Классицизм в искусстве картины: Классицизм в искусстве Западной Европы XVII века — Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве
классицизм — Виртуальный Pусский музей
Все произведения
Период:Все ВсеXVIII векПервая половина XIX векаВторая половина XIX векаКонец XIX – начало XX века
Всего: 133
Сортировка:по хронологии (в порядке возрастания) по хронологии (в порядке возрастания)по хронологии (в порядке убывания)по автору (в алфавитном порядке)
Выводить на странице: 20 / 60 / 100 / 500
Шедевры
Период:Все ВсеXVIII векПервая половина XIX векаВторая половина XIX векаКонец XIX – начало XX века
Всего: 13
Сортировка:по хронологии (в порядке возрастания) по хронологии (в порядке возрастания)по хронологии (в порядке убывания)по автору (в алфавитном порядке)
Выводить на странице: 20 / 60 / 100 / 500
Рекомендуем
Медиатека
Год создания: 2014 | Интерактивная программа | Язык: русский, английский, итальянский
Мультимедийная программа объединяет около 500 произведений русских художников, работавших в Италии и итальянских мастеров, оставивших свой след в русском искусстве, в том числе внесших значительный вклад в архитектурный облик дворцов Русского музея.
Год создания: 2009 | Видеофильм | Язык: русский | Продолжительность: 26:00
Фильм рассказывает о выставке «Картина. Стиль. Мода», раскрывающей тему проявления стиля и моды в произведениях изобразительного искусства.
Год создания: 2005 | Интерактивная программа | Виртуальная экскурсия | Язык: русский
Программа представляет экскурсию по залам Михайловского дворца, в котором располагается основная экспозиция Русского музея. Программа включает виды интерьеров, живопись, графику и скульптуру из собрания музея (646 экспонатов), аннотации к ним и сведения об авторах произведений.
Год создания: 2001 | Видеофильм | Язык: русский | Продолжительность: 26:00
Федор Рокотов (1730-е — 1808) В его портретах сложный мир человеческой души оживает в тончайших оттенках настроений и чувств. Загадочная полуулыбка рокотовских персонажей стала легендой. Не менее известны портреты кисти Дмитрия Левицкого (1735 — 1822) — самого яркого русского портретиста эпохи просветительского классицизма.
Особенно популярна серия из семи портретов воспитанниц Смольного пансиона благородных девиц. Живое, земное совершенство отличает сентиментальных и мечтательных героинь Владимира Боровиковского (1757 — 1818).
Классицизм в живописи Франции 17 века —
В то время как в других странах Западной Европы господствовало барокко, во Франции большую роль играл классицизм — направление, представители которого обратились к искусству античности и Возрождения.
В начале XVII в. Франция, истощенная гражданскими войнами, вступила в эпоху укрепления абсолютизма. Абсолютная монархия, достигшая своего расцвета при Людовике XIV, стала решающей силой в борьбе с феодализмом и главным двигателем торговли и промышленности. В середине XVII в. Франция являлась едва ли не самой крупной торговой державой.
Относительная стабильность на политической арене и развитие экономики сопровождались подъемом в культурной жизни страны.
Значительный шаг на пути прогресса сделала французская наука, в частности физика, математика и философия. Большой успех имело учение Декарта, утверждавшего, что разум — главное средство познания истины. Отсюда идет свойственный французской литературе и изобразительному искусству рационализм, особенно характерный для классицизма.
В первой четверти XVII в. самыми крупными мастерами во Франции были иностранцы (главным образом фламандцы).
Лишь в начале второй четверти XVII столетия Франция выдвинула собственных замечательных представителей изобразительного искусства.
Главой придворного искусства и ведущим представителем французского барокко в первой половине XVII в. был Симон Вуэ. Живописному мастерству Вуэ учился в Италии, поэтому в его живописи прослеживается влияние Караваджо и болонских мастеров. Вернувшись из Италии на родину, Вуэ стал придворным художником. Для своих нарядных и эффектных полотен он использовал мифологические и библейские сюжеты («Геракл среди богов Олимпа», «Мучение св.
Евстафия»). Картинам свойственны излишняя усложненность композиции, чрезмерная яркость колорита, идеализированность образов. Полотна и декоративные росписи Вуэ пользовались в то время огромной популярностью. Живописцу подражали многие французские художники, его учениками были такие известные в дальнейшем мастера, как П. Миньяр, Ш. Лебрен и Э. Лесюер.
Наряду с барочным искусством, процветавшим в столице, французские провинции выдвинули художников, главным методом которых был реализм. Одним из крупнейших реалистов первой половины XVII в. стал Жак Калло, прославившийся как талантливый рисовальщик и гравер. Хотя у него много произведений с религиозной тематикой, основное место в творчестве мастера занимают картины на бытовые сюжеты. Таковы его графические серии «Каприччи», «Горбуны», «Нищие».
Многие французские художники первой половины XVII в. обратились к караваджизму. Среди них Жан Валантен, Жорж де Латур.
