Картина жук ильи кабакова: Такой блистательный жук — Vintage — Искусство — OpenSpace.ru

Содержание

Такой блистательный жук — Vintage — Искусство — OpenSpace.ru

Екатерина Дёготь собирает свою «Коллекцию» – произведения разных авторов, времен и течений, выполненные в разных техниках и хранящиеся в разных собраниях. Основной критерий отбора: они наводят Екатерину Дёготь на размышления. Первый перл в коллекции – блестящий жук

Илья Кабаков. Жук. 1982

Картина Ильи Кабакова «Жук» (1982) выглядит странным пророчеством относительно ее судьбы на художественном рынке, с которым сам автор в 1980-е годы, живя в СССР, на практическом уровне еще знаком не был. Великолепное в своем идиотизме детское стихотворение, написанное на поверхности картины, рассказывает о том, как юный герой нашел жука, который такой «блестящий» и потому очень «подходящий» для его коллекции, но жук, однако, «вырывается, прыгает, стрекочет», потому что «в коллекцию попадать не хочет».

Заметим, что жук категорически не хочет «попадать», а не «попасть» в коллекцию, то есть речь идет о некоей принципиальной позиции, а не просто о борьбе за выживание.

Современный арт-рынок, как известно, тоже гоняется, причем в последние годы в крайнем исступлении, как раз за наиболее «блестящими», наиболее привлекательными произведениями искусства, желая загнать их «в коллекцию», в то время как художник – если это серьезный автор – не хочет быть пойман, быть полностью исчерпан рынком. Поэтому он идет по пути постоянной инновации, порой начинает работать в инсталляции, видео, перформансе («прыгает, стрекочет»), которые не так-то легко продать. Тем самым он ограничивает число поклонников своего искусства лишь наиболее продвинутыми ценителями, – что в свою очередь повышает стоимость его работ, о чем позже с видимым удовольствием писал в своей книге «О новом» единомышленник Кабакова Борис Гройс.

Кабаков интуитивно понял этот механизм инновации как взаимной игры художника и рынка в кошки-мышки.

Его произведения начала 1980-х годов становятся нарочито «блестящими» и визуально «соблазнительными». Он впервые начинает писать большую, иллюзорную «живопись». До этого, в 1970-е годы, его жанром были в основном альбомы и линейные картины в духе плакатов, стендов, разного рода дидактических таблиц.

Теперь информативная, но скучная бюрократия уступила место красочному развлечению. Кабаков стал использовать цветную фотографию (причем качеством лучше, чем в «Огоньке» и даже в «Советском Союзе»; тянет на журнал «Америка»), увеличивать ее и помещать тексты (без которых он не обходится) не на белом поле, а прямо поверх изображения. К знаменитым картинам этого нового цикла относятся «Гастроном» (1981), «Аллея» (1982), «Первый снег» (1983), «Комната “Люкс”» (1981) – и «Жук» (1982).

Таким образом, теперь текст пишется не черным по белому (как в книге или как в «Черном квадрате» Малевича), а белым по цветному. Это огромная перемена. Это означает, что он становится всего лишь краткой (вот-вот затянется, как лунка на льду) паузой в гладкой непрерывной картинке, которая уже не приклеивается (ну, как бы) на лист бумаги, как это было у Кабакова раньше, но существует в логике экрана, заполняет собой все, не имея альтернативы.

Раньше текст был изначален, теперь приоритет у картинки, а текст уж ищет себе место (с переменным успехом). А это значит – рациональная, познавательная процедура чтения может быть только редким просветом в непрерывном фейерверке мгновенно генерируемых фото-, теле- и кинообразов.

Кабаков уловил тут важный переломный момент и в мировом, и в советском масштабе. Его новая серия возникла в момент «сдвига парадигмы» от критического подхода образца 1968 года к постмодерной игре виртуальными образами, от логики разрыва к логике тотальности. Философы с упоением заговорили о «непрерывном потоке образов», о «бесконечном желании».

Как раз в это время в СССР стал непопулярен дидактический и в основе своей критический принцип монтажа изображений, идущий еще от авангарда. Над стенгазетами и противопожарной агитацией все стали смеяться. Идеалы просвещения (именно они лежали в основе советской модели культуры, со всеми их достоинствами и недостатками) стали считаться невероятно старомодными и провинциальными. Официальное искусство, кино, пропаганда капитулировали перед антидидактическим (проще говоря, «для недорослей») принципом развлечения и соблазна при помощи картинки, то есть перед миром западной массовой культуры, который хлынул в СССР неудержимым потоком. Это произошло именно в начале 1980-х годов и стало предвестием скорого заката СССР.

Кабаков отнюдь не адепт этого процесса капитуляции текста перед образом – он полон скепсиса и иронии. В этой своей «блестящей» серии он разрабатывает пародийный язык советской роскоши (а качество изображения напоминает о цветном телевизоре): парковая аллея и номер-люкс в гостинице указывают на курортный отдых, оживленность в гастрономе – на изобилие, а строительные краны около новой станции метро («Первый снег») – на улучшение жилищных условий. Жук же в русском советском языке этого времени – это не только визуальная метафора драгоценного камня в красивой оправе, но и обозначение хитрого человека, умеющего делать деньги. Думаю, что Кабаков и в своей повседневной жизни этим словом активно пользовался.

Для этой серии Кабаков сознательно выбрал «пустые» тексты. Их даже нельзя назвать тривиальными, как те отрывки из бытовой речи коммунального мира, которыми Кабаков занимался чуть ранее, в своей «Кухонной серии»; те поражают своей бытовой (матерной) сочностью и хлесткостью, эти же пусты, как коммерческая реклама или «музак» для лифтов. К такой «музычке» Кабаков относит не только детские стишки, как в «Жуке», но и настоящую романтическую поэзию XIX века (в «Аллее») или слезное любовное письмо (в «Первом снеге»). В любом случае это мир «человеческого», мир эмоций, который Кабаков держит строго за рамками искусства. Последнее для него – теоретический, философский проект, не разбавленный никакими слюнями восторга.

