• График работы

+375-17-270-06-92Городской

+375-29-606-81-46Денис

Отдел продаж / CEО

+375-29-606-81-46

+375-29-1-555-489

+375-29-606-81-46

Путеводитель по японскому искусству • Arzamas

17 октября 2018Искусство

Гравюра, каллиграфия и живопись: Arzamas составил инструкцию, как смотреть японское искусство

Автор Анна Егорова

Европейцы познакомились с японским искусством во второй половине XIX века, после вторжения американской эскадры коммодора Мэттью Перри в 1853 году. На международных выставках оно произвело фурор, и в моду тут же вошло все японское: кимоно, ширмы, фарфор, гравюры. «Японизм» проник в европейскую живопись и декоративно-прикладное искусство, повлияв на импрессионистов, постимпрессионистов и мастеров ар-нуво. И все же для большинства японское искусство оставалось диковинкой: картины казались незаконченными эскизами, свитки напоминали обои, а гравюра — карикатуру. И даже сегодня многие аспекты японского искусства не вполне понятны западному зрителю. Как же его понимать?

Живопись

Японская живопись опиралась на принципы, разработанные в Древнем Китае: система жанров, мировоззренческие основы живописи, символизм и многие другие чисто художественные средства были заимствованы с континента одновременно с буддизмом. Система жанров разительно отличалась от евро­пей­ской. Даже самый, казалось бы, понятный — пейзаж — в традиции Дальнего Востока имеет свои особенности.

Что такое японский пейзаж

Главная идея спрятана в названии: японское слово сансуй и китайское шань-шуй переводятся как «горы и воды». Это не портре­тирова­ние какого-то уголка природы, но создание образа идеального космического порядка, опирающегося на натур­филосо­фию  Натурфилософские представления диктуют и особенности других жанров — например, «цветов и птиц», а также «цветов и насеко­мых» и даже декоративной живописи на ширмах, раздвижных перегородках и стенах.. Горы и воды — репрезентация противоположностей, составляющих движительную силу Вселенной. Мужское и женское начала, твердое незыблемое и мягкое изменчивое, светлое и темное (все то, что скла­дывается в пару ян и инь) — противоположности, бесконечно порождающие друг друга и присутствующие друг в друге, формируют гармонию мироздания, отражение которой (а заодно утверждение) и есть главная задача художника. Восточный пейзаж, как правило, умозрительный, это плод кабинетной работы художника-мыслителя. Реалистичность, схожесть, копирование природы, которые стали основой классической живописи Запада, не имели для японцев безусловной ценности.

Как читать свитки

Формат горизонтального или вертикального свитка связан с формой рулона шелка — одного из самых ранних носителей письменности на Дальнем Востоке. Живопись на свитках шелка или бумаги не имеет рамы; четкой границы между изображением и окружающим пространством нет. Именно поэтому у первых западных коллекционеров и возникла ассоциация с обоями. Европейскому взгляду оказалось сложно приспособиться и к технике живописи, и к организа­ции пространства в изображении. В классической японской живописи прост­ранство выстраивается с помощью особой системы приемов. Четко обозначен­ные деталями (постройками на берегу, лодками на воде и т. д.) или тональ­ны­ми акцентами планы композиции на вертикальных свитках легко расслаива­ются, часто отделенные друг от друга туманными полосами пустоты. Эти паузы в изображении и диагональные композиции помогают неторопливо переходить от рассматривания первого плана к дальним, создавая эффект глубины пейзажа.

В горизонтальных свитках, рассчитанных на медленное рассматривание по ходу чтения справа налево, этот «временной» аспект живописи еще более очевиден. В пейзаже мастера Сюгэцу зритель «входит» в изображение из пустого пространства воды и неба в правой части свитка, беседует с поэтами и мудрецами на скалистом берегу, любуется старой сосной и «поднимается» в беседку, откуда перед ним открывается вид на темный абрис пологих гор на втором плане, а потом, глубже и выше, — на дальние вершины третьего плана, подернутые дымкой.

Почему дома изображены без крыш

Отсутствие в классическом репертуаре дальневосточной живописи сцен в замкнутых помещениях и городских пейзажей делало неактуальной линейную перспективу. А там, где следовало придерживаться строгих геометрических форм, на помощь как художнику, так и зрителю вновь приходило воображение.

В японской живописи ямато-э с эпохи Хэйан (794–1185) для изображения сцен в дворцовых покоях использовался прием «интерьера со снятой крышей», когда художник и зритель смотрели на происходящее в дворцовых залах сверху, словно заглядывая в кукольный домик и видя фрагмент помещения со скошен­ными балками, занавесями и сидящими в них героями.

Этот прием, появившийся еще в ХII веке в иллюстрированных свитках (так называемых эмакимоно), позднее широко применялся в росписи ширм или по­движных перегородок фусума в дворцовых и замковых интерьерах. Японские мастера вообще любили взгляд с высоты птичьего полета, открывавший перед зрителями широкую картину празднеств, военных действий или городских видов. Чтобы подчеркнуть эту высокую точку зрения, удаленность объектов и их отделенность друг от друга, использовался прием ункин. Купы деревьев, показанных как бы сверху, или декоративные позолоченные стилизованные облака позволяли разделить плоскость изображения на регистры и планы. Сам термин ункин состоит из иероглифов «облако» и «парча»: это отсылка к пыш­ным облакам цветущей сакуры и парче осенних краснеющих кленов, сквозь которые показаны пейзажи.

Отделенные друг от друга фрагменты императорской процессии кажутся раз­не­сенными в пространстве, и каждое из них обладает собственной перспек­ти­вой. Художник следует принципу «подвижного ракурса», когда в одном произ­ведении действует множество точек зрения и точек схождения перспек­тивы.

Что же касается моделирования объема предметов, то переходы от насыщен­ного цвета туши к акварельной прозрачности были призваны не столько передать реальные светотеневые соотношения, сколько выявить «костяк» формы, который может внушить ощущение объема. А живописный фон часто вовсе исчезает из изобразительного текста, заставляя поверхность бумаги или шелка работать как бесконечное пространство.

Каллиграфия

Практически все принципы дальневосточной живописи так или иначе приме­нимы к произведениям каллиграфии — искусству красивого письма. Первая причина этого родства лежит в общности материалов и инструментов письма и живописи. Кисть и тушь, бумага или шелк диктуют одни и те же особенности визуального языка: мазок, формирующий абрис гор или ствол бамбука, мало чем отличается от черты в написании иероглифа. В письме и живописи движе­ния руки художника одинаковые. Также одинаково мастер регули­рует толщину и яркость линии или пятна нажатием на кисть, скоростью пись­ма, насыщением кисти водой.

Вторая причина — сложная природа иероглифа. Иероглиф обладает формой, цветом, композиционной связью с форматом произведения и другими эле­мен­тами изображения. Как письменный знак, восходящий к пикто­грамме — схема­тизированному, упрощен­ному изображению реального объекта, — он сохра­няет далекую связь с формой предмета или природ­ного явления (и наибо­лее близкими к пикто­грамме остаются иероглифы, обозначающие устойчивые при­родные формы: гору, воду, огонь, человека и другие). Как знак письмен­нос­ти он обладает фонетическим звучанием и значением, которое связано с целым рядом литературных, религиозных или философских ассоциаций.

Системы почерков: кайсё, гёсё и сосё

Каллиграф Дальнего Востока создает каллиграфическое произведение, не просто чтобы зафиксировать смысл, но чтобы выразить и воплотить идею отдельного слова, целого стихотворного или прозаического произведения. При этом, как правило, он связан устоявшимися формами письменных знаков: основой каллиграфии является система почерков, каждый из которых обладает смысловыми нюансами и соответствует замыслу автора.

Нейтральный и легко читаемый уставной стиль кайсё ближе всего к печатным знакам; «полукурсив» («бегущий стиль») гёсё — свободнее и выразительнее, динамичнее и гибче: движения кисти тут более плавные и слитные. Но наи­боль­­шим выразительным потенциалом обладает сосё, или «травяное пись­мо», в котором отдельные знаки сливаются в плавно изгибающиеся строки, похожие на спутавшиеся или стелющиеся травы. Каллиграф сокращает письменные знаки, опуская или объединяя мелкие элементы.

Иероглифическая письменность пришла в Японию из Китая. Чтобы приспо­собить ее к японскому языку, к концу первого тысячелетия были созданы две слоговые азбуки — хирагана и катакана, которые дополняли иероглифические тексты. Знаки письменности хирагана, часто встречающиеся в каллиграфии наравне с иероглифами, составляли особый связный стелющийся текст, кото­рый у великого мастера ХVII века Хонъами Коэцу превращает строки стихов в продолжение свисающих побегов плюща или травы и кустарник, в которых пасутся олени.

Текст, изображение и иероглиф

1 / 2

Хакуин Экаку. Два слепца переходят по мосту-бревну. Период Эдо, не позднее 1768 года萬葉庵 The Manyo’an Collection of Japanese Art

2 / 2

Хакуин Экаку. Хитомаро. Период Эдо, не позднее 1768 года萬葉庵 The Manyo’an Collection of Japanese Art

За этой самой общей классификацией стилей, или почерков, стоит огромное разнообразие авторских вариаций. Один знак может быть написан по-разному даже у одного мастера, поскольку в каждом новом случае он будет выражать новую идею и новый аспект явления. Именно родство каллиграфии и живо­писи, гибкость японской письменности, связь каллиграфии с литературой и поэзией породили уникальные японские синтетические жанры. Хайга — это небольшой живописный набросок на тему японского трехстишия с каллигра­фией. Дзэнга — каллиграфия и живопись буддийской школы дзен, призванная в лаконичной и часто парадоксальной форме выразить суть учения. Этот синтез проявляется в органичном и порой изобретательном сочетании живо­писи и каллиграфии. Так, дзенский художник Хакуин Экаку (1685–1768) как одну горизонтальную черту проводит бревно-мост, перекинутый через поток. У него же широкие и плавные мазки, формирующие абрис одежд великого поэта Какиномото Хитомаро, одновременно являются и изображе­нием, и каллиграфией, частью текста.

Экстравагантная манера письма дзенских мастеров иногда делала иероглиф практически нечитаемым, а вера в способность знака передавать суть сложных философских идей породила такие, казалось бы, современные художественные формы, как абстрактная живопись. Сложно определить, к какому виду искус­ства — живописи или каллиграфии — отнести знаменитый свиток Сэнгая Гибона (1750–1837), получивший на Западе условное название «Вселенная».

Гравюра

Гравюра укиё-э, «картины изменчивого мира», стала, пожалуй, самым ярким явлением городской культуры XVII–XIX веков. Именно с бытованием в город­ской среде связано и жанровое многообразие гравюры, и особенности ее художественного языка.

