Когда возник классицизм: Когда возник классицизм в Европе и в России? Каково происхождение слова «классицизм»? Каковы особенности классицизма

Содержание

Французский классицизм — Русская историческая библиотека

В западноевропейской литературе XVII в. наиболее значительную роль сыграли произведения французских писателей. Крупнейшие из них примыкают к направлению, известному под названием «классицизм». Это направление сложилось в эпоху расцвета абсолютной монархии во Франции.

Классицизм в литературе. Кратко. Слушать аудиокнигу

Людовик XIV, в царствование которого абсолютизм достиг высшего подъема, говорил: «Государство – это я». Торжественная и пышная жизнь двора подчиняется строгому этикету, т. е. системе правил вежливости. Все связанное с бытом простого парода изгоняется из придворного обихода, из искусства.

Эпохе абсолютизма свойственна регламентация, т. е. система строгого подчинения правилам. Преодолевая феодальную анархию, она вносит организованность и упорядоченность как в общественную жизнь, так и в культуру и литературу, прежде всего придворную.

Строгой правильностью, величавой прямолинейностью отличается архитектура классицизма. Твердым законам подчинено даже устройство дворцового парка – прямые и симметричные аллеи, подстриженные с геометрической правильностью деревья и газоны.

Регламентацию в искусстве поддерживает и философская теория рационализма, распространенная в то время во Франции. Ее основоположником был Декарт, провозгласивший человеческий разум главной силой, единственным источником познания.

Французский литературный классицизм – великое искусство – формировался в борьбе против барокко, для которого характерны помпезность, нагромождение событий, а в языке – любовь к пышным замысловатым оборотам речи.

В аристократических салонах барокко вырождался в бездумную игру; возникла так называемая прециозная, т. е. изысканная, литература, отличавшаяся усложненностью формы при бедности содержания.

Как барочной пышности, так и вычурности салонной литературы мастера классицизма противопоставили гармонию, строгую композицию, ясность и точность языка. Её выражением стала «теория трёх единств».

Присущее драматургии классицизма требование единства действия как раз и было продиктовано стремлением сосредоточить внимание читателя и зрителя вокруг главного конфликта, не отвлекая его побочными линиями сюжета.

Что касается единства места и времени, то после нагромождения невероятных событий в театре барокко сторонникам классицизма казалось очень разумным строить сценическое действие так, чтобы оно длилось не больше суток и происходило только на одном месте, т. е. максимально приблизить к ощущению зрителя, который смотрит пьесу на протяжении всего нескольких часов.

Здесь классицисты ссылались на античный театр, где не было занавеса, и время сценического действия приближалось к реальному времени.

Сами по себе три единства не являются определяющим признаком классицизма. Ведь можно назвать, например, многие пьесы современных писателей, действие в которых происходит на протяжении одного дня и на одной сценической площадке. Но ничего похожего на классицизм в этих пьесах нет.

Главное в классицизме – его метод, его особый подход к изображению человеческой личности. Рационализм, о котором говорилось выше, только у плохих поэтов и драматургов превращался в холодную рассудочность и простое резонерство.

В гениальных трагедиях Корнеля и Расина рационализм – это торжество мысли, высокий нравственный пафос. Действие развивается последовательно, логично. Ни одного лишнего действующего лица, ни одной лишней сцены. Каждый монолог и каждый диалог приближает к кульминации.

Искусство классицизма содержательно, идейно, исполнено большого воспитательного смысла.

Так пусть же будет смысл всего дороже вам,
Пусть блеск и красоту лишь он дает стихам! –

писал поэт и теоретик классицизма Буало.

Он справедливо критиковал бессодержательность салонной поэзии («Поэзией звались рифмованные строки!») и требовал:

Обдумать надо мысль и лишь потом писать!
Пока неясно вам, что вы сказать хотите,
Простых и точных слов напрасно не ищите. ..

Французский классицизм наиболее яркое выражение нашел в драматургии. Два этапа в ее развитии представлены творчеством великих драматургов Корнеля и Расина. (См. Творчество Корнеля и Творчество Расина.)

Своеобразие русского классицизма. История русской литературы XVIII века

3.Особенности классицизма в России и его сторонники. Развитие классицизма в русской литературе XVII-XIX вв.

Классицизм в искусстве — Информио

Классици́зм (фр. — образцовый) — художественный стиль и эстетическое направление в европейской культуре XVII—XIX вв. Одной из важнейших черт которого было обращение к античному искусству как высшему образцу . Искусство классицизма отражало идеи гармонического устройства общества. Конфликты личности и общества, идеала и реальности, чувства и разума свидетельствуют о сложности искусства классицизма.

Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Классицизм устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на высокие (ода, трагедия, эпопея) и низкие (комедия, сатира, басня). Каждый жанр имеет строго определённые признаки, смешивание которых не допускается.

Живопись.

В живописи главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета, использование локальных цветов (Н. Пуссен, К. Лоррен). Четкая разграниченность планов в пейзажах выявлялась также с помощью цвета: передний план обязательно должен был быть коричневым, средний — зеленым, а дальний — голубым.
Во второй половине XVIII в. живопись обращается к республиканским идеям античности, к образам мужественных борцов против тирании (Ж. Л. Давид) .

Архитектура.

Основой архитектурного языка классицизма стал ордер, в пропорциях и формах близкий к античности. Архитектурный ордер — вид архитектурной композиции, состоящей из вертикальных (колонны, пилястры) и горизонтальных (антаблемент) частей в соответствующей архитектурно-стилевой обработке, в классической форме сформировавшийся в Древней Греции. Название ордер происходит от латинского «ordo» — строй, порядок.

Различают пять классических ордеров: дорический, ионический и коринфский возникли в Древней Греции, тосканский и композитный — в Древнем Риме.

Дорический ордер — возник в VI веке до н. э. на землях дорийцев. Лаконичный, мужественный, монументальный — во времена античности считался «мужским» ордером. Колонна прямая, утолщенная, без базы и украшений на капители.

Ионический ордер — отличительной чертой ионического ордера является способ оформления капители, которая выполняется в виде двух противоположно расположенных волют. Ионический ордер во времена античности считался «женским» ордером, за счет своей утончённости, изысканности и дополнениями разнообразными украшениями.

Оригинал публикации (Читать работу полностью): Классицизм в искусстве

Тест по МХК для 11 класса по теме «Художественная культура классицизма и рококо. Классицизм в архитектуре Западной Европы».

Тест по МХК для 11 класса по теме «Художественная культура классицизма и рококо. Классицизм в архитектуре Западной Европы».

В вопросах 4,5,7,8,9,11 возможны несколько вариантов ответов!

Как переводится слово, от которого произошло название стиля классицизм?

А)

Образцовый

В)

Великолепный

С)

Упорядоченный

Имперский

Когда и в какой стране возник стиль классицизм?

А)

В конце XVI века в Италии

В)

В XVII веке в Англии

С)

В XVII веке во Франции

В XVIII веке во Франции

В период правления какого французского монарха классицизм сложился в целостную стилевую систему?

А)

Людовика XIII

В)

Людовика XIV

С)

Людовика XV

Наполеона Бонапарта

Для архитектуры классицизма характерны

А)

строгая организованность — соразмерность объемов, геометрическая правильность линий, регулярность планировки

В)

искажение классических пропорций, создание нарочито искривленного пространства, преобладание сложных криволинейных форм

С)

орнамент в виде стилизованных раковин и завитков, арабесок, цветных гирлянд, фигурок амуров, разорванных масок

в качестве основного языка использовать ордер, близкий по формам и пропорциям к зодчеству Античности

Какие утверждения верны для ампира?

А)

Ампир служил идеалам борьбы с тиранией

В)

Ампир возник в период правления Людовика XV

С)

Ампир — это поздняя стадия развития классицизма

Ампир выражал идеалы наполеоновской империи

В какой период возник стиль рококо?

А)

Начало XVII века

В)

Конец XVII века

С)

Начало XVIII века

Середина XVIII века

Какие утверждения верны в отношении стиля рококо?

А)

Стиль рококо формировал представление о высоком эстетическом вкусе, призывал к сдержанности и спокойствию в выражении чувств, ориентировал на рационализм и логичность в поступках

В)

Главная цель рококо — доставить чувственное наслаждение

С)

Цель рококо — удивлять, изумлять, заставлять думать, переживать

Для архитектуры рококо характерна жесткая, математически выверенная система организации пространства

Е)

Для рококо характерен культ малых форм, камерность, миниатюрность, любовь к мелочам и безделушкам

Какие утверждения характерны для сентиментализма?