Впрочем, серия «глянцевых» картин, к которой принадлежит «Жук», позволила Кабакову интегрировать в свое искусство умение соблазнять и удерживать зрителя иллюзорностью, что он позже использовал в своих проектах инсталляций. Через четыре года после «Жука» была создана классическая инсталляция Кабакова «Человек, улетевший в космос».

Ее сюжет – прорыв иллюзорной плоскости и выход в реальное трехмерное пространство – описывал и эволюцию самого художника. Кабаков «выпрыгнул» из «Жука» и полетел дальше.

Еще по теме:
«Туалет» Кабакова: своими глазами
Кабаковы в «Гараже»: cвоими глазами
Открытие ретроспективы Ильи и Эмилии Кабаковых в ГМИИ им. А.С. Пушкина
Екатерина Деготь. Розенталь, Спивак и все остальные Ильи Кабаковы
Екатерина Деготь. О чем грустить в «Туалете» Кабакова
Илья Кабаков: «Сейчас экстраверты командуют парадом, но так будет не всегда»
Анна Арутюнова. Кабаков: динамика, проценты, доли
Анастасия Паленова. Кабаков on sale
Десять самых дорогих работ Ильи Кабакова
Галеристы о Кабакове

Кабаков как бренд | Forbes.ru

Сумма $5,8 млн, уплаченная в феврале 2008 года на лондонском аукционе Phillips de Pury за работу Ильи Кабакова «Жук», поражала воображение. Но уже не была сенсацией.

За полтора года до этого, в июне 2006 года, тот же аукционный дом продал работу Кабакова La Chambre de Luxe («Номер люкс») за $4,1 млн. Вот это действительно было удивительно, так как никогда раньше аукционные цены на работы художника не превышали полумиллиона долларов. Что случилось в середине «нулевых» с современным искусством? И благодаря чему именно Кабаков стал самым дорогим из ныне живущих российских художников? Forbes разобрался в феномене успеха, выделив 7 его составляющих.

1 Величина

«Многие сейчас забывают, что Кабаков сначала работал 30 лет в России. Он привез в США из Советского Союза огромное количество картин», — рассказывает жена художника Эмилия. Карьера Ильи Кабакова, которому сейчас 76, началась в середине 50-х годов прошлого века. Официальной работой выпускника Суриковского института долгие годы была иллюстрация детских книг, но одновременно он делал работы «для себя». Его и подобных ему называли нонконформистами и художественными диссидентами, это было неофициальное советское искусство.

Кабакова считают одним из отцов-основателей направления, названного московским романтическим концептуализмом, — о нем еще в 1970-х годах были написаны исследования и книги. С середины 1960-х годов Кабаков участвовал во многих выставках (квартирных) в Советском Союзе и за рубежом, и уже к началу 1980-х он был одним из самых известных за пределами страны «неофициальных» советских художников.

Реклама на Forbes

2 Эмиграция

В 1987 году Кабаков получил первый грант — австрийской некоммерческой организации, поддерживающей художников, затем был грант французского правительства, затем — немецкой службы обменов. Гранты позволяли жить за границей, создавать инсталляции, проводить выставки. Кабаков все меньше времени проводил в СССР и наконец решил не возвращаться совсем: дома у него не было и малой доли таких возможностей, как за рубежом. На конец 1980-х годов приходится пик «перестроечного» интереса к советскому альтернативному искусству, поэтому Кабаков уехал очень своевременно.

«Из своего поколения он уехал, в общем, последним, он много аккумулировал здесь и вышел на международную сцену с огромным багажом», — говорит заведующий отделом новейших течений Третьяковской галереи Кирилл Светляков. Не сам факт эмиграции помог его дальнейшей карьере — многие из считавшихся перспективными советских художников оказались не востребованными на Западе — важнее то, что Кабаков уезжал как сложившийся мастер и «с конкретными проектами для конкретной аудитории», поясняет Светляков. Кроме того, именно за границей произошла встреча, во многом благодаря которой международная карьера Кабакова состоялась в ее нынешнем виде.

3 Эмилия

В 1989 году Кабаков начал работать со своей будущей женой Эмилией Леках, уехавшей из Советского Союза в 1973 году. «Мало кому из художников удавалось найти в жене не только друга и благонадежного менеджера, но и соавтора, на ум приходит только Дали. Примеры такого тандема в художественной истории ХХ века присутствуют, но столь удачного, наверное, нет», — говорит гендиректор Sotheby’s по России и СНГ Михаил Каменский. С 1990 года все новые работы подписываются «Илья и Эмилия Кабаковы». Эмилия становится менеджером, промоутером и казначеем творческого дуэта, а у Ильи появляется счастливая возможность творить, не отвлекаясь на бытовые детали. «Многие мне не верят, но на самом деле он абсолютный идеалист, он никогда не знает, сколько у нас денег в банке, есть ли у нас вообще деньги, — он отдал мне все права и все управление», — рассказывает Forbes Эмилия. Кабаков привез из СССР большое количество работ, но максимальная цена, по которой их на первом этапе удавалось продавать, составляла $50 000, а большая часть работ ушла по цене около $15 000 — позже Кабаковы старались выкупать эти работы обратно. Эмилия решила все изменить, взяв в свои руки отношения художника с рынком.

4 Стратегия

«В 1994 году я решила соотнести цены с ценами на других авторов и увеличить их — до $250 000–450 000 за инсталляцию и $200 000–350 000 за картину. Наши дилеры с этим согласились, и с тех пор мы очень медленно увеличивали цены», — вспоминает Эмилия. Один из постулатов новой стратегии Кабаковых — работ на рынке не должно быть много. Из 600 с небольшим работ, созданных Кабаковым за всю жизнь, около половины до сих пор находится в семье художников. «Я не могу ему сказать, чтобы он не делал картины, — в прошлом месяце, например, он сделал три, здесь никакого расчета быть не может, но я могу не выпускать на рынок сразу много работ, и это расчет», — поясняет Эмилия. Она же решила, что некоммерческий художник Кабаков не должен творить по заказу. «Мы с самого начала понимали одну вещь: мы выживем вместе как пара, если я не буду говорить: сделай, надо продать. Если у нас нет денег, это моя проблема, мы будем сокращать расходы, но не пойдем продавать, за исключением экстремальных ситуаций», — поясняет Эмилия. Но в стратегии Кабаковых есть единственное исключение: они работают по заказу, если его делает музей.

