О музыке эпохи Классицизма и ее великих именах

Термин «классическая» в музыке в основном ипользуется для определения серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и «классический» период в истории музыки, называемый классицизм.

ЭПОХА КЛАССИЦИЗМА — Классицизм, сменивший через несколько этапов Эпоху Возрождения, сложился во Франции в конце XVII века, отразив в своём искусстве отчасти серьёзный подъём абсолютной монархии, отчасти смену мировоззрения с религиозного на светское. В XVIII столетии начался новый виток развития общественного сознания – настала Эпоха Просвещения. На смену пышности и высокопарности барокко, непосредственного предшественника классицизма, пришёл стиль, основанный на простоте и естественности. В основу искусства классицизма положен культ разума – рационализм, стройность и логичность. Название «классицизм» по происхождению связывают со словом из латинского языка – classicus, что означает – «образцовый». Идеальным образцом для художников этого направления являлась античная эстетика с её стройной логикой и гармонией. В классицизме разум преобладает над чувствами, индивидуализм не приветствуется, а в любом явлении первостепенную важность обретают общие, типологические черты. Каждое произведение искусства должно строиться по строгим канонам. Требованием эпохи классицизма становится уравновешенность пропорций, исключающая всё лишнее, второстепенное. Классицизму присуще строгое деление на «высокие» и «низкие» жанры. «Высокие» сочинения – это произведения, обращающиеся к античным и религиозным сюжетам, написанные торжественным языком, (трагедия, гимн, ода). А «низкие» жанры – те произведения, которые изложены на просторечном языке и отражают народный быт (басня, комедия). Смешивать жанры было недопустимо.

КЛАССИЦИЗМ В МУЗЫКЕ – ВЕНСКИЕ КЛАССИКИ

Развитие новой музыкальной культуры в середине XVIII века породило возникновение множества частных салонов, музыкальных обществ и оркестров, проведение открытых концертов и оперных представлений. Столицей музыкального мира в те времена была Вена. Самыми яркими композиторами классицизма были великие австрийцы — Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт. Гайдн создал фантастическую хоровую, оперную, оркестровую и инструментальную музыку, но самое большое его достижение именно симфонии, которых он написал более ста.

Моцарт — гениальнейший композитор всех времен и народов. Прожив короткую жизнь, он оставил невероятное музыкальное наследие (например, 41 симфонию). Самым большим его достижением считаются оперы, в них он показал себя и как великий музыкант и как талантливый драматург, некоторые из его самых прекрасных опер — «Дон Жуан», «Женитьба Фигаро», «Волшебная флейта».

В конце восемнадцатого столетия восходит еще одна звезда классической музыки — Людвиг Ван Бетховен, композитор, который начал сочинять музыку в классическом стиле, унаследованном от Моцарта и Гайдна, но в конечном счете перерос это и буквально расколол классический стиль, отмечая зарю новой эпохи, известной как Романтический период в музыке.
Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен – три великих имени, вошедших в историю, как венские классики. Композиторы венской школы виртуозно владели самыми разными жанрами музыки – от бытовых песенок до симфоний. Высокий стиль музыки, в котором богатое образное содержание воплощено в простой, но совершенной художественной форме, – вот главная черта творчества венских классиков. Музыкальная культура классицизма, как и литература, а также изобразительное искусство, воспевает поступки человека, его эмоции и чувства, над которыми царит разум. Художникам-творцам в их сочинениях присущи логичность мышления, гармония и ясность формы. Каждый из венских классиков обладал яркой, неповторимой индивидуальностью. Гайдн и Бетховен более тяготели к инструментальной музыке – к сонатам, концертам и симфониям. Моцарт был универсален во всем – он с легкостью творил в любом жанре. Он оказал огромное влияние на развитие оперы, создавая и совершенствуя различные ее типы – от оперы буфф до музыкальной драмы. В плане предпочтений композиторами тех или иных образных сфер для Гайдна более характерны объективные народно-жанровые зарисовки, пастораль, галантность, Бетховену близка героика и драматизм, а также философичность, ну и, конечно, природа, в небольшой степени и утончённая лирика. Моцарт охватил, пожалуй, все существующие образные сферы.

Гайдн. Симфония №45.

ЖАНРЫ МУЗЫКАЛЬНОГО КЛАССИЦИЗМА

Музыкальная культура классицизма связана с созданием многих жанров инструментальной музыки – таких, как соната, симфония, концерт. В эпоху классицизма сложились главные типы камерных ансамблей – трио, струнный квартет. Система разработанных венской школой форм актуальна до сих пор. Жанр сонаты существовал ещё в начале XVII века, но окончательно сформировалась сонатная форма в творчестве Гайдна, Моцарта, Бетховена.

Моцарт. Фортепианный концерт №13.

Бетховен. Соната №5 для скрипки и фортепиано оп. 24

Классическая эпоха была временем, когда композиторы вводили ощущение элегантности в музыку. Эта ясная и чистая музыка, несущая покой и расслабление, на самом деле намного глубже и в ней можно обнаружить драматическое ядро и трогательные чувства.

Текст из разных источников.

Венский классицизм

Эпоха Венских классиков

Композиторы Й. Гайдн, В. А. Моцарт и Л. Бетховен принадлежат художественному направлению европейской музыкальной культуры второй половины 18 – начала 19 века под названием «Венский классицизм». Основные художественные принципы данного направления представлены в музыке на рубеже 18-19 веков, т.к. в раннем творчестве Гайдна и Моцарта они только зарождались, а поздний Бетховен уже близок к следующему направлению — романтизму.

Венский классицизм подготовлен художественным опытом предшественников и современников, в том числе итальянской и французской оперой и инструментальной музыкой, немецкой музыкой (Гендель, Бах, мангеймская школа).

Что предшествовало зарождению эпохи венских классиков — Музыка Австрии

В 17 в. начинает развиваться музыкальный театр. Осуществляются музыкально-драматические постановки (кайзершпили). Под влиянием итальянской музыки сформировалась итальянская придворная оперная труппа, ставились оперы (в т.ч. оперы К. Монтеверди).

В 1708 г. в Вене построен новый придворный театр, появляются австрийские певцы.

С середины 18 в. музыке отводилась ведущая роль в культуре Австрии. Открывались аристократические домашние театры и капеллы. Распространилась развлекательная инструментальная музыка – дивертисменты, серенады. Устраивались симфонические концерты и оперные спектакли. Ставились венские музыкальные комедии под руководством И. Страницкого – одного из основоположников австрийской национальной комической оперы-зингшпиля.

Композиторы-предшественники венских классиков – Г. Муффат, Г. К. Вагензейль, Г. М. Монн, Г. Ройтер и другие.

Представитель музыкального классицизма К. В. Глюк был близок к исканиям венских классиков.

Характерные черты эпохи Венского классицизма:

1. универсальность художественного мышления, логичность, ясность художественной формы;
2. органичное сочетание чувства и интеллекта, трагического и комического, тонкого расчета и естественности, непринужденность высказывания.

В творчестве венских классиков выражено динамическое понимание жизненных процессов, нашедших наиболее полное воплощение в сонатно-симфоническом цикле.

Для эпохи венских классиков характерны:

1. расцвет ведущих инструментальных жанров эпохи – симфонии, сонаты, концерты и камерные ансамбли.
2. окончательное формирование 4-частного сонатно-симфонического цикла.
3. черты: строгая упорядоченность, централизованность в сочетании с внутренним разнообразием, богатством. Формируется форма периода, индивидуализируется музыкальный тематизм.

Расцвет классицизма совпал со становлением симфонического оркестра – в эту эпоху определился его стабильный состав, выделились группы оркестра.

Сложились типы камерных ансамблей: фортепианное трио, струнные квартеты и т.д.

Выделилось широкое направление сольной клавирной музыки.

Развились разные типы опер (у Моцарта) – лирическая и социально-обличительная комедия, музыкальная драма, философская опера-сказка и др.

Гайдн – создатель инструментального стиля венских классиков. В его сочинениях утвердился 4-частный сонатно-симфонический цикл, исполнительский состав и тип тематизма.

Гайдну оказалась наиболее близка инструментальная сфера, он больше тяготел к объективным народно-жанровым образам. Бетховен – к героике. Моцарт – к разнообразным оттенкам лирических переживаний.

Классицизм

Музыкой периода классицизма или музыкой классицизма, называют период в развитии европейской музыки приблизительно между 1750 и 1820 годами. Понятие «музыка классицизма» не следует путать с понятием «классическая музыка», имеющим более общее значение как музыки прошлого, выдержавшей испытание временем.

Классицизм в музыке устойчиво ассоциируется с творчеством Гайдна, Моцарта и Бетховена, называемых венскими классиками и определивших направление дальнейшего развития музыкальной композиции.

В этот период в творчестве композиторов достигают совершенства такие жанры, как соната, симфония и опера.

Надо сказать, что во время оно слушать музыку было не принято. То есть, принято, но не в современном смысле. То есть, в современном смысле тоже, но не так, как слушают сегодня оперу лучшие представители человечества, а как ходит на рок-концерты подходящее нынче к пенсионному возрасту поколение. Не слушать, но, типа, участвовать. Музыка — это, типа, фон.

Моцарт, Глюк и Гайдн хороши, кроме всего прочего, тем, что вывели музыку из эпохи декоративности, из барокко привели в классицизм. Моцарт, к примеру, ужасно обижался и топал ногами, когда под его музыку пытались обсуждать какие-то политические сплетни или чего-нибудь есть. Он нервничал и настаивал, чтобы его композиции слушали от начала и до конца — типа как книжку читать.

Это вызывало недоумение — мол, книжку можно отложить, прерваться, а музыку отложить нельзя. Вот и не прерывайтесь, настаивал Моцарт. А если очень нужно? Нет, не нужно. И так далее. Над ним смеялись, но идея осталась и даже дала положительные результаты. Под музыку Бетховена, например, говорить уже боялись. Посмотрите на портрет Бетховена, и вы поймете, почему. Его и без музыки все боялись.

Романовский Владимир. Скандальный путеводитель по опере. http://lit.lib.ru/editors/r/romanowskij_w_d/guide_opera.shtml

🎵 Хотите предложить музыку на сайт ?

Возможно, точно такое предложение уже есть в Копилке идей, проверьте, пожалуйста. Тогда обязательно поддержите идею дополнительным комментарием в её поддержку, и это непременно ускорит добавление.

Также Вы можете добавить мелодию на сайт самостоятельно.

🔎 Не получается найти музыку ?

Список использованных произведений находится в разделе «Музыка». Там же есть поиск по названию и композитору.

🤔 Указано неправильное название ?

Не стесняйтесь оставлять замечания, если, по Вашему мнению, произведение озаглавлено неправильно либо некорректно.

Мы обсудим замечания с Клубом защиты музыки от неверных названий и внесём поправки, либо объясним, почему именно такое название использовано.

Музыка классицизма: какой она была?: Йозеф Гайдн | Культура

— Но как вас зовут, дитя мое?
— Иосиф.
— Иосиф… а дальше?

— Иосиф Гайдн.
— Непременно запомню ваше имя: если из вас что-нибудь выйдет, я хоть буду знать, почему ваш учитель так неприязненно относился к вам и почему меня так заинтересовал ваш рассказ. Пожалуйста, продолжайте.

Юный Гайдн принялся за свое повествование, а Консуэло, пораженная сходством их судеб — судеб двух бедняков и артистов, внимательно вглядывалась в лицо юноши-певчего. Это худенькое желтоватое лицо необыкновенно оживилось в порыве излияний, голубые глаза сверкали лукавством, шаловливым и добродушным, и все в его манере держать себя и выражаться говорило о недюжинном уме. (Жорж Санд. «Консуэло»).

Томас Харди, «Портрет Гайдна»
Фото: ru.wikipedia.org

Да, одно из действующих лиц дамского приключенческо-романтического (при этом — достаточно глубокого) романа — «венский классик» Йозеф Гайдн. Объединял героев общий учитель — композитор эпохи барокко Николо Порпора, к которому Гайдн нанялся слугой, чтобы чему-нибудь научиться.

Молодые люди могут убедиться на примере моей жизни, что и из ничего получается нечто. (Й. Гайдн)

«Происхождение» Гайдна долго изучали, выяснили, наконец, что предки его были крестьянами и рабочими, чьи жизнелюбие, упорство и оптимизм и унаследовал классик.

Мой покойный отец был по профессии каретником, подданным графа Гарраха, и от природы горячим любителем музыки. (И. Гайдн. «Автобиография»)

Франц Йозеф Гайдн родился 31 марта 1732 года (или 1 апреля — но в трудных случаях отсчет часто ведут от даты, предыдущей ко дню крещения). Умер великий композитор 31 мая 1809 года.

Гайдн уже ребенком обнаружил интерес к музыке. Заметив талант сына, родители отдали его учиться в другой город — там мальчик жил на попечении своего родственника. Затем Гайдн переехал в еще один город, где пел в хоре. Фактически, с 6 лет Йозеф Гайдн вел самостоятельную жизнь. Можно сказать, что он был самоучкой, потому что для систематических занятий с известными учителями не хватало ни денег, ни связей. То же относится и к его брату.

Последний дом Гайдна в Вене, ныне музей
Фото: ru. wikipedia.org

А потом голос, как положено, огрубел, и совсем юный Гайдн оказался на улице без крыши над головой. На пропитание он себе зарабатывал уроками, которые уже сам давал. Продолжается самообучение: Гайдн внимательно изучает музыку К. Ф. Э. Баха (сына И. С. Баха), вслушивается в песни, звучащие с улиц (в том числе и славянские мелодии).

Во времена Гайдна всякая музыка была еще музыкой в непосредственном исполнении, искусством или времяпрепровождением, и шла она от человека к человеку, от сердца к сердцу, от души к душе. Вена, веселый, тогда уже интернациональный город, где сходились многие народы, была центром этого искусства. (Леопольд Новак «Йозеф Гайдн»)

И Гайдн уже начиняет сочинять. Его замечают.

В Европе тогда у каждого правителя был свой двор, и пышность этого двора определялась еще и музыкой.

Все вельможи стремились перещеголять друг друга, нанимая лучших музыкантов. Годы, которые молодой Гайдн провел как свободный художник, были плодотворными, но все же это была тяжелая жизнь. Уже женатый Гайдн (брак все описывают как крайне неудачный) принимает приглашение князя Эстергази.

Фактически при дворе Эстергази Гайдн прослужит 30 лет. В обязанности его входит написание музыки и руководство княжеским оркестром. Князь Эстергази (или Эстерхази) был, по общему мнению, приличным человеком и большим любителем музыки. Гайдн мог заниматься любимым делом. Но, безусловно, это была некая зависимость и условия, которые кто-то может посчитать кабальными.

Ludwig Guttenbrunn, «Портрет Гайдна»
Фото: ru.wikipedia.org

Да, музыка писалась по заказу — никакой «свободы творчества», но в то время это было обычной практикой. К тому же у заказа есть немалое преимущество: заказанную музыку непременно и тут же исполняли. «В стол» ничего не писалось.

