Классицизм — Литературные направления и течения — ТЕОРИЯ ЛИТЕРАТУРЫ — краткое содержание — сокращенные произведения по русской литературе — краткое изложение книг — подробный анализ — биографические сведения об авторе — конспекты критических статей — Все произведения школьной программы в кратком изложении

Краткое содержание всех произведений школьной программы. Русская литература

ТЕОРИЯ ЛИТЕРАТУРЫ

Литературные направления и течения

Классицизм

Художественный стиль и направление в европейской литературе и искусстве XVII — нач. XIX веков. Название образовано от латинского «classicus» — образцовый.

Особенности:

1. Обращение к образам и формам античных литературы и искусства как идеальному эстетическому эталону, выдвижение на этой почве принципа «подражания природе», который подразумевает строгое соблюдение незыблемых правил, почерпнутых из античной эстетики (Аристотель, Гораций).

2. В основу эстетики положены принципы рационализма (от лат. «ratio» — разум), который утверждает взгляд на художественное произведение как на создание искусственное — сознательно сотворенное, разумно организованное, логически построенное.

3. Образы в классицизме лишены индивидуальных черт, так как призваны в первую очередь запечатлевать устойчивые, родовые, непреходящие со временем признаки, выступающие как воплощение каких-либо социальных или духовных сил.

4. Общественно-воспитательная функция искусства — воспитание гармонической личности.

5. Установлена строгая иерархия жанров, которые делятся на «высокие» (трагедия, эпопея, ода; их сфера — государственная жизнь, исторические события, мифология, их герои — монархи, полководцы, мифологические персонажи, религиозные подвижники) и «низкие» (комедия, сатира, басня, которые изображали частную повседневную жизнь людей средних сословий). Каждый жанр имеет строгие границы и четкие формальные признаки, не допускалось никакого смешения возвышенного и низменного, трагического и комического, героического и обыденного.

Ведущий жанр — трагедия.

6. Классицистическая драматургия утвердила так называемый принцип «единства места, времени и действия», что означало — действие пьесы должно происходить в одном месте, время действия должно быть ограничено временем продолжительности спектакля (возможно больше, но максимальное время, о котором должна была повествовать пьеса — один день), единство действия подразумевало, что в пьесе должна быть отражена одна центральная интрига, не перебиваемая побочными действиями.

Классицизм зародился и получил свое развитие во Франции — П. Корнель, Ж. Расин, Ж. Лафонтен, Ж.-Б. Мольер и т. д. Вступив в полосу упадка в конце XVII века, классицизм возродился в эпоху Просвещения — Вольтер, М. Шенье и др. После Великой французской революции с крушением рационалистических идей классицизм приходит в упадок, господствующим стилем европейского искусства становится романтизм.

Классицизме России:

Русский классицизм зародился во второй четверти XVIII века в творчестве зачинателей новой русской литературы — А.

Д. Кантемира, В. К. Тредиаковского и М. В. Ломоносова. В эпоху классицизма русская литература освоила сложившиеся на Западе жанровые и стилевые формы, влилась в общеевропейское литературное развитие, сохранив при этом свою национальную самобытность. Характерные особенности русского классицизма:

а) Сатирическая направленность — важное место занимают такие жанры, как сатира, басня, комедия, непосредственно обращенные к конкретным явлениям русской жизни.

б) Преобладание национально-исторической тематики над античной (трагедии А. П. Сумарокова, Я. Б. Княжнина и др.).

в) Высокий уровень развития жанра оды (у М. В. Ломоносова и Г. Р. Державина).

г) Общий патриотический пафос русского классицизма.

В конце XVIII — нач. XIX века русский классицизм испытывает воздействие сентименталистских и предромантических идей, что сказывается в поэзии Державина, трагедиях В. А. Озерова и гражданской лирике поэтов-декабристов.



Классицизм | сочинение, краткое содержание, анализ, биография, характеристика, тест, отзыв, статья, реферат, ГДЗ, книга, пересказ, сообщение, доклад, литература | Читать онлайн

Классицизм (от лат. classicus — образцовый)

1) Литературно-художественное направление (а также эпоха и стиль) XVII— XVIII вв., сформировавше­еся во Франции и взявшее за образец античное искусство с присущими ему представлениями о прекрасном и принципами «подражания природе», соблюдения чувства меры, стремления к гармонии. Литература классициз­ма выработала свод четких законов и правил, предполагавший разделение жанров, тем и стилей.

2) Художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве XVII — начала XVIII века. Важнейшей чертой его было обращение к образцам античной литературы и искусства как к идеальному эстетическому эталону. Писатели ориентировались на сочине­ния греческого философа Аристотеля и римского поэта Гора­ция. Эстетика классицизма устанавливала строгую иерархию жанров и стилей.

Высокие жанры — трагедия, эпопея, ода.

Низкие жанры — комедия, сатира, басня.

Классицизм как культурное явление зародился в XVII веке в Северной Италии, в эпоху позднего Возрождения. Во Фран­ции преимущественное распространение получили низкие жанры, которые достигли такого высокого уровня, что коме­дии Мольера даже получили название «высоких комедий». Классицизм пришёл в упадок после Великой французской ре­волюции 1789-1794 годов.

Русский классицизм характеризуется обращением к нацио­нальным истокам, а не к античности. Он тоже развивался пре­имущественно в рамках «низких жанров».

3) Литературное направление, зародившееся в XVII в. но Франции в условиях становления абсолютистского государства. В качестве образца для подражания писатели-классицисты избрали античное искусство, но истолковали его по-своему. В основу классицизма положен принцип рационализма (racio). Все должно подчиняться разуму и в государстве, и в личной жизни, причем эгоистические чувства, страсти именно разумом долж­ны вводиться в рамки гражданского и нравственного долга. Тео­ретиком классицизма был французский поэт Николя Буало, изложивший программу направления в книге «Поэтическое искусство». В классицизме устанавливались определенные твор­ческие правила (нормы):

1. Основной конфликт произведений — борьба между эгои­стическим чувством и гражданскими долгом или между стра­стью и разумом. При этом долг и разум всегда побеждают.
2. В соответствии со своим отношением к общественному долгу действующие лица подразделялись на положительные и отрица­тельные. В персонажах запечатлевалось только одно качество, одна доминирующая черта (трусость или храбрость, коварство или благородство и т.д.), т.е. характеры были однолинейны.
3. В литературе устанавливалась строгая иерархия жанров. Все они делились на высокие (ода, героическая поэма, трагедия) и низкие (басня, сатира, комедия). В высоких жанрах изобража­лись выдающиеся события, героями были монархи, государст­венные деятели, полководцы. В них прославлялись деяния во благо государства и монархии. Язык в произведениях высоких жанров должен был быть торжественным, величавым.

В низких жанрах изображалась жизнь людей средних сосло­вий, высмеивались бытовые явления и отдельные черты харак­тера человека. Язык басен, комедий был близок к разговорному.

Драматические произведения в эстетике классицизма под­чинялись требованию трех единств: времени, места и действия. Единство времени и места означало, что действие в пьесе долж­но занимать не больше суток и причем происходить в одном месте. Единство действия предписывало линию сюжета, не осложненную побочными эпизодами. Материал с сайта //iEssay.ru

Во Франции ведущими писателями классицизма были дра­матурги П. Корнель и Ж. Расин (в жанре трагедии), Мольер (ко­медия), Ж. Лафонтен (басня).

В России классицизм развивался с XVIII в. Хотя русский клас­сицизм имел много общего с западноевропейским, в частности с французским, но в литературе отчетливо проявлялась нацио­нальная специфика. Если западноевропейский классицизм об­ращался к античным сюжетам, то русские писатели брали мате­риал из национальной истории. В русском классицизме отчетли­во звучала критическая нота, резче было обличение пороков, более выраженным был интерес к народному языку и в целом к народному творчеству.

Представители классицизма в русской литературе — А.Д. Кан­темир, М.В. Ломоносов, А.П. Сумароков, Д.И. Фонвизин.

На этой странице материал по темам:

• кратко классицизм
• доклад на тему европейский классицизм
• западноевропейские писатели классицизма
• классицизм краткое содержание
• классицизм статья

Что такое классицизм? Кратко — Искусство — Искусство — Каталог статей

Что такое классицизм? Кратко

Классицизм в широком понимании — стремление навсегда сохранить эстетические ценности классического древнегреческого искусства (500 — 338 до н. э.). Эти ценности обычно связаны с такими понятиями, как равновесие, пропорция, разум и гармония во всем, — и качества эти должны быть свойственны как идеализированной красоте, так и обыденному порядку вещей, проникнутому безмятежностью.

Как известно, классические черты древнегреческого искусства нашли наиболее стойкое выражение в архитектуре и скульптуре. Архитектура греков основывалась на строгих геометрических формах — круг, квадрат, треугольник и прямоугольник. Ордеры греков: дорический, ионический и коринфский — характерные черты которых наиболее заметны в стиле декоративного оформления колонн, — стали для архитекторов последующих эпох кладезем находок, пригодных для использования в современных разработках. В скульптуре греки придерживались, скорее, идеализации красоты человеческого лица и фигуры, нежели пытались передать индивидуальные черты, — что вполне отвечало теории Платона об идеальных Формах. Римляне заимствовали принципы греческого искусства, но после падения империи в V веке, классические ценности оставались в забвении в течение тысячелетия, вплоть до начала эпохи Ренессанса, когда художники и архитекторы с энтузиазмом приняли греческие и римские формы. Особенно велико было влияние классицизма в архитектуре.

В литературе в эпоху Возрождения вернулись к разработанным еще Аристотелем классическим принципам создания драмы — идее единства места, действия и времени. Эти правила строго соблюдались знаменитыми французскими драматургам XVIII века Расином и Корнелем, а отступавший от них великий Уильям Шекспир (1564-1616) подвергался критике как неотесанный варвар.

В «классической» период (ок.1770-1820) — эпоха Гайдна, Моцарта и Бетховена — музыка была наименее подвержена влиянию Древней Греции, тем не менее, свойственное ему особое внимание к балансу и гармонии, конечно, было классическим по духу.

Классицизм [Французский] — стиль, направление, искусство, черты, особенности, история, представители, вики — WikiWhat

Черты классицизма

Искусство классицизма следовало античным, то есть классическим, образцам, которые счи­тались идеальным эстетическим эталоном. В отличие от мастеров ба­рокко, творцы классицизма старались следовать твёрдо установлен­ным канонам прекрасного. Новая эпоха выработала жёсткие прави­ла, определявшие, как надо писать стихи и пьесы, как создавать картины, как танцевать и т. д. Основные принципы классицизма — строгое следование установленным нормам и величественность.

Становление классицизма

Стараниями Французской академии, основанной в 1634 г., во Франции вместо многочисленных местных диалектов постепенно утверждался единый литературный язык, что становилось важней­шим средством не только развития культуры, но и укрепления национального единства. Академия диктовала языко­вые нормы и художественные вкусы, способствуя ста­новлению общих канонов французской культуры. Становлению классицизма способствовала также дея­тельность Академии живописи и скульптуры, Акаде­мии архитектуры, Академии музыки, которые опре­деляли нормы художественного творчества в соответ­ствующих сферах искусства. Художественные каноны той эпохи формировались под влиянием философ­ского рационализма, основоположником которого являлся выдающийся французский мыслитель пер­вой половины XVII в. Р. Декарт.

Картезианство, как называют философию Декарта, утверждало веру во всесилие человеческого разума и его способность организовать всю человеческую жизнь на рациональных основах.

Ведущим поэтом классицизма и его теоретиком в сфере поэзии был Н. Буало, автор стихотворного трактата «Поэтическое искусство» (1674).

Драматургия

В драматургии, где классицизм достиг наибольшей завершённо­сти, установился принцип «трёх единств», означавший, что весь сюжет разворачивался в одном месте, в одно время и в одном дейст­вии. Высшим жанром театрального искусства признавалась траге­дия. В классической драматургии персонажи чётко различались и противопоставлялись друг другу: положительные герои воплощали только добродетели, отрицательные становились олицетворением порока. При этом добро всегда должно было побеждать зло.

Осно­воположником классической французской трагедии стал П. Кор­нель, который не только писал пьесы, до настоящего времени при­знаваемые шедеврами мировой драматургии, но и стал ведущим теоретиком театрального искусства.

Театральное искусство

Балет

Высокого совершенства в эпоху классицизма достиг балет, к которому питал слабость «король-солнце», нередко сам выходивший на сцену. Балет, пришедший из ренессансной Италии, под покровительством короля Фран­ции превратился в особый вид сценического искусства. К концу XVII в. были разработаны его каноны, превратившие балет в самое классическое из всех видов классических искусств.

Опера

Из Италии во Францию пришла также опера. Национальная оперная традиция, зародившаяся при дворе Людовика XIV, тоже формировалась в русле классицизма.

Классические каноны в живописи сформировал Н. Пуссен. Французская живопись XVII в. заложила основы великой национальной традиции, дальнейшее развитие которой принесло Франции неоспоримое первенство в области изобразительных искусств.

Портрет

см. История портрета#Эпоха классицизма

Людовик XIV отдал в распоряжение служителей муз королев­ский дворец Лувр, который приобрёл при нём свой величественный восточный фасад. Париж и его при­городы в годы правления «короля-солн­ца» украсили замечательные памятники архитектуры. «Стройки Его Величества» превратились в целую индустрию, а всё построенное тогда — это, по выражению биографа Людовика XIV, «постоянно дей­ствующая всемирная выставка шедевров французского классического вкуса».

Со времён Людовика XIV пер­венство Франции во многих сферах культуры стало общепризнан­ным. Французское влияние долгое время определяло основные на­правления развития мирового искусства. Париж превратился в центр художественной жизни Европы, в законодателя мод и вкусов, кото­рые становились образцами для подражания в других странах. Материал с сайта http://wikiwhat.ru

Дворцово-парковый ан­самбль Версаль

Вы­дающимся достижением той эпохи явля­ется грандиозный дворцово-парковый ан­самбль Версаль. В его сооружении участ­вовали лучшие архитекторы, скульпторы и художники того времени. Парки Верса­ля представляют собой классический об­разец французского паркового искусства. В отличие от английского парка, более ес­тественного, пейзажного по своей сути, воплощающего стремление к гармонии с природой, французский парк характери­зуется регулярной планировкой и стрем­лением к симметрии. Аллеи, цветники, пруды — всё устроено в соответствии со строгими законами геометрии. Даже де­ревья и кусты подстрижены в форме правильных геометрических фигур. Достопримечательностями Версаля стали также разнооб­разные фонтаны, богатая скульптура, роскошные интерьеры двор­цов. По мнению французского историка, никакой договор «не дал так много для славы нашей страны, как ансамбль Версаля». «Един­ственный в своём роде по пропорциям, соединяя игру всех ис­кусств, отражая культуру неповторимой эпохи», Версаль до сих пор поражает воображение посетителей.