5 Музеи

«Большинство художников делают «что хотят» или «что продается». Кабаков же самый хитрый из наших художников: уехав из России, придумал свою оригинальную стратегию продвижения, основанную на необходимости понравиться не абы кому, а людям, принимающим решения в современном искусстве: музейщикам, кураторам, крупным коллекционерам и т. д.», — рассказывает коллекционер и владелец музея современного искусства ART4.ru Игорь Маркин. Если музей не может заплатить рыночную цену за работу Кабакова, эта работа будет продана ему за меньшие деньги или вообще подарена — с условием, что будет выставлена в постоянной экспозиции, говорит Эмилия Кабакова. В целом, по ее словам, на одну проданную работу приходится примерно две подаренных. Стратегия дала результат: работы Кабакова есть в большинстве крупнейших музеев современного искусства — в Музее современного искусства и Музее Соломона Гуггенхайма в США, Центре Жоржа Помпиду во Франции, Музее Людвига и Музее современного искусства в Германии, в музее Тейт Модерн в Англии и т. д. Альтруизм здесь скорее кажущийся, поскольку попадание в коллекции ведущих музеев напрямую влияет на стоимость работ художника, говорит владелица галереи «Айдан» Айдан Салахова. «Например, на цены на Дубосарского — Виноградова в свое время повлияло именно то, что их работу купил Центр Помпиду, а не то, что 25 работ купили какие-то другие люди, — именно попадание в музеи является рычагом движения цен», — поясняет Салахова.

6 Код

Один из коллекционеров рассказывает Forbes: «Кабаков дает кураторам тот образ России, который они хотят увидеть, и часто этот образ является фальшивым». Коллекционер относится к такой тактике негативно. Игорь Маркин, наоборот, отмечает, что это нормально: «Обладая незаурядным талантом, ставя себя на их место, он точно просчитывал их ожидания и с блеском исполнял». Кирилл Светляков из Третьяковки и вовсе видит в этом огромный плюс Кабакова-художника. «Да, он работал с советским материалом, как и многие, но именно в интерпретации Кабакова советский материал считывался, потому что он говорил на интернациональном языке», — поясняет Светляков. Жанр «тотальной инсталляции», в котором Кабаков работает с музеями и большими выставочными центрами, подразумевает умение организовать огромные пространства, с которыми советское неофициальное искусство никогда не работало, поэтому многие его коллеги терялись в больших залах западных музеев. «Они просто увеличивали сам объект, например вместо 10 картин писали 1000, а Кабаков искал способы освоить пространство, и ему, одному из немногих, удалось вылезти из квартирного формата», — говорит Светляков. «Кабаков первым смог перевести советское сознание в код и предложить ключи для его расшифровки, что открыло его работам мир, а миру — его работы. Он первым во второй половине XX века перешел из категории «художника из России» в разряд международных художественных звезд», — поясняет Каменский. «В силу своей художественной и смысловой уникальности он стал символизировать русское, поднятое на уровень международного контекста, что создало ему огромную зрительскую и рыночную аудиторию», — добавляет он.

7 Русские деньги

К моменту, когда в середине 2000-х годов цены на современное искусство начали бешено расти, Кабаков безусловно был самым известным его российским представителем на международном уровне. Цены на его работы держались примерно на одном уровне, как и говорит Эмилия Кабакова, — несколько сот тысяч долларов, не совершая резких скачков вниз или вверх. «А когда современное искусство стало опережать по темпам роста и количеству звезд не только рынок импрессионистов и модернистов, но и соседний рынок шоу-бизнеса, вот тут-то он и вознесся на небывалую высоту», — говорит Каменский. Не один Кабаков вдруг резко подорожал — резко подскочил вверх весь рынок современного искусства, который в какой-то момент потянул за собой и занимающее скромные позиции на мировом рынке российское искусство. А то, что его взлет стал настолько резким, — заслуга российских коллекционеров, уверен Светляков. До тех пор пока Кабаков и другие авторы продавались на международных аукционах как международные художники, цены колебались в предсказуемых пределах, но, как только они стали продаваться как русские художники, ситуация вышла из-под контроля. «Когда в русских аукционах стали участвовать в основном русские, цены скакнули так, что уже не были сравнимы ни с какой реальностью. Как бы мы ни убеждали себя, что мы часть мирового сообщества, в результате этого кульбита мы оказались в какой-то параллельной реальности», — говорит Светляков. «Жука», например, купил владелец компании «Акрон» Владислав Кантор (№48 в «Золотой сотне», $1,3 млрд). До настоящего времени «Жук» и «Номер люкс» остаются двумя самыми дорогими когда-либо проданными произведениями современного российского искусства. Правда, с тех пор не было ни одного аукциона, предлагающего работы сопоставимого масштаба, но рано или поздно мы узнаем, насколько те цены соответствовали реальности.

Первая ретроспектива Ильи и Эмилии Кабаковых открылась в Новой Третьяковке — Российская газета

В Новой Третьяковке открылась первая масштабная ретроспектива Ильи и Эмилии Кабаковых «В будущее возьмут не всех», которая была уже показана в лондонской Тейт Модерн и в петербургском Эрмитаже.

Точнее было бы говорить о трех частях одного проекта, изменения которого в трех важнейших точках на музейной карте мира складываются не в вариацию на одну тему, а в серию. Своего рода аналог знаменитых «альбомов» Ильи Кабакова. Как отдельный лист в альбоме самодостаточен, но включен в общее повествование и комментарии к нему, так и каждая выставка существует как отдельное целостное высказывание: зрители не обязаны знать об экспозиции в других музеях. Но, даже увидев две части проекта из трех — в Эрмитаже и Новой Третьяковке, нельзя не поразиться тому, как меняется сюжет и тема выставки.