Жанры: красавицы, герои, актеры и пейзажи

1 / 3

Судзуки Харунобу. Влюбленные под зонтом в снегопад. Около 1767 годаArt Institute of Chicago

2 / 3

Китагава Утамаро. Ханацума из дома Хёгоя. Период Эдо, 1794 год東京国立博物館 (Токийский национальный музей)

3 / 3

Утагава Куниёси. Миура Дзироэмон Камэцукэ (из серии «47 преданных вассалов»). Около 1847 годаKuniyoshi Project

Наиболее известными жанрами печатной графики Японии стали изображения красавиц бидзин-га, портреты актеров театра кабуки и изображение сцен из спектаклей якуся-э, героический жанр муся-э, пейзажи фукэй-га, поздрави­тельные листы суримоно и эротическая гравюра сюнга. Эта тиражная художе­ственная продукция выполняла функции рекламы, афиши, постера и, разу­меется, служила развлечению, а порой и просвещению.

Художественный язык гравюры должен был быть максимально ясным и выра­зительным, автор должен был ухватить типичное или, наоборот, уникальное (в той же степени, в которой живописец должен был показать идею пейзажа, а каллиграф — иероглифа). Стремление граверов к простой вырази­тельности изображения и возможности резчиков, переносивших их эскизы на деревянные доски, привели к формированию особого стиля японской гра­вюры с присущей ей игрой линий и пятен цвета и обобщенностью форм  Некоторые подобные обобщения имели в искусстве Японии глубокие корни. Еще в живописи свитков «Гэндзи-моногатари» для изображения миниатюрных лиц героев использовался прием «хикимэ-кагихана (кагибана)» — «глаз штрихом — нос крюч­ком».. Основную информа­цию о героях, а также об их настроении и чувствах несли композиционные приемы, костюмы, колористическое решение. Так, в «портретах» красавиц прославленного Китагавы Утамаро (ок. 1753 — 1806) героиня узнавалась не по внешнему сходству, а благодаря платью, аксессуарам, гербам и, конечно, текстам, сопровождающим гравюру.

Что касается гротескно яростных поз и физиономий прославленных героев, то они восходят к иконографии гневных буддийских божеств — и словно стя­нутая кверху кожа головы, и резко поднятые углы глаз под сведенными бро­вями, и открытый рот, и преувеличенная, порой фантастическая муску­латура должны были подчеркивать сверхъестественную силу и божест­венную ярость таких героев. Так изобразил одного из 47 преданных вассалов Утагава Куниёси (1798–1861), признанный мастер гравюры муся-э.

В то же время бидзин-га и муся-э были связаны с театром кабуки — с его утри­рованными сценическими движениями, выразительными позами и броскими костюмами.

Почему власти боялись гравюру

1 / 3

Кацусика Хокусай. Большая волна в Канагаве. 1832 годThe Metropolitan Museum of Art

2 / 3

Утагава Хиросигэ. Мoст Суидо и Саругадай (из серии «100 знаменитых видов Эдо»). 1857 годFreer Gallery of Art

3 / 3

Утагава Хиросигэ. Лунная сосна в Уэно (из серии «100 знаменитых видов Эдо»). 1857 годГосударственный Эрмитаж

С усложнением техники многоцветной печати в XVIII веке гравюра превра­щается в сложное художественное произведение, предмет любования и кол­лекционирования. За ней стоит мир японской городской культуры с его слож­ной иерархией, особым языком иносказаний, аллюзий, символов, своей мифо­логией, специфическим духом свободы (или ее иллюзии в жестко устроенном феодальном мире Японии) и особой эстетикой. Эта эстетика нашла выражение в понятии ики, олицетворявшем свободу от условностей и откры­тость к воз­можностям. Эстетика ики чужда вульгарности, но наполнена глубоким пережи­ванием полноты жизни, напряженностью восприятия каждого момента. Это именно то, что также заключалось в понятии укиё (изменчивый бренный мир), ставшем общим названием японской гравюры.

Гравюра никогда не считалась высоким искусством и, напротив, вызывала опасения японского военного правительства как продукция, способствующая моральному разложению и вольнодумству. Как любая печатная продукция, укиё-э проходила цензуру, и многие темы попадали под запрет. Дух ики, несом­ненно содержавший протестное начало, к новому прочтению традицион­ных повествовательных приемов в гравюре, например уподобления митатэ, когда запрещенные сюжеты и герои появлялись в печатных листах в «под­ставных» образах, а события преподносились в иносказательной форме.

Эти запреты на некоторые жанры, вкупе с так называемыми «Указами против роскоши»  «Указы против роскоши» — ряд законов, введенных военным правительством Току­гава (1603–1868), которые ограничивали владение предметами роскоши для разных социальных слоев, в том числе регламен­тировали использование дорогих тканей, драгоценных материалов, стоимость некото­рых ремесленных и художественных изде­лий., особо строгими в 1840-х годах, значительно меняли репертуар гравюры и влияли на палитру. Но те же ограничения вызвали расцвет пейзаж­ной гравюры, в которой блистательно работали такие мастера, как Кацусика Хокусай (1760–1849) и Андо Хиросигэ (1797–1858). Их серии пейзажей, объеди­ненные единой темой — будь то виды на гору Фудзи, окрестности столицы или дорога Токайдо, соединяющая Эдо (Токио) и Киото, — не только прослав­ляли достопримечательности Японии, но и были своеобразными виртуальны­ми путешествиями для горожан, ограниченных в передвижениях по стране. Надо ли говорить, что многие из этих видов были так же умозри­тельны, как и философские пейзажи живописцев прославленных школ.

Как возникли новые жанры

1 / 2

Пара грабителей. Иллюстрация из «Токийской газеты» от 26 ноября 1872 годаnishikie.com

2 / 2

Цукиока Ёситоси. Девочка успокаивает лошадь, накинув ей на морду свою куртку. Иллюстрация для газеты «Почтовые новости» № 472 от 1875 годаLACMA

Именно в гравюре разных жанров проявилось отдаленное влияние западного искусства, в том числе и попытки применения прямой линейной перспективы, оказавшейся актуальной в театральных интерьерах и городских пейзажах. Но, несмотря на гибкость и способность к переменам, гравюра укиё-э была так тесно связана с реалиями японской жизни эпохи Эдо (1603–1868), что после коренных изменений Японии с реставрацией Мэйдзи  Реставрация, или революция, Мэйдзи — политические, военные и социально-эконо­мические реформы в Японии 1868–1889 го­дов. В результате этих изменений из от­ста­лой аграрной страны Япония преврати­лась в одно из ведущих государств мира.  в 1868 году она испы­тала кризис. Появление фотографии и снижение спроса на прежние темы укиё-э привели к появлению двух художественных форм. Син-ханга — новая гравю­ра, создававшаяся по старой схеме разделения труда всех участников процесса, но изображавшая новые реалии современной Японии. Сосаку-ханга — автор­ская гравюра, в которой один мастер вел все этапы производства, от наброска до печати. Прежде актуальные темы потеряли свою насущность, и появились новые: с развитием периодической печати в Японии в 1870-е годы возникли «новые парчовые картины» (син-нисикиэ) как приложения к газетам, в привыч­ной форме информировавшие читателей о сенсационных, скандальных или просто любопытных событиях. В этом жанре работал и последний боль­шой мастер гравюры Цукиока Ёситоси (1839–1892), и целый ряд его совре­мен­ников.

Декоративно-прикладное искусство

В японском прикладном искусстве нарочито скромные, если не грубые пред­меты сосуществуют с вызывающе роскошными вещами. В зависимости от предпочтений западного зрителя первое может расцениваться как народное ремесло, интересное лишь в этнографическом аспекте, а второе — как резуль­таты пагубного внешнего влияния и экспортного стиля, спрос на который возник на Западе после революции Мэйдзи. Однако на самом деле и то и дру­гое — отражение разных аспектов японской культуры и много­образия эстети­ческих систем, сосуществующих в Японии.

Керамика

Под японским стилем в прикладном искусстве сегодня часто подразумевают минимализм и лаконичность художественного языка. Благодаря популяриза­ции чайной церемонии и икебаны на Западе стали известны такие эстети­чес­кие категории этих искусств, как ваби — безыскусность, непритязатель­ность, даже кажущаяся грубость, и саби — меланхоличное очарование старины. Особенно ярко эти представления о красоте выразились в керамике, и этало­ном ваби в керамике по праву считаются произведения мастерской Раку, с XVI века работавшей в Киото. Непритязательность чайной керамики ваби сродни нарочитой небрежности и грубости живописи дзэнга: за ней стоит осознанная и возведенная в эстетический и этический идеал идея сущности вещи и содержания понятия «красота». Для адептов дзена поистине прекрасная вещь не принадлежала системе противопоставлений «прекрасное — безобраз­ное», а являла собой нераздельную, целостную природу Будды. Для последо­вателей чайной церемонии тя-но ю предметы, участвующие в чайном действе, помимо функциональности и удобства должны были быть философскими собеседниками.

Японская керамика — в подкасте «Зачем я это увидел?»

Как нелепые и кривоватые горшки стали национальной гордостью и символом страны? И какие идеи за ними стоят?

Сибуй и карэй

1 / 2

Интерьер японского дома в стиле сибуй. Фотография Бернара Лангийе. Йокогама, 2013 год© Bernard Languillier

2 / 2

Шкатулка для бумаг в стиле карэй. Период Адзути-Момояма, начало XVII векаThe Metropolitan Museum of Art

Однако принципы ваби и саби появились и имели ценность в ограниченном социальном и интеллектуальном кругу и не могут представлять японскую эстетику в целом. При сёгунах Асикага в XIII веке в Киото, императорской столице Японии, утонченная роскошь описывалась словом сибуй. Это прила­гательное, в зависимости от контекста, можно перевести как «терпкий», «приглушенный», «тонкий», «со вкусом» (содержание этого «вкуса» часто сравнивали со вкусом хурмы). К XVII веку красота сибуй стала предполагать элегантную сдержанность и благородство, отсутствие эксцентричности или вульгарности. Это определение подходит к интерьерам традиционного японского дома, в котором цвет старого дерева сочетается с деталями пати­нированного металла, а бумажные окна пропускают мягкий свет без ярких бликов. По отношению к человеку сибуй означает «скромный и полный достоинства», а образ жизни сибуй подразумевает умение наслаждаться простыми вещами и видеть красоту в окружающем мире.

Однако ни фарфор с полихромной росписью, ни лаковые изделия уруси с зо­лотым декором, ни яркие кимоно и аксессуары не попадают под определение ваби и саби или сдержанной красоты сибуй. Противоположное этому духу уме­ренности понятие карэй, «пышная (цветущая) красота», с IX века использо­ва­лось для описания церемоний императорского двора эпохи Хэйан (794–1185). Позднее и церемониальное платье, и костюмы театра Ногаку, золотофонные ширмы, лаки отвечали представлению о роскоши аристократии и попадали в эстетическую категорию карэй.

