Образ в стиле поп арт: особенности течения и варианты создания модных луков

Содержание

особенности течения и варианты создания модных луков

Стиль поп-арт в одежде — направление, которое становится классикой. Одежда с сумасшедшими рисунками и кричащими цветами, активно мелькающая в рекламных роликах, стала трендом у молодого поколения. Созданное дизайнерами яркое безумство с удовольствием носят эпатажные селебрити, например, Кэти Перри, Риана, Майли Сайрус.

История

Направление возникло в 60-х годах благодаря культовой личности Энди Уорхолу. Это он написал легендарный портрет Мерилин Монро, использовав технику шелкография. Затем он создал эскизы неординарной одежды и открыл бутик под названием «Парафеналия». Там модницы могли купить эпатажные наряды с яркими принтами. Украшены они были пластиком, металлической фурнитурой и бумагой.

В 1965 году картины Пикассо, Матисса, Мондриана и Уорхола вдохновили Ив Сен Лорана. Прямые платья стали холстом, на котором были изображены многие работы этих художников. Новая коллекция получила название Mondrian Look.

Это направление дальше подхватили Versace и Franco Moschino, создавая коллекции из подручных средств (крышек, булавок для корсета, гвоздей для украшений).

Особенности и характерные черты

Современный pop-art является отличной возможностью выделиться из серой массы, создать позитивное настроение себе и окружающим.

Каким образом это сделать?

  • Достаточно купить футболку или майку с комиксами, монохромными принтами или изображением 3D и сочетать с леггинсами или джинсами, юбками-карандашами.
  • Оригинальные блузы, свитера, свитшоты и худи идеально смотрятся с однотонным низом.
  • Юбка и брюки тоже могут быть украшены ярким принтом. Это относится и к обуви (кедам, туфлям на тракторной подошве, сапогам), и сумочкам.
  • Платья с принтом можно дополнить гетрами.
  • Приветствуются очки и украшения нестандартной формы в виде ягод и фруктов, сердца или губ.
  • Верхняя одежда также не является исключением. Забавные лица или оригинальная геометрия покажут вас как нескучного и самоироничного человека.

Ткань и цвет

Вещи в стиле поп-арт шьются из самых разных тканей. Особого значения не имеет — будет это вискоза, органза, шерсть, лен или хлопок, кожа или мех.

Изюминкой этого направления являются именно цвета и рисунки, которые предназначены шокировать и делать образ эпатажным. Фаворитами остаются кроваво-красный, яркий голубой, кислотные цвета (желтый и зеленый), неоновые (например, сиреневый). Красочность должна достигать 100%, а эмоции зашкаливать.

Как и раньше, приковывают взгляды картины художников на одежде, портреты мировых звезд, кино- или мультгероев, фрукты, овощи, животные. Геометрия и абстракция так же популярны.

Бренды

В коллекциях модных домов Chanel, Valentino, Moschino, Lanvin, Max Mara, Armani, Anna Dello Russo часто можно увидеть разрисованные вещи в стиле поп-арт.

Создаем образ

Модные специалисты рекомендуют помнить о некоторых нюансах при создании ансамбля в художественном стиле:

  • Следует использовать яркие и узнаваемые детали стиля поп-арт.
    Это может быть сумка в виде алых губ и с высунутым языком. Может быть и джинсовка с огромной надписью «BOOM!» Модны сейчас юбки или свитшоты с портретом известных личностей. Только помните, что улица – это не дефиле по подиуму, а значит, для повседневного лука хватит пары ярких деталей.
  • Уравновешивайте. Данный стиль идеально сочетается с джинсовыми и спортивными вещами. Например, со стильными кедами, обычными футболками с логотипом колледжа, рубашка из джинсы.
  • Помните об уместности. Собираетесь всей семьей пойти в кино, или прогуляться с друзьями, а может — едете на веселый пикник: нескучные принтованные вещи будут кстати. Но для офиса и романтического свидания эта одежда категорически не подходит. В лучшем случае вас посчитают экстравагантной особой.
  • Учитывайте свой возраст. Вещи с глазами Спанч Боба обрадуют подростков. Мультгерои на футболках, спортивной обуви и кепках, на штанах и юбчонках подарят ребятам море ярких эмоций. Тем, кому за 30 тоже могут себя повеселить. Только в образе должна присутствовать одна экстравагантная вещица. Например, однотонное платье дополнит клатч с портретом селебрити. Дамам за 50 подойдет портрет президента на футболке, а о зайчиках и милых песиках задумываться уже не стоит.

особенности течения и варианты создания модных луков

Стиль поп-арт в одежде — направление, которое становится классикой. Одежда с сумасшедшими рисунками и кричащими цветами, активно мелькающая в рекламных роликах, стала трендом у молодого поколения. Созданное дизайнерами яркое безумство с удовольствием носят эпатажные селебрити, например, Кэти Перри, Риана, Майли Сайрус.

История

Направление возникло в 60-х годах благодаря культовой личности Энди Уорхолу. Это он написал легендарный портрет Мерилин Монро, использовав технику шелкография. Затем он создал эскизы неординарной одежды и открыл бутик под названием «Парафеналия». Там модницы могли купить эпатажные наряды с яркими принтами. Украшены они были пластиком, металлической фурнитурой и бумагой.

В 1965 году картины Пикассо, Матисса, Мондриана и Уорхола вдохновили Ив Сен Лорана. Прямые платья стали холстом, на котором были изображены многие работы этих художников. Новая коллекция получила название Mondrian Look.

Это направление дальше подхватили Versace и Franco Moschino, создавая коллекции из подручных средств (крышек, булавок для корсета, гвоздей для украшений).

Особенности и характерные черты

Современный pop-art является отличной возможностью выделиться из серой массы, создать позитивное настроение себе и окружающим.

Каким образом это сделать?

  • Достаточно купить футболку или майку с комиксами, монохромными принтами или изображением 3D и сочетать с леггинсами или джинсами, юбками-карандашами.
  • Оригинальные блузы, свитера, свитшоты и худи идеально смотрятся с однотонным низом.
  • Юбка и брюки тоже могут быть украшены ярким принтом. Это относится и к обуви (кедам, туфлям на тракторной подошве, сапогам), и сумочкам.
  • Платья с принтом можно дополнить гетрами.
  • Приветствуются очки и украшения нестандартной формы в виде ягод и фруктов, сердца или губ.
  • Верхняя одежда также не является исключением. Забавные лица или оригинальная геометрия покажут вас как нескучного и самоироничного человека.

Ткань и цвет

Вещи в стиле поп-арт шьются из самых разных тканей. Особого значения не имеет — будет это вискоза, органза, шерсть, лен или хлопок, кожа или мех.

Изюминкой этого направления являются именно цвета и рисунки, которые предназначены шокировать и делать образ эпатажным. Фаворитами остаются кроваво-красный, яркий голубой, кислотные цвета (желтый и зеленый), неоновые (например, сиреневый). Красочность должна достигать 100%, а эмоции зашкаливать.

Как и раньше, приковывают взгляды картины художников на одежде, портреты мировых звезд, кино- или мультгероев, фрукты, овощи, животные. Геометрия и абстракция так же популярны.

Бренды

В коллекциях модных домов Chanel, Valentino, Moschino, Lanvin, Max Mara, Armani, Anna Dello Russo часто можно увидеть разрисованные вещи в стиле поп-арт.

Создаем образ

Модные специалисты рекомендуют помнить о некоторых нюансах при создании ансамбля в художественном стиле:

  • Следует использовать яркие и узнаваемые детали стиля поп-арт. Это может быть сумка в виде алых губ и с высунутым языком. Может быть и джинсовка с огромной надписью «BOOM!» Модны сейчас юбки или свитшоты с портретом известных личностей. Только помните, что улица – это не дефиле по подиуму, а значит, для повседневного лука хватит пары ярких деталей.
  • Уравновешивайте. Данный стиль идеально сочетается с джинсовыми и спортивными вещами. Например, со стильными кедами, обычными футболками с логотипом колледжа, рубашка из джинсы.
  • Помните об уместности. Собираетесь всей семьей пойти в кино, или прогуляться с друзьями, а может — едете на веселый пикник: нескучные принтованные вещи будут кстати. Но для офиса и романтического свидания эта одежда категорически не подходит. В лучшем случае вас посчитают экстравагантной особой.
  • Учитывайте свой возраст. Вещи с глазами Спанч Боба обрадуют подростков. Мультгерои на футболках, спортивной обуви и кепках, на штанах и юбчонках подарят ребятам море ярких эмоций. Тем, кому за 30 тоже могут себя повеселить. Только в образе должна присутствовать одна экстравагантная вещица. Например, однотонное платье дополнит клатч с портретом селебрити. Дамам за 50 подойдет портрет президента на футболке, а о зайчиках и милых песиках задумываться уже не стоит.

особенности течения и варианты создания модных луков

Стиль поп-арт в одежде — направление, которое становится классикой. Одежда с сумасшедшими рисунками и кричащими цветами, активно мелькающая в рекламных роликах, стала трендом у молодого поколения. Созданное дизайнерами яркое безумство с удовольствием носят эпатажные селебрити, например, Кэти Перри, Риана, Майли Сайрус.

История

Направление возникло в 60-х годах благодаря культовой личности Энди Уорхолу. Это он написал легендарный портрет Мерилин Монро, использовав технику шелкография. Затем он создал эскизы неординарной одежды и открыл бутик под названием «Парафеналия». Там модницы могли купить эпатажные наряды с яркими принтами. Украшены они были пластиком, металлической фурнитурой и бумагой.

В 1965 году картины Пикассо, Матисса, Мондриана и Уорхола вдохновили Ив Сен Лорана. Прямые платья стали холстом, на котором были изображены многие работы этих художников. Новая коллекция получила название Mondrian Look.

Это направление дальше подхватили Versace и Franco Moschino, создавая коллекции из подручных средств (крышек, булавок для корсета, гвоздей для украшений).

Особенности и характерные черты

Современный pop-art является отличной возможностью выделиться из серой массы, создать позитивное настроение себе и окружающим.

Каким образом это сделать?

  • Достаточно купить футболку или майку с комиксами, монохромными принтами или изображением 3D и сочетать с леггинсами или джинсами, юбками-карандашами.
  • Оригинальные блузы, свитера, свитшоты и худи идеально смотрятся с однотонным низом.
  • Юбка и брюки тоже могут быть украшены ярким принтом. Это относится и к обуви (кедам, туфлям на тракторной подошве, сапогам), и сумочкам.
  • Платья с принтом можно дополнить гетрами.
  • Приветствуются очки и украшения нестандартной формы в виде ягод и фруктов, сердца или губ.
  • Верхняя одежда также не является исключением. Забавные лица или оригинальная геометрия покажут вас как нескучного и самоироничного человека.

Ткань и цвет

Вещи в стиле поп-арт шьются из самых разных тканей. Особого значения не имеет — будет это вискоза, органза, шерсть, лен или хлопок, кожа или мех.

Изюминкой этого направления являются именно цвета и рисунки, которые предназначены шокировать и делать образ эпатажным. Фаворитами остаются кроваво-красный, яркий голубой, кислотные цвета (желтый и зеленый), неоновые (например, сиреневый). Красочность должна достигать 100%, а эмоции зашкаливать.

Как и раньше, приковывают взгляды картины художников на одежде, портреты мировых звезд, кино- или мультгероев, фрукты, овощи, животные. Геометрия и абстракция так же популярны.

Бренды

В коллекциях модных домов Chanel, Valentino, Moschino, Lanvin, Max Mara, Armani, Anna Dello Russo часто можно увидеть разрисованные вещи в стиле поп-арт.

Создаем образ

Модные специалисты рекомендуют помнить о некоторых нюансах при создании ансамбля в художественном стиле:

  • Следует использовать яркие и узнаваемые детали стиля поп-арт. Это может быть сумка в виде алых губ и с высунутым языком. Может быть и джинсовка с огромной надписью «BOOM!» Модны сейчас юбки или свитшоты с портретом известных личностей. Только помните, что улица – это не дефиле по подиуму, а значит, для повседневного лука хватит пары ярких деталей.
  • Уравновешивайте. Данный стиль идеально сочетается с джинсовыми и спортивными вещами. Например, со стильными кедами, обычными футболками с логотипом колледжа, рубашка из джинсы.
  • Помните об уместности. Собираетесь всей семьей пойти в кино, или прогуляться с друзьями, а может — едете на веселый пикник: нескучные принтованные вещи будут кстати. Но для офиса и романтического свидания эта одежда категорически не подходит. В лучшем случае вас посчитают экстравагантной особой.
  • Учитывайте свой возраст. Вещи с глазами Спанч Боба обрадуют подростков. Мультгерои на футболках, спортивной обуви и кепках, на штанах и юбчонках подарят ребятам море ярких эмоций. Тем, кому за 30 тоже могут себя повеселить. Только в образе должна присутствовать одна экстравагантная вещица. Например, однотонное платье дополнит клатч с портретом селебрити. Дамам за 50 подойдет портрет президента на футболке, а о зайчиках и милых песиках задумываться уже не стоит.

особенности течения и варианты создания модных луков

Стиль поп-арт в одежде — направление, которое становится классикой. Одежда с сумасшедшими рисунками и кричащими цветами, активно мелькающая в рекламных роликах, стала трендом у молодого поколения. Созданное дизайнерами яркое безумство с удовольствием носят эпатажные селебрити, например, Кэти Перри, Риана, Майли Сайрус.

История

Направление возникло в 60-х годах благодаря культовой личности Энди Уорхолу. Это он написал легендарный портрет Мерилин Монро, использовав технику шелкография. Затем он создал эскизы неординарной одежды и открыл бутик под названием «Парафеналия». Там модницы могли купить эпатажные наряды с яркими принтами. Украшены они были пластиком, металлической фурнитурой и бумагой.

В 1965 году картины Пикассо, Матисса, Мондриана и Уорхола вдохновили Ив Сен Лорана. Прямые платья стали холстом, на котором были изображены многие работы этих художников. Новая коллекция получила название Mondrian Look.

Это направление дальше подхватили Versace и Franco Moschino, создавая коллекции из подручных средств (крышек, булавок для корсета, гвоздей для украшений).

Особенности и характерные черты

Современный pop-art является отличной возможностью выделиться из серой массы, создать позитивное настроение себе и окружающим.

Каким образом это сделать?