В Тейт Модерн, где выставка Кабаковых была открыта в год столетия русской революции, экспозиция оказалась вписана в контекст споров о судьбе социализма и антибуржуазного протеста, иначе говоря в остро актуальный социальный контекст. Об этом на круглом столе в Новой Третьяковке, в частности, говорила Фрэнсис Моррис, директор Тейт Модерн, заметив, что картины Кабакова 2000-х годов (например, из серии «Рождение коллажа»), для зрителей ассоциировались с коллекцией советских фотоснимков 1920-1930-х исследователя и писателя Дэвида Кинга, на которых «исчезнувшие» лидеры революции вымарывались или вырезались.

В Эрмитаже в центре выставки оказался клинч двух важнейших для отечественной культуры тем: маленького человека и утопии, призванной сделать его счастливым. Основной сюжет экспозиции был выстроен на трех опорных инсталляциях: «Красный вагон» (1991, Дюссельдорф, сейчас — в Генеральном штабе Эрмитажа), «Лабиринт. Альбом моей матери» (1990, Тейт Модерн) и «В будущее возьмут не всех» (2001, МАК, Вена). Маленький человек при этом впервые у Кабакова не персонаж, даже не альтер эго художника, а реальный человек — его мама, Берта Юрьевна Солодухина, по просьбе сына безыскусно записавшая историю своей жизни в 83 года. Тяжкую историю скитаний и самоотречения ради сына читать мучительно. Иначе говоря, перед нами встреча Проекта с большой буквы с реальностью — с прописной буквицы. В отличие от «Красного вагона», в котором сошлись три этапа, три лика утопии — конструктивистская лестница-трибуна (привет Эль Лисицкому и Густаву Клуцису), соцреалистические росписи — то ли стенды, то ли картины — внутри вагона, и привычный мусор «замороженного» долгостроя, в «Лабиринте…» нет отсылок ни к «большому стилю», ни к великим проектам. Вместо них — образ домашнего альбома с вклеенными черно-белыми любительскими снимками Днепропетровска и Бердянска советских лет, с подписями и листками воспоминаний, перепечатанными на старой пишущей машинке.

Вроде бы портрет частной жизни. А поскольку проект перехода к лучшему будущему затянулся, то дома, собственно, нет. Часто даже и комнаты в коммуналке нет, все, что есть — съемный угол с сундуком и общий коридор к «местам общего пользования». А значит, приватность частной жизни неожиданно тоже выглядит утопичной. Так, пространство светлого вагона агитпоезда и спираль коммунального коридора обнаруживают странное родство. Словно на наших глазах прямая прогресса сворачивается в архаичный лабиринт Минотавра. Но слипаются не только прогресс и архаика, утопия и реальность, большое искусство и домашняя «самодеятельность», но и прошлое, и будущее. В этом контексте инсталляция «В будущее возьмут не всех», с рельсами на полу и «хвостом» уходящего поезда, где вместо огней — бегущая строка названия, со сваленными на землю картинами, выглядит станцией кольцевой дороги.

Скромная иллюстрация копеечной книжки и высокое искусство в вечности запросто уравниваются в правах

В отличие от Эрмитажа, в Третьяковской галерее центральной темой становится не Утопия, а Музей, тоже одна из любимых тем Кабакова. Инсталляция «Пустой музей» (1993) стала сердцем выставки Ильи и Эмилии Кабаковых в Новой Третьяковке. Удобные мягкие скамейки — в середине зала. Приглушенный свет, лепнина на потолке, красные стены с овалами света и музыка Баха, заполняющая пространство, правда, без единой картины… Казалось бы, перед нами наяву дивная греза о классическом музее, где на стенах сплошь «гранд-арт». Но отдохнув на скамеечке, насладившись Бахом, обратите внимание на тетрадный листок, где наспех криво от руки написано, что, дескать, шедевры привезут в среду, администрация приносит извинения. Легким движением шариковой ручки волшебный зал с невидимыми шедеврами превращается в незаконченную экспозицию, недоделанную работу, зияющий пробел. Зритель волен выбрать, что ближе ему из мерцающих смыслов инсталляции: музей как сакральное пространство, или как профанная пустота…

Соответственно основная интрига, вокруг которой разворачивается сюжет выставки «В будущее возьмут не всех», — это отношения художника и музея. Музея, который одновременно и манит обещанием вечности, и пугает бездонностью коллективного хранилища, где, конечно, все экспонаты пронумерованы-архивированы-учтены, но где и сгинуть запросто можно. Акцентирует эту линию «музейного» сюжета картина «Жук» (1982), которая первой встречает зрителей, предваряя экспозицию на манер эпиграфа. Это тот самый «Жук», который в феврале 2008 года стал самой дорогой картиной живущего российского художника. Тогда на лондонском аукционе Phillips de Pury & Co за него отдали 2,93 миллиона британских фунтов (5, 84 млн. долларов). Но идеален «Жук» в качестве первого экспоната на первой ретроспективе Кабаковых в Новой Третьяковке вовсе не из-за места в рейтинге цен. Эта картина своего рода квинтэссенция траектории движения Ильи Кабакова: от иллюстраций к детским книжкам, которыми он зарабатывал в 1960-1983 годах, к концептуальной картине. Страничка детской книжки, из тех, что редко переживали младенчество своих владельцев, превращается в драгоценное живописное полотно. Скромная иллюстрация для копеечной книжки и высокое искусство для вечности запросто уравниваются в правах. Словом, «Жук» в качестве программного произведения логично открывает экспозицию. Но кроме концепции картины есть еще концепция экспозиции. И сдается, что в шутливо-простодушном детском стишке о персонаже полотна: «Вырывается мой жук, / Прыгает, стрекочет, / Он в коллекцию мою / Попадать не хочет» — просвечивает и самоирония художника, «пойманного» в силки собственной мечтой о музейном будущем.

