Невероятно красивые картины японской художницы Кинуко Крафт. Часть 2

Кинуко Крафт (Kinuko Y. Craft) — одна из наиболее уважаемых и известных сегодня фэнтезийных художниц в жанре ренессанс. Ее знают в основном по иллюстрациям различных книг писателей в жанре фэнтези, оперных плакатов и национальных журналов. Ее творчество отличается детализацией и страстной любовью к изобразительному искусству и глубоким знанием истории искусств. Ее изумительные работы – добрые и светлые – нашли своего зрителя в любой возрастной категории.

Она родилась в 1940 г. в Японии, где жила и училась до 1962 года, потом переехала в США, где продолжает жить и творить до сих пор.

Первыми учебниками Кинуко стали книги из библиотеки деда-каллиграфа, и девочка получила такой заряд вдохновения, что решила поступать сначала в художественный колледж Канадзава(Kanazawa College of Art.) в Японии, а затем решила продолжить свое образование в США и изучать искусство иллюстрации в Чикагском университете.

Начинала карьеру как внештатный сотрудник целого ряда журналов, таких как The New York Times, Newsweek, Time, Forbes, Sports Illustrated и т.д. т.д. и надо сказать, достигла многого, но, все же решила «отправиться в свободное плавание», чтобы иметь возможность решать самой что и как рисовать. С середины девяностых, специализируется на иллюстрирование детских книг, суперобложках к книгам фэнтези и плакатах.

Кинуко И. Крафт — обладательница более ста художественных премий и пяти золотых медалей Общества Иллюстраторов. Её работы регулярно появляются в таких изданиях, как «Time», «Newsweek» и «National Geographic». Она иллюстрировала и многие книги для детей, в том числе «Царь Мидас и Золотое Прикосновение», «Амур и Психея», написанные Шарлоттой Крафт, а также «Двенадцать танцующих принцесс» и «Пегас» Марианны Мейер. Об иллюстрациях Кинуко Крафт к сказкам и мифам я рассказала в своей предыдущей публикации:

Невероятно красивые картины японской художницы Кинуко Крафт. Часть1 — Иллюстрации к сказкам и мифам

В «New York Times» о ее работах писали: «Иллюстрации К.И. Крафт — настоящее чудо… Они неизменно поражают тщательной прорисовкой мельчайших деталей и множеством удивительных находок».

Не менее красивы рисунки этой художницы сделанные цветными карандашами:

Иллюстрации Кинуко Крафт можно встретить на обложках книг и компьютерных игр, на плакатах, а также ввиде пазлов.

babiki.ru

Как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка

Предлагаю вам пошаговую инструкцию, как нарисовать быстрый пейзаж в японском стиле в технике двойного мазка, поверхность — любая, на которой удобно рисовать. В случае декорирования какой-то вещи, нужна будет подготовка поверхности соответствующим способом. За качество фото прошу меня простить — снимала на телефон, при чём не на самый лучший)

Итак, нам нужно:

1. Рабочая поверхность, на которую будем наносить рисунок. В данном случае это простой лист пастельной бумаги синего цвета, но, как я уже писала, поверхность может быть любая подходящая.
2. Акриловые краски, желательно не слишком густые, с хорошей плотностью цвета, хорошо подойдут крастки серии FolkArt (Plaid).
3. Синтетические кисти — плоская, круглая, веерная и тонкие для прорисовки деталей и уточняющих моментов. Номера кистей следует подбирать пропорционально той вещи, с которой мы работаем. Скажем, для миниатюрной шкатулки и панно на стену размером 2х3 м потребуются совершенно разные кисти.
4. Если работаем с твёрдыми поверхностями, такими, как дерево, или загрунтованное стекло, не лишним будет использовать финишный лак, подойдёт любой.

Итак, поехали.

1. Намечаем гладь воды и линию горизонта, движения кисти желательны параллельно краю листа, иначе, как говорят фотографы, горизонт будет завален.

2. При помощи классического приёма «двойной мазок» намечаем линию берега, начиная с дальнего плана и заканчивая передним. Для тех, кто забыл — основной приём техники «двойной мазок» заключается в том, что на плоскую кисть набираются с двух сторон две контрастные краски, после чего делается несколько мажущих движений по палитре, чтобы сгладить резкий переход одной краски в другую.

3. Мягкими движениями круглой кисти намечаем силуэт ствола дерева. Очень хорошо будет смотреться сочетание нескольких оттенков одного цвета и линий разной ширины.

4. При помощи жёсткой веерной кисти резкими гладящими движениями намечаем крону, сразу прикидывая, какой объём она занимает и какой формы она будет.

5. При помощи тонкой кисти прорисовываем более тонки ветки, уточняем абрис кроны дерева.

6. Добавляем детали и финальные штрихи — луну, блики на воде, отражения, отблеск луны в кроне, траву, птиц, бабочек, медитирующих будд — что захотим:)

www.livemaster.ru

Японская живопись — древнейший вид искусства

Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание.

Японская живопись является древнейшим видом искусства. Она включает в себя различные формы, жанры и разнообразное содержание. Элегантное искусство являет миру картины, представляющие собой ширмы, росписи на стенах, свитки из шелка или бумаги, веера, станковые картины и гравюры.