Большую роль в развитии реализма в первой половине XVII в. сыграли братья Ленен — Антуан, Луи и Матье.
Центральное место в их творчестве занимала жанровая тематика. Старший Антуан писал главным образом групповые портреты и сцены из жизни мелких буржуа и крестьян. Младший Матье начал свой творческий путь с картин, изображающих быт крестьянства. Надолго переживший своих братьев Матье Ленен позднее стал одним из самых популярных портретистов.
Средний брат, Луи Ленен, по праву входит в число самых знаменитых французских живописцев XVII в. Именно он стал основоположником крестьянского жанра во французском искусстве.
Луи Ленен
Родился Луи Ленен в 1593 г. в городе Лане (Пикардия) в семье мелкого буржуа. Вместе с братьями Луи переехал в Париж. Здесь Луи, Антуан и Матье открыли собственную мастерскую. Вероятно, вместе с Матье Луи Ленен посетил Италию. В его ранних работах заметны черты караваджизма. К 1640 г. художник выработал свой собственный, неповторимый стиль.
Многие французские художники XVII в. обращались к крестьянской тематике, но только у Луи Ленена она получает совершенно новую трактовку.
Просто и правдиво изображает художник жизнь народа. Его герои, скромные и простые, но полные внутреннего достоинства люди, вызывают чувство глубокого уважения.
Самые лучшие работы Луи Ленена выполнены в 1640-е гг. При первом взгляде персонажи его полотен кажутся не связанными между собой действием. Но на самом деле это далеко не так: их объединяет созвучный душевный настрой и общее восприятие жизни. Невидимые нити связывают членов бедной крестьянской семьи, слушающей играющего на скрипке мальчика на картине «Крестьянская трапеза». Поэтическим чувством отмечена сдержанная и простая «Молитва перед обедом», лишенная сентиментальности, но в то же время трогательная композиция «Посещение бабушки».
К 1640-м гг. относится замечательная картина Луи Ленена «Семейство молочницы». С чувством большой симпатии художник изобразил рано постаревшую от забот молочницу, ее задумавшегося мужа-крестьянина, крепкого, толстощекого сына и хрупкую, болезненную дочь. С замечательным мастерством исполнен пейзаж, на фоне которого представлены фигуры и предметы крестьянского быта.
Кажутся удивительно реальными медный бидон за спиной молочницы, деревянная бочка и бадья, стоящие у ног ослика.
Луи Ленен. Семейство молочницы. 1640-е гг.
Шедевром Луи Ленена стала написанная в это же время «Кузница». Если раньше художник изображал крестьян во время отдыха или трапезы, то теперь он обратился к сценам человеческого труда. Картина представляет кузнеца, окруженного членами семьи, за работой. Ощущение движения и яркая выразительность образов создаются быстрым, энергичным мазком, контрастами света и тени.
Умер Луи Ленен в 1648 г. Его реалистичная живопись, лишенная театральности и эффектности барокко, почти на сто лет опередила свою эпоху. Во многом именно благодаря Луи Ленену мировую известность получили и его братья.
Черты реалистического искусства в первой половине XVII в. нашли отражение и в портретной живописи, ярким представителем которой был Филипп де Шампень, фламандец по происхождению. Создатель религиозных композиций и декоративных росписей, Шампень тем не менее прославился как талантливый портретист, создавший реалистичные и строгие портреты кардинала Ришелье и Арно д’Андильи.
Зародившийся в начале XVII в. классицизм становится ведущим направлением уже во второй четверти этого столетия. Художникам-классицистам так же, как и реалистам, близки передовые идеи этой эпохи. В их живописи отразилось ясное мировосприятие и представление о человеке как личности, достойной уважения и восхищения. В то же время классицисты не стремились передать в своих картинах окружающую их реальную действительность. Жизнь представала в их картинах облагороженной, а люди — идеальными и героизированными. Главными темами произведений художников-классицистов стали эпизоды из античной истории, мифологии, а также библейские сюжеты. Большинство живописных приемов заимствовалось из античного искусства. Не приветствовалось все индивидуальное и обыденное: живописцы стремились к созданию обобщенных и типичных образов. Классицизм первой половины XVII в. выражал стремления наиболее просвещенных слоев французского общества, считающих разум высшим критерием всего прекрасного в реальной жизни и в искусстве.
Крупнейшим мастером классицизма в живописи стал Никола Пуссен.
Николя Пуссен
Николя Пуссен родился в 1594 г. в Нормандии в семье военного, выходца из небогатого дворянского рода. Первые уроки живописи Пуссен получил у провинциального мастера Кантена Варена. Обстановка маленького нормандского городка не способствовала развитию способностей начинающего художника, и в начале 1610-х гг. Пуссен тайно от родителей уехал в Париж.
В столице художник получил возможность близко познакомиться с искусством известных итальянских мастеров. Большое впечатление произвели на него работы Рафаэля. В Париже Пуссен познакомился с популярным в то время итальянским поэтом Дж. Марино и исполнил иллюстрации к его поэме «Адонис».