  • Достаточно купить футболку или майку с комиксами, монохромными принтами или изображением 3D и сочетать с леггинсами или джинсами, юбками-карандашами.
  • Оригинальные блузы, свитера, свитшоты и худи идеально смотрятся с однотонным низом.
  • Юбка и брюки тоже могут быть украшены ярким принтом. Это относится и к обуви (кедам, туфлям на тракторной подошве, сапогам), и сумочкам.
  • Платья с принтом можно дополнить гетрами.
  • Приветствуются очки и украшения нестандартной формы в виде ягод и фруктов, сердца или губ.
  • Верхняя одежда также не является исключением. Забавные лица или оригинальная геометрия покажут вас как нескучного и самоироничного человека.

Ткань и цвет

Вещи в стиле поп-арт шьются из самых разных тканей. Особого значения не имеет — будет это вискоза, органза, шерсть, лен или хлопок, кожа или мех.

Изюминкой этого направления являются именно цвета и рисунки, которые предназначены шокировать и делать образ эпатажным. Фаворитами остаются кроваво-красный, яркий голубой, кислотные цвета (желтый и зеленый), неоновые (например, сиреневый). Красочность должна достигать 100%, а эмоции зашкаливать.

Как и раньше, приковывают взгляды картины художников на одежде, портреты мировых звезд, кино- или мультгероев, фрукты, овощи, животные. Геометрия и абстракция так же популярны.

Бренды

В коллекциях модных домов Chanel, Valentino, Moschino, Lanvin, Max Mara, Armani, Anna Dello Russo часто можно увидеть разрисованные вещи в стиле поп-арт.

Создаем образ

Модные специалисты рекомендуют помнить о некоторых нюансах при создании ансамбля в художественном стиле:

  • Следует использовать яркие и узнаваемые детали стиля поп-арт. Это может быть сумка в виде алых губ и с высунутым языком. Может быть и джинсовка с огромной надписью «BOOM!» Модны сейчас юбки или свитшоты с портретом известных личностей. Только помните, что улица – это не дефиле по подиуму, а значит, для повседневного лука хватит пары ярких деталей.
  • Уравновешивайте. Данный стиль идеально сочетается с джинсовыми и спортивными вещами. Например, со стильными кедами, обычными футболками с логотипом колледжа, рубашка из джинсы.
  • Помните об уместности. Собираетесь всей семьей пойти в кино, или прогуляться с друзьями, а может — едете на веселый пикник: нескучные принтованные вещи будут кстати. Но для офиса и романтического свидания эта одежда категорически не подходит. В лучшем случае вас посчитают экстравагантной особой.
  • Учитывайте свой возраст. Вещи с глазами Спанч Боба обрадуют подростков. Мультгерои на футболках, спортивной обуви и кепках, на штанах и юбчонках подарят ребятам море ярких эмоций. Тем, кому за 30 тоже могут себя повеселить. Только в образе должна присутствовать одна экстравагантная вещица. Например, однотонное платье дополнит клатч с портретом селебрити. Дамам за 50 подойдет портрет президента на футболке, а о зайчиках и милых песиках задумываться уже не стоит.

10 ярких образов в стиле поп-арт

Вечная одежда: 7 зимних вещей, которые никогда не выйдут из моды

Тренды появляются, царствуют и поспешно сменяют друг друга – у фэшн-мира свои законы. И только над классикой время не властно. Рассказываем о 7 зимних вещах, которые никогда не потеряют своей актуальности и не выйдут из моды.

Пуховик

Пуховик для суровой российской зимы – самый настоящий маст-хэв. Но, чтобы он действительно гордо носил звание базовой вещи, следует выбирать “классические” модели – непременно средней длины и прямого кроя, ну или с запахом. Подобные вещи всегда актуальны и никогда не выдадут дату своей покупки.

Шерстяной свитер

Свободно сидящий вязаный свитер – то, без чего не обойтись в холода. Идеально – гладкой вязки, без декора и с высоким воротом. Такой и замерзнуть не даст, и позволит создать стильные комплекты с юбками любой длины, джинсами и брюками.

Ботинки челси

Ботинки челси – самая комфортная и удобная обувь на холода. А еще максимально стильная. Цвета – исключительно базовые, как бы не хотелось примерить яркие оттенки, как у Ambush и Bottega Veneta.

Бежевое пальто

Классическое пальто цвета «кэмел» в тренде без малого последние 70 лет. И это дает надежду предполагать, что в ближайшее время ситуация вряд ли изменится.

Культовая шерстяная модель поможет создать дорогой и стильный образ. Отлично сочетается с джинсами, кожаными брюками и все с теми же ботинками «челси».

Кашемировый шарф

Теплый шарф или палантин нейтральных оттенков и принтов не только согреет в морозы, но и сделает образ законченным. Главное, чтобы он не сливался с цветом верхней одежды и головного убора.

Джинсы классического кроя

Деним в классическом оттенке «индиго» – самый подходящий вариант для холодного времени года. И кстати, в этом сезоне дизайнеры снова сделали на него ставку. Прямой крой или легкий клеш от бедра всегда актуальны.

Шапка бини

Вчера были модны кепи с козырьками, а сегодня – панамы из эко-меха. И только шапка-бини, как и положено базовой вещи, живет завтрашним днем.

Плотная кашемировая шапка с отворотом в светлых оттенках – максимально выгодная инвестиция не на один сезон.

В общем, эти 7 вещей максимально достойны того, чтобы годами украшать гардеробы и образы. Так что советуем любить и жаловать!

Арт портрет на холсте по фотографии

Арт-портрет по фото

Выбранное вами фото прорисовывается на графическом планшете в специальной программе. Арт-портрет на холсте по фотографии – возможность создать уникальный подарок близкому человеку. Работу выполняют профессиональные художники, которые смогут передать все черты изображенного человека и создадут красивый общий фон картины.

Наша компания создает арт-портреты в четырнадцати разных направлениях: масляной, «Гранж», «Дрим-арт», «Soft Art», «Glory art», исторический образ, комический, шарж, «Поп-арт», кубизм, портрет карандашом, цветочный, многофигурный и «Мастихин». Обычное фото или комплекс различных снимков станут настоящим произведением искусства.

Полученный эскиз портрета на холсте по фотографии присылается заказчику для одобрения и после этого поступает в печать. Распечатывается арт-портрет из экологически безопасного и натурального материала. Затем изделие покрывается лаком и натягивается на подрамник из сосны. По желанию заказать портрет на холсте по фотографии можно недорого, поместив его в багетную раму представленных у нас образцов.

Срок изготовления в каждом случае индивидуальный. Он зависит от сложности работы, выбранного вида арт-портрета и пожеланий заказчика. Также необходимо учитывать время на доработку (если будет необходимость после просмотра макета).

Стоимость портрета на холсте по фотографии зависит от стиля изображения (на прорисовку некоторых направлений необходимо много времени и сил). Также цена складывается из размера фото и выбранной рамки. При необходимости, дополнительно со специалистами можно обсудить срочность заказа.

При обращении в нашу компанию в Москве, вам будет оказана консультативная помощь в выборе подходящего стиля портрета на холсте по фотографии, а также будут озвучены сроки выполнения и стоимость интересующей вас работы.

Подарите незабываемые впечатления вашему родному и близкому человеку, оставив теплые воспоминания от арт-портрета.

Страница не найдена — Confetissimo — женский блог

Стиль в одежде

Модные тенденции 2022-2023 не перестают удивлять новыми трендами и тем, как их стоит носить.

Маникюр и педикюр

Не секрет, что многие девушки все время находятся в поиске новых идей маникюра, стилей

Волосы и прически

Асимметричная стрижка – ультрамодный тренд 2022-2023. Данный вариант стрижки представляет собой переход от коротких

Маникюр и педикюр

Оттенок Very Peri Институт цвета Pantone провозгласил цветом 2022 года. Жизнерадостный и загадочный, интригующий и

Дизайн спальни

Спальня — это место для отдыха и комфортного сна. Дизайн должен полностью отвечать вкусам

Волосы и прически

Каждая женщина хотя бы раз в жизни решалась на кардинальные изменения во внешности. Лучшим

Поп-арт — история и анализ движения ярких поп-артов

В 1950-х годах международное искусство совершило внезапный и неожиданный поворот на 180 градусов. В США и Великобритании стало набирать популярность новое направление в искусстве — поп-арт. Это новое направление в искусстве черпало вдохновение из зачастую приземленных, потребительских, слегка китчевых и массовых частей поп-культуры. Поп-артисты, такие как Энди Уорхол, Ричард Гамильтон и Рой Лихтенштейн, спровоцировали сдвиг в наших представлениях о высоких и низких формах искусства.Эти художники обратили внимание на растущее консьюмеризм на рынках и наше потребление искусства.

Краткое описание движения поп-арт: что такое поп-арт

Многие из нас знают таких художников, как Энди Уорхол, но что такое поп-арт как движение? Когда дело доходит до создания определения поп-арта, мы должны учитывать тип поп-арта. Есть некоторые разногласия по поводу места рождения поп-арта. Подобные тенденции начали проявляться в Англии и Америке в начале 1950-х годов.Поп-арт стал настоящим поворотом на 180 градусов в развитии модернизма от предшествовавшего ему абстрактного экспрессионистского движения.

Определение поп-арта обратилось к осязаемым и доступным частям поп-культуры в качестве источника вдохновения, заменив традиционные темы «высокого искусства» классической истории, мифологии, морали и абстракции. Поп-арт поднял более приземленные части поп-культуры до изобразительного искусства, и сегодня это один из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Ключевые идеи поп-арта

Поп-арт может показаться более тривиальным и излишним, чем другие традиционные направления изобразительного искусства.Яркие цвета, использование популярных образов, основных форм и толстых контуров могут указывать на более игривую форму искусства, но движение поп-арта наполнено скрытыми сложностями и социальными комментариями. Вот небольшой фон в стиле поп-арт.

Мэрилин в небе (1999) Джеймса Гилла; Джеймс Фрэнсис Гилл, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Что делает искусство прекрасным?

Самая выдающаяся идея движения поп-арта заключалась в том, чтобы стереть границы между тем, что раньше считалось изящным искусством, и более китчевыми, приземленными частями поп-культуры. Поп-артисты отмечали предметы, представляющие потребительскую ценность, настаивая на том, что не существует культурной иерархии, когда речь идет о достойных предметах художественного творчества. Поп-артисты черпали вдохновение из любого источника, независимо от культурной ценности.

Шокированный отказ или холодное принятие?

Работы художников-абстрактных экспрессионистов обычно очень эмоциональны. Напротив, картины в стиле поп-арт и коллажей имеют тенденцию быть более удаленными и далекими. Хотя произведения поп-арта часто исследуют различные культурные отношения и неотъемлемые части социальной жизни, они делают это прохладно и относительно бесстрастно.Историки искусства горячо обсуждают, является ли это расстояние шокирующим отходом от культурных тем, которые исследует поп-арт, или наоборот. Возможно, эта крутизна отражает признание поп-культуры.

Как поп-арт исследует культурную травму?

Неотъемлемой частью абстрактного экспрессионизма, предшествовавшего поп-арту, был поиск душевной травмы. Поп-исполнители искали ту же душевную травму, но на культурном уровне. В поп-арте мир популярных образов, мультфильмов, рекламы и культурных явлений, таких как бум ресторанов быстрого питания, будет опосредовать эту социальную травму.

В поп-арте все эти проявления культурной травмы значительны, и они дают художнику непосредственный доступ к более глубоким заботам человечества.

Современный мир характеризуется непосредственным доступом практически ко всему. Все, от искусственной среды до личной жизни знаменитостей, доступно для потребления и критики. Поп-арт отражает этот доступ, объединяя различные культурные элементы, чтобы продемонстрировать, что все взаимосвязано.

Капиталистическая критика или восторженное одобрение?

В частности, в Англии художники поп-арта пережили бум средств массовой информации и производства Второй мировой войны. Многие рассматривают широкое использование коммерческой рекламы в произведениях поп-арта как поддержку капиталистического рынка. Некоторые критики считают, что поп-арт воспевает растущее потребление в современную эпоху.

Другие находят в этих многослойных произведениях элемент культурной критики.Поп-художники возвели обычные коммерческие объекты в статус изобразительного искусства. Приравнивая коммерческие товары к изобразительному искусству, поп-художники обращают наше внимание на тот фундаментальный факт, что искусство само по себе является товаром.

Многие художники поп-арта начинали как коммерческие художники. Эд Руша был графическим дизайнером, и Энди Уорхол также был невероятно успешным иллюстратором журналов. Благодаря такому раннему началу эти художники демонстрируют свободное владение визуальным словарем популярной культуры. Эти навыки облегчили этим художникам возможность безупречно сочетать изобразительное искусство и коммерческую культуру.

Реклама New York Times (17 апреля 1955 г.) для I. Miller Shoes, иллюстрация Энди Уорхола; JSalleres, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Истоки поп-арта

Поп-арт интересно тем, что одновременно развивался в США и Англии. Первые искры движения поп-арта сильно различались в каждой из этих стран. Поэтому важно начинать рассматривать их отдельно.

В Соединенных Штатах поп-арт был возвращением к более репрезентативному искусству , которое использовало иронию мирской реальности для нейтрализации личного символизма абстрактного экспрессионизма. Напротив, ранний британский поп-арт был более академичным. Британские исполнители поп-музыки использовали иронию для исследования и критики взрывного потребительства послевоенной американской поп-культуры.

Протопоп Арт

В то время как 1950-е годы ознаменовались началом американского и британского поп-арта, некоторые европейские художники, такие как Марсель Дюшан, Манни Рэй и Фрэнсис Пикабиа, предшествовали этому движению в своем исследовании капиталистических и модернистских тем и стилей.

Некоторые американские художники намекали на развитие современного поп-арта еще в 1920-х годах. Такие художники, как Стюарт Дэвис, Джеральд Мерфи, Патрик Генри Брюс и Чарльз Демут, создавали работы, в которых исследовались образы популярной культуры, в том числе обыденные коммерческие объекты и рекламный дизайн.

Lucky Strike (1921) Дэвиса Стюарта; Дэвис Стюарт, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Независимая группа: поп-арт в Великобритании

В Лондоне Независимая группа художников была сформирована в 1952 году, и многие считают ее предшественником нового поп-движения.Это собрание молодых художников, скульпторов, писателей, архитекторов и критиков приветствовало новое движение поп-арта. Эта группа художников начала регулярно встречаться в 1950-х годах, и их дискуссии были сосредоточены на развитии технологий и науки, найденном объекте и месте массовой культуры в изобразительном искусстве.

Среди известных участников были архитекторы Питер и Элисон Смитсон, Ричард Гамильтон, Эдуардо Паолоцци и критики Рейнер Бэнхэм и Лоуренс Аллоуэй. Когда эти творческие люди начали встречаться в 1950-х годах, Англия все еще постепенно оправлялась от послевоенных лет, и большая часть населения неоднозначно относилась к массовой культуре в Америке.