Японскую живопись отличает большое количество разнообразных жанров и стилей. Ведущее место в японской живописи, как и в литературе, занимает природа. Она преподносится в качестве хранителя божественного начала. Японская живопись берет свое начало в китайском искусстве, поэтому ее жанры очень схожи с жанрами Поднебесной. В наше время многие японские художники предпочитают проходить обучение именно в Китае.

Живопись в Японии имеет в своей истории развития несколько этапов. Каждый из них отличается своеобразными характеристиками и особенными чертами.

Начальным этапом развития считается временной промежуток с середины седьмого века по конец восьмого века, называемый Нара. В этот период был расписан храм Хорюдзи, он является отличным доказательством влияния на японскую культуру индийской и китайской традиции.

Следующий период развития японской живописи называется Хэйан. Он прославлен активным процветанием храмовой живописи и примерами светского искусства изображения. В этот период создаются иллюстрации к романам и повестям, призванным развлекать знатных господ.

Период Камакура (занимает временной промежуток с конца XIIвека по первую половину XIV века), занимавший временной отрезок с конца двенадцатого века и по первую половину четырнадцатого века, характеризуется изменением стилей, поисками новых способов изображения жизни. Настроение японской живописи круто меняется. Раньше картины передавали оптимистичную, легкую и радостную атмосферу. В этот период сделан большой шаг в сторону реалистичного изображения, а также придания картине практически военного характера. Характерные сюжеты живописи — батальные сцены из мифов и истории, религиозные сцены из буддийской традиции. Широко распространено изображение портретов важных государственных деятелей.

В период Муромати (временной отрезок с первой половины XIV века по вторую половину XVI века) на первый план выходит тенденция, прославившая японскую живопись на весь мир. Философия дзэн-буддизма оказала значительное влияние на живопись, в результате чего популярность приобрело пейзажное искусство. Особенную элегантность получила монохромная техника. В этот период на японскую живопись оказал влияние Китай. Самый известный художник Японии того времени Тоё Ода, специализировавшийся на написании пейзажей, создал первые картины, когда путешествовал по Поднебесной. Развил направление он уже на родине.

Вышеописанная тенденция активно развивалась и дополнялась во время двух следующих периодов развития японской живописи — Монояма и Эдо. Монохромная техника представляла собой более утонченный вариант. Тщательно прорабатывали и вырисовывали детали. Художники не побоялись экспериментов и стали применять приемы, ранее использовавшиеся в живописи на свитках и ширмах, в настенной росписи. Пейзажи и массовые сцены стали дополняться психологическими историями, демонстрирующими героя в момент сильного эмоционального напряжения. Помимо традиционной живописи в Японии активное распространение получила гравюра на дереве. Она разделялась на два вида: театральная гравюра и бытописательная гравюра. Самым известным мастером театральной гравюры является Тёсюсай Сяраку. Бытописательная гравюра активно развивалась в творчестве Судзуки Харунобу и Китагава Утамаро.

dveimperii.ru

Японская живопись

Японская живопись — популярный традиционный вид японского искусства, который подразделяется на множество жанров и стилей.

Живопись в японском стиле

Мотивы природы нашли наибольшее распространение в живописи в японском стиле. Также на картинах страны восходящего солнца часто изображались всевозможные сцены из обыденной жизни знати, самураев, мифологических героев.

Наиболее известные жанры японских картин

Техника японской живописи уки-ё

В 14 веке большое распространение получил стиль уки-ё, который включал в себя гравюры на дереве, на которых была показана жизнь красивых гейш, актеров театра кабуки, борцов сумо и различные природные пейзажи.

В процессе создания гравюры укиё-э участвовали художник, резчик и печатник и весь процесс состоял из нескольких этапов. Вначале живописец рисовал на белой бумаге картину, затем резчик наносил на обратную сторону картины клей и прикладывал ее к деревянной доске. Когда рисунок приклеивался, из него вырезались части, которые не были закрашены, таким образом получалась печатная форма. Затем изготовлялись черно-белые оттиски, на них живописец наносил необходимые цвета. Резчик изготовлял нужное число (до нескольких десятков) печатных форм, которые сочетались с заданным фоном или окраской. Печатник после обсуждения с художником цветовой гаммы покрывал формы краской и, прикладывая их к слегка влажной рисовой бумаге, создавал гравюру.

Стиль, в котором печаталась японская гравюра стала популярна не только в Японии, но и среди художников западных стран, таких как Винсент Ван Гог, Клод Моне и другие. Это воздействие на европейское искусство носит название «японизм».

Школа японской монохромной живописи Кано

Наиболее известной школой японского изобразительного искусства является школа Кано, картины которой изображали различных птиц, животных, мифологических существ, случаи из жизни обычных людей. Рисунки наносились также на раздвижные двери японских дворцов.

Живопись Кано

Художники школы Кано, ко всему прочему, знамениты своими великолепными монохромными росписями по шёлку. Отличительной чертой таких творений являются сочетания реальных предметов и животных, находящихся на первом плане изображения, с абстрактными, абсолютно отвлечёнными составляющими заднего фона (к примеру, облаками).

