Барокко и классицизм в архитектуре

Архитектура как искусство тесно связана с обществом и культурой. Если в отношении живописи и скульптуры иногда вполне применимо выражение «стиль – это человек», то в отношении к архитектуре гораздо правильнее было бы сказать, что «стиль – это эпоха» (Виппер Б. Р., Статьи об искусстве, Москва, 1970, стр. 156).

Европейская культура XVII-XVII веков пополнила многообразие архитектурных направлений двумя новыми яркими стилями, посредством которых происходило самовыражение основополагающих идей того времени. Этими великими направлениями были барокко и классицизм. Оба архитектурных направления развивались на базе ренессанса, однако, оба стиля получили совершенно разную образную и идейную основы. Как барокко, так и классицизм, оказали сильнейшее влияние на различные области культуры – литературу, живопись, архитектуру, музыку, театр.

В данной работе мы рассмотрим основные черты и особенности европейской архитектуры XVII-XVII веков, отразившей оба этих стиля.

Барокко и классицизм в архитектуре

Стили барокко и классицизм стали непосредственным развитием идей XVII века, начала Нового времени. Нельзя не отметить их тесную взаимосвязь, хотя и характерных, присущих лишь конкретному направлению особенностей, также достаточно много.

Барокко зародился в Италии и был распространен в европейском искусстве до середины XVIII века. Классицизм так же был характерен для искусства Европы и особенно ярко проявился во второй половине XVIII века. Стиль барокко был призван продемонстрировать роскошь и богатство, ему присуща повышенная эмоциональность, динамизм, иррационализм и экспрессия, в то время как для классицизма характерно воплощение лучших образцов античности, благородная простота, рационализм, он следует принципам порядка, согласованности и единообразия.

Для архитектуры стиля барокко характерны следующие черты:

— парадность и напыщенность,

— вычурность и сложность форм,

— пространственные иллюзии, искажающих пропорции здания,

— игра света и тени.

Среди характерных особенностей архитектуры классицизма можно выделить:

— ощущение величия, масштабность,

— строгость форм,

— равновесие частей, гармоничность пропорций,

— функциональность, упорядоченность.

В следующих разделах рассмотрим особенности архитектуры барокко и классицизма в европейских странах XVII-XVIII вв.

Барокко в странах Европы XVII-XVIII вв.

Особенности стиля барокко

Барокко (термин ведёт своё происхождение от итальянского barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам») — господствующий стиль в европейском искусстве конца XVI — середины XVIII веков. Для архитектуры барокко характерны пространственный размах, слитность, текучесть сложных, как правило криволинейных форм, составленных из причудливых, асимметричных рисунков. «Барочное искусство апеллирует прежде всего к чувствам, используя при этом многообразие иллюзий и весь набор средств, которыми художник способен очаровать, убедить своего зрителя и, в конечном итоге, вызвать у него глубокий внутренний отклик» (Барокко. Архитектура. Скульптура. Живопись. Под редакцией Рольфа Томана. Издательство: Konemann, 2004. стр. 7). Часто встречаются развернутые масштабные колоннады, массивные парадные лестницы, волюты (архитектурный мотив в форме спиралевидного завитка с кружком), изобилие скульптуры на фасадах и в интерьерах, рустованные колонны и пилястры, большое число выступов плоскости фасадов, лучковые фасады с раскреповкой в середине, лепнина, роспись и резной орнамент. Купола приобретают сложные формы, часто они многоярусны, как, например, у собора Св. Петра в Риме.

В палитре стиля барокко пастельные и приглушенные тона используются наряду с контрастными цветами — красным, белым, розовым, голубым с желтым оттенком.

Типичные детали барокко — теламон (атлант), кариатида (статуя одетой женщины), маскарон (декоративный рельеф в виде маски, изображающей человеческое лицо или голову животного).

Развитие стиля барокко в Италии

Одним из первых памятников архитектуры барокко в Италии, послужившим предвестником расцвета стиля, стала церковь Иль-Джезу (Приложение 1, рис. 1), спроектированная архитекторами Д. Виньола и Д. делла Порта, построенная в 1568 — 1584 годах. «В качестве образца для церкви Иль-Джезу Виньола берет церковь Сант’Андреа в Мантуе, построенную Альберти в XV в.: сочетание единственного сводчатого нефа с куполом на стыке трансепта. Благодаря высоким окнам и купольной башенке хорошо виден алтарь, что соответствовало решениям Тридентского собора, уделившего особое внимание участию верующих в отправлении службы» (Ф. Дасса. Барокко. Архитектура между 1600 и 1750 годами, стр. 14).

Интерьер церкви наполнен торжественностью: здание украшают мощные колонны и пилястры, фрески, среди которых особо выделяется роспись плафона, выполненная Джованни Баттиста Гаули. Под куполом церкви изображены фигуры, которые, благодаря оптической иллюзии, кажутся объемными и полновесными, несмотря на то, что написаны на одной плоскости.

В итальянской архитектуре также особо выделяются творения Карло Мадерны. Вероятно, самое заметное из них — фасад римской церкви Санта-Сусанна, построенной в 1603 году — это первый пример распространившихся в XVII веке фасадов с двумя или несколькими, надстроенными друг над другом, ордерами. Также особое внимание следует уделить работам Лоренцо Бернини — ему принадлежит оформление площади собора Св. Петра в Риме. В самом сердце площади установлен египетский обелиск, а обрамляется она полукруглыми колоннадами тосканского ордена.

Стоит отметить, что значительный вклад в формирование итальянского барокко также внесли архитекторы Г.Гварини, Ф. Борромини, Р.Райнальди.

Барокко в других европейских странах

Стиль барокко получает распространение в Испании, Бельгии (тогда Фландрии), Германии, Нидерландах, Франции. Во Франции стиль барокко выражен скромнее, чем в других странах. К французскому барокко причисляют Версальский дворец (Приложение 1, рис. 2), вместе с регулярным парком, Люксембургский дворец (Приложение 1, рис. 3), здание Французской Академии в Париже и др. Позже, в начале XVIIIв. французы выработали свой стиль, разновидность барокко — рококо. Он проявился не во внешнем оформлении фасадов зданий, а только в интерьерах, а также в оформлении книг, в одежде, мебели, живописи. Стиль был распространен повсюду в Европе.

В Германии выдающимся памятником барокко является Новый дворец в Сан-Суси (авторы — Х. Л. Мантер и И. Г. Бюринг) и Летний дворец (Г. В. фон Кнобельсдорф) (Приложение 1, рис. 4).

Самые крупные и знаменитые ансамбли барокко в мире: Версаль (Франция), Петергоф (Россия), Аранхуэс (Испания), Цвингер (Германия), Шёнбрунн (Австрия).

Классицизм в европейской архитектуре XVII-XVIII вв.

Особенности эпохи классицизма

Классицизм возник лишь чуть позднее барокко, и само его возникновение было вызвано попыткой оспорить идеи и принципы, проповедуемые барокко. Он отражал запросы буржуазии и присущую ему философию рационализма. «Свободному росту, зарастанию, случайности и неупорядоченности требовалось оставить — по возможности, и в области воспитания тоже — как можно меньше возможностей для существования» (Классицизм и романтизм. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок. Под редакцией Рольфа Томана. Издательство: Konemann, 2001, стр. 7). Проповедники классицизма полагали барокко «неправильным», неясным и запутанным с точки зрения четко сформулированных и взвешенных норм античной классики.

Архитектурный стиль классицизма был создан на закате эпохи Возрождения мастером из Венеции Палладио и его последователем Скамоцци. Основной чертой архитектуры времён классицизма являлось обращение к античному зодчеству как к квинтэссенции строгости, простоты, гармонии, логической ясности и монументальности. Архитектура классицизма в целом характеризуется регулярностью планировки и четкостью объемной формы. Основой архитектуры классицизма стал ордер, в пропорциях и формах своих близкий к временам античности. Для эпохи классицизма характерны симметрично-осевые композиции, сдержанность в декоративном убранстве, регулярная система планировки городов.

Классицизм в Англии

В английском классическом зодчестве XVII — начале XVIII века первоначально преобладало палладианство, в середине XVIII века возникает новое направление в классицизме, вобравшее в себя рациональные элементы. В архитектуре стремятся подчеркнуть конструктивный смысл гармонии. Идеальным обрамлением для здания нового типа комфортабельного жилого дома становится пейзажная среда «английского» парка. Близость к классицизму проявилась уже в барочном кафедральном соборе Св. Павла в Лондоне (1675—1710) (Приложение 2, рис. 1), проект которого вместе с планом перестройки части Лондона является работой выдающегося английского архитектора К. Рена. Наиболее строгим по своим теоретическим воззрениям зодчим-классицистом Англии первой половины XVIII века был Уильям Кент, требовавший от архитектурного произведения простоты внешнего и внутреннего облика и отвергавший всякую усложненность формы.

Классицизм в чистом виде в английской архитектуре представляет здание Королевского художественного общества Роберта Адама и Национальный банк в Лондоне (1788) Д. Соуна.

При решении некоторых сооружений использовались античные приемы в таких значительных зданиях, как Национальная галерея (1838 г. по проекту У. Уилкинса) или Британский музей в Лондоне (1825—1847) и театр Ковент Гарден (1823), относящийся к позднему классицизму (оба здания по проекту Р. Смерка).

Архитектура классицизма во Франции

Классицизм был ведущим стилем прежде всего во Франции, где господствовал во всем художественном творчестве, хотя и возник позже, чем в Англии.

Начало французского классицизма связано со строительствам храма Св. Женевьевы в Париже (позже он получил название Пантеона).

К античности больше всего приблизилась церковь Мадлен, строившаяся, начиная с 1764 г., по проекту П. Контана де Иври и завершенная архитектором П. Виньоном в период с 1806 по 1842 гг. (Приложение 2, рис. 2).

Классицизм внес изменения в планировочную и пространственную систему города, прорезал нерегулярную средневековую структуру улиц величественным комплексом прямых проспектов и площадей, а на пересечениях их осей разместил архитектурные монументы. “В планировании городов уважение перед заранее заданным и предначертанным Богом уступает сильному натиску решительной воли личности” (Классицизм и романтизм. Архитектура. Живопись. Скульптура. Рисунок. стр. 6).

Классицизм в архитектуре Германии

Зодчество Германии второй половины XVIII века развивалось в направлении классицизма, хотя в некоторых сооружениях этого времени все еще ощущаются влияние барокко. В области архитектурной теории Германия наряду с Францией занимала в XVIII веке руководящее положение среди европейских стран.

Произведения раннего немецкого классицизма — Бранденбургские ворота в Берлине (1789, автор К. Г. Лангханс), Национальный театр в Берлине, созданный Фридрихом Гилли (1797) (Приложение 2, рис. 3).

Поздний классицизм может быть представлен работами архитектора Л. Кленца, который в Мюнхене создал площадь, ограниченную Глиптотекой (музей античной скульптуры), Пинакотекой (картинная галерея) и Пропилеями (1816—1862).

Классицизм в итальянской архитектуре

Становление классицизма в Италии происходило не столько под воздействием непосредственно античных памятников, сколько под влиянием позднего Возрождения и основных его представителей, особенно Андреа Палладио.

Среди наиболее известных сооружений классицизма в Италии:

— оперный театр «Ла Скала» в Милане (Приложение 2, рис. 4) ,

— перестроенный театр Сан Карло и собор Сан Франческо де Паоло в Неаполе,

— небольшая церковь Санта Мариа дель Приорато в Риме, созданная Пиранези, в которой ощущаются далекие отзвуки архитектуры XV века.

Архитектура барокко отличается буйством и динамичностью форм. Для классицизма характерны стройность и равновесие всех деталей. В барокко используются пространственные иллюзии, искажающие пропорции и придающие масштабность. Классицизм основывается на гармоничности пропорций, берущих начало в античной традиции.

Оба стиля развивались в эпоху Нового времени и внесли огромный вклад в историю искусства, пополнив культурное наследие Европы великими архитектурными сооружениями, именами талантливых архитекторов, повлияли на облик европейских городов и дальнейшее развитие архитектуры и градостроительства.

Использованная литература

1) Барокко. Архитектура. Скульптура. Живопись. Под редакцией Рольфа Томана. Издательство: Konemann, 2004.

2) Виппер Б. Р., Статьи об искусстве, Москва, 1970.

3) Дасса Ф., Барокко. Архитектура между 1600 и 1750 годами, Издательство АСТ, 2002.

3) Классицизм и романтизм. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок. Под редакцией Рольфа Томана. Издательство: Konemann, 2001.

рококо, барокко, классицизм, ампир (ФОТО)

Впервые в интерьерах Барокко объединились образ и стиль жизни, радость бытия и источники вдохновения. В них сразу возникали стойкие ассоциации с пышностью и величием, достатком и пространственным размахом. «Barocco» переводится с итальянского как «странный», «причудливый», «тяготеющий к излишествам».

История. Родиной стиля Барокко считается Италия, а ее «отцом» знаменитый скульптор Микеланджело. Стиль появился в конце XVI века, и вначале был предназначен для оформления папских покоев. Но вскоре он стал популярен за пределами Ватикана и Рима. Самые яркие образцы Барокко сегодня можно встретить в архитектуре Испании, Португалии, Чехии, Польши, Литве, стран, бывших португальскими и испанскими колониями, а также в России (например: Зимний дворец). Настоящим расцветом этого стиля стал XVII век. Патетика живописных композиций и скульптурных ансамблей, избыток декора и множество украшений были широко востребованы до середины XVIII века.

Отличительные особенности стиля Барокко:

• Иллюзорность — интерьеры барокко обманчивы, они как бы стремятся убедить зрителя в роскоши, которой на самом деле не существует. Например, золочёный потолочный декор может быть лишь изящно прорисован, создавая иллюзию дорогой лепнины.
• Подчёркнутое богатство, роскошь и изобилие: такие интерьеры выглядят не просто дорого, а очень-очень дорого.
• Отделка стен и потолков. Обилие золотистых оттенков, насыщенных, неярких цветов. В основном применяется гладкая окраска и декоративная штукатурка с небольшим рельефом. Обязательны настенные и потолочные фрески с классическими сюжетами или причудливыми орнаментами и узорами.
• Полы. Для напольных покрытий может использоваться однотонный паркет, без ярко выраженных рисунков. В некоторых зонах может укладываться натуральный камень: мрамор, гранит и максимально достоверная имитация из керамики
• Декор. Витиеватые узоры в лепке, фрески и роспись. Много позолоты, серебра, меди и бронзы. Текстильное убранство окон и дверей должно гармонировать с тканью на кровати, диванах, подушках и т.д.

В оформлении мебели, дверей и окон применяются резные, овальные спирали, пластичные формы и крученые балясины.

