Модернизм в искусстве: Статьи — Модернизм в живописи — Галерея Art Icon

Содержание

Статьи — Модернизм в живописи — Галерея Art Icon

Искусство XIX века характеризуется эклектичностью. Однако в конце столетия в Европе появилось мощное желание избавиться от смешения стилей в живописи, архитектуре, скульптуре. Этим обусловлено появление модернизма, ставящего своей целью отказаться от ранее наработанных приемов и форм.

Содержание:

Черты стиля;
Притимивизм;
Авангардизм;
Экспрессионизм;
Фовизм;
Футуризм;
Кубизм.

Черты стиля

Для этого направления характерны плавность линий и форм. При этом полотна выглядят достаточно плоскими в отношении перспективы, игры светотени. Предметный ряд отображается вытянутыми фигурами, растущими в высоту. Художники используют четкие контуры и линейные композиции.

Несмотря на то, что картины модернистов выглядят плоскими, схожими с настенными аппликациями, они характеризуются глубиной. Этот эффект достигался благодаря идейному содержанию. Поэтому одной из присущих черт направления считается символизм.

Отечественные и зарубежные художники активно размышляли на темы греха, любви, добра и зла, используя при этом аллегории, гротеск, экспрессию и абстракцию. На этапе раннего модернизма на полотнах появляются разнообразные орнаменты, растительные мотивы. Также часто на полотнах присутствуют мистические существа, образ женщины.

Цель модернизма — свобода авторского выражения. Художники писали свои полотна, полностью отказавшись от наработанных академических приемов. Оригинальные произведения создавались под призмой авторского видения изображаемого. В дальнейшем выделились его направления, в основе каждого из которых лежит оригинальная философская идея и мысль.

Примитивизм

Художники-примитивисты намеренно стремились к упрощению при передаче образов. Во многом стиль становится близок к первичным этапам развития живописи, что сделало популярным направление среди мастеров-самоучек. Однако упрощенное изображение не свидетельствует о низком идейном содержании картин.

Авторы стремились обрести «чистый» взгляд на мир. Он присущ сознанию человека, не испорченного благами цивилизации. Поэтому холсты представителей наивного искусства звучат жизнеутверждающе и разнопланово.

Н. Пиросманишвили «Красавица»

Авангардизм

Направление откровенно эпатировало людей небанальной подачей, использованием специфических приемов, четких форм и контуров. Для полотен авангардистов характерен эксперимент, пафос творчества и полный отказ от классических канонов. Художники стремились к созданию новой реальности, сочетая при этом рациональные и иррациональные начала.

Экспрессионизм

Выражение собственных эмоций, актуализация стиля — именно это стало главной движущей силой направления. Экспрессионисты писали крупными мазками, капали на холсты краской, не останавливаясь на детальной проработке. Художники часто переживали глубокие и сильные переживания: боль, страх, разочарование.

Э. Мунк «Крик»

Фовизм

Данный жанр объединил приемы постимпрессионистов и цветной гравюры Японии. Некоторые искусствоведы отмечают в нем присутствие живописи Средневековья.

Главное «орудие» фовистов — цвет. Именно он использовался для передачи настроения и полной гаммы эмоций творца. Активно использовалась яркая гамма, оттеняемая пастельными натуральными тонами. Такое сочетание добавляло полотнам выразительности и эмоциональной напряженности.

Футуризм

Это движение произвело революцию в искусстве, культуре и, в частности, живописи. Художники переосмысляли действительность, уделяя большое внимание форме, а не содержанию. И если других представителей модернизма будущее и развитие цивилизации пугало, то футуристы принимали его с экзальтированным оптимизмом.

Основными приемами, использующимися художниками, стали энергия, движение и скорость. Футуристы оперировали довольно простыми приемами, беря за основу динамичные композиции. Фигуры в них преподнесены фрагментарно, пересекаясь острыми линиями и углами. Экспрессия полотен выражалась с помощью спиралей, скошенных конусов, зигзагов.

Кубизм

Родоначальником мирового направления считается Пабло Пикассо. Именно с его картины «Авиньонские девицы». На этом полотне отсутствует перспектива, а женщины прорисованы контурно. Именно это было взято за основу художниками, решившими отказаться от приемов академической школы.

Футуристы стремились к проработке четких геометрических линий и фигур. Экспериментируя с композицией, художники представляли работы, позволяющие оценить сюжет как бы с другой стороны от смотрящего.

П. Сезанн «Пьеро и Арлекин»

Если и вы хотите ознакомиться с современной живописью модернизма, приглашаем вас в галерею Art Icon. Здесь вы найдете картины как начинающих русских художников, так и признанных творцов.

основные принципы – тема научной статьи по искусствоведению читайте бесплатно текст научно-исследовательской работы в электронной библиотеке КиберЛенинка

А. В. Рыков

ИСКУССТВО МОДЕРНИЗМА:

ОСНОВНЫЕ ПРИНЦИПЫ

Искусство модернизма по-прежнему представляет собой одну из самых дискуссионных и сложных для восприятия областей истории искусства, более того, можно смело утверждать, что «современность» (культурная жизнь Запада второй половины ХХ — начала ХХ! в.) чем дальше, тем больше удалялась (и продолжает удаляться) от модернистских принципов, модернистской картины мира. Современный интеллектуальный климат, скорее, затрудняет объективное изучение модернизма. Несмотря на иллюзию торжества «современного искусства» (порождаемую, в частности, бурным ростом и умножением числа так называемых музеев современного искусства по всему миру), мы стали свидетелями абсолютного краха ключевых идей модернизма, крушения тех ценностей, за которые боролись отцы-основатели авангардистских движений.

Это поражение модернизма вовсе не есть какой-то частный вопрос «смены стилей» или «смены микроэпох». Модернизм — ключевой, высший этап эволюции западного искусства и, как показывают последние исследования, логическое завершение классического искусства. Сотнями нитей вплетенный в социальную ткань, модернизм выражал и, более того, активно формировал идеологию западного общества (противодействовал ее консервативным тенденциям). Атмосфера непонимания, которая формируется в последние десятилетия вокруг наследия классического авангарда как у нас, так и на Западе, является прямым следствием упрощенных интерпретаций классического искусства (не менее «радикального» и «революционного» явления, чем авангард, и также требующего от зрителя (читателя) колоссальных духовных усилий). Кризис авангарда фатален для западного общества, он предполагает отказ и от классического наследия, и от базовых ценностей западного общества в целом. Проблема, впрочем, осложняется тем, что отречение от «западных ценностей» началось в рамках самого авангарда.

В данной статье мы попытались наметить основные принципы искусства модернизма, понять внутреннюю логику его развития, объединяющую столь различные, на первый взгляд, феномены «актуального» искусства Х1Х — первой половины ХХ в.

Необходимо условиться о терминах. Термин «современное искусство» удачен в том плане, что он передает насущную потребность европейского искусства (начиная с Ренессанса) быть современным. И это не какая-то побочная характеристика искусства этого большого периода, она затрагивает его идейную и художественную сердцевину. Поэтому понятие «современное искусство» для нас — не хронологическое, а сущностное. Историю современного искусства следует делить на два мегаэтапа — ренессансный и модернистский. Ренессансный этап охватывает собственно Ренессанс и (частично) искусство ХУП в. Модернизм, как мы полагаем, возникает на рубеже ХУШ — Х1Х вв. и охватывает актуальное искусство двух последующих столетий. В западной историографии начало модернизма чаще всего относят к искусству Г. Курбе и Э. Мане. Термины «авангард» и «модернизм» в нашей работе выступают как синонимичные.

В системе ценностей модернизма идея современности — важный, но не единственный «идол». Аксиология модернизма основывается на идее правды (подлинности, аутентичности, оригинальности), лишь одной из вариаций которой остается «верность времени» (вернее, верность «зову будущего», способность услышать его в настоящем). «Правда» для модернистов — это поиск правды, это всегда «здесь и сейчас», индивидуальное открытие, а не универсальная норма. Отсюда проистекает проблематика исторической изменчивости и погоня за современностью. Именно категория правды помогает понять сущность романтизма и реализма, двух взаимодополняющих и во многом родственных направлений в постренессансном искусстве.

В каком-то смысле термин «реализм» даже лучше «схватывает» суть так называемого «современного движения» в искусстве, чем термин «модернизм». Он предполагает некое «разоблачение», снятие покровов с известной обывателю действительности и в то же время сохраняет интеллектуальную честность и не уводит нас в мир иллюзий и грез (подобно салонному романтизму). Реальное, «правда в живописи» — вот цель, кажется, всех «современных» художников, и не случайно даже теоретики кубизма видели истоки того нового искусства, которое они отстаивали, в творчестве Курбе, в реализме. Реализм понимает действительность как «испытание», в героическом ключе, в духе диалектики раба и господина Гегеля. Необходимо посмотреть в глаза смерти, чтобы почувствовать возможность духовного бессмертия, бесконечность человеческого духа. Реализм есть риск, погружение в толщу действительности без гарантии «спасения», отказа от любой метафизики, любых «готовых», «замкнутых», объясняющих эту действительность философских систем. Это риск чистого исследования, чистого эксперимента. Он гениален в своем отречении от субъективности творца (автора), от любой устоявшейся системы ценностей. От Караваджо до сюрреализма можно найти примеры такого понимания реализма. Мы рассматриваем данный тип искусства в качестве модернистского, а не ренессансного, поскольку реализм, возникновение которого стало возможным лишь в эпоху гипертрофии субъективности, все время балансирует на грани отказа от антропоцентризма, оценочного суждения, деградируя до равнодушной констатации диагноза. В основе реализма нет никакой определенной программы, реализм в известном смысле невербален, неконцептуален (в том смысле, в каком концептуальным было ренессансное искусство). Реализм оказывается сверхнатурализмом, т. е. натурализмом, наделенным неким безжалостным пафосом объективности, правды «любой ценой». И в то же время в реализме процесс субъективиза-ции искусства достигает зияющих высот. В качестве примера можно привести «Смерть Марии» Караваджо, одно из самых проникновенных произведений в истории мирового искусства, показывающую смерть Марии удивительно конкретно и трогательно — словно бы смерть близкого зрителю, простого, невинного, естественного (в высоком смысле этого определения) человека.

Романтизм, как и реализм, предполагает проникновение к некоей подлинной реальности, отличной от обыденной действительности. В его основе тоже лежит идея правды. Эта «подлинная реальность» понимается не как нечто онтологическое, т. е. первичное по отношению к нашему сознанию. Поэтому «подлинная реальность» романтизма не может быть понята в религиозном ключе — нет ничего более неверного, чем отождествление романтизма с неким «возрождением религиозности». Романтизм развивает интуиции Ренессанса о том, что действительность есть плод нашего собственного творчества. Этот ренессансный компонент романтизма следует учитывать

и при оценке отношения романтизма к Просвещению. Романтизм (за исключением его поздних или, как раньше говорили, реакционных форм) вовсе не был противником прогресса и просвещения. Напротив, как воплощение идеологии модерна он полон спроецированной в будущее утопической энергии. Романтизм дополняет философию Просвещения, выдвигает более целостную и более амбициозную антропоцентрическую программу, которая восстанавливает единство природы и человеческого сознания.

Идея правды, объединяющая различные направления в искусстве модернизма от Гойи до Поллока, в высшей степени парадоксальна и проблематична. Она вступает в противоречивые отношения с другой основополагающей идеей современного искусства — идеей свободы, доставшейся модернизму в наследство от Ренессанса. В модернизме «правда» противостоит «норме», имеющей, как правило, отчетливо выраженное социальное измерение. Вне этого духа социального протеста невозможно понимание, например, модернистского примитивизма. «Правда» для модернистов есть невозможное, некий «отрицательный» идеал, который необходимо и в то же время нельзя обрести. Но правда модернистов — это и непостижимое, не поддающееся рациональному описанию и объяснению. Непостижимое находят и в природе мира, и в природе человека, оно рождает в душе художника то чувство возвышенного, которое позволяет ему отрицать буржуазную действительность. Идея правды в модернизме может пониматься и как верность материалу, верность неким внутренним законам искусства. Но «чистая форма» модернизма многомерна, ее «чистота» (т. е. радикализм) быстро обрастает метафизическими и социальными смыслами, становится утопией или антиутопией. Идея правды доживает свой век в искусстве постмодернизма, превратившись в догму, в представление о тотальной зависимости человека от неких внешних систем.

Воплощенная в творчестве романтиков (Ф. Гойя, К. Д. Фридрих, Э. Делакруа) тема Иного, Нечеловеческого помогает нам увидеть искусство Х1Х-ХХ вв. как некое единство, «реализм без берегов», проявление всеобщего стремления создавать «реальное» (правду), обретать «реальное», быть проводником «реального». «Реальное» было призвано встряхнуть, возвратить к жизни погрязшего в абстракциях косного буржуа, вообразившего мир понятным, скучным и исчислимым. Как воплощение не просто непознанного, а непознаваемого в принципе, «реальное» стимулировало работу сознания; открытие бесконечности природы требовало открытия бесконечности творческих способностей человека.

Идеи правды и свободы имеют в искусстве модернизма и свою оборотную сторону — идеи неправды и несвободы. Жанр антиутопии — один из ведущих в искусстве модернизма. Ясно, что «реальное» может быть понято и в консервативном ключе, как некий не поддающийся осмыслению или реформированию субстрат, «вещь в себе», ставящая пределы человеческому сознанию. Именно в таком духе оно и трактуется на поздних этапах современного искусства. Доля этого «консервативного» элемента постоянно увеличивается и достигает предельных значений в постмодернизме и искусстве рубежа ХХ-ХХ1 вв. В этом смысле наше время можно назвать «очень поздним романтизмом». Теоретики постмодернизма рисуют картину «страшного мира», в котором человеческое сознание предстает тотально опосредованным, находящимся в рабской зависимости от ряда исторических и внеисторических факторов. Романтическая ирония (как это нередко происходило и в самом романтизме) оказывается обращенной на самого творца. Но странным образом ее власти избегают безличные силы, главенствующие (в представлении постмодернистов) над человеком.

В трактовках модернизма западное искусствознание справедливо делает акцент на проблеме отчуждения, характерной именно для модернистского этапа современного искусства. Открытая маньеризмом проблема отчуждения действительно дает ключ к пониманию многих важнейших явлений искусства Х1Х-ХХ вв. («Дробильщики камней» Курбе, «Бар в Фоли-Бержер» Э. Мане, кубизм и др.). Но сводить все к проблеме отчуждения при общей характеристике модернизма нельзя. Тем более нельзя ограничиваться наиболее «отчужденными» примерами отчуждения в современном искусстве (а это не редкость в западной науке), когда «современными» признаются лишь те произведения, в которых отчуждение понимается как непреложный, не подлежащий снятию закон, как фатум, а все сопротивляющееся отчуждению оценивается как устаревшее, «средневековое».

Отчуждение есть частный случай более общей проблемы модернизма — проблемы чистой негативности. Модернизм интересуют «слепые пятна» сознания и «черные дыры» мироздания, нечто нечеловеческое, не поддающееся рационализации и реформированию как в природе, так и в общественной жизни. В постмодернизме сложная диалектика человеческого и нечеловеческого, типичная для модернизма, сменяется торжеством нечеловеческого. В человеке модернисты находят «механическое» и «животное», смертное начало, но это создает условия для нового героизма и гуманизма, которые питаются сверхчеловеческой энергией, вырабатываемой от встречи с негативным. В этом парадокс эпохи модернизма, который нашел воплощение в философии Гегеля: фактически являясь и осознавая себя Богом, человек тем не менее нуждается в этой встрече с негативным, он должен посмотреть в глаза смерти, чтобы научиться презирать ее, чтобы научиться чувствовать свою духовную природу не подверженной физическому уничтожению. Этот момент встречи с негативным («реальным») объединяет множество стилистически несходных явлений в искусстве Х1Х-ХХ вв.: можно сказать, что он типичен для модернизма и нетипичен для Ренессанса, поэтому должен считаться отличительной особенностью второго этапа современного искусства.

Как первому, так и второму этапу современного искусства свойственны утопические жизнестроительные интуиции, проекты тотального изменения мироздания, вера в то, что человек способен совершить эти изменения. Мы знаем, насколько сложным, отягощенным проблемой негативного, становится утопическое мышление в модернистский период. В это время искусство нередко действует «от противного», рисует, по выражению Т. Адорно, картину катастрофы для того, чтобы предотвратить ее. Но связь с традициями искусства прошлого сохраняется. Ренессанс на практике утверждает новое понятие искусства, которое с некоторыми коррективами существует по сей день. Это амбициозное искусство, не желающее быть ремеслом, отказывающееся быть простым украшением интерьера или выполнять чисто идеологическую функцию иллюстрации Священного писания. Ренессансное искусство аккумулирует в себе ряд новых функций, которые будут переданы по наследству модернизму. Во-первых, это познавательная функция, важнейшая для понимания итальянского Возрождения. Она предполагает экспериментальный подход к искусству, выдвижение на первый план проблемы метода, принципов моделирования действительности, рационализацию творчества. Во-вторых, искусство итальянского Возрождения, подобно авангарду, высоко ставит этическую функцию искусства и в целом проблемы ценностного содержания искусства. Нельзя забывать, что искусство Ренессанса есть искусство эпохи величайшей социальной революции в истории человечества, и при этом искусство шло го-

раздо дальше реальных социальных преобразований, предвосхищая, возможно, некие будущие и неизвестные нам типы культуры. Идеалы свободы и независимости человеческой личности в искусстве эпохи Ренессанса напоминают тесную связь авангарда с политикой, но выходят за рамки чисто политологических интерпретаций. Искусство для ренессансного художника вовсе не есть «подражание природе» в его привычном понимании: синтетическое, «многослойное», насыщенное культурными смыслами, ренессансное искусство не стремилось к чисто оптическим эффектам. Искусство впервые осознается как собственно творческая деятельность, и «виновен» в этом именно «примат познавательной функции». Искусство потому понимается в эпоху Ренессанса как творчество новой реальности, что любое познание есть не пассивный процесс, это конструирование действительности с помощью научных понятий, т. е. создание некой новой реальности, параллельной уже существующей. Эта новая реальность делает человека свободным уже потому, что является его собственным творением. Именно это и есть главное открытие Ренессанса, именно это делает величавые образы этой эпохи такими убедительными, пленяющими наше воображение, и именно это открытие стало основой модернизма.