В современной Японии живет большое количество художников, которые рисуют в стиле субкультуры аниме и других сферах новой японской культуры. Большое признание получил Такаши Муроками, работающий в студии Каикаи Кики. Он рисует картины, посвященные жизни послевоенного японского государства и аниме, кроме того, создает изваяния и картины в сюрреалистическом стиле и в традиционных национальных жанрах.

Картина Мураками

Видео о живописи Японии

На протяжении столетий живопись занимала важное место в культуре страны восходящего солнца. Об этом виде искусства и пойдет речь в видео.

Жанр статьи — Живопись Японии

jamato.ru

Японская монохромная живопись — Традиционная японская живопись и гравюра

 Монохромная живопись Японии – одно из уникальных явлений искусства Востока. Ей посвящено немало работ и исследований, но часто ее воспринимают как вещь весьма условную, а порой даже декоративную. Это не так.  Духовный мир японского художника очень богат, и он заботится не столько об эстетической составляющей, сколько о духовной. Искусство  Востока – это синтез внешнего и внутреннего, явного и неявного.

В данном посте хотелось бы уделить внимание не истории монохромной живописи, а ее сути. Об этом и пойдет речь.
 

 
ширма «Сосны» Хасэгава Тохаку, 1593г.
 

 

 

То, что мы видим на монохромных картинах – это результат взаимодействия художника с  основной триадой: бумага, кисть, тушь. Поэтому чтобы правильно понимать работу, надо понимать самого художника и его отношение.

 

 
«Пейзаж» Сэссю, 1398г.
 

 

Бумага для японского мастера не просто подручный материал, который он подчиняет своей прихоти, а скорее наоборот —  это «собрат», поэтому и отношение к ней сложилось соответствующее. Бумага это часть окружающей природы, к которой японцы всегда относились трепетно и старались не подчинить себе, а мирно сосуществовать с ней. Бумага – это в прошлом дерево, которое стояло в определенной местности, определенное время, «видело» что-то вокруг себя, и она все это хранит. Так материал воспринимает японский художник. Часто мастера прежде чем начать работу,  долго смотрели на чистый лист (созерцали его) и только потом приступали к  живописи. Даже сейчас современные японские художники, которые занимаются техникой Нихон-га (традиционная японская живопись) тщательно выбирают бумагу. Они покупают ее под заказ на бумажных фабриках. Для каждого художника определенной толщины, влагопроницаемости и фактуры (многие художники даже заключают договор с владельцем фабрики  не продавать эту бумагу другим художникам) – поэтому каждая картина и воспринимается как нечто уникальное и живое.
 

«Читая в бамбуковой роще» Сюбун, 1446г.
 

 

Говоря о значимости этого материала, стоит упомянуть такие известные памятники литературы Японии как «Записки у изголовья» Сэй Сёнагон и «Гэндзи моноготари» Мурасаки Сикибу: и в «Записках», и в «Гэндзи» можно встретить сюжеты, когда придворные или влюбленные обмениваются посланиями. Бумага, на которой писались эти послания была соответствующего времени года, оттенка, а  манера написания текста соответствовала ее фактуре.
 

«Мурасаки Сикибу в храме Исияма» Кёсэн
 

 

Кисть – вторая составляющая, это продолжение руки мастера (опять же — это природный материал). Поэтому кисти тоже делались на заказ, но чаще всего самим художником. Он подбирал волоски необходимой длины, выбирал размер кисти и наиболее удобную рукоять. Мастер пишет только своей кистью и никакой другой.  (Из личного опыта: была на мастер-классе китайского художника Цзян Шилуня,  зрители попросили показать, что умеют его ученики, присутствовавшие на мастер-классе, и каждый из них, взяв в руки кисть мастера, говорил, что получится не то что они ожидают, так как кисть не их, они к ней не привыкли и не знают как правильно ей пользоваться).
 

«Фудзи» эскиз тушью Кацусика Хокусай
 

 

Тушь – третий важный элемент. Тушь бывает разных видов: она может дать после высыхания глянцевый или матовый эффект, может быть с примесью серебристых или охристых оттенков, поэтому правильный выбор туши также не маловажен.

 

 
Ямамото Байцу, конец XVIII — XIX век.
 

 

Основные сюжеты монохромной живописи это пейзажи. Почему в них нет цвета?

парная ширма «Сосны»,  Хасэгава Тохаку

Во-первых, японского художника интересует не сам предмет, а его суть, некая составляющая, которая является общей для всего живого и приводит к гармонии человека с природой. Поэтому изображение — всегда намек, оно обращено к нашим чувствам, а не к зрению. Недосказанность – это стимул диалога, а значит соединения. В изображении важны линии и пятна – они образуют художественный язык. Это не вольность мастера, который где захотел, там оставил жирный след, а в другом месте наоборот недорисовал – в картине все имеет свой смысл и значение, и не несет случайного характера.  

Во-вторых, цвет всегда несет какую-то эмоциональную окраску и по-разному воспринимается разными людьми в разных состояниях, поэтому эмоциональная нейтральность позволяет зрителю наиболее адекватно вступить в диалог, расположить его к восприятию, созерцанию, мысли.

В-третьих,  это взаимодействие инь и ян, любая монохромная картина гармонична с точки зрения соотношения в ней туши и нетронутой области бумаги.