Классицизм и барокко | Вперед к неизвестному

Духовным отпрыском Ренессанса в архитектуре стал классицизм — еще более строгий, математически выверенный и симметричный. И еще более масштабный. Глядя на самую знаменитую постройку классицистической архитектуры, собор Святого Павла, построенный Кристофером Реном в Лондоне, невозможно отделаться от ощущения: строгость и структурность классицизма — той же природы, что и логика научной мысли этой эпохи.

Стремясь сделать свой купол выше и легче, Рен создал трехслойную структуру, повторенную потом в куполе церкви Инвалидов в Париже.

Строгость, апеллирующая не к чувствам, как пристало бы искусству, а к разуму, выверенная линейность — это определение подходит для описания сущности классицизма, но не подходит для того, чтобы представить эпоху, внутри которой он существовал. История архитектуры этого времени отказывается развиваться линейно — и вот бок о бок с рассудочным классицизмом появляется чувственное барокко.

Иль-Джезу в Риме

В 1575 году в Риме рождается один из первых памятников барокко. Джакомо де па Порта выполняет в камне драматургию проекта Виньолы — нарастание ордерных структур к центру, контраст света и тени, акцент на входе, мало связанные с центральным боковые фасады. Эта экспрессия, в отличие от покоя классических фасадов, буквально втягивает зрителя в куда более важное внутреннее пространство церкви.

Плавные членения фасадов, настоящие каскады декоративных элементов, царство золота, деревянной резьбы и росписи, неоднозначность форм — барокко было похоже на короткую, но мощную вспышку чувств, как будто вся европейская цивилизация разом влюбилась. Однако вскоре это прошло. На архитектурном горизонте вновь воцарился классицизм с его дальнейшими изводами, объединенными общей строгостью форм. Парижский Пантеон, Казанский и Исаакиевский соборы Санкт-Петербурга, вашингтонский Капитолий и его родной брат из Гаваны — каждое из этих зданий следует принципам классицизма, и в каждом из них мы можем прочитать не только завоевания Ренессанса, но и идеи, положенные в основание древнего римского храма всех богов.

Пантеон в Париже

В 1750 — 1780-х годах Жак-Жермен Суфло приносит оммаж лучшим образцам итальянского классицизма, строя церковь Святой Женевьевы, будущий Пантеон — как нарекла его революция. Здесь находит свое логическое завершение ориентация на античные и зрелые ренессансные образцы — уравновешенный, ясный крестообразный план, римский портик и купол, напоминающий о Темпьетто, созданном Браманте.

Отказаться от этой универсальной и лаконичной формы человечество заставила промышленная революция середины XIX столетия. Разраставшиеся и стремительно индустриализировавшиеся города по обе стороны Атлантики отныне нуждались не в масштабных храмах и цитаделях власти, а в доступном жилье для своего все увеличивавшегося населения, в вокзалах, больницах, зданиях министерств и громадных выставочных павильонах. Купол, впрочем, не был забыт архитекторами — уменьшенный в размерах, он стал венчать элементы построек эпохи модерна, превратившись из центральной формы в изящный декоративный акцент — как, например, на «Доме Зингера» в Петербурге. Советские архитекторы порой возвращали куполу главенствующее значение. К 1941 году Алексей Щусев достраивает свой Оперный театр в Новосибирске, увенчанный уникальным куполом 60-метрового диаметра, который держится без контрфорсов, ферм или колонн. Тяжеловесная на вид, в действительности эта конструкция очень легкая — средняя толщина купола составляет всего 8 сантиметров. Законченный перед войной, театр стал архитектурным прологом к сооружениям, посвященным ее окончанию, — Залу воинской славы в Волгограде, мемориальному комплексу на московской Поклонной горе… Похоже, человечеству предстоит увидеть еще немало величественных сооружений, увенчанных куполом.

 

Русское барокко и русский классицизм

   Колокольня в Троице-Сергиевском монастыре, г. Сергиев Посад. Архитектор Д. В. Ухтомский.

   С именем Петра связано и становление новой России и создание новой русской архитектуры. Зодчие этой великой эпохи в развитии русской культуры создали произведения, в которых рядом с новыми решениями уживаются художественные идеалы допетровской Руси.

   Естественно, что новую столицу должны были украсить здания, которые по своему архитектурному значению и красоте не уступали бы прославленным дворцам и храмам древней Москвы. Поэтому-то в течение первой половины XVIII века лучшие архитекторы работали главным образом в Петербурге и его окрестностях.

                                  Собор Новоиерусалимского монастыря, г. Истра.

   На долю архитектора Растрелли, обрусевшего итальянца, выпала почетная и трудная задача обстройки столицы молодой России. На берегах сумрачной Невы со скудной и бедной природой, неприветливым серым небом и редким солнцем надо было создать город, достойный своего великого назначения. Жизнерадостность и цветистость древнерусских зданий вдохновили и Растрелли. Сочная лепнина, богатые архитектурные формы и детали, яркие краски покрыли стены созданных им дворцов на набережных Невы, прямых, как стрелы, широких проспектах и в загородных резиденциях. Золото крыш, статуй и лепнины, ослепительная белизна колонн, наличников и порталов сияюще выделялись на оранжевом, синем и красном фоне стен и создавали то впечатление непрекращающегося праздника, которое так характерно для творчества Растрелли.

   Дворец Строганова, г. Санкт-Петербург. Архитектор В. Растрелли.

   Внутренняя отделка залов и комнат поражала своей изощренностью и сказочным богатством. Особенно отличались дворцы в Царском Селе (г. Пушкин), Зимний, Смольный и перестроенный Растрелли собор Новоиерусалимского монастыря под Москвой. В 1941 году немцы взорвали этот замечательный памятник. Впоследствии сооружения монастыря были восстановлены..
   Не менее интересны и красивы были произведения другого архитектора этого же времени – Ухтомского.

Он выстроил знаменитую колокольню в Троице-Сергиевском монастыре (г. Сергиев Посад), имеющую пять ярусов при 86 метрах высоты.
   Созданный этими архитекторами стиль получил название «барокко», что было связано с причудливыми формами и деталями убранства большинства зданий этого времени.

   Мавзолей в Николо-Погорелом, Смоленской обл. Архитектор М. Казаков. Разрушен немцами во время Великой Отечественной войны.

   На смену барокко пришел классицизм, то есть стиль, идеалом которого была античная классическая архитектура. Можно было думать, что строгие формы классических зданий будут выглядеть холодными и неприветливыми рядом с яркими и изукрашенными произведениями Растрелли и других зодчих. Но стоило художественному гению русских архитекторов коснуться искусства классики, как оно обрело ту жизненность и одухотворенность, которые сделали его произведения насыщенными глубокой правдивостью и теплотой.

   Целая плеяда русских зодчих и их собратьев по искусству, иностранцев, прославила себя выдающимися произведениями. Баженов выстроил знаменитый Пашков дом (ныне Российская государственная библиотека) и усадьбу Царицыно, Воронихин – Казанский собор, Старов – Таврический дворец, Захаров – Адмиралтейство, Камерон – Павловск, Тома де Томан – Биржу, Росси – Главный штаб, Сенат и Синод и Александрийский театр.

   Арка Главного штаба, г. Санкт-Петербург. Архитектор К. Росси.

   Желтый тон окраски их наружных стен, подчеркнутый белыми деталями победных венков, летящих фигур – «слав» – и колоннами, восполнил тот недостаток солнца и богатства природы, который так ощущается на берегах Невы. Золото шпиля Адмиралтейства Захарова с его корабликом вверху как бы перекликалось с золотом глав древнерусских зданий. Архитектор Росси раскрыл основную идею русского классицизма, занявшего в конце XVIII – начале XIX века ведущее положение в мировой архитектуре. Он писал в одной из записок, сопровождавшей его проект: «Размеры предлагаемого мною проекта превосходят те, которые римляне считали достаточными для своих памятников.

Неужели побоимся мы сравниться с ними в великолепии? Цель не в обилии украшений, а в величии форм, в благородстве пропорций, в нерушимости. Этот памятник должен стать вечным».
   Русскому классицизму были понятны и близки и интимные чувства человека, столь непосредственно раскрывавшиеся в произведениях древнерусского искусства. Это направление нашло свое выражение преимущественно в творчестве московского архитектора Казакова, его учеников и последователей. Как вдохновен Казаков в Петровском дворце, где он, следуя Баженову (царицынская усадьба), стремится возродить красочность древнерусского зодчества! Как разнообразны его дома, выстроенные им в 80–90-х годах XVIII века для московской знати! То поразит нас многоколонный портик дома Гагариных, то удивит своими вытянутыми вперед порталами дом Разумовского с его исключительно красивой центральной нишей, украшенной колоннами. Знаменитый Колонный зал является одним из лучших творений великого русского мастера.

   Собор Петропавловской крепости, г. Санкт-Петербург. Архитектор Д. Трезини.

   Не менее прекрасны подмосковные классические усадьбы с их белоколонными портиками, беседками в парке, так напоминающими античные храмы с их тишиной и уютом. В этих усадьбах, окруженных столетними липами, вязами, кленами, ощущалось неподдельное чувство любви русского человека к природе. Поэт, музыкант и архитектор Николай Львов на страницах одной из своих книг оставил надпись, раскрывающую нам эти чувства русского зодчего конца XVIII века: «Я всегда думал построить храм солнца, в лучшую часть лета солнце освещало бы свой дом, словно покоясь в нем. Такой храм должен быть сквозным; в середине портал, а по бокам стены, к которым с обеих сторон примыкал бы лес».
   Русская классическая архитектура – одна из замечательных страниц не только русского зодчества, но и мирового. Имена ее зодчих бессмертны благодаря созданным ими произведениям.

Барокко, ампир, классицизм, неоклассицизм, модерн, рококо и модерн в архитектуре: чем отличаются стили

При возведении зданий и оформлении интерьера используется множество стилевых направлений – это ампир, классицизм, барокко, модерн, рококо, неоклассицизм, эклектика.

Они имеют как общие чрты, так и отличия, ведь каждое из архитектурных направлений обладает своими уникальными свойствами.

В эпоху Просвещения и Нового времени в странах Европы – период с XVII по XIX век, появились яркие и богатые стилевые направления в искусстве. Барокко, рококо, классицизм, ампир – это немногие из стилей, которые были известны в то время. Такое высокое развитие архитектурного искусства было вызвано тем, что королевские, императорские и аристократические династии сменяли друг друга, и каждая из них желала прославить себя и период своего правления настоящими шедеврами искусства и великолепными творениями архитектуры.

Чем отличается стиль ампир (поздний классицизм) от обычного классицизма

Два популярных направления – ампир и классицизм в архитектуре оставили после себя великий след в истории. По своей сути ампир является одним из этапов исторического развития классицизма, одним из его ответвлений, поэтому говорить об этих стилях, как о совершенно разных направлениях нельзя.

Если спросить архитекторов, чем ампир отличается от классицизма, на этот вопрос ответить будет сложно даже специалистам. Ампир является завершающим этапом развития классицизма, он был популярным в первые три десятилетия XIX века. Ампир, или поздний классицизм – именно так это направление обозначается в искусстве, был призван служить государству периода правления Наполеона с целью прославления его личности и совершенных им подвигов.

Классицизм начал постепенно переходить в эпоху ампира в период наполеоновской империи, эти направления ориентировались на изображение искусства периода античности. Архитекторы этого времени использовали элементы, позволяющие максимально точно передать воинскую доблесть и величественную мощь государства.

Для этого применялись такие приемы в декоре, как ликторские связки, воинские доспехи, лавровые венки, львы, орлы. Такие элементы использовались и в эпоху развития классицизма в архитектуре, однако, существенная разница в том, что ампир заимствовал архитектурные формы, присущи преимущественно Древнему Риму, а классицизм в основном применял наследие Древней Греции. Ярким примером сооружения в стиле классицизма является Вилла Ротонда в Италии, автором которой стал архитектор А. Палладио.

Чем отличается стиль ампир от классицизма, если говорить о выборе цветовой гаммы при обустройстве помещений? Интерьер, оформленный согласно законам классицизма, был строго выдержан в светлых и насыщенных тонах ванили, широко применялся бледно-голубой и цвет молодой листвы.

Предметы ярких насыщенных цветов увидеть было практически невозможно, в то время как в период ампира, наоборот, дизайнерами умело сочетались кричащие яркие тона с нежными и мягкими оттенками. Преобладание насыщенных зеленых и пурпурных оттенков, а также позолоты – еще один прием, характерный исключительно для ампирной эпохи.

Отличие неоклассицизма от классицизма и ампира

Еще одна общая черта для этих двух направлений – использование дорогих пород дерева и роскошных тканей при оформлении интерьера помещений. Нередко можно было увидеть предметы мебели, украшены инкрустацией из других пород дерева, натурального камня или слоновой кости.

Среди общих характеристик направлений нельзя не заметить, что в них одинаково часто используются орнаменты из цветов в качестве декора. Выбору тканей для декорирования интерьера в эпоху классицизма и ампира уделялось особое внимание. Придать помещению роскоши и помпезности удавалось благодаря применению натурального шелка и гобеленов с различными мотивами. Здесь следует сразу отметить отличие неоклассицизма от классицизма и ампира – в нем используется исключительно искусственный шелк, который выглядит так же дорого, как и натуральный материал.

Отличия ампира и классицизма заключаются и в том, что для первого свойственной была выраженная помпезность и роскошь. Классицизм был наделен меньшей монументальностью, он больше характеризуется сдержанностью форм и линий при возведении архитектурных сооружений и оформлении интерьера. Есть еще одна отличительная особенность ампира, свойственна исключительно этому направлению – широкое применение зеркал.

Классицизм, неоклассицизм и русский ампир: схожесть и отличия

Классицизм, русский ампир и неоклассицизм, как и многие другие архитектурные стили, имели много общего.

Прежде всего, следует назвать такую схожесть направлений:

1. Роскошь. Стили предназначались для оформления интерьеров представителей аристократии, именно поэтому их многие называют «дворцовыми» и «королевскими». Если обратить внимание на все стили, которые заявили о себе в период с XVII по XIX век, то самым скромным был классицизм и неоклассицизм, хотя на самом деле интерьеры отличались невиданной роскошью.

2. Большие и просторные помещения. Для помещений этих эпох характерными были комнаты с большим пространством и высокими потолками. Для стиля рококо это было свойственно в наименьшей степени, если сравнивать между собой все архитектурные направления того времени.

3. Способы декора. Для декорирования помещений, цель которого заключалась в том, чтобы придать интерьеру роскоши и богатства, использовались такие элементы, как лепнина, настенные росписи и картины с классическими сюжетами, резные изделия из дерева.