Инсталляция «В будущее возьмут не всех», плавно переходящая в «Пустой музей», оказывается в середине экспозиции. Эти две работы маркируют условную границу между творчеством раннего Кабакова 1960-1980 годов и поздними проектами тотальных инсталляций, с «Лабиринтом. Альбомом его матери» и инструкцией «Как встретить ангела». С одной стороны — художник «неофициального искусства», концептуалист, исследовавший потенциал бедного «искусства для всех», где «пелена» то ли стенда, то ли облупленной стены, то ли расписания выноса мусорного ведра, закрывает пространство видимого. Художник вытесняется из мира визуального, привычного для него, в текст, в шум реплик и звон подвешенных кастрюль. Он бежит из картины в пространство текста и инсталляции, как его персонаж катапультируется в космос из каморки коммуналки, оставляя дырку в потолке («Человек, который улетел в космос»). Нынешний Кабаков возвращается к живописи, которая притворяется то коллажем, то снежной пеленой, то жанровой сценой. И будущее, которое не для всех, опять мерцает неопределенностью — между тьмой и светом. Но значит, есть настоящее. Это обнадеживает.

От мухи к ангелу | Статьи

Третьяковская галерея представила первый громкий проект нового сезона: «В будущее возьмут не всех» Ильи и Эмилии Кабаковых. Ранее масштабная ретроспектива побывала в лондонском музее «Тэйт Модерн» и в петербургском Эрмитаже. Но даже тем, кто видел ее прежде, есть смысл посетить здание на Крымском Валу: здесь не только переосмыслена организация пространства экспозиции, но и добавлены новые залы и работы.

Открывает ряд московских премьер и выставку в целом «Жук» (1982) — произведение нашумевшее и в некотором смысле эмблематичное для Ильи Кабакова. В 2008 году оно было продано на аукционе за $5,8 млн, и это рекорд для работ ныне здравствующих российских художников.

Огромное, нарочито реалистическое изображение насекомого сопровождается написанным поверх текстом: «Я в траве нашел жука. / Черный жук, блестящий. / Для коллекции моей / Самый подходящий. / Вырывается мой жук, / Прыгает, стрекочет. / Он в коллекцию мою / попадать не хочет». Здесь и всепроникающая кабаковская ирония, и пародия на детские книги, иллюстрированием которых художник зарабатывал на жизнь в СССР, и апелляция к советскому культурному коду. Словом, образец концептуализма.

У Третьяковки в этом экспозиционном решении, видимо, имеется свой концепт. Зрителю напоминают, что Кабаков — феномен не только художественный, но и коммерческий. Ретроспектива отвечает на вопрос, из чего и почему он возник. Путь по выставке пролегает от ранних картин и ассамбляжей эпохи застоя (в их числе — «Ответы экспериментальной группы» 1970–1971 годов, первое произведение московского концептуализма) через классические инсталляции 1980-х («Человек, который улетел в космос из своей комнаты», «Случай в коридоре возле кухни») до новейших проектов, созданных в соавторстве с Эмилией Кабаковой.

И чем дальше, тем все более очевидно становится, что творчество Кабаковых — это не только препарирование советского мифа и бесконечная рефлексия на тему маленького человека в мире жэков и коммуналок, но прежде всего поиск новых универсальных смыслов.

Ранние работы — констатация абсурда, отравляющего своей повседневностью и обыденностью. «Чья это муха?» — «Это муха Николая», — гласит диалог на однотонной картине с изображением насекомого. «На эту вешалку я повешу свой пиджак», — деловито сообщает один из респондентов в «Ответах экспериментальной группы». Как тут не сбежать — да хоть бы и в космос, построив катапульту из подтяжек?

К художнику судьба оказалась более благосклонна: в перестройку ему удалось уехать на Запад и там стать мэтром. То, что было реальностью, повседневной жизнью, оказалось историей. «Коммунальные» работы Кабакова сегодня воспринимаются не ироничным зеркалом, а бережной «музеефикацией» явлений, которые западная публика никогда не видела, а российская знает в основном по рассказам родителей и бабушек-дедушек.

В финале ретроспективы зрителя ожидает зал «Как встретить ангела», центральный экспонат которого неожиданно рифмуется с «Человеком, улетевшим в космос». На вершине деревянного сооружения из множества лесенок маленький человечек протягивает руки к херувиму, слетающему с небес. Тоже своего рода метафора стремления к раю — быть может, наивного и тщетного в этой или иной жизни. Но есть, наверное, какой-то высший смысл в том, что Илья Кабаков в ходе творческой эволюции пришел от жуков и мух к ангелам, а всё творчество художника стало напоминать другую его инсталляцию — «Человек, который никогда ничего не выбрасывал», где множество «осколков» прошлого — событий, фраз, мыслей — обретают физическое воплощение.

Нонконформист Илья Кабаков «Условный рефлекс»: lovers_of_art — LiveJournal

Илья Кабаков, основатель московского движения концептуалистов, покинул СССР в 1988 году. Он является гражданином США и проживает в Нью-Йорке на Лонг-Айленде.

Илья Кабаков «Условный рефлекс» 1964 Дерево, масло, эмаль. 51,5 × 62,5
Sotheby’s. 24.09–01.10.2020. Картина Продана: £438,500

Илья Кабаков «Условный рефлекс» 1964 Дерево, масло, эмаль. 51,5 × 62,5

В рамках отдельного тематического аукциона Escape Artists — The Non-Conformists Online аукционный дом Sotheby’s выставил подборку почти из сотни работ советских художников-нонконформистов. Из 92 предложенных коллекционерам лотов были проданы 67 (72 %). Суммарная выручка составила £1,216 млн ($1,564 млн). Многие лоты ушли с превышением предварительной оценки. Средняя стоимость проданного лота составила $23,300

Илья Кабаков. «Маленькая галерея» 1967. Бумага, цветные карандаши, тушь.

Топ-лотом торгов стала работа Ильи Кабакова «Условный рефлекс» 1964 года, стоимость ее, с учётом комиссии Buyer’s Premium, составила (£438,5 тыс.) Картина происходит из коллекции легендарного американского журналиста Генри Шапиро, купившего «Условный рефлекс» напрямую у автора в 1973 году. Работа стала девятой в ценовом рейтинге работ Ильи Кабакова, проданных на открытых торгах.