В 1624 г. живописец покинул Францию и уехал в Италию, где поселился в Риме. Здесь Пуссен неустанно трудился: зарисовывал античные статуи, занимался литературой и наукой, изучал труды Леонардо да Винчи и Альбрехта Дюрера.
Хотя в работах Пуссена, выполненных в 1620-х гг.
, уже появились черты классицизма, многие его произведения этого периода выходят за рамки данного направления. Сниженность образов и излишний драматизм в таких полотнах, как «Мученичество св. Эразма» и «Избиение младенцев», сближают живопись Пуссена с караваджизмом и искусством барокко. Даже в более поздней картине «Снятие с креста» (ок. 1630) еще заметна острая экспрессивность в изображении человеческой скорби.
Значительную роль в живописи Пуссена-классициста играет рациональное начало, поэтому в его полотнах видны ясная логика и четкая идея. Эти качества свойственны его картине «Смерть Германика» (1626-1627). Черты классицизма выразились уже в выборе главного персонажа — мужественного и смелого полководца, отравленного подлым и завистливым римским императором Тиберием.
Во второй половине 1620-х гг. Пуссен увлекся творчеством Тициана, чье искусство оказало большое влияние на французского мастера и помогло его дарованию раскрыться в полной мере.
В этот период Пуссен создает картину «Ринальдо и Армида» (1625-1627), навеянную поэмой Т.
Тассо «Освобожденный Иерусалим». Средневековую легенду о рыцаре-крестоносце Ринальдо, увезенном волшебницей Армидой в свои чудесные сады, живописец представил как сюжет из античного мифа: кони Армиды, везущие колесницу, напоминают коней греческого бога солнца Гелиоса. Позднее этот мотив не раз будет встречаться в произведениях Пуссена.
Следуя идеалам классицизма, Пуссен показывает героев, живущих в полном согласии с природой. Таковы его сатиры, амуры и нимфы, чья веселая и счастливая жизнь протекает в полной гармонии с величественной и прекрасной природой («Аполлон и Дафна», «Вакханалия», «Царство Флоры» — все 1620-1630-е).
Одной из самых лучших работ живописца стала картина «Спящая Венера». Как и в произведениях великих мастеров итальянского Возрождения, Венера Пуссена, окруженная восхитительной природой, полна юной силы. Кажется, что эта стройная богиня, погруженная в безмятежный сон, — просто прекрасная девушка, как видно выхваченная мастером из обыденной жизни.
Из поэмы Тассо взят сюжет картины «Танкред и Эрминия».
Пуссен изобразил раненого Танкреда, распростертого на бесплодной каменистой земле. Героя поддерживает его друг Вафрин.
Эрминия, сошедшая с коня, устремляется к возлюбленному, что- бы перевязать ему раны прядью своих длинных волос, отсеченной острым мечом. Эмоциональную приподнятость картине придает звучный колорит картины, особенно цветовые контрасты серо-стальных и насыщенных синих оттенков одежды Эрминии; драматизм ситуации подчеркивает пейзаж, озаренный ярким отблеском уходящего солнца.
Со временем произведения Пуссена становятся менее эмоциональными и драматичными, чувство и разум в них
уравновешиваются. Примером могут служить два варианта картины «Аркадские пастухи». В первом, исполненном между 1632 и 1635 гг., художник запечатлел пастухов, жителей счастливой страны Аркадии, внезапно обнаруживших среди густых зарослей гробницу, на которой можно разобрать надпись : «И я был в Аркадии». Эта надпись на могильной плите повергла пастухов в глубокое смятение и заставила задуматься о неотвратимости смерти.
Николя Пуссен. Царство Флоры. Ок. 1635 г.
Николя Пуссен. Танкред и Эрминия. 1630-е гг.
Менее эмоционален и драматичен второй вариант «Аркадских пастухов», написанный в начале 1650-х гг. Лица пастухов также омрачены печалью, но они более спокойны. Воспринимать смерть по-философски, как неизбежную закономерность, призывает их прекрасная женщина, олицетворяющая стоическую мудрость.
В конце 1630-х гг. слава Пуссена выходит за пределы Италии и достигает Парижа. Художника приглашают во Францию, но он пытается отложить поездку. И лишь личное письмо Людовика XIII заставляет его собраться в дорогу.
Осенью 1640 г. Пуссен вернулся в Париж, но эта поездка не принесла ему радости. Придворные художники во главе с С. Вуэ оказали Пуссену неласковый прием. «Эти животные», как называл их художник в своих письмах, окружили его сетью своих интриг. Задыхаясь в душной атмосфере придворной жизни, Пуссен вынашивает план бегства. В 1642 г. под предлогом болезни жены художник возвращается в Италию.
Парижская живопись Пуссена носит явные барочные черты. Работы этого периода отличаются холодной официальностью и театральной эффектностью («Время спасает Истину от Зависти и Раздора», 1642; «Чудо св. Франциска Ксаверия», 1642). И в более поздних своих работах Пуссен уже не поднялся до прежней выразительности и жизненности образов. В этих произведениях рационализм и отвлеченная идея взяли верх над чувством («Великодушие Сципиона», 1643).