Почему большая часть пространства бумаги не задействована?
 

«Пейзаж» Сюбун, середина XV века.
 

 

Во-первых, незаполненность пространства окунает зрителя  в изображение; во-вторых, изображение создается так, словно оно на мгновение выплыло на поверхность и вот-вот исчезнет – это связано с мировоззрением и мировосприятием; в-третьих,  на тех областях, где нет туши на первый план выходит фактура и оттенок бумаги (на репродукциях это не всегда видно, но на деле это всегда взаимодействие двух материалов – бумаги и туши).
 

Сэссю, 1446г.
 

 

Почему пейзаж?
 

«Созерцание водопада» Гэйами, 1478г.

Согласно японскому мировоззрению, природа совершеннее человека, поэтому он должен у нее учиться, всячески ее беречь, а не уничтожать или подчинять. Поэтому на многих пейзажах можно увидеть небольшие изображения людей, но они всегда незначительны, малы по отношению к самому пейзажу, или изображения хижин, которые вписаны в окружающее их пространство и  даже не всегда заметны – это все символы мировоззрения.
 

    

«Времена года: Осень и Зима» Сэссю.                                                                                 «Пейзаж» Сэссю, 1481г.

В заключение, хочу сказать, что монохромная японская живопись это не хаотично разбрызганная тушь, это не прихоть внутреннего эго художника – это целая система образов и символов, это хранилище философской мысли, а главное, способ коммуникации и гармонизации себя и окружающего мира.

Вот, думаю, ответы на основные вопросы, возникающие у зрителя при столкновении с монохромной японской живописью. Надеюсь, они помогут вам  наиболее правильно понять ее и воспринять при встрече.

 

 

 

 

japan-painting.livejournal.com

Виды живописи в Японии | Магия Востока

Глоссарий японской живописи

Абуна-э (Abuna-e, あぶな絵) – эротическая живопись и гравюра, здесь изображали частично обнаженных женщин, участвующих в повседневной деятельности, например – купание, мытье волосы, наслаждение вечерней прохладой, или накладка макияжа. Часто внезапный порыва ветра, маленький ребенок, или даже животные, такие, как обезьяна или кошка, игриво тянули у женщины одежду, обнажая ее ноги, бедра или грудь. Считается, что Abuna-е было создано в 1772 году, после того как правительство запретило сексуальные картинки, а пик их популярности пришелся на середину 18 века. Вероятно, Abuna-е скорее аналог современной эротики по сравнению с откровенно сексуальной сюнга.

Айдзури-э – печать анилиновым красителем синего цвета. Также известна как техника “аи-э” или синяя печать. Гравюры печатались с нескольких досок различными оттенками основного цвета. Появление и широкое распространение этого типа гравюры укиё-э в конце периода Токугава связано с изданием указа об ограничении роскоши.

Атэнаси-бокаси – техника, при которой чернила смешивали с жидкостью, благодаря чему они свободно растекались по всей поверхности картины. Часто применялась для изображения облаков и водной глади, как, например, в серии гравюр Хиросигэ “Сто знаменитых видов Эдо”.

Барэн – плоский круглый диск около 10-12 см в диаметре, оплетенный бамбуковыми волокнами, при помощи которого печатник, последовательно накладывая на каждый из выгравированных блоков чистый лист рисовой бумаги, печатал гравюру вручную.

Бидзин-га (Bijinga, 美人画) — общее название для произведений живописи и графики, изображающих женскую красоту в традиционном искусстве Японии, например — в печати с деревянных досок художественного направления укиё-э, являвшегося своего рода предшественником фотографии. Обозначение бидзинга может использоваться и для современных средств искусства, представляющих классический образ прекрасной японской женщины, как правило одетой в кимоно. Практически все мастера укиё-э создавали картины в жанре бидзинга, бывшие одной из центральных тем этого направления японского искусства. В узком смысле это жанр гравюры укиё-э.

Бундзинга – живопись образованных людей, школа японской живописи тушью, направление в японской живописи, сформировавшееся в XVIII веке под влиянием китайской Южной школы «Вэньжэньхуа» (картины культурных людей). Японские художники бундзинга в основном уделяли внимание традиционным жанрам китайской живописи – пейзаж, «цветы-птицы» и «четыре благородных мужа» ( слива, орхидея, хризантема и бамбук). Смотри также Ханга (Hanga).

Бокасидзури – плавная, мягкая градация цветовых оттенков и полутонов, достигаемая в процессе печати гравюры.

Бэни-э — розовая гравюра. Тип гравюры укиё-э, раскрашенной от руки кистью, для которой вместо охристой минеральной краски тан применялась розовая растительная краска бэни с добавлением к ней желтого, оливкового и коричневого цветов.

Бэнигирай-э — синяя гравюра. Вид полихромной печати без использования красного цвета. Основные краски, применяющиеся в этой гравюре, – синяя, серая и фиолетовая. Её появление связано с выходом одного из указов Правительства в период эры Ансэй.

Бэнидзури-э – первые цветные гравюры, напечатанные в два цвета – розовым (бэни) и зеленым (аой). Техника многоцветной печати была изобретена китайцем по имени Сисэн и в Японии стала использоваться со времен эры Энкё (1744-1748).