Но сущность модернизма двойственна, и наряду с ренессансным компонентом (принцип создания новой действительности) модернизм содержит еще и интуиции Иного («реального»), некоего не поддающегося рационализации субстрата. «Иное» также было открыто Ренессансом. В качестве примера можно привести трактовку темы природы и бессознательного у Леонардо да Винчи. «Двойное дно» человека, двойственность его натуры, присутствие в ней Иного (находящегося вне морали или рацио) волновала также и Микеланджело, о чем свидетельствуют так называемые «пленники» из флорентийской Академии. Но указанные скульптуры Микеланджело, подобно «Мертвому Христу» Мантеньи или «Святому Себастьяну» Тициана, демонстрируют, скорее, трагическую борьбу с «Иным» — в этом сущность Ренессанса. «Иное» воспринимается как угроза свободе человеческой личности (не всеми, разумеется, и самым ярким исключением является Леонардо), отсюда — трагизм звучания темы «non finito» у Тициана и Микеланджело.

В случае с модернизмом ситуация усложняется. «Иное» приобретает новые, уже позитивные смыслы, новые функции. Теперь Иное не противостоит герою-святому, а разрушает скорлупу замкнутой буржуазной личности. Иное оказывается «голосом природы», голосом подлинного «я» человека, который пытается заглушить буржуазное эго. Художников начинает интересовать красота Иного, величие нечеловеческого, будь то буйство исторической или природной стихии. Новые функции Иного в искусстве модернизма немыслимы вне господствовавшей в то время «реалистической» установки, страстного стремления художников той эпохи достичь Настоящего, Подлинного, Реального. Материализуются средства выражения: картина перестает быть иллюзией, виртуальной реальностью и становится холстом, покрытым красками (импрессионизм, постимпрессионизм). Материализуются населяющие картину образы, живописные объемы властно вторгаются в пространство зрителя (Гойя, Курбе, Пикассо). Материализуется даже «содержание» произведений искусства: авангард, согласно современным западным теоретикам, стремился прежде всего к слиянию искусства и жизни. Мир социального стал казаться условным, виртуальным, незначительным перед лицом холодного дыхания космоса. Художник должен был уподобиться археологу, чтобы, углубившись в толщу человеческой природы, научиться извлекать из нее наиболее

древние, основные, базовые пласты (Гоген, Пикассо). Возникает интерес к доклассиче-ским периодам истории искусства, когда «образы» еще наделялись магической силой присутствия, и «эстетическое сознание» до конца еще не сформировалось.

Модернистское Иное возвращало человека в доисторические времена и одновременно звало куда-то в будущее, оно обладало громадной разрушительной силой, направленной против механизированной капиталистической жизни. Казалось, благодаря Иному в одномерной капиталистической жизни открывалось новое измерение, проблема отчуждения «снималась». Однако стоит ли так однозначно противопоставлять Иное и капитализм? Ведь в негритянском кубизме Пикассо доисторическое Иное символизирует мир техники, а значит, и мир капитализма. Лишенная гуманистического смысла, «неодушевленная» техника есть идеальное прибежище для злых духов, неизвестных, чуждых нам сил. Капитализм не случайно так часто сравнивали с первобытностью, а положение современного человека — с беспомощностью дикаря. Мир функционирующих помимо воли человека систем (природной, социальной, экономической, технической) — вот каким видели Х1Х-ХХ вв. многие философы и теоретики искусства. Поэтому «Иное» — это сам капитализм, сам капитал, одна из его масок, стихия и абстракция одновременно.

Вот почему капитализм так блестяще нейтрализовал, а затем подчинил себе и присвоил риторику Иного в эпоху постмодернизма [1]. Вот почему такими двусмысленными оказываются речи теоретиков постмодернизма: «Иное» осталось иным, и все облегченно вздохнули. Но постмодернисты не были «просто предателями», в их теориях (особенно у Ролана Барта) видны отблески той свободы, которой достигло искусство в «эстетическую» эпоху, эпоху классического искусства. Казалось бы, распавшаяся цепь времен восстановлена — модернизм открыл доклассическое искусство, а постмодернизм реабилитировал классику. В действительности, нет эпохи более чуждой классическому искусству, чем наша эпоха. Если степень революционности того или иного искусства оценивать степенью его непонимания, то самым революционным в настоящее время окажется классика, а не авангард. Может быть, в непонимании первой революции в европейском искусстве — классического искусства в целом и классического стиля в частности — кроется причина непонимания второй революции в его развитии, связанной с авангардом? Как бы то ни было, за некоторыми исключениями [2; 3; 4], истоки авангарда до сего времени связывали не с классикой, а с доклассическим искусством. Тем самым история искусства (история вообще) лишалась логики, внутреннего смысла, целые смысловые пласты конкретных художественных произведений «репрессировались», иногда вполне осознанно.

Задача современной науки состоит в том, чтобы отрешиться от односторонних и идеологических трактовок модернизма и воссоздать этот феномен культуры во всей его исторической полноте. Задача сложная и вряд ли выполнимая без кооперации самых различных научных школ и научных дисциплин. Но без решения этой задачи те величественные руины модернизма, среди которых развивается современная культура, не только рухнут, но и в своем падении погребут под собой ключевые институты западной культуры. Модернизм (как и классическое искусство) содержит в себе то здоровое творческое начало, те сохраняющие актуальность идеи, которые способны вывести нас из современной кризисной ситуации в искусстве. Так, «история», говоря словами Ф. Ницше, сможет принести пользу «жизни», т. е. выполнить свое главное предназначение.

1. Рыков А. В. Постмодернизм как «радикальный консерватизм». Проблема художественнотеоретического консерватизма и американская теория современного искусства 1960-1990-х гг. СПб.: Алетейя, 2007. 376 с.

2. Якимович А. Новое время. Искусство и культура ХУ11-ХУ111 веков. СПб.: Азбука-классика, 2004. 440 с.

3. Рыков А. В. К вопросу о происхождении и сущности «современного искусства» // Искусствознание. 2009. № 1-2. С. 110-132.

4. Рыков А. В. К вопросу об историческом значении искусства кватроченто (Боттичелли и Мантенья) // Искусствознание. 2010. № 3-4. С. 219-243.

Статья поступила в редакцию 9 июня 2011 г.

Модернизм в живописи | WPainting

Содержание статьи:

1. История создания
2. Средний период
3. Настоящее время
4. Художники стиля

Модернизм – стиль живописи, возникший в конце девятнадцатого века. Обусловлен появлением нового поколения художников, что до конца не хотели копировать идеалы своих предшественников. Так уж вышло, что сама идея играть с формой пришла к ним именно от барокко. Многие авторы именно в тот момент времени начали переосмыслять работы предшествующего творческого класса. И менять само понимание формы, но не с точки зрения цвета и линий. А в геометрическом плане. .

История создания

Модернизм появился как явный протест, и имел особую предысторию. Так как старые авторы по факту, захватили сам рынок продажи картин, молодые дарования не могли выставляться в том же зале, что и именитые художники. На полном серьезе нужно было спрашивать разрешение не владельца галереи, а именно именитого мастера кисти, что создавал выставку, и занимал весь зал.

Естественно, начали появляться подпольные заведения. И как протест против устоявшихся правил, художники начинали менять саму подачу идеи, сжимая ее, обрезая в самых ненужных местах. Все это делалось для двух целей – обозначить протест, и завлечь зрителей, которые должны были заплатить за просмотр.

Средний период

После модернизм разделился на несколько направлений. И именно этот момент и принято считать серединой его пути как жанра живописи. Появился экспрессионизм, поп-арт, стилизм, архаизм. Все этики стили были в первую очередь повязаны на повороте формы, и подачи ее в совершенно ином виде. Но теперь, поверх этого факта, крепился также и фактический перестрой всей созданной с нуля системы, и подача конкретной идеологии под каждый случай.

В большинстве своем, уйдя в иную грань, художники больше не считали себя протестной волной. Многие сумели заручиться поддержкой галерей, и продавать свое творчество на массовом рынке.

Настоящее время

Сейчас же, из всех разветвлений модернизма, большинство стилей осталось жить и по сей день. При этом, лишь единицы стараются наследовать идеалы старой школы. Большинство жанров живописи просто канули в лету. По сути, если анализировать все существование живописи как изобразительного искусства, можно сказать следующее. Живопись в третий раз забыла все прошлые критерии, закрепленные до этого авторами. И начала заново выбирать себе путь, развиваясь только, намного быстрее, чем в прошлом. Скорее всего, через пару десятилетий, придет новая волна новаторов.

Художники стиля

Модернизм в изобразительном искусстве Индии ХХ века

Библиографическое описание:

Журиха, А. М. Модернизм в изобразительном искусстве Индии ХХ века / А. М. Журиха. — Текст : непосредственный // Культурология и искусствоведение : материалы III Междунар. науч. конф. (г. Санкт-Петербург, июль 2017 г.). — Санкт-Петербург : Свое издательство, 2017. — С. 66-68. — URL: https://moluch.ru/conf/artcult/archive/247/12374/ (дата обращения: 09.04.2021).

В статье отражены понятие модернизма в изобразительном искусстве Индии в ХХ веке, его виды, основные отличительные признаки и особенности, приведено описание художественного творчества наиболее ярких представителей данного направления в изобразительном искусстве Индии.

Ключевые слова: модернизм, кубизм, примитивизм, романтический примитивизм, изобразительное искусство, народное искусство, художник

Возникновение и развитие течений модернизма в живописи Индии относится к началу ХХ столетия. Данный процесс обусловлен двумя важными обстоятельствами. Во-первых, Индия — страна, имеющая колониальное прошлое, в связи, с чем ее общественно-экономическое развитие «застряло» на средневековой полуфеодальной формации. Во-вторых, начало развития капитализма в Индии тесно связано с ростом национального самосознания и освободительного движения, которые выражались в борьбе с европейскими влияниями в плоскости идеологии, культуры и искусства. Позже, к середине ХХ века с завоеванием суверенитета, отношение к Западу меняется. Указанные обстоятельства отразились как на общем характере развития живописи Индии, в начале XX веке, так и на возникновении в нем модернистских течений.

Согласно Т. Г. Поповой в современной живописи Индии, наполненной зачастую непримиримыми противоречиями, можно видеть сложную и острую борьбу и взаимовлияние различных течений. Учитывая данный процесс можно отследить на различных этапах соотношение национального искусства, традиций, роли национального искусства и европейских течений, начиная от академических до авангардных [8, c. 138].

По мнению О. Прокофьева в живописи борьба против чуждого индийскому народу влияния в живописи вылилась в возникновении национальных живописных школ, которые вопреки своей односторонности сыграли прогрессивную роль особенно в начале своего развития. И если возникшие в Индии в 20-х годах ХХ столетия модернистские течения в начале не были приняты национальными художниками, то позже когда национальные художественные школы уже исчерпали свою прогрессивную роль, именно они стали первыми проводниками модернизма в живописи Индии [7, с. 127].

Как считает У. Наир, первым ответом модернизму индийских художников было увлечение кубизмом, данное направление довольно широко распространилось в живописи Индии. Первым художников, кто увлекся данным модернистским, течением был Гаганендранат, прославившийся в 1917 году серией мультипликационный литографии. Для Гаганендраната, художественные особенности присущие кубизму: изломанные поверхности, игра света и тени, выступили наиболее захватывающими [10, с. 24]. Позднее творчество Гаганендраната, например, «полеты поэтического воображения», могут быть причислены к «посткубистическим», и определять как источник, так и его преображение. Общие мотивы, реализуемые Гаганендранатом в его позднем творчестве, происходят и от его увлечения игрой калейдоскопа, инструментом, всегда привлекавшим его.

Г. Рид указывает, что второе течение модернизма в индийском живописном искусстве провоцирует принять во внимание еще один всеобъемлющий феномен, корни которого находятся в западноевропейской мысли: примитивизм. Первый значимый художник Индии, использовавший примитивизм в качестве средства художественной выразительности, стал Р. Тагор, выступив первопроходцем, он очень эффектно применил чисто «экспрессионистские» искажения объекта в своем творчестве. Р. Тагор был поэтом и увлекся живописью ради игры, зените своей славы поэта, когда ему исполнилось 67 лет, часто включая свои рисунки в текст. Р. Тагор не стремился превзойти европейский авангард, а искал свое выражение художественного примитивизма [9, с. 121]. Р. Тагору присуще некоторые индивидуальные черты в данном модернистском течении: игра, создание рисунков из пересечений в тексте, «затирания». В черновиках Р. Тагора прослеживается эксперименты с бенгальским письмом и визуальными эффектами оформления некоторых текстов. «Затирания», выполнены с помощью ручки и чернил, и размываются в границах определенной цветовой гаммы, тем самым принимая формы человека и животных.

По утверждению В. Хофмана еще одним значимым представителем индийского модернизма была А. Шер-Гил. Художественный поиск примитивистских форм Шер-Гил реализовался в увлечении таитянской живописью Гогена. Художница заявила о своей миссии изображать жизнь бедных, отверженных, униженных, незаметных. Ей был создан плотный «текстурный» стиль, который несколько схож с движением Нео Сачличкейт [11, с. 130].

Ярким представителем модернизма в живописи Индии до 1947 года был Д. Рой, который последовательно идеологически обосновал примитивизм. В отличие от Шер-Гил, которая идеализировала «детей земли», Рой довел эту идею до логического конца. В начале своего художественного творчества Д. Рой искал «аутентичность» национальной выразительности в живописи, проводя художественные эксперименты, как с восточными, так и с западными стилями, начиная от академического натурализма и импрессионизма и завершая ориентализмом и китайской акварелью. Результаты творчества Д. Роя как художника-националиста нужно рассматривать в тесной взаимосвязи с особенностями его восприятия собственного индийского искусства. Д. Рой, считал, что индийское народное искусство не может создаваться с применением импортных красящих пигментов. Поэтому он не применял масляную живопись, а использовал местные и органические пигментам. Так же Д. Рой предпочел Калигхату деревенскую свитковую живопись, объясняя, сей шаг тем, что Калигхат уж очень близок урбанистическому и колониальному духу Калькутты [4, с. 165]. Проникновение модернистских течений в живопись Индии имело огромное культурное значение.

Расширился социальный состав художников, появились живописцы, имеющие скромное происхождение. Многие из художников в своем творчестве стремились вернуться к своим «деревенским корням». В живописи Индии возникли две противоречивые, а подчас и взаимоисключающие тенденции — космополитизма и национализма, городского и сельского уклада, что придавало определенную остроту работам художников Индии периода модернизма [2, с. 180].

На закате эры колонизации изобразительное искусство Индии взяло на себя все, более расширенные, социальные обязательства, художники симпатизировали социализму. Это выразилось в создании художественных группировок сторонников «прогрессивного искусства», выходцев из разных частей Индии, которые категорически отрицали художественный национализм ради социальной справедливости и равенства. Прогрессивные художники объявили себя модернистами, сопротивляющимися мертвой, безжизненной традиции, провозгласив своими кумирами Д. Роя, А. Шер-Гил и Р. Тагора, а своей целью — создание Бенгальской школы «историцизма».

Самая ранняя группа «прогрессивных художников» возникла в Калькутте в 1945 году на фоне великого Бенгальского голода 1943 года. В число членов группы входили художники Паритош Сен, Гопал Гхоз, Нирод Мазумдер, Субхо Тагор и Зайнул Абедин. Среди всех остальных, Абедин обрел известность как автор числа шокирующих зарисовок на тему голодного времени [1, с. 180].

Итак, модернизм в изобразительном искусстве Индии — общее определение разноплановых явлений, которым свойственно отрицание старого, традиционного искусства. Сюда можно отнести экспрессионизм, и кубизм, примитивизм и др. Модернизм провозглашает превосходство искусства над реальностью.

Литература:

Герман М. Ю. Модернизм. Искусство первой половины XX века: Учебное пособие. — М: Азбука-классика, 2008. — 233 с.
Ивашенцов Г. А. Индия: Учебное пособие. — М.: Мысль, 2009. — 266с.
Краусс Р. Подлинность авангарда и другие модернистские мифы: Учебное пособие. / Пер. с англ. Матвеевой А., Кистяковской К., Обуховой А. – М.: Художественный журнал, 2013. — 300 с.
Короцкая А. А. Сокровища индийского искусства: Учебное пособие. — М. Владос, 2016. — 290 с.
Ольденбург С. Ф. Культура Индии: Учебное пособие. — М.: Просвещение, 2011. — 288 с.
Прокофьев О. Искусство Индии: Монография. — М.: Наука, 2014. — 300 с.
Прокофьев О. Зарождение и развитие модернизма в искусстве Индии // Модернизм: Анализ и критика основных направлений. Сборник научных статей / Под. ред. В. В. Ванслова и Ю. Д. Колпинского. — М.: Искусство, 2010. — С. 127–138.
Попова Т. Г. г Модернизм в искусстве Индии// Художественная культура XX века: Сборник научных статей. — М.: Изобразительное искусство 2002. – С. 138–144.
Рид Г. Краткая история современной живописи. — М.: Искусство XXI век, 2006. — 244 с.
Ума Наир Индийские модернисты // Перспективы. 2010. – № 6. — С. 23–36.
Хофман В. Основы современного искусства. Введение в его символические формы: Учебное пособие. — Спб.: Питер, 2014. — 288 с.

Основные термины (генерируются автоматически): живопись Индии, изобразительное искусство Индии, художник, живопись, модернизм, национальное искусство, позднее творчество, прогрессивная роль, Рой, художественное творчество.

Современное искусство. От модернизма к неоклассике

Для цитирования: Захарова Л. Н. Современное искусство. От модернизма к неоклассике / Л. Н. Захарова, А. В. Серяков, А. Г. Иванов // Вестник Тюменского государственного университета. Гуманитарные исследования. Humanitates. 2018. Том 4. № 3. С. 208-227. DOI: 10.21684/2411-197X-2018-4-3-208-227

Об авторах:

Захарова Людмила Николаевна, доктор философских наук, профессор кафедры социально-культурной деятельности, культурологии и социологии, Тюменский государственный институт культуры; [email protected]

Серяков Алексей Витальевич, старший преподаватель кафедры искусствоведения и изобразительных искусств, Тюменский государственный институт культуры; [email protected]

Иванов Алексей Геннадьевич, кандидат философских наук, доцент кафедры философии, Тюменский государственный университет; [email protected]

Аннотация:

Темой нашего исследования являются процессы, происходящие в системе современного российского искусства, предстающей как результат последовательных исторических преобразований. Проблема заключается в том, что авангард как характерное явление начала ХХ в. исчерпал себя, и к середине века его сменили альтернативные художественные направления. Развитие компьютерной индустрии, внедрение технических инноваций, виртуальные версии искусства, отражающие тенденции современной эпохи, — все это пришло на смену модернизму. Если классическое искусство было ориентировано на принцип мимесиса, то компьютерная реальность — на свободу выражения, моделирование, стремление стать самой жизнью.

На современном этапе развития наблюдается тенденция к возвращению чувственной культуры на фоне глобальной компьютеризации, активного внедрения виртуальной сферы во многие виды искусства. Художники часто прибегают к формату нового прочтения классических произведений (музыка, литература, театр, кино, изобразительное искусство).