Картинки (фото, рисунки)

• Вид на дворец и сады Версаля

• Риго. Портрет Людовика XIV» data-thumb=»http://wikiwhat.ru/public/page_images/278/0x65-228.jpg» data-src=»http://wikiwhat.ru/public/page_images/278/228.jpg»>

  И. Риго. Портрет Людовика XIV

• Ф. Хальс. Портрет Рене Декарта

На этой странице материал по темам:

• Классицизм франции фильм

• Классические каноны искусства

• Основные черты искусства классицизма

• Французкий классицизм

• Особенности. французкого классицизма

Вопросы к этой статье:

• Сравните классицизм и барокко.

• В ка­ких направлениях проявился классицизм?

• Почему классицизм получил столь широкое распространение именно во Франции?

Классицизм – художественное направление в литературе

Классицизм (франц. classicisme, от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской культуре XVII–XIX веков.

В основе классицизма лежат идеи рационализма. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное, неизменное – в каждом явлении его представители стремились распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства.

Классицизм устанавливает строгую иерархию жанров, которые делятся на высокие (ода, трагедия, эпопея) и низкие (комедия, сатира, басня). Каждый жанр имеет строго определённые признаки, смешивание которых не допускается.

Как направление классицизм сформировался во Франции в XVII веке. Во многом классицизм опирался на античное искусство, беря его за идеальный эстетический образец.

Образы в классицизме статичны, лишены индивидуальных черт, так как призваны в первую очередь запечатлевать устойчивые родовые, не переходящие со временем признаки, выступающие как воплощение каких-либо социальных или духовных сил.

Основателем классицизма считается Франсуа Малерб (1555–1628), проведший реформу французского языка и стиха и разработавший поэтические каноны.

Ведущими представителями классицизма в драматургии стали трагики Пьер Корнель (1606–1684) и Жан Расин (1639–1699), основным предметом творчества которых был конфликт между общественным долгом и личными страстями. Высокого развития достигли также «низкие» жанры: известным баснописцем был Жан де Лафонтен (1621–1695), непревзойдённым мастером сатиры – Никола Буало (1636–1711), своими комедиями прославился Мольер (театральный псевдоним Жана-Батиста Поклена,1622–1673).

Буало был известен на всю Европу как крупнейший теоретик классицизма, выразивший свои взгляды в стихотворном трактате «Поэтическое искусство».

Основные черты классицизма:

1) культ разума;

2) общественная проблематика;

3) главный конфликт – борьба чувства и долга;

4) строгая регламентированность построения произведений;

5) чёткая жанровая иерархия;

6) статичность героя.

Драматические произведения классицизма строились с учётом трёх единств – правил, которые опирались на некоторые положения «Поэтики» Аристотеля.

Правила представляли собой три жёстких ограничения:

1) единство действия – пьеса должна иметь один главный сюжет, второстепенные сюжеты сводятся к минимуму;

2) единство места – действие не переносится в пространстве, площадка, ограниченная сценой, соответствует в пространстве пьесы одному и тому же месту;

3) единство времени – действие пьесы должно занимать (в реальности, предполагаемой произведением) не более 24 часов.

В классицизме конца XVIII века нарастают кризисные явления; на смену идеям рационализма, культу разума приходит культ нежных чувств – сентиментализм.

 

Использованы статьи:

1. Классицизм

2. Три единства

 

Классицизм. Стили интерьера

Классицизм – это европейский стиль XVII — XIX вв., предназначенный для оформления дворцовых помещений с использованием античных атрибутов. Классицизм отличает строгость и гармония, изящество и роскошь, солидность и величие. Это спокойный стиль в обрамлении богатых декораций. Отделка исключительно в благородных тонах, композиция уравновешена и не перегружена декором. В интерьере стиля Классицизм прослеживается четкое зонирование помещений на функциональные зоны. В глаза бросается строгая симметрия, созданная на фоне окружающего простора. Чувство свободы – важный аспект стиля, вот почему потолки в таком интерьере редко бывают меньше 3 м.   Основные атрибуты стиля Классицизм – колонны с арками, камины, лепнина в античном стиле, гобелены и настенная роспись, драпировки из качественных материалов, богатые массивные люстры, раритетные картины, цветочные гирлянды, фестоны, розетки, меандры и прочее. Однако Классицизм не «бьет в глаза» обилием аксессуаров, они располагаются в строгих пропорциях с общей обстановкой, не перегружая интерьер. Традиционно здесь присутствует много зеркал и колонн с бронзовыми капителями. Перегородки украшаются фризами и фронтонами. Все это напоминает о монументальности и величественности стиля. Хотя стоит отметить, что колонны и перегородки в стиле Классицизм не являются несущими и массивными. В основном они сделаны из легких материалов.   Мебель из натуральной древесины. Перила и стенки диванов инкрустируются драгоценными камнями, вставками из ценных пород дерева, украшаются позолотой и резьбой по дереву. Но несмотря на богатство оформления и качественные материалы, мебель в стиле Классицизм имеет четкие прямые линии, она кажется простой и строгой. Для отделки стен используется дорогие виниловые, текстильные обои или декоративная штукатурка. Основные материалы – камень, металл и шелк. Декор сдержан, но лепнина и настенная роспись только приветствуется. На полу дорогой паркет из яра, мербау, тика. Оконные блоки и двери сделаны из цельного массива. Это престижно и соответствует стилю.   Цветовая гамма преимущественно мягких оттенков: белый, голубой, розовый, золотой. Такие цвета, наряду с большими плоскостями, призваны разгрузить мозг. Классицизм создает уютную атмосферу, в которой можно отдохнуть. Отсутствие большого количества мелких аксессуаров также способствует этому. Стиль Классицизм в интерьере говорит о респектабельности и высоком социальном статусе его владельца, а также о наличии утонченного вкуса. В таком интерьере гармонично сочетаются простые формы вместе с дорогой начинкой, поэтому его оценят, как любители роскоши и величия, так и те, которые больше всего предпочитают уют и порядок.

Французский классицизм — Русская историческая библиотека

В западноевропейской литературе XVII в. наиболее значительную роль сыграли произведения французских писателей. Крупнейшие из них примыкают к направлению, известному под названием «классицизм». Это направление сложилось в эпоху расцвета абсолютной монархии во Франции.

 

Классицизм как направление в искусстве и литературе

 

Людовик XIV, в царствование которого абсолютизм достиг высшего подъема, говорил: «Государство – это я». Торжественная и пышная жизнь двора подчиняется строгому этикету, т. е. системе правил вежливости. Все связанное с бытом простого парода изгоняется из придворного обихода, из искусства.

Эпохе абсолютизма свойственна регламентация, т. е. система строгого подчинения правилам. Преодолевая феодальную анархию, она вносит организованность и упорядоченность как в общественную жизнь, так и в культуру и литературу, прежде всего придворную.

Строгой правильностью, величавой прямолинейностью отличается архитектура классицизма. Твердым законам подчинено даже устройство дворцового парка – прямые и симметричные аллеи, подстриженные с геометрической правильностью деревья и газоны.

Регламентацию в искусстве поддерживает и философская теория рационализма, распространенная в то время во Франции. Ее основоположником был Декарт, провозгласивший человеческий разум главной силой, единственным источником познания.

Французский литературный классицизм – великое искусство – формировался в борьбе против барокко, для которого характерны помпезность, нагромождение событий, а в языке – любовь к пышным замысловатым оборотам речи.

В аристократических салонах барокко вырождался в бездумную игру; возникла так называемая прециозная, т. е. изысканная, литература, отличавшаяся усложненностью формы при бедности содержания.

Как барочной пышности, так и вычурности салонной литературы мастера классицизма противопоставили гармонию, строгую композицию, ясность и точность языка. Её выражением стала «теория трёх единств».

Присущее драматургии классицизма требование единства действия как раз и было продиктовано стремлением сосредоточить внимание читателя и зрителя вокруг главного конфликта, не отвлекая его побочными линиями сюжета.

Что касается единства места и времени, то после нагромождения невероятных событий в театре барокко сторонникам классицизма казалось очень разумным строить сценическое действие так, чтобы оно длилось не больше суток и происходило только на одном месте, т. е. максимально приблизить к ощущению зрителя, который смотрит пьесу на протяжении всего нескольких часов.

Здесь классицисты ссылались на античный театр, где не было занавеса, и время сценического действия приближалось к реальному времени.

Сами по себе три единства не являются определяющим признаком классицизма. Ведь можно назвать, например, многие пьесы современных писателей, действие в которых происходит на протяжении одного дня и на одной сценической площадке. Но ничего похожего на классицизм в этих пьесах нет.

Главное в классицизме – его метод, его особый подход к изображению человеческой личности. Рационализм, о котором говорилось выше, только у плохих поэтов и драматургов превращался в холодную рассудочность и простое резонерство.

В гениальных трагедиях Корнеля и Расина рационализм – это торжество мысли, высокий нравственный пафос. Действие развивается последовательно, логично. Ни одного лишнего действующего лица, ни одной лишней сцены. Каждый монолог и каждый диалог приближает к кульминации.

Искусство классицизма содержательно, идейно, исполнено большого воспитательного смысла.

 

Так пусть же будет смысл всего дороже вам,
Пусть блеск и красоту лишь он дает стихам! –

 

писал поэт и теоретик классицизма Буало.

Он справедливо критиковал бессодержательность салонной поэзии («Поэзией звались рифмованные строки!») и требовал:

 

Обдумать надо мысль и лишь потом писать!
Пока неясно вам, что вы сказать хотите,
Простых и точных слов напрасно не ищите…

 

Французский классицизм наиболее яркое выражение нашел в драматургии. Два этапа в ее развитии представлены творчеством великих драматургов Корнеля и Расина. (См. Творчество Корнеля и Творчество Расина.)

 

цитат о классицизме (15 цитат)

«Короче говоря, это две точки зрения. Во-первых, этот человек по своей природе хорош, избалован обстоятельствами; а во-вторых, он внутренне ограничен, но дисциплинирован порядком и традициями к чему-то довольно приличному. Для одних природа человека подобна колодцу, для другой — как ведро. Взгляд, рассматривающий человека как колодец, резервуар, полный возможностей, я называю романтическим; то, что рассматривает его как очень ограниченное и неподвижное существо, я называю классическим.

Здесь можно отметить, что Церковь всегда придерживалась классической точки зрения с момента разгрома пелагианской ереси и принятия разумной классической догмы о первородном грехе.

Было бы ошибкой отождествлять классический взгляд со взглядом материализма. Напротив, это абсолютно идентично нормальному религиозному отношению. Я бы сказал так: эта часть неизменной природы человека — это вера в Божество. Это должно быть столь же неизменным и истинным для каждого человека, как вера в существование материи и в объективный мир.Это аналогично аппетиту, сексуальному инстинкту и всем прочим неизменным качествам. Иногда эти инстинкты подавлялись с помощью силы или риторики — во Флоренции при Савонароле, в Женеве при Кальвине и здесь, при Круглоголовых. Неизбежным результатом такого процесса является то, что подавленный инстинкт вырывается в каком-то ненормальном направлении. Так и с религией. Извращенная риторика рационализма подавляет ваши естественные инстинкты, и вы превращаетесь в агностика. Как и в случае с другими инстинктами, Природа мстит. Инстинкты, которые находят свой правильный и надлежащий выход в религии, должны проявляться каким-то другим образом. Вы не верите в Бога, поэтому начинаете верить, что человек — бог. Вы не верите в рай, поэтому начинаете верить в рай на земле. Другими словами, получается романтика. Понятия, правильные и правильные в своей сфере, распространяются и таким образом портят, фальсифицируют и размывают четкие контуры человеческого опыта. Это все равно, что вылить горшок с патокой на обеденный стол.Итак, романтизм, и это лучшее определение, которое я могу дать ему, — это религия излитая ».
— Т. Э. Халм

определение классицизма по The Free Dictionary

класс · си · цизм

(клас’ĭ-сĭзьм) также клас · си · кал · изм (-кə-лĭзьм) н.

1. Эстетические взгляды и принципы, проявленные в искусстве, архитектуре и литературе Древней Греции и Рима и характеризующиеся акцентом на форме, простоте, пропорциях и сдержанности.

2. Приверженность эстетическим ценностям, воплощенным в древнегреческом и римском искусстве, архитектуре и литературе.

3. Классическая стипендия.

4. Греческое или латинское выражение или идиома.

Словарь английского языка American Heritage®, пятое издание. Авторское право © 2016 Издательская компания Houghton Mifflin Harcourt. Опубликовано Houghton Mifflin Harcourt Publishing Company. Все права защищены.

классицизм

(ˈklæsɪˌsɪzəm) или

классицизм

n 1. (Художественные термины) стиль, основанный на изучении греческих и римских моделей, характеризующийся эмоциональной сдержанностью и регулярностью формы, особенно ассоциирующийся с XVIII веком в Европе; антитеза романтизму. Сравните неоклассицизм

2. Знание или изучение культуры Древней Греции и Рима

3.

a. греческая или латинская форма или выражение

b. выражение на современном языке, таком как английский, которое смоделировано на греческой или латинской форме.

Словарь английского языка Коллинза — полное и несокращенное, 12-е издание, 2014 г. © HarperCollins Publishers 1991, 1994, 1998, 2000, 2003, 2006, 2007 , 2009, 2011, 2014

класс • си • цизм

(ˈklæs əˌsɪz əm)

также класс • си • кал • ism

(-ɪ kəˌlɪz əm)

n.

1. принципы или стили, характерные для литературы и искусства Древней Греции и Рима.

2. соблюдение данных принципов.

3. классический стиль в литературе и искусстве или приверженность его принципам.

4. греческая или латинская идиома или форма, особенно один используется на каком-то другом языке.

5. классическая стипендия или обучение.

[1820–30]

clas`si • cis′tic, прил.

Random House Словарь колледжа Кернермана Вебстера © 2010 K Dictionaries Ltd. Авторские права 2005, 1997, 1991, Random House, Inc. Все права защищены.

классицизм

1. ранее, имитация греческого и римского искусства.
2. в настоящее время, приверженность принципам этого искусства: ясность исполнения, баланс, соблюдение признанных стандартов формы и сознательное мастерство. — классицизм, н. — классицизм, прил.

См. Также: Искусство

---

1. использование композиционных формул и декоративных приемов, основанных на архитектуре Древней Греции или Рима, но часто включающих новые идеи.
2. использование формул и декоративных техник с упором на подчинение утилитарности, чтобы подчеркнуть совершенство формы.

См. Также: Архитектура

---

литературный стиль, характеризующийся формальным соблюдением традиций структуры, содержания и жанра.- классицизм , n . — классический , v .