В конце 1640-х гг. Пуссен пишет главным образом пейзажи. Теперь его привлекает не человек, а природа, в которой он видит воплощение истинной гармонии жизни. Художник внимательно изучает ландшафты в окрестностях Рима и делает зарисовки с натуры. Позднее по этим живым и свежим рисункам он пишет т. н. героические пейзажи, получившие широкое распространение в живописи XVII в. Скалистые громады, большие деревья с пыш¬ыми кронами, прозрачные озера и ручьи, протекающие среди камней, — все в этих ландшафтах Пуссена подчеркивает торжественное величие и совершенную красоту природы («Пейзаж с Геркулесом и Какусом», 1649; «Пейзаж с Полифемом», 1649).
В последние годы жизни в произведениях Пуссена все громче начинают звучать трагические ноты. Это особенно заметно в его картине «Зима» из цикла «Четыре времени года» (1660-1664). Другое название полотна — «Потоп». Художник изобразил страшную картину гибели всего живого: вода заливает землю, не оставляя человечеству шансов на спасение; в черном небе сверкают молнии; весь мир кажется застывшим и неподвижным, как будто погруженным в глубокое отчаяние.
«Зима» стала последней картиной Пуссена. В ноябре 1665 г. художник умер. К искусству замечательного французского мастера не раз обращались живописцы XVIII, XIX и XX вв.
Крупнейшим художником-классицистом, наряду с Пуссеном, был Клод Лоррен, работавший в пейзажном жанре.
Клод Лоррен
Клод Желле родился в 1600 г. в Лотарингии в семье крестьянина. Свое прозвище — Лоррен — он получил по месту рождения (Лотарингия по-французски Lorraine). Рано оставшийся без родителей, мальчик уехал в Италию, где работал слугой у художника А.
Тасси. Вскоре Лоррен стал его учеником.
В начале 1630-х гг. Лоррен — довольно известный живописец. Он выполняет заказные работы, пишет картины для Папы Урбана VIII и кардинала Бентивольо. Почти всю свою жизнь художник провел в Риме, но был знаменит не только в Италии, но и на своей родине — во Франции.
Лоррен стал основоположником классицистического пейзажа. Хотя в Италии пейзажи появлялись в творчестве таких художников, как Доменикино и Аннибале Карраччи, именно Лоррен сделал пейзаж самостоятельным жанром.
Очаровательные итальянские ландшафты в произведениях Лоррена превращались в идеальный, классический образ природы. В отличие от героических пуссеновских пейзажей, картины Лоррена глубоко лиричны и пронизаны чувством личного переживания автора. Излюбленными мотивами его живописи были морские гавани, далекие горизонты, озаренные рассветом или погруженные в сумерки, бурные водопады, таинственные ущелья и мрачные башни на высоких скалистых берегах.
Ранние пейзажи Лоррена выполнены в коричневатой цветовой гамме, они несколько перегружены архитектурными элементами («Кампо Ваччино», 1635) .
Самые лучшие произведения Лоррена, уже зрелого художника, созданы в 1650-е гг. В 1655 г. живописец исполнил свою замечательную картину «Похищение Европы», изображающую чудесный морской залив, на берегу которого растут деревья. Ощущение тишины и покоя пронизывает природу, и даже мифологические образы девушки Европы и Зевса, превратившегося в быка, не выпадают из общего настроя картины. Человеческие фигуры в пейзажах Лоррена не играют большой роли, художник не писал их сам, поручая эту работу другим мастерам. Но люди в его картинах не выглядят лишними, они кажутся маленькой частичкой прекрасного мира. Это свойственно и известному полотну «Ацис и Галатея» (1657).
Со временем пейзажи Лоррена становятся более эмоциональными и выразительными. Художника привлекают изменчивые состояния природы, он пишет ландшафты в различное время суток. Главными изобразительными средствами в его живописи становятся цвет и свет. В 1660-х гг. Лоррен создает удивительно поэтичные полотна «Утро», «Полдень», «Вечер» и «Ночь».
Лоррен известен и как талантливый рисовальщик и гравер. Замечательны его рисунки, выполненные с натуры, — в этих свежих и живых набросках чувствуется тонкая наблюдательность художника и его умение с помощью простых средств передать красоту окружающего мира. С большим мастерством исполнены офорты Лоррена, в которых так же, как и в живописных работах, художник стремится передать эффекты света.
Клод Лоррен. Похищение Европы. 1655 г.
Лоррен прожил долгую жизнь — он умер в 1682 г. в возрасте 82 лет. Его искусство вплоть до XIX в. оставалось образцом для подражания в кругу итальянских и французских пейзажистов.