Современное искусство характеризуется стиранием границ между утилитарным и художественным и акцентированием внимания не на смысле как таковом, в его финальном варианте, а на тенденции к обретению новых смыслов. Художественные акции чаще всего не передают смысловой завершенности, предоставляя такую возможность зрителю. Интересна для рассмотрения и историческая преемственность: то, что, казалось бы, исчезло, кануло в далекие времена, вдруг актуализируется, становится интересным, заново прочитывается. Можно отметить постепенное возвращение интереса к чувственной культуре с помощью создания сверхнатуралистических живописных произведений, передающих подробное изображение объекта.

Итак, с помощью методов анализа современных живописных работ, наблюдения, сравнения можно сделать выводы: современное искусство на рубеже веков имеет черты, сходные с предыдущими этапами развития, — это цикличность, повторяемость стиля, языка. Эти черты говорят об искусстве как саморазвивающейся системе. Но она не может развиваться вне влияния внешних факторов, в первую очередь социальных. Запросы публики, зрителей, развитие новых технологий актуализируют возврат к классике с ее критериями антропологичности, красоты. Можно прогнозировать новый этап неоклассики, синтезирующий черты классики и нонклассики, зарождающийся в современных художественных практиках.

Список литературы:

Барт Р. Смерть автора. Избранные работы. Семиотика. Поэтика / Р. Барт. М.: Прогресс, 1994. С. 384-391.
Борев Ю. Б. Эстетика: учебник / Ю. Б. Борев. М.: Высшая школа, 2002. 511 с.
Бычков В. В. Триалог: Разговор Второй о философии искусства в разных измерениях / В. В. Бычков, Н. Б. Маньковская, В. В. Иванов; Ин-т философии РАН. М.: ИФРАН, 2009. 212 с.
Бычков В. В. Феномен неклассического эстетического сознания / В. В. Бычков // Вопросы философии. 2003. № 10. С. 61-71.
Бычков В. В. Феномен неклассического эстетического сознания / В. В. Бычков // Вопросы философии. 2003. № 12. С. 80-92.
Бычков В. В. Эстетика: учебник / В. В. Бычков. 2-е изд., перераб. и доп. М.: Гардарики, 2008. 573 с.
Дрейер Т. Сегодня в искусстве возможно все. Интервью с Томасом Дрейером / Т. Дрейер // Международный журнал исследований культуры. 2011. № 2. С. 35-37.
Лексикон нонклассики. Художественно-эстетическая культура XX века / под ред. В. В. Бычкова. М.: РОССПЭН, 2003. 607 с.
Маньковская Н. Б. Феномен постмодернизма. Художественно-эстетический ракурс / Н. Б. Маньковская. М.; СПб.: Центр Гуманитарных Инициатив. Университетская книга — СПб., 2009. 495 с.
Мельник В. В. Очерки концепции социокультурной бифуркации / В. В. Мельник. Тюмень, 2001. 123 с.
Пелипенко А. А. Искусство в зеркале культурологии / А. А. Пелипенко. СПб.: Нестор-История, 2009. 318 с.
Пелипенко А. А. Постмодернизм в контексте переходных процессов / А. А. Пелипенко // Человек. 2001. № 4. С. 5-17.
Слонимский С. М. Свободный диссонанс. Очерки о русской музыке / С. М. Слонимский. СПб.: Композитор Санкт-Петербург, 2004. 144 с.: ил.
Стёпин В. С. Историко-научные реконструкции: плюрализм и кумулятивная преемственность в развитии научного знания / В. С. Стёпин // Вопросы философии. 2016. № 6.

«Искусство модернизма» | Библиотека им. Расула Гамзатова

Отделом литературы по искусству Национальной библиотеки РД им. Р. Гамзатова развёрнута тематическая выставка «Искусство модернизма».

Модернизм – совокупность стилей в искусстве второй половины XIX – середины XX столетия.

Искусство с давних лет является неотъемлемой частью жизни людей. В нём сочетаются духовные ценности и усилия людей разных эпох и времён.

На рубеже ХІХ–ХХ вв. философы и художники разрушили «музейные стены», вывели произведения искусства в реальную жизнь, наполнили ими окружение. На Западе изобразительное искусство постепенно охватило сферу дизайна, превращая каждую промышленную вещь в эстетически совершенную. Работы модернистов заметно отличались от произведений искусства, ранее созданных человечеством.

Искусство модернизма не создавалось какой-либо определённой группой художников; его направления возникали в разные годы в разных странах.

С приходом модерна в конце XIX и начале XX веков произошёл основной качественный сдвиг. Живопись, начиная с постимпрессионизма, перестаёт описывать в основном виденное, а начинает в картине выражать взгляд автора, его чувства, его правду, его видение, желая передать в изображаемом то главное, что невозможно выразить копированием действительности.

Поиск новых выразительных средств для изображения невероятно быстро меняющихся отношений в обществе, экономике, науке и технике вызывает появление трудно распознаваемого множества изобразительных стилей и направлений, внезапно появляющихся, исчезающих и возобновляющихся в изменённом виде. Казалось бы, что уже не может появиться ничего нового, но процесс развития современного искусства вовсе не закончился и, очевидно, никогда не закончится.

Хотя по продолжительности модерн просуществовал недолго (всего 20–30 лет), влияние его в то время на все виды художественной деятельности огромно. Следы модерна можно найти во всём: в архитектуре, в живописи, в монументальном искусстве, в книжной графике, плакате, рекламе, дизайне, одежде. От огромного общественного здания до дверной ручки, от монументальной мозаики до изящной вазы на столе, от живописного полотна до ложки и вилки – всё это носило на себе отпечаток этого стиля, если за дело брались художники, архитекторы, дизайнеры модерна.

Представление о том, что искусство должно правдиво отражать реальные предметы, уходило в прошлое. Гоген и Мунк окончательно подорвали в начале XX столетия теоретические основы реализма. Начинают бурно развиваться новые течения, в свою очередь, порождавшие другие модернистские движения.

История искусства всё больше склоняется к мнению, что историческим межевым камнем между классической и современной живописью было творчество французского художника Поля Сезанна, произведения которого нельзя включить ни в какое направление, однако из него исходили многие его последователи. В его произведениях победил цвет. Краской он заменил свет и тень, цвет у него служит средством моделировки объёма и формы.

Обычно произведения Сезанна упоминаются с творчеством остальных основоположников модерного искусства: Винсентом Ван Гогом и Полем Гогеном, но только их мы называем постимпрессионистами.

Время, которое прошло с появления картин основных направлений и стилей модернизма, показало, что большинство лучших произведений этого периода нам понятны и признаваемы нами.

В истории архитектуры конца XIX века произошёл резкий поворот от подражательства, традиционализма к новаторству, поискам особого художественного стиля. В результате этих поисков появился новый стиль – модерн. Его появлению способствовало обострение социальных противоречий на рубеже веков. Появился огромный интерес к быстро развивавшейся технике, новым типам зданий и конструкциям.

Зародившийся в конце XIX века в странах Западной Европы – Австрии, Бельгии, Германии – новый стиль довольно быстро распространился и в России. Появлению нового стиля способствовали экономические связи между странами, и также издания, освещавшие вопросы искусства и архитектуры. В модерне широко применялись как железобетон, таки металл в качестве конструктивно-декоративного элемента. Широко использовалось стекло в металлоконструкциях. Появление этих строительных материалов воздействовало на творческое сознание архитекторов и строителей.

Большую роль в формировании интерьеров стиля модерн сыграло появление электричества в 1900 году. Искусственное электрическое освещение оказало влияние на цветовидение интерьеров. Витражи, подсвеченные изнутри, придавали зданиям неповторимую привлекательность, а интерьерам – выразительность. Стилей современной живописи существует несколько сотен, но не найти, пожалуй,двух одинаковых.

Несмотря на то, что модерн вобрал в себя многие интересные черты предыдущих стилей, его нельзя назвать подражательным. Само название «модерн» говорит о том, что это нечто новое и оригинальное.

Список представленной на выставке литературы:

1. Архитектура Запада [Текст]. Кн.4. Модернизм и постмодернизм, критика концепций / отв. ред. В. Л. Хайт. – М.: Стройиздат, 1987. – 181 с.: ил.

2. Берсенева, А. А. Европейский модерн: венская архитектурная школа [Текст] / А. А. Берсенева. – Екатеринбург: Изд-во Уральского университета, 1991. – 212 с.: ил.

3. Борисова, Е. А. Русский модерн [Текст] / Е. А. Борисова. – М.: Галарт, 1998. – 360 с.: ил.

4. Голынец, Сергей Васильевич. Лев Самойлович Бакст [Текст]: графика, живопись, театр / С. В. Голынец; Рос.акад. художеств, Урал. федер. ун-т им. первого Президента России Б. Н. Ельцина, Гуманит. ун-т. – М.: Буксмарт, 2017. – 407 с.: ил.

5. Кашекова, Ирина Эмильевна. От античности до модерна [Текст]: Стили в художественной культуре / И.Э. Кашекова. – М.: Просвещение, 2000. – 144 с.: ил.

6. Кириллов, В. В. Архитектура русского модерна [Текст]: Опыт формологического анализа / В. В. Кириллов. – М.: Издательство московского университета, 1979. – 214 с.: ил.

7. Малахов, Николай Яковлевич. Модернизм. Критический очерк [Текст]: монография / Н. Я. Малахов; под ред. В. В. Ванслов. – М.: Изобразительное искусство, 1986. – 152 с.: ил.

8. Мидан, Жан-Поль. Модерн Франция [Текст] / Жан-Поль Мидан. – М.: Магма, 1999. – 170 с.: цв.ил.

9. Модернизм [Текст]: анализ и критика основных направлений.– М.: Искусство, 1987. – 392 с.: ил.

10. Нащокина, Мария. Сто архитекторов московского модерна [Текст]: Творческие портреты / М. Нащокина. – М.: Жираф, 2000. – 304 с.:ил.

11. Петухов, Алексей Валерьевич (1978). Ар деко и искусство Франции первой четверти XX века [Текст] / Алексей Петухов. – М.: БуксМАрт, 2016. – 311 с. : ил., цв. ил.; 24 см (Научно-популярная серия).

12. Сарабьянов, Д. В. Стиль модерн [Текст]: Истоки история проблемы / Д. В. Сарабьянов. – М.: Искусство, 1989. – 294 с.: цв.ил.

13. Цербст, Райнер. Гауди:1852–1926. Антонио Гауди-и-Корнет:Жизнь,посвящённая архитектуре [Текст] / Р. Цербст. – М.: TASCHEN / АРТ-РОДНИК, 2009. – 239 с.: цв. ил.

14. Шамраева, Е. Цвет в архитектуре московского модерна. [Текст] / Е. Шамраева. – М.: Голден-би, 2009. – 288 с.: ил.

Отдел литературы по искусству

Модернизм | Архитектура и Проектирование

Модернизм — (фр.modernisme) — обобщающее наименование ряда художественных течений в искусстве XX в. (см. Рационализм, Функционализм, Органическая архитектура и др.).

Модернизм (итал. modernismo «современное течение» от лат. modernus «современный, недавний») — направление в искусстве и литературе XX века, характеризующееся разрывом с предшествующим историческим опытом художественного творчества, стремлением утвердить новые нетрадиционные начала в искусстве, непрерывным обновлением художественных форм, а также условностью (схематизацией, отвлеченностью) стиля. Модернистская парадигма была одной из лидирующих в западной цивилизации первой половины XX века; во второй же половине века она была подвергнута развёрнутой критике. Термин «модернизм» присущ только отечественной искусствоведческой школе, в западных источниках — это термин «modern». Так как в русской эстетике «модерн» означает художественный стиль предшествующий модернизму, необходимо различать эти два понятия, дабы избежать путаницы.

Модернизм — совокупность художественных направлений в искусстве второй половины девятнадцатого — начала двадцатого столетия. Наиболее значительными модернистскими тенденциями были импрессионизм, символизм, модерн, экспрессионизм, нео- и постимпрессионизм, фовизм, кубизм, футуризм. А также более поздние течения — абстрактное искусство, дадаизм, сюрреализм. В узком смысле модернизм рассматривается как ранняя ступень авангардизма, начало пересмотра классических традиций. Датой зарождения модернизма часто называют 1863 год — год открытия в Париже «Салона отверженных», куда принимались работы художников, забракованные жюри официального Салона. В широком смысле модернизм — «другое искусство», главной целью которого является создание оригинальных произведений, основанных на внутренней свободе и особом видении мира автором и несущих новые выразительные средства изобразительного языка.

Выражение «Модернизм в архитектуре» употребляется часто как синоним термина «современная архитектура», но последний термин все-таки шире. Модернизм в архитектуре охватывает творчество пионеров современной архитектуры и их последователей во временном промежутке с начала 20-х годов и по 70 —80 годы (в Европе), когда в архитектуре возникли новые тенденции.

Кредо модернизма заложено в самом его наименовании — это созидание нового («модерн» значит «новый»). То есть, принципиальная установка на новизну архитектуры, — как конструктивных и планировочных идей, так и внешних форм, которые, по мысли архитекторов-модернистов, должны исходить из достижений новых строительных технологий. Образное выражение «призмы из бетона и стекла» хорошо передает общий характер построек модернизма. Основные принципы архитектурного модернизма — использование самых современных строительных материалов, рациональный подход к решению конструкций и внутренних пространств, отсутствие тенденций украшательства, принципиальный отказ от исторических реминесценций в облике сооружений, их «интернациональный» характер. Что касается социальных установок архитекторов-модернистов, то, как правило, они отличались явным демократизмом, а то и левизной, — по крайней мере, во многих декларациях его теоретиков.

Стили-предшественники модернизма в архитектуре, так называемые «неостили», — русский модерн, австрийский сецессион, югенд-стиль в Германии, ар-нуво во Франции, а также неоклассицизм, развившийся позже повсеместно. Последующий за модернизмом стиль – постмодернизм, для которого характерен возврат к использованию элементов традиционных исторических стилей, к элементам иррационального. Модернизм в архитектуре ассоциируется с такими понятиями (движениями), как авангардизм, пуризм, функционализм, конструктивизм, «новое движение», интернациональный стиль, техницизм, минимализм.

Основные представители модернизма, пионеры современной архитектуры, которым принадлежит роль первопроходцев, это — Фрэнк Ллойд Райт, Вальтер Гропиус, Рихард Нойтра, Мис ван Дер Роэ, Ле Корбюзье, Алвар Аалто, Оскар Нимейер и некоторые другие.

Определение «модернистское» вполне уместно и по отношению к современному зданию, — если по своему виду и по намерениям автора оно соответствует традиционному представлению о модернизме.

Расцвет модернизма | Безграничная история искусства

Расцвет модернизма

Модернизм был философским движением конца 19-го и начала 20-го веков, в основе которого лежала вера в прогресс общества.

Цели обучения

Обобщить идеи, составляющие модернизм

Основные выводы

Ключевые моменты

Среди факторов, сформировавших модернизм, были развитие современных индустриальных обществ и быстрый рост городов, за которым последовал ужас Первой мировой войны.
Модернизм, по сути, был основан на утопическом видении человеческой жизни и общества и на вере в прогресс или движение вперед.
Модернистские идеалы пронизывали искусство, архитектуру, литературу, религиозную веру, философию, социальную организацию, повседневную деятельность и даже науки.
В живописи модернизм определяется сюрреализмом, поздним кубизмом, Баухаусом, Де Стиджлом, Дада, немецким экспрессионизмом и Матиссом, а также абстракциями таких художников, как Пит Мондриан и Василий Кандинский, которые характеризовали европейскую художественную сцену.
Конец модернизма и начало постмодернизма — это горячо обсуждаемый вопрос, хотя многие считают, что он закончился примерно в 1940 году.

Модернизм — это философское движение, которое, наряду с культурными тенденциями и изменениями, возникло в результате огромных преобразований в западном обществе в конце 19-го и начале 20-го веков. Среди факторов, сформировавших модернизм, были развитие современных индустриальных обществ и быстрый рост городов, за которым последовал ужас Первой мировой войны.
Модернизм был по существу основан на утопическом видении человеческой жизни и общества и на вере в прогресс или движение вперед. Он предполагал, что определенные абсолютные универсальные принципы или истины, такие как сформулированные религией или наукой, могут быть использованы для понимания или объяснения реальности.

Модернистские идеалы были далеко идущими, пронизывающими искусство, архитектуру, литературу, религиозную веру, философию, социальную организацию, повседневную деятельность и даже науки. Приказ поэта Эзры Паунда 1934 года «Сделайте это новым!» был пробным камнем подхода движения к тому, что оно считало устаревшей культурой прошлого.В этом духе его нововведения, такие как роман о потоке сознания, атональная (или пантональная) и двенадцатитоновая музыка, разделенная живопись и абстрактное искусство, имели предшественников в 19 веке.

В живописи 1920-х и 1930-х годов и Великой депрессии модернизм определяется сюрреализмом, поздним кубизмом, Баухаусом, Де Стиджлом, Дада, немецким экспрессионизмом, а также модернистами и искусными художниками цвета, такими как Анри Матисс, а также абстракциями художников. как Пит Мондриан и Василий Кандинский, которые характеризовали европейскую арт-сцену.В Германии Макс Бекманн, Отто Дикс, Джордж Гросс и другие политизировали свои картины, предвещая приближение Второй мировой войны, в то время как в Америке модернизм виден в форме американской живописи, а также в движениях соцреализма и регионализма, которые включали и политические и социальные комментарии доминировали в мире искусства.

Модернизм определяется в Латинской Америке художниками Хоакином Торресом Гарсия из Уругвая и Руфино Тамайо из Мексики, в то время как движение художников-монументалистов с Диего Риверой, Дэвидом Сикейросом, Хосе Клементе Ороско, Педро Нель Гомес и Сантьяго Мартинес Дельгадо, а также картины символиста Фриды , положил начало возрождению искусства в регионе, характеризующемуся более свободным использованием цвета и акцентом на политические сообщения.Конец модернизма и начало постмодернизма — это горячо обсуждаемый вопрос, хотя многие считают, что он закончился примерно в 1940 году.

Les Desmoiselles D’Avignon Пикассо, 1907 : Пикассо — вездесущий образец модернистского художника.

Постимпрессионизм

Post-Impression относится к жанру, который отверг натурализм импрессионизма в пользу использования цвета и формы в более выразительных манерах.

Цели обучения

Сравните и противопоставьте техники постимпрессионизма и импрессионизма

Основные выводы

Ключевые моменты

Постимпрессионисты расширили использование ярких цветов, густого нанесения краски, характерных мазков кисти и реальных предметов, и были более склонны подчеркивать геометрические формы, искажать формы для выразительного эффекта и использовать неестественные или произвольные цвета в своих композициях.
Хотя они часто выставлялись вместе, художники-постимпрессионисты не пришли к согласию относительно единого движения, и молодые художники в начале 20-го века работали в географически разрозненных регионах и в различных стилистических категориях, таких как фовизм и кубизм.
Термин «постимпрессионизм» был придуман британским художником и искусствоведом Роджером Фраем в 1910 году для описания развития французского искусства со времен Мане.