См. Также: Литературный стиль

---

принципы или стиль классического искусства или литературы. — классицизм, н.

См. Также: Antiquity

-Ologies & -Isms. Copyright 2008 The Gale Group, Inc. Все права защищены.

Произведения по стилю: Классицизм — WikiArt.org

Стиль

Классицизм был отдельным направлением в европейской живописи барокко, стиле искусства, в котором приверженность принятым эстетическим идеалам превалирует над индивидуальностью выражения.Проще говоря, это был сдержанный, гармоничный стиль, основанный на главенстве дизайна, а не цвета или выражения. В эпоху барокко 17 века олицетворением классической традиции стал французский художник Николя Пуссен, большую часть своей карьеры проработавший в Риме. Пуссен, вероятно, наиболее известен своими мифологическими картинами, такими как Похищение сабинянок (около 1634 года) и Et в Аркадии Эго (около 1638 года), хотя он также был важным пионером классической аркадской пейзажной живописи — жанра. преобладает другой французский художник из Рима, Клод Лоррен.Подобно Пуссену и Лоррену, Симон Вуэ также провел большую часть своей карьеры в Риме, прежде чем вернуться в Париж в качестве придворного художника короля Людовика XIII. Он был отмечен, в частности, за его приглушенный стиль живописи в стиле барокко, который избегал как крайнего натурализма и драмы Караваджо, так и надуманных живописных эффектов более интенсивного итальянского искусства барокко.

В целом эстетика классицизма была сосредоточена в основном на общем балансе и гармонии композиции, а не на точных деталях.Хотя классическая живопись вполне реалистична, отдельные детали и текстуры, тем не менее, часто упрощаются, поскольку они имеют второстепенное значение. Следовательно, элементы классической композиции (например, человеческие тела и лица, особенности ландшафта) приобретают аналогичный общий вид, поскольку они идеализированы (то есть когда неровные и негармоничные аспекты реального мира сглаживаются).

Источники: www. visual-arts-cork.com

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Classicism

Краткая история классической музыки

Увлекательная экскурсия с гидом по ключевым композиторам и художественным направлениям, превратившим классическую музыку в богатую форму искусства, которая сегодня все еще захватывает, движет и возвышает

Установить дату «начала музыки» так же сложно, как точно указать тысячелетие, в котором динозавры вымерли.1000 г. н.э. — всего лишь удобная отправная точка для зарождения современной западной музыки. Примерно в то время впервые возникла идея объединить несколько голосов для пения мелодии; это было также время, когда Церковь, которая в течение долгого времени оказывала наиболее важное влияние и вдохновляла на развитие музыки, осознала необходимость стандартизации однострочных песнопений без сопровождения, которые веками использовались в священных церемониях.

Эта ранняя христианская музыка, полученная из греческих песен и пения, используемого в синагогах, превратилась в то, что мы теперь называем простой песней, равнинным или григорианским пением, традиционной музыкой Западной церкви — единственной мелодической строкой, обычно исполняемой без аккомпанемента.(Григорианские напевные мелодии, исполняемые сегодня, появились после смерти Папы Григория в 604 году нашей эры.) Без какой-либо принятой письменной системы для обозначения высоты или длины ноты, оценка музыки неизбежно была случайной.

Гвидо д’Ареццо, бенедиктинский монах, чья жизнь в качестве учителя и теоретика музыки удачно совпала с потребностью Церкви в музыкальном единстве, обычно приписывают введение нотоносца из горизонтальных линий, с помощью которого можно было точно записывать высоту нот.Он также придумал то, что мы сейчас называем тонической системой соль-фа, используемой певцами, в которой ноты называются по их положению на шкале, а не по буквам алфавита (практика, унаследованная от древних греков. ).

По-прежнему не существовало метода определения длины примечания. Без этого трудно понять, как можно измерить чувство ритма. Некоторые ученые говорят, что это определялось естественным акцентом и акцентом на речевых паттернах, и поэтому не требовалось никакого специального приспособления — певцы (конечно, без дирижера) обеспечивали свой собственный «поток» и выражение.

В процессе кодификации двух из трех основных элементов музыки — мелодии и ритма — в мир вошла идея гармонии. Естественно, не все певцы в хоре будут иметь одинаковый вокальный диапазон, что является проблемой для комфортного унисонного пения псалмов. Таким образом, голоса начали разделяться в соответствии с естественным диапазоном, повторяя Plainsong в параллельных строках на двух высотах, на расстоянии пяти нот (например, CG). Промежуток между двумя нотами называется интервалом, поэтому певцы пели интервал идеальной квинты. .Из этой, казалось бы, простой концепции, но реализация которой потребовалось так много времени, выросла идея о том, что, пока одна линия исполняет Plainsong («тенор» или «удерживающая» часть), другие могут плести вокруг нее другую мелодию.

Правила были составлены относительно того, какая часть сервиса может использовать какой тип интервалов. Постепенно был разрешен интервал в треть (C-E), долгое время считавшийся диссонансом. В течение умеренно короткого столетия у нас есть Перотен из Нотр-Дама — один из первых мастеров полифонии, сочиняющий музыку для трех и четырех голосов.

Параллельно с развитием литургической (церковной) музыки происходил расцвет светской музыки трубадуров, поэтов-музыкантов, воспевающих прекрасных дам, рыцарства, весны и т.п. Они были преемниками придворных менестрелей, исполнявших великие саги и легенды, у которых сами были менее образованные коллеги в виде жонглеров, странствующих певцов и инструменталистов. Благородные по происхождению, трубадуры были выходцами из Прованса и Аквитании (труверы, их северные коллеги и миннезингеры Германии были почти современниками).Лишь около 60 рукописей стихов трубадуров и труберов сохранились до наших дней, и немногие из них содержат нотные записи, которые, опять же, имеют указания только на высоту звука, но не на длину нот.

Эти 200 лет засвидетельствовали зарождение гармонии, современной нотной записи, увлечения танцами и песнями, которое охватило Европу во времена крестовых походов, и сложной структуры поэзии трубадуров — более чем достаточно, чтобы воспламенить воображение человека эпохи Возрождения.

От мелодии к гармонии

Изучение и использование аккордов — это то, что мы называем гармонией.Диафония — «двуголосая» музыка — доминировала во всей музыкальной композиции до 13 века; это двухчастное пение применительно к plainchant также называлось органом. Голоса будут петь на октаву (C-C), идеальную квинту (C-G), идеальную четвертую (C-F) или мажорную треть (C-E).

Полифония также связана с звучанием более чем одной ноты, но через мелодию — слово означает «многоголосый», «многоголосый». Следующим очевидным событием стало добавление третьей, четвертой или более независимых музыкальных строк, спетых или звучащих вместе, и именно выдающийся Филипп де Витри, французский епископ, музыкальный теоретик, композитор, поэт и дипломат, указал путь вперед в этой области. известная книга под названием «Новое искусство» — Ars Nova (в отличие от Ars Antiqua Гвидо д’Ареццо).Временные размеры указывали ритм музыки, а улучшения в обозначениях символизировали длину нот — предков наших миним, бреве и полубреве. Гийом де Машо (еще один французский священник, поэт и композитор) развил идеи де Витри еще дальше и написал как светские песни, так и постановки мессы (1364 год — самый ранний известный полный сеттинг одного композитора) с тремя и четырьмя полифоническими голосами.

Хотя Франция в то время была музыкальным центром Европы, Италия самостоятельно разрабатывала свой собственный ars nova с музыкой, которая отражала тепло и чувственность страны, в отличие от более интеллектуального галльского письма.Англия, менее пострадавшая от ars nova , не внесла значительного вклада в музыкальное развитие до прибытия Джона Данстейбла. Живя во Франции в качестве придворного композитора герцога Бургундского (младшего брата Генриха V), Данстейбл использовал ритмические фразы, традиционную простоту и добавлял другие свободные части, объединяя их в плавный, сладкозвучный стиль. До сих пор сохранилось около 60 произведений его музыки.

Данстейбл, в свою очередь, оказал влияние на бургундских композиторов Гийома Дюфе и Жиля Биншуа, музыку которых можно назвать стилистическим мостом между ars nova и полностью развитой полифонией 15 века.Технические аспекты музыкальной композиции и почти математическое восхищение комбинацией нот начали медленно открывать дверь к личности композитора, отраженной в его музыке.

Вне церкви

К середине 15 века королевские дворцы и величественные дома знати узурпировали Церковь как наиболее важный источник влияния на музыкальный ход (в 1416 году король Англии Генрих V использовал более 30 голосов в Часовне). Королевской тогда папской капеллы было всего девять). Одним из побочных продуктов была более тесная связь между светской музыкой и музыкой церкви, взаимное опыление, которое пошло на пользу развитию обеих. Музыканты, прошедшие через бургундский двор, распространили его стиль и знания на все точки европейского компаса.

Наиболее заметными достижениями в этот период стали возросшая свобода композиторов в отношении своих вокальных линий и различие в трактовке написанных ими текстов. Раньше слова должны были соответствовать музыке; Теперь же произошло обратное, и это иллюстрируется не лучше, чем творчеством Хоскена Деспре, одного из композиторов следующего поколения, получивших известность во всей Европе.Его музыка включает в себя большее разнообразие выражений, чем когда-либо ранее — есть даже вспышки причудливого юмора — и включает попытки символизма, в которых музыкальные идеи совпадают с идеями текста. Когда разные голоса поют в полифонии, трудно уследить за словами; там, где испытуемый требовал, чтобы слова были четко слышны, Жоскен писал музыку, в которой разные голоса пели разные ноты, но одни и те же слова одновременно — другими словами, аккордовая музыка. Неудивительно, что Жоскина называют «первым композитором, чья музыка обращается к нашему современному чувству искусства».После него нашим ушам легко проследить развитие музыки на язык, который нам сегодня знаком по произведениям великих композиторов-классиков два столетия спустя.

16 век стал свидетелем четырех основных музыкальных явлений: школа полифонии достигла своего апогея, была основана традиция инструментальной музыки, была поставлена ​​первая опера, а музыка впервые начала печататься. Для большинства людей просто не было возможности смотреть и читать музыку; музыканты впервые могли стоять вокруг партитуры, напечатанной в книге, и петь или играть свою роль.Хотя это было ограниченно и дорого, музыка теперь была доступна. Неудивительно, что он так быстро процветал.

Трудно представить себе центральное значение христианской церкви в это время. Здания, возведенные людьми эпохи Возрождения с таким великолепием и уверенностью, символизировали эпоху «возрождения», и музыка того времени заполнила нефы великих европейских соборов. Палестрина в Италии, Лассус в Нидерландах и Берд в Англии продолжили то, с чего остановился Жоскин, создавая сложные и богато выразительные произведения, которые подняли искусство полифонического письма для голоса на новый уровень и продемонстрировали способность человека выражать свою веру с помощью слава и пыл, которых не было ни в одном предыдущем столетии.

Как была соткана эта богатая ткань из музыкального золота? Один выдающийся писатель Перси Скоулз провел яркую аналогию с музыкальной «тканью», обсуждая музыку Палестрины. Он считал, что «тканый» подходящее слово для такого рода композиции. «Музыка состоит из переплетения фиксированного количества нитей. И пока [композитор] плетет, он создает как «уток», так и «основу». С точки зрения основы композиция представляет собой горизонтальное сочетание мелодий; смотрел как гав это перпендикулярный набор аккордов.Композитор обязательно имеет в уме оба аспекта, когда пишет свою пьесу, но горизонтальный (или «деформационный») аспект, вероятно, для него важнее всего. Такую музыку мы называем «Contrapuntal» или «Counterpoint». Элемент «woof» (= перпендикулярный, т.е. «Harmonic») присутствует, но менее заметен, чем «warp» (= горизонтальный, то есть «Contrapuntal»). Момент размышлений покажет, что вся музыка Contrapuntal также должна быть гармонической, а вторая секунда мысли, что не вся гармоническая музыка должна быть Counterpoint.’

Прошло 1000 лет с самой ранней Песни Равнины, прежде чем традиция превратилась в сложную, чрезвычайно сложную форму искусства, в результате которой были созданы такие шедевры, как Stabat mater Палестрины, Ave verum Corpus Виктории и O Quam Gloriosum Берда.

Теперь композиторы бросили вызов новым занятиям. Благоговейные, пышные хоровые произведения церкви, в основном из Северной Европы, были оплодотворены живыми солнечными танцами и песнями юга.Светские коллеги церковных музыкантов привели к мадригалу, контрапунктной постановке стихотворения, обычно длиной около 12 строк, и тема которой обычно была любовной или пасторальной. Акцент был сделан на качестве словосочетания, и форма оказалась необычайно популярной, хотя и недолго — особенно в Англии (возможно, из-за нашего большого литературного наследия), где такие, как Гиббонс, Уилкс и Морли, были лучшими представителями мадригала.

Мадригал и рождение оперы

Мадригалы, как и литургические песнопения и сеттинг мессы, были предназначены для голосов без сопровождения аккомпанемента — именно так задумано подавляющее большинство произведенной до этого времени музыки.Лишь в конце XIV века инструментальная музыка стала самостоятельной формой искусства. Блокфлейта, лютня, виолончель и спинет сыграли свою роль в танцевальной музыке и в сопровождении голосов (иногда заменяя их), но теперь такие композиторы, как Берд, Гиббонс, Фарнаби и Фрескобальди, начали писать музыку для определенных инструментов, хотя следует сказать, что эта форма искусства по-настоящему процветала только в эпоху барокко. Музыканты объединялись, чтобы сыграть серию различных танцевальных мелодий, образуя свободно построенную сюиту; или музыкант может сымпровизировать свою собственную мелодию вокруг другой — «фантазии» или «фантазии»; или они могут сочинять вариации на мелодию, исполняемую на одной и той же повторяющейся басовой партии — «вариации на основе земли», как это называется.Другими нововведениями были итальянцы Андреа Габриэли ( c 1510-86) — первые, кто объединил голоса с медными инструментами — и его племянник Джованни (1557-1612), чьи антифонные эффекты для хоров медных инструментов могли быть написаны для наших современных стереосистемы.

И именно из Италии был сделан следующий важный шаг в истории музыки. Действительно, Италия была страной — фактически совокупностью небольших независимых государств в то время, управляемой множеством богатых и культурных семей — которая будет доминировать в музыкальном мире в течение полутора веков с 1600 года.Сила итальянского влияния в то время была такой, что музыка приняла этот язык в качестве своего лингва-франка. По сей день композиторы почти повсеместно пишут свои выступления на итальянском языке. Одно конкретное слово, опера, описывает новую форму искусства: сочетание драмы и музыки. До конца XVI века об этой концепции никто не догадывался.

