Современные картины для интерьера: стиль и акценты 

Современные картины в интерьере квартиры можно увидеть практически в каждом жилище, не зависимо от предпочтений и уровня достатка его обитателей. Все потому, что стильный декор невозможно себе представить без этого элемента оформления.

Это могут быть стильные работы в пастельных тонах, которые практически ничем не выделяются на общем фоне, и тем не менее – придают комнате изысканную изюминку. А могут быть яркие креативные произведения, способные сделать даже стены офиса, оформленного в холодных тонах, стильными и интересными.

Современное искусство предполагает огромное множество направлений, решений и оформлений, значит – выбрать есть из чего. Это относится к любой комнате в квартире, от гостиной до прихожей. Картины можно и нужно приобретать для оформления жилых помещений. К этому обязывают и современные тенденции. На сегодня ни один модный

интерьер не обходится без картины, дополняющей общее настроение помещения.

Что выбрать: классику или креатив

Художественные произведения можно купить буквально где угодно, на ярмарках, рынках, выставках, в интернете, либо заказать работу непосредственно у художника. Выбирайте картины в сочных тонах для кухни, или черно белые шедевры для прихожей, гостиной или офиса. От великолепных  предложений буквально разбегаются глаза, но далеко не всегда удается купить именно тот вариант, который будет идеально вписываться в интерьер, а значит – понравится его обитателям.

Прежде всего, придется определиться со стилем работы. Это может быть:

• классика;
• современные направления;
• фото.

Если вы хотите приобрести не только красивую, но и модную картину для кухни или спальни, выбирайте классику. Главное в выборе следует ориентироваться на общий декор помещения.

Креативные полотна – это не всегда яркие цвета и непривычные формы.

Поэтому, если в комнате достаточно элегантных вещей, а общее оформление не предполагает никаких неожиданных решений, то классический пейзаж или натюрморт – именно то, что вам нужно. Часто такие решения используются для офиса. Если цвета мягкие – то и для спальни.

Модернизм, абстракционизм, поп-арт или хай-тек в изображениях подойдут для стильных помещений, оформленных в подобных направлениях. В данном случае основной задачей является выбор цветовой гаммы и характера декора. Такие произведения могут отлично смотреться как на кухне, так и в спальне. Главное – выбрать оптимальное сочетание с общим фоном помещения. А в целом, такие живописные полотна или постеры могут сделать комнату более интересной.

Еще один плюс современного стиля заключается в том, что на такую картину можно смотреть часами, что очень полезно для психики. Но с мотивами, где присутствуют четкие черно белые цвета, нужно быть аккуратней.

Стены комнаты могут украшать и современные фото, которые по своему исполнению будут соперничать с картинами лучших художников. Технологический прогресс позволяет сделать из фотографии буквально все, что угодно, и таких работ достаточно много на рынке картин. Модными и креативными решениями являются черно белые фото, которые отлично могут смотреться в спальне, гостиной, кухне или прихожей. Они же применяются и для оформления офиса. Купить такие картины на холсте здесь.

Какую картину выбрать для спальни

Есть несколько правил, которые обязательно нужно использовать при выборе произведений для декора спальни:

• никогда не нужно выбирать картины, на которых изображен шторм или ураган, они подсознательно навевают чувство тревоги, для спальни это – проигрышный вариант. Как результат – невозможность уснуть после созерцания такой картины, их же нельзя вешать и над кроватью;
• нужно аккуратно выбирать яркие картины в современном стиле. Далеко не все неоновые оттенки будут успокаивать психику перед сном. Черно белые цвета тоже не всегда стимулируют хорошее настроение.

Идеальные варианты для декора спальни – это цветочные мотивы, спокойные пейзажи в легких, дымчатых оттенках. Для детской спальни предпочтительнее выбрать мотивы с милыми персонажами, спящими, или готовящимися ко сну.

Нужно помнить о том, что все спальни предназначены для отдыха. И как бы ни хотелось привнести в комнаты креативные и яркие нотки, делать это следует с особой осторожностью.

Декор для гостиной

Для декора гостиной существует гораздо больше вариантов. Все будет зависеть от того, в каком стиле гостиная оформлена. Если это минимализм, то подойдет черно-белое стильные фото в металлической раме. Если же в гостиной преобладает классика, стоит отдать предпочтение стилю

модерн, который является универсальным практически для любого случая.

И не нужно бояться выбирать для гостиной большие картины. Их можно размещать между отделениями мебельного гарнитура, над журнальным столиком, телевизором или на свободной стене. В последнем случае огромная картина сможет полностью заполнить ощущение пустоты в гостиной, если помещение большое, а мебели в нем немного.

Если в гостиной преобладает классическое направление, стоит отдать предпочтение стилю модерн, который является универсальным практически для любого случая.

Декор стен в прихожей и кухне

Для кухни купить подходящую картину проще всего. Беспроигрышный вариант – это «съедобные» мотивы. Классический натюрморт с изображением фруктов и овощей, фото еды в любом виде, в том числе – черно-белые фото старинной посуды, что сегодня очень модно. Особо сильно преуспели в натюрмортах мастера фламандской школы семнадцатого века, повесив такой натюрморт в кухне можно сразу прослыть ценителем изобразительного искусства.

На кухне можно использовать любые цвета и оттенки. Тем более, что обычно кухня оформляется не очень ярко. А значит, картины совсем не будут лишним в сдержанном интерьере. Для кухни лучше выбирать много маленьких картин, выполненных в одном стиле и цветовой гамме.

Что касается прихожей, то в этой части квартиры не нужно увлекаться яркими цветами. Если они и будут использованы в произведении, то их не должно быть много. Не следует выбирать и картины со сложными мотивами, в прихожей никто не остается надолго. Идеальным вариантом станет, опять же, черно-белое фото средних размеров.

Лучше выбирать для прихожей горизонтальные картины, они визуально расширяют пространство.

Это могут быть фото городских пейзажей в урбанистическом стиле и сдержанных тонах. В прихожей отлично будет смотреться вариант с подсветкой фото. Это одновременно внесет дополнительное освещение комнату.

Модные варианты для офиса

Стены офиса принято украшать картинами в сдержанном стиле. Чаще всего для офиса подходят стильные пейзажи современных городов, морские мотивы, но обязательно – это должно быть спокойное море, либо – поля и степи. Популярные сюжеты для офиса изображения гор, желательно – заснеженных.

Офис — одно из немногих помещений, где уместно применение мотивов с большим количеством черных оттенков.

Конечно, современный офис трудно себе представить без картины в стиле поп-арт или хай-тек с их сдержанностью и одновременной насыщенностью. Когда нужно, такие произведения могут притягивать взгляд и успокаивать, хотя в интерьере смотрятся достаточно ненавязчиво.

Модное оформление постеров

Достаточно популярными стали картины, разбитые на две части и более. Они могут иметь разные размеры и формы, либо – все части одинаковые. Главное, что они выполнены в одном стиле и цветовой гамме. Такое решение смотрится одновременно необычно и элегантно. Выигрышно, что картины, разделенные на секции, будут выглядеть одинаково элегантно как в просторных, так и в маленьких помещениях. Таким образом, в небольшой комнате можно поместить большое произведение, и оно не будет неуместным из-за внушительных размеров.

Картины, разделенные на секции, будут выглядеть одинаково элегантно как в просторных, так и в маленьких помещениях.

Популярны также картины, выполненные из различных материалов, таких как камни, кружева, перья, метал, песок и прочее, смотрятся они одновременно завораживающе и очень стильно, их деталировку хочется рассматривать. Особенно, если правильно сочетать интересные фактуры на картине с теми, что можно увидеть в других элементах декора.

Видеогалерея

Фотогалерея

Самые лучшие посты

Модульные картины в интерьере (80 фото): красивые идеи декора стен

Хотя модульные картины появились не так давно, они завоевали огромную популярность в оформлении современных интерьеров. Обуславливается это колоссальными возможностями, которые изображения дарят для декорирования комнаты, при этом не требуя от вас значимых затрат или усилий. Серия сегментов, которые сливаются в одну прекрасную композицию, смотрится динамично и живо.

Особенности модульных картин

Модульные картины представляют собой несколько фрагментов единой композиции без обрамлений. Варьируя расположение отдельных модулей и расстояние между ними, можно получить иллюзию динамичности и глубины. Собственно, именно поэтому такой декоративный ход захватывает внимание и вызывает интерес.

Строгих представлений о том, как правильно создавать модульные изображения, нет. Ориентируйтесь на свои пожелания и особенности интерьера, экспериментируйте. Располагать части картины вы можете в любом порядке: по горизонтали, вертикали либо сформируйте квадрат или диагональ. Более того, строгую структуру тоже можно нарушить – превратите творческий процесс в игру, собирайте пазлы, как хотите, важно только, чтоб творение органично вплелось в общее оформление пространства.

Что касается размеров, то здесь также предоставляется свобода выбора, но, чтобы максимально гармонично вписать модули в габариты помещения, рекомендуем вам воспользоваться следующим методом. Купите или найдите дома, у знакомых газеты с разными форматами. Аккуратно закрепите разные варианты на стене и выберете тот, который покажется вам наиболее подходящим. Отойдите подальше, посмотрите, насколько соизмеримы остальные предметы в комнате с отдельными газетами. Сделав окончательный выбор, заказывайте картину соответствующих размеров.

Таким образом, то, как будут выглядеть картины, решать только вам. Как разобраться с отдельными нюансами, касающихся разновидностей этих изображений, размещения в конкретных комнатах, а также с тем, как сделать произведение самостоятельно – читайте далее.

Виды модульных картин для интерьера

Наиболее распространенным параметром, который разделяет модульные картины на виды, является количество элементов, из которых состоит полотно. Таким образом, можно выделить следующие виды модульных картин:

1. Полиптих – состоит из 5 и больше сегментов;
2. Пенаптих – сегменты этого вида состоят из 4 частей, которые расположены в свободном порядке;
3. Триптих – самый классический вариант: композиция, состоящая из 3 сегментов;
4. Диптих – вид модульных картин, которые могут быть расположены даже в самой маленькой комнате, ведь они состоят всего из 2 элементов.

Чтобы модульная картина органично вплелась в готовый интерьер, необходимо придерживаться стиля, выдерживать композицию и обеспечить сегменты правильной подсветкой. Постарайтесь, чтобы сюжет гармонировал с общим стилем комнаты – это позволит полностью раскрыть потенциал этого аксессуара и подчеркнуть его шарм.

Для спальни подбирайте спокойные и размеренные пейзажи, цветочные композиции с постельными оттенками, а также изображения различных растений в мягкой технике.

Бытовые сюжеты или нежные цветы на картинах создадут уютную и домашнюю атмосферу на кухне. В детскую комнату выбирайте знакомые и приятные мотивы для ребенка. Это могут быть милые зверушки или сюжеты из мультиков и сказок.

Также важно правильно подобрать расположение модульных картин, именно от него зависит львиная доля их восприятия. Для таких комнат, как гостиные, классическим вариантом принято считать высоту примерно в 150 см, а вот столовая, кухня или кабинет должна быть украшена модульными картинами на высоте не более 1 м.

Выбрав вертикальное и горизонтальное расположение сегментов модульной картины, вы сможете визуально скорректировать геометрию комнаты: первый вариант – сделает комнату выше, а второй – расширит комнату в длину.

Декораторы рекомендуют располагать модульные картины по ширине вашей мебели, это позволит максимально гармонично вписать их в вашу комнату. Применяя подобный прием, вы сможете сделать картины неотъемлемой частью всего оформления комнаты. Добавив акцентированное или фоновое освещение для сегментов картины, вы сделаете их отличным украшением для помещения. В основном, такой прием используют для больших картин, которые состоят из больших сегментов.

Модульные картины в интерьере разных комнат

Главное условие для любого элемента декора состоит в соответствии тематики и цветового решения общей концепции оформления. Для каждой комнаты существуют собственные правила «игры». Давайте разбираться!

Модульная картина в гостиной

В зале такой декоративный элемент может играть роль акцента для функциональной зоны. Обозначьте рисунком диван, если он находится в центре композиции помещения, либо пространство над уютным камином – так вы вызовете к нему дополнительный интерес.

Расположите модули на самом камине, полке или консольном столике – вместе с другими украшениями вы получите интересный и оригинальный декор.

Модульная картина в спальне

Спокойная палитра, ненавязчивые сюжеты – это именно то, что нужно для оформления спальни. Закажите триптихи с неброской абстракцией или изображением пляжа, отталкиваясь от цветовой гаммы комнаты.

Старайтесь повторять тона помещения либо создайте лаконичный контраст. Скажем, спокойное оформление в бежевом цвете оттените качественными фото с изображением грубых камней, неспокойным морем под затянутым тучами небом в темных, глубоких тонах. Небольшой намек на шторм добавит скучноватой спальне динамичности.

Если цвета комнаты повторяют оттенки пляжа, смело вешайте над изголовьем кровати пейзаж с аналогичными тонами. Лучше использовать фильтры для фото, чтобы подобрать максимально подходящие цвета.

Располагайте блоки изображения на том месте, куда поступает свет. Не размещайте их на стене с окном.

Модульная картина на кухне

Основная функция картины в столовой или на кухне – привнести в пространство, наполненное техникой, атмосферу расслабленности и сделать его более интересным. Отобразите кулинарную тематику – остановитесь на изображениях с сочными ягодами, роскошными сырами, свежевыпеченным хлебом, фруктами либо коктейлями в случае с современным ярким интерьером для молодых людей. Любители кофе могут предпочесть качественные фото с этим ароматным напитком.

С другой стороны, кухню можно дополнить пейзажами с цветущими деревьями, желтыми полями, тихим морем или видами на красивый город.

Модульная картина в детской комнате

Тематика картин будет напрямую зависеть от возраста вашего чада. Над кроваткой для малыша можно повесить несложные абстрактные рисунки либо текстурные изображения. Для деток дошкольного возраста и учеников младших классов можно придумать картину с героями и сюжетами любимых фильмов, мультиков или сказок. Помещение для девочки дополнят картинки с красивыми и нежными цветами.