4. По первому приказанию его светлости, великого князя, он, вице-капельмейстер, обязуется сочинять любую музыку, какую пожелает его светлость, никому не показывать новых композиций, а тем более не разрешать никому их списывать, а хранить их единственно для его светлости и без ведома и милостливого разрешения его ни для кого ничего не сочинять.

5. Он, Йозеф Гайдн, обязан ежедневно (будь то в Вене или в любом из княжеских поместий) до и после обеда появляться в передней и докладывать о себе на случай, ежели его светлость соизволит отдать распоряжение об исполнении или сочинении музыки. Дожидаться, а получив приказ, довести его до сведения остальных музыкантов.

11. Пребывая в такой уверенности, светлейший господин жалует ему, вице капельмейстеру, ежегодное содержание в 400 рейнских гульденов, которые он будет получать поквартально в главном казначействе.

12. Сверх того, ему, Йозефу Гайдну, положено за господский счет получать кошт с офицерского стола либо полгульдена в день столовых денег.

Это из первого официального договора. В дальнейшем жалование неоднократно повышалось.

Миклош Иосиф Эстерхази
Фото: ru.wikipedia.org

Одним словом — служба…

Намек понял!

Гайдн считал это почти тридцатилетие службы у князей Эстергази хорошей порой своей жизни. Впрочем, он всегда был оптимистом. К тому же, Йозеф Гайдн имел все возможности сочинять, и писал он всегда быстро и много. При дворе часто бывали гости, и к Гайдну приходит слава.

Взаимоотношения Эстергази и Гайдна прекрасно иллюстрирует известный случай с «Прощальной симфонией». Оркестранты обратились к Гайдну с просьбой воздействовать на князя: квартиры для них оказались слишком маленькими, чтобы перевезти семьи. Музыканты соскучились по родным. Гайдн воздействовал музыкой: написал симфонию, в которой на одну часть больше. И когда звучит эта часть, музыканты постепенно уходят. Остаются два скрипача, но и они гасят свечи и уходят. Князь намек понял и выполнил «требования» музыкантов.

Но в 1790 году умирает князь Эстергази — Миклош Великолепный. Новый князь — Антон — к музыке был не расположен. Нет, полковых музыкантов Антон оставил, а вот оркестр распустил. Гайдн остался не у дел, хоть и с большой пенсией, которую ему назначил Миклош. А творческих сил еще было очень много. Так Гайдн опять стал свободным художником. И он отправится в Англию — по приглашению.

Говорят, что его отговаривали от поездки. Тот же Моцарт. (Гайдн и Моцарт были знакомы, встречались. Поразительно, с каким уважением они всегда отзывались друг о друге!) Гайдну скоро уже 60 лет, он не знает языков! Но он уезжает — и не один раз. И опять — триумф.

А вот увидеться больше Гайдну и Моцарту не довелось, потому что умер молодой Моцарт.

Мой язык прекрасно понимают во всем мире. (Й. Гайдн)

В Англии у Гайдна был не только ошеломительный успех. Оттуда он привез еще 12 симфоний и оратории. Он очень много сочиняет и еще успеет познакомиться с Бетховеном. Гайдн стал свидетелем своей славы, а это большая редкость.

Основатель венского классицизма оставил огромное количество сочинений, и это жизнеутверждающая, уравновешенная музыка.

Оратория «Сотворение мира» — одно из самых известных произведений Гайдна. И хотя либретто здесь на библейский текст, музыка относит к таким человеческим качествам, как самоуглубление, духовная мощь. Это монументальная музыкальная живопись. Созерцание мироздания, если можно так выразиться…

Могила Гайдна
Фото: ru.wikipedia.org

Симфоний у Гайдна — более 100. «Детской радостью души» назвал их Гофман. А есть еще концерты, квартеты, оперы…

И наконец, Гайдн является автором национального гимна Германии.

Гайдн, чье имя так ярко сверкает в храме гармонии. (Стендаль. «Жизнеописание Гайдна, Моцарта… в письмах»)

О другом великом «венце» музыки классициизма — Моцарте — можно будет прочитать в следующий раз.

Продолжение следует…

классицизм и романтизм в музыке | План-конспект урока по музыке (7 класс) по теме:

7 класс

Классицизм и романтизм  в музыке

Цель урока: продолжить знакомство с музыкальными стилями, в частности «классицизмом» и «романтизмом»

Задачи:

— познакомить учащихся с основными чертами художественного направления «романтизм», воздействовать на чувства и эмоции детей через восприятие  музыкальных образов  вальсов Ф. Шопена

-изучить стилевые особенности, выявить характерные черты музыкального стиля – классицизм, романтизм.

-развитие музыкального мышления, путём сравнивания музыкальных стилей. Развитие навыков исследовательской художественно-эстетической деятельности  при прослушивании произведения.

— воспитать и привить интерес к музыке разного стиля.

Ход урока.

1.Организационный момент.

Приветствие.

Мы с вами раскрыли много музыкальных секретов, но нам сегодня предстоит раскрыть еще один. В конце урока вы ответите мне на следующие вопросы:

Уже знали	Новое узнали	вопрос

Повторим ранее изученный материал. Соедините термин с определением

1	Полифония	Исполнение без музыкального сопровождения	1
2	A capella	Род музыки, сопровождающий строевые движения людей	2
3	Марш	Многоголосие	3
4	Монофония	Вид музыкального образа	4
5	Исторический танец	Менуэт	5
6	Эпический	Одноголосие	6
7	Танец	Светская инструментальная музыка	7
8	Романс	Светская вокальная музыка	8
9	Прелюдия	Вид искусства, в котором образ создается посредством ритмичных движений человеческого тела	9
10	Ноктюрн	Развитие в музыке, в котором составляется план сначала, по которому исполняется песня	10
11	исполнительское	Светская инструментальная музыка лирического содержания	11

1-3

2-1

3-2

4-6

5-5

6-4

7-9

8-8

9-7

10-11

11-10

Мы знаем  что «музыка – это сама жизнь». Частички человеческой жизни благодаря мастерству великих композиторов превращаются в музыкальные образы. Это может быть добрый, ласковый образ колыбельной песни, образ мужественной борьбы, образ, воплощающий тревогу…

В конце урока ответите на вопросы:

Предлагаю послушать музыкальный фрагмент и обменяться впечатлениями.

Звучит фрагмент: Увертюра “Эгмонт”.

– Что вы можете сказать об услышанной музыке? Сравним его с музыкой И.Баха «Фуга».

Ответы: –  произведение строгое, героическое…..

А второе отличается своим музыкальным языком, формой и содержанием.

Вы правы. Эти произведения различны и по исполнению, строению, музыкальному языку. Потому что они разные по СТИЛЮ.

Произведения эти написаны знакомым нам композитором И.Бахоми другим немецким композитором Л.Бетховеном.

2.Актуализация темы.

Сегодня на уроке мы поговорим о стилях музыки.

А где вы встречались с этим понятием СТИЛЬ?

Ответы: в одежде, например.

– А какие стили одежды вы знаете?

Ответы:– Классический, романтический, спортивный…

– Так вот, эти стили существуют не только в одежде, но и в искусстве, архитектуре.

3. Определение понятия «Стиль».

Попытаемся разобраться в музыкальном стиле.

СТИЛЬ

1.        Совокупность приёмов и признаков, характеризующих искусство определённого времени и направления или индивидуальная манера художника, композитора в отношении идейного содержания и художественной формы.

2.        Совокупность приёмов использования средств языка, характерная для какого – либо писателя или литературного произведения, направления, жанра.

3.        Манера вести себя, говорить, одеваться

События «Эгмонта» относятся к XVI веку, когда народ Нидерландов восстал против своих поработителей — испанцев. Борьбу народа возглавил граф Эгмонт, смелый и мужественный человек. Эгмонт гибнет, но народ завершает начатое им дело. Восстание закончилось победой в 1576 году.

Что можно сказать о музыкальном языке, форме, строению произведения?

Ответы:

– настроение героическое, характер целеустремлённый, веришь, что цель достигнута. Яркий финал – подтверждение этому.

Учитель: Форма произведения крупная, в произведении строгие пропорции, всё подчинено одной цели, динамика яркая. Всё это характерно для классического стиля в музыке.

5. Определение понятия «Классицизм.

Классицизм (образцовый) – стиль и направление в искусстве XVII – начала XIX в. Упорядоченность, гармония, внутреннее единство целого и его частей, строгие пропорции – все эти качества отличают творения видных представителей классицизма.

Классики переосмыслили и заставили зазвучать по – новому все музыкальные жанры и формы. Произведениям присуща целеустремлённость: в них отчётливо различаются конечная цель музыкального движения, его итог. Все части произведения находятся в строгом равновесии.

Все эти черты мы услышали в музыке Бетховена.

                                                           

 Известный  советский педагог В.А.Сухомлинский писал:

«В мире есть не только нужное и полезное, но и красивое. Перед человеком открылась радость жизни, потому, что он услышал шепот листьев и песню кузнечика, журчание весеннего ручейка и перепевы серебряных колокольчиков жаворонка в горячем летнем небе, шуршание снежинок и стон метели, ласковое плескание волны и торжественную тишину ночи, услышал и, затаив дыхание, слушает сотни и тысячи лет чудесную музыку жизни».

 

Послушайте стихотворение английского поэта  Джона Китса и скажите, что вы чувствуете?

О, как люблю я в ясный летний час

Когда заката золото струится

И облаков сребристых вереница

Обласкана зефирами, — хоть раз

Уйти от тягот, что терзают нас,

На миг от неотступных дум забыться

И с просветленною душой укрыться

В заглохшей чаще, радующей глаз.

   Джон Китс – поэт–романтик, яркий представитель эпохи романтизма, художественного направления в европейской и американской культуре конца XVIII – первой половины XIX века.

   «Романтизм» — слово французское. Оно ведет родословную от испанского «романсе» (так называли в средние века испанские романсы, а затем и рыцарский роман), и от английского «романтик» (романтический), означавшего «странное», «живописное», «фантастическое».

    Новый стиль в искусстве пришел на смену старому. Романтизм сменил классицизм и коснулся всех видов искусства.

   Это направление имело свои, совершенно новые черты, которые ярко проявились не только в творчестве романтиков, но даже и в их образе жизни.  

Поэты, художники, композиторы собираются вместе, читают свои новые литературные произведения, обсуждают все новости искусства, участвуют в художественных дискуссиях, музицируют. Такое творческое общение между людьми разных искусств приводит к обновлению форм и выразительных средств музыкального искусства

    Большой интерес у композиторов того времени вызывают такие жанры, как песня, песня без слов, танец, ноктюрн, баллада.

    Разнообразнее и ярче стали краски звучания оркестра, раскрылись возможности таких инструментов, как фортепиано и скрипка.

    Многие композиторы создают виртуозную музыку, и по сей день представляющую трудность  для исполнения.

    В своих произведениях, пронизанных яркой эмоциональностью и лиризмом, романтики стремятся передать все богатство внутреннего мира человека.

   Композиторами – романтиками называют Паганини, Берлиоза, Шумана, Мендельсона, Листа, Верди, Брамса, многих других композитов, и,  конечно же, Фридерика Шопена, польского композитора, с музыкой которого нам предстоит сегодня встретиться.

Здесь в зале сам Шопен,

И сладок песен плен

И чутко ловит слух

Музыки длинный звук.

Рояль, как белый дух,

Мелодия плывет,

То радость в сердце льет,

То светится печалью.

Мелодия плывет…

    Шопен – необыкновенный композитор. У него нет ни симфоний, ни опер, ни балетов. Почти все его сочинения написаны только для фортепиано, но в звучании этого инструмента мы слышим такие яркие мелодии, такое богатство чувств и звуков, что они действуют на нас не меньше, чем лучшие симфонические произведения. Попробуем испытать это на себе.  

(звучит «Вальс №7» си-минор)

У: — Какая частица жизни заключена в этом произведении?

     — Каково его построение?

(ответы детей

 У: Произведение строится не обычно. В центре – светлый, мажорный эпизод. До и после него – одна и та же мелодия вальса, т.е. можно представить музыкальную форму таким образом: А B А. Всего частей – 3, но это пример двухчастной формы с повторением 1 части. Однако, после звучания каждой из трех частей, следует небольшое добавление, так называемое «послесловие». Оно очень быстрое, изящное, полетное. Оно объединяет все части в единое целое. Создаётся впечатление, что вальс представляет единый музыкальный образ, поворачивающийся к нам своими разными гранями. Какой это образ?

Д: — Лирический, то печальный, то светлый, но, при этом, нежный и полётный.

Еще звучит в моих ушах

Седьмого вальса легкий шаг,

Как вешний ветерок,

Как трепетанье птичьих крыл,

Как мир, который я открыл

В сплетенье нотных строк.

Еще звучит тот вальс во мне,

Как облако в голубизне,

Как родничок в траве,

Как сон, что вижу наяву,

Как весть о том, что я живу

С природою в родстве.

                            (Л.Озеров)

У: — Кого можно представить, слушая это произведение?

Д: — Человека – мечтателя, человека – романтика.

У: — Это мужской или женский образ?

Д: — Скорее, женский.

У: Интересно то, что биографы Шопена склонны считать, что каждый из его вальсов – это либо жанровая зарисовка, либо чей-то портрет. Многие считают, что именно этот вальс – портрет полячки Марии Водзиньской. Композитор был влюблен в нее. Она прекрасно знала литературу, владела несколькими иностранными языками, писала стихи, хорошо пела.

 

Перед вами слова, которые нужно распределить в 2 столбика так, чтобы они смогли охарактеризовать эти музыкальные образы. Для того, чтобы правильно выполнить эту работу, мы еще раз послушаем это произведение, и только после этого приступим к самостоятельной работе.

Словарь эстетических эмоций

Радостно                                              

Мягко

Весело

Звонко

Взволнованно

Ласково

Игриво

Трогательно

Задорно

Ярко

Поэтично

Порывисто

Нежно

Задушевно

Шутливо

Спокойно

Светло

Безмятежно

Таинственно

Музыка классицизма — Music-rbcrn

Классицизм, как художественное направление, сложился во Франции в первой половине XVII века: возникший ещё в эпоху Возрождения интерес к античной культуре, породивший в различных видах искусства подражания античным образцам, в абсолютистской Франции превратился в нормативную эстетику, основанную на «Поэтике» Аристотеля и дополнившую её рядом специальных жёстких требований.

Эстетика классицизма основывалась на убеждении в разумности и гармоничности мироустройства, что проявилось во внимании к сбалансированности частей произведения, тщательной отделке деталей, разработке основных канонов музыкальной формы. Именно в этот период окончательно сформировалась сонатная форма, основанная на разработке и противопоставлении двух контрастных тем, определился классический состав частей сонаты и симфонии.

В дальнейшем хотелось бы упомянуть о важнейших композиторах классицизма.