В конце 16 века художники, писатели и архитекторы заинтересовались древними культурами Греции и Рима. Во Флоренции группа художественной интеллигенции заинтересовалась тем, как разыгрываются древнегреческие драмы.Экспериментируя с декламированием более поэтических отрывков и используя несколько аккордов инструментальной музыки для сопровождения других отрывков в естественном речевом ритме, родилась идея музыки, отражающей, поддерживающей и комментирующей драматическое действие: dramma per musica (‘драма посредством музыка ‘), спектакль с музыкальным оформлением.

Затем на ринг вышел один из величайших музыкантов истории Клаудио Монтеверди. Он не написал первую оперу (эта честь принадлежит Якопо Пери и его Дафне , ныне утерянному, 1594 или 1597 года), но в одной работе, Орфео (1607), он обрисовал будущие возможности медиума. Сольным певцам был придан драматический характер в изображении и витиеватые песни для пения, были припевы, танцы, оркестровые интермедии, декорации. Опера была развлечением, разительно отличавшимся от всего, что было раньше, но, что более важно, это был совершенно новый способ использования музыки.

Правые инструменты

Преемники

Монтеверди, такие как Пьер Кавалли и Марк’Антонио Чести, разработали тип плавной лирической песни, вдохновленной потоком разговорного итальянского языка — bel canto («красивое пение»), что, в свою очередь, способствовало известности певца.Драматическая правда вскоре исчезла в пользу тщательно продуманного вокального исполнения солистов оперы — композиторы были только рады предоставить то, чего хотела их новая публика, — и ни один класс певцов не был популярнее кастратов. Где бы они ни появлялись, кастраты, которым в детстве удалили яички, чтобы сохранить высокий голос, были высокооплачиваемыми и чрезвычайно популярными, что не отличалось от сегодняшних «Трех теноров» (с двумя небольшими отличиями). Практика кастрации для создания артиста, чрезвычайно варварская концепция, была прекращена только в начале 19 века.Последний кастрат, Алессандро Морески, на самом деле дожил до 1922 года и сделал около дюжины рекордов в 1902 году.

Святой Павел написал, что женщины должны хранить молчание в церкви. Поэтому они были недоступны из-за обременительных высоких строк в церковной музыке. Если бы истоки кастратов могли быть твердо поставлены перед церковью, подобная догма также могла быть ответственна за медленный прогресс инструментальной композиции. С давних времен Церковь не одобряла эту практику.Святой Иероним заявил, что ни одна христианская девушка не должна знать, как выглядят лира или флейта (не говоря уже о том, чтобы слышать, как они звучали). Ослабление авторитета церкви после Реформации побудило композиторов писать инструментальную музыку для групп, причем музыку, которая учитывала относительную силу и цвет различных инструментов, — еще одну новую концепцию. Та же смена акцентов привела к потоку блестящих инструментальных солистов. Среди них был блестящий скрипач итальянского происхождения по имени Жан-Батист Люлли, который в 1646 году уехал во Францию.Здесь он работал на короля Людовика XIV, экстравагантного строителя Версаля, который нанял 120 музыкантов в различные группы. Оркестр «Двадцать четыре скрипки» исполнял музыку при французском дворе; с добавлением Лулли флейт, гобоев, фаготов, труб и литавр, современный оркестр начал появляться.

Еще одним важным побочным продуктом итальянской оперы было введение сонаты — этот термин изначально означал просто произведение, которое нужно озвучить (сыграть), а не спеть (кантата). Несмотря на то, что она быстро приняла множество форм, соната началась с того, что итальянские скрипачи имитировали вокальные элементы оперы — одну мелодию, сыгранную на гармоничном фоне или, если хотите, в сопровождении аккордов.Это было огромным отличием от хоровых произведений века назад, обусловленных их полифоническим переплетением. Теперь появилась музыка, которая, даже если не было фонового аккомпанемента, уши слушателя могли мысленно обеспечить гармонию — вы могли сказать, где мелодия будет разрешаться, вы могли легче почувствовать ее форму и предназначение. С музыкальным акцентом на гармонию — ключевой чертой грядущих полутора веков — ритм стал играть все более важную роль. Хордовые паттерны естественным образом образуют последовательности, обычные такты или такты.Послушайте чакону Перселла или Генделя, и вы поймете, что тема — это не мелодия, а последовательность аккордов. Измерение ударов в такте ( один, -два или один, — два-три или один, -два-три-четыре — акцент всегда на первой доле) придает музыке ощущение формы и помогает ей двигаться вперед. прогресс. Фразы приводят ухо к следующей последовательности, такой как диалог между двумя людьми, обмен мыслями отдельными словами, короткими предложениями или длинными абзацами. Спойте простую гимновую мелодию, например, . Все люди, живущие на земле, , и вы знаете, что теперь приобрела музыка — сильный тональный центр.

Производители музыкальных инструментов отреагировали на это адаптацией и усовершенствованием инструментов: великие итальянские мастера-скрипачи Страдивари, Амати и Гварнери, семья Ракерс из Антверпена с ее клавесинами и семья Харриса в Англии, занимающаяся сборкой органов.

Заключительный вклад в этот период внесла итальянская опера. Использование оркестра в опере естественным образом привело к выражению драматических музыкальных идей — одна из причин, почему итальянский оркестр развивался быстрее, чем где-либо еще. Примерно в начале 18-го века композиторы начали писать увертюры в трех частях (быстро-медленно-быстро), создавая модель для классической формы сонаты, используемой в инструментальных пьесах, концертах и ​​симфониях в течение следующих 200 лет и более.

Таким образом, этот «омофонический» период, подчеркивающий музыку с единой мелодией и гармоническим сопровождением, плавно перетекал в 17 веке в эпоху барокко Вивальди, Баха и Генделя.

Рождение концерта

Концерт разработан на основе танцевальных сюит, популярных в Италии в начале 17 века, известных как соната da camera . Первоначально композиция, противопоставлявшая друг другу две группы инструменталистов, превратилась в Concertorosso («великий концерт»), первым ведущим представителем которого был Арканджело Корелли. Здесь группа солирующих струнных инструменталистов чередуется с основной частью струнных в произведении, обычно состоящем из трех или четырех частей. Близнецы, Альбинони, Торелли, Гендель и другие внесли свой вклад в форму. Сольный концерт был всего в нескольких шагах от того места, где солист противопоставляется (позже противопоставляется) оркестру. Ни один из концертов этого периода не достиг такой популярности, как Вивальди, 500 эссе которого в этом жанре (в основном для струнных, но иногда и для духовых инструментов) являются продуктом одного из самых выдающихся музыкальных умов начала 18 века. Four Seasons , одно из самых известных и часто исполняемых произведений классической музыки, иллюстрирует новую концепцию.

Северная Европа стала плацдармом для быстрого развития клавишной музыки: северогерманская школа органной музыки, основанная Фрескобальди и Свелинком за столетие до этого, с ее интересом к контрапункту, проложила путь для таких, как Пахельбель и Букстехуде, чья линия достигла своего пика в великих произведениях Баха. Тем временем Рамо и Куперен во Франции создавали короткие описательные пьесы для клавесина (а также оперы) в стиле, который называется «рококо» — от французского rocaille , термин, первоначально относившийся к причудливым ракушкам и свиткам в искусстве.Это было преимущественно развлечением, а не возвышением, и рококо полезно определяет характер более легкой музыки, написанной в период барокко, особенно в сравнении с произведениями двух музыкальных тяжеловесов того времени, Иоганна Себастьяна Баха и Джорджа Фридриха Генделя.

Бах в свое время считался старомодным провинциальным композитором из центральной Германии. Но его музыка содержит некоторые из самых благородных и возвышенных проявлений человеческого духа, и вместе с ним искусство контрапункта достигло своего апогея.48 прелюдий и фуг для The Well-Tempered Clavier исследуют все перестановки фугального письма во всех мажорных и минорных тональностях; его последняя работа, Искусство фуги (оставшаяся незавершенной после его смерти), представляет собой математическое удовольствие в переплетении контрапунктических вариаций на одну и ту же тему. Тем не менее технический блеск музыки Баха заключен в выразительной силе его произведений, в частности его органной музыки, церковных кантат и великих Страстей по Матфею и Мессы си минор.Его инструментальная музыка свидетельствует о том, что он отнюдь не всегда был суровым богобоязненным лютеранином — шесть буйных концертов Бранденбург Концертов показывают, что он был хорошо знаком с солнечным итальянским образом жизни и многими из его самых красивых и глубоких мысли сосредоточены на концертах и ​​оркестровых сюитах. Его влияние на композиторов и музыкантов на протяжении многих лет было неизмеримо. Для многих он остается краеугольным камнем их искусства.

Великий современник Баха, Гендель, тоже был родом из Германии, но, в отличие от него, был много путешествующим, светским человеком, который поселился в Англии и стал проницательным предпринимателем и манипулятором музыкальных дел. В инструментальных формах, таких как Concerto Grosso , Гендель в равной степени умел писать в омофоническом или полифоническом стиле и ввел различные комбинации духовых и струнных в свою красочную партитуру. Он развил типичную танцевальную сюиту 17-го века в таких известных (и до сих пор чрезвычайно популярных) эпизодических произведениях, как The Water Music и Royal Fireworks Music . Опера была областью, в которую Бах никогда не рисковал, но Гендель — между 1711 и 1729 годами — поставил около 30 опер в итальянском стиле, пока публика не устала от них, когда, будучи прагматиком, он обратился к оратории.Оратория — это расширенный сеттинг (обычно) религиозного текста в драматической форме, который не требует декораций или сценических действий. Генделя обладают огромным драматическим и эмоциональным диапазоном и часто используют смелые гармонии, не говоря уже о нескончаемом потоке великолепных мелодий и поднимающих настроение припевов

Бах был последним великим композитором, нанятым церковью, что вполне уместно, поскольку церковь была движущей силой развития полифонической музыки, а Бах был ne plus ultra стиля. С тех пор музыкальный патронат происходил от знати, а знать предпочитала музыку, которая была элегантной, развлекательной и определенно не имела привкуса чего-либо «церковного». Следуя примеру французского двора и итальянских княжеств XVII века, каждый достойный герцог Европы стремился к собственному оркестру и музыкальному руководителю. Одним из таких примеров был двор Мангейма, где оркестр под руководством Иоганна Стамица поднял оркестровую игру до уровня, о котором раньше не слышали. Наступила новая эра, оторвавшаяся от контрапунктного письма позднего барокко.

Классическая эпоха

Термин «классическая музыка» имеет два значения: используется для описания любой музыки, которая предположительно является «тяжелой» (в отличие от поп-музыки или джаза, как в фразе «Я терпеть не могу классическую музыку»), а также определенного периода в развитии музыка эпохи классики. Это можно охарактеризовать как музыку, которая отличается мастерской экономией форм и ресурсов и отсутствием открытой эмоциональности. Если Бах и Гендель доминировали в первой половине 17 века, то Гайдн и Моцарт — их двойники во второй половине и представляют все достоинства классического стиля.

Это можно проследить до поколения или около того до рождения Гайдна, до стиля рококо Куперена и Рамо и, что еще более убедительно, в бодрящих клавишных произведениях Доменико Скарлатти, более 500 коротких сонат которого, сочиненных в его шестидесятые годы, демонстрируют блеск. на что равнялся только Бах. Однако Скарлатти, писавший в меньшем масштабе, имел конкретное намерение восхищать и наставлять свою ученицу, королеву Испании. Его современник Георг Филипп Телеман принес в Германию стиль рококо.Более легкий и плодовитый, чем Бах, Телеман при жизни пользовался гораздо большим уважением, чем Иоганн Себастьян. Несмотря на его заявленное кредо («Тот, кто пишет для многих, работает лучше, чем тот, кто пишет только для немногих… Я всегда стремился к возможности. Музыка не должна быть усилием, оккультной наукой»), двое очень восхищались друг другом. до такой степени, что Бах назвал своего сына Карла Филиппа Эмануэля в честь Телемана и выбрал его крестным отцом.

CPE Музыка Баха представляет собой перекресток между франко-итальянским рококо и зарождающимися классическими школами — действительно, в некоторых своих клавишных произведениях он, кажется, предвосхищает Бетховена.Его фортепианные сонаты, в которых используются выразительные возможности недавно изобретенного фортепиано, побуждают нас пересмотреть термин «соната», использовавшийся в предыдущем столетии. Теперь соната стала формализованной структурой со связанными клавишами и темами. Эти Бах развились в расширенные части, в отличие от коротких частей формы барокко. Слушая CPE, возможно, самого оригинального и смелого композитора середины 18 века, начинаешь осознавать серьезность и комичность, вдохновенность и рутину, лежащие бок о бок с захватывающей непредсказуемостью.

Параллельно этому шла работа Иоганна Стамица. Его музыку сегодня редко можно услышать, но он и его сын Карл (1746–1801) были пионерами в развитии симфонии. Эта форма выросла из коротких быстрых-медленных-быстрых одночастных увертюр или симфоний итальянской оперы. Стамиц, служивший при дворе Мангейма, руководил одним из самых выдающихся оркестров Европы. Написанные им симфонии должны были стать образцом для симфоний Гайдна и Моцарта — в них мы можем видеть, как и в сонатах К.П.Э. Баха, использование связанных клавиш, двух контрастирующих тем (тем) первой части и изящную проработку и развитие материала. .Он был первым, кто ввел кларнет в оркестр (и, вероятно, первым написал концерт для этого инструмента), что также сделало медные и деревянные духовые инструменты более заметными. Говорят, что его оркестровые крещендо, новый эффект того времени, заставляли публику вставать со своих мест.

Италия доминировала в музыкальном мире 17 и начала 18 веков благодаря своим операм и великим скрипачам. С середины 18-го века центр музыкального превосходства переместился в Вену, и это положение он сохранял до последнего императора Габсбургов в первые годы 20-го века. Габсбурги любили музыку и привлекали ко двору лучших иностранных музыкантов; Императорская часовня стала вторым центром музыкального мастерства. Не менее важным было расположение Вены в центре Европы. В центре внимания венского двора находились самые разные влияния из соседней Германии, Богемии и Италии.

Форма сонаты и симфония

Между смертью Генделя (1759) и первым исполнением Бетховена «Фиделио » (1809) прошло менее полувека.Бах и Гендель все еще сочиняли, когда Гайдн был подростком. Сравнивая индивидуальный «звуковой мир» любого из этих четырех композиторов, можно услышать удивительно быстрый прогресс музыкального мышления. Без сомнения, важнейшим элементом этого было развитие сонатных и симфонических форм. В течение этого периода типичный пример обычно следует той же базовой схеме: четыре части — 1) самая длинная, иногда с медленным вступлением, 2) медленная часть, 3) менуэт, 4) быстрая, короткая и легкая по характеру.Работая в рамках этой формальной структуры, каждое движение, в свою очередь, имело собственную внутреннюю структуру и порядок развития. Большинство сонат, симфоний и камерной музыки Гайдна и Моцарта написаны в соответствии с этим образцом, и три четверти всей музыки Бетховена так или иначе соответствует «сонатной форме».