Кабуку

Представления о пышной красоте карэй и спокойной элегантности сибуй, не­смотря на заметную разницу в содержании и визуальных воплощениях с ваби и саби, предполагали следование нормам социального поведения своего вре­мени. Философу и интеллектуалу, стремящемуся к идеалу древнего мудреца, следовало окружать себя вещами утонченными и сдержанными, аристокра­тия же должна была демонстрировать блеск своего положения. В то же время в искусстве Японии, в том числе прикладном, есть и гротеск, и экстравагант­ность — все то, что вызывало у образованных японцев осуждение и возмуще­ние.

Одним из возмутителей эстетического спокойствия был городской театр кабуки, оформившийся как особый театральный жанр в начале XVII века. Само название несло явно негативную оценку того, что творилось на сцене: оно про­исходило от глагола кабуку, означающего «отклоняться, кривляться, вести себя вызывающим и неподобающим образом». Позднее название театра стали запи­сывать другими иероглифами, чтобы слово можно было прочитать как «песня, танец, мастерство», но понятие кабуку стало обозначать не только яркие дина­мичные представления, но и особый стиль в прикладном искусстве. Таким «отклонением», например, была чайная утварь Фуруты Орибэ (1544–1615), которая отличалась преувеличенно искаженными и экстравагант­ными форма­ми, контрастными сочетаниями цветов, броским, намеренно грубоватым деко­ром. Эта нарочитость была чужда органичности старой чайной утвари и порой вызывала осуждение. Но Орибэ создавал свой дизайн уже в иных исторических условиях, чем основоположники стиля Раку, и дерзкие формы его керамики были одинаково эпатирующими как для чайных мастеров стиля ваби, так и для военной аристократии, устанавливав­шей в то время правление последней династии сёгунов Токугава.

Аудио!

Курс «Культура Япо­нии в пяти предметах»

Искусствовед Анна Егорова о том, почему японский меч — не меч, как ширма спасает от злых духов и зачем всем пить чай из одной чаши

Басара

1 / 4

Мужские доспехи в стиле басара. Япония, XVIII векThe Metropolitan Museum of Art

2 / 4

Кусама Яёй. Работа из серии «Сон, который мне приснился». 2014 год© 草間 弥生 (Кусама Яёи) / 예술의전당 (Центр искусств Сеула)

3 / 4

Кусама Яёй. Работа из серии «Сон, который мне приснился». 2014 год© 草間 弥生 (Кусама Яёи) / 예술의전당 (Центр искусств Сеула)

4 / 4

Такаси Мураками. «В 500 Архатов». © 村上 隆 (Такаси Мураками) / Arthive

Стремление к экстравагантности, а вернее к сильному эмоциональному воз­действию, почти шокирующему и внушающему смятение, разрушающему все эстетические конвенции традиционного японского общества, руководило многими художниками и ремесленниками, создававшими и живописные свитки, и доспехи самураев или предметы воинского снаряжения.

Применительно к подобным брутальным экзальтированным внешним формам использовали слово басара, изначально — имя одного из Двенадцати небесных генералов, божеств гневной формы, охраняющих престол Будды. Специалисты и галеристы склонны видеть эстетику басара даже в работах современных японских художников, восстающих против любых авторитетов в искусстве, классических принципов живописи, привлекающих маргинальные сюжеты и образы или создающих китч. Ярким примером может служить Такаси Мураками, чья выставка в Москве вызвала много дискуссий, или Кусама Яёй, чьи работы в керамике, инсталляции и живописи вполне укладываются в систему басара.

Все эти представления о смысле и функции искусства, о красоте — далеко не исчерпывающий список принципов, лежащих в основе искусства Японии. Для его понимания нужно учитывать не только разницу эстетических и худо­жественных принципов Востока и Запада, но и исключительное разнообразие внутри самой японской художественной культуры — родст­венную близость к континентальным культурам Китая и Кореи, удивительную способность к адаптации внешних идей, сложное синкретическое мировоззре­ние японцев, особенности истории и богатство мифологической, фольклорной и лите­ратур­ной традиций.

Можно ли воспринимать японское искусство, не имея представления о его основах, истории и языке? Конечно. Так и происходит с большинством зри­телей, восхищающихся гравюрами Хокусая или пышными вышивками на ки­моно. Но они открывают в японском искусстве прежде всего нечто свое. Зна­ние же принципов творчества и восприятия, исходных функций произве­дений и технических особенностей в конечном счете помогают постичь смысл, кото­рый эти произведения несли при своем рождении для самих японцев. А это означает приблизиться к адекватному пониманию японского искусства.

посмотрите наш большой видеокурс о японии

Как понять Японию

Александр Мещеряков о главных японских символах и о том, как менялось к ним отношение японцев под влиянием европейской цивилизации

Изображения: Утагава Куниёси. Гравюра из серии «Известные виды восточной столицы». 1834 год
LACMA

микрорубрики

Ежедневные короткие материалы, которые мы выпускали последние три года

10 самых известных шедевров японской живописи

Японская живопись имеет очень богатую историю; его традиции обширны, а уникальное положение Японии в мире во многом повлияло на доминирующие стили и методы японских художников. Хорошо известно, что Япония была изолирована на протяжении веков — не только из-за географического положения, но и из-за преобладающей склонности японской культуры к изоляции, которая характеризовала историю страны.

В течение столетий существования того, что мы могли бы назвать «японской цивилизацией», культура и искусство развивались отдельно от остального мира.И это заметно даже в японской живописной практике. Картины Нихонга , например, являются одним из основных продуктов японской живописи. Он основан на традициях, которым более тысячи лет, и картины обычно выполняются кистями на васи (японская бумага) или эджину (шелк).

Вы заинтересованы в покупке и коллекционировании произведений искусства? Посмотрите эту замечательную картину Такаши Мураками, доступную на нашей торговой площадке!

Тем не менее, Японское искусство и живопись находились под влиянием зарубежных художественных практик .Во-первых, это было китайского искусства XVI века, а также китайская живопись и традиции китайского искусства, которые оказали особое влияние во многих отношениях. Начиная с 17 века японская живопись также находилась под влиянием западных традиций. В частности, в довоенный период, длившийся с 1868 по 1945 год, японская живопись находилась под сильным влиянием импрессионизма и европейского романтизма.

В то же время новые европейские художественные движения также испытали значительное влияние японских художественных практик.Это влияние в истории искусства называется японизм , и оно оказало особое влияние на импрессионистов, кубистов и художников, связанных с модерном.

Традиции в японском искусстве

Долгую историю японской живописи можно понять как синтез нескольких традиций, составляющих часть узнаваемой японской эстетики.

Прежде всего, буддийское искусство и техника живописи, а также религиозная живопись оставили значительный след в эстетике японской живописи; рисование пейзажей тушью в традициях китайской литературной живописи — еще один важный элемент, узнаваемый во многих известных японских картинах; живопись животных и растений, особенно птиц и цветов, обычно связана с японскими композициями, а также с пейзажами и сценами из повседневной жизни.

Наконец, большое влияние на японскую живопись оказали древние представления о прекрасном из философии и культуры Древней Японии. Wabi , что означает преходящая и абсолютная красота, sabi (красота естественной патины и старения) и yūgen (глубокая грация и тонкость) по-прежнему являются влиятельными идеалами в японской живописной практике.

Если мы сосредоточимся на выборе десяти самых известных японских шедевров, мы должны упомянуть укиё-э , который является одним из самых популярных жанров искусства в Японии, даже несмотря на то, что он относится к гравюре.Он доминировал в японском искусстве с 17 по 19 века, в то время как художники, принадлежащие к этому жанру, создавали гравюры и картины на такие темы, как красавицы-женщины, актеры кабуки и борцы сумо, а также сцены из истории и народных сказок, сцены путешествий и пейзажи, флора и фауна и даже эротика.

Составить список лучших картин какой-либо художественной традиции всегда непросто. Многие удивительные произведения искусства будут исключены; Однако в этом списке представлены десять самых узнаваемых японских картин в мире.В этой статье будут представлены только те картины, которые были созданы с XIX века до наших дней.

Совет редакции: Искусство и техника рисования тушью суми-э: японская живопись тушью, как учил Укао Учияма

Японская живопись имеет чрезвычайно богатую историю. На протяжении веков японских художников разработали большое количество уникальных техник и стилей , которые представляют собой наиболее ценный вклад Японии в мир искусства.Одна из этих техник — Sumi-e . Суми-э буквально означает «рисунок тушью», сочетает каллиграфию и тушь для создания живописных композиций редкой красоты. Эта красота парадоксальна — древняя, но современная, простая, но сложная, смелая, но сдержанная — несомненно, отражает духовную основу искусства в дзен-буддизме. Буддийские священники привезли чернильную палочку и кисть с бамбуковой ручкой в ​​Японию из Китая в шестом веке, а за последние четырнадцать веков Япония накопила богатое наследие туши.

Прокрутите вниз и найдите 10 шедевров японской живописи

Кацусика Хокусай — Сон жены рыбака

Одна из самых узнаваемых японских картин — «Сон жены рыбака» . Он был выполнен в 1814 году известным художником Хокусаем. Если следовать строгим определениям, это удивительное произведение Хокусая нельзя рассматривать как картину, поскольку это гравюра на дереве в жанре укиё-э из книги Kinoe no Komatsu , трехтомной книги сюнга эротики. .Композиция изображает юного ныряльщика ама, сексуально связанного с парой осьминогов. Эта японская картина имела большое влияние в 19 и 20 веках. Работа оказала влияние на более поздних художников, таких как Фелисьен Ропс, Огюст Роден, Луи Осок, Фернан Кнопф и Пабло Пикассо.

Томиока Тессай — Абэ-но-Накамаро пишет ностальгическую поэму, наблюдая за луной

Томиока Тессай — псевдоним известного японского художника и каллиграфа. Он считается последним крупным художником традиции бунджинга и одним из первых крупных художников стиля нихонга.Традиция бунджинга была школой японской живописи, которая процветала в конце периода Эдо среди художников, считавших себя литераторами или интеллектуалами. Каждый из этих японских художников, включая Тессая, разработал свой собственный стиль и технику, но все они были большими поклонниками китайского искусства и культуры.

Фудзисима Такэдзи — Восход солнца над Восточным морем

Фудзисима Такедзи был японским художником, известным своими работами по развитию романтизма и импрессионизма в рамках художественного движения йога (западного стиля) в японской живописи конца XIX — начала XX веков.В 1905 году он отправился во Францию, где на него повлияли французские движения того времени, в частности импрессионизм, что можно увидеть в его картине « Восход солнца над Восточным морем », написанной в 1932 году.