The Independent Group разделяла эту нерешительность в отношении коммерческого характера американской поп-культуры, но они были в восторге от богатого мира поп-культуры, обсуждая научную фантастику, дизайн автомобилей, западные фильмы, рок-н-ролл, рекламные щиты и комиксы. по длинне.

В 1960 году впервые проявилось влияние американской поп-музыки на ежегодной выставке молодых талантов Королевского общества британских художников. К январю 1961 года Р. Б. Китайдж, Дэвид Хокни, Джо Тилсон, Билли Эппл, Дерек Бошир, Питер Блейк, Патрик Колфилд, Аллен Джонс и Питер Филлипс прочно заняли свое место на карте поп-арта.

Билли Эппл отвечал за дизайн приглашений и плакатов для следующих двух ежегодных выставок молодых современников. В том же году Блейк, Китай и Хокни выиграли призы в Ливерпуле на выставке Джона-Мура. Во время летних каникул 1961 года в Королевском колледже Хокни и Apple вместе посетили Нью-Йорк.

Фотография Билли Эппл на церемонии вручения награды Arts Foundation of New Zealand Icon Awards 2018; Правительство Новой Зеландии, Генерал-губернатор, CC BY 4. 0, через Wikimedia Commons

В поисках определения поп-арта

Когда дело доходит до решения, кто первым использовал термин «поп-арт», существует много разногласий. В Британии есть несколько возможных искр, которые привели к появлению термина «поп-арт». Питер и Элисон Смитсон использовали этот термин в статье 1956 года, опубликованной в журнале Ark Magazine. Статья называлась «Но сегодня мы собираем рекламу».

Ричард Гамильтон дал определение попу в своем письме, и Паолоцци также использовал слово «поп» в своем коллаже I Was a Rich Man’s Plaything (1947).Сын Джона Макхейла также считает, что его отец впервые использовал этот термин в разговоре с Фрэнком Корделлом в 1954 году.

Лоуренсу Аллоуэю также часто приписывают первое употребление этого термина в его эссе 1958 года « Искусство и средства массовой информации». В этом эссе, однако, он использует только фразу «массовая массовая культура» и имел в виду массовую культуру как продукт средств массовой информации, а не произведения искусства. В 1966 году Аллоуэй разъяснил эти термины, но к этому времени поп-арт уже проник в школы и галереи.

Америка фон поп-арт

Нью-Йорк был родиной американского поп-арта. В середине 1950-х годов нью-йоркские художники подошли к важному перекрестку в развитии современного искусства. В Америке художники поп-арта могли либо пойти по стопам абстрактных экспрессионистов, либо восстать против формализма модернистских школ мысли. Естественно, многие художники выбрали бунт и начали экспериментировать с нетрадиционными формами и материалами.

В это время Джаспер Джонс уже вызывал ажиотаж своими абстрактными картинами, ссылающимися на объекты, которые «уже знает разум». Эти объекты включали числа, отпечатки ладоней, флаги, буквы и мишени. Другие художники поп-арта, такие как Роберт Раушенберг, использовали найденные изображения и объекты вместе с традиционными масляными красками. Точно так же движения Fluxus и Аллан Капроу решили включить в свои произведения элементы окружающего мира. Позже эти художники вместе с другими сформировали движение неодада.

Хотя поп-арт начал появляться в Соединенных Штатах в начале 1950-х годов, именно в 1960-х годах движение набрало обороты. В Музее современного искусства в 1962 году поп-арт был представлен на симпозиуме по поп-арту. Когда художники начали использовать рекламные элементы в современном искусстве, коммерческая реклама стала включать элементы современного искусства. Американская реклама стала очень изощренной, и американским художникам нужно было найти более драматические стили, чтобы дистанцироваться от материалов массового производства.

В то время как британский поп-арт использовал немного юмористический, романтический и сентиментальный подход к американской поп-культуре, американские художники создавали поп-арт, который обычно был более агрессивным и смелым. Британцы были дистанцированы от реалий американских потребительских образов, в то время как американские художники подвергались бомбардировке ими ежедневно.

Создание американского современного поп-арта

Роберт Раушенберг испытал большое влияние художников Дада, включая Курта Швиттерса.Раушенберг считал, что живопись относится не только к миру изобразительного искусства, но и к повседневной жизни. Это мнение бросило вызов доминирующей модернистской точке зрения того времени. Раушенберг сочетал в себе образы поп-культуры и отброшенные предметы. Таким образом, Раушенберг мог связать свою работу с актуальными событиями в американском обществе.

Картины шелкографии, выполненные Раушенбергом между 1962 и 1964 годами, объединяли вырезки из журналов National Geographic , Newsweek и Life с выразительной манерой рисования.Ранние работы Раушенберга часто называют неодадаизмом, потому что они отличаются от американского стиля поп-арта, процветавшего в 1960-х годах.

Роберт Раушенберг на одном из своих экспонатов в Стеделийском музее, 1968 год; Джек де Нейс / Анефо, CC0, через Wikimedia Commons

Когда дело доходит до выдающихся американских исполнителей поп-музыки, мы не можем забыть Роя Лихтенштейна. Использование Лихтенштейном пародии в своих произведениях предлагает, пожалуй, лучшее определение основной предпосылки поп-арта. Лихтенштейн создает точные, резкие композиции, основанные на старомодных комиксах.

Используя Magna и масляные краски , Лихтенштейн подбирал и изменял сцены из комиксов DC и других. Работу Лихтенштейна легко узнать по использованию точек Бен-Дея, жирных цветов и толстых контуров. Художник легко сочетает популярную культуру и изобразительное искусство, сочетая в своих работах иронию, популярные образы и юмор.

Американский поп-арт против британского поп-арта

Поп-арт появился в Америке и Великобритании примерно в одно и то же время, в 1950-х и 60-х годах.Общий стиль поп-арта — это смесь различий между двумя странами. Хотя обе страны черпали вдохновение в одном и том же предмете, между их стилями есть несколько различий.

Ранний британский поп-арт черпал вдохновение в наблюдении за американской популярной культурой на расстоянии. Эта дистанция принесла определенный уровень романтизма и сентиментализма, а также значительное пренебрежение.

Британские исполнители поп-музыки проявили академический подход к американской поп-культуре, проанализировав силу американских популярных образов в манипулировании жизнями своих граждан.Традиционно сухое британское чувство иронии и пародии просочилось в британский поп-арт.

американских поп-артистов, напротив, жили и дышали американской поп-культурой, и это отсутствие дистанции очевидно. Американский поп-арт также был отчасти восстанием против других форм современного искусства. Абстрактный экспрессионизм был величайшим стимулом для американских художников поп-музыки, которые хотели отойти от очень эмоциональной и личной символики стиля. В результате артисты американской поп-музыки используют в своих работах приземленные, безличные образы.

Организация выставки Роя Лихтенштейна в Стеделийк-музее, 1967; Рон Крун / Анефо, CC0, через Wikimedia Commons

Тенденции, концепции и стили в поп-арте

После перехода от неодада к поп-арту художники всего мира стали проявлять все больший интерес к использованию поп-культуры в своих работах. Хотя члены Independent Group первыми использовали термин «поп-арт», американские художники быстро тяготели к этому новому стилю.

Хотя отдельные стили поп-художников сильно различаются, у движения поп-арта есть общие основные темы и концепции. Использование образов из популярной культуры — самая заметная особенность произведений поп-арта.

MM — Критика массовой иконологии (2013) Джеймса Гилла; Джеймс Фрэнсис Гилл, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

После того, как движение поп-арта стало популярным в Америке, появилось несколько европейских вариантов, в том числе движение немецкого капиталистического реализма и французский нуво-реализм.

Табличное изображение: Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон

европейских художников поп-арта сохраняли смешанные чувства к поп-культуре Америки, и эти чувства, возможно, лучше всего передаются через коллажи поп-арта Гамильтона и Паолоцци. Художники одновременно критиковали излишество и превозносили массово воспроизводимые объекты и образы.

Члены Независимой группы, в том числе Гамильтон, были одними из первых, кто использовал изображения средств массовой информации в своих работах. Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? Коллаж «», сделанный Гамильтоном 1956 года, сочетает в себе тщательно отобранные элементы из изображений средств массовой информации, чтобы передать его убеждение в том, что американская культура была одной из излишеств. Паолоцци анализирует поток средств массовой информации с помощью своих фотомонтажных коллажей, таких как его работа 1947 года « Я был игрушкой для богатого человека».

Культура пульпы: Рой Лихтенштейн

Отчасти значимость работ Лихтенштейна заключается в его способности создавать потрясающие композиции, несмотря на то, что он использовал комиксы в качестве темы.Лихтенштейн не только позаимствовал образы из серийно выпускаемых книжек с картинками, но также применил техники комиксов, а именно точки Бен-Дея.

Whaam! (2018) диптих Роя Лихтенштейна; GualdimG, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Хотя в своих картинах он использует популярные образы, работы Лихтенштейна — не просто дубликаты. Лихтенштейн сосредоточился на одной панели из комикса, часто обрезая ее, чтобы изменить историю. Лихтенштейн также добавлял или удалял различные элементы и играл с языком и текстом.Лихтенштейн еще больше стер грань между изобразительным искусством и массовым воспроизведением, раскрасив вручную точки, традиционно напечатанные машинным способом.

Монументальное изображение: Джеймс Розенквист

Розенквист был еще одним художником, который использовал образы популярной культуры непосредственно в своих картинах. Однако, как и Лихтенштейн, Розенквист не просто производил копии. Вместо этого Розенквист сопоставляет различных знаменитостей, продукты и изображения в сюрреалистической манере.

Многие работы Розенквиста также содержат яркие политические послания. Розенквист начинал свои работы с создания коллажей из рекламных объявлений и вырезок из фоторепортажей. Затем он превращал простой коллаж в связную картину.

Розенквист начал свою художественную карьеру с рисования рекламных щитов, и он смог идеально перейти к визуализации своих коллажей в монументальных масштабах. Многие работы Розенквиста были 20 футов в ширину или больше. Раздувая обыденные образы из популярной культуры в таком большом масштабе, Розенквист смог возвысить обычное до статуса изящного искусства.

Повторение: Энди Уорхол и повторение

Когда вы думаете о поп-арте, вам наверняка приходит в голову имя Энди Уорхола. Уорхол — один из самых известных исполнителей поп-музыки, его стиль является культовым и мгновенно узнаваемым во всем мире. Уорхол, пожалуй, наиболее известен своими яркими портретами знаменитостей. На протяжении своей блестящей карьеры Уорхол экспериментировал со многими различными предметами.

Общая нить, лежащая в основе всех его работ, — это вдохновение массового потребительства и поп-культуры. Повторение — еще один ключевой элемент работы Уорхола, где он комментирует массовое воспроизведение в современную эпоху.

бутылок кока-колы и консервных банок Кэмпбелла занимают видное место во многих ранних работах Уорхола. Уорхол воспроизводил изображения этих предметов до бесконечности, превращая стены галереи в полки супермаркетов. Чтобы еще больше имитировать и пародировать массовое производство, Уорхол начал экранировать свои работы, которые ранее были раскрашены вручную.

Настаивая на механическом создании своих произведений, Уорхол отвергает понятие художественного гения и аутентичности.Вместо этого Уорхол сделал упор на превращение искусства в товар в современную эпоху, приравняв картины к банкам с супом. И суп, и картины можно покупать и продавать как товары народного потребления, и оба они имеют материальную ценность. Уорхол пошел еще дальше, приравняв массовые потребительские товары к таким знаменитостям, как Мэрилин Монро.

Нью-Йоркская выставка « банок для супа Кэмпбелла» Энди Уорхола (серия из 42) в 2007 году; Эндрю Уорхола, CC BY-SA 2. 0, через Wikimedia Commons

Поп-скульптура: Клас Ольденбург

Хотя скульптура кажется идеальным средством для поп-арта, Ольденбург был одним из немногих художников поп-арта, исследовавших ее.Сегодня Ольденбург славится своими мягкими скульптурами и огромными публичными копиями обыденных предметов потребления, многие из его более ранних работ были в гораздо меньшем масштабе. В 1961 году Ольденбург создал выставку под названием « Магазин », где он арендовал витрину в Нью-Йорке, где продавались его небольшие скульптурные копии обычных предметов.

Вскоре после The Store, Ольденбург начал экспериментировать с мягкими скульптурами. Ольденбург использовал ткань и набивку для изготовления больших рожков мороженого, кусочков торта, миксеров и других потребительских товаров.Эти мягкие скульптуры рушатся сами по себе, возможно, это говорит о пустоте потребительских предметов.

Всю свою карьеру Ольденбург сосредоточился исключительно на обычных предметах. Следуя своим мягким скульптурам, Ольденбург начал создавать великие произведения общественного искусства. Его скульптура «Прищепка » 1974 года в Филадельфии была 45 футов высотой. Ощущение игривости по отношению к необычному изображению обыденного пронизывает все работы Ольденбурга, независимо от масштаба.

Поп-арт в Лос-Анджелесе

В то время как Нью-Йорк был родиной американского поп-арта, у Лос-Анджелеса был свой собственный бренд.Сцена в Нью-Йорке была гораздо более жесткой, чем в Лос-Анджелесе, где не было признанных критиков и галерей Восточного побережья Америки. Это отсутствие жесткости проявляется в поп-артистах, которые работали и жили в Лос-Анджелесе.

В 1962 году Художественный музей Пасадены провел первое исследование поп-арта. На выставке New Painting of Common Objects были представлены работы художников Лихтенштейна, Уорхола и Лос-Анджелеса Джо Гуда, Эда Руша, Роберта Дауда и Филиппа Хеффертона.

Была еще одна эстетика поп-арта, которую практиковали поп-артисты Лос-Анджелеса, такие как Билли Аль Бенгстон. Работы в этой эстетике касались мотоциклов и серфинга, а также использовались новые материалы, такие как автомобильная краска. Сделать знакомое странным было центральной темой большей части поп-арта Лос-Анджелеса.

Используя неожиданные и новые комбинации медиа и изображений и сместив акцент с товаров народного потребления, художники поп-арта Лос-Анджелеса вывели поп-арт за пределы чистого воспроизведения. Эти художники начали вызывать определенные отношения, чувства и идеи в своих работах, основывая свои композиции на опыте и раздвигая границы между популярной культурой и изобразительным искусством.

Вывеска: Ed Ruscha

Руша был одним из ведущих исполнителей поп-музыки Лос-Анджелеса, и в своих работах он использовал самые разные медиа. Большинство его работ были нарисованы или напечатаны, и он часто использовал фразы или слова в качестве сюжетов своих ранних работ, подчеркивая вездесущность вывески Лос-Анджелеса. Работы Руши стирают границы между абстракцией, живописью и рекламными вывесками, что подрывает границы между коммерцией и эстетикой.