Неоклассицизм от классицизма и ампира отличается тем, что это популярное в конце XVIII – начале XIX века направление, наследовало традиции не только периода античности, но также в нем прослеживается искусство эпохи Возрождения. В принципе, неоклассицизм по своей сути является продолжением классицизма, его современным завершением.

Модерн, барокко, ампир, классицизм: отличительные черты

Барокко, ампир, классицизм и модерн – направления, имеющие много отличительных черт. Модерн представляет собой «цитирование» всех этих трех классических стилей. Он сформировался под сильным влиянием культуры Японии, Древнего Египта и стран других древних цивилизаций.

Разница между барокко, ампиром и классицизмом с одной стороны и модерном – с другой, в том, что с появлением последнего направления архитектурное искусство отказалось от наследия предыдущих эпох. В этот период происходит отказ от прямых линий и четких геометрических форм, консервативности и пафоса в пользу более естественным изогнутым, округлым линиям и асимметрии.

Чем отличаются эклектика и модерн от ампира

На смену величественному ампиру вначале XIX века пришла эклектика.

От ампира и классицизма эклектика и модерн отличаются тем, что они представляют собой смешение и «цитирование» всех предыдущих стилей одновременно.

Как правило, эклектика объединяет между собой смежные, не противоположные направления. Разные по своему стилю элементы интерьера обязательно должны иметь что-то общее – цвет, фактуру, общий дизайн. На мебели можно увидеть такие рисунки, как полосы, зигзаги, круги. Восточные покрывала и ковры, узорчатые обои, ниши, округлые углы – все это характерно для эклектики.

В целом барокко, ампир и классицизм имеют много общего, в то время как модерн и эклектика выступают их полной противоположностью.

Барокко классицизм | Студент-Сервис

В отличие от предшествующих эпох, когда искусство развивалось в рамках больших однородных стилей (романский стиль, готика), XVII век характеризуют два больших стиля – барокко и классицизм.

Стиль барокко получил распространение прежде всего в католических странах, где после Реформации пошатнулись позиции официальной церкви и где зрелищность, помпезность, порой утрированная экспрессивность, характерные для стиля барокко, стали приманкой для возврата папства в лоно католической церкви. В это время в Риме было создано множество церквей, скульптурных алтарей, благодаря которым католическая столица обрела свой барочный вид.

Помимо храмовой архитектуры стиль барокко воплотился в парковых и дворцовых ансамблях, декоративной живописи и скульптуре, парадном портрете, натюрморте и пейзаже, а также в музыке.

Стиль барокко – художественное отражение княжеского абсолютизма, художественнаяформула величия, позы, представительности. Абсолютизм создал особый стиль дворцовых построек. Дворец уже не крепость, как в Средние века, дающая обитателям чувство безопасности от нападений и неожиданности. Теперь это низведенный на землю Олимп, где всёговорит о том, что здесь обитают боги. Обширная передняя, огромные залы и галереи.

Стены покрыты заркалами, ослепляющими взоры. Ничто не должно быть скрываемо, всё должно быть выставлено напоказ – даже сон государя. Сады и парки, окружающие дворец, выстроенный в стиле барокко, сверкающие поляны Олимпа, вечно смеющиеся и вечно веселые… В этом стиле эффекты грандиозного и ослепляющего использовались для восславления могущества, пышности и блеска абсолютистского государства. Он остро выразил кризис гуманизма, ощущение дисгармонии жизни.

Интересно

Этот стиль был созвучен и буржуазии. Новый класс ищет стабильности и порядка, а синонимом устойчивости выступает для него достаток и богатство. Стиль барокко, отвечая устремлениям различных социальных слоев, соединил в себе, казалось бы, несоединимое: монументальность, фантастичность, иррациональность – с трезвостью и рассудочностью, бюргерской деловитостью. В стиле барокко творили такие большие мастера, как Питер Пауль Рубенс и Антонио Вивальди.

Переходя от барокко к общей характеристике классицизма XVII века, следует отметить гораздо меньшую сферу его распространения. Абсолютистским государствам не могла не импонировать идея порядка, строгой соподчиненности, внушительного единства. Государства, которые претендовали на разумность, стремились к тому, чтобы в них видели героическое, возвышенное, объединяющее начало. Классицизм выражал стремление к разумному, гармоническому строю жизни, стабильности и порядку.

В XVII веке после раскопок античного города Помпеи и публикации “Истории искусства древних” Винкельмана классицизм переживает второе рождение. Из истории античности на свет извлекаются иные идеалы. Это классическая простота, минимум деталей, прямота линий, симметричность формы и т.д.

Наиболее привлекательными сторонами классицизма выступали и нравственный пафос, гражданская направленность. Ориентируясь на античные образцы, он фактически базировался на рационализме Декарта. Наибольшее распространение этот стиль получил в абсолютистской Франции. Примерами классицизма являются комедии Мольера, музыка Люлли. Образцом слияния барокко и классицизма предстаёт парковый и архитектурный ансамбль Версаля

Различия барокко и классицизма.

Классицизм и барокко: отличительные особенности

Искусство 17-18-го веков сформировало два удивительных стиля — классицизм и барокко. Эти два крупнейших общеевропейских стиля существовали бок о бок на протяжении двух веков. Несмотря на очевидные различия, они тесно взаимодействовали друг с другом. За время своего развития, классицизм и барокко нашли себя не только в мировой и российской архитектуре, но также в скульптуре, литературе, интерьере и художественном искусстве. Сравнение классицизма и барокко, двух стилей, ярких, эпатажных и неповторимых, рассмотрим далее.

История классицизма

Классицизм в переводе с латинского — «образцовый». Запоминающиеся направление в европейской культуре возникло в 17-м в. Это была эпоха укрепления монархии, все должно быть идеально и в то же время роскошно, что прослеживается в безупречных фигурах античного мира.

Основателем стиля классицизм стала Франция, где летал дух свободы и совершенства человека как духовного, так и физического. Строгие, идеальные силуэты в архитектурных ансамблях, античные сюжеты в живописи и скульптурах, богатое, но сдержанное убранство интерьеров. Все это — черты классицизма.

В России этот стиль закрепился при Екатерине II, ее желание европеизировать страну сыграло ключевую роль в постройке знаменитых памятников архитектуры того времени.

Классицизм — это классика, гармония человека и природы, простая и лаконичная в своем направлении. Стиль, где нужно соблюдать определенные правила, очень быстро нашел себя в дворцовой культуре в Германии, Италии, Англии и России.

История барокко

Барокко значит — «распущенный», «склонный к излишествам». Основателем этого помпезного стиля стала Италия. Конец 16-го в. — эпоха Возрождения, укрепления католической власти, яркая, смелая и величественная, она должна была производить впечатление. Все отличительные элементы барокко нашли воплощение в католических городах Италии.

Однако европейские страны также взяли для себя некие атрибуты и элементы «распущенного» итальянского стиля. Англия, Франция, Россия использовали новое веянье культуры в своей архитектуре и интерьере, дабы подчеркнуть свой блеск и уникальность.

Стиль, ориентированный на создание иллюзии богатства и роскоши церкви, а также итальянской знати, впоследствии нашел отражение во всех странах Европы, Америки и России. И остался бессмертным спутником католической церкви.

Сравнение и классицизма

Два стиля на протяжении веков идут рядом друг с другом. Однако они имеют явные различия в истории и целях создания, в воплощении в искусстве.

Сравнение классицизма и барокко

Направление	Классицизм	Барокко
Общее	За образец берется античное искусство. Простота, утонченность, понятные и лаконичные образы. Идеальная рациональность. Строгость, единые образы, равновесие деталей	За образец берется роскошь и помпезность, демонстративное богатство. Сильные контрасты, театральность. Яркая экспрессивность
В искусстве	Объемные уравновешенные композиции, четкость линий, античные идеалы в искусстве. Понятный сюжет, сдержанные эмоции	Стремительное развитие действий. Сильные, яркие эмоции. Восторженные образы. Замысловатый сюжет
В архитектуре	Строгие четкие формы. Масштабность. Величие. Гармоничные пропорции, монументальность. Строгая простота	Сложные криволинейные формы. Праздничная напыщенность. Масштабные колоннады, искажение пропорций строений. Цветовые контрасты, большие окна
В интерьере	Дорогие, сдержанные материалы. Спокойные цвета, богатая простота. Преобладание геометрических форм. Античные орнаменты	Богатые, разнообразные материалы в декоре. Яркие сочетания, золото, мрамор, лак. Сложные орнаменты. Роспись на потолке, крупногабаритная мебель

Классицизм и барокко наглядно

Основные черты барокко и классицизма роскошь и сдержанное богатство. Оба стиля нашли свое отражение в дорогих произведениях искусства и ярких архитектурных сооружениях. Рассмотрим самые известные объекты двух разных стилей одного периода времени.

Классицизм — это, конечно, площадь Восстания и Пантеон в Париже. Исаакиевский и Казанский соборы в Петербурге. Большой театр в Варшаве. Знаменитая картина Жака-Луи Давида «Переход Наполеона через Альпы» — совершенно отражает стиль классицизма в живописи. «Психея, разбуженная поцелуем Амура» — самая известная статуя в классицизме. «Аполлон и нимфы» — невероятный по своей красоте пример классического стиля.

Тогда как барокко известен нам по Смольному собору в Санкт-Петербурге, Оперному театру в Одессе и, конечно, же Католическому храму в Ватикане. Рубенс и Караваджо — самые узнаваемые живописцы в стиле барокко. А итальянец раскрывает нам всю выразительность барокко в своих потрясающих скульптурах.

Классицизм и барокко в архитектуре

Как мы можем видеть из описаний и сравнений двух стилей, различия барокко и классицизма очевидны. В последнем — это обращение прежде всего к античному зодчеству, в барокко — к роскоши католических храмов.

Классицизм и барокко в архитектуре, сравнение на примере двух выдающихся памятников

Базилика дель Санта Кроче, Италия — типичный пример итальянского барокко. Отличительные особенности — пышный декор и множество статуй на фасаде. Скульптуры, балконы, колонны, сложная форма здания. Центр венчает огромное круглое окно — уже выход за стандарты типичной архитектуры. Кариатиды и атланты, причудливые формы — все это отличительные черты барокко.

Классицизм — это Большой театр в Москве. На его примере мы можем увидеть характерные черты в архитектуре этого стиля. Простота и лаконичность. Монументальность и строгость. Четкие формы, колонны. Маленькие окна стандартной формы. Сдержанный рисунок лепки на фасаде с типичными узорами античного мира. Четкая геометрическая форма строения. Приятный неброский однородный цвет всего здания.

Архитектура барокко и классицизма в сравнении очень различны. С первого взгляда можно отличить их друг от друга: вычурность барокко бросается в глаза, безусловно, это сложные архитектурные произведения. Тогда как здания в стиле классицизма настолько имеют четкие пропорции и строгий вид, что невольно заставляют задуматься о своем величии и монументальности.

Классицизм и барокко в живописи

Выходцы из одной временной эпохи, классицизм и барокко, тем не менее, имеют отличительные черты в искусстве.

Микеланджело — один из самых известных итальянских художников, который задал новый стиль в живописи — барокко. Это преимущественно религиозные сюжеты, яркие образы, эмоциональные сцены из жизни обычных людей. Контраст цветов, свет и полумрак, много предметов быта, реалистичность эмоций. Последователи этого стиля в искусстве — и Гвидо Рени.

Классицизм не менее живописен, но за основу берется античная Греция. Рафаэль, Джулио Романо на своих полотнах изображают идеальные физические формы божественных персонажей. Холодные мифические сюжеты завораживают своей лаконичностью, ничего лишнего, до мелочей продуманная композиция и пространство вокруг действующих лиц.

Можно выделить главные элементы в сравнении направлений искусства классицизма и барокко. Во-первых, это реальная эмоциональность барокко, сила сюжета и красочность образов, и во-вторых, сдержанная красота античной мифологии, понятная и лаконичная в своем проявлении.

Сравнение классицизма и барокко в интерьере

Помимо выдающихся произведений искусства и невероятных памятников архитектуры, барокко и классицизм нашли отражение и в интерьере домов и комнат. Далее — сравнение классицизма и барокко в убранстве помещений.

Свои основные черты эти два стиля привнесли и в интерьер. Прежде всего это дорого. В обоих случаях — это роскошь и богатство. А дальше можно говорить о цветовых решениях. Барокко — это всегда ярко, всегда золото, мрамор, лакированные поверхности. Множество дополнительных предметов, сложная форма мебели и причудливые узоры балдахинов и обивки кресел. Безусловно, это та красота, в которую хочется погрузиться, каждый предмет, которой хочется изучать. Восхищение и помпезность, то, что так любят короли.

Классицизм в этом плане играет на контрасте с барокко. Сдержанные пастельные цвета, гармонирующие между собой. Спокойный, но не менее величественный интерьер создан, скорее, успокаивать, нежили будоражить. Преимущественно светлые тона, четкость линий, правильность предметов. Функциональность атрибутов интерьера, не лишенная, тем не менее, своего очарования.

Классицизм и барокко в России

В Россию эти два стиля пришли в 18-м в. Царская Россия была в тесном контакте с европейскими государствами и не хотела отставать в возможности продемонстрировать свое величие.

Барокко и воплотил, преимущественно, Растрелли. Именно он занимался реконструкцией и возведением основных зданий Петербурга в то время. Естественно, стили были русифицированы, переняв основные принципы двух направлений, традиционное русское зодчество было сохранено. Смольный монастырь, пожалуй, самый яркий представитель барокко в Петербурге, тогда как «изюминкой» классицизма является, естественно, Казанский собор. У истоков этого стиля в России стояли архитекторы В. Баженов, М. Казаков, И. Старов, возведенные по их проектам церкви и дома можно увидеть в Москве.

Барокко и классицизм в русской архитектуре играют большую роль. Как в историческом проявлении — основание Петербурга, новая Москва, так и в борьбе за равенство русских писателей-классицистов.

Сейчас невозможно представить наши города без Эрмитажа, Академии наук и Таврического дворца.

Классицизм и барокко в наше время

В современном мире архитекторы часто обращаются к барокко и классицизму, сравнивая и смешивая эти стили. Времена королей и императоров прошли, а любовь к роскоши и величию осталась. Сейчас можно увидеть уже современные замки в стиле барокко где-нибудь на Рублевке или дачу очередного олигарха в стиле классицизма в поселке Нирвана под Петербургом.

В отеле «Трезини» вы можете погрузиться в роскошь царей, а в ресторане «Ампир» отведать блюда современных королей. Но это уже сегодняшняя роскошь, хотя доступна она по-прежнему не каждому.