Бэроай – синий пигмент, полученный из растения индиго, ввезенного в Японию с Запада в конце периода Эдо. Его называют “Берлинская лазурь”. Бэроай был особенно популярен в годы эры Бунсэй (1818-1830) и эры Тэмпо (1830-1844). Яркий пример использования этой краски – серия гравюр Хокусая “36 видов Фудзи”.

Дзицубуси – заполненная цветом гравюра. Техника, при которой оставшиеся белыми участки изображения заполняются цветными чернилами. Обычно применяются желтый, индиго и темно-красный оттенки. Как пример использования желтого цвета – гравюра Утамаро “Шитьё”.

Ёко-нага-эбан – картина особо широкого горизонтального формата.

Ёко-обан – разновидность пейзажного формата обан.

Ёко-тандзаку-бан – разновидность пейзажного формата тандзаку-бан.

Ёко-хадзама-бан – хадзама-бан, но горизонтальный.

Итимондзи-бокаси – техника печати, при которой верхняя половина изображения заштриховывается тонкими отчетливыми линиями-полосами. Облака на большинстве гравюр Хиросигэ исполнены именно в этой технике. Итимондзи-бокаси применяется, главным образом, на первом этапе печати ксилографии.

Какэмоно – вертикальные свитки.

Какэмоно-эбан – название, данное гравюрам портретного формата.

Кара-э (Kara-e ) – китайский живописный стиль. Примерно до десятого века в японской живописи доминировало китайское направление кара-э, c распространением буддизма вместе с ним получил распространение и этот стиль. Китайский стиль, преобладавшей в 9 веке, был вытеснен стилем ямато-э, который первоначально указывал на японский характер тематики росписей в отличие от стиля кара-э.

Кано (狩野派, Kano) – одна из самых известных художественных школ в японской живописи. Школа была основана художником Кано Масанобу (1434-1530), современником Сэссю и учеником мастера Сюбуна. Школа Кано формировалась из художников, принадлежавших к роду Кано. В Период Адзути-Момояма эта школа достигает своего расцвета. Художники школы кано часто работали с большими формами, они создавали картины природы, сцены птиц, растений, воды и животных на раздвижные двери или экраны на фоне сусального золота. Наиболее замечательные из этих работ хранятся в замке Нидзё в Киото. Мастера Кано известны также своими замечательными монохромными росписями чернилами по шёлку. Для их работ характерны комбинации из реальных предметов и животных, выступающих на первом плане картины, и из абстрактных, совершенно отвлечённых элементов заднего плана, например, облаков. Наибольшего развития в школе Кано достигает совершенствование изображённых в китайском стиле неба, облаков, моря и тумана. 

Кимэдаси или кимэкоми – техника печати многокрасочной ксилографии, при которой готовую гравюру плотно прижимали лицевой стороной вниз к первой контурной печатной доске и усиленно проглаживали. В результате проявлялись бесцветные рельефные линии контуров, а отпечатанные цветовые участки становились выпуклыми, и таким образом достигался эффект рельефной картины. Этот способ часто использовали для изображения мускулов на руках борцов или округлого женского тела. Харунобу и Бунтё были большими приверженцами техники кимэдаси.

Кира-э или киракакэ – слюдяная печать. Техника печати укиё-э с использованием в качестве пигмента слюдяного порошка, придающего изображению мерцающий серебряный фон. Для этого приготавливали две доски, одну из которых покрывали основным цветом, в то время как другую – клеем или пастой. Затем, слюдяной порошок посыпали на влажную бумагу, а остатки стряхивали. Техника кира-э была популярна у Утамаро и Сяраку.

Мэйсё-э – изображение знаменитых или прославленных красотой мест. Традиционный жанр японского искусства.

Моцукоцухо — печать без контура. Техника монохромной и полихромной печати гравюры, при которой вокруг цветовых участков не наносятся контурные линии.

Муся-э – станковые гравюры с изображениями воинов или буси.

Нагасаки-э (Нагасаки-е) – старинные японские цветные деревяные гравюры по дереву, которые изображают иностранцев, в основном голландцев, их корабли или их экзотические животные и подарки. Нагасаки-э еще более редки, чем Йокогама-э. 

Нисики-э – многокрасочная ксилография. Парчовые, то есть многоцветные картины, которые печатались с нескольких досок на самой лучшей по качеству, хорошо впитывающей краску бумаге хосо, украшались тиснением, золотым, серебряным и перламутровым порошком. Глубокие и мягкие водяные краски, покрывая всю поверхность листа, создавали эффект, подобный парче, что и дало им название “парчовые картины” или нисики-э. Они – дальнейшее развитие бэнидзури-э. Введение новой техники печати объясняется распространением во 2-й год Мэйва (1765) поздравительных гравюр “суримоно” и календарей, которые издавались малыми тиражами, и приобрести которые могли далеко не все, а лишь узкий круг ценителей искусства. Появление и дальнейшее развитие нисики-э связывают с именем величайшего мастера укиё-э Харунобу.

Нуномэ-дзури — тканевая печать. Техника, при которой доску обтягивали тонким как бумага шелком или газовой материей, а затем притирали по поверхности при помощи жесткого диска барэна. В результате структура ткани отпечатывалась на доске. Этот метод был очень популярен среди резчиков гравюры в конце периода Токугава (1603-1867).