Большая часть работ Руша носит в высшей степени концептуальный характер, и он имел тенденцию сосредотачиваться на идее, лежащей в основе работы, а не на самом изображении.Как и у многих художников поп-музыки, работа Руши выходила за рамки простого воспроизведения потребительских образов и предметов. Вместо этого он исследовал взаимозаменяемость опыта, текста, изображения и места.

Реалистичный французский модерн

В 1960 году искусствовед Пьер Рестани основал движение «Новый реализм», разработав «Учредительную декларацию нового реализма». В этом документе утверждалось, что нуво-реализм — это новый способ восприятия реальности.Девять художников, объединившихся в своем осваивании массовой культуры, подписали декларацию в мастерской Ива Кляйна. Принцип поэтического повторения реальности промышленности, городской жизни и рекламы очевиден в деколлаже , разработанном Villegle. Новые изображения были созданы путем разрезания слоев плакатов.

Заботы американского поп-арта о коммерческой культуре отозвались эхом в движении Nouveau Réalisme. Однако этих художников больше интересовали предметы, а не картины.

Немецкий капиталистический реализм

Немецким аналогом американского и британского поп-арта было движение капиталистического реализма. В 1963 году Зигмар Польке основал движение, которое использовало эстетику средств массовой информации для исследования предметов из товарной культуры.

Другие художники, такие как Конрад Леуг и Герхард Рихтер, стремились раскрыть поверхностность и потребительство современных капиталистических обществ, используя эстетику и образность в своих собственных работах. Рихтер исследовал культуру через фотографию, Польке исследовал творческие возможности механического производства, а Леуг исследовал образы поп-культуры.

Propellerfrau (1969) Зигмара Польке; Зигмар Польке, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Известных произведений поп-арта

Как и любое движение, поп-арт очень разнообразен. Движение претендует на многих художников, каждый из которых внес ценный вклад в развитие модернизма. В этом разделе статьи мы исследуем некоторые из самых известных произведений поп-арта и исследуем их вклад в одно из самых известных течений в искусстве 21 века.

Эдуардо Паолоцци:

Я был игрушкой богача (1947)

Эдуардо Паолоцци был шотландским художником и скульптором, который был важным представителем послевоенного авангарда в Англии. В 1947 году он завершил этот коллаж из популярных изображений, произведение, которое намекает на движение поп-арта, которое последует только через несколько лет. В этом коллаже Паолоцци использует рекламу Coca-Cola, обложку романа криминального чтива и рекламу набора в армию.

Как и многие другие произведения британского поп-арта, это произведение отражает более темный, более критический тон. Работа является прекрасным примером того, как британский поп-арт отразил разрыв между суровой политической и экономической реальностью послевоенной Британии и богатым гламуром, идеализированным в популярной американской культуре. Паолоцци стал членом Независимой группы, и большая часть его работ исследует влияние массовой культуры и технологий на изобразительное или высокое искусство.

Выбор Паолоцци коллажной среды отсылает к фотомонтажному влиянию дадаистского и сюрреалистического движений .Собирая на одной странице широкий спектр образов популярной культуры и идей поп-арта, Паолоцци воссоздает повседневный шквал образов в средствах массовой информации в современном мире.

Ричард Гамильтон:

Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? (1956)

Коллаж был популярной формой раннего поп-арта, и этот коллаж Ричарда Гамильтона — еще один яркий тому пример. Гамильтон сделал это произведение для выставки This is Tomorrow в 1956 году.Этот коллаж был рекламой выставки, и он был включен в каталог. Многие критики называют этот коллаж самым первым произведением британского поп-арта.

В коллаже мы видим современных Адама и Еву. Эти двое — не библейские персонажи, а танцор бурлеска и бодибилдер. Эти два основных персонажа находятся в среде современных удобств, включая консервированную ветчину, пылесос и телевизор.

Гамильтон вырезал каждый элемент из рекламы в журналах.Сцена, которую создает Гамильтон, поддерживает и эксплуатирует консьюмеризм. Гамильтон также предлагает язвительную критику упадка американских послевоенных лет.

Джеймс Розенквист:

Избранный президент (1960-61)

Эта картина — первая картина в нашем списке, которая не является коллажем, но она начала свою жизнь как единое целое. Розенквист начал создавать это произведение, создав коллаж из трех отдельных элементов. Каждый элемент вырезан из различных материалов СМИ.Лицо Джона Ф. Кеннеди, желтый Chevrolet и кусок торта украшают картину. Затем Розенквист превратил объединение потребительских объектов в монументальную фотореалистичную картину.

Розенквист заявил, что он решил использовать лицо Джона Ф. Кеннеди с одного из своих рекламных плакатов вместе с другими элементами, взятыми из рекламы, потому что его интересовала внезапная тенденция к тому, что люди рекламируют себя как потребительские товары.

Розенквист умело сочетает элементы коллажа в живописи, доказывая свой художественный талант и способность предлагать яркие культурные и политические комментарии через популярные образы.

Клас Ольденбург:

Кондитерская, I (1961-62)

Хотя скульптура не была самой распространенной средой в движении поп-арта, Ольденбург был самым известным скульптором в стиле поп-арт. Если вы когда-нибудь видели большие, игриво абсурдные скульптуры неодушевленных предметов или еды, скорее всего, они были созданы Ольденбургом.

Apple Core (1992) Класа Ольденбурга; ילום: דדר אבישי טייכר, CC BY 2.5, через Wikimedia Commons

Pastry Case, I — это собрание работ, которое Ольденбург выставил на своей инсталляции 1961 The Store . Магазин был магазином в Нижнем Ист-Сайде в Нью-Йорке, где Ольденбург создавал и выставлял скульптурные объекты. Гипсовые засахаренные яблоки Ольденбурга, клубничные пирожные и другие потребительские товары были выставлены в его инсталляции, напоминающей магазин.

Изделия Ольденбурга не только были коммерческими товарами, но и продавались в магазине The Store по очень низким ценам. Инсталляция и коллекция Pastry Case I комментируют взаимосвязь между коммерческими товарами и искусством как товарами.Хотя Ольденбург продавал эти изделия как товары массового производства, все они делались вручную.

Ольденбург включает в себя еще одну культурную критику в эти работы через щедро выразительные мазки, которые он использует для рисования каждого объекта. Многие считают, что эти мазки высмеивают работы абстрактных экспрессионистов. Критика абстрактного экспрессионизма — это обычная черта поп-арта. Ольденбург создает в высшей степени ироническую атмосферу, сочетая коммерческие предметы с экспрессионистскими мазками.

Фотография Класа Ольденбурга в спектакле «« Курс ножа »в Венеции, 1985 г .; Gorupdebesanez, CC BY-SA 3.0, через Wikimedia Commons

Рой Лихтенштейн:

Тонущая девушка (1963)

К началу 1960-х годов Лихтенштейн становился все популярнее. Лихтенштейн специализировался на картинах, основанных на популярных комиксах, и это одна из его самых известных работ. До Лихтенштейна ни один поп-художник никогда не фокусировался исключительно на мультипликационных образах.Другие художники, такие как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, ранее использовали популярные образы в своих работах, но Лихтенштейн был первым, кто сосредоточился на мультфильмах.

Работа Лихтенштейна и Энди Уорхола возвестила начало движения поп-арта. Хотя Лихтенштейн работал исключительно с комиксами, он не копировал их напрямую из своих источников. Вместо этого он использовал замысловатые приемы, обрезая комические изображения для создания новых и захватывающих композиций. Лихтенштейн также изменил письмо в каждой из своих картин, уплотняя его и указывая на визуальное значение письма в комическом жанре.

Drowning Girl — хороший пример этой техники, потому что исходное изображение включает парня девушки, стоящего над ней на лодке. В своих картинах Лихтенштейн переосмысливает эти аспекты коммерческого искусства. Тем самым он бросает вызов существующим представлениям об иерархии форм искусства.

Как и в случае со многими картинами в стиле поп-арт, неясно, одобряет ли Лихтенштейн комическую форму в своих картинах или критикует ее. Одобряет ли он комический стиль и подражает ему, чтобы повысить его ценность, или это едкая критика? Ответ на этот вопрос остается на усмотрение зрителя.

Зигмар Польке:

Кролики (1966)

Зигмар Польке был важной фигурой в немецком капиталистическом реализме, он стал соучредителем этого движения в 1963 году. Наряду с другими художниками, такими как Конрад Леуг и Герхард Рихтер, Польке начал рисовать изображения поп-культуры. Эти картины вызывают холодный цинизм по поводу состояния экономики Германии после Второй мировой войны. Эти картины в стиле поп-арт также вызывают чувство подлинной ностальгии по самим изображениям.

Когда Лихтенштейн начал копировать точки Бен-Дея, Польке начал имитировать коммерческие четырехцветные точечные рисунки. В своей картине « кроликов», « Польке» воссоздает образ четырех костюмированных кроликов из Playboy Club. Нарушение техники точечной печати на холсте прерывает массовый маркетинговый эффект сексуальной привлекательности. Чем ближе зритель видит полураздетых женщин, тем меньше они видят.

В большинстве своих картин Польке не требует личной идентификации зрителя.Вместо этого картины Польке становятся аллегориями потери себя в потоке коммерческих образов. Диссонанс между повышенной сексуальностью кроликов Playboy и точечным рисунком перекликается с конфликтом между стремлением к массовой коммерческой современной жизни и одновременным отталкиванием от самой идеи.

По сравнению с артистами нью-йоркской поп-музыки, Полке гораздо более открыто критикует консьюмеризм в поп-культуре. Эти взгляды уходят корнями в движение капиталистического реализма.Вместо того, чтобы предлагать скрытую и слегка скрытую критику поп-культуры, Польке решает ее прямо.

Фотография Дитера Фровейна Льяссо (слева) и Зигмара Польке (справа) где-то после 2000 года; Корнел Вахтер, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Эд Руша:

Стандартная станция (1966)

На западном побережье Америки Эд Руша был одним из самых известных поп-фотографов, граверов и художников. Большая часть работ Руши представляет собой уникальное и красочное сочетание голливудских образов, пейзажей Юго-Запада и коммерческой культуры.Заправочная станция, как и в Standard Station, , — распространенный мотив в его творчестве. Фактически, в своей книге « Twentysix Gasoline Stations » (1963) Руша документирует поездку, которую он совершил через юго-западную сельскую местность.

На этой картине Руша сумел превратить обычный и прозаический образ бензоколонки в эмблему американской потребительской культуры. Экран Ruscha печатает это изображение, которое сглаживает перспективу и отражает эстетику коммерческой рекламы.Также можно увидеть ранние эксперименты Руши с взаимодействием текста и языка. В своих более поздних работах Руша будет опираться на эти ранние эксперименты, и язык станет неотъемлемой частью его концептуальных работ.

Обложка автозаправочных станций Twentysix (1962 г.) Эдварда Руша; Эдвард Руша, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Дэвид Хокни:

Большой всплеск (1967)

Хокни создал этот внушительный холст площадью 94 квадратных дюйма по эталонной фотографии в журнале для бассейнов.Для Хокни идея о том, что можно запечатлеть мимолетное событие по фотографии на картине, была интригующей. Хотя момент всплеска был недолгим, процесс рисования длился намного дольше. Хокни удается противопоставить статическую жесткость геометрического дома, пальм, края бассейна, ярко-желтой трамплина для прыжков в воду с динамизмом всплеска воды. В результате возникает намеренно разрозненное ощущение.

Искусственная стилизация картины характерна для стиля поп-арт.

Энди Уорхол:

Суп Кэмпбелла I (1968)

Эта картина является одной из целой серии работ Энди Уорхола на картине Campbell’s Soup Cans . В отличие от работ абстрактных экспрессионистов, Уорхол никогда не хотел, чтобы люди восхищались этими картинами за их композиционный стиль или форму.

Уорхол — один из самых известных художников поп-музыки, наиболее известный как использование универсально узнаваемых популярных образов в контексте изобразительного искусства.В дополнение к его серии о банках для супа Кэмпбелла, Уорхол также использовал лица Мэрилин Монро, Микки Мауса и других известных личностей.

Специальное издание супов Кэмпбелла Энди Уорхола; Фотография: Джон Леффманн, CC BY 3.0, через Wikimedia Commons

Представляя эти различные популярные изображения в повторяющемся стиле, Уорхол создал ощущение массового производства в контексте изящного или высокого искусства. Для Уорхола это был не случай подчеркивания или прославления популярных образов, а скорее социальный комментарий о потреблении.В наше время такие товары, как знаменитости, суп и мультфильмы, можно узнать с одного взгляда.

Хотя Уорхол написал эту раннюю серию, он быстро обратился к трафаретной печати. Мало того, что трафаретная печать была намного более экономичной, он мог придать своим товарам массового производства еще большее ощущение массового производства. На первой персональной выставке Уорхола в Лос-Анджелесе он представил 100 полотен из банок для супа Кэмпбелла. Этот экспонат в галерее Ферус сразу поместил Уорхола на карту мира и поднял его на большую высоту.

Поп-арт, безусловно, одно из самых известных течений в искусстве 21 века. После глобальной войны и невзгод это движение стало полностью современным исследованием растущего потребительства и избытка в современном мире. За яркими красками, игривыми композициями и абсурдной эстетикой скрывается резкая культурная критика.

Почему поп-арт так популярен?

Эта интерпретация исторической сенсации поп-арта важна, потому что она показывает, что поп-арт был намного больше, чем художественное движение, ограниченное художниками и знаменитостями.Движение имело социально-политические последствия, которые реализуются до сих пор. В этом отношении поп-арт можно рассматривать скорее как культурное или социальное движение. Влияние поп-арта выходит за пределы мира искусства, влияя на мир бизнеса и непрерывно трансформируя культуру во все более грандиозное художественное зрелище, отчаянно пытаясь бороться с очевидной реальностью капитализма. Существенное значение поп-арта состоит в том, что экономические и эстетические соображения не противоречат друг другу, как это могло иметь место в традиционном авангарде.Однако не все поп-артисты были в восторге от капитализма. Многие использовали пародию и иронию в попытке ниспровергнуть капитализм. Но поп-арт изменил представление о том, что искусство отделено от поп-культуры. В некотором смысле он был направлен на продвижение хороших аспектов капитализма и (надеюсь) позволил отрицательным аспектам исчезнуть.