Восемнадцатый век стал последним этапом эпохи перехода от феодализма к капитализму. Хотя в большинстве западноевропейских стран сохранялся старый порядок, в Англии постепенно зарождалась машинная индустрия, а во Франции бурное развитие экономических и классовых противоречий подготавливало почву для буржуазной революции. Несмотря на неравномерное развитие экономической и культурной жизни в разных странах Европы, это столетие стало эпохой разума и просвещения, веком философов, экономистов, социологов.
Художественные школы некоторых западноевропейских стран переживают небывалый расцвет. Ведущее место в этом столетии принадлежит искусству Франции и Англии. В то же время Голландия и Фландрия, пережившие необыкновенный подъем художественной культуры в XVII в., отодвигаются на задний план. Испанское искусство также охвачено кризисными явлениями, его возрождение начнется лишь в конце XVIII в.
Различные формы классицизма | Журнал Artmajeur
Игорь Миторай,
Гелиос для счастливого дня , 1989. Скульптура, бронза на камне, 40 x 30 x 10 см / 12,00 кг. Греческий классицизм Под классическим искусством мы понимаем, прежде всего, древнегреческое, которое, выражаясь на протяжении почти столетия, т. е. с 480 г. до н.э. до 323 г. до н.э., основные характеристики которого были хорошо определены немецким историком искусства Иоганном Иоахимом Винкельманом: «Общая и главная характеристика греческих шедевров — благородная простота и спокойное величие, как по форме, так и по выражению.
Подобно глубине моря , которая всегда остается неподвижной, как бы взволнована ни была ее поверхность, выражение греческих фигур, как бы ни взволновано страстями, всегда показывает великую и поставленную душу». Действительно, это искусство, возвеличивающее человека как меру всех вещей, выразило равновесие, гармонию, порядок и пропорцию, закрепив их в канонах, призванных обозначить неведомый ранее идеал красоты и формального совершенства. В частности, греческий классицизм, связанный с земным представлением, для которого прежде всего превозносилась красота человека, очерчивается как натуралистически-реалистическое течение, целью которого является возможно лучшее воспроизведение природы, рассматриваемой как совершенный элемент.
Galerie Teejo, Сердце или смысл , 2021. Цифровая живопись на холсте, 70 x 100 см.
Wilhem Von Kalisz,
The I is in the field of other , 2022. Масло/акрил/цифровая печать/цифровая живопись на холсте, 100 x75 см. Ренессансный классицизм Под классицизмом понимается не только упомянутое выше, но и любое художественно-историческое течение, которое, направленное на возрождение концепций и теорий античности, обращается либо к греческому, либо к латинскому миру.
Этот «возрожденческий» подход к изобразительному искусству впервые возник после так называемого «темного века» или Средневековья, когда была «утеряна» тесная связь с древними цивилизациями. На самом деле именно в эпоху итальянского Возрождения связь с прошлым снова стала модной, в эпоху, когда писатели и художники повторно предлагали классику как образец красоты и абсолютного совершенства. В результате для классицизма эпохи Возрождения характерно сильное внимание к гармонии, равновесию и формальным пропорциям, абсолютным ориентирам высочайшего художественного произведения того периода. Эта тенденция будет продолжаться как в Италии, так и в Европе с перерывами до прихода неоклассицизма (18 век).
Hongtao Huang, Зеленое яблоко и сабля , 2022. Масло/акрил на панели МДФ, 30 x 20 см.
Неоклассицизм Термин неоклассицизм намекает на повторное открытие классического мира, которому способствовало как развитие Просвещения, течения мысли, резко контрастирующего с крайностями барокко и рококо, так и открытиями города Геркуланум и Помпеи (ок.
1748 г.), настоящие материальные образцы архитектуры и искусства Древнего Рима. В этом контексте речь шла о вышеупомянутом Винкельмане и, в частности, о его эссе под названием 9.0003 История древнего искусства , который повторно представил анализ моделей классического искусства, также принимая во внимание недавние открытия. Именно такие исследования привели в 1750 г. к рождению нового художественно-философского течения: неоклассицизма, направленного на побуждение к размышлениям о справедливости идеи абсолютной красоты, неразрывно связанной с логико-математическими и идеологическими критериями, найденными в классические формы, стремящиеся к совершенству, логичности, симметрии и ясности.
Paul Stowe, Поцелуй смерти , 1988. Бумага, графит/карандаш, 50 x 40 см.
Джордж Дапсевичюс,
каррарский мрамор Wingface , 2014 г. Скульптура, камень на камне, 25,4 x 35,6 x 12,7 см / 20,00 кг. Отличия ренессансного классицизма и неоклассицизма Рассматривая два вида «возрождения» по отдельности, представляется необходимым выделить их сходства и различия.