Обан — большой формат. Приблизительный размер 39,5 х 26,8 см. Ообан Особо большой формат.Окуби-э — тип больших погрудных портретов. Так называемые “большие головы”. Яркий пример окуби-э – бидзин-га Утамаро (первый ввел этот тип гравюры в укиё-э) и якуся-э Сяраку.

О-тандзаку-бан – гравюра с поэтическими строками в формате обан.

Сансуйга (Sansuiga) – пейзажной живописи, “картины гор и вод”, один из трех главнейших жанров живописи, наряду с дзимбуцуга (портретная и жанровая живопись) и катега (картины цветов и птиц). Пейзажи сансуйга, несущие философский смысл, японские художники стали рисовать, только начиная с 15 века. Вместе с дзэн-буддизмом в Японию попала китайская культура династий Сун и Юань, в том числе и так ценимая дзэнскими монахами китайская монохромная живопись тушью. Первые художники-пейзажисты использовали мотивы, заимствованные у китайских художников-монахов и художников придворной академии живописи, изображая идеализированные лирические пейзажи.

Син Ханга (Shin Hanga ) буквально переводится как новая графика. Это направление в японском искусстве характеризуется обновлением традиционной японской гравюры. Временные рамки шин ханга можно обозначить с 1915 по 1962. Развитие син ханга привело к реннесансу традиционного искусства укиё-э (Ukiyo-e). Направление Син Ханга соединило элементы позаимствованные с Запада и технические приемы японской гравюры. Вместо бездумного копирования западного исскуства художники шин ханга фокусировались на традиционном изображении пейзажей,красивых женщин и портретов актеров. Вдохновленные французкими импрессионистами, художники шин ханга также приняли эффекты света и тени а также выраженний личных эмоций. В результате получился синтез великопной графики и обновленного стиля.

Сёдзури – первый этап изготовления ксилографии, во время которого гравером вырезалась первая печатная форма, так называемая ключевая доска. С нее потом делалось несколько черно-белых оттисков, на которых художник обозначал иероглифами задуманные цвета. На первом этапе больше внимания уделялось раскраске изображения, нежели каким-то признакам и предметам одежды, поэтому эти отпечатки сёдзури считаются наиболее ценными. Все последующие этапы называются “атодзури”.

Сёмэн-дзури – глянцевая печать. Также известна как “цуя-дзури”. Все нисики-э притираются с задней стороны изображения, но в данном случае притирание производится с лицевой стороны гравюры. Таким образом, использующаяся для этого доска становится как бы зеркальным отображением печатного блока, который притирают при обычном печатании. После того, как процесс цветной печати полностью завершен, поверхность гравюры отшлифовывается до блеска при помощи бамбукового диска барэна или чашечки для сакэ.

Сикиси-бан — традиционный формат плотного картона. Почти квадратный формат. Различают два стандартизированных размера: большой и маленький. Большой – приблизительно 19,4х17 см. Первоначально сикиси использовались для написания поэтических строф.

Сумидзури-хиссай – черно-белые гравюры сумидзури, впоследствии тонированные от руки.

Сумидзури-э – ранние черно-белые ксилографии, напечатанные с одной доски черной краской суми, получаемой из сажи и клея.

Суримоно – поздравительные благопожелательные гравюры. Обычно небольшие, квадратного формата, они печатались на дорогой и высококачественной бумаге. Издавались маленькими тиражами для частных заказчиков и были предметами коллекционирования.

Суми-э (Sumi-e) – японская монохромная живопись тушью, это направление возникло в XIV веке и было заимствовано из Китая. Слово суми-э представляет собой соединение двух японских слов, которые в переводе означают “тушь” (суми) и “живопись” (э). То есть суми-э – это тип монохромной живописи, похожей на акварель. Культивируемая в крупных дзэнских монастырях Камакура и Киото, суми-э очень ценилась дзэнскими художниками и их покровителями. Дзэнские монахи-художники рисовали портреты тиндзо, но к концу XIV века монохромная пейзажная живопись стала основным и наиболее почитаемым в дзэнских монастырях жанром изобразительного искусства. В наши дни на Западе принято называть суми-э любое изображение, написанное тушью с использованием технических приемов работы кистью, традиционно принятых в Азии. 

Суйбокуга (Suibokuga) – живопись тушью, китайский стиль, заимствованный японскими художниками в XIV в. Это искусство импровизации, другое название – суми-э. Искусство возникло в Китае около 6000 лет назад, каллиграфия дала развитие живописи. Живопись тушью является художественной формой, которой свойственна высочайшая степень свободы.

Сюнга (Shunga) – весенние картины, одно из направлений японской ксилографии, изображающее эротические сцены. Гравюры на эту тему приобрели большую популярность в конце XVIII – начале XIX века. Как правило, подобные гравюры издавались анонимно, художники не рисковали их подписывать. В Японии сюнга официально запрещена уже около полутора столетий. 

Тандзаку-бан – печатный формат. Вертикальные листы наподобие узких полос бумаги, на которых писали стихи. Размер такого формата – приблизительно 44х7,6 см.