В каком смысле поп-арт можно рассматривать как социальное движение, помимо художественного? В том смысле, что это влияет на жизнь людей за пределами сферы искусства.Поп-арт был первым движением, заявившим, что реклама и коммерция на самом деле являются формами искусства. С появлением поп-арта тенденции и мода становятся всеохватывающими явлениями, стремящимися объединить все культурные начинания в единый эстетический стиль. Если бы искусство было формой рекламы, тогда все искусство пыталось бы что-то продвигать или что-то представлять, но это не функция искусства. Искусство не обязательно что-либо представляет или имеет какую-либо полезность.Скорее, реклама — это одна из форм искусства, которая продвигает продукт с целью вызвать к нему интерес. Жанры маркетинга, рекламы, брендинга испытали влияние поп-арта, а поп-арт изначально черпал из них влияние! Мы можем видеть влияние поп-арта в изящном минимализме фирменного стиля корпорации Apple или в простоте разноцветного шрифта в макете главной страницы Google. В той степени, в которой люди воспринимают эту культурную информацию, которая нас окружает, они участвуют в поп-арте как социальное движение, даже если только как пассивные потребители.Поп-арт пропитан аурой добрых намерений в суровой реальности капитализма. Кажется, это говорит о том, что единственный способ преодолеть распространенные социальные проблемы, с которыми мы сталкиваемся, — это уладить их в рамках ограничений капиталистической экономической системы. Потому что, хотя капитализм может быть несправедливым по отношению к бедным, он демократически ориентирован и, таким образом, дает возможность каждому выразить свое мнение, найти свое место и жить хорошей жизнью.

Сравните эту рекламу Apple iPod с сериалом Энди Уорхола о Мэрилин Монро.Изображение любезно предоставлено bumasscommsummer.blogspot.com.

Изображение любезно предоставлено barnesprimaryschool.co.uk.

Поп-арт: история, характеристика

Роберт Индиана (р. 1928)

Родился Роберт Кларк, начинал как абстрактный художник и скульптор по дереву, прежде чем присоединиться к движению поп-арта в Нью-Йорке. Город в 1954 году. Выброшенные трафареты побудили его исследовать ряд слов искусство, помещая буквы и слова (например,Love, Eat, Die) в его картинах которые были основаны на декоре автоматов для игры в пинбол. Он называл себя « Американский художник знаков ». Он наиболее известен своими Графическое изображение 1960-х годов «Любовь», впервые появившееся на Рождество. открытки и марки. Позже он создал скульптурную версию, которую воспроизвел. в разных стилях и языках, включая стальную версию на иврите — с использованием слово «Ахава». В 2008 году он создал новый имидж, используя слово «Надежда», все доходы от которого были пожертвованы Бараку Фонд предвыборной кампании Обамы.

Джаспер Джонс (род. 1930)

Вместе с Раушенбергом Джонс был пионер поп-арта 1950-х годов. Переезд из Южной Каролины в Нью-Йорк в 1949 году он впервые стал известен своими картинами с изображением Американский флаг (например, «Флаг», 1954-55), а также другие стандартные графические изображения, такие как цели и числа. Он также был отмечен для включения энкаустической краски и гипсовый рельеф на его картинах маслом.После фотографий флага он начал включать в свои живописи, а также занялся скульптурой (например, «Ale Cans», 1964). Его использование изображений и материалов поп-культуры, естественно, заставило его отмечен как поп-исполнитель, но его художественные высказывания (в том числе хорошие дело пародии на Дюшана, парадоксов и противоречий). его работу следует обозначить как Неодадаизм . Больше классического, живописного художником, чем многие другие молодые практикующие поп-музыку, которые полагались на техники современного коммерческого искусства, интеллектуальные и новаторские работы Джонса привлекали много похвалы и покровительства. Со временем он исследовал различные другие средства массовой информации, в том числе шелкография и глубина печати, литографии. Сообщается, что в 1998 году Музей Метрополитен в Нью-Йорке заплатил 20 долларов. миллионов за работу «Белый флаг», а в 2006 году за работу «Ложь». «Старт» был куплен частными коллекционерами за 80 миллионов долларов, что делает его самой дорогой картиной из ныне живущих художников.

Алекс Кац (р. 1927)

Уникальный фигуративный художник, хотя он также работал в гравюре и скульптуре, Кац был связан с поп-артом из-за его переработки традиционных темы на поп-идиоме.Он известен своим новаторским переосмыслением идей. использовали импрессионисты (особенно Эдуард Мане, Клод Моне и Жорж Сёра), такие как различные эффекты света и сцены буржуазных для любителей досуга, выполненные в технике «мокрое по мокрому» маслом и свободной манерой. С другой стороны, некоторые его работы представлены довольно мрачно, казалось бы, без эмоций или чувствительности.

Рой Фокс Лихтенштейн (1923-97)

Ведущий поп-исполнитель с мгновенным узнаваемый стиль, его работы превратили графику из комиксов в международный художественная форма.Начинал как художник-абстракционист в 1950-х, преподаватель. в университете Рутгерса познакомил его с коллегой-преподавателем Алланом Капроу и спровоцировал его увлечение поп-культурным искусством. Он начал с раскрашивание от руки версий комиксов рамок, в комплекте с текстовые пузыри (например, «Посмотри, Микки», 1961), а также аншлаг. в нью-йоркской галерее Лео Кастелли, в 1961 году. В следующем году его работы появились в обоих основных направлениях. 1962 выставки в Пасадене и Нью-Йорке.К концу 1963 года Лихтенштейн стали добиваться всемирного внимания. Знаковые работы того времени включали: «Тонущая девушка» (1963) и «Ваам!» (1963). В 1989 г. на распродаже современного искусства Christies в Нью-Йорке, картина Лихтенштейна «Торпедо . .. Лось!» продана за 5,5 миллиона долларов — рекорд для художника.

Клас Ольденбург (р.1929)

Считается крупнейшим скульптором поп-арта. известен своими инсталляциями в стиле паблик-арт, часто с монументальными репликами. предметов повседневного обихода, особенно продуктов питания, таких как гамбургеров и мороженого конусы .Работая в Нью-Йорке с 1956 года, Ольденбург вступил в контакт с Аллан Капроу, Джим Дайн и скульптор Джордж Сигал, с Хеппенингами и другими формами исполнения и установка арт. Отмеченные работы включены: «Двойной гамбургер» (1962), а также его гигантская помада. воздвигнут в Йельском университете в 1969 году. Его главный вклад в поп-музыку, как и Розенквисту было превращать обычные предметы в искусство.

Роберт Раушенберг (1925-2008)

Базируется в основном в Нью-Йорке, Раушенберг. — считался вместе со своим бывшим любовником Джаспером Джонсом одним из лидеры нео-дадаистского искусства — ранний штамм Поп-арт — учился в Black Mountain College в Северной Каролине в 1948 году, под руководством бывшего художника Баухауза Йозефа Альберса (известного своей серией «Посвящение площади»). В В 1951 году состоялась его первая персональная выставка в галерее Бетти Парсонс, а в В 1954 году состоялась вторая персональная выставка в галерее Чарльза Игана. Часто описывается как член Нео-Дада за его связь с «readymades» Марселя Дюшана, он наиболее известен своими « Живописные комбайны » 1950-х годов, состоящий из нетрадиционных материалов и предметов, представленных в инновационных комбинации. В это время Раушенберг специализировался на использовании «найденного». материалы, такие как мусор и другой мусор, который он собирал на улицах Нью-Йорка.Однако с 1961 по 1962 год он начал включать изображения как а также найденные предметы в его работах, обычно фотографии передаются в холст через процесс шелкографии. Таким образом, его работу можно считать современник Энди Уорхола. Раушенберг также работал в художественная фотография, эстамп, изготовление бумаги и перформанс.

Джеймс Розенквист (р. 1933)

Выдающийся художник-поп-художник, получивший образование у Розенквиста. в Школе искусств Миннеаполиса, а затем в Университете Миннесоты.В 1955 году в возрасте 21 года он переехал в Нью-Йорк, чтобы учиться в Художественной академии. Студенческая лига, до работы художником рекламных щитов. Используя его приобрела техник росписи знаков для создания масштабных картин, он сопоставил то, что казалось рекламой, с романтическими журнальными образами чтобы вызвать ощущение прерывности и иррациональности в качестве комментария о современной жизни. Заметной работой в то время была его картина размером с комнату «F-111». (1965).Как и Ольденбург, главный вклад Розенквиста в поп-музыку состоял в том, чтобы превращают обычные предметы в искусство, придавая им монументальные размеры и вес.

Эдуард Руща (р.1937)

Парень из Оклахомы, который разошелся в Лос-Анджелесе в 1956 году, Руша обучался в Художественном институте Шуинарда (ныне Калифорнийский институт искусств) до 1960 г. (находясь под влиянием искусства Марселя Дюшана и Джаспер Джонс), прежде чем работать художником по верстке для Carson-Roberts Рекламное агентство в Лос-Анджелесе.В 1962 году его картины появились рядом с работы Роя Лихтенштейна, Энди Уорхола, Роберта Дауда, Филиппа Хеффертона, Джо Гуд, Джим Дайн и Уэйн Тибо в новаторском шоу в Художественный музей Пасадены. Его ранние отмеченные работы, как правило, ледяные безупречные. копии рекламных щитов и автозаправочных станций, в том числе: «Большой Товарный знак с восемью прожекторами »(1961) и картина маслом« Стандарт ». Станция, Амарилло, Техас »(1963), в котором были отголоски« Газа »Хоппера. (1940).С середины 1960-х он стал известен своими картинами со словами (также известный как Liquid Word Paintings).

Энди Уорхол (1928-87)

Многие считают верховным жрецом поп-арта, До этого Уорхол сделал успешную карьеру коммерческого иллюстратора. всемирную известность благодаря живописи в стиле поп, трафаретам, авангарду. фильмы и образ жизни с участием голливудских звезд, интеллектуалов, художники-авангардисты и знаменитости андеграунда.Его взгляд на влияние телевидения — решающий фактор самобытности и популярности поп-арта — на искусство и жизнь », — удачно сформулирована его знаменитая фраза:« Anyone можно прославиться за 15 минут . «

В 1960-х годах он начал производить картины культовых американских продуктов, таких как Campbell’s Soup Cans , бутылок Coca-Cola и долларовых купюр вместе с изображениями из международных звезд , таких как Мэрилин Монро, Ингрид Бергман, Элизабет Тейлор и Элвис Пресли.Он также основал свой знаменитый Новый Йоркская художественная студия, известная как « Фабрика », где он ожидал Методы массового производства Дэмиена Херста более 30 лет.

Прежде всего, искусство Уорхола вращалось вокруг иконография стала известна благодаря телевидению, кинофильмам и рекламе, например как атомные бомбы, грибовидные облака, пенитенциарные электрические стулья, автомобильные аварии и расовые беспорядки. Поэтому его фотографии были мгновенно узнаваемы и вызвал массовое обращение.

Частично закрыт проблемами, связанными с его известность и образ жизни, статус Уорхола как новатора и выдающегося творческий художник уверен, не в последнюю очередь за его преобразование банального образы в иконы мирового искусства. Кроме того, он был исключительно плодовитым, работа с широким спектром средств массовой информации, включая рисование, живопись, эстамп, фотография и фильмы.

Известный британец Поп-арт

Питер Блейк — Патрик Колфилд — Ричард Гамильтон
Дэвид Хокни — Аллен Джонс — Эдуардо Луиджи Паолоцци,

Питер Блейк (б.1932)

Впервые идентифицирован как член развивающейся Британское движение поп-арта, когда он показал вместе с Дэвидом Хокни, Р. Китай и другие на выставке «Молодые современники», 1961 г., Блейк привлек более широкое внимание, когда снялся в «Pop Goes the Easel», фильм Кена Рассела 1962 года о британском поп-арте. Однако он остается лучшим известна тем, что разработала обложку для альбома « Sergeant Pepper’s» Битлз. Lonely Hearts Club Band «.

Поп-арт — краткая история

Поп-арт — краткая история

Поп-арт — это художественное направление, возникшее в середине 1950-х годов в Великобритании и в конце 1950-х годов в Соединенных Штатах. Поп-арт бросил вызов традициям изобразительного искусства, включив в него образы популярной культуры, такие как реклама и новости. В поп-арте материал иногда визуально удаляется из известного контекста, выделяется и / или объединяется с другим материалом. Концепция поп-арта относится не столько к самому искусству, сколько к отношениям, которые к нему привели.

Поп-арт характеризовал чувство оптимизма во время послевоенного потребительского бума 1950-х и 1960-х годов. Это совпало с глобализацией поп-музыки и молодежной культуры, олицетворяемой Элвисом и The Beatles. Поп-арт был дерзким, молодым, веселым и враждебным художественным истеблишментом. Он включал в себя разные стили живописи и скульптуры из разных стран, но все они были объединены интересом к СМИ, массовому производству и массовой культуре. Это широко интерпретируется как реакция на господствовавшие в то время идеи абстрактного экспрессионизма, а также как их расширение.И по использованию найденных предметов и изображений он похож на дадаизм. Поп-арт стремился использовать в искусстве образы популярной, а не элитарной культуры, подчеркивая банальные или китчевые элементы любой данной культуры, чаще всего с помощью иронии. Это также связано с использованием художниками механических средств воспроизведения или техник рендеринга.

Реклама, маркировка продуктов и логотипы занимают видное место в изображениях, выбранных поп-артистами, например, в банках для супа Campbells от Энди Уорхола.Даже маркировка на транспортной коробке, содержащей предметы розничной торговли, использовалась в качестве объекта в поп-арте, например, в скульптурах Уорхола «Коробка для томатного сока Кэмпбелла 1964» или его скульптурах «Коробка для мыла Brillo ».

Энди Уорхол — один из самых известных художников, связанных с поп-артом. Его изображения Мика Джаггера, Мэрилин Монро и банок с супом Кэмпбелла и многие другие стали бытовыми образами, перепечатанными на футболках, плакатах, кружках и признанными людьми во всем мире.

Возможно, удивительно, что движение поп-арта вышло из Лондона до того, как оно убедительно ворвалось на арт-сцену Америки. В конце концов, именно американский художник Энди Уорхол стал синонимом движения, известного как поп-арт. Однако именно Ричард Гамильтон и Эдуардо Паолоцци, как некоторые из членов-основателей Independent Group (художественный и литературный коллектив, регулярно встречавшийся в ICA в Лондоне в период с 1952 по 1955 год), были предшественниками британского поп-арта и трансатлантическое движение поп-арт.Ричарда Гамильтона часто называют основателем британского поп-арта. Другие считают, что разговоры между Гамильтоном и Паолоцци положили начало трансатлантическому художественному движению, ныне известному как поп-арт.

Третьи настаивают на том, что «американский поп-арт» возник сам по себе, а не в отличие от своего британского аналога. Утверждается, что это было одновременно развитием и реакцией на абстрактную экспрессионистскую живопись, которая была первым американским художественным движением, получившим всемирное признание. Однако к середине 1950-х многие почувствовали, что он стал слишком интроспективным и элитарным.