Подростки наверняка сами захотят придумать, что именно они хотят видеть у себя в комнате. Не давите на них и предоставьте полную свободу выбора.

Модульная картина в прихожей

В коридоре повесьте незамысловатые абстракции, повторяющие цвет или даже фактуру других поверхностей. Они не должны обращать на себя много внимания, так как здесь и члены семьи, и гости не проводят много времени. Для современного интерьера подберите четкие графические узоры, дублируйте структуру дерева, которое присутствует в помещении, либо бетона, но в последнем случае, чтобы избежать блеклости, используйте дополнительные яркие и активные цвета.

Модульные картины своими руками

Если вы умеете рисовать, то создать прекрасные модульные картины, например, в стиле арт-модерн для вас не проблема. Это станет неповторимым и прекрасным украшением для вашего интерьера. Но если же вы относитесь к тем, кто далек от искусства, но желаете создать картины для себя или в качестве подарка, то для вас есть ряд простых и интересных решений.

Вы можете распечатать интересные рисунки на обычной или фотобумаге, затем наклеить их на пенопласт или вставить в рамки. Все трудности, с которыми вы можете столкнуться, заключаются лишь в корректной распечатке сегментов модульной картины. Поэтому, если вы хотите «уголок» искусства в своем доме, подобное решение позволит вам получить его без особых усилий и затрат.

Разделить целое изображение на сегменты можно с помощью любого графического редактора самостоятельно либо за небольшую плату в ближайшем фотосалоне. Это самый простой и доступный вариант, но, исходя из ваших желаний и финансов, вы можете использовать и другие варианты — фотообои с интересным рисунком или ткань с красивым и ярким принтом.

После выбора основы вам нужно решить, какую рамку подобрать для нее. Можно приобрести готовый холст либо сделать его своими руками. Еще один довольно интересный и доступный вариант – это ДВП. Для его применения достаточно вырезать куски необходимого размера, затем обработать края и перейти к размещению рисунка.

Перед подготовкой рисунка убедитесь, что вы точно отмерили все нужные размеры, иначе картина не будет смотреться единым целым элементов.

Модульные картины — фото

Еще больше идей использования модульных картин в интерьере вы найдете в нашей подборке фотографий. Разнообразные воплощенные дизайн-проекты подарят вдохновение и помогут найти решение именно для вашего жилища. Приятного просмотра!

Видео: Модульные картины — Красивые идеи

Картины в интерьере. Как правильно подобрать картину по стилю, цвету, сюжету к интерьеру.

Картинами люди издавна украшали свой дом. В наше время красиво украсить стены стало более доступно, чем сто лет назад, когда для оформления комнат использовались дорогостоящие картины и гобелены. Благодаря новым технологиям печати на бумаге, ткани и стекле можно получить картины разные по качеству и исполнению. Большие каталоги художественных фотографий и картин предоставляют неограниченный выбор по сюжету и стилю. Поэтому возникает вопрос:

Для того, чтобы правильно подобрать для интерьера картину, необходимо обладать элементарными знаниями в области дизайна и иметь чувство стиля. Картина способна вызвать сильные эмоции, создать особую атмосферу в помещении, рассказать многое о характере человека, ее выбравшего. Картина — это мощный инструмент, который используется для того, чтобы создать пространство, в котором человеку будет комфортно и свободно, уютно и интересно.

Картина и интерьереСочетание по стилю и цвету

Первое, о чем всегда следует помнить — это вопрос сочетаемости. Причем, сочетаемость должна быть не только по стилю, но и по цвету. Допускается возможность, когда картина может не сочетаться по цвету. Но она должна быть обязательно в одном стиле с интерьером.

ПримерыКартины из нашего каталога

Для классических и роскошных интерьеров выбирают реалистичные полотна в больших рамах, а современный стиль не любит ограничений и дает возможность совмещать все возможные направления.

В квартире, оформленной в классическом ключе, картины лучше симметрично вешать на стену — тогда они будут продолжать гармонию и цельность классического дизайна. Современный декор дает свободу фантазии: картины на стене можно развесить хаотично, смиксовав большие изображения с маленькими, или сделать коллаж из четырех одинакового размера полотен.

Для интерьера без явно выраженной тематической или стилевой составляющей картину можно подбирать, ориентируясь только на цвет.

Возможные варианты сочетания картины и интерьера по цвету:

• Картина-гармония рифмуется с интерьером, полностью соответствует его палитре, как будто, растворяется в нем. В ней нет цветов, отсутствующих в интерьере.
• Картина-нюанс соответствует палитре интерьера, но в ней присутствует один или два дополнительных цвета.
• Картина-акцент может быть очень яркой, выделяться на фоне интерьера, доминировать над всеми остальными элементами декора. Картины может быть поддержана другими элементами интерьера или являться единичным акцентом во всем помещении.

Картины для комнаты отдыха

Грациозно разрезающий волны парусник на фоне бескрайних морских просторов, белых облаков и голубого неба вызывает покой и умиротворение, навевает мечты о путешествиях и дальних странах. Подобная картина наполнит помещение свежестью и прохладой — это хороший вариант для комнаты отдыха. Подборка из кораблей и лодок в нашем каталоге «Корабли и лодки». Работы художников мореинистов найдете в разделе каталога «Морской пейзаж».

Подойдут любые сюжеты, которые будут ассоциироваться с отдыхом. В каталоге «Моря и пляжи» Вы обязательно сможете что-нибудь подобрать, что будет напоминать об замечательных днях, проведенных на море, на горячем песке, в холодных волнах, в тени пальм.

Природа — это место, где мы отдыхаем не только телом, но и душой. Тишина, успокаивающий шелест листвы на деревьях от дуновения ветерка. Пение птиц. Запахи смолы и хвои, мокрого мха и листвы. Картины из каталога «Пейзаж» и «Природа» будут напоминать об этих ощущениях.

ПримерыКартины из нашего каталога

Картины для гостиной

Для оформления стен в гостиной подходящими будут пейзажи: цветущие луга, лесные просторы, уютные дворики, сценки из городской и деревенской жизни, натюрморты с цветами. Картины в ярких тонах придадут живость и бодрое настроение.

ПримерыКартины из нашего каталога

Картины для спальни

В спальне хорошо воспринимаются цветочные мотивы и живописные виды близ воды (реки, озера, пристань, морское побережье, набережная). Закаты, спящий город ранним утром, ночной город. Сюжеты про романтические и нежные отношения на картинах станут зеркалом ваших отношений в жизни.

ПримерыКартины из нашего каталога

Картины для кухни

На кухне будут хорошо смотреться картины кулинарной тематики. Так для кухни в стиле прованс можно подобрать картины в стиле ретро-рекламы французской пекарни, а для классического интерьера подойдут картины натюрморты старых мастеров. Для современных стилей подойдут художественный фото-композиции из продуктов питания (ягоды, фрукты, овощи, изделия выпечки и т.д.). Винные, кофейные тематики тоже будут кстати.

Наиболее часто заказываютЛидеры продаж

Три картины в одном стиле как называется — современная живопись в интерьере

Картины из нескольких частей на стену: фото

Современная живопись в интерьере

Константин Евменёв

Современная живопись в интерьере. Повторил эту фразу дважды. Форенгейт. Я люблю этот запах. Хотя, — о чём это я. Запах. Да. Запах. Туалетная вода или одеколон.  Христиан Диор. Я побрызгал пару раз на свои ладони. Я сел писать книгу. Так случается . Форенгейт. Это кстати ещё и немецкий учёный. Габриэль Фарингейт. Минус 32 градуса. Тут важно, очень важно, сразу войти в контекст многослойности пространства смыслов. Одеколон и шкала измерения, имя человека, всё сразу. Но на поверхности просто запах. Приятный парфюмерный сюжет.  Современная живопись в интерьере. И тут многослойность на первом месте. Для того что бы сделать смысл в красках, надо раскрывать многослойность смысла. Раскрывать скобки. Делать бесконечные пояснения. Умышленно уходить от темы. Уходить от точного результата. Никто не знает, по какой шкале измеряется картина.

Выбираем картины для интерьера: 50+ идей размещения постеров, диптихов и репродукций

На поверхности только цвет. И всё же скобки. Я очень люблю Дж. Д. Сэлинджера. Семейство Глассов. Симор, Бадди, Зуи, Фрэнни. Те двое, что погибли на войне. И вот самый нудный, и самый живучий, и самый не герой – это Бадди. Он всё время находится  в мучительной рефлексии относительно своего мировосприятия. И вот скобки – это его тема. Всё время скобки и скобки. То ли он упаковывает смысл, то ли он его распаковывает. И это уже не имеет значение. Сама скобка, как знак написания текста становится главнее буквы.  Это как он говорит «Целый Букет из Скобок». Столько всего происходит в мире в один момент, что нет силы, усмотреть изменения. Есть всегда текущий сюжет. От скобки до скобки. Есть только пояснение смысла. В этом весь смысл. В такой вот всеобъемлющей бессмысленности. И всё же пояснения смысла указывают на наличие смысла. Нет возможности пояснять бессмысленное. Я видел, в каком-то документальном фильме, как Советские учёные, в институте головного мозга, нарезали серое вещество как колбасу в гастрономе. Они аккуратно перекладывали эти пластины мозга и складывали их в хранилище, ((в холодильник). Вот они и скобки, (кстати, скобки теперь обозначают улыбку, (смайлик)). Там так получалось, что казалось учёные как продавцы в белых халатах, вот-вот спросят, вам тонко нарезать или потолще? В институте мозга учёные порезали мозг очень тонко. На самые изящные моменты смысла поделили сознание. Эти слои мозга, они как скобки в повествовании Бадди. И вот она многослойность реальности. Это факт. Наглядно. Убедительно. Но вопрос в том, что вот эти самые бесконечные пояснения, —  они отсекают лишнее, или просто нарезают наш мозг как колбасу в гастрономе. Вспоминаю ещё одного мастера пояснений. Саша Соколов. Он настолько точен в раскрытии  дополнений, что до истерики доводит его точность. Это точно. Но истерика – это как плохо реализованное либидо, через стресс оставляет желание жить  без мечты о скорой смерти. Да здравствует истерика. От горла до самого неба скобки пояснений. Занудство ума. И только облака в небе – без скобок. Всегда текут. Всегда говорят только то, что думают. Но очень быстро. Как же трудно уловить язык природы через глаза. А это и есть живопись. Язык глаз. В целом, химера, чудище!  Представьте глаза, у которых есть язык. Это как? Далее идут пояснения от Бадди. И это верно. Как бы ни крутились враги американской культуры, но она есть, и она оказывает огромное влияние на современное мировоззрение. Я бы не  очень хотел, что бы девушка, которую я угощаю пивом, смотрела на других ребят, причём с интересом и любопытством, и, даже с надеждой. Это облако текущего времени. Это язык глаз. Я же ловлю взгляд. Я читаю взгляд. Всё что я прочитал во взгляде, я могу сказать или нет? Может надо что-то нарисовать. Изобразить. Современная живопись в интерьере. Что вообще… Стоп!  Что-то там прорвалось на поверхность. Облака всё время меняются. Улетают. Формы и цвет над горными вершинами, под светом луны, под мерцанием звёзд. Или под попкой любимой девушки, или под грудью любимой девушки. Можно поцеловать. Можно на вкус попробовать. В интерьере, в теле, в душе, в воздухе. Вкус, вкус. (Повторил два раза).
К слову, об американской культуре. Лично на меня эстетика хиппи повлияла больше французская культура или Баухаус немцев. Хиппи, это бодрые дети цветов или цветные дети. Неважно. Я чётко понял, на их примере, важность основы для контекста. Как теперь говорят топологию смысла. Основа для контекста рождена фразой: – «Кто хиппует – тот поймёт». Это вот всё о современном искусстве. О живописи вряд ли, но об искусстве  — точно. История такая. Лето. Каникулы. Подмосковная дача. Озеро. Большое озеро. Много людей. Греются на солнце. Купаются. Наша компания из четырёх человек решила хипповать.  Мы взяли свои кеды. Поставили их около самой воды. Близко-близко от слабой волны безветрия. Сами мы уселись не на песок, а именно в воду.  Причём смотрели мы не вдаль-далёкую, а именно, на кеды свои смотрели. Спокойно и невозмутимо. С таким видом, что для нас это самое простое и ежедневное занятие. И вот мы сидим, на кеды смотрим и молчим. Вода тёплая. Солнце в спину светит. Люди идут мимо. Удивлённо смотрят. А мы хиппуем. А, как известно, что только тот, кто хиппует – тот и поймёт. Что мы могли тогда знать  про далёкую и запретную Америку. Тогда, сидя попой в озере. Ничего. Но хипповали.

© Copyright: Константин Евменёв, 2017
Свидетельство о публикации №217052500108

Список читателей / Версия для печати / Разместить анонс / Заявить о нарушении

Другие произведения автора Константин Евменёв

Рецензии

Написать рецензию

Лично на меня эстетика хиппи повлияла больше ….. французская культура

ЧЕМ?

Альберт Горошко   25.05.2017 16:36   •   Заявить о нарушении

+ добавить замечания

Написать рецензию     Написать личное сообщение     Другие произведения автора Константин Евменёв

Живопись остается популярной, несмотря на множество других способов украсить интерьер, и это вполне объяснимо.

Картина, особенно если это не копия или репродукция, а оригинал работы художника, придает помещению особую атмосферу, чего трудно достичь с помощью других выразительных средств.

Кроме того живописное полотно делает интерьер более «дорогим», статусным. Правда, только в том случае, если подобрано грамотно и со вкусом. К счастью, чтобы выбрать в интерьер подходящую картину, не обязательно быть экспертом, нужно лишь знать несколько особенностей сочетаний живописных стилей со стилями интерьерными.

Живопись в классическом интерьере

Если интерьер строго выдержан в классическом стиле, то и картина должна быть написана в классическом стиле.

Модульные картины в интерьере гостиной над диваном (фото)

Это могут быть пейзаж, натюрморт или портрет, но обязательно реалистичные. Для картины маслом необходима изысканная рама, для акварели и графики можно подобрать паспарту.

Если интерьер имеет классические черты, но не строго выдержан, а близок к современному, то и на картине может быть изображено что-либо современное – панорама ночного города, например, или бытовая сценка.

Однако желательно все же украшать классический интерьер не абстракцией, а реалистичными изображениями. Абстракции в классическом интерьере, это уже эклектика – выглядящая зачастую интересно и стильно, но, как факт, уже не классика.

Живопись в интерьере стиля модерн

Источником вдохновения для архитекторов, дизайнеров, художников стиля модерн служила и служит живая природа.

Интерьеры модерн часто можно встретить в дорогих отелях, бутиках и, конечноже, в домах и квартирах ценителей искусства, так как это изысканный и утонченный стиль.

Формы изгибающихся веток, стеблей и лепестков, раковин, волн находят отображение как в предметах интерьера и орнаментах на обоях и текстиле, так и в живописи. Картины с изображением цветов и волн, изобилующие причудливыми линиями портреты и пейзажи подойдут в интерьер модерн замечательно.

Если есть желание украсить интерьер копиями известных картин или современными работами в стиле великих мастеров, то полезно знать, что яркими представителями стиля модерн в живописи были Климт, Врубель и Альфонс Муха.

Может показаться странным, но, в интерьер  стиля модерн гармонично вписывается японская и китайская живопись. На самом деле ничего странного нет, ведь и для восточного искусства, и для модерна характерно подчеркивание красоты природных форм, что роднит эти стили и делает их хорошо сочетаемыми.

Картины в интерьере стиля кантри

Уютный, «домашний», стиль кантри подразумевает, что и картины, украшающие интерьер, будут помогать вызывать ощущение домашнего уюта. Следовательно, лучше всего сюда подойдут натюрморты, яркие пейзажи, портреты, изображения животных.

С картинами, на которых изображены сценки сельской жизни, стоит быть осторожными, чтобы очаровательный «деревенский» стиль не превратился в пародию на самого себя

.Отлично смотрится в кантри-интерьере любая этника. Живописные полотна лучше всего оформить простыми рамами.

Картины в современных интерьерах

Именно в современных интерьерах, таких как лофт, хай-тек, минимализм, лучше всего смотрится абстрактное искусство.

Так как для всех этих стилей характерно подчеркивание ощущения простора и минимум деталей, картины с минимальной детализацией, но выполненные в ярких тонах, нередко становятся эффектными акцентами и вносят в интерьер динамику.

У хорошей абстрактной живописи есть интересная особенность: у каждого зрителя, и даже у одного и того же человека в разное время и в разном настроении, картина может вызывать различные ассоциации, поэтому интерьер с ней воспринимается «живым», изменчивым и долго не надоедает.

Правда, иногда в современном интерьере особенно хорошо смотрится именно классическая живопись. Лаконичные, безупречные с точки зрения дизайна помещения,оформленные в актуальных сейчас стилях, частооказываются немного безликими, иименно картина с реалистичным изображением может оказаться в них яркой нотой, придающей индивидуальность, уют и шарм.

В заключение

Что касается остальных стилей, то беспроигрышным вариантом будет картина, созданная в стилистике того времени, для которого характерен выбранный стиль.

Если речь идет об этнических стилях,то лучшим выбором будет живопись, характерная для выбранного региона.

Также желательно, чтобы один из цветов, присутствующих на картине, перекликался с одним из цветов в интерьере.

В остальном следует руководствоваться здравым смыслом и собственным вкусом.

Источник

Картины для интерьера

Большинство дизайнеров полагают, что даже самый продуманный и изысканный интерьер будет выглядеть незавершенным и блеклым, если в нем не будут присутствовать такие элементы декора, как картина, художественный постер или эстамп.

Выбираем красивые и стильные картины для гостиной

Картины для интерьера – будь то затейливый поп-арт плакат либо репродукция великих картин, привносят в обстановку дома оригинальность и уют, рассказывают о вкусе и предпочтениях хозяев дома.

Сегодня свою квартиру каждому хочется украсить чем-то неповторимым, уникальным, «авторским». Однако при этом каждая подобранная картина для интерьера способна наподобие лакмусовой бумажки выявить наличие (либо отсутствие) у хозяев квартиры вкуса, степень их художественной искушенности. Дело тут совсем не в наших субъективных эстетических пристрастиях, а в том, что приобретенное художественное произведение надо к тому же органично вписать в общий интерьер, а это порой бывает весьма непросто.

Создание уюта благодаря картинам

Картины для интерьера, безусловно, придают обстановке особый уют. С этим мнением согласно подавляющее большинство дизайнеров по интерьерам. Вовсе не обязательно, чтоб в квартире находились дорогостоящие подлинники. Если рассматривать с точки зрения дизайна, то не менее привлекательными являются также:

• различные плакаты,

• репродукции,

• эстампы – копии известных картин либо же постеры — фотографии,

• оригинальные принты, на которых изображены красивые городское ландшафты,

• пейзажи,

• необычные предметы.

Однако, вне зависимости от того, недорогой ли это плакат либо ценная семейная реликвия, они должны быть помещены на том участке интерьера, где они будут гармонично и выигрышно смотреться.

Например, классическая живопись отлично смотрится в классическом же интерьере с:

• шелковыми обоями,

• камином,

• массивной деревянной мебелью,

• позолотой,

• хрусталем.

Античные и библейские сюжеты привносят в интерьер элемент преемственности традиций и роскоши. Жанровые сцены на картинах для интерьера способны намекнуть на сферу увлечений владельца квартиры либо подчеркнуть род его занятий. Парадные портреты домочадцев придают семье ощущение собственной значительности. Пейзажи же напоминают об излюбленных уголках природы, переносят зрителя из обыденности в сферу иллюзий.

Картины уместны для любого вида интерьера

Если вы являетесь поклонником современных стилей, вам доступно не меньше вариантов. Минималистский интерьер хорошо дополнят яркие авангардные картины. Полотна импрессионистов, а также легкие акварели с изображенным на них растительным рисунком отлично украсят интерьер квартиры в стиле модерн. Такого рода работы хороши не только в качестве отдельного произведения искусства, а и в качестве цветового пятна, придающего помещению особый колорит.

Некоторые особо ценные произведения способны сами «диктовать» подходящую им обстановку. Возможно, попав под их очарование, вы захотите поменять интерьер. Так либо иначе, расходов на достойную раму (багет) не избежать. Рама непременно должна соответствовать колориту, размеру картины, а также общему стилю комнаты.

Полотна, которые созданы маслом, под стекло не помещают. Для старинных картин подходят резные позолоченные рамы, а для современных произведений – гладкие цветные. Желательно, чтоб графика и акварель была помещена на цветовые поля (паспарту). Тон паспарту обязательно должен гармонировать с рамой и колоритом картины. Графический лист также можно вставить между двумя стеклами, после чего скрепить зажимами.

При выборе картины важно четко представлять, в каком помещении дома она будет расположена. К примеру, в спальне оптимальным вариантом является изображение цветов, пейзажи, портреты, выполненные акварелью либо пастелью. В гостиной лучше располагать большие яркие полотна, которые поднимают настроение. В столовой логичны различные натюрморты, в кабинете и прихожей – графические работы, принты с городским пейзажем.

Вопрос: Я уже устал выслушивать от своих знакомых и друзей, что интерьер в моем помещении словно застрял в девяностых, хотя ремонт я дела недавно. Подскажите, есть ли в вашем магазине модные картины для интерьера, способные полностью изменить внешний вид помещения?

Ответ: Интересно для начала разобраться в вашем вопросе, что такое модные картины для интерьера по вашему мнению. Ведь картина – это не одежда. Мода, на которую меняется каждый год. Те вещи, что сегодня модные, через пару лет уже никому не будут интересны, но пройдет каких — то пять лет и вещь будет вновь в тренде. Однако подобная ситуация, совершенно не наблюдается среди картин. У картин нет понятия модная картина. Понятия, сочетаемые с картинами это глубина цвета, фактура, итд. Картина просто не бывает модной, или не модной. Также как, как красивой, или не красивой. Картина маслом – это такой элемент искусства, который у одних вызывает чувство прекрасного трепета, а других ровное, пассивное отношение. Однако есть одна тенденция наблюдаемая, как среди картин, так и среди одежды — это разница в цене совершенно похожих работ.

Интерьер гостиной с модульными картинами над диваном фото

Исходя из этого, практически одна и таже картина, может стоить совершенно разную сумму. Это не значит, что картина лучше или хуже. Это значит, что ее писал знаменитый художник и в стоимость этой картины вложены не только его талант и умения, но и степень его популярности среди населения.

Конечно в нашем интернет магазине вы не найдете картин знаменитых художников, но вы несомненно сможете подобрать хорошую картину, которая в корне придаст вашему интерьеру совершенно новы вид. Ведь правильно подобранная картина, иногда может преобразить так помещение, что выглядеть оно будет, как после хорошего ремонта сделанного профессионалами.

Винтерьерhttps://www.vinterier.ru/statiipodark.html

Модные картины для интерьера.

Статья/Мир искусства

У картин нет понятия модная картина. Понятия, сочетаемые с картинами это глубина цвета, фактура, итд. Картина просто не бывает модной, или не модной. Также как, как красивой, или не красивой.Понравилась статья? Поделитесь с друзьями!

Много картин на одной стене: интересные идеи

Если раньше декор интерьера ограничивался одной большой картиной, то сегодня ее место занимают много картин на одной стене. Как их красиво повесить и организовать в единую экспозицию, расскажет ШиДесижн.

1. Выберите один главный цвет, который будет встречаться на каждой картине. Например, красный, как на фото ниже: картина может быть полностью красная или лишь с небольшими акцентами этого цвета, однако в любом случае экспозиция будет смотреться органично и законченно. На фото постеры для интерьера вставлены в деревянные рамки.

2. Легче всего развесить много картин на одной стене, если это — постеры с мотивирующими надписями. Она быстро и успешно объединяются в коллаж и отлично смотрятся над рабочим местом в дизайне небольшой гостиной.

3. Следуйте правилу треугольника — на каждом следующем ряду картин должно быть меньше, чем на нижнем уровне. На фото картины в интерьере в шведском стиле.

4. Для интерьера в стиле лофт или просторного дизайна гостиной столовой порой достаточно даже не вешать картины, а поставить их на полу вдоль стен, ждущими своего часа.

5. Делайте ставку на рамки: они должны быть выполнены в одном цветовом спектре и сочетаться друг с другом, тогда и картины на стенах будут смотреться максимально естественно. Натуралистические картины с растениями и животными подойдут для подростковой комнаты для мальчика-исследователя.

6. Играйте на контрастах: черно-белый интерьер гостиной станет еще круче, если на черные стены повесить белые картины в серебристых рамках.

7. Хотите получить легкий светлый интерьер без лишних акцентов? Повесьте на стену постеры и откажитесь от утяжеляющих рамок.

8. Множество фотографий в маленьких рамках занимают всю стену, но освобождают место на ваших полках. На противоположной стены висят маленькие зеркала — еще одна модная тенденция, о которой мы вам уже рассказывали.

9. Дизайн длинного и узкого коридора можно также дополнить целой картинной галереей небольших фотокарточек и открыток. Очень стильно и уютно!

Использование модульных картин в интерьерном дизайне

Фото: overstock.com

Виды модульных картин

Модульные картины можно разделить по количеству сегментов:

• картины из двух частей — диптих;
• тройные картины — триптих;
• состоящие из четырех частей — квадратиплит.

Можно найти картины из пяти и более деталей. Их называют полиптихами или мультипанно. Количество фрагментов картины зависит от фантазии покупателя и его бюджета, так как можно сделать индивидуальный заказ в мастерской и выбрать желаемое количество элементов.

Рассчитайте точную стоимость ремонта на онлайн-калькуляторе

и бесплатно получите подробную смету на ремонт

Рассчитать

Фото: ebay.com

Способы размещения модульных картин

Грамотно разместить модульные картины в интерьере можно несколькими способами. Давайте разберем несколько простых вариантов. Модульные картины для интерьера можно повесить на жидкие гвозди, на специальные крепления для картин и даже на двусторонний скотч, если стены гладкие, а модули легкие.

Эксперты советуют вешать фрагменты картины на расстоянии 1,5-2 см друг от друга. В этом случае вся картина будет выглядеть красиво и сбалансированно.

Фото: overstock.com

Прежде чем вешать картину на стену, разложите ее части на полу с соблюдением нужных пропорций. После этого на стену повесьте сначала центральный фрагмент, а остальные располагайте так, как вам нравится. Есть несколько способов:

• параллельно друг другу на одной высоте;
• в виде лесенки по диагонали;
• в форме какой-либо геометрической фигуры.

Фото: itmakeyourday.com

Если на картине есть линия горизонта или любая другая линия, равняйте композицию по ней, даже несмотря на то, что сами сегменты могут быть разной высоты. Если же картина имеет какой-либо сюжет, важно собрать все фрагменты в единое целое, чтобы получилась законченная история.

Фото: storesap.com

Правила размещения модульных картин в комнатах разного назначения

Чтобы правильно оформить интерьер модульными картинами, надо учитывать уже существующий в помещении стиль. Яркость, сюжет и даже вид краски зависит от стилевой направленности и самого помещения. Например, в интерьер гостиной в классическом стиле подойдет живопись маслом, а для интерьера кухни в современном стиле — изображения еды или живописной улочки.

Гостиная

Модульные картины в интерьере гостиной придают комнате не только уют, но и творческое начало. Чтобы этого добиться, нужно правильно выбрать сюжет картины.

Фото: pepperfry.com

Картину в гостиную, оформленную в современном стиле, нужно выбрать с таким же современным изображением. Например, с рисунком оживленного города или бегущего стада животных. Для классического интерьера, наоборот, лучше выбрать спокойный сюжет. Это может быть реплика знаменитой картины или изображение природного явления.

Фото: dhgate.com

Самое частое место для размещения картин в гостиной — стена над диваном, столовой зоной или камином.

Фото: ellaseal.com

Кухня

Интерьер кухни лучше всего украсит модульная картина с изображением пейзажа или натюрморта. Чтобы стимулировать аппетит, лучше выбирать яркие сочные изображения. Это масляные и акриловые картины. Часто можно увидеть на кухне картины с изображением выпечки, винограда, бокалов с вином. Но вполне подойдут и другие рисунки.

Фото: aliexpress.com

Спальня

Модульные картины в интерьере спальни должны быть со спокойным сюжетом и неяркими оттенками, которые будут настраивать на отдых и сон. Что касается расположения, чаще всего картины вешают на стене над кроватью или на противоположной пустой стене.

Фото: elleseal.com

Дизайнеры советуют подбирать в спальню сюжеты без ярких цветовых контрастов. Это могут быть цветы, картины с изображением времен года или природных явлений: моря или нежного сада.

Фото: bybushwick.com

Детская

Младших представителей семьи вы вряд ли удивите особенным декором. Поэтому можно выбрать яркие картины с изображением персонажей, которыми увлекается ребенок. Для комнаты девочки это могут быть феи, принцессы или герои мультфильмов. Для комнаты мальчика — персонажи комиксов и кино. Совсем маленьким детям можно подобрать просто цветные картины без сюжета. В этом возрасте малышей интересуют просто яркие и интенсивные цвета. 

Фото: aliexpress.com

Прихожая или коридор

В небольшой прихожей красиво будут смотреться модульные картины маленького размера. Например узкие длинные или состоящие из маленьких фрагментов.

Фото: paintingcalligraphy.stillgrow.top

В большом коридоре можно повесить картины побольше: длинные горизонтальные или вертикальные. Ими можно украсить пустую стену.

Фото: wayfair.com

Что касается сюжета картин, в этом помещении отлично разместятся различные абстракции, цветы или пейзажи.

Ван нравятся модульные картины в интерьере? Делитесь с нами своим мнением в комментариях.

Как сочетать яркие фото, постеры и картины в интерьере: 5 советов

 

Привет, читатели блога “Твой дизайнер”! Сегодня я хочу вернуться к насущной теме декорирования интерьера своими руками – с помощью фото и картин. Оформление стен фотографиями, коллажами и постерами – это замечательный способ украсить и оживить ваш интерьер.  

 

Сколько прекрасных снимков мы храним на жестких дисках компьютеров и в социальных сетях! Отберите лучшие кадры, напоминающие вам о счастливых моментах жизни и составьте стильную композицию на стене. Удачных кадров, как правило, не так много, и зачастую все они имеют свою цветовую схему и обработку. В сегодняшней статье – несколько советов о том, как сочетать различные по цвету постеры и фотографии в гармоничной и притягательной фотогалерее.  

 

 1. Правильные рамы

Самый простой способ объединить фотографии различных цветов – подобрать рамы одного цвета, стиля и размера. Если у вас имеются различные по цвету рамы, просто покрасьте их, например, акриловой краской – она хорошо ложится и быстро сохнет.

Если вы хотите оживить интерьер и задействовать большое количество изображений, используйте рамы двух цветов: черные и белые, коричневые и золотые и т.д.

2. Правило трех цветов

Это правило применимо ко многим аспектам декораторского искусства. Я уже упоминала о нем, говоря про оформление стеллажей и полок. Если вы боитесь, что галерея получится слишком пестрой, постарайтесь сочетать не более трех различных цветов + один базовый нейтральный оттенок в своей композиции.

3. Сочетайте изображения с мебелью, декором и текстилем

Многоцветная яркая композиция будет смотреться гармонично, если основные цвета фотографий и картин будут перекликаться с подушками, обивкой мебели, ковром, шторами.

4. Черно-белые + цветные

Вы можете сочетать в одной галерее как монохромные, так и цветные фотографии, если все они будут объединены единой тематикой. Например, к фотографиям из отпуска в Европе вы можете добавить черно-белые снимки Эйфелевой башни или старые репортажные снимки Парижа. Портреты ваших бабушек и дедушек будут прекрасно смотреться рядом с современными снимками вашей семьи.

5. Яркая эклектика для неординарного интерьера

Если вы хотите сделать ваш интерьер ярким и запоминающимся, если вы не боитесь экспериментов, пусть вас не смущают пестрые фотографии и картины, вставленные в рамы разных цветов, форм и стилей. Подобные сочетания создают модный интерьер в стиле эклектика, привлекающий творческих натур и придающий квартире оживленную атмосферу.

 

 

 

 

В нашем блоге вы также можете узнать пару секретов о том, как развесить фотографии и картины на стене быстро и без лишних отверстий в стене. Оставайтесь с нами – подписывайтесь на обновления блога!  

Читайте также:

7 основных стилей живописи, от реализма до абстрактного

ThoughtCo / Хилари Эллисон

Частью радости живописи 21 века является широкий спектр доступных форм выражения. В конце 19-го и 20-го веков художники совершили огромный скачок в стилях живописи. На многие из этих инноваций повлияли технологические достижения, такие как изобретение металлической трубки для краски и эволюция фотографии, а также изменения в социальных условностях, политике и философии, а также мировые события.

В этом списке перечислены семь основных стилей искусства (иногда называемых «школами» или «движениями»), некоторые из которых намного более реалистичны, чем другие. Хотя вы не будете частью первоначального движения — группы художников, которые обычно разделяли один и тот же стиль рисования и идеи в течение определенного периода истории, — вы все равно можете рисовать в стилях, которые они использовали. Узнав об этих стилях и увидев, что создали художники, работающие в них, а затем самостоятельно экспериментируя с различными подходами, вы можете начать развивать и развивать свой собственный стиль.

Реализм

Туристы фотографируют Мону Лизу, Лувр, Париж, Франция. Питер Адамс / Getty Images

Реализм, в котором предмет картины больше похож на реальную вещь, а не стилизован или абстрагирован, — это стиль, который многие люди считают «истинным искусством». Только при близком рассмотрении то, что кажется сплошным цветом, проявляется как серия мазков разных цветов и значений.

Реализм был доминирующим стилем живописи со времен Возрождения.Художник использует перспективу, чтобы создать иллюзию пространства и глубины, настраивая композицию и освещение так, чтобы объект выглядел реальным. «Мона Лиза» Леонардо да Винчи — классический образец стиля.

Живопись

Анри Матисс — Блюда и фрукты [1901].

Галерея Гэндальфа / Flickr

Живописный стиль появился во время промышленной революции, охватившей Европу в первой половине XIX века. Освободившись от изобретения металлического тюбика для краски, который позволил художникам выйти за пределы студии, художники сосредоточились на самой живописи.Сюжеты были переданы реалистично, однако художники не скрывали своей технической работы.

Как следует из названия, акцент делается на самом акте рисования: на характере мазков и самих пигментов. Художники, работающие в этом стиле, не пытаются скрыть то, что использовалось для создания картины, сглаживая текстуру или следы, оставленные на краске кистью или другим инструментом, например мастихином. Картины Анри Матисса — прекрасные образцы этого стиля.

Чикагский художественный институт.Скотт Олсон / Getty Images

Импрессионизм возник в 1880-х годах в Европе, где такие художники, как Клод Моне, стремились запечатлеть свет не через детали реализма, а с помощью жестов и иллюзий. Вам не нужно подходить слишком близко к кувшинкам Моне или подсолнухам Винсента Ван Гога, чтобы увидеть смелые мазки цвета, однако нет никаких сомнений в том, на что вы смотрите.

Объекты сохраняют свой реалистичный вид, но при этом обладают яркостью, уникальной для этого стиля. Трудно поверить, что, когда импрессионисты впервые показывали свои работы, большинство критиков ненавидели и высмеивали их.То, что тогда считалось незаконченным и грубым стилем живописи, теперь любят и почитают.

Экспрессионизм и фовизм

Крик Эдварда Мунка, MoMA NY.

Спенсер Платт / Getty Images

Экспрессионизм и фовизм — похожие стили, которые начали появляться в студиях и галереях на рубеже 20-го века. Оба характеризуются использованием смелых, нереалистичных цветов, выбранных не для изображения жизни такой, какая она есть, а, скорее, такой, какой она ощущается или кажется художнику.

Эти два стиля в чем-то различаются. Экспрессионисты, в том числе Эдвард Мунк, стремились передать гротеск и ужас повседневной жизни, часто используя гипер-стилизованные мазки и ужасающие образы, которые он использовал для большого эффекта в своей картине «Крик».

Фовисты, несмотря на свое новаторское использование цвета, стремились создавать композиции, изображающие жизнь в идеализированной или экзотической природе. Вспомните резвящихся танцоров Анри Матисса или пасторальные сцены Джорджа Брака.

Абстракция

Работа Джорджии О’Киф, самая большая картина в Институте искусств Чикаго.Чарльз Кук / Getty Images

По мере того, как первые десятилетия 20-го века разворачивались в Европе и Америке, живопись становилась менее реалистичной. Абстракция — это прорисовка сути предмета в интерпретации художника, а не видимых деталей. Художник может уменьшить предмет до его доминирующих цветов, форм или узоров, как это сделал Пабло Пикассо со своей знаменитой фреской с изображением трех музыкантов. Исполнители, все четкие линии и углы, не выглядят ни капли реальными, но нет никаких сомнений в том, кто они.

Или художник может удалить предмет из контекста или увеличить его масштаб, как это сделала Джорджия О’Киф в своей работе. Ее цветы и ракушки, лишенные мелких деталей и парящие на абстрактном фоне, могут напоминать сказочные пейзажи.

Продажа современного искусства Sothebys. Кейт Гиллон / Getty Images

Чисто абстрактные работы, как и большая часть движения абстрактного экспрессионизма 1950-х годов, активно избегают реализма, упиваясь объятиями субъективного. Предмет или точка картины — это используемые цвета, текстуры в произведении искусства и материалы, использованные для его создания.

Кому-то картины Джексона Поллока могут показаться гигантским беспорядком, но нельзя отрицать, что фрески, такие как «Номер 1 (Лавандовый туман)», обладают динамичным, кинетическим качеством, которое вызывает ваш интерес. Другие художники-абстракционисты, такие как Марк Ротко, сами упростили свой предмет до цвета. Работы с цветовым полем, такие как его шедевр 1961 года «Оранжевый, красный и желтый», — это всего лишь три пигментных блока, в которых можно потеряться.

Фотореализм

Музей американского искусства Уитни.Спенсер Платт / Getty Images

Фотореализм развился в конце 1960-х и 1970-х годах как реакция на абстрактный экспрессионизм, который доминировал в искусстве с 1940-х годов. Этот стиль часто кажется более реальным, чем реальность, где не упускается ни одна деталь и нет незначительных недостатков.

Некоторые художники копируют фотографии, проецируя их на холст, чтобы точно запечатлеть детали. Другие делают это от руки или используют сетку для увеличения отпечатка или фотографии. Один из самых известных фотореалистичных художников — Чак Клоуз, чьи фотографии коллег-художников и знаменитостей размером с фреску основаны на снимках.

Картина маслом: 3 вида одной сцены

Трое друзей-рисовальщиков обменялись фотографиями, а затем создали картины с теми же 15 объектами в эксперименте, призванном научить их различным подходам, побудить их выйти за пределы своей зоны комфорта и позволить им работать над общим проектом рисования.

Боб Бахр

Выровняйте трех художников перед пейзажной панорамой, и в результате почти наверняка получатся три очень разных картины, каждая из которых увеличивает отдельный аспект изображения.Если Томас С. Бюхнер, Томас Гарднер и Мартин Пул являются какими-либо указаниями, то аналогичные несопоставимые картины будут результатом даже из справочного материала, который строго контролируется. Прошлой весной три художника из северной части штата Нью-Йорк предоставили друг другу пять тщательно отобранных фотографий, которые они сделали. Таким образом была зафиксирована точка обзора, установлены погодные условия и выбран объект съемки. Несмотря на такую ​​структуру, три художника вместе создали 45 картин из 15 фотографий, которые демонстрируют огромное разнообразие.

Справочное фото.	Амелия Томаса С. Бюхнера, 2008 г., масло и алкид, 24 x 12.	Амелия Мартина Пула, 2008 г., масло, 36 x 24.	Таис Томаса Гарднера, 2008 г., масло, 24 x 36. Предоставлено галереей Вест-Энд, Корнинг, Нью-Йорк. «Я действительно боролся с этим», — говорит Гарднер. «Я подумал:« Что мне делать с этой девушкой? »Я совместил ее с изображением из Италии, собора в Тоскане.”

У каждого художника есть свой способ взаимодействия с миром и выражения того, что он или она видит, но с этим трио происходило что-то еще. Бюхнер, Гарднер и Пул — друзья, которые вместе рисуют, и в их отношениях есть оттенок соперничества. «Да, в этом было немного духа соревнования», — говорит Пул. «Также была шутливая фраза« Эй, посмотри, что я делаю с твоей фотографией ». Это было похоже на игру в покер с друзьями и немного жульничества.”

Справочное фото.	Лодка у берега Томаса С. Бюхнера, 2008, масло и алкид, 16 x 20.	Лодка Мартина Пула, 2008 г., масло, 24 x 24.	Лодка у берега Томаса Гарднера, 2008, масло, 18 х 24. «Я был очень впечатлен этой картиной», — говорит Бюхнер. «Gardner очень четко обращается с краской.Художник мог сфокусироваться на городе на заднем плане, но лодка была так «присутствовала» на переднем плане. Мы все по-разному отреагировали на эту сцену ».

Конечно, сложно обмануть, когда правил не так много. Художники должны были создать картину для каждой фотографии, основываясь на чем-то на картине: «Каждый из нас отложил свои пять фотографий, и это было« хочешь ли ты или смешать? », — говорит Гарднер, — но они могли выбрать любую часть, какую пожелали. Фотографии были якобы предметами, которые художник / фотограф хотел нарисовать, но даже владельцы конкретных фотографий часто позволяли себе большую вольность, создавая картину по эталонной фотографии.

Справочное фото.	Другое эталонное фото.	Мальчик с лошадью Томаса Гарднера, 2008 г., масло, 18 x 24. Предоставлено галереей West End, Корнинг, Нью-Йорк.	Малыш и лошадь Томаса С. Бюхнера, 2008, масло и алкид, 24 x 30.
Мальчик с лошадью Мартина Пула, 2008, масло, 24 x 30. «Этот проект был хорош для нашей дружбы — он дал мне немного лучше взглянуть на этих двоих», — говорит Пул. «У вас есть склонность думать, что вы знаете кого-то из-за вашего опыта и истории с ними, но всегда есть нечто большее. Этот проект сделал Гарднера и Бюхнера более понятными для меня ».	Big Sky Мартина Пула, 2008 г., масло, 36 x 48.

Фотография Гарднера, на которой мальчик гладит лошадь среди группы из четырех лошадей, вызвала комментарии у всех трех художников, и их отношение к ней сильно различается.«Было определенно ощущение:« О, я никогда не смогу превратить , это в картину — и это было самое интересное », — говорит Бюхнер. «Мы выбрали вещи, которые бросили бы вызов другим. Гарднер поместил ту, где мальчик и лошади, все видно сзади, и я подумал, что это последнее, что я хотел бы рисовать ». Бюхнер решил, что мальчик будет прислоняться к дереву, а не гладить лошадь, и противопоставить «обычного на вид» мальчика воображаемому существу, похожему на тролля, которое, по словам художника, является «своего рода автопортретом».Гарднер переосмыслил свою фотографию, поместив мальчика и лошадь в поле. Пул много читал на фотографии Гарднера, говоря: «Гарднер получает вес и силу отношений между маленьким мальчиком и сильной лошадью, поэтому проблема заключалась в том, как сделать визуальную версию этой идеи?» Очевидно, Пул был очарован этой задачей — он выполнил две картины этой сцены.

Справочное фото.	Снежная река Томаса С. Бюхнера, 2008 г., масло, алкид, акриловый подмалевок, 18 x 24.	Снежная сцена Томаса Гарднера, 2008 г., масло, 18 x 24. Предоставлено галереей West End , Корнинг, Нью-Йорк.	Winter River Мартина Пула, 2008 г., масло, 24 x 24.

По большей части три художника не видели картины своих коллег до конца. В некоторых случаях незавершенные картины были общими — Гарднер вспоминает, что видел картины других на фотографии пруда и чувствовал себя застрявшим.«Я был в тупике, — говорит он. «Как они пришли к своим идеям по этой фотографии? У них такое великолепное воображение. Так что я просто положил то, что видел, и, глядя на свой холст, я заметил репродукцию картины Сарджента с картины Поля Хеллеу у пруда, который висел у меня за мольбертом, и решил немного поиграть, чтобы попытаться научиться. немного, скопировав картину Сарджента (см. Картина пруда ниже). Поэтому я включил его художника в сцену с прудом на фотографии. Я смотрел на это как на инструмент обучения, как на упражнение.«Напротив, Гарднер не видел других картин заснеженного ручья, но он все равно нашел новый способ внести в свою версию другое ощущение. «Разница между ними невелика — я забрызгал ее снежными потоками, с которыми нужно было обращаться осторожно», — говорит художник. «Я хотел, чтобы в нем было немного действия».

Пруд Картина Томаса Гарднера, масло.

Пул говорит, что его не ошеломили ни одна из фотографий, но некоторые действительно подтолкнули его как художника.«Некоторые были настолько далеки от моих пристрастий, что мне приходилось работать над ними больше, а иногда фотографии были трудными, потому что они были такими красивыми», — говорит Пул. «Мне нужно было найти способ отрицать их живописность. Интересно, чтобы фотография была настолько красивой, что на самом деле она могла бы стать менее интересной картиной ».

У художников были сжатые сроки сдачи проекта. В апреле у Пула была заказана выставка в Rodger LaPelle Galleries в Филадельфии, а фотографии были распространены в январе, и Гарднер получил их более чем через месяц из-за поездки.Трио должно было закончить 15 картин менее чем за три месяца. «Честно говоря, я не был в восторге от этой идеи», — сказал Гарднер, который руководил проектом в перерывах между двумя собственными шоу. «Ни одна фотография не сбила меня с ног. Но когда я попал в проект, он начал открываться. К тому же, получив фотографии так поздно, я смог увидеть кое-что из того, что они сделали, еще до того, как я начал, что, по моему мнению, было настоящим преимуществом. Я обманул его! В этом проекте определенно был конкурентный аспект.«Галеристка была заинтригована концепцией. Артисты были рады возможности вместе поработать над проектом. И последний шаг в этом процессе предложил всем пищу для размышлений.

Справочное фото.	Tom’s Trees Томаса Гарднера, масло.	Sunlit Trees Мартина Пула, масло.	Без названия Томас С.Бюхнер, масло и алкид.

Незадолго до открытия выставки, получившей название «Три взгляда», художники собрались в мастерской Бюхнера, сгруппировали 45 картин по тематике, разлили мартини и раскритиковали каждое произведение в марафоне, который длился с позднего времени. после полудня до 23:00 «Мы не были слишком добры друг к другу», — вспоминает Гарднер. «Трудно вынуть топор и ударить по картинам друзей, но это была тяжелая любовная ситуация. Мы многозначительно спрашивали: «Почему вы это сделали?» Я всегда удивляюсь, как я могу пройти через класс учеников, сразу увидеть проблемы и сказать: «О, тебе нужно это сделать» или «Вот что я сделал бы, «бум, бум, бум».Но потом я возвращаюсь к своей картине и становлюсь абсолютно глупым. Трудно отделить себя от картины и предмета и по-настоящему увидеть свою картину ». Комментирует Пул: «Мы говорили о том, была ли картина успешной, и делали заметки. В некоторых случаях совет оказался очень полезным, и позже были внесены поправки, а в других мы настаивали на своей идее и придерживались своего подхода к картине ».

Справочное фото.	Белый дом Томаса С. Бюхнера, 2008, картон, масло, 16 x 20.	Утренний туман Томаса Гарднера, 2008 г., масло, 24 x 30. Предоставлено галереей Вест-Энд, Корнинг, Нью-Йорк.	Белый дом Мартина Пула, масло.

Три художника знают друг друга более 20 лет. Бюхнер сначала служил своего рода наставником Гарднеру и Пулу, а затем коллегой и товарищем по пленэру.Проект позволил им устроить совместное шоу и насладиться компанией друг друга — Бюхнер говорит, что в этот процесс добавилось немало юмора. И что не менее важно, предприятие позволило им расти как художникам. Как говорит Бюхнер: «Это стимулировало нас, и, возможно, мы проделали некоторую работу, которая была бы лучше, чем мы делали бы иначе».

Боб Бар — управляющий редактор журнала American Artist.

Повторение в искусстве — быть точно таким же снова и снова

Без сомнения, ритм в искусстве можно считать одним из фундаментальных принципов искусства и его производства.Заинтересованные в более глубоком изучении и глубоком понимании еще одного его элемента, повторение в искусстве , вполне возможно, является одним из самых интересных методов, которые художники применяют для создания определенного движения , неподвижность , дизайн , путаница , , чтобы восстать против понятия традиции , переопределить идею оригинала и копий , или сосредоточить внимание на одной части произведения искусства, которая либо делает произведение более видимым, либо намеренно невидимым.Повторение, которое рассматривается как один из наиболее важных методов для сокращения , в равной степени используется как в музыке, так и в изобразительном искусстве ^[1] и рассматривается как эстетический и поэтический прием ^[2] .

Зачем повторять? Используют ли художники-повторения одни и те же мотивы снова и снова, чтобы достичь совершенства, или есть что-то еще в искусстве повторения? Это и многое другое мы исследовали для вас, поэтому, пожалуйста, продолжайте читать.

Энди Уорхол — Мэрилин Монро, диптих.Изображение взято с studyblue.com

Определение повторения в искусстве

Прежде чем мы вернемся к некоторым из самых запоминающихся повторений в искусстве и сосредоточимся на его истории, нам нужно сделать шаг назад и упомянуть определение повторения в визуальном производстве. Повторение, рассматриваемое как одна из основ творчества, подобно ритму, помогает создать ощущение движения в произведении искусства. В визуальном производстве это повторение конкретной линии , образца , формы или других визуальных элементов в одной или части серии ^[3] .Создание чего-то повторяющегося, но в то же время захватывающего — это вызов, так как многие считают повторение скучным и все еще . Элемент повторения в искусстве многие авторы специально использовали, чтобы прокомментировать состояние мира вокруг нас и призвать общественность замедлить гонку за достижением богов и идолов консьюмеризма . Иногда повторение используется для создания ощущения напряжения, если никакие вариации не реализованы, и часто ключ к пониманию таких частей лежит в тонких деталях ^[4] .

Существует множество способов повторения в искусстве. Это может быть даже или неравномерный , обычный или неправильный , он может образовывать излучение , возникающее, когда повторяющиеся элементы распространяются от центральной точки, или форма градуировки , где детали постепенно становятся меньше или больше ^[5] . Работая с повторяющимися узорами, и это высоко ценилось в период модерна и его изготовления узоров, поверхность работы улучшена , что делает ее более интересной для публики и в то же время создает ощущение Заказ добавлен в состав .Как инструмент, повторение в искусстве помогает создать не только визуальную часть произведения, но часто придает более глубокое значение произведению искусства , скрывая более философскую и концептуальную идентичность.

Левый : М.С. Эшер — Птица-рыба. Изображение взято с wikiart.org / Справа : М.С. Эшер — Иллюстрации. Изображение с i.dailymail.co.uk

История повторения искусства

Если мы отворачиваемся от определения повторения в искусстве и избегаем комментировать каждую повторяющуюся линию, поверхность, цвет, узор или изображение в визуальном творчестве, сегодня с помощью компьютерных изображений, наше внимание, несомненно, будет обращено на концепция и внутренняя работа художника или конкретный период производства, а также решение относительно того, почему они использовали повторение.Мы входим в мир, который говорит о повторении в выборе сюжета , очевидном в постановке Клода Моне , Василия Кандинского , Казимира Малевича , которые сформировали одни из самых влиятельных авангардных движений. , или мир, который использует повторение в искусстве как инструмент комментария к потреблению и массовому производству, украшающий творчество Энди Уорхола или различных художников минимализма .

Смотрите другие работы Энди Уорхола на нашей торговой площадке!

Определение повторения в искусстве менялось с годами.Немногие из основных проблем, которые возникают, когда говорят о повторении, наверняка связаны с вопросами оригинальности , подлинности и присвоения . Это серьезная проблема для философии постмодернизма , и готовые модели Дада отмечены как важные изображения, которые высмеивают необходимость традиции придавать особое значение производству и выбору материалов. Поп-художники, минималисты, перформанс и концептуальные авторы приняли концепцию , подрывая подлинность и ценность . Присвоение в искусстве , основанное на повторном использовании и повторении существующих изображений, вызывает опасения по поводу авторских прав, поскольку многие современные художники используют доступные изображения с небольшими изменениями или без изменений оригинала. Такие тонкие изменения вызывают вопросы об идентичности и упрощают ли новые детали оригинальный ^[5] .

Джаспер Джонс — Три флага. Изображение взято с jasper-jhones.org

Известные исполнители повторений

В течение последних двух тысячелетий многие художники прошлого и настоящего сосредоточились на постоянном изображении одних и тех же предметов и мотивов в своих работах, поскольку это повторение закодировано в самой ДНК творчества — практика делает совершенство.Поскольку древние художники и скульпторы создавали одни и те же произведения снова и снова, пока не овладели своим мастерством, эта практика была перенесена во времена Ренессанса и барокко. Однако художники раннего авангарда были первыми, кто начал повторять одни и те же мотивы, не акцентируя внимание на цели повышения мастерства в живописи, а вместо этого стремясь к другим намерениям. С тех пор повторение стало концепцией, благодаря которой улучшение не было тем результатом, к которому стремился художник. Это радикальное концептуальное изменение оказалось превосходным сочетанием с анти-традиционными формами искусства 20-го века, когда многие люди полагались на постоянное представление одних и тех же предметов и мотивов для достижения желаемой цели. Теперь мы представим вам список наиболее интересных художников, которые работали или все еще работают в концептуальных границах повторения в художественной практике, и все они стремятся к разным результатам с помощью таких творческих стратегий.

Рене Магритт — Голконда, 1953

Клод Моне

Кто может лучше возглавить этот список, чем тот самый человек, который установил современную концепцию повторения без намерения просто стать более квалифицированным? Клод Моне был легендарным французским художником, который был ведущей фигурой во времена импрессионизма, возможно, первого авангардного движения, хотя это утверждение часто оспаривается.Однако подход импрессионистов к визуализации настолько радикально отличался от классического искусства, что все движение, включая Моне, можно смело отнести к категории авангарда без особых проблем. Клод стремился снова и снова рисовать одно и то же изображение , чтобы запечатлеть разное состояние вида в зависимости от времени дня, в которое их рисовал Моне. Посредством этого повторения он создавал серию таких картин, из которых самые известные — это изображения водяных лилий, вокзалов, зерновых стогов и соборов.Ориентируясь на естественный свет, Моне не менял перспектив или оборудования, а только время, в котором он будет рисовать. Эти произведения не только важны для феномена импрессионизма, но также являются знаковыми благодаря своей роли в представлении авангардного мышления художника, который хотел разорвать связи с традиционными формами.

Клод Моне — Стога сена, конец лета. Изображение с mondomuralsanddesign.com

Пит Мондриан

Другой художник-авангардист в нашем списке, Пит Мондриан , был художником, теоретиком и писателем, который считал, что искусство должно отражать лежащую в основе духовность окружающей нас природы .Чтобы как-то заставить его эстетику отражать такое мнение, он упростил сюжеты своих картин до самых основных элементов, раскрывая сущность мистической энергии в балансе сил, управляющих природой и вселенной. Благодаря таким стратегиям Мондриан в конечном итоге создал строгий визуальный словарь квадратов и линий, представляющих предметы в базовой вертикальной и горизонтальной манере. Этот методический прогресс его художественного стиля от традиционного представления до полной абстракции не произошел в одночасье, но после того, как он был установлен, весь результат Пита состоял из повторяющихся изображений квадратов разного цвета, разделенных строгими жирными линиями.Дисциплина Мондриана в представлении квадратов — одна из самых известных повторяющихся концепций в искусстве, а стоящая за ними теория неопластизма была ключевым моментом абстракции в живописи.

Пит Мондриан — Безымянная композиция. Изображение с aretzandcrafts.com

Энди Уорхол

Неофициальный король искусства повторений, Энди Уорхол — легенда феномена поп-арта и одно из самых коммерциализированных имен 20-го века. Вдохновленный образами популярной культуры, Уорхол одновременно прославлял и критиковал потребительский выбор и массовое (повторное) производство , эффективно превращая свою работу в повторяющийся вихрь и создавая основу для самого успешного художественного движения после Второй мировой войны.Работая в широком спектре средств массовой информации, включая эстамп, живопись, рисование от руки, шелкографию, скульптуру, фотографию, музыку и кино, Уорхол прославился и повлиял на его повторяющиеся изображения банок с супом, бутылок с содовой, долларовых банкнот и культовых портретов знаменитостей, таких как Мэрилин Монро, Мик Джаггер, Элвис Пресли, Джимми Картер, Принц и Элизабет Тейлор. Энди часто вставлял идентичные картинки в одно целое, собирая их дисциплинированно и различая только по цвету. Эти иллюстрации, гравюры и плакаты на одну и ту же тему, повторяющиеся регулярными рядами, являются одними из самых знаковых изображений 20-го века, которым приписывают новое определение многих концепций и установление новых стандартов в современном искусстве.

Энди Уорхол — Банки с супом Кэмпбелла. Изображение взято с bbc.com

Яёи Кусама

Хотя японская художница Яёи Кусама создает в разнообразной области, которая состоит из всего, от живописи до скульптуры, каждое произведение, которое она когда-либо создавала, имеет один и тот же мотив — бесконечные точки. Эти, казалось бы, бесконечные повторяющиеся мотивы являются торговой маркой искусства Яёи Кусамы и в конечном итоге стали мгновенным признаком того, что вы наблюдаете за одним из ее произведений.Своим искусством пятен Кусама доказала, что можно работать в смешанных концепциях феминизма, минимализма, сюрреализма, Art Brut, поп-арта и абстрактного экспрессионизма, не подвергая опасности какой-либо один стиль. Кроме того, уровень повторения психоделических цветов стал самым постоянным в истории современного азиатского искусства, поскольку Яёи был активен более шестидесяти лет. Благодаря своему уникальному художественному словарю, эта провокационная авангардистка из Японии стала одной из самых выдающихся фигур в современной культуре своей страны и великолепно продемонстрировала последовательность в современном искусстве.

Яёи Кусама — горошек. Изображение взято с melissahuang.com

Юэ Миньцзюнь

Юэ Миньцзюнь смело можно назвать одним из самых юмористических артистов в этом списке. Этот пекинский художник и скульптор использует один и тот же мотив в каждом отдельном произведении, которое он создает. — его собственное лицо, обычно застывшее в состоянии истерического смеха. Независимо от того, в какой среде работает Минджун, его собственные иллюстрации расположены в различных условиях, некоторые из которых иронично обычны, а некоторые далеки от обычных, все они полагаются на лицо Юэ как на центр внимания.С уникальными композициями, такими как сцена, расположенная посреди юрского периода, когда два Джу смеются рядом с BMW или группа хихикающих Минджунов, снимающих еще одну группу Минджунов, у которых также есть широкие улыбки на лицах, легко понять, почему этот китайский художник пользуется таким большим уважением и имеет широкую базу фанатов. Непревзойденное чувство юмора Минджуна действительно является сильнейшим аспектом его работ, но тот факт, что он помещает один и тот же мотив на каждую картину и скульптуру, которые он создал, обеспечил ему место в этом списке.

Юэ Миньцзюнь — Завтрак на траве, 1995. Изображение предоставлено blogfinger.net

Риусуке Фукахори

Сочетая в своих работах области искусства и магии, Риусуке Фукахори — японский художник, наиболее известный своими трехмерными картинами с золотыми рыбками , созданными путем заливки смолы. Фукахори оживляет этих очаровательных существ, изображая их до такой степени, что буквально невозможно понять, смотрите ли вы на фотографию или на настоящее животное, не говоря уже о картине с золотой рыбкой.Эти невероятные примеры — результат долгой карьеры, посвященной и последовательному изображению этих животных — все, что делает Фукахори, — это рисует золотых рыбок, и это — все и конец его работы. Ключевым аспектом его униформы является тот факт, что Риусуке основывает свое искусство на повторении заливки жидкой смолой и акриловой живописи , которые дают желаемый трехмерный эффект. Сказать, что эти рыбы изображены реалистично, было бы преуменьшением, поскольку предметы работ Фукахори достигли впечатляющего уровня, который гораздо лучше описать как оптическую иллюзию.Кроме того, Риусуке утверждает, что никогда не использует фотографии моделей для своей работы, утверждая, что все, что он рисует, исходит непосредственно из его памяти и воображения.

Риусуке Фукахори — Спасение золотой рыбки. Изображение взято с nyartbeat.com

Дэвид Бегби

Один из самых необычных художников в нашем списке, чей стиль совершенно уникален и не имеет себе равных. Дэвид Бегби — шотландский скульптор, который использует проволоку из металлической сетки для изображения человеческих фигур и выражений лиц .Такая техника привела к появлению множества похожих предметов, большинство из которых представляет нам туловище человека, которое можно с уверенностью назвать продуктом прекрасной скульптуры. Эти мощные, эротические, тактильные и интимные произведения уникальны и удивительны только потому, что Бегби был достаточно предан своему делу, чтобы посвятить всю свою карьеру созданию одних и тех же предметов одним и тем же методом. Это еще более впечатляет, когда вы понимаете, насколько сложной может быть работа с проволочной сеткой, особенно когда вы уделяете столько внимания деталям, как Дэвид.Другими словами, Дэвид добился того, что до него удавалось очень немногим художникам — скульптурного совершенства формы. И если собрать его вместе, то его изображения явно представляют собой последовательный результат, непохожий на все, что вы когда-либо видели.

Дэвид Бегби — Тонкий воздух. Изображение с anoilaparola.it

Узор и повторение в фотографии

Поскольку узоры и повторения можно найти повсюду вокруг нас, фотографировать их довольно легко. «Честно», потому что даже если фотографу не нужно изобретать что-то с нуля, как это нужно художникам, они все равно должны внимательно следить за деталями и уметь правильно интегрировать их в свою композицию.Успокаивающее ощущение рутины, которое повторение создает для любого вида искусства, лучше всего выражается через контрасты, цвета и структуру на фотографиях, позволяя изображению вызывать чувство единства, согласованности и непрерывности, ритма, гармонии, яркости и общей организации ^[7] . Немногие фотографы намеренно преследуют закономерности и повторы, обнаруживаемые в их непосредственном окружении; скорее, это часто случайная встреча с природными или архитектурными элементами, оказавшимися в их кадре, иногда даже непроизвольно.Здесь мы говорим о художниках, работающих с природой и созданием абстрактных изображений, хотя натюрморты и аэрофотосъемки также известны тем, что создают потрясающие изображения повторений в искусстве.

Эдвард Буртынский — Производство № 17, Куриный завод Деда, город Дэхуэй, провинция Цзилинь, Китай, 2005 г.

Фотографирование повторяющегося

Еще в истории фотографии есть новаторские изображения Идверда Мейбриджа , который был первым, кто создал исследование движения.В 1878 году он был нанят владельцем скаковой лошади, чтобы дать ответ на спор о том, были ли все четыре ноги лошади оторваны от земли одновременно во время бега рысью. Его серия изображений показывает одну и ту же движущуюся фигуру снова и снова, и хотя это не было точным повторением, вероятно, это была первая презентация таких изображений с момента изобретения камеры, и Мейбридж действительно неоднократно фотографировал одни и те же предметы. Соответственно, Берндт и Хилла Бехер задокументировали сельский пейзаж Германии на протяжении всего 20 века; на их фотографиях газовых баллонов и извилистых башен либо изображена одна и та же конструкция, снятая под разными углами, либо сгруппированы похожие изображения вместе ^[8] .

Случайные повторяющиеся элементы также можно найти в продукции Gordon Parks , André Kertész и László Moholy-Nagy . В то время как Паркс создавал портреты и использовал узоры в групповых фотографиях, таких как 1963 Этель Шариф в Чикаго , Кертес и Мохоли-Надь также были уличными фотографами, которые часто фотографировали линии, контрасты и геометрические узоры в городской среде. В 1930-х годах Margaret Bourke-White также надела несколько снимков рабочих и радиопередатчиков, которые представляют прерывистое повторение как еще одну форму творчества, которая нарушает непрерывность элементов и делает изображение еще более динамичным.Больше изображений с повторением фотографий можно найти среди изображений Гарри Каллахана , Брюса Дэвидсона , Эд Руша и Анселя Адамса , которые во время своих путешествий натолкнулись на множество закономерностей в природе. Совсем недавно мы можем говорить о творчестве Эдварда Буртынского и, иногда, Андреаса Гурски , которые подчеркивают понятие массовых повторений.

Советы — Как создавать интересные узоры и повторения в фотографии

В бесконечность и дальше — где повторение в искусстве сегодня?

Ушло ли повторение в искусстве? Маловероятно, что это когда-либо произойдет.Это довольно просто: его способность выражать бесконечные, безупречные, увлекательные образы никогда не выйдет из моды . Помимо обширного наследия, оставленного современными и ранними современными художниками, упомянутыми выше, многие творцы, работающие сегодня, заинтересованы в достижении идеальных, сжатых изображений с помощью повторения, поэтому мы до сих пор видим такое большое количество таких изображений в различных средствах массовой информации. , жанры и стили ^[9] . Подумайте о сложных картинах Чака Клоуз , который буквально создает большую картину, используя более мелкие повторяющиеся элементы, или о многочисленных световых инсталляциях Олафура Элиассона , которые также приходят на ум.Вдохновленный мозаикой Эшера, художник Бен Паркер использует бумагу для создания завораживающих произведений искусства, а защитник окружающей среды Энди Голдсуорси объединяется с природой для создания радиальных скульптур и инсталляций. Повторение было также охвачено движением уличного искусства , в частности, теми, кто работал с макетами и плакатами, такими как Shepard Fairey . С момента появления компьютеров и рождения Digital art для создания шаблонов использовалось много программного обеспечения, хотя, возможно, лучшим отображением повторения в этой области является изобретение.гифки. В заключение, искусство повторения предлагает определенный вид вечного вдохновения, которое привлекает как художников, так и публику, и сам факт заставляет нас поверить в то, что концепция воспроизведения обязательно повторится и в будущем.

Автор: Silka P , Андрей В . и Angie Kordic .

Совет редакции: О повторении: письмо, перформанс и искусство

Исследуя атмосферу нашего настоящего, где повторение рассматривается как признак скуки и отчуждения труда, автор книги добавляет поворот и предлагает идею о том, что повторение — это момент блаженства и отдыха.Исследуя повторение в различных дисциплинах, таких как современное исполнение, танцевальные практики, ремесло и письмо, книга On Repetition: Writing, Performance and Art предлагает новое лицо и оригинальность междисциплинарному исследованию повторения в современной культуре. в то же время опираясь на психоанализ, философию, лингвистику, социологию и исследования производительности.

Источники:

1. Аноним, Повтор , Уголок [22 августа 2016 г.]
2. Конова, Ю., Повторение , Чикагская школа теории медиа [22 августа 2016 г.]
3. Аноним, Что такое повторение в искусстве? , Ссылка [22 августа 2016 г.]
4. Кук, А. (2005), Повторение , Роберт Хенке [22 августа 2016 г.]
5. Аноним (2013), Принцип повторения , Дизайн визуальной коммуникации [22 августа 2016]
6. Сориано, Дж. Г., Лопес Альберт, К. (2014), Строительное повторение в истории — мотивы и последствия , Mas Context [22 августа 2016 г.]
7. Аноним (2011), Повтор в фотографии , таттахара [23 августа 2016 г.]
8. Хорн, К., Введение в фотографию 4: Повторение , Academia [23 августа 2016 г.]
9. Аноним, Повторение, ритм и узор , flyeschool [23 августа 2016 г.]

Все изображения использованы только в иллюстративных целях. Лучшее изображение в слайдере: Дэмиен Херст — Точечная живопись. Изображение с сайта whatartdoes.wordpress.com; Яёи Кусама — Кусама с тыквой. Изображение через anothermag.com; Энди Уорхол — Знак доллара; Фотография Андре-Кертеса; Маргарет Бурк-Уайт — радиопередающая башня WOR, 1935 г .; Гордон Паркс — Этель Шарифф в Чикаго, 1963 год.Изображение с сайта the-vu.com

10 самых популярных художественных стилей

Искусство может сбивать с толку, если вы совсем недавно сталкивались с такими терминами, как стиль, движение и школа. Но это просто модные словечки или между ними есть ощутимая разница? Еще больше запутанности делает тот факт, что у большинства писателей-искусствоведов и историков разные определения, и они часто используют эти термины как синонимы, хотя большинство искусствоведов согласны с тем, что в их значениях есть незначительные различия.

Чтобы сделать ваше путешествие в мир искусства менее сложным, вот 10 самых популярных художественных стилей.

1. Абстрактное искусство

Этот причудливый художественный стиль запутает вас, если вы относитесь к тому типу людей, которые во всем ищут смысл. Абстрактное искусство делает практически невозможным расшифровать что-либо связное, поскольку нет одного человека, места или предмета, которые можно было бы правильно понять. Еще хуже то, что перспектива художественного стиля резко меняется, если смотреть под другим углом.В один момент вы думаете, что молодое деревце вырастает во взрослое дерево, в следующий момент эти же цвета и карикатуры покажут кораблекрушение. Это очень случайно и полностью открыто для вашей интерпретации.

По мнению искусствоведов в Тейт, абстрактное искусство стремится уйти от своего окружения. У него нет никакой связи с реальным миром. Ознакомьтесь с нашей онлайн-коллекцией абстрактных работ с яркими и популярными принтами, которые вдохновят вас на размышления.

2. Импрессионизм

Импрессионизм был впервые представлен в Париже, прежде чем он распространился по США и Европе.Этот вид искусства предполагает использование мазков и света, чтобы подчеркнуть суть предмета. Цель — рассказать историю, не прибегая к реалистичным изображениям. Известные художники-импрессионисты проверили границы возможного с помощью цвета и продемонстрировали, что можно рисовать практически все, не передавая никакого глубокого смысла. Импрессионисты были революционерами в использовании цветов и использовали несмешанные чистые цвета и смешивали их для достижения своих целевых тонов.

3. Поп-арт

Поп-арт — относительно новое явление, появившееся в 1960-х годах. Это был забавный стиль, в котором для рассказа истории использовались образы средств массовой информации и популярной культуры, такие как реклама, новости, комиксы и фильмы. Таким образом, поп-арт понравился людям всех возрастных групп. Сегодняшний поп-арт по-прежнему черпает вдохновение из 1950-х годов для создания некоторых великолепных дизайнов.

4. Кубизм

Кубизм — это художественное направление, дебютировавшее в начале 1900-х годов.Пионерами его стали Джордж Брак и Пабло Пикассо, которые деконструировали предметы одежды таким образом, чтобы их можно было рассматривать одновременно под разными углами. Кубизм часто выглядит как форма абстрактного искусства, но все же это стиль реализма.

Три элемента кубизма — одновременность, переход и геометрическость. Некоторые художники пытаются привнести в свои картины смысл или понимание, это называется исследованием «четвертого измерения».

5.Современное искусство

Современное искусство довольно увлекательно и потребует больше, чем пара взглядов, чтобы полностью оценить все, что нарисовал художник. По определению, современное искусство охватывает все произведения с конца 1800-х до 1970-х годов и рассматривалось как ответ на промышленную революцию. До 19, ^{-го и} -го века художники в основном работали на богатых покровителей или организации, такие как церковь. Современное искусство позволило художнику нарисовать предмет в соответствии со своей уникальной перспективой и мировоззрением.

6. Сюрреализм

Искусство сюрреализма было основано французским поэтом Андре Бретоном в 1920-х годах. Его цель состояла в том, чтобы освободить язык, мысль и человеческий опыт от рационализма. Бретон хотел погрузиться в состояние бессознательного, которое, по его мнению, было источником истинного художественного творчества. Он высказал мнение, что сюрреализм можно использовать как революционное движение, снимающее оковы с рационального разума, тем самым освобождая человеческое мышление и исследования.

В этом смысле вы можете подумать, что сюрреализм — это форма абстрактного искусства.Хотя сюрреалистическое искусство не подчиняется правилам традиционного искусства, оно берет реальные объекты и помещает их в нереалистичные ситуации, противоречащие логике.

7. Современное искусство

Ученые-искусствоведы и историки всего мира еще не пришли к единому мнению о том, где заканчивается современное искусство и начинается современное искусство. Однако все они единодушны в том, что современное искусство в значительной степени — это стиль современности. Любые произведения живописи, выполненные за последние 6–12 месяцев, относятся к современному искусству.Другие могут включать произведения искусства, созданные от двух до десяти лет назад.

Современное искусство использует преимущества новейших технологий рендеринга и цифровых технологий для создания потрясающих произведений искусства, которые украшают в противном случае мягкий интерьер. В них много цветов, которые могут оживить даже самые минималистичные комнаты.

8. Фантазия

Фэнтези-арт, как следует из названия, представляет собой жанр искусства, который изображает сверхъестественные темы или мифологические создания. Он тесно связан с художественными произведениями и в основном используется для иллюстрации рассказов и повествований.И дети, и взрослые одинаково любят искусство фэнтези и любят убегать в мифические и волшебные страны.

9. Искусство граффити

Есть большая вероятность, что вы уже видели граффити, нарисованные на общественных поверхностях, таких как стены и дома. Это превратилось в популярную форму искусства, которая рассматривалась как реакция на репрессивные политические ситуации. Искусство граффити дало платформу безмолвным и изображало социальные нормы, о которых было почти табу говорить. Хотя искусство граффити с давних времен было незаконным, так как оно было изображено на чужой собственности без его разрешения, если вы видите их нарисованными на холсте или в галерее сегодня, то это совершенно законно.

10. Фотореализм

Фотореализм — это стиль детализированных картин, в которых художник пытается заменить изображение на фотографию. Движение в искусстве началось в 1980-х годах Ричардом Эстесом и Чаком Клоузом. Как вы понимаете, оставаться верным изображению вплоть до микроскопических деталей было непросто и требовало огромных технических знаний.

Начните просматривать нашу коллекцию произведений искусства прямо сейчас и найдите идеальное произведение искусства для своего дома!

ИНТЕРПРЕТАЦИОННЫХ ДВОЙСТВ: Два местных художника подходят к одной и той же теме в разных стилях |

4 окт. • Искусство, ARTSY SMARTSY, ОСОБЕННОСТИ СТОРОНЫ • Нет комментариев по поводу ДВОЙСТВА ИНТЕРПРЕТАЦИИ: два местных художника подходят к одному и тому же предмету в разных стилях.У каждой истории есть несколько сторон и множество способов их интерпретации. «Insider / Outsider: Art Two Ways» — уникальная выставка, воплощающая такие концепции.

На стенах галереи MC Erny Gallery в WHQR в центре Уилмингтона висят картины Кира Ван Сикл и Кэнди Пеграм, каждая из которых объединяла обучение и образование в области искусства на протяжении всей своей жизни. Подход Ван Сикла академичен и современен, а стиль Пеграма — скорее ретро, ​​даже народное искусство Юга. Два художника использовали свои почти противоположные стили рисования, чтобы интерпретировать один и тот же предмет, будь то отрывок из рассказа, вдохновляющая цитата или изображение.

«Я обратился к Кире более года назад по поводу идеи, что мы возьмем любой интересующий нас предмет и сделаем его собственную интерпретацию», — говорит Пеграм. «Единственными рекомендациями, которые мы давали друг другу, был размер каждого предмета».

Пеграм и Ван Сикл работали над своими проектами по отдельности и понятия не имели, как выглядят работы друг друга, пока каждая часть не была полностью закончена. Добавляя предвкушения к выставке, некоторые работы художников не были раскрыты до тех пор, пока они не были показаны в галерее.

«Шоу дало нам возможность съездить с разных сторон», — говорит Ван Сикл. «Было весело наблюдать, как мы оба использовали вдохновение, черпая вдохновение из нашей собственной истории. Все это получилось действительно круто ».

Ван Сикл родилась в Орегоне и переехала со своей семьей, прежде чем поселиться в Северной Каролине в подростковом возрасте. Ее отец, инженер-ядерщик, пробудил в ней интерес к искусству в возрасте 6 лет, когда отвел ее в магазин товаров для искусства. Поездка вдохновила ее на занятия в начальной школе, пока она не закончила бакалавриат в Университете Дьюка.Там она изучала биологию, а также искусство и историю искусств. Она получила степень магистра наук в области медицинской иллюстрации в Медицинском колледже Джорджии и степень магистра изящных искусств в живописи в Академии искусств в Сан-Франциско. «Я занимаюсь искусством и изучаю его более 40 лет», — говорит Ван Сикл. «Это был запутанный путь».

Ван Сикл в течение 18 лет вела свой собственный креативный консалтинговый бизнес и занималась коммерческим искусством и графическим дизайном, сохраняя при этом свое ремесло изобразительного искусства.В наши дни ее карьера вращается вокруг того, чтобы поделиться своим талантом и любовью к искусству с портовым городом, а также с другими художниками, которые посещают ее региональные и международные семинары.

«Десять лет назад я начал преподавать, — говорит Ван Сикл, — я практикующий художник в студии, но также я адъюнкт-арт в Общественном колледже Кейп-Страх и инструктор в Художественном музее Кэмерона».

Хотя Кэмеронский художественный музей — самая большая студия, в которой преподает Ван Сикл, она также проводит частные уроки рисования в своей домашней студии.Кроме того, в течение года она ходит в различные художественные советы и ассоциации в качестве инструктора.

ПЧЕЛОВОДЫ: Интерпретация пчел и их ульев Кира Ван Сикл и Кэнди Пеграм, которая теперь висит в галерее MC Erny в WHQR. Изображение любезности.

«В последнее время я уделял много внимания абстрактным смешанным пейзажам и морским пейзажам, но мой традиционный опыт — натюрморты и картины на пленэре», — объясняет Ван Сикл. «Все эти три вещи представлены на выставке в MC Erny Gallery.”

Большинство картин Ван Сикла в галерее — акриловая смешанная техника. Они включают в себя различные фактурные материалы, эффекты глазури и карандаши.

Pegram работает с латексом, деревом и воском. «Большая часть краски, которую я использую, [происходит] из-за того, что краска испортилась от Lowe’s, — говорит Пеграм. «Я заканчиваю свои картины сургучной печатью, которая защищает их и придает им старый, приглушенный вид, которым я известен».

Пеграм родился в Северной Каролине недалеко от Уинстон-Салема и впервые взял в руки малярную кисть в 2003 году.После работы в офисе ее карьера перешла к отделке древесины на лодках. Работая на открытом воздухе большую часть дня, смена обстановки вдохновила Пеграма на новое хобби.

«Когда я начал работать на открытом воздухе, работать с деревом и отделывать его, что-то пробудило во мне потребность в творчестве в нерабочее время», — говорит Пеграм.

Имея некоторый опыт в художественной фотографии, Пеграм начала работать над экспериментальными проектами в гараже, который у нее был в Касл Хейн, Северная Каролина.Она начала записывать образы, которые она создала, а затем перенесла их на дерево, работая с разными красками и отделочными покрытиями по дереву. Благодаря ее предыдущему опыту в отделке дерева новое занятие пришло само собой. В конце концов, ее искусство превратилось из хобби в новую карьеру.

Pegram участвует в нескольких фестивалях в течение года, в том числе Artsplosure в центре Роли, Art for the Masses в Уилмингтоне и даже в мероприятии Международной музыкальной ассоциации Bluegrass в Нэшвилле, штат Теннесси.

«В этом году я немного расширилась», — говорит она. «Я скоро еду в Алабаму, чтобы принять участие в фестивале искусств Кентук. Это очень известный аутсайдерский фестиваль народного искусства, на который я хотел попасть уже много лет ».

Хотя фестивали составляют большую часть выставок Пеграм, она также время от времени проводит выставки местных галерей. Ей нравится выступать в MC Erny. «Пока что это действительно успешно, и мы уже продали много вещей», — говорит Пеграм.

Insider / Outsider: Art Two Ways будет продолжать висеть в галерее MC Erny до 14 октября.Все произведения Pegram и Van Sickle продаются широкой публике, а частичная выручка идет на пользу WHQR, нашему местному филиалу национальной общественной радиостанции. Они открыты с понедельника по пятницу с 10:00 до 16:00. повседневная.

ПОДРОБНЕЕ:

Insider / Outsider: Art Two Ways
висит до 14 октября
WHQR’s MC Erny Gallery
254 N. Front Street # 300
Часы работы: пн-пт, с 10:00 до 16:00.
www.whqr.org

Пожалуйста, следите за нами и ставьте лайки:

Академия искусств в Сан-Франциско Художественный музей КэмеронКенди Пеграм Общественный колледж мыса СтрахаУниверситет Кастл-ХайнедукЖурнал Эмили ТрассенкорИнсайдер / аутсайдер искусства Two WaysМеждународная музыкальная ассоциация БлуграссКира Ван СиклстонКолледж Эрниджиния Медикал, Северная Каролина, Нью-Йорк, Калифорния, США -Salem

Похожие сообщения

Об авторе: Эмили Трасс

«ДУШЕВНЫЕ ПРЕДСТАВЛЕНИЯ: Джонни Лэнг в заголовках субботнего фестиваля блюза и джаза из морепродуктов. Подмигивание и кивок в сторону 80-х:« Rock of Ages »производит большие числа, большой смех»

11 различных стилей и техник рисования, которые должен знать каждый художник

фотографий из PicMy / Shutterstock
Этот пост может содержать партнерские ссылки.Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

На протяжении истории способ рисования художников — и используемые ими средства — эволюционировали. Новые технологии и меняющиеся вкусы означают, что краски, используемые художниками, продолжали расширяться. Но как узнать, какая краска вам подходит? Многие из нас знакомы с акварелью, маслом и акриловыми красками, но художники могут исследовать гораздо больше.

В то время как некоторые виды живописи, такие как фреска и темпера, практикуются не так часто, другие переживают возрождение. Например, возобновившийся интерес к рукописным буквам и росписи вывесок сделал эмалевые краски более модными, чем когда-либо.

Как художник, как вы можете выбрать подходящий тип краски для своего произведения искусства? Хорошее представление о характеристиках каждой краски и эстетике, которую они создают, поможет вам сузить круг выбора. Некоторые техники рисования легко освоить художникам любого уровня, в то время как другие могут потребовать более продвинутых технических навыков.

Узнайте больше о различных типах красок, чтобы выбрать, что лучше всего подходит для вас. Кто знает? Возможно, вас вдохновит попробовать новый вид живописи.

Узнайте больше об 11 типах живописи, которые помогают художникам выразить свое творчество.

Масло

«Ночь в Венеции» Леонида Афремова. Масло на холсте. (Фото: Леонид Афремов)

На протяжении веков художники использовали масляную краску для создания своих шедевров.Эта медленно сохнущая среда состоит из цветных пигментов, взвешенных в масле. Из-за того, что он долго сохнет, художники могут не торопиться с работой. Масляная краска часто используется для создания прекрасных текстурных эффектов благодаря ее густой консистенции. Хотя работа с ним может быть сложной и требует осторожности при работе со средами, содержащими токсичные элементы, художники по-прежнему любят его за насыщенные цвета, которые он создает. Поэтому неудивительно, что это один из самых популярных видов живописи.

Узнайте, как правильно выбрать масляную краску, в нашем удобном руководстве.

Акрил

«Диамела» Алисы Паскини. 2018. Холст, акрил. (Фото: Алиса Паскини)

Существует широкий ассортимент акриловых красок с точки зрения текстуры и времени высыхания. Эта водорастворимая краска быстро сохнет, не токсична и экономична, поэтому ее часто выбирают художники любого уровня подготовки. Со временем она держится лучше, чем масляная краска, так как не трескается и не желтеет. Существует бесчисленное количество техник нанесения акриловой краски, и, комбинируя краску с различными средами, художники могут гибко придать окончательный вид.Хотя акрил является водостойким, когда он полностью высыхает на холсте, его водорастворимость во влажном состоянии облегчает очистку.

Узнайте больше о разнице между акриловой краской и масляной краской, а также о лучшей акриловой краске для художников любого уровня подготовки.

Акварель

«Белые корабли» Джона Сингера Сарджента. Около 1908 года. Акварель. (Фото: общественное достояние через Wikicommons)

Обычно нарисованные на бумаге, акварельные краски сделаны из пигментов, взвешенных в растворе на водной основе.Акварельная краска, известная своими прозрачными слоями, остается растворимой даже после высыхания. Это означает, что художники могут вносить некоторые исправления даже тогда, когда картина высохла, но это также означает, что готовую работу необходимо тщательно защищать. Художники используют множество акварельных техник для создания различных стилей искусства, от реалистичных портретов до размытых пейзажей. Хотя бумага является наиболее распространенной опорой, акварель также можно использовать на таких поверхностях, как ткань, дерево, кожа и пергамент.

Ищете акварели? Ознакомьтесь с нашим руководством по лучшим акварельным наборам.

Гуашь

«Девушка в кресле-качалке», этюд к картине Жака Жозефа Тиссо «Последний вечер». ок. 1873. Кисть гуашью, акварелью, поверх графита. (Фото: Музей Гетти)

Хотя гуашь похожа на акварель тем, что ее можно повторно смачивать, этот тип краски при высыхании становится матовым и является более тяжелой краской из-за включенного в нее мела.Гуашь также имеет характеристики, похожие на акрил, в том, что это непрозрачная краска. Его часто используют вместе с акварелью, и, поскольку он растворим в воде, для запечатывания готовой картины необходимо нанести поверх него лак. Более новый вариант — акриловая гуашь, в которой используется связующее на акриловой основе, которое позволяет краске становиться водостойкой при высыхании.

Blick продает широкий ассортимент гуаши профессионального и студенческого уровня.

Пастель

«Сонный ребенок» Мэри Кассат.1910. Пастель. (Фото: общественное достояние через Wikicommons)

Иногда известное как «сухая роспись», использование пастели было популярно с 16 века. Их форма в виде карандашей и малое время высыхания делают их простым и портативным решением для художников. Самые популярные пастели, известные как мягкие пастели, содержат мел, но также доступны масляные пастели с восковой консистенцией. Цвета обычно накладываются прямо на основу, и если вы ищете эффект акварельного шрифта, есть также водорастворимые пастели.Эти картины хрупкие, так как пигмент может отрываться от поверхности, поэтому их следует оформлять под стекло.

Узнайте больше о том, как рисовать пастелью.

Энкаустика

Портрет женщины из Аль-Файюм, Египет. около 100-150 гг. н. э. Энкаустика. (Фото: общественное достояние через WikiCommons)

Эта сложная техника восходит к древнему Египту и включает добавление пигмента в горячий пчелиный воск. Полученную пасту затем обычно наносят на подготовленную древесину, хотя можно также использовать холст.Затем используются специальные инструменты для придания формы жидкости перед охлаждением. Современные художники часто используют тепловые пушки, чтобы увеличить удобоукладываемость краски. Хотя энкаустика — или живопись горячим воском — может быть трудным в освоении, можно создавать сложные картины, полные размеров и цвета.

Найдите все материалы, которые вам понадобятся, чтобы начать рисовать энкаустику.

Далее: Откройте для себя другие техники рисования, с которыми вы, возможно, не знакомы.

Мне нравится твой стиль! Часть I: нарушение авторских прав или нет?

Очень часто произведения искусства любого типа основаны на работах других художников или вдохновлены ими. ^[1] На самом деле некоторые люди думают, что не существует такой вещи, как полностью «оригинальное» произведение, и что все искусство в долгу перед произведением, которое было создано ранее. В то же время люди часто вкладывают много времени и усилий в выработку особого стиля работы и часто считают это довольно собственническим. Какую защиту авторские права предлагают этим артистам?

Авторское право не защищает стили

В недавнем решении Федерального суда полного состава Суд подтвердил фундаментальный правовой принцип, согласно которому авторское право защищает не идеи и концепции, а только конкретную форму, в которой они выражены. ^[2] Эффект этого принципа заключается в том, что вы не можете защищать авторским правом стиль или технику. Авторское право защищает вас только от того, чтобы кто-то другой воспроизводил одно из ваших настоящих произведений искусства, а не от кого-то другого, создающего свои работы в том же стиле.

В недавнем полномасштабном деле Федерального суда один художник создал произведения, во многом похожие на произведения другого, более авторитетного художника. Первый художник использовал тот же стиль живописи и те же цвета, технику и сюжет, что и второй художник.Суд установил, что этого самого по себе недостаточно, чтобы приравниваться к нарушению авторских прав.

Вдохновение или подражание? Как решает суд?

Как определить разницу между одним художником, законно вдохновленным другим художником, и кем-то, незаконно копирующим работы другого художника?

Федеральный суд полного состава указал, что правильный подход состоит в том, что владелец авторских прав должен сначала идентифицировать:

(а) конкретное произведение искусства, которое, по их мнению, было скопировано; и

(б) конкретное произведение искусства, которое, по их словам, копирует его.

Затем правообладатель должен показать, как вторая работа воспроизводит первую (или значительную ее часть — подробнее об этом ниже).

Что разрешено, а что нет?

Это нормально — изучить чужую работу, усвоить содержащиеся в ней концепции, а затем вернуться в свою студию и применить те же концепции, методы, цвета и стили к тому же предмету, чтобы создать свою собственную работу. Но будет не нормально, если вы вернетесь в свою студию и фактически сделаете копию увиденной работы, пусть даже по памяти.И вы не можете сделать копирование нормальным, скопировав только часть другого произведения. Даже если вы возьмете только часть другой работы, а затем встроите ее в свою, совершенно другую работу, это все равно будет нарушением авторских прав, если только эта часть не является «существенной».

Размножение и субстанция

Когда часть произведения искусства считается «существенной частью»? Что делать, если композиция скопирована, а цвета изменены? Что, если вы скопируете только одну из фигур, которая появляется на фоне оригинальной работы? Что, если вы резко обрежете оригинальную работу, а затем разместите ее на новом фоне?

Легитимность всех этих практик зависит от того, является ли то, что взято из оригинального произведения, «существенной частью» или нет.Различие между существенным и несущественным является одним из самых сложных и размытых в законодательстве об авторском праве, и решения часто будут зависеть от конкретных фактов в отдельных случаях. Однако суды предложили некоторые рекомендации людям, пытающимся выяснить, что является «существенным», а что нет.

Отправной точкой для судьи, дающего такую ​​оценку, является рассмотрение «качества» детали. Насколько важна эта часть по отношению к целому? Сколько времени и усилий было потрачено на создание этой детали? Насколько он отличительный и узнаваемый? То есть можно ли его легко идентифицировать как исходящую от оригинальной работы? Сможет ли он вспомнить оригинальную работу в сознании того, кто видел ее и знал оригинальную работу?

Относительное количество взятой части по отношению ко всей работе, из которой она взята, также может иметь значение.Однако распространенной ошибкой является полагать, что можно избежать обнаружения нарушения авторских прав, скопировав только определенный процент произведения. Обычно это неправда и никогда не бывает применительно к визуальным произведениям искусства. Даже очень маленькие части произведений могут быть «существенными», и часто, особенно в отношении музыкальных произведений, именно потому, что часть отличительная и запоминающаяся, другие хотят скопировать ее.

Помимо этого, также важна степень «объективного сходства» между двумя произведениями (или их частями).Когда смотришь на них, понятно, что одно является копией другого?

А как насчет копирования общих функций?

Если вы копируете часть произведения, которая не является отличительной, но относительно универсальной, то она с меньшей вероятностью будет «существенной» и более вероятно, что ее можно будет скопировать. Если вы копируете только один общий элемент из произведения искусства, это вряд ли будет нарушением авторских прав. Однако, если вы скопируете много общих функций из одной и той же работы, могут возникнуть проблемы. Это произойдет, когда комбинация досягаемости настолько сложна, что «практически невозможно», чтобы комбинация общих характеристик могла быть получена независимо.

Когда дело доходит до копирования общих функций, также стоит иметь в виду, что суды исторически неохотно позволяли одному человеку несправедливо извлекать выгоду из копирования работы, которую сделал кто-то другой. Поэтому, если вы копируете другое произведение, независимо от того, являются ли копируемые вами части общими или нет, суд вряд ли сочтет вас сочувственным. Защита инвестиций и поощрение инноваций являются одними из причин существования закона об авторском праве, и в некоторых случаях такого рода соображений может быть достаточно, чтобы склонить чашу весов. ^[3]

Наконец, суды провели различие в зависимости от предмета художественного произведения. Они будут применять более строгий подход к предмету, который представляет собой концепцию или идею, которая существует только в чьей-то голове, по сравнению с предметом, который представляет что-то, что действительно существует — например, человеческое тело или мост Харбор-Бридж в Сиднее. Это потому, что «реальный» предмет менее оригинален и, следовательно, менее отличен от оригинального произведения искусства. Это не означает, что вы можете копировать произведения искусства, основанные на «реальном» предмете.Скорее, это означает, что если вы копируете только предмет художественного произведения, это с меньшей вероятностью приведет к взятию «существенной части», особенно если это «реальный» предмет.

Разное

Еще несколько баллов:

• Если кто-то самостоятельно придумывает идентичную вашей работе работу (например, они никогда не видели и не слышали о вашей работе), это не будет нарушением авторских прав, потому что они не будут копировать .
  
• Если будет установлено, что кто-то скопировал значительную часть вашего произведения искусства, это может представлять собой нарушение ваших личных неимущественных прав, а также ваших авторских прав.Если ваш вклад в качестве автора оригинальной работы не признан, это может быть нарушением вашего права на авторство. И если копировальный аппарат выдаст себя за автора вашей работы, это будет нарушением вашего права не допускать ложной атрибуции вашей работы. Наконец, если ваша работа подвергается уничижительному обращению, например, путем обрезки, окраски или искажения каким-либо другим образом, это может быть нарушением вашего права на неприкосновенность в ваших произведениях искусства.
  
• Только владелец авторских прав или эксклюзивный лицензиат авторских прав на произведение может подать в суд за нарушение авторских прав.Как правило, авторские права принадлежат художнику или автору произведения (или их работодателю, если они создали произведение в процессе работы). Авторское право отделено от фактического произведения искусства, а может быть назначено только (продано) или исключительно лицензировано в письменной форме за подписью владельца авторских прав. В большинстве случаев покупатели визуальных произведений искусства, например картин, не получают авторских прав при покупке произведений искусства. Соответственно, владельцы произведений искусства обычно не могут подать в суд, чтобы помешать другим людям копировать их — это может сделать только художник, являющийся владельцем авторских прав.
  
• Этот анализ был применен к изобразительному искусству, однако те же принципы применимы к другим видам искусства и произведениям, охраняемым авторским правом, таким как музыка, письмо и кино.

Как всегда, если вы обеспокоены нарушением авторских прав, вам следует обратиться за дополнительной юридической консультацией.

До сих пор мы рассматривали копирование стиля только с точки зрения авторских прав. В Части 2 мы рассмотрим наличие других причин действия, таких как выдача лиц, вводящих в заблуждение и вводящих в заблуждение действий.Следите за частью 2 в будущей редакции закона ART +!

Сноски

[1] Недавняя статья, в которой обсуждаются примеры этого феномена, — «Something laken» Эндрю Рентон, http://www.thisislondon.co.uk/, 29 июля 2002 г.

[2] Камминс — Велла [2002] FCAFC 218, 16 июля 2002 г.

[3] Это соображение имело решающее значение в недавнем деле, по которому суд постановил, что авторские права Telstra на свои телефонные справочники были нарушены другой компанией, которая скопировала имена, адреса и номера телефонов из справочников.Время и деньги, вложенные Telstra в создание своих телефонных справочников, стали важной основой для вывода Судом о нарушении в этом деле. Однако следует отметить, что речь шла не о том, была ли принятая часть существенной, а о том, был ли список имен достаточно оригинальным, чтобы в первую очередь привлечь авторское право.