Илья Кабаков картинка «Жук» (1982)

Аукционный рекорд на работы художника с 2008 года удерживает картинка «Жук» (1982), проданная на Phillips De Pury за $5,839 000. Большое (2,3 на 1,5 метра) полотно приобрела для неизвестного клиента Пилар Ордовас, глава отдела послевоенного искусства дома Christie’s. «Жук» написанная в 1982 году на фанере.

На ней изображен майский жук, поверх которого написан стишок.

Я в траве нашел жука. Черный жук, блестящий. Для коллекции моей Самый подходящий. Вырывается мой жук, Прыгает, стрекочет, Он в коллекцию мою попадать не хочет

Картина неоднократно выставлялась и включена в многочисленные каталоги и книги о советском оппозиционном искусстве и московском концептуализме.

Олег Васильев «55 километров от Москвы» 1992

Другие топ-лоты аукциона Escape Artists — картина Семёна Файбисовича «Маленькие смешные люди» из серии «Негативы» (£69,3 тыс.) и работа Олега Васильева «55 км от Москвы» (£60,48 тыс.).

Анатолий Брусиловский «Лицо и памятник Ельцину» 1997

По хорошим ценам были проданы работы Оскара Рабина «Луна и цветы», (£47,88 тыс.), Дмитрия Плавинского «Бабочка», (£47,88 тыс.), Владимира Немухина «Карточный стол», (£20,16 тыс.) и многих других авторов.

Владимир Немухин. Джек Ван Гог. Бумага, пастель.

Отличные результаты аукциона Escape Artists в очередной раз подтвердили, насколько востребовано творчество нонконформистов у коллекционеров отечественного искусства.

Источник: https://artinvestment.ru/news/auctnews/20201002_sothebys_nonconformists.html

Статья проиллюстрирована изображениями выловленных в бескрайних просторах Интернета.

Инсталляции ильи кабакова. Биография. Шкаф и туалет

Илья Кабаков родился в 1933 году в Днепропетровске. Мама – бухгалтер, папа – слесарь. В 1941 с мамой он переезжает в эвакуацию в узбекский Самарканд, куда на время переведен и Ленинградский институт живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина. В 1943 Илью переводят в художественную школу при Репинском в Самарканде, а в 1945 – в МСХШ: Московскую среднюю художественную школу на Крымском валу, теперь художественный лицей Российской академии художеств. В отсутствие московской прописки Кабаков живет в общежитиях, а мать – в самых невероятных условиях: в школьном туалете, в углах комнат, в сараях. Закончив МСХШ в 1951, Кабаков поступает в Суриковский институт в мастерскую книги к главному художнику издательства «Детгиз» (с 1963 года – «Детская литература») профессору Борису Александровичу Дехтереву. Еще до окончания института в 1957 Кабаков начинает работать иллюстратором в «Детгизе» и для журналов «Веселые картинки» и «Мурзилка». Позже Кабаков рассказывает о гнетущем постоянном чувстве страха, привитом ему уже детстве, в общежитиях, и остро ощущавшимся после. Он говорит, что даже не успел сформироваться, стать собой, а страх уже был, страх несоответствия ожидаемому, правильному, стандарту. Он четко ощущал разделение между собой – слабым, недостаточно привлекательным, неталантливым – и своими выдрессированными автоматическими реакциями на внешние требования. Явственно чувствовал свое несоответствие общественным ожиданиям, но и профессиональным тоже. Отучившись на живописца, Кабаков признается, что абсолютно не чувствовал цвета, мог понимать, но не действовать спонтанно. Отсутствие чувства он заменил натренированностью, знанием. Только этот факт нужно было скрывать, всегда скрывать. Себя он всю жизнь считает недоучкой, говоря, что попал в художественную школу в тот период, когда она была в глубоком дне, многие преподавали, потому что надо, часто были пьяны и не стремились никого ни в чем развивать. Таким, неуверенным и крайне негативно относящимся к государственной машине, к советскому социуму в целом Кабаков выходит в профессиональный мир. В студии Ильи Кабакова на Сретенском бульваре, Фотография: Игорь Пальмин

Начиная с конца 50-х и следующие 30 лет Кабаков занимается детской иллюстрацией. Это была самая нетребовательная с точки зрения цензуры сфера, самое важное было «надрессироваться», рисовать именно так, как хочет художественный редактор, научиться, как рассказывает сам художник, видеть глазами редактора. Кабаков встроился в систему так, стал членом Союза художников и, за 2-3 месяца оформляя 3 книжки, материально обеспечивал себя и семью на год. При этом, чем слабее был материал литературный, тем меньше было угрызений совести. Как говорит он сам, никакой любви к иллюстрации он не питал и занимался ей как минимальным и достаточным способом существовать внутри системы, противиться которой он не видел смысла – для него она выглядела вечной. Тем не менее, этот принцип – внешне говорить общепринятым, банальным языком, но составлять при этом свои собственные смыслы и жить в своем личном мире – становится основополагающим для творчества Кабакова.

Иллюстрация к книге С.Маршака «Дом, который построил Джек », 1967, коллекция Музея АРТ4

В 1957 году в Москве проходит Всемирный фестиваль молодежи и студентов, в Москву приезжает огромное количество ярких, веселых иностранцев, в том числе художников, проводятся совместные выставки и международная изостудия. В 1959 году в Сокольниках проходит Американская выставка. В страну проникают альбомы и книги по современному искусству. Подпольные советские художники взбудоражены.