Американский поп-арт эволюционировал как попытка повернуть вспять элитарную и абстрактную тенденцию, повторно представив изображение как структурный элемент в живописи, чтобы снова вывести искусство из мрака абстракции в реальный мир. Это была модель, испытанная и испытанная ранее. Пикассо сделал нечто подобное сорок лет назад, когда он коллажировал напечатанные изображения из «реального мира» в свои натюрморты, когда размышлял, не становится ли его работа слишком абстрактной.

Примерно в 1955 году появились два замечательных художника, которые заложили основы моста между абстрактным экспрессионизмом и поп-артом. Это были Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, предшественники американского поп-арта.

Также очевидно, что движение американских абстрактных импрессионистов оказало влияние и на движение британского поп-арта. Сэр Питер Блейк создал работы на основе Union Jack ( Union Flag 3 (Black) — внизу слева), на которые явно повлияли звездно-полосатый флаг Джаспера Джона (вверху слева) и коллаж Гамильтона ( Collage of the White). Альбом, 1968 г. — внизу справа) ) напоминает альбом Раушенберга 1960-х годов (см. Retroactive II, 1963 ).

Независимо от того, где началось движение или с какой стороны Атлантики — это ясно из коллекционеров, музеев и огромного общественного интереса, что поп-арт действительно очень популярен и здесь надолго.

Художественные движения | Поп-арт, оп-арт и не только

Поп-арт впервые появился в середине 1950-х годов как в Америке, так и в Великобритании. Частично это была реакция против эмоциональной серьезности и самоанализа абстрактного экспрессионизма, на который повлиял опыт Второй мировой войны. Термин «поп-арт» был придуман в 1954 году британским критиком и куратором Лоуренсом Аллоуэем (1926–1990) для описания «популярного искусства» и образов, созданных массовой культурой , которую начало выбирать «высокое» искусство. Внедрение и использование: флажков, музыкальных автоматов, значков, рекламных логотипов, комиксов и журналов . После интенсивности абстрактного экспрессионизма, поп-арт отдавал предпочтение иронии и безличным техникам в создании произведений искусства, а также возвращению к фигуративной живописи.

Преодоление разрыва в абстрактном экспрессионизме

Живописный стиль, заимствованный из абстрактного экспрессионизма, использовался рядом художников так называемого « битного поколения » 1950-х годов. На работу Роберта Раушенберга (1925–2008) повлияло использование повседневных «найденных» материалов в кубистском коллаже и в «готовых мейдов» Марселя Дюшана (1887–1968). С 1954 года Раушенберг начал производить работы, которые были не только необычными по цвету и обработке поверхности, но также включали в себя обрывки эфемеры и даже трехмерные объекты, такие как чучела птиц , ржавый металл, резиновые шины , выброшенные предметы одежды. и всякое старое барахло.В Кровать (1955) Раушенберг подвесил кровать вертикально к стене и залил ее цветной краской, пародией на «капельные картины» абстрактных экспрессионистов , предполагая, что их идеи были воплощены в царстве . банальный и будничный. Эффект «сплошности», созданный работами Раушенберга, где ни один элемент не казался композиционно более важным, чем другие — будь то нарисованный, воспроизведенный или найденный — был подобен «сплошной» окраске абстрактного экспрессионизма .

Джаспер Джонс (р. 1930) тоже отошел от работ абстрактных экспрессионистов, используя темы, которые были общими для всех : знакомые массовые образы, такие как флаги и мишени. В 1952 году Джонс поселился в Нью-Йорке, где познакомился с Раушенбергом, который поделился его взглядами на нахальную банальность современной культуры. Влияние Дада очевидно, поскольку он сознательно противопоставлял себя принципам традиционного искусства. Он отказался от оригинальности , взяв ранее существовавших и сразу узнаваемых объектов и подчеркнув их саму заурядность.В таких работах, как Three Flags (1958), внимание было отвлечено от изображаемого предмета с его хорошо известными формами и цветами, к обращению с самой краской. Использование Джонсом смелых культовых изображений стало решающим источником вдохновения для художников поп-музыки.

Визуальная коммуникация

В Соединенных Штатах президентство Джона Ф. Кеннеди , начавшееся в 1960 году, ознаменовало новую эру оптимизма и прославление потребительских ценностей среднего класса.Мир рекламы и графического дизайна был основным источником поп-арта. Джеймс Розенквист (р. 1933) работал рисовальщиком рекламных щитов, прежде чем включить в свои работы масштабные, четкие формы и гладкий реализм рекламы. Картина F-111 (1965) объединила беспорядочных изображений из средств массовой информации , включая реактивный бомбардировщик и улыбающееся лицо ребенка, чтобы предложить резких сопоставлений современной городской жизни.

Визуальный образ как форма массовой коммуникации заменил письменное слово, и это было ключевой особенностью работы Роя Лихтенштейна (1923–98) примерно с 1960 года.Картины Лихтенштейна состояли из серии крошечных, тщательно нарисованных точек « Бен Дэй » — основных компонентов печатных изображений — и они изображали отдельные рамки комиксов, часто дополненные словами и подписями. На картине « Девушка с лентой для волос » (1965), например, изображена гламурная голубоглазая блондинка с тревожным выражением лица, что намекает на мелкомасштабных мирских драм американской загородной жизни.

Культура потребления

Американский художник Энди Уорхол (1928–87) сначала работал иллюстратором, занимаясь рекламой и модным дизайном, создав в начале 1960-х годов серию из рисунков с трафаретами , на которых были изображены банки с томатным супом Кэмпбелла, долларовые купюры и кока-кола бутылки.Как и Джонс, Уорхол сознательно выбрал мотивы, которые были частью общей американской культуры , и разработал технику трафаретной печати своих изображений, чтобы их можно было массово воспроизвести. Он использовал механическую обработку s, чтобы освободить изображение от каких-либо коннотаций мастерства, эстетики или индивидуальности — даже назвав свою студию « The Factory ». Уорхол быстро расширил свои ссылки на популярную культуру, изображая известных личностей (Мэрилин Монро, Марлон Брандо, Элвис Пресли), а также более зловещие предметы, такие как вырезки из новостей с автокатастрофами или электрическим стулом. Такие изображения предполагали поверхностность знаменитостей и медиа-культуры: его картина Мэрилин Диптих (1962), созданная сразу после смерти кинозвезды, пробудила у меланхолическое ощущение несоответствия культового изображения через размытие и исчезновение повторяющихся изображений Мэрилин. лицо.

Стилистический нейтралитет и отсутствие эмоций были важными аспектами картин Уорхола, поэтому они намеренно держались на расстоянии от царства «высокого» или «высокого» искусства.Этот интерес к «низкому» искусству составляет как средство обновления художественной традиции. имел свои предшественники в американском современном искусстве в работах более ранних художников, таких как Чарльз Демут (1883–1935) и Стюарт Дэвис (1894–1964). . Демут был одной из ключевых фигур в американском механизме Precisionist , основные темы которого включали индустриализацию и модернизацию американского ландшафта. Его картина « Я видел пятерку в золоте » (1928), например, напомнила промышленный вид , созданного механически, надписи на рекламном щите .

Британский поп-арт

Поп-арт в Великобритании в том виде, в каком он развивался в период с начала до середины 1950-х годов, выражал стремление к американскому образу жизни потребительского изобилия , в отличие от атмосферы послевоенного нормирования и лишений. В коллаже под названием «Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956), художник Ричард Гамильтон (1922–2011) представляет собой ироничное, но в то же время праздничное почтение амбициозному потреблению .Шотландец Эдуардо Паолоцци (р. 1924) также обратился к популярным американским журналам, используя пикантный женский журнал под названием «Intimate Confessions» в своей ранней работе «Я был игрушкой для богатого человека » (1947). Питер Блейк (р. 1932) черпал вдохновение, прежде всего, в популярной музыке, используя коллажированные фотографии, о чем свидетельствует его обложка альбома группы «Битлз» Sergeant Pepper’s Lonely Hearts Club Band в 1967 году.

Дэвид Хокни (р.1937) был важным посредником между британским и американским поп-артом. Его ранние работы опирались на популярную культуру, особенно в форме граффити. В Йоркшире он участвовал в выставке « молодых современников» 1961 года «», знаменательной выставке, которая знаменовала приход британского поп-арта. Хокни использовал упрощенные формы — горизонтальные формы домов, лужаек, изгороди, бассейны и голубое калифорнийское небо — в серии работ, изображающих различные движения воды, как в его картине A Bigger Splash (1967).

Искусство как перформанс

Использование найденных предметов и пережитков повседневной жизни , а также ироничное отношение к новому обществу потребления — это черты, которые поп-арт разделяет с работами группы художников Франции 1960-х годов, известной как Nouveaux. Réalistes . Эти художники хотели напрямую вовлечь современное общество в свою работу, ссылаясь на консьюмеризм и средства массовой информации. Они экспериментировали с перформансами и событиями, а также с трехмерными «сборками», основанными на принципе коллажа.Художница Ники де Сен-Фалль (1930–2002) создала серию «стреляющих картин»: большие коллекции собранных предметов, по которым она и ее коллеги-художники стреляли небольшими тканевыми мешками, наполненными краской, чтобы произвести разбрызганный жестокий эффект. . Anthropometrie s Ива Кляйна (1928–62), не имевшего формального художественного образования, были как буквально образными (своего рода портреты каждого отдельного тела), так и абстрактными. Итальянский художник Пьеро Манцони (1933–63) познакомился с Кляйном в 1957 году и под его влиянием отошел от фигуративной живописи к созданию простых полотен, усиленных простыми деталями, такими как покрытие из белых предметов, которое он назвал « Ахромес». ‘(‘ без цвета ‘).Он также резал и сшивал свои полотна , чтобы привлечь внимание к ним как к объектам в себе. Манцони использовал перформативную природу искусства в своих знаменитых жестах подписания воздушных шаров, наполненных собственным дыханием , и банок с его собственными фекалиями.

Оп-арт и абстракция

В то время как поп-арт опирался на узнаваемые образы, чтобы передать свое восприятие или пародию на современную культуру, тенденция 1960-х годов, известная как «оп-арт», была бескомпромиссно абстрактной .Оп-арт имел свои истоки в русском конструктивизме и супрематизме Малевича (1878–1935), в развитии живописного стиля, который был связан с восприятием абстрактных форм зрителем и с ощущениями и иллюзиями, которые они могли вызвать. «Op» — это сокращение от «оптический», и Op Art было направлено на изучение эффектов различных видов стимуляции сетчатки с использованием близко расположенных черно-белых или цветных узоров. В соответствии с другими современными разработками, оп-арт стремился не создать иллюзию репрезентации — одну из традиционных ролей в живописи, — а заставить зрителя подвергнуть сомнению свои процессы видения . Цветные работы Виктора Вазарели (1908–97) с их пульсирующими квадратами и кругами стали рассматриваться как воплощение оп-арта. В Великобритании Бриджит Райли (р. 1931) также имела опыт работы в коммерческом дизайне и рекламе, продолжая выпускать такие работы, как Burn (1964) — композиция в эмульсии на ДВП с использованием повторяющихся черно-белых треугольников. , которые, кажется, колеблются и движутся, дезориентируя зрителя. Под влиянием футуристов Джакомо Балла (1871–1958) и Умберто Боччони (1882–1916) она начала развивать этот стиль в 1960-х годах, создав галлюцинаторных изображения , состоящих из бесконечно повторяющихся узоров.

Минимализм

Как и оп-арт, минимальное искусство конца 1950-х — начала 1960-х годов рассматривало более ранние движения двадцатого века, такие как Супрематизм и Неопластицизм Мондриана (1872–1944) как прецеденты. Частично он развился из абстрактного экспрессионизма, из все более урезанных картин Барнетта Ньюмана (1905–70). Ад Рейнхардт (1913–67) был близким соратником абстрактных экспрессионистов, но отчасти благодаря вдохновению индийского искусства начал создавать картины с использованием одного цвета и простых симметричных прямолинейных форм.В заявлении 1962 года, озаглавленном « Искусство как искусство », Рейнхардт утверждал, что единственной целью абстракции может быть сделать искусство « более чистым и пустым, более абсолютным и эксклюзивным ». Минимализм стремился устранить все самовыражение из искусства, создавая работы, которые были значимыми сами по себе, но ничего не представляли, и которые были задуманы в уме художника, а не найдены в природе. Например, работа Harvest (1965) художника Агнес Мартин (1912–2004) состояла из тонкой сетки из тысяч перекрещивающихся карандашных линий на простом кремовом холсте — задуманной как геометрическая работа, которая был бесчувственным и безличным .

Концептуальное искусство

Представление и включение реальных объектов в картины Джаспера Джонса и его скульптуры из пивных банок и фонарей в реальном масштабе и деталях подняли вопрос об искусстве как о процессе мышления , что сделало Джонса важным предшественником концептуального искусства . И поп-художники, и мимималисты в какой-то степени интересовались искусством как средством мышления — « искусство как идея », — которое могло выйти на за пределы традиционных средств массовой информации — живописи, рисунка и скульптуры, включив в себя жестов. спектакли и события .Общей отправной точкой этих различных проявлений был отказ от традиционного арт-объекта : чего-то осязаемого и уникального, что можно было выставлять и продавать. Работа Марселя Дюшана в 1910-х годах была решающим источником вдохновения для этого, поскольку он обозначал объекты — велосипедное колесо, вешалку для бутылок и ряд вешалок, а также транзакции — чек для его дантиста, залог для игры в рулетку — как искусство. Концептуальное искусство Романа Опалка (1931–2011), например, включало обширную серию картин с названиями от 1 до Infinity , в которых холсты были заполнены бесконечными последовательностями чисел, каждая из которых записана на ленту. player в то же время, как его красили.

Концептуальное искусство, международное движение, объединяющее 1960-х и 1970-х , часто приводило к недолговечным событиям и действиям, существующим для потомков только в форме фотографий, фильмов или письменных документов. Тем не менее, живопись также использовалась художниками-концептуалистами , чтобы вызвать вопросы в сознании наблюдателя, чья роль теперь стала более важной, чем когда-либо, благодаря участию и «завершению» произведения искусства . Смещение акцента с самого объекта искусства на набор представлений о роли и функции искусства привело к частому использованию языка как неотъемлемой части художественного произведения. Художник Бен Вотье (р. 1935) нарисовал акрилом на холсте смелые лозунги, которые были задуманы как своего рода пропаганда против истеблишмента, как в случае с картиной Искусство бесполезно, Иди домой (1971), игривой и провокационной. произведение, превращающее живопись в парадоксальное «антихудожественное» занятие. Концептуальное искусство часто было суровым, и безжалостным по своему внешнему виду и своему отношению к художественной традиции, которое считалось идеологически загруженным и неприемлемым.Это движение начало угасать в середине 1970-х годов, когда художники снова начали проявлять интерес к материалам и предметам живописи. Тем не менее, он выдвинул на первый план использование иронии, юмора и автобиографического содержания , которые будут восприняты новыми поколениями художников.