Китагава Утамаро — Десять исследований женской физиогномики, сборник правящих красавиц

Китагава Утамаро был выдающимся японским художником и живописцем, который родился в 1753 году и умер в 1806 году. Он, безусловно, наиболее известен своей серией под названием « Десять исследований женской физиогномики», «Собрание правящих красавиц», «Великие любовные темы классической поэзии» (иногда называемый Влюбленные женщины , содержащий отдельные гравюры, такие как Открытая любовь и Задумчивая любовь ).Он — один из самых важных японских художников, принадлежащих к жанру укиё-э гравюры на дереве.

Каванабэ Кёсай — Тигр

Каванабэ Кёсай был одним из самых выдающихся японских художников периода Эдо. На его искусство повлияли работы Тохаку, художника Кано шестнадцатого века, который был единственным художником своего времени, который рисовал экраны полностью чернилами на тонком фоне из порошкового золота. Хотя Кёсай наиболее известен как карикатурист, он создал одни из самых заметных картин в истории японского искусства XIX века. Тигр — одна из тех картин, на которых Кёсай использовал акварель и тушь для создания этой картины.

Хироши Ёсида — Фудзи из озера Кавагути

Хироши Ёсида известен как одна из самых важных фигур стиля син-хана (син-хана был художественным движением в Японии в начале 20-го века, в периоды тайсё и сёва, которые возродили традиционное искусство укиё-э, уходящее корнями в периоды Эдо и Мэйдзи (17-19 вв.) Он обучался западной традиции масляной живописи, которая была принята в Японии в период Мэйдзи.

Такаши Мураками — 727

Такаши Мураками, наверное, самый популярный японский художник сегодня. Его работы продаются по астрономическим ценам на крупных аукционах, а его искусство уже вдохновляет целые поколения художников не только в Японии, но и во всем мире. Искусство Мураками охватывает широкий спектр сред и обычно описывается как суперплоское. Его работы были отмечены использованием цвета, включением мотивов японской традиционной и популярной культуры.Содержание его картин часто называют «милым», «психоделическим» или «сатирическим».

Яёи Кусама — Тыква

Яёи Кусама также является одним из самых известных современных японских художников. Она создает различные медиа, в том числе живопись, коллаж, скат-скульптуру, перформанс, окружающее искусство и искусство инсталляции, большинство из которых демонстрируют ее тематический интерес к психоделическим цветам, повторениям и узорам. Одна из самых известных серий этого великого художника — серия Pumpkin .Культовая тыква, покрытая горошком насыщенного желтого цвета, представлена ​​на фоне сетей. В сочетании все эти элементы образуют визуальный язык, который безошибочно соответствует стилю художника, который развивался и совершенствовался в течение десятилетий кропотливого производства и воспроизведения.

Найдите другие интересные работы Яёи Кусамы!

Tenmyouya Hisashi — Японский дух № 14

Тенмёя Хисаси — современный японский художник, наиболее известный своими картинами «Нео-Нихонга».Он участвовал в возрождении старой японской традиции живописи, которая представляет собой антитезу современной живописи в японском стиле. В 2000 году он также создал свой новый стиль «Бутуха», который через его картины показывает стойкое отношение к авторитетной системе искусства. Японский дух № 14 был создан как часть художественной схемы «БАСАРА», интерпретируемой в японской культуре как мятежное поведение аристократии низшего класса в период Сражающихся царств, чтобы отрицать власть в стремлении к идеальному образу жизни, одеваясь в великолепные роскошные костюмы и действия по доброй воле не соответствовали их социальному классу.

Кацусика Хокусай — Большая волна у Канагавы

Наконец, Большая волна у Канагавы , вероятно, самая узнаваемая японская картина из когда-либо созданных. На самом деле это самое известное произведение искусства, «сделанное в Японии». На нем изображена огромная волна, угрожающая лодкам у берегов префектуры Канагава. Хотя иногда предполагается, что это цунами, волна, как следует из названия, с большей вероятностью будет большой волной-убийцей. Картина выполнена в традициях укиё-э.

Все изображения использованы только в иллюстративных целях.

Японская живопись — artelino

Неизвестно

Изделие №
67934

Художник
Неизвестно

Название
Прослушивание — Кику — традиционный японский свиток

Описание
«Кику». Красавица в кимоно играет на скрипке. Она улыбается и внимательно слушает нежный звук скрипки. Черты ее лица выдержаны в стиле позднего Эдо — начала периода Мэйдзи.
Японское слово для обозначения слушания — «кику». Интересной деталью является то, что вышитые на поясе оби цветы — хризантемы. Японское слово для обозначения хризантемы также «кику».
Изображение женщин в кимоно, играющих на западных музыкальных инструментах, на росписи Нихон-га является чрезвычайно редким и в раннюю эпоху Мэйдзи считалось смелым и очень современным.

Продано
750 $ — 07.04.2016

Хотели бы вы получать уведомление, если работы вашего любимого художника (-ов) предлагаются / предлагаются на наших аукционах?

Искусство японской живописи полно завораживающего азиатского очарования, если смотреть на него с чисто декоративной точки зрения.Но это также вопрос, который может немного сбить с толку новичков, если вы захотите узнать о нем больше. Различные школы и стили живописи, множество различных средств массовой информации, глубокие корни дзен-буддизма и использование конкретных терминов из Из-за японского языка этот вид искусства не всегда легко доступен для жителей Запада.

Чтобы понять японскую живопись, нужно знать, что она всегда разрывалась между тремя основными направлениями: Китайский, японский и западный.

История японской живописи

Как почти все формы искусства, ранняя живопись находилась под влиянием китайской культуры. Постепенно были разработаны новые, специфически японские стили, и были созданы школы живописи. Каждая школа практиковала свой собственный стиль. Но китайское влияние оставалось сильным до начала периода Эдо (1603-1867). Для описания живописи в японском стиле существует общий термин — yamato-e .

После открытия Японии для Запада в период Мэйдзи (1868-1912), первые годы были отмечены преувеличенным принятием западного искусства. В недавно учрежденных университетах были созданы кафедры для Западное искусство, приглашенное западными академическими художниками в страну в качестве учителей и отправляющее студентов изучать искусство в Европе — в основном во Франции и Италии.

Рука об руку с растущим национализмом маятник вскоре вернулся в другую сторону.Общественное мнение начал осознавать богатство старых традиций и даже осуждал западное искусство.

ХХ век ознаменовался сотрудничеством. Художественные колледжи предлагают факультеты как японского, так и западного стилей живописи.

Школы и стили рисования

• Suibokuga — термин для рисования черными чернилами. Он был заимствован из Китая и сильно повлиял на дзен-буддизмом. В течение 15 века живопись тушью приобрела более собственный японский стиль.
• Кано Масанобу (1453-1490) и его сын Кано Мотонобу (1476-1559) основали школу живописи Кано . Это началось как протест против китайской техники рисования черным тушью. В школе Кано использовались яркие цвета и представили смелые композиции с большими плоскими участками, которые в дальнейшем должны доминировать в укиё-э дизайны. Со временем школа Кано разделилась на несколько ветвей, но оставался доминирующим в период Эдо. Многие художники укиё-э получили образование художников Кано.
• Тоса-ха была школой живописи, специализирующейся на маленьких миниатюрных форматах книжных иллюстраций. Основателем был Тоса Юкихиро в 14 веке. Школа Тоса стала чем-то вроде официального искусства. школа императорского двора в Киото. Императорский двор был отдельным миром, политически изолированным. бессильны, но у правящих сёгунов хорошо обеспечены средствами, чтобы посвятить себя изящным искусствам.
• Стиль живописи нанга был сильным в начале 19 века во время бунки . и бунсай эпохи .Сторонники этого стиля рисовали идеализированные пейзажи и природные сюжеты, такие как птицы и цветы для культурной элиты. Стиль был скорее китайским.
• Школа shijo была отделением в 18 веке от официальной школы Кано. Стиль shijo — это характеризуется предметами, взятыми из повседневной жизни людей. Своеобразный реализм с иногда сатирической элементы.

Медиа

Японские художники на протяжении веков использовали самые разные медиа.Единственный, кого ты не найдешь до позднего вечера девятнадцатый век — это западные медиа холста в рамке. Основные средства массовой информации, используемые традиционными японскими художниками мы:

• Горизонтальные свитки называются emakimono . Дословно переводится это слово «изображение (е) проката (маки)». вещь (моно) «. Emakimono были созданы путем склеивания отдельных листов в длинный рулон. просматривались справа налево. Emakimono — одни из самых старых форм живописи. Вместо emakimono можно найти слова makimono или emaki . Значит то же самое.
• Вертикальные свитки называются kakemono . Это «вещь», которую вы вешаете на стену. А какемоно — это установлен на роликах с обоих концов. К ролику сверху прикреплена веревка, чтобы вы могли повесить свиток. вертикально. Валик внизу предназначен для выравнивания изображения под своим весом.Вертикальные свитки стали популярны в период Эдо. Это ближе всего к западным холстам в рамах и было идеальным форма украшения стены для небольшого японского дома.
• Другим средством рисования были складные ширмы, на японском языке они назывались byobu . Они пришли от Китая до Японии в 7 веке и использовались как разделители помещений, в основном с 4 или 6 панелями. Из-за их размеры, использование ограничивалось храмами и дворцами.Экраны стали основным средством для пышных и сложных картин. С ростом класса купцов спрос на экраны переместился на жителей богатых городов во время Период Эдо. Сюжеты на экранах были похожи на укиё-э (японские гравюры).
• Раздвижные двери, получившие название fusuma , были еще одним средством японской живописи.
• В периоды Муромати (1333-1573) и Момояма (1573-1603) могущественные феодалы строили замки и наняли художников для украшения внутренних стен картинами.Японский термин — shoheiga .
• Также популярным средством рисования были веера — uchiwa .

Субъекты

Японские картины могут вызывать ассоциации с пейзажами и природными сценами, нарисованными несколькими гениальными мазками. Такое впечатление может исходить от большинства свитков, которые можно найти в галереях и музеях. Но это только часть истории.

Сюжеты живописи были столь же разнообразны, как и японские гравюры. И, конечно же, у каждого из используемых средств массовой информации был свой предпочтительный главный фокус. Некоторыми довольно популярными предметами были:

• шики-э — Пейзажи четырех времен года.
• meisho-e — Виды на известные места.
• monogatari-e — Сцены из жизни при императорском дворе в Киото.
• nanban-byobu — Изображения жителей Запада на экранах времен высадки португальских и голландских кораблей в южных частях Японии.
• rakuchu-rakugai-zu — Виды из Киото.
• kabuki-e — Кадры из театра кабуки.
• bijinga — Изображения красивых женщин, обычно женщин из квартала удовольствий.