Ключевые термины

Постимпрессионизм : (Искусство) жанр живописи, который отверг натурализм импрессионизма, используя цвет и форму в более выразительных манерах.
Постимпрессионизм : французское искусство или художники, принадлежащие к жанру после Мане, которые расширили стиль импрессионизма, отвергая его ограничения; они продолжали использовать яркие цвета, густое нанесение краски, характерные мазки кисти и реальные предметы, но они были более склонны подчеркивать геометрические формы, искажать форму для выразительного эффекта и использовать неестественные или произвольные цвета.
Стойка и перемычка : простой метод строительства с использованием заголовка или архитрава в качестве горизонтального элемента над пустотой здания (перемычкой), поддерживаемой на концах двумя вертикальными колоннами или столбами (столбами).

Переход от натурализма

Post-Impression относится к жанру живописи, который отверг натурализм импрессионизма в пользу использования цвета и формы в более выразительных манерах. Термин «постимпрессионизм» был придуман британским художником и искусствоведом Роджером Фраем в 1910 году для описания развития французского искусства со времен Мане. Постимпрессионисты расширили импрессионизм, отвергнув его ограничения. Например, они продолжали использовать яркие цвета, густое нанесение краски, характерные мазки кисти и реальные предметы, но они также были более склонны подчеркивать геометрические формы, искажать формы для выразительного эффекта и использовать неестественные или произвольные цвета в их композиции.

Выдающиеся художники постимпрессионизма

Постимпрессионизм развился из импрессионизма. Начиная с 1880-х годов, несколько художников, в том числе Винсент Ван Гог, Поль Гоген, Жорж Сёра и Анри де Тулуз-Лотрек, представляли различные принципы использования цвета, узора, формы и линии, выводя эти новые направления из примера импрессионистов. . Эти художники были немного моложе импрессионистов, и их работы одновременно стали известны как постимпрессионизм.Некоторые из первых художников-импрессионистов также отважились на эту новую территорию. Камиль Писсарро кратко писал в пуантилистской манере, и даже Моне отказался от строгой картины en пленэр . Поль Сезанн, участвовавший в первой и третьей выставках импрессионистов, разработал в высшей степени индивидуальное видение, подчеркнув изобразительную структуру; его чаще всего называют постимпрессионистом. Хотя эти случаи иллюстрируют сложность присвоения ярлыков, работы первых художников-импрессионистов по определению можно отнести к категории импрессионизма.

Пшеничное поле с воронами Ван Гог, 1890 : Винсент Ван Гог использовал вращающиеся мазки кисти во многих своих постимпрессионистских работах.

Разнообразный поиск направлений

Постимпрессионисты были недовольны тривиальностью сюжета и потерей структуры в картинах импрессионистов, хотя и не пришли к единому мнению о дальнейших действиях. Жорж Сёра и его последователи, например, интересовались пуантилизмом, систематическим использованием крошечных цветных точек.Поль Сезанн намеревался восстановить чувство порядка и структуры в живописи, уменьшая объекты до их основных форм, сохраняя при этом яркие свежие цвета импрессионизма. Винсент Ван Гог использовал яркие цвета и кружащиеся мазки кисти, чтобы передать свои чувства и душевное состояние. Следовательно, хотя они часто выставлялись вместе, художники-постимпрессионисты не пришли к согласию относительно единого движения, а молодые художники в начале 20-го века работали в географически разрозненных регионах и в различных стилистических категориях, таких как фовизм и кубизм.

Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт Жоржа-Пьера Сёра, 1884–86 : Работы Жоржа Сёра — пуантилисты, с использованием систематических цветных точек для создания формы и структуры.

Сезанн

Сезанн был французским художником-постимпрессионистом, чьи работы освещают переход от 19 века к началу 20 века.

Цели обучения

Обсудить эволюцию и влияние стиля живописи Сезанна во время постимпрессионистского движения

Основные выводы

Ключевые моменты

Ранние работы Сезанна часто связаны с фигурами в пейзаже, часто изображая группы больших, тяжелых фигур.В зрелом творчестве Сезанна есть твердый, почти архитектурный стиль живописи. С этой целью он структурно упорядочил свое восприятие в простых формах и цветовых плоскостях.
Это исследование визуализировало несколько разные, но одновременные визуальные восприятия одних и тех же явлений, чтобы дать зрителю другой эстетический опыт.
«Темный период» Сезанна с 1861 по 1870 год содержит работы, для которых характерны темные цвета и интенсивное использование черного.
Легкость его работ импрессионистов резко контрастирует с драматической смиренностью, обнаруженной в его заключительном периоде продуктивности с 1898 по 1905 год.Эта отставка свидетельствует о нескольких натюрмортах, на которых изображены черепа в качестве сюжета.

Ключевые термины

Сезанн : Поль Сезанн (1839–1906) был французским художником и художником-постимпрессионистом, чьи работы заложили основы перехода от концепции художественного творчества 19-го века к новому и радикально иному миру искусства 20-го века. век.
Импрессионизм : художественное направление XIX века, зародившееся группой парижских художников.Характеристики живописи импрессионистов включают относительно небольшие, тонкие, но видимые мазки кисти, открытую композицию, акцент на точном изображении света в его изменяющихся качествах (часто с акцентом на эффекты течения времени), общий, обычный предмет, включение движения в качестве объекта. важнейший элемент человеческого восприятия и опыта, а также необычные углы обзора.
Постимпрессионизм : (Искусство) жанр живописи, который отверг натурализм импрессионизма, используя цвет и форму в более выразительных манерах.

Введение

Поль Сезанн (1839–1906) был французским художником и живописцем постимпрессионизма, чьи работы положили начало переходу от концепции художественного творчества XIX века к новому и радикально иному миру искусства. Часто повторяющиеся мазки Сезанна очень характерны и легко узнаваемы. Он использовал цветные плоскости и мелкие мазки, чтобы сформировать сложные поля и передать интенсивное изучение своих предметов.

Ранняя работа

Ранние работы Сезанна часто связаны с фигурами в пейзаже, часто изображая группы больших, тяжелых фигур.Позже он стал больше интересоваться работой с позиций прямого наблюдения, постепенно развивая легкий, воздушный стиль живописи. Тем не менее в зрелом творчестве Сезанна есть развитие твердого, почти архитектурного стиля живописи. С этой целью он структурно упорядочил все, что он воспринимал, в простые формы и цветные плоскости.

Сезанн интересовался упрощением естественных форм до их геометрической сущности, желая «рассматривать природу с помощью цилиндра, сферы, конуса.Например, ствол дерева можно представить как цилиндр, а яблоко или апельсин — как сферу. Кроме того, его желание запечатлеть правду восприятия привело его к изучению бинокулярного графического зрения. Это исследование визуализировало несколько разные, но одновременные визуальные восприятия одних и тех же явлений, предоставляя зрителю другое эстетическое ощущение глубины.

Темный период

«Темный период» Сезанна 1861–1870 гг. Состоял из работ, для которых характерны темные цвета и интенсивное использование черного.Они резко отличаются от его ранних акварелей и эскизов в École Spéciale de dessin в Экс-ан-Провансе в 1859 году. В 1866–1867 годах, вдохновленный примером Курбе, Сезанн написал серию картин мастихином. Позже он назвал эти работы, в основном портреты, une couillarde (грубое слово, обозначающее показную мужественность). Всего в произведениях Темного периода есть несколько эротических или насильственных сюжетов.

Черные мраморные часы, 1869–1871 : Черные мраморные часы с интенсивным использованием черного и темного цветов служат примером того, как Сезанн работал в «темный период» в начале своей карьеры.

После начала франко-прусской войны в июле 1870 года полотна Сезанна стали намного ярче и больше отражали импрессионизм. Сезанн перемещался между Парижем и Провансом, участвуя в первой (1874 г.) и третьей выставках импрессионистов (1877 г.). В 1875 году он привлек внимание коллекционера Виктора Шоке, чьи заказы принесли некоторое финансовое облегчение. Однако в целом выставленные картины Сезанна вызывали веселье, возмущение и сарказм.

Жас де Буффан , 1876 г.: Под влиянием Писсарро работы Сезанна стали намного ярче и импрессионистами.

Легкость его работ импрессионистов резко контрастирует с его драматической отставкой в последний период его продуктивности (1898–1905). Эта отставка свидетельствует о нескольких натюрмортах, на которых изображены черепа в качестве сюжета.

Пирамида Черепов , ок. 1901 : Драматическое смирение со смертью характерно для нескольких натюрмортов Сезанна, созданных между 1898 и 1905 годами.

Исследования Сезанном геометрического упрощения и оптических явлений вдохновили Пикассо, Брака, Гриса и других на эксперименты со все более сложными множественными взглядами на один и тот же предмет. Таким образом, Сезанн положил начало одной из самых революционных областей художественного поиска 20-го века, которая должна была повлиять на развитие современного искусства. В его память учрежден приз за особые достижения в искусстве. «Медаль Сезанна» вручается французским городом Экс-ан-Прованс.

Завихрение

Вортицизм, ответвление кубизма, был кратковременным модернистским движением в британском искусстве и поэзии начала 20 века.

Цели обучения

Опишите недолговечное движение вортицизма в Великобритании

Основные выводы

Ключевые моменты

Движение вортицизма отвергло популярные в то время типичные пейзажи и обнаженную натуру в пользу геометрического стиля, имеющего тенденцию к абстракции.
Движение было объявлено в 1914 году в первом выпуске официального литературного журнала Vorticism BLAST, который провозгласил манифест движения.
Вортизм расходился с кубизмом и футуризмом.Он пытался запечатлеть движение на изображении. В картинах вортицистов современная жизнь представлена множеством смелых линий и резких цветов, привлекающих взгляд зрителя к центру холста.

Ключевые термины

Промышленная революция : Крупные технологические, социально-экономические и культурные изменения в конце 18-го и начале 19-го века, когда экономика перешла от экономики, основанной на ручном труде, к экономике, в которой доминирует машинное производство.
Vorticism : ответвление кубизма; недолговечное модернистское движение в британском искусстве и поэзии начала 20-го века, базирующееся в Лондоне, но международное по макияжу и амбициям.

Вортицизм был кратковременным модернистским движением в британском искусстве и поэзии в начале 20 века. Он базировался в Лондоне, но был интернациональным по внешнему виду и амбициям. Как движение, вортицизм отказался от типичных пейзажей и обнаженной натуры того времени в пользу геометрического стиля, имеющего тенденцию к абстракции.

Группа вортицизма началась с Центра искусства повстанцев, основанного Виндхэмом Льюисом как разрыв с другими традиционными школами, и имела свои интеллектуальные и художественные корни в группе Блумсбери, кубизме и футуризме.Льюис видел вортицизм как независимую альтернативу кубизму, футуризму и экспрессионизму. Хотя стиль вырос из кубизма, он более тесно связан с футуризмом в его объятиях динамизма, машинного века и всего современного. Однако вортицизм расходился как с кубизмом, так и с футуризмом в том, как он пытался уловить движение в изображении. В картинах вортицистов современная жизнь представлена множеством смелых линий и резких цветов, привлекающих взгляд зрителя к центру холста.

Озеро : Лоуренс Аткинсон, один из подписантов BLAST, написал «Озеро» (перо и акварель на бумаге) около 1915–2020 годов, вдохновленный вортицизмом.

The Vorticists опубликовали два выпуска литературного журнала BLAST под редакцией Льюиса в июне 1914 и июле 1915 года. В нем содержались работы Эзры Паунда, Т. С. Элиота и самих вортицистов. Его типографская авантюрность была названа Эль Лисицким одним из главных предвестников революции в графическом дизайне 1920-х и 1930-х годов.

BLAST Обложка : Обложка BLAST 1915 года демонстрирует использование движения вортицистов геометрического стиля и острых углов в печати и дизайне.

Картины и скульптуры, показанные в Rebel Art Center в 1914 году, до образования Vorticist Group, считались «экспериментальной работой» Льюиса, Уодсворта, Шекспира и других, которые использовали угловое упрощение и абстракцию в своих картинах. Эта работа была современна и сопоставима с абстракцией художников континентальной Европы, таких как Кандинский, Франтишек Купка и Русская группа Райистов. В 1915 году вортицисты провели только одну официальную выставку в лондонской галерее Доре.После этого движение распалось, во многом из-за начала Первой мировой войны и апатии общественности к их работе.

Символизм

Символизм был художественным движением конца 19 века французского, русского и бельгийского происхождения.

Цели обучения

Обсудить использование символизма в произведениях искусства для поиска абсолютных истин

Основные выводы

Ключевые моменты

Символизм был в значительной степени реакцией на натурализм и реализм, антиидеалистические стили, которые были попытками представить реальность в ее суровой особенности и возвысить скромное и обычное над идеальным.С другой стороны, символизм благоприятствовал духовности, воображению и мечтам.
Символисты считали, что искусство должно представлять абсолютные истины, которые можно описать только косвенно. Таким образом, они писали и рисовали в очень метафорической и наводящей на размышления манере, наделяя определенные изображения или объекты символическим значением.
Художники-символисты подчеркивали силу личной субъективности, эмоций и чувств, а не полагались на реализм, чтобы предложить более широкие истины.
Символизм выражал сцены из природы, человеческой деятельности и всех других явлений реального мира, которые изображены не сами по себе, а как воспринимаемые поверхности, созданные для представления их эзотерической близости с изначальными идеалами.

Ключевые термины

символизм : Символизм был художественным движением конца 19 века французского, русского и бельгийского происхождения в поэзии и других искусствах. Символизм — это практика представления вещей символами или наделения вещей символическим значением или характером. Символ — это объект, действие или идея, которые представляют собой нечто иное, чем он сам, часто более абстрактного характера. Символизм создает качественные аспекты, которые делают литературу, такую как поэзия и романы, более значимой.

Движение к смыслу

Символизм — это художественное направление конца 19 века французского, русского и бельгийского происхождения, которое проявилось в поэзии и других искусствах. Термин «символизм» происходит от слова «символ», которое происходит от латинского symbolum, символа веры, и symbolus, знака признания. Символизм был в значительной степени реакцией на натурализм и реализм, антиидеалистические стили, которые были попытками представить реальность в ее суровой особенности и возвысить скромное и обычное над идеальным.Символизм, с другой стороны, одобрял духовность, воображение, мечты, эмоции и личную субъективность художника как инструмент для иллюстрации больших истин. Тематически художники-символисты, как правило, сосредотачивались на темах, связанных с оккультизмом, декадансом, меланхолией и смертью.

Самоубийство Дороти Хейл Фриды Кало, 1939 : Хотя эта картина была заказной, она все еще демонстрирует фирменное использование символизма Кало для выражения ее субъективной правды.

В поисках скрытой правды

Символисты считали, что искусство должно отражать абсолютные истины, которые можно описать только косвенно. Таким образом, они писали и рисовали в очень метафорической и наводящей на размышления манере, наделяя определенные изображения или объекты символическим значением. Жан Мореас опубликовал «Манифест символиста » (« Le Symbolisme ») в «Фигаро» 18 сентября 1886 года (см. 1886 в поэзии). Мореас объявил, что символизм враждебен «простым значениям, декламациям, ложной сентиментальности и прозаическим описаниям» и что его цель состоит в том, чтобы «облечь идеал в ощутимую форму», чья «цель заключалась не в себе, а в чьей-либо форме». единственной целью было выразить Идеал.Другими словами, символизм выражал сцены из природы, человеческой деятельности и всех других явлений реального мира не ради них самих, а как воспринимаемые поверхности, созданные для представления их эзотерической близости с изначальными идеалами.

La mort du fossoyeur : La mort du fossoyeur («Смерть могильщика») Карлоса Швабе представляет собой визуальный сборник символистских мотивов. Смерть и ангелы, нетронутый снег и драматические позы персонажей — все это выражает символическое стремление к преображению «где угодно, за пределами мира».”

Символистский стиль часто путали с декадансом, и к концу 1880-х годов термины «символизм» и «декаданс» стали восприниматься как почти синонимы. Хотя эстетику стилей можно считать в некотором роде схожей, эти два стиля остаются разными. Символисты подчеркивали мечты, идеалы и фантастические предметы, в то время как декаденты культивировали précieux , орнаментированные или герметические стили и болезненные предметы. Художники-символисты оказали большое влияние на экспрессионизм и сюрреализм в живописи, два движения, которые происходят непосредственно от собственно символизма.

Арлекины, нищие и клоуны «Голубого периода» Пабло Пикассо демонстрируют влияние символизма, особенно Пюви де Шаванна. В Бельгии символизм стал настолько популярен, что его стали рассматривать как национальный стиль: статичная странность художников, таких как Рене Магритт, может рассматриваться как прямое продолжение символизма. Работа некоторых художников-символистов, таких как Ян Тороп, напрямую повлияла на криволинейные формы модерна.

The Caress : бельгийский символист Фернан Кнопф The Caress

Модерн

Ар-нуво — это международный стиль искусства и архитектуры, который был наиболее популярен в 1890–1910 годах.

Цели обучения

Опишите происхождение и характеристики стиля модерн

Основные выводы

Ключевые моменты

Ар-нуво был международным стилем искусства и архитектуры, который был самым популярным в 1890–1910 годах. Название «ар-нуво» в переводе с французского означает «новое искусство». Истоки ар-нуво лежат в сопротивлении художника Уильяма Морриса загроможденным композициям и тенденциям возрождения XIX века.
Реакция на академическое искусство XIX века, модерн был вдохновлен естественными формами и структурами, примером которых являются изогнутые линии, асимметрия, природные мотивы и замысловатые украшения.
Модерн считается «тотальным стилем», что означает, что он проник во многие формы искусства и дизайна, такие как архитектура, дизайн интерьера, декоративное искусство и изобразительное искусство. Согласно философии стиля, искусство должно стремиться быть образом жизни.

Ключевые термины

Модерн : Модерн — это международная философия и стиль искусства, архитектуры и прикладного искусства, особенно декоративного искусства, которые были наиболее популярны в 1890–1910 годах.
japonisme : Влияние японского искусства и культуры на европейское искусство.
синкопировано : разнообразные музыкальные ритмы, которые появляются неожиданно.

Фон

Ар-нуво — это международный стиль искусства и архитектуры, который был наиболее популярен в 1890–1910 годах нашей эры. Название Art Nouveau в переводе с французского означает «новое искусство». Реакция на академическое искусство 19-го века, он был вдохновлен естественными формами и структурами не только в цветах и растениях, но и в изогнутых линиях.Это также считается философией мебельного дизайна. Мебель в стиле модерн структурирована в соответствии со всем зданием и является частью повседневной жизни. Модерн был наиболее популярен в Европе, но его влияние было глобальным. Это очень разнообразный стиль с частыми локализованными тенденциями.