Франц Йо́зеф Гайдн (нем. Franz Joseph Haydn, 31 марта 1732 — 31 мая 1809) — австрийский композитор, представитель венской классической школы, один из основоположников таких музыкальных жанров, как симфония и струнный квартет. Создатель мелодии, впоследствии лёгшей в основу гимнов Германии и Австро-Венгрии. Сын каретного мастера.

Йозеф Гайдн родился 31 марта 1732 года в имении графов Гаррахов — нижнеавстрийской деревне Рорау, недалеко от границы с Венгрией, в семье каретного мастера Маттиаса Гайдна (1699—1763). Родители, серьёзно увлекавшиеся вокалом и любительским музицированием, обнаружили в мальчике музыкальные способности и в 1737 году отправили его к родственникам в город Хайнбург-на-Дунае, где Йозеф стал учиться хоровому пению и музыке. В 1740 году его заметил Георг фон Рейттер, директор капеллы венского собора святого Стефана. Рейттер взял талантливого мальчика в капеллу, и тот в течение девяти лет (с 1740 по 1749 годы) пел в хоре (в том числе несколько лет — вместе со своими младшими братьями) собора святого Стефана в Вене, где обучался также игре на инструментах.

Капелла была для маленького Гайдна единственной школой. По мере развития его способностей ему стали поручать трудные сольные партии. Вместе с хором Гайдн часто выступал на городских празднествах, свадьбах, похоронах, принимал участие в придворных торжествах. Одним из таких событий было отпевание Антонио Вивальди в 1741 году.

В 1749 году у Йозефа стал ломаться голос, и его выгнали из хора. Последующий десятилетний период был для него весьма трудным. Йозеф брался за разную работу, в том числе был слугой и некоторое время был аккомпаниатором у итальянского композитора и преподавателя пения Никола Порпоры, у которого он также брал уроки композиции. Гайдн старался восполнять пробелы в своём музыкальном образовании, усердно занимаясь изучением творений Эммануила Баха и теорией композиции. Изучение музыкальных произведений предшественников и теоретических трудов И. Фукса, И. Маттезона и других восполнило Йозефу Гайдну отсутствие систематического музыкального образования. Написанные им в это время сонаты для клавесина были изданы и обратили на себя внимание. Первыми крупными его сочинениями были две мессы brevis, F-dur и G-dur, написанные Гайдном в 1749 году ещё до ухода его из капеллы собора святого Стефана. В 50-х годах XVIII века Йозеф написал целый ряд произведений, положивших начало его известности как композитора: зингшпиль «Хромой бес» (был поставлен в 1752 году в Вене и других городах Австрии, не сохранился до наших дней), дивертисменты и серенады, струнные квартеты для музыкального кружка барона Фюрнберга, около десятка квартетов (1755), первая симфония (1759).

В период с 1754 по 1756 год Гайдн работал при венском дворе на правах свободного художника. В 1759 году он получил должность капельмейстера при дворе графа Карла фон Морцина, где под его началом оказался небольшой оркестр — для него композитор сочинил свои первые симфонии[3]. Однако вскоре фон Морцин начал испытывать финансовые трудности и прекратил деятельность своего музыкального проекта.

В 1760 году Гайдн женился на Марии-Анне Келлер. Детей у них не было, о чём композитор весьма сожалел. Жена холодно относилась к его профессиональной деятельности, использовала его партитуры на папильотки и подставки для паштета. Брак был несчастливый, однако законы того времени не позволяли им разойтись. Оба завели себе любовников.

После расформирования в 1761 году музыкального проекта потерпевшего финансовый крах графа фон Морцина, Йозефу Гайдну была предложена аналогичная работа у князя Павла Антона Эстергази — главы крайне богатой семьи Эстерхази. Поначалу Гайдн занимал должность вице-капельмейстера, однако он сразу же был допущен к руководству большинством музыкальных учреждений Эстергази, наравне со старым капельмейстером Грегором Вернером, сохранившим абсолютные полномочия только для церковной музыки. В 1766 году в жизни Гайдна произошло судьбоносное событие — после смерти Грегора Вернера он возведён в капельмейстеры при дворе князей Эстергази, одной из самых влиятельных и могущественных аристократических семей Австрии. В обязанности капельмейстера входило сочинение музыки, руководство оркестром, камерное музицирование перед патроном и постановка опер.

1779 год становится переломным в карьере Йозефа Гайдна — был пересмотрен его контракт: в то время как ранее все его композиции были собственностью семьи Эстергази, то теперь ему было разрешено писать для других и продавать свои работы издателям. Вскоре с учётом этого обстоятельства, Гайдн переносит акцент в своей композиторской деятельности: меньше пишет опер и больше создаёт квартетов и симфоний. Кроме того, он ведёт переговоры с несколькими издателями, как австрийскими так и зарубежными. О заключении Гайдном нового трудового договора Джонс пишет: «Этот документ подействовал в качестве катализатора на пути к следующему этапу карьеры Гайдна — достижение международной популярности. К 1790 году Гайдн находился в парадоксальном, если не сказать странном положении: будучи ведущим композитором Европы, но связанный действием подписанного ранее контракта, тратил своё время в качестве капельмейстера в отдалённом дворце в венгерской деревне».

За почти тридцатилетнюю карьеру при дворе Эстергази композитор сочинил большое количество произведений, его известность растёт. В 1781 году во время пребывания в Вене Гайдн познакомился и подружился с Вольфгангом Амадеем Моцартом. Он давал уроки музыки Сигизмунду фон Нейкому, который в дальнейшем стал его близким другом.

11 февраля 1785 года Гайдн был посвящён в масонскую ложу «К Истинной Гармонии» («Zur wahren Eintracht»). Моцарт не смог присутствовать на посвящении, так как был на концерте своего отца Леопольда.

На протяжении XVIII века в ряде стран (Италии, Германии, Австрии, Франции и других) происходили процессы формирования новых жанров и форм инструментальной музыки, окончательно сложившихся и достигших своей вершины в так называемой «венской классической школе» — в творчестве Гайдна, Моцарта и Бетховена. Вместо полифонической фактуры большое значение приобрела гомофонно-гармоническая фактура, но при этом в крупные инструментальные произведения зачастую включались полифонические эпизоды, динамизирующие музыкальную ткань.

Таким образом, годы службы (1761—1790) у венгерских князей Эстергази способствовали расцвету творческой деятельности Гайдна, пик которой приходится на 80 — 90-е годы XVIII века, когда были созданы зрелые квартеты (начиная с опуса 33), 6 Парижских (1785—86) симфоний, оратории, мессы и другие произведения. Прихоти мецената нередко заставляли Йозефа поступаться творческой свободой. Вместе с тем работа с руководимыми им оркестром и хором благотворно сказалась на его развитии как композитора. Для капеллы и домашнего театра Эстергази написано большинство симфоний (в том числе получившая широкую известность «Прощальная», 1772) и опер композитора. Поездки Гайдна в Вену позволили ему общаться с виднейшими из современников, в частности с Вольфгангом Амадеем Моцартом.

В 1791 году, после смерти Николая Эстерхази, его сын и преемник, князь Антон Эстергази, не будучи любителем музыки, распустил оркестр. В 1791 году Гайдн получил контракт на работу в Англии. Впоследствии он много работал в Австрии и Великобритании. Две поездки в Лондон (1791—1792 и 1794—1795) по приглашению организатора «Абонементных концертов» скрипача И. П. Заломона, где он для концертов Заломона написал свои лучшие симфонии (12 Лондонских (1791—1792, 1794—1795) симфоний), расширили кругозор, ещё более упрочили славу и способствовали росту популярности Гайдна. В Лондоне Гайдн собирал огромные аудитории: на концерты Гайдна собиралось огромное количество слушателей, что повышало его известность, способствовало сбору больши́х прибылей и, в конечном итоге, позволило стать финансово обеспеченным. В 1791 году Йозефу Гайдну присуждена степень почётного доктора Оксфордского университета.

Проезжая через Бонн в 1792 году, он познакомился с молодым Бетховеном и взял его в ученики.

Гайдн вернулся и поселился в Вене в 1795 году. К тому времени принц Антон умер и его преемник Николай II предложил возродить музыкальные учреждения Эстергази под руководством Гайдна, выступающим снова в роли капельмейстера. Гайдн принял предложение и занял предлагаемую вакансию, хотя и на неполный рабочий день. Он провёл своё лето с Эстергази в городе Айзенштадт, и в течение нескольких лет написал шесть месс. Но к этому времени Гайдн становится общественным деятелем в Вене и проводит бо́льшую часть своего времени в своём собственном большом доме в Гумпендорфе (нем. Gumpendorf), где написал несколько работ для публичного исполнения. Среди прочего, в Вене Гайдн написал две свои знаменитые оратории: «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801), в которых композитор развил традиции лирико-эпических ораторий Г. Ф. Генделя. Оратории Йозефа Гайдна отмечены новой для этого жанра сочной бытовой характерностью, красочным воплощением явлений природы, в них раскрывается мастерство композитора как колориста.

Гайдн пробовал свои силы во всех родах музыкального сочинения, однако не во всех жанрах его творчество проявлялось с одинаковой силой. В области инструментальной музыки он справедливо считается одним из крупнейших композиторов второй половины XVIII и начала XIX веков. Величие Йозефа Гайдна как композитора максимально проявилось в двух итоговых его сочинениях: больших ораториях — «Сотворение мира» (1798) и «Времена года» (1801). Оратория «Времена года» может служить образцовым эталоном музыкального классицизма. Под конец жизни Гайдн пользовался громадной популярностью. В последующие годы этот успешный для творчества Гайдна период сталкивается с началом старости и пошатнувшимся здоровьем — теперь композитор должен бороться, чтобы завершить свои начатые работы. Работа над ораториями подорвала силы композитора. Последними его произведениями стали «Harmoniemesse» (1802) и неоконченный струнный квартет oпус 103 (1802). Примерно к 1802 году, его состояние ухудшилось до такой степени, что он стал физически не в состоянии сочинять. Последние наброски относятся к 1806 году, после этой даты Гайдн уже не писал ничего.

Скончался композитор в Вене. Он умер в возрасте 77 лет 31 мая 1809 года, вскоре после нападения на Вену французской армии под предводительством Наполеона. Среди его последних слов была попытка успокоить своих слуг, когда в окрестностях дома упало пушечное ядро: «Не бойтесь, дети мои, ибо там, где Гайдн, никакого вреда быть не может». Две недели спустя, 15 июня 1809 года, в церкви Шотландского монастыря (нем. Shottenkirche) состоялась панихида, на которой был исполнен Реквием Моцарта.

Композитор создал 24 оперы, написал 104 симфонии, 83 струнных квартета, 52 фортепианные (клавирные) сонаты, 126 трио для баритона, увертюры, марши, танцы, дивертисменты для оркестра и разных инструментов, концерты для клавира и других инструментов, оратории, различные пьесы для клавира, песни, каноны, обработки шотландских, ирландских, валлийских песен для голоса с фортепиано (скрипкой или виолончелью по желанию). Среди сочинений 3 оратории («Сотворение мира», «Времена года» и «Семь слов Спасителя на кресте»), 14 месс и другие духовные произведения.

Вольфганг Амадей Моцарт

Моцарт (Иоганн Хризостом Вольфганг Теофил (Готтлиб) Моцарт) родился 27 января 1756 года в городе Зальцбург в музыкальной семье.

В биографии Моцарта музыкальный талант обнаружился еще в раннем детстве. Отец обучал его игре на органе, скрипке, клавесине. В 1762 году семейство едет в Вену, Мюнхен. Там даются концерты Моцарта, его сестры Марии Анны. Затем, во время путешествий по городам Германии, Швейцарии, Голландии музыка Моцарта поражает слушателей удивительной красотой. Впервые сочинения композитора издаются в Париже.

Следующие несколько лет (1770-1774) Амадей Моцарт проживал в Италии. Там в первый раз ставятся его оперы («Митридат – царь Понтийский», «Луций Сулла», «Сон Сципиона»), которые получают большой успех публики.

Отметим, что к 17 годам широкий репертуар композитора включал более 40 крупных произведений.

Расцвет творчества

С 1775 по 1780 года плодотворная работа Вольфганга Амадея Моцарта пополнила когорту его сочинений рядом выдающихся композиций. После занятия должности придворного органиста в 1779 году, симфонии Моцарта, его оперы содержат все больше новых приемов.

В краткой биографии Вольфганга Моцарта стоит отметить, что женитьба на Констанции Вебер отразилась также на его творчестве. Опера «Похищение из Сераля» пропитана романтикой тех времен.

Некоторые оперы Моцарта так и остались неоконченными, поскольку трудное материальное положение семьи заставляло композитора посвящать много времени различным подработкам. В аристократических кругах проводились фортепианные концерты Моцарта, сам музыкант был вынужден писать пьесы, вальсы на заказ, преподавать.

Творчество Моцарта следующих лет поражает плодотворностью наряду с мастерством. Знаменитейшие оперы «Свадьба Фигаро», «Дон-Жуан» (обе оперы написаны совместно с поэтом Лоренцо да Понте) композитора Моцарта ставятся в нескольких городах.

В 1789 году им было получено весьма выгодное предложение возглавить придворную капеллу в Берлине. Однако отказ композитора еще более усугубил материальный недостаток.

Для Моцарта произведения того времени оказались чрезвычайно успешными. «Волшебная флейта», «Милосердие Тита» – эти оперы были написаны быстро, однако весьма качественно, выразительно, с красивейшими оттенками. Известная месса «Реквием» так и не была закончена Моцартом. Произведение закончил ученик композитора — Зюсмайер.

С ноября 1791 года Моцарт много болел и совсем не вставал с кровати. Умер знаменитый композитор 5 декабря 1791 года от острой лихорадки. Похоронили Моцарта на кладбище Святого Марка в Вене.

Людвиг ван Бетховен

Бетховен родился предположительно 16 декабря (точно известна только дата его его крещения — 17 декабря) 1770 года в городе Бонн в музыкальной семье. С детства его стали обучать игре на органе, клавесине, скрипке, флейте.

Впервые серьезно заниматься с Людвигом стал композитор Кристиан Готлоб Нефе. Уже в 12 лет в биографии Бетховена пополнилась первой работа музыкальной направленности – помощник органиста при дворе. Бетховен изучал несколько языков, пытался сочинять музыку.

Бетховен любил читать, особенно популярными у него были древнегреческие авторы Гомер и Плутарх, и современные поэты Уильям Шекспир, Гёте и Фридрих Шиллер.

После смерти матери в 1787 году он взял на себя материальные обязанности семьи. Людвиг Бетховен стал играть в оркестре, слушать университетские лекции. Случайно столкнувшись в Бонне с Гайдном, Бетховен решает брать у него уроки. Для этого он переезжает в Вену. Уже на этом этапе после прослушивания одной из импровизаций Бетховена, великий Моцарт сказал: «Он всех заставит говорить о себе!». После некоторых попыток Гайдн направляет Бетховена на занятия к Альбрехтсбергеру. Затем учителем и наставником Бетховена стал Антонио Сальери.