Le style c»est l»homme («стиль — это человек»). Эту максиму, принадлежащую Бюффону, можно уподобить математическому выражению, связывающему две переменных. Независимой переменной, аргументом, выступает человек, а стиль как некоторая упорядоченная последовательность выразительных практик — функцией. Каков человек — таков и стиль. При всей универсальности этого определения необходимо учитывать исторический контекст момента его появления — век Просвещения, с его концепцией «естественного человека». Последняя, как известно, является непосредственным развитием идей XVII века, этого начала Нового времени, и характерных для него стилей — классицизма и барокко. Можно говорить о том, что в этих стилях, их комбинации, содержится проект всего Нового времени, вплоть до современности.

Само понятие стиль (от лат. stylus — палка) и родственное ему понятие стимул (от лат. stimulus , букв. — остроконечная палка, которой погоняли животных) этимологически как нельзя лучше сопрягаются с принципами классицизма. Предпочтение прямой линии перед всякими другими свойственно картезианскому рационализму. Окружность потеряла свой онтологический статус вместе с аристотелизмом и уступила место беспредельному, бескачественному, абсолютно исчислимому. «Бог — утверждает Декарт — единственный творец всех существующих в мире движений, поскольку они вообще существуют и поскольку они прямолинейны. Однако различные положения материи превращают эти движения в неправильные и криволинейные. Точно также теологи учат нас, что Бог есть творец всех наших действий, поскольку они существуют и поскольку в них есть нечто хорошее, однако различные наклонности наших воль могут сделать эти действия порочными» (Декарт Р. Сочинения: В 2-х тт. М.: Мысль, 1989. Т.1. С.205). Не следует воспринимать подобное высказывание как попытку надеть маску ортодоксальной теологии на инерциальный принцип Галилея. Декарт не случайно затрагивает фундаментальный вопрос о проблеме зла и свободе воли, и делает это вполне в соответствии с воззрениями св. Августина. По мнению А.-И. Марру, «о первостепенном месте, которое занимал Августин во французском сознании XVII в., ничто не свидетельствует лучше, чем сыгранная им роль в развитии картезианства» (Марру А.-И. Святой Августин и августинианство. Долгопрудный: Вестком, 1999. С.185). Так между ригоризмом «внутреннего человека» св. Августина, устремленного мистически и интеллектуально к Богу по кратчайшему пути, в течение которого ему не позволительно отвлекаться, и ригоризмом «внутреннего человека» Декарта существует общность. Она состоит, во-первых, в постоянной необходимости преодоления сомнения посредством разума, ведомого Всевышним. Декартовский тезис «Бог не обманщик» гарантирует истинность Метода. Во-вторых, в возможности лишь приблизительно достичь поставленной цели. Для св. Августина таковою являлось постижение Бога, для Декарта — достижение господства над природой посредством конструирования. Отсюда возникает множественность возможных вариантов и пробабилизм картезианства (Гайденко П. История новоевропейской философии в ее связи с наукой. М.: Университетская книга, 2000. С.130). Несомненно, что наиболее наглядным примером реализации картезианского проекта господства над природой может служить планировка версальского парка А. Ленотром (Лихачев Д.С. Избранные работы: В 3-х тт. М.: Худож. лит., 1987. Т.3. С.488). Это одновременно и рукотворный эдем и зримое воплощение лаконичной формулы абсолютизма, принадлежащей еще Франциску I: «Un roi, une foi, une loi». Триада «один король, одна вера, один закон» оказывается созвучной трехлучевой парковой композиции, как и принцип единства времени, места и действия из «Поэтического искусства» Н. Буало с его строгой иерархией жанров.

Длительное сосуществование классицизма и барокко трудно считать случайностью. Подобный синхронизм указывает на их взаимосвязанность, которая, естественно, не устраняет существенных различий черт и генезиса двух стилей. Барокко явилось прямым наследником Ренессанса, но наследником явно разочарованным. Вот что пишет, например, А.Ф. Лосев о Монтене: «Его «Опыты» лишены всякой системы, пересыпаны античными цитатами, хотя из античности ему сначала были близки только стоики, а потом стали близкими исключительно скептики» (Лосев А.Ф. Эстетика Возрождения. М.: Мысль, 1978. С.597). Монтень был предшественником именно Декарта, но здесь следует отметить упоминание о стоицизме и скептицизме как о имеющих непосредственное отношение к стилю барокко. Если классицизм исходил из августианства в виде секуляризованного дуализма между природой и человеком, который должен быть снят монизмом подчинения некоей единой (но не единственно возможной) форме, то барокко исходило из всеобщности стоицистского Логоса, единства в виде организма, пропитанного дыханием пневмы. В контексте все того же августианства оно ставило акцент на психологической сложности индивидуальной личности. Во взгляде на мир вместо жесткой монофонической иерархии универсализма, присущей классицизму, возникал полифонический универсализм пластичности, декларирующий возможность множественных вариаций одной и той же формы или темы. Безостановочный бег баховской фуги аккомпанирует «фаустовскому» человеку. Как явление историческое барокко предшествовало классицизму, но в плане дальнейшей перспективы смены стилей его следует признать скорее наследником, чем предшественником классицизма. Хорошо известно, что появление барокко связано с Котрреформацией. Каноны и цели ордена иезуитов нашли свое выражение именно в стиле барокко. Достаточно напомнить о главном иезуитском храме Иль Джезу в Риме (1568-1584), построенном по проекту Дж. Виньолы. Этом, быть может, первом типовом проекте в истории архитектуры, реализованном на пространствах от Парагвая до Лифляндии. Основная черта барокко — его обманчивость, симулятивность дала ему возможность обратить в своих поклонников и врагов «солдат Иисуса» — протестантов, с присущим им культом труда. «Барокко — как отмечает Ж. Делез — изобретает бесконечное производство или бесконечный процесс работы. Проблема не в том, как завершить складку, но в том, как ее продолжить, пересечь ею потолок, устремить ее к бесконечности» (Делез Ж. Складка, Лейбниц и барокко. М.: Логос, 1997. С.63). Потому сложные формы и контрапункт, за которыми скрывается симметрия чисел и функций, оказались способными прославить добродетели пуритан (например, оратория Г.Ф. Генделя «Иуда Маккавей»). Обращение к ветхозаветным сюжетам свойственно и литературе барокко. «Потерянный рай» Дж. Мильтона и «Величайшее чудовище мира» П. Кальдерона. Тема катастрофы, вытекающая из столкновения свободной воли и Закона доминирует в трагедийном жанре эпохи. При этом понимание Закона весьма эклектично: оно может быть ветхозаветным, гностическим и рационалистическим. В последнем случае обнаруживается совпадение с классицизмом. Гностические черты барокко нашли свое проявление в увлечении астрологией и алхимией, о чем свидетельствует не только литература эпохи. Так И. Кеплер никогда не скрывал своей приверженности к астрологии, она даже служила ему средством зарабатывать на хлеб. И. Ньютон предпочитал хранить на этот счет молчание, как и по поводу своего антитринитаризма. Однако ньютонианская программа физики пропитана не только математикой (в ее рационалистическом декартовском понимании), но и духом алхимии, из которой ее творец сумел извлечь немало научных идей (Дмитриев И.С. Неизвестный Ньютон. Силуэт на фоне эпохи. СПб.: Алетейя, 1999). Его знаменитый ответ на абсолютно справедливые упреки картезианцев в возрождении магического принципа — «гипотез не измышляю» — есть не что иное, как трюизм.

Стремление к контрасту и внешнему правдоподобию посредством применения разнообразных технологий, характерное для барокко, вытекает из его глубочайшего пессимизма. «Как бы красива ни была комедия в остальных частях, — писал Паскаль — последний акт всегда бывает кровавым. Набросают земли на голову — и конец навеки!» (Паскаль Б. Мысли. М.: REFL-book, 1994. С.256). Отсюда страсть к натюрморту и гипертрофированное жизнелюбие рубенсовской обнаженной натуры. Ирония и соблазн искусственного пытаются заговорить смерть и перехватить у нее плутовским способом власть над миром. В этом смысле наша современность с ее страстью к контрасту и синтетическому (вплоть до клонирования) продолжает тенденцию барокко. «Лепнину можно мыслить — отмечает Ж. Бодрийяр — как триумфальный взлет науки и технологии, но она также, и, прежде всего, связана с барокко Здесь уже заложена вся технология и технократия — презумпция идеальной поддельности мира, которая находит себе выражение в изобретении универсального вещества и в универсальной комбинаторике веществ» (Бодрийяр Ж. Символический обмен и смерть. М.: Добросвет, 2000. С.116).

Сочетание жестких принципов классицизма и гибких барокко можно увидеть во всех последующих стилях. Доминирование одних над другими определяется лишь тактическими соображениями, должными обеспечить наибольшую эффективность. «Известно ли вам, — говорит бальзаковский Вотрен, этот «Наполеон каторги», обращаясь к юному Растиньяку, — как здесь прокладывают себе дорогу? В эту людскую массу надо врезаться пушечным ядром или проникнуть как чума». Классицизм можно сравнить с первым, барокко — со вторым. Оба они явились инструментами Нового времени по формированию Нового человека. Так доминанту классицизма можно увидеть в модерне с его проектами футуристов и Ле Корбюзье, его пафосом серьезного. Постмодерн отдает предпочтение приемам барокко. Переходит на язык двоичных кодов и детерминированного хаоса. Проявляет заботу об экологии и покрывает мир паутиной информационных сетей, симулируя «невыносимую легкость бытия».

Они имеют как общие чрты, так и отличия, ведь каждое из архитектурных направлений обладает своими уникальными свойствами.

В эпоху Просвещения и Нового времени в странах Европы – период с XVII по XIX век, появились яркие и богатые стилевые направления в искусстве. Барокко, рококо, классицизм, ампир – это немногие из стилей, которые были известны в то время. Такое высокое развитие архитектурного искусства было вызвано тем, что королевские, императорские и аристократические династии сменяли друг друга, и каждая из них желала прославить себя и период своего правления настоящими шедеврами искусства и великолепными творениями архитектуры.

Чем отличается стиль ампир (поздний классицизм) от обычного классицизма

Два популярных направления – ампир и классицизм в архитектуре оставили после себя великий след в истории. По своей сути ампир является одним из этапов исторического развития классицизма, одним из его ответвлений, поэтому говорить об этих стилях, как о совершенно разных направлениях нельзя.

Если спросить архитекторов, чем ампир отличается от классицизма, на этот вопрос ответить будет сложно даже специалистам. Ампир является завершающим этапом развития классицизма, он был популярным в первые три десятилетия XIX века. Ампир, или поздний классицизм – именно так это направление обозначается в искусстве, был призван служить государству периода правления Наполеона с целью прославления его личности и совершенных им подвигов.

Классицизм начал постепенно переходить в эпоху ампира в период наполеоновской империи, эти направления ориентировались на изображение искусства периода античности. Архитекторы этого времени использовали элементы, позволяющие максимально точно передать воинскую доблесть и величественную мощь государства.

Для этого применялись такие приемы в декоре, как ликторские связки, воинские доспехи, лавровые венки, львы, орлы. Такие элементы использовались и в эпоху развития классицизма в архитектуре, однако, существенная разница в том, что ампир заимствовал архитектурные формы, присущи преимущественно Древнему Риму, а классицизм в основном применял наследие Древней Греции. Ярким примером сооружения в стиле классицизма является Вилла Ротонда в Италии, автором которой стал архитектор А. Палладио.

Чем отличается стиль ампир от классицизма, если говорить о выборе цветовой гаммы при обустройстве помещений? Интерьер, оформленный согласно законам классицизма, был строго выдержан в светлых и насыщенных тонах ванили, широко применялся бледно-голубой и цвет молодой листвы.

Предметы ярких насыщенных цветов увидеть было практически невозможно, в то время как в период ампира, наоборот, дизайнерами умело сочетались кричащие яркие тона с нежными и мягкими оттенками. Преобладание насыщенных зеленых и пурпурных оттенков, а также позолоты – еще один прием, характерный исключительно для ампирной эпохи.

Отличие неоклассицизма от классицизма и ампира

Еще одна общая черта для этих двух направлений – использование дорогих пород дерева и роскошных тканей при оформлении интерьера помещений. Нередко можно было увидеть предметы мебели, украшены инкрустацией из других пород дерева, натурального камня или слоновой кости.

Среди общих характеристик направлений нельзя не заметить, что в них одинаково часто используются орнаменты из цветов в качестве декора. Выбору тканей для декорирования интерьера в эпоху классицизма и ампира уделялось особое внимание. Придать помещению роскоши и помпезности удавалось благодаря применению натурального шелка и гобеленов с различными мотивами. Здесь следует сразу отметить отличие неоклассицизма от классицизма и ампира – в нем используется исключительно искусственный шелк, который выглядит так же дорого, как и натуральный материал.

Отличия ампира и классицизма заключаются и в том, что для первого свойственной была выраженная помпезность и роскошь. Классицизм был наделен меньшей монументальностью, он больше характеризуется сдержанностью форм и линий при возведении архитектурных сооружений и оформлении интерьера. Есть еще одна отличительная особенность ампира, свойственна исключительно этому направлению – широкое применение зеркал.

Классицизм, неоклассицизм и русский ампир: схожесть и отличия

Классицизм, русский ампир и неоклассицизм, как и многие другие архитектурные стили, имели много общего.

Прежде всего, следует назвать такую схожесть направлений:

1. Роскошь. Стили предназначались для оформления интерьеров представителей аристократии, именно поэтому их многие называют «дворцовыми» и «королевскими». Если обратить внимание на все стили, которые заявили о себе в период с XVII по XIX век, то самым скромным был классицизм и неоклассицизм, хотя на самом деле интерьеры отличались невиданной роскошью.

2. Большие и просторные помещения. Для помещений этих эпох характерными были комнаты с большим пространством и высокими потолками. Для стиля рококо это было свойственно в наименьшей степени, если сравнивать между собой все архитектурные направления того времени.

3. Способы декора. Для декорирования помещений, цель которого заключалась в том, чтобы придать интерьеру роскоши и богатства, использовались такие элементы, как лепнина, настенные росписи и картины с классическими сюжетами, резные изделия из дерева.

Неоклассицизм от классицизма и ампира отличается тем, что это популярное в конце XVIII – начале XIX века направление, наследовало традиции не только периода античности, но также в нем прослеживается искусство эпохи Возрождения. В принципе, неоклассицизм по своей сути является продолжением классицизма, его современным завершением.

Модерн, барокко, ампир, классицизм: отличительные черты

Барокко, классицизм и модерн – направления, имеющие много отличительных черт. Модерн представляет собой «цитирование» всех этих трех классических стилей. Он сформировался под сильным влиянием культуры Японии, Древнего Египта и стран других древних цивилизаций.

Разница между барокко, ампиром и классицизмом с одной стороны и модерном – с другой, в том, что с появлением последнего направления архитектурное искусство отказалось от наследия предыдущих эпох. В этот период происходит отказ от прямых линий и четких геометрических форм, консервативности и пафоса в пользу более естественным изогнутым, округлым линиям и асимметрии.