Во-первых, под классицизмом в самом общем смысле понимается любое культурное направление, основанное на восхищении и подражании великим образцам прошлого, будь то латинские или греческие. Следуя этому замыслу, классицизм эпохи Возрождения и неоклассицизм оказываются тесно связанными течениями, поскольку первый был предшественником последнего в определении фундаментальных аспектов и ценностей, из которых можно черпать вдохновение. Тем не менее неоклассицизм, в отличие от классицизма эпохи Возрождения, воспринял «классическую красоту», переосмыслив ее более новаторским способом, то есть не копируя ее стили и концепции, чтобы «автономно» искать идеальную гармонию и красоту. Кроме того, если классицизм эпохи Возрождения был в основном ориентирован на латынь, а знание греческого языка все еще было очень скудным, то неоклассицизм больше ориентировался на греческую культуру, искусство и литературу. Наконец, существует явное «духовное» различие между двумя течениями, состоящее в том, что люди эпохи Возрождения видели идеалы безмятежности, баланса и приличия реализованными в классической античности, которую они хотели восстановить, в то время как неоклассики, взволнованные более «романтической тревог и тревог, считали ценности античного мира безвозвратно утраченными.
Марцин Отапович, Современный торс , 2017 г. Скульптура — литье, 90 x 58 x 25 см / 25,00 кг.
Современный классицизмВышесказанное обязательно должно быть дополнено художественным направлением нашего времени, а именно современным классицизмом, направленным на новое и оригинальное переосмысление, поиск совершенства и правдоподобия, а также возвеличивание человеческая фигура и исследование природных данных, отличающих античное искусство и его «возрождения». Нынешняя популярность такого «движения» хорошо иллюстрируется творчеством ряда представителей современного искусства, таких как Роберто Ферри, Франческо Веццоли, Даниэль Аршам и Барри Икс Болл, а также работами нескольких художников Artmajeur, такие как Ателье Миссор, Ромуальд Вишневски и Марко Баттальини.
Atelier Missor, Napolen Bonapart e бюст , 2021. Скульптура — гипс, 28,5 x 12 x 12 см / 5,00 кг.
Atelier Missor: Napolen Bonapart e бюст Скульптура Atelier Missor переосмысливает в наше время стилистические особенности и темы неоклассицизма, которые непосредственно унаследованы от автобуса Антонио Кановы t и картина Франсуа Жерара, имеющая Наполеон как их подданный.
Фактически, в 1802 году вышеупомянутый итальянский скульптор был вызван Бонапартом в Париж для выполнения своего портрета, который сейчас находится в музее Кановы в Поссаньо и увековечивает первого консула Франции в анфас, с запавшими, неподвижными, слегка обращенными вниз глазами. и нахмуренные брови, призванные выразить размышления и глубину мысли. Именно эту физиономию воспринял бюст, созданный художником из Artmajeur, который, добавляя деталь золотого лаврового венка, вероятно, также отсылает к картине Жерара Наполеон I (1805 г.), в котором Бонапарт изображен в зените своего императорского великолепия.
Ромуальд Вишневский, «Римский торс II» , 2015. Скульптура, металлы / литье по металлу, 62 x 53 x 31 см / 47,00 кг.
Ромуальд Вишневский: «Римский торс II» Скульптура Ромуальда Вишневского, с другой стороны, весьма оригинальным образом перекликается со стилистическими чертами известного современного классического художника, а именно Игоря Миторая, Польский мастер (1944-2014), чьи очень популярные работы также присутствуют в коллекции Artmajeur.
В частности, «Римский торс II» напоминает Митораджа «Великий Тоскано» , скульптуру, которая, установленная на площади Пьяцца-дель-Кармине в Брере (Милан), представляет собой явную отсылку к древнегреческой красоте, пробуждаемую через полные и пустые поверхности. , направленный на то, чтобы подчеркнуть безжалостную дистанцию между древним и современным миром. На самом деле поиски классической гармонии в обеих работах предложены чрезвычайно рациональным образом, поскольку в отверстия, помещенные в груди двух скульптур, вставлено не сердце, а головы, эмблемы вероятного отсутствия эмоциональное участие в повторном открытии древней красоты.
Марко Баттальини, Любовь в волосах , 2020 г. Картина, аэрография / акрил на холсте, 100 х 82 см.
Марко Баттальини: Любовь в волосах Созерцая интимную сцену, увековеченную в картине Марко Баттальини, можно вообразить своего рода романтическое «продолжение» к Клятва Горация (1784), Знаменитый неоклассический шедевр Жака-Луи Давида.
Действительно, история, рассказанная последней картиной, призванная прославить легендарный уход братьев Гораций на войну для защиты Рима, как бы дополняется работой художника Artmajeur, которая, приложив немного воображения, могла бы проиллюстрировать «новообретенную Любовь между выжившим и победившим, Горацием и его возлюбленной. Тем не менее «неоклассическая» тема и стилистические элементы «Любовь в волосах» также дополнены современными декоративными элементами, такими как бирки на заднем плане и татуировки главных героев, которые, вероятно, призваны намекнуть на бессмертие любви, чувство, разделяемое людьми всех возрастов.
2 Классические методы – The Eclectic Light Company
В первой статье этой серии я подробно рассмотрел процессы, связанные с созданием огромной фрески Мазаччо Святая Троица, , в которой преобладали ремесла и мастерство. а не художественное творчество. В этой статье рассматривается эволюция классического метода создания картин от Средневековья до конца эпохи Возрождения.