Гайдн кратко отметил, что музыка Бетховена была мрачной и странной. Однако в те годы виртуозная игра на пианино приносит Людвигу первую славу. Произведения Бетховена отличаются от классической игры клавесинистов. Там же, в Вене, были написаны знаменитые в будущем сочинения: Лунная соната Бетховена, Патетическая соната.

Грубый, самолюбивый на людях композитор был очень открытым, доброжелательным по отношению к друзьям. Творчество Бетховена следующих лет наполнено новыми произведениями: Первая, Вторая симфонии, «Творение Прометея», «Христос на Масличной горе». Однако дальнейшая жизнь и работа Бетховена были осложнены развитием болезни уха – тинита.

Композитор уединяется в городе Гейлигенштадте. Там он работает над Третьей – Героической симфонией. Полная глухота отделяет Людвига от внешнего мира. Однако даже это событие не может заставить его прекратить сочинять. По мнению критиков, Третья симфония Бетховена полностью раскрывает его величайший талант. Опера «Фиделио» ставится в Вене, Праге, Берлине.

В 1802-1812 годах Бетховен писал сонаты с особым желанием и рвением. Тогда были созданы целые серии произведений для фортепиано, виолончели, знаменитая Девятая симфония, Торжественная месса.

Отметим, что биография Людвига Бетховена тех лет была наполнена славой, популярностью и признанием. Даже власть, не смотря на его откровенные мысли, не смела трогать музыканта. Однако сильные переживания за своего племянника, которого Бетховен взял на попечительство, быстро состарили композитора. А 26 марта 1827 года Бетховен умер от болезни печени.

Великому композитору установлено около ста памятников по всему миру.

Именно так будет выглядеть краткий экскурс в историю музыки классицизма, подарившей нам огромное количество прекраснейших произведений.

Картинная галерея

Франц Йозеф Гайдн

Вольфганг Амадей Моцарт

Людвиг ван Бетховен

Кристоф Виллибальд Глюк

Венский классицизм. Музыка. 4 класс. Разработка урока – конспект урока – Корпорация Российский учебник (издательство Дрофа – Вентана)

• Интернет-магазин
• Где купить
• Аудио
• Новости
• LECTA
• Программа лояльности

Мой личный кабинет Методическая помощь Вебинары Каталог Рабочие программы Дошкольное образование Начальное образование Алгебра Английский язык Астрономия Биология Всеобщая история География Геометрия Естествознание ИЗО Информатика Искусство История России Итальянский язык Китайский язык Литература Литературное чтение Математика Музыка Немецкий язык ОБЖ Обществознание Окружающий мир ОРКСЭ, ОДНК Право Русский язык Технология Физика Физическая культура Французский язык

Обзор классической эры музыки

Введение

Даты классического периода в западной музыке обычно считаются периодом между 1750 и 1820 годами. Однако термин классическая музыка используется в разговорном смысле как синоним западной художественной музыки, которая описывает различные западные музыкальные произведения. стили с девятого века до наших дней, и особенно с шестнадцатого или семнадцатого по девятнадцатый. Эта статья о конкретном периоде с 1730 по 1820 год.

Классический период находится между периодами барокко и романтикой. Самыми известными композиторами этого периода являются Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт; другие известные имена включают Луиджи Боккерини, Муцио Клементи, Антонио Солер, Антонио Сальери, Франсуа Жозеф Госсек, Иоганн Стамиц, Карл Фридрих Абель, Карл Филипп Эмануэль Бах и Кристоф Виллибальд Глюк. Людвиг ван Бетховен также считается либо композитором-романтиком, либо композитором, который участвовал в переходе к романтике.

Франц Шуберт — тоже нечто вроде переходной фигуры, как и Иоганн Непомук Хуммель, Мауро Джулиани, Фридрих Кухлау, Фернандо Сор, Луиджи Керубини, Ян Ладислав Дуссек и Карл Мария фон Вебер. Период иногда называют эпохой венской классики или лассицизма (немецкий: Wiener Klassik ), поскольку Вольфганг Амадей Моцарт, Йозеф Гайдн, Антонио Сальери и Людвиг ван Бетховен когда-то работали в Вене. , и здесь родился Франц Шуберт.

В середине восемнадцатого века Европа начала двигаться к новому стилю в архитектуре, литературе и искусстве, широко известному как классицизм. Этот стиль стремился подражать идеалам классической античности, особенно классической Греции. Хотя новый стиль все еще был тесно связан с придворной культурой и абсолютизмом, с его формальностью и упором на порядок и иерархию, он также был «чище». Он предпочитал более четкое разделение между частями, более яркие контрасты и цвета, а также простоту, а не сложность.Кроме того, типичный размер оркестров стал увеличиваться.

Замечательное развитие идей «натурфилософии» уже утвердилось в общественном сознании. В частности, в качестве парадигмы была взята физика Ньютона: структуры должны быть хорошо обоснованы аксиомами, а также хорошо сформулированы и упорядочены. Этот вкус к структурной ясности начал влиять на музыку, которая отошла от многослойной полифонии периода барокко к стилю, известному как гомофония, в котором мелодия воспроизводится поверх подчиненной гармонии.Этот ход означал, что аккорды стали гораздо более распространенной особенностью музыки, даже если они нарушали мелодическую плавность отдельной части. В результате тональная структура музыкального произведения стала более слышимой.

Новый стиль также поощрялся изменениями в экономическом укладе и социальной структуре. По мере развития восемнадцатого века дворянство становилось основными покровителями инструментальной музыки, в то время как общественный вкус все больше предпочитал комическую оперу. Это привело к изменениям в способе исполнения музыки, наиболее важным из которых был переход к стандартным инструментальным группам и снижение важности континуо — ритмической и гармонической основы музыкального произведения, которое обычно исполняет музыкант. клавиатура (клавесин или орган) и, возможно, несколько других инструментов. Один из способов проследить упадок континуо и его фигурных аккордов — исследовать исчезновение термина obbligato , означающего обязательную инструментальную часть в произведении камерной музыки. В композициях в стиле барокко к континуо можно было добавить дополнительные инструменты по желанию; в классических произведениях все партии были специально отмечены, хотя не всегда обозначалось , поэтому термин «облигато» стал излишним. К 1800 году он практически вымер.

Характеристики классического стиля в музыке

Экономические изменения также повлияли на изменение баланса доступности и качества музыкантов.В то время как в позднем барокко крупный композитор мог использовать все музыкальные ресурсы города, силы, доступные в охотничьем домике, были меньше и более фиксированы по уровню их способностей. Это было стимулом к ​​тому, чтобы играть в основном простыми партиями, а в случае резидентской группы виртуозов — побуждением к написанию зрелищных идиоматических партий для определенных инструментов, как в случае с оркестром Мангейма. Кроме того, стремление к постоянному притоку новой музыки, перенесенной из барокко, означало, что произведения должны были исполняться в лучшем случае с одной репетицией.Действительно, даже после 1790 года Моцарт пишет о «репетиции», имея в виду, что его концерт будет иметь только один.

Поскольку полифоническая текстура больше не была основным направлением музыки (исключая раздел развития), а была единственной мелодической линией с аккомпанементом, больший акцент был сделан на обозначении этой линии для динамики и фразировки. Упрощение текстуры сделало такие инструментальные детали более важными, а также сделало использование характерных ритмов, таких как привлекающие внимание вступительные фанфары, ритм похоронного марша или жанр менуэта, более важным для установления и объединения тона отдельного движения. .

Формы, такие как концерт и соната, были более четко определены и получили более конкретные правила, тогда как симфония была создана в этот период (это обычно приписывается Йозефу Гайдну). Concerto Grosso (концерт для более чем одного музыканта) начали заменяться сольным концертом (концерт с участием только одного солиста), и поэтому стали уделять больше внимания способности конкретного солиста показать себя. Разумеется, осталось около концертов Grossi , самым известным из которых является «Концертная симфония» Моцарта Sinfonia Concertante для скрипки и альта ми-бемоль мажор .

Струнный квартет. Слева направо: скрипка 1, скрипка 2, виолончель, альт

Классическая музыка имеет более легкую и четкую текстуру, чем музыка барокко, и менее сложна. В основном это омофоничность — мелодия выше аккордового аккомпанемента (но контрапункт никоим образом не забывается, особенно в более поздний период). Здесь также используется галант стиля классического периода, который противопоставляется строгим ограничениям стиля барокко, подчеркивая легкую элегантность вместо серьезности и впечатляющего величия барокко.

Разнообразие и контраст внутри произведения стали более выраженными, чем раньше. Разнообразие тональности, мелодий, ритмов и динамики (с использованием crescendo, diminuendo и sforzando ), а также частые смены настроения и тембра были более обычными в классический период, чем в барокко. Мелодии, как правило, были короче, чем в музыке барокко, с четкими фразами и четко обозначенными каденциями. Оркестр увеличился в размерах и диапазоне; континуо клавесина вышло из употребления, и деревянные духовые стали самостоятельной секцией.В качестве сольного инструмента клавесин был заменен фортепиано (или фортепиано). Ранняя фортепианная музыка была легкой по текстуре, часто с аккомпанементом баса Альберти, но позже она стала богаче, звучнее и мощнее.

Большое внимание уделялось инструментальной музыке — основными видами были соната, трио, струнный квартет, симфония, концерт, серенада и дивертисмент. Форма сонаты развивалась и стала самой важной формой. Он использовался для создания первой части большинства крупномасштабных произведений, а также других движений и отдельных пьес (например, увертюр).

Инструменты классического периода

Струны

• Скрипка
• Альт
• Виолончель
• Контрабас

Деревянные духовые

• Бассет-кларнет
• Бассет-рог
• Clarinette d’amour
• Классический кларнет
• Шалюмо
• Флейта
• Гобой
• Фагот

Клавиатуры

• Клавикорд
• Фортепьяно
• Клавесин, вышедший из употребления в конце восемнадцатого века

Латунь

• Букцин
• Офиклеид — заменитель змеи, предшественник тубы
• Валторна

Обзор Classical Era Music

Введение

Даты классического периода в западной музыке обычно считаются между 1750 и 1820 годами.Однако термин классическая музыка используется в разговорном смысле как синоним западной художественной музыки, которая описывает множество западных музыкальных стилей с девятого века до наших дней, и особенно с шестнадцатого или семнадцатого по девятнадцатый. Эта статья о конкретном периоде с 1730 по 1820 год.

Классический период находится между периодами барокко и романтикой. Самыми известными композиторами этого периода являются Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт, Людвиг ван Бетховен и Франц Шуберт; другие известные имена включают Луиджи Боккерини, Муцио Клементи, Антонио Солер, Антонио Сальери, Франсуа Жозеф Госсек, Иоганн Стамиц, Карл Фридрих Абель, Карл Филипп Эмануэль Бах и Кристоф Виллибальд Глюк.Людвиг ван Бетховен также считается либо композитором-романтиком, либо композитором, который участвовал в переходе к романтике.

Франц Шуберт — тоже нечто вроде переходной фигуры, как и Иоганн Непомук Хуммель, Мауро Джулиани, Фридрих Кухлау, Фернандо Сор, Луиджи Керубини, Ян Ладислав Дуссек и Карл Мария фон Вебер. Период иногда называют эпохой венской классики или лассицизма , поскольку Вольфганг Амадей Моцарт, Йозеф Гайдн, Антонио Сальери и Людвиг ван Бетховен когда-то работали в Вене, и там родился Франц Шуберт.

Основные характеристики

Классическая музыка имеет более легкую и четкую текстуру, чем музыка барокко, и менее сложна. В основном это омофоничность — мелодия выше аккордового аккомпанемента (но контрапункт никоим образом не забывается, особенно в более поздний период). Здесь также используется галант стиля классического периода, который противопоставляется строгим ограничениям стиля барокко, подчеркивая легкую элегантность вместо серьезности и впечатляющего величия барокко.

Разнообразие и контраст внутри произведения стали более выраженными, чем раньше. Разнообразие тональности, мелодий, ритмов и динамики (с использованием crescendo, diminuendo и sforzando ), а также частые смены настроения и тембра были более обычными в классический период, чем в барокко. Мелодии, как правило, были короче, чем в музыке барокко, с четкими фразами и четко обозначенными каденциями. Оркестр увеличился в размерах и диапазоне; континуо клавесина вышло из употребления, и деревянные духовые стали самостоятельной секцией.В качестве сольного инструмента клавесин был заменен фортепиано (или фортепиано). Ранняя фортепианная музыка была легкой по текстуре, часто с аккомпанементом баса Альберти, но позже она стала богаче, звучнее и мощнее.

Большое внимание уделялось инструментальной музыке — основными видами были соната, трио, струнный квартет, симфония, концерт, серенада и дивертисмент. Форма сонаты развивалась и стала самой важной формой. Он использовался для создания первой части большинства крупномасштабных произведений, а также других движений и отдельных пьес (например, увертюр).

Классический период музыки

Классический период музыки, возможно, получил свое название как популярный дескриптор для всей западной сложной инструментальной композиции, но его фактическая временная шкала относительно коротка. Все остальные обозначенные музыкальные эпохи получают по крайней мере целое столетие. Однако классической эрой часто называют вторую половину восемнадцатого века. В своем самом продолжительном периоде классическая эра длилась всего семьдесят-восемьдесят лет и закончилась не позднее 1820 года. Несмотря на короткую продолжительность классической эры, ее влияние на инструментальную музыку было огромным.

Период получил название «классический» из-за философского и культурного возврата к классическим ценностям античности, которые сильно повлияли на музыкальную композицию. Эпоха барокко положила конец первому возвращению Европы к философским и художественным ценностям классического Рима и Греции. Классическая эпоха, в свою очередь, была явным отходом от стиля барокко. В этой статье вы узнаете об основных характеристиках музыки классической эпохи, о том, чем она отличается от того, что было раньше, и о том, как ее название стало использоваться в качестве более широкого термина для западной инструментальной музыки.

Краткое описание музыки ClassicaL Era

Большинство поклонников современной музыки, скорее всего, сочли бы странным узнать, что музыка классической эпохи возникла в результате поиска более простого, чистого, гуманистического музыкального выражения с универсальными качествами и привлекательностью.

В рамках своего стремления к универсальности композиторы классического периода использовали сочетание качеств, каждое из которых преобладает в различных европейских традициях. Композиторы со всей Европы опирались на формальность и точность немцев, лирическое искусство Италии и техническое мастерство, ценимое во Франции, для создания своих произведений.В конечном итоге они разработали узнаваемые формы, которые могла бы идентифицировать и оценить любая аудитория в любом месте.

Действительно, написание и исполнение музыки, которая понравилась бы наибольшему количеству людей, было основной целью композиторов классической эпохи. Они стремились создавать произведения с чистым, сбалансированным и элегантным звуком. По этой причине музыка классической эпохи в значительной степени гомофонична с более простыми мелодиями, поддерживаемыми второстепенными гармониями и более значительным использованием аккордов. Композиторы также увеличили использование фраз разной длины, которые четко перемежаются каденциями.Это изменение фразировки и более частое использование каденции позволило композиторам отображать разнообразный диапазон настроения и эмоционального выражения в рамках одного и того же произведения.