Стиль модерн: Барселона : Дом Бальо, построенный уже в 1877 году, был реконструирован Антони Гауди и Хосеп Мария Жухоль в стиле барселонского модерна в 1904–1906 годах.

До того, как термин «модерн» стал распространенным во Франции, более частым обозначением был le style moderne («современный стиль»). Maison de l’Art Nouveau — так называлась галерея, основанная в 1895 году немецким арт-дилером Самуэлем Бингом в Париже, в которой было представлено исключительно современное искусство. Известность его галереи возросла на Всемирной выставке 1900 года, где он представил скоординированные инсталляции современной мебели, гобеленов и предметов искусства. Эти декоративные экспозиции настолько прочно ассоциировались со стилем, что название его галереи впоследствии стало широко используемым термином для всего стиля.Точно так же Jugend (Молодежь) был иллюстрированным еженедельным журналом об искусстве и образе жизни Мюнхена, основанным в 1896 году Георгом Хиртом. Югенд сыграл важную роль в продвижении стиля модерн в Германии. В результате Jungenstil , или Молодежный стиль, стало немецким словом для обозначения стиля.

Истоки модерна

Истоки ар-нуво лежат в сопротивлении художника Уильяма Морриса загроможденным композициям и тенденциям возрождения XIX века.Его теории помогли начать движение в стиле модерн. Примерно в то же время плоская перспектива и яркие цвета японских гравюр на деревянных блоках, особенно Кацусика Хокусая, оказали сильное влияние на формулировку стиля модерн. Японизм, который был популярен в Европе в 1880-е и 1890-е годы, оказал особое влияние на многих художников своими органическими формами и отсылками к миру природы.

Хотя модерн приобрел отчетливо локализованные тенденции по мере увеличения своего географического распространения, некоторые общие характеристики указывают на его форму.В описании настенной подвески Германа Обриста Cyclamen (1894), опубликованной в журнале Pan, она описывалась как «внезапные резкие изгибы, вызванные ударом кнута», что стало хорошо известно во время раннего распространения ар-нуво. Впоследствии термин «хлыстовая травма» часто применяется к характерным кривым, используемым художниками в стиле модерн. Такие декоративные «хлыстовые» мотивы, образованные динамическими, волнистыми и плавными линиями в синкопированном ритме, встречаются в архитектуре, живописи, скульптуре и других формах дизайна в стиле модерн.

Модерн как целостный стиль

Модерн теперь считается «тотальным стилем», что означает, что его можно увидеть в архитектуре, дизайне интерьеров, декоративном искусстве (включая ювелирную мебель, текстиль, бытовое серебро и другую утварь и освещение) и изобразительном искусстве. Согласно философии стиля, искусство должно стремиться быть образом жизни и, таким образом, охватывать все части. Многие европейцы могли жить в доме в стиле модерн с мебелью в стиле модерн, столовым серебром, посудой, украшениями, портсигарами и т. Д.Таким образом, художники хотели объединить изобразительное и прикладное искусство даже для создания утилитарных предметов.

Письменный стол и стул. Автор Гектор Гимар, 1909–12. : Изогнутые змеевидные изделия из дерева на этом столе характерны для стиля модерн, который часто черпал стилистическое влияние из мира природы.

Ар-нуво в архитектуре и дизайне интерьеров сторонился эклектичных стилей возрождения XIX века. Дизайнеры в стиле модерн выбрали и «модернизировали» некоторые из наиболее абстрактных элементов стиля рококо, такие как текстуры пламени и ракушек.Они также выступали за использование очень стилизованных органических форм в качестве источника вдохновения, расширяя свой естественный репертуар за счет использования морских водорослей, трав и насекомых.

Дверной проем на площади Этьена Перне, 24 (Париж 15e), 1905 год, автор — архитектор Альфред Вагон. : Асимметричное и криволинейное влияние природного мира снова проявляется в металлических изделиях этого дверного проема на площади Этьена Перне в Париже.

В живописи в стиле модерн, двумерные фигуры были нарисованы и напечатаны в популярных формах, таких как реклама, плакаты, этикетки и журналы.Японские гравюры на деревянных блоках с их изогнутыми линиями, узорчатыми поверхностями, контрастными пустотами и плоскостью визуальной плоскости также вдохновили живопись ар-нуво. Некоторые узоры из линий и кривых стали графическими клише, которые позже были обнаружены в работах художников из многих стран мира.

Юбка-павлин Обри Бердсли, 1893 год : Обри Бердсли — художник, известный своими плакатами и часто ассоциирующийся с модерном из-за использования сложного орнамента и широких криволинейных линий.

Внутри Нового музея современного искусства

Посещение МоМА, 1959 год. Фото: Ева Арнольд / Magnum Photos

Эта статья была опубликована в информационном бюллетене с рекомендациями для чтения One Great Story, New York . Зарегистрируйтесь здесь , чтобы получать каждую ночь.

Может ли музей модернизма пережить смерть движения? Может ли это вызвать смерть? С самого начала Возрождения в 14 веке большинство художественных течений длилось одно поколение, а иногда и два.Сегодня, по прошествии более 130 лет, модернизм, по крайней мере, по некоторым параметрам, безумно и нелепо популярен — это мировой бренд. Первое, что делают олигархи, чтобы продемонстрировать свою изощренность, очистить и хранить деньги, — это собирать и строить личные музеи современного искусства, и нет ничего, что любители музеев любят больше, чем обзор гиганта середины века. В США модернизм представляет собой триумф американского величия и богатства и считается вершиной европейской культуры 20-го века, которую американцы купили и привезли (то есть переманили).

Детские спортивные татуировки произведений Густава Климта, Анри Матисса, Сальвадора Дали, Эдварда Мунка, Пита Мондриана и Энди Уорхола (вы можете не думать о нем как о модернисте, но мы еще вернемся к этому). Наши города переполнены роскошными стеклянными стенами, построенными на архитектуре высокого модерна, квартиры внутри полны подделок мебели «модерна середины века». Сонный минималистский аванпост-студия Дональда Джадда в Марфе теперь находится в Восточном Хэмптоне в Западном Техасе, светском месте паломничества миллионеров-коллекционеров с множеством дорогих ресторанов и модных вторых домов.Еще в 1994 году нам с женой предложили там дом за 5000 долларов.

И люди платят — не только за искусство или за обстановку, которая напоминает об этом, но и за то, чтобы увидеть сами произведения, пусть даже ненадолго. Станьте свидетелем ежедневных толп посетителей Музея современного искусства, где гости за полную стоимость раскупают более 25 долларов. Годовая посещаемость в прошлом году была чуть более 3 миллионов (посчитайте). Люди делают селфи на Звездная ночь ; подростки испытывают большие чувства, потому что мир не понимает Винсента, хотя они понимают его очень хорошо уже более века.Фильмы сняты о нем и о Пабло Пикассо, Поле Гогене, Фриде Кало, Джексоне Поллоке и Уорхоле (и женщине, которая его застрелила). И Жан-Мишель Баския — последний в длинной череде глобальных гениев — умер в 1988 году в возрасте 27 лет. Все мы знаем истории, от разрушения собственной работы и совершения самоубийства до распутства и писания в камины ( в этом смысле модернизм — это голливудский Вавилон). И пока мы водим наших родителей в Метрополитен, чтобы оценить старое искусство, традиции и «хорошую технику», мы ходим в МоМА, потому что модернизм — это круто, но все же — последовательность революционных жестов, потрясений и историй о преемственности, которые, как мы думаем, рассказывают нам кое-что о радикализме и экспериментировании.

Эта репутация и эти драмы о преемственности не случайны — они были созданы MoMA в сотрудничестве с художниками, которые очень хотели видеть свою работу как естественную конечную точку всей истории искусства. (Кто бы не стал?) Все это преобладало с момента основания музея богатыми жителями Нью-Йорка. Он открылся через девять дней после начала Великой депрессии в 1929 году. Спустя три четверти века после настоящего пика модернизма его хватка похожа на тиски.Вот почему мы все еще так очарованы очарованием авангарда даже спустя долгое время после того, как авангард начал лунатизм. И, возможно, поэтому мы все еще верим, что художники подобны богам еще долгое время после того, как они начали спать с деньгами и знаменитостями. Люди до сих пор цитируют Дюшана: «Картина, которая не шокирует, не стоит рисовать». Почему люди до сих пор продолжают шокировать своих нян? Модернизм. Музеи по-прежнему представляют всю историю искусства как длинную историю, которая резко порывает с 20-м веком. Почему? Модернизм! Почему я все время спрашиваю себя, закончился ли модернизм? Модернизм!

Я люблю модернизм — движение и культуру, которые можно определить по-разному, и часто это так.Я считаю, и МоМА давно, казалось, утверждал, что это началось с книги Поля Сезанна The Bather (около 1885 года). Ваши начальная и конечная точки могут быть разными, но вы наверняка узнаете формально смелые работы, которые определяли первую половину 20-го века в Европе и Америке по школьным поездкам и стенам общежития: Пикассо и Матисс, О’Киф и Поллок. Во многих отношениях это все еще может вызывать шок. Сегодня художники используют тысячи идей модернизма, и я до сих пор люблю многих из них.У меня захватывает дух от всех работ Пикассо, гигантских капельных картин Поллока и первых набегов Хильмы аф Клинт в самые глубокие уголки абстракции.

Но большая часть модернизма и связанных с ним проблем сейчас ощущается давным-давно, возникла во времена быстрых промышленных изменений, когда белые европейские мужчины считали себя правителями мира. Требования нашего времени требуют чего-то другого. И прежде чем вы возразите, что мы 50 лет живем в постмодернизме, а не в модернизме, искусство, которое следовало за титанами начала 20-го века, было определено и даже названо в честь того, что ему предшествовало (проблемы папы?).То, что началось с Попа и Уорхола, выглядело как отход от модернизма, но это также расширило фетишизацию новизны модернизмом и канон иконоборцев. Модернизм — это часть моей жизненной истории, всех наших жизненных историй, то, что сформировало то, как мы видим мир и как мир видит себя. Но за последние пару десятилетий произошли сейсмические сдвиги, которые впервые вывели нас далеко за рамки диктата движения. Модернизм не идет на свалку, но с точки зрения экспериментального превосходства и убежденности в том, что каждая новая работа может сломать и переопределить всю историю искусства, страница наконец-то переворачивается — медленно, по крайней мере, немного.

Подобные изменения, конечно же, случались раньше — движение, завоевывающее мир, а затем уходящее в прошлое. Обычно это происходит намного быстрее. Расцвет таких выдающихся художников рококо, как Франсуа Буше, Жан-Оноре Фрагонар и Антуан Ватто, длился всего 15 лет, и тогда неоклассицизм считал его девчачьим и глупым. Вместо этого художники, такие как Жак-Луи Давид, рисовали гигантские «мужские» картины римской добродетели, славы Наполеона, Французской революции и мифических смертей — до тех пор, пока Давида не арестовали и не бросили в тюрьму.Даже Высокое Возрождение пришло и ушло менее чем за 50 лет. Импрессионизм просуществовал 25 лет. Для сравнения, модернизм в этом смысле древний. Моделирование этого как чего-то нового и крутого сегодня было бы похоже на то, как оригинальные модернисты моделируют себя по образцам искусства и ценностей за 130 лет до них: Буше, Жан-Огюст-Доминик Энгр и Антонио Канова. То, что модернизм был канонизирован, особенно парадоксален, учитывая, что первые модернисты так отчаянно пытались оторваться от искусства прошлого, что отказались от перспективы и пространства эпохи Возрождения.Дюшан писал, что хотел использовать Рембрандт в качестве гладильной доски.

Отсюда возникает вопрос: если модернизм не был конечной точкой истории искусства и высшей формой художественного выражения, то что это было? Если мы не позволим ему проложить себе путь к началу очереди и в центре сцены, вытесняя все, что было до, во время и все, что было после, как это будет выглядеть? И как это будет выглядеть по мере того, как оно будет все дальше и дальше удаляться в зеркале заднего вида и будет казаться не финалом всего, что было раньше, а всего лишь еще одним периодом в бесконечной их череде — один набор манер сменяется другим? Какими бы великими ни были художники модернизма, большая часть этого искусства посвящена самому себе, в основном белые люди спорят об истории искусства других белых людей.Как только мы оставим эти аргументы позади, может оказаться, что самое поразительное наследие — это культ мужчины-художника и порожденный им конкурентный эстетический мессианизм.

21 октября величайшая коллекция современного искусства на планете откроется в новом Музее современного искусства. Новизна не связана с большим переездом в другое место или сооружением стоимостью в миллиард долларов, появившимся на старом месте (последний раз это произошло в 2004 году, согласно так себе обзорам), хотя большая часть интерьера культового — и вежливо гладкого и теснота — здание на 53-й улице было переделано, а у основания еще одного нового небоскреба MoMA, полного очень дорогих кондоминиумов, появились новые галереи.Это из-за того, что и как будет представлено внутри.

Музей традиционно вывешивает свою коллекцию в хронологическом порядке, чтобы рассказать определенную историю. История была такой: он родил того, кто породил его, и так далее, пока модернизм не повесил на дверь табличку с надписью «МЫ ЗАКРЫТЫ» (точно так же, как бесчисленное множество других появилось у дверей). Конечно, история признала, что было соперничество (Матисс против Пикассо, например) и соответствующий исходный материал и вдохновение (снова с Пикассо).Но в целом это была история о жестком прогрессе, который на стенах музея выглядел почти неизбежным. Это именно то, что задумал музей: учреждение, достигшее совершеннолетия на пике империи американского века, частично финансировавшееся во время холодной войны за счет денег ЦРУ, предназначенных для возвышения и экспорта демонстрации свободы слова (иногда путаемой со свободным предпринимательством). , он очень хотел, чтобы зрители поверили, что модернизм был «окончательным» движением в обоих смыслах этого слова.

Новизна стара как время.Просто модернисты заявили об этом куда более самоуверенно.

В 1941 году великий директор-основатель MoMA Альфред Барр, как известно, нарисовал схему идеальной постоянной коллекции музея в виде торпеды. (В конце концов, это было во время Второй мировой войны.) Хвост — это Сезанн, Ван Гог и Сёра. Барр предположил, что после 1950 года искусство будет приходить только из Америки и Мексики. Его преемник-куратор Билл Рубин утроил все это. Кроме Мексики, конечно.

Сейчас музей избавляется от жестких сроков.Это избавление от движений. Хорошо! Такое измерение вещей оказывает медвежью услугу искусству и художникам — как сказал Виллем де Кунинг: «Называть себя губительно». MoMA будет вешать работы из разных эпох и разных мест, рядом друг с другом, открывая то, что начинало казаться безвоздушным, самореференциальным каноном, в нечто гораздо более динамичное. Музей даже отказывается от своего 89-летнего отвращения к показу разных медиумов вместе. Как чудак, я наслаждаюсь галереями убийственных картин подряд, но уместно перестать показывать искусство только таким образом, отчасти потому, что новая стратегия позволяет нам вернуться и задать новые вопросы о работе, которую, как мы думали, мы поняли. и отчасти потому, что так сами художники видят историю искусства, особенно сегодня — не как график прогресса, а как красивую кучу мусора или магазин костюмов, в котором можно играть.(В эпоху Интернета, с глобализированным миром искусства и разрушением хотя бы некоторых барьеров для входа, это, вероятно, не слишком удивительно.)

Что самое интересное, постоянная коллекция MoMA больше не будет статичной. Каждые полгода будет переустанавливаться треть. Я предполагаю, что две вершины Пикассо и Матисса всегда будут где-то выставляться вместе с другими трофейными работами и громкими именами. Но также будет гораздо больше имен, принадлежащих менее известным людям, которым меньше века, менее белым, менее мужским и менее исключительно американским и европейским.Это означает, что каждые 18 месяцев MoMA будет совершенно новым. Если вас раздражает то, как выглядит коллекция сейчас, вернитесь через полгода — мало ли. Прощай, каноник! По крайней мере, статичная, вечная, ветхозаветная телеологическая теория, с которой мы все выросли. В 2004 году, когда MoMA вновь открылся в тогда еще новом кампусе из стекла и стали, только 5 процентов произведений искусства в постоянной коллекции принадлежали женщинам. Сегодня, по оценкам музея, 28 процентов выставленных работ принадлежат женщинам, а 21 процент — художникам за пределами Западной Европы, США.С., и Канада — это гигантское событие для МоМА, модернизма и искусства.

«Прошедшие пять-десять лет — это самое радикальное переосмысление истории искусства и, как следствие, музейное курирование за последние пять-десять лет», — сказала на лекции Энн Темкин, главный хранитель живописи и скульптуры. «То, что предполагалось в течение последних 40, 20, десяти или даже пяти лет, взорвалось». Аминь.

Итак — что предполагалось? Давайте посмотрим на пять важных вещей.

Во-первых, это крик души Эзры Паунда «Сделай это новым». В модернизме ценилась только новизна. Все старое считалось устаревшим, неадекватным времени, а это означало, что модернизм претендовал не только на монополию на новизну, но и на важность. Один дадаист сказал: «Искусство мертво». Дело закрыто. Конечно, все искусство когда-то было новым. Художники-пещеры рисовали более старые наскальные рисунки; На римских горшках есть спортивные подписи художников: «Никто никогда не смог бы сделать зерновой горшок так хорошо, как этот.«Таким же образом каждое поколение думает, что оно изобрело секс; новизна стара как время. Просто модернисты заявили об этом куда более самоуверенно.

Во-вторых, модернизм называл себя реальностью. Это означало, что ему не нужно было беспокоиться о том, чтобы обращаться к реальной действительности или изображать ее — вместо этого он предлагал себя как единственное, что имело значение. Кандинский писал: «Реализм = абстракция. Абстракция = Реализм ». Американский критик Клемент Гринберг сказал, что искусство предназначено для того, чтобы «обмануть глаз».«Большая часть современного искусства отвернулась от мира и обратилась в себя, полностью отрицая предмет и повествование. По крайней мере, важность предмета, так как большая часть модернизма использовала традиционные (не «новые», привет!) Предметы: обнаженные тела, пейзажи, натюрморты, больше обнаженных, повседневные сцены, природа, архитектура и многое другое. Художник должен был представить новое, как эти вещи выглядели. Ожидалось, что зрители будут просматривать сюжет. Вы не видели пейзажа; вы видели, как этот художник заново изобрел пейзаж.К концу 20-го века Герхард Рихтер даже сказал, что он «безразличен» к предмету (он рисовал нацистов, террористов и, конечно, 11 сентября). Во многом это означает, что мир, который дает вам модернизм, — это мир мастерской художника и оптический шопинг. Это то, что позволяло художникам создавать закорючки, квадраты, прямоугольники, изображения скрипок, цветовые схемы, уличные сцены и обнаженных женщин даже во время бойни Первой и Второй мировых войн. К тому времени, когда я пытался (и потерпел неудачу) войти в мир искусства в 1970-х, живопись должна была быть посвящена только себе, материалам и «плоскостности».”