Глоссарий японской живописи

• byobu — японские складные ширмы, обычно состоящие из 4 или 6 частей.
• e — иероглиф «е» на японском языке означает «рисунок» или «живопись».
• emakimono — Горизонтальная прокрутка изображений.
• fusuma — японские раздвижные бумажные двери.
• фузокуга — жанровые картины нравов и обычаев.
• hakubyo — Черно-белая живопись тушью.
• kano — Название школы живописи, названной в честь ее основателя Кано Масанобу (1453-1490).
• kara-e — Живопись в китайском стиле.
• kakemono — Вертикальные свитки.
• meisho-e — Фотографии известных мест.
• nanban-byobu — Экраны с изображениями жителей Запада конца 17 — начала 18 веков.
• нанга — Школа живописи начала 19 века, изображающая горы и долины в китайском стиле.
• rakuchu-rakugai-zu — Виды Киото.
• rin-pa — Школа живописи, которая практиковала декоративный, пышный стиль.
• sansuiga — Пейзажная живопись.
• shijo-ha — Школа рисования в Киото.
• shira-e — Изображение, написанное черными чернилами без или с минимальным количеством цветов.
• shoheiga — Картины на стенах.
• suibokuga — Картины черными тушью пейзажей в стиле дзен.
• uchiwa — японские вееры круглой формы.
• yamato-e — Живопись в японском стиле.

Японские свитки картин

Киёка Сакурай 1895-1969

Номер товара
28225

Название
Beauty and Mt. Fuji

Продано
500 $ — 10.06.2007

Beauty and Mt. Fuji

Клифтон Карху 1927-2007

Товар #
67071

Название
Черные волосы

Продано
320 долларов — 13.12.2015

Черные волосы

Клифтон Карху 1927-2007

Товар №
67074

Заголовок
Баклан

Продан
320 долларов — 24.12.2015

Баклан

Автор:
Дитер Ванцура
Первая публикация: 21.05.2004
Последнее обновление: 08.11.2020

Библиография

• Фридрих Б.Schwan, «Handbuch Japanischer Holzschnitt», 2003, IUDICIUM Verlag, Postfach 701067, D-81310 München, ISBN 3-89129-749-1.

Другие статьи, относящиеся к

Хотели бы вы, чтобы наша система уведомляла вас, если ваш любимый художник (-ы) предлагается / предлагаются на одном из наших еженедельных аукционов?

file_upload

Доступно на текущем аукционе

Этот / эти репродукции со ссылкой на Японская живопись доступны на текущем аукционе.Щелкните изображение предмета, чтобы просмотреть эту распечатку, или щелкните «Каталог аукционов», чтобы просмотреть весь каталог.

Товар 87768 Тоши Йошида 1911-1995

Бунчо — Яванский воробей или рисовая птица

Аукционный каталог

artelino GmbHTERMSIMPRINTCONTACT

Что такое Нихонга? — Художественный музей Яматане

Нихонга , общий термин для традиционной японской живописи, буквально означает «японская живопись». В настоящее время широко используется, этот термин возник в период Мэйдзи, чтобы отличать японскую живопись от масляной живописи западного стиля.Таким образом, разница между масляной живописью в западном стиле и нихонга заключается, в общем, в разнице в используемых материалах для рисования. Хотя некоторые утверждают, что все, что рисует японский художник, — это нихонга , различия, основанные на материалах, по-прежнему используются.

Термин нихонга использовался уже в 1880-х годах. До этого, с раннего современного периода, картины классифицировались по школам: например, школа Кано, школа Маруяма-Шидзё и школа Тоса жанра ямато-э .Примерно в то время, когда была основана Токийская школа изящных искусств, в 1887 году, художественные организации начали формироваться и проводить выставки. Через них художники влияли друг на друга, и более ранние школы сливались и смешивались. Благодаря дополнительному влиянию западной живописи возникла и развивалась сегодняшняя нихонга .

Сегодня, однако, методы, чувства, эстетика и стили, основанные на традициях, меняются со временем. Более того, продолжает возникать вопрос о том, что такое нихонга и имеет ли различие между нихонга и живописью в западном стиле какое-либо значение с точки зрения живописного выражения.

Nihonga основан на стилях живописи, которые развивались более тысячи лет. Используемые материалы также являются традиционными элементами, разработанными в течение этой долгой истории. Как правило, подложка представляет собой бумагу, шелк, дерево или гипс, на которые наносились чернила суми , минеральные пигменты, белый гофун (белый пигмент, изготовленный из измельченных ракушек), красящие вещества животного или растительного происхождения и другие натуральные пигменты. применен клей для животных nikawa в качестве клея.Золото и другие металлы (сусальное золото и другие формы) также эффективно использовались в картинах.

Эти материалы непросты в использовании. Освоение необходимых техник требует значительного времени и решимости. Однако художники продолжают использовать их, потому что получившийся стиль нихонга соответствует природным особенностям Японии и японским эстетическим и духовным качествам.

＜ Nihonga материалов ＞

Поддерживает

Шелк ( кину ) : Картины на шелке известны как кину или кенпон .Шелк — один из важнейших поддерживающих материалов, используемых в nihonga . Текстура шелка, превосходного материала для рисования, позволяет создавать различные эффекты, например, путем нанесения краски или металлического листа на обратную сторону шелковой основы.

Бумага ( васи ) ; Картины на бумаге известны как шихон . Бумага вместе с шелком является одним из важнейших вспомогательных материалов, используемых в nihonga . Бумага более долговечна, чем другие вспомогательные материалы, и с ней легко обращаться.Таким образом, он остается основным материалом для nihonga и сегодня.

Пигменты

Минеральные пигменты ( iwaenogu ) : Эти пигменты получают путем тонкого измельчения природных минералов. Размер частиц определяет оттенок получаемого цвета. Такие пигменты также можно обжарить, чтобы изменить их цвет. В качестве клея используется клей Nikawa .

Suihi-enogu : Для изготовления этих пигментов используется обычная почва или глина, которые часто имеют желтый или красный оттенок.В качестве клея используется клей Nikawa .

Гофун : Гофун высшего качества, белый пигмент, который сейчас используется в Японии, изготовлен из натуральных раковин устриц. Первоначально этот термин относился к белому свинцу, который был импортирован из Китая в период Нара (восьмой век). Однако, начиная с периода Муромати (с четырнадцатого по шестнадцатый века), гофун обычно использовался для материала на основе раковин устриц. В качестве клея используется клей Nikawa .

Красящие материалы ( senryō ) : Эти натуральные красители получают из животных или растений и используются в качестве пигментов. Некоторые из них нельзя использовать в качестве пигментов без модификации; в этом случае gofun или лайм используется для поглощения красок и производства пигментов.

Чернила Sumi : полученная смесь ламповой сажи с клеем nikawa , затем помещается в деревянную форму и дается высохнуть в форме стержня. Чтобы использовать его, воду наливают на чернильный камень или сузури и натирают его палочкой суми для получения жидких чернил.

Металлический лист и краска ( haku и dei ) : Металлы, такие как золото, серебро или платина, измельчаются до очень тонкого слоя для получения металлического листа. Традиционные методы включают прикрепление металлического листа к картине и разрезание его на тонкие полоски ( noge ) или измельчение до зернистого, похожего на песок состояния и рассыпание по плоскости изображения ( sunago ). Металлический лист, уменьшенный до порошкообразной формы, называется dei , он доступен в нескольких типах в зависимости от используемого металла.Металлические листы, полосы или зерна, или порошок — все это прикрепляется с помощью клея nikawa .

Клеи

Nikawa : Желатин, полученный путем кипячения и извлечения белка из шкур и костей животных и рыб, давно используется в качестве клея. Поскольку пигменты, используемые в nihonga , не обладают адгезионной прочностью, необходимо использовать nikawa , чтобы закрепить их на поверхности картины. В настоящее время обычно используются два типа: shika nikawa (промышленно обработанные из коровьей кожи, костей и сухожилий) и sanzenbon (которые изготавливаются вручную из тех же материалов).При слишком большом количестве nikawa пигмент будет трескаться. Если будет слишком мало, он будет отслаиваться.

Инструменты

Кисти Fude и hake : Кисти являются критически важными инструментами для создания линий и областей цвета; их использование оказывает большое влияние на получаемую картину. Они изготавливаются из различных материалов и форм, чтобы соответствовать конкретным приложениям. Большинство используют щетину животных.

Справочные материалы

Yomigaeru nihonga — dentō to keishō, 1000 nen no chie ( Nihonga ренессанс — традиция и преемственность, 1000 лет мудрости), под редакцией японской живописи (консервация), Высшая школа изящных искусств Токийского университета. Искусство.(Токио: Художественный музей университета, Tokyo University of the Arts Associates, 2001).
Дзукай: Nihonga no dentō to keishō — sozai, mosha, shūfuku ( Nihonga традиция и преемственность — материалы, копирование, реставрация), под редакцией японской живописи (консервация), Высшая школа изящных искусств Токийского университета. искусство. (Токио: Tokyo Bijutsu, 2002).
Иллюстрированный словарь терминологии живописи в японском стиле под редакцией Japanese Painting (Conservation) , Высшая школа изящных искусств Токийского университета искусств.(Токио: Tokyo Bijutsu, 2010).

Японское искусство: типы и стили

Керамика и скульптура

Некоторые из старейших керамических изделий в мире были найдены в Японии.

В период Дзёмон, примерно с 10 500 — 300 до н.э., древние художники изготавливали декоративные глиняные сосуды, которые делались из грубой красновато-коричневой глины, обжигаемой при низких температурах. Они также делали фигурные скульптуры под названием dogu , часто в форме женщин с преувеличенными чертами лица.Эти фигурки догу, возможно, использовались для молитв, связанных с плодородием.

Позже, в период Кофуна или Кумулуса (примерно с 250 по 552 год нашей эры), художники сделали глиняные скульптуры под названием haniwa , часто в форме лошадей или воинов и размещенные за пределами древних японских гробниц. Скульптуры ханива, сделанные из неглазурованной глиняной посуды, были полыми. Иногда они имели резные геометрические украшения или окрашивались натуральными пигментами.

Помимо керамики, скульптуры в Японии, как правило, делали из бронзы или дерева.После появления буддийской религии в Японии из Китая и Кореи примерно в 6 веке почти вся японская скульптура была связана с буддизмом.

В храмах были изображены массивные статуи Будды. В их число входил бронзовый Будда Камакура, помещенный снаружи возле храма под названием Котоку-ин, построенный между 1185 и 1392 годами и высотой более 42 футов.

Живопись

Живопись в Японии пришла из Китая и выросла из каллиграфии , или письма, выполненного чернилами с помощью кистей, с упором на красивый внешний вид слов.Со временем художники начали создавать изображения мазками. Некоторые из самых ранних японских картин изображали сцены из жизни фигур, связанных с буддизмом.