Симфония № 14 Ля мажор Гайдна — репрезентативное произведение композиции ранней классической эпохи.

Классический период также ознаменовался формализацией многих музыкальных форм, таких как симфония и концерт, которые до сих пор составляют основу небольшой классической музыки «до». С этой стандартизацией форм и более простыми мелодиями композиторы того времени включали больше примечаний относительно того, как должны были исполняться их произведения.Хотя эра виртуозов еще не наступила, отдельные композиторы начали переход от слуги к церкви или двору к прославленному художнику в классическую эпоху.

Истоки и контекст классического периода

Музыка классической эпохи возникла не на пустом месте. Музыка развивалась в рамках более широкой культуры того времени, названной Эпохой Просвещения , которая разделяла некоторые характеристики с Ренессансом, наиболее очевидно ее возвращение в древний мир Греции и Рима для культурного вдохновения .Обоим периодам предшествовали времена, когда Церковь играла доминирующую роль в обществе, а люди подчинялись ее воле.

Напротив, древность придерживалась более гуманистического видения . Он предоставил пространство для индивидуальности в контексте универсального идеала, который объединял всех в общем человечестве. Эти универсальные идеалы были выражены через объективные истины, к которым мог получить доступ любой посредством разума, логики и диалектики. Труды Ньютона оказали большое влияние, поскольку они определили структуру и основу для формального, рационального исследования, которое можно было бы использовать для продвижения научных открытий.Информация, собранная посредством эмпирического исследования, может быть организована посредством категоризации и иерархии, улучшая общее понимание мира. В области политической философии такие писатели, как Локк и Монтескье, говорили о неизменных индивидуальных правах, которые не были предоставлены внешней властью, такой как церковь или монархия, но существовали по своей природе .

На художественном уровне ценности организации и логики проявлялись в более упорядоченной эстетике баланса и элегантности. Изобразительное искусство того времени часто называют «неоклассическим» из-за того, что они использовали древность как пробный камень творчества.

Пример неоклассической архитектуры на Глиптотеке, Кенигсплац, Мюнхен, Германия. Фото Диего Делсо, любезно предоставлено Wikicommons.

Скульптура той эпохи, сфокусированная на неоклассическом видении идеализированной, героической человеческой формы. Гудон был известен своими неоклассическими бюстами таких великих людей, как Джордж Вашингтон и Вольтер.Итальянский скульптор Канова создавал полнофигурные работы, часто основанные на древней мифологии, такие как , , , Три грации, и его кулачные бойцы. Эти визуальные художники, а также композиторы классической эпохи считали, что сама красота может быть достигнута путем выполнения логических, объективных правил, таких как пропорция и баланс.

Три грации Кановы. Фото Яира Хаклая, любезно предоставлено Wikicommons.

Философское возрождение разума и личности, наряду с растущим, более грамотным средним классом, начало подрывать власть и контроль традиционных властей.Усовершенствования в печати распространяют знания среди общественности вне контроля церкви или монархий. Люди могли начать политическую критику местных властей и сделать свой собственный выбор досуга.

В музыкальном контексте это означало, что Церковь больше не была главным покровителем музыкантов и композиторов, равно как и дворянские дворы. Аристократические дома были важными музыкальными покровителями в классическую эпоху, но средний класс с растущим богатством хотел, чтобы музыка была в их домах и жизни.Начали расти и публичные музыкальные фестивали и выступления. Средний класс был заинтересован в том, чтобы стать музыкантами-любителями и ведущими, а не только членами аудитории. Эти социальные сдвиги были еще одной силой, которая подтолкнула к постоянному потоку более простой и доступной музыки.

Для профессиональных композиторов и музыкантов упор на науку и организацию был применен к музыке путем кодификации композиционных правил, что привело к созданию многих форм классической музыки, которые используются до сих пор.

Клейма классической музыки

Классические ценности рационализма, универсальности, космополитизма и элегантности были художественным вдохновением для музыки классической эпохи. Эти классические идеалы проявились в музыке с использованием:

• Гомофонические мелодии для создания чистых, простых, текстурных звуков, аудитория может подключиться к
• гармоний, составленных на основе формализованных правил гармонической функции, которые поддерживают мелодию и работают с ней для обогащения текстуры сбалансированным, контролируемым образом
• более медленная, более контролируемая динамика, такая как использование crescendo, diminuendo, и sforzando , чтобы обеспечить сдержанное эмоциональное выражение и более изящные переходы
• Линейное повествование с четкими, сбалансированными фразами, перемежающимися ритмом
• шаблонное, тематическое развитие, часто через диалектику между контрастирующими темами или прогрессиями через вариации тем
• Большое разнообразие внутри пьесы за счет изменения тональности, динамики и мелодий

Отличный пример устройства Classical Era, которое воплощает эстетические и философские ценности дня: использование предшествующей / последующей мелодии, которая представляет собой четкую линейную мелодию, подчеркнутую гармоничным балансом и четким разрешением, отмечающим конец партии.Вот пример из первой части Симфонии Моцарта до мажор, K. 551

Как музыка классической эпохи отделилась от музыки барокко

Некоторые важные художественные сдвиги происходят в результате эволюции того, что было раньше, в то время как другие возникают в результате отказа от прецедентного стиля. Многое из того, что определяло музыку классической эпохи, можно рассматривать как отказ от эстетических ценностей и отличительных черт периода барокко.

Галант, или музыка «чувственного стиля» как ступенька между барокко и классикой

Одно время барочная и классическая музыка сосуществовали. Музыкальные вкусы прошли через различные переходные фазы, прежде чем период барокко окончательно закончился. В эпоху позднего барокко доминировал новый художественный стиль под названием « рококо ». Рококо отошел от искусства барокко как более легкий и игривый стиль. Искусство и архитектура барокко украшены великолепными орнаментами.

В музыке стиль рококо назывался стилем Галанта или чувственным стилем. Элегантнее и сдержаннее, чем музыка в стиле барокко, но и менее серьезно. Композиторам нравился модный стиль за его более гармоничный вид. Тем не менее, растущее ощущение того, что орнамент в стиле Галанта был поверхностным и чисто декоративным, не соответствовал философским, упорядоченным предпочтениям эпохи Просвещения. Отсюда окончательный более сильный разрыв с художественными ценностями и формами барокко.

Четкие различия между классической и барочной музыкой

Вы можете увидеть черты классической эпохи, характеризующиеся ее естественным, более простым стилем, который, как считается, отражает объективный стандарт хорошего вкуса, в явном рельефе по сравнению с музыкой в ​​стиле барокко:

• Музыка барокко была более изысканной, в основном полифонической с более сложной текстурой, что придавало ей совершенно неестественное звучание, в то время как в музыке классической эпохи использовались более простые текстуры, чтобы обеспечить более естественную, мелодичную атмосферу.

• В то время как музыка классической эпохи имеет линейную основу, перемежающуюся четкими, отдельными фразами, каждая из которых может иметь свой эмоциональный центр, композиция в стиле барокко с чередующимися мелодическими и ритмическими паттернами, сосредоточенными на одном настроении.

• Композиторы классической эпохи отказались от bassocontino , фиксированного, непрерывного аккомпанемента, который был ритмической и гармонической основой композиции в стиле барокко. Композиторы написали специфические аккомпанементы басовых линий и гармоний к каждому произведению, которое существовало в уравновешивании мелодии.

• Композиторы классического периода предоставили увеличенные обозначения, поскольку большая часть художественных расцветов заимствована из темпа и динамики, и поскольку все части были написаны для объединения в связные фразы на протяжении всего произведения.

• Богато текстурированная музыка в стиле барокко с преобладанием тона клавесина контрастирует с более естественным звучанием инструментов, предпочитаемых публикой классической эпохи, таких как струнные и деревянные духовые инструменты.

От школы Манхейма к венскому классическому стилю

Школа Манхейм , основанная при немецком королевском дворе, выросла в период пересечения барокко и классического стиля, а также его переходных стилей.Композиторы Манхейма, работавшие в середине восемнадцатого века, были первыми приверженцами и новаторами норм классической музыки, которые будут более полно развиты и систематизированы позже, в классическую эпоху. Композитор манхеймской школы Карл Стамиц — отличный пример того времени; в его работах присутствуют элементы стиля Галанта, а также использование сонатной формы.

Концерт № 1 для альта Стамица ре мажор

К концу восемнадцатого века наступил расцвет классической эры с венским классическим стилем, который иногда называют Первой венской школой.Вена была художественным и культурным эпицентром Европы. Здесь собрались все великие и хорошие композиторы, в том числе Моцарт, Гайдн и Бетховен.

Именно в среднюю и позднюю фазы классической эры были утверждены кодифицированные музыкальные формы, такие как симфоническая и сонатная форма. Это также было вершиной музыкальных ценностей классической эпохи, о чем свидетельствует струнный квартет Фа мажор Бетховена, соч. 59, № 1 (1806).

Развитие музыкальных форм

Наличие благородных, провинциальных покровителей, а не местной церкви или королевского двора с почти неограниченными ресурсами, часто оставляло классических композиторов с меньшим количеством музыкантов разного уровня мастерства.Этот относительный дефицит прекрасно соответствовал ценностям эпохи Просвещения в отношении более простой и универсальной музыки, которой могли наслаждаться и даже исполнять поклонники музыки из среднего класса. Результатом стал рост камерной музыки в классическую эпоху. Примеры включают:

• Формы камерной музыки, широко используемые на концертах и ​​фестивалях под открытым небом, такие как divertimenti , серенады и ноктюрны

Моцарт Eine kleine Nachtmusik KV 525

• Струнный квартет, выросший из трио-сонаты в стиле барокко, но в классической эволюции, дал каждому из четырех инструментов чистый голос.

Струнный квартет Гайдна, соч. 33, № 3 ( Птица )

Гайдн также стандартизировал формат симфонии на четыре части (хотя Моцарт обычно придерживался трех):

• первая часть: часто в форме сонаты, в аллегро
• Вторая часть: медленнее и лиричнее, возможно, в форме сонаты
• третья часть: менуэт и трио или скерцо и трио; еще одно живое движение, вызывающее танец, с трио зажатым менуэтом или скерцо
• Четвертая часть: энергичный финал, обычно в форме сонаты или рондо

Стандартизация сонатной формы была необходимой частью формализации четырехчастной симфонии.В эту эпоху форма сонаты была систематизирована в ее экспозиции — развитии — повторении дизайна тематического исследования.

Две другие музыкальные формы, появившиеся в классическую эпоху, пришедшие на смену барокко Concerto Grosso , форма небольших групп инструментов, выступающих против более крупного оркестра:

• Сольный концерт, который подчеркивал мастерство отдельного солиста и привлекал внимание публики. Сольный концерт существовал в эпоху барокко, но был написан для более широкого диапазона инструментов из-за его популярности в классический период.

• Концертная симфония (или концертная симфония), в которой используются несколько групп солистов, которые контрастируют друг с другом и с оркестром.

Концертная симфония соль мажор Жозефа Булоня, Шевалье де Сен-Жорж

Еще одним популярным музыкальным форматом, появившимся в классическую эпоху, была комическая опера. Не то чтобы серьезная опера в то время не была распространена. Это были и часто рисовались истории из греческой мифологии, например, Глюк Orfeo ed Euridice .

Комическая опера, или opera buffa , рассказывала истории обычных людей в сумасшедших обстоятельствах или в эпических поисках любви — мало чем отличается от телевизионных ситкомов, но с большим количеством музыки. Например, есть книга Моцарта Cosi Fan Tutte , где два солдата заключают пари, смогут ли их подруги остаться верными.

Эволюция оркестров и инструментов в классический период

Одним из главных отклонений от эпохи барокко было исчезновение клавесина из классической композиции.К середине восемнадцатого века на смену ему пришло фортепиано, но оно не было центральным инструментом в творчестве, как клавесин. Однако появление фортепиано в том виде, в каком мы его знаем сегодня, появилось в конце восемнадцатого века, и классические композиторы полюбили его, написав множество концертов и сонат.

Струны приобрели большее значение из-за их особой способности лучше всего отражать человеческий голос. Этот человеческий, естественный элемент был привлекателен для классической публики. Моцарт формализовал сонату для скрипки с фортепианным сопровождением во время классической эры, которая обычно содержала две части.Соната Моцарта № 21 ми минор для скрипки

Деревянные духовые инструменты также сыграли заметную роль и впервые стали отдельной частью оркестра. Как и струнные, деревянные духовые инструменты ценились за их способность воспроизводить естественные, элегантные тона. Количество и тип деревянных духовых и роговых инструментов, которые стали стандартом в оркестре, росли.

Весь оркестр рос и стандартизировался в классический период. Его основной формат из четырех инструментальных разделов был установлен композиторами манхеймской школы.Позже, в классический период, стандартный размер оркестра вырос за счет добавления нескольких существующих инструментов, особенно в секции деревянных духовых и рожковых. Включение новых инструментов, таких как тромбон и валторна, также способствовало росту оркестра.

Изучение композиторов классической эпохи и их произведений

Вы уже почувствовали вкус трех главных фигур классической эпохи: Гайдна, Моцарта и Бетховена. Какими бы важными они ни были для понимания музыки классической эпохи, с того времени были и другие талантливые композиторы и произведения, достойные упоминания.Ознакомьтесь с нашим списком 10 классических композиторов, которые вам нужно знать , чтобы глубже познакомиться с более широким спектром классических композиторов.

Если музыкальных сэмплов здесь недостаточно (а их нет), мы также собрали 20 из лучших композиций классического периода всех времен .

Как вам классическая симметрия и простота!

Классическая эра закладывает основу для более личного знакомства с романтической эрой

Прелесть стандартизации форм в том, что они служат плодотворной отправной точкой для дальнейших инноваций.Даже на более поздних стадиях самого классического периода классические композиторы уже играли с самими формами, которые они организовали.

Например, более крупный оркестр стал средством интенсивного, грандиозного самовыражения. Таким образом, с некоторой помощью Бетховена, это стало катализатором начала романтической эры. Послушайте его Симфонию № 3 ми-бемоль мажор ( Eroica ).

В самом деле, моральная философия эпохи разума, основанная на индивидуализме и освобождении людей от могущественных внешних властей, обеспечила собственную основу для более свободной, менее переобученной эмоциональной выразительности эпохи романтизма.

Музыка классической эпохи: руководство для начинающих

10 мая 2021, 17:20 | Обновлено: 10 мая 2021, 17:54

Музыка классической эпохи — струнный квартет 18 века. Рисунок: Getty

По мере того, как в середине 1700-х годов господствовал классический период, а эпоха барокко подходила к концу, возникло несколько определяющих характеристик.

Там, где музыка периода барокко была упорядоченной, эффективной и сложной, новое звучание классической эпохи, как правило, было сосредоточено на небольшом упрощении вещей, но также и на их увеличении.Смущенный? Пусть наш гид покажет вам, какие произведения стоит послушать.

Каким был «звук» классического периода?

