
2. Акцент на красоте, элегантности и балансе.
3. Внутри произведения больше разнообразия и контраста, чем в стиле барокко (динамика, инструменты, высота звука, темп, тональность, настроение и тембр).
4. Мелодии, как правило, короче, чем в стиле барокко, с четкими фразами и четкой отмеченные каденции.
5. Оркестр увеличивается в размерах и диапазоне. Клавесин выходит из строя. деревянные духовые инструменты становятся самостоятельным разделом.
6. Пианино вступает во владение, часто в сопровождении баса Альберти.
7. Особое внимание уделялось инструментальной музыке — сонате, трио, струнному квартету, симфонии, концерт.
Форма
8. Sonata была самым важным дизайном.

GCSE Music Notes: Contents

Характеристики классической музыки: Введение

Характеристики классической музыки

Музыкальные периоды часто вызывают ожесточенные споры и сопровождаются представлением о том, что за одну ночь один музыкальный период волшебным образом трансформируется в другой. Представьте, что вы засыпаете в стиле барокко, а просыпаетесь в совершенно новом классическом мире. Для целей данной статьи мы согласны с тем, что Классический период примерно с 1750 по 1820 год . Именно музыку и ее характеристики я рассмотрю в этой статье, чтобы дать представление о ключевых чертах музыки этого периода.

Читайте также:

• Характеристики музыки барокко
• Характеристики музыки эпохи романтизма
• Характеристики музыки эпохи Возрождения

Музыка барокко возникла непосредственно перед классическим периодом, и многие ее черты естественным образом перешли в новый классический период. Однако многие характеристики барокко начали приходить в упадок в пользу свежего взгляда на музыку и все искусства. Классическая эпоха возникла в результате реакции на многие устоявшиеся музыкальные нормы, и композиторы работали над созданием совершенно другого звучания.

Классическая музыка, как и классическая архитектура, построена на основе симметрии и кажущейся простоты. Формы, которые доминировали в греческой и римской империях, теперь начали возрождаться в мире классической музыки. Композиторы начали отказываться от сложной полифонии[1] барокко в поддержку более гомофонных[2] форм. Богато украшенные мелодии, часто встречающиеся в музыке барокко, уступают место размеренным, ритмичным мелодиям.

Именно в классический период окончательно принимается идея шкалы равной темперации, и тональность в том виде, в каком мы ее признаем даже сегодня, становится прочно установленной. Увеличение динамического диапазона (громкости) развивается в этот период музыки по мере улучшения качества инструментов. Композиторы указывают эту динамику в нотации своих партитур, чего не было в более ранней музыке.

В этот период музыки мы также входим на знакомую территорию с точки зрения известных композиторов. Моцарт и Гайдн, два самых известных и уважаемых композитора, когда-либо живших, были столпами классического движения. Это не означает, что никакие другие композиторы не были равны им, но что именно их имена и их музыка сохранились спустя сотни лет после их смерти. Именно эти два удивительных композитора во многом определили путь развития классической музыки и заложили краеугольные камни будущих стилей музыки.

Почти независимо от композитора-классика, которого вы выбрали для прослушивания, есть черты, присущие большинству музыки этого периода, которую вы можете слушать. Есть много музыкальных форм, которые становятся все более популярными как у композиторов-классиков, так и у их слушателей, и их необходимо упомянуть перед более детальной оценкой характеристик музыки.

Из барочной сюиты происходит соната и соната из . Возникновение симфонии как музыкальной формы происходит вместе с развитием оркестра и инструментов, которые в нем задействованы. Камерная музыка становится все более популярной как у Моцарта, так и у Гайдна, чемпионов Струнного квартета и Струнного квинтета. Концерт остается популярной музыкальной формой в классический период, а также священными музыкальными формами мессы и оратории. Опера начинает совершенно новый путь как средство богатого музыкального выражения как комической, так и серьезной оперы.

Каковы характеристики музыки классического периода?

Доминантой классического периода музыки является построение мелодии. Регулярная или периодическая фразировка распространена в музыке многих композиторов-классиков. Это означает, что мелодия часто состоит из четных, одинаковых тактов[3]. Наиболее распространены мелодии, которые образуют фразу из восьми тактов, поровну разделенную на две части по четыре такта. Это придает тщательно выверенное звучание многим любимым классическим мелодиям.

Еще одна причина привлекательности этой фразы — гармония, лежащая в основе мелодии. В классический период приходится высота тонального строя с четкой полярностью тоники и доминантного лада. Тоника относится к начальной или домашней тональности пьесы, а слово «доминанта» относится к следующей наиболее гармонически важной тональности, тональности 5 ^th ; на основе примечания 5 ^й шкалы.