Неофициальное искусство

В этот период Илья Кабаков начинает неофициальную художественную деятельность. Он входит в «Клуб сюрреалистов», руководимый Юло Соостером и Юрием Соболевым (художественным редактором издательства «Знание»), сюда же примыкают Юрий Пивоваров и Владимир Янкилевский. В мастерской под крышей бывшего страхового общества «Россия» на Тургеневской площади Соостер, по эстонским каналам имевший доступ к малоизвестному в СССР наследию сюрреализма, пишет можжевеловые кусты, рыб, придумывает притчи, выводит из своих снов сложные символические системы. Как рассказывает Кабаков – а определить соответствие его рассказов исторической реальности сложно и совсем необязательно – первые годы после института он стремится написать «абсолютную» картину, «шедевр», прекрасное и совершенное произведение искусства – и через некоторое время полностью отказывается от этой идеи. В этот период в районе Чистых прудов образуется целый кластер мастерских, ставших местами для общения художников, поэтов, театральных и кинодеятелей и проведения неофициальных выставок. Сюда вполне свободно приходят директора музеев, иностранцы, сотрудники дипмиссий, особенно ценятся контакты с левыми активистами из других стран – потому что СССР по политическим причинам обижать их не может. Все это происходит строго неофициально, не приветствуется ни обществом, ни КГБ, но и жесткого контроля не ощущается. В 1962 году на выставке в «Манеже» Хрущев называет художников не-соцреалистов «педерастами» и определяет официальное отношение к ним, «оттепель» подходит к концу. Тем не менее, в 1965 работы основных участников Клуба сюрреалистов попадают на большую выставку «Альтернативная действительность II» в Италии, там же представлены и Хокни, и Магритт, – и оказываются распределены в каталоге по разным категориям. Соостер попадает в «Символическую магию», Соболев и Янкилевский – в «Визионерскую перспективу», Кабаков – в «Выдумку и иронию». После этого Кабакова начинают выставлять за границей как неофициального советского художника – в Венеции, Лондоне, Кельне.

Считается, что начале 70-х Виталий Комар и Александр Меламид придумывают новый способ действия в обязательной среди неофициальных художников необходимости внешней мимикрии: они начинают работать от имен придуманных художников – абстракциониста XVIII века Апеллеса Зяблова, реалиста начала ХХ века Николая Бучумова, «Известных художников начала 70-х годов ХХ века» или смешивая множество стилей разных периодов. Кабаков перенимает от Комара с Меламидом персонажную стратегию и развивает ее. Он же первым теоретически осмысляет персонажность. В написанном в 1985 тексте «Художник-персонаж» Кабаков подчеркивает невозможность непосредственного, прямого творчества, с одной стороны, в засилье официального советского искусства и, с другой, в ситуации отсутствия художественной жизни – выставок, зрителей, критики – для неофициальных художников. И они сами вынуждены для себя придумывать художественный мир, но тот оказывается застывшим, неживым, вечным – ведь текущей художественной жизни именно что нет. В иллюзорном мире художник оказывается внутри всей истории искусств, и его собственное творчество дистанцируется от него в первую очередь этим невероятным временным промежутком. Тот уровень рефлексии, которого требует панорама обозреваемой истории, не оставляет возможности просто взять и написать картину. Нужен художник-персонаж, отдельный, со своей биографией и характером, это он будет производить искусство по своей внутренней необходимости. То есть воображаемый художник – это своеобразный инструмент для адаптации к советской художественной ситуации.

Московский концептуализм

А. Аксинин и И. Кабаков в мастерской Кабакова на Сретенском бульваре. Москва, сентябрь 1979

С 1970-76 годы Кабаков создает 55 графических альбомов о «10 персонажах» («Полетевший Комаров», «Вокноглядящий Архипов», «Математический Горский», «Анна Петровна видит сон», «Мучительный Суриков» и так далее). В каждой черной папке – от 30 до 100 листов, иллюстрирующих взгляды или непосредственно – взгляд основного персонажа и комментарии других участников событий. Часто эти «альбомы» называют концептуалистскими комиксами. Практика просмотра этих альбомов-папок состояла в том, что в домашней обстановке автор декламирует и показывает истории собравшимся посвященным. В «10 персонажах» Кабаков показывает разные способы преодоления реальности, это, собственно, основная тема его творчества. Рассказывая много позже Борису Гройсу о страшной скуке жизни и о такой же скуке искусства, Кабаков говорит о волшебном моменте, когда скучный предмет просто благодаря ему, Кабакову, вдруг переходит в вечное – становится искусством. Только нужно придумать, как – и этот момент будоражит его бесконечно. Тогда же, в середине 70-х, Кабаков начинает работать над «альбомами» о коммунальном быте и ЖЭКе. Коммуналку, хорошо знакомую по собственной биографии, Кабаков рассматривает как квинтэссенцию советского: то, где нельзя жить, но откуда нельзя убежать.

В 1979 году Борис Гройс, недавно переехавший из Ленинграда в Москву, пишет программный текст «Московский романтический концептуализм», определяя, что русские художники, даже будучи концептуалистами и аналитиками, никак не могут, в отличие от европейских и американских, освободиться от духовности и вечности. Гройс приводит в пример краткие разборы деятельности 4 художников, Кабакова среди них нет, но совсем скоро к нему намертво приклеивается обозначение отца-основателя и предводителя московского романтического концептуализма, которым он считается и до сих пор.

Илья Кабаков, «Анна Евгеньевна Королева: Чья это муха? »,1987, из коллекции Музея АРТ4

Илья Кабаков, О взаимодействии слова и картины Кабаков размышляет так: картина – это в некотором роде вынесенное вовне поле сознания. Для ее восприятия необходима работа сознания. С другой стороны, изображение на картине взаимодействует с тем, что стена, на которой та висит, тоже обладает своей визуальностью. А когда на картине соединены разные изображения, как это происходит у Кабакова, вся наблюдаемая сцена делится на разные объектные составляющие, и картина выпадает из сознания наружу, становится объектом. Зато написанные слова сразу прочитываются и прямо попадают вовнутрь сознания, затягивая туда и всю картину. С третьей стороны, слова, которые в картинах использует Кабаков – это прямая речь, будничная, обрывочная. Это речь, которую мы буквально слышим в своем сознании. Те, кто эти слова произносят – а мы всегда знаем их имена и фамилии – как будто стоят рядом. Так речь становится материальной, в некотором роде объектом. Более того, не просто физической, а даже «пространственной». Вокруг каждого постоянно колышется море голосов и слов, пишет Кабаков, и стоит сымитировать кусочек чьей-то речи, и в услышавшем ее всколыхнется его внутреннее речевое море. Так соединение слов и изображений на картине спутывают внешнее и внутреннее зрителя, погружают его в мощные иллюзии.