На чисто музыкальном уровне в классический период было просто больше, чем можно было подпевать. Мелодии и старые добрые мелодии пришли на смену сложной полифонии (все игралось одновременно), и такие композиторы, как Гайдн и Моцарт, процветали, потому что они так хорошо их сочиняли.

Только подумайте, сколько мелодий Моцарта вы знаете, не осознавая этого — все зависит от мелодии.А как насчет Eine Kleine Nachtmusik ?

Подробнее: 10 лучших композиторов классической эпохи

Классическая мелодия классического периода. Послушайте, как мелодия идеально сочетается с нижними струнами — она ​​в высшей степени гудящая. Когда дело доходит до этого, это то, что определило звучание периода. Это был первый раз, когда мелодия действительно стала самой важной вещью, которую нужно было делать правильно.

Какие инструменты использовались в классический период?

Инструменты классического периода постоянно менялись и развивались, поскольку различные яркие искры появлялись с удобными инновациями и революционными идеями, но есть два основных события, на которые мы можем указать — во-первых, фортепиано.

Подробнее: У стандартного пианино 88 клавиш. Но почему?

Раньше резкий звук клавесина был повсеместным в период барокко, но постепенно его заменило фортепиано из-за его способности играть гораздо мягче и тоньше, чем клавесин.

Вторым крупным достижением в области звука в классический период было расширение оркестра. В период барокко можно было ожидать создания скромных струнных оркестров с редким аккомпанементом деревянных духовых инструментов и клавесина.Но по мере того, как деревянные духовые инструменты, такие как кларнет, флейта, валторны и гобой, становились все лучше и универсальнее, им удалось объединить свою собственную секцию в стандартный оркестр.

Подробнее: Почему оркестры устроены именно так?

И теперь, когда сочиняется огромное количество симфоний, оркестр стал напоминать оркестры, которые мы видим сегодня в концертных залах. Среди других достижений — появление струнного квартета (здесь Гайдн был настоящим пионером), но настоящее мясо исходило от оркестра.Послушайте:

Какие стили изделий возникли в классический период?

Звук и инструменты — ничто без настоящих музыкальных произведений. К счастью, в классический период количество различных типов произведений значительно расширилось, так что вы начинаете получать больше симфоний, концертов, сольных инструментальных произведений и даже опер.

Гайдн, Моцарт, Бетховен, Россини, Паганини и многие другие написали потрясающие произведения, которые были симптомами того времени, но именно Бетховен действительно расширил классическую модель и заложил основу для последующего периода — романтического.

Его симфонии особенно выросли до гигантских размеров (девятой нужен полный оркестр и огромный хор) и часто были глубоко эмоциональными или политическими.

Подробнее: 10 лучших композиторов-романтиков в истории классической музыки

Были сочинены всевозможные мелкие произведения, так что обратите внимание на обширные фортепианные сонаты Моцарта и Бетховена и несколько остроумных струнных квартетов Гайдна. Королем оперы должен быть либо Моцарт, либо Россини (посмотрите его увертюры, чтобы получить хорошую отправную точку).

Подробнее: Оперные увертюры Россини — путеводитель

По сути, классический период — это звук тонкого порядка, который постепенно сменяется эмоциями и потаканиями. Шло время, и музыкальные эксперименты приносили успех, звучание становилось все более и более романтичным, что идеально перешло в последовавший романтический период.

История классической музыки — эпохи

История классической музыки Это первый период, когда мы можем начать быть достаточно уверенными в том, как на самом деле звучала большая часть сохранившейся музыки.Самая ранняя письменная светская музыка относится к трубадурам 12-го века (в форме виреле, эстампи, баллад и т. Д.), Но большинство нотных рукописей исходят из учебных заведений, обычно связанных с церковью, и поэтому неизбежно имеют религиозную основу. Григорианское пение и простая песня, которые являются монодическими (то есть написанными как одна музыкальная линия) постепенно превратились в течение 11-13 веков в органум (то есть две или три строки, движущиеся одновременно, но независимо, поэтому почти непреднамеренно представляющие начало гармонии).Однако первоначально Organum был подавлен жесткими правилами, регулирующими мелодию и ритм, что в конечном итоге привело к так называемому периоду Арс Нова 14 века, в основном представленным композиторами де Витри, Мачао и Ландини. Рекомендуемая запись: См. Каталожный список средневекового периода Пятнадцатый век стал свидетелем значительного увеличения свободы, особенно в плане того, что на самом деле воспринимается как «гармония» и «полифония» (одновременное движение двух или трех взаимосвязанных частей).Композиторы (хотя они почти не воспринимались как таковые) по-прежнему были почти полностью посвящены хоровому письму, а несколько сохранившихся инструментальных композиций часто создают впечатление (во многих случаях совершенно точно) замаскированных вокальных произведений, но без слов. Существует очевидное новое наслаждение в текстурном разнообразии и контрасте, так что, например, конкретный фрагмент текста может быть усилен за счет мгновенного пропадания вокальной части только для того, чтобы снова вернуться в особый момент акцента.Четырьмя наиболее влиятельными композиторами пятнадцатого века были Данстейбл, Окегем, Депре и Дюфай. Во второй половине 16 века зародилась традиция, которую многие любители музыки легко связывают с обычным ощущением «классической» музыки. Постепенно композиторы отошли от модальной системы гармонии, которая преобладала более 300 лет (и до сих пор звучит несколько архаично для некоторых современных ушей), к организации своей работы в мажорной и минорной гаммах, тем самым придавая сильное ощущение каждой пьесе. имеющий определенный тональный центр или «ключ». Это был также своего рода золотой период для хоровой композиции, поскольку казалось, что бесконечный поток месс a capella (без аккомпанемента), песнопений, гимнов, псалмов и мадригалов лился из-под пера мастеров эпохи. Кроме того, впервые появилась инструментальная музыка, особенно клавишная в форме фантазий, вариаций и танцевальных движений (гальярды, паваны и т. Д.). Среди композиторов, заслуживающих особого внимания, — Доуланд, Таллис, Берд, Гиббонс, Фрескобальди, Палестрина, Виктория, Лассус, Алонсо Лобо, Дуарте Лобо, Кардосо и Джезуальдо. Рекомендованных записей: Берд: Месса для четырех голосов; Месса для пяти голосов; Инфеликс эго Naxos 8.550574 Джезуальдо: Духовная музыка для пяти голосов (Complete) Naxos 8.550742 Lamentations Музыка Таллиса, Уайта, Палестрины, Лассуса и де Брито Наксос 8,550572 Lassus: Missa super entre vous; Инфеликс эго; Missa imitationem moduli susanne un tour Naxos 8.550842 Lobo: Missa pro defunctis / Cardoso: Missa pro defunctis Naxos 8.550682 Палестрина: Missa Papae Marcelli; Missa aeterna Christi munera Naxos 8.550573 Палестрина: Missa hodie Christus natus est; Hodie Christus natus est; Stabat mater / Lassus: Missa bell ‘amfitrit’ altera Naxos 8.550836 Таллис: Месса для четырех голосов; Мотеты Naxos 8.550576 Виктория: Missa O magnum mystery; Missa O quam gloriosum / А.Lobo: Versa est in luctum Naxos 8.550575 См. Каталожный список эпохи Возрождения В период барокко были заложены основы для следующих 300 лет музыкального самовыражения: родилась идея современного оркестра, наряду с оперой (включая увертюру, прелюдию, арию, речитатив и хор), концертом, соната и современная кантата. Семейство струнных виолончельных инструментов эпохи Возрождения постепенно заменялось более смелыми скрипкой, альтом и виолончелью, был изобретен клавесин и были достигнуты важные успехи во всех инструментальных группах. Примерно до 1700 года старые лады все еще проявлялись время от времени, окрашивая определенные мелодические линии или последовательности аккордов, но с начала 18 века современная гармоническая система, основанная на мажорной и минорной гаммах, была фактически панъевропейской. Хоровая музыка больше не доминировала, и по мере того, как композиторы все больше и больше обращались к написанию идиоматических инструментальных произведений для ансамблей, становившихся все более яркими и разнообразными, « классическая » музыка (в отличие от « популярной ») постепенно начала проникать в саму ткань музыкального искусства. общество, играемая на открытом воздухе на званых обедах или специальных мероприятиях (например,грамм. Музыка на воде Генделя), или как спектакль в форме оперы. На чисто домашнем уровне у каждой богатой женщины был спинет для игры, а во время обеда в больших и богатых домах нанимали музыкантов, чтобы играть то, что в Германии в народе называлось Tafelmusik , из которых Телеманн был, пожалуй, самым известным композитором. . Из многих композиторов 17-го века, которые проложили путь к этому популярному взрыву «классической» музыки, выдающимися были следующие: Монтеверди, Корелли, Алессандро Скарлатти, Шютц, Букстехуде, Перселл и Люлли.Тем не менее, самые популярные композиторы того периода, действительно те, кто, кажется, сами своими именами определяют звучание музыки барокко в ее наиболее красочном и сложном виде, это Иоганн Себастьян Бах, Гендель, Телеманн, Рамо, Франсуа Куперен, Доменико Скарлатти и Вивальди, все они на пике своего творчества в первой половине 18 века. См. Каталожный список периода барокко Эпоха барокко засвидетельствовала создание ряда музыкальных жанров, которые сохранят свою композицию на долгие годы, однако именно в классический период появилась форма, которая доминировала в инструментальной композиции до наших дней: форма сонаты. .Вместе с этим современные концерт, симфония, соната, трио и квартет достигли нового пика структурной и выразительной утонченности. Если музыка барокко отличается своей текстурной сложностью, то классический период характеризуется почти одержимостью структурной ясностью. Семена классической эпохи были посеяны рядом композиторов, чьи имена сейчас в значительной степени забыты, такими как Шоберт и Оннауэр (оба немцы в значительной степени активны в Париже), а также более исторически уважаемые имена, в том числе Глюк, Боккерини и по крайней мере трое из сыновей Иоганна Себастьяна Баха: Карл Филлип Эммануэль, Вильгельм Фридман и Иоганн Кристиан (так называемый «лондонский» Бах).Они были представителями периода, который по-разному описывается как рококо или галанте, первый подразумевает постепенный отход от искусности высокого барокко, второй — совершенно новый стиль, основанный на симметрии и чувственности, который стал доминировать в музыке вторая половина 18 века через двух выдающихся композиторов: Йозефа Гайдна и Вольфганга Амадея Моцарта. См. Каталог каталога классического периода По мере того, как классический период достиг своего зенита, становилось все более очевидным (особенно с поздними работами Бетховена и Шуберта), что количество и интенсивность экспрессии, которую стремились достичь композиторы, начинали выходить за рамки того, что оркестр классического размера / спроектировал / фортепиано могло бы охватить.Таким образом, следующий период в истории музыки обнаружил, что композиторы пытались сбалансировать выразительное и формальное в музыке с помощью разнообразных подходов, которые оставили бы композиторов любой предыдущей эпохи совершенно сбитыми с толку. Когда открылась музыкальная карта и начали появляться националистические школы, именно здесь начался поиск оригинальности и индивидуальности выражения, который стал такой навязчивой идеей в нынешнем столетии. Эпоха романтизма была золотым веком виртуозов, когда самая дьявольски сложная музыка исполнялась с беспечной легкостью, а самая безобидная тема в композиции разрабатывалась очень долго для удовольствия обожающей публики.Эмоциональный диапазон музыки в этот период значительно расширился, так же как и ее гармонический словарь, а также диапазон и количество инструментов, которые можно было использовать для игры на ней. К музыке часто добавлялась «программа» или сюжетная линия, иногда трагического или отчаянного характера, иногда изображающая такие природные явления, как реки или скачущие лошади. В следующие сто лет композиторы либо полностью примут идеалы романтизма, либо каким-то образом выступят против них. Из ранних композиторов-романтиков следует особо упомянуть двух националистов: русского Глинку (прославившегося Русланом и Людмилой) и богемного Сметаны (композитора популярной симфонической поэмы «Влтава» или «Молдау»). Однако из шести ведущих композиторов века несомненно были Берлиоз, Шопен, Мендельсон, Шуман, Лист и Верди. См. Каталог романтического периода За достойным исключением Брамса и Брукнера, композиторы этого периода разделяли общую тенденцию давать свободу своему естественному вдохновению, часто задавая своим композициям больше эмоционального содержания и драматической преемственности, чем органического структурного роста.Это была эпоха, отмеченная необычайно быстрым появлением национальных школ и оперным превосходством Верди и Вагнера. Окончательный конец романтизма пришелся на фрагментацию этого основного стиля, композиторы присоединились к «школам» композиции, каждая со стилем, который был в моде в течение короткого периода времени. Рекомендуемые записи: См. Каталог романтического периода Период после Великой войны, несомненно, является наиболее озадачивающим из всех, поскольку композиторы действовали в различных явно противоречивых и противоположных направлениях.Типичной дилеммой в межвоенные годы, например, были австрийцы, Веберн и Легар, первый экспериментировал с сильно сжатой и продвинутой формой, известной как « серийная структура », в то время как Легар все еще предавался стилю оперетты. что не могло бы показаться неуместным более полувека назад. Стили, принятые на протяжении большей части нынешнего столетия, настолько разнообразны, что только путем экспериментов слушатели могут сами выяснить, подходят ли определенные композиторы их конкретным вкусам или нет.Тем не менее, следующие записи служат отличным введением и, безусловно, окупят расследование: Рекомендованных записей: Antill: Corroboree; Outback Overture Naxos 8.570241 Бриттен: Путеводитель по оркестру для молодых людей; Прокофьев: Петя и Волк; Сен-Санс: Карнавал животных Наксос 8.550499 Copland: Родео; Билли Кид; Аппалачская весна; Фанфары для простого человека Naxos 8.550282 Гершвин: Концерт для фортепиано с оркестром; Синяя рапсодия; Американец в Париже Наксос 8.550295 Орф: Кармина Бурана Наксос 8.550196 Прокофьев: Ромео и Джульетта (Лучшие моменты) Naxos 8.550380 Шостакович: Симфонии № 5 и 9 Наксос 8.550427 Стравинский: Jeu des cartes; Весна священная (версия 1947 года) Naxos 8.550472 См. Каталог 20-го века и современный список

Что такое классическая музыка?

Концерт флейты с Фридрихом Великим в Сан-Суси

Предоставлено Фондом Викимедиа

Что такое классическая музыка? Вы узнаете это, когда слышите это — или думаете, что слышите, — но чем точнее вы пытаетесь ответить на вопрос, тем труднее получить ответ.

Одна из первых вещей, которую вы узнаете, когда знакомитесь с классической музыкой, это то, что термин «классическая» наиболее точно описывает музыку, написанную примерно с 1750 по 1820 год. Это включает в себя работы Гайдна и Моцарта, но только большую часть Бетховена. В него нет ни Баха, ни Вагнера. Он определенно не включает Дебюсси или Копленда, хотя вы услышите много всех этих артистов на Classical MPR и других станциях классической музыки.

