Техника Гризайль

Поделиться…

Гризайль (фр. Grisaille от gris — серый) — вид живописи, выполняемой тональными градациями одного цвета, чаще всего сепии или серого, а также техника создания нарисованных барельефов и других архитектурных или скульптурных элементов. В гризайли учитывается только тон предмета, а цвет не имеет значения.

Рисунок 1. Картина,  выполненная в технике гризайль.

Гризайль — в истории европейской станковой и монументальной живописи есть приемы, когда художники выполняли тематические фигуративные и орнаментальные композиции в технике гризайль, при этом изображаемые на плоскости объемные предметы решались с использованием градаций тонов от черного до белого.

В черно- белом варианте живописец может взять настолько точно тональные отношения и вместе с тем так разыграть все нюансы, что полностью начинаешь ощущать и колорит произведения, и окраску каждого предмета. Мало того, гризайль дает возможность пофантазировать, представить картину в собственной цветовой интерпретации.

Гризайль — это монохромная живопись, живопись одним цветом. Чаще всего черным или коричневым. Важен принцип одноцветного изображения. В гризайли учитывается только тон предмета, а цвет не имеет значения.

ЦВЕТОВОЙ ТОН

Цветовой тон в живописи это не то же самое, что тон в рисунке. Это характеристика цветов по восприятию, обозначаемая соответствующим названием: красный, желтый, синий, т.е. это, собственно, цвет.

То, что мы называем тоном в рисунке, в живописи называют светлотой. Т.е. у каждого цветового оттенка есть определённая светлота. Например, синий мы можем взять в разной светлоте, от светло-голубого до тёмно-синего индиго. Каждому из этих оттенков будет соответствовать тот или иной серый тон в рисунке или гризайли.

Именно правильно подобранный по светлоте оттенок позволит вам сделать живопись объемной и пространственной. Вы можете изменить цветовой тон оттенка, например, сделать небо более зеленоватым или сиреневым, но если при этом вы правильно подберёте его светлоту, то небо останется небом.

Именно поэтому в живописи умение различать и правильно передавать светлоту оттенка является приоритетным по сравнению с достоверной передачей цветового тона или насыщенности. Только правильная передача светлоты гарантирует реалистичную передачу объёма предметов, их фактуры и материала, а также глубины пространства.

Техника гризайли широко использовалась в станковой живописи в Средние века. Примером может служить Алтарь Геллера, созданный Маттиасом Грюневальдом и Альбрехтом Дюрером по заказу богатого франкфуртского купца Якоба Геллера. Кисти Грюневальда принадлежат внешние створки, на которых изображения святых имитируют скульптуру. Другим известным образцом гризайли является картина Рембрандта «Проповедь Иоанна Крестителя» (1634 — 1635 г.) из коллекции Государственных музеев Берлина (рис. 2). Для такого рода рельефной техники живописи часто использовалась гризайль.

Рисунок 2. Картина Рембрандта «Проповедь Иоанна Крестителя» (1634 — 1635 г.)

Техника гризайли использована Пабло Пикассо в картине «Герника» (рис. 3). Название «гризайль» одинаково применимо и к одноцветным картинам, писанным масляною краской, и к рисункам, сделанным акварелью, например, китайскою тушью с белилами или без оных; но название это присвоено преимущественно таким произведениям кисти, которые составляют подражание барельефам или горельефам. Хотя в гризайлях подобного рода довольствуются по большей части передачею эффекта совершенно белых скульптурных работ, однако, при их исполнении необходимо принимать в расчет, что в натуре всегда встречаются оттенки различных тонов, зависящие от источника освещения, от рефлексов, от вещества, из которого сделан рельеф и т.п., а потому иметь на палитре, сверх белой и черной красок, еще и другие – голубую, коричневую, красную, желтую и даже малиновую.

Рисунок 3. Картина  Пабло Пикассо «Герника»

Гризайль может быть коричневой, серой, умбристой или сиреневой, главное, что в процессе ее создания используется один цветовой тон, допускается лишь применение белил.

ЗАДАЧИ ГРИЗАЙЛИ

Задачи учебной и художественной гризайли несколько отличаются.