Чтобы проиллюстрировать это, скажем, что если бы музыка была написана в тональности ля, то доминанта была бы на пять нот выше ля (ля считается номером один), давая доминанту ми. Обычно мелодия перемещалась бы от тоники к доминанта в первых четырех тактах, за которой следует возврат к тонике во вторых четырех тактах.

Сила тональной системы и притяжение тонической доминанты придали структуру более крупным формам, чем просто композиция мелодии в классический период. Это позволило композиторам разработать чрезвычайно инновационную музыкальную форму, названную «формой сонаты». Эта структура обеспечила строительные блоки для концертов, симфоний и сонат.

Принцип формы прост. В чистом виде есть три раздела, которые составляют всю форму. Это экспозиция , разработка и повторение . В первом разделе (экспозиции) композитор обычно представлял две контрастные темы; один основан на тонике, другой на доминанте. В разделе разработки композитор исследует мелодические, ритмические, фактурные и гармонические возможности каждой темы. В заключительной части формы (резюме) мы слышим те же темы в новой, а иногда и в переработанной форме.

Сонатная форма предлагала композиторам классического периода гармоническую элегантность тонической доминанты и возможность полностью исследовать материал своих композиций, а не просто изложение мелодии. Если вы слушаете первую часть симфонии, концерта или сонаты классического периода, скорее всего, она написана в сонатной форме.

По мере развития инструментов в классический период мы обнаруживаем, что оркестр также начинает приобретать новое звучание. Введение кларнета в секцию деревянных духовых существенно изменило тембр классического оркестра. Композиторы все чаще использовали до четырех валторн, две трубы и литавры (барабаны-чайники).

Струнная секция оркестра увеличилась в размерах и теперь включает отдельные секции: первая и вторая скрипки, альт, виолончель и контрабасы. От ранних симфоний Гайдна, где исполнителей могло быть всего тридцать, до его последних симфоний, где исполнителей было ближе к шестидесяти. Это резко изменило возможности разных композиторов исследовать новые звуковые комбинации в своих композициях. Это, безусловно, допускало то, что описывается как sturm und drang (буря и натиск) движение в немецкой литературе, где в центре внимания произведения был огромный контраст эмоционального выражения[4].

Фортепиано стало занимать центральное место в линейке инструментов, доступных композиторам-классикам. Он оставил позади звенящую ненадежность клавесина и по мере своего развития превратился в инструмент с большим диапазоном и выразительными возможностями. Сонаты и концерты для фортепиано составляют большую часть классического репертуара. Соната для фортепиано предназначена для более интимной обстановки и часто сочиняется по специальному заказу благородного покровителя. Концерт становился все более популярным средством виртуозности и ослепительного зрелища.

Типичным классическим элементом фортепианной музыки того времени является бас alberti . Он был назван в честь композитора 18 ^— веков Доменико Альберти[5] (1710-1740). Сопутствующая фигура, то есть бас альберти, состоит из аккорда, разбитого на кваверы (четвертные ноты) или полукваверы (восьмые ноты), при этом основная нота аккорда звучит первой. Эта аккомпанирующая линия будет играться левой рукой пианиста, в то время как правая рука будет играть мелодию выше. Эта идея широко использовалась Гайдном и Моцартом, а Бетховен позже перенял ее и во многих своих фортепианных произведениях.

Было бы ошибкой не упомянуть важную музыкальную форму под названием rondo [6] до завершения этой статьи. Эта широко распространенная музыкальная форма произошла от риторнели (маленький возврат), популярной в стиле барокко. Форма рондо часто использовалась в финальных частях симфоний, концертов и сонат в классический период. Это была также форма, которую любил Моцарт, поскольку она давала ему почти безграничные музыкальные возможности. Форма работы с открывающей темой, за которой следует контрастная; затем снова возвращение вступительной темы. Обозначается так: A B A C A D и т. д.

Наконец, список нескольких действительно ключевых классических произведений, которые всем, кто интересуется этим периодом музыки, рекомендуется послушать и изучить. Во многих из этих знаковых произведений вы можете услышать черты, которые скрепляли это великое время в музыкальной истории.

Гайдн:

Струнное трио № 26 соль мажор: Hob.V:G4

Струнные квартеты Op.76; № 1-4

Соната для фортепиано до минор: Hob. XVI/20

Лондонские симфонии №№ 93-98

Оратория «Сотворение мира» – Hob.