Вклад Гайдна в историю музыки огромен, его прозвали «отцом симфонии» (несмотря на предыдущие заявления Стамица) и он был родоначальником струнного квартета.Как и все его хорошо подготовленные современники, Гайдн досконально знал полифонию и контрапункт (и, действительно, не прочь использовать это), но его музыка преимущественно гомофонична. Его 104 симфонии охватывают широкий диапазон выразительности и гармонической изобретательности. То же самое и со струнными квартетами. Благодаря идеальному балансу струнного звучания (две скрипки, альт и виолончель), неявной экономии в озвучивании, точности и элегантности в обращении с медиумом, струнный квартет является квинтэссенцией классического искусства.

Моцарт сочинил 41 симфонию, и в более поздних из них (попробуйте знаменитое открытие № 40 соль минор) входит в царство за пределами Гайдна — ищущий, трогательный и далеко не безличный. Это еще более верно в отношении великой серии фортепианных концертов, среди самых возвышенных музыкальных творений, где сочинение глубоко вовлекается — медленная часть Большого концерта (K488) убивает горем, предвосхищая сочинение будущего поколения. Именно Моцарт поднял оперу на новую высоту.Глюк в одиночку оторвался от окостеневшей итальянской оперы, в которой доминировали певцы, и показал в таких произведениях, как Orfeo ed Euridice (1762), что музыка должна соответствовать настроению и стилю пьесы, цвету и дополнять сценическое действие; арии должны быть частью непрерывного действия, а не просто вставлять, чтобы показать вокальные таланты певца. Моцарт пошел дальше и в своих четырех шедеврах Женитьба Фигаро , Così fan tutte , Don Giovanni и Волшебная флейта раскрыл более реалистичные персонажи, более искренние эмоции (и, конечно же, несравненно большую музыку), чем что-либо еще. это было раньше.Здесь опера впервые отразила слабости и устремления человечества, темы, на которых композиторы-романтики должны были подробно остановиться.

Эпоха революции

«Старый порядок Changeth»: в первой половине XIX века Европа, взяв пример с Французской революции и Войны за независимость Америки, была проникнута духом всеобщих политических волнений, кульминацией которых стали восстания 1848 года. Национализм, борьба за индивидуальную свободу и самовыражение были отражены и действительно созданы всеми искусствами — одно подпитывало другое.Аккуратный стройный режим парика и менуэта уступил место безудержному, страстному миру взъерошенного революционера.

Людвиг ван Бетховен сочетал свой музыкальный талант с глубоко укоренившимися политическими убеждениями и почти религиозной уверенностью в своих целях. За исключением, возможно, Вагнера, ни один другой композитор в одиночку не изменил музыкальный курс так кардинально и продолжал развиваться и экспериментировать на протяжении всей своей карьеры. Его ранняя музыка, построенная на классических путях, пройденных Гайдном и Моцартом, демонстрирует его индивидуальность в использовании устоявшихся музыкальных структур и их изменении в своих целях. Исследуются необычные тональности и гармонические отношения, а уже в Третьей симфонии ( Eroica ) музыка намного изобретательнее и убедительнее, чем все, что Моцарт достиг даже в позднем шедевре, таком как Jupiter . Последовали еще шесть симфоний, все разные по характеру, все они пытались достичь новых целей человеческого самовыражения, кульминацией которых стала великая Хоровая симфония (№ 9) с ее экстатическим финальным хоровым движением, прославляющим существование человека. Неудивительно, что так много композиторов испугались попытки симфонической формы после Бетховена, и что немногие когда-либо пытались сделать больше, чем волшебное бетховенское число девять.

Его камерная музыка рассказывает аналогичную историю, опираясь на классическую форму струнного квартета, постепенно превращая ее в свою (послушайте квартеты Среднего периода Разумовского ) до финальной группы поздних квартетов, которые содержат музыку глубоко духовно и глубоко. почувствовал личные заявления — световые годы от недавнего мира его прославленных предшественников. Цикл из 32 сонат для фортепиано отражает аналогичный портрет его жизненного пути; последние три из его пяти фортепианных концертов и величественный скрипичный концерт находятся на одном уровне с симфониями и квартетами.Его единственная опера «Фиделио », хотя и не имела успеха в качестве театрального произведения, кажется, выражает все темы, которые Бетховен был наиболее дорог — его вера в братство людей, его отвращение к революционерам, ставшим диктаторами, искупительная сила человеческая любовь. Все это было достигнуто достаточно романтично, а сам он боролся с глубокой глухотой. Неугасимый дух Бетховена и его способность использовать музыку для самовыражения ставят его в авангарде творческих достижений человека.«Приходите, мужчина, наступайте момент» — продолжительность жизни Бетховена помогает очертить поздний классический период и ранние романтики. Его музыка — это титанический промежуток между ними двумя.

Те, кто последовали за ним, почитали его как бога. Шуберт, следующий великий венский мастер, на 27 лет моложе, но переживший его всего на 18 месяцев, трепетал перед Бетховеном. Он не совершенствовал ни симфонические, ни сонатные формы, в его гриме не было революционного рвения. Он подарил мелодию.Шуберт, возможно, является величайшим мастером мелодии, которого когда-либо знал мир, и в его более чем 600 песнях заложена немецкая песенная (или Lied) традиция. Начиная с его Erlkönig (1815) и далее, Шуберт безошибочно улавливал суть смысла стихотворения и отразил его в своей обстановке. Впервые фортепьяно приобрело равное значение с вокальной партией, рисуя тональный рисунок или улавливая настроение произведения в его аккомпанементе.

И именно новые пианино с железными струнами стали излюбленным инструментом первой части эпохи романтизма.Поразительное количество композиторов-пианистов родилось на рубеже веков, наиболее известными из которых были Лист, Шопен, Шуман и Мендельсон. Из них Мендельсон опирался на элегантные, традиционные структуры классицизма, в которых заключался его изысканный поэтический и мелодический дар. Многие из его фортепианных произведений (например, Песня без слов ) и оркестровые пьесы ( Гебридская увертюра, и Итальянская симфония , № 4) описывают природу, места, эмоции и т. Д.Шуман тоже предпочитал такие короткие музыкальные эссе с названиями, как Traümerei и Des Abends , чтобы вызвать настроение или событие — «характерные пьесы», которые позже стали называть «программной музыкой». Бесспорным мастером романтического клавишного стиля был Фредерик Шопен. Практически все его творчество посвящено фортепиано в череде очень индивидуальных и выразительных произведений, написанных за короткий период в 20 лет. Спустя пятьдесят лет после его ранней смерти в 1849 году композиторы все еще писали произведения, на которые он оказал сильное влияние.Шопен редко использовал описательные названия для своих работ (помимо таких лейблов, как Nocturne, Berceuse или Barcarolle). Технические и лирические возможности инструмента были подняты на новую высоту в таких шедеврах, как Четыре баллады, последние две (из трех) фортепианных сонат и множество коротких танцевальных композиций. Большинство из них происходили из его родины, Польши, и, будучи добровольным изгнанником, живущим в Париже, Шопен, естественно, стремился выразить свою любовь к своей стране. Гораздо более пылкий национализм должен был стать ключевым фактором в музыке композиторов, писавших позже в романтической традиции (сам Шопен, кстати, не любил, чтобы его называли «романтиком»).

Но чтобы по-настоящему определить «эпоху романтизма» в музыке, мы должны взглянуть на трех композиторов, которые доминировали в музыкальном мире во второй и третьей четвертях XIX века и которые продвигали музыку вперед на заре следующего: Листа, Берлиоз и Вагнер.

Романтики

Бунт и свобода самовыражения лежат в основе романтического движения в музыке, литературе, живописи и архитектуре, осознанный разрыв связей и вера в права художника.Лист, байроник по внешнему виду и темпераменту, величайший пианист того времени, подарил нам сольный фортепианный концерт, «симфоническую поэму» — расширенный оркестровый эквивалент «характерных пьес» Шумана — и ошеломляющее разнообразие музыки во всех формах и формах. . Соната для фортепиано си минор, в которой все элементы традиционной сонатной формы объединены в единое целое, является одним из краеугольных камней репертуара; его последние фортепианные произведения предвосхищают гармонии Дебюсси, Бартока и других.Хотя вся его музыка отнюдь не глубока — в ней много лоска и блеска, — его авантюрные партитуры, его покровительство и поддержка со стороны любого молодого композитора, который приходил к нему, сделали его одним из самых влиятельных музыкальных гениев века.

Берлиоз не был пианистом. Возможно, именно поэтому он является важнейшим композитором того времени с точки зрения оркестрового письма. Он основывал свою музыку на «прямой реакции чувств» и мог с необычайной яркостью вызывать сверхъестественное, скажем, сельскую местность или страстных влюбленных.Как и Лист, он никогда не писал формальной симфонии: Симфония Фауста Листа и Фантастическая симфония Берлиоза являются «программными» и опираются на литературное вдохновение в своей структуре. Берлиоз писал в эпическом масштабе, используя огромные силы, чтобы передать свое видение: например, Grande Messe des Morts требует соло тенора, духовых оркестров и массивного припева, а также расширенного оркестра. Теофиль Готье, чей Nuits d’été Берлиоз положил на музыку, подытожил Берлиоза так: «[Он] олицетворяет романтическую музыкальную идею, ломку старых форм, замену неизменными квадратными ритмами новыми формами, сложный и грамотное богатство оркестровки, правдивость местного колорита, неожиданные звуковые эффекты, шумная и шекспировская глубина страсти, любовная или меланхолическая мечтательность, тоски и вопрошания души, бесконечные и таинственные чувства, которые нельзя передать словами, и это нечто большее, чем все, что ускользает от языка, но может быть угадано в музыке.’Технические усовершенствования в производстве оркестровых инструментов — особенно медных и деревянных духовых — помогли таким композиторам, как Берлиоз, достичь своих целей, поскольку современные инструменты обеспечивают более широкий диапазон и разнообразие звука. Этот дополнительный цвет в оркестровой палитре композитора побуждал к более обширным (иногда кажущимся бесформенным) произведениям. Опора симфонической структуры была нужна меньше, хотя, когда писали это в начале 21-го века, многим все еще нравилось сочинять музыку в такой форме.

Третий титан романтиков был самым известным и обсуждаемым композитором всех времен: Рихард Вагнер. Такой же умный и трудолюбивый, как он был безжалостным и эгоцентричным, великим достижением Вагнера стал цикл из четырех опер «Кольцо нибелунгов» , который перевел оперу из сферы развлечений в квазирелигиозный опыт. Под влиянием Бетховена, Моцарта (считающегося первым по-настоящему немецким оперным композитором) и Мейербера (чье чувство эпического театра, дизайна и оркестровки впечатлило его) видение Вагнера состояло в том, чтобы создать произведение, которое было бы сплавом всех искусств — литературы, живопись и музыка. Свое видение он назвал «музыкальной драмой».

Некоторые из его идей были предвосхищены 40 годами ранее Карлом Марией фон Вебером, одним из первых, кто настоял на полном контроле над всеми аспектами производства своих работ и который еще в 1817 году писал о своем желании объединить все формы искусства в одну великую новую форму. Опера Вебера Der Freischütz , первая немецкая романтическая опера, явилась важной вехой в развитии этих идей с использованием немецкой мифологии в качестве сюжета.

Вагнер решил, что музыка должна вырасти из либретто (он поставил свое собственное), что не должно быть никаких демонстрационных арий ради самих себя, вставленных только для того, чтобы угодить публике; музыка, как и повествовательный поток в опере, никогда не должна прекращаться, поскольку музыка одинаково важна в повествовании истории и комментировании действий и персонажей; лейтмотивы, короткие музыкальные фразы, связанные с разными персонажами и настроениями, будут повторяться на протяжении всей партитуры, чтобы поддерживать и связывать всю работу. Оркестровый вклад был не менее важен, чем вокальный элемент. Но Вагнер был больше, чем просто оперный реформатор. Он открыл новый гармонический язык, особенно в использовании хроматизма (см. Стр. XXXI). Это не только оказало глубокое влияние на последующие поколения композиторов, но и логически привело к атональной музыке 20 века.

Не все композиторы подпадали под чары Вагнера. Брамс был воплощением традиционной музыкальной мысли. Его четыре симфонии намного ближе к стилю Бетховена, чем симфонии Мендельсона или Шумана, и первая из них была написана только в 1875 году, когда Вагнер почти закончил The Ring .Действительно, Брамс, безусловно, самый классический из немецких романтиков. Написал программную музыку и никаких опер. Любопытное совпадение, что он проявил себя в тех самых музыкальных формах, которые Вагнер предпочитал игнорировать, — в области камерной музыки, концертов, вариационного письма и симфоний.

Верди против Вагнера

Лишь в преклонном возрасте Джузеппе Верди перенял некоторые музыкальные идеи Вагнера. Итальянский представляет собой кульминацию различных школ оперы.Оперы Вагнера — потомки Бетховена и Вебера; Верди развивался на основе комических шедевров Россини и романтических драм Беллини и Доницетти. В знаменитой трилогии Rigoletto (1851), Il trovatore (1853) и La traviata (1853) Верди соединил свое драматическое мастерство с потоком незабываемых лирических мелодий, создав шедевры жанра публика никогда не устает. Дон Карлос (1867), Аида (1871), Отелло (1887) и Фальстаф (1893) демонстрируют развитие и неустанно ищущий ум, которые остаются среди великих чудес музыки.

Вагнера и Верди объединял неистовый патриотизм. При жизни Верди считался мощным символом независимости Италии, в то время как Вагнер придерживался сомнительных теорий, которые сделали его таким героем Третьего рейха. В течение столетия западная музыка, в которой теперь преобладали немецкие традиции и формы, все больше и больше находилась под влиянием роста национализма. Композиторы хотели отразить характер и культурную самобытность своих родных земель, используя материал и формы, заимствованные из их собственной страны.Россия была в авангарде национализма, который теперь оплодотворял эпоху позднего романтизма. Глинка был первым крупным русским композитором, который использовал русские сюжеты и народные мелодии в своей опере «Жизнь за царя». Под влиянием итальянской традиции, он тем не менее сумел передать типично русскую песню и гармонию и оказал глубокое влияние на Бородина, Балакирева, Кюи, Мусоргского и Римского-Корсакова — так называемую «Могучую пятерку» (или «Могучую горстку» — хотя Цуй вряд ли можно назвать «могущественным» по сравнению с гением своих сверстников).