В-третьих, модернизм был построен на том принципе, что формальное экспериментирование — единственное, что имеет значение. Доктрину невозможно переоценить. Каждый художник должен был создать свои [ sic ] собственные формы и мир. Эти формы должны были соответствовать визуальным ограничениям: искусство нужно было рассматривать сразу, а не последовательно или с какой-либо формальной иерархией. (Это означало, что в нем не может быть повествования.) Подумайте о том, как вы видите Поллока сразу, даже если у него есть части и детали.Точно так же вы не должны были уметь разделять процесс и материал, как мы видим средневековую мозаику как изображение, цвет, поверхность, процесс и материал одновременно и как одно целое. Таким образом, модернизм был философски колониалистским и любил объявлять все своим собственным, одновременно утверждая, что он изобретает даже те вещи, которые ворует.

В-четвертых, существовал принцип, согласно которому современное искусство «убивает историю» — истерия окончательности. Модернизм родился сразу после и во время многочисленных революций, массовой индустриализации и колониальных империй, а также таких изобретений, как фотография, кино, полеты, автомобили, рентгеновские лучи и теория относительности Эйнштейна.Дюшан сказал, что живопись должна «избегать любого контакта с традиционным» искусством. Желая уничтожить всю историю западного искусства, модернисты были подобны эстетическому Талибану. За исключением искусства, которое они одобряли, все остальное считалось буржуазным, истеблишментским, безвкусным или китчем.

Когда американцы взяли на себя роль абстрактного экспрессионизма, они были не менее абсолютистами. Они не видели, чтобы их предыдущая культура была разрушена войной, но они все еще оставались модернистами.Барнетт Ньюман сказал, что американским художникам нужно «начинать с нуля». Ад Рейнхардт сказал: «Я просто делаю последнюю картину, которую может нарисовать каждый». История не существовала, если только вы ее не создавали. (В модернизме всегда наступает конец света.)

В-пятых, была великая телеология модернизма — рационалистическая идея о том, что история должна развиваться в заранее определенном порядке. Если вы не подходили, не знали или заботились, или были провидцем, художником цвета или женщиной, вам не повезло.Только то, что было на графике, считалось прогрессом. Прогресс должен был быть целью всего искусства.

F или тех, кто действительно живет модернизмом, однако весь проект был куда более беспорядочным и более соперничающим, чем когда-либо можно было свести к любому набору принципов. В конце концов, до того, как MoMA взял в руки модернизм, это не было пропагандой. Это было просто искусство. Что означает: было много разных, конкурирующих друг с другом пропаганд.

На самом деле модернизм был больше похож на борьбу конкурирующих эго, борющихся за статус лидера, каждый из которых говорил, что заменил или отверг предыдущий.Пикассо был против абстракции. (Какая таблетка!) Мондриан писал: «Кубизм не принял логических последствий своих собственных открытий». Его цель? «Чистый пластик». (Я до сих пор не понимаю, что это значит.) Русский верховный жрец-супрематист Казимир Малевич требовал «победы над солнцем» и «верховенства чистого чувства». ( Что? ) В 1912 году Дюшан сказал: «Живопись окончена». В 1921 году конструктивист Александр Родченко сказал: «Я свел живопись к ее логическому завершению … Я подтвердил, что все кончено.(Здравствуйте, доктор Смерть.) Однако Дюшан задумался: «Можно ли создавать произведения искусства, которые не являются« произведениями »искусства?» (Мне это нравится!) Тогда Гринберг назвал Дюшана «суб-искусством». Какой хулиган!

«Папа сюрреализма» Андре Бретон «отлучил» еретиков, таких как Альберто Джакометти, и в 1934 году предал Дали «суду». (Комплексы Бога и фрики контроля — это модернистская особенность, а не сбой.) Минималист Джадд полагал, что с «готовым» Дюшан изобрел огонь, но не сделал достаточно с ним.Много позже Дюшан сказал, что современные художники «больше не пишут картины; они делают чеки ». Вскоре Крис Бёрден и Ричард Принс сделали искусство из чеков. Теперь художники делают из Принца искусство.

Со времен Armory Show 1913 года все прошло долгий путь — это истинный генезис всего того, что можно было бы назвать современным искусством в Америке, и первый глубокий взгляд американцев на европейский модернизм. В Нью-Йорке присутствовало 85 000 человек; в Чикаго посещаемость составила 188 000 человек. Импресарио американского салона красоты Мейбл Додж написала Гертруде Стайн, что выставка в Нью-Йорке была «самым важным публичным мероприятием… с момента подписания Декларации независимости», и добавила, что «после этого все изменится уже никогда.» Она была права. Один нью-йоркский критик писал: «Американские художники не столько посещали выставку, сколько живы на ней». Альберт Барнс, Генри Фрик и Метрополитен купили работы. Без преувеличения можно сказать, что создание MoMA связано с теми 27 земными потрясениями в Нью-Йорке.

В то время удар можно было больше всего измерить по сопротивлению. Традиционалисты возразили, что представление было похоже на «посещение психиатрической лечебницы». Чучело Матисса сожгли. Тедди Рузвельт сказал, что это искусство «отталкивает со всех точек зрения», и утверждал, что «нет причин, по которым люди не должны называть себя кубистами, октагонистами, параллелепипедонистами или рыцарями равнобедренного треугольника … один термин столь же глуп, как и другой.«Обнаженная, спускающаяся по лестнице» Дюшана «», № 2 была самой скандальной работой в шоу. В газетах это было высмеяно как час пик в метро и взрыв на фабрике по производству черепицы.

То, что массы могут издеваться над авангардным искусством, настолько знакомо сегодня, что трудно поверить, что никто не удосужился сделать это до модернизма (хотя это произошло в разреженном воздухе французских и английских салонов). Но зачем кому-то беспокоиться раньше? До модернизма ни одно художественное движение никогда не делало ничего более всеобъемлющего и угрожающего, чем предложение модернизма: искусство изменит мир.

Я т сделал, и этого не произошло. Во-первых, в Америке придется переосмыслить модернизм. К 1948 году Ньюман рисовал полосы и монохромные поля ярких цветов на больших холстах. Поллок начал капать в 1947 году. Эмигрант Пегги Гуггенхайм открыла галерею Art of This Century Gallery, где выставлялись как европейские модернисты, так и голодающие борющиеся американцы, среди которых были Клиффорд Стилл, Уильям Базиотес, Александр Колдер, Адольф Готлиб, Джозеф Корнелл, Роберт Мазервелл, де Кунинг. , и Марк Ротко.Она дала Поллоку его первую персональную выставку в 1943 году. Не за горами была новая игра: Америка провозгласила европейский авангард своим имперским наследием.

Ценности абстрактного экспрессионизма включают в себя огромный масштаб, художник-мужчина в одиночестве занимается рисованием в погоне за полной абстракцией (за исключением де Кунинга, который, по словам Поллока, «предал его»). Эти художники охватили миф, возвышенное, трансцендентное, экзистенциальный и духовный ужас, космический свет и тьму и все эти фокусы-покусы.И знаменитость. Вскоре Поллок был показан в журнале Life , когда он рисовал и курил. Все выглядело радужно.

Абстрактный экспрессионизм чудесным образом возродил модернизм, но движение быстро умерло другой смертью. В 1953 году 27-летний Роберт Раушенберг прибыл в студию де Кунинга с бутылкой спиртного в обмен на рисунок, который, по его словам, он стер. Лучшие биографы Де Кунинга, Марк Стивенс и Анналин Свон, называют это рандеву «призрачным греческим посланником, прибывшим предупредить короля о высокомерии».Де Кунинг сказал: «Я знаю, что вы делаете», и удовлетворил просьбу.

В том же году Раушенберг и композитор-художник Джон Кейдж создали Automobile Tire Print, — длинную узкую полоску бумаги, на которой Кейдж вел машину, оставляя длинный след черными чернилами. Все это было прямой атакой на жизненный авторитет абстрактного экспрессионизма — да и вообще всего модернизма. Вскоре искусство было пронизано иронией, которая на какое-то время оставила его. Эти иронии множились по всему миру в течение следующих десятилетий.В 1956 году в Лондоне состоялся первый показ поп-арта. В Европе преуспели Ив Кляйн и Пьеро Мандзони. 1957 год принес самое политическое международное послевоенное художественное движение из всех: ситуационизм, который выступал против индивидуализма, основанного на личности, и утверждал, что искусство определяется условиями и ситуациями реального мира. Художники сегодня все еще работают с этой предпосылкой.

Последний удар произошел 1 января 1958 года. Target With Four Faces получил обложку журнала No.1 художественный журнал того времени, ArtNews. Работа принадлежала 27-летнему неизвестному Джасперу Джонсу. Три недели спустя это изменение переросло в гиперскорость, когда дебютная персональная выставка Джонса открылась в новой галерее Лео Кастелли на четвертом этаже по адресу 4 East 77th Street, и американское искусство пошло на убыль. MoMA приобрело три работы с выставки и организовало приобретение четвертой, Flag (за 900 долларов США) в качестве подарка музею. Все теперь модернистские иконы. Был выпущен новый мир.

И хотя многие молодые художники все еще были белыми и мужчинами, на первый план вышло кое-что новое: многие из них были геями.Все придерживались взглядов, диаметрально противоположных высоким художественным ценностям, которым они были обучены.
Они рисовали меньшего размера, образно говоря, использовали предмет не спонтанно, не интересовались спиритизмом или строгими формальными вещами, такими как «плоскостность», возвышенное или соборы самих себя, и даже нарушали священные поверхности своего искусства, прикрепляя к ним реальные объекты. (Эд Руша и Роберт Индиана рисовали картины из слов.) Как и все художники после них, они были формалистами и антиформалистами, искренними и ироничными одновременно.(Последнее является условием жизни.) Эти художники не отвернулись, а приняли окружающую массовую культуру. Они вернули жизнь искусству. Все это было сделано намеренно. Раушенберг сказал, что они с Джонсом «обычно начинали каждый день с отхода от абстрактного экспрессионизма».

Конечно, эти нововведения были важны. Тем не менее, нападая на своих модернистских предков, поп-артисты также утверждали господство своей идеологии. В 1961 году Роберт Смитсон писал: «Я современный художник, умирающий от модернизма.» Он был прав. Поп-арт и минимализм были заимствованы из массового вкуса, источников и материала и были ироничны, но они также стремились сделать его новым, к идее произведения искусства как замкнутого идеального пространства, к формальным экспериментам и инновациям превыше всего. , к отказу от предыдущей истории искусства и к концепции искусства как телеологического проекта. И, конечно же, шокировала вашу бабушку.

W как жить без старого модернистского канона? Я ожидаю захватывающего и страшного.Я не хочу, чтобы ушли Пикассо и остальные. И, конечно же, не будут — мы не можем забыть этих титанов, даже если мы каждый год пересматриваем и пересматриваем их работу.

Но вот как искусство уже пошло дальше. Модернизм теперь для художников лишь часть истории искусства, и даже не единственная или лучшая часть. Художники пронизывают историю, счастливы создавать что-то новое, возвращаясь к старому, неиспользуемому и недооцененному искусству. Я видел, как бесчисленные художники использовали кубизм и постимпрессионизм таким образом, чтобы сделать модернистские движения ур-модерном просто еще одним сегментом эстетической двойной спирали.Такие художники, как Дженна Гриббон, Луи Фратино, Кэрролл Данэм, Сара Питерс и Джонатан Линдон Чейз, на самом деле пересекают лучи модернизма с мотивами на греческих вазах. И это не стилизация или игра. Керри Джеймс Маршалл восходит к неоклассической исторической живописи, чтобы рассказывать новые истории, изображая черные тела, а не белых героев.

Повсюду в искусстве поднимаются сюжеты и повествования. Фотограф ЛаТойя Руби Фрейзер с голодным и проницательным взглядом, столь же ясным, как у Уокера Эванса и Роберта Франка, фотографирует рабочие города Америки и людей, опустошенных токсичной окружающей средой и сфальсифицированной правительственной политикой.Ее работа «дидактическая»? Это! В работах многочисленных художников, коллективов и коллабораций мы видим блестящие изображения институциональной жестокости. Другими словами, реальный мир — а не только в том виде, в котором он отражен в мастерской художника. Вам не нужна наклейка на стене, чтобы почувствовать удар кишки. То же самое и с фотографиями квир-парализованного Роберта Энди Кумбса, на которых художник явно сексуален с волей и свободой. Кристин Сан Ким модернизирует схемы строгого минимализма и концептуализма, чтобы выразить ярость своего собственного сообщества глухих.

Модернизм зародился во многих местах в разное время. Сегодня художники не грабят и не пытаются убить прошлое. Они с ней сотрудничают. Вместо формальных экспериментов предмет и другие фантазии превратились в электрический центр художественных инноваций — в искусство были введены повествование, биография, автобиография, история, культурный контекст и родословные, которые долгое время считались несерьезными или провинциальными проблемами. . Чистота модернизма ничего не значит; Современное минималистское, монохромное, концептуальное искусство об искусстве чувствует себя художниками как младшие постмодернисты.Мы можем посмотреть на них и пройти дальше. Искусство больше не кажется замкнутым в конкурентной борьбе за художественное превосходство. За исключением рынка, где так было всегда.

Но монолита модернизма больше нет. Художники не просто лезут в шкуру прежних стилей. Они потребляют, используют, изменяют и каннибализируют их. Исчезла всякая уверенность в запугивании. Мы видим субъективность, что-то вроде этики, ответственности, общественного договора, личной одержимости и серьезных попыток снова общаться с менее инсайдерской аудиторией.Вместо того, чтобы определять, где это искусство вписывается в телеологически-формалистскую временную шкалу, рассмотрите романские и средневековые церковные фасады: эти шедевры рассказывают важные истории в визуально сложной, дальновидной манере, все с экстраординарным использованием материала, масштаба, амбиций, всего, но любой может испытать, прочитать, понять и стать частью этого искусства. Это открытые книги. Таковы коннотации и возможности искусства сейчас. Искусство приземлилось на другую луну.

Где это оставить MoMA? Увы, я не радикал, поэтому рад, что музей не изменится так сильно.Я не хочу разрушать MoMA или другие музеи модернизма (хотя они и небезупречны). Мне по-прежнему нужно регулярно возвращаться туда, чтобы пообщаться с предками. Другие наденут мантию ремонта и замены всей системы. Если MoMA будет иметь радикальную любовь к искусству, а не любовь к основной системе, это сыграет свою роль в грядущих поколениях — и, возможно, будущие историки искусства укажут на это изменение как на поворотный момент, центральный институт модернизма. приверженность новому набору идей о том, что это было, что представляет и что предлагает нам сегодня.Я говорю MoMA: вытащите своих мертвецов из хранилища, художники, которых считают «неправильными», а не часть старой истории — представьте их всех, давайте решать. Все мы любим искусство. Но, как писал Джеймс Болдуин: «Любовь — это битва… любовь растет». Спустя столетие мы наконец начинаем перерастать модернизм.

Новый MoMA избавится от строгих временных рамок, безвоздушной таксономии движений и вешания произведений из разных эпох и из разных мест, рядом друг с другом, в разговоре.Предлагаемые искусствоведом пары…

* Эта статья опубликована в журнале New York Magazine от 30 сентября 2019 г. Подпишитесь сейчас!

Одна великая история: еженощный информационный бюллетень для лучших из

Нью-Йорка
Одна история, которую вы не должны пропустить сегодня, отобранная редакцией New York .
Условия использования и уведомление о конфиденциальности Отправляя электронное письмо, вы соглашаетесь с нашими Условиями и Уведомлением о конфиденциальности и получаете от нас электронную переписку.
Определение модернизма через 5 фактов и 12 произведений искусства
Танец Анри Матисса, 1909-10, из Эрмитажа, Санкт-Петербург; с Композиция с красным, синим и серым Пита Мондриана, 1927; и женщин II. Виллема де Кунинга, 1952 г.
Как и любое другое описание эпохи в искусстве, понятия «модернизм» и «современное искусство» трудно дать точные определения. Причина в том, что такие категории в некотором роде субъективны и поэтому всегда будут оставаться спорными. Используя термин «модернизм», мы обычно говорим о глобальном движении, которое произошло как в социальном, так и в культурном плане в конце 19-го и начале 20-го веков в странах западного мира. В частности, в изобразительном искусстве этот термин означал разрыв почти со всем, что происходило раньше в искусстве.И это описывает поиск новых средств выражения.
Номер 14 Джексона Поллока, 1951, через Тейт, Лондон
Продолжение статьи под объявлением

«Модернизм», окруженный большими социальными, культурными и политическими потрясениями, считается периодом инноваций и экспериментов. Грубо говоря, термин «модернизм» в искусстве варьируется от реализма таких художников, как Гюстав Курбе, до абстракции 1960-х годов.Далее мы объясним вам «модернизм» более подробно, используя 5 фактов и 12 произведений искусства.
1. Модернизм не описывает единого стиля
Японский пешеходный мост Клода Моне, 1899, через Национальную галерею искусств, Вашингтон, округ Колумбия
Продолжение статьи под объявлением
В основном описание эпохи строится по сходству в произведениях искусства, созданных в особый период.Однако современное искусство не так-то просто сузить — как раз наоборот. Вместо единого стиля в период модернизма появилось множество разных стилей и форм искусства. Многие из новых художественных форм и стилей имеют одну общую черту: многие из них имеют суффикс -ism в своем названии. К ним относятся, например, импрессионизм, за которым последовал экспрессионизм. Но также кубизм и фовизм попадают в категорию «модернизма».
Скрипка и кувшин Джорджа Брака, 1910, из Художественного архива
Продолжение статьи под объявлением
В этом разделе вы можете увидеть по одной работе художников Клода Моне и Жоржа Брака.На первый взгляд, эти произведения искусства не могли быть более разными. Техника, а также цвета и мотивы принципиально различаются. Однако у этих двух произведений больше общего, чем вы могли подумать вначале. Обе картины созданы в период модерна в искусстве. Что их еще объединяет, будет показано в следующих пояснениях.
2. Художники-модернисты подвергли сомнению или даже отвергли консервативные ценности
Эпоха модернизма в искусстве началась, когда все больше и больше художников отвергали классические принципы искусства и все больше отвергали традиционные представления об искусстве.Такие художники, как Клод Моне, воздерживались от изображения мира на своих картинах настолько реалистично, насколько это возможно, как этому учили раньше в эпоху Возрождения. Вместо этого, как и многих других художников, он был озабочен субъективным выражением восприятия. Это также означало, что такие художники, как Моне, сомневались в видении как таковом. Объективное представление о видении подверглось проверке и все чаще заменялось субъективным представлением о видении.
Крик Эдварда Мунка, 1893, из музея Мунка, Осло
Продолжение статьи под объявлением
Давайте взглянем на знаменитую картину Эдварда Мунка Крик (1893).Этим произведением искусства Эдвард Мунк показывает, как внезапное возбуждение меняет все наши сенсорные впечатления. Все линии на картине ведут к кричащей голове в центре картины. Дикая смесь ярких красок и органичности линий усиливает впечатление от всплеска эмоций. В этой картине норвежского художника кое-что становится предельно ясным: живопись в стиле «модернизм» не связана ни с истинами природы, ни с изображением идеальной красоты. Важно чистое выражение эмоций, даже если это означает искажение фигуры до уродства.