Если вам понравилась наша серия блогов о движениях в искусстве, обязательно загляните в нашу книгу «Великие шедевры искусства мира», в которой представлена ​​впечатляющая подборка ключевых произведений искусства из каждого движения. А также: поп-арт, оп-арт, минимализм и концептуальное искусство — все они были частично вдохновлены более ранними влиятельными идеями, о которых вы можете узнать больше в нашей книге «Истоки современного искусства».

Ссылки

— Узнайте больше о Джаспере Джонсе в этом эссе из Met Museum.
— Посмотрите видеоинтервью с одной из моделей «Антропометрии» Ива Кляйна здесь.
— Откройте для себя немного науки, лежащей в основе оп-арта.

Изображения в порядке появления:

— Банки с супом Кэмпбелла (1962), Энди Уорхол, © 2016 Andy Warhol Foundation / ARS, NY / TM Лицензия Campbell’s Soup Co.Все права защищены, через Музей современного искусства
— Кровать (1955), Роберт Раушенберг, © 2016 Robert Rauschenberg Foundation / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, NY через Музей современного искусства
— Девушка с лентой для волос (1965), Рой Лихтенштейн, via Modern American
— A Bigger Splash (1967), Дэвид Хокни, © Дэвид Хокни, via Галерея Тейт
— Hesitate (1964), Бриджит Райли, © Bridget Riley 2015. Все права защищены, любезно предоставлено Карстен Шуберт, Лондон, через Галерея Тейт
— Три флага (1958), Джаспер Джонс © Джаспер Джонс / Лицензия VAGA, Нью-Йорк, Нью-Йорк через Музей американского искусства Уитни

Энди Уорхол: Король поп-арта — Musarticle

Движение поп-арта

По мере того, как 1950-е подходят к концу, возникает новое направление в искусстве.Поп-арт приносит новую волну художников, которые оставят свой след в истории искусства.

Вслед за популярностью абстрактных экспрессионистов в конце 1940-х годов, которая каким-то образом должна была охватывать не только работы художников, наполнявших свои холсты полями цвета и абстрактными формами, но и тех, кто напал на свои полотна с энергичным жестовым экспрессионизмом.

Wayne Thiebaud, Sandwich, 1963

Повторное введение в поп-арт идентифицируемых образов, почерпнутых из средств массовой информации и массовой культуры, стало серьезным сдвигом в направлении модернизма. Тематика стала далека от традиционных тем «высокого искусства» морали, мифологии и классической истории. Скорее, поп-артисты прославляли обычные предметы и людей повседневной жизни. Движение поп-арт стремится поднять массовую культуру на уровень изобразительного искусства. Возможно, благодаря использованию коммерческих образов, поп-арт стал одним из самых узнаваемых стилей современного искусства.

История поп-арта

Поп-арт, родившийся в Великобритании в середине 1950-х годов, был детищем нескольких молодых подрывных художников, как и большинство современного искусства.

Рождение поп-арта

Первое применение термина «поп-арт» произошло во время дискуссий среди художников. Они назвали себя «Независимая группа», входившая в Лондонский институт современного искусства.

Рой Лихтенштейн. Тонущая девушка. 1963

Поп-арт ценит популярную культуру или то, что мы также называем «материальной культурой». Он не критикует последствия материализма и потребительства, но просто признает его повсеместное присутствие как естественный факт.

Поп-арт, по большей части, завершил движение модернизма в начале 1970-х годов. Он также положил конец движению модернизма, подняв зеркало современного общества.

Возвышение движения

Как только поколение постмодернистов пристально и долго смотрело в зеркало, неуверенность в себе взяла верх, и праздничная атмосфера поп-арта исчезла. Напротив, абстрактные экспрессионисты искали травму в душе. Тем временем поп-артисты искали следы той же травмы в опосредованном мире рекламы, мультфильмов и популярных изображений в целом.Но, пожалуй, точнее будет сказать, что поп-артисты первыми осознали, что нет прямого доступа к чему-либо, будь то душа, мир природы или искусственная среда.

Поп-художники считали, что все взаимосвязано, и поэтому стремились сделать эти связи буквальными в своих произведениях искусства. Создавая картины или скульптуры объектов массовой культуры и звезд СМИ, движение поп-арта стремилось стереть границы между «высоким» искусством и «низкой» культурой. Представление об отсутствии иерархии культуры и о том, что искусство может заимствовать из любого источника, было одной из его самых влиятельных характеристик.

Восторженное искусство образов

Хотя поп-арт включает в себя широкий спектр работ с очень разными взглядами и позами, большая его часть в некоторой степени эмоционально удалена.

В отличие от предшествовавшего «горячего» выражения жестовой абстракции, поп-арт, как правило, «холодно» амбивалентен. Предполагает ли это принятие популярного мира или шокирующий отказ от него, было предметом множества споров.

Поп-артисты, казалось, приняли послевоенный производственный и медиа-бум.Некоторые критики назвали выбор изображений в стиле поп-арт восторженным одобрением капиталистического рынка. Однако другие отметили элемент культурной критики в том, что поп-артисты возвели повседневное искусство в высокое. Связывая товарный статус представленных товаров со статусом самого предмета искусства, поп-арт подчеркивает место искусства как товара.

Профили художников поп-музыки

Большинство художников поп-музыки начинали свою карьеру в коммерческом искусстве: Эд Руша также был графическим дизайнером, а Джеймс Розенквист начал свою карьеру в качестве художника для рекламных щитов.Энди Уорхол был очень успешным иллюстратором журналов и графическим дизайнером. Их опыт работы в мире коммерческого искусства обучил их визуальному словарю массовой культуры, а также методам плавного слияния сфер высокого искусства и поп-культуры.

Энди Уорхол Ранние годы

Родился Эндрю Уорхола в рабочем пригороде Питтсбурга, штат Пенсильвания, 6 августа 1928 года в семье словацких иммигрантов. Уорхол рано проявил интерес к фотографии и рисованию, посещая бесплатные занятия в Институте Карнеги.Семья была византийско-католической и посещала византийскую католическую церковь св. Иоанна Златоуста. У Энди Уорхола есть два брата, Джон и Пол. Его отец погиб в результате несчастного случая, когда Энди было 13 лет.

Уорхол спустился с танцем Святого Вита в третьем классе, поражение нервной системы, вызывающее непроизвольные движения, которые были осложнением скарлатины. В детстве он часто был прикован к постели и стал изгоем среди других учеников. В постели он много рисовал, слушал радио, собирал снимки кинозвезд.

Спустя годы Уорхол описал период своей болезни как очень важный для развития его личности и формирования его навыков и предпочтений. В старших классах школы Уорхол посещал уроки рисования там и в Институте Карнеги (ныне Художественный музей Карнеги). Он был в некотором роде изгоем, потому что был тихим, всегда держал в руках альбом для рисования, у него была шокирующе бледная кожа и светлые волосы.

Уорхол тоже любил ходить в кино и начал коллекцию памятных вещей знаменитостей, в частности фотографий с автографами.Некоторые из этих картин появились в более поздних работах Уорхола. Уорхол окончил среднюю школу, а затем поступил в Технологический институт Карнеги в 1945 году, который окончил в 1949 году по специальности «Изобразительный дизайн».

Энди Уорхол

Стиль поп-арта Энди Уорхола

Во время учебы в колледже Уорхол разработал технику промокательной линии, которая заключалась в том, чтобы склеить два листа чистой бумаги по краю и затем нарисовать чернилами на одной странице. Прежде чем чернила высохли, он сжал два листка бумаги вместе.В результате получилось изображение с неправильными линиями, которые он мог заполнить акварелью. Уорхол переехал в Нью-Йорк сразу после колледжа и десять лет проработал там коммерческим иллюстратором. Он быстро заработал репутацию в 1950-х годах благодаря использованию своей техники промокания в коммерческой рекламе.

Энди Уорхол, без названия

Примерно в 1960 году Уорхол решил сделать себе имя в поп-арте, новом стиле искусства, который зародился в Англии в середине 1950-х годов. Он состоял из реалистичных изображений популярных повседневных предметов.Уорхол отказался от техники рисования пятнами и решил использовать краску и холст, но он не мог решить, что рисовать.

Энди Уорхол, «Зеленые бутылки кока-колы», 1962 год

Уорхол начал с бутылок кока-колы и комиксов, но его работа не привлекала того внимания, которого он хотел.

В декабре 1961 года друг подал Уорхолу идею: он должен нарисовать то, что ему больше всего нравится в мире, например, деньги или банку супа. Уорхол нарисовал и то, и другое. Первая выставка Уорхола в художественной галерее состоялась в 1962 году в галерее Ferus в Лос-Анджелесе.Он продемонстрировал свои холсты с супом Кэмпбелла, по одному на каждый из 32 видов супа, производимых компанией. Он продал все картины комплектом за 1000 долларов. Вскоре работы Уорхола стали популярными во всем мире, и он был в авангарде нового движения поп-арта.

Уорхол, Суп Кэмпбелла, 1962 г.

Известные произведения поп-арта Уорхола

Помимо рисования и создания коробчатых скульптур, таких как Коробка Брилло и Коробка Хайнца, Уорхол начал работать в других средах, включая производство пластинок, таких как The Velvet Underground, журнальные публикации, например Интервью и кинопроизводство.

Бархатный андерграунд и альбом Нико Студио, 1967

Авангардные фильмы Уорхола

Его авангардные фильмы, такие как «Девочки Челси», «Минет» и «Империя», стали классикой андеграундного жанра. Критики нападали на таких художников, как Уорхол, за «капитуляцию» перед потреблением. Ценив прежде всего его ранние картины, они игнорировали деятельность, которая занимала его внимание в последующие годы. Уорхол проявлял огромный интерес к вечеринкам, коллекционированию, публикации и написанию заказных портретов.Однако некоторые начали думать, что все эти предприятия составляют самое важное наследие Уорхола. на самом деле, они являются прообразом разнообразных интересов, занятий и вмешательств, которыми сегодня занимаются художники.

Критики были возмущены тем, что Уорхол открыто признал рыночную культуру. Этот симпозиум задал тон приемам Уорхола на протяжении всего десятилетия. Наконец, становилось все более и более очевидным, что Уорхол находится в центре глубоких изменений в культуре мира искусства.

Изобразительное искусство и коммерческое искусство

Квинтэссенцией мастерства Энди Уорхола была его способность устранить разницу между изобразительным искусством и коммерческим искусством.Его работы появлялись в журнальных иллюстрациях, комиксах, альбомах звукозаписи или в рекламных кампаниях.

Сведя к минимуму роль своей руки в создании своих работ, Уорхол произвел революцию в художественном мышлении. В результате его работы быстро стали очень противоречивыми и популярными.

В 1970-х годах Уорхол снова сосредоточился на живописи и много работал на заказ. Он делал это как для корпораций, так и для частных лиц, портреты которых он писал. Работы, созданные в этом десятилетии, включают черепа, серпы и молот, торсы, мао и тени.

Президентская кампания Джимми Картера, 1976

Уорхол, прочно утвердившийся как крупный художник 20-го века и международная знаменитость, получил большую ретроспективу своих работ в Художественном музее Пасадены, которая побывала в музеях по всему миру.

У Уорхола снова появился критический и финансовый успех в 1980-х годах. Этот успех частично объясняется его связью и дружбой с рядом плодовитых молодых художников. Они доминировали на «бычьем рынке» нью-йоркского искусства.Среди них мы считаем Жана-Мишеля Баскию, Жулиана Шнабеля, Давида Салля и так называемых неоэкспрессионистов. Он также был другом Франческо Клементе, Энцо Кукки и членов движения Transavanguardia, которое стало влиятельным.

Харинг, Уорхол и Баския

После плановой операции на желчном пузыре Энди Уорхол скончался от осложнений во время выздоровления 22 февраля 1987 года.

Вечный король поп-арта

Энди Уорхол — один из самых влиятельных художников ХХ века. Американское движение поп-арта.Уорхол навсегда будет известен во всем мире своими картинами в стиле поп-арт и экранами.

Он был разноплановой фигурой, известной дружбой с богемными уличными людьми, выдающимися интеллектуалами, голливудскими знаменитостями и богатыми аристократами.

Warhol, Gun, 1981

Энди Уорхол прожил яркую жизнь, которая идеально соответствовала его искусству по этим и другим причинам. Он был разносторонне развитым и неизмеримо очаровательным человеком. Его неоднозначная фигура из-за характера его работ, его почти смертельная стрельба и его сексуальная жизнь принесли ему известность, и сегодня он является королем поп-арта.

Автор Карен Пасос.

Отчет о тенденциях в дизайне: поп-арт дизайн

Поп-арт дизайн — это движение, основанное на арт-популизме, которое возникло из растущего благосостояния и потребительства в Америке и Великобритании после Второй мировой войны. Назовите поп-арт бунтом против элитарности изобразительного искусства, для которого характерна ориентация на образы и темы, встречающиеся в популярной культуре, такие как комиксы, реклама и предметы повседневного обихода, доступные обычному человеку.С момента своего появления в 1950-х годах до своего расцвета в 1960-х годах этот стиль опирался на иронию, чтобы прославлять приземленные и даже безвкусные черты поп-культуры, что часто приводило к созданию культовых и запоминающихся работ с точки зрения современного искусства. Определенно авангардный для своего времени, поп-арт дизайн считается одним из самых известных авторов, таких как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн. Его дизайн не только напыщенный и красочный, но его художники использовали такие техники, как воспроизведение и рендеринг, для создания своих шедевров.Вот вам история любви к поп-культуре и консьюмеризму, которую мы сегодня знаем как поп-арт.

История поп-арт-дизайна

История этого стиля восходит к уникальным разработкам в Америке и за прудом в Великобритании. Чтобы понять, как он стал таким большим в США к 1960-м годам, мы должны вернуться на десять лет назад и изучить, как он развивался в Великобритании в 1950-х годах.

