Модерн и символизм в искусстве и культуре Западной Европы 19 века

23 сентября 2018

Течения, о которых сейчас пойдет речь, существовали в разных вариантах, но, в общем, были более однородны, чем реалистическое искусство.

У современников они именовались как декаденсткие течения. Мифы, легенды, сказки разных народов смешивались с реальностью. При этом имели преобладания лирические настроения: тут было больше угнетения, чем стремления добыть новых перспектив, — в этом смысле термин «декаданс» полностью оправдан. Декадентские настроения оказались достаточно внушительными, что на их основе сложился художественный стиль, быстро завоевавший сердца публики, — стиль модерн.

Гюстав Моро – «Вирсавия», 1883 г.,  59,2 x 41,5 см

У модерна есть все основания называться стилем, а не просто художественным направлением, так как он, во-первых, захватил все виды искусств, включая архитектуру; во-вторых, обладал обширностью выразительных средств, чего не было в романтизме.

Язык Делакруа, Блейка и Фридриха определенно отличен. Модерн, конечно, не был великим стилем, но на каком-то этапе отвечал времени. Его образное строение было связано с символизмом.

Гюстав Моро – «Сапфо», 1871-1872

Символизм и модерн не являются синонимами. Эти понятия надо отличать. Стилистика модерна, с ее принципами орнамента и изыска могла и не нести символического содержания. Гюстав Моро был символистом, но не художником модерна; в творчестве Тулуз-Лотрека «язык» модерна весьма ощутим, однако с символизмом у Лотрека нет ничего общего.

Анри Мари Раймон де Тулуз-Лотрек-Монфа — «Джейн Авриль, выходящая из «Мулен-Руж»,  1892, 84,3 х 63,4 см

Связь символизма и модерна четко прослеживается в немецком искусстве. Здесь работал Арнольд Бёклин. Он родился в 1827 году, но только в 70-е годы его работы получили признание. Сначала Бёклин и вовсе не был символистом. Ему нравилось изображать на итальянских пейзажах борющихся кентавров.

Этих мифологических созданий Бёклин писал в натуральном жанре. Они у него такие же реальные, как и места, где они обитают.

Арнольд Бёклин — «Автопортрет»,  1873 г

Со временем Бёклин усиливает символический подтекст, разнообразность настроений. Одна из самых знаменитых его картин — «Остров мертвых». Художник сотворил пять вариантов этой композиции, изображающей таинственный остров: к небу поднимаются темные силуэты кипарисов,вокруг скалы и руины, к берегу плывет с изображенной на ней белой фигурой.

Арнольд Бёклин — «Остров мертвых», первый вариант

Арнольд Бёклин — «Остров мертвых», картина для Фрица Гурлита 

Картины еще одного, ненадолго окруженного славой художника — Франца фон Штука, производили сильное впечатление на общество. Он являлся одним из организаторов общества «Сецессион», возникшего в Мюнхене. Эти объеденения были определенными хранилищами германского модерна. Во Франции модерн получал первоначальные сигналы от произведений Гогена. В Англии этот стиль складывался на основе искусства прерафаэлитов, а также Блейка. Общеевропейский резонанс имело искусство Джеймса Энсора. В Бельгии работали создатели архитектуры стиля модерн — Виктор Орта и Хенри Ван де Велде.

Франц фон Штук — «Сизиф», 1920

 Каковы же общие черты стилистики модерна? Они лучше всего просматриваются в декоре, поскольку в модерне присутствует стремление романтически облагораживать повседневность, эстетически преобразовывать ее. Господствует вкус к необычайной изысканности: изогнутые, кривые фор-

мы, частая и вместе с тем ассиметричная узорность, нарушение пропорционального строя, вертикальный спиралевидный орнамент, ажур. Архитекторы модерна, используя возможные строительные техники, отказывались от традиционной планировки зданий. Они придавали им свободную, примитивную конфигурацию, а особенно выдавали в области декора. В декоре привозносились волнистые, извилистые линии. На этой основе можно было изобретать самые неожиданные формы.

Франц фон Штук — «Страж Рая»

Импрессионисты, пытаясь передать визуальное впечатление натуры, никогда не прибегали к линейному контуру. Искусство модерна превращает формы в орнамент, расположенный на плоскости. Создатели модерна проявили большую изобретательность в декоративной разработке природных очертаний.

Теги

символизм, Модерн, Гюстав Моро, Тулуз-Лотрек-Монфа, Арнольд Бёклин, Франц фон Штук, Страж Рая, Импрессионисты, Вирсавия, Западная Европа.

Рекомендуем почитать

стиль либерти или рациональный модерн в искусстве, современной архитектуре и скульптуре

Модерн – художественное направление в искусстве, скульптуре и архитектуре, распространившееся по территории европейских стран к концу 19-го века. Популярность этого движения продлилась до начала I Мировой войны. Главная характеристика стиля – избавление от четких и угловатых форм. “Природные” композиции начинают занимать главенствующие позиции. Появляются новейшие техники и способы исполнения живописных и скульптурных творений. Наблюдается интерес к прикладному искусству (одежда, посуда, элементы интерьера и прочее).

История возникновения

Этот стиль пришел на смену эклектике – направлению, характеризуемому повторением образов предыдущих исторических стилей.

Значительное влияние на возникновение модерна оказало искусство восточных стран (преимущественно Японии), а художники и зодчие того времени вдохновлялись египетским стилем.

В европейских странах модерн имел определенное название:

• Соединенные Штаты – «тиффани».
• Австрия – «сецессион».
• Германия – «югендштиль».
• Франция – «ар-нуво».
• Италия – «либерти».

Черты стиля

Модерн сочетал в себе особенности художественного характера в различных произведениях, чем в значительной степени вовлекал во все сферы жизни и деятельности человека черты прекрасного и возвышенного. Это движение подразделялось на два основных вида:

• Декоративное – во Франции, Бельгии, Германии.
• Конструктивное – в Шотландии и городах Австрии.

А в итальянских и русских городах на развитие модерна оказали традиции национального характера (например, в неорусский стиль).

Неорусский стиль – архитектурное направление в русском (московском) зодчестве (конец 19 – начало 20-го столетия). Творцы того времени широко использовали древнерусские мотивы для возрождения русской своеобразной культуры.

Стоит отметить, что стиль модерн в архитектуре, скульптуре и искусстве совместил в себе невероятное количество различных направлений и развивался под влиянием множества национальных культур и их традиций. Даже специалисты затрудняются определить границы конца эклектики и начала модерна, а также возникновения последующего стиля под названием ар-деко.

Ярчайшим примером этого всеобъемлющего и разностороннего стиля является «Удар бича» – скульптура Германа Обриста.

В Европе создаются ассоциации художественной направленности:

• 1888 г. – Выставочное общество искусств и ремесел (Великобритания).
• 1890 г. – Мир Искусства (Россия).
• 1897-99 гг. – Объединенные искусственно-ремесленные мастерские, Немецкие мастерские художественных ремесел (Германия).
• 1903 г. – Венские мастерские (Австрия).

Югендстиль в Риге

Архитектура

Архитектурный модерн (так же как и стиль Хай-Тек в архитектуре) в Европе был распространен в 1890-1910 гг. Особенностью является стремление создавать не только красивые, но и функциональные здания. Все элементы конструкции каждого строения поддавались художественной обработке (двери, лестницы, столбы и прочее).

Виктор Орта (Бельгия) был одним из первых зодчих, проектирующих здания в стиле модерн. Несущие конструкции выполнялись преимущественно из железа и напоминали фантастические формы необычных растений. Он также использовал новые строительные материалы, среди которых были стекло и железо. Все детали от дверных ручек и до лестничных перил выполнялись в одном стилевом направлении.

Модерн во Франции развивался благодаря Эктору Гимару, который спроектировал павильоны в метро Парижа. А дома в стиле модерн, сооруженные Антонио Гауди, превосходно вписывались в пейзаж. Они больше походили на чудеса природы, нежели на настоящие сооружения, созданные человеком.

Архитектура этого направления отличается своим многообразием. Строения напоминают одновременно и замки, и мавританские дворцы и корпуса заводских зданий.

С течением развития модерна начали выделяться такие направления, как:

В определенных регионах и городах модерн отличался особенными чертами, и поэтому появились термины: берлинский, московский, русский, провинциальный, венский, парижский, рижский и множество других направлений. На территории России можно наблюдать строения в «северном стиле (финском)» (в Санкт-Петербурге, Сортавале, Выборге).

По сей день существуют споры о том, являются ли вышеперечисленные направления самостоятельными стилями, или же они представляют собой разновидности модерна.

Стиль модерн возник в то время, когда появилась необходимость не только в шикарных замках и церквях, а еще и в магистралях, вокзалах, выставочных залах, аэродромах, заводах. Появляется необходимость в использовании новых строительных материалов: стекла, бетона, стали. Кроме того, наблюдаются изменения в технологиях производства кирпича, камня и древесных материалов.

В архитектуре происходит отказ от симметричности форм: появляются огромные окна в виде витрин («магазинные окна»). Получает развитие идея строительство многоэтажных зданий, проектируются окончательные варианты жилых домов в стиле модерн (на фото).

Главный офис сайта “ВКонтакте” в Санкт-Петербурге, на Невском проспекте

Интерьер

Модерн в организации интерьера отличается элегантностью линий, а также разреженность форм всех элементов декора. Значительную роль в оснащении внутренней обстановки строений сыграла увлеченность японскими мотивами.

Основным материалом художников стиля модерн было стекло. Но интересные узоры можно было также наблюдать на изделиях из фарфора. Медь и бронза использовались при изготовлении светильников. Мастера модерна активно разрабатывали новые модели светильных приборов, дизайном ювелирных украшений и столового серебра. На фото представлены светильники, выполненные в стиле этого направления.

Годуин и Макинтош – наиболее известные художники, которые трудились над дизайном мебели в стиле модерн.

На работы Годуина очень повлияло искусство японской мебели – деревянные детали гарнитуров окрашивались в светлые тона (серый или белый). Мода на японские мотивы возродила ширмы, которые были особенно популярны в 18-м столетии. Мебельные гении занимались также художественной росписью. Выпускники школы Нанси придавали различным предметам мебели из черного дерева необычные орнаменты и очертания в стиле модерн. Кресла-бержеры, диваны и стулья были оснащены резными панно, имеющими гибкие формы цветков ириса или ветвей деревьев, а ножки изготавливались в виде волнообразных композиций. На фото можно видеть, как стиль модерн в интерьере идеально сочетает в себе различные материалы, отлично гармонирующие друг с другом (стекло, метал, камень, дерево, обои, роспись).

Макинтош, в свою очередь, работал над эскизами мебели, имеющей удлиненные формы. Ему принадлежит дизайн кресел-тронов, оснащенных коротенькими ножками и несоразмерно вытянутыми спинками.

Для отделки стен использовались обои с элементами росписи и шпалер. Рисунки являли собой символический характер. Особенно популярны были цветочные и растительные композиции, а также вязь. Не менее важную роль играет мозаика – ее изготавливают из керамики, стекла и прочих материалов. Мозаичными картинами украшают полы, стены и потолки.

Ведущие цвета модерна – мягкие ненавязчивые оттенки природного характера (белый, бежевый, светло-голубой, нежно-розовый, бирюзовый и т.д.)

Современные дизайнеры часто используют идеи модерна при создании интерьеров для гостиных комнат, спален и даже кухонь. На фото представлены наиболее удачные примеры в этом направлении.

Скульптура и живопись

В значительной степени на развитие стиля модерна в искусстве живописи и скульптуры повлиял символизм. Традиционные формы 19-го века сменялись новейшими течениями европейских стран. Панно и картины в стиле модерн представляли собой элементы декорирования помещений, что вносило в общую композицию новизну эмоциональной окраски. Благодаря этому основной отличительной чертой живописи стала декоративность.

На первом плане находились преимущественно лица и фигуры, выполненные с особой четкостью. Для картин также характерны «ковровые фоны» с орнаментами и сочетание условностей декоративного характера (М.А. Врубель, Г. Климт). Широта цветовых плоскостей наблюдается в работах Э. Мунка и Л.С. Бакста. Работы Бенуа и Врубеля отличаются четкими линиями и нюансами, что придавало живописи стиля модерн выразительность.

В композициях картин использовались идеи на тематику смерти, мировой скорби, а также эротизма. Значительное распространение получили работы Густава Климта, который обращался на своих полотнах к миру легенд, снов, и сказок.

Скульптурные творения эпохи модерна отличаются динамикой композиций и рельефностью форм. Наблюдается гармоничное взаимодействие хрупких и массивных линий, а также силуэтов разных размеров. На фото показаны черты модерна на примере скульптуры «Поцелуй» Огюста Родена.

Модные веяния

Дизайн женской одежды в стиле модерн относился к салонному типу. Прелестные дамы того времени – изящные, с вытянутой фигурой (готической), развивающимися длинными волосами, а также с выразительным мечтательным томным взглядом. В своем становлении и развитии модные тенденции модерна разделились на несколько этапов:

• 1898-1900 гг. – особое внимание уделялось правильно осанке. Женский наряд состоял из юбки по типу колокола (подол удлинялся). Трен на подоле отделывался оборками. Рукава-жиго расширялись к плечам.
• 1901-05 гг. – популярен S-образный силуэт (узкая талия и большая грудь). Женщины носили шляпы больших размеров, линия плеча в наряде принимает более естественные формы. Юбки обильно декорируются, а буфы на рукавах сдвигаются ближе к локтям. Талия милой прелестницы затягивалась в корсет (до 55-60 см), поэтому верх женского торса наклонен вперед. Такой силуэт носил название “голубиная грудь”. Выразительная выпуклая форма сзади создавалась за счет клеша на юбке, который прилегал к упругим бедрам. Юбки для бальных платьев имели одну особенность – вокруг элегантных туфелек они ложились веерообразно. Этот эффект достигался благодаря дополнительному трену.
• 1905-07 гг. – во время третьего периода укорачивались юбки (открывался носок туфель), а элементы декорирования исчезают почти полностью. Женский силуэт возвращается к обычному виду (вертикальному), что отражается на примерах одежды в стиле модерна. Постепенно выходят из моды корсеты, а после 1903 года покрой нарядов становится более просторным и не стесняет движений.

На смену спокойным оттенкам приходят яркие красочные цвета.

Для пошива использовали шелка – тончайший крепдешин, шифон и парча, а также тафта. Применялся тяжелый бархат, полотно, репс и велюр.

Верхняя одежда: короткие жакеты, пелерины, пальто (средней длины), мантильи, меховые манто.

Отделкой для нарядов служили: шарфы, банты, тесьма, плиссе, роспись, кружева, искусственные цветы, вышивка (золотые нити, бисер, мишура), кораллы, яркие блестки, бусы. Обувь на каблуках: сапоги на шнуровке, туфли.

Использовали также дополнительные аксессуары: шляпки-ток, элегантные тросточки, зонтики с тканевыми оборками, перчатки, муфты.

Варианты поклейки обоев, где комбинирование разных типов обоев является ключевым элементом.

Дизайн маленькой кухни с обоями вы найдете в этой статье, где предложены еще и фото.

Виды недорогой напольной плитки: https://trendsdesign.ru/materialy/plitka/nedorogaya-napolnaya-plitka.html

Секреты стиля

Выводы

Стиль модерн возник в конце 19-го столетия и пришел на смену эклектике. В отличие от предшествующего направления, модерн сочетает в себе множество различных течений искусства и не стремится в точности копировать идеи прошлых веков. В области архитектурного строения широко использовались металлические каркасы, а также видоизменялись технологии производства строительных материалов. Модерн, как ни один другой стиль, содержит в себе невероятное количество направлений, детали которых гармонично сочетаются в общей композиции. На смену ему пришел модернизм, а затем мир знакомится с минимализмом.

Читайте также про классицизм в скульптуре.

21.Материалы для учителя. Характеристика понятия стиль модерн в искусстве Западной Европы и России

Характеристика понятия стиль модерн в искусстве

Западной Европы и России

Модерн — период развития европейского искусства на рубеже XIX-ХХ веков, главным содержанием которого было стремление художников противопоставить свое творчество искусству второй половины XIX столетия. Хронологические рамки искусства модерна очень узки: приблизительно 1886-1914 годы. Модерн — это не один какой-либо стиль, а множество различных стилей и течений, составляющих период, может быть, не менее важный, чем эпоха Возрождения XVI в. Рубеж ХIХ-ХХ веков имел «значение этапа, завершающего грандиозный цикл развития европейской культуры, начавшийся еще в античности. Несомненно, то, что предпринятая на рубеже веков попытка обобщения эстетического опыта человечества, синтеза художественных традиций Запада и Востока, античности и средневековья, классицизма и романтизма сопровождалась и, в известной мере, была порождена явлениями упадка, кризиса сложившейся к этому времени системы научных, эстетических и этических ценностей. Однако, несомненно, и другое — именно это искусство создало предпосылки, обусловившие радикальные изменения в мировой художественной культуре XX столетия» [21, с. 9]. Период Модерна можно сравнить и с эпохой XVII-XVIII вв., конечно не по объему созданных ценностей, а по логике развития художественных идей. Так же, как и тогда — классицизм, барокко, рококо и снова неоклассицизм, искусство конца XIX в. обобщало опыт всего предыдущего художественного развития.

Если в следующие годы этот период казался только странным, болезненным и упадочным, то уже через несколько десятилетий, в середине XX в. , стало понятно, что, именно, тогда происходили важные процессы накопления и осмысления новых художественных идей, поиска форм, сближения различных видов и жанров искусства. Художники модерна своей дерзостью ломали все привычные границы. Их художественное мышление характеризовалось удивительно быстрым ростом. Поэтому, как заметила А. Русакова, немецкое им выражение «Jahrhundertwende» — «поворот столетий» точнее определяет содержание этого переходного периода, чем традиционное французское «fin de siecle» — «конец века» [51, с. 49]. Тенденция к синтезу художественных достижений предшествующих веков объясняет также, почему для искусства Модерна не существовало какого-либо одного исторического источника, как это случилось, к примеру, с Классицизмом, Неоготическим, или неорусским стилем. Модерн стремился впитать в себя все. Но у искусства модерна были свои предтечи. В их числе часто называют У. Морриса, Дж. Рёскина, английских графиков Крэйна и Блейка.

На искусство модерна возлагались большие надежды. После длительного периода эклектики искали его историко-культурное обоснование. В этом уже было противоречие: с одной стороны — стремление к новаторству, а с другой — оглядка назад. Многие тогда видели в «стиле модерн» некий «венец художественного развития» европейской культуры, единый интернациональный стиль. Волнистые линии орнаментики Ар Нуво сравнивали с крито-микенским искусством. «Модерн» находили у этрусков, в итальянском Маньеризме конца XVI в., в стиле интернациональной или «пламенеющей готики». Модерн сравнивали с рококо, не замечая при этом того художественного разлада, которого не было ни в искусстве древности, ни даже в маньеризме или рококо в период их «классического» развития.

Поэтому, термин «модерн» правильнее употреблять по отношению к определенному историческому периоду, а не к стилю, аналогично понятиям «античность», «средневековье», «ренессанс». Не случайно еще в начале века модерн называли не художественным стилем, а «стилем жизни», так как новые веяния пронизывали собой все стороны существования человека. Г.Стернин выдвинул идею, что «модерн как научный термин уместнее ставить в ряд не с чисто стилевыми категориями, а таким историко-культурным понятием, как бидермайер. Можно сказать, что бидермайер и модерн это начало и конец целой исторической фазы романтизма»[58, с. 7]. И действительно, Романтизм был главным содержанием «эпохи модерна», так же как он характеризовал период бидермайера начала XIX столетия. Модерн — это сказочность, миф, мир иллюзий, быть может, чем-то похожий на эпоху Готики. Ведь неоготика была одним из важных стилевых течений искусства модерна. Идеалы модерна не смогли реализоваться в сложную переходную эпоху конца XIX — начала XX вв. Они только отразились по-разному в его многообразных течениях. Эти течения были не только разными, но, подчас, взаимоисключающими, противоречивыми и, тем не менее, переплетающимися между собой: орнаментальное и конструктивное, флореальное и геометрическое, новаторское и ретроспективное, неоклассическое и неоготическое, индустриальное и кустарное.

Среди основных течений искусства модерна обычно выделяют: флореальное искусство или «Ар Нуво», неоромантическое (национально-романтическое), рациональное или геометрическое, «неопластицизм» или «органическую архитектуру», неоклассицизм.

Все эти течения объединяло общее мировоззрение «fin de siecle», отличающееся, с одной стороны растерянностью, духовной усталостью, кризисом идеалов, скептицизмом и самоиронией, а с другой — настойчивыми поисками нового «большого стиля» во всех сферах творческой жизни, стиранием границ между элитарным и массовым искусством. Это приводило к двояким последствиям. Распространению мещанских вкусов, неимоверной пошлости, проникающей даже в творчество выдающихся художников, и утонченного символизма, мистики, изысканности изобразительных средств, ставших доступными потребителям искусства. Все это удивительным образом соединилось в модерне и в целом выражалось в стремлении ко всему необычному, странному, фантастическому, иногда болезненному и отталкивающему. Модерн называли «последней фазой искусства прошлого века, вздохом умирающего столетия» [60, с. 70]. Но бесспорно, но также и то, что модерн ознаменовал собой начало нового искусства. Поэтому «художникам приходилось расплачиваться за модерн, и преодолевать его, и одновременно благодарить за то, что какие-то пути вперед были намечены» [52, с. 270].

Главной особенностью искусства модерна является то, что новое в нем формировалось, прежде всего, в области архитектуры, декоративного и прикладного искусства, но не столько самими архитекторами, сколько живописцами и графиками. Точно так же в XVIII в.в. эпоху Рококо, творцами нового стиля были живописцы и рисовальщики, подчинившие придуманному ими мотиву рокайля всю архитектуру, скульптуру, мебель. Через полтора столетия новый, но чем-то похожий на все тот же завиток мотив изогнутых линий стал определяющим формальным элементом во всех видах искусства. Первый шаг в этом направлении был английскими графиками и архитекторами (Макмардо Артур; Крэйн Уолтер; Имейдж Селвин), затем бельгийцами, парижскими, венскими и мюнхенскими художниками. Их объединило общее неприятие отбивших академических норм и попыток реанимировать их за счет возрождения старых стилей. Им представлялся тупиковым путь прерафаэлитов, усилия Дж. Рёскина и У. Морриса по возрождению традиций средневекового ручного ремесла. Они обратились не к прошлому искусства и не к будущему, которого еще не видели, а к природе. Отсюда первое, натуралистическое, «флореальное», течение искусства Модерна. В нем копировались природные формы, прежде всего, растительные, с подчеркиванием их динамики, движения, роста — линии вьющихся, волнистых растений: лилий, камыша, цикламенов, ирисов.

В архитектуре изогнутую линию впервые применил бельгиец В. Орта в интерьерах особняка Тассель (1893). В 1895г. ученый-натуралист и художник X. Обрист выполнил гобелен с изображением петлеобразно изогнутого стебля цветка цикламена. Журналисты окрестили эту характерно изогнутую линию «удар бича». С этих пор она стала главным признаком «нового стиля».

Большое значение имело также давнее знакомство бельгийцев и французов с восточным, в особенности японским искусством. Изысканная пластика линий и декоративность цветовых пятен японских гравюр оказала в свое время воздействие на прерафаэлитов, затем Э. Мане и импрессионистов, постимпрессионистов. А после выхода в свет монографии Э. Гонкура о К. Утамаро (1891) «японизмы» стали всеобщей модой. Любимые мотивы художников модерна — морская волна, лебединая шея, томные женские фигуры с распушенными волнистыми волосами, извивами рук, в развивающихся складках одежд.

С 1881г. в Брюсселе О. Маусом издавался журнал «Современное искусство» («L’Art Moderne»). На его страницах впервые появился термин «новое искусство» («L’Art Nouveau»). В 1894г. этот термин сделал программным в своем творчестве бельгийский живописец, а затем архитектор А. Ван де Велде. Этот выдающийся мастер провозгласил знаменитый лозунг «Назад к природе», ставший одним из основных девизов «нового стиля».