До эпохи Возрождения изобразительное искусство было совсем другим. Фигуры обычно имели фиксированные формы, лица были нейтральными и невыразительными, а средства массовой информации дистанцировали художника от произведения искусства, которое они создавали. Легко увидеть в них шаблонность и отсутствие художественного вдохновения, но это в значительной степени исходит из наших предубеждений и современного взгляда.
Эта изысканная мозаика, возможно, была тщательно собрана из мелких фрагментов камня, но ее дизайн далеко не повторяющийся или рутинный. Возьмите фигуру справа, одетую в красное и зеленое. Предписывающие цветовые доктрины запрещали это до тех пор, пока импрессионисты не упивались сочетанием, а здесь на тринадцать столетий раньше. Не удовлетворившись одной фигурой, она отразилась и в орнаментах верха мозаики, и в куполе над самой Феодорой.
И многое другое. Лица стереотипны, но посмотрите на складки на одежде и ее орнаменты, на завязанную занавеску слева и на фонтан под ней. Это все области вне непреложных святых стихий, в которых художнику, спроектировавшему это, была дана свобода.
Дуччо ди Буонинсенья (1255–1319), Воскрешение Лазаря (1310–1311), панель, темпера и золото, 43,5 x 46,4 см, Художественный музей Кимбелла, Форт-Уэрт, Техас. Викисклад. Две сестры Лазаря показаны умоляющими Христа прийти к их больному брату, напоминая зрителю начало истории, но справа камень из гробницы вынут, и Лазарь снова появляется живым. Дуччо с юмором показывает, как некоторые из присутствовавших затыкают носы в ожидании запаха его гниющего трупа, что было обычным явлением в то время.
Их лица культовые в том смысле, что они лишены реальности выражения эмоций. Пейзаж позади может показаться собранным из клип-арта, но его символы легко читаются.
Художник неизвестен, Диптих Уилтона (ок. 1395–1399), яичная темпера на панели, каждая панель 53 x 37 см, Национальная галерея, Лондон. Викисклад. В некоторых случаях легко запутаться в признаках мастерства и вообще упустить художественное содержание. Этот роскошный объект, The Wilton Diptych, с самого начала предназначался для личного поклонения монарха или кого-то близкого ранга и положения. Его интерьер показывает слева короля Ричарда II (его наиболее вероятный владелец), преклонившего колени, когда его представляют три святых, святой Иоанн Креститель (несущий Агнца Божьего), святой Эдуард Исповедник (держит кольцо, которое он дал святому Иоанна Богослова) и святого Эдмунда (держит стрелу мученичества). Справа изображена Дева Мария, держащая Младенца Христа с сонмом из одиннадцати ангелов, один из которых несет знамя Креста Святого Иоанна.
Он был написан яичной темперой на двух небольших панелях из дуба в мастерской, которая явно имела большой опыт в изготовлении подобных работ. Помимо красивого узорчатого сусального золота, в композиции обеих панелей широко используется ритм. Это сводится к таким деталям, как символы оленей, украшающие синие платья каждого из ангелов. В отличие от регламентированных лиц, каждое из этих платьев драпировано и расписано индивидуально.
Художник неизвестен, Диптих Уилтона (деталь внутренней правой панели) (ок. 1395-9), яичная темпера на панели, каждая панель 53 х 37 см, Национальная галерея, Лондон. Викисклад.Этот диптих написан с использованием яичной темперы, материала, наиболее подходящего для культовых изображений, хотя в последнее время многие художники разработали его приемы, чтобы повысить его выразительность и даже сделать его использование более спонтанным.
Микеланджело (1475–1564), Богородица с младенцем, святым Иоанном и ангелами («Манчестерская Мадонна») (ок.
1497), темпера на дереве, 104,5 x 77 см, Национальная галерея (Куплена в 1870 г.), Лондон. Предоставлено и © Национальная галерея, Лондон.Заброшенный «Манчестер Мадонна» Микеланджело показывает медленный процесс росписи яичной темперой, с различными участками, начиная от terre verte нижнего слоя и голой гипсовой шлифовки до полностью смоделированной плоти.
Яичная темперная краска нанесена тонкими кистями и медленным нарастанием штриховки. После нанесения краска становится почти сухой за считанные секунды, и практически нет возможности для исправления или доработки, особенно при работе с такими мелкими деталями. По мере наращивания тонких слоев наносились глазури для улучшения цвета и оптических свойств.
Наибольшая свобода творчества в основном проявлялась в начале процесса создания картины с использованием более эфемерных средств. Их использование хорошо показано в одной из заброшенных работ Леонардо да Винчи, «Поклонение волхвов», , над которой он работал примерно между 1478-82 годами.
Этот ранний эскиз имеет много общего с картиной, от которой он отказался в 1482 году, хотя он изменил свое мнение о руинах на заднем плане и добавил заметное дерево справа от Девы Марии.