Чем отличаются эклектика и модерн от ампира

На смену величественному ампиру вначале XIX века пришла эклектика.

От ампира и классицизма эклектика и модерн отличаются тем, что они представляют собой смешение и «цитирование» всех предыдущих стилей одновременно.

Как правило, эклектика объединяет между собой смежные, не противоположные направления. Разные по своему стилю элементы интерьера обязательно должны иметь что-то общее – цвет, фактуру, общий дизайн. На мебели можно увидеть такие рисунки, как полосы, зигзаги, круги. Восточные покрывала и ковры, узорчатые обои, ниши, округлые углы – все это характерно для эклектики.

В целом и классицизм имеют много общего, в то время как модерн и эклектика выступают их полной противоположностью.

Если идеалом эпохи Возрождения был гармонически совершенный человек, личность, для которой нет противоречий между личным и общественным, то человеку XVII века свойственно бесконечное столкновение этих начал; если для героя произведений искусства Ренессанса характерно было единство с внешним миром, природой, то герой Нового времени осознает свою зависимость от окружающей среды и внешних обстоятельств. Драматизм действительности, крушение идеала Возрождения привели к новым формам восприятия мира. Оптимистический реализм Возрождения сменяется чувством неустойчивого положения человека, для которого характерен тот или иной внутренний конфликт: столкновение прав личности и общественного долга, бунт против слепого подчинения авторитетам светской или церковной власти, осознание противоречивости бытия. Личности все труднее отыскать свое место в новых отношениях общества, которому все меньше нужен всесторонний человек Ренессанса и все больше, — чеповек-функция. Эта трагическая коллизия находит выражение в двух направлениях мысли, в двух способах соотношения с миром и, наконец, в двух художественных стилях — барокко и классицизме.

Происхождение термина “барокко” неясно, известен лишь перевод с итальянского: странный, вычурный. Можно предположить, что барокко представляет собой не только художественный стиль (часто считают барокко лишь направлением искусства), но и особый образ отношения к миру и с миром. Он связан с кризисом идеалов гуманизма, общественно-политическими потрясениями, характерными для XVII века. Для менталитета человека барокко свойственны чувство растерянности и смятения, ощущение противоречивости мира, непостоянства счастья, всесилия рока и случая. Оптимистический идеал Ренессанса “сменяется пессимистической оценкой действительности, а восторженное преклонение перед человеком и его возможностями — подчеркиванием его двойственности, непоследовательности, испорченности”; постоянно осмысляется “несоответствие между видимостью вещей и их сущностью, ощущается разорванность бытия, столкновение между телесным и духовным началом, между привязанностью к чувственной красоте мира и осознанием бренности земного бытия” .

Возникновение барокко чаще всего связывают с Контрреформацией. Дело в том, что после бурных событий прошлого, ожесточенных религиозных войн Европа была разорена и разрушена. Посреди объятой войнами Европы только Рим избежал религиозных бурь и потрясений. В нем оставался оплот католической церкви, хотя и потесненной в своем влиянии, но еще очень сильной, особенно после Тридентского собора, поэтому именно здесь возникает стремление утвердить торжество официальной церкви. Как считает современный французский теоретик Э. Маль, главными идеями церкви этого времени были: мученичество, видение, экстаз, смерть. Эти религиозные темы в сознании людей соединялись со смыслом и благой целью праведного существования. Они не могли существовать только на рациональной основе, к ним непременно должна была быть примешана сильная эмоция, впечатляющая верующего и оказывающая сильное воздействие на любого другого человека. В этом мощном эмоциональном заряде должно было запечатлеться не только мистическое состояние приобщения к религиозному таинству, но и торжествующее чувство победы церкви над ее реформаторами. Поэтому барокко возникает первоначально в религиозном искусстве, прежде всего в архитектуре. И романский стиль, и готика имели вполне определенные и возведенные до уровня закономерности правила создания сооружений. Линии этих построек были четкими и определенными. Барокко — это “буйство изогнутых, пересекающихся, переливающихся каменных масс, потерявших свою “каменность” и как будто получивших свойства вязкого пластичного материала” . Постепенно барокко перешло из архитектуры в скульптуру, живопись и другие формы духовной жизни.

Может возникнуть вопрос: как же был связан с кризисом духа столь стремительный и динамичный (первоначально только художественный) стиль, как барокко, как оно в рамках церковного искусства смогло компенсировать духовную смуту и чувство растерянности, о которых мы только что сказали? Надо заметить, что Контрреформация не могла преодолеть религиозные расхождения — реформаторы как раз требовали высокой нравственности в религиозных чувствах. Церковь в данном случае боролась за власть — земную и духовную. Ей нужны были апологеты, выразители и просто прихожане. Она должна была царить над внутренним миром человека, уже вкусившего опасности рационализма, определять рамки греха и благочестия, а также судьбы всех категорий населения — от обывателей до королей. Привлечь в свое лоно можно было, противопоставив суровому быту протестанта яркую зрелищность католицизма. Поэтому в “искусстве барокко, даже когда оно непосредственно служило церкви, не очень-то много того, что называют благочестием, несмотря на то, что постоянно изображаются чудеса, видения, мистические экстазы. В этих экстазах слишком явно проступают чувственность, “плотскость” и даже прямая эротика” [там же, с. 97].

Один из самых известных теоретиков барокко Эммануэле Тезауро (1592-1675) называл в качестве главного принципа “барочного мышления” — “принцип быстрого разума”. Быстрый разум живет законами, отличными от законов мышления, он насыщен фантазиями, метафорами, соединяя важное и случайное, серьезное и забавное, смешное и печальное. В нем переплетаются природа и человек, божественное и созданное человеческим гением. Гении, обладающие быстрым разумом, “из несуществующего порождают существующее. Остроумие из невещественного творит бытующее, и вот лев становится человеком, орел — городом. Оно сливает женщину с обличьем рыбы и создает сирену как символ ласкательства, соединяет туловище козы со змеей и образует химеру — иероглиф, обозначающий безумие” . В такой системе мышления постепенно исчезают границы самых различных явлений, и в искусстве появляется некоторое пренебрежение целесообразностью, тем, что называется “здравый смысл”.

Эти особенности барокко отразились во всей своей полноте в творчестве Караваджо, Бернини в Италии, Веласкеса — в Испании, Ван Дейка и Рубенса — во Фландрии.

Творчество Пауля Рубенса (1577-1640) особенно явственно демонстрирует проникновение барокко в светскую жизнь, освобождение его от религиозной тематики и существование его как особого менталитета в контексте культуры XVII века. В его картинах царят вечное движение, напряжение, борьба людей с животными, часто фантастическими, азарт и торжество жизни. Он “заставил любоваться натуральным здоровьем и натуральной силой. И все это у него удачно сплавилось с требованиями пышного декора, помпы, восхваления монархов…” . В работах художников этого времени “религиозный дух незаметно ускользнул” из искусства. “То были времена оперы, кантаты и оратории, но и театрализованных церемоний, высокопарных од, витиеватых речей, длинных титулов, длинных париков, аллегорий и гипербол в поэзии, тяжеловесно-затейливого остроумия, эмблем и метафор” [там же, с. 97].

В литературе это выражается в стремлении раскрепостить воображение, поразить и ошеломить читателя, в пристрастии к неожиданным образам, сближающим понятия, сопоставляющим далекие друг от друга предметы. Здесь переплетаются самые различные формы жизни, реализуется принцип — от великого до смешного один шаг, поскольку в барокко они существуют вместе, как и другие противоположности: прекрасное и безобразное (например в сонетах, посвященных прекрасным дамам, с равным восхищением могут описываться и их прелестные волосы, и насекомые, ползущие по ним), восторженность и грубость и так далее. На одном полюсе искусства барокко — образ бунтаря, свободного и безудержного, не вписывающегося в привычные границы поведения, как, например, Дон Жуан, попирающий верность в любви, каждый раз любящий как в первый раз, безжалостно убивающий соперников, или лирический герой произведений Сирано де Бержерака (1619-1655). На другом — бунтарь-пуританин, аскетический и строгий, как герой поэмы “Потерянный рай” великого английского поэта Джона Мильтона (1608-1674). Для барокко и его теоретиков обязательно остроумие как способность сближать понятия (что считалось одним из проявлений разума), а главные качества такой способности — Многосторонность и Прозорливость. Тезауро полагает, что Прозорливость проникает “…в субстанцию, материю, форму, случайность, качество, причину, эффект, цель, симпатию, подобное, противоположное, одинаковое, высшее, низшее, а также в эмблемы, собственные имена и псевдонимы”. Многосторонность же быстро охватывает все эти существа и их соотношения, она “их связывает и разделяет, увеличивает или уменьшает, выводит одно из другого и с поражающей ловкостью ставит одно на место другого” .

Барокко как стиль жизни был характерен, скорее, для придворных, аристократических кругов, но и простонародью были свойственны некоторые проявления этого стиля, выражавшиеся в комических, пародийных или близких к протестантской этике аскетически правильных формах поведения.

Классицизм сложился и наиболее ярко выразился в условиях абсолютной монархии во Франции. Это не значит, что он не имел места в других странах. Классицизм, как и барокко, был имманентно присущ всей культуре XVII века. Если барокко со своим богатством и многообразием ощущений тяготеет к сенсуализму как способу чувственного познания мира, то классицизм требует рационалистической ясности, упорядоченного метода расчленения целого на части и последовательного рассмотрения каждой из них. Для этого необходима внутренняя гармония, чувство меры и душевного равновесия. Менталитету человека, выражающего классицистическую направленность, свойственно стремление к объединению вокруг монарха, упорядоченности. Память о религиозных войнах предыдущего века и желание стабильности заставляли его принять строгую иерархию абсолютизма, жесткую регламентацию королевской власти.

Для классицистов в искусстве характерно создание монументальных произведений, изображение героев действенных, преисполненных жизненной энергии и способных — благодаря умению смирять обуревающие их страсти — подниматься до разрешения сложных, трагических конфликтов. Поэтому театр тяготеет к трагедиям на исторические сюжеты, в которых столкновение долга и чувства всегда кончается победой долга. В этом направлении работали великие французские драматурги — Корнель (1606-1684) и Расин (1639-1699). Но существовала также и комедия классицизма, разоблачающая противоречия окружающего мира, о чем свидетельствует до сих пор не утратившее своей актуальности творчество Мольера (1622-1673).

Для теории классицизма характерен культ разума, который связывает этот стиль с философским рационализмом. Разум в классицизме — источник и мерило прекрасного; для последовательного классициста ценность художественного произведения в значительной мере определяется степенью его логической стройности и ясности, упорядоченностью его композиции. Этим и объясняется склонность классицистов изображать в качестве героев людей, способных даже в моменты самых тяжелых и бурных переживаний трезво мыслить, рассуждать и подчинять свои поступки велению разума . Это же стремление к упорядочению продиктовало разным видам искусства в зависимости от их специфики и определенные правила, по которым эти произведения должны создаваться. Правила эти касались не только темы или сюжета произведения, но и упорядочивали его внутреннюю структуру. Например, в драматургии существовали знаменитые “три единства”: единство места, единство времени и единство действия. Единство места предполагало, что все события совершаются только в одном месте, одной декорации на сцене; единство времени требовало, чтобы действие началось и закончилось в течение одних суток; единство действия требовало, чтобы центральный конфликт был четко определенным и единственным. Наиболее полно нормативную сторону искусства классицизма изложил Никола Буало (1636-1711) в стихотворном трактате “Поэтическое искусство”, где он требовал подчинить художественное вдохновение разуму:

Обдумать надо мысль и лишь потом писать.

Пока неясно вам, что вы сказать хотите,

Простых и точных слов напрасно не ищите…

XVII век подарил человечеству высокие достижения культуры практически во всех областях деятельности. Но отметим еще раз, что это было время контрастов: блеску двора “короля-Солнца” Людовика XIV противостоял нищий, не имеющий не только завтрашнего, но и сегодняшнего дня народ; самым великолепным умам этого века — дворянин, не знающий грамоты и кичащийся этим. Эти контрасты порождают особый драматизм времени, подготовивший как идеи Просвещения, так и последующую множественность в развитии культуры Новейшего времени.

В искусстве и архитектуре XVIII столетия преобладали два фундаментальных стиля – барокко и классицизм. Они не случайно довольно долго сосуществовали рядом, в одну эпоху. Нельзя не отметить их тесную взаимосвязь, хотя и характерных, присущих лишь конкретному направлению особенностей тоже наберется немало. В чем же отличие барокко и классицизма и как при взгляде на картину или здание определить, к какому же стилю они относятся?

Определение

Барокко – художественный стиль, зародившийся в Италии и распространенный в европейском искусстве до середины XVIII века.

Барокко

Классицизм – художественный стиль, характерный для искусства Европы и особенно ярко проявившийся во второй половине XVIII века.

Классицизм

Сравнение

Барокко и классицизм – направления-антагонисты, хотя у них есть и немало общих черт, ведь формировались они в одну эпоху.

Характерные черты стиля	Барокко	Классицизм
Общие	Призван продемонстрировать роскошь и богатство. Повышенная эмоциональность. Динамизм. Сущность жизни – в движении и в борьбе переменчивых стихий. Иррационализм, мистика, экспрессия. Подчеркнутая театральность, декоративность, экзальтация.	Воплощение лучших образцов античности. Спокойствие и утонченность. Ясность и лаконичность. Благородная простота. Стремление к идеальности. Рационализм. Следование принципам порядка, единообразия, согласованности.
В архитектуре	Вычурность и сложность форм. Парадность и напыщенность. Популярность пространственных иллюзий, искажающих пропорции здания. Гигантские размеры. Игра света и тени.	Ощущение величия. Четкая планировка, масштабность и строгость форм. Равновесие частей, гармоничность пропорций. Регулярность планировки. Функциональность, упорядоченность.
В интерьере	Пышность, величие, сочность, пространственный размах. Преобладание изогнутых линий, лакировки. Обилие декора и инкрустаций. Богатство отделки (золото, мрамор, мозаика, кость). Изощренный витиеватый орнамент. Мебель очень массивна и сложна по форме, изобилует украшениями.	Четкие геометрические формы. Сдержанность в декоре. Использование в отделке дорогих материалов, но без излишеств. Простота линий, гармоничность цветовых сочетаний. Орнамент с античными мотивами, строгий и геометричный. Максимальная функциональность и конструктивность мебели.
В искусстве	Динамизм композиций. Интерес к триумфам, экстатическим проявлениям натуры. Грандиозность, драматическое напряжение.	Уравновешенная композиция, логическое развертывание сюжетной линии. Отсутствие проявления ярких эмоций.