Ван де Велде утверждал, что естественная эволюция художественного мышления, не нарушаемая искусственными попытками повернуть назад, всегда приводит к появлению нового оригинального стиля. Ван де Велде стремился выразить свое ощущение этого стиля целостно, во всем, от живописи и графики до проектирования зданий, оформления интерьера, мебели, светильников, посуды, декоративных панно, книжных переплетов и даже собственноручно им выполненного платья для своей жены, гармонирующего со всей обстановкой дома. В дальнейшем это стало главным принципом искусства модерна. Сообразуясь с орнаментальной эстетикой «нового стиля», архитекторы вынуждены были задумывать и воплощать свои проекты целиком, вплоть до «последнего гвоздя»: дверной ручки, светильника, оконного переплета или вентиляционной решетки, которая неожиданно могла стать главным декоративным акцентом всего ансамбля. Модерн эволюционировал стремительно, что особенно хорошо видно на примере творчества Ван де Велде. Начав с живописи, он затем бросает «бесцельное изобразительное искусство» и весь отдается стихии орнамента «удара бича». Но всего через два-три года, как и другие художники, почти полностью освобождается от орнаментальности, которая, казалось, была неотъемлемым свойством стиля, пытается создавать формы без орнаментальной косметики, сами в себе несущие «флореальное» начало. Потом, еще более неожиданно, изогнутые линии вообще исчезают, уступая место прямым углам, плоскостям, квадратам и кругам.

Во Франции произведения художников «нового стиля» пропагандировались благодаря деятельности С. Бинга, открывшего в 1895г. магазин «Maison de L’Art Nouveau», где, наряду с образцами восточного искусства, можно было увидеть изделия Ван де Велде, Э. Грассе, Р. Лалика. Л. К. Тиффани. Выдающимся художником модерна был Э. Галле.

В Австрии модерн называли «сецессион» (от латинского secessio — отделение, уход), так как движение за новое искусство началось с демонстративного выхода группы молодых художников из состава выставочной организации «Glaspalast» («Хрустальный дворец») в знак протеста против рутины академизма. Основателями венского Сецессиона были живописец Г. Климт и архитектор О. Вагнер (1898).

Близкое польское название: сецесия (secesja).

В Германии «новый стиль» назывался «югендштилъ» (молодой стиль) от имени журнала «Jugend», вокруг которого группировались прогрессивно мыслящие художники. В Италии за модерном утвердилось название «либерти» («Liberty») по имени владельца английской фирмы, насаждавшей в этой стране «новый стиль».

На бельгийский и венский модерн сильное влияние оказало как восточное, японское искусство, рекламировавшееся Бингом, так и новое, рациональное и конструктивное искусство шотландцев, в частности Ч. Макинтоша, выставки которого с огромным успехом прошли в 1901 г. в Вене и в 1902-1903 гг. в Москве. Под воздействием прямых линий мебели Макинтоша даже ярый «флореалист» В.Орта сказал: «Я отошел от цветов и листьев и занялся стеблями и палками».

Стилистически многообразно романтическое мышление проявилось в русском модерне. Гениальным архитектором московского модерна был Ф. Шехтель. Но Настроения модерна, так или иначе, захватили всех русских художников, в том числе и многих живописцев. Наиболее ярким Представителем романтики модерна в живописи был М.Врубель. Характерно, что таланты Шехтеля и Врубеля соединились в Работе над особняком 3. Морозовой в Москве (1893). В этом удивительном здании главная лестница выполнена в романтической стилизации под формы готики, парадный зал — в формах ампира, а гостиная — в стиле рококо (уже четвертого по счету, после периодов «второго» и «третьего рококо» в Европе). Причем эти вымышленные интерьеры обставлялись подлинной музейной мебелью. Это было типично романтическое ретроспективное мышление. Декоративные росписи и витраж Врубеля в особняке Морозовой искусно стилизованы под средневековье. Подобную особенность художественного мышления точнее называть не стилизацией, а историзмом, в котором «готические» формы являются свободными романтическими фантазиями на историческую тему. Врубель был настоящим романтиком, «рыцарем средневековья», ощущавшимся им не как прошлое, а как живое настоящее. Для русского модерна было также характерно тесное переплетение жанров и видов искусства. Врубель много занимался майоликой, а о своей картине «Сирень» он сказал, что не хотел бы, чтобы она попала в музей, потому что «музей — это покойницкая», а желал бы видеть ее «вделанной в стену в жилом доме, чтобы она совершенно слилась со стеной» [61, с. 120]. Стремление русских художников к организации целостной «художественно-романтической» среды проявилось в необычайно ярком явлении культуры «fin de siecle» — знаменитых «дягилевских сезонах» в Париже. Балетные постановки С. Дягилева с их соединением театра, музыки, искусства костюма и декорации называли «утонченной стилизацией модерна». Национальные мотивы, стремление к созданию неорусского стиля проявились в деятельности абрамцевского кружка и мастерских Талашкино. Причем характерно, что ретроспективизм «русского стиля», к примеру в графике Е. Поленовой, соединялся с интернациональными приемами стилизации и обобщения формы, выработанными английским модерном У. Крэйна или французским Ар Нуво. Это говорит о том, отдельные течения в искусстве Модерна не существовали изолированно, а тесно взаимодействовали. Общие тенденции сближали творчество столь разных художников, как О. Вагнер и Ф. Шехтель, Г. Климт и М. Врубель, А. Ван де Велде и Л. Бакст. Их соединяло настойчивое стремление к эстетизации отдельных формальных приемов: «органогенности», плоскостности, орнаментальности. Вот почему, наряду с термином «период модерна» возможно использование понятия «стиль модерн», объединяющего в себе то новое, что появилось в те годы в искусстве разных стран.

Для «стиля модерн» главным принципом стала стилизация, но не в смысле интерпретации форм художественных стилей прошедших эпох, как это было в период Историзма второй половины XIX в., а в смысле тенденции подчинения всех элементов композиции какому-либо одному, формообразующему началу. Таким началом могло служить все что угодно: исторические и национальные стили, элементы народного и примитивного искусства (Абрамцево, Талашкино), природные формы (флореальное течение), геометрический мотив («Венские Мастерские», И. Хоффманн), новые конструкции и свойства новых материалов — стали, стекла, бетона (конструктивное течение). В каждом случае художники модерна искали целостности, органичности, гармонии ансамблевых решений — изображения и плоскости, отсюда декоративность рельефов и росписей, как бы вырастающих из поверхности стен зданий; орнамента и конструкции — «орнаментализации» конструктивных элементов стальных каркасов, железных решеток, формы и пространства, интерьера и экстерьера.

В искусстве модерна декорация начала отделяться от конструкции и становиться самоцелью. Отсюда безудержная прихотливость орнамента, нарушающего всякую тектонику вещи, на первых стадиях развития искусства Модерна, общая атектоничность композиции — на втором. В более глубоком смысле следование «новому стилю означало стремление к созданию «нового стиля жизни» — художественного «синтеза окружающей человека среды, пространства и времени, в котором он живет, а это воистину задача «Большого стиля». Вот откуда «фанатизм стиля», характерный для человека «поворота столетий». Это объясняет и пристрастие художников модерна к «вечным философским темам бытия», таинственной, часто мрачной символике, ощущению тайны. Ведь создатели нового декора из стилизованных растительных форм Орта, Ван де Велде придающих ему не только формальное, но и символическое значение. Этот декор лишь внешне, хотя подчас и очень «натурально», изображает растения, но, прежде всего символически преображает самые заурядные конструкции из дерева, железа и бетона, объединяя в единое целое конструкцию, форму и стилизованную поверхность, что и определяет их принципиальную атектоничность, пластицизм. Метод художественной стилизации и вывел искусство модерна в разряд романтического. Так, причудливые «цветы» из металла Э.Гимара у входов в парижское метро совершенно новые формы, лишь ассоциирующиеся, но никак не изображающие реальные растения. И даже, когда романтизм выражен, не столь явно, например, в неоклассическом течении модерна, архитектура этого периода выглядит более задушевной и теплой, чем холодный и чопорный ампир начала XIX столетия.

Особое место занимал в искусстве модерна символизм. В качестве самостоятельного художественного течения символизм получил развитие преимущественно в литературе, в особенности в поэзии начале XX века. В России этот период получил звание «серебряного века», во Франции символизм быстро переродился в сюрреализм. Изобразительное искусство по своей природе менее подходит для выражения символистских образов, туманных и неясных, поэтому живописцы и графики, считавшие себя символистами, как, например. Ф. фон Штук, часто впадали в салонный, но слащавый натурализм с примесью пошловатых аллегорий, с двусмысленной, примитивной эротикой. Однако в архитектуре символизм принес неожиданные плоды. Наиболее фантастические формы символизм модерна приобрел в Испании, в творчестве гениального архитектора-символиста А. Гауди. Его невероятные, с точки зрения здравого смысла, произведения -нечто среднее между реминисценциями средневековья и плодом сюрреалистического воображения, свойственного национальному католическому мистицизму Испании. Стиль Гауди назвали «каталонским модернизмом».

В искусстве модерна с большой силой проявился сентиментализм и пессимизм, недаром в России «стиль модерн» грустно именовали «вообще последним стилем». Трагическое противоречие, «безысходность» Модерна состояла в том, что искусство этого периода разрывалось между идеальными устремлениями стилизации жизни, художественного синтеза, символизмом форм и рационализмом, прагматизмом технического века. Отсюда все несуразности, противоречия, надломленность и даже порочность многих произведений художников модерна.

В последние годы, накануне первой мировой войны, искусство модерна, главным образом архитектура, сменило свою пластичность, «органогенность» на конструктивную ясность, простоту, рациональность, аскетизм. Возникло течение «модерн-классицизм», или модернизированная классика, представленное в Петербурге творчеством Ф. Лидваля, М. Лялевича, А. фон Гогена, Н. Захарова, М. Перетятковича. Это течение близко соприкасалось с возникшим сначала в Швеции и Финляндии, а затем в Петербурге, в рамках национально-романтического движения, «северным модерном». Одновременно появились еще более радикальные течения неоклассицизма и конструктивизма, окончательно противопоставившие себя идеалам раннего Ар Нуво. В архитектуре «чистыми классиками» в это время слыли И. Фомин, А. Таманян, В. Щуко, А. Щусев, И. Жолтовский. В живописи и графике — В. Шухаев и А. Яковлев. Вместе с тем, правы те, кто считает, что модерн нельзя «модернизировать», включая в него позднейшие течения, которые тогда еще только зарождались и выделились из искусства модерна позднее.

Модерн иногда отталкивает натуралистичностью деталей, но в целом это искусство глубоко интеллектуально, поскольку его художники творчески переосмысливают всю историю европейского искусства. Это особенно хорошо видно на примерах рядовой застройки жилых домов петербургского модерна. Их отличает подлинно классическая строгость пропорциональных членений фасадов, но с характерной асимметричностью композиции, полукруглые или многогранные эркеры, майоликовые фризы, сильный вынос кровли на кронштейнах, ассоциирующийся с итальянской архитектурой, мелкая расстекловка окон, часто трапециевидных или с закругленными углами и нарядными наличниками — парафраз северного, «петровского барокко», такого родного для Петербурга. А многочисленные декоративные детали: рельефы и скульптурные маски на «замковых» камнях, «ренессансная» рустовка, декоративные решетки, светильники, обелиски, башни, шпили, как будто, рассказывают о том историческом пути, который прошла вся европейская архитектура).

Таким образом, искусство модерна завершило в начале XX в. свой стилистический цикл развития и, по мнению многих исследователей, вообще «классический» период романтизма европейского искусства. Многие убеждены, что художники модерна так и не смогли решить поставленные ими же грандиозные задачи по созданию нового «большого стиля» и потому модерн так, и остался переходным периодом. Но ведь и художники следующего поколения не смогли создать свой стиль. Их отказ от идей модерна стал отказом вообще от идей художественности и привел к модернизму: конструктивизму, функционализму, абстрактивизму. В этих течениях исчезло человеческое, художественно-образное содержание искусства и прервалась «связь времен». Об этом с горечью писал в 1917г. Н. Бердяев в статье «Кризис искусства»: «То, что происходит с искусством в нашу эпоху, не может быть названо одним из кризисов в ряду других нарушаются грани, отделяющие одно искусство от другого и искусство вообще оттого, что не есть уже искусство» [8, с. 3]. Вот почему, несколько парадоксально, мы все же называем искусство модерна «последним большим художественным стилем».

Модерн, как стиль не был однороден по времени. На протяжении своего короткого существования (около полутора десятков лет) модерн несколько изменился. Начался модерн с полного отказа, от каких бы то ни было традиций, позднее русские архитекторы часто использовали его приемы в сочетании с различными историческими мотивами — так называемый стилизаторский модерн. Были и другие промежуточные направления. Существование модерна как стиля не было долговечным, и этот стиль не стал господствующим в русской архитектуре. Наряду с ним в начале ХХ века существовали неорусский стиль, неоклассицизм, различные мотивы эклектики. В застройке Екатеринбурга II половины XIX — начала ХХ веков в полной мере отразились тенденции, характерные для русской архитектуры капиталистического периода.

Историческая застройка центра современного Екатеринбурга в массе своей представлена зданиями и сооружениями второй половины XIX века и начала ХХ вв. В отличие от отдельных уникальных зданий и ансамблей классицизма, эта застройка носила периметральный характер и при этом хорошо сохранилась до наших дней в виде целых массивов, кварталов и улиц. При всей разностильности этой застройки нельзя не признать, что она во многом определяет неординарность облика современного города, придает характерность его историческому центру.

В 1900-х годах в архитектуру города проникает модерн — стилевое направление, стремившееся к выработке новых форм за счет подчеркивания ассиметрии, нарочито оригинальных декоративно-изобразительных приемов. Модерн как новый стиль ХХ века нашел отражение лишь в отдельных постройках Екатеринбурга, не получив большого распространения в архитектуре уральского города. В жилых домах отдельные приемы этого стиля, как правило, соединялись эклектичным смешением других стилей — это было проявление стилизаторского модерна, хотя есть и очень характерные здания «чистого» модерна. Поскольку модерн как архитектурный стиль имел определенные временные границы, а так как на рубеже ХIХ и ХХ веков город был ограничен с четырех сторон улицами Московской, Северной (сейчас Челюскинцев), Восточной, 4-й загородной (сейчас Щорса), то, естественно, что памятники модернисткой архитектуры и оказались сосредоточенными в центре современного города.

Просуществовав чуть более десятка лет, модерн сумел не просто внедриться в столичный и провинциальный быт, но и придать ему особую окраску. Рассчитанные не на музейные залы, а на бытование в повседневной жизни произведения модерна активно вторгались в окружающую среду, в обыденное сознание обитания этой среды, не только отражая сложившуюся духовную атмосферу, но и заметно влияя на нее. Даже спустя десятилетия хорошо видно, что модерн успел наложить заметную печать на архитектурный облик многих городов России, в том числе и облик Екатеринбурга.

«Несмотря на общность черт екатеринбургского модерна, проявившихся в различных зданиях, все они оригинальны и совершенно не похожи друг на друга, даже при одном и том же функциональном назначении, этому способствовали не только субъективные требования заказчиков, но и индивидуальная творческая манера архитекторов, при том, что заказчики не скупились на строительство из-за обилия денег. Наиболее красивые особняки в этот период времени имели лишь богатые купцы, которые любым способом стремились перещеголять друг друга» [38, с. 114].

Несмотря на достаточно широкое распространение в Екатеринбурге зданий, отражающих господствующий до модерна эклектизм, в нашем городе можно также выделить целый ряд зданий, построенных в стиле модерн на рубеже веков. Но многие из них, в которых наиболее отчетливо проявились черты модерна, либо не сохранились вообще, либо находятся в перестроенном или измененном виде. Так типичным образцом модерна в Екатеринбурге было здание первого в городе кинотеатра «Лоранж» (позднее «Совкино»), построенное в 1907 году архитектором Полковым. Оно просуществовало до середины 1960-х годов на углу Главного и Вознесенского проспектов (пр. Ленина, 43), потом было перестроено в здание нынешнего Театра Музыкальной Комедии. Здание отличалось преобладанием наклонных линий. Также наблюдалась некая ассиметрия в композиционных деталях фасада с выступающими вверх ризалитами. Между ризалитами были расположены окна, здание снаружи не имело декоративного декора. Но устремленные вверх ризалиты Коробовой формы на верху и причудливые линии, разделяющие этажи здания как бы ослабляли цельность стен и конструкций, придавали ему движение. Примечательными в этом здании были размеры и форма окон. Сейчас, конечно, не осталось даже отдаленного представления об этом здании в городе, имеется лишь фотография, изображающая кинотеатр того времени.

Печальная участь постигла и здание на углу Покровского проспекта (ул. Малышева) и улицы Вайнера, построенное в 10-х годах ХХ века. Типичный доходный дом того времени, известен был тем, что в нем был магазин, который торговал галошами фирмы «Красный треугольник», ныне в нижней части этого здания располагается «Салон часов». Это здание отличалось своеобразным оформлением фасада: извивающиеся, текучие линии карниза, изящный декор, невесомость. Здание имеет условную симметрию, вход в здание был с угла. Над входом в здание, на уровне третьего этажа возвышались две опоры, на которых восседали два орла и держали в клювах вывеску с названием фирмы. Сейчас модернистский верх не сохранился, здание было достроено, в том же виде сохранились лишь нижняя часть здания с характерными оконными проемами.

К образцам раннего «живописного» модерна относится и бывший дом Блохиной на Покровском проспекте (ул. Малышева, 37). Это здание сохранило свой первозданный облик, утратив лишь свою условную башенку со шпилем. Это здание приятного нежно-зеленого цвета, ближе к голубому интересно большим разнообразием форм окон, изящным декором.

Остальные каменные здания, построенные в стиле модерн, сохранились до сих пор почти без всяких изменений, и таких зданий гораздо больше.

Так в стиле модерн была построена аптека (ул. Пушкинская, 16), интересно, что и до этого на этом месте было здание аптеки, построенное для нее специально. В конце прошлого ХIХ века здесь находилось одноэтажное здание с мезонином каменное здание аптеки, оно имело симметрическую композицию. К входу в высокий первый этаж, расположенному в центре фасада, вело до 2 метров высотой каменное распашное крыльцо, облеченное полуциркульной аркой и кованным металлическим ограждением. В 1910-м году на месте этого здания был построен двухэтажный каменный доходный дом, также с аптекой, размещенной на первом этаже. Дом является образцом использования фасадной композиции скульптурно-лепного декора в стиле классического модерна.

Здание «Облаптекоуправления» на улице Златоустовской (Р. Люксембург, 34), очень примечательно своеобразной наружной отделкой гранитом и керамическими плитками. Некоторая ассимметрия в композиции здания, необычные формы окон, башенки на крыше, разнообразные витые узоры решеток на балконах также доказывают принадлежность этого здания к стилю модерн.

Образцом особняков модернистского стиля считается одноэтажное каменное здание на Вознесенском проспекте (ул. Карла Либкнехта, 32). Средняя часть здания с широким окном, разделенная на всю высоту стен пилястрами, чуть выше других, фланирующих объемов. Тройное окно в верхней своей части имеет лучковое очертание. Венчает среднюю часть парапет сложного модернистского рисунка. Архитектурная композиция здания, в целом, несимметричная. Позднее справа к этому зданию был сделан, пристрой, но модернистский стиль здания сохранился. После революции здесь был расположен музей молодежных движений, сейчас там проходят всевозможные выставки и презентации.

Между этим зданием и двумя другими можно проследить черты сходства это дом врача В.М. Онуфриева (ул. Р. Люксембурга, 71) и здание легочного туберкулезного диспансера (ул. Пушкина, 28). Оба эти здания имеют архитектурную ценность. Различаются они по функциональному назначению. Дом врача В.М. Онуфриева строился как особняк в 1912 году архитектором И.К. Янковским, здание же диспансера строилось как общественное здание. Это небольшой протяженности по фасаду каменное оштукатуренное здание обращает на себя внимание высокими этажами, несимметричной композицией архитектурного решения в стиле модерн.

На Вознесенском проспекте можно найти еще одно здание, принадлежащее стилю модерн (ул. К. Либкнехта, 33). Это трехэтажное каменное оштукатуренное здание, построенное где-то на рубеже ХIХ-ХХ веков. В целом симметричное, но несимметрично в деталях решение фасада с чуть выступающими боковыми ризалитами, возвышающимися над карнизом здания. Средняя, всего на пять окон, часть здания разбита на этажи горизонтальными тягами. Точных сведений о времени постройки этого здания и архитекторе найти не удалось, но принадлежность этого здания к стилю модерн неоспорима.

В качестве еще одного модернистского стиля можно пристрой к школе-гимназии № 9, которая находится на Главном проспекте. Пристрой выходит своим фасадом к реке Исеть на набережную Рабочей молодежи. Сейчас внутри этого здания располагается спортивный зал школы, и, конечно, только по внешнему виду здания можно определить архитектурный стиль постройки (арх. Бабыкин).

Описывая как в нашем городе представлен модерн, нельзя не назвать каменный особняк на улице Вайнера, 38, который выделяется своей модернистской лепниной, впрочем, несколько аляповатой, но зато в декоре этого здания можно увидеть разнообразие растительных мотивов, используемых в модерне.

В Екатеринбурге есть образцы не только раннего модерна, но и позднего, так называемого рационального, отказавшегося от декоративных моментов в пользу простоты и функциональности. К таким зданиям можно отнести угловой дом на улице Тургенева, 22 (здание бывшей хромолитографии) и особняк по улице Вайнера, 11 (сейчас там располагается картинная галерея). Этот особняк имеет очень интересную историю, что только не размещалось под его крышей. Надо сказать, что строилось оно не для картинной галереи, это был заказ купца Бардыгина на постройку особняка архитектору К. Т. Бабыкину. Особняк был построен в 1913-14 гг., внизу место было отведено для магазина, а наверху располагались жилые помещения самого купца и его семьи. Оно не перестраивалось, сохранило свой первоначальный облик. Купеческим особняком здание было до революции, после революции там была типография «Гранит», а сейчас это картинная галерея. Это невысокое двухэтажное здание серого цвета почти лишено декора, выглядит очень просто, но изящно. Привлекает внимание необычная форма здания и интересные формы окон, а также своеобразная чугунная решетка в оформлении фасада.

Заканчивая описание каменных зданий Екатеринбурга, выполненных в стиле модерн, можно сделать вывод о распространении каменного модерна в нашем городе. Как оказалось, таких зданий у нас не так уж и мало, и каждое из них интересно и заслуживает особого внимания. К сожалению, не сохранились наиболее типичные и красивые здания, принадлежащие к этому стилю. Каждая эпоха, стиль архитектуры оставляет след, напоминание потомкам о своем существовании. Интересно, что этот след может остаться не только в особняках или общественных зданиях, но и в водонапорных башнях. Такая башня на Плотинке — памятник архитектуры времен основания города, своеобразным символом эпохи модерн в Екатеринбурге можно считать водонапорную башню на улице Московской. Для нее характерны простота и в тоже время изящность линий и всей конструкции. А серый цвет и облицовка придают ей особую элегантность (10-е годы ХХ века).

Однако в Екатеринбурге модерн нашел отражение не только в каменных, но и полукаменных постройках. Такой постройкой является дом № 2 по улице К. Либкхнета/Вознесенский проспект и вызывает желание разобраться в секрете его обаяния. Это здание единственное у нас в городе и своего рода уникальное, больше таких зданий нет. Местоположение дома ставило перед архитектором контрастные задачи: с одной стороны, необходимость создания композиции, оформляющей пространство площади на пересечении проспектов, а с другой — создание образа, неизбежно подчиненного активной форме римско-католической церкви, расположенной напротив. Отсюда и достаточно сдержанное решение пластического образа, в то время как модерн декларировал подчеркнутую самостоятельность в архитектурно-пространственной среде. Здание имеет оригинальную конструкцию с угловой композиционной основой и в плане представляет собой ущербный квадрат, в отсутствующей ¼ части которого естественно располагается внутренний двор. В целом, объемно-пространственная композиция утрачивает характерный для классицизма и эклектики картинно-фасадный характер. Сами по себе симметричные фасады при взгляде с площади составляли исключительную композицию, милую глазу и сердца привыкшего к классицизму екатеринбуржца. Отсутствие импозантного декора, характерно для провинциального модерна, позволяет скорее увидеть те серьезные изменения в отношении к архитектурной форме, благодаря которым внешний облик стал отражать особенности внутренней жизни здания.

Строительные материалы этажей — кирпич первого и дерево второго — подчеркивают их независимое функционирование. Первый этаж из красного кирпича с перемычками над окнами из клинчатого кирпича. Деревянная часть здания отличается оконными проемами Коробовой кривизны и своеобразной Фомой здания. Здание имело угловой вход. К нему (в данное время не существующему) вел деревянный тротуар и гранитные ступени крыльца. Роль козырька выполнял декоративный балкон, тоже не сохранившийся. В отдельные объемы выделены торцевые части. На первом этаже в торцевой части дома по улице Малышева располагались жилые комнаты семьи прислуги. Характерно изменение формы оконных проемов в соответствии с функциональным назначением помещений: 1 место омега-образных окон, преобладающих на первом этаже — прямоугольные окна жилых помещений. В здании имелся второй вход в жилые помещения (со стороны Вознесенского проспекта), функциональную необходимость которого сейчас трудно объяснить (вход сохранился). Быть может причиной послужил сложный состав семьи хозяина, может быть что-то другое, вплоть до требований пожарной безопасности. Хотя форма оконных проемов на дворовом фасаде торца «Вознесенского крыла» здания позволяет предположить, что характер использования этих помещений мог быть отличным от жилых.

Существует две версии о том, кому принадлежало это здание и кто там жил. Так, по свидетельству Ю.В. Богдановича, внучатого племянника доктора А.И. Сяно, считают, что здание строилось под частную поликлинику известного в Екатеринбурге врача А.И. Сяно. Она должна была располагаться на первом этаже, а верхний этаж отводился под апартаменты хозяина. По свидетельству же старейшего жителя города, который лечился у этого врача: этот особняк принадлежал купцу Штролю. На первом этаже располагался магазин, где торговали велосипедами, швейными машинами и другой бытовой техникой, а на втором этаже находились апартаменты хозяина и его семьи. Здесь же снимал квартиру врач А.И. Сяно и принимал больных.

В нашем городе проявился также и так называемый «деревянный» модерн, объединивший формальные находки, характерные для каменных сооружений, с традициями патриархальной деревянной резьбы и плотницкого ремесла. «Сложный сплав этих разных тенденций способствовал формированию тех своеобразных образов провинциального модерна, которые поражают непосредственно и смелостью трансформации характерных для «нового стиля». В архитектуре деревянных домов, построенных в стиле модерн, наблюдается тяготение к декоративности внешних форм. Для всех них характерны искривленные рисунки деревянных окон и деревянных рам. Некоторые деревянные особняки имеют ассиметричное решение фасадов, вычурные овальные окна со сложными переплетами (например, ул. Февральской революции, 9). В том числе и дом, который раньше находился по адресу ул. Толмачева, 40, в 60-х гг. ХХ века он был уничтожен пожаром, но был полностью восстановлен в другом месте и сейчас является одним из красивейших образцов «деревянного модерна». Для него характерно применение в облике здания окружностей со смещенными центрами (например, окружность окна и кокошника над ним), смакование каждой архитектурной детали. Аналогичными особенностями обладает и деревянный особняк, расположенный на углу улиц Февральской революции и Боевых дружин, хотя может быть, чересчур вычурных форм окон здесь нет, но ассиметричное решение фасадов на лицо. Черты модерна прослеживаются и в украшавшем здания того времени чугунном художественном литье. Так и решетка палисадника этого дома повторяет причудливые очертания оконных проемов. Это здание было построено в начале ХХ века как особняк, сейчас это административное здание.

В других деревянных домах под тем же влиянием увеличиваются размеры окон, приобретающих тяжелые наличники, причем пропиловочная резьба, типичная для предыдущего периода, все чаще сменяется объемной (глухой), попадаются переработанные в духе модерна детали древнерусской архитектуры. Образцом такого модерна с национальным оттенком может служить дом во дворе по улице Вайнера, 64 с завершенным шатром и шпилем. Этот жилой дом был построен в к. ХIХ — начале ХХ века. К сожалению, сейчас оно находится в разрушенном состоянии, но судьба этого «теремка», как его часто называют в народе, решается в лучшую сторону, и уже ведутся работы по его воссозданию.

К стилю модерн также принадлежит и дом купца Агафурова (ул. Сакко и Ванцетти, 24), построенный в последней четверти ХIХ века. Несохранившиеся имена его авторов уральских резчиков, кузнецов, местных архитекторов, позаботившихся об изысканном украшении дома, — «читаются и сегодня в кованых коньках, причудливой кровле и деревянной резьбе». Дом был реставрирован в 1988 году.

Завершая описание деревянных особняков, построенных в стиле модерн, следует отметить, что образцы и каменного, и деревянного модерна по-своему необычны и оригинальны. Они составляют свою страницу в истории постройки города, и это требует бережного отношения к ним при ее современной реконструкции. Многие из таких зданий сейчас реставрируются, но, к сожалению, их интерьеры в большинстве своем утрачены безвозвратно.

В стиле модерн строились и важнейшие общественные здания города. Так здание нового вокзала в то время было построено в стиле модерн, но сейчас не осталось даже отдаленного напоминания о том, как тогда выглядел вокзал, после его многочисленных достроек, реконструкций и всевозможных декорировок. Интересно сложилась и судьба оперного театра, построенного в 1810-12 гг. В 1910-11гг. на конкурсе проектов нового театра победил проект А.В Семенова, выполненного в стиле модерн, однако он не смог лично заниматься строительством, так как жил в другом городе и приехать не смог. Поэтому сооружение этого здания по его проекту поручили молодому и подающему надежду архитектору К.П. Бабыкину, который свои первые здания строил в стиле модерн (ул. Вайнера,11). Но к этому времени он уже начал отходить от «чистого» модерна и стал все чаще обращаться к классике. Поэтому он ввел рабочее проектирование и осуществлял проект, но в детализации здания проявилась классика. Имеются разные мнения об архитектурно-стилевой принадлежности этого здания, но, по-нашему мнению, более правильным было бы отнести его к эклектическому стилю, так как здесь проявились и черты модерна, и классические черты.

К.Т. Бабыкиным при участии архитекторов Г.П. Валеннова и Е.Н. Кроткова было построено еще одно здание, которое сочетало в себе черты разных архитектурных стилей. Это здание делового клуба (ныне филармония) было начато еще до революции, а закончено в 1927 году. В этом здании уже проявилось конструктивистское направление, но можно выделить и черты, характерные для модерна его внешние пластические формы носят явно декоративный характер.

Таким образом, мы убедились, что модерн в Екатеринбурге достаточно разнообразно представлен, но наиболее своеобразным для нашего города является «деревянный модерн». В качестве основных особенностей Екатеринбургского модерна можно назвать самостоятельность каждого здания относительно окружающих построек и отсутствие импозантного декора. В заключение, хотелось бы привести слова Шарля Блана, которые выражают сущность модерна: «Архитектура … — это не сооружение, которое украшают, а украшение, которое строят».

Методические рекомендации для разработки и проведения пешеходного маршрута по теме «Архитектура Екатеринбурга в стиле модерн»

Знакомство с екатеринбургской архитектурой начала ХХ века позволяет при использовании разнообразных приемов показа и рассказа познакомить как с историей возникновения данного архитектурного стиля, его направлениями, а также специфическими особенностями провинциального екатеринбургского модерна.

В пешеходный маршрут входит 8 объектов в следующей последовательности:

1.Дом Утякова, ул. Клары Цеткин, 1.

2.Здание музея «Литературная жизнь Урала», ул. Пролетарская, 10.

3.Дом А.В. Анцелевича, ул. Пушкина, 28.

4.Здание аптеки Вейерсберга, ул. Пушкина, 16.

5.Дом Заварзина, ул. Пушкина, 8.

6.Здание лечебницы врачей специалистов, Пушкина, 1.

7.Дом Казанцева, ул. Гоголя, 20.

8.Дом Кругляшева, ул. Гоголя, 22

Цель экскурсии — эстетическое воспитание экскурсантов на материале архитектуры в стиле модерн г. Екатеринбурга.

Задачи экскурсии:

• Дать представление экскурсантам об общих чертах стиля модерн.
• Выявить стилистические особенности уральского модерна на примере архитектуры Екатеринбурга.
• Познакомить экскурсантов с разными типами сооружений построенных в стиле модерн.
• Воспитывать эстетический вкус, культуру горожанина, любовь к родному городу.

Целевая аудитория — школьники и студенты.

По содержанию экскурсия — тематическая.

Тема пешеходной экскурсии: «Архитектура Екатеринбурга в стиле модерн».

Продолжительность пешеходной экскурсии по времени составляет 1 час 30 минут.

Пешеходный маршрут экскурсии «Архитектура Екатеринбурга в стиле модерн» целесообразно начинать с Литературного квартала, так как здесь на небольшом участке сосредоточено два интересных объекта построенных в стиле модерн — дом по адресу К. Цеткин 1 и Пролетарская 10.

Первым экскурсионным объектом является дом Утякова по адресу К. — Цеткин, 1. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в показе желательно использовать приём предварительного осмотра. Обратить внимание экскурсантов на городской особняк в стилевых формах модерна. Полукаменный двухэтажный дом расположен в историческом районе Екатеринбурга, в кварталах застройки улиц, спускающихся от Вознесенской горки к набережной городского пруда. По красной линии цокольная каменная часть дома композиционно связана с боковой калиткой, примыкающей к его правому углу. В рассказе желательно использовать приём описания, так как данный объект мы можем описать внешне, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 118]. Объем дома двухчастен, с разным направлением развития частей: левой — в глубину участка, правой — по красной линии бывшего Вознесенского переулка. В стыке между ними расположено парадное крыльцо. В решении главного фасада существует определенный контраст в формах первого и второго этажей. Каменный первый этаж, включающий парадное крыльцо с пластичным рисунком глухого ограждения и тройное окно с криволинейным абрисом, продолжен таким же криволинейным очертанием глухой стенки калитки. Фасад на уровне второго этажа, забранный обшивкой, выделяется крупными окнами с линейным рисунком переплетов. Венчающая часть дома с высокими кровлями придает динамичность его силуэту. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Данный объект, так же как и предыдущий объект представлял собой в прошлом жилой дом. В настоящий момент это здание музея «Литературная жизнь Урала XX века», расположенное по адресу улица Пролетарская, 10. Некогда украшавший улицу Колобовскую, современную Толмачева дом сгорел, в ходе создания Лиетарутрного квартала было решено восстановить его на улице Пролетарской. Для описания экскурсионного объекта рекомендуется опираться на книгу В.Лукьянина и М.Никулиной [43, с. 54]. Это эффектный деревянный резной дом с высоким гранитным крыльцом и коваными перилами. При показе данного объекта следует использовать приём зрительной реконструкции, так как его копия, была перенесена из другого квартала полностью уничтоженного. Следует обратить внимание на то, что верхняя часть дома деревянная, а нижняя каменная. Это было связано с тем, что в то время очень часто горели дома, и если второй этаж сгорит, то его просто заново выстраивали. При рассказе рекомендуется использовать приём экскурсионной справки. Это здание является памятником архитектуры, образцом деревянного зодчества в стиле «модерн». Модерн — в переводе с французского означает новейший, современный Он характеризуется принципом синтеза искусств и позволяет наблюдать нам оригинальную и яркую эстетику. Этот стиль является синтетическим стилем, который сочетает несколько материалов, в данном случае — дерево и камень. Следует обратить внимание на необычные формы окон: одно окно имеет форму шара, а другие — форму замочной скважины, и на очень красивые кокошники, они также имеют форму замочной скважины, здесь лучше всего подойдёт методический приём рассказа — описание и методический приём показа — абстрагирование, чтобы сконцентрировать внимание на определённых элементах. Этот дом ранее принадлежал присяжному поверенному Л.И. Иванову. Для рассказа экскурсантам о деятельности самого музея, следует использовать приём характеристики. На первом этаже музея экспонируются разноплановые выставки, проходят литературные чтения и презентации новых книг, встречи с писателями и научные конференции в концертном зале. В этом же зале каждую субботу, в 16.00 проходят день русского романса. На втором этаже кирпичного дома разместился отдел фондов, где хранятся писательские архивы, редкие книги, произведения живописи, графики, старинная мебель и предметы быта. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующий объект — это Дом А.В. Анцелевича по адресу Пушкина, 28, построен в 1900-е годы. Для описания этого объекта следует воспользоваться книгой А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 102]. При показе дома желательно использовать приём сравнения. Если два предыдущих экскурсионных объекта относятся к жилым особнякам, то это здание типологически относится к кругу доходных домов. Следует обратить внимание экскурсантов на то, что в городе помимо деревянного модерна существовал ещё и каменный модерн. Для рассказа следует использовать приём описание. Главный фасад дома ассиметричен. В его композиции выделяется крупный боковой ризалит с входом, балконом и высоким венчающим фронтоном ломаных очертаний. Ему соответствует небольшой фронтон в левом крыле, также вносящий динамический акцент в силуэт постройки. Отделка фасада с расшивкой крупного модуля подчеркивает монолит стены, которая расчленена узкими, вытянутыми по вертикали парными окнами. Плоскость бокового ризалита организована симметрично относительно центральной оси с входом и балконом. Здание является образцом сооружения в «рациональной» разновидности стиля модерн. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Перейдя через дорогу, можно увидеть здание аптеки Вейерсберга на улице Пушкина, 16. Оно построено в 1900-е годы, возможно по проекту И.К. Янковского. Следует обратить внимание экскурсантов, в каком великолепном здании располагалась аптека в конце XIX века. Опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 101] в показе желательно использовать методический приём переключения внимания и методический приём сравнения. Следует сравнить данное здание со зданием горной аптеки, построенным известным архитектором М.П.Малаховым в стиле классицизм. Композиция и убранство фасада выдержано в формах классицизма с привлечением отделки «под руст», деталей ордера, модульонов с лепниной. В застройке бывшей Соборной улицы усадьба провизора Вейерсберга — одна из старейших. В рассказе следует использовать приём объяснения. На видовой фотографии соборной улицы второй половины XIX века виден усадебный классицистический дом с мезонином, в котором также размещалась аптека. По описанию 1889 года усадьба состояла из двух каменных двухэтажных домов и служб. Кроме аптеки в домах усадьбы размещался магазин. Перестройка 1900-х годов объединила сооружения усадьбы в единый блок, с протяженным главным фасадом. Дворовой фасад остался разнородным. Главный фасад представляет композицию в стилевых формах модерна, на что указывает стилизованный растительный орнамент и скульптурные женские головки, здесь желательно применить методический приём показа абстрагирование. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующий дом на улице Пушкина, 8, построенный в стиле модерн — это каменный трехэтажный дом построен на принадлежавшим купцу А.Т. Заварзину участке, который в конце 1880-х годов числился как «пустопорожнее место». В рассказе следует использовать приём экскурсионной справки, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 101]. В композиции главного фасада с открытой кирпичной кладкой использован геометрический орнамент, характерный для «кирпичного» стиля. В показе этого объекта желательно использовать приём зрительной аналогии, применяя портфель экскурсовода. Следует сравнить данный объект с объектом на улице К. — Цеткин,1. Размер окон первого этажа и рисунок оконных переплетов похожи с этим объектом и указывают на влияние стилистики модерна. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Помимо жилых домов в городе существовало здание лечебницы врачей-специалистов по адресу Пушкина, 1, построенное архитектором И.К. Янковским в 1900-е годы. Знакомя экскурсантов с этим объектом в показе желательно использовать приём движения, чтобы экскурсанты почувствовали объём и масштаб этого здания. А в рассказе следует применить приём описания и характеристики объекта, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 99]. Каменное трехэтажное здание возведено на пересечении улиц Пушкина и Малышева. В композиции дома выделяются уличные фасады и выражен угловой акцент (ослаблен утратой большого декоративного углового купола). Характерная черта членений фасадов — наличие окон разного размера и конфигурации — окна-витрины первого этажа, спаренные и тройные арочные окна — второго, большие окна — третьего. Следует обратить внимание экскурсантов на убранство фасадов, составляющее богатый лепной декор, в котором преобладают барочные мотивы растительного орнамента, с включением деталей стилистики модерна. Влияние модерна выражено и в формах третьего этажа. В архитектуре общественных сооружений Екатеринбурга начала XX века здание лечебницы знаменует новый этап: укрупнение масштаба, рост этажности, освоение в композиции новых стилевых направлений русского зодчества. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Усадьба И.П. Казанцева, располагающаяся на улице Гоголя, 20. по составу построек имела только жилое назначение. Знакомя экскурсантов с этим домом, в показе предлагается применить приём сравнения, сравнивая его с домом, который располагается, напротив, на улице Гоголя, 22. В рассказе следует использовать приём характеристики и описания, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 28]. Деревянный двухэтажный дом существовал уже в 1880-е годы. В начале XX века дом расширен и после перестройки приобрел характер доходного: состоял из нескольких квартир. Крупный объем занимает угловое помещение на обширном участке, раскрываясь фасадами на две улицы. Показывая этот объект, следует обратить внимание на убранство фасадов, в которых использован резной декор. По стилевым формам декоративное убранство представляет смешение модерна с мотивами «русского» стиля. Дом представляет собой образец профессионального деревянного зодчества в Екатеринбурге рубежа XIX — XX веков. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Дом наследников А.И. Кругляшева на улице Гоголя, 22 построен в 1900-е годы возможно по проекту архитектора А.А. Федорова на месте жилого полукаменного двухэтажного дома чиновника Кругляшева. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в показе желательно использовать приём предварительного осмотра. В рассказе следует использовать приём описания и характеристики, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 28]. Дом занимает угловое положение в квартале с разреженной застройкой. Уличные фасады с открытой кирпичной кладкой отличаются по приемам членения. Их объединяет только смещение к углу криволинейных венчающих фронтонов, которые вносят угловой акцент в композицию особняка. Кирпичный особняк имеет оригинальную композицию в стилистике модерна: обыгрывание формы больших объемов, их ассиметричная группировка, линейный динамический рисунок фронтонов и других деталей фасада. Обратить особое внимание экскурсантов на то, что это здание представляет историко-культурную ценность как выражающий определенное направление «кирпичного» модерна в жилой архитектуре Екатеринбурга начала XX века.

Таким образом, пешеходный маршрут «Архитектура Екатеринбурга в стиле модерн» включает в себя 8 экскурсионных объектов. При разработке данного маршрута использованы следующие приёмы показа: предварительного осмотра, зрительной реконструкции, абстрагирования, сравнения, переключения внимания, зрительной аналогии, движения, предварительного осмотра и приёмы рассказа: описание, экскурсионной справки, характеристики. Через данные архитектурные объекты можно познакомиться с историей города и особенностями стиля модерн. Экскурсионные объекты в данном маршруте представлены разными типами зданий: аптека, жилые дома, доходные дома, каменные и деревянные особняки. Так как экскурсионные объекты находятся в одной части города, это позволяет разработать пешеходный маршрут.

Методические рекомендации для разработки и проведения автобусного маршрута «Архитектура Екатеринбурга в стиле модерн»

Сохранившиеся до настоящего времени здания в стиле модерн на улицах г. Екатеринбурга располагаются в основном в центральной части города. Вместе с тем они нередко удалены друг от друга, что затрудняет знакомство с ними в рамках только пешеходного маршрута. Поэтому, целесообразно разработать автобусный маршрут.

Автобусный маршрут включает 13 объектов в следующей последовательности:

1.Дом А.Е. Шубиной, ул. Розы Люксембург, 43 А.

2.Дом Онуфриева, ул. Розы Люксембург, 71.

3.Дом Сяно, ул. Карла Либкнехта, 2.

4.Дом Шаньгина, ул. Карла Либкнехта, 32.

5.Здание филармонии, ул. Карла Либкнехта, 38.

6.Дом Селивановой, ул. Толмачёва, 24.

7.Торговый дом А.В. Второва (ТД «Успенский»), ул. Вайнера, 10.

8.Здание Товарной биржи (Универмаг «Пассаж»), ул. Вайнера, 9.

9.Здание магазина «Проводник», ул. Вайнера, 18.

10.Здание гранильной фабрики «Гранит», ул. Вайнера, 11.

11.Дом Мишиных, ул. Февральской революции, 9.

12.Дом Петровых, ул. Февральской революции, 11 А.

13.Дом Серебряковых, ул. Октябрьской революции, 27.

Цель экскурсии — познакомить экскурсантов с особенностями архитектуры в стиле модерн г. Екатеринбурга.

Задачи экскурсии:

1.Дать представление экскурсантам об общих чертах стиля модерн.

2.Выявить стилистические особенности уральского модерна на примере архитектуры Екатеринбурга.

3.Познакомить экскурсантов с разными типами сооружений построенных в стиле модерн.

Целевая аудитория — школьники и студенты.

По содержанию экскурсия тематическая.

Тема автобусной экскурсии: «Архитектура Екатеринбурга в стиле модерн».

Продолжительность автобусной экскурсии по времени составляет 2 час 30 минут.

Автобусный маршрут экскурсии «Архитектура Екатеринбурга в стиле модерн» удобнее начать с объекта находящегося на улице Р.-Люксембург.

Первым экскурсионным объектом является дом А.Е. Шубиной по адресу Р.-Люксембург, 43а. Деревянный особняк, построенный в 1910-е годы. Он представляет собой ассиметричный двухчастный объем: левая двухэтажная часть, с сильным выносом двухскатной кровли, имеет большое окно и балкон на кронштейнах. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в показе желательно использовать приём зрительного анализа, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 76]. Одноэтажная часть развивается перпендикулярно к ней. Обращая внимание экскурсантов на главный фасад дома, на котором выделяются окна с линейно-геометрическим рисунком наличников и переплетов, в рассказе рекомендуется применить приём описания и характеристики. Данный экскурсионный объект представляет собой образец городского особняка в упрощенных формах модерна. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующим экскурсионным объектом является дом врача В.М. Онуфриева располагающийся на улице Р.-Люксембург, 71. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём экскурсионной справки, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 80]. Каменный двухэтажный особняк известного в городе врача построен в 1912 году архитектором И.К. Янковским. Особняк расположен в квартале с исторической застройкой и в настоящее время примыкает к территории комплекса первого городского родильного дома. Следует обратить внимание экскурсантов на фасад дома, используя в показе приём абстрагирования, так как стилистика модерна ярко выражена в композиции и убранстве главного фасада, с криволинейными окнами второго этажа, характерными для модерна и линейно-геометрическим орнаментом на лопатках. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующий экскурсионный объект — дом врача Сяно по адресу К. — Либкнехта, 2. — это одно из удивительных зданий эпохи модерна, известное как особняк Штроля. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём экскурсионной справки, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 64]. В этом доме снимал квартиру знаменитый в Екатеринбурге врач Сяно, поэтому его часто называют домом Сяно. Если предыдущие экскурсионные объекты представляли собой жилые дома, то данный объект — это типичный доходный дом по типу и составу помещений. Первый этаж сдавался в аренду под магазины и конторы. Кроме жилых комнат в доме имелись приемная врача и больничные покои. В показе экскурсионного объекта рекомендуется использовать приём зрительного анализа. Полукаменное двухэтажное с полуподвалом здание занимает угловое положение на перекрестке двух центральных улиц Екатеринбурга — бывших Покровского и Вознесенского проспектов. Имеет нехарактерный для подобного типа домов крупный масштаб, что обусловлено его градоформирующим значением. Помимо оформления перекрестка здание открывало перспективу Вознесенского проспекта по его нечетной стороне и, было включено в панораму площади, со стоящим на ней костелом. Угловая часть дома акцентирована срезом объема. Важную роль играет динамичный силуэт здания, образованный высокими ломаных очертаний кровлями. Главный фасад здания ассиметрично расчленен двумя ризалитами. На уровне первого этажа большие арочные окна отделаны крупным рельефом. На уровне второго этажа окна живописно сгруппированы и украшены резными наличниками. Обращая внимание экскурсантов на наличники окон, рисунок их переплетов и резной декор фасадов характерных для стилистики модерна, в показе рекомендуется использовать приём абстрагирования для выделения частей здания, раскрывающих данную тему. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующий экскурсионный объект — дом А.Н.Шаньгина находится на улице К-Либкнехта, 32. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём экскурсионной справки, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 67]. Возможно, дом построен по проекту архитектора И.К.Янковского. В 1880-е годы усадьба чиновника Шаньгина состояла из деревянного одноэтажного дома и служб. Новый дом, сходный по композиции с домом врача М.В. Онуфриева, возведен на участке, с примыканием к дому А.И.Падучева. В показе желательно применить приём зрительной аналогии. Композиция главного фасада здания асимметрична. Фасад расчленен линейно-геометрическим рельефом, характерным для стиля модерн. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Помимо жилых домов, в городе также строились общественные здания. Филармония (здание бывшего делового клуба) по адресу К. — Либкнехта,38А. Некоторые принципы, заложенные в первоначальном проекте (в частности, применение большого ордера на главном фасаде), использованы в окончательном архитектурном решении 1920-х годов. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём характеристики, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 69]. Композиция и убранство главного фасада основаны на крупномасштабных и пластичных деталях, придающих облику здания представительность и парадность, поэтому в показе данного объекта желательно использовать приём движения, чтобы экскурсанты почувствовали объём и масштаб этого здания. Такой же характер убранства интерьеров — с обилием лепного декора, альфрейной живописью на потолках, ордерными элементами. В декоре здания взаимодействуют две художественные системы: первая, опирающаяся на классицистические традиции и стилистику модерна, и вторая, представляющая советское искусство 1920-х годов — со специфической тематикой монументальных росписей и барельефов. Росписи исполнены художниками А.Н. Парамоновым, В.Л. Елисеевым и Н. Елтышевым в 1925-1926 годах. Автор барельефов на главном фасаде — преподаватель Уральского художественного техникума Лялин. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующий объект — дом Селивановой по адресу Толмачева, 24 построен архитектором Ю.И. Дютелем в начале XX века. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём описания, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 108]. Это деревянный дом со вторым полуэтажом расположен в центральном районе города, вблизи от главного проспекта. Главным фасадом дом обращен на бывшую Колобовскую улицу. Объемная композиция этого здания живописна и образована сложным ритмом выступающих и западающих поверхностей стен, создающих имитацию «хоромности» компактного здания. В показе объекта желательно использовать приём движения, с целью его лучшего осмотра. Главный, западный фасад ассиметричен. Ассиметрия фасада подчеркнута смещением входа к углу здания. Вход акцентирован козырьком над дверью и куполообразной башенкой со шпилем и круглыми окошками. Оконные проемы различных пропорций образуют сложный ритмический ряд по главному фасаду. Живописность силуэта обусловлена тем, что верхний этаж по площади меньше нижнего и играет как бы роль мезонина, перекрытого плоской шатровой кровлей. Со стороны южного фасада выступает остекленная веранда, придающая зданию какой-то южный колорит. Двухэтажная часть здания развивается в глубину участка. Главный фасад трехчастен и акцентирован ризалитами. Каждому из ризалитов соответствует сложное венчание из куполов на постаментах. На куполах водружены декоративные фонари с высокими шпилями. Фасад украшен резьбой, демонстрирующей богатство техники и разнообразие мотивов орнаментики народного зодчества. Здание относится к числу лучших для Екатеринбурга деревянных особняков конца XIX века. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующий экскурсионный объект — это здание магазина «А.В.Второв с сыновьями» (нынче торговый дом «Успенский») на улице Вайнера, 10. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём экскурсионной справки, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 9]. Торговый дом А.В.Второва на Успенской (сейчас Вайнера) славился как самый дамский магазин в Екатеринбурге. Даже в советские годы он долго назывался «Второвским». Первоначально здание строилось в стиле модерн, в конце 20-х годов здание пострадало от пожара. В показе рекомендуется использовать приём зрительной реконструкции, используя наглядные пособия из «портфеля экскурсовода» и приём сравнения. В 1928 году на основе бывшего магазина был разработан проект кинотеатра, а в 1929 году фасад прикрыли конструктивистской стеной, внутри спланировали зрительный зал и открыли городской Драматический театр. Через 50 лет для театра построили новое специальное здание, а старое отдали под магазин. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующий экскурсионный объект — здание бывшей товарной биржи (сейчас магазин «Пассаж») на улице Вайнера, 9. построено в 1916-1925 годы архитектором К.Т. Бабыкиным. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём описания, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 8]. Каменное трехэтажное здание расположено на территории бывшей Торговой площади. Строительство биржи велось в течение длительного времени, что наложило отпечаток на ее архитектуру. Спроектированная по образцу столичных деловых домов дореволюционного периода в формах рационального модерна, в окончательном варианте она обрела и ряд черт архитектуры конструктивизма. В показе следует использовать приём предварительного осмотра. Здание имеет вытянутый в направлении запад-восток объем и главным торцовым фасадом раскрыто на улицу Вайнера. В 1929 году перед северным фасадом биржи по проекту архитектора С.В.Домбровского был разбит сквер. Фасады биржи расчленены большими окнами витринного типа с узкими простенками между ними. «Каркасной» структуре боковых северного и южного фасадов противопоставлена более традиционная симметричная схема главного фасада с центральным положением входа и венчающим фронтончиком. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующий экскурсионный объект — здание магазина «Проводник» на улице Вайнера, 18 построено ориентировочно в 1900-е годы. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём описания, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 84]. В начале XX века двухэтажное здание, в силу своего месторасположения — на углу Покровского проспекта и торговой улицы Успенской — и яркой зрелищной композиции в стиле модерн, стало «визитной карточкой» торгового центра Екатеринбурга. Его угловой объем открывал перспективу улицы, с непрерывной цепью корпусов торговых построек по ее четной стороне, и примыкал к магазину Агафуровых. В показе рекомендуется использовать приём зрительной реконструкции и зрительного сравнения. В советский период, в течение 1930-х годов, здание было надстроено до четырех этажей и лишилось декоративного убранства. После перестройки преемственность с первоначальным обликом просматривалась лишь в отдельных фрагментах композиции: наличие углового акцента, вертикальные членения лопатками, продолженные на новую высоту фасадов, частый рисунок переплетов окон верхних этажей напоминают о модерне. В новом качестве постройка представляла смешение конструктивистских форм с остаточными элементами стилистики модерна. В настоящее время здание вновь перестроено со стилизацией в формах модерна. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующий экскурсионный объект — здание типографии «Гранит» на улице Вайнера, 11 построено в 1914 году архитектором К.Т.Бабыкиным. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём описания, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 9]. Каменное двухэтажное здание расположено в квартале бывшей Успенской улицы, к югу от ее пересечения с Покровским проспектом. В этом месте со второй половины XIX века концентрировались плотная застройка с магазинами, деловыми и банковскими домами, во многом определявшая лицо торгового центра Екатеринбурга. При показе объекта следует использовать приём предварительного осмотра. Здание имеет простую прямоугольную конфигурацию. В его объеме выделяется третий полуэтаж-мезонин, возвышающийся по оси главного входа, с пластичным по форме балконом и увенчанный фронтоном. Главный фасад дома асимметричен. Относительно его части с главным входом развиваются два разновеликих крыла. Фасад с облицовкой решен плоскостно. Его членят ряды окон (причем на первом этаже витринного типа) и лопатки в простенках. Главный вход акцентирован высоким порталом и арочным окном над ним. По верху дома, между декоративными парапетными столбиками, проходит легкая решетка линейного рисунка. Такой же решеткой забран балкон. По своим архитектурным особенностям здание представляет рациональную разновидность модерна. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующим экскурсионным объектом является дом Мишиных на улице Февральской революции, 9 построен в 1900-е годы архитектором И. К. Янковским. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём характеристики, опираясь на книгу В.Лукьянина и М.Никулиной [57, с. 112]. Это деревянный, одноэтажный дом, подчеркнуто ассиметричный, на высоком фундаменте из гранитных блоков, с резной деревянной дверью главного входа у самого угла, а над ней — затейливое подобие козырька, над другим углом — чешуйчатый полукупол с неким шишаком. Главный фасад трехчастен. В левой части расположен вход с окном верхнего света. В показе рекомендуется применить приём предварительного осмотра. Особенность фасадной композиции — большие окна с линейным рисунком переплетов. Следует обратить внимание экскурсантов на то, какие они широкие, и какой прихотливый плавный рисунок образуют остекленные рамы, выполняющие свое предназначение, используя в показе приём абстрагирования. Есть еще рамы, окаймленные наличниками, на глухой стене, обращенной к дорожке. В декоре использована орнаментальная резьба. Уникальный по архитектурному решению деревянный особняк вместе с домом № 11 образует фрагмент исторической застройки бывшей Коробковской улицы в единых стилевых формах модерна. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Следующий объект — это дом Петровых на улице Февральской революции, 11а построен в 1900-е годы по проекту архитектора А.А.Фёдорова. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём характеристики, опираясь на книгу А.А.Старикова, В.Е.Звагельской, Л.И.Токменинова [57, с. 112] и В.Лукьянина, М.Никулиной [43, с. 174]. Композиция данного особняка ассиметрична. Его объем трехчастен: наиболее развитая левая часть, объем-связка и правая часть в одно окно поэтажно. По отношению к левому крылу остальные части здания и их фасады решены достаточно нейтрально. Фасад левого крыла представляет концентрацию изысканных форм модерна. Композиционный и декоративный узел образует мягко круглящийся объем с проемами второго этажа, немного заглубленный в толщу стены, на которую наложены две полуколонки. Над ним — арочный фронтон с овальным окошком верхнего света в окружении лепнины. Под ним — длинный балкон с невысокой решеткой ограждения. Фасад венчается высоким фронтоном ломаных очертаний, с радиальной расшивкой и фактурной лепниной. Тонкий художественный акцент вносят рисунки переплетов окон. Особняк двухэтажный, кирпичный, оштукатуренный, рустованный до середины очень высокого (по нынешним меркам) первого этажа, оснащенный довольно замысловатыми деталями. Обращая внимание на оформление балкона на главном фасаде, и на характерную нишу с тыльной стороны, подсказывающую, что там расположена лестница, ведущая с черного хода на второй этаж, строгую конфигурацию окон, симметрично расположенные гипсовые гирлянды на главном фасаде, в показе следует применить приём абстрагирования. По завершению рассказа об объекте экскурсанты переходят к следующему объекту.

Заключительным экскурсионным объектом является дом Серебряковых на улице Февральской революции,27 построен в 1910-е годы по проекту архитектора И.К. Янковского. Знакомя экскурсантов с данным объектом, в рассказе желательно использовать приём характеристики, опираясь на книгу В.Лукьянина и М.Никулиной [43, с. 176]. Одноэтажный, деревянный особняк совершенно не похож на предыдущие дома, но явно состоит с ними в родстве по своим стилистическим особенностям. Композиция особняка построена на живописной ассиметричной группировке объемов. Его угловая часть выделена крупными лучковыми фронтонами с сильным выносом за плоскость стены. Почти вся плоскость фасадов занята группой из трех окон — крупного центрального и двух узких боковых. Здесь расположено два входа, каждый с крыльцом. Резной декор украшает не только окна, но и створки дверей. Дом обнесен низкой решетчатой оградой с рисунком в ключе модерна. Следует обратить внимание экскурсантов на выразительность простых декоративных деталей из фигурно выпиленных досок, на высокое крыльцо богатого, достойного и гостеприимного дома, а также на кованые решетки, которыми обнесен палисадник и украшены крыльцо и фасад, применяя в показе данного объекта приём абстрагирования. Это очень характерные для старого Екатеринбурга детали архитектуры. В убранстве комнат использована лепнина на карнизах и в плафонах. В интерьере сохранился чугунный каслинский камин 1907 года. Обращая внимание экскурсантов на то, кто жил в таких домах, следует в рассказе использовать приём вопросов-ответов. Жили в таких домах, конечно же, не бедные, но вполне рядовые екатеринбургские обыватели.

Таким образом, автобусный маршрут «Архитектура Екатеринбурга в стиле модерн» включает в себя 13 экскурсионных объектов. При разработке данного маршрута использованы следующие приёмы показа: зрительного анализа, абстрагирования, зрительной аналогии, движения, зрительной реконструкции, предварительного осмотра, сравнения и приёмы рассказа: описания, характеристики, экскурсионной справки. Через данные архитектурные объекты можно познакомиться с историей города и особенностями стиля модерн. Экскурсионные объекты в данном маршруте представлены разными типами зданий: магазины, больница, филармония, жилые дома, доходные дома, каменные и деревянные особняки. Так как экскурсионные объекты находятся в разных частях города, это позволяет разработать автобусный маршрут.

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ

1. Алёшина Л.С. Ленинград и его окрестности. — М., 1990.

2. Алфёров Н.С., Белянкин Г.И., Козлов А.Г., Коротковский А.Э. Свердловск: строительство и архитектура. — М., 1980.

3. Аркин Д.Е. Образцы архитектуры и образцы скульптуры. — М., 1990.

4. Ащепков Е. Русское деревянное зодчество. — М., 1950.

5. Бабиков И.И., Козлов А.Г. История Урала, сборник документов и материалов. — Свердловск, 1971.

6. Барабанова Л.П. Этюды о заповедном городе. — Свердловск, 1986.

7. Бартенёв И.А., Баташкова В.Н. Очерки архитектурных стилей. — М., 1983.

8. Бердяев Н. Кризис искусства. — М., 1918

9. Борисова Е.А. Из истории русского искусства второй половины XIX — н. XX века. — М., 1978.

10. Бродский Я.Е. Москва от А до Я. — М., 1994.

11. Брунов Н. Альбом архитектурных стилей. — М., 1937.

12. Бубнов Е.В. Русское деревянное зодчество Урала. — М., 1988.

13. Витрувий П.М. Десять книг об архитектуре. — М., 1937.

14. Власов В.Г. Стили в искусстве. — СПб., 1995.

15. Володихин И. Архитектурный стиль. — СПб., 1998.

16. Волчок Ю.П., Кириченко Е.И., Козловская М.А. Конструкции и архитектурная форма в русском зодчестве ΧIΧ — н. ΧΧ века. — М., 1977.

17. Воронин Н.И. Памятники русской архитектуры и их охрана. — М., 1944.

18. Гецевич Н.А. Основы экскурсоведения. — Минск, 1988.

19. Город, где мы живём. — Свердловск, 1981.

20. ГОСТ Р 50681-94 Туристско-экскурсионное обслуживание. Проектирование туристических услуг.

21. Горюнов В., Тубли М. Архитектура эпохи модерна. — СПб., 1992.

22. Давидсон Б.М. Архитектура и современность. — Свердловск, 1963.

23. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. — М., 2000.

24. Дьякова Р.А. Основы экскурсоведения. — М., 1985.

25. Екатеринбург: Альбом. — М., 1994.

26. Емельянов Б.В. Профессиональное мастерство экскурсовода. — М., 1986

27. Емельянов Б.В. Экскурсоведение. — М., 2004.

28. Звагельская В.Е. Архитектура и градостроительство Урала. — Свердловск, 1988.

29. Зотов А.И. Русское искусство с древнейших времён до начала ΧΧ века. — М., 1979.

30. Исаченко В.Г. Зодчие Санкт-Петербурга XIX — н. XX века. — СПб., 1998.

31. История русского искусства. — М., 1906.

32. Каплун А.И. Стиль и архитектура. — М., 1985.

33. Каптерев Л.М. По Уралу. Маршруты экскурсий. — Свердловск, 1927.

34. Карелин В.Г. Современные проблемы Уральского краеведения. — Екатеринбург, 1997.

35. Кильпе Т.Л. Основы архитектуры. — М., 2002.

36. Кириллов В.В. Архитектура русского модерна. — М., 1979.

37. Кириченко Е.И. Русская архитектура 1830-1910-х гг. — М., 1982.

38. Козинец Л.А. Каменная летопись города. — Свердловск, 1989.

39. Кулагина Г.А. История родного края. — Свердловск, 1983.

40. Лапко Г.М. Города России. — М., 1994.

41. Лебедев Ю.С. Гармония форм в живой природе и архитектуре. — М., 1976.

42. Лисовский В.Г. Особенности русской архитектуры к. ΧIΧ — н. ΧΧ вв. — Л., 1976.

43. Лукьянин В., Никулина М. Прогулки по Екатеринбургу. — Екатеринбург, 1997.

44. Лушникова Н.М. Рассказы об уральской истории. — Свердловск, 1990.

45. Михайловский Е.В. Реставрация памятников архитектуры. — М., 1971.

46. Молокова Т.А., Фролов В.П. История Москвы в памятниках культуры. — М., 2000.

47. Осипова Л.Д. Туризм и экскурсии. — М., 1973.

48. Партина А.С. Архитектурные термины. — М., 1994.

49. Платонов С.Ф. Курс лекций по русской истории. — М., 1991.

50. Прошлое Урала в фотографиях. — Екатеринбург, 1993.

51. Русакова А. На повороте столетий. // Искусство Ленинграда, 1991. №3.

52. Сарабьянов Д.В. Стиль модерн. — М., 1989.

53. Седова Н.А. Культурно-просветительный туризм. — М., 2003.

54. Сичинова В.А. Экскурсионная работа. — М., 1981.

55. Скрипников Р.Г. История Российская. — М., 1997.

56. Согоян Н.Ш. Иллюстрированный словарь терминов и понятий. — Волгоград, 1999.

57. Стариков А.А., Звагельская В.Е., Токменинов Л.И. Екатеринбург. История города в архитектуре. — Екатеринбург, 1998.

58. Стернин Г.Ю. О модерне. // Музей 1998. №10.

59. Тагильцева Н.Н. Из истории краеведения на Урале. — Челябинск, 1987.

60. Турчин В. Социальные и эстетические противоречия стиля модерн. // Вестник Московского Университета. 1977. №6.

61. Яремич С. Врубель М.А. Жизнь и творчество. — СПб., 1911.

ПРИЛОЖЕНИЕ 1

ГЛОССАРИЙ

Абрис — очертание предмета.

Арка — криволинейное перекрытие проема в стене или пространства между двумя опорами ( столбами, колоннами, пилонами).

Аркада — ряд одинаковых арок , опирающихся на колонны или столбы.

Балкон — выступающая из стены и огражденная (решеткой, балюстрадой или парапетом) площадка на консольных балках на фасаде или в интерьере здания

Балюстрада -ограждение лестниц, террас, балконов, рядом фигурных столбиков-балясин, объединенных сверху перилами

Барельеф — тип скульптурного декора, детали, изображения которого выступают из плоскости фона не более чем на половину своего объема

Башня — сооружение, высота которого на много больше его горизонтальных размеров (диаметра сторон основания).

Карниз — горизонтальный выступ на стене, поддерживающий крышу здания и защищающий стены от стекания воды.

Колонна — архитектурно обработанная круглая в сечении вертикальная опора, элемент несущей конструкции зданий и архитектурных ордеров. Состоит из ствола, капители и базы.

Кровля — верхний водонепроницаемый слой крыши здания из толя, рубероида, битумных и других мастик, листовой стали и черепицы.

Купол — пространственное покрытие зданий и сооружений. Перекрывает в основном круглые, многоугольные, эллиптические в плане помещения. Купола бывают каменные, железобетонные, стальные.

Курдонер — парадный двор дворца, усадебного дома, особняка, образуемый основным корпусом и боковыми флигелями.

Лоджия — помещение, открытое с одной или нескольких сторон, где стену заменяют колоннада, аркада, парапет и т.д.

Мансарда — чердачное помещение под крутой с изломом крышей, используемое для жилья и хозяйственных целей. Название по фамилии франц. Архитектора XVII века Ф.Мансара.

Мезонин — надстройка (часто с балконом) над средней частью жилого дома.

Мезонин распространен в русской архитектуре 19 века.

Монумент — памятник значительных размеров, предполагающий масштабное ансамблевое художественное решение.

Корпус — одно из нескольких, распространенных на общем участке; изолированная часть большого здания.

Наличник — декоративное обрамление оконного проема. Состоит обычно из фронтона, двух вертикальных тяг (колонок ил полуколонок) и подоконной части, часто украшаются резьбой (особенно в деревянной архитектуры).

Орнамент — узор, состоящий из ритмически упорядоченных элементов для украшения каких-либо предметов или арх. Сооружений.

Парапет — невысокая сплошная стенка, проходящая по краю крыши, террасы, балкона (в качестве заграждения).

Партер — открытая часть сада или парка с газонами, цветниками, водоемами, бордюрами из кустарника.

Пилоны — мощные столбы, служащие опорой плоских и сводчатых перекрытий.

Пилястра — плоский вертикальный выступ на поверхности стены, повторяющий части и пропорции колонны того или иного ордера.

Плафон — плоское перекрытие (потолок), украшенное живописью или лепкой.

Портал — архитектурно оформленный вход в здание.

Постамент — подставка, на которой устанавливается произведение станковой скульптуры.

Ордер — определенное сочетание несущих (колонны) и несомых (антаблемент) частей стоечно-балочной конструкции, их структура и художественная обработка. Основные арх. ордера: дорический, ионический, коринфский.

Рельеф — вид скульптуры, в котором изображение является выпуклым (или углубленным) по отношению плоскости фона. Основные виды: барельеф и горельеф.

Ризалит — часть здания, выступающая за основную линию фасада, обычно расположенная симметрично по отношению к центральной оси фасада.

Фасад — наружная стена здания.

Флигель — боковая пристройка жилого дома или небольшая жилая постройка во дворе большого здания.

Фронтон — треугольное поле под двускатной кровлей здания.

Цоколь — подножие здания или памятника, несколько выступающее относительно плоскости стены.

Шпиль — вертикальное остроконечное завершение зданий в виде сильно вытянутых вверх конуса или пирамиды, увенчанный флагом и т.д.

Эркер — полукруглый, треугольный или многогранный остекленный выступ в стене здания.

ПРИЛОЖЕНИЕ 2

Схема пешеходного маршрута

«Архитектура Екатеринбурга в стиле модерн»

ПРИЛОЖЕНИЕ 3

Схема автобусного маршрута

«Архитектура Екатеринбурга в стиле модерн»

Прикрепленный файл	Размер
Материалы для учителя-модерн.pdf	409.69 кб

Импрессионизм и модерн в русском искусстве — ЦЕНТР ИСКУССТВ. МОСКВА

В 1874 году в Париже прошла первая выставка импрессионистов. В том же году в Париже в рамках пенсионерской поездки проходили обучение Василий Поленов (1844 – 1927) и Илья Репин (1844 – 1930). Из мастерских этих двух художников вышло следующее поколение русских живописцев, творчество которых развивалось в русле модерна и импрессионизма. У мастера пленэра Поленова учился блистательный русский импрессионист Константин Коровин. Первой импрессионистической картиной считается его работа 1887 года. Для самого яркого художественного объединения рубежа веков – «Мир искусства» – подготовили почву Михаил Нестеров и Василий Суриков, обращавшиеся к русской истории. Ретроспективизм стал одной из характеристик живописи модерна, наряду с идеей красоты как основы творчества. Картины Нестерова и Сурикова представлены в экспозиции  «Центра Искусств. Москва». У Репина учились Осип Браз, Исаак Бродский, Василий Сварог, Борис Кустодиев, Константин Вещилов. Браз, Бродский и Кустодиев выставляли свои произведения в рамках объединения «Мира искусства». Бродский и Сварог стали признанными советскими мэтрами живописи.

С именем Архипа Куинджи (1842 – 1910) связан другой путь развития русского искусства.  По выражению Репина, «иллюзия света была его богом», которую он передал своим ученикам и последователям-членам Общества художников имени А. И. Куинджи. Светоносную традицию живописи продолжили Иван Шультце, Константин Вещилов, Николай Рерих, Витольд Бялыницкий-Бируля. Выставка «Импрессионизм и модерн в русском искусстве» великолепно иллюстрирует эту страницу истории русской живописи произведениями вышеперечисленных мастеров.

Экспозиция демонстрирует следующие наиболее радикальные изменения в русском искусстве начала XX века, когда интерес к модерну и импрессионизму сменила идея тотального господства цвета как ведущего художественно-выразительного средства, подчеркивающего материальность, а не сиюминутность бытия. В мастерской Константина Коровина учились будущие мастера постимпрессионизма и авангарда, среди них — Роберт Фальк, Павел Кузнецов, Наталья Гончарова, Сергей Герасимов. Кончаловский, Гончарова и Фальк стали пионерами раннего авангарда, выставлялись в рамках художественного объединения «Бубновый валет». Другие ученики Коровина – Алексей Исупов и Сергей Герасимов – развивали традиции пейзажной живописи на стыке импрессионизма и модерна.

Выставка «Импрессионизм и модерн в русском искусстве» «Центра Искусств. Москва» полно отражает обширное многообразие путей развития русского искусства конца XIX – первой трети XX века.

Рождение импрессионизма в России

 

В 1874 году в Париже на бульваре Капуцинок состоялась выставка молодых французских художников, картины которых были отвергнуты академическим Салоном. Полотно «Впечатление. Заход солнца» Клода Моне дало название течению в искусстве. Критик Луи Леруа из журнала «Ле Шаривари» назвал художников «впечатленцами» (импрессионистами). В 1874 году во Франции в рамках пенсионерских поездок работали Василий Поленов и Илья Репин. Манера письма и сюжеты полотен позволяют относить часть художественного наследия Репина и Поленова к протоимпрессионизму. Впоследствии Поленов войдет в историю как мастер пленэрной пейзажной живописи и учитель самого известного русского импрессиониста – Константина Коровина. Пейзажи Поленова исполнены света, что совпадало с его творческим кредо: «Мне кажется, что искусство должно давать счастье и радость, иначе оно ничего не стоит» (из письма 1888 года к В. М. Васнецову). Илья Репин был близок к импрессионизму как к художественному методу на определенных этапах творческого пути, хотя он сам отвергал «акробатику кисти, живописность ради живописности». В разное время у Репина проходили обучение художники – Осип Браз, Исаак Бродский, Василий Сварог, Борис Кустодиев, Константин Вещилов, Филипп Малявин.  Выбор сюжета, пластичность и широкая манера письма были характеры некоторым ранним и поздним произведениям мастера. Одно из них – «Маруся» 1924 года – представлено на выставке.

Ахмерова Э.Р. Портретное искусство стиля модерн в России и Европе

Page 1 of 2

Э.Р. Ахмерова (МГУ имени М.В. Ломоносова, ГТГ)
Портретное искусство стиля модерн в России и Европе

Стиль модерн на рубеже XIX-XX веков охватил всю Европу. В рамках этого стиля искусство в каждой стране имело свои особенности, и портрет обрёл местные, национальные черты, однако основополагающие принципы формообразования и иконографические мотивы модерна остались общими для всех стран¹. Д.В. Сарабьянов утверждает: «Наиболее последовательно иконография, присущая стилю модерн, выявилась в живописи и графике… именно применительно к живописи и графике мы можем совершенно законно, без натяжек говорить об определённых общностях сюжетов и мотивов»².  Под иконографией в данном случае мы понимаем некий условный набор образов, сюжетов, мотивов и художественных приёмов, свойственный искусству модерна.
Задача — рассмотреть и проследить, как иконография модерна проникает в портрет и влияет на него, а также определить особенности национального варианта портрета в стиле модерн, сравнивая, насколько это возможно, картины русских и зарубежных мастеров. Ранее разными исследователями предпринимались попытки сопоставления отдельных произведений, а актуальность данной работы — в стремлении обобщить все эти наблюдения и поставить русскую портретную живопись в единый контекст с европейской.
На стиль модерн в Европе и в России влияет академическое и салонное искусство. В поисках «большого» стиля мастера модерна стремились создавать подлинно монументальные парадные портреты. Тема парадного портрета является общей для стран, охваченных стилем модерн. Среди отечественных художников наибольший вклад в разработку парадного портрета внёс В.А. Серов. Его портрет княгини З.Н. Юсуповой мы попробуем сравнить с портретом Миссис Лайонел Филлипс итальянского художника Джованни Болдини, который был одним из самых востребованных портретистов своего времени. В своей живописи, в целом салонной, он использовал элементы модерна. Сопоставляя эти произведения мы наблюдаем ряд схожих черт, например, в построении композиции с размещением сидящей на диване фигуры в центре холста, с интересом к прямым вертикальным и волнообразным горизонтальным линиям, которые одновременно и членят и собирают в целое композицию. И у Серова, и у Болдини сказывается интерес стиля модерн к волнистой линии, к тонкому сложносочинённому колориту, к свободному, выразительному мазку, к декоративизму как принципу организации холста и к декоративной выразительности каждой детали изображения. Тем не менее, портрет Миссис Лайонел Филлипс — это образ светской дамы, богатой и роскошной, но не более. За этой показной пышностью мы не видим личности, характера. Портрет княгини З.Н. Юсуповой оказывается гораздо более сложным и глубоким. Серов всматривается в личность изображаемого им человека. Как подметил В.А. Леняшин, В.А. Серов хранит в искусстве портрета рубежа веков классическую верность лицу³. В этом лице, чрезвычайно индивидуальном, мы видим и доброту, и душевную мягкость, и открытость, и чувство собственного достоинства. Вместе с тем, перед нами не только, красивая женщина, но и аристократка из высшего общества, и модница, и гостеприимная хозяйка прекрасного дома. Эта многоаспектность образа и его глубина — черты русского национального искусства, и они поднимают портретную живопись (вообще, и в лице Серова в частности) на большую высоту.
Гораздо ярче отражают стилистику модерна не парадные портреты, а портреты представителей интеллектуальной и творческой элиты своего времени. И в Европе, и в России появляется новый тип человека: интеллектуального, делового и успешного, идущего в ногу со временем и интересующегося современной культурой. Именно такими предстают на портретах Серова и Болдини такие характерные личности конца века как В.О. Гиршман и Р. де Монтескью. Владимир Осипович Гиршман был русским купцом и меценатом, собирателем живописи и антиквариата, благотворителем Московского художественного театра. Граф Робер де Монтескью — французский писатель, денди, коллекционер, библиофил и покровитель искусств. В портретном искусстве стиль модерн ищет нестандартных решений, и на этих портретах каждая фигура показана в необычном динамичном повороте, с прямой спиной и гордо поднятой головой. Мужчины выглядят уверенными в себе, просвещенными, успешными и склонными к щегольству. В портрете Гиршмана у Серова это не очень очевидно, а вот в облике де Монтескью это свойство личности наглядно продемонстрировано: Болдини пишет блестящие, уложенные волнами волосы, лихо закрученные усы, модный костюм и белоснежные перчатки.
Эпоха конца XIX – начала XX века заново открывает и активно реализует в искусстве образ женщины-соблазнительницы, или женщины-вамп. На рубеже веков в Европе поднимаются и обсуждаются вопросы предоставления женщинам равноправия в общественной, трудовой и семейной жизни, в том числе права женщины на образование, на участие в выборах, право на труд и т.п. Женщины начинают чувствовать себя свободнее, увереннее, и это, конечно, отражается в искусстве. Пожалуй, ярче всего образ роковой женщины в портретной живописи стиля модерн воплотился в творчестве Густава Климта⁴ (Серена Ледерер и Роза фон Росторн-Фридман). Первое, что сразу привлекает внимание в его портретах — это глаза, изображению глаз художник придает особое значение. Во взглядах его дам заключена и энергия человека современной эпохи, и магнетическое обаяние, свойственное только женщинам. Дамы эпохи модерн смело и прямо взирают на зрителя с портретов В.А. Серова и Д. Болдини. Обе женщины облачёны в чёрные платья и находятся в сумрачном интерьере, отчего их лица и особенно эффектные тёмные глаза с пронзительным взглядом «в упор» сразу привлекают внимание. Сознавая силу своей женской привлекательности, героини новой эпохи держатся очень уверенно. Запечатлённые Л.С. Бакстом в «Ужине» и Анри де Тулуз-Лотреком в рекламном плакате кафе «Divan Japonais», они проводят время в ночных кафе и ресторанах, развлекаются и чувствуют себя там абсолютно в своей стихии.
Прямую аналогию в живописи стиля модерн в России и в Европе дают нам два парных портрета — «Автопортрет с сестрой» кисти В.Э. Борисова-Мусатова и портрет Марты и Мориса Дени (который также имеет названия «Автопортрет с женой» и «Десерт в саду») кисти Мориса Дени. По мнению Д.В. Сарабьянова, «они близки не только по задаче и времени происхождения, но и по одинаковым принципам построения парного портрета на основе внутренней близости персонажей»⁵. В этих портретах мы отметим тенденцию изображать человека в естественной природной среде, определённую жанровую трактовку портрета, высветленный колорит в холодных тонах, а также дистанцированность от зрителя изображённых персонажей, что особенно заметно у В.Э. Борисова-Мусатова.
В портретном искусстве модерн стремится перенести человека из реального мира в мир фантастический, мир мечты. Для воплощения такой задачи художник может, во-первых, трансформировать саму фигуру изображенного человека, во-вторых, трансформировать пространство, в котором находится модель, и, в-третьих, он может трансформировать и то, и другое одновременно.
Для передачи в живописи эффекта «воздушной лёгкости» тела человека Головин и Климт изображают своих героинь⁶ в пышных, многослойных платьях из матовой, струящейся ткани. Светло-розовое платье Сони Книпс подчёркивает только её осиную талию, а ноги, бёдра, плечи, грудь будто растворяются в обилии драпировок. Еще успешнее с «нейтрализацией» форм тела справляется Головин в «Портрете М.В. Воейковой». Он использует не масляную краску, как Климт, а пастель, что позволяет ему растушевать контуры, благодаря чему фигура модели превращается в парящее белое облако.
Приём «искажения» пространства и свободное обращение с перспективой в портрете мы наблюдаем в работе А.Я. Головина «Портрет М.А. Кузмина» и у Анри де Тулуз-Лотрека в «Портрете Анри Самари». При построении пространства в этих портретах художники используют точку зрения «сверху» и высокую линию горизонта. Доски, выстилающие пол, на портрете М.А. Кузмина уходят рядами диагонально влево, устремляя взгляд зрителя к фигуре и лицу, фокусируя на них внимание. В портрете Анри Самари пространство трудно идентифицировать: мы видим и дощатый пол, и ковёр на нём, и изображение деревьев, веток, цветов. Это пространство не имеет определённой глубины, оно трактовано как несколько разнофактурных и разнонаправленных плоскостей. Известно, что портрет М.А. Кузмина был написан в мастерской художника⁷, а Анри Самари, брат знаменитой актрисы Жанны Самари, который тоже стал актёром, запечатлён, скорее всего, на сцене на фоне декораций, но фантазия художников превращает эти обычные помещения в ирреальные пространства, где голубая стена начинает походить на небеса, а деревья растут прямо из дощатого пола.
Деформацию объемной формы и пространства можно отметить в портретах крупнейших мастеров  стиля модерн, например у М.А. Врубеля и Г. Климта. У Врубеля в «Портрете Н.И. Забелы-Врубель в кресле на фоне обоев» и у Климта в его «Портрете Адели Блох-Бауэр I» мы наблюдаем характерный для модерна приём сочетания фигуры с орнаментальным фоном. Оба портрета выдержаны в тёплой золотистой гамме и представляют дам сидящими в креслах. Их фигуры смещены вправо от центральной оси, и весь фон покрыт орнаментом. Орнамент модерна очень разнообразен. У Густава Климта мы видим: горох, полоски, волны, спирали, завитки, квадраты, расположенные в шахматном порядке, орнаменты с цветочными мотивами, а также экзотические орнаменты — египетские глаза в треугольниках-пирамидках. Поток орнамента уплощает фигуру, растворяет объём. Даже причёска модели, трактованная плоскостно, превращается в орнаментальный мотив. У М.А. Врубеля этого не происходит: чувствуются формы тела модели и мягкие локоны причёски. Пространство интерьера в работе Густава Климта совершенно упраздняется. Из помещения, наполненного предметами, оно превращается в абстрактный фон для фигуры, которая сразу притягивает к себе взгляд зрителя. Фигура Адели Блох-Бауэр кажется проявляющейся из фантастического, ирреального пространства. У М.А. Врубеля ощущение интерьера тоже упраздняется,  правда орнамент не придумывается специально, а вводится в изображение как бы исподволь, в виде цветочного принта на обоях. Фигура Н.И. Забелы-Врубель получает неестественный S-образный изгиб, но всё же сохраняет объёмность. Удивительно сходными в этих портретах оказываются жесты. Кисть левой руки у Н.И. Забелы-Врубель и кисть правой руки у Адели Блох-Бауэр согнуты под прямым углом. Этот характерный «излом» формы, особенно в контрасте с расслабленной правой рукой модели, сообщает образам напряжённость и словно бы маньеристическую грацию, свойственную людям эпохи Серебряного века.
В творчестве русских художников рубежа XIX-XX вв. находится немало параллелей творчеству Густава Климта⁸. Например, приём сочетания фигуры и орнаментального фона мы встречаем у А.И. Савинова в работе «Арфистка. Портрет Т.С. Барцевой» и в «Портрете Адели Блох-Бауэр II» Густава Климта. Фигура женщины на этих парадных портретах изображена в центре. Орнаментальный фон состоит из плоскостей с разным орнаментом, будто это несколько отрезов разноцветных тканей, сшитых вместе.
Сочетание профильного изображения лица с орнаментальным фоном становится визитной карточкой стиля Альфонса Муха («Лавр» и «Плющ»), но и в русской живописи можно встретить такой приём, например у И.С. Горюшкина-Сорокопудова в работе «Листопад. Портрет В.В. Иссинской».
Мотив танца и тема танца очень востребованы в искусстве модерна. Через танец художники выражают динамику, характер, порыв души. В стихии танца раскрывается скрытая сущность человека. Танцовщики и танцовщицы были любимыми моделями как русских, так и европейских художников. Это и Анна Павлова, и Тамара Карсавина, и Ида Рубинштейн, и, конечно, Лои Фуллер со своим знаменитым «серпантинным танцем». В этом же ряду стоят темпераментная Каролина Отеро с холста М.А. Врубеля, французская певица и танцовщица испанского происхождения, звезда и символ «la Belle Époque», и испанская танцовщица Анита де ла Фери с портрета работы Джованни Болдини.
Стиль модерн придавал большое значение символике цвета в живописи. Выбор цвета платья модели в портретном искусстве модерна нельзя считать случайностью. Для эпохи, которая мыслила символами, это невозможно. И М.А. Врубель, и В.Э. Борисов-Мусатов тщательно продумывали, во что будут одеты их модели и часто сами создавали для них эскизы туалетов. Густав Климт, крупнейший представитель европейского модерна, характеристику пространства, фигуры и выбор цвета и дизайна одежд модели возвёл в художественный принцип. Через всё искусство модерна в Европе и России проходит образ женщины в белом платье. Белый цвет всегда ассоциировался с молодостью, нравственной чистотой, непорочностью, возвышенными стремлениями. В ряду европейских дам в белом совершенно органично выглядит Н.Ю. Станюкович, запечатлённая В.Э. Борисовым-Мусатовым. Дама в чёрном становится своеобразным лейтмотивом модерна. В облегающее блестящее чёрное платье одета климтовская Роза фон Росторн-Фридман, в чёрном платье-амазонке предстаёт перед нами грациозная О.М. Нестерова и величественная М.Н. Ермолова. Излюбленная гамма модерна — голубой, фиолетовый, лиловый  — также проникает в портретное искусство. Эта гамма помогает художнику передать то самое потустороннее, мистическое, фантастическое, что ищет модерн в каждом предмете, явлении, природе и человеке. Лиловый цвет выбирает Климт для портрета Марии Хеннеберг и Муха для портрета своей сестры. Похожи на видения и фантастические миражи дамы в лиловом с холстов Врубеля и Борисова-Мусатова.
Подведем некоторые итоги. В произведениях М.А. Врубеля, А.Я. Головина, В.А. Серова, В.Э. Борисова-Мусатова и других русских художников эпохи модерн имеется ряд аналогий с европейской живописью. Это интерес к символике цвета, монументальным формам, а также целый ряд конкретных художественных приёмов, например, сочетание фигуры и орнамента, приём «искажения» пространства или фигуры модели и др. При сопоставлении с произведениями европейской живописи лучшими качествами русского портретного искусства остаются вдумчивый психологизм, особое внимание к «личному» и второстепенное значение «доличного», романтическая мечтательность и поэтизация образа.

ЭСТЕТИЗМ И МОДЕРН

…в истории …в литературе

ДЖЕЙМС МАКНИЛ УИСТЛЕР (1834-96) Родился в США, некоторое время жил в России, где его отец строил железную дорогу. В 1885 Уистлер поехал учиться живописи в Париж. В 1859 г. парижский Салон не взял на выставку его картину У фортепиано, поэтому он уехал в Лондон, и Академия выбрала как раз эту работу на выставку. После этого он остался жить в Англии, и его часто называют английским художником американского происхождения. Уистлер стал провозвестником совершенно новой философии в английском искусстве. Раньше, как мы видели, художники стремились к правдивому отражению природы или к нравственному воздействию на зрителя, но Уистлера все это не интересовало. Направление, которое он начал в живописи, принято называть «эстетизм», т.к. его целью было «искусство ради искусства» — ему интереснее было исследовать сочетания цветов в картине. Прерафаэлиты (напр., Хольмен Хант и Миллес) хвалили его за использование цвета, а вот Джон Раскин был взбешен. Уистлер написал несколько картин, которые сначала называл «Лунные блики», но потом, по предложению одного коллекционера, стал называть «Ноктюрнами», напр., Ноктюрн в синем и серебряном: Лагуна в Венеции (1879-80), и по поводу одного из них – Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета (1874) — Раскин сказал, что Уистлер «бросил в лицо публике банку с краской». Уистлер дружил с Оскаром Уайльдом и покровительствовал Уолтеру Сиккерту, и некоторые исследователи считают, что его отвлечение от предмета и морали ради чистого цвета проложило дрогу абстрактному искусству. Знаменательно, что почти все его картины называются в первую очередь не по тому, что на них изображено (даже если это портрет), а по цвету, причем часто используется музыкальный термин: помимо уже виденных нами «Ноктюрнов», это такие картины, как Гармония в зеленом и сером: Мисс Сисели Александер (1873), Гармония в сером и зеленом: Океан (1866-72), Симфония в белом №1 (1862) и Симфония в белом №2 (1864), Композиция в черном и коричневом: Портрет мисс Розы Кордер; и даже самая известная картина, которую обычно называют «Мать Уистлера» (1871), на самом деле носит название Композиция в сером и черном. ОБРИ ВИНСЕНТ БЕРДСЛИ (1872-1898) В тот период, о котором мы говорим, возникает новое, всеобъемлющее направление в искусстве, которое называют ар-нуво (от фр. art nouveaux, «новое искусство»). Это направление скоро захватило всю Европу и Америку и, сохраняя общие черты, превратилось в немецкий «югендстиль», австрийский «сецессион» и русский модерн. Подробнее о стиле модерн в прикладном искусстве, архитектуре и т.п. мы поговорим чуть ниже, а сейчас давайте завершим разговор об изобразительном искусстве конца XIX века. В искусстве собственно изобразительном стилистика модерна яснее всего проявляется в графике. Культ «чистой линии» — то, что отличает графику ар-нуво. В этом смысле модерн противопоставляет себя реализму — ведь природе нет контуров – и демонстрирует связь с символизмом, т.к. котур выступает как своего рода символ предмета. Вообще, появление в графике того времени характерного плоскостного орнамента — это явление японских гравюр, которые становятся невероятно популярными после открытия американцами Японии для внешнего мира в 1850-е гг. (чуть подробнее об этом см. ниже). Символизм и плоскостность достигают своего апогея в созданиях Обри Бердсли (по-русски также часто транслитерируется как Бердслей). Этот гениальный художник прожил всего 25 лет, а все свои значимые произведения создал на протяжении пяти последних лет своей жизни, он оказал огромное влияние на современное ему искусство, и не только в Британии (например, очевидно его влияние на Сомова и Бакста). Бердсли был эстетом, он был знаком с Оскаром Уайльдом и Уистлером, он был денди и светским человеком, любил казаться беззаботным гением, был меломаном и библиофилом, бравировал своим «ничегонеделанием». Говорят, что для поддержания своей репутации он всегда прятал рисунок, над которым работал, если кто-то входил к нему, и мог выкрасть у друзей подаренный им ранее набросок и заменить на более поздний и совершенный. На самом же деле, те, кому приходилось видеть, как он выполняет свои рисунки, сообщают, что работал он очень кропотливо: сначала карандашом рисовал на листе контуры, потом дорабатывал их, стирая старые линии, а потом рисовал тушью, иногда игнорируя линии наброска, которые потом тщательно стирались. Вся работа делалась на одном и том же листе, без отдельных этюдов и набросков. Бердсли очень интересовала литература, он любил читать — при его слабом здоровье книги порой были единственным его развлечением. Вероятно, поэтому Бердсли прославился в первую очередь как иллюстратор. Его уникальная манера, сочетавшая в рисунке белые пятна, где прорисованы тончайшие детали, и черные, где деталей нет вообще, впервые явилась миру в иллюстрациях к «Смерти Артура» Томаса Мэлори (1893-94). Он сделал как собственно иллюстрации к тексту, так и многочисленные заставки, виньетки и рамки, в которые помещался текст первой страницы той или иной главы. Как иллюстратор, Бердсли был полной противоположностью дотошным прерафаэлитам: он совсем не стремился даже к приблизительной исторической точности. Мы имеем дело с его собственным видением персонажей артуровского цикла, хотя в этой серии иллюстраций все-таки присутствует некая средневековая стилизация, а отрешенные лица рыцарей и дам напоминают персонажей Берн-Джонсa. Более зрелую его манеру мы можем видеть во второй известнейшей серии его иллюстраций к «Саломее» Уайльда (1894). Персонажи этих рисунков являют собой то, что лучше всего удавалось Бердсли, — зло, извращенность, чувственность. Апогей драмы — рисунок, где Саломея целует отрубленную голову Иоанна Крестителя — завораживает своими хищными линиями. Бердсли любил исследовать ужасное в своем творчестве, в 1894-95 гг. он также создал серию иллюстраций к зловещим повестям Эдгара Аллана По. Есть у него и менее мрачные сюжеты, которые можно видеть, например, в его иллюстрациях к альманаху «Желтая книга» и книге «Острословия» (1894), виньетки в которой — своего рода кунсткамера, где живут маленькие, непосредственные, притягивающие взгляд чудовища. (Бердсли любил и о себе самом отзываться как о чудовище). Бердсли привлекал XVIII век, распущенный и блестящий, что можно видеть в полных тонкого эротизма иллюстрациях к «Похищению локона» Поупа и «Вольпоне» Джонсона (1896 и 1897 соответственно). Бердсли сделал также ряд крайне откровенных иллюстраций к комедии Аристофана «Лисистрата» (1896), описывающей войну женщин и мужчин. В том же году для либретто вагнеровского «Золота Рейна» он выполнил рисунки на мотивы нибелунговского цикла, в которых мало что осталось от помпезности и несгибаемой серьезности тевтонского гения. Локи, коварный бог огня, у Бердсли хоть и не очень похож на древнего скандинава, но совершенно убедительно демонстрирует, хитрой улыбкой и извивающимся телом, свой лукавый характер. Бердсли оставил также и небольшое наследие как писатель. Его повесть «История Венеры и Тангейзера», которую он начал в 1896 г. (в которой, как написано в предварительном слове, «подробно описывается строй при дворе госпожи Венеры, богини и блудницы, подо знаменитым холмом Горсельбергом, и в которой повествуется о приключениях Тангейзера в тех местах, о его раскаянии, путешествии в Рим и возвращении к любовной горе») не была закончена, но художник успел выполнить иллюстрации к ней — в сущности, текст при взгляде на них может даже показаться лишним. Атмосфера, царящая во дворце Венеры, понятна и без него. В конце жизни Бердсли, уже неизлечимо больной чахоткой, принял католичество. Он уверовал очень искренне и сильно, и его самое последнее письмо адресовано его издателю: Бердсли умоляет его уничтожить «Лисистрату» и все неприличные рисунки. Издатель, однако, не выполнил его просьбы и сохранил для нас самое блестящее наследие английского декаданса в его полноте. ПРИКЛАДНОЕ ИСКУССТВО АНГЛИЙСКОГО МОДЕРНА Общие черты европейского модерна (как, впрочем, и американского, и русского) отчетливее всего прослеживаются в декоративных изделиях, виньетках, витражах. Мастерам того времени свойственно было стремление романтизировать действительность, преобразить ее эстетически, причем для этого они хотели использовать все виды искусства и интеллектуальной деятельности. Именно поэтому модерн и стал таким всеохватным стилем, появляясь не только в чистом искусстве, но и в быту (массовое строительство, книгопечатание, даже модный покрой одежды). Основа стиля, то, по чему модерн легче всего отличить – это изгибающиеся, близкие к природным формы и волнистые линии, т.н. «удар бича». В отличие от ар-деко, стиля, который пришел позже, уже в 1920-е гг., и был основан на строгой, минималистской геометрии, для ар-нуво свойственна текучесть, несимметричность формы. Стиль был общеевропейским, а потому не будет ошибкой привести в качестве примера типично «модерного» здания особняк Рябушинского в Москве (он же музей Горького), работы гениального архитектора Шехтеля, с его знаменитой оплывающей лестницей и кованой решеткой ограды. К сожалению, модерн — дитя декаданса — как, вероятно, никакой другой стиль был подвержен тому, чтобы переходить тонкую грань и становиться пошлым, вычурным и напыщенным. В изобразительном искусстве это особенно хорошо видно на примере работ художника Альфонса Мухи, где присутствуют все формальные признаки модерна и несомненное мастерство, но со всей очевидностью отсутствует его тонкое изящество (собственно, Муха к нему и не стремился: его задачей было делать высококлассные афиши и рекламу, которые нравились бы заказчикам — то есть, фабрикантам и торговцам, — и это ему удалось). Можно сказать, что Муха довел модерн до его логического завершения, сделав его сентиментальным и соответствующим вкусу буржуазии, т.е., обывателя, а не поэта. Что касается собственно прикладного искусства, то нужно учитывать, что, хотя ар-нуво и был общеевропейским стилем, он не был единственным стилем, существовавшим в то время. В 1890-е в оформлении интерьера и пр. сосуществовали несовместимые полюса. С одной стороны в нем мог присутствовать и уже виденный нами расслабленный эскейпизм салонных художников; с другой – «искусство ради искусства» Уистлера и странные создания Бердсли ; с третьей же, вещи, созданные по достаточно сдержанному дизайну, напр., Кристофера Дрессера (2) (1834-1904), Макинтоша и Арчибальда Нокса (3) (1864-1933). В результате, типичный интерьер того времени включал вещи самых разных стилей, вдохновленных самыми разными источниками. Например, в 1853 г. американцам удалось наконец проникнуть в Японию, таким обpазом сломав «бамбуковый занавес» и менее чем за десятилетие Европу и Америку наводнили японские гравюры, чай, бамбуковая мебель, лаковые изделия, керамика, веера. «Японизм» отразился даже в музыке – недаром именно на рубеже веков появляются опера «Мадам Баттерфляй» Пуччини (1904) и оперетта «Микадо» (1885) Гилберта и Салливана. Артур Лэзенби Либерти основал свою фирму в 1890е. На фирме «Либерти и Ко.» сначала делали вещи в эклектичном стиле, свойственном позднему викторианскому периоду, но потом развили свой собственный стиль. Во многом протестовали против «японизма», а также против форм ар-нуво, который часто становился вычурно-чувственным, и против философии эстетизма, которую проповедовали Уистлер и Оскар Уайльд, т.к. она в основном опиралась на личность, свободное, ничем не сдерживаемое творчество, а Либерти, вслед за Раскином и Моррисом, делал упор на честный труд «ремесленника». Либерти, как и Моррис, стремился к тому, чтобы даже в массовом производстве создавать прекрасный дизайн. Постепенно прокладывали путь новому искусству — уже в 1920-е гг. появляется ар-деко, очень схожее по формам. АРХИТЕКТУРА АНГЛИЙСКОГО МОДЕРНА: ЧАРЛЬЗ РЕННИ МАКИНТОШ (1868 — 1928) Очень влиятельная фигура как в архитектуре, так и в прикладном искусстве. Родился и работал он в Глазго, и его творчество создало то, что принято называть «школой Глазго» в архитектуре. Он ходил на вечерние занятия в Школе искусств в Глазго, и там познакомился со своей будущей женой Маргарет Макдональд и еще двумя молодыми художниками – сестрой Маргарет Фрэнсес и Гербертом Макнером. Они стали работать вместе – эту группу называли просто «Четверо», они выставляли свои работы в Глазго, Лондоне и Вене. В Вене их стиль сильно повлиял на местное ответвление модерна – «сецессион». Легко узнаваемый стиль Макинтоша сочетает плавные изгибы ар-нуво с прогрессивными геометрическими формами, которые похожи скорее на ар-деко. Работал в основном в Глазго: например, именно ему принадлежит проект здания редакции «Глазго Геральд» и церковь Куинз-Кросс. Также он спроектировал новое здание «Школы искусств» и интерьер знаменитой чайной под названием «Ива». Строил он также и дома для частных заказчиков, напр., т.н. «Дом для любителя искусств» в Глазго и «Дом на холме» в Хеленсбурге. Макинтош создавал также изящную и практичную мебель.

Стиль модерн. Коротко обо всем.: agritura — LiveJournal

Видео-предисловие к рассказу о киевском модерне:

Кому лень смотреть, можете почитать:

Совсем уже я собралась рассказать вам о киевском модерне, но без небольшого экскурса, путеводителя по стилю, обойтись сложно. Начала делать этот экскурс, как вводную часть, а набралось на отдельный рассказ. Сразу вынуждена извиниться – видео будет мало, зато покажу много картинок (в основном, взятых из открытых источников), видео модерна у меня пока есть только по Киеву, Харькову и Львову.

Итак, модерн.

Я в свое время была большой поклонницей стиля, у меня в ЖЖ была масса постов на эту тему, книжек накупила и все такое. Сейчас чуть успокоилась, наверное, пресытилась, и теперь у меня роман с конструктивизмом. Это, однако, не мешает модерну оставаться одним из самых ярких и эффектных архитектурных и художественных стилей из всех существующих.

Модерн возник в Западной Европе в конце 19 века. Его появление, похоже было неизбежным: мир изменился, бурный экономический прогресс алчно требовал свежей эстетики – да попросту приелись уже людям все эти эклектики и романтизмы. Предшествовала этому эпоха символизма и историзма – это было время идеалистических стилизаций («закосов», другими словами) нео-готика, нео-Византия, нео-барокко и т.п. и это довольно быстро приелось.

Началось все, как водится, с живописи и графики, где ростки нового стиля проклюнулись под влиянием символистов и прерафаэлитов. Здесь пионерами стали австриец Густав Климт, англичанин Обри Бердсли и чех Альфонс Муха, а там и архитектура подтянулась и всякие там дизайны.

На первых модернистов оказало сильное влияние искусство Японии (особенно изысканная графика Хокусая), Китая и Древнего Египта – последнее особенно сильно проявилось в декоративно-прикладном искусстве и дизайне украшений. Модное в то время увлечение древностью получило качественно новое переосмысление.

Большая волна в Канагаве. Хокусай

Сейчас мы воспринимаем модерн, как роскошную, но слегка потускневшую старину, а в начале ХХ века стиль был поистине революционным, новаторским, и нередко критикуемым.

В строительстве началось все, вроде бы, с Эйфелевой башни. Стальная конструкция возводилась специально для Всемирной выставки в 1889 году, как временная — просто украшение, привлекающее внимание; ее планировалось снести через 20 лет, но башня произвела такой фурор, и вызвала такой колоссальный (и прибыльный) приток туристов, что ее решили оставить, и она стоит на своем месте до сих пор. За 130 лет она так прочно закрепилась в общественном сознании, как извечный символ Парижа, стала настолько узнаваемым туристическим объектом, что о стиле этой постройки уже никто не задумывается, а ведь это именно модерн, вернее, самое ее начало.

Стоить отметить, что все-таки самым первым архитектором, работавшим в этом стиле, был каталонский архитектор Антонио Гауди. В 1886 году он построил в Барселоне для промышленника Эусеби Гуэля дворец, в котором безошибочно узнаются элементы стиля, ставшего весьма популярным в Европе только через несколько лет. Случилось это за год до постройки башни Эйфеля.

В 1892 году в Мюнхене группа из 96 молодых художников демонстративно покинули Мюнхенскую ассоциацию художников и основали Мюнхенскую Ассоциацию изобразительных искусств. Свою акцию они назвали «разрыв» или «сецессион», поэтому группа вошла в историю, как «Мюнхенский сецессион». Художники отказались от старых догм и салонного академизма, избрав иной путь – поиски новых форм в искусстве. Не все члены союза сразу стали творить в стиле модерн, многие не ушли дальше символизма, но среди мюнхенцев со временем все-таки появилась целая плеяда художников модерна.

Первым Президентом сецессиона стал художник Бруно Пигльхайн. Интересно, что он же был председателем “Немецкого Общества панорамистов”. Этот художник в свое время создал масштабную передвижную панораму «Голгофа», которая экспонировалась в разных городах Германии, а затем сгорела. Популярность у панорамы была феноменальной, ее копии создавались по всей Европе.

В Киеве подобная экспозиция появилась в 1902 году. Для нее построили павильон-ротонду возле костела (в стиле модерн, естественно) и выставляли панораму аж до конца 1930-х годов. Попутно ее возили «на гастроли» по другим городам, а в это время в павильоне выставляли что-то другое. Она сгинула где-то уже во время немецкой оккупации.
Но мы отвлеклись от модерна.

Панорама «Голгофа» в Киеве

Мюнхенцы придумали слово сецессион, но не стали единственными, кто его использовал. Этим словом стали называть стиль модерн в немецко-говорящей среде: позднее появился берлинский сецессион, а самым известным сецессионом стал Венский. Венское направление зародилось лет на 5 позже мюнхенского, в 1897 году, и это уже был бесспорный модерн. Возглавили его художники Густав Климт, Альбрехт Роллер, Коло Мозер. И если театр начинается с вешалки, то Венский сецессион начался с подходящего здания, которое специально для него построил архитектор Йозеф Мария Ольбрих. Сразу бросается в глаза, что венским творцам ближе был герметичный стиль, дробность поверхностей и контрастная орнаментальность.

Венский сецессион (простите, у кого фотку стащила)

В конце 1890-х поддержал традицию и прославленный архитектор Отто Вагнер, именно он стал символом Венского архитектурного модерна. В отличие от большинства архитекторов направления, он освоил новый стиль, уже будучи маститым зодчим с большим опытом. Он создал несколько весьма своеобразных домов, вилл, дворцов, несколько зданий вокзалов и даже церковь, сейчас это важные туристические достопримечательности австрийской столицы.

Надо сказать, являясь законодательницей мод в живописном модерне, Вена пришла к модерну в архитектуре чуть позднее, чем Брюссель, именно Брюссель считается первой столицей модерна архитектурного. Здесь балом правил Виктор Орта. Его модернистский путь начался с постройки дома профессора Эмиля Тасселя в Брюсселе. И если Эйфелеву башню условно относят к стилю модерн, так как постройка специфическая, сложно на ней основные тенденции отследить, то дом Тасселя однозначно считают первым европейским зданием, построенным в безупречной стилистике арт нуво (так стали называть модерн во франко-говорящих странах). Постройки Орта – несомненно модерновые: здесь у нас и искривленные линии, и необычная компоновка объемов, и сложное членение остекления. Виктор Орта –признанный во всем мире мастер эпохи модерн – 4 его дома включены в список всемирного наследия Юнеско. Еще один талантливый бельгийский архитектор – Поль Анкар.

Дом Тасселя

И понеслась! Примерно на 15 лет мир буквально сошел с ума, теперь всё подчинялось новой моде — вычурной и прекрасной. Стиль не ограничивался живописью и архитектурой. Модерн – наверное самый прикладной из всех декоративных стилей. Мебель, декор комнат, вазы, посуда, люстры, скульптурный декор, украшения, одежда – все – от шляпной булавки до железнодорожной станции, все что создавалось в первые 15 лет ХХ века, было выдержано в единой новомодной стилистике.
В Париже самым ярким архитектором модерна стал Эктор Гимар. Он в 1895 построил отель Кастель Беранже, его надо бы запомнить, нам это понадобится, когда мы будем изучать Киевский модерн, потом расскажу, как они связаны. Кроме того, Гимар – создатель всемирно известных входных павильонов парижского метро.

Все разговоры о стилях и направлениях модерна – в основном, от лукавого, деление весьма условное, но некоторые направления все-таки можно выделить. Мы уже говорили, что венский модерн «отрывается» на разноцветии и скульптурном декоре, здесь меньше асимметрии и больше геометрии. Кстати, это направление во многом повлияло, например, на архитектуру Львова начала ХХ века.

Парижский и брюссельский модерн – более изысканный, капризный, богато декорированный. Здесь много извитых и переплетающихся линий, много деталей. К закату эпохи архитектура становится лаконичнее, сдержаннее, не теряя при этом своей выразительности.

Что же такое модерн и как он выглядит? Как распознать модерн?

Отличительными чертами архитектурного модерна стала асимметрия, отказ от прямых углов в пользу плавно изогнутых природных линий (как на волосах девушек на акварелях Альфонса Мухи), подчинение фасадов внутренней планировке построек (т.е. удобство внутреннего устройства дома стало первичным) и немыслимое обилие декора, растительного, в основном, но не только – геометрический, меандровый, и даже, как мы увидим, зоологический.

Особая изогнутость линий весьма узнаваема – это так называемый «удар бича» или «ветвь алого цикламена», созданная в конце 19 века швейцарем Германом Обристом. Потом Муха повторял это в прядях волос, лентах и складках одежды, такие изгибы использовались в лепном декоре зданий и кованных металлических элементах.

«Алый цикламен»

Если дом ассиметричный, со сложной компоновкой объемов – это, возможно, модерн. Если вы видите на фасаде несколько видов окон – это с большой долей вероятности модерн, если при этом в остеклении применено затейливое множественное членение – скорее всего модерн. Если вы видите много плавных изогнутых линий, дом декорирован растительными орнаментами, майоликовыми панно либо фризами или масками-маскаронами (очень типичные, идеализированные, обычно девушки, похожие одна на другую) – с большой долей вероятности это модерн.

В архитектуре широко использовался скульптурный декор и барельефы – в моду входил декор из бетона. Сейчас через сто лет реставраторы иногда за голову берутся – материал этот не вечный, довольно хрупкий, особенно, если не особо технология соблюдалась. Скульптурные украшения из бетона желательно регулярно подновлять.

Новую жизнь получило витражное искусство – оно опять вошло в моду. В интерьерах широко использовалось пластичное дерево, ковка, стекло.

А вообще, это трудно описать, надо много смотреть образцов, чтобы глаз привык, и со временем вы будете безошибочно узнавать стиль.

Итак, эпицентрами архитектурного модерного бума стали три столицы: Брюссель, Вена и Париж. Гауди со своими ни на что не похожими постройками в Барселоне – это тоже модерн, но он стоит особняком – уж больно своеобразен. Даже в Португалии был свой модерн – неомануэлино.

Стиль перемахнул через океан, там, в Америке через пару десятков лет он преобразовался в «органический стиль», и даже так называемый «калифорнийский стиль бунгало» — это тоже своего рода порождение модерна. Позднее в Штатах началась настоящая истерия арт-деко – то, во что модерн трансформировался во второй половине 20 годов ХХ века.
Прекрасен Пражский модерн – город претерпел серьезную реконструкцию в начале ХХ века, старые хибары сносили целыми районами, на их месте возвели целые роскошные кварталы домов для банкиров и аристократов. Будете в Праге, пройдитесь по улице Парижской – вот где пиршество для глаз любителей модерна!

Достоин внимания и Рижский модерн – вот уж где строители не знали удержу в декорировании.

В Скандинавии и на просторах Российской империи (особенно в Питере) распространился так называемый северный или национальный модерн – это постройки в стиле суровых старинных замков.

Не поверите, но и в Киеве есть такие здания. Например, детище архитектора Брадтмана – больница Лютеранской общины (нынешняя больница водников) на Винниченко, 9 – это вот и есть северный модерн, суровый и аскетичный. Брадтман построил ее в 1913 году, по проекту, созданному совместно с инженерами из Мюнхена. Вообще до Революции в Киеве жило довольно много немцев – профессоров университета, инженеров, аптекарей, да и сам Брадтман был немцем. Немцы жили на улице Лютеранской, как тогда говорили, на Немецкой горе, где до сих пор действует лютеранская кирха.

Еще один «северный» дом, чертами напоминающий замок, стоит на Рейтарской 20/24. Это доходный дом Шлензхевич, построенный архитектором Вербицким в 1912 году.

Но, мы на этом разбор киевских построек модерна пока закончим, этому будут посвящены мои последующие сюжеты. Вернемся к модерну международному.

Признаться, чем дальше от эпицентра, тем меньше вывертов и коленец мы наблюдаем в стиле, тем проще и бледнее его образцы (за редким исключением). На территории Российской империи большинство самых известных и крупных построек было возведено в двух столицах, но не обошла мода на модерн и города, переживающие в тот период строительный бум – Киев и Харьков, например, так что нам тоже есть о чем рассказать и что показать.

Его эпоха закончился внезапно, буквально катастрофически – причиной этого стала Первая мировая война, разразившаяся в 1914 году. Дома в стиле модерн еще достраивали на периферии Европы буквально пару лет, а потом все прекратилось. Потом, после всех периода потрясений и тотального обнищания, когда Европа постепенно придет в себя, появится новая буржуазная роскошь, но это уже будет не модерн.

Теперь можно чуть передохнуть и перейти уже к нашему родному киевскому модерну.

Что такое современное искусство? | Новости искусства Кунесса

Что мы можем определить как современное искусство? Термин «современное искусство», который часто путают с современным искусством, используется для обозначения периода продолжительностью около ста лет, а точнее периода с 1860-х по 1970-е годы, времени, когда экспериментальные художественные стили и философии породили множество новых выразительные выводы.

Статьи по теме: Модернизм в изобразительном искусстве — 51 самый популярный современный художник

Определение современного искусства

Современное искусство включает художественные работы, датируемые примерно 1860-1970-ми годами и характеризующиеся попыткой отбросить традиции прошлого в духе экспериментов.Хотя может показаться трудным определить красную нить, соединяющую все различные движения, характеризующие современное искусство, действительно существует общая почва, которая связывает все известные модернистские решения. Расцвет абстракции, приход знаменитого авангардного движения и новейшие возможности, предоставляемые открытием новых промышленных материалов, объединяет их потребность в выразительности как главном и общем направлении современного искусства. На самом деле в ходе развития современного искусства произошла постепенная, медленная, но неуклонная метаморфоза.Серия известных модернистских новинок и стилей была принята художниками из разных стран, пытаясь уйти от древних повествований, чтобы создать неотредактированное будущее.

Современное искусство тесно связано с модернизмом — реакцией на радикально изменившиеся условия жизни, возникшие в связи с подъемом индустриализации. Следовательно, это определение часто выражается в следующих терминах: термин современное искусство определяет стиль и концепцию искусства, типичную для периода между серединой девятнадцатого века и двадцатого века и, в более общем плане, для художественных выражений, которые выражают форму. «отказа» от прошлого и открытости экспериментам . Современное искусство зародилось в модернизированном контексте общества конца девятнадцатого и двадцатого веков; когда социальная, экономическая и культурная жизнь была революционизирована в самом широком смысле новым взглядом на мир.

Пионерами современного искусства были романтики, реалисты и импрессионисты. Реализм с его вниманием к деталям и нетипичной точкой зрения часто признается первым истинно модернистским движением в изобразительном искусстве. Те, кого сегодня называют реалистами, стремились запечатлеть истину, которую можно было найти в их окружении, с бескомпромиссной и неидеализированной точностью.Это стало тяжелым ответом на в основном религиозные и в высшей степени идеализированные картины, которые населяли «Салоны» в Париже.

Механизм современного искусства

Хотя точная дата рождения современного искусства чаще всего определяется в 1863 году, когда шедевр Эдуарда Мане «Le Dèjeneur Sur L’Herbe» был показан в Салоне отказов. Есть более ранняя картина, которая изменила способ восприятия общества; «в худшем и среднем», как однажды объяснил Гюстав Курбе.На самом деле это реалистическая работа Гюстава Курбе «Мастерская художника» (1855), которая представляет продромальные этапы авангарда, а также новое видение современного искусства.

Эдуард Мане, «Завтрак на траве», 1863 г. Изображение из Wikipedia Common.

Современное искусство и слава известных художников современного искусства продолжалась до тех пор, пока культурные критики не заговорили о «конце живописи» — так называлась провокационная статья Дугласа Кримпа, впервые представленная в качестве лекции в Лос-Анджелесе в 1981 году.

В настоящее время музеи и коллекции произведений искусства играют невероятно важную роль, позволяя нам взглянуть на красоту и величие, которые были созданы в прошлом. Современное искусство, а также периоды, которые были до и после этого периода невероятного роста, сегодня хранятся в стенах музеев и частных коллекций. Кстати, было бы интересно проследить за случаем открытия нового музея , которое скоро откроется в Сеуле ; учреждение, в котором будет размещена частная коллекция председателя Samsung Group, , которая позволит публике полюбоваться более чем 23 000 произведений искусства.Как можно прочитать в Korea Herald: « Цель состоит в том, чтобы поделиться коллекцией дарителя и его философией, лежащей в основе сбора произведений искусства, среди широкой публики. ».

В этой статье мы рассмотрим современное искусство, обнаружив 20 основных художников, которые воплощают в себе основные черты, которые определяют их как художников современного искусства, начиная с 19 века и заканчивая временем после Второй мировой войны, включая работы Энди Уорхола и его исследования, посвященные иконам искусства. то, что сейчас известно как поп-арт.

Гюстав Курбе, Мастерская художника: Настоящая аллегория, подводящая итоги семи лет моей творческой и нравственной жизни, 1855 г., холст, масло, 361 см × 598 см (142 × 235 дюймов), © Muséè d’Orsay, Париж.

1. Гюстав Курбе (род. 1819)

Гюстав Курбе был пионером реализма и до сих пор считается его самым известным представителем. Стилистически он часто использовал мастихин для создания тяжелых и материальных картин, которые создавали видимую дистанцию ​​от чрезмерно законченной и тщательно утонченной эстетики, которая принадлежала академическим картинам.

Курбе, который родился в Орнане, выставлялся в парижском салуне в 1844 году. Однако с этого момента его почитаемая репутация пострадала из-за неоднозначного характера его работ.Он известен тем, что организовал первую персональную выставку за пределами любого учреждения после того, как в 1855 году ему было отказано в показе на Парижской выставке Exposition Universelle. Чтобы противостоять академическим учреждениям, он устроил так называемый «Павильон реализма»; шатер, который использовался для демонстрации его работ и его позиции как реалиста, утверждение, которое демонстрирует тесную связь Курбе с экспериментальным подходом будущего современного искусства.

Вообще говоря, Курбе был приверженцем создания неромантизированных видений мира, и это отражено в таких произведениях, как «Камнедробители» (1849).

Гюстав Курбе, Камнедробители, 1849.

2. Эдуард Мане (р. 1832)

Эдуард Мане был французским художником, известным своей ролью в эстетической революции, произошедшей в конце 19 века. Подобно Курбе, оказавшему большое влияние на его творчество, он был одним из первых художников XIX века в современной жизни, и теперь он считается центральным звеном перехода от реализма к импрессионизму; и по сей день Мане считается поворотным моментом на пути к новейшим этапам современного искусства.

Несмотря на то, что он родился в семье высшего сословия с сильными политическими связями, Мане после неудачной попытки поступить на флот принял решение посвятить себя своему искусству. Сейчас он хорошо известен своими работами, написанными в начале своей карьеры, такими как «Le Déjeuner sur l’Herbe» и «Olympia», написанные в 1863 году и вызвавшие много споров. Несмотря на многочисленные попытки Мане защитить свою работу, эти сцены на протяжении десятилетия часто подвергались критике. Олимпия считалась самой скандальной работой Салона 1865 года.В то время сладострастная богиня считалась приемлемой, тогда как проститутка раздвигала границы.

Эдуард Мане, Олимпия, 1863 год.

3. Поль Сезанн (р. 1839)

Поль Сезанн был одним из величайших художников-постимпрессионистов, человеком, чьи работы и идеи оказали огромное влияние на эстетический прогресс начала 20-го века. Многие художники и направления были во многом обусловлены открытиями Сезанна, в особенности те художники, которые позже назвали себя кубистами.Искусство Сезанна, как и многие другие фигуры, которые будут представлены в этом тексте, часто публично неправильно понималось. Его практика началась с тесных отношений с движением импрессионистов, но в конечном итоге он бросил вызов многим консервативным идеалам изобразительного искусства 19 века, дистанцируясь, прежде всего, из-за своего субъективного видения.

Сезанн был энергичным новатором и постоянно обновлял свою практику, отражая различные схемы представительства. Например, в своих натюрмортах середины 1870-х годов Сезанн оставил позади толщину поверхностей, которыми он был известен, и разработал новое видение, которое выражалось в основном в форме и цвете.Он создал схему, состоящую из «конструктивных мазков», призванную придать своим формам больше веса и содержательности. Например, в своей картине «Натюрморт с кувшином, чашкой и яблоками» (1877) Сезанн показывает свое внимание к цветовым тонам и градиентам, которые позже станут важной частью его исследований.

Поль Сезанн, Натюрморт с кувшином, чашкой и яблоками, 1877 г.

4. Клод Моне (р. 1840)

Клод Моне — художник, наиболее связанный с импрессионизмом: фактически, импрессионистское движение возникло после его завершенной работы под названием «Впечатление, Солей Леван» (1874 г.).Моне был пионером этого движения по ряду причин: он твердо выступал за работу на пленэре и за то, что художник должен изучать природу и оптические эффекты света лично. Он также известен тем, что завершил серию работ, посвященных одному предмету, чтобы изучить эффекты света на одной и той же сцене в течение дня или в разное время года. Примеры этих работ — стога сена и церкви. Дом Моне в Живерни также считается важным местом для последних работ художника.После покупки дома в 1883 году Моне занялся исследованием большого пруда с лилиями — предмета, который он рисовал бесчисленное количество времени в последние 20 лет своей жизни.

Клод Моне, Впечатление, soleil levant (Впечатление, восход), 1874 г.

5. Винсент Ван Гог (род. 1853)

Винсент Ван Гог был голландским художником-постимпрессионистом, который признан одним из самых известных художников современного искусства. Живя относительно недолго, большая часть его работ была сделана за очень плодотворный десятилетний период, когда он написал почти 2100 произведений искусства.Они охватывают широкий спектр предметов, включая портреты и автопортреты, пейзажи и натюрморты. Стилистически работы Ван Гога образуют относительно однородный континуум и широко характеризуются их смелыми, яркими цветовыми схемами и драматическими, часто импульсивными и очень выразительными мазками, которые стали основой всех последующих течений в современном искусстве. Хорошо известно, что Ван Гог при жизни не добился коммерческого успеха и покончил жизнь самоубийством в 37 лет.

Винсент Ван Гог, Пшеничное поле с кипарисами, 1889 год.

6. Жорж Сера (род. 1859)

Жорж Сёра был частью постимпрессионистского движения во Франции. Самым большим его нововведением стало развитие знаменитой техники «пуантилизма», а также сосредоточение внимания на схеме «хромолюминаризма», оба из которых имеют общую основу с точки зрения их фокуса, который направлен на разные части света и его призма цветовых градиентов.По сути, пуантилизм — это техника, которая использует отдельные цветные точки для описания форм и глубины, полагаясь на способность глаза восстанавливать деконструированное изображение. Результатом этой живописной схемы является высокочувствительная эстетика, усиленная вниманием художников к деталям и научными теоремами, окружающими свет и его конструктивная истина. Если мы думаем о современном искусстве как о новаторстве, экспериментировании, но также как о внимании к прошлому, мы можем посмотреть на знаменитую картину «Воскресный полдень на острове Ла Гранд-Жатт» (1884–1886) как на одно из самых знаковых произведений искусства. период современного искусства.

Жорж Сёра, Воскресный полдень на острове Гранд-Жатт (1884–1886).

7. Хильма Аф Клинт (1862 г.р.)

Хильма аф Клинт была шведской художницей в области современного искусства, которая расширила свои визуальные интересы до мистицизма и духовности. Ее картины, которые только совсем недавно были должным образом рассмотрены и исследованы, считаются первыми образцами западного абстрактного искусства (многие из ее абстрактных работ, по-видимому, были созданы до того, что считается первыми «чисто» абстрактными работами Кандинского).Хильма Аф Клинт была частью уникальной группы, известной как «Пятерка», которая состояла из ряда женщин, выступавших за попытки достичь того, что Аф Клинт называл «высшими мастерами». Ее картины, хотя обычно считаются абстрактными, также можно рассматривать как диаграммы, которые представляют духовные пути смысла. Клинт, безусловно, занимает уникальное положение в более широкой истории современного искусства, и ее личное видение почти не требует сравнений.

Хильма аф Клинт, Десять крупнейших, No.7, Взрослая жизнь, группа IV, 1907 год.

8. Эдвард Мунк (1863 г.р.)

Эдвард Мунк был загадочным норвежским художником, известным своими мучительными изображениями фигур, часто представленных в выразительных декорациях и передающих мысли художника. «Крик», его самая известная работа, является культовым изображением в период современного искусства из-за своей грубости и дальновидности, но также из-за его влияния на большое количество изображений, которые были созданы в последующие годы. был показан публике.Мунк придумал «Крик» в городе Осло. Говорят, что художник гулял однажды вечером, когда внезапно «услышал огромный, бесконечный крик природы». Считается, что измученное лицо, изображенное на работе, относится к тревоге, которая часто ассоциируется с архетипическим художником современного искусства или отдельным человеком.

Большинство работ Мунка относятся к категории «символистов» из-за того, что они сосредоточены на внутреннем «я» субъекта, а не только на его или ее внешнем виде.Художники-символисты выдвинули идею о том, что искусство должно быть в некотором роде субъективным и воплощать эмоции и абстрактные идеи, а не сосредотачиваться на повествовании и объективном изображении вещей.

Эдвард Мунк, Крик, 1893.

9. Пит Мондриан (р. 1872)

Пит Мондриан был голландским художником и первооткрывателем визуальных теорий, который сейчас считается одним из самых новаторских художников в области современного искусства, появившихся в 20 веке. Неустанно работая над красотой природы, изучая и экспериментируя с элементом «Красного дерева» на протяжении его ранних лет, его творческий путь можно рассматривать как постоянную попытку обогнать форму и позволить формам и жестам вырваться из своего периметра.В последние годы его жизни природа уступила место стихии города и мегаполиса, в которых прямые линии и основные цвета создают его очень известные композиции.

В 1914 году он сказал: «[A] rt выше реальности и не имеет прямого отношения к реальности. Чтобы приблизиться к духовному в искусстве, нужно как можно меньше использовать реальность, потому что реальность противоположна духовному ».

Движение в современном искусстве, с которым обычно ассоциируется Мондриан, называется неопластицизмом, что по сути относится к «чистому пластическому искусству», которое фокусируется в основном на пластике и выражении универсальной красоты.

Пит Мондриан, Композиция C (№ III) с красным, желтым и синим, 1921.

10. Пабло Пикассо (1881 г.р.)

Пабло Пикассо изначально был художником современного искусства, родившимся в Испании, но часто ассоциированным с Францией. Его работы охватывают большое количество жанров, и он известен как художник, гравер, скульптор, керамист и даже театральный дизайнер, который большую часть своей взрослой жизни провел во Франции.

Он был чрезвычайно плодовитым художником, но некоторые из двух его самых известных работ обычно считаются «Авиньонскими девицами» (1907 г.) и «Герника» (1937 г.).Пожалуй, самый важный художник периода современного искусства, он известен своей ролью в создании кубизма, а также множеством других достижений, таких как создание искусственной скульптуры, пионер формы коллажа, а также для множества более поздних техник и стилей, в которых он продолжал экспериментировать. Работы Пикассо часто делятся на множество свободно определенных периодов времени, а именно: голубой период (1901–1904), период роз (1904–1906) , Период под африканским влиянием (1907–1909), аналитический кубизм (1909–1912) и синтетический кубизм (1912–1919).

Пабло Пикассо, Les Demoiselles d’Avignon, 1907.

11. Жорж Брак (1882 г. р.)

Жизнь и творчество Жоржа Брака часто омрачается жизнью Пикассо, вместе с которым он основал кубизм в начале 20 века. Обе их работы очень похожего возраста и визуальных теорий на ранних этапах кубистического движения — с 1908 года по 1912 год — было трудно отличить друг от друга. Помимо кубизма, Брак был известен как отличный рисовальщик, коллажист, скульптор и гравер.Брак также был вовлечен в движение фовистов с первого десятилетия 20 века.

Жорж Брак, Бутылка и рыбы, 1910.

12. Амедео Модильяни (р. 1884)

Амедео Модильяни был итальянским художником, известным своими портретами и женственными обнаженными телами, исполненными чувственности и чрезвычайно дальновидными. После своего образования, которое началось в Тоскане и завершилось в Венеции, «Моди» переехал в Париж (1906 г.), где познакомился с Пикассо и высшими стандартами авангарда.Как современный художник, Модильяни работал над открытием чего-то нового и неотредактированного, как в живописи, так и в скульптуре, хотя ему пришлось отказаться от идеи стать скульптором из-за его физических условий.

«Жизнь — это дар от немногих многим, от тех, кто знает и имеет, тем, кто не знает и не имеет».

13. Джорджия О’Кифф (р.1887)

Джорджия О’Киф — американская художница, получившая всеобщее признание за ее роль в американском модернизме и за развитие совершенно уникального визуального словаря, который сосредоточен вокруг картин с увеличенными цветами рядом с небоскребами Нью-Йорка, а также пейзажами Нью-Мексико, где она жила. конец ее жизни.В начале своей творческой карьеры она познакомилась с художественными теориями и философией Артура Доу, который был в высшей степени эзотерическим художником, работающим с принципами субъективного видения и интерпретации.

Джорджия О’Киф, Джимсон Виид / Белый цветок № 1, 1932.

14. Марк Шагал (1887 г.р.)

Мойше Сегал, также известный как Марк Шагал, был русским художником-евреем, который был натурализованным французом. Его работы выражают сильную привязанность к религии и древнему повествованию.Как современный художник, он создал огромное количество картин, изображающих басни и красочные истории, от популярных до тех, которые он изучал по Библии. Шагал также создал серию иллюстраций к самой Библии, которые до сих пор остаются одним из величайших результатов его карьеры художника.

15. Марсель Дюшан (1887 г.р.)

Марсель Дюшан был одним из самых радикальных и прогрессивных художников 20-го века, которого часто считают первыми по-настоящему концептуальными художниками и наиболее известным тем, что он использовал повседневные «готовые» объекты в своей практике.Он был французом и американцем, работал художником, скульптором, а затем шахматистом и писателем. Несмотря на свои загадочные качества, он пересекся с рядом очень важных движений, включая кубизм, дадаизм и концептуальное искусство.

К концу первого десятилетия 20-го века Дюшан становился все более радикальным и больше не интересовался традиционными средствами массовой информации и художниками, которые их использовали. Он придумал критическую совокупность «ретинального» искусства и искусства, не относящегося к сетчатке, что позволило ему классифицировать искусство, созданное как служащее либо исключительно глазам (искусство сетчатки), либо и глазу и разуму.Самой устойчивой из всех его работ является его реди-мейд 1917 года «Фонтан», ставший символом всего последующего авангардного искусства.

Марсель Дюшан, Фонтан, 1917 год.

16. Джорджо Де Кирико (1888 г.р.)

Джорджио Де Кирико, уроженец Волоса (Грече), был отцом так называемого движения метафизической живописи. Помимо красоты и загадочности, которые характеризуют его картины, он признан одним из величайших мастеров с точки зрения техники и подготовки холста, создавая работы, которые прослужат веками благодаря важности, которую художник придавал подготовке почв и методов.В его работах не отвергается само прошлое, как в картинах других современных художников, оно вместо этого перерабатывается и переносится в современную и авангардистскую обстановку, что позволяет активизировать себя в новой и таинственной жизни.

17. Марк Ротко (1903 г. р.)

Марк Ротко занимает положение одного из самых мистических и задумчивых художников периода современного искусства, и его картины в цветовой плоскости часто рассматриваются как попытки изобразить внутренние глубины человеческой психики.Не отождествляя себя лично с каким-либо параллельным художественным движением, Ротко чаще всего ассоциировался с абстрактными экспрессионистами из-за большого масштаба и абстрактного характера его работ. Все его работы представляют собой вариации общей аранжировки различных цветов и совершенно особняки, как картины в истории искусства.

Самая известная цитата Ротко гласит: «[Меня] интересует только выражение основных человеческих эмоций — трагедии, экстаза, гибели и так далее. И тот факт, что многие люди не выдерживают и плачут, когда сталкиваются с моими фотографиями, показывает, что я могу передать эти основные человеческие эмоции.Если вас … трогают только их цветовые отношения, вы упускаете суть ».

Марк Ротко, Светлый красный поверх черного, 1958.

18. Сальвадор Дали (1904 г. р.)

Само собой разумеется, что Сальвадор Дали — одна из величайших художественных фигур всех времен, исследования которой позволили ему прикоснуться к невероятному количеству средств массовой информации и выразительной продукции. Весьма противоречивый и чрезвычайно эклектичный, Дали всю жизнь создавал и исследовал сюрреалистический мир, и этот факт связывает его работы с новейшими исследованиями в области психоанализа.Как современный художник, он преодолел большинство предыдущих предрассудков и создал движение, которое было одновременно прочным и никогда не открывшимся до конца. В своей жизни Дали был художником, скульптором, фотографом, кинорежиссером, сценографом и исполнителем; хронологическая история, которая сделала его самым экспериментальным художником целого века. Помимо всего величия, выраженного его картинами, Сальвадор Дали создал в Фигерасе (Испания) произведение искусства размером с музей, которое носит название «Museo Dalì».

19.Фрида Кало (1907 г. р.)

Фрида Кало была мексиканской художницей, чье личное повествование вырисовывается так же широко, как и ее искусство, в народном воображении. Отчасти это связано с тем, что почти треть всей ее творческой деятельности составляли автопортреты, а все остальные ее работы тесно связаны с ее жизнью. Одними из ее наиболее ярких тем были ее трудная личная жизнь, ее отношения с художником-настенным художником и революционером Диего Ривьерой, а также ее хроническая болезнь.

Ее стиль был определен по-разному, и все они разделяли некоторые общие элементы: основные мотивы Кало были взяты из мексиканской поп-культуры, и она использовала по существу народный и наивный стиль, чтобы воссоздать свои зачастую мифические, сюрреалистические и фантастические миры.В политическом плане она была очень активной и принадлежала к постреволюционному движению Мексикайотль, которое в своей основе стремилось продвигать новую форму мексиканской личности.

Фрида Хало, Автопортрет, посвященный доктору Лео Элоессеру, 1940.

20 . Фрэнсис Бэкон (1909 г.р.)

Фрэнсис Бэкон создал одни из самых тревожных и извращенных картин 20-го века, которые часто воспринимаются в связи с ужасами современной жизни.Бэкон был ирландцем по происхождению, но английский художник работал в основном образно. Его тематика была разнообразной и включала в себя сцены распятий, портреты страждущих пап, нервирующие автопортреты. Часто Бэкон использовал геометрическую структуру, чтобы предоставить пространство бесформенной среде с цветовой плоскостью, в которой существовали его субъекты. Никогда не вписываясь в художественное движение, Бэкон часто рассматривался как часть разнообразной лондонской школы, существовавшей в то время и включавшей других светил, таких как Люсьен Фрейд и Франк Ауэрбах, которые все стали известными в современной живописи.

Картины Бэкона можно разделить на разные периоды времени. Бэкон много работал с фотографиями и на него очень повлияли ранние эксперименты в этом жанре и такие личности, как Идверд Мейбридж. К свободно определенным периодам относятся: фурии и биоморфы, которые он создавал на протяжении 30-х годов, в основном мужские лица и головы, стоящие в одиночестве в комнатах или едва обозначенных пространствах в 40-х годах, серия « кричащих пап » из 50-х, ранние различные сцены распятия, сделанные в 60-х годах, и, наконец, автопортреты 70-х годов.

Узнайте больше о Фрэнсисе Бэконе здесь.

Фрэнсис Бэкон, Триптих, август 1972, 1972.

21. Джексон Поллок (род. 1912)

Джексон Поллок изобрел современную идею мифического художника через его беззаботную публичную личность, личные проблемы и загадочный стиль работы. Журнал Life назвал его «величайшим живым художником» в 1951 году.

Его главный формальный прорыв произошел в конце 1940-х годов, когда он начал выравнивать свои холсты горизонтально на полу своей студии и капать на них эмалевую краску сверху, создавая свои «капельные картины».Этот перформативный процесс, который непосредственно и физически задействовал его тело и его движения в его картинах, был одним из крупнейших стилистических нововведений 20 века. Поллок верил в утопичность чистой, необузданной абстракции линии и формы и не хотел, чтобы его картины воспринимались как представляющие что-либо в мире. В политическом плане работы Поллока стали рассматриваться как символ американского индивидуализма во время холодной войны, и высказывались предположения, что они использовались ЦРУ в качестве инструментов пропаганды.

Джексон Поллок, номер 1, 1949, 1949.

22. Йозеф Бойс (р. 1921)

Йозеф Бойс был немецким художником, работавшим в основном в концептуальном и перформативном ключе. Он стал хорошо известен благодаря совершенно уникальному способу работы и часто странным сюжетам, которые он выбрал для иллюстрации своих тем войны, любви и жизни. Всегда приверженная радикальной повестке дня, «социальная скульптура» Бойса была попыткой разрушить пропасть между искусством и жизнью и в конечном итоге была направлена ​​на превращение изобразительного искусства в более демократический процесс, в котором каждый человек был способен принять участие.

Джозеф Бойс, Мне нравится Америка, и Америка любит меня, 1974.

23. Ив Кляйн (р. 1928)

Как и Бойс, Кляйн также часто включал живые, связанные с перформансом элементы во многие из своих самых значительных произведений искусства. Кляйн был французским художником и стал главной фигурой во французском послевоенном движении под названием Nouveau réalisme, которое было основано искусствоведом Пьером Рестани в 1960 году. Карьера Кляйна пересекается со многими движениями, включая перформанс, минималистское искусство и т. Д. и даже поп-арт.

International Klein Blue остается самым известным художественным творением Кляйна, и это был цвет, который он запатентовал в 1961 году. Кляйн прокомментировал, что «[B] lue… вне измерений, тогда как другие цвета — нет. Все цвета вызывают определенные идеи, в то время как синий предполагает самое большее море и небо; а они, в конце концов, имеют реальную, видимую природу, что является наиболее абстрактным ». Кляйн использовал этот цвет во множестве монохромных работ, которые стали олицетворением всего его творчества, в том числе когда он использовался в представлении с участием обнаженных женщин, которые окунулись в краску перед тем, как прижаться к бумаге, и все это было направлено Кляйном в формальном вечернем наряде.

Ив Кляйн, Антропометрия, 1960.

24. Энди Уорхол (р. 1928)

Имя Энди Уорхола стало синонимом движения, которое было основополагающим для него и которое он воплотил в своей личной жизни и общественной персоне: поп-арт. Часто называя себя машиной, Уорхол исследовал роль образов и, в частности, средств массовой информации в современном потребительском американском обществе 1960-х годов.

Его теперь невероятно ценные и вездесущие шелкографии икон поп-культуры и потребителей брендов (включая таких фигур, как Мэрилин Монро и такие бренды, как Campbell’s Soup Cans) стали стандартным способом понимания американского общества в то время.Уорхол утверждал, что « [T] лучшее в картине то, что она никогда не меняется, даже когда люди на ней делают ».

Энди Уорхол, Мэрилин Диптих, 1962 год.

25. Герхард Рихтер (р. 1934)

Герхард Рихтер родился в Дрездене в 1934 году. Он является одним из самых известных и цитируемых ныне живущих художников, вместе с Дэвидом Хокни и Джеффом Кунсом. Его воспитание варьировалось от рекламы до сценического дизайна, но, как вы можете знать или не знать, он признан одним из лучших рисовальщиков и фигураторов целого века.В определенный момент своей жизни Рихтер, благодаря своей способности наблюдать и медитировать, заметил способность масляной краски перемещаться и растягиваться по поверхности, оставаясь влажной и влажной. Этот момент прозрения часто признается тем же самым моментом, когда художник обгонял формы и формы и вступал на новый путь, сделанный из выразительных и абстрактных цветовых знаков; те самые отметки, которые сегодня являются выражением его артистической личности. Так же, как Мондриан и Ротко, Рихтер достиг абстракции через изучение формы и реализма, что, по мнению многих, является единственным правдивым путем, которым следует следовать, чтобы достичь абстрактности бессознательного.

Изображение на обложке: Пит Мондриан,

Композиция C (№ III) с красным, желтым и синим, 1921.

Автор Макс Ланн и Марио Родольфо Сильва

Следите за обновлениями журнала Kooness, чтобы узнать больше интересных новостей из мира искусства.

Современное искусство | LACMA

Метрополис II Криса Бёрдена — это интенсивная кинетическая скульптура, созданная по образцу фа…

Каулин Смит — междисциплинарный художник из Лос-Анджелеса, чьи работы отражают…

View From Here: Recent Acquisitions представляет 16 недавно приобретенных работ.

Ёситомо Нара — один из самых любимых японских художников своего поколения.Его…

Пожалуй, самый доминирующий вид искусства за последние 100 лет, фильм имеет важное значение…

Вторник Утренники

Наслаждайтесь концертами ведущих международных и местных ансамблей в программах…

Искусство и музыка, Джаз в LACMA, Latin Sounds, Sunday Live

Живопись, эстамп, коллаж и многое другое — не выходя из дома!…

Random International’s Rain Room (2012) — это захватывающая среда вечного…

Дождевая комната

«150 портретных тонов Марка Брэдфорда», композиция размером с фреску, содержащая элементы…

Работы художника Роберта Ирвина за последние пять десятилетий исследовали восприятие…

«Без названия» Барбары Крюгер (Shafted) демонстрирует своеобразное использование рекламы…

Band (2006) можно квалифицировать как великое произведение Ричарда Серры, представляя самый полный…

Коллекция современного искусства LACMA, в которой представлены преимущественно европейские и американские произведения искусства…

Группа закупок и члены Художественного совета LACMA разделяют глубокую близость к…

Художественные советы, Группы по приобретению, Искусство Ближнего Востока: СОВРЕМЕННОЕ, Азиатский совет по искусству, Совет по костюмам, Совет по декоративному искусству и дизайну, LENS: Совет по фотографии, Совет по современному и современному искусству, Совет по гравюрам и рисункам

Добро пожаловать на страницу вакансий в Художественном музее округа Лос-Анджелес.Чтобы увидеть…

Работа, карьера, стажировка, волонтер

Присоединяйтесь к музейным педагогам, художникам, кураторам и экспертам в виртуальных беседах с художниками…

Создавать + сотрудничать

В «Золотом часе» более 70 художников и три фото-коллектива предлагают эстетику…

Основанный в 1967 году Центр консервации в LACMA поддерживает связь музея…

консервация живописи, консервация бумаги, консервация объектов, консервация текстиля, консервация науки, консервация изображений

Барбара Крюгер: Думаю о тебе.Я имею в виду себя. Я имею ввиду тебя. это крупная выставка де…

С участием Ай Вэйвэя, Хуан Юн Пина, Ван Гуаньи, Сюй Бина, Юэ Миньцзюня и других…

Помимо конкретных материалов, чернил и бумаги, существует нематериальный спирт…

В дополнение к презентации портретов Обамы Кехинде Вили и Эми С.

С момента их открытия в Национальной портретной галерее Смитсоновского института…

Международное современное искусство | Чикагский институт искусств

Обратите внимание: произведения искусства иногда не видны для визуализации, лечения или предоставления в другие учреждения.Нажмите на изображения, чтобы убедиться, что работа в настоящее время доступна для просмотра.

Пабло Пикассо

Один из самых ярких примеров раннего кубизма Пикассо, этот портрет дилера художника Даниэля-Генри Канвейлера (1884–1979) был создан в течение более чем 30 рабочих сессий. С каждым сеансом Пикассо продолжал ломаться и заново комбинировать формы, которые он видел, в конечном итоге придя к изображению Канвейлера как сети мерцающих, полупрозрачных поверхностей, которые распадаются на разные плоскости и формы.

Габриэле Мюнтер

Габриэль Мюнтер, одна из ведущих современных художников Германии, была известна своим использованием насыщенных цветов и свободной манерой письма, граничащей с абстракцией. Часто используя игрушки в качестве сюжетов натюрмортов, она придала своим работам живость и остроумие. Здесь на ее картине изображена восковая кукла, сделанная ее другом, русским танцором Александром Сахаровым.

Василий Кандинский

В своей основополагающей публикации 1912 года « О духовном в искусстве » Василий Кандинский пропагандировал искусство, которое может выйти за рамки имитации физического мира, вдохновляя, как он выразился, «вибрации в душе». Импровизация № 30 (Пушки) — одна из первых работ, в которых он попытался изобразить эти «вибрации». — — выдающаяся работа в коллекции современного искусства Института искусств, которая включает пять ключевых картин Кандинского.

Анри Матисс

Эта монументальная картина — результат интенсивных экспериментов и доработок художника Анри Матисса. Первоначально он рисовал эту работу как пасторальную сцену стоящих и сидящих купальщиков, но в течение следующего десятилетия он превратил ее в композицию с кубистическими нотками, наблюдаемую сегодня.Когда в 1953 году картина была приобретена Художественным институтом, Матисс сказал директору музея, что считает ее одной из пяти своих главных работ.

Фрэнсис Пикабиа

В 1913 году во время трансатлантического путешествия в Нью-Йорк Фрэнсиса Пикабиа позабавили два попутчика: экзотический танцор и доминиканский священник, которые не могли устоять перед соблазном посмотреть, как танцор репетирует. В ответ Пикабиа создал это монументальное полотно, которое вызывает ощущения танца и корабля, движущегося по волнам моря.Он назвал работу Edtaonisl , аббревиатуру, полученную путем чередования букв французских слов étoile (звезда) и dans [e] (танец).

Джорджо де Кирико

Среди самых влиятельных образов в ранней истории сюрреализма картина Джорджо де Кирико « The Philosopher’s Conquest » кажется изобилующей смыслом, но остается решительно загадочной. Сопоставляя несовместимые объекты, художник стремился создать то, что он называл искусством, напоминающее «беспокойство мифа».«Работы Де Кирико глубоко повлияли на художников, связанных с движением сюрреалистов, которые в 1920-х и 1930-х годах использовали аналогичные нетрадиционные сочетания для исследования области подсознания в своих работах.

Казимир Малевич

Работая в России в 1915 году, Казимир Малевич изобрел супрематизм, революционный способ абстракции, который он считал новым типом реализма. Отрываясь от наблюдаемой реальности, чтобы вместо этого сосредоточиться на отношениях между цветными геометрическими формами на текстурированном белом фоне, художник освободил свои композиции от традиционных данностей — таких как верх или низ, левый или правый — и представил повседневные сцены, такие как спортсмен, играющий в футбол. , как если бы они существовали в четырех измерениях.

Франтишек Купка

Среди первых сторонников абстрактной живописи в Европе Франтишек Купка иммигрировал из Богемии (на территории современной Чехии) в Париж в 1896 году. Путешествуя по Парижу и Шартру, Франция, он изучал витражи готических и романских соборов и создали сияющие абстракции, передающие ощущение света, проходящего через цветное стекло.

Сюзанна Дюшан

Работая одновременно как абстрактная картина и конкретное стихотворение, картина Сюзанны Дюшан «Разбитое и восстановленное умножение» наполнена визуальными и словесными метафорами беспорядка и разрушения.В этом подобном коллажу массиве она переворачивает знаковую металлическую решетку Эйфелевой башни вверх дном, предупреждая нас о хрупкости, но также и гибкости таких систем, как язык и память, которые позволяют нам узнавать свое место в мире. даже если он, кажется, разваливается.

« Золотая птица» Константина Бранкузи — это икона современной скульптуры и одна из более чем двух десятков скульптур «Птица », созданных художником в поисках самодостаточной формы.Как однажды сказал Бранкуши: «Всю свою жизнь я стремился передать сущность полета». В этой работе почти не упоминаются такие детали, как ступни, хвост и вздернутый клюв, а элегантный обтекаемый силуэт полированной бронзы контрастирует с грубой деревянной основой.

Пит Мондриан

Пит Мондриан, член-основатель революционного международного движения De Stijl (Стиль), утверждал, что «прямая линия говорит правду». Обманчиво простые его работы — результат постоянной корректировки для достижения абсолютного баланса и гармонии.В композиции Lozenge Composition с желтым, черным, синим, красным и серым Мондриан повернул квадратный холст на 90 градусов, чтобы создать динамическую связь между прямолинейной композицией и диагональными линиями краев опоры.

Пабло Пикассо

Один из самых плодовитых художников 20-го века, Пикассо, возможно, повлиял на направление современного искусства больше, чем какая-либо другая фигура. В этой работе, портрете Мари-Терезы Вальтер, он использовал подход, отраженный как кубизмом, так и сюрреализмом, изображая лицо Уолтера как спереди, так и в профиль одновременно.

Марсель Дюшан

Хотя Марсель Дюшан начал свою карьеру как художник, он наиболее известен своими попытками доказать конец «ретинального искусства» или произведений искусства, созданных, чтобы радовать глаз. Его ответом был «готовый», обычный объект, превращенный в произведение искусства просто посредством его выбора и обозначения как такового художником. Его стеллаж для бутылок , впервые реализованный в 1914 году, является самой ранней работой этого типа и был приобретен Художественным институтом в 2018 году.Узнайте больше о стойке для бутылок Дюшана в блоге музея.

Макс Бекманн

Среди самых смелых и ярких автопортретов Макса Бекмана это была, пожалуй, последняя картина, которую художник завершил в Берлине перед тем, как он и его жена бежали в Нидерланды — всего через два дня после того, как Адольф Гитлер произнес речь, осуждающую современную эпоху. Изобразительное искусство. В 1937 году, вскоре после создания этой работы, более 500 его работ были конфискованы из государственных собраний Германии.

Марк Шагал

Белое распятие представляет собой переломный момент для Марка Шагала и истории искусства ХХ века: это была первая из серии композиций, в которых художник изображал Христа как еврейского мученика и отождествлял нацистов с мучителями Христа. Написанная в ответ на ужас и травму Хрустальной ночи, антиеврейского погрома, эта работа является одной из самых откровенно политических картин в карьере Шагала.

Современное искусство середины века на продажу

Что такое модерн середины века? Если вы поклонник дизайна, то наверняка слышали о стиле модерн середины века. Имеется в виду стиль в искусстве и дизайне послевоенного периода. Что составляло дизайн, обстановку и искусство тех лет, и почему модерн середины века по-прежнему так востребован? Узнайте больше о стиле и купите нашу подборку тщательно отобранных произведений искусства в стиле модерн середины века!

Стилистические особенности модерна середины века

Модерн середины века относятся к архитектурным, дизайнерским и графическим тенденциям середины 20 века.Некоторые определения датируют этот стиль уже годами движения Баухаус, тогда как другие включают только 1950-х и 1960-е годы .

Характерными чертами современного дизайна середины века являются четкие линии, простые органические и геометрические формы, а также смелый и простой дизайн. Прочные пластиковые материалы, такие как винил и оргстекло, сочетаются с традиционными материалами, такими как массив дерева и алюминий.

Графические и художественные произведения часто бывают декоративными и сдержанными по цвету.Для этого стиля характерны высокая функциональность и удобство использования. Эргономичность современной мебели и предметов середины века — одна из ее самых отличительных черт.

Известные современные дизайнеры середины века

Сегодня, современные дизайнеры и художники середины века по-прежнему пользуются уважением. Их мебель, архитектура и предметы искусства продаются по самым высоким ценам, и многие из них стали культовой классикой. Среди известных скандинавских дизайнеров: Арне Якобсен, Алвар Аалто и Вернер Пантон .Из США широко известны имена Florence Knoll, Ludwig Mies van der Rohe, Herman Miller, Ero Saarinen , архитектора Frank LLoyd Wright , а также Charles and Ray Eames . Мебель середины века, в частности, стулья, стали иконами дизайна. Кресло Lounge Chair от Рэя и Чарльза Имз — одна из таких икон. Другие включают кресло Egg Chair и Antchair от Arne Jacobs, кресло Harry Bertoia’s Side Chair и кресло Diamond Chair , а также сиденье из проволочной сетки или кресло Tulip Chair от Eero Saarinen.Вы все еще можете купить эти стулья у швейцарского производителя Vitra и американского гиганта офисной мебели Knoll.

Пример дизайнерских стульев показывает, почему модерн середины века по-прежнему пользуется неизменной популярностью сегодня. Дизайн вневременной , потому что он не требует украшений. Комфорт и эргономические качества непревзойденны, как и качество мебели .

Сегодня этот стиль обычно встречается в некотором роде дизайнерской эклектики: нет необходимости иметь целостный интерьер в стиле середины века.Хорошо подобранные отдельные предметы могут органично вписаться практически в любой интерьер. Модерн середины века стал не только историческим артефактом, но и обязательным условием дизайна: на блошином рынке, на чердаке бабушки или в Интернете вы все еще можете найти замечательные изделия этой эпохи дизайна или вдохновленные ею — как винтажными, так и ретро.

Современное искусство середины века

Поскольку модерн середины века охватывал несколько десятилетий, вы можете наблюдать большое разнообразие стилей и направлений в искусстве и графике.За это время Энди Уорхол сделал шелкографии суповых банок и знаменитостей. Джексон Поллок создал огромные неоэкспрессионистские работы с помощью своей фирменной техники капания и распыления. В то же время были популярны чисто декоративные художественные принты с так называемым атомным узором , а также грубая керамика, вдохновленная архитектурным стилем брутализма.

Узнайте, какие работы подходят для какой мебели или стилей декора, и какие художники LUMAS сознательно выбрали стиль модерна середины века.

Архитектура

Огромное изменение городского пейзажа и образа жизни людей после Второй мировой войны принесла «сильная» архитектура. Американский преемник Баухауза, «международный модернизм», начал свое триумфальное шествие по миру. В городах построено небоскребов под офисные помещения или крупных жилых проектов. В Подмосковье построены модульные доступные по цене односемейные дома. Это была высшая точка демократического социалистического планирования во всем мире.Нехватку жилья необходимо было ликвидировать, и семьям потребовалось собственное доступное жилье, чтобы избежать замкнутости семьи, состоящей из нескольких поколений. Экономический подъем в Европе и Америке позволил многим людям наслаждаться комфортным уровнем жизни. Многие молодые семьи могли позволить себе только что построенные дома со стильной мебелью и предметами искусства и восприняли современный стиль. Для нашего периода характерно то, что мы начинаем осознавать тот факт, что архитектурные шедевры создавались попутно, и в ретроспективе.Некоторым из этих зданий уже 70 лет, но они выглядят так, как будто были построены вчера.

Эта захватывающая вневременная архитектура привлекает художников и по сей день. Эффектные домики часто используют как съемочные площадки или для фотосессий в стиле ретро. Откройте для себя необычные архитектурные фотографии и репродукции современного искусства середины века в нашем портфолио.

Стефани Клосс изображает современную архитектуру середины века Южной Калифорнии. Тим Хёльшер документирует заправочные станции экономического чуда, подчеркивая их основные особенности в цифровом постпродакшне.Мартин Каспер, с другой стороны, рисует футуристические, нереальные интерьеры в классических традициях середины века. Сабина Уайлд превращает свои городские пейзажи в шедевры постмодернистского экспрессионизма. Такие художники, как Клосс, Каспер и Вильд, работают с архитектурой середины века по-своему — найдите своих фаворитов прямо сейчас.

Абстрактное и поп-арт

В искусстве 20-го века часто думают, что за образным периодом следует период возрастающей абстракции. Начиная с 1950-х годов художники все больше полагались на абстрактный экспрессионистский визуальный язык. Марк Ротко создал свою картину цветового поля, а Джексон Поллок полностью изменил определение экспрессионизма. Что касается декоративного искусства в домашнем пространстве, работы были основаны на стилях предшественников, таких как Кандинский, Матисс или Миро. Геометрические узоры, земляные тона, основные цвета или мягкие пастельные тона характеризуют эти произведения искусства. Современное абстрактное искусство середины века разделяет эти общие тенденции к абстракции, сохраняя при этом простые, фундаментальные формы и формы.

В 60-е годы поп-арт был сенсацией: смелым, ярким, критически настроенным по отношению к массовому потреблению и отражающим новое отношение к личности в обществе. Некоторые художники работали с коллажами, напоминающими дадаизм или сюрреализм. Многие художники также отвернулись от фигуративного мира, ища вдохновения в стихийном и интуитивном. Созерцание зрителя стало важнее суверенности интерпретации, предписанной художником. Художники LUMAS также играют с абстракцией и репрезентативностью в манере, напоминающей манеру художников середины века, отрывающихся от строго реалистичных представлений.

Современные пейзажи середины века

Фотографические работы Джулии Кристи кажутся воздушными и мечтательными. Только со второго взгляда узнаешь маленькие сцены в залитых светом пейзажах. Такой сдержанный образ отлично впишется как в ярко оформленные апартаменты, так и в гостиные в стиле минимализма. Стильно поставленные пейзажи Кейт Шоу явно вдохновлены поп-артом и психоделическим искусством. На ее натурных принтах изображен полностью искусственный пейзаж, состоящий из мерцающих пастельных и неоновых тонов.Эта красочная интерпретация пейзажного искусства гарантированно понравится публике, особенно на фоне ненавязчивой мебели середины века.

Изучите подборку наших кураторов произведений искусства, воплощающих и вдохновленных модерном середины века, и найдите подходящее произведение искусства для своего дома. Его винтажный и ретро-стиль хорошо сочетается со многими схемами декора. Несмотря на то, что все произведения искусства доступны в различных вариантах обрамления, наши кураторы рекомендуют эти произведения искусства без рамки, что позволяет полностью выделить эффект середины века.

Разница между современным искусством и современным искусством

При обсуждении разницы между современным искусством и современным искусством важно рассказать историю Гюстава Курбе, французского художника, который возглавил движение Realist в 19-м ^-м -м веке

Courbet бросил вызов концепции романтизма большинства известных художников своего времени. Он оставался твердым в своих убеждениях, которые рисовали только то, что могли видеть глаза. Кубисты и импрессионисты были одними из многих групп художников, которые восприняли влияние его «независимого ума», которое помогло им расцвести и улучшить свои произведения.

Современное искусство против современного искусства — основные различия на снимке

1. Современное искусство относится к искусству, зародившемуся в 1880-х годах. Современное искусство описывает работы художников, которые все еще живут и создают произведения искусства.
2. Современное искусство революционно по своему происхождению (антиромантизм), в то время как современное искусство революционно из-за свободы и масштабов экспериментов художников
3. Современное искусство более самовыражено, в то время как современное искусство обращает внимание на общество, поэтому известно из-за своего социального воздействия
4. Современное искусство в основном создается на холстах, в то время как современное искусство присутствует во всех средах, о которых вы можете подумать — видеоарт, произведения искусства с использованием технологий, объектный дизайн, графическое искусство
5. Современное искусство фокусируется на субъективном представлении выбранные темы, в то время как современное искусство занимает твердую позицию по социальным, политическим и культурным аспектам мира

Рассказ, который нужно рассказать, чтобы объяснить разницу между современным и современным искусством, поэтому давайте разберемся с этим немного подробнее

Как Курбе похоронил романтизм и породил современное искусство? Густав Курбе — Похороны в Орнане

Густав Курбе, как и его знаменитая картина «Похороны в Орнане», остался верен своему восприятию реализма и только «писал то, что видел».

Картина изображала захоронение дяди Курбе в небольшом французском городке Орнан, и на ней не было преувеличенных визуальных деталей.

Эмоции горя и траура не отображались. В отличие от обычных романтических картин, которые показывают эмоции и сюрреализм. Он остался верен своей реалистичности.

Стиль романтизма стал известен в эпоху 1849-50 гг., Когда искусство все еще создавалось традиционными методами. Это было время, когда Курбе написал и выпустил картину «Похороны в Орнане», и критикам не понравилась работа, особенно ее странный размер — 10 на 22 фута.

Он рисовал реальных людей, которые действительно присутствовали при захоронении, вместо художественных моделей.

«Захоронение Орнана было на самом деле захоронением романтизма» В конце концов Курбе пришел к выводу.

Никто из его друзей, семьи или близких не мог предвидеть успеха и славы, которые картина принесла миру искусства. Его другой стиль закрепил за ним имя «первого современного художника» и положил начало «периоду современного искусства»

Что такое современное искусство?

Когда мы слышим слово modern , мы начинаем задумываться о новых, модных и модных вещах в мире.

«Современное искусство» можно описать просто как стиль и философию произведений искусства, созданных в период 1890-1960 годов.

Другими словами, в стиле использовались многие концепции современного искусства, но в нем больше внимания уделялось социальным, экономическим и политическим вопросам. Это стало возможным благодаря использованию новых материалов и компонентов в производстве произведений искусства. Основная цель современного искусства — отказаться от традиционных традиций прошлого мира и сосредоточиться на новом подходе к выявлению и оценке текущих проблем мира.

Как современное искусство познакомило нас с новой эрой искусства?

Движение модернизма внесло в мир искусства много свежих концепций и идей.

В результате многие художники того времени начали использовать мечты, символизм и личную иконографию в качестве своего основного стиля. Некоторые другие художники начали пробовать использовать окраску и нетрадиционные материалы.

Многие известные художники, такие как Пабло Пикассо, восприняли это влияние, и он представил новый стиль живописи с модернизмом.Это называлось кубизмом, который был известен своими геометрическими формами. Затем это развивалось до 1830-х годов.

Изобретение художественной фотографии и пленочных фотоаппаратов дало художникам новые возможности для иллюстрации мира и декораций в своих работах.

Современное искусство используется для передачи эпохи «модернизма», времени, когда искусство описывается различными терминами, заканчивающимися «измом», такими как; Фовизм, импрессионизм, постимпрессионизм, дадаизм, кубизм, сюрреализм, экспрессионизм, поп-арт и многие другие направления в искусстве.

Все это легло в основу искусства модернизма. Эти художественные движения находились под влиянием ряда факторов, таких как; Африканское и азиатское искусство, свет, культура, история и т. Д.

Некоторые из самых известных «мастеров модернизма»: Пабло Пикассо, Винсент Ван Гог, Жорж Сёра, Поль Сезанн, Андре Дерен, Анри Матисс, Анри де Тулуза, Пит Мондриан, Рауль Дюфи, Морис де Вламинк, Пьер-Огюст Ренуар, Василий Кандинский и Эдуард Мане — это лишь некоторые из них.

Прочитать 10 лучших картин современного искусства

Что такое современное искусство?

По определению, современное искусство относится к произведениям искусства, созданным после Второй мировой войны, и используется для описания работ художников, которые все еще живут и создают произведения искусства.

Вплоть до 1910 года, когда этот термин был впервые использован, искусствовед Роджер Фрай основал в Лондоне Общество современного искусства.

После Второй мировой войны этот термин использовался для определения художественного направления.

Критики описали это как эпоху, когда «современное искусство» уже не было достаточно современным, чтобы оказывать положительное влияние на молодое поколение.

На протяжении всей истории термин современный также можно проследить до времен модернизма , но это был особый вид искусства, который не описывал конкретный период.

Вместо этого он был основан только на текущих вопросах, таких как социальные, экономические и политические вопросы.

Характеристики современного искусства

Эпоха современного искусства породила экспериментальные произведения, которые затрагивают более широкий круг социальных, экономических и политических проблем.

Эта идея отражала проблемы, которые затрагивают мир сегодня, которые выражаются в форме расизма, глобализации, угнетения, бедности, феминизма и многих других. За последние 30 лет мы стали свидетелями растущего списка произведений искусства, которые привлекают внимание к наиболее важным и неотложным вопросам.Все они были освещены видеоартом, салонами, предметным дизайном, графикой и социальными сетями.

Современное искусство также похоже на решение и выявление большего количества проблем, которые возникнут в будущем. Это одно из самых ярких различий между модерном и современным искусством.

Для тех, кто любит изучать современное и современное искусство, в мире есть много мест, где можно увидеть и испытать все это. Возьмем, к примеру, Нью-Йорк, который является одним из крупнейших городов США, где находятся одни из самых богатых музеев с бесчисленными захватывающими дух произведениями.

Каким будет будущее искусства?

В основном благодаря появлению новых технологий искусство стало более доступным для большей аудитории и художников. Несмотря на все замечательные вещи, которые может предложить этот мир, будущее не будет застраховано от неприятных событий, которые могут произойти.

С появлением большего количества этих технологий, сегодня действительно прекрасное время для того, чтобы стать художником. Прочтите о художественных музеях современного искусства, которые необходимо посетить.

Для глубокомыслящих и очень творческих людей вы можете осуществить свою мечту и самостоятельно создать серию произведений искусства. Это может позволить вам произвести впечатление даже на самых ярых энтузиастов современного искусства, заставив их больше ценить современное искусство.

То, что Гюстав Курбе делал в прошлом, вполне может повторить никто иной, как вы.

Аналогичное прочтение

Современное искусство против современного искусства — определение «сейчас» от «тогда»

Согласно Словарю Мерриам-Вебстера, слово «современное» определяется как «относящееся к настоящему времени или относящееся к настоящему времени».Слово «современный» определяется как «происходит или начинается сейчас или в недавнее время». Хотя эти определения могут показаться похожими или даже почти идентичными, с точки зрения жанров искусства, они очень несовместимы.

Движение современного искусства началось в 1860-х годах в период промышленной революции. С появлением фотографии художники больше не видели необходимости заниматься искусством исключительно ради изображения реальности. Поэтому многие художники начали экспериментировать с цветом, формой, формой, абстракцией, различными средами и различными техниками.Современное искусство стало серьезным отклонением от техники прошлого, как описано ниже Мелиссой Хо, помощником хранителя музея Хиршорн:

«[Традиционная академическая живопись 17-го, 18-го и 19-го веков] была посвящена совершенной, бесшовной технике и использовала эту совершенную, бесшовную технику для выполнения очень хорошо установленных предметов […] В современном искусстве этот новый акцент делается на ценность быть оригинальным и делать что-то новаторское ».

Рой Ликтенштейн,
Зеркало №5
, 1972 г., литография, 34 ″ x 24 ″

Современное искусство уступило место множеству различных направлений и движений, включая футуризм, кубизм, абстрактный экспрессионизм, поп-арт и многие другие.Аль Хельд и Рой Лихтенштейн были двумя очень влиятельными современными художниками, которые помогли определить тенденции модернизма, и мы гордимся тем, что работы обоих включены в Постоянную коллекцию искусства Эскалетт. Аль-Хельд был в первую очередь сосредоточен на абстрактном экспрессионизме, но особенно любил играть с геометрическими формами, слоями и иллюзиями. Все три компонента четко представлены в его работах Stoneridge, , которые в настоящее время выставлены в Beckman Hall на третьем этаже. Рой Лихтенштейн, с другой стороны, был страстным участником и лидером движения поп-арт.В начале своей карьеры он изображал широко известные изображения из комиксов и рекламы, придавая им свой собственный вид, используя яркие цвета и большие формы. Однако позже в своей карьере, в 1970-х годах, он начал экспериментировать с более абстрактными формами, что можно увидеть в его работе Mirror # 5, , которая также выставлена ​​на третьем этаже Beckman Hall.

Al Held,
Stoneridge
, 1983, Офорт и акватинта на бумаге, 22,75 ″ x 40 ″

Современное искусство, с другой стороны, обычно менее четко определено, чем предыдущая тема.Этот стиль чаще всего описывают как принадлежащий художникам, живущим до сих пор. Подобно тому, что стимулировало движение современного искусства, современное искусство начало включать новые среды, соответствующие достижениям общества в ресурсах и технологиях, включая видеоарт, искусство для конкретных мест и искусство инсталляции.

Лиза Адамс,
The Wood Family
, 1995, смешанная техника на дереве, 60 ″ x 48 ″

Большая часть постоянной коллекции произведений искусства Эскалетт представляет собой некоторые интригующие произведения современных художников.Двое из этих художников — Лиза Адамс и Эллина Кеворкян, чьи работы выставлены на четвертом этаже Beckman Hall. Лиза Адамс в основном занимается созданием картин и гуашей и обычно изображает сцены природы. В The Wood Family, Адамс дополнительно включает природу в свое произведение, добавляя дерево в качестве материала в самой работе. Дальнейшим исследованием идеи смешанной техники в рамках отдельного произведения искусства является Эллина Кеворкян, которая, как она рекламирует на своем собственном веб-сайте, «создает гибридные отношения между живописью, фотографией, видео и перформансом, используя тропы, юмор и визуальные языки. искусство и популярная культура.Кеворкян — «современница» во всех смыслах этого слова, и ее работа не может быть представлена ​​лучше, чем в ее произведении «Прошлой ночью мои слезы текли, я ложился спать так грустно и грустно, а потом мне приснился сон о тебе». Используя блеск, аэрозольную краску, акриловую краску, кружево и слоеную краску, Кеворкян создает богатый мир, высмеивая образ того, что широко считается «женственным».

Эллина Кеворкян,
Прошлой ночью у меня текли слезы, я легла спать такая грустная и грустная, потом мне приснился сон о тебе
, 2002, смешанная техника, 84 ″ x 72 ″

Хотя современное искусство и современное искусство могут казаться похожими, по форме и практике они довольно контрастируют.Во многих отношениях современное искусство заложило основу для современного искусства, поскольку оба, похоже, возникли непосредственно в результате технологических достижений в обществе и заинтересованы в том, чтобы показать популярную культуру или социальные проблемы соответствующего периода времени. Мы здесь, в Escalette Collection, приглашаем вас взглянуть на произведения искусства, выставленные по всему кампусу Университета Чепмена, изучить нашу обширную коллекцию современных и современных художников и посмотреть, сможете ли вы определить, что делает каждого из них уникальным!

Современное и современное искусство | Художественная галерея Йельского университета

Первые годы 20-го века в изобразительном искусстве характеризовались радикальной международной переоценкой отношений между видением и репрезентацией, а также социальной и политической роли художников в обществе в целом.Необычайная современная коллекция Художественной галереи Йельского университета охватывает эти годы драматических изменений и включает богатые коллекции абстрактной живописи таких художников, как Пабло Пикассо, Жорж Брак и Василий Кандинский, а также картин и скульптур, связанных с немецким экспрессионизмом, русским языком. Конструктивизм, Де Стидж, Дада и сюрреализм. Многие из этих работ поступили в Йель в виде подарков и завещаний из важных американских коллекций, включая коллекции Молли и Уолтера Барейсс, Б.С. 1940-х гг .; Стивен Карлтон Кларк, B.A. 1903; Мистер и миссис Пол Меллон, B.A. 1929; Кэтрин Ордуэй; и Джон Хэй Уитни.

Искусство с 1920 по 1940 год широко представлено в Галерее группой предметов, собранных Société Anonyme, организацией художников, основанной Кэтрин С. Дрейер и Марселем Дюшаном вместе с Ман Рэем. Эта замечательная коллекция, которая была передана Йельскому университету в 1941 году, включает в себя богатый набор картин, рисунков, гравюр и скульптур крупных художников 20-го века, в том числе Марселя Дюшана, Константина Бранкузи, Эль Лисицкого и Пита Мондриана, а также других художников. -известные художники, внесшие важный вклад в модернистское движение.

Галерея также широко известна своей выдающейся коллекцией американской живописи после Второй мировой войны. Основные моменты включают работу Джексона Поллока Number 13A: Arabesque (1948) и Роя Лихтенштейна Blam (1962), часть более крупного подарка из важных послевоенных работ, подаренных Галерее Ричардом Брауном Бейкером, B.A. 1935. Недавние подарки Чарльза Б. Бененсона, Б.А. 1933, и Терстон Твигг-Смит, Б. 1942 г. значительно расширили коллекцию работами таких художников, как Джеймс Розенквист, Эд Руша и Уэйн Тибо.

Кафедра продолжает поддерживать программу «Художник-резидент Хэппи и Боба Дорана», основанную в 2003 году. Приглашенные художники используют преимущества больших интеллектуальных и физических ресурсов университета. Среди художников-участников были Джанин Антони, Кэрол Боув, Шерил Линн Брюс, Юн-Фей Джи, Керри Джеймс Маршалл, Томас Нозковски, Ричард Резак, Трис Вонна-Мичелл, Ричард Таттл, Уильям Т.