О взаимодействии слова и картины Кабаков размышляет так: картина – это в некотором роде вынесенное вовне поле сознания. Для ее восприятия необходима работа сознания. С другой стороны, изображение на картине взаимодействует с тем, что стена, на которой та висит, тоже обладает своей визуальностью. А когда на картине соединены разные изображения, как это происходит у Кабакова, вся наблюдаемая сцена делится на разные объектные составляющие, и картина выпадает из сознания наружу, становится объектом. Зато написанные слова сразу прочитываются и прямо попадают вовнутрь сознания, затягивая туда и всю картину. С третьей стороны, слова, которые в картинах использует Кабаков – это прямая речь, будничная, обрывочная. Это речь, которую мы буквально слышим в своем сознании. Те, кто эти слова произносят – а мы всегда знаем их имена и фамилии – как будто стоят рядом. Так речь становится материальной, в некотором роде объектом. Более того, не просто физической, а даже «пространственной». Вокруг каждого постоянно колышется море голосов и слов, пишет Кабаков, и стоит сымитировать кусочек чьей-то речи, и в услышавшем ее всколыхнется его внутреннее речевое море. Так соединение слов и изображений на картине спутывают внешнее и внутреннее зрителя, погружают его в мощные иллюзии.

Свою работу со словом Кабаков называет «укрывательством» – когда говорится то, что не имеется в виду, выводя в поле искусства советскую ситуацию со словом, потерявшим всякий смысл, или с «полосой запрета на высказывание». Интересным образом, Кабаков обращает этот зазор между словом и смыслом и на себя тоже. Он восторженно пишет, что рассматривание своих уже законченных работ вызывало в нем самом активнейшую мыслительную деятельность по их интерпретации. Тут он предполагает, что что-то из того, что он думает только по завершении картины, уже было в нем во время ее создания, даже если и неосознанно – а значит, потенциально, зритель тоже может пуститься в эти разнообразные интерпретации. Но главное именно то, что намерение это не перешло осознанно в картину, значит, сознание Кабакова осталось вне ее, он от нее свободен. Картина «необязательна» не только для зрителя, но и для Кабакова тоже.

Конечно, есть множество других интерпретаций, в том числе и от самого Кабакова. Например, в беседах с Гройсом в 1990-м Кабаков объясняет слова в своих картинах уже опоминавшемся страхом, о котором он в принципе говорит очень много. Литературоцентричному, визуально необразованному советскому субъекту – из страха «не быть адекватно понятым и панического страха невнимания другого» – Кабаков просто говорит, что хотел сказать художник. Он предвосхищает и этим парализует речь смотрящего и его потенциальную негативную оценку.

Новое начало

В 1980-х годах начинается новая линия в искусстве Кабакова: он начинает писать красочную живопись. Текст из нее не уходит, но значительно трансформируется. Теперь реалистично-импрессионистская живопись заполняет собой все поле картины, а текст ненавязчиво существует поверх, больше не претендуя на первенство, как было раньше, а только встраиваясь в мир картинки. Здесь явственно прослеживается переход – точно совпавший с аналогичным переходом во всем западном мире – от критического романтического концептуализма к постмодернизму, к захваченностью образами. Надо заметить, что и вся советская визуальность в этот период трансформируется. Перестройка открывает дверь заграничной массовой культуре, телевидение и журналы становятся красочными, а авангардный в своей основе дидактический язык стенгазет становится устаревшим и непопулярным. Кабаков, реагируя на изменившиеся условия, сохраняет ироническое к ним отношение. Картины пределов советских бытовых мечтаний или ярких фотоиллюстраций комментируются пустыми или повышенно эмоциональными текстами, демонстрирующими отсутствие какой-либо осмысленности по отношению к миру. Самые известные произведения этого цикла – «Номер “Люкс”» (1981) – реклама гостиничного номера, «Гастроном» (1981) – мечта об изобилии, «Аллея» (1982) – советская стройка для новых ячеек общества, «Жук» (1982) – фото жука с детским стишком.

Илья Кабаков, «Номер “Люкс”», 1981

В начале же 1980-х Кабаков начинает создавать свои первые инсталляции. Первая его инсталляция – «Муравей» (1993), обложка детской книжки «Детгиза» и пять страниц написанных от руки размышлений некоторого человека о художественном и интеллектуальном потенциале нехудожественного: этой обложки. Как рассказывает потом Кабаков, конечно, этим муравьем, метафорически и онтологически, как типаж существа, был он сам. Следующая – «Семь выставок одной картины» – предлагает 4 картины, окруженные каждая множеством калиграфически написанных комментариев разнообразных зрителей. Здесь Кабаков реализует тот гул голосов, о котором он тоже много рассказывает, тот гул совершенно разных оценок и отношений, который для него важнее, чем оценки и отношение близких, понимающих людей – потому что случайные голоса – это культура, то, где Кабаков стремится стать расхожим именем – так он определяет влиятельность. Во всех его последующих инсталляциях обязательно присутствует речь других, рычание других, раздраженность присутствием других, настроения коммуналки. С 1982-86 он делает знаменитую «Человек, который улетел в космос из своей комнаты». Пространственное решение основной для Кабакова метафоры советской жизни позволяет ему по-новому работать с тем, что он описывает как советскую мандалу – закрытое пространство, обладающее мощной собственной энергией, направляющей все в ней происходящее. Все социальные институты, знакомые человечеству, находят свое воплощение в пространстве коммуналки.

Илья Кабаков, п роект инсталляции «Красный вагон», 1991

Международное признание

В 1988 году проходит первый московский аукцион дома Sotheby’s – работы неофициальных художников выходят на открытый рынок. В 1989 