Выводы сайт

1. Барокко отличается буйством и динамичностью форм. Для классицизма характерны стройность и равновесие всех деталей.
2. Барокко ставит во главу угла роскошь, пышность, блеск, напыщенность, богатство отделки. Классицизм ценит сдержанность и простоту линий, декор используется очень аккуратно.
3. В барокко используются пространственные иллюзии, искажающие пропорции и придающие масштабность. Классицизм зиждется на гармоничности пропорций, берущих начало в античной традиции.

Искусство и теория в барочной Европе: классицизм

© Christopher L.C.E. Witcombe

Классицизм Хотя ортодоксальная история искусства рассматривала классицизм в первую очередь как безобидную стилистическую концепцию, этот термин, тем не менее, имеет значительный идеологический вес. Начиная с эпохи Возрождения, классицизм стал центральным в нашем мышлении (сознательном или подсознательном), заключая в себе самые высокие устремления западной цивилизации. Термины «классический», «классический», «классицизм» со временем стали ассоциироваться с понятиями истины, добра, чистоты, опрятности, правильности, правильности, сдержанности, контроля, нравственности, красоты, гармонии, ясности, равновесия, симметрии, единства. , пропорция, элегантность, порядок, структура, стабильность, разум, мир, покой, честь, достоинство, доблесть, качество, совершенство, вневременность, неизменность, архетипическая форма, героическое, рациональное, идеал и высшее совершенство.Они также могут быть связаны с представлениями о традициях, ортодоксальности, академических канонах, консервативном мышлении, фригидности, патриархате, патриотизме и статус-кво. Древняя Греция и Рим Слова классический, классический, классицизм вызывают прежде всего мысли об античной Греции и Риме. Возможно, первым на ум приходит искусство Греции V века; архитектура Парфенона, скульптура Фидия. Классицизм возрождается и возрождается «Классическое» прошлое было также чем-то, что было возрождено или «перерождено», сначала в эпоху Возрождения, достигнув своей наиболее чистой формы в Высоком Возрождении в картинах Рафаэля, вновь возродившись в 17 веке, на пике своего развития в картины Пуссена («барочный классицизм»), а во второй половине 18 века, особенно в искусстве Жака-Луи Давида («неоклассицизм»).Недавно утверждалось, что классицизм снова возродился в постмодернистский период. Классицизм как стилистическая концепция Как и многие другие термины в истории искусства (например, Ренессанс, Сюрреализм), «классический» и «классический» первоначально применялись к литературе, и хотя впоследствии они использовались для обозначения искусства древней Греции, Рима и эпохи Возрождения, их использование в изобразительном искусстве искусство датируется только 17 веком. С 17 века значение этих терминов претерпело два явных изменения.Под «классикой» стали понимать лучшее в своем роде (Вельфлин использует его в этом смысле, когда говорит о Высоком Возрождении в своей книге «Классическое искусство »). С другой стороны, «классический» обычно относится к искусству Греции V века. Однако, согласно общепринятому мнению, искусство Греции V века также является «классическим», представляющим собой высшее достижение греческого искусства. Восприятие (используя идею органического роста) таково, что из времени «рассады» архаического периода греческое искусство «расцвело» в классическом только для того, чтобы «увядать» в эллинистическом.Это понятие органического роста также применяется к более поздним периодам. Высокое Возрождение было «расцветом», за которым последовал упадок маньеризма и/или барокко. Классическое барокко превратилось в рококо, неоклассицизм в романтизм. Классицизм и идеализм Появление философии неоплатонизма во Флоренции 15 века привнесло в современное мышление взгляды Платона на поэзию и искусство и его концепцию форм (идей). Стало утверждаться, что классические художники достигли совершенства в своем искусстве, рисуя или ваяя не несовершенный мир, воспринимаемый чувствами, а неизменные, вечные платоновские формы, задуманные в уме.В эпоху Возрождения и более поздние периоды классическое искусство считалось образцом, который художники должны изучать и пытаться подражать, если они хотят усовершенствовать свое искусство. Классицизм и Академия С основанием академий искусств, особенно Французской академии в 17 веке, античное или классическое искусство стало стандартом для всех будущих достижений. Академии пытались определить классицизм как норму в искусстве. Таким образом, классицизм стал тесно связан с Академией.Наиболее влиятельные академии подчинялись государству, если не поддерживали его напрямую. Академическое, или классицизирующее, искусство стало тем самым связываться с властной структурой и властными отношениями в обществе. Но это, возможно, также верно в Афинах 5-го века и в Риме Высокого Возрождения. Классицизм и идеология Классицизм несет в себе едва скрываемую структуру ценностей, которая наполняет и лежит в основе наших фактических утверждений. С классицизмом связаны способы чувства, оценки, восприятия и веры, которые имеют какое-то отношение к поддержанию и воспроизводству социальной власти.Ценности классицизма — это те, которые господствующая структура власти хочет сохранить в обществе. Классицизм и женщины Классическое искусство также играет роль на службе гендерной идеологии, передавая идеи о социальном порядке через представление женской сексуальности. Темы и стили классицизма часто служат рецептом отношений между мужчинами и женщинами. Было замечено, что классицизм приглушает женщин, подразумевая неравное разделение власти между мужчинами и женщинами.В патриархальной традиции классицизма на Западе люди и их ценности находились в привилегированном положении. Классицизм можно понимать как патриархальный прием, используемый для демонстрации морального и физического превосходства мужчины над женщиной. Если говорить более тонко, это убедило женщин в том, что возможно и даже желательно стать похожими на мужчин. Классицизм и история искусств История православного искусства как академическая дисциплина, впервые построившая «историю искусства» якобы по стилистическим линиям, имела тенденцию изображать эту историю в основном с точки зрения подъема и падения классицизма.«Расцвет» классического искусства (возвращение к органической модели) в Древней Греции и последующие возрождения и возрождения сходного с ним искусства (классицизма) в более поздние периоды в каждом случае расцениваются как высшая точка в истории искусства. . В конечном счете, классицизм является высшим достижением, по которому измеряется все остальное искусство. СПИСОК ДЛЯ ЧТЕНИЯ: Классическая Греция: Эрвин Панофски, Идея: концепция теории искусства , Нью-Йорк, 1968.Искусство и его значение: антология эстетической теории, изд. Стивен Дэвид Росс, Олбани, 1984 год. Моше Бараш, Теории искусства от Платона до Винкельмана , Нью-Йорк, 1985. Бенджамин Роуленд, Классическая традиция в западном искусстве , Кембридж, Массачусетс, 1963. Т. Б. Л. Вебстер, «Платон и Аристотель как критики греческого искусства», Symbolae Osloenses , XXIX, 1952, стр. 8–23. Плиний, Книга XXXV, Естественная история , Классическая библиотека Леба, том.IX, пер. Х. Рэкхэм, Кембридж, Массачусетс, 1952, с. 301 и далее. Итальянское Возрождение: Эрвин Панофски, Идея: концепция теории искусства , Нью-Йорк, 1968. Эрвин Панофски, Ренессанс и возрождение в западном искусстве , Стокгольм, 1960. Леоне Баттиста Альберти, О живописи и скульптуре , изд. и транс. Сесил Грейсон, Лондон, 1972 год. Моше Бараш, Теории искусства от Платона до Винкельмана , Нью-Йорк, 1985. Белостоцкий, «Концепция природы и античности эпохи Возрождения» в Ренессанс и маньеризм, Исследования западного искусства, Акты Двадцатого Международного конгресса по истории искусства , Принстон, 1963, том. II, стр. 19-30. Э. Х. Гомбрих, «Концепция художественного прогресса эпохи Возрождения и его последствия», в «Норма и форма: исследования искусства эпохи Возрождения », Лондон, 1971, с. 1-10. Джорджио Вазари, Жизнеописания самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов , пер.G. Du C. DeVere, vol. IV, Лондон, 1913 г. Энтони Блант, Художественная теория в Италии 14:50-16:00 , Оксфорд, 1973 Бенджамин Роуленд, Классическая традиция в западном искусстве , Кембридж, Массачусетс, 1963. Сэмюэл Холт Монк, «Грация, недоступная искусству», Журнал истории идей , V, 1944, стр. 131–150. Ренсселер В. Ли, Ut Pictura Poesis: The Humanistic Theory of Painting , Нью-Йорк, 1967. Дэвид Саммерс, Суждение чувств: натурализм эпохи Возрождения и подъем эстетики , Кембридж, 1987. Николас Певзнер, Академии художеств прошлого и настоящего , Кембридж, 1940 Пол Оскар Кристеллер, «Современная система искусств», в Искусство и философия: чтения по эстетике , изд. У. Е. Кенник, Нью-Йорк, 1979, стр. 7–33. Европа 17 и 18 веков: Моше Бараш, Теории искусства от Платона до Винкельмана , Нью-Йорк, 1985. Бенджамин Роуленд, Классическая традиция в западном искусстве , Кембридж, Массачусетс., 1963 год. Иоганн Иоахим Винкельманн, О подражании живописи и скульптуре греков (1755 г.), в Винкельманн: Сочинения об искусстве , изд. Дэвид Ирвин, Лондон, 1972, стр. 61-75. Дэвид, Энгр, в Теории искусства девятнадцатого века , изд. Джошуа С. Тейлор, University of California Press, 1987, стр. 44–45.

Сравнение барокко-натурализма и барокко-классицизма

Для Страстной недели и Пасхальной октавы вот две разные сцены, которые, я надеюсь, позволят нам обдумать время года и наш переход от Великого поста к Пасхе.Первая — это сцена Вербного воскресенья — Вход Христа в Иерусалим. Я дал две картины сцены. Оба написаны художниками 17 века, времен расцвета барокко. Первый принадлежит сэру Антони ван Дейку, который учился у Рубенса и работает в стиле барокко-натурализма (другими художниками в этой форме были бы, например, Веласкес или Сурбаран). Второй — менее известный испанский художник Педро Орренте, которого обучал Эль Греко. Он написал это в 1620 году. При сравнении двух стилей мы видим много общего, но также и различия.Оренте работает в стиле барокко классицизма. Барочный классицизм стремится пробудить ощущение классических дохристианских корней западной культуры и вдохновлен Рафаэлем, художником 100 лет назад. Картины выглядят не так, как мы видим древний Рим сегодня, а так, как это представлялось тогда. Мне кажется, что стилистически это постановочные сцены из пьесы Шекспира. Стилистически, по сравнению с барочным натурализмом, здесь всегда больше цвета, а края более острые и чистые — иногда это может придать им более стерильный и менее живой вид.Напротив, натуралистический стиль барокко гораздо больше использует монохромный и широкий фокус и имеет более энергичное, спонтанное ощущение. Обычно я предпочитаю барочный натурализм. Для современного глаза, хотя однажды было указано, что мы можем различать эти два потока, они все еще выглядят похожими. Однако в то время каждая школа считала себя очень отличной от другой. Каждый считал свою форму более подлинной формой священного искусства и мог быть откровенно грубым и пренебрежительным по отношению к другому. Пуссен олицетворяет стиль барокко-классицизма.

После эпохи Просвещения два потока искусства барокко разделились и стали направлениями романтизма и неоклассицизма. Понимание натурализма как христианской традиции было утрачено в этот момент, и, следовательно, развитие, хотя вначале едва заметное, было отходом от барокко, и, таким образом, мы потеряли последнюю подлинную христианскую традицию в сакральном искусстве.

Вторая пара картин сцены после Воскресения — noli me tangere. На этот раз предложение в стиле барокко-натурализм исходит от Алонсо Кано, испанского художника 17 века, у которого был тот же учитель, что и у Веласкеса, Франческо Пачеко. Кано, пожалуй, более известен своей полихромной резьбой по дереву (т.е. раскрашенной в разные цвета). Роспись в стиле барокко-классицизма на этот же сюжет выполнена немецким художником 18 века Антоном Рафаэлем Менгсом.

сэр Энтони Ван Дайк

Pedro Orrente

Alonso Cano

Anton Raphael Mengs

Как правило, мои предпочтения для стиля натурализма барокко. Тем не менее, я чувствую, что Менгс хорошо справляется с этой темой.Обратите внимание, как лицо Христа находится в тени, так что мы обращаем внимание на всю личность Христа. Это также противостоит той опасности натуралистического искусства, что когда мы смотрим на картину, мы видим не Христа, а портрет модели, одетой в старомодное платье.

Классицизм барокко

В этой статье объясняется стилистическое движение барокко в 17 и начале 18 веков, включая живопись и французскую архитектуру. Об эпохе конца 18 — начала 19 веков см. Классицизм.Дом инвалидов в Париже, одно из главных произведений классицизма в стиле барокко во Франции (1679–1708).

С концепцией классического барокко (также барокко классицизм , барокко классицизм или французский классицизм ) описывает выравнивание в искусстве барокко и архитектуре в их рациональной конструктивной форме в высшей степени орнаментально-подвижной, эмоциональной и драматичной версия барокко отличается. Эпоха охватывает весь 17-й и начало 18-го века примерно до 1750 года.Классицистические проявления примерно с 1750 года уже относятся к эпохе актуального классицизма и также могут быть переходными формами или смесями с предшествующим поздним барокко или рококо уже не могут быть правильно отнесены к классическому барокко.

живопись

В эпоху барокко, т.е. с конца 16 до середины 18 века, существовали разные течения в живописи, такие как Б. довольно мрачный и суровый стиль Тенеброзо последователей Караваджо (караваджистов ) или буйный и яркий стиль Рубенса и его последователей. Другие живописцы воздавали должное более умеренному и элегантному классицистическому идеалу, который был, с одной стороны, более сильно ориентирован на искусство античности, но также и на определенные модели и идеалы Возрождения, такие как Б. в искусстве Рафаэля или Раннее творчество Тициана.

Довольно плавное нанесение краски и баланс между дизайном и цветом характерны для живописи классицизма в стиле барокко; Чрезвычайно живописные эффекты, такие как пастозное нанесение краски, плавные мазки или мерцающие, почти импрессионистические эффекты, такие как те, что встречаются в среднем и позднем Тициане, Тинторетто, Рубенсе, Веласкесе и Мадридской школе живописи, избегаются. ^[1] Вместо этого предпочтительнее четкое обозначение. Картина светлая, с уравновешенными, не слишком взволнованными композициями и насквозь светлой, но также гармонично уравновешенной, местами и прохладной цветовой гаммой — без преобладания теплых, но и кричащих красных и желтых тонов, как у Б. Рубенса, а по возможности никаких уродливых фигур, как это часто бывает у Караваджо. Также избегают сильно драматического «беспорядка» или потасовки в композиции, которые иногда встречаются в живописи барокко (например, Рубенса, Гверчино).