А)

Основоположником сентиментализма считают Ж. Ж. Руссо

В)

Идеалом сентиментализма был чувствительный мечтатель, «естественный» человек с «прекрасной душой», не развращенный буржуазной цивилизацией

С)

Сентиментализм не обладал всей полнотой большого стиля

В России этот стиль нашел воплощение в живописи и литературе

Е)

Все варианты ответов правильные

Какие названия имеет парк, имеющий правильную планировку, выраженной симметрией и регулярностью композиции? Характеризуется прямыми аллеями, являющимися осями симметрии, цветниками, стрижкой деревьев и кустарников с приданием посадкам разнообразных геометрических форм.

А)

английский

В)

французский

С)

регулярный

пейзажный, иррегулярный

Под руководством какого французского короля строился Версаль?

А)

Наполеона I

В)

Людовика XVII

С)

Людовика XV

Людовика XIV

Характерными особенностями стиля ампир являются

А)

тяготение к созданию небольших, но богато украшенных архитектурных сооружений

В)

обращение к искусству императорского Рима и Древнего Египта

С)

использование римских и египетских орнаментов в качестве декоративных мотивов.

использование атрибутов римской военной истории

Е)

строительство архитектурных ансамблей, соединяющих не только соседние сооружения, но и отдаленные точки города

Ответы:

A
C
D
A,D
C,D
С
B,E
E
B,C
D
B,C,D,E

Период классицизма Пабло Пикассо

Этот новый классический стиль находился под влиянием классического греческого и римского искусства. Тенденция была характерна для увесистых и безмятежных фигур, облаченных в одеяния в тактильных, но простых пейзажах.

Классическое направление в искусстве продолжало доминировать на сцене Европы более десяти лет. Пикассо стал ведущей фигурой в этом новом направлении искусства.

На ранних этапах этого периода его основное внимание было сосредоточено на рисовании и живописи, которые он делал в основном для личного исследования.

Пикассо был известным художником с непревзойденным мастерством и техникой. Вот почему его первая поездка в Италию в 1917 году послужила стимулом к тому, чтобы оторваться от современного экстремизма и пойти по стопам таких художников, как Рафаэль и Энгр.

Пикассо познакомился с Ольгой Колковой, русской балериной, в 1918 году. В конце концов они поженились, и благодаря ее высокому социальному положению Пикассо начал вращаться в разных социальных кругах.

Это отличалось от богемного образа жизни, к которому он привык. Это, казалось, сказалось на его работе. Например, он перестал быть более провокационным и начал тяготеть к более традиционным и серьезным произведениям искусства. Он назвал этот новый найденный стиль «классицизмом». Его шедевр «Влюбленные» является примером того, как его стиль изменился с его социальными изменениями. «Свирели Пана» — еще одна известная композиция классического периода.

Пикассо продолжал находить увлечение оформлением балетной постановки. Рождение первого сына Пола вдохновило его снова и снова возвращаться к теме «мать и сын». Однако он вернулся и работал над кубизмом, о чем свидетельствует его картина 1921 года «Три музыканта». Работы Зигмунда Фрейда, известного психолога, также оказали глубокое влияние на творчество Пикассо.

Пикассо написал «Свирели Пана» в 1923 году, которую часто считают одним из самых важных его произведений классического периода.Это изображение двух мужчин, один из которых играет на дудочке, а другой слушает музыку. Свирели Пана символизируют греческого бога музыки, дикую природу, горы, природу, пастухов и стада.

Мифологический греческий миф гласит, что у него ноги и рога козла. Пан-флейта символизирует мир и природу. Это произведение считается венцом творчества Пикассо классического периода 1920-х годов. Эта конкретная работа подчеркивает влияние, которое греко-римское искусство оказало на Пикассо во время его путешествий по Италии.

В этот период, как цитируется в цитатах Пикассо, он утверждает, что Бог наказывает художника, даруя ему несчастье славы. Пикассо считал, что слава — худшее несчастье, чем голод и нищета. Пикассо обрел славу и авторитет в середине двадцатых годов.

Однако он не воспринял эту возросшую известность положительно, так как понял, что публика подавляет его индивидуальность, аплодируя каждому произведению, которое он создал, не рассматривая его критически. Кроме того, у Пикассо были семейные проблемы. Его жена Ольга, танцовщица-балерина, которая процветала благодаря славе и высокому положению в обществе, не могла понять, почему Пикассо не нравилась слава.

Негативные последствия Первой мировой войны отправили многих парижан на фронт. Однако Пикассо, иностранец, продолжал работать в основном без помех. Он даже впервые побывал в Италии и на юге Франции. Поскольку он был знаком с искусством Помпеи и Древнего Рима, это привлекло новое внимание и послужило стимулом для его возобновившегося интереса к классическому искусству.

Неурядицы войны в Европе привели к восстановлению порядка в Европе. Это рассматривалось как реакция на модернистские экстремистские движения, такие как экспрессионизм и кубизм. Такие художники, как Пикассо, начали сокращать и упрощать свои стили, чтобы соответствовать этому новому порядку. Некоторые из других выдающихся художников, которые последовали его примеру, включают художников движения «Новая объективность», Джорджио де Кирико и Андре Дерена.

Пабло Пикассо родился в Испании в 1881 году.Он вырос там до переезда во Францию, где провел большую часть своей взрослой жизни, работая художником.

Известный как один из самых знаменитых художников в истории, он создал более 20 000 произведений искусства, среди которых рисунки, скульптуры, картины и керамика. Большая часть его работ была разделена на периоды времени, в течение которых он развивал искусство по сложным темам и чувствам.

Синий период

Голубой период (1901-1904) был временем, когда Пикассо жил в бедности.Для его работ этого периода характерны такие темы, как проституция, недоедание и мрачное изображение внутренних мук его друга после того, как он покончил жизнь самоубийством. Большинство цветов, используемых в его работах этого периода, были в основном синими. Одним из таких произведений искусства является портрет Сюзанны Блох.

Розовый период

В эпоху роз (1904-1906) Пикассо, кажется, начинает испытывать успех и даже влюбляется.Это побуждает его начать создавать более оптимистичные картины. В основном он использует розовый и оранжевый цвета в своих работах. Он написал Garçon à la Pipe («Мальчик с трубкой»), которая оказалась одной из его самых дорогих картин.

Период африканского влияния

В период африканского влияния (1907-1909) волна традиционной африканской эстетики начала проникать среди европейских художников.Это был период, вдохновленный африканской скульптурой, и Пикассо не остался в стороне. Les Demoiselles d’Avignon (Авиньонские девушки) — одно из его известных произведений искусства того периода.

Движение кубизма

За этим последовало движение кубизма (1909-1919). Это был период, когда Пикассо и Брак разработали стиль, в котором они подчеркивали сочетания форм на картине.

Они использовали неокрашенные объекты, такие как газеты, и объединяли их на холсте вместе с окрашенными областями, чтобы создать форму коллажа. «Итальянская девушка» — хороший пример произведений искусства того периода.

Возрождение греко-римского вкуса

Неоклассическое искусство стало популярным в середине 18-го века в Европе, где этот стиль в значительной степени основывался как на Ренессансе, так и на классическом греческом и римском искусстве, архитектуре и культуре.Корни движения были в первую очередь обусловлены одновременными открытиями греческих и римских археологических памятников, которые предлагали беспрецедентное знакомство с древностью из первых рук. От зданий с колоннами, вдохновленными греческими храмами, до величественных композиций французской живописи 18-го века, неоклассицизм напомнил о некоторых наиболее знаковых чертах и мотивах классического искусства, демонстрируя новый интерес к симметрии, гармонии и пропорциям классической античности.

Что такое неоклассицизм?

Неоклассицизм, жанр, существовавший с конца 18 по начало 19 века, породил искусство и архитектуру, черпавшие вдохновение в классических формах и мотивах.В отличие от динамизма и сложных композиций стилей рококо и барокко, неоклассицизм продемонстрировал стремление к простоте, симметрии и идеализму произведений греческой и римской античности.

Жак-Луи Давид, «Вмешательство сабинянок», 1799 год. Лувр. Париж, Франция

Акцент на идеализме — философии, которая применительно к изобразительному искусству подчеркивала использование воображения и попытку реализовать мысленное представление о красоте — определила эту эпоху. Художники в значительной степени опирались на классические формы и материалы, но, как правило, избегали потенциально скучных и холодных черт прошлого, сосредотачиваясь на гармонии, простоте и пропорциях форм, материалов и цветов.