Чайковский, наиболее образованный из всех своих русских современников, на словах поддерживал националистов, сочиняя музыку в основном в немецких традициях. Повсюду в Европе возникли националистические музыкальные школы: в Богемии были Сметана, Дворжак и Яначек; в Скандинавии — Нильсен, Григ и Синдинг; в Финляндии — Сибелиус, семь симфоний которого раскрыли эту среду очень захватывающим и индивидуальным образом; в Испании — Альбенис, Гранадос и де Фалья. Британия и Соединенные Штаты медленно развивали националистическую школу: Парри и Элгар твердо писали в немецкой манере, и только с приходом Вогана Уильямса и Холста «британский» (или, по крайней мере, «английский») звучал так. начали появляться.Америка была любопытным случаем. Его первый отечественный композитор любой ноты, Готтшалк, использовал местные ритмы для своих фортепианных произведений (в основном) еще в 1850-х годах — южноамериканские, новоорлеанские и кубинские элементы смело выходят на первый план. Прошло еще полвека, прежде чем любая музыка, непосредственно заимствованная из американского фолка, начала утверждать себя в форме джаза.

К датам каждого музыкального периода нужно подходить гибко. Романтический период включает в себя широкое разнообразие личных стилей и представляет собой длительный и быстрый период в развитии западной музыки.Как и все стороны жизни, искусство развивалось все более быстрыми темпами. Параллельно с ростом национализма появилась итальянская школа оперы verismo , школа реализма или натурализма, воплощенная в произведениях Пуччини, Леонкавалло и Масканьи, сюжеты которых были взяты из современной жизни, представленной с повышенной жестокостью и эмоциями. В последние годы этого периода, возникшие под влиянием Вагнера, пришли неоромантики, чье использование массивных симфонических структур и сложной оркестровки слышно в музыке Брукнера, Малера, Скрябина и ранних произведениях Рихарда Штрауса.

Националисты

Ближе к концу столетия возникла реакция на излишества романтиков — слишком очевидный подход «сердце в рукаве», чрезмерное эмоциональное излишество, внемузыкальные программы и философские взгляды начали дружить. Подобно тому, как период барокко растворился в классическом периоде, классика перешла в раннюю романтическую эпоху, поэтому в конце 19-го века появилась тенденция к смелым экспериментам с новыми стилями и техниками. Совпадая с французским импрессионистским движением в живописи и поэзии, пришла импрессионистская музыка, воплощенная в смелой (в то время) личной гармонической идиоме Клода Дебюсси.Здесь акцент был сделан не на предмете музыкального произведения, а на эмоции или ощущении, вызванном этим предметом. Его музыка так же тщательно организована, как и все в классической немецкой манере, но, используя цельнотональную гамму и свежие гармонии, Дебюсси вызывает в воображении чувственное, атмосферное очарование в своей фортепианной музыке и оркестровых произведениях. Прихотливый Морис Равель пошел по его стопам, создав экзотические воспоминания о свете и цвете, позже с оттенком джаза.

На рубеже веков уже было невозможно определить доминирующее общее музыкальное направление.Под ее многочисленными фрагментированными разделами мы можем только назвать наследника классического и романтического периодов несколько неубедительным словом «современная музыка».

Игорь Стравинский учился у одного из величайших музыкальных оркестров Римского-Корсакова. Он оркестровал некоторые фортепианные сонаты Бетховена в качестве упражнения; он работал контрапунктом и узнал о классических формах — иными словами, о здравом, традиционном консерватории. Менее чем через десять лет мы обнаруживаем, что Стравинский пишет музыку, которая находится далеко от его наставника. Жар-птица (1909), Петрушка (1911) и Весна священная (1913), три его балетных шедевра, становились все более авантюрными: в Петрушка мы находим битональные отрывки (то есть музыку, написанную в двух тонах. одновременно), диссонирующие аккорды, новая ритмическая свобода и перкуссионное оркестровое качество; в «Весна священная », партитуре, которая на премьере вызвала бунт, Стравинский сократил все элементы музыки, чтобы усилить ритм.Дебюсси и Шенберг в некоторых своих произведениях сводили музыку к вертикальному эффекту одновременно звучащих нот, поэтому Стравинский сводил мелодию и гармонию к ритму. Как выразились Алек Харман и Уилфред Меллерс в своей книге Man and His Music : «Гармония без мелодии и ритма, ритм без мелодии и гармонии статичны. Как столпотворение «Весны » Стравинского «», так и «Голоса » Дебюсси лишают музыку чувства движения от одной точки к другой.Хотя они начали с диаметрально противоположных точек зрения, оба композитора отмечают радикальный отход от традиций европейской музыки времен Возрождения ».

На протяжении своей замечательной карьеры Стравинский писал в ряде других стилей, доминируя в музыкальном мире в течение 50 лет, так же, как его почти точный современник Пабло Пикассо доминировал в своей области. Возможно, ни один другой композитор в этом столетии не оказал большего влияния, чем Стравинский — Дебюсси и Равель были менее широкими, Сибелиус и Барток менее смелыми, Шенберг и Веберн менее доступными.

Арнольд Шенберг — единственный соперник Стравинского как музыкальный колосс своего времени. Некоторым он открыл дверь в совершенно новый мир музыкальной мысли, столь же захватывающий, сколь и сложный; для других он — жупел музыки, который послал ее по спирали вне досягаемости обычного обывателя, пока, почти сто лет спустя, она не показалась тупиком.

Начиная с эпохи Возрождения, вся музыка имела тональный центр. Как бы далеко ни уходила музыка от тоника — основной тональности, слушатель всегда осознавал неизбежность окончательного возвращения в этот центр. К концу 19-го века музыка все чаще стала включать интервалы, выходящие за рамки преобладающей диатонической гаммы, в результате чего в произведении появлялось необычайное количество модуляции. Это называется хроматическим письмом, поскольку для гармонизации пьесы используются интервалы хроматической шкалы (а не диатонической шкалы). Послушайте, например, более поздние работы Вагнера, а также работы Малера и Рихарда Штрауса, которые следовали им по пятам. Слыша их, становится менее ясно, в какой тональности написана пьеса, ее тональный центр менее очевиден.Шенберг логически последовал из этого и спросил: «Если я могу ввести эти хроматические ноты в свою музыку, можно ли вообще сказать, что существует определенный тональность? Почему любая нота должна быть чужой для любого данного ключа? Гармония — это просто совместное звучание нот, так почему же 12 полутонов хроматической гаммы не должны иметь одинаковое значение? »

Вторая венская школа

Теории и музыка так называемой Второй венской школы, последовавшей за Первой венской школой Гайдна, Моцарта и др. , Опровергают ожидания слушателя.Нет ни одной из знакомых нам особенностей аккордов, которые мы узнаем, мелодий, которые мы можем напевать, или ритмов, в которые мы можем стучать ногами. Остается только традиционный способ указания на партитуре отдельных нот, подписей и экспрессионных знаков. Поскольку подавляющее большинство музыки, которую мы слышим в детстве, является тональной, довольно легко усвоить симфонию Бетховена с первого прослушивания. Поскольку серийная музыка написана на совершенно иностранном языке, с которым у большинства из нас нет ориентиров, ее эффект подобен прослушиванию скандинавской эпической поэмы на японском языке.Меломан должен овладеть знанием языка — другими словами, музыкальной техникой, задействованной в композиции, — прежде чем ее можно будет оценить. Сравнительно мало у кого есть время, так сказать, изучать скандинавскую поэзию в японском переводе.

Не всех композиторов привлекла новая техника, но диссонанс, атональность и отказ от мелодии — сильные стороны творчества многих композиторов этого века. В регулярном концертном репертуаре очень мало серийной или атональной музыки; еще меньше нашло свое место в сердцах и привязанностях обычной любящей музыку публики.Если заглянуть в будущее, это особенно верно в отношении музыки, написанной со времен Второй мировой войны. Список произведений, написанных пером всемирно известных современных композиторов, вызовет у большинства глухой отклик. Сегодняшнему авангарду требуется гораздо больше времени, чтобы ассимилироваться, чем авангарду предыдущих веков. Мнения по поводу достоинств такого композитора, как, например, Чарльз Айвз, разошлись во мнениях, чьи полиритмические, политональные произведения слишком сложны, чтобы они когда-либо стали популярными; Штокхаузен, Биртвистл, Кейдж, Картер, Берио, Ноно (список бесконечен) останется закрытой книгой для большинства людей.Тем не менее, каждый из этих композиторов имеет в определенных кругах огромное количество фанатичных поклонников. Мы надеемся, что в музыкальном развитии всегда будут смелые, фантастические новаторы, исследующие новые возможности, выражающие себя новыми и оригинальными способами. Найдут ли они когда-нибудь широкую, отзывчивую и благодарную аудиторию, покажет время. У большинства новых заказов есть премьера, трансляция (если им повезет), а затем они предаются забвению — на каком бы музыкальном языке они ни были написаны.

Другой путь, выбранный музыкой в ​​этом столетии, — это путь, который сохраняет свою связь с тональностью и (в настоящее время все чаще) с мелодией.Несмотря на резкость и едкость музыки Прокофьева, его стиль является явным потомком романтиков. Шостакович, разделяющий любовь Прокофьева к острому, юмористическому и сатирическому, а также к мрачному и интроспективному, следует из той же традиции. Рахманинов в еще большей степени писал в духе позднего романтизма, создав некоторые из самых популярных симфоний и концертов, написанных в этом веке. Во Франции наиболее важными композиторами после Равеля и Дебюсси были Онеггер, Мийо и Пуленк, три разрозненных композитора, бесполезно сгруппированных в Les Six (остальные три внесли незначительный вклад), и все они находились под влиянием причудливого и эксцентричного Эрика Сати. Самым значительным французским композитором со времен импрессионистов является Оливер Мессиан, который ввел элементы индийской музыки и пение птиц в язык западной музыки. Пьер Булез, чьи сложные произведения часто основаны на математических соотношениях, и Карлхайнц Штокхаузен, чьи партитуры для его новаторской электронной музыки представлены в виде диаграмм и диаграмм, оба являются учениками Мессиана.

Больше нет ни одной школы музыкальной мысли. Кажется, мало что связывает социально-политические оперы Курта Вейля и их хрупкие, навязчивые мелодии с его современником Полом Хиндемитом и его плотной контрапунктовой неоклассической идиомой.Гораздо меньше Аарон Копленд, родившийся всего пятью годами позже, в 1900 году, имеет какое-либо отношение к обоим. Первый выдающийся композитор американского происхождения, Копленд использовал в своей музыке народный материал, шестые и седьмые интервалы блюза, отголоски ковбойских песен, джаз и память о еврейских синагогах. Его Appalachian Spring (1944) один критик сравнил с пастырской симфонией Воана Уильямса .

Британское наследие

А что случилось с британской музыкой в ​​этом веке? Столетие Перселла в 1895 году стимулировало интерес к великому наследию музыкального прошлого Англии; Общество английской народной песни было основано в 1898 году; Лондонские концерты на променаде открылись в 1895 году, и внезапно «страна без музыки» оказалась в эпицентре музыкального возрождения.Никто не заслуживает большего признания в возрождении музыкальных достижений страны, чем Ральф Воан Уильямс и Густав Холст. Воан Уильямс своим кредо считал убеждение, что «Музыкальное искусство, прежде всего, является выражением души нации». Английская тюдоровская музыка, средневековые тональности и народная песня привлекали его, сочиняя музыку в том, что можно было бы назвать романтическим неоклассическим стилем, используя контрапункт, классические формы (такие как симфония и фуга) и современную гармонию. Холст был вдохновлен аналогичным образом, но также черпал вдохновение с востока — его самая известная работа, The Planets , была основана на идеях халдейской астрологии. Из следующего поколения наиболее важными были Бенджамин Бриттен, Майкл Типпет и Уильям Уолтон. Бриттен, в частности, с его многочисленными сценическими работами, сделал английскую музыку на международной арене, написав для самых разных сред, включая оперу для телевидения ( Owen Wingrave ). Питер Граймс , Билли Бадд , Военный реквием , Серенада для тенора, валторны и струнных , The Young Person’s Guide to the Orchestra — список сочинений, написанных им после Второй мировой войны, теперь в регулярном концертный репертуар замечательно велик.Выдающийся вклад Уолтона был сделан перед войной с помощью Façade , Belshazzar’s Feast , концерта для альта и Первой симфонии. Типпет имел менее устойчивый успех по сравнению с двумя его современниками, но Дитя нашего времени (1941), Концерт для парного оркестра (1939) и Fantasia Concertante на тему Корелли (1953), несомненно, останутся курс.

Из более поздних поколений британских композиторов еще слишком рано говорить с какой-либо уверенностью, кого и что будут помнить в великой схеме вещей через 50 лет. У Элизабет Лютьенс, Хамфри Сирла и так называемой манчестерской школы Питера Максвелла Дэвиса, Харрисона Биртвистла и Александра Гера есть свои защитники и преданные поклонники; они не всегда комфортно сочетаются с такими, как Ричард Родни Беннетт, Малкольм Арнольд и Джордж Ллойд — чтобы назвать тех, кто родился до войны и у каждого из которых есть преданные последователи.

Современный постскриптум

Музыки написано в наше время, пишет Джеймс Джолли , остается разделяющей формой искусства, с боевыми линиями, составленных его сторонниками.Вот несколько руководств по изучению новой музыки.

Одной из сильнейших «школ» — и той, которая привлекала людей «извне» классического мира — были так называемые минималисты. Стив Райх (1936 г.р.), Филип Гласс (1936 г.р.) и Джон Адамс (1947 г.р.) — три ведущих представителя, пишущих музыку, основанную на повторяющихся нотах или фразах и создающих волнообразные узоры при взаимодействии фраз. У всех троих появились музыкальные голоса, которые покорили сердца публики. Филип Гласс легко перемещался между оперным театром, концертным залом и киностудией, хотя в последнее время вернулся к чисто абстрактной композиции.Джону Адамсу удалось добиться расположения как критиков, так и публики. Такие произведения, как его недавняя опера Doctor Atomic , занимают достойное место в репертуаре, а его оркестровые произведения исполняются регулярно. Одно из последних произведений Стива Райха, его Daniel Variations , произведение, которое послужило толчком к убийству исламскими экстремистами журналиста Дэниела Перла, является мощным и творческим ответом на современные события. Как пишет The New Yorker : «В самых последних произведениях Райх консолидировал четыре десятилетия изобретений.Фактуры с неоновым освещением уступили место плотным, сумрачным пейзажам с нежными лирическими пассажами в основе каждого произведения. Как будто Райх наконец позволил себе оглянуться назад во времени, возможно, даже потакая тайному романтическому побуждению ».