Это классицистическое направление живописи изначально положило начало барокко и возникло к концу XVI века как противодействие маньеризму, который с его часто искусственными позами и востребованными цветовыми эффектами воспринимался некоторыми как неестественный. Одним из первых и наиболее радикальных представителей нового, более простого и упорядоченного классицизма с обращением к Рафаэлю был влиятельный кавалер д’Арпино в Риме. ^[2] В Болонье были братья Агостино и Аннибале Карраччи и ее двоюродный брат Лодовико за более естественный и реалистичный стиль, который они пытались реализовать, в том числе, от возврата к античности и идеалам Возрождения.В то же время, однако, их новое искусство должно быть не просто подражанием, но показать больше движения и драматизма, чем Ренессанс.

У Карраччи было много учеников и последователей, известных как болонская или эмилианская школа, которые также работали в основном в Риме. Среди них были Гвидо Рени, Джованни Ланфранко и Доменикино, которые, в противовес современному караваджизму, стремились культивировать светлую и жизнерадостную живопись с фигурами, соответствующими классическому идеалу красоты, и которые, в дополнение к картинам маслом , также создал важные фресковые украшения.Андреа Сакки и французы Симон Вуэ, Эсташ Ле Сюер и Николя Пуссен
также входят в число наиболее важных представителей барочного классицизма, которые все хотя бы временно жили в Риме. Пуссен провел очень подробные исследования античного искусства. Его собственная живопись вначале была относительно взволнованной и барочной, но очень скоро развилась в более спокойном и рациональном направлении, ставшем воплощением классицизма и образцом для французского искусства позднего Луи-Трейза и всей эпохи Людовика-Кваторза.При этом Пуссен также включал живописные эффекты преемника Тициана, но никогда не становился «доимпрессионистом». Кроме того, в Риме также работали художники-пейзажисты Франческо Альбани и Клод Лоррен, часто изображая в своих пейзажах мифологические или библейские сцены.
Во второй половине XVII века, то есть в эпоху высокого барокко, появилось новое поколение живописцев, за которым последовал римский герой Карло Маратта, ученик Сакки, также идеал классицизма.Говорят также о римском классицизме .

В некоторых случаях художник эпохи мог пройти разные этапы. Например, необычайно разносторонний неаполитанец Лука Джордано начинал как караваджист, затем долгое время создавал произведения, которые находились больше под влиянием Пьетро да Кортона и могут считаться воплощением барокко, но можно найти и его картины ( около 1680 г.), которые являются более классическими, находятся под влиянием.

Иногда голландская живопись также используется художниками-жанристами с крутыми наблюдениями, такими как Б.Яна Вермеера называют классиком или классицистом.

• Классицистическая барочная живопись

архитектура

Временная и пространственная классификация

Классицистическая барочная архитектура восходит в своей концепции к теориям Леона Баттиста Альберти ^[3] Он использовал средства выразительности, уходящие своими корнями в рецепцию античности в эпоху Возрождения и ставшие основой более позднего классицизма, но четко отделяемые от них во времени и начавшиеся примерно на столетие раньше классицизма в истинный смысл этого слова. ^[4] Эта форма искусства была в основном для архитектуры Англии ^[5] и Франции ^{[6] [7]} и продолжалась со второй половины 17 века до середины 18 века. переход от барокко к классицизму был плавным.

За пределами немецкоязычного региона «настоящий» классицизм (т.е. стиль с середины 18-го до примерно середины 19-го века) называется «неоклассицизмом», тогда как неоклассицизм в немецком языке описывает классицистические движения в 20 веке.

Стилистические приемы

Типичными элементами оформления фасадов зданий были конструктивные формы, заимствованные непосредственно из эпохи Возрождения: треугольные фронтоны, заимствованные из храмовой архитектуры, колоннады, а также колонны и пилястры в колоссальном порядке – они также часто использовались дважды. Также были распространены частое использование натурального камня и отказ от цветной штукатурки.

Что бросается в глаза, так это аддитивное использование основных геометрических форм, таких как прямоугольники, круги или, реже, овалы, но в то же время отказ от кривых в фасадах и планах этажей, в остальном характерных черт архитектуры барокко. В качестве типичной отличительной черты барокко — и, таким образом, в отличие от более позднего классицизма — можно найти пышные фигурные украшения из скульптур, декоративных ваз или трофеев, а павильонная система также широко распространена в светских зданиях.

Версальский дворец: Для садового фасада характерны горизонтальные и вертикальные линии, изогнутых линий нет. Боковые ризалиты подчеркнуты на основном этаже двойными колоннами, средний — колоннадой. Балюстрада крыши украшена вазами и трофеями.

распространение

Классицизм барокко Франции

Восточный фасад Лувра (1668–1682 гг.)

Во Франции термин барокко обычно используется для очень динамичного искусства барокко в остальной Европе, особенно в Италии и Испании, в то время как французский вариант обычно упоминается там как Classicisme .Отсюда и немецкое название французской классической музыки. Архитектура барокко во Франции изначально основывалась на итальянских образцах, но затем развивалась в более строгом варианте. ^[7] Классицистическое барокко было введено Франсуа Мансаром при Людовике XIV и оставалось основой французской архитектуры до начала 19 века. ^[8th]

Строгий вариант архитектурного стиля появился как подходящее средство выражения для воплощения формы правления абсолютизма.Самые известные архитекторы этого времени включают Луи Лево, Клода Перро и Жюля Ардуэна-Мансара. Наиболее важные и определяющие стиль работы этой эпохи включают восточное крыло Лувра, Версальский дворец (особенно садовый фасад), Большой Трианон и, среди священных зданий, церковь и (бывший) монастырь Валь- де-Грас, Дом Инвалидов и церковь св.-Сюльпис в Париже, внутренний дизайн которой был образцом почти для всех барочных церквей Франции, собор Б. Нанси.

Классицистическое барокко в Англии

Барокко в Англии было сильно основано на палладианстве. Этот стиль, полученный из работ Андреа Палладио, был представлен в Англии в начале 17 века Иниго Джонсом, в значительной степени верным оригиналу, и формировал английскую архитектуру в течение двух столетий. ^[3] Переходы от палладианства к особым формам английского барокко происходили почти незаметно. Живой стиль барокко, основанный на римских моделях, был отвергнут в Англии как слишком католический и поэтому мало повлиял на архитектуру ^[3] , вместо этого были включены голландские влияния.

Кристофер Рен, Джон Ванбру, Николас Хоксмур и Уильям Талман были одними из самых важных архитекторов эпохи английского барокко. Главное сакральное произведение английского барокко — собор Святого Павла в Лондоне, к наиболее важным светским постройкам относятся дворец Бленхейм, Чатсуорт-Хаус и замок Говард.

Классицистическое барокко в Германии

В целом, архитектура немецкого барокко характеризуется сильным региональным разнообразием из-за децентрализованного характера Священной Римской империи.Протестантские территории часто ближе к классическому барокко, прежде всего Марк Бранденбург, позже Королевство Пруссия. Начиная с Иоганна Арнольда Неринга, классицистическое барокко нашло свою первую высшую точку в искусстве Андреаса Шлютера, влияние Бернини в дополнение к голландским монетам, которое, в свою очередь, было архитектурно склонно к барочному классицизму. Рококо Фредерика следовал французской модели в соответствии с внешней и классической формой идей, таких как Потсдамский дворец, собор Св.Собор Хедвиги или Новый дворец.

Примеры барочного классицизма за пределами Пруссии можно найти в резиденции Ансбах или в оранжерее в Касселе. Везерское барокко — региональный вариант классицистического барокко.

Наиболее значимой архитектурной теорией классицистического барокко в Германии и за ее пределами является работа Николауса Гольдмана, приехавшего из Бреслау и преподававшего в Лейденском университете. Его трактаты были снабжены многочисленными иллюстрациями Леонарда Кристофа Штурма и опубликованы, причем Штурм также внес свой вклад в теорию архитектуры.

Классицистическое барокко в Италии

Даже для итальянского высокого барокко характерен определенный контраст между классическими и антиклассическими тенденциями. Своими проектами для Лувра Бернини значительно повлиял на созревание классицистического барокко во Франции, а также предоставил модели для классицистического барокко, такие как Королевский дворец в Стокгольме. В самой Италии колоннады собора Святого Петра можно отнести к классицистическому барокко. Французское влияние также стало заметным в Италии к концу 17 века.Для ведущего итальянского архитектора начала 18 в. Филиппо Юварра характерна общая тенденция к эклектике, существенным элементом которой является барочный классицизм. Наиболее ярким примером этого направления является Палаццо Мадама в Турине. Ближе к концу барокко и уже при переходе к классицизму неаполитанский королевский замок Казерта представляет собой самый монументальный пример классицистического барокко в Италии.

Классицистическое барокко в Северной Европе

Примеры более сдержанных форм барокко также можно найти в протестантских странах Северной Европы.В частности, в Нидерландах говорят о голландском классицизме . ^[9] Примеры: замок Хет-Лоо недалеко от Апелдорна, который также известен своим садом во французском стиле, Королевский дворец в Амстердаме (бывшая ратуша Paleis op de Dam ), замок Huis ten Bosch и замок Mauritshuis в Гаага . Все упомянутые здания были построены в 17 веке.

Королевский дворец Стокгольма в Швеции, построенный между 1697 и около 1730 ^[10] , также характеризуется трезвыми и монументальными классическими формами.

Другое

Иногда в районах, находящихся под сильным влиянием итальянского барокко, встречаются отдельные случаи более «классической» архитектуры барокко. Примером этого является дворец Шенбрунн в Вене, который следует французской модели Версаля больше, чем другие здания южного немецко-австрийского барокко (или рококо). Кроме того, фасады Шенбрунна в их нынешнем виде (по состоянию на 2018 год) были упрощены только между 1817 и 1819 годами под руководством придворного архитектора Иоганна Амана за счет различных вмешательств, таких как удаление лепных элементов и другая цветовая гамма. чтобы отразить модные ныне идеалы бидермейера, чтобы соответствовать классицизму. ^[11]

Некоторые здания, построенные около 1750 г., несут на себе следы стилистического перехода, т. е. смешения элементов рококо или позднего барокко с элементами актуального классицизма. Примером тому является Новый дворец в Потсдаме, построенный для Фридриха Великого в 1760-х годах, построенный по палладианским и английским образцам, ^[12] , но до сих пор содержащий различные залы в стиле рококо (помимо других классицистических создание комнаты или смешанные стили). . В таких случаях уже нельзя корректно говорить о «классическом барокко».

См. также

Источники и литература

• Рольф Томан (ред.): Искусство барокко . Кенеманн, 1997, ISBN 3-89508-991-5
• Вильфрид Кох: Архитектурный стиль . Bertelsmann Lexikon Verlag, 2005, ISBN 3-577-10457-0
• Николаус Певзнер, Хью Онор, Джон Флеминг: Лексикон мировой архитектуры . Prestel, 1992, ISBN 3-7913-2095-5

Отдельные свидетельства

1. ↑ Исключением является Пуссен, который включает живописные эффекты в преемника Тициана, но никогда не становится «импрессионистским». Эльфрида Иби и Александр Коллер: Schönbrunn , Verlag Christian Brandstätter, Вена, 2000, стр. 247 и 251
2. ↑ Потсдамская архитектура: палладианский классицизм Фридриха II. Автор: Каниа, Ханс доктор (1878–1947), год публикации: 1915 (в Интернете по адресу Lexikus.de , по состоянию на 6 января 2014 г.).

Классицизм и барокко — HART5040 — Модули

Обзор

Организационный принцип этого курса взят из книги Джованни Пьетро Беллори Vite de’ Pittori et Architetti Moderni (1672).Выбрав небольшую группу из двенадцати образцовых художников для своей истории, Беллори использовал художественную биографию, чтобы изложить свою теорию искусства, основанную на Идее. Это наметило средний путь между натурализмом и маньеризмом, благодаря которому подражание природе, основанное на принципах античного искусства, создавало произведения, превосходящие природу. Среди художников, включенных в корпус Беллори, Аннибале и Агостино Карраччи, Микеланджело да Караваджо и неитальянские художники Николя Пуссен, Питер Пауль Рубенс и Антонис Ван Дейк. Несколько ведущих художников того периода были исключены из канона, в частности Джан Лоренцо Бернини, Франческо Борромини и Пьетро да Кортона. По-видимому, Беллори имел в виду этих художников, когда осуждал своих современников, которые «безумно жонглируют углами, пробелами и извилистыми линиями, разлагают базы, капители и колонны лепной чушью, тривиальным орнаментом и диспропорциями». Эстетические и теоретические суждения, которые легли в основу исключения Беллори художников из своей книги, можно увидеть в этой цитате.В искусствоведческой литературе этого периода такие критические суждения объясняются дихотомией «классицизма» и «барокко» (хотя в то время это не были термины). Вслед за Риглом и Вельфлином барокко было определено в противоположность классическому искусству как искусство становления, а не бытия, обращение к эмоциям, а не к интеллекту, посредством тактильного вызывания явлений. Часто теоретическое письмо того периода характеризовалось как реакция против или не имеющая отношения к тому, что было действительно новаторским в творчестве художников барокко, таких как Бернини и Борромини. Эти обобщения будут проверены путем тщательного изучения произведений названных выше художников, а также путем изучения того, как они могут быть связаны с современными художественными дебатами, такими как дебаты во Французской Королевской академии об относительных достоинствах Пуссена и Рубенса или между Андреа Сакки и Пьетро да Кортона в Риме из-за количества фигур, которые должны быть включены в повествовательную картину. Помимо изучения острого интереса к стилистической критике в семнадцатом веке, изучение отдельных художников также будет включать рассмотрение роли их покровителей, особенно их идеологических, религиозных и антикварных интересов.Хотя курс будет продвигаться путем изучения отдельных художников примерно в хронологическом порядке, трактовка будет скорее тематической, чем монографической. Лекции в начале и в конце курса будут знакомить и обобщать более общие историографические темы; остальные лекции будут посвящены таким художникам, как Караваджо, Аннибале Карраччи, Бернини, Борромини, Пьетро да Кортона, Пуссен, Рубенс и Ван Дейк.

Детали

Часы работы

10 двухчасовых лекций, 10 двухчасовых семинаров, как минимум одна организованная поездка в Лондон для ознакомления с искусством барокко в национальных коллекциях (напр.г. в типографии Британского музея), обычно в течение 4 часов контакта.
Остальные часы обучения, необходимые для получения 30 кредитов, будут состоять из частных занятий по направленным учебным задачам.
Всего учебных часов: 300.

Метод оценки

100% курсовая работа: критический дневник (10%), групповая презентация (40%) и эссе на 3000 слов (50%).