3. Модернизм означает инновации и эксперименты
На современное искусство сильно повлияли общественные и политические события конца 19 — начала 20 веков. Рубеж веков представляет собой одно из величайших исторических потрясений для западных обществ. Индустриализация действительно началась в этот период, капитализм все больше и больше укреплялся, были такие изобретения, как железная дорога и Первая мировая война.Все это ставило людей перед лицом непредвиденного. Это пробуждение и потрясение можно было почувствовать и в искусстве. Было много инноваций, и люди экспериментировали с формами, цветами, линиями и мотивами, как никогда раньше.
Les Demoiselles d’Avignon Пабло Пикассо, 1907, через MoMA, Нью-Йорк
Продолжение статьи под объявлением

Хорошим примером этого является работа Пабло Пикассо Les Demoiselles D’Avignon (1907).Если вы посмотрите на эту картину сегодня, можно почти подумать, что Пикассо написал эту работу, чтобы изменить западную живопись на ее основе. Здесь художник не только играет с формой женского тела, комбинируя его с геометрическими формами, но и лица женщин были вдохновлены африканским искусством. И то, и другое можно рассматривать как элементы художественной революции.
Взрослая жизнь Хильмы аф Клинт , 1907, via Coeur & Art
Продолжение статьи под объявлением

Абстракция пришла и в искусство времен модернизма.Шведская художница Хильма аф Клинт сегодня считается пионером абстрактного искусства вместе с такими художниками, как Василий Кандинский. В своем искусстве она прошла путь от натуралистического искусства к абстрактному. Первые абстрактные картины Хильма аф Клинт написала уже примерно в 1906 году.
4. Часто основное внимание уделялось материалам, цвету, технике и процессу
Композиция с красным, синим и серым Пита Мондриана, 1927, через Sotheby’s
Продолжение статьи под объявлением
Будь то мазки кисти Клода Моне, области цвета на работе Пита Мондриана или брызги краски на картине Джексона Поллока — в эпоху модернизма материал, цвет, техника и живописные процедуры выдвинулись на передний план. в произведениях многих художников.

При этом картины ни в коем случае не перегружать. Часто особое внимание уделяется даже полному сокращению. Хорошим примером этого являются монохромные работы французского художника Ива Кляйна.
Синий монохромный без названия (IKB 239) Ив Кляйн, 1959, через Sotheby’s
Продолжение статьи под объявлением
Ив Кляйн считается художником авангарда. Особой известностью пользовались его монохромные живописные композиции, созданные им в разработанном им самостоятельно ультрамариновом синем.Цвет носит официальное название International Klein Blue. В такой голубой картине цвет становится единственным мотивом и сразу привлекает внимание зрителя.

5. Клемент Гринберг: важный теоретик (абстрактного) модернизма
Одно имя, которое определенно стоит знать в связи с современным искусством, — это Клемент Гринберг. Искусствовед Клемент Гринберг — что-то вроде главы живописи позднего модерна.Гринберг был убежден, что искусство должно быть сведено к его самым основным элементам: к поверхности и ее цвету. Таким образом, американский теоретик в первую очередь пропагандировал абстрактный экспрессионизм и цветную поверхностную живопись.
Vir Heroicus Sublimis Барнетта Ньюмана , 1950/51, через MoMA, Нью-Йорк
Такие художники, как Джексон Поллок, Виллем де Кунинг и Барнетт Ньюман, обязаны своей славой и международным признанием влиянию и поддержке Клемента Гринберга.Одно из самых известных произведений Клемента Гринберга — К новому Лаокоону (1940). Уже в названии это видно: в своем сочинении Гринберг отсылает к известному тексту Готтхольда Эфраима Лессинга. Как и Лессинг, Гринберг хотел разделить искусство на свои дисциплины. Он объявляет изобразительное искусство высшим искусством. Сила живописи, объясняет он в своем эссе, становится видимой только тогда, когда она отказывается от всякого повествования. Это именно то, что авангард поставил перед собой в своей живописи, как мы видим на предыдущих картинах.

Женщины II. Виллема де Кунинга, 1952, через МоМА, Нью-Йорк
Итак, отметим: «модернизм» — это термин, обозначающий период времени в конце 19-го и начале 20-го веков. В то время серьезные социальные и культурные изменения способствовали тому, что искусство скоро изменилось. Современное искусство никоим образом нельзя свести к нескольким схожим характеристикам. Однако есть некоторые характеристики, по которым можно определить современное искусство.Это был дух новых начинаний в искусстве и смелость экспериментировать. В эпоху модернизма художники ставили под сомнение консервативные ценности и традиционные представления об искусстве. Они выражали себя цветом, формами, линиями и техниками, тем самым открывая путь к абстракции. Важной теоретической фигурой в развитии современного искусства является американский искусствовед Клемент Гринберг. Его произведения дают решающие ответы на вопрос, как должно выглядеть современное искусство.
Продолжение статьи под объявлением
движений современного искусства — artelino
С началом промышленной революции во второй половине XIX века новые художественные стили и движения появлялись и исчезали все более быстрыми темпами, что отражало растущую скорость изменений в нашем обществе.Вот краткий обзор важных направлений современного искусства от импрессионизма до оп-арта.
Изображения на этой странице взяты из репозитория Wikimedia Commons под Лицензия свободной документации GNU.
Обращения современного искусства
важнейших движений современного искусства с конца 19-го до конца 20-го века.
Импрессионизм
Экспрессионизм — фовизм
Искусство модерн
Арт-деко
Кубизм
Сюрреализм
Абстрактное искусство
Поп-арт
Оп-арт
Импрессионизм
Импрессионизм
История современного искусства началась с импрессионизма.Все началось в Париже как реакция на очень формальный и строгий стиль живописи — делается внутри студий и устанавливается традиционными учреждениями, такими как Academie des Beaux-Arts в Париже.
Выставка знаменитой картины Эдуара Мане, Dejeuner sur l’herbe , в 1863 году в Salon des Refuses (организовано теми художниками, которые были отвергнуты Академией изящных искусств), вызвал скандал. Это можно считать началом импрессионизма.
Художники-импрессионисты предпочитали рисовать снаружи и изучали влияние света на предметы. Их любимыми сюжетами были пейзажи и сцены из повседневной жизни. Самые известные имена в живописи импрессионистов: Эдуард Мане, Клод Моне, Эдгар Дега, Камиль Писсарро и Пьер Огюст Ренуар во Франции и Альфред Сислей в Англии.
Фовизм
Слово фовизм происходит от французского слова fauve , что означает «дикие животные».И действительно — этот новый стиль современного искусства был немного диким — с яркими и яркими красками. Поль Гоген и Голландский художник Винсент Ван Гог довел импрессионизм до предела, используя выразительные цвета. Фовизм пошел еще дальше, использовав упрощенный дизайн в сочетании с «оргией чистые цвета », как это характеризовали их критики. Первая выставка художников-фовистов состоялась место в 1905 году. Самые известные fauve художников — Анри Матисс, Андре Дерен, Морис де Вламинч, Кис ван Донген и Рауль Дюфи.
Экспрессионизм
Немецкий экспрессионизм
Упрощенно говоря, экспрессионизм был своего рода немецкой версией фовизма в современном искусстве. Экспрессионистское движение было организован в две группы немецких художников. Один назывался Die Brücke , буквально означает Мост . Группа располагалась в Дрездене вместе с художниками. Эрнст Людвиг Кирхнер, Эрих Хекель, Эмиль Нольде, Макс Пехштейн, Отто Мюллер и Карл Шмидт-Ротлуф.После Первой мировой войны за этой группой последовала другая группа художников, называющих себя Дрезднер Сессион .
Второе собрание художников-экспрессионистов было сосредоточено в Мюнхене. Группа известна под названием Der Blaue Reiter , что означает The Blue Rider . Известные имена Франц Марк, Август Макке, Габриэле Мюнтер, Василий Кандинский, Пауль Клее и Алексей Явленский.
Движение в стиле модерн
Ар-нуво по-французски означает новое искусство.Он отличается очень декоративным стилем и преданность естественным формам. Ар-нуво был популярен примерно с 1880 по 1910 год и был международным движением в искусстве. В Немцы назвали его Jugendstil , итальянцы Liberty , австрийцы Sezessionsstil и Испанский Arte joven . Модерн не ограничивался живописью или гравюрой. Он охватил все формы искусства — архитектура, мебель, ювелирные изделия, стекло и иллюстрация.
Прекрасными образцами ар-нуво являются входы в метро в Париже, изделия из стекла Эмиля. Галле и Луи Комфорт Тиффани в США или плакаты Альфонса Мухи. Известный художник Густав Климт. Модерн не пережил Первую мировую войну, может быть, из-за дороговизны предметов модерна. С участием философские корни высокого качества ручной работы, модерн был ничем для массового производства.
Механизм ар-деко
Ар-деко был прежде всего стилем дизайна, популярным в 1920-х и 1930-х годах.Говоря упрощенно, механизм Art Deco можно рассматривать как продолжение стиля модерн — более упрощенный и приближенный к массовому производству. Движение ар-деко доминировала в моде, мебели, ювелирных изделиях, текстиле, архитектуре, коммерческой печати и оформлении интерьеров. Самое известное имя — Рене Лалик, ювелир и стеклодув. Здание Крайслер в Нью-Йорке (1930 г.) является примером Стиль ар-деко в архитектуре.
Кубизм
Кубизм, другое направление современного искусства, в основном ограничивался живописью и скульптурой.тем не менее он оказал большое влияние на развитие современного искусства. Кубизм был инициирован испанцем Пабло Пикассо и француз Жорж Брак в Париже перед Первой мировой войной. Поля Сезанна, которого обычно называют постимпрессионистом, можно считать их предшественником.
Кубизм имеет сильные корни в африканском племенном искусстве. В кубизме геометрические формы и фрагменты приветствуются. Все сводится к кубам и другим геометрическим формам.Часто несколько аспектов одного предмета показаны одновременно. Как известные художники помимо Пабло Пикассо и Жоржа Брак, Робер Делоне, Марсель Дюшан, Хуан Гри и Лионель Фейнингер следует упомянуть. Кубизм проложил путь абстрактному искусству.
Сюрреализм
Сюрреализм — еще одно из многих направлений современного искусства 20-го века. Его философским «отцом» был Андре Бретон, французский поэт и писатель, опубликовавший в 1924 году в Париже руководящие принципы сюрреализма под названием Manifesto .Сюрреализм подчеркивает бессознательное, важность сновидений, психологический аспект в искусстве. Сюрреализм стал важным движением в изобразительном искусстве, литературе и кино (испанец Бунюэль, например).
Самые известные имена изобразительного искусства: Сальвадор Дали, итальянец Джорджо де Кирико с его странными и жуткими видами на город, Марсель Дюшан, Макс Эрнст, Жоан Миро, Ив Танги, Рене Маргритт и русский Марк Шагал.
Абстрактное искусство
Родившийся в России художник Василий Кандинский считается отцом абстрактного искусства. Если вы когда-нибудь приедете в Мюнхен, не пропустите посещение Ленбаххауса. Музей. В нем много Василий Кандинский картины выставлены, и вы можете очень хорошо понять, как развивался его стиль постепенно к полуабстрактной, а затем и к абстрактной живописи.
Пит Мондриан, голландский художник, является еще одним доминирующим персонажем в создании абстрактной живописи.Мондриан испытал кубизм в Париже. Во время Второй мировой войны многие ведущие художники эмигрировали. в США, например, Макс Эрнст, Марсель Дюшан и Марк Шагал. Таким образом Нью-Йорк стал новым центром современного искусства и абстрактной живописи.
Поп-арт движение
Слово Pop Art — это сокращение от Popular Art. Имя говорит само за себя. Движение в стиле поп-арт хотел вернуть искусство в повседневную жизнь людей. Это была реакция на абстрактное живопись, которую эстрадные художники считали слишком изысканной и элитарной.Любимые образы поп-исполнителей были предметы повседневной жизни, такие как консервные банки для Энди Уорхола или комиксы для Роя Лихтенштейна.
Типичным для движения поп-арта было использование Энди Уорхола шелкографии, фотореалистичная, массовая техника гравюры. Поп-арт вторгся в СМИ и рекламу. Различия между Изобразительное искусство и коммерческое искусство были уничтожены добровольно.
Прекрасный пример — дизайн обложек музыкальных альбомов шестидесятых годов.Несомненной культовой фигурой поп-арта был Энди Уорхол (1928-1987). Другие великие имена Джаспар Джонс, Роберт Раушенберг, Дэвид Хокни, Клас Ольденбург, Рой Лихтенштейн, Георг Сигал, Уэйн или Джеймс Розенквист. Движение поп-арта было в основном движением американского и британского искусства.
Движение оп-арта
После поп-арта это был оп-арт, сокращенная форма Optical Art . Оп-арт выразился в уменьшенной геометрической форме. формы — иногда в черно-белых контрастах, а иногда в очень ярких цветах.Самый выдающийся Художник венгерского происхождения Вазарели. В семидесятых годах оп-арт даже проник в моду. Но оп-арту так и не удалось стать действительно популярным массовым движением современного искусства вроде поп-арта.
Автор:
Дитер Ванцура
Первая публикация: 29.06.2001
Последнее обновление: 25.12.2018

Другие статьи, относящиеся к
современному искусству
Подпишитесь на нашу еженедельную рассылку и получайте уведомления, когда мы публикуем новый каталог аукционов, новые видео, статьи или важные новости о японской гравюре.Или зарегистрируйте учетную запись artelino и попробуйте наши еженедельные онлайн-аукционы.
file_upload
Доступно на текущем аукционе
Этот / эти репродукции со ссылкой на современное искусство доступны на текущем аукционе. Щелкните изображение предмета, чтобы просмотреть эту распечатку, или щелкните «Каталог аукционов», чтобы просмотреть весь каталог.
Товар 86406 Шинсуи Ито 1898-1972
Вторая серия современных красавиц — Зрачок глаза — Хитоми
Аукционный каталог
artelino GmbHTERMSIMPRINTCONTACT
Объяснение постимпрессионизма и модернизма
Жорж Брак, L’Aquarium (Аквариум), ок.1950 [/ caption]
Постимпрессионизм и Модернизм — две категории искусства, которые постоянно обсуждаются в мире искусства, поскольку они определены в общих чертах. В зависимости от аукционного дома или художественной галереи, художники кажутся взаимозаменяемыми между классификациями. Это сбивает с толку понимание их места в более широком контексте истории искусства. Все это потому, что постимпрессионизм технически может подпадать под модернизм, поскольку он кратко охватывает тот же период времени.Однако постимпрессионизм отличается тем, что описывает конкретное место и период времени, полностью игнорируя то, что происходит в остальном мире. С другой стороны, модернизм имеет дело с аналогичным периодом времени в глобальном масштабе.
Постимпрессионизм — термин, созданный британским художником и искусствоведом Роджером Фраем в 1910 году для описания развития французского искусства со времен Мане. Что отличает постимпрессионистов от импрессионистов, так это постоянное использование ярких цветов с густым нанесением краски и акцент на реальных предметах, но с большей склонностью подчеркивать геометрические формы и искажать форму для выразительного эффекта с использованием произвольных цветов.
Художники, которые считаются постимпрессионистами, включают Ван Гога, Гогена, Сера, Редона, Тулуз-Лотрека, Сезанна, Руссо, Синьяка и Вуллара. Как вы можете судить по их работам, ни один из их стилей не особенно похож. Это связано с тем, что постимпрессионизм не обязательно является классификацией стилей, это классификация местоположения, строго ограниченная художниками во Франции после Мане. Джон Ревальд, известный историк искусства, еще больше ограничил классификацию годами между 1886 и 1914 годами.Это просто определило французское изобразительное искусство в более широком контексте изменений, происходящих в остальном мире.
Анри де Тулуз-Лотрек, La Revue Blanche, 1895 г. [/ caption]
Это подводит нас к модернизму, философскому движению, которое, наряду с культурными тенденциями и изменениями, возникло в результате широкомасштабных и далеко идущих преобразований в западном обществе в конце 19-го и начале 20-го веков, которые повлияли на художественное восприятие.Художники-модернисты включают Пикассо, Брак, Матисс, Мур, Леже и Дюфи и многие другие. Модернизм отвергал традицию и ратовал за возврат к основным основам искусства. Художники восприняли вновь обретенную свободу выражения мнений, экспериментов и радикализма, бросив вызов норме. Они считали, что искусство должно происходить из цвета и формы, а не из изображения мира природы. Сам модернизм включает в себя широкий спектр художественных движений, которые произошли в этот культурно богатый период времени.Таким образом, модернизм, в отличие от постимпрессионизма, представляет собой обобщенный ярлык, который описывает основные философские чувства, которые испытывали художники того времени.
Как видите, эти две категории классификации искусства предназначены для определения очень хаотичного и удивительно творческого периода истории искусства. Хотя постимпрессионизм ориентирован исключительно на художников во Франции, а модернизм — на более широкое западное общество, их следует должным образом использовать в мире искусства, и следует достичь всеобщего соглашения о классификации художников.Это поможет прояснить недоразумения, возникающие при обсуждении искусства и художников в то богатое время, когда процветало художественное творчество и процветало еще больше художественных движений.
ЕЩЕ СТАТЬИ:
Посмотрите наш инвентарь Пабло Пикассо здесь: Инвентарь Пабло Пикассо
Просмотрите наш инвентарь Анри Матисса здесь: Опись Анри Матисса
Пожалуйста, посетите нашу страницу художественного образования здесь: Masterworks Fine Art Gallery Art Education
Читатель Истории Искусства: Модернизм | Сартл
«Современное искусство» относится к стилистическим изменениям прогрессивных течений в искусстве, начиная примерно с 1860-х годов и вплоть до примерно 1960-х годов, когда мы начинаем называть искусство «современным».Как вы можете себе представить, имея такой длинный график, в рамках «модернизма» существует множество различных художественных движений с конкретными, разными точками зрения, часто одно движение вдохновляет другое. Их объединяет отказ от существующих художественных традиций, ориентация на материалы, используемые в пользу повествования, и тенденция к абстракции, а не к репрезентативным изображениям.
Современное искусство экспериментально и новаторски, поскольку художники творчески реагируют на мир, который быстро меняется повсюду вокруг них, будь то из-за войны, появления различных технологий или новых идей в философии и теории.В этом читателе мы рассмотрим в хронологическом порядке все «-измы», которые в целом составляют то, что мы называем современным искусством.
Фовизм
Женщина в шляпе Анри Матисс
Как и импрессионисты, фовисты получили свое название от критика Луи Вокселя, который насмехался над их работами. «Фов» по-французски означает «дикие звери», и он имел в виду яркие, неестественные цвета и абстрактные формы, которые казались явно нецивилизованными для традиционного художественного истеблишмента в Салоне.Искусство фовиста подчеркивает яркие оттенки, плоские плоскости цвета и выразительные живописные мазки, опираясь на работы постимпрессионистов и отодвигая эти стратегии еще дальше от репрезентативной живописи прошлого.
Анри Матисс — Самый известный фовский художник
Андре Дерен — соучредитель движения
Кубизм
Скрипка и виноград Пабло Пикассо
Считающийся одним из самых влиятельных модернистских течений в искусстве, кубизм был стилем, определяемым использованием геометрических форм и множественных перспектив, чтобы предметы выглядели фрагментированными, абстрагированными или движущимися.Пабло Пикассо и Жорж Брак изобрели кубизм в Париже, где он процветал в 1910-х годах и впоследствии вдохновил множество других «-измов» по всей Европе.
Наш друг Луи Воксель из фовизма также ввел термин «кубист», в очередной раз пытаясь критиковать этот стиль. Он писал, что группа художников была «невежественными геометрами, уменьшающими человеческое тело, это место до бледных кубов». Одна интересная теория, которая была представлена совсем недавно искусствоведами, заключается в том, что Пикассо и Брак находились под сильным влиянием изобретения кино, которое позволило художникам впервые видеть движущиеся изображения.
Пабло Пикассо — суперзвезда кубизма
Жорж Брак — вице-президент кубизма
Поль Сезанн — постимпрессионист, чьи работы непосредственно повлияли на движение
Жан Метцингер — соавтор первого крупного текста на эту тему «Кубизм» в 1912 году.
Альбер Глез — Другой соавтор «Du Cubisme»
Немецкий экспрессионизм
Несчастная земля Тироля Франца Марка
Движение, не совсем отличное от фовизма, немецкое экспрессионистское искусство передает уникальные эмоции отдельного художника и отвергает реализм в пользу смелых, противоречивых цветов, искаженных форм и сильных мазков.С акцентом на сокровенное творческое выражение личности экспрессионистское искусство стилистически разнообразно, и поэтому его трудно определить. Тем не менее, импульс для зарождения экспрессионизма в Германии можно в основном понимать как реакцию художников на поражение Германии в Первой мировой войне, после чего они разочаровались в своем правительстве и нормативных ожиданиях буржуазного общества, которые больше не казались актуальными.
Есть два основных лагеря: первый, начатый в 1905 году в Дрездене и возглавляемый Эрнстом Людвигом Кирхнером, назывался Die Brücke, что означает «Мост», как отсылка к интересу движения к продвижению искусства в новом направлении.В Мюнхене между 1911-1914 годами Василий Кандинский, Франц Марк и Габриэле Мюнтер объединились, чтобы сформировать Der Blaue Reiter, или «Синий всадник», названный в честь любви Марка к лошадям и чувства духовной связи, которую Кандинский испытывал к синему цвету. Обе группы были вдохновлены желанием выразить подсознание, идея, которая возникает во многих модернистских художественных движениях после публикации «Толкования снов» Зигмунда Фрейда в 1900 году.
Эрнст Людвиг Кирхнер — Тревожные, жуткие фигуры со сверхъестественно яркими цветами
Василий Кандинский — Яркие цвета и абстрактные формы
Франц Марк — Синие кони
Габриэле Мюнтер — соучредитель Der Blaue Reiter, датированный
годом Кандинского.
Пауль Клее — Детские мечтательные выражения
Позже, в Веймаре 1920-х годов, художники, такие как Макс Бекманн и Отто Дикс, перенесли движение в более темное место, размышляя об ужасающем насилии, потерях и бедности, вызванных войной.Они демонстративно отвергли термин «экспрессионизм», так как считали работы этих художников слишком мечтательными и романтическими и не отражали реалии послевоенного общества. Они назвали свою группу «Новая объективность», и их работа была более репрезентативной, откровенно политической, меланхоличной и преследующей, хотя в ней по-прежнему использовались жесты и нереалистичные цвета.
Макс Бекманн — Персонажи и трагические сцены
Отто Дикс — Уничтожающие портреты