В настоящее время огромной популярностью по обе стороны Атлантики пользуется аргентинско-еврейский композитор Освальдо Голиджов. Его музыка представляет собой «фьюжн» на очень высоком уровне сложности и легко пересекает границы. Его опера Лорка Ainadamar , записанная DG (и включенная в это руководство), является волшебным творением, красиво оформленным.Его музыка, пересекающая границы, затронула современный аккорд, и его эхо заполнило концертные залы по всему миру.

Как и Голиджов, живущий в США, но с растущим числом поклонников в Великобритании, где была премьера его первой оперы, Два мальчика , — это Нико Мухли (1981 г.р.), композитор с огромным талантом. Его симпатия к англиканской хоровой традиции придает его музыке сильное чувство происхождения, но он является одним из самых разносторонних молодых музыкантов, меняющих разные жанры, одну минуту он работает с музыкантами в Английской национальной опере, а в следующую — с экспериментальными рок-музыкантами из Исландии. .Он музыкант, поклонники которого принадлежат к разным слоям музыкальной жизни.

Генрик Горецки (1933 г.р.), Арво Пярт (1935 г.р.) и Джон Тавенер (1944 г.р.) приобрели огромную популярность в 1980-х годах благодаря своим индивидуальным и часто нежным голосам, усиленным сильной духовной составляющей. Третья симфония Гурецкого была одним из музыкальных феноменов того времени — произведением огромной популярности, ставшим практически культовым благодаря эфирной игре на Classic FM. Джон Тавенер черпает вдохновение в своих глубоко укоренившихся греческих православных убеждениях и создал целый ряд захватывающих произведений.Его концерт для виолончели The Protecting Veil приобрел огромную популярность и очень быстро собрал на свой счет пять записей. Совсем недавно он написал концертное произведение для скрипача Никола Бенедетти.

Оливер Кнуссен (р. 1952) вырос под влиянием Бенджамина Бриттена, который тогда был доминирующим голосом в британской музыке. Самыми известными его произведениями являются две одноактные оперы Higglety Pigglety Pop! и Где обитают дикие твари ; Его «Танцы Офелии » и «Симфонии № 2 и 3» раскрывают работу мастера. Джордж Бенджамин (1960 г.р.), родившийся менее десяти лет спустя, подтвердил свою репутацию еще ребенком. Ученик Мессиана и Гера и друг Булеза, его первая значительная работа была «, окруженная плоским горизонтом ». Его тонкое ухо к цвету создало несколько удивительно прозрачных партитур, и этот подход, несомненно, усилен его навыками дирижера.

Современник Бенджамина Марк-Энтони Тернэдж (род. 1960) пользуется популярностью и покровительством по обе стороны Атлантики — он является композитором Лондонского филармонического оркестра и Чикагского симфонического оркестра.Его более ранние высокооктановые произведения, такие как Greek, Blood on the Floor и Three Screaming Popes (после тревожного триптиха Фрэнсиса Бэкона), были заменены более лиричным музыкальным языком. Многие из его комиссий LPO были записаны и дают ценную информацию о развитии основного композиционного голоса.

Марк-Андре Дальваби (род. 1961) — французский композитор, к которому стоит прислушиваться — его занятия с Булезом и Мюрайем явно высвободили очарование фактурой и цветом, и иногда трудно совместить музыкальное образование Далбави с реальным звучанием его музыки. Он может быть в высшей степени пышным, но красиво оформлен.

Вернувшись в Великобританию, Джулиан Андерсон (1967 г.р.), хотя последние несколько лет преподавал в США, приобрел верных последователей. Его увлекательность и любовь к народной музыке придают его произведениям измерение, которого часто не хватает в новой музыке, и он не боится мелодии: его музыка поразительно прекрасна. Его Book of Hours (2005) вплетает электронику в оркестровую палитру с эффектом вознаграждения, а Eden , с 2005 года, исследует потенциал нетемперированной настройки.

Золотой мальчик музыки в англоязычном мире — невероятно одаренный Томас Адес (род. 1971), чье понимание таких разнообразных музыкальных форм, как опера и фортепианный квинтет, ошеломило его аудиторию. Его оркестровая Asyla (1999) была выбрана Саймоном Рэттлом для его первого концерта с Берлинской филармонией, и те же исполнители с тех пор представили премьеру Tevot (2007): работа была высоко оценена критиками в Лондоне и Нью-Йорке. Его оперы Powder Her Face (1995) и The Tempest (2004) вошли в оперный репертуар.

Современная музыкальная сцена богата и ярка — нет недостатка в талантах и ​​есть лояльная аудитория для новой музыки. И также приятно видеть, как так много известных музыкантов посвящают свою энергию исполнению новой музыки. Владимир Юровски регулярно дирижирует музыкой Тернэджа, Марин Олсоп поддерживает музыку Кристофера Роуза, Джона Корильяно и Дженнифер Хигдон, Саймон Рэттл следит за тем, чтобы новая музыка занимала видное место в Берлине. Такие дирижеры, как Дэвид Робертсон, Эса-Пекка Салонен, Даниэль Баренбойм, Майкл Тилсон Томас и Риккардо Шайи проявляют страсть к новому.А с такими инструменталистами, как Анн-Софи Муттер, Пьер-Лоран Эмар и Эмануэль Пахуд, заказывающие новые работы, профиль этого вида искусства остается заметным на очень высоком уровне. Отфильтруйте мир музыки, и уровень страсти и преданности делу еще больше возрастет… и публика приходит послушать.

Классический период музыки

Классический период музыки, возможно, получил свое название как популярный дескриптор для всей западной сложной инструментальной композиции, но его фактическая временная шкала относительно коротка. Все остальные обозначенные музыкальные эпохи получают как минимум целое столетие. Однако классической эпохой часто называют вторую половину восемнадцатого века. Самый длинный период Классической Эры длился от семидесяти до восьмидесяти лет и закончился не позднее 1820 года. Несмотря на короткую продолжительность Классической Эры, ее влияние на инструментальную музыку было огромным.

Период получил название «классический» из-за философского и культурного возврата к классическим ценностям античности, которые сильно повлияли на музыкальную композицию.Эпоха барокко положила конец первому возвращению Европы к философским и художественным ценностям классического Рима и Греции. Классическая эпоха, в свою очередь, была явным отходом от стиля барокко. В этой статье вы узнаете об основных характеристиках музыки классической эпохи, о том, чем она отличается от того, что было раньше, и о том, как ее название стало использоваться в качестве более широкого термина для западной инструментальной музыки.

Краткое описание музыки ClassicaL Era

Большинству любителей современной музыки, скорее всего, будет странно узнать, что музыка классической эпохи возникла в результате поиска более простого, чистого, гуманистического музыкального выражения с универсальными качествами и привлекательностью.

В рамках стремления к универсальности композиторы классического периода использовали сочетание качеств, каждое из которых преобладает в различных европейских традициях. Композиторы со всей Европы опирались на формальность и точность немцев, лирическое мастерство из Италии и техническое мастерство, ценимое во Франции, для создания своих произведений. В конечном итоге они разработали узнаваемые формы, которые могла бы идентифицировать и оценить любая аудитория в любом месте.

Действительно, написание и исполнение музыки, которая понравится наибольшему количеству людей, было основной целью композиторов классической эпохи.Они стремились создавать произведения с чистым, сбалансированным и элегантным звуком. По этой причине музыка Классической Эры в значительной степени гомофонична с более простыми мелодиями, поддерживаемыми второстепенными гармониями и более значительным использованием аккордов. Композиторы также увеличили использование фраз разной длины, которые четко перемежаются каденциями. Это изменение фразировки и более широкое использование каденции позволило композиторам отображать разнообразный диапазон настроения и эмоционального выражения в одном и том же произведении.

Симфония Гайдна No.14 ля мажор, репрезентативное произведение композиции ранней классической эпохи.

Классический период также был отмечен формализацией многих музыкальных форм, таких как симфония и концерт, которые до сих пор составляют основу небольшой классической музыки «до». С этой стандартизацией форм и более простыми мелодиями композиторы того времени включали больше примечаний относительно того, как должны были исполняться их произведения. Хотя эра виртуозов еще не наступила, композитор начал переход от слуги к церкви или двору к знаменитому артисту в классическую эпоху.

Истоки и контекст классического периода

Музыка классической эры возникла не на пустом месте. Музыка развивалась в рамках более широкой культуры того времени, названной Эпохой Просвещения , которая разделяла некоторые характеристики с Возрождением, наиболее очевидно ее возвращение в древний мир Греции и Рима для культурного вдохновения . Обоим периодам предшествовали времена, когда Церковь играла доминирующую роль в обществе, и люди подчинялись ее воле.

Напротив, античность придерживалась более гуманистического видения . Он предоставил пространство для индивидуальности в контексте универсального идеала, который объединял всех в общем человечестве. Эти универсальные идеалы были выражены через объективные истины, к которым мог получить доступ все через разум, логику и диалектику. Труды Ньютона оказали большое влияние, поскольку они определили структуру и основу для формального, рационального исследования, которое можно было бы использовать для продвижения научных открытий.Информация, собранная с помощью эмпирического исследования, может быть организована посредством категоризации и иерархии, улучшая общее понимание мира. В политической философии такие писатели, как Локк и Монтескье, говорили о неизменных индивидуальных правах, которые не были предоставлены внешней властью, такой как церковь или монархия, но существовали по своей природе .

На художественном уровне ценности организации и логики проявлялись в более упорядоченной эстетике баланса и элегантности. Изобразительное искусство того времени часто называют «неоклассическим» из-за того, что они использовали древность как пробный камень творчества.

Пример неоклассической архитектуры на Глиптотеке, Кенигсплац, Мюнхен, Германия. Фото Диего Делсо, любезно предоставлено Wikicommons.

Скульптура той эпохи, сфокусированная на неоклассическом видении идеализированной, героической человеческой формы. Гудон был известен своими неоклассическими бюстами таких великих людей, как Джордж Вашингтон и Вольтер.Итальянский скульптор Канова создавал полнофигурные произведения, часто основанные на древней мифологии, такие как The Three Graces и его кулачные бойцы. Эти визуальные художники, а также композиторы классической эпохи считали, что сама красота может быть достигнута путем выполнения логических, объективных правил, таких как пропорция и баланс.

Три грации Кановы. Фото Яира Хаклая, любезно предоставлено Wikicommons.

Философское возрождение разума и личности, наряду с растущим и более грамотным средним классом, начало подрывать власть и контроль традиционных властей.Усовершенствования в печати распространяют знания среди общественности вне контроля церкви или монархий. Люди могли начать политическую критику местных властей и сделать свой выбор досуга.

В музыкальном контексте это означало, что Церковь больше не была основным покровителем музыкантов и композиторов, равно как и дворянские дворы. Аристократические дома были важными музыкальными покровителями в классическую эпоху, но средний класс с растущим богатством хотел, чтобы музыка была в их домах и жизни.Также начали расти публичные музыкальные фестивали и выступления. Средний класс был заинтересован в том, чтобы стать музыкантами-любителями и ведущими, а не только членами аудитории. Эти социальные сдвиги были еще одной силой, которая подтолкнула к постоянному потоку более простой и доступной музыки.

Для профессиональных композиторов и музыкантов упор на науку и организацию был применен к музыке путем кодификации композиционных правил, что привело к созданию многих форм классической музыки, которые все еще используются сейчас.

Клейма классической музыки

Классические ценности рационализма, универсальности, космополитизма и элегантности были художественным вдохновением для музыки классической эпохи. Эти классические идеалы проявились в музыке с использованием:

• Гомофонические мелодии для создания чистой, простой, текстуры, аудитория может подключиться к
• гармоний, составленных на основе формализованных правил гармонической функции, которые поддерживают мелодию и работают с ней для обогащения текстуры сбалансированным, контролируемым образом
• более медленная, более контролируемая динамика, такая как использование crescendo, diminuendo, и sforzando , чтобы обеспечить сдержанное эмоциональное выражение и более изящные переходы
• Линейное повествование с четкими, сбалансированными фразами, перемежающимися ритмом
• шаблонное, тематическое развитие, часто через диалектику между контрастирующими темами или прогрессию через вариации тем
• большое разнообразие внутри пьесы за счет изменения тональности, динамики и мелодии

Отличный пример устройства Classical Era, которое воплощает в себе эстетические и философские ценности того времени: использование предшествующей / последующей мелодии, которая представляет собой четкую линейную мелодию, подчеркнутую гармоничным балансом и четким разрешением, обозначающим конец партии. Вот пример из первой части Симфонии Моцарта до мажор, K. 551

Как музыка классической эпохи отделилась от музыки барокко

Некоторые важные художественные сдвиги происходят в результате эволюции того, что было раньше, в то время как другие возникают в результате отказа от прецедентного стиля. Многое из того, что определяло музыку классической эпохи, можно рассматривать как отказ от эстетических ценностей и отличительных черт периода барокко.

Галант, или музыка «чувственного стиля» как ступенька между барокко и классикой

Какое-то время музыка барокко и классика сосуществовали. Музыкальные вкусы проходили через различные переходные фазы, прежде чем период барокко окончательно закончился. В период позднего барокко доминировал новый художественный стиль под названием « рококо, ». Рококо отошло от искусства барокко как более легкий и игривый стиль. Искусство и архитектура барокко украшены великолепными орнаментами.

В музыке стиль рококо назывался стилем Галанта или чувствительным стилем. Элегантнее и сдержаннее, чем музыка барокко, но и менее серьезно. Композиторам нравился модный стиль за его более гармоничный вид. И все же растущее ощущение того, что орнамент в стиле Галанта был поверхностным и чисто декоративным, не соответствовал философским, упорядоченным предпочтениям Просвещения. Отсюда окончательный более сильный разрыв с художественными ценностями и формами барокко.

Четкие различия между классической и барочной музыкой

Вы можете увидеть черты классической эпохи, характеризующиеся ее естественным, более простым стилем, который, как считается, отражает объективный стандарт хорошего вкуса, в явном рельефе по сравнению с музыкой барокко:

• Музыка барокко была более изысканной, в основном полифонической с более сложной текстурой, что придавало ей совершенно неестественное звучание, в то время как в музыке классической эпохи использовались более простые текстуры для создания более естественной, мелодичной атмосферы.

• В то время как музыка классической эпохи имеет линейную основу, акцентированную четкими, отдельными фразами, каждая из которых может иметь свой собственный эмоциональный центр, композиция в стиле барокко с циклическими мелодическими и ритмическими паттернами, сосредоточенными на одном настроении.

• Композиторы классической эпохи отказались от bassocontino , фиксированного, непрерывного аккомпанемента, который был ритмической и гармонической основой композиции в стиле барокко. Композиторы написали специфические аккомпанементы басовых линий и гармонии к каждому произведению, которое существовало в уравновешивании мелодии.

• Композиторы классического периода обеспечили усиленные обозначения, поскольку большая часть артистических приемов заимствована из темпа и динамики, и поскольку все части были написаны для объединения в связные фразы на протяжении всего произведения.