Великобритания

В Великобритании это движение началось с собрания креативщиков в Лондоне, известного как Независимая группа, разношерстной команды повстанцев, которые хотели перевернуть популярную тогда модернистскую интерпретацию культуры и общества.Такие собрания творческих бунтовщиков, которые хотят бороться со статус-кво своего времени, довольно часто встречаются в анналах дизайна и искусства, ярким примером которых являются импрессионисты в конце 19-го, -го, -го века, Франция. Источник изображения: Музей современного искусства IG собирались несколько раз на протяжении 1950-х годов и считаются предшественниками дизайна поп-арта. На каждой встрече проходили дискуссии о влиянии фильмов, комиксов, научной фантастики, рекламы и технологий на поп-культуру.Эти встречи были уникальными в двух аспектах: 1) Термин «поп-арт» был придуман во время этих дискуссий. 2) Большая часть материала на этих встречах выдавала одержимость элементами американской поп-культуры. Какими бы захватывающими ни были эти сессии IG для этих дизайнеров и художников, которые отстаивали законность образов и тем поп-культуры как части изобразительного искусства, самый большой фурор, который в конечном итоге произвело это дизайнерское движение, действительно произойдёт в Штатах. Благодаря этим, казалось бы, безобидным сессиям IG, фундамент для поглощения поп-арта уже был на месте.

Америка

Поддерживаемая бумом процветания и потребительства, ознаменовавшим окончание Второй мировой войны и мирного времени, Америка в 1950-х и 1960-х годах была очагом роста и возможностей для обычных людей. Вернувшиеся военнослужащие пополнили ряды среднего класса и обеспечили существование огромного рынка, основанного на народном призыве к все более влиятельной поп-культуре, расширению которой способствовали зарождающиеся средства массовой информации, такие как телевидение и радио. Другие влиятельные дизайнерские движения, такие как «Модерн середины века», также разжигали воображение страны, которая осваивалась в своей новой роли сверхдержавы в мире.Короче говоря, ландшафт созрел для нового движения, которое могло бы воспользоваться этим новым культурным духом времени. Благодаря тому, что произошло в Великобритании с IG десятью годами ранее, к 1960-м годам поп-арт уже набирал обороты в Штатах. Этот термин был официально представлен публике в рамках симпозиума Музея современного искусства по поп-арту , который состоялся в декабре 1962 года. К этому времени американские дизайнеры и художники хотели сознательно дистанцироваться от очень изысканной и вдохновленной изящным искусством презентации американской рекламной сцены. В результате они обратились к британцам за вдохновением из-за раскола в том, как британские и американские дизайнеры того времени обычно рассматривали образы поп-культуры:
  • Британцы с безопасного расстояния через пруд смотрели на изображения, созданные американскими СМИ, с более юмористической и сентиментальной точки зрения
  • Американцы, круглосуточно наводненные собственными СМИ поп-культуры, потеряли перспективу и поэтому создали работы, которые были более смелыми и откровенными
Целью первых пионеров американского поп-арта 1960-х годов было сознательно отделиться от более современного, пропитанного искусством и профессионального тона поп-культуры их страны, который проявлялся в основном в современном рекламном мире.Чтобы получить представление об этой уникальной особенности этого стиля, взгляните на несколько цифровых активов в стиле поп-арт с нашего огромного рынка: Нью-Йорк в начале 1960-х был Меккой выставок поп-арта. Галерея Джадсона, ныне Мемориальная церковь Джадсона на Манхэттене, впервые представила выставку работ выдающихся деятелей поп-арта Класа Ольденбурга, Томаса К. Вессельмана и Джима Дайна в 1959 и 1960 годах. Затем, Манхэттенская Зеленая галерея, искусство В галерее, расположенной тогда на 57 -й улице , с 1960 по 1964 годы проходили выставки, на которых были представлены упомянутые выше произведения искусства вместе с Джорджем Сигалом и Джеймсом Розенквистом.В 1960 году галерея Марты Джексон провела выставку New Media — New Forms , основанную на сборках и инсталляциях, в которых были представлены работы таких поп-художников, как Джаспер Джонс, Курт Швиттерс, Мэй Уилсон, Ханс Арп и Роберт Раушенберг. В Лос-Анджелесе не кто иной, как сам Энди Уорхол представил свою первую выставку поп-арта в 1962 году в галерее Ferus. На разливе были 32 картины «Суп Кэмпбелла»; весь набор был продан Уорхолом всего за 1000 долларов, но когда Музей современного искусства купил набор в 1996 году, он уже был оценен в колоссальные 15 миллионов долларов.Также в 1962 году в галерее Сиднея Яниса в Нью-Йорке организаторы устроили Международную выставку новых реалистов , празднование британского поп-арта и американского, швейцарского, итальянского и французского нового реализма. Некоторые из корифеев, чьи работы были выставлены, включали:
  • Энди Уорхол
  • Рой Лихтенштейн
  • Ричард Линднер
  • Роберт Индиана
  • Джордж Сигал
  • Миммо Ротелла
Примерно в то же время в Пасадене была представлена ​​музейная выставка New Painting of Common Objects , на которой были представлены работы таких известных людей, как:
  • Джим Дайн
  • Энди Уорхол
  • Рой Лихтенштейн
  • Роберт Дауд
  • Уэйн Тибо
Затем, в 1963 году, движение переместилось обратно в Нью-Йорк, когда Музей Гуггенхайма представил Six Painters и Object , на которых были представлены работы:
  • Рой Лихтенштейн
  • Джаспер Джонс
  • Энди Уорхол
  • Джеймс Розенквист
  • Роберт Раушенберг
К 1964 году выставки, кардинально изменившие движение, стали нормой, и еще одной заметной из них была выставка 1964 года The American Supermarket , проходившая в галерее Bianchini. В нем, среди прочего, были представлены работы Уорхола, Джонса и Лихтенштейна. Фишкой шоу была уютная обстановка супермаркета, но все, что характерно для продуктового магазина (например, консервы, продукты и т. Д.), На самом деле было создано поп-артистами. Источник изображения: Фонд Роя Лихтенштейна В оставшуюся часть 1960-х гг. В галереях проводилось больше выставок конкретных поп-художников в форме персональных выставок. Кульминацией этого стала выставка Sao Paulo 9: Environment USA — с 1957 по 1967 год .Эта биеннале, которая до сих пор проводится каждые два года, была похожа на Суперкубок мира искусства и дизайна. В издании 1967 года поп-арт был представлен во всей его яркой красоте, и в нем подробно описана классическая фаза движения в Штатах. Некоторые из известных деятелей, чьи работы были показаны, включали:
  • Том Вессельманн
  • Энди Уорхол
  • Эдвард Хоппер
  • Роберт Индиана
  • Джеймс Гилл
  • Клас Ольденбург
Хотя 1960-е были поистине периодом расцвета этого движения, интересно отметить, что выставки поп-арта продолжались и в 21, , годах. Например, в 2002 году в британских художественных музеях Тейт была воссоздана известная выставка The American Supermarket , о которой говорилось выше.

Характеристики поп-арта

Такой подход к дизайну очень запоминается. Иными словами: вы узнаете это, когда увидите. Это почти своего рода дихотомия, поскольку этот стиль прославляет обыденные предметы, но делает это с таким размахом, что его дизайн выделяется. Поскольку это был бунт против высоко оцениваемых тем высокого искусства, вы не увидите в этих произведениях эпических тем, таких как влияние религии, мифологии или истории.Однако, поскольку многие из его известных авторов имели опыт работы в графическом дизайне (например, Уорхол), его проекты яркие и радуют глаз. Вот как узнать, является ли дизайн, которым вы восхищаетесь, произведением поп-арта. Обычно это:
  • Взрывается яркими красками
  • Привлекает внимание интересной типографикой
  • Включает в себя причудливые формы, узоры и линии
  • Содержит множество изображений для СМИ, рекламы, рекламы и поп-культуры.
  • Содержит повседневные и банальные темы, предметы и предметы
  • Демонстрирует популистский призыв или тон
  • Отображает стилизованные иллюстрации и рисунки
  • Размывает границы между изобразительным искусством и скромностью
  • Заимствует и берет из любого количества источников и влияет
  • Эмоционально отстранен и не проявляет особой страсти к современному миру.
  • Нацелено на более молодую аудиторию
Если вам нужно больше примеров того, что делает поп-арт таким неизгладимым, вот еще несколько примеров этого движения из нашей большой коллекции цифровых активов:

Поп-арт в графическом дизайне

Графический дизайн, вероятно, является самой большой игровой площадкой для поп-художников, потому что такие выдающиеся сторонники, как Уорхол, работали в бизнесе графического дизайна.Вот несколько очень интересных примеров этой тенденции в графическом дизайне.

«

» Чарльза Демута «Я видел цифру 5 в золоте» Картина Демута 1928 года важна для эволюции дизайна по ряду причин. Во-первых, его часто считают предшественником поп-арта, опередившим свое время на десятилетия, из-за того, что он прославляет имидж поп-культуры и использует яркие, смелые и яркие цвета и формы. Во-вторых, проницательные наблюдатели заметят, что это произведение искусства во многом вдохновлено кубизмом и футуризмом, стилями, которые в то время находились на подъеме.Источник изображения: Velvet Хотя на первый взгляд это может быть не очевидно, на самом деле картина Демута изображает пожарную машину, движущуюся по улицам Нью-Йорка под дождем и ночью. Его произведение основано на классическом стихотворении Уильяма Карлоса Вильямса под названием The Great Figure , в котором словами описывается та же сцена. Обратите внимание на отличное использование цветового контраста, ярких цветов, геометрических фигур (почти напоминающих дизайн в стиле ар-деко) и привлекательной типографики.

Энди Уорхолс

32 Банки с супом Кэмпбелла Некоторым из нас действительно нравится Campbell’s Soup в холодные дождливые дни, когда нам нужно что-то согреть и утешить. В случае с Уорхолом он любил создавать шедевры поп-арта, используя консервные банки Кэмпбелла для вдохновения. Это действительно было произведение искусства, которое вытолкнуло поп-арт в мейнстрим, поскольку оно было одним из первых в своем роде, в котором тема поп-культуры была централизована как предмет картины. Источник изображения: Риан Кастильо Работы Уорхола состоят из 32 холстов, на каждом из которых изображена банка супа Кэмпбелла, по одному для каждого вкуса, который предлагал бренд в начале 1960-х годов. Уникальный вид этого изделия был создан благодаря методу гравюры, основанному на неживописном стиле.

Поп-арт в веб-дизайне

Одно из самых интересных приложений веб-дизайна — это использование стиля возврата для разработки веб-страницы, особенно с таким интересным стилем, как это движение. Вот некоторые из наших любимых веб-сайтов в стиле поп-арт.

Портфолио Майка Куса

Работа графического дизайнера-фрилансера может оказаться довольно тяжелой, особенно если учесть, что вы отвечаете за поиск собственных клиентов. Вот почему так важно поддерживать привлекательное и информативное портфолио в Интернете.Британский дизайнер Майк Кус делает именно это и делает свои работы, наполненные поп-артом, центральным элементом своего веб-сайта. Источник изображения: Майк Кус Его веб-сайт имеет великолепный карточный макет, демонстрирующий эстетичные проекты клиентов. Чем больше вы просматриваете его проекты, тем больше видите очень интересных тем поп-арта: комбинированные знаки, окруженные простыми фруктами и овощами; листья оптимизированы узорами и цветами; и красивые этикетки на бутылках — все они подчеркнуты яркими и яркими цветами.

Юмористы

Веб-сайт, посвященный комикам, работающим в Испании, Humoristas отражает особый вид поп-арта своим эстетическим оформлением. Иллюстрации каждого комика не только напоминают комиксов, но и воплощают в себе суть этого жанра: выделять простых людей. В данном случае это те, кто зарабатывает на жизнь комедийным шоу в Испании. Источник изображения: Юмористы Визуально сам веб-сайт представляет собой довольно яркую презентацию из-за продуманного выбора цвета и стилизации. Синие и красные цвета бросаются в глаза, в то время как нейтральные цвета более консервативны и сохраняют главную страницу в более серьезном тоне. Сильно стилизованные изображения каждого комика, по крайней мере, делают веб-сайт незабываемым.

Поп-арт в коллажах

В анналах этого жанра было немало коллажей, которые нельзя игнорировать, поскольку они приобрели культовый статус на протяжении десятилетий. Одно можно сказать наверняка: великие дизайнеры, работавшие в рамках этого движения, осознавали, насколько важно для поп-арта собирать свои работы из разрозненных частей и источников.

Эдуардо Паолоцци «

» «Я был игрушкой для богатого человека» Еще одно произведение поп-арта, на этот раз коллаж, которое рассматривается как новаторское произведение в этом жанре, « Я был игрушкой для богатого человека» Паолоцци было впервые представлено им на вышеупомянутой первой встрече IG в Лондоне. Часть его Койки! , коллаж известен тем, что отображает атмосферу комиксов вместе с вопиющими отсылками к американскому потреблению и поп-культуре. Источник изображения: Коллекция галереи Тейт. Это также показывает эффективность коллажей в том, как они могут создать более крупный, хорошо продуманный дизайн из коллекции разрозненных частей.Вы не поверите, но Паолоцци, шотландец, полагался в основном на журналы, которыми американские военнослужащие делились с ним, чтобы создать эту ставшую уже классикой работу в этом жанре. Благодаря своему винтажному виду, хорошему использованию белого пространства и дополнительных цветов, он демонстрирует, насколько доступным для широких масс может быть поп-арт.

Ричард Гамильтон

Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? Произведение Гамильтона 1956 года, которое должно стать одним из самых длинных названий для работ в этой области дизайна, стало знаменитым благодаря постоянному месту жительства в художественном музее Кунстхалле Тюбинген в Германии.Еще один коллаж, основанный в основном на материалах американских журналов, он содержит изображения столь же разрозненных, как бодибилдеры и лестницы вашего традиционного американского дома и моделей в стиле бурлеск. Источник изображения: Пирс Мастерсон Заманчиво списать этот фрагмент на просто слишком загруженный — из-за подавляющего количества противоречивых исходных материалов, используемых как часть коллажа, — но именно это делает его таким прекрасным представителем этой тенденции. Он сосредоточен на обыденности обычного дома, но включение в него такого количества символов и изображений поп-культуры делает его в значительной степени данью уважения коммерциализму и рекламному буму периода после Второй мировой войны.

Когда все, что вы хотите сделать, это подчеркнуть обыденность поп-культуры

То, что подняло поп-арт до настоящего дизайнерского движения, — это не талант его авторов, хотя это были исключительно талантливые художники, работавшие в этом направлении. Это также не было эстетическим качеством некоторых из их шедевров, хотя есть множество очень запоминающихся произведений, которые остаются столь же интересными сегодня, как и в пору своего расцвета. Напротив, то, что сделало поп-арт силой, с которой нужно считаться, было его прямым бунтом против «хорошего вкуса» так называемого изящного или «высокого» искусства 1950-х и 1960-х годов.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*