Термин «классическая музыка» впервые появился в начале 19 века и приобрел популярность среди любителей музыки, которые считали период от Баха (формально композитора эпохи барокко) до Бетховена яркой эпохой в истории музыки.Поздний 19 век в конечном итоге стал известен как эпоха романтизма, но когда дело дошло до того, чтобы рассказать широкой публике, что играют их местные оркестры, Берлиоз и Брамс были включены в широкую рубрику «классической музыки». В конце концов, композиторы 20-го века от Стравинского до Штокхаузена тоже оказались под зонтиком.

Музыковеды могут не спать всю ночь, обсуждая форму и траекторию классической музыки, обсуждая такие вопросы, как важность партитуры, роль импровизации и природа музыкальной формы.От того, где вы ответите на эти вопросы, зависит, кто именно, по вашему мнению, относится к широко определенному жанру «классической музыки». Трубадуры эпохи Возрождения? Фрэнк Заппа? Герцог Эллингтон? Да нет Может быть?

Ежедневное наслаждение классической музыкой не требует от вас напряжения мозга такими тонкими различиями, но это определенно помогает понять, что классическая музыка — это живая традиция, которая определяется и переопределяется каждый день. Хотя Бах, Моцарт, Бетховен и их современники всегда будут занимать почетное место в мире классической музыки, долгая история того, что мы сейчас считаем классической музыкой, началась не с них и, конечно же, не закончилась ими.

Традиция классической музыки продолжается в том, что композиторы пишут партитуры для оркестров, для камерных ансамблей, для сольных исполнителей — а также в неожиданных местах. Даже если вы никогда не слушаете «классическую музыку», вы постоянно слышите музыку, на которую повлияли классические традиции, от точно сочиненных партитур для видеоигр до песен Beatles, написанных под влиянием авангардных композиторов, до хэви-металлических гитаристов, ворующих аккорды (возможно, даже не подозревая об этом) от Рихарда Вагнера.

Я только что присоединился к Classical MPR в качестве цифрового продюсера; вы увидите мои подписи здесь, и скоро вы увидите подписи авторов, которых я буду нанимать для участия в нашем освещении. Раньше я работал редактором по искусству в Twin Cities Daily Planet; Здесь, в MPR, я также буду работать со студентами-музыкальными журналистами, которые будут писать для нашего блога Local Current.

Моя цель — расширить охват обширного мира классической музыки таким образом, чтобы он вас удивил — в хорошем смысле этого слова.Каждый день мы хотим дать вам что-то новое, о чем можно подумать, поговорить и поделиться. Я буду искать свежие голоса писателей и новые перспективы от классических музыкантов, композиторов и слушателей. Если вы писатель и хотели бы внести свой вклад, сообщите нам об этом!

Многие из вас всю жизнь увлекаются классической музыкой, а некоторые — новыми слушателями или случайными фанатами. Моя цель — сделать наш сайт местом для всех вас и общения с хозяевами и другими членами сообщества классической музыки.Мы обязательно будем держать вас в курсе новостей классической музыки и будем делиться мнениями, которые, мы надеемся, вы найдете стимулирующими и провокационными. Как бы хорошо вы ни разбирались в классической музыке, мы хотим помочь вам узнать ее лучше — и услышать ее по-новому.

Что вы хотите видеть на нашем сайте? Пожалуйста, дайте нам знать, оставив комментарий ниже!

Галерея

Полноэкранный слайдПредыдущий слайд

1 из 1

Флейтовый концерт с Фридрихом Великим в Сан-Суси

Предоставлено Фондом Викимедиа

Следующий слайд

Что такое классическая музыка? | Молодежные концерты | Телевизионные сценарии | Лекции / Сценарии / Сочинения

Молодежный концерт

Что такое классическая музыка?

Написано Леонардом Бернстайном
Дата трансляции оригинальной телевизионной сети CBS: 24 января 1959 г.

[ORCH: Гендель — Музыка на воде]

Сегодня перед домом стоит вопрос: «Что такое классическая музыка?» Теперь всем известно, что это произведение Генделя, которое мы только что сыграли, относится, например, к классической музыке.Верно? Верно. Так в чем проблема — почему мы задаем этот вопрос? Что ж, есть веская причина, как мы узнаем сегодня. Понимаете, все думают, что он знает, что такое классическая музыка: любая музыка, кроме джаза, например, аранжировка Стэна Кентона или популярная песня, например «Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка», или народная музыка, например африканский танец войны, или «Мерцай, Мерцай, маленькая звездочка». Но классическая музыка означает совсем не это. Люди используют это слово для описания музыки, которая не является джазом, популярными песнями или народной музыкой, просто потому, что нет другого слова, которое, кажется, описало бы ее лучше.Все остальные слова также неверны, например, «хорошая» музыка. Вы все слышали, как люди говорят: «Я просто люблю хорошую музыку», имея в виду, что они любят Генделя, а не Спайка Джонса. Ну, вы знаете, что они означают, но в конце концов, разве не бывает хорошего джаза или хорошей популярной песни? Вы не можете использовать слово хорошо, чтобы описать разницу. Есть хороший Гендель и хороший Спайк Джонс; и нам просто придется забыть это слово.

Затем люди используют слово «серьезная» музыка, когда имеют в виду Генделя или Бетховена, но опять же, есть какой-то очень серьезный джаз, и небеса — что может быть серьезнее африканского танца войны, когда чайник кипит.Это слово тоже не годится. Некоторые люди используют слово «высокий лоб», что означает, что только очень умные, хорошо образованные люди могут это копать, но мы знаем, что это неправильно, потому что все мы знаем много людей, которые не совсем Эйнштейны, которые будут копать Бетховена больше всего. . А как же «художественная» музыка? Есть слово, которым многие люди пытаются описать разницу между, скажем, Бетховеном и Дэйвом Брубеком. Это тоже нехорошо, потому что, как и многие другие люди, думают, что джаз — это тоже искусство, что на самом деле так и есть.И если мы попробуем использовать слово «симфоническая музыка» — ну, это исключает всю музыку, написанную для фортепиано соло, скрипки соло и струнного квартета; и, конечно же, все, что должно быть классическим. Возможно, лучшее слово, придуманное до сих пор, — это «длинные волосы». Потому что это было придумано самими джазовыми музыкантами, чтобы закрепить все виды музыки, которые им не принадлежат. Но мы все видели достаточно джазовых музыкантов с длинными волосами на голове, так что я думаю, даже это слово не годится.

Что ж, поскольку все эти слова неверны, давайте попробуем найти правильное, сначала выяснив, в чем реальная разница между разными видами музыки.Настоящая разница в том, что когда композитор пишет отрывок из того, что обычно называют классической музыкой, он записывает точные ноты, которые он хочет, точные инструменты или голоса, на которых он хочет сыграть или спеть эти ноты — даже точное количество инструментов или голоса; и он также записывает столько направлений, сколько может придумать, чтобы как можно тщательнее рассказать исполнителям или певцам все, что им нужно знать о том, насколько быстро или медленно он должен идти, насколько громким или тихим он должен быть, и миллионы другие вещи, которые помогут исполнителям точно исполнить те ноты, которые он придумал.Конечно, ни одно исполнение не может быть идеально точным, потому что в мире не хватает слов, чтобы рассказать исполнителям все, что им нужно знать о том, чего хотел композитор. Но именно это и делает работу исполнителя такой захватывающей — попытаться выяснить из того, что композитор записал, как можно точнее, что он имел в виду. Конечно, все исполнители — всего лишь люди, и поэтому они всегда понимают это немного иначе, чем другие.

Например, один дирижер может решить, что начало Пятой симфонии Бетховена, которое, я уверен, вы все знаете, знаете, как оно звучит? Спой мне.Верно. У тебя нет нужного ключа, но в любом случае так оно и есть.

[ИГРАТЬ: Бетховен — Пятая симфония]

Что ж, допустим, один дирижер решает, что эти четыре ноты

[ИГРАТЬ: Бетховен — Пятая симфония]

должен получить большой дополнительный импульс на этой последней ноте, такой длинной, как эта.

[ORCH: Бетховен — Пятая симфония]

А потом другой дирижер, который так же упорно, как и первый, пытается понять, чего на самом деле хотел Бетховен, может почувствовать, что это первая нота из этих четырех, на которой должен быть сильный акцент.Нравится:

[ORCH: Бетховен — Пятая симфония]

Затем еще один дирижер — возможно, не такой верный Бетховену, как первые две — может решить, что четыре ноты должны быть сыграны важнее — медленнее и величественнее, вот так:

[ORCH: Бетховен — Пятая симфония]

Мы все слышали эту версию. Но, несмотря на эти различия, которые проистекают из разных личностей этих трех дирижеров, все они по-прежнему играют одни и те же ноты, в одном ритме, с одними и теми же инструментами и с одной и той же целью, которая состоит в том, чтобы сделать Бетховена идеальным. печатные заметки оживают так, как они думают, что он этого хотел.Это означает, что то, что люди называют классической музыкой, нельзя изменить, кроме как личностью исполнителя. Эта музыка постоянна, неизменна, точна. Вот хорошее слово — точный — может быть, именно так нам следует называть этот вид музыки вместо классической, мы могли бы назвать это точной музыкой. Потому что есть только один способ играть, и об этом нам сказал сам композитор.

Но, с другой стороны, если мы возьмем популярную песню, например, «Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка», нет конца тому, как ее можно играть или петь.Его может петь хор, Луи Армстронг, Мария Каллас или никто. Его можно просто без слов сыграть джаз-оркестр, симфонический оркестр или казу, медленный или быстрый, горячий или сентиментальный, громкий или тихий. Это не имеет значения. Его можно проиграть один раз или повторить пятнадцать раз в любой тональности, даже с измененными аккордами внизу. Даже саму мелодию можно изменить, импровизировать и обмануть. Например, мелодия на распечатанном листе выглядит так:

[PLAY: McHugh & Fields — Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка]

Довольно скучно, правда? Но когда его поет Луи Армстронг, это начинает звучать примерно так:

[ПОЕСТЬ: McHugh & Fields — Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка]

или если крутой прогрессивный кот играет на пианино в Birdland, это может звучать примерно так:

[PLAY: McHugh & Fields — Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка] Почти до неузнаваемости.Или, если бы он был спет, скажем, клубом Fred Waring Glee Club, у него было бы совсем другое звучание. Это выглядит примерно так:

[PLAY: McHugh & Fields — Я не могу дать тебе ничего, кроме любви, детка]

Что-то подобное. Но главное во всем этом то, что ни один из этих способов не является неправильным. Каждый способ кажется правильным для тех конкретных исполнителей, которые делают это в данный момент, и подходящим для конкретного случая, когда они это делают, будь то танец; или в телешоу; или в Birdland.Итак, теперь, наконец, у нас есть более подходящее слово для классической музыки — точная музыка, — и хотя для нее может быть даже более подходящее слово (которое я не могу придумать в данный момент), по крайней мере, «точная» — это не неправильное слово. ; а классический — неправильное слово. На самом деле, я уверен, что вы все, вероятно, сможете придумать много других слов, которые лучше, чем «точный», чтобы описать музыку, которую обычно называют классической, и я бы хотел, чтобы вы написали мне любые из них. вы думаете об этом действительно хорошо. Кто знает? Может быть, одно из ваших слов действительно приживется и станет частью нашего языка, так что нам больше никогда не придется использовать это неправильное слово «классический».

Ну, а почему слово «классический» — неправильное слово? Потому что, понимаете, существует такая вещь, как классическая музыка, но она означает нечто совсем иное, чем то, о чем мы говорили. Это не означает музыку для длинных волос — это означает только один определенный вид музыки для длинных волос. Возьмем, к примеру, известную музыкальную фразу:

[ORCH: Римский-Корсаков — Шехерезада]

Вы знаете, что это такое? Что ж, давай послушаем. Справа -Шехерезада. OK. Следующий вопрос: это классическая музыка? Это не.Классическая музыка относится к очень определенному периоду в истории музыки, который называется классическим периодом. Музыка, которая была написана в то время, называется классической музыкой, а Шехерезада в то время просто не писалась. Но такая музыка была.

[ORCH: Моцарт — Концерт для фортепиано с оркестром No. 21]

Я уверен, что вы можете отличить «Шехерезаду» от той части Моцарта, которую мы только что сыграли. Моцарт — это классическая музыка. Теперь посмотрим, сможем ли мы получить представление о том, когда наступил этот классический период.Он длился около ста лет — примерно с 1700 по 1800 год, что, как известно, называется 18 веком. Но что мы знаем об этом 18 веке? Ну, возьмем, к примеру, первую половину — первые 50 лет. Мы все в школе узнали, какой была Америка в те годы: она все еще была заселена; первопроходцы осваивали новые дикие территории; повсюду были новые границы; мы боролись с индейцами направо и налево. Другими словами, мы переживали тяжелые времена, жили тяжелой жизнью и строили новую страну с нуля.

В то же время в Европе все было по-другому. Там мы находим красивую старую цивилизацию, которая строилась сотни лет; и поэтому к тому времени, когда начался XVIII век, Европа уже не просто исследовала и скрепляла бревна, она уже пыталась довести до совершенства то, что она уже построила. Таким образом, те же первые 50 лет в Европе были временем правил и постановлений, и чтобы эти правила и постановления были настолько точными, насколько это возможно. В этом и состоит классицизм — доведение правил до совершенства.Здесь делают классическую архитектуру, классическую драму и классическую музыку. Вот что на самом деле означает классическая музыка: музыка, написанная в то время, когда идеальная форма, баланс и пропорции — это то, что все ищут, музыка, которая больше всего на свете старается иметь идеальную форму — например, красивую древнегреческую вазу.

Двумя гигантскими музыкальными именами первых 50 лет 18 века были Бах и Гендель. Особенно Баха; потому что он взял все правила, с которыми композиторы, жившие до него, экспериментировали и возились — и он сделал эти правила настолько совершенными, насколько это может сделать человек.Например, возьмите ту форму, которая называется фуга. Теперь правила фуги похожи на напечатанные инструкции, которые вы получаете, когда покупаете набор Erector; они говорят вам, как именно построить дом, пожарную машину или колесо обозрения. Вы запускаете колесо обозрения, прикрепляя одну металлическую секцию к другой на полу; затем добавляете одну ровно на четыре ступени выше; затем еще на пять ступеней выше этого; и так далее.

Вы делаете колесо, которое облетает всю конструкцию. Это именно то, что делает Бах в фуге; возьмем, к примеру, этот из его Четвертого Бранденбургского концерта.Он закладывает фундамент своего колеса обозрения, начиная с альта — это первая часть.

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No. 4]

Затем он добавляет вторую часть — скрипкой, ровно на четыре ступени выше, что означает, в музыкальном плане, на четыре ноты выше и на четыре такта позже:

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No. 4]

Теперь к третьей пьесе прикреплена другая скрипка, на пять ступеней выше.

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No.4]

Затем четвертая пьеса — виолончель и бас, далеко внизу.