В чем разница между классицизмом и неоклассицизмом?

Классицизм и неоклассицизм оба черпают эстетическую чувствительность из искусства и архитектуры Древней Греции и Рима, но их несопоставимые периоды времени служат самым большим различием между ними.В то время как классическое искусство относится к искусству, созданному в период расцвета греческой и римской античности, неоклассическое искусство, хотя и сильно вдохновленное классицизмом, возникло позже. В результате термины часто используются взаимозаменяемо, но важно отметить различия.

Есть несколько различий и с точки зрения теоретических идей. Большая часть классицизма основана на поиске теоретического совершенства, прежде чем произведение будет чрезмерно манипулировано до экстравагантности. Считалось, что такой высокий драматизм служил для уменьшения первоначальной цели или значения произведения, как это ощущалось в предыдущие периоды рококо и барокко.Неоклассицизм больше сосредоточился на оценке и увлечении древностью, а не на принятии ее как образа современной жизни.

Краткая история неоклассического искусства

Гийом Сеньяк, «Полуденный отдых», 1870-1924 гг. Продано за 49 000 долларов на Christie’s (апрель 2008 г.).

Возникновению неоклассицизма способствовали три основных фактора: археологические раскопки, «Большое путешествие» и труды Иоганна Иоахима Винкельмана.

К середине 18 века археология стала популярной новой областью науки, чему способствовали крупные открытия руин по всей Европе, включая Афины, Помпеи и Геркуланум.Подробные иллюстрации и письменные отчеты о местах раскопок широко распространились по всему континенту, вызвав интерес к недавно обнаруженным реликвиям классической древности. Неоклассицизм опирался непосредственно на эту информацию, расширяя историческую перспективу публики и возрождая страсть к прошлому.

Гранд-тур, европейский обычай 17-го и 18-го веков, когда молодые богатые путешественники отправлялись в образовательное путешествие по Европе в поисках искусства и культуры, также сыграл ключевую роль в распространении неоклассицизма.В это время молодые представители высшего общества, путешествующие по Италии, посещали мастерские известных художников-неоклассиков, таких как Антонио Канова и Бертель Торвальдсен, встречали множество древних артефактов и собирали ценные сувениры, чтобы вернуть их в свои библиотеки. Эти сувениры путешествовали по континенту, в Северную Америку и Латинскую Америку в 19 веке, способствуя расширению.

Еще одним ключевым вкладом, который способствовал подъему неоклассицизма, была работа немецкого философа и археолога Иоганна Иоахима Винкельмана (1717–1768).Винкельман писал об авторитете греческого искусства, восхваляя его идеалистические образы как превосходящие природу и отвергая идею о том, что искусство должно подражать жизни. Эта идеология впервые появилась в трудах греческого философа Платона, но неоклассики переняли ее основные принципы и расширили их в своей работе. Идеи Винкельмана были настолько влиятельны, что вызвали греко-римскую полемику в 1760-х годах, дискуссию, в которой рассматривалось превосходство греческого и римского искусства и архитектуры.

Характеристики неоклассического искусства

Мартин Дроллинг, «Посланник», 1815 г.Продано за 104 250 долларов на Sotheby’s (январь 2002 г.).

Историко-мифологическая тематика

Греческая и римская история и мифология были источниками вдохновения для неоклассических художников по всей Европе. От архитектуры и декора до фольклора неоклассическое искусство отражало героизм и фантазию мифических сказок. Это всегда присутствовало в работах, изображающих битвы, исторические сцены и даже сцены современности, в которые добавлялись фантастические элементы для достижения желаемой устаревшей эстетики.

Идеализм

Художники, опирающиеся на историю и мифологию, были очарованы идеализмом греко-римского искусства и архитектуры, отражавшим общее убеждение, что наша реальность формируется нашими собственными мыслями и идеями. Винкельманн поддержал это увлечение, заявив, что греческое искусство было воплощением качеств, превосходящих природу. Знакомство с этими произведениями искусства и археологическими реликвиями из первых рук повлияло на студентов неоклассицизма. Такие формы и пропорции были представлены в картинах, архитектуре и садах — даже природой манипулировали, чтобы охватить новую эстетику.

Простота

В отличие от грандиозного стиля произведений рококо и барокко, неоклассицизм предпочитал простую элегантность. Стремление к чистоте древности привлекало европейцев к симметричным композициям вновь открытых произведений искусства и артефактов. Винкельман часто отмечал «благородную простоту» греческих произведений, и современные художники стремились воссоздать это. Четкие линии, ровные пропорции и более равномерная цветовая палитра были отличительными чертами жанра.

Величие

Грандиозные крупномасштабные произведения искусства продемонстрировали внимание к деталям, которое художники стремились воссоздать. Богато украшенные куполообразные потолки, фрески, занимающие целые стены, и высокие колонны появились по всей Европе на протяжении 18 века. Некоторые из самых знаковых фасадов банков и правительственных зданий, которые существуют до сих пор, возникли в неоклассический период.

Образцы неоклассического искусства

Джованни Паоло Панини, «Древний Рим»

Джованни Паоло Панини, «Древний Рим», 1757 год. Изображение с Викисклада.

«Древний Рим» Джованни Паоло Панини олицетворяет основные принципы неоклассицизма: фрески, картины и мраморные статуи, изображающие сцены из классической античности, выставлены в большом зале, где студенты и ученые наблюдают и создают собственные копии.Произведение Панини подчеркивает важность воздействия классических произведений на распространение неоклассических идеалов.

Элизабет Виже-Лебрен, «Принцесса Евдокия Ивановна Голицына в роли Флоры»

Элизабет Виже-Лебрен, «Принцесса Евдокия Ивановна Голицына в роли Флоры», 1799 г. Изображение с Викисклада.

Мягкие цвета, идеально пропорциональные черты лица и греческая архитектура на заднем плане: это произведение Элизабет Луизы Виже-Лебрен демонстрирует сдержанную красоту, характерную для эпохи неоклассицизма.Как французская художница-портретистка, она была одной из самых успешных художниц своего времени, известной своими женскими портретами. Она одна написала двадцать портретов Марии-Антуанетты, и их дружба помогла укрепить ее влиятельную роль в неоклассическом движении.

Жак-Луи Давид, «Портрет папского пирога VII»

Жак-Луи Давид, «Портрет папского пирога VII», 1805 г. Изображение с Викисклада.

Французский художник Жак-Луи Давид был одним из самых влиятельных представителей неоклассического периода; его работы были признаны образцовыми для того времени.Давид в основном рисовал исторические события и изображал многих лидеров Французской революции после ее начала в 1789 году, включая Наполеона Бонапарта и Папу Пия VII. Исторические и мифические мотивы занимали центральное место в его работах, отражая господствовавшие в то время идеализм и понимание прошлого.

Йозеф Мецгер, «Бюст Эжени де Богарне»

Йозеф Мецгер, «Бюст Эжени де Богарне», 19 век. Изображение с Викисклада.

Мраморные статуи и бюсты были основой греческой и римской архитектуры, и их внешний вид был принят в эпоху неоклассицизма.На этот раз, однако, были представлены современные фигуры, такие как президенты и элита, а не боги и богини. Четкие линии и гладкие края мрамора олицетворяли простоту, которую хотели завсегдатаи. Некоторые бюсты и статуи были украшены традиционной одеждой, соответствующей неоклассическому периоду, в то время как другие демонстрировали драпированные тоги, более напоминающие об ушедшей эпохе.

Восхваление прошлого неоклассическим искусством и противодействие более показным тенденциям произвели фурор в 18-м и 19-м веках.От картин маслом и мраморных бюстов до архитектурных чудес движение было широкомасштабным. Оценка прошлого в сочетании с современностью, чтобы вызвать новый интерес к симметрии, гармонии в композиции и сосредоточению внимания на пропорциях.

Источники : Музей Метрополитен 1, 2 | Британская энциклопедия 1, 2, 3

Маньеризм

Термин маньеризм описывает стиль картин и бронзовой скульптуры в этом туре.Произведенный от итальянского maniera , что означает просто «стиль», маньеризм иногда определяется как «стильный стиль» из-за его акцента на сознательном искусстве, а не на реалистичном изображении. Художник и критик шестнадцатого века Вазари — сам маньерист — считал, что совершенство в живописи требует утонченности, богатства изобретательности и виртуозной техники — критериев, подчеркивающих интеллект художника. Более важным, чем его тщательно воссозданные наблюдения за природой, была мысленная концепция художника и ее разработка.Этот интеллектуальный уклон был отчасти естественным следствием нового положения художника в обществе. Художники и скульпторы, которых больше не считали ремесленниками, заняли свое место среди ученых, поэтов и гуманистов в атмосфере, которая способствовала пониманию элегантности, сложности и даже скороспелости.