По мере развития японской живописи предметы искусства расширились и стали включать в себя такие вещи, как природа, в том числе птицы и животные. Другой популярной темой были пейзажи, часто показываемые с высоты птичьего полета, где небо, горы, реки и строения изображались в вертикальных композициях.

Эти картины, иногда выполненные простой смывкой черными чернилами, а иногда акварелью, были в то же время деликатными и спонтанными, с изогнутыми мазками разной толщины.Некоторые картины были написаны на шелковых свитках, которые можно было сворачивать, когда их не видели.

В период Хэйан (примерно 794–1185) развился стиль живописи, названный Ямато-э, или буквально «японская живопись», термин, позволяющий отличить их от китайских стилей живописи. Картины Ямато-э были более формальными и менее спонтанными, чем более ранние работы, иногда с яркими, смелыми цветами и сильно стилизованными фигурами.Они отличались уплощенными формами с акцентом на линии. Сюжеты, как правило, были изображениями и пейзажами японских личностей, фольклора и мест.

Ксилография

Элементы японской живописи, такие как акцент на линиях и сглаженное пространство, нашли свое отражение в другом виде искусства — гравюрах на дереве. Печать на дереве включает в себя сначала вырезание изображения на деревянном блоке, затем нанесение на него чернил и прижимание к поверхности.Острые ножи и стамески используются для удаления участков, которые не будут напечатаны.

Сначала на ксилографиях печатали тексты, связанные с буддизмом. Но, как и каллиграфия, они со временем стали использоваться для изображений.

Примерно в 17 веке гравюры на дереве стали популярными среди растущего класса богатых японских купцов и городских жителей. У них были деньги, которые они могли потратить, и они хотели выразить свой новый статус среднего класса.

Разработан стиль печати под названием Ukiyo-e или «парящий мир», который представлял собой изображения земных удовольствий, таких как куртизанки и публичные дома, борцов сумо и персонажей театра кабуки, а также пейзажи.Некоторые изображения были колоритными, а другие тонкими и изысканными.

Отпечатки укиё-э, сделанные в ярких цветах и ​​по умеренной цене, были сделаны в большом количестве копий и куплены многими людьми. В конце концов они перебрались в Европу, где оказали глубокое влияние на западное искусство.

Краткое содержание урока

Японское искусство, которое часто находилось под влиянием китайских форм, могло быть религиозным или светским по своей природе.Некоторые из старейших японских произведений искусства включают глиняную посуду и керамические сосуды. В них также есть скульптуры, такие как фигуры dogu, , часто в форме женщин и предположительно используемые для молитв о плодородии, и haniwa погребальные формы, которые часто имели форму лошадей или воинов и размещались за пределами древних японских гробниц.

Более поздняя скульптура часто была посвящена буддийской религии, включая бронзового Будду Камакура. Живопись в Японии развилась из каллиграфии , или искусства красивого письма.Сюжеты включали природу, пейзажи и людей. Иногда их рисовали на шелковых свитках спонтанными мазками.

Стиль живописи под названием Ямато-э , разработанный в период Хэйан, ориентирован на японские сюжеты. Он отличался яркими цветами и был более формальным, чем предыдущие стили живописи.

Ксилография , изображение, выполненное резным деревом и чернилами, также стало популярным в Японии. Начиная примерно с 17 века, стиль печати под названием Ukiyo-e или «плавающий мир» был сосредоточен на земных удовольствиях, таких как куртизанки, публичные дома и борцы сумо.

Справочник по традиционным формам японского искусства

Продажа различных лаковых изделий | © Брайан Джеффри Беггерли / Flickr

Традиционные японские формы искусства веками были источником восхищения и вдохновения не только в Японии, но и во всем мире. Отчасти потому, что, помимо прочего, их незамысловатую красоту может оценить практически каждый. От искусства икебаны до изящной чайной церемонии — вот наш путеводитель по традиционным формам японского искусства.

Каллиграфия — одно из самых уважаемых японских искусств. Наряду с иероглифами , или японскими иероглифами, каллиграфия была импортирована из Китая в период Хэйан более тысячи лет назад. Есть много разных стилей каллиграфии. sosho, или стиль руки травы, обычно используется для художественной каллиграфии и поэтического письма. Эти изящно связанные символы и слоги иногда могут казаться почти неразборчивыми для изучающего японский язык, но тем не менее их красоту можно оценить.

Занятия каллиграфией | © Питер Гриффин / Public Domain Pictures

Хотя в Японии много флористов, собирающих разноцветные букеты, не все из них будут практиковать более традиционный вид искусства — икебана . Икебана обычно более упрощена, чем современная цветочная композиция, и подчеркиваются различные части растения, а не только красочные цветы. Гармония цвета, текстуры, формы и баланса растений и ветвей является ключевым моментом.Но икебана — это, прежде всего, форма творческого самовыражения и ценится за это качество.

Икенана в «морибане» или «косом стиле» | © Tim Buss / Flickr

Ukiyo-e означает «изображения парящего мира» и относится к тематике отпечатков. «Плавающий мир» — это мир мимолетных удовольствий, и объектами ukiyo-e часто, но не всегда, были красивые женщины или куртизанки и гейши из развлекательных заведений.В 17 веке укиё-э были обычным явлением в купеческих домах среднего класса в качестве украшений. Укиё-э — один из самых ярких и уникальных стилей японского искусства. Хотя сегодня это вид искусства не практикуется, его влияние можно увидеть в таких современных формах искусства, как татуировка и дизайн одежды.

Ксилография Утагавы Тоёкуни в период Эдо | Ксилография Утагавы Тоёкуни периода Эдо

Японская лакированная посуда известна своей красотой и долговечностью.Лак использовался в Японии на протяжении тысячелетий для защиты и сохранения естественной красоты дерева. Благодаря современному использованию пластмасс и металлов, искусство изготовления изысканной лаковой посуды или гребня легко оценить. Найдите традиционные лакированные изделия в магазинах товаров для дома.

Продажа различных лаковых изделий | © Brian Jeffery Beggerly / Flickr

Чайная церемония выросла из гостеприимства японских дворян периода Хэйан, которые любили подавать чай своим высокопоставленным гостям.В конце концов, родился совершенно новый способ оценить любимый напиток со своим собственным уникальным набором правил и этикета. Наблюдение за очень формальной японской чайной церемонией или, еще лучше, участие в ней, безусловно, является незабываемым опытом, и в большинстве японских городов будут регулярно проводиться мероприятия, чтобы посетители могли испытать это.

Майко готовится к официальной чайной церемонии | © Jody McIntyre / Flickr

До появления современной парфюмерии и ароматических спреев ладан играл жизненно важную роль в высших слоях общества Японии.Дворяне периода Хэйан ароматизировали свою одежду, аксессуары и волосы индивидуальными ароматами, и эти ароматы сами по себе были формой общения. Часть кодо включает «игры сравнения благовоний» или кумико. Игроки по очереди оценивают аромат благовоний и угадывают ингредиенты внутри. В наши дни кудо не практикуется широко, даже в особых культурных мероприятиях, из-за высокой стоимости материалов.

Сжигание благовоний | © Джей Мантри / Pixabay

В Японии существует множество видов традиционного танца.Двумя основными являются Но и Кабуки . Но — это музыкальная драма, которая существует уже более пятисот лет. Его можно узнать по обычно скудным сценическим эффектам, уделяя все внимание исполнителям в масках, которые обычно воспроизводят древнюю легенду или подобную сказку. С другой стороны, танцевальная драма Kabuki отличается тщательно продуманным макияжем, костюмом и чрезмерными эмоциями. Оба типа до сих пор широко практикуются в таких местах, как театр Кабуки-дза в Токио.

В Лондоне идет спектакль кабуки | © GanMed64 / Flickr

Ван Гог и Япония: гравюры, сформировавшие художника

Ван Гог и Япония: гравюры, которые сформировали художника

(Изображение предоставлено: Фонд Самуэля Курто, Галерея Курто, Лондон)

На новой выставке показано, как художник заимствовал методы из японских гравюр и использовал их в своей работе. портреты, пишет Аластер Сук.

I

В феврале 1888 года Винсент Ван Гог покинул Париж, где прожил несколько лет, и направился в город Арль в Провансе на юге Франции.Измученный пребыванием в мегаполисе и желающий восстановить некоторое самообладание, он искал более простую жизнь, которая, как он надеялся, оживила и его самого, и его искусство. Он также стремился создать сообщество художников и был взволнован возможностями.

Примерно так:

— Разрушение так же мощно, как созидание?

— Ослепительное искусство дегенерирующей династии

— Секретные символы в натюрмортах

Любопытно, что в приподнятом настроении он смотрел на свое новое окружение через призму далекой страны: Японии.В письме, написанном позже в том же году художнику Полю Гогену, который впоследствии присоединился к нему в Арле, Ван Гог вспоминал, как выглянул из окна во время своего путешествия на поезде из Парижа в Прованс, «чтобы увидеть,« похожа ли она еще на Японию! »По-детски. не так ли? »

В «Куртизанке» (по Эйзену), 1887 год, Ван Гог воспроизвел гравюру Кейсая Эйзена, которая появилась на обложке журнала — он сделал ее своим собственным, используя краску (Источник: Музей Ван Гога)

По прибытии он обнаружил Сильный снегопад преобразил сельскую местность, но белые поля все еще напоминали ему «зимние пейзажи» «японских» художников.Шли месяцы, Ван Гог продолжал ассоциировать Прованс с Японией. «Я всегда говорю себе, что я здесь в Японии, — писал он своей сестре в сентябре 1888 года. — В результате мне нужно только открыть глаза и нарисовать прямо перед собой то, что производит впечатление. на меня.» Две недели спустя он сообщил своему брату: «Погода здесь по-прежнему хорошая, и если бы она всегда была такой, то было бы лучше, чем рай для художников, то это была бы вообще Япония».

Согласно Национальной галерее искусств в Вашингтоне, округ Колумбия, «Ван Гог искал в Провансе солнце, сияние и свет, которые размывают детали и упрощают формы, превращая мир вокруг себя в тот узор, которым он восхищался. Японские ксилографии.Он сказал, что Арль был «Японией Юга». Он чувствовал, что здесь сглаживающий эффект солнца усиливает очертания композиций и уменьшает цветовые нюансы до нескольких ярких контрастов ».

Взгляд на восток

Читая письма Ван Гога, становится ясно, что Япония имела для него магическое, мистическое значение. В его воображении Страна восходящего солнца была источником благодати и благополучия, благословенной утопией. Ван Гог и Япония — крупная выставка, полная важных международных займов в музее Ван Гога в Амстердаме, — ставит своей целью определить, почему эта дальневосточная страна, которую художник никогда не посещал и в которую он не планировал ехать, оказала такое влияние. над его воображением — и как это, в свою очередь, повлияло на его искусство.