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No. 4]

и, наконец, пятая часть ставится на место флейтой наверху:

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No. 4]

Теперь фундамент построен, и Бах может начать окружать его своим круговым колесом. В этом фундаменте замечательно то, что это не просто пять отдельных частей, по одной за раз; они все соединены вместе; это означает, что всякий раз, когда добавляется новый инструмент, другие продолжают играть на чем-то еще; так что к тому времени, когда будет прикреплена пятая деталь — с помощью флейты — у вас будет сразу пять различных деталей — точно так же, как пять различных деталей набора Erector соединяются вместе одновременно.А теперь послушайте все вместе.

[ИНСТРУКЦИЯ: Бах — Бранденбургский концерт No. 4]

Разве это не чудесно? Понимаете, это классическое совершенство.

Теперь Бах умер в 1750 году, что для нас очень удобно, потому что он просто аккуратно делит век на две половины. Следующие 50 лет действительно были совсем другими. Все изменилось; новые большие гиганты были теперь названы Гайдном и Моцартом, и их музыка полностью отличается от музыки Баха. Но это все еще была классическая музыка, потому что Гайдн и Моцарт все еще искали то же, что искал Бах, — совершенство формы и формы.Но уже не через фуги. Теперь все должно было быть иначе.

Теперь, как происходит такое изменение? Неужели композиторы просто идут на конвенцию, как республиканцы в Чикаго, и решают путем голосования изменить стиль музыки? Ну, совсем нет; это происходит само по себе; потому что по мере того, как меняются времена и меняется история, люди меняются вместе с ней; и композиторы тоже люди; поэтому само собой разумеется, что их музыка тоже изменится.

Люди времен Гайдна и Моцарта считали Баха старомодным и скучным со всеми этими фугами и прочим.И они хотели чего-то нового — не такого сложного — с красивыми мелодиями и легким сопровождением, элегантной, утонченной и приятной музыкой. И это было в ногу со временем; это было время элегантности и утонченности, хороших манер, надлежащего этикета; это было время кружевных манжет, шелковых костюмов, напудренных париков и украшенных драгоценными камнями вееров для простых людей и придворных джентльменов. Так вышла для них прекрасная, элегантная музыка, в которой главным была мелодия. Мелодия должна быть хорошей. А теперь послушайте эту чудесную мелодию из фортепианного концерта Моцарта.Обратите внимание, что здесь нет Erector; только великолепная мелодия с небольшим аккомпанементом под ней. Просто, но ох как красиво.

[ORCH: Моцарт — Концерт для фортепиано с оркестром до мажор]

Никто не мог писать такие мелодии, как Моцарт. Но эта мелодия, как бы прекрасна она ни была, также полна правил и предписаний, как и фуга Баха; только они представляют собой целую кучу других правил и положений, правил, которые делают легкую и приятную музыку, которая была желанной в те вторые 50 лет века.Еще одна особенность этого нового, легкого и приятного вида музыки заключалась в том, что это было весело. Те люди в кружевных манжетах и ​​напудренных париках хотели, чтобы их развлекали. Они хотели развлечений и удовольствия от музыки — конечно же, красивых мелодий — но в то же время веселого, остроумного и приподнятого настроения. Моцарт тоже был мастером этого дела. Вот, например, увертюра к опере Моцарта «Женитьба Фигаро». Очень строгая пьеса, которая следует еще одному набору правил и положений о так называемой сонатной форме, в которую мы не будем вдаваться, но она так же отличается от фуги Баха, как молоко от апельсинового сока.Главное в нем не то, как он сложен, как тот старый набор Erector, а то, что он веселый, остроумный, захватывающий и веселый. Просто послушайте это.

[ОРКЕЙ: Моцарт — Увертюра к свадьбе Фигаро]

Разве это не весело? Это как поездка на американских горках, полная смеха и хорошего юмора. От этого у вас перехватывает дыхание. Это заставляет вас хорошо провести время. Это заставляет вас улыбаться.

Но когда дело доходит до юмора в музыке — настоящих шуток, — Гайдна никто никогда не бьет. Гайдн был великим мастером развлечений.Вот что вам следует знать о музыкальных шутках: вы никогда не сможете шутить ни о чем, кроме музыки. Это не значит, что музыка не может быть смешной: это означает только то, что она не может быть смешной в том, что «два марсианина приземлились на Земле и сказали, отведи нас к своему лидеру …» или «на заборе сидели трое шотландцев. и один сказал другому … «Ми-бемоль и фа-диез ничего не могут сказать вам о марсианах и шотландцах, но они все равно могут рассмешить вас — и то, как они это делают, — это удивлять вас.Сюрприз — один из основных способов рассмешить кого-либо, в любом случае, как вы знаете, например, подкрасться к кому-то сзади и крикнуть «Бу!» или разыграть кого-то первоапрельскую шутку, поздороваться с кем-то, когда они собираются попрощаться.

В музыке композиторы могут делать эти сюрпризы множеством разных способов — делая музыку громкой, когда вы ожидаете, что она будет мягкой, или наоборот; или внезапной остановкой на середине фразы; или намеренно написав неправильную ноту, ноту, которую вы не ожидаете, которая не принадлежит музыке.Давайте попробуем один, просто ради развлечения. Вы все знаете эти глупые заметки под названием:

[SING: Бритье и стрижка, две части]

Все в порядке. Ты знаешь что? Просто для удовольствия вы поете «Shave and a Haircut», и оркестр ответит вам «2 бита», и вы увидите, что из этого получится.

[АУДИТОРИЯ И ОРХИ: Бритье и стрижка]

Вы смеялись. Но большинство людей не смеются вслух над музыкальными шутками. Это одна из особенностей музыкального юмора: вы смеетесь внутри.Иначе невозможно было бы послушать симфонию Гайдна: это так смешно, что смех заглушает музыку. Вы никогда этого не услышите. Но это не значит, что симфония Гайдна не смешная, это все равно.

Например, вы все слышали снова и снова Симфонию-сюрприз Гайдна, где он внезапно бьет громкий аккорд в середине небольшого мягкого произведения. Что ж, мы собираемся войти в музыкальную историю, не играя сегодня Surprise Symphony, потому что вы все это так хорошо знаете, слыша ее год за годом, что мы собираемся сыграть что-нибудь еще.Мы возьмем последнюю часть Симфонии си-бемоль — № 102 — представьте, что пишете 102 симфонии! — на самом деле он написал 104! — во всяком случае, это последнее движение нет. 102 полон сюрпризов и веселья. А теперь позвольте мне показать вам, как Гайдн развлекается в этой пьесе. Он начинается с этой мелодии, быстрой и веселой, которая носится повсюду, как маленький забавный щенок таксы:

[ИГРАТЬ: Гайдн — Симфония № 102]

Вы слышали это последнее эхо в деревянных духовых? Это как если бы кто-то смеялся над тем, что вы только что сказали: например, если вы говорите очень серьезно

[ПОЕТ: Гайдн — Симфония №102]

и кто-то издевается над вами, и идет

[ПОЕТ: Гайдн — Симфония № 102]

Вы можете не любить его за то, что он это делает, но это все равно весело: это как дразнить, а это весело. Это именно то, что делает Гайдн: серьезные старые струны только что сказали:

[ОРКЕЙ: Гайдн — Симфония № 102]

и маленькие деревянные духовые инструменты насмехаются, подражая им и насмехаясь над ними

[ОРХИ: Гайдн — Симфония № 102]

Затем, позже, после того, как он прочувствовал некоторые другие мелодии и шутки, он должен вернуться к той первой мелодии, которую мы только что услышали.И то, как он влезает в нее, снова удивляет; он просто крадется обратно к нему, когда вы меньше всего этого ожидаете — как если бы вы думали, что ваш младший брат уехал в путешествие, и внезапно он появляется, прячется под кухонным столом. Это шок — это рассмешит вас. Именно этим занимается Гайдн. Послушайте, как он это делает. И помните, что первая мелодия, к которой мы возвращаемся, это

[ПОЕТ: Гайдн — Симфония № 102]

А теперь послушайте, как он пробирается к нему.

[ОРХИ: Гайдн — Симфония №102]

Посмотрите, как хитро он вернулся к этому; вроде пока ты не смотрел — бум, он там. Позже ему приходится снова подкрадываться к той же мелодии, но по-другому — теперь это как если бы ваш младший брат внезапно оказался в ванне.

[ОРХИ: Гайдн — Симфония № 102]

В этом движении он делает много других музыкальных шуток. Как этот — где он притворяется, что снова начинает мелодию, а затем удивляет вас, не делая этого вообще.Вы знаете, что притворяться — это всегда весело; это как уловка — у меня в руке копейка. Уш — его больше нет. Что с ним случилось? Вот что делает Гайдн.

[ОРХИ: Гайдн — Симфония № 102]

А как насчет последней шкалы: это действительно похоже на крик «Бу!»

[ПОЕТ: Гайдн — Симфония № 102]

Затем он продолжает делать все больше ложных начинаний и пугать вас более внезапными шумами и внезапными мягкими звуками, подобными этому.

[ОРХИ: Гайдн — Симфония №102]

Теперь я хочу сыграть для вас всю эту часть — она ​​не очень длинная; но забавные вещи в любом случае не должны длиться долго. Разве вы не всегда замечали, что чем короче шутка, тем больше над ней смеетесь. Все мы знаем людей, которые плохо рассказывают анекдоты, и обычно это происходит потому, что они не доходят до кульминации достаточно быстро. Что ж, Гайдн знает; он лучший рассказчик анекдотов за всю историю музыки.

[ОРХИ: Гайдн — Симфония № 102]

Боюсь, вы начинаете думать, что вся классическая музыка должна быть смешной, и я надеюсь, что нет, потому что это неправда.Это может быть очень серьезно. Все, что я говорю, это то, что остроумие, юмор, веселье и веселье — одна часть этой музыки Гайдна и Моцарта; но в нем также есть элегантность, изящество, сила и многое другое. Но больше всего в нем классическая красота; он устанавливает свои правила и нормы баланса и формы так же строго, как это делал Бах в своих фугах; он искал совершенства. Вот почему это классика. Теперь вы можете сказать: если это было самым важным — идеальная форма, правила и т. Д. — тогда где же здесь эмоции? Люди всегда думают, что чувства и эмоции — это главное в музыке; это должно заставить вас почувствовать что-то — не только смех — но, возможно, печаль, боль, победу или духовную радость.Но секрет в том, что Моцарт и Гайдн действительно заставляют вас чувствовать все эти вещи — даже используя эти строгие правила и будучи настолько заинтересованы в пропорциях, формах и всем остальном. Потому что правда в том, что любой великий композитор, сочиняющий музыку любого периода, классического или неклассического, вызовет у вас глубокие эмоции, потому что он великий — потому что ему есть что сказать, потому что ему есть что сказать вам в своей музыке. И из-за этого музыка великого композитора будет длиться и длиться всегда, может быть, вечно, потому что люди продолжают испытывать эмоции всякий раз, когда они ее слышат.И это непреходящее качество, пожалуй, самое важное значение слова «классический». Классика — это то, что вечно, как та греческая ваза, о которой мы говорили, или Робинзон Крузо, или пьесы Шекспира, или симфония Моцарта. Потому что музыка Моцарта заставляет людей, которые ее слышат, что-то почувствовать, почувствовать это классическое совершенство с добавлением чего-то еще, называемого красотой. Например, когда мы раньше слушали его великолепную мелодию, мы были тронуты, тронуты и тронуты. Мы что-то чувствуем.Давайте еще раз послушаем ту же длинную замечательную строку нот; и посмотрите, не испытываете ли вы глубокого чувства — почти грустного, но не совсем; и все же не совсем счастлив, очень особенные чувства.

[ORCH: Моцарт — Концерт для фортепиано с оркестром до мажор]

Я думаю, может быть, это моя самая любимая мелодия в мире, но я всегда чувствую это каждый раз, когда слышу мелодию Моцарта, какой бы она ни была.

Классический период, о котором мы говорили, подошел к концу в начале 19 века великим композитором по имени Бетховен.Большинство людей считают Бетховена величайшим композитором всех времен. Почему это должно быть? Потому что Бетховен взял все эти классические правила Моцарта и Гайдна и просто поехал с ними в город: его музыка стала масштабнее во всех смыслах. Там, где Гайдн пошутил, чтобы его рассказали в гостиной, Бетховен шутил, потрясая мир, которые нужно рассказывать посреди бушующей бури. Там, где Гайдн преподносил забавные сюрпризы, Бетховен преподносит удивительные сюрпризы, от которых вы задыхаетесь, а не улыбаетесь.Там, где Моцарт был геем, Бетховен без ума от радости. Это как смотреть на классическую музыку через увеличительное стекло — все намного больше. Главное, что Бетховен добавил к классической музыке, — это гораздо больше личных эмоций; его эмоции сильнее, и их легче увидеть.

Теперь, когда мы называем романтизмом; и это название, которое мы даем музыке, большей части, которая была написана через сто лет после Бетховена. Это значит быть очень свободным в своих эмоциях, не быть таким сдержанным, правильным и застенчивым, но сразу же говорить о своих самых глубоких чувствах, даже не думая, стоит вам это или нет.Посмотрим, смогу ли я привести вам пример. Если меня представят леди по имени мисс Смит, давайте сделаем ее девушкой по имени мисс Смит, и я скажу: «Как поживаете, мисс Смит? Я очень рад познакомиться с вами» — тогда я классический; правильный, элегантный, изысканный — я подчиняюсь правилам. Но если я говорю: «Как поживаете, какие у вас шикарные глаза, я люблю вас» — тогда я романтик. Я сразу выражаю свои чувства, не стесняясь; Я полон огня и страсти, и мне все равно, кто это знает. Теперь посмотрим, чувствуете ли вы что-то из этого, например, в музыке Шопена, который был настоящим романтиком.

[ИГРАТЬ: Шопен — Фантазия фа минор]

Разве это не романтично? Или послушайте отрывок великого композитора-романтика Шумана.

[ОРКЕЙ: Шуман — Симфония № 2]

Понимаете, что я имею в виду? Это настоящая жгучая, романтическая, бесстыдная эмоция, настоящая страсть прямо здесь, чтобы все могли увидеть. Согласитесь, это сильно отличается от Моцарта и Гайдна.

Опять же, композиторы-романтики не просто собрались на съезд в Чикаго и решили стать романтиками: опять же, это отражение изменений, происходящих в истории, в том, как люди живут, думают, чувствуют и действуют.А началось все, как ни странно, с величайшего классика Бетховена. Понимаете, он был двумя вещами одновременно: он был последним человеком классического периода и первым человеком романтического периода, все одновременно. Думаю, можно сказать, что он был классиком, который зашел слишком далеко; он был настолько полон чувств и эмоций, что не мог сдерживать себя всеми этими правилами и постановлениями 18 века; и поэтому он просто разорвал свои цепи и начал совершенно новую музыку.И это был конец классической музыки.

Итак, что мы узнали сегодня. Прежде всего, эта классическая музыка — это не просто музыка для длинных волос, а определенные особые виды музыки для длинных волос, которые были написаны в восемнадцатом веке такими людьми, как Бах и Гендель, затем Моцарт и Гайдн, и, наконец, великий Бетховен.