Тан-э – гравюры, раскрашенные от руки охристой минеральной краской “тан”. Так как охра (тан) была самым распространенным и наиболее часто используемым пигментом, она и дала название этому типу гравюры. Иногда к охре добавляли оливковый и приглушенный желтый тона.

Тюбан – средний формат гравюры. Размер 29,3 х 19 см.

Тю-тандзаку-бан – ксилография среднего формата с рядами поэтических строк.

Укиё-э (Ukiyo-e) – картины “бренного мира”. Особое направление в японской живописи, представленное цветной гравюрой на дереве. Формируется в 17 веке, в эпоху Токугава. Первоначально слово укиё обозначало одно из буддийских понятий и переводилось как “бренный и быстротекущий мир”. В 17 веке оно уже стало обозначать современный суетный мир, мир любви и наслаждений. Слово “э” означает “картина, изображение”. Поэтому название искусства “укиё-э” говорит о том, что оно отображает повседневную, современную жизнь периода Токугава. В процессе создания ксилографии принимали участие художник, резчик и печатник. Для многоцветных гравюр порой изготавливали свыше тридцати печатных форм. Пигменты наносили кистью или кончиком пальца. Картины печатались на японской мягкой, впитывающей влагу бумаге, а затем отшлифовывались при помощи бамбукового диска барэна. У японцев было несколько жанров гравюры укиё-э – бидзин-га ( изображение красавиц), якуся-э (портреты актёров театра), сюнга (эротические картинки), муся-э (изображения самураев), фукэй-га ( пейзаж) и катё-га — цветы и птицы.

Уки-э – перспективная печать. Вид гравюры укиё-э, в которой применялся заимствованный с Запада прием перспективы. В перспективе изображали интерьеры театров, комнат, а позднее и пейзажи. Первым, кто начал использовать эту технику, был Окумура Масанобу. Затем ее усовершенствовал Тоёхару.

Уруси-э – лаковые картины. Техника печати, при которой на самые заметные части гравюры наносили японский лак – уруси. Иногда лаком покрывались светлые плоскости гравюры, что придавало листам особый блеск и сходство с изделиями из лака. Но чаще тот же эффект получали путем смешивания черной краски (суми) с густым клеем.

Утива-эбан – картины в виде круглых вееров. Гравюра, на которой контур круглого веера образует своего рода обрамление для изображения.

Фукибокаси – техника печати полуподцвеченной (подкрашенной) ксилографии. Такой тип гравюры создается сначала путем протирания нужной части печатной доски с помощью кусочка материи, предварительно смоченного в воде. Затем эта увлажненная поверхность слегка подцвечивается кистью от руки.

Ханга (Hanga) – Южная школа живописи. Это школа японской живописи тушью, направление в японской живописи, сформировавшееся в XVIII веке под влиянием китайской Южной школы «Вэньжэньхуа» (картины культурных людей). Художниками этого направления по-новому осмыслены цели и задачи искусства, осознана ценность личности художника, что нашло отражение в формировании образа жизни художника, или «знаменитости», «интеллектуала», как часто называли адептов Южной школы. Художниками этой школы являлись ученые-конфуцианцы. Их творчество отличалось широким диапазоном тем и приемов. Они привнесли в живопись поэтическую непосредственность, оригинальность видения и трактовки пейзажей. В основном они писали тушью монохромные картины в китайском стиле и обычно дополняли их китайскими стихами, написанными каллиграфически. Рождение китайской Южной школы в Японии связано с приездом китайских художников в Нагасаки около 1720 года. Смотри также бундзинга.

Ханги — печатная доска. Обычно использовалась древесина вишни, иногда груши или самшита. Рисунок, сделанный художником на тонкой, прозрачной бумаге, гравер наклеивал лицевой стороной на доску продольного распила и вырезал первую печатную форму.

Хасира-э – гравюра длинного и узкого формата, наклеивавшегося на столбы. Размер – приблизительно 70 х 20 см. Для хасира-э обычно использовали специальную плотную бумагу.

Хадзама-бан – портретный формат. Размер – приблизительно 33 х 23 см. Хособан Узкий формат. Размер – приблизительно 30-35,5 х 15,5 см.

Э (E) – символом “e” означается картина или гравюра в японском языке, или просто “живопись”.

Якуся-э – жанр японской гравюры направления укиё-э, отражающий жизнь актеров театра Кабуки. Возник в конце 17 века как оформление плаката, афиши, театральной про­граммы. Ранние произведения якуся-э, выполненные в технике ксилографии с яркой подкраской оттисков, создавали героический образ актера — исполнителя остродраматических ролей, привлекали захватывающей стремительностью действия и роскошью театральных одежд. Затем появляются лирические сцены, портреты актеров в процессе работы, в артистической уборной.