Леонардо да Винчи (1452–1519), «Поклонение волхвов» (перспективное исследование) (ок. 1481 г.), перо и тушь, следы серебряной иглы и белила на бумаге, 16,3 x 29 см, Галерея дельи Уффици, Флоренция, Италия. Викисклад. Вероятно, за этим последовало перспективное исследование. Таким образом, руины, показанные на картине ниже, были частью законченного здания, которое Леонардо тщательно вообразил и спроектировал, прежде чем выделить те фрагменты, которые должны были быть сохранены в окончательной работе. Возможно, это было предназначено для изображения дворца царя Давида, что относилось к происхождению Христа. Леонардо да Винчи (1452–1519), Поклонение волхвов (заброшено) (1480–82), масло и темпера на панели, 243 x 246 см, Галерея дельи Уффици, Флоренция, Италия.
Викисклад.Почти 2,5 метра в каждом измерении, готовая картина была бы одной из его самых больших и амбициозных работ на сегодняшний день, но, вероятно, от нее пришлось отказаться, когда он покинул Флоренцию в 1482 году. мастеров изобразили современные здания на заднем плане, что позволило им продемонстрировать свое геометрическое мастерство.
К 1504 году, когда Рафаэль нарисовал Брак Богородицы, известный под итальянским названием Il Sposalizio («брак»), его стиль стал более собственным, а здание — демонстрацией его геометрического мастерства.
Другим сохранившимся примером творческого процесса является разработка Фра Бартоломео деталей фона для его Рождество от 1504-07.
Фра Бартоломео (1472–1517), Городок на гребне склона (этюд к «Рождеству») (1504–07), перо и коричневые чернила, 27,9 × 21,7 см, Метрополитен-музей, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк.
Викисклад.Бартоломео был новатором в пейзажных виньетках, которые он включил в свои законченные картины. Кажется, он нарисовал Городок на гребне склона перед мотивом, как этюд его появления на фоне Рождество (внизу), где-то в 1504-07 гг.
Эта техника, как полагают, широко использовалась великими художниками-пейзажистами столетия спустя, Николя Пуссеном и Клодом Лорреном, и придавала пейзажным пассажам Бартоломео ощущение достоверности. Это контрастирует с идеализированными или драматизированными пейзажами, которые чаще можно увидеть на заднем плане картин южного Возрождения.
Фра Бартоломео (1472–1517), Рождество (1504–07), масло, панель, 34 x 24,5 см, Художественный институт Чикаго, Чикаго, Иллинойс. Викисклад. «Рождество » (1504-07) использует этот пейзажный рисунок в качестве фона. Бартоломео заполнил центральное расстояние, чтобы добавить интереса, а на переднем плане находится простой вертеп, основанный на его прекрасном тондо Поклонение младенцу из 1499 года.
Он также добавил украшения в виде ангелов справа и на небе вверху.
В то время как картина Леонардо «Поклонение волхвов» была написана во время его перехода от темперы к маслу, чуть более двадцати лет спустя фра Бартоломео писал исключительно маслом. Исчезли многочисленные тонкие мазки быстросохнущей яичной темперой, что позволяло художнику гораздо лучше контролировать нанесение свежей краски на предыдущие слои, которые еще не высохли, и использование прозрачных глазурей. Приготовление масляной краски было более сложным, даже точный выбор сушильного агента был (и остается) чем-то вроде черного искусства. В свете большого количества научных исследований, проведенных в двадцатом веке, приготовление и использование масляной краски представляет собой не более чем алхимию.
Фра Бартоломео (1472–1517), Эскиз для Святого Георгия и дракона (дата неизвестна), материалы и размеры неизвестны, Музей Бойманса ван Бёнингена, Роттердам, Нидерланды. Викисклад. Фра Бартоломео также сделал серию подготовительных набросков к картине Святой Георгий и дракон, , которые дают хорошее представление о свободном выражении в этюдах, которые должны были быть невидимыми.
До конца пятнадцатого века, когда стали применяться новые техники масляной живописи и стало возможным более широкое использование живых моделей, немногие фигуры на картинах выглядели вполне реальными.
Рафаэль (Рафаэль Санцио де Урбино) (1483–1520), Мадонна делла Седиа (Сидящая Мадонна с Младенцем на коленях и юный святой Иоанн) (1513–1414), масло, панель, диаметр 71 см, Палаццо Питти, Флоренция , Италия. Викисклад.На картине Рафаэля Madonna della Sedia («Мадонна на стуле»), написанной в 1513–1514 годах, изображена полностью реальная и естественная мать с двумя младенцами, причем каждая текстура поверхности воспроизведена как в жизни.
К середине шестнадцатого века классический метод состоял из эволюции набросков и этюдов с их сильным художественным содержанием, а затем переноса их на масляную краску на холсте с использованием методов, которые были связаны не столько с искусством, сколько с ремесленными навыками. Однако независимо от того, насколько технически опытным был художник, результат зависел от применения своего искусства на ранних стадиях разработки каждой картины.