Футуризм
Уникальные формы непрерывности в космосе Умберто Боччони
Интерес к технологиям и движению, которые повлияли на кубизм, вскоре после этого был полностью охвачен футуристами.Движение футуристов было основано итальянским поэтом Филиппо Маринетти, опубликовавшим в 1909 году «Манифест футуризма», в котором в основном отвергалось все старое и традиционное в пользу молодежи, новых технологий и индустриализации. В то время как картины кубизма часто изображают домашние натюрморты, итальянское искусство футуризма показывает нам городские городские сцены с быстрыми автомобилями, поездами и самолетами. Футуристическое искусство отличается неистовым динамизмом и тенденцией к смелым цветам, что отличает его от его более тихого и приглушенного предшественника.Художники использовали «силовые линии» для обозначения направленного движения, выражая футуристическую веру в то, что мир всегда находится в движении, и их желание двигаться вперед.
Умберто Боччони — художник-футурист и скульптор
Джозеф Стелла — итальянский художник-футурист, занимающийся живописью в Америке
De Stijl
Композиция C (№ III) с красным, желтым и синим Пита Мондриана
по-голландски означает «стиль», также называемый неопластицизмом, De Stijl — это союз искусства и архитектуры, основанный в Нидерландах в 1913 году.Художники Де Стейла выступали за чистую абстракцию, используя только черный, белый и основные цвета. Вы увидите довольно простые композиции из геометрических фигур, пересекающихся прямых линий и сопоставления положительного и отрицательного пространства. Художники, работающие в этом стиле, считали, что с помощью математики идеальной геометрии они могут получить доступ к основным истинам реальности на духовном уровне.
Пит Мондриан — Самый известный художник де Стиджа
Супрематизм
Супрематическая композиция «Белое на белом» Казимира Малевича
Основанный Казимиром Малевичем около 1913 года, супрематизм — это движение в русском искусстве, которое сводит темы, которые мы обсуждали в предыдущих движениях, до голого куска: простые квадраты и круги в ограниченном цветовом диапазоне.Название относится к «верховенству чистого художественного чувства», которое в этом движении является приоритетом над любой попыткой визуального изображения реальных людей и объектов. Это первый раз, когда мы видим, как художник смело заявляет, что искусства достаточно самого по себе и что оно не обязательно должно быть репрезентативным или функциональным в своем повествовании. Книга Малевича 1915 года Черный квадрат была революционной в своем стремлении к «искусству ради искусства», и она закладывает семена для последующих художественных движений, таких как абстрактный экспрессионизм и минимализм, которые появятся только через десятилетия после его создания.Вероятно, это также первый раз, когда кто-то увидел произведение искусства и сказал: «Эй, мой ребенок может это сделать!»
Казимир Малевич — Супрематизм был его детищем
Дада
Фонтан Марселя Дюшана
Еще одно авангардное движение, вызванное реакцией на ужасы войны, — это дадаизм. Художники Дада стали свидетелями краха общества во время Первой мировой войны и решили, что любая культура, допускающая такое насилие и разрушение, должна быть уничтожена сама, вместе со своими художественными традициями.Если так называемый разум и логика капиталистических интересов приведут к мировым войнам, художники дадаизма примут иррациональность и интуицию. В каком-то смысле дадаизм — это своего рода «антиискусство», ставящее под сомнение определение самого искусства и использующее его как инструмент для критики жестких существующих традиций как искусства, так и общества. Часто это абсурд, юмористический, сатирический и определенно противоречивый характер.
Существует несколько теорий о том, как Дада получил свое название, но одна история, в частности, передает дух движения — однажды вечером на групповом собрании ножом была ранена случайная страница французского словаря, и «дада» — это место, где он приземлился.Художественные техники и стили в дадаизм разнообразны, но есть некоторые повторяющиеся темы. Коллаж был фаворитом; Вдохновленные кубизмом, предметы повседневной жизни, такие как газеты и билеты на поезд, символы современного общества, были разрезаны и переставлены. Фотомонтаж, процесс разрезания фотографических изображений и сопоставления их с другими, является аналогичным упражнением в разрушении и переосмыслении. Элемент случайности часто использовался, как в истории с ножом, поскольку дадаисты приветствовали случайность и хаос.Найденные предметы, представленные как искусство, которые Марсель Дюшан называл «Readymades», особенно шокировали и потрясали публику. Фонтан , писсуар, подписанный Дюшаном и перевернутый вверх дном перед тем, как представить его в качестве произведения искусства на выставку, станет печально известным символом движения и воплощает в себе детский юмор, которым часто смаковали обманщики-дадаисты, а также их желание перевернуть мир вверх ногами, так сказать.
Марсель Дюшан — дедушка современного искусства. Настойчивое искусство могло быть концептуальным, а не просто визуальным.
Ханна Хёх — немецкая дадаистка, известная коллажем
Баронесса Эльза фон Фрейтаг-Лорингховен — эксцентричная немецкая авангардистка и поэтесса. Возможно, именно он создал фонтан .
Сюрреализм
Пылающий жираф Сальвадора Дали
Многие художники, связанные с движением Дада, также были связаны с сюрреализмом, который появился сразу после него. Сюрреалисты также были разочарованы структурами общества, которые они считали угнетающими, однако способ, которым они выражали свое недовольство существующим положением вещей, был визуально и философски совершенно другим.Они считали, что ключ к социальной революции заключается в том, чтобы позволить своему разуму отказаться от логики и разума. Вместо этого они будут пытаться позволить изображениям и словам свободно вытекать из них без помех, в процессе, называемом «психическим автоматизмом». С этой целью на сюрреализм сильно повлияли теории Зигмунда Фрейда о психоанализе: свободные ассоциации, доступ к бессознательному и сновидениям. Как и в трудах Фрейда, в сюрреалистических работах скрытые желания и сексуальность занимают важное место.
Из-за этого акцента на подсознательном уме и воображении сюрреалистическое искусство действительно странно.У каждого художника есть свой стиль, но сюрреалистические работы обычно диковинны, иррациональны и сверхъестественны. Подумайте: пушистая чашка, плавильные часы или поезд, стреляющий из камина. В конце концов, термин «сюрреализм» происходит от французского «за пределами реальности».
Сальвадор Дали — Самый известный сюрреалист
Фрида Кало — женщина-мексиканский сюрреалист
Мерет Оппенгейм — швейцарская сюрреалистка
Макс Эрнст — немецкий сюрреалист, изобрел «фроттаж» (технику трения карандашом)
Рене Магритт — бельгийский художник-сюрреалист
Леонора Кэррингтон — мексиканская художница, родившаяся в Британии
Ман Рэй — фотограф-сюрреалист и художник
Абстрактный экспрессионизм
Номер 18, Джексон Поллок
Политическая нестабильность в Европе до и во время Второй мировой войны привела многих европейских сюрреалистов через пруд в Нью-Йорк.Их желание исследовать подсознание и выразить свои личные истины на холсте вдохновило поколение американских художников на создание в 1940-х и 1950-х годах работы, которую мы теперь называем абстрактным экспрессионизмом. Многие из этих художников смогли продолжить карьеру в живописи во многом благодаря финансированию и поддержке программы Франклина Д. Рузвельта по программе «Управление прогрессом в работах» (WPA), которая была начата для создания рабочих мест после Великой депрессии.
Абстрактный экспрессионизм полностью отвергает репрезентативные образы и вместо этого сосредотачивается на передаче ощущений через цвет, форму и текстуру.Движение отмечено интересом к отказу от формальных условностей живописи; они придумывали новые способы нанесения краски на холст, экспериментировали со спонтанным нанесением отметок и позволяли расслабляться с помощью жестов. Для этих художников процесс создания был важен, если не больше, чем конечный результат.
Первое уникальное американское авангардное движение, абстрактный экспрессионизм, отстаивающий индивидуальность и смелые заявления, о чем свидетельствует разнообразие художественных стилей внутри этого движения и монументальный масштаб, в котором работали эти художники.Живопись в жанре экшн, вероятно, является самым известным нововведением этого механизма во главе с Джексоном Поллоком. Особенно шокировала радикально новая техника Поллока — заливка и капание краски на незагрунтованный холст, разложенный на земле. Позже, в 1950-х годах, это движение переросло в живопись Цветового поля, в которой большие полосы единичных цветов были предназначены для того, чтобы дать зрителю ощущение «возвышенного» или бесконечного и непознаваемого величия и сильных эмоций.
Джексон Поллок — «Джек-капельница»
Виллем де Кунинг — голландско-американский художник
Ли Краснер — влиятельный американский художник, замужем за Джексоном Поллоком и долгое время оставался в тени Джексона Поллока
Франц Клайн — Черно-белые картины
Марк Ротко — Художник цветного поля
Хелен Франкенталер — Женщина-художник цветного поля, окрашивающая холсты
Агнес Мартин — Тонкие линии и сетки
Этот ридер является частью большой серии вводных текстов об искусстве и истории искусства.Каждый был написан под руководством Рика Лава. Соавтором этого ридера является Анжелика Джардини.
Что такое мексиканский модернизм? | Денверский художественный музей
Мексиканский модернизм — это художественное направление, которое процветало в Мексике в начале 1920-х годов после мексиканской революции (1910–1920). Создание новой конституционной республики в 1917 году, которая в первую очередь была сосредоточена на земельной реформе и обеспечении основных прав человека для всех мексиканцев, было одним из результатов революции.Это означает, что предпринимаются усилия по обеспечению социального равенства и доступа к экономическим и образовательным возможностям. Новое правительство также вызвало обширный культурный сдвиг в сторону объединения мексиканского народа и, как следствие, стремление к созданию национальной идентичности.
Новаторское художественное направление, которое расцвело после 1920-х годов, не было однородным по стилю, но имело желание по-настоящему отразить мексиканскую культуру и наследие. Он также был сосредоточен на уважении к рабочим и аграрным классам страны, а также к ее коренному населению и доиспанским традициям.Цель искусства заключалась в том, чтобы быть поучительным, воспроизводить многослойную историю Мексики, жизни и обычаев ее народа и быть доступным для публики.
Фрески
Мурализм стал основным художественным средством передачи этих послереволюционных идеалов. Фрески должны были быть доступны и видимы населению, выполняя дидактическую функцию с предметами, которые представляли аллегории истории Мексики. Более того, фрески уже были частью давней традиции настенной росписи Мексики, которая началась еще в доиспанские времена с цивилизаций ольмеков, майя и теотиуаканов.Таким образом, почитание этого вида искусства стало еще одним способом отдать дань уважения прошлому.
Под президентством Альваро Обрегона (1920–24) правительство начало обширную программу паблик-арта, поручив художникам нарисовать большие фрески на общественных зданиях, чтобы отпраздновать объединение страны после революции. Хосе Васконселос, министр образования Мексики, возглавлял многие комиссии по росписи, прося таких художников, как Диего Ривера, Хосе Клементе Ороско и Давид Альфаро Сикейрос, позже известного как los tres grandes , украсить стены общественных мест.
В 1921 году Сикейрос опубликовал «Манифест пластическим художникам Америки », в котором он закрепил новый художественный стиль, возникший после революции. Он заявил, что искусство должно принадлежать народу и должно рассказывать истории коренного населения Мексики. Сикейрос выступал за «монументальное и героическое искусство, человеческое и общественное искусство, которое является прямым и живым примером наших великих мастеров и выдающихся культур доиспанской Америки.”
Между 1920-ми и 1950-ми годами фрески воплощали стиль, который не только помог создать новую мексиканскую идентичность, но и стал основой для многих других художественных тенденций, которые стали определять современное искусство в Мексике. Фрески были крупными по размеру и очень образными, как видно из исследования Ороско торса для фресок Национальной подготовительной школы, 1926. Фрески также прославляли прошлое Мексики и привлекали внимание к социально-политическим условиям рабочего класса. . Кроме того, они изображали традиции мексиканского народа, сопоставляя обе культуры коренных народов с их испанским колониальным прошлым, в том, что стало известно как Mexicanidad или мексиканская идентичность, встроенная в коренное и национальное наследие.Интерес к представлению Mexicanidad стал еще одним центральным элементом движения мексиканского модерна.
Тогда можно было бы сказать, что рождение модернизма произошло главным образом через мурализм в Мексике и продолжилось через другие формы и стили искусства. От станковой живописи до фотографии, фигурации и абстракции, до объединения геометрических узоров и создания сказочных пейзажей; все жанры и стили объединились, чтобы определить новое художественное направление в Мексике, которое было разнообразным и неоднородным.
Хотя многие художники, ставшие частью мексиканского модернизма, прошли обучение в Европе и находились под влиянием таких движений, как кубизм и сюрреализм, подъем модернизма в Мексике не представлял собой продолжение более раннего европейского искусства. Это было уникальное национальное художественное выражение, целью которого было закрепить культурные и политические корни в Мексике.
Сочетание абстрактного и доиспанского искусства
Гватемальский художник Карлос Мерида, например, переехал в Мехико в 1919 году и объединил абстрактные стили европейского модернизма с доиспанской эстетикой. Festival of Birds, 1959, является иллюстрацией его подхода — включение птиц над протянутыми руками фигур может быть вдохновлено глифом птицы из текстов майя, которым, как известно, восхищалась Мерида. Мексиканский художник Гюнтер Герцо — еще один пример многогранного художника, который перешел от фигурации к созданию уникального стиля геометрической абстракции. Как и многие другие мексиканские модернисты, он обратился к античным произведениям искусства как к образцам динамизма своих картин.
Абстракция также была исследована через жанр фотографии. Мексиканские фотографы-модернисты, такие как Лола и Мануэль Альварес Браво, экспериментировали с геометрией, асимметрией, сильным контрастом света и резким фокусом. Их черно-белые изображения изображали сцены повседневной жизни, с особым интересом к решению социальных проблем и уважению рабочего класса Мексики.
С другой стороны, художники, такие как Ольга Коста, рассматривали фигуру как свой основной стиль. Коста, иммигрировавшая в Мексику из Германии в молодости, действительно интересовалась ответом на запрос Mexicanidad .Ее работа была сосредоточена на представлении культурных ценностей Мексики. Она приняла традиции страны и сосредоточилась, в частности, на сценах повседневной жизни, в том числе на религиозных церемониях, таких как Nacimiento 1948 года.