1. Учебная гризайль может быть самостоятельной работой, призванной закрепить через живописные приёмы, наработанное в рисунке владение тоном. Может создаваться в качестве основного рисунка на холсте, с последующей моделировкой светотени перед введением цвета.

2. Художественная гризайль рассматривается уже как самостоятельное произведение, задачей которого является утверждение эстетической ценности монохромного колорита картины.

Приглашаем на наши мастер-классы «Живопись Маслом», чтобы попробовать написать картину в такой технике.

Гризайль — удивительная и глубокая техника одноцветной живописи

Одной из наиболее удивительных и глубоких техник в живописи, несмотря на свою монохромность, является гризайль. Ее название в переводе с французского означает серый, но в действительности, она может быть исполнена в любом цвете. Ведь она заключается в одноцветной передаче изображения с использованием тональных градаций. Именно тон, а не цвет имеет здесь значение. Правильно подобранный по светлоте оттенок определенного цвета позволяет сделать работу объемной и пространственной. А ее монохромность оставляет место для фантазии и собственной цветовой интерпретации.

Гризайль в истории живописи

Началом активного использования техники гризайль в живописи принято считать эпоху Средневековья. Послужить этому могла скудная палитра цветов либо строгие религиозные каноны. Как бы там ни было, в результате монохромная живопись стала набирать популярность и достигла пика в эпоху Возрождения. Особо искусные мастера того времени могли создавать произведения, которые практически не отличались от объемных скульптур. Это вызывало особый восторг в обществе, а некоторые хитрецы даже использовали картины в технике гризайль как имитацию каменной скульптуры в интерьере.

Со временем гризайль переместилась в станковую живопись. Ярким примером являются фрески и потолок Сикстинской капеллы, которые частично выполнены в этой технике. Также она активно использовалась иллюстраторами в рукописных манускриптах, и по сей день применяется художниками для создания эскизов. Ведь после выполнения композиционного рисунка, художник передает рельефы, объемы и тени зачастую одним основным цветом.

Однако постепенно техника стала терять былую популярность пока в начале ХХ века не произошел переворот во всем мире искусства. Мастера стали на путь поиска новых смыслов и их воплощений на холсте, в результате чего они вновь обратили внимание на монохромную живопись. С помощью нее делали акцент на внутренних переживаниях человека, а не на достоверном изображении реальности, прибегая к новой изобразительной эстетике.

На сегодняшний день, технику в основном используют молодые художники, которые учатся передавать форму и фактуру предметов. Достаточно популярен гризайль и в интерьере. К примеру, натюрморт в одном цвете или черно-белый портрет – стильное и актуальное решение для дома, которое пользуется спросом.

Техника рисования гризайль

Кому-то данная техника может показаться простой. Ведь используется лишь один цвет. В действительности же она требует тонкого понимания тонов и является очень полезной для усовершенствования своих художественных навыков. А особым мастерством является подбор настолько точного соотношения тонов, что работа даже передает ощущение цвета. Ведь именно соотношение и сочетание тонов имеет большую важность, нежели точная цветопередача в живописи.

Техника гризайль позволяет художнику лучше чувствовать цвета и оттенки, рассматривая их уже с точки зрения насыщенности и интенсивности. Что немаловажно для изображения фактуры и объема на полотне. Более того, она позволяет фантазировать и рисовать в своем воображении собственную палитру цветов.

Весь процесс работы в технике гризайль можно разделить на следующие базовые этапы:

1. Исследование предмета изображения, анализ соотношения света и тени.
2. Изображение основных форм.
3. Работа с самым светлым тоном.
4. Работа с тоном средней интенсивности.
5. Работа с темными тонами.
6. Выделение самых темных или самых светлых мест (в зависимости от выбранного вами материала).
7. Добавление промежуточных тонов при необходимости.

Конечно, с разными материалами последовательность данных этапов может меняться. К примеру, с акварелью мы двигаемся от светлых к темным тонам, с маслом же мы выделяем белилами самые светлые участки в конце. Но однозначно, все эти шаги будут присутствовать в процессе создания работы гризайль.

Натюрморт в стиле гризайль

Одним из самых популярных жанров в технике гризайль является натюрморт. Во многом это связано с тем, что на нем начинающие художники отрабатывают навыки передачи светотени. Ведь подобная практика существенно повышает уровень художественного мастерства и позволяет новичкам прочувствовать глубину и разнообразие оттенков.