Ориентировочное значение

Э. Кроппер, Дело Доменикино (Нью-Хейвен и Лондон, 2005 г.).
Ф. Э. Кроппер и К. Демпси, Николя Пуссен. Дружба и любовь к живописи (Принстон, 1996).
Хаскелл, Покровители и художники: исследование отношений между итальянским искусством и обществом в эпоху барокко (Лондон, 1963).
Л. Марин, Уничтожить живопись (Чикаго и Лондон, 1995).
Р. Витковер, Искусство и архитектура в Италии 1600–1750 гг. (3-е издание, Лондон, 1973 г.).

См. список чтения библиотеки для этого модуля (Кентербери)

Результаты обучения

По завершении этого модуля студенты будут иметь:

1.Проанализировано на основе изучения ключевых художников (таких как Караваджо, Аннибале Карраччи, Бернини, Борромини, Гверчино, Клод, Пьетро да Кортона, Пуссен, Рубенс и Ван Дейк), почему художественному стилю придавалось такое значение в Европе семнадцатого века. и как это явление было сформировано историческим знанием различных стилей художников эпохи Возрождения (таких как Рафаэль и Тициан) и искусства античности.
2. В связи с анализом стиля рассмотрено иконографическое содержание ключевых произведений искусства, сопоставлены трактовки библейских и мифологических сюжетов разными художниками.
3. Изучил контекст, в котором и функции, для которых были созданы важные произведения семнадцатого века; например, театральное прославление власти в работах Бернини и Рубенса или, альтернативно, произведения, созданные для удовлетворения частных антикварных интересов покровителей, таких как Кассиано даль Поццо.
4. Проанализированы формальные и стилистические свойства произведений искусства семнадцатого века, в частности произведения художников, обсуждаемые на лекциях, основанные на знании художественных приемов и методов работы, а также на непосредственном контакте с произведениями искусства в британских коллекциях ( я.е. национальные коллекции, доступные для людей с ограниченными физическими возможностями).
5. Концептуальное понимание критического обзора литературы семнадцатого века об изобразительном искусстве, в частности итальянских биографов и теоретиков (например, Беллори), и критики, связанной с французской Королевской академией (например, Фелибьен, Де Пилес).

Примечания

2. Кредиты ECTS признаются во всем ЕС и позволяют легко переводить кредиты из одного университета в другой.
3. Указанный организатор является организатором текущей академической сессии.

Вернуться к началу

Кентский университет прилагает все усилия, чтобы обеспечить точность информации о модуле для соответствующей академической сессии и предоставить образовательные услуги, как описано. Однако курсы, услуги и другие вопросы могут быть изменены. Пожалуйста, прочитайте наш полный отказ от ответственности.

от барокко до классицизма

Коллекции от барокко до классицизма содержат канцелярские и светские свидетельства придворной и бытовой культуры барокко и рококо, а также шедевры классицизма под влиянием духа времени Просвещения.С самого начала высококачественное народное искусство из Северной Германии, в частности из Фирланде, также систематически интегрировалось в коллекцию. Некоторые великолепные моменты можно найти в коллекции резьбы по дереву, бронзы и терракотовых моделей из Италии, Франции, Германии, Англии и Нидерландов. Помимо выдающихся произведений религиозного, светского или мифологического содержания, таких как «Времена года» Филиппо Пароди, именно терракоты устанавливают международный рейтинг коллекции; Модель Доменико Гвиди для мраморной скульптуры, прославляющей деяния короля Людовика XIV, является лишь одним из примеров.Шедевры искусства слоновой кости в стиле барокко 17-го и 18-го веков, в том числе «Адам и Ева» Леонарда Керна или портретный бюст Иоганна Кристофа Людвига Люке, дополняют ассортимент коллекции. Выдающиеся запасы европейского фаянса и фарфора включают образцовые изделия самых известных производителей, что делает это собрание одной из самых значительных коллекций в Германии. Ювелирная мастерская с ее многочисленными репрезентативными экспонатами является еще одной изюминкой коллекции. Хорошими примерами являются единственная недавно приобретенная сервантная тарелка для гамбургеров Дириха Утермарке и серебряная супница в стиле раннего классицизма работы Роберта-Жозефа Августа из Парижа, принадлежащие MKG с 1911 года и до сих пор остающиеся непревзойденными в любом немецком музее.Мебель, поступающая в основном с территории Германии, систематически собиралась с учетом эволюции мебели. Работы варьируются от средневековых сундуков до многофункциональной мебели в стиле классицизма, такой как механическая консоль из мастерской Рентгена. Его инновационный дизайн знаменует собой начало серийного производства и, таким образом, уступает дорогу современности.

От барокко до классицизма Коллекции содержат канцелярские и светские свидетельства придворной и повседневной культуры барокко и рококо, а также шедевры классицизма под влиянием духа времени Просвещения. С самого начала высококачественное народное искусство из Северной Германии, в частности из Фирланде, также систематически интегрировалось в коллекцию. Некоторые великолепные моменты можно найти в коллекции резьбы по дереву, бронзы и терракотовых моделей из Италии, Франции, Германии, Англии и Нидерландов. Помимо выдающихся произведений религиозного, светского или мифологического содержания, таких как «Времена года» Филиппо Пароди, именно терракоты устанавливают международный рейтинг коллекции; Модель Доменико Гвиди для мраморной скульптуры, прославляющей деяния короля Людовика XIV, является лишь одним из примеров.Шедевры искусства слоновой кости в стиле барокко 17 и 18 веков, в том числе «Адам и Ева» Леонарда Керна или портретный бюст Иоганна Кристофа Людвига Люке, дополняют ассортимент коллекции. Выдающиеся запасы европейского фаянса и фарфора включают образцовые изделия самых известных производителей, что делает это собрание одной из самых значительных коллекций в Германии. Ювелирная мастерская с ее многочисленными репрезентативными экспонатами является еще одной изюминкой коллекции. Хорошими примерами являются единственная недавно приобретенная сервантная тарелка для гамбургеров Дириха Утермарке и серебряная супница в стиле раннего классицизма работы Роберта-Жозефа Августа из Парижа, принадлежащие MKG с 1911 года и до сих пор остающиеся непревзойденными в любом немецком музее.Мебель, поступающая в основном с территории Германии, систематически собиралась с учетом эволюции мебели. Работы варьируются от средневековых сундуков до многофункциональной мебели в стиле классицизма, такой как механическая консоль из мастерской Рентгена. Его инновационный дизайн знаменует собой начало серийного производства и, таким образом, уступает дорогу современности.

Барокко, французский классицизм, Пуссен и рококо

Лекиф с «Госпожа и служанка» тема- ок.440 г. до н.э., Афины. белый фон и чернофигурное украшение с элементами темперы, высота 15 дюймов Музей изящных искусств Бостон Классический, Греция Муза горы Ваза Лекифа, 5 век до н. э., 10,5 дюйма

Ода греческой вазе Джон Китс. 1795-1821 ТЫ до сих пор не разлучил невесту тишины, Ты, приемный ребенок Тишины и медленного Времени, Сильванский историк, который может так выразить Цветочный рассказ слаще, чем наша рифма: форма Божеств или смертных, или обоих, В Темпе или долинах Аркадии? Что это за люди или боги? Что за девицы? Что за безумная погоня? Какая борьба за побег? Какие дудки и тимпаны? Какой дикий экстаз? Услышанные мелодии сладки, но неслыханные слаще; посему, мягкие дудочки, продолжайте играть; Не чувственному уху, а милее, Духу вострубить частушки беззвучные: Прекрасная юность, под деревьями, ты не можешь оставить Твою песню, и те деревья никогда не могут быть голыми; Смелый любовник, никогда, никогда нельзя целовать тебя, Хоть и побеждая у цели, — все же не горюй; Она не может увянуть, хоть блаженства твоего нет, Вечно будешь ты любить, и она будет прекрасна! Ах, счастливые, счастливые веточки! что не может сбросить Твои листья и никогда не проститься с Весной; И, счастливый мелодист, неутомимый, Вечно напевая песни, навечно новые; Больше счастливой любви! более счастливой, счастливой любви! Навсегда согреться и по-прежнему наслаждаться, Навсегда задыхаться и вечно юна; Все, что дышит человеческими страстями высоко вверху, Что оставляет сердце высоко печальным и пресыщенным, Горящий лоб и пересохший язык. Кто эти идут на жертву? К какому зеленому алтарю, таинственный жрец, Веди ты эту телицу, мычащую в небеса, И все ее шелковые бока гирляндами одели? Какой маленький городок у реки или на берегу моря, Или в горах, построенный с мирной цитаделью, Опустошен ли его народ в это благочестивое утро? И, городишко, улицы твои навеки Молчат; и ни одна душа, чтобы сказать Почему ты опустошен, может когда-нибудь вернуться. О чердачная форма! справедливое отношение! с породой Мраморных мужчин и девиц, переутомленных, С лесными ветвями и вытоптанным сорняком; Ты, безмолвная форма! Дост дразнит нас из мыслей Как вечность: Холодная пастораль! Когда состарится этот род, Ты останешься среди других горя Чем наш, другом человека, которому ты скажешь: «Красота есть истина, истина красота, — вот и все Вы знаете на земле, и все, что вам нужно знать.’

Различия между барокко и классической музыкой

Различия между барокко и классической музыкой

Одним из выдающихся различий между этими ключевыми периодами западной классической музыки является изменение творческого мышления. Музыка барокко, которую мы отчетливо слышим в музыке такого композитора, как И. С. Бах, — это текстурная сложность и преобладание полифонического письма. Классический период резко отошел от этого плотного, сложного композиционного стиля в сторону четкой мелодической линии и аккомпанемента; или гомофония.Это не означает, что, например, Моцарт или Гайдн отказались от более ранних музыкальных форм и элементов фуги в произведениях обоих этих композиторов, особенно в струнных квартетах.

См. также :

Различия между барочной и классической музыкой

В стиле барокко мелодия была склонна к орнаментации. Исполнители того времени были полностью исключены, чтобы хорошо импровизировать и быть знакомыми с условностями, которые окружали разработку мелодии, которую они могли играть.С практической точки зрения это создало каталог декоративных возможностей, которые игроки добавили к своим выступлениям, включая мордента, трели, акчаккатуры и аппоггиатуры , и это лишь некоторые из них.

Добавление этих дополнительных нот добавило роскоши и отделки, характерных для стилей того времени, которые были преимущественно богато украшены. Эти музыкальные украшения стали менее характерными в классический период, поскольку композиторы стремились к чистоте мелодической линии с балансом и уравновешенностью. Возможным исключением является трель, которая часто использовалась для демонстрации виртуозности исполнителя в исполнении и использовалась для завершения музыкального раздела.

Композиторы-классики стали еще более предписывающими использовать нотную запись. В эпоху барокко композиторы регулярно снабжали басовую партию фигурами, которые предлагали использовать аккорды, и ожидали, что исполнители будут использовать их по своему усмотрению. Композиторы-классики гораздо меньше оставляли воображению исполнителя настолько, что в более поздних концертах, например, каденции (сольный отрывок, где исполнитель традиционно импровизирует на заданные темы) были полностью выписаны.

Добавление маркировки громкости (или динамического) становилось все более распространенным явлением в классической музыке, открывая все более широкий спектр выразительных возможностей в отличие от шага (от громкого к тихому или наоборот), подход к динамике, который Композиторы эпохи барокко использовали его с замечательным эффектом.

Музыкальные структуры и формы начали меняться от барокко к классике. Сюита, ​​часто состоящая из шести движений, основанных на более ранних танцах эпохи Возрождения, превратилась в Сонату. Эта форма была разработана в классическую эпоху с явным намерением позволить композитору развивать свои музыкальные темы более широко, чем ожидалось в эпоху барокко.

Соната стала трехчастной формой (быстро – медленно – быстро) и стала ключевым фактором в развитии симфонической музыки в классическую эпоху и далее в романтический период музыки.Что отличало такие формы, как фуга, от сонаты, так это то, что для композиторов-классиков развитие музыкального материала становилось все более доминирующей чертой, а не исследование полифонических структур.

Тональность является доминирующей чертой классической музыки с сильным стремлением к созданию музыкальных произведений, которые вращаются вокруг тоники и доминирующей гармонии . Музыка барокко также была сосредоточена на тональности, но по-другому. В барокко нам труднее определить гармоническую тягу из-за сложности полифонии.

Композиторы-классики стремились придать своим музыкальным формам ясность и простоту, часто за счет гомофонных структур, которые позволяли уху легче различать основные гармонические формы. И барочный, и классический периоды музыки имеют чрезвычайно сложные гармонические произведения, дело в том, что намерения композитора и способы создания этих произведений были радикально различны.

Концерт сохранил свою популярность и в эпоху классицизма, но произошел отход от барочного Концерта гроссо в сторону концерта для одного солирующего инструмента и оркестра.Эти концерты становились все более требовательными к исполнителям, для которых они были написаны, и стали гораздо более публичным зрелищем, чем в прежние времена.

То, что мы слышим в классический период, — это восхождение солистов-виртуозов, что в конечном итоге привело к таким произведениям, как Концерты для фортепиано с оркестром Бетховена. Наряду с концертом появилась классическая симфония, уходящая своими корнями в итальянскую симфонию , но резко переработанная в 18 веке.

Новая классическая симфония позволила создать совершенно новое симфоническое звучание.Оркестр, который мы знаем сегодня, действительно возник в классический период. Ансамбли в стиле барокко стремились к размерам камерных коллективов, насчитывающих, возможно, всего 20-30 исполнителей.

Ранние симфонии Гайдна были рассчитаны на одни и те же силы, но к среднему периоду Гайдна оркестр увеличился почти вдвое. В результате новые инструменты, такие как кларнет, нашли признание в этой оркестровой обстановке, а также в качестве самостоятельного сольного инструмента. Трубы, литавры и более крупные струнные секции, разделенные конкретно на скрипки 1 и 2, альты, виолончели и контрабасы, стали обычным явлением в классическом оркестре.

Клавесин был хлебом с маслом барочного мира. Он действовал как сольный инструмент, а также как бассо континуо с виолончелью или контрабасом, который сопровождал широкий спектр музыки барокко.

По мере того, как классический период занимает свое место, клавесин постепенно исчезает из поля зрения, а центральное место занимает фортепиано. Фортепиано вместо того, чтобы перебирать струны, как клавесин, ударяет по струнам молоточком. Композиторов привлекало фортепиано за его выразительные качества, постоянно увеличивающийся диапазон и надежность.Эта популярность, в свою очередь, привела к появлению некоторых из самых необычных клавишных произведений, когда-либо сочиненных, и к известности Сонаты как музыкальной формы.

Камерная музыка процветала как в барокко, так и в классический период музыки. Одним из существенных отличий стало появление Струнного квартета и Квинтета. Струнный квартет, в частности, стал огромной и важной музыкальной группой в классический период. Гайдн написал шестьдесят восемь струнных квартетов, а Моцарт двадцать три.