Искусственность маньеризма — его причудливый, иногда кислотный колорит, нелогичное сжатие пространства, вытянутые пропорции и преувеличенная анатомия фигур в завитых, змеиных позах — нередко вызывает чувство тревоги.Работы кажутся странными и тревожными, несмотря на их поверхностный натурализм. Маньеризм совпал с периодом потрясений, раздираемых Реформацией, чумой и опустошительным разграблением Рима. После своего зарождения в центральной Италии около 1520 года маньеризм распространился на другие регионы Италии и Северную Европу. Однако в Италии он оставался в основном продуктом художников Флоренции и Рима.

Характер маньеризма продолжает обсуждаться. Его часто обсуждают и судят по отношению к предшествовавшему ему Высокому Возрождению.Некоторые ученые рассматривают маньеризм как реакцию на классицизм эпохи Возрождения, в то время как другие считают его логическим продолжением — естественным результатом подчеркнутого моделирования Микеланджело или изысканности Рафаэля. Уже в 1600 году маньеристов критиковали за то, что они умышленно нарушили единство ренессансного классицизма, его интеграцию формы и содержания, баланс эстетических целей и идей. Сегодня, когда классицизм больше не претендует на «совершенство», маньеризм более отчетливо проявляется как связующее звено между Высоким Возрождением и последовавшим за ним эмоционально заряженным и динамичным искусством барокко.

Аньоло Бронзино , Италия, 1503 — 1572, Элеонора ди Толедо , гр. 1560 г., панель, масло, Коллекция Сэмюэля Х. Кресса, 1961.9.7

Античность и веймарский классицизм — Ученые Техасского технического университета

TY — CHAP

T1 — Античность и веймарский классицизм

AU — Grair, Charles A.

PY — 2009/1/1

Y1 — 2009/1/1

N2 — Веймарский классицизм, можно сказать, начался в 1786 году, когда Гёте помещает свою Ифигению на скалистые берега Тавриды, тоскуя по дому, «das Land der Griechen mit der Seelesuchend» (HA 5:7; ищет землю греков своей душой). Поиски Греции, далекой поэтической родины, где можно было найти красоту, гармонию и наполненность, которых не хватает в современном мире, захватили целое поколение. Не только Гёте и Шиллер, но и их современники от Лессинга, Клопштока (1724-1803) и Виланда до более молодых йенских романтиков разделяли поиски Греции Ифигении. Хотя термин «веймарский классицизм» правильно отражает долг стилям и традициям античности, ни Гёте, ни Шиллер, ни кто-либо из их современников не считали себя классиками.Сам термин является относительно недавним изобретением, призванным заменить вводящее в заблуждение «deutsche Klassik», продукт националистической литературной агиографии девятнадцатого века. Веймарский классицизм также потенциально может ввести в заблуждение, поскольку он предполагает исключительную или доминирующую форму классицизма и отделяет избранную группу авторов — часто только Гете и Шиллера — от их немецких и европейских современников. На самом деле произведения веймарских писателей представляют собой лишь одно течение романтического эллинизма, одно из многих видений классического возрождения. Для писателей конца XVIII века «древность» не означала связной исторической или философской системы; это было, скорее, как далекий дом Ифигении, отсутствующий идеал, который отражал мечты и амбиции художников и их разочарование в собственном несовершенном возрасте.

AB — Веймарский классицизм, можно сказать, начался в 1786 году, когда Гёте помещает свою «Ифигению» на скалистые берега Тавриды, тоскуя по дому, «das Land der Griechen mit der Seelesuchend» (HA 5:7; ища землю греки с ее душой).Поиски Греции, далекой поэтической родины, где можно было найти красоту, гармонию и наполненность, которых не хватает в современном мире, захватили целое поколение. Не только Гёте и Шиллер, но и их современники от Лессинга, Клопштока (1724-1803) и Виланда до более молодых йенских романтиков разделяли поиски Греции Ифигении. Хотя термин «веймарский классицизм» правильно отражает долг стилям и традициям античности, ни Гёте, ни Шиллер, ни кто-либо из их современников не считали себя классиками.Сам термин является относительно недавним изобретением, призванным заменить вводящее в заблуждение «deutsche Klassik», продукт националистической литературной агиографии девятнадцатого века. Веймарский классицизм также потенциально может ввести в заблуждение, поскольку он предполагает исключительную или доминирующую форму классицизма и отделяет избранную группу авторов — часто только Гете и Шиллера — от их немецких и европейских современников. На самом деле произведения веймарских писателей представляют собой лишь одно течение романтического эллинизма, одно из многих видений классического возрождения.Для писателей конца XVIII века «древность» не означала связной исторической или философской системы; это было, скорее, как далекий дом Ифигении, отсутствующий идеал, который отражал мечты и амбиции художников и их разочарование в собственном несовершенном возрасте.

Ура — http://www.scopus.com/inward/record.url?scp=84921774040&partnerid=8yflogxk

м3 — Глава

AN — SCOPUS: 84921774040

SN — 9781571132499

SP — 63

EP — 90

BT — Литература веймарского классицизма

PB — Boydell and Brewer Ltd

ER —

Школа танцев, Университет Юты

Энн Рэйвен Уилкинсон родилась 2 ноября 1935 года в семье Энн Джеймс Уилкинсон и Фроста Берни Уилкинсона в Нью-Йорке. Оба ее родителя родились и выросли в Южной Каролине, но переехали на север, чтобы получить образование. В конце концов семья поселилась в Гарлеме, штат Нью-Йорк, где тогда жил средний класс, чтобы открыть стоматологическую практику отца Рэйвен; офис находился прямо через дорогу от того, что впоследствии стало Театром танца Гарлема, что предвещало будущее Уилкинсона в танцах. Доктор Уилкинсон был известен своим равноправным отношением к черным и белым пациентам, рано посеяв семена равенства в качестве примера для своей дочери.

Когда Уилкинсон было пять лет, мать отвела ее на выступление Русского балета Монте-Карло в Нью-Йорке.Вспоминая свое знакомство с балетом, она делится: «[Ballet Russe de Monte Carlo] исполнил Coppélia , и я помню, как оркестр, занавески, свет настолько потрясли меня, что я начала плакать». Вскоре ее мать записала ее в школу Далкроуз, чтобы она начала формальное обучение. Четыре года спустя она поступила в школу «Свобода», которая в 1951 году перешла под управление директора Ballet Russe Сергея Денхама. Уилкинсон много раз проходила прослушивания в труппу, но изначально ее не приглашали, предположительно из-за ее расы.То есть до ее четвертой попытки.

«Фредерик Франклин провел урок прослушивания. [В 2013 году], незадолго до смерти мистера Франклина, я навестил его в больнице. Он сказал мне, что в день того прослушивания он подошел к персоналу компании и сказал: «Вы просто должны взять ее — она прекрасная танцовщица». воспользовался его советом. После прослушивания он сказал мне: «Как бы вы хотели быть в Русском балете Монте-Карло?» Я чуть не упал!»

Вступление Уилкинсона в труппу в 1955 году ознаменовало собой первый случай, когда Русский балет Монте-Карло нанял темнокожего танцора — в разгар эры Джима Кроу .

Первые два года работы Уилкинсона в компании прошли без происшествий. Она выступала по Соединенным Штатам и во втором сезоне стала солисткой. В труппе был большой процент танцоров из других стран, «поэтому большую часть времени [ей] не приходилось слишком беспокоиться» о дискриминации или расовых предрассудках. Но когда в 1950-х годах «Русский балет Монте-Карло» гастролировал по югу, начались проблемы.

«Помню, однажды в Монтгомери, штат Алабама, туристический автобус въехал в город, и все бегали в белых мантиях и с капюшонами.Они остановили движение, их было очень много. Раздался стук в дверь автобуса, и этот человек в капюшоне и мантии запрыгнул внутрь. Несколько здоровенных танцоров мужского пола встали и двинулись к нему. Он бросил горсть расистских брошюр по всему автобусу, прежде чем его выгнали».