Если вы тоже решили попрактиковаться данным образом, необходимо учесть несколько важных факторов:

• предметы для натюрморта нужно подбирать разные по размеру, фактуре и форме;
• предметы должны быть гармонично установлены в вертикальной и горизонтальной плоскостях;
• драпировка должна быть умеренной без большого количества складок, но и не гладкой;
• наличие хорошего освещения особо важно для отслеживания светотени.

Ну и конечно, помните, что процесс работы будет зависеть от используемых вами материалов. Рисовать в технике гризайль можно чем угодно. Это может быть гуашь, акварель, масло, тушь или карандаши. Независимо от вашего выбора, данная практика однозначно будет полезна и откроет вам много нового.

Монохромные картины

Картины выполненные в одном цвете называются монохромными. Чаще всего такие работы написаны в разных тонах серого цвета, где они варьируются от светлых к темным, от прозрачных к насыщенным и от холодных к теплым.

Такие картины не являются эскизом или подмалевком в процессе создания работы, а выступают самостоятельным и конечным результатом изображения предмета или человека. Прекрасным примером монохромной картины, получившей общественное признание считается работа Пабло Пикассо под названием «Герника». Она выполнена в свойственном мастеру стиле кубизм и раскрывает перед зрителем весь ужас и боль слова «война». Ведь данная работа посвящена одному из городов Испании, который потерпел ужасные потери во время бомбардировки.

И это далеко не единственный пример пронзительной и трогающей монохромной живописи в мире искусства. Многие известные мастера обращались к технике гризайль в своих работах в разные исторические эпохи. Среди них Бове, Босх, Рубенс и Ван Эйк. А значит, данная техника точно стоит того, чтобы занимать отдельное место в мировой живописи.

Монохроматические цветные картины (примеры от мастеров) – Искусство найдено

Одним из самых невероятных аспектов живописи является возможность наблюдать за невероятными цветовыми палитрами, разработанными художниками. Настолько, что некоторых художников можно узнать просто по их выбору цветов. Не секрет, что цвета, используемые в картине, могут задавать ее атмосферу и настроение так же, как и ее тема.

Картины Томаса Гейнсборо

Включите JavaScript

Монохроматические цветные картины — отличный пример того, как художники могут создавать увлекательные картины с ограниченными ресурсами. Другими словами, монохроматическая картина — это произведение искусства, в котором используются оттенки только одного цвета.

В этой статье мы рассмотрим некоторые из самых запоминающихся монохромных картин из истории искусства.

Леонардо да Винчи – «Скапильята»

(Эта статья может содержать партнерские ссылки. Это означает, что если вы нажмете на партнерскую ссылку и совершите покупку, я получу комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас)

Развивайте свою творческую игру! Совершенствуйте свое мастерство на уроках, проводимых лучшими творческими людьми мира → Просмотреть все творческие курсы

«Скапильята» Леонардо да Винчи была создана в 1508 году, и ее название переводится как «растрепанный». Эта эффектная и элегантная незавершенная работа очаровывает публику повсюду.

Поскольку это эскиз, он имеет ограниченную цветовую палитру, так как да Винчи работал только маслом, умброй — коричневым пигментом — и белилами поверх деревянной панели. «Скапильята», также известная как «Женская голова», представляет собой мощное изображение естественной красоты молодой женщины.

Изображение да Винчи женщины с растрепанными волосами — прекрасный пример того, как художники изображали женщин по-другому, чем раньше, что в конечном итоге повлияло на отношение к женщинам в обществе.

Джулиан Ондердонк – «Сцена с голубым чепчиком»

Джулиан Ондердонк был выдающимся художником в истории техасского искусства. В раннем возрасте он смог учиться у мастера американского импрессионизма Уильяма Мерритта Чейза, у которого также учился отец Ондердонка.

Как и большинству импрессионистов, Ондердонку нравилось работать на пленэре, то есть он рисовал на месте, наблюдая за солнечным светом и его меняющимся эффектом. Он стал очень популярным благодаря своим запоминающимся цветным картинам, особенно с изображением голубых шляп.