• Богато текстурированная музыка в стиле барокко, в которой преобладает тон клавесина, контрастирует с более естественным звучанием инструментов, предпочитаемых публикой классической эпохи, таких как струнные и деревянные духовые инструменты.

От школы Манхейма до венского классического стиля

Школа Манхейм , основанная при немецком королевском дворе, выросла в этот период пересечения барокко и классического стиля и его переходных стилей.Композиторы Манхейма, работавшие в середине восемнадцатого века, были первыми приверженцами и новаторами норм классической музыки, которые будут более полно развиты и систематизированы позже, в классическую эпоху. Композитор манхеймской школы Карл Стамиц — отличный пример того времени; В его работах присутствуют элементы стиля Галанта, а также использование сонатной формы.

Концерт № 1 для альта Стамица ре мажор

К концу восемнадцатого века наступил расцвет классической эпохи с венским классическим стилем, который иногда называют Первой венской школой. Вена была художественным и культурным эпицентром Европы. Здесь собрались все великие и хорошие композиторы, в том числе Моцарт, Гайдн и Бетховен.

Именно в среднюю и позднюю фазы классической эры были утверждены кодифицированные музыкальные формы, такие как симфоническая и сонатная форма. Это также было вершиной музыкальных ценностей классической эпохи, о чем свидетельствует струнный квартет Фа мажор Бетховена, соч. 59, № 1 (1806).

Развитие музыкальных форм

Наличие благородных, провинциальных покровителей, а не местной церкви или королевского двора с почти неограниченными ресурсами, часто оставляло классических композиторов с меньшим количеством музыкантов разного уровня подготовки.Эта относительная нехватка прекрасно соответствовала ценностям эпохи Просвещения в отношении более простой универсальной музыки, которой могли наслаждаться и даже исполнять поклонники музыки из среднего класса. Результатом стал рост камерной музыки в классическую эпоху. Примеры включают:

• Формы камерной музыки, обычно исполняемые на открытых концертах и ​​фестивалях, такие как divertimenti , серенады и ноктюрны

Моцарт Eine kleine Nachtmusik KV 525

• Струнный квартет, выросший из трио-сонаты в стиле барокко, но в классической эволюции, дал каждому из четырех инструментов чистый голос.

Струнный квартет Гайдна, соч. 33, № 3 ( Птица )

Гайдн также стандартизировал формат симфонии на четыре части (хотя Моцарт обычно придерживался трех):

• первая часть: часто в форме сонаты, в аллегро
• Вторая часть: медленнее и лиричнее, возможно, в форме сонаты
• третья часть: менуэт и формат трио или скерцо и трио; еще одно оживленное движение, вызывающее танец, с трио, зажатым менуэтом или скерцо
• четвертая часть: энергичный финал, обычно в форме сонаты или рондо

Стандартизация сонатной формы была необходимой частью формализации четырехчастной симфонии. В эту эпоху форма сонаты была систематизирована в ее экспозицию — развитие — повторение дизайна тематического исследования.

Две другие музыкальные формы, появившиеся в классическую эпоху, пришедшие на смену барокко Concerto Grosso , форма небольших групп инструментов, выступающих против более крупного оркестра:

• Сольный концерт, который подчеркивал мастерство отдельного солиста и привлекал внимание публики. Сольный концерт существовал в эпоху барокко, но был написан для более широкого диапазона инструментов из-за его популярности в классический период.

• Концертная симфония (или концертная симфония), в которой используются несколько групп солистов, которые противопоставляют друг друга и оркестр.

Концертная симфония соль мажор Жозефа Булоня, кавалера Сен-Жоржа

Еще одним популярным музыкальным форматом, появившимся в классическую эпоху, была комическая опера. Не то чтобы серьезная опера в то время не была распространена. Это были и часто рисовались истории из греческой мифологии, например, Глюк Орфей и Эвридика .

Комическая опера, или opera buffa , рассказывала истории обычных людей в сумасшедших обстоятельствах или в эпических поисках любви — мало чем отличается от телевизионных ситкомов, но с большим количеством музыки. Например, есть книга Моцарта Cosi Fan Tutte , где два солдата делают ставки, смогут ли их подруги остаться верными.

Развитие оркестров и инструментов в классический период

Одним из главных отклонений от эпохи барокко было исчезновение клавесина из классической композиции. К середине восемнадцатого века на смену ему пришло фортепиано, но оно не было центральным инструментом в творчестве, как клавесин. Однако появление фортепиано в том виде, в каком мы его знаем сегодня, произошло в конце восемнадцатого века, и классические композиторы полюбили его, написав множество концертов и сонат.

Струны приобрели большую известность из-за их особой способности лучше всего отражать человеческий голос. Этот человеческий, природный элемент привлекал классиков. Моцарт формализовал сонату для скрипки с аккомпанементом фортепиано во время классической эры, которая обычно содержала две части.Соната Моцарта для скрипки № 21 ми минор

Деревянные духовые инструменты также сыграли заметную роль и впервые стали отдельной частью оркестра. Как и струнные, деревянные духовые инструменты ценились за их способность воспроизводить естественные, элегантные тона. Количество и тип деревянных духовых и роговых инструментов, которые стали стандартом в оркестре, росли.

Весь оркестр рос и стандартизировался в классический период. Его основной формат из четырех инструментальных разделов был установлен композиторами школы Манхейма.Позже, в классический период, стандартный размер оркестра вырос за счет добавления нескольких существующих инструментов, особенно в секции деревянных духовых и рожковых. Включение новых инструментов, таких как тромбон и валторна, также способствовало росту оркестра.

Изучение композиторов классической эпохи и их произведений

Вы уже почувствовали вкус трех главных фигур классической эпохи: Гайдна, Моцарта и Бетховена. Какими бы важными они ни были для понимания музыки классической эпохи, с того времени были и другие талантливые композиторы и произведения, достойные упоминания. Ознакомьтесь с нашим списком 10 классических композиторов, которые вам нужно знать , чтобы глубже погрузиться в более широкий спектр классических композиторов.

Если музыкальных сэмплов здесь недостаточно (а их нет), мы также собрали 20 из лучших произведений классического периода всех времен .

Как вам классическая симметрия и простота!

Classical Era закладывает основу для более личного знакомства с романтической эпохой

Прелесть стандартизации форм в том, что они служат плодотворной отправной точкой для дальнейших инноваций.Даже на более поздних стадиях самого классического периода классические композиторы уже играли с самими формами, которые они организовали.

Например, более крупный оркестр стал средством интенсивного и грандиозного самовыражения. Таким образом, с некоторой помощью Бетховена, это стало катализатором начала эпохи романтизма. Послушайте его Симфонию № 3 ми-бемоль мажор ( Eroica ).

Действительно, моральная философия Эры Разума, основанная на индивидуализме и освобождении людей от могущественных внешних властей, обеспечила собственную основу для более свободной, менее переобученной эмоциональной выразительности эпохи романтизма.

Стихи классицизма | Примеры классицизма Поэзия

Классицизм Стихи. Примеры классицизма и список новых стихотворений в правильной поэтической форме и технике. Делитесь и читайте короткие, длинные, лучшие и известные стихи классицизма, изучая правила, формат, типы и исчерпывающее литературное определение классицизма.

Классицизм — это форма поэзии, которая придерживается принципов и идеалов красоты, характерных для греческого и римского искусства, архитектуры и литературы, но это не только классицизм. Что такое классицизм в поэзии (полное определение)?

вера *** Это было, пожалуй, самое грустное мое письмо после того, как я увидел по телевизору изображения бездомных и голодающих детей в Румынии; Я искренне верю, что независимо от того, чем мы можем похвастаться, достижения как вид —… Подробнее Категории: ребенок, еда, бог, надежда,
Форма: Классицизм

---

Красотая не такая красивая Я знаю как красиво Вечернее солнце Я понимаю смысл Старый каламбур Я могу не быть женатым У меня может не быть мужа Я не живу чтобы хрюкать Я живу, чтобы понять…Читать больше Категории: приключение, возраст, аллах, утрата,
Форма: Классицизм

---

Первый сбор, Гнев, Возвращение Зевса **************************************** Первый сбор, Гнев, Возвращение Зевса («Где судьба и судьба правят над слепым поклонением») Иначе толпы смертных находят истину, кишащие разъяренными ордами, они могут, забыть заплатить. ..Читать больше Категории: искусство, коррупция, творчество, воображение,
Форма: Классицизм

---

Еще одна зимняя звезда *** Я перепечатываю это стихотворение, так как считаю его лучшим моим поэтическим творением. Я чувствую, что образы пьесы и ее «легендарных» персонажей связаны, чтобы создать позитивную атмосферу, которая отражает…Читать больше Категории: создание, бог, надежда, жизнь,
Форма: Классицизм

---

Страна семи солнц Боги говорили всем, у кого были «широкие» уши … но все, что они слышали, было музой Аполлона . .. » Как заквашила моя душа на поиски, шерстистый и дикий для восксов…Читать больше Категории: небо, надежда, метафора, философия,
Форма: Классицизм

---

Легенды и другие мелочи *** Я повторно публикую это стихотворение, так как оно расцвело в дождливый день, и я хотел бы снова поделиться этим в этот новогодний день *** О, звездная ночь —- с душой мира…Читать больше Категории: возраст, изменение, жизнь, старый,
Форма: Классицизм

---

Моменты, просто моменты в моей голове. Я думал о тебе и о моем полном бабочках. Каждый день проходит так много моментов. Я хочу сказать, как сильно я тебя люблю.Ты мой навсегда, завтра, сегодня и навсегда. Вы … Подробнее Категории: отсутствие, злость, взбодриться,
Форма: Классицизм

---

С нежной любовью, что так особенного О сегодняшней ночи? Это новый; Начало? После всего этого времени Я трачу, Просто так рад Это с тобой! Заставил меня смотреть Вперед Специальная концовка.Тот, который позволит мне Проводи больше времени С тобой! Когда это правильно, Это правильно. Теперь, когда мы все вместе Независимо от Усилия. Я знаю … Подробнее Категории: музыка, романтика, песня, звук,
Форма: Классицизм

---

Фестивальная молитва Привет, Бог и богиня, я в твоем приюте, и мне нужно спросить В вашем мире много счастья ушло Доказательство себя для моей страны, государства и мира для Вселенной Признание: нет. ..Читать больше Категории: счастье, отношения, религия,
Форма: Классицизм

---

Акты ненависти и насилия Они едины в пропаганде и злых узах. Да падет Господь на их ложь Они из разных мест Они не оставляют следов Они пропагандируют ненависть и насилие Их разговоры пахнут, и их действия воняют Их намерение — навредить Oни…Читать больше Категории: ангел, анти издевательства, крик,
Форма: Классицизм

---

Страницы историиЯ писатель Я поэт Я не знаком с физикой и химией Вы напишете мое имя на страницах истории? . .. Подробнее Категории: искусство, история, как я
Форма: Классицизм

---

Нежеланный гость, эта прекрасная эпоха пробуждает сходство Со времен чумы в темных книгах Якобы мы зависимы Истории со всеми ее крючками Я сомневаюсь в этом клише, однако Этот посетитель слишком умен И так пахнет, что он останется навсегда Бытие…Читать больше Категории: аллегория, ирония, философия, символизм,
Форма: Классицизм

---

Молодежь сегодняшнего дня, как я бы сказал Есть что сказать Они по-своему шумны Они все равно не уважают своих старших Марк Твен был гением во всех отношениях Он создал двух лучших мальчиков как. ..Читать больше Категории: приключение, возраст, америка, книги,
Форма: Классицизм

---

Рак, рак, смертельная ловушка Увеличивает и дразнит Пациенту требуется кормление с ложки Тело плачет и душа умирает О, Иисус, он распинает. Абад Ур Рехман Хан Абад Ур Рехман АРК Ибад Ур Рехман IR Рехман Хан…Читать больше Категории: тело, рак, смерть, здоровье,
Форма: Классицизм

---

Разум и вдохновитель Ум — это сознание, а мозг — это вдохновитель Мозг — писатель, а мозг — боец Мозг — это страх, а мозг — слеза Мозг — это улыбка, а мозг — дорогой Мозг — это такси, а мозг — это лаборатория Мозг лучевой. ..Читать больше Категории: 12 класс, лучшая подруга,
Форма: Классицизм

---

Особые виды стихотворений классицизма

Определение | Что такое классицизм в поэзии?

Классицизм — Arthistory.net

Что касается искусства, то классицизм — это подражание искусствам древнего мира, особенно Греции и Рима.Это художественный жанр, который был популярен во многие периоды, такие как эпохи Возрождения и Просвещения. Классицизм как художественное влияние обычно представляет свои классические идеалы в искусстве, литературе, архитектуре и музыке. Изучение греческого и латыни, а также античного искусства также на многие века стало важнейшим компонентом образования. Некоторые определения этого термина обсуждают художественное превосходство и консерватизм как компоненты классицизма.

Классицизм впервые появился после падения Византии во время итальянского Возрождения.Когда образование начало расцветать после средневековья и стала известна информация о древнем прошлом Европы, люди начали подражать его формам и идеалам. Художники начали подражать классическому искусству в форме, симметрии, балансе и общем чувстве порядка. Ведущие художники классицизма эпохи Возрождения — Микеланджело, Рафаэль, Корреджо. Классические идеалы особенно выразились в эпоху Возрождения в скульптуре, графике и живописи.

В течение шестнадцатого и семнадцатого веков классицизм рассматривался более формально и был наделен большей художественной дисциплиной.Например, художественные и музыкальные институты разработали педагогику для изложения идеалов классицизма. Хотя порядок и элегантность по-прежнему были отличительными чертами работ, вдохновленных классикой, атмосфера предсказуемости также окружала многие работы того периода. Двор Людовика XIV особенно символичен для классицизма второй половины этого периода.

В XVIII веке и в эпоху Просвещения классицизм был важным компонентом формального образования. Основные идеалы того периода, такие как свобода и демократия, уходят корнями в древность, особенно демократическое управление классических Афин, Греция.Классицизм породил неоклассицизм в искусстве, в котором больше внимания уделялось западным канонам признанных классических произведений. Хотя эти термины часто используются как синонимы, они привязаны к определенным векам, но оба движения представляют художественное влияние Древней Греции и Рима. Классицизм также оказал влияние на искусство девятнадцатого и двадцатого веков.

Хотя произведения классицизма демонстрируют характеристики порядка и баланса, они также часто воплощают классические сюжеты.Многие произведения классицизма изображают классические сцены античности, такие как Афинская школа (1509-1510) Рафаэля или Смерть Сократа (1787) Жака Луи-Давида. Многие произведения классицизма изображали сцены из мифологии, а также античной истории.