Когда такие инциденты происходили или казались вероятными, сверстники Уилкинсон вступали на ее защиту. «Если казалось, что после выступления могут возникнуть проблемы, мальчики из компании появлялись у дверей сцены, чтобы проводить [ее] обратно в отель.«Хотя ей не всегда были рады на юге Америки, она всегда чувствовала себя в компании как дома. В то время, когда ее собственная страна отвергла ее из-за кожи, танцоры были ее семьей, ее защитниками и ее самыми большими поклонниками.

После семи лет танцев в труппе Уилкинсон ушел в отставку, к большому огорчению Сергея Денхэма. Она искала работу в других труппах, но ей так и не предложили контракт: Джордж Баланчин из New York City Ballet сказал ей, что она «не его тип танцовщицы», Лючия Чейз из Американского театра балета «едва взглянула» на нее, а балетная труппа Met Opera Ballet Алисия Маркова «вела себя так, как будто [ее] даже не существовало» во время прослушивания.После одного жестокого отказа за другим Уилкинсон решила отказаться от своих пуантов и ушла в монастырь. Два года спустя у нее было прозрение:

«Вскоре после этого я понял, что должен более внимательно присмотреться к себе. Мысль о служении в монастыре для прославления Бога заставила меня увидеть, что мне дан великий дар, прекрасная возможность танцевать, и я еще не использовал этот дар в полной мере. Мне нужно было вернуться и выполнить то, что я еще не выполнил. Вот что я сделал».

Она начала с простого станка дома, а позже вернулась к формальным занятиям. Вскоре после этого Сильвестр Кэмпбелл из Голландского национального балета предложил ей станцевать в Голландии. Они прислали ей контракт, который должен начаться в следующем сентябре.

Ее опыт в Европе сильно отличался от опыта в Соединенных Штатах. Уилкинсон танцевала в Голландском национальном балете с 1967 по 1974 год. Она практически не сталкивалась с расизмом в Голландии, потому что «истории рабства там не существовало и, следовательно, института расизма» также не существовало. Голландцы были «больше озабочены тем, кем вы были, чем тем, кем вы были.«После 7 лет работы в компании, танцуя все, от Спящая красавица до Жар-птица , она ушла на пенсию в 39 лет из-за обязательного пенсионного возраста. Несмотря на то, что компания предложила ей оплатить обучение учителей, она тосковала по дому. Она вернулась в Соединенные Штаты в 1974 году и присоединилась к Нью-Йоркской городской опере, где все еще испытывала расовые предрассудки со стороны артистов. Тем не менее, она заявила, что рада возвращению в США.

«Я люблю свою страну и рад, что живу здесь.Какими бы ни были проблемы, а их много, по крайней мере, люди пытаются что-то с ними делать. Вот такой дух мне нравится в этой стране».

Уилкинсон продолжала выступать в возрасте 82 лет, хотя она «органически ушла» из Оперы в 2011 году, когда она закрылась. Она была наставником солистки Американского театра балета Мисти Коупленд до ее кончины в 2018 году.

Виктория Холмс
Программа балета Senior
Президент-учредитель Рабочей группы танцевальных исследований

Слава классицизма | Стивен Гринблатт

Национальная галерея, Лондон/Художественная библиотека Бриджмена

Диего Веласкес: The Rokeby Venus , около 1648–1651

1.

Более тысячи страниц, около пятисот статей, посвященных выживанию, передаче и восприятию культур греческой и римской античности. . Возьмите запись о звездочке: вы узнаете, что этот вездесущий критический знак, названный по-гречески «маленькая звезда», возник в птолемеевской Александрии, где великий текстолог Аристофан Византийский и его ученик Аристарх Самофракийский использовали их для обозначения повторяющихся строк. в Илиаде и Одиссее .Несколько столетий спустя плодовитый (и изуродовавший себя) христианский богослов Ориген начал использовать звездочки по-другому, чтобы обозначить пропуск некоторых отрывков в греческом переводе Ветхого Завета. Это использование постепенно распространилось как признак того, что что-то пропало или скрыто, и, следовательно, в конце сложного пути, который проходит через классические издания, Библии и порнографию, когда вы вводите свой пароль на компьютере, часто появляются буквы и цифры. в виде цепочки звездочек.

Следующая запись приведет вас к тезке звездочки, персонажу французского мультфильма Астерикс, и предоставит информацию о популярных комиксах и обо всем, что они породили (включая тематический парк и линейку картофельных чипсов), о Галлии в 50 до н.э. , где происходят сказки, и о некоторых характерных межэтнических и межъязыковых шутках (например, повторяющееся восклицание о том, что римляне сошли с ума — Ils sont fous ces romains! — переводится на итальянский как Sono pazzi questi romani! , что удобно сокращается как SPQR , освященная веками латинская аббревиатура для Сената и Народа Рима).

Эти статьи, наполненные подробностями, представляют собой лишь лакомые amuse-gueules , непосредственно окруженные огромными порциями эрудиции по «Истории искусства и критике» и «Астрологии», наряду с такими богатыми, многоколоночными статьями, как «Эстетика», «Александр Македонский», «Аллегория», «Архитектура», «Аристотель и аристотелизм», «Астрономия», «Афины», «Атомы и атомизм», «Авиценна». И мы только сэмплировали А. Работа в целом сочетает в себе содержательные очерки на масштабные темы — «Гуманизм», «Медицина», «Философия», «Возрождение», «Рим», «Сексуальность» и т. п. — с рассказами отдельных авторов, художники, боги и герои мифов, изобретатели, императоры, полководцы, основатели городов, жрецы, охотники за книгами, филологи, переводчики, ученые, археологи, антиквары, искусствоведы, коллекционеры, фальсификаторы, революционеры, словом, огромное разношерстное множество тех, чьи труды и дни дошли до нас из далекого прошлого, тех, кто нашел свои следы спустя долгие века, и тех, кто посвятил свою жизнь пониманию, эксплуатации, демонтажу и адаптации своего наследия.

Есть пропуски? Конечно. Было бы предсказуемой и несколько утомительной игрой обозревателя составить список из них, людей от Бартоломео де Арагацци до Федерико Цуккаро, темы от стоматологии до сумасшествия. Есть отдельная статья об Анакреоне, но не об Эзопе; Диоскорид, но не Демокрит. И все же Классическая традиция по праву должна вызывать не придирки, а благодарность. Это книга, чье длинное, ученое и остроумное эссе о Риме могло бы стать на удивление исчерпывающим путеводителем по древним реликвиям этого города, но в ней также есть время для статей об армянском эллинизме, Хунайне ибн-Исхаке и Гандхаре; carpe diem , deus ex machina и translatio imperii ; Общество дилетантов, Гранд-тур и фашизм.В этих страницах можно приятно заблудиться, как во внутренних двориках Помпеи, и не выходить часами.

Но хотя большая часть удовольствия от этого тома проистекает из водоворота любопытных деталей — «симпозиум» возник не как научная конференция, а как ритуальная попойка; слово «паразит» происходит от греческого «товарищ по обеду»; византийский эрудит XI века Михаил Пселл написал около 1100 работ — его амбиции намного выше. С этим стремлением приходит ряд сложных проблем, которые можно суммировать в трех словах: «The», «Classic» и «Tradition».

«The» подразумевает, что существует единственный древний источник, из которого проистекает западная или, возможно, вся мировая культура, но редакторы справедливо опасаются этого высокомерного грандиозного повествования. Они пишут, что предпочли бы назвать свой том «Классическая традиция» номером в знак признания тех других богатых традиций, включая исламскую, иудейскую, китайскую и индийскую, которые также глубоко сформировали мировую культуру, включая культуру Запада. и у которых есть свои наборы образцовых текстов, проверенных временем понятий, старинных сюжетов и героев.

«Классика», признает редакция, может относиться к таким сферам, как «классическая музыка» и «Coke Classic», которые имеют мало или вообще никакого отношения к греко-римскому миру. Более того, даже в той сфере, которой они касаются, термин нестабилен и потенциально может ввести в заблуждение. Живая статья «Модернизм в искусстве» указывает на все способы, которыми живопись, скульптура и литература двадцатого века обращались к классике, чтобы уйти от заезженных условностей и вернуться к элементарным истинам.Достаточно вспомнить минотавров Пикассо или городские пейзажи де Кирико, архитектурную суровость Мис ван дер Роэ или радостное каннибализм Джойса из Odyssey .