«Сцена в синей шляпе» показывает пейзаж, в котором Ондердонк использовал преимущественно оттенки фиолетово-синего цвета, создавая почти сказочную обстановку.

Пьер Огюст Ренуар – «Портрет молодой девушки»

Пьер Огюст Ренуар был одним из ведущих представителей современного импрессионизма. Его продукция состояла из ярких и привлекающих внимание цветов, и он создавал в основном красочные картины.

Одним из наиболее часто повторяемых сюжетов художника была женская фигура — от портретов женщин в повседневной жизни, таких как чтение или игра на пианино, до портретов обнаженной натуры.

«Портрет молодой девушки» — невероятный монохромный портрет, выполненный с использованием оттенков оранжевого цвета, придающий произведению яркую и теплую атмосферу.

Пауль Клее – «Вращающийся дом»

Произведение искусства «Вращающийся дом» 1921 года, созданное Паулем Клее, представляет собой смесь абстракции с упрощенным образным представлением.

Эта красочная картина, скорее всего, была вдохновлена ​​художественным и архитектурным видением немецкой школы Баухаус, в которой Клее начал работать учителем в том же году, когда он завершил эту картину.

Клее смог создать современный шедевр, используя ограниченную палитру преимущественно желтого цвета в «Вращающемся доме», что придает ему веселую и жизнерадостную атмосферу.

Макс Либерман – «После дождя»

Как один из ведущих художников немецкого импрессионизма, Макс Либерман создавал захватывающие морские пейзажи, наблюдая мимолетные эффекты солнечного света на этих достопримечательностях.

«После дождя», созданный в 1902 году, не является исключением из его невероятных изображений моря. В этой репродукции художнику удалось передать все это с помощью ограниченной палитры сине-зеленых тонов, придающих картине умиротворяющую атмосферу.

Исаак Левитан – «Тропинка в лесу папоротников»

Написанная в 1895 году картина Исаака Левитана «Тропинка в лесу папоротников» является прекрасным примером того, что стало известно как «пейзаж настроения». Этот стиль живописи был основан на одухотворенном видении природы, и в нем практически отсутствует изображение человеческого присутствия.

Русского художника высоко ценили и даже сравнивали с мастером импрессионизма Клодом Моне.

На этой репродукции картины маслом «Тропинка в лесу с папоротниками» представлена ​​монохромная версия, в которой преобладает яркий зеленый цвет. Зеленые тона, использованные в пейзаже, усиливают идею «пейзажа настроения», делая сцену почти воздушной.

Томас Уилмер Дьюинг — «Песня»

«Песня» — это завораживающая картина, посвященная самой известной теме Дьюинга — изображению аристократических женщин.

Что отличает это произведение искусства от остальных, так это великолепное использование цвета. Эта картина, выполненная в зеленых тонах, с монохромной палитрой дает сюрреалистическое восприятие обычной повседневной сцены.

Две красивые женщины кажутся почти призрачными из-за того, что Дьюинг использует цвет. Американский живописец сыграл значительную роль в современной американской живописи и даже стал одним из основателей группы The Ten.

В 1880-х годах в США возник стиль под названием тонализм, в котором художники использовали цвет для создания атмосферы в пейзажах.

Казимир Малевич – «Черный квадрат»

Когда мы думаем о монохроматике, часто первое, что приходит на ум, это черно-белое.

Впервые представленный публике в 1915 году, «Черный квадрат» Малевича столь же культовый, сколь и озадачивающий. Художники полностью берутся за абстракцию и отказываются от всех символов в этом шедевре, который был новаторским для своего времени и продолжает вызывать диалог в мире искусства.

Это произведение искусства многие называли «нулевой точкой живописи», а сам художник утверждал: «Именно с нуля, в нуле начинается истинное движение бытия».

https://youtu.be/IVraaTI4TxcВидео не может быть загружено, так как отключен JavaScript: Картина 101: Монохроматические цветовые схемы (https://youtu.be/IVraaTI4Txc)

Узнайте больше о монохроматических цветовых схемах в этом видео.

Заключение

Хотя монохромные цветные картины стали наиболее популярными в современном искусстве, в истории искусства можно найти много известных цветных картин, в которых художник создает произведение с одним доминирующим цветом.