Ван Гог был вдохновлен эстетикой японского искусства, создав мост под дождем (после Хиросигэ) в 1887 году (Источник: Музей Ван Гога)

Многие прошлые выставки продемонстрировали влияние японского искусства на живопись Ван Гога, цитируя его. как одно из нескольких влияний наряду, например, с крестьянскими картинами Жана-Франсуа Милле или неоимпрессионизмом. Однако это первое, что проливает свет исключительно на эту тему. И, как я узнал во время недавнего визита в Амстердам, он полон захватывающих новых открытий.

Конечно, Ван Гог был не единственным человеком, одержимым Японией в 19 веке. Когда в 1850-х годах, после более чем двухвековой изоляции, Япония открылась для международной торговли, множество японских товаров начали импортироваться во Францию, и зародилось искреннее увлечение всем японским. Мода на внутреннее убранство в японском стиле захватила буржуазию, и универмаги начали предлагать японский фарфор, лакированную посуду, зонтики, ширмы, вентиляторы, фонари, безделушки и предметы искусства.

Ван Гога интересовали гравюры укиё-э — это Фудзи с чайной плантации Катакура в провинции Суруга, автор Кацусика Хокусай (Фото: Рейксмузеум, Амстердам)

Художники были увлечены японскими гравюрами на дереве — В 1880 году французский писатель Эмиль Золя заметил, что любой достойный художник изучал японские гравюры, «которые есть у всех в наши дни». Действительно, некоторые художники, в том числе Клод Моне и Джеймс Макнил Уистлер, годами собирали гравюры так называемого «укиё-э» (изображения парящего мира).Уже к 1872 году был придуман французский термин «японизм», чтобы описать влияние японского искусства и дизайна на западную культуру, особенно на изобразительное искусство.

Японский одержимый

В каком-то смысле Ван Гог опоздал на вечеринку «Японизм»: он впервые ощутил красоту японского искусства, живя в Антверпене в 1885 году, когда приколол набор черного -белые гравюры на стене его студии, примерно за год до того, как он переехал к своему брату Тео в Париж, в то время центр современности.Тем не менее, вдохновленный дискуссиями о японском искусстве в журналах и романах, его увлечение быстро росло.

Зимой 1886–87 Ван Гог купил несколько сотен дешевых японских гравюр (в конечном итоге у него было более 600 листов), которые он нашел на чердаке арт-дилера в Париже. Наряду с тем, что их красочная эстетика понравилась, он надеялся немного заработать, продавая некоторые из них: к весне 1887 года он накопил достаточно, чтобы организовать выставку гравюр, каждая из которых выставлялась на продажу по цене аперитива, в Le Tambourin. кафе, которым руководила его возлюбленная Агостина Сегатори в рабочем районе Монмартра.(Позднее Ван Гог назвал шоу «катастрофой».) Что характерно, он нарисовал Сегатори на портрете 1887 года с японским принтом гейши и ее помощницы на заднем плане.

Утагава Хиросигэ оказал влияние на Ван Гога: это сливовый сад Хиросигэ в Камате, 1857 г. (Источник: Национальный музей для Wereldculturen, Лейден)

Влияние японских гравюр на живопись Ван Гога в этот период хорошо известно. В 1887 году он сделал несколько копий гравюр японских художников, в том числе, сначала красивый вид на сливовые деревья, а затем еще одну сцену, на этот раз изображающую людей, бегающих под зонтиками по мосту во время вечернего душа, обе работы Утагавы Хиросигэ (1797 г.) -1858).Он также сделал картину японской куртизанки в великолепном кимоно, которую он скопировал с обложки журнала, и два портрета продавца и продавца красок Жюльена «Пер» Танги, сидящего на плоском, почти визуально подавляющем фоне красочных красок. Японские гравюры.

Идеал воплотился в реальность

Однако в Арле, где Ван Гог также прикрепил японские гравюры к стенам своей студии (впоследствии он попросил Тео прислать дополнительные листы из своей коллекции в Париж), их влияние на его собственное искусство стало более глубоким и глубоким. менее буквальный.По словам Нинке Баккер, сокуратора выставки в Амстердаме, к тому времени в сознании Ван Гога Япония была полностью идеализированным царством. Это был особый «совершенно другой экзотический мир», запечатленный в красочных японских принтах — «прекрасная природная идиллия, с множеством женщин в кимоно, цветами и птицами».

Кацусика Хокусай был одним из двух японских художников, непосредственно упомянутых Ван Гогом: его самая известная работа — Под волной Канагавы, 1829-1833 гг. (Источник: Рейксмузеум, Амстердам).

Ван Гог считал японские гравюры образцом чистого художественного выражения. , не испорченное западными способами репрезентации: «Японское искусство чем-то похоже на примитивов, на греков, на наших старых голландцев, Рембрандта, Поттера, Хальса, Вермеера, Остаде, Рейсдаля», — писал он Тео в июле 1888 года.«Это не конец».

Вместо того, чтобы просто продолжать копировать японские гравюры, Ван Гог начал экспериментировать с их аспектами в своих картинах, включая использование ярких, плоских цветов и четких диагоналей, крупным планом и видами с высоты птичьего полета, нетрадиционной кадрирования, отсутствие горизонта и выделение выдающихся объектов, таких как большие обрезанные стволы деревьев, на переднем плане. Вдохновленный природой, он рисовал цветы, в том числе в нескольких памятных случаях ирисы, сравнивая один из этих весенних видов с «японской мечтой».

Написанный в честь рождения его племянника, «Цветок миндаля» отражает интерес Ван Гога к цветущим деревьям, олицетворяющим надежду и новую жизнь (Фото: Музей Ван Гога)

Он также создал натюрморты с крабами, вдохновленные японским мотивом. искусство, а также энергичные, уверенные рисунки, выполненные тростниковым пером, которые, по его мнению, были «в стиле японской гравюры». С помощью точек и тире они раскрывают визуальный словарь японского мастера Кацусика Хокусая (1760-1849), который, кстати, был одним из двух японских художников, которых Ван Гог назвал в своих письмах (другого он называл «Монороу», искаженный текст). художника XVII века Хисикавы Моронобу).«Японец рисует быстро, очень быстро, как вспышка молнии, — писал Ван Гог, — потому что его нервы тоньше, а чувство проще».

Спокойствие после бури

Летом 1888 года Ван Гог даже изобразил себя на автопортрете «бонзой», как он выразился в письме Гогену, «простым поклонником вечного Будды. — то есть японский монах с бритой головой. Между тем, в свой знаменитый «Автопортрет с перевязанным ухом» (1889 г.) из галереи Курто в Лондоне он включил свой любимый японский «крепон» (т. Е. Отпечаток на мятой бумаге, например креп), изображающий гейш на фоне пейзажа. стена за головой.

Ван Гог искал безмятежности в японских гравюрах — например, в «Автопортрете с перевязанным ухом», 1889 год (Источник: Фонд Самуэля Курто, Галерея Курто, Лондон) как Ван Гог представляет себя в шляпе и пальто, закутанный от холода в своей студии, с чистым холстом на мольберте, после возвращения домой из больницы, изувечившего собственное ухо в припадке безумия. Менее чем через пять месяцев после того первого срыва, в декабре 1888 года, он был помещен в психиатрическую лечебницу в Сен-Реми-де-Прованс в мае 1889 года.

Ссылаясь на картину Курто, которая побывала в Амстердаме, Баккер объясняет: «Он болен, Гоген уехал, и ему нужно начинать все сначала. И этот принт с его прекрасным красочным миром природы и женщин символизирует его непреходящую любовь к японскому искусству. Он представляет его мечту о Юге как о рае для художника ».

К этому моменту «мечта» японского искусства полностью изменила подход Ван Гога к портретной живописи. В отличие от ценителей японского искусства, которых привлекали гравюры конца 18-го и начала 19-го веков, Ван Гога привлекали более свежие листы 19-го века: дешевые, ярко раскрашенные портреты актеров и исполнителей, на которые большинство коллекционеров не обращали внимания.(Они до сих пор это делают.)

Одна из свежих идей, предлагаемых амстердамской выставкой, — это сопоставление ряда этих «заурядных» (как выразился Ван Гог) произведений искусства, некоторые из которых принадлежали ему: наряду с его необычными портретами простых провансальцев 1888-89 гг. Сходства, о которых до сих пор мало кто замечали, поразительны: насыщенные, почти яркие цвета; уплощенное живописное пространство; использование жестокого, полуабстрактного узора, как на заднем плане шедевра Ван Гога «Берсез», также известного как «Женщина, качающая колыбель» (1889 г.), из которых он сделал пять версий.

Японское влияние явно прослеживается в таких произведениях, как «Женщина, качающая колыбель» (Августин Рулен), 1889 г. (Источник: Чикагский институт искусств, Мемориальная коллекция Хелен Берч Бартлетт)

«В одном из своих писем Ван Гог сказал, что кому-то нужно сделать для портретной живописи то же, что Моне сделал для пейзажа, и сделать его современным », — говорит Баккер. «Это было его амбицией при создании портретов своих друзей в Арле». Один из способов сделать свои портреты «современными» он нашел — включить в них изобразительные приемы, заимствованные из обычных японских гравюр.

В конечном счете, для Баккера отношения Ван Гога с японским искусством намного превышали подражание. «Это больше, чем просто сказать: вот цветущее дерево на японской гравюре на дереве, и Ван Гог делает то же самое. Он не просто имитирует. Он изучает эти гравюры, и они формируют его образ и выбор, который он делает при создании своего собственного искусства ». Она делает паузу. «В конце концов, если вы просто имитируете, то как художник вы никуда не годитесь».

Алистер Сук — искусствовед и обозреватель The Daily Telegraph

Если вы хотите прокомментировать эту историю или что-нибудь еще, что вы видели на BBC Culture, зайдите на нашу страницу Facebook или напишите нам на Twitter .

И если вам понравился этот рассказ, подпишитесь на еженедельную рассылку новостей bbc.com под названием «Если вы прочитаете только 6 вещей на этой неделе». Тщательно подобранная подборка историй из BBC Future, Culture, Capital и Travel, которые доставляются на ваш почтовый ящик каждую пятницу.

Современные и традиционные японские картины для украшения дома

Японское искусство

Японские произведения искусства оказали большое влияние в современном мире современного искусства.

Распространенный в традиционных домах в Японии и становящийся все более популярным во всем мире, этот культурный экспорт из страны стал новой тенденцией.

Японское искусство, как бы мы ни относились к этому широкому и обширному стилю искусства, на самом деле является отсылкой к широкому спектру стилей и часто сгруппировано в 2 основные категории, а именно:

Традиционное японское искусство

• Древнее японское искусство
• Старое японское искусство
• Искусство японской каллиграфии
• Японская пейзажная живопись
• Искусство самурая
• Искусство цветения вишни

Современное японское искусство

• Современное японское искусство
80
• Японское поп-арт Настенное искусство
• Japaense Nail Art

Из всех стилей японского искусства их можно разделить на две большие группы, а именно: стили традиционного искусства и стили современного искусства.Оба они представляют тенденции и стили разных эпох: традиционные представляют старую Японию, а современные — Японию, которую мы знаем сегодня.

Для начала давайте лучше разберемся в этих двух разных классификациях.

Визуальное руководство по различным формам японского искусства

В Японии существует множество художественных стилей. Все это можно разделить на две группы: традиционное и современное японское искусство. Прочтите ниже, чтобы узнать, какие произведения искусства лучше всего смотрятся в вашем доме.

Традиционное японское искусство

Традиционное японское искусство развивалось на протяжении долгой истории Японии, насчитывающей несколько веков. За это время вид искусства претерпел множество изменений, многие из которых сохранились и сегодня.

За это время форма искусства претерпела многочисленные изменения, многие из которых сохраняются и сегодня. Этому традиционному стилю искусства много веков, и он часто может показаться устаревшим, однако, как и любой другой вид искусства, японские произведения искусства — это вневременная концепция, которая адаптируется и изменяется в зависимости от соответствующего периода времени и выглядит визуально и концептуально красиво для любого человека с признательность за классические произведения искусства.

Для лучшего взгляда на Коллекция Утагава Куниёси ( на фото выше ), Куниёси: из коллекции Артура Р. Миллера исследует необычайное воображение и визуально стимулируют коллекцию одного из величайших и последних величайших принтов Японии художники, Утагава Куниёси 1798–1861 .

Эти поистине уникальные, впечатляющие произведения искусства в виде картин прекрасно украшают современный дом.

Найдите эту картину, изображенную выше.

Древнее японское искусство

Древнейшее японское искусство заложило стиль и основу для новых стилей, появившихся позже. Самое интересное, что концепция простоты стала неотъемлемой частью японских стилей. Чаще всего в этих древних картинах используются темы природы и традиционной жизни.

В этом древнем художественном стиле простое произведение искусства, изображающее образ жизни древней Японии, является самой заметной темой.В этот период широко использовались черно-белые цветовые палитры, в результате чего произведения искусства были простыми, легкими и, что самое главное, визуально и концептуально соответствовали своему периоду времени и людям, живущим в Древней Японии.

Старое японское искусство

Они похожи на древний японский стиль, за исключением способа их создания. Кроме того, значительно расширились типы предметов или тем.

Например, предметы расширились до других элементов, таких как мифология, в то время как используемые стили включали чернила, кисть, деревянные блоки и т. Д.Большинство японских гравюр, которые вы найдете сегодня, — это обычно старинное японское искусство.

Искусство японской каллиграфии

Эти произведения искусства делают упор на каллиграфию. Использование иероглифов, называемых кандзи; произведения могут состоять из одной или нескольких букв. Кроме того, искусство японской каллиграфии можно смешивать с реальными произведениями искусства или использовать как самостоятельное произведение.

Японская пейзажная живопись

Пейзажи — одни из самых распространенных, в них большое внимание уделяется пейзажам.Довольно часто пейзаж фокусировки — это не какой-то случайный пейзаж, а пейзаж Японии. Хороший тому пример — изображения горы Фудзи.

Искусство самураев

Другой важный стиль живописи, используемый японцами, — это изображения самураев. Прославленные Голливудом, самураи были высококвалифицированными и обученными воинами в Японии. Они стали в значительной степени увековеченными как часть японской жизни, один из способов — через картины.

Многие японские самурайские искусства изображают жизнь самураев, от их тренировок и лишений до побед.

Найдите здесь картину, изображенную выше.

Искусство цветения сакуры

Из всех изображений природы одним из самых важных является изображение сакуры.
Вишневое дерево — хорошо известное и довольно распространенное дерево в Японии, известное своими красивыми розовыми цветами.

Цветущая сакура стала важной частью японской культуры, благодаря многочисленным картинам, которые делают дерево важным предметом искусства.

Найдите здесь картину, изображенную выше.

Современное японское искусство

Термин «современное японское искусство» на самом деле не относится к отдельной форме искусства как таковой, а скорее к той, которая представляет собой адаптацию традиционных стилей к современной форме.
Другими словами, современное японское искусство можно описать как адаптацию традиционных стилей к современной эпохе, где основные стили остаются практически такими же, в то время как другие переменные могут быть значительно изменены.

Японское современное искусство

Также называемые «японским современным искусством», они представляют собой один из самых последних стилей, возникших в Японии и восходящий к началу 20 века.
Истоки этого художественного стиля уходят корнями в Европу, где модернистские и постмодернистские стили искусства становятся мейнстримом.

Произведения современного японского искусства прекрасно вписываются в современный дом. Этот стиль искусства часто ярко красочный, чрезвычайно творческий, и, прежде всего, эти картины являются идеальным украшением дома.

Из всех известных японских современных художников этого поколения Такаши Мураками поднял современное искусство в Японии на новую высоту своими невероятно креативными, яркими и красивыми причудливыми произведениями искусства .

Те же принципы были приняты другими современными японскими художниками, которые соединили их со своими собственными принципами элегантности и простоты. Конечным результатом стало то японское современное искусство, которое мы знаем сегодня.

Японский поп-арт

Это еще один стиль современного искусства, возникший на рубеже веков. По мере того, как поп-культура стала хитом, и японские художники начали принимать эту новую форму развлечения, стили искусства также начали меняться в этом новом направлении.

Новыми элементами, захватившими японское общество, были уже не старые темы природы, семьи и так далее, а популярные культурные элементы, такие как аниме, манга, покемоны, концепция «кавайи» и т. Д. Японский поп-арт — это самый популярный среди японской молодежи, которая полюбила его больше, чем любое другое поколение.

Что делает японское искусство уникальным?

Японское искусство узнать довольно просто. Изучая стиль искусства на протяжении всей истории, вы заметите, что многие произведения искусства имеют схожие характеристики — в том, что они разделяют общую тему и ценят более старые стили искусства.Многие из художественных стилей, зародившихся в первые дни Японии, все еще видны сегодня.

Стили японского искусства

В предыдущем разделе были подробно описаны различные характеристики японских произведений искусства. Эти различные характеристики представлены на холсте по-разному. Ниже приведены различные стили японского искусства и техники рисования.

Японская живопись тушью

Это один из наиболее распространенных стилей японской живописи, который во многом зависит от использования чернил для создания произведений искусства.Картины обычно характеризуются одним цветом, а иногда и несколькими.

Японская кисть

Японские картины кистью — это картины, созданные с использованием кистей, будь то традиционные или их современные аналоги. Картины, как правило, однотонные или цветные. Также для них характерны мазки кисти, от простых до сложных. Мазки кистью часто используются для японских символов, таких как кандзи, где каждый символ состоит из нескольких мазков кисти.

Японская акварель

Они в значительной степени связаны с картинами, где основной темой являются различные темы художественного произведения, а не надписи и каллиграфия. Кроме того, японские акварельные картины на сегодняшний день являются одними из самых ярких из всех японских картин, учитывая разнообразие используемых пигментов.

Японский набросок

Японские рисунки используются там, где больше внимания уделяется основным концепциям, таким как наброски, эскизы и иллюстрации, а не законченным произведениям искусства.Они чаще встречаются в поп-арте и других формах современного японского искусства, где большое внимание уделяется иллюстрациям.

Использование японской живописи для украшения вашего дома

В дополнение к определенным принципам, используемым для рисования, существуют аналогичные принципы для украшения дома.

Это довольно распространено во всех традиционных японских домах, где все произведения искусства подчиняются определенным ограничениям и правилам.

В деталях ниже приведены некоторые из наиболее важных принципов, используемых при украшении дома традиционными японскими картинами:

Не используйте слишком много картин — это один из наиболее часто наблюдаемых аспектов японской живописи. Независимо от комнаты, в которой они используются, в традиционных японских домах редко бывает больше, чем несколько картин в комнатах. В комнате очень мало картин, что соответствует большему принципу сохранения простоты и гармонии со всем остальным.

Произведения искусства должны соответствовать фен-шуй. Фен-шуй — довольно популярная концепция в Восточной Азии, включая Японию. Используемое японское искусство должно соответствовать правилам фен-шуй.

Проверьте и другие элементы комнаты. Еще одна важная вещь, которую следует учитывать в японском искусстве, — это другие элементы в комнате. Если в комнате есть другие элементы, на которых также есть произведения искусства, например ширмы, рекомендуется избегать размещения картин, поскольку это обычно приводит к беспорядку.

Храните картины в безопасности. Среди множества различных элементов, от которых вы должны держать картины подальше, есть сильные источники тепла, а также любые места, где есть влажность и влажность. Они могут прямо или косвенно повредить картину. От стирания краски до повреждения холста, когда японские картины или любые другие картины подвергаются воздействию элементов, это может привести к серьезным повреждениям.

Цветовая схема комнаты — это еще одно важное правило, которое следует учитывать.Произведение искусства должно соответствовать цветовой гамме комнаты, где оно гармонирует с общей темой, а не выделяется.

Известные японские картины в истории

У каждой культуры свой особый и неповторимый стиль живописи, который представляет их культуру в целом и их опыт. Японские картины стали довольно известными в истории. Прежде всего, это японская волновая живопись, Хокусай и картины пейзажа и природы.

Японская картина с волнами

Также известная как «большая волна у Канагавы», «Большая волна» или просто «Волна», это, пожалуй, одна из самых известных японских картин.Это хороший образец японского волнового искусства.

Это изображение гигантских волн в океане на фоне горы Фудзи и трех лодок в водах чуть ниже волны. Кроме того, имеется надпись с названием произведения и подписью художника.
Датировка картины находится где-то между 1829 и 1833 годами и представляет собой ксилографию художника укоё-э по имени Хокусай. Временной период создания картины приходился на поздний период Эдо, и она была частью цикла художника под названием «Тридцать шесть видов горы Фудзи».

Картины Хокусая

Хокусай (31 октября 1760 г. — 10 мая 1849 г.) был японским художником, жившим в период позднего Эдо в Японии.

Его самой известной картиной была картина «Японская волна», входящая в большую коллекцию «Тридцать шесть видов горы Фудзи», за которую он получил большую известность.

В дополнение к этому, есть множество других картин Хокусая, которые он создал, например следующие:

• Прекрасный ветер, ясное утро,
• Водопад Кирифури на горе Куроками в Шимоцуке
• Кукушка и азалии
• Призрак Оива
• Куртизанка спит
• Натюрморт
• Река Йодо
• Мост Тенма в провинции Сэцу

Японская горная живопись — эти картины стали довольно популярными в Японии с древних времен.