Ямато-э (Yamato-e, 大和絵) — школа японской живописи, сложившаяся в XI — XII веках при императорской Академии художеств. Японские художники освобождались от сильного китайского влияния, вместо прокитайского стиля кара-э стали появляться светские по тематике картины в японском стиле. Для мастеров ямато-э характерны яркие силуэтные изображения, горизонтальные свитки, иллюстрирующие аристократические романы, повести, в которых живопись перемежается с каллиграфией. Расцвет ямато-э наступил в 12-14 веках, появилось много выдающихся по технике исполнения произведений чисто светской живописи, включая портретную. Многие художники-профессионалы создавали картины только на светские темы, такие картины изображали и на складных ширмах и сёдзи. Позднее многие характерные черты мастеров этой школы (орнаментальные формы облаков, приёмы параллельной перспективы) вошли составными элементами в произведения школ кано и укиё-э(Ukiyo-e)

magic-orient.ru

Волшебные японские картины своими руками

Как сделать картины в японском стиле своими руками, несколько советов.

Даже неискушённый в искусстве человек, но обладающий врождённым чувством прекрасного, может часами любоваться волшебной графикой японских мастеров. Почему именно японских?

Просто манера изображения окружающего мира, людей и фантастических персонажей в стране Восходящего Солнца уникальна и неповторима. Тому причиной было множество разных факторов — и географических, и исторических. Но не будем углубляться в эти аспекты, ведь нам интересно сейчас лишь загадочное волшебство японского рисунка.

Изящные обводы контуров фигур и расплывчатые, перетекающие из одного оттенка туши в другой, очертания могут изумительно сочетаться на одном рисунке. В гравюрах на дереве и в картинах-ширмах, в настенных росписях и шёлковых свитках соединением чётких линий и мягких полутонов удивительно содержательно передаются и бытовые сценки, и буйство стихии, и величественность эпических образов.

Существует мнение, с которым просто невозможно не согласиться, что иностранец, каким бы великим художником он ни был, никогда не сможет создать истинно японскую картину. Для этого надо родиться японцем, вдыхая с воздухом вековые традиции, подчинить себя этой философии. Уметь, как в хокку, тремя строчками выразить всю суть и прелесть происходящего. «Бьёт дождь, взошла луна, и вся природа приглашена на праздник» – как лучше, лаконичнее и более ёмко выразить наступление лунной ночи?! Так и в японском рисунке.

Но абсолютно каждому по силам создать, пусть не шедевр кисти Хокусай, но очень красивую и оригинальную имитацию японского панно, способного стать великолепным украшением интерьера. Примечательно, что подобной техникой может пользоваться даже человек, начисто лишённый способностей к рисованию. Главное, чтобы у него присутствовало чувство меры.

Что нам понадобится? Это зависит от того, что мы хотим сделать. Если задумано панно на шёлковом полотне, то потребуется кусок шёлка, желательно натурального, клей ПВА, нитки ирис или мулине, паспарту для оформления законченной композиции и, конечно, необходимо подыскать рисунок, который мы хотим воспроизвести.

К рисунку предъявляются определённые требования. Он должен быть линейным, то есть состоять из чётко обозначенных контурных линий. Есть маленький нюанс – чем на рисунке больше изогнутых линий, контуров и штрихов, как в гравюре, тем интереснее и эффектнее будет панно.

Великолепно будет смотреться картина с изображение птиц, причудливо изогнутых деревьев, самураев в боевом облачении…

Подобрав соответствующий рисунок, с помощью копировальной бумаги перенесём его на ткань. Теперь шёлковое полотно нужно растянуть, что бы при последующих действиях оно не стягивалось и оставалось ровным. Можно плотно прижать края тяжёлым прессом, а можно и закрепить в большое пяльце, применяемое для вышивки.

Второй этап – подготовить шнур для создания рельефного контура панно. Толщина шнура зависит от размеров картины и её насыщенности деталями. Например, если на формат А3 переносится рисунок дерева, весь испещрённый штриховкой и контурными линиями, то оптимальная толщина шнура будет 2-3 миллиметра.

Но нужно учесть, что размер мелких элементов не должен быть меньше его толщины. Можно использовать в одной работе шнуры разной толщины, лучше всего смотрится картина с одинаковыми линиями. Шнурок просто скручивается из ниток. Процесс, без сомнения, каждому знаком с детства.

Закрепив ткань с переведённым рисунком, приступаем к самому интересному, творческому и основному этапу создания картины.

Очень аккуратно тонкой спицей наносим клей ПВА на линии оттиска. Проведя клеевую полоску на расстояние двадцати-тридцати сантиметров, бережно приклеиваем шнур, повторяя контуры и придавая им объём. Так, сантиметр за сантиметром будет прорисовываться рельефное изображение.

Особое внимание следует уделить местам пересечений линий. Подрезание и состыковка частей шнура должна выполняться очень аккуратно и тщательно, чтобы не появилось, портящих вид перепадов толщины. Линии законченного рисунка должны выглядеть ровными, как будто проведённые карандашом или маркером.

По цвету идеально смотрится изображение из чёрного контура на жёлтом либо красном фоне. Но можно до начала работы на растянутое мокрое шёлковое полотнище нанести акварельной краской какой-нибудь фон в виде пейзажа или просто разноцветных полос. Дать ткани высохнуть. Получится прекрасный задний план, слегка размытый, нечёткий, не отвлекающий от основной композиции.

Останется только завершить работу, оправив панно в рамку или картонное паспарту. А можно, если панно имеет вид вертикального свитка, обработать края и, утяжелив верх и низ, поместить его на стену, как это принято в Японии.

Автор: Сергей

podelki-shop.ru