Выбор цвета может вызвать разные эмоции и придать совершенно новый смысл произведению искусства.

Кроме того, монохроматические цветные картины способны усиливать реакцию зрителя при грамотном использовании, как эффектные цветные картины, представленные в этой статье.

Еще от Artistry Found

• Что такое оттенок, оттенок и тон в искусстве? (Переменные, влияющие на цвет)
• Какие цвета чаще всего используются в искусстве? (Возможно, вы будете удивлены!)
• 10 основных причин, по которым вы должны покупать искусство

(Изображения предоставлены 1st-Art-Gallery. com)

---

Твитнуть

Электронная почта

10 лучших одноцветных картин, которые стоят больше, чем ваш дом

Искусство — сложная профессия. Вы можете потратить десятилетия на изучение навыков рисования, черчения и композиции. Тем не менее, вы ничего не добьетесь, если у вас не будет природных способностей.

Конечно, всегда можно пойти другим путем: нанести немного краски на холст и продать его за миллионы. Вот 10 художников, которые создали работы одним цветом. Будут ли они великими произведениями или нет, зависит от вашей интерпретации их значения.

См. также: 10 версий известных картин поп-культуры

10

Абстрактная живопись
Эд Рейнхардт

Фото предоставлено: Ад Рейнхардт

абстрактного экспрессионизма — бессознательного применения цветов и форм. Его ранние работы включали геометрические формы и другие традиционные техники. Однако после 1940-х годов он перешел к работам, полностью состоящим из одного цвета.

За последние 10 лет своей жизни он создал только серию квадратных полотен, полностью окрашенных в черный цвет. Они были описаны как его «последние картины». После того, как он нарисовал эти черные квадраты, он считал, что никому больше нечего будет рисовать. ^[1]

На первый взгляд они могут показаться совершенно безликими. Но есть тонкие вариации. Чтобы заметить их, требуется много времени и усилий, которые не каждый готов отдать. Когда они впервые были выставлены в Музее современного искусства в Нью-Йорке, один посетитель отказался от членства в знак протеста.

9

Черный квадрат
Казимир Малевич

Фото: tate.org.uk

В 1913 году, когда родился Ад Рейнхардт, Казимир Малевич создал прототип своих окончательных картин с помощью собственного черного квадрата. В то время как Рейнхардт заполнял свой холст черным цветом, Малевич просто нарисовал черный квадрат в центре своего творения. Он писал: «В 1913 году, отчаянно пытаясь освободить искусство от мертвого груза реального мира, я укрылся в форме квадрата».

Черный квадрат был описан некоторыми как «первый случай, когда кто-то нарисовал картину, на которой ничего не было». Его еще сам Малевич называл «нулевой точкой искусства», чтобы обозначить все, что было после него, как современное.

Хотя картина когда-то была однотонно-черной, со временем на ее поверхности образовалась бешеная дорожка трещин, обнажающая белизну под ней. ^[2]

8

Белые картины
Роберт Раушенберг

Фото: sfmoma.org

Еще одна серия черных картин была создана Робертом Раушенбергом в первые годы его карьеры. Нарисованные по газете, приклеенной к холсту, они выглядят как облупившаяся кора. Но он также создал серию белых картин.

Пять картин из серии White на самом деле представляют собой наборы из одного, двух, трех, четырех или семи одинаковых белых полотен, которые можно повесить вместе. Когда они впервые выставлялись, они считались дешевым трюком, но теперь их можно найти в галереях по всему миру. Поскольку краска со временем разрушалась, друзьям Раушенберга приходилось несколько раз перекрашивать их, чтобы сохранить их.

Раушенберг был другом композитора Джона Кейджа. Он написал известное музыкальное произведение под названием 4’33” , в котором пианист или другой инструментальный исполнитель сидит молча 4 минуты 33 секунды. В результате произведение состоит из звуков окружающей среды. Пожалуй, это идеальное сопровождение к этим картинам. ^[3]

7

Монохромная белая живопись
Li Yuan-chia

, скульптура, мебель и подвесные мобильные телефоны. Он создал Монохромная белая картина в 1963 году. Хотя при случайном наблюдении видна пустая белая поверхность, есть особенности, которые можно обнаружить с близкого расстояния. ^[4]

Картонные круги прикреплены к холсту и закрашены таким же белым цветом, как и фон. Ли описал круги как «космические точки». Он считал точки началом и концом всех вещей. Эти точки были связаны с положением вещей в безграничном пространстве Вселенной. Первоначально картина называлась 9.0017 2=2-2 .