Но термин «классический» (как и родственный ему «неоклассический») имеет столь широкий спектр ассоциаций — эстетических, политических и социальных, — что делает его почти бесполезным в качестве аналитического термина. Если в какой-то момент он кажется союзником всех современных вещей, он может в одно мгновение стать заклятым врагом. И эта лабильность характерна не только для двадцатого века.«Мне тоже раньше нравились современные здания, но когда я стал ценить классические, мне стало противно первое». Это слова итальянского архитектора и скульптора Антонио Филарете, писавшие в 1460-х гг. Под «современным» Филарет имеет в виду стиль, который мы бы назвали готическим. ^*

Не меньшую проблему представляет и термин «традиция», и редакция даже не пытается дать ему определение. Означает ли оно, как предполагает его этимология, что-то, что передается из поколения в поколение? Некоторые тексты (несколько произведений Платона и Аристотеля, небольшое количество пьес и стихов) буквально передавались, копировались и читались почти без перерыва с древности до наших дней, а некоторые произведения искусства (прославленные здания, такие как Пантеон и Колизей, а также некоторые скульптуры и драгоценности) оставались постоянно видимыми и даже, подобно дворцу Диоклетиана в хорватском Сплите, пригодными для жилья.

Но они составляют лишь скромный фрагмент того, что включено в этот том под рубрикой «традиция». Многое другое было изуродовано, разобрано, предано земле, забыто, а затем, только после перерыва в века или даже тысячелетия, вновь предстало перед глазами. Что делать с радикальными разрывами и разрывами, подавлениями и возрождениями, которые характеризуют значительную часть культурного наследия Греции и Рима? Те, кто обнаруживал забытый след прошлого, часто вообще не признавали найденное своей «традицией». Если они и могли использовать находку, то лишь изобретая ее заново («изобретать» ведь значит буквально «натыкаться»).

Хотя каждый из определяющих терминов в этом огромном проекте представляет сложную проблему, редакторы тем не менее утверждают, что «каждая область постклассической жизни и мысли испытала глубокое влияние» греко-римской древности, которая является их предметом. Поэтому ставки высоки: не что иное, как понимание того, как наша цивилизация пришла к принятию конкретных форм, формирующих нашу жизнь.Эти формы включают в себя языки, на которых мы говорим, социальные структуры, в которых мы живем, и законы, которые их регулируют, размер и конфигурацию наших жилищ, города, в которых мы живем, способы, которыми мы хороним и поминаем наших умерших, наши характерные способы организации, сохраняя и передавая знания, песни и истории, которые доставляют нам удовольствие, образы, которые мы формируем из себя и нашего мира, типы телосложения, которые вызывают желание или отвращение, наши представления о свободе и порабощении, наши мечты о добре и наши кошмары зло.

Есть несколько серьезных препятствий на пути реализации этой амбициозной программы. Первый — лингвистический. Греческий язык так и не восстановил полностью ту культурную ценность, которой он пользовался среди древнеримского образованного класса, а латынь к настоящему времени окончательно утратила центральное положение, которое она когда-то занимала. На протяжении веков изучение латыни служило, как заметил Уолтер Онг, «обрядом полового созревания» (часто сопровождавшимся жестокими избиениями) для всех образованных мужчин. Шекспировский «плаксивый школьник» «полз, как улитка/Неохотно в школу», чтобы его приучили к минимальному знанию древнего языка, и на то были веские причины: практически все углубленное обучение, от богословия и права до физики и медицины, проводилось в Латинский.(Технические термины для цветов и болезней — одни из последних тонких следов этого ушедшего мира.)

Образовательная система, ориентированная на латынь, оставалась практически нетронутой вплоть до двадцатого века. Его падение в Соединенных Штатах может быть символически датировано 1931 годом, когда Йельский университет, за которым вскоре последовали и другие учреждения, решил отменить требование латинского языка для всех абитуриентов средней школы. С ним исчезло общее языковое владение, которое передавалось, по крайней мере, среди всей образованной элиты, с древних времен.

Исчезновение связано не только с языком: латынь традиционно преподавалась с помощью древних литературных текстов. Это означает, что практически все образованные мужчины (и женщины, как только они получили доступ к тому, что было мужской привилегией) были погружены в одни и те же книги. Когда Шекспир поступил в Королевскую гимназию в Стратфорде в 1570-х годах, он читал Плавта и Теренция, Вергилия и Овидия, и эта основная учебная программа оставалась более или менее неизменной на протяжении столетий благодаря Исааку Ньютону и Джону Локку, Томасу Джефферсону и Вудро Вильсону.Во второй половине двадцатого века вся эта структура рухнула. Как известно всякому, кто недавно поступил в колледж или университет, мало кто приезжает туда, имея хотя бы отрывочные знания по античной литературе и культуре, и, более того, лишь небольшое число этих же студентов заканчивает обучение, обладая хоть какими-то знаниями по классике. чем они привезли с собой.

Классическая Традиция была составлена с полным осознанием этого краха. Следовательно, его статьи вынуждены выполнять несколько задач одновременно.Они должны давать хоть какую-то основную информацию об отдельных фигурах и темах, как если бы это была энциклопедия древнего мира. Поэтому нам говорят, что Орфей был «героем греческих мифов, поэтом и музыкантом, предполагаемым основателем мистической религии и автором «орфических» стихов»; Катон Младший «прославился своей преданностью Республике, непоколебимой моралью и строгим стоицизмом»; тога была «традиционным костюмом римского гражданина мужского пола»; и т.д.

Авторы Классическая традиция все стараются заполнить то, что, как они знают, для многих будет чередой пробелов. В них нет места, чтобы предложить больше самого минимума, и, следовательно, эта сторона тома, хотя и необходимая, является его самой слабой чертой, тем более, что он не является по сути энциклопедией и не может претендовать на то, чтобы дать исчерпывающую информацию. охват древнего мира.

Вместо этого акцент делается на тех аспектах древнего мира, которые, по мнению редакторов, наиболее заметны в настоящем. Запись к Софоклу начинается со слов «Греческий трагик (ок. 496–406/405 г. до н. э. )», а затем направляется к кинотеатру: «Отсылки к Софоклу вызывают недоумение в фильмах Вуди Аллена, таких как Могучая Афродита ( 1995) и Match Point (2005).Древние аргументы Платона и Аристотеля о цензуре в четвертом веке г. до н.э. г. превращаются в конфликты по поводу «различных средств массовой информации, таких как видеоигры и Интернет». «Когда кураторы Джорджа Буша-младшего хотели подготовить прессу и общественность к тому, что, по их мнению, должно было стать победой сенатора Джона Керри на президентских дебатах 2004 года, они объяснили, что Керри был еще одним Цицероном».

Британский музей, Лондон/Архив Вернера Формана/Художественная библиотека Бриджмена

Греческая ваза с изображением Одиссея, привязанного к мачте, когда его корабль проходит мимо сирен, около 480 г. до н.э. обратите внимание на случаи, когда классическая традиция явно не достигла настоящего в крепком здоровье.Римский поэт Статий имел огромное значение в поздней античности и средневековье. Словно не в силах отправить его в ад, Данте вообразил, что тот обратился в христианство, и поэтому дал ему выступ в чистилище; Чосер помещает «Стэйс» рядом с Гомером. Но с восемнадцатого века аппетит к английской версии пропитанного кровью эпоса Статиуса, Thebaid , был «вялым». (Его кошмарное видение того, почему общества погружаются в гражданскую войну, может быть возрождено.) Могущественный сексуальный бог Купидон сейчас «встречается по большей части на валентинках и подарках как банальный символ любви». И хотя сирены все еще могли мощно жить в воображении Джойса, Рильке и Кафки, теперь они сведены к логотипу Starbucks, «дизайну, который скрывал сначала грудь и живот, а затем рыбий хвост, оставляя сирену не более чем красивое лицо, обрамленное графическим узором из повторяющихся волн».

Это некоторые неудачи, но в целом Классическая традиция настаивает на том, как греческое и римское наследие, несмотря на бесчисленные катастрофы, сумело выжить.Объяснение того, как это произошло, — наряду с энциклопедическим повторением основных фактов и импрессионистским повторением актуальности — главная задача этого тома. И именно здесь, в дискуссиях византийских грамматиков и арабских философов, монахов-библиотекарей и книголюбов-гуманистов, антикваров эпохи Возрождения и лютеранских педагогов-теоретиков, современных филологов, переводчиков, археологов и историков, статьи наиболее информативны и живы. .Ибо бросается в глаза не столько тяжесть огромного классического наследия, сколько его случайность.

Возьмем, к примеру, литературного деятеля, в котором воплощена вся классическая традиция Запада, Гомера. Илиада и Одиссея , по-видимому, датируются серединой девятого века г. до н.э. г., возникшие из культуры устных эпосов. Только во втором веке г. до н.э. г. в эллинистическом мире утвердились более или менее нормативные тексты, и именно эти тексты доминировали в последующих рукописных традициях и служили в византийских школах.Евреям, по крайней мере, в принципе разрешалось разделять этот интерес: «Согласно Мишне, произведения Гомера могли быть прочитаны евреями, если они не принимали во внимание свои религиозные и этические взгляды».

Но на христианском латинском Западе в Средние века мало свидетельств серьезного интереса к Гомеру. Латинская «Илиада» начала I века, значительно уменьшенная в размерах, иногда упоминается в школьных программах, но, похоже, она не привлекла большого внимания.Когда Петрарка в четырнадцатом веке начал раскапывать классических латинских авторов и читать их со страстным интересом, он понял, что эти авторы были буквально одержимы Гомером, но ни он, ни его современники не имели лингвистического доступа ни к одному из великих эпосов. В 1360 году он попытался нанять грекоязычного калабрийца Леонато Пилато, чтобы тот научил его греческому языку и перевел Илиаду и Одиссею , но как педагогика Пилата, так и его дословный перевод потерпели неудачу. Лишь в пятнадцатом веке великие флорентийские гуманисты Леонардо Бруни и Лоренцо Валла, вдохновленные культурным пламенем, зажженным Петраркой, всерьез взялись за эту задачу. Народные переводы появились еще позже: только в семнадцатом веке Джордж Чепмен написал Гомера на английском языке.

Гомер теперь кажется настолько важным для того, что мы подразумеваем под классической традицией, что трудно понять, что в Западной Европе в течение почти тысячи лет великие эпические поэмы, носящие его имя, не были частью чьего-либо описания наиболее значительных реликвий. древности.За исключением Тимея , труды Платона так же исчезли из поля зрения, как и многое другое. Постоянное присутствие в средние века значительных архитектурных следов — мостов, дорог, арок, гробниц и зданий в разной степени сохранности — помогает создать иллюзию длительного существования классического прошлого, но на самом деле большая его часть исчезла. , столь же решительно и, казалось бы, столь же постоянно, как и картины, украшавшие когда-то стены старинных вилл. В основе «Классическая традиция» лежит не история исторической преемственности, а скорее разрыв, заделанный впечатляющими подвигами воображения и учености.

Тем не менее, несмотря на то, что даже выживание Гомера было на удивление неопределенным, эти тексты настолько трогают нас, что кажутся необходимыми для культуры, какой мы ее знаем. То, что сейчас немногие читают на латыни, а еще меньше — на греческом, может угрожать таким пережиткам, однако классическая традиция — и в этом заключается ее сверхъестественный статус — по-прежнему кажется вечной и живой. Запись в The Classical Tradition , которая прекрасно отражает эту стойкость, относится к Фрейду.То, что у Фрейда должна быть особая статья, вряд ли самоочевидно, но это только добавляет интриги, когда мы узнаем, как отец психоанализа больше, чем кто-либо другой, сделал классическую традицию «живой необходимостью современного мира». В таких понятиях, как комплекс Эдипа, Фрейд сделал понимание классической традиции жизненно важным для понимания себя.

2.

Среди изобразительных искусств на первом месте возрождение живописи. Написав после возрождения письма Петраркой, Боккаччо похвалил Джотто за то, что он «возродил к свету это искусство [живопись], которое на протяжении многих веков было похоронено.Но что делало Джотто превосходным, так это не то, что он подражал классическим образцам. Он не мог, потому что антикварных картин почти не сохранилось. Величие Джотто заключалось в том, насколько хорошо он подражал природе. Натурализм, а не классицизм, был первой отличительной чертой живописи эпохи Возрождения, как утверждал Эрвин Панофски. Лишь столетие спустя Джотто получил похвалу за то, что заново открыл древнее учение о пропорциях.

Архитектурный классицизм – особый случай среди изобразительного искусства. Римские здания, огромные даже в своем разрушенном состоянии, еще стояли в Европе, особенно в Италии.Благодаря им новые достижения в архитектуре можно было прямо сравнивать с античными. Брунеллески называли вторым Джотто, но, в отличие от живописца, архитектора хвалили за возрождение «классического способа строительства», как выразился Филарете. Письмо об архитектуре стало первым, кто построил полную историческую схему. Филарет пишет, что после разрушения Рима варварами архитектура пришла в упадок. Его место заняли «обычаи и традиции с севера от Альп, привнесенные не настоящими архитекторами, а художниками, каменщиками и особенно ювелирами», которые создавали здания, как если бы они были «скиниями и кадильницами».Для Филарета настоящая архитектура, таким образом, приходилась только на две эпохи: в античности и в эпоху Возрождения, то есть в эпоху Нового времени.

Запись «Архитектура» в Классическая традиция состоит из четырнадцати колонок, по сравнению с двенадцатью для «Поэтики», восемью для «Музыки» и семью для «Скульптуры». («Живопись» не имеет отдельной записи.) Его первое предложение указывает на особый путь архитектуры: «Классическая архитектура в самом широком смысле относится к любым зданиям, вдохновленным архитектурой Древней Греции и Рима с г. до н.э. 6-го века до г. до н.э. С шестого века до нашей эры до настоящего времени : обращение Брунеллески к классической традиции в архитектуре в пятнадцатом веке повторяет более ранние обращения за столетия до этого. Когда римский император Август попытался смоделировать свое правление по образцу правления Перикла в Афинах, он построил нарочито греческий стиль: тогда это был классический пример классической традиции.

Самое публичное искусство, связанное с богатством и властью, архитектура воплощает волю своих покровителей, которые претендуют на статус через свои здания.Классицизм выражает власть и порядок. Он символически узаконивает суверенитет, особенно когда правление начинается при исключительных обстоятельствах, таких как убийство, революция или гражданская война. Обращение основано «на накоплении ассоциаций, вызванных классической архитектурой от перикловых Афин» до наших дней. Но привлекательность также основывается на чем-то в архитектуре, помимо ее исторических ассоциаций, — на том, что в статье называется «регулярностью архитектурных форм и композиций».Классика таит в себе желание выйти за пределы исторической аллюзии, желание стать чем-то вроде универсальной нормы.

В архитектуре особенно трудно сказать, когда должна начаться классическая традиция. Рассмотрим Витрувия, автора в первом веке 90 257 г. до н. э. 90 258 г. самого известного древнего трактата по архитектуре. Посвященная Августу работа отвергала архитектуру своего времени, жалуясь на то, что в ней безрассудно смешиваются разные порядки и предпочтение отдается самым богато украшенным.Витрувий искал руководства по греческой практике и теории. И то, что он обнаружил — свою классическую традицию — было культурой, уже оглядывающейся на что-то более раннее и более элементарное: первобытное деревянное здание. Первоначально (сообщает Витрувий) люди строили жилища, «устанавливая необработанные бревна и переплетая их с ветвями».

Для Витрувия реальная архитектура сохранилась благодаря сохранению своего основного элемента — колонны. Колонны происходят из стволов деревьев, поэтому они рифленые и сужаются к вершине.Колонны тоже имеют человеческую форму: разным народам соответствуют разные типы: дорическая колонна — воин в шлеме; Ионик, женщина с вьющимися волосами. В Парфеноне эти типы достигли своих «классических» форм. Архитекторы сознательно построили канонические версии традиционных колонн и назвали их витрувианскими. И именно поэтому в статье «Архитектура» можно сказать, что архитекторы шестого века г. до н.э. г. «были вдохновлены архитектурой Древней Греции». У них уже был ренессанс более древней древней Греции.Когда дело дошло до эпохи Возрождения четырнадцатого и пятнадцатого веков г. н.э. г., принципы Витрувия были значительно пересмотрены для зданий того времени.

3.

Вопрос о том, когда заканчивается классическая эпоха и начинается «классическая традиция», побуждает нас отступить от сумбура деталей и попытаться уловить более широкую картину. Хотя они не называли его «классическим», люди в Древней Греции и Риме уже осознавали себя частью традиции, которую они конституировали и подтверждали посредством ритуалов коллективной памяти и преемственности в производстве культурных артефактов и институтов. .Гомер вспомнил раннюю греческую историю и древних бардов; Вергилий вызывал Гомера для Рима; Греческой скульптуре подражали, подражали и копировали римские мастера. Традиция также была теоретизирована, как, например, когда Аристотель в «Поэтике » оглядывался на греческую трагедию или когда позже Витрувий в своем трактате оглядывался на греческую архитектуру.

Но классическая традиция, на которую ссылается большинство статей в этом огромном томе, предполагает не непрерывность, а скорее разрыв, разрыв, на котором была построена вся идея Ренессанса.Петрарка изобразил промежуточные темные века между его деградировавшим настоящим и славным древним прошлым. Происходившие на фоне разлома ученые и художники, вдохновленные Петраркой, кропотливо восстанавливали что-то утерянное или поврежденное. Классическая традиция в основном представляет собой руководство по коллективным усилиям по выздоровлению, хотя многие читатели ошибочно примут его за руководство по самой классике.

Ренессанс балансировал между траурным ритуалом и актом воскрешения.С одной стороны, Петрарка оплакивал труп древнего мира, его раздробленные руины свидетельствовали о безвозвратной утрате. С другой стороны, даже плача, он предпринял страстную попытку восстановить моральные и эстетические стандарты классического прошлого и прославить те ценности, которые остались вечными, нетронутыми временем и равнодушными к истории. Понимание античной культуры как продукта определенного исторического периода находится в противоречии с мечтой о возрождении. Даже великие современные поборники исторического сознания по-прежнему недовольны нормативной природой классической традиции как источника истины и красоты.Маркс понимал Древнюю Грецию как образец детства человечества. Для Ницше неспособность ухватиться за омолаживающую силу древности — это злоупотребление историей.

Классическая традиция — это элегия как исторической одержимости греческой и римской древностью, так и мечтам о ее вечной достоверности. Это «последняя книга». Его редакторы знают, что огромные коллекции такого рода отныне найдут свое место в Интернете. И еще больше они знают, что сегодняшние студенты-гуманитарии предпочитают предметы не старше себя.

Что такое искусство маньеризма? Изучение захватывающего стиля позднего Возрождения

Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получить партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочитайте наше раскрытие для получения дополнительной информации.

В эпоху Возрождения итальянские художники черпали вдохновение в идеальных формах и гармоничных композициях классической античности. Хотя это переосмысление древних моделей хорошо видно в работах художников Высокого Возрождения, таких как Микеланджело и Леонардо да Винчи, оно также проявилось как маньеризм , стиль, возникший к концу движения.

Художники-маньеристы довели принципы, установленные в эпоху Возрождения, до новых пределов, достигнув высшей точки в эстетике, которая придала классицизму стилизованный оттенок. Здесь мы рассмотрим этот менее известный стиль, изучим его историю и представим характеристики, которые его определяют.

Что такое маньеризм?

Маньеризм — стиль, возникший в 1530 году и просуществовавший до конца века. Он назван в честь maniera , итальянского термина, означающего «стиль» или «манера», и относится к стилизованному, преувеличенному подходу к живописи и скульптуре.

Иоахим Эйтевал, «Перс и Андромеда», 1611 г. (Фото из Викисклада)

Маньеризм, также известный как Поздний Ренессанс , считается мостом между высоким Возрождением и периодом барокко, который перенял богато украшенную эстетику подмножества и адаптировал ее как экстравагантность.

История

В конце 15 века художники Флоренции начали отказываться от неземной иконографии Средневековья в пользу классицизма .Этот эстетический подход просуществовал до 17 века и завершился тремя подмножествами: Раннее Возрождение, Высокое Возрождение и Позднее Возрождение.

Во времена Раннего Возрождения художники начали искать вдохновения в древности. Этот новообретенный интерес затем стал основой для Высокого Возрождения , жанра, характеризующегося натуралистическими фигурами и математически точным использованием перспективы. Высокое Возрождение длилось с 1490 по 1530-е годы, когда возникло Позднее Возрождение , или маньеризм.

Хотя художников-маньеристов интересовал перфекционизм художников Высокого Возрождения, они не стремились его воспроизвести. Вместо этого они преувеличивали принципы эпохи Возрождения, что привело к работе, которая отдавала предпочтение самовыражению, а не стремлению к идеализму. «Вместо того, чтобы принять гармоничные идеалы, связанные с Рафаэлем и Микеланджело, — поясняет Тейт, — [маньеристы] пошли еще дальше, создав в высшей степени искусственные композиции, которые продемонстрировали свои методы и навыки манипулирования композиционными элементами для создания ощущения утонченной элегантности.

Характеристики

Преувеличенные цифры

Основной способ, которым художники-маньеристы сделали «шаг вперед» техники Высокого Возрождения, — это преувеличение . Созданные итальянским художником Пармиджанино, маньеристы отказались от реалистичных пропорций и вместо этого изображали фигуры с невероятно вытянутыми конечностями и странным расположением тел. Эти растянутые и скрученные формы, вероятно, использовались для обозначения движения и усиления драматизма.

Пармиджанино, «Мадонна с длинной шеей», 1534–1540 (Фото: Интернет-галерея искусств через Wikimedia Commons Public Domain)

По словам Джорджио Вазари, выдающегося итальянского художника, архитектора, историка и писателя, Пармиджанино непреднамеренно принял эту необычную эстетику, рисуя свое собственное подобие. «Для того, чтобы исследовать тонкости искусства, — говорит Вазари о Пармиджанино в своей знаменитой книге по истории искусства «Жизнеописания художников» , — он решил однажды сделать свой собственный портрет, глядя на себя в выпуклое зеркало парикмахера. .И при этом, созерцая причудливые эффекты, производимые округлостью зеркала, извивающего балки потолка в странные кривые и заставляющие двери и другие части зданий необыкновенным образом отодвигаться, ему пришла в голову идея развлечь себя, подделывая все».

Пармиджанино, «Автопортрет в выпуклом зеркале», ок. 1523-1524 (Фото: Gallerix через Wikimedia Commons Public Domain)

Изысканное украшение

Роскошные украшения — еще один способ, с помощью которого маньеристы довели чувствительность Ренессанса до предела.В то время как деятели Высокого Возрождения обычно не включали узоры в свои работы, художники Раннего Возрождения, такие как Сандро Боттичелли, делали это. Вдохновленный millefleur (от французского mille-fleurs , или «тысяча цветов») гобеленов Средневековья, Боттичелли включил цветочные узоры в свои масштабные мифологические картины, такие как Primavera .

Боттичелли, «Примавера», ок. в. 1477–1482 (Фото: Google Arts & Culture через Wikimedia Commons Public Domain)

Художники-маньеристы, в свою очередь, вновь обратились к этому интересу к сложному орнаменту, покрывая как холсты, так и скульптуры подавляющим изобилием декоративных элементов.Одним из художников, поднявших эту концепцию на новый уровень, является Джузеппе Арчимбольдо, художник, создававший своеобразные портреты людей из растительности, животных и найденных предметов.

Джузеппе Арчимбольдо, «Весна», 1573 г. (Фото из Викисклада)

Искусственный краситель

Наконец, маньеристы отказались от натуралистических цветов, используемых художниками Высокого Возрождения, и вместо этого использовали искусственные — и часто кричащие — тона. Эти нереальные оттенки особенно заметны в работах Якопо да Понтормо, итальянского художника, чья насыщенная палитра подняла богатые краски эпохи Возрождения на новую высоту.

Понтормо, «Свидетельские показания», 1526-1528 (Фото из Викисклада)

Этот подход к цвету также широко известен благодаря Эль Греко, испанскому художнику, который принял стиль маньеризма, когда переехал в Рим. Как и другие маньеристы, Эль Греко обращался к более ранним художникам, не пытаясь воспроизвести их работы. «Вы должны изучать Мастеров, — сказал он, — но охранять оригинальный стиль, который бьется в вашей душе, и предать мечу тех, кто попытается украсть его».

Эль Греко, «Видение святого Иоанна, или Снятие пятой печати», ок. 1609–1614 (Фото: Метрополитен-музей через Wikimedia Commons Public Domain)

Наследие

Хотя маньеризм является частью эпохи Возрождения — возможно, самого влиятельного художественного движения в истории искусства — маньеризм не пользуется таким же уважением, как более ранние работы Золотого века. Тем не менее, его отличительная эстетика продолжает очаровывать тех, кто о нем знает, что делает его одним из самых увлекательных скрытых сокровищ в истории искусства.

Статьи по теме:

Изучение основного вклада малоизвестного «Северного Возрождения»

Как художники сохраняли жизнь натюрморта на протяжении тысячелетий

История купидона в искусстве: как Бог любви веками вдохновлял художников

Как музеи со временем превратились из частных коллекций в современные учреждения