Композиторы эпохи барокко и рококо

Композиторы эпохи

Барокко и Рококо

Эпохой барокко называют примерно 150 лет с начала XVII до середины XVIII века. Этот период сыграл важнейшую роль в развитии музыки. Появились настоящие оркестры, родилась опера, получили развитие многие музыкальные термины и концепции, которые живы и по сей день . 

Concerto grosso эпоха Барокко

Барокко

Барокко — художественный стиль, зародившийся в Италии и распространившийся в другие страны Европы с конца

XVI до середины XVIII в.

Название стиля происходит от португальского — «жемчужина неправильной формы»; в значении «причудливый», «странный»,  «склонный к излишествам“,»изменчивый»

В барочной музыке, как и в музыке Ренессанса, были широко распространены полифония и контрапункт, но использовались эти приемы совершенно иначе. Вместо переплетенных мелодий в барочной музыке появился солирующий голос или инструмент в сопровождении басового голоса. Монтеверди назвал новую технику, появившуюся в конце XVI века, secondo prattica (второй формой) в отличие от primo prattico (первой формы) Ренессанса. Басовый голос многоголосного сочинения получил название basso continuo (непрерывный бас). В basso continuo имелись свои аккорды, которые обозначались цифрами. Сочетание сольного пения с аккомпанементом basso continuo стали называть «монодией» (от греческого слова, обозначающего пение в одиночку).

Искусство барокко раскрывает сущность жизни в движении и борьбе случайных изменчивых стихийных сил.

Основные черты барокко — парадность, торжественность, динамичность.

Особенности музыки барокко

• Неожиданные переходы
• Контрасты и противопоставления
• Технически трудные, виртуозные пассажи
• Одновременное звучание множества инструментов
• Использование танцевальных ритмов

прелюдия

В эпоху барокко музыку часто писали певцы и музыканты-виртуозы, поэтому она была очень сложна для исполнения. В барочной музыке широко использовались «украшения» — часто они были импровизацией исполнителя.

Музыкальные инструменты стали играть более важную роль. Традиция пения a cappella («в церковной манере»), то есть без инструментального аккомпанемента, начала постепенно уходить в прошлое.

В результате развития монодии появилась опера. Такой метод пения позволял слушателям четко слышать текст, исполняемый певцом-солистом в сопровождении музыкальных инструментов. Солисты получили возможность драматически интерпретировать музыку. Считается, что опера появилась благодаря флорентийской камерате — кружку любителей музыки, поэтов, ученых-гуманистов и профессиональных музыкантов в конце XVI века .

Музыканты при дворе Медичи , Антонио Доменико Габбиани (1652-1726). 

Якопо Пери

Итальянский композитор и певец, участник Флорентийской камераты, автор произведения, которое считается первой оперой, и старейшей сохранившейся оперы «Эвридика».

Родился: 20 августа 1561 г., Рим, Италия

Умер: 12 августа 1633 г.

(71 год), Флоренция, Италия

Клаудио Монтеверди

Итальянский композитор, один из крупнейших в эпоху перехода от позднего Ренессанса к раннему барокко. Наиболее известные сочинения Монтеверди — поздние мадригалы, Плач Ариадны, опера «Орфей» и Вечерня.

Родился: 15 мая 1567 г., Кремона, Италия

Умер: 29 ноября 1643 г. (76 лет), Венеция

Эпоха барокко дала нам не только оперу, но и оркестр. В этот период активно развивались музыкальные инструменты. Многие известные композиторы и музыканты этого времени работали при королевских дворах Европы и в аристократических семействах. При дворах существовали небольшие музыкальные ансамбли, исполнявшие новые сочинения. Эпоха барокко — период расцвета камерной музыки. Особую популярность приобретали различные музыкальные инструменты, в первую очередь скрипка. Но для исполнения опер небольших ансамблей было мало. Так появились оркестры.

Орган – ведущий инструмент эпохи барокко.

Главным жанром органной музыки стала фуга.

Для органа также писали канцоны, ричеркары, токкаты, фантазии, прелюдии, каприччио, чаконы, пассакалии, хоральные прелюдии.

Берлинский кафедральный собор

Джироламо 

Фрескобальди  

Итальянский композитор, органист и клавесинист.

Один из наиболее известных и значительных представителей раннего барокко.

Родился: 13 сентября 1583 г., Феррара, Италия

Умер: 1 марта 1643 г.

(59 лет), Рим, Италия

Дитрих Букстехуде

Немецкий композитор и органист, по происхождению датчанин. Крупный представитель северонемецкой органной школы, один из наиболее известных композиторов эпохи барокко.

Родился: 1637 г., Хельсингборг, Сконе, Датско-норвежская уния

Умер: 9 мая 1707 г.

(70 лет), Вольный и ганзейский город Любек, Священная Римская империя

Иоганн Пахельбель

Немецкий композитор и органист. Творчество Пахельбеля — одна из вершин южнонемецкой органной музыки периода барокко. Наиболее значителен вклад Пахельбеля в развитие протестантской церковной музыки.

Родился: 1 сентября 1653 г., Нюрнберг, Священная Римская империя

Умер: 3 марта 1706 г. (52 года), Нюрнберг, Священная Римская империя

Георг Бём

Немецкий композитор и органист. Известен своим вкладом в развитие формы хоральной партиты и влиянием на творчество Иоганна Себастьяна Баха в молодости. Представитель северонемецкой органной школы.

Родился: 2 сентября 1661 г., Хоэнкирхен, Тюрингия

Умер: 18 мая 1733 г.

(71 год), Люнебург

Георг   Филипп   Телеман

Немецкий композитор, капельмейстер, музыкальный критик и общественный деятель. Известен также под анаграмматическим псевдонимом Меланте. Был широко известным музыкантом в Германии и за её пределами. Как композитор работал во всех современных ему жанрах музыкального искусства. Внёс значительный вклад в концертную жизнь, издательское дело и музыкальное образование Германии.

Родился: 14 марта 1681 г., Магдебург, Германия

Умер: 25 июня 1767 г.

(86 лет), Гамбург

Иоганн   Себастьян   Бах  – немецкий композитор и музыкант эпохи Барокко, собравший и совместивший в своем творчестве традиции и наиболее значимые достижения европейского музыкального искусства, а также обогативший все это виртуозным применением контрапункта и тонким чувством совершенной гармонии. 

21 марта 1685 – 28 июля 1750 гг.

Георг Фридрих

Гендель

Немецкий и английский композитор эпохи барокко, известный своими операми, ораториями и концертами. Гендель родился в Германии в один год с Иоганном Себастьяном Бахом и Доменико Скарлатти.

23 февраля 1685 — 14 апреля 1759 гг.

Гендель представляет «Музыку на воде»

королю Георгу I

Генри Пёрселл

Английский композитор, крупнейший представитель раннего английского барокко. Писал практически во всех жанрах/формах современной ему музыки — автор знаменитой оперы «Дидона и Эней», нескольких семи-опер, музыки к драматическим спектаклям, пьес для инструментального консорта, хоровых антемов, приветственных и траурных од, светских и духовных песен

Родился:10 сентября 1659 г., Вестминстер, Лондон

Умер: 21 ноября 1695 г.

(36 лет), Вестминстер, Лондон

Арканджело Корелли

(1653–1713)

17 февраля 1653, Фузиньяно, Равенна — 8 января 1713, Рим) — выдающийся итальянский скрипач и композитор, считающийся создателем художественной игры на скрипке.

  Корелли создал классические образцы главных инструментальных жанров барокко — sonata da camera и da chiesa (светских и церковных трио-сонат), сонат для скрипки и  concerti grossi. Корелли содействовал развитию формы скрипичного концерта. 

Антонио Вивальди 1678 – 1741

вивальди

Анто́нио Лючио Вива́льди

Итальянский композитор, скрипач, педагог, дирижёр, католический священник. Вивальди — мастер ансамблево-оркестрового концерта — кончерто гроссо, автор 90 опер.

Его наиболее известной работой является серия из четырёх скрипичных концертов

«Времена года».

Рококо — стиль, который появился во Франции первой половины XVIII века. Принято считать, что он стал апогеем барокко. Стиль рококо в музыке выделяется за счет своей яркости, грациозности и утонченности. В других сферах он себя проявляется излишней, порой, загруженностью интерьеров и архитектурных строений

Стиль рококо в музыке предполагает акцентирование внимания на галантность персонажей, на необычные пейзажи. Используется не только клавесин, но и скрипка, флейта и гобой.

Музыка была составлена по сюитному принципу, которое с течением времени пополнялось все более мельчайшими и значимыми деталями и украшениями. Например, появились «вставные» танцы (паспье, бурре, менуэт, павана).

Источниками вдохновения музыкантов и художников данной эпохи стали давние мифы. Идеализация пастушеской жизни. Стиль рококо в музыке получил наибольшее распространение и популярность в Баварии и во Франции.

Концерт во дворце Иоганн Георг Платцер

Алессандро Скарлатти

Итальянский композитор эпохи барокко. Написал более 60 опер, считается основателем Неаполитанской оперной школы. Брат композитора Франческо Скарлатти; отец композиторов Доменико Скарлатти и Пьетро Филиппо Скарлатти. Наставник Эмануила Асторга.

Родился: 2 мая 1660 г., Палермо, Сицилия

Умер: 24 октября 1725 г. (65 лет), Неаполь, Италия

Дети: Доменико Скарлатти, Пьетро Филиппо Скарлатти

Доменико Скарлатти

знаменитый итальянский композитор, клавесинист-виртуоз, дирижер XVIII века. Его сочинительский стиль оказал большое влияние на музыку эпохи классицизма, хотя он сам жил в эпоху барокко.

Родился: 26 октября

1685 г., Неаполь, Италия

Умер: 23 июля 1757 г.

(71 год), Мадрид, Испанская империя

Наибольший вклад Франсуа  Куперен  совершил в развитие клавесинного стиля, его филигранно-утонченные пьесы открыли новый этап в исполнительской культуре. Музыка Куперена словно сплетена из кружев. Обилие мелизмов, эмоциональная окраска и отточенные миниатюрные формы делают произведения Франсуа Куперена безошибочно узнаваемыми. Клавесинные произведения маэстро пришлись по душе королю и всему двору.

Франсуа Куперен

Французский композитор, органист и клавесинист. Один из наиболее значительных представителей известной французской династии Куперенов, насчитывавшей несколько поколений музыкантов.

Родился: 10 ноября 1668 г., Париж, Франция

Умер: 11 сентября 1733 г.

(64 года), Париж, Франция

Наибольший вклад Франсуа  Куперен  совершил в развитие клавесинного стиля, его филигранно-утонченные пьесы открыли новый этап в исполнительской культуре. Музыка Куперена словно сплетена из кружев. Обилие мелизмов, эмоциональная окраска и отточенные миниатюрные формы делают произведения Франсуа Куперена безошибочно узнаваемыми. Клавесинные произведения маэстро пришлись по душе королю и всему двору.

Глубокий след оставил Франсуа Куперен в истории французского камерного ансамбля. Во времена Люлли и Куперена место лучшего инструментального ансамбля Франции делили между собою оркестр Версальской оперы и Королевская капелла.

Версальской оперы

Клавесин  (фр.  clavecin ) был одним из предшественников фортепиано. Имеет другие названия: клавицимбал, клавичембало, чембало (позднелат. clavicymbalum, итал. clavicembalo, cembalo).

Струны  клавесина  приводились в движение щипком при помощи стерженька из птичьего пера (позже — кожаного плектра), который при нажатии клавиши зацеплялся за струну.

Клавесин эпохи рококо

Музыка, стиль и композиторы рококо

Композиторы рококо хотели передать легкость сердца и простоту эмоциональных состояний, сосредоточив художественное выражение на одном эффекте, а не объединяя несколько разрозненных эмоциональных состояний в качестве контрапункта самим себе. . Стиль Галанта в музыке привел к тому, что инструментальные произведения, такие как струнные квартеты, заняли центральное место в музыкальных развлечениях, опередив контрапунктические вокальные композиции начала восемнадцатого века.

Новый стиль призывал к тому, чтобы инструментальная музыка радовала слух замысловатым орнаментом, запоминающимися мелодиями и позитивным настроем. Многие композиторы были рады угодить этим новым музыкальным вкусам. Искусство рококо и музыка удивительно симбиотичны, поскольку они оба воплощают культ элегантности и изящества.

Как это проявляется в музыке

Оркестровая музыка рококо в равной степени показательна для нового художественного стиля, формирующегося в западной музыке. Принятие более легкой текстуры и более фрагментированных музыкальных мыслей этого доклассического стиля особенно связано с известностью итальянских струнных концертов Тартини, Джованни Баттиста Саммартини, Луиджи Боккерини и Джованни Баттиста Виотти.

Сыновья Баха, C.P.E. Бах и Иоганн Кристиан Бах несут основную ответственность за развитие клавишного концерта и симфонии в ведущий жанр музыки в эпоху рококо, а затем в течение классического периода и позже. Еще один из сыновей Баха, Вильгельм Фридеманн Бах, был ближе к своему отцу, Иоганну Себастьяну Баху, по музыкальному стилю и написал полдюжины концертов для клавесина, струнных и бассо континуо. К. П. Э. Бах охватил эмпфиндсамер еще 50 концертами для клавишных, в том числе для других инструментов. Новый стиль особенно проявился в инструментовке, диалоге между фортепиано и оркестром, а также включении речитативов, украшенных орнаментом (явно заимствованных из барочной оперной традиции). Нередко финальные части его концертов демонстрируют явные черты драматического развития и музыкальной прихоти итальянской комической оперы-буффа. А его брат Иоганн Кристиан, также известный как «Лондонский Бах», внес свой вклад в развитие симфонии, выдающегося жанра классической музыки в целом.

Музыка рококо явилась отражением стиля рококо в архитектуре, моде и дизайне интерьеров, в центре которого тонкая приятность коротких фраз, гомофонный, а не полифонический строй композиции, новый акцент на орнаментике, просто как тщательно продуманный декор и украшения украшают предметы искусства и архитектуры в стиле рококо.

Архитектура Рококо

Эпоха рококо подарила миру одни из самых изысканных платьев и архитектурных элементов, пропитанных одновременно элегантностью и роскошью. Двор Людовика XIV был французским апогеем стиля барокко, и после ухода короля истинные элементы всего рококо начали овладевать образом жизни богатых и королевских особ. Преобладает пастельная цветовая палитра, а также множество оборок и оборок, вышитое кружево и все формы декоративных излишеств, более легких и менее геометрических, чем в предшествующий период барокко. Сущность рококо проникала во все: от обоев до шкафов, от фарфоровой посуды до люстр. 9№ 0005

Основным принципом дизайна в стиле рококо является наличие мотива морской раковины в качестве центрального элемента, создающего волнообразные изгибы и встречные изгибы, вдохновленные элементами природы. Правила асимметрии, противопоставленные геометрической симметрии эпохи барокко, и обилие цветов, а также экзотика (за счет китайских и японских мотивов) притягивают с первого взгляда.

Что такое Рококо Фортепиано?

Le Grand Salon

Само слово рококо является производным от французского rocaille, которым описывалась барочная техника украшения гротов и фонтанов мириадами гальки и ракушек, скрепляемых клементом, создающих витиеватые поверхности, которые кажутся вымощенными натуральными камнями. чудеса. Фортепиано в стиле рококо стало визуальным чудом в центре культурного дома и королевских дворцов. У каждого королевского двора в 18 веке был музыкальный руководитель, поэтому художники и музыканты всегда присутствовали в обширных особняках, поэтому наличие фортепиано, которое олицетворяло бы великолепие рококо, было абсолютной необходимостью для любого человека с социальными устремлениями. Фортепиано в стиле рококо переняли те же архитектурные элементы, что и крупные конструкции внутреннего дизайна: волнообразные изгибы, цветы и пальмовые листья переплетаются с асимметричной резьбой по дереву и обилием позолоченной бронзы. Новые стили пронизывали все, и фортепиано в стиле рококо не стало исключением. Белый лак украшен росписью и позолоченными барельефами. В то время как архитектурные элементы и дизайн интерьера рококо выражают его асимметрию в монументальном масштабе, фортепиано в стиле рококо миниатюризировали его до крошечной золотой аппликации возле крышки фортепиано или педальной лиры.

Одержимость рококо в России

Французская архитектура периода рококо (середина 18 века) была так любима российской императрицей Елизаветой II (годы правления 1741-1762), что воспроизвела ее, только на русский лад. Фирменные волнообразные изгибы нашли свое отражение в луковичных куполах соборов, а пастель и золото были в порядке вещей. Новое чувство стиля было освежающим и беззаботным, и в то же время позволяло огромному богатству королевской семьи сиять ярче, чем когда-либо, поскольку почти каждая поверхность, о которой вы только можете подумать, была либо превращена в 24-каратное золото, инкрустирована малахитом, либо вырезана из янтарь. Поэтому неудивительно, что малахитовый рояль стал постоянным атрибутом Зимнего дворца, Кремля и всех других царских резиденций. Изготовленное из драгоценного камня и украшенное позолоченной бронзой, малахитовое пианино было высшим воплощением могущества, богатства, роскоши и величия России. Много лет спустя, в 1920-го века культовый русский композитор Чайковский сочинит свои знаменитые «Вариации в стиле рококо» как дань уважения золотому веку изящной элегантности эпохи рококо 18-го века.

Царское сокровище Малахитовое пианино

Влияние рококо на последующие стили западной музыки

По всей Европе новый стиль музыки укреплялся и все больше продвигал музыку в область народного развлечения, доступного для всех и понятного всем. Чувствительный стиль или стиль Галанта был в моде во Франции, Германии и Италии (они были музыкальными центрами в восемнадцатом веке), и все остальные последовали за ним. Классическая музыка в большом долгу перед этим относительно коротким периодом, поскольку она действительно была мостом к классическому стилю, который дал миру таких, как Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг фон Бетховен в конце 18-го века. Их музыка развилась из стиля Галант с его идиомами рококо, и история музыки свидетельствует о том, как произошел этот переход, особенно в жанре симфонии и концерта для клавишных.

По мере того, как музыканты становились все более опытными в виртуозной игре, композиторов поощряли сочинять музыку, демонстрирующую эти навыки с помощью украшений, приятных мелодий и каденций. Композиторы рококо посеяли семена искусства периода высокой классики, ярким примером которой является сравнение ранних и поздних симфоний Моцарта, а также сравнение фортепианных концертов Бетховена. В то время как венское трио (Гайдн, Моцарт, Бетховен) созрело и сочиняло в «классическом» стиле, все атрибуты стиля Галант (еще эмпфиндсамер) присутствуют: запоминающиеся, красивые мелодии, изобилие и причудливость музыкального характера (по крайней мере, в ранние годы). произведения) и замысловатый орнамент. В частности, в клавирных концертах явно присутствует речитативная и оперная фиоритура, восходящая к музыке рококо сыновей Баха.

В заключение

Конечно, есть много других композиторов, кроме упомянутых в этой статье, которые внесли свой вклад и развили идиомы рококо в своем искусстве и определенных стилях. История имеет забавный способ судить о вкладе в искусство через желание публики и зрителя увидеть и услышать его снова. Таким образом, хотя некоторые из этих композиторов были известны и пользовались большим успехом при жизни, они были стерты временем и теперь редко являются частью современного духа искусства. Тем не менее, это сумма всей их работы, изобретательности, воображения и мастерства, которая продвинула западную классическую музыку, какой мы ее знаем, вперед в будущее и наполнила ее качествами, способными к эволюционному развитию, которым обязаны последующие классические и романтические стили. к.

В конечном счете, как и многие вещи в искусстве, сами имена представляют Мать-Природу. слово «барокко» сначала было описанием неправильной формы жемчуга, прежде чем оно стало обозначать щедрое величие архитектуры. Так же и слово рококо, рожденное от декора из ракушек, является свидетельством нашей связи с окружающей средой и источником вдохновения, а также бесконечным удивлением перед миром, в котором мы живем.

Музыка во время рококо | Encyclopedia.com

Меняющиеся вкусы.

После смерти Людовика XIV среди французской аристократии возникла новая мода. В архитектуре и изобразительном искусстве новый аппетит к более легким, менее тяжелым пространствам и интерьерам вскоре стал очевиден в годы французского Регентства (1715–1723) и продолжал распространяться в более позднюю эпоху, известную как рококо. Новый акцент на конфиденциальность и близость, а также на изысканные социальные изящества нашел свое воплощение в развитии салонов, которые были культивируемыми собраниями интеллектуалов в Париже и других французских городах. В этих кругах росло отвращение к сложным стилям позднего барокко, включая дизайн интерьера, искусство, архитектуру того периода и даже его музыку, театр и оперу, которые теперь критикуются как надуманные и напыщенные. Многим слушателям казалось, что сложный контрапункт музыки позднего барокко, ее замысловатые пассажи и богатая орнаментация казались все более устаревшими. В нескольких важных музыкальных центрах в середине семнадцатого века начали появляться новые стили музыкальной композиции. Эти новые движения носили как международный, так и региональный характер. Многие новые стили пришли из Италии, прежде чем были приняты в других местах при дворах и главных музыкальных центрах континента. В других местах, особенно в северной Германии, появились другие новые модели композиции, которые имели более ограниченную региональную привлекательность и отличались от преобладающих итальянских вкусов того времени. Сумма всех этих новых стилистических движений в конечном итоге привела к отказу от многих композиционных приемов эпохи барокко и заложила основу для появления классического стиля, который доминировал в музыкальной композиции в конце восемнадцатого века.

ОБРАЩЕНИЕ К ЧУВСТВАМ

введение: Вокалист Иоганн Маттесон (1681–1764) был чем-то вроде вундеркинда. Он сочинил свою первую музыку в девять лет и к пятнадцати годам стал широко известным сопрано в Гамбургской опере. Став взрослым, он написал The Complete Chapel Master , руководство по музыкальной профессии, которое высоко ценилось немецкими исполнителями и композиторами. Его рассмотрение того, как музыка воздействует на чувства, способствовало дискуссии, которая велась на Западе с древних времен: роль, которую музыка может играть в изменении эмоций и создании более добродетельных людей.

Наиболее важной и выдающейся частью науки о звуке является та часть, которая исследует влияние хорошо расположенных звуков на эмоции и душу. Это, как несложно заметить, является столь же перспективным, сколь и полезным материалом. Для музыкального практика он имеет даже большее значение, чем для теоретика, несмотря на то, что в первую очередь занимается наблюдением. Большую помощь здесь может оказать учение о темпераментах и ​​эмоциях, относительно которых Декарт особенно достоин изучения, так как он много сделал в музыке. Это учение учит нас различать умы слушателей и звуковые силы, воздействующие на них.

Что такое страсти, сколько их, как ими управлять, следует ли их устранять или допускать и культивировать, кажется, вопросы, принадлежащие области философа, а не музыканта. Последние должны, однако, знать, что чувства являются истинным материалом добродетели и что добродетель есть не что иное, как хорошо упорядоченное и мудро умеренное чувство. С другой стороны, те аффекты, которые являются нашими самыми сильными, не самые лучшие, и их следует обрезать или держать в поводьях. Это аспект нравственности, которым музыкант должен овладеть, чтобы представлять в своей музыке добро и зло и пробуждать в слушателе любовь к первому и ненависть ко второму. Ибо истинная цель музыки — быть прежде всего нравственным уроком.

Те, кто сведущ в естественных науках, знают, как наши эмоции функционируют физически. Композитору было бы полезно иметь хоть какое-то представление об этом предмете. Так как, например, радость есть расширение нашего жизненного духа, то разумно и естественно следует, что этот аффект лучше всего выражается большими и расширенными интервалами. Печаль, с другой стороны, является сокращением тех же самых тонких частей нашего тела. Поэтому легко видеть, что самые узкие интервалы являются наиболее подходящими. Любовь — это рассеяние духов. Таким образом, чтобы выразить эту страсть в сочинении, лучше всего использовать интервалы такого рода. Надежда есть возвышение духа; отчаяние, с другой стороны, низвержение того же самого. Это предметы, которые могут быть хорошо представлены звуком, особенно когда другие обстоятельства (в частности, темп) вносят свою лепту. Таким образом можно составить конкретную картину всех эмоций и попытаться скомпоновать ее.

Гордость, высокомерие, высокомерие и т. д. также имеют соответствующую музыкальную окраску. Здесь композитор делает ставку прежде всего на дерзость и помпезность, поэтому он имеет возможность писать всевозможные прекрасно звучащие музыкальные фигуры, требующие особой серьезности и пафосного движения. Они никогда не должны быть слишком быстрыми или хвостовыми, но всегда восходящими. Противоположность этому чувству заключается в смирении, терпении и т. д., трактуемых в музыке с помощью отвратительно звучащих пассажей, в которых нет ничего возвышенного. Последние страсти, однако, согласуются с первыми в том, что ни одна из них не допускает юмора и игривости.

Музыка, хотя ее главная цель — доставлять удовольствие и быть грациозной, иногда должна давать диссонансы и резко звучащие пассажи. В какой-то мере и при соответствующих средствах оно должно доставлять не только неприятные и неприятные вещи, но даже пугающие и ужасные. Дух даже от них иногда получает какое-то особенное удовольствие.

источник: Иоганн Маттесон, Der volkommene Capellmeister (1739), в Музыка в западном мире: история в документах. Изд. Пьеро Вайс и Ричард Тарускин (Нью-Йорк: Ширмер, 1984): 217–218.

Стиль Галант.

Название одного из новых стилей, очаровавших как композиторов, так и публику восемнадцатого века, стиль галантный , французское, хотя многие из его первоначальных источников вдохновения заимствованы у итальянских композиторов середины восемнадцатого века. Он стал одним из самых интернациональных музыкальных языков в Европе в конце периода барокко. Как это использовалось во Франции в то время, слово галант подразумевал модное внимание современным тенденциям и образу жизни придворных обществ. Галантным человеком был тот, кто хорошо разбирался в современной аристократической моде, умел хорошо одеваться и вести себя в цивилизованном обществе. Композиторы, принявшие этот новый учтивый и урбанистический стиль, отказались от сложных контрапунктов и хроматических гармоний эпохи высокого и позднего барокко в пользу чистых мелодий с сопровождающим басом, элегантной фразировкой, изящным орнаментом и небольшими музыкальными поворотами остроумия и очарования. Эти деятели также пытались сочетать неоспоримый мелодический интерес, присущий итальянским музыкальным стилям того времени, со сдержанной элегантностью французских. Из-за своей легкости и очарования новый стиль особенно подходил для светской музыки, и в результате его наибольшее развитие получили оперы и инструментальная музыка середины восемнадцатого века. Джованни Баттиста Перголези (1710–1736) был среди тех, кто служил источником вдохновения для тех композиторов, которые хотели писать в новом стиле Галанта. Хотя он умер очень молодым, комическая одноактная опера Перголези, La Serva padrona , произведенный в Неаполе в 1733 году, часто повторно ставился по всей Европе в течение оставшейся части восемнадцатого века. Короткое произведение, оно часто использовалось в качестве развлечения в антракте, а его более простые, но отточенные музыкальные текстуры помогли привить вкус к элегантным мелодичным ариям в оперном мире. В инструментальной музыке вкус к утонченным, но менее сложным произведениям также сразу же понравился во многих музыкальных кругах, где произведения Иоганна Себастьяна Баха и других композиторов позднего барокко теперь считались чрезмерно сложными и «неестественными». Интересно, однако, отметить, что мода на гораздо более простые и менее виртуозные композиции в стиле Галанта появилась в то время, когда по всей Европе резко росла любительская музыка. Произведения нового стиля понравились этой аудитории отчасти из-за их относительно легких требований к исполнению и простого использования мелодии.

Одним из наиболее плодотворных представителей нового галантного стиля был Георг Филипп Телеманн (1681–1767), которого многие в свое время считали величайшим из ныне живущих немецких композиторов. Современник Баха и Генделя, его музыка часто считалась более привлекательной и доступной в восемнадцатом веке, чем произведения его теперь уже более известных конкурентов. Телеман, как и Антонио Вивальди, считался одним из самых плодовитых композиторов эпохи барокко. За относительно долгую жизнь Телеман написал десятки инструментальных произведений, три десятка опер, более ста оркестровых сюит, еще сто концертов, более 1500 духовных кантат и произведений религиозной музыки. Телеман не был виртуозным исполнителем, как Гендель и Бах. Тем не менее, он оказал значительное влияние на музыкальные вкусы в Германии и за ее пределами, особенно после своего назначения музыкальным руководителем в городе Гамбург. Это назначение дало ему возможность руководить городской оперой, одной из самых важных в стране в то время. Телеман также написал большую часть своей музыки для расширяющегося любительского рынка, продавая свои публикации относительно простой и легко исполняемой инструментальной и ансамблевой музыки по подписке. Свидетельства этих изданий показывают его неуклонно растущую репутацию в Европе. Когда в 1733 году композитор предоставил свои Musique de Table (на немецком языке Tafelmusik ; на английском языке: Table Music ), более четверти всех подписок было куплено музыкантами за пределами Германии. В лучших из многих произведений композитора удается отразить меняющиеся вкусы эпохи и временами демонстрировать его значительные композиторские способности; многие другие были компетентными работами, которые ненадолго соответствовали моде его времени. В 1737 году Телеман совершил путешествие в Париж, где пробыл восемь месяцев и познакомился с развивающимися музыкальными вкусами стиля Галанта. В годы после своего возвращения в Гамбург он создал ряд работ, которые помогли популяризировать моду Galant в немецкоязычной Европе и других странах. В их число входили его шесть парижских струнных квартетов, опубликованных в 1738 году и проданных по подписке. В отличие от сильно структурированного и развитого жанра струнного квартета конца XVIII века, эти произведения воспринимались во многом как инструментальные сюиты, популярные в эпоху барокко, хотя и написанные для меньшего ансамбля. Тем не менее, в этот давний жанр Телеман привнес новое чувство ритмического изобретения, веселья и изящества, почерпнутые из его парижского опыта, а также более живые мелодические элементы из его знаний об итальянских оперных и инструментальных произведениях того периода. Подобно музыке эпохи барокко, квартеты Телемана демонстрируют настойчивую попытку апеллировать к эмоциям и манипулировать настроением слушателей. Тем не менее, интересно отметить, что он все более четко определял настроение, которое должны были вызывать эти произведения Галанта. Каждое произведение начинается с описания эмоций, которые должно вызывать его исполнение, включая такие термины, как «веселые», «изящные» и «обезумевшие».

Чувствительный стиль.

В течение десятилетия, последовавшего за набегами Телемана на идиому Галанта, многие северные немецкие композиторы экспериментировали с этим стилем, в конечном итоге создав региональную вариацию, которая должна была оказать важное влияние на развитие более поздней инструментальной и вокальной музыки. Эти композиторы хотели сделать стиль Galant еще более эмоционально выразительным. Они считали, что хорошее сочинение должно выражать постоянную смену настроения; его эмоции должны мерцать, как свеча, пламя которой дует ветерок то в одну, то в другую сторону. Они писали мелодии своих композиций короткими фразами, полными нюансов, и особенно интересовались изменением громкости и мягкости, или динамики исполнения. Этот вариант Galant Style стал известен как 9.0071 empfindsamer Stil или «Чувствительный стиль». Среди его величайших представителей был Карл Филипп Эмануил Бах (1714–1788), второй сын великого Иоганна Себастьяна. Эмануэль Бах, как он был широко известен, был одним из четырех сыновей Баха, ставших композиторами, и все они экспериментировали с новым стилем Galant. Однако произведения Эмануэля были особенно важны для развития камерной музыки и симфонии в конце восемнадцатого века, самого яркого вклада классического периода в оркестровую музыку. Большую часть карьеры Эмануэль Бах провел, работая при дворе Фридриха Великого в Пруссии, где его мало ценили и сильно недоплачивали. В 1767 году, когда его крестный отец Георг Филипп Телеман умер в Гамбурге, Эмануэль заменил его на важной должности музыкального руководителя города. Здесь он провел последние годы своей жизни и разработал особый музыкальный язык, который оказал большое влияние на других композиторов того времени. Карл Филипп Эмануэль Бах записывал свои сочинения с особой тщательностью, используя такие динамические индикаторы, как «p» и «pp» (фортепиано и пианиссимо, или тише и тише) или «f» и «ff» (форте и фортиссимо, громче и громче), которые в то время только появлялись в музыкальном сочинении и издательском деле. Поступая таким образом, он помог сделать динамические маркировки важным инструментом композиторского мастерства. В его работах отказались от сложных контрапунктических приемов, которые предпочитал его отец. Говорят, что его отец поддерживал эти разработки, рекомендуя ему произведения некоторых композиторов Галанта как подходящие источники для подражания. В то же время в произведениях Эмануэля Баха использовались сложные и выразительные гармонии и ритмическая изощренность, которые развивали более ранние композиторы эпохи барокко. Его опус остается очень личным выражением сил, которые были доступны композиторам, поскольку барокко угасало в пользу новых, менее сложных музыкальных форм выражения.

После 1750 года новые литературные движения в Германии, Австрии и других регионах Европы стали отдавать предпочтение драматическому выражению эмоций как на сцене, так и в художественной литературе. Это движение стало известно в немецкоязычном мире как Sturm und Drang , или «Буря и стресс». Художники, особенно писатели, начали рассматривать эти бурные эмоциональные состояния как необходимый предшественник творчества. Развивающиеся чувства движения должны были полностью расцвести в романтическом движении девятнадцатого века, которое придерживалось представления о том, что маленькое великое художественное творение происходит без страданий. Немецкие литераторы, охватившие Буря и натиск черпали свои идеи у многих философов эпохи Просвещения, особенно у Жан-Жака Руссо (1712–1788) и его нового прославления природы как основы художественного творчества. Они также были заядлыми читателями Дени Дидро (1712–1784) и его энциклопедии . Статьи этого объемного труда предлагали литературную, музыкальную и художественную критику по невероятно широкому кругу вопросов, и, хотя в нем не было представлено единой точки зрения, многие из его эстетических критиков нападали на барочные стандарты вкуса как на устаревшие, надуманные и искусственный. Из всех «Буря и натиск» автора, действовавших в немецкоязычном мире, никто не превзошел творчество и влияние Иоганна Вольфганга фон Гёте на эстетику движения. В двух его произведениях — в пьесе « Götz von Berchlichingen » в 1773 году и в романе « Die Leiden des jungen Werthers » («Страдания юного Вертера») в 1774 году — изображены героические фигуры, перенесшие большие мучения. В случае с Вертер герой кончает жизнь самоубийством из-за безответной любви к замужней женщине. Роман Гёте должен был оказать глубокое и длительное влияние на немецкую культуру; его продолжали читать многие романтики девятнадцатого века, и он вдохновлял на театральные и оперные адаптации. Примерно в то же время, что и важный Буря и натиск Появлялось произведения, композиторы стремились сделать то же самое с музыкой. Первые признаки этого музыкального стиля можно увидеть в операх и балетах того периода, когда такие композиторы, как Кристоф Виллибальд фон Глюк (1714–1787), создавали произведения, целью которых было наблюдать эффекты широкого спектра эмоциональных переживаний. состояния. Балет Глюка «Дон Жуан », впервые поставленный в Вене в 1761 году, вдохновил многих подражателей конца восемнадцатого века. Эффектное и ужасающее завершение произведения послужило одним из источников знаменитого финала Моцарта к его опере 9.0071 Дон Жуан в 1787 году. Быстрые, резкие изменения; использование перкуссии; без сопровождения, эмоциональные строки для певцов; а быстрые динамические контрасты появляются и в оперных постановках, вдохновленных «Буря и натиск ». Таким образом, композиторы всех новых стилей, которые становились популярными в то время, предпочитали музыкальные инструменты, которые могли артикулировать эти фразы и особенно создавать динамические контрасты, которых требовала их музыка. В области чисто инструментальной музыки музыка для больших групп исполнителей добавляла или убирала исполнителей по мере необходимости для прохода. В это время многие композиторы очень заинтересовались фортепиано, или, как его тогда называли, фортепиано или фортепиано, из-за его динамического диапазона. Из многих композиторов, экспериментировавших с новыми проблемами громкости и контраста, Йозеф Гайдн (1732–1809 гг.