6

Картина Дилана
Брайс Марден

Фото: sfmoma.org Однако к моменту завершения работы Дилан, будущий лауреат Нобелевской премии, был уже более известен, чем Марден. Так картина осталась у Мардена. ^[5]

Холст был окрашен скипидаром и пчелиным воском, к которому был добавлен серый цвет. Затем художник использовал шпатель, чтобы выровнять поверхность, оставляя следы, подтверждающие его работу. В нижней части картины также была полоса неокрашенного холста. Туда пускали краску, а другие метки оставались, чтобы показать процесс творения.

5

Achrome
Пьеро Манцони

Фото: pinterest.ca

Пьеро Мандзони наиболее известен своим ироничным подходом к искусству. Его величайшая работа называлась « Художественное дерьмо ». Предположительно 90 банок были заполнены отходами художника и проданы по цене веса каждой банки в золоте. Однако он работал и в несколько более традиционных СМИ.

Его серия работ под названием Achromes выглядит белой, но художник описывает ее как бесцветную. Он начал серию с простых белых полотен. Иногда их сильно раскрашивали, чтобы показать текстуру красок. Более поздние работы были выдолблены и перечеркнуты линиями.

Ближе к концу сериала Манцони перестал использовать холст и начал использовать хлопок, акриловую смолу, стекловолокно и расписные булочки. Он также начал подкрашивать свои работы пигментами, которые со временем меняли цвет. ^[6]

4

Суррогатные картины
Аллан Макколлум

Фото: allanmccollum.net

Аллан Макколлум свел картины к общей форме. Его работы являются заполнителями для картин. Хотя его произведения выглядят как картины в рамах, на самом деле они представляют собой гипсовые слепки, которые были так раскрашены. Нет никакой разницы между картиной внутри и рамой. Нет двух одинаковых. Это серийные, но ручные работы. ^[7]

Картина внутри каждой «рамы» совершенно безликая, без следов руки художника. Его студия устроена как производственная линия, и его помощники играют роли на каждом этапе. Surrogate Paintings устраняет разрыв между искусством и автоматизацией.

3

Серый
Герхард Рихтер

Фото: wikiart.org

Картины Герхарда Рихтера варьируются от богато детализированных, почти фотореалистичных портретов до ярких абстрактов. Он даже спроектировал витраж для Кёльнского собора, состоящий из квадратов яркого стекла. Помимо этих работ, он создал серию «серых картин».

Картины различных оттенков серого варьируются от невыразительных матовых работ до сложных узоров. Большинство из них были созданы в 1960-х и 70-х годах. Рихтер считает «серый» идеальным цветом для представления небытия. Он объяснил: «Это не вызывает чувств или ассоциаций, на самом деле это ни видимо, ни невидимо». ^[8]

2

Veil
Shirazeh Houshiary

Фото: Twitter

Shirazeh Houshiary — иранский художник, бывший номинант на престижную премию Тернера. Ее работы в области концептуального искусства висят в Нью-Йоркском музее современного искусства и в коллекции Тейт.

Ее картина 1999 года Veil выглядит как простой окрашенный черный квадрат. Она считает Veil автопортретом. Художник писал суфийские фразы на арабском языке на холсте, окрашенном в черный цвет графитом. Даже с близкого расстояния их почти невозможно увидеть. Хушиари считает свои работы чем-то средним между живописью и рисунком. ^[9]

1

IKB 79
Ив Кляйн

Фото: artuk.org

Традиционно синий был редким цветом в искусстве. Источники синей краски часто были дорогими, потому что ее было трудно производить. Лазурит, пигмент ультрамарина, пришлось импортировать из Афганистана. Ив Кляйн решил, что синий цвет станет средой его жизни. ^[10]

В 1946 году, лежа на пляже со своими друзьями, Клейн смотрел в голубое небо. Он взял его за руку и написал свое имя на небе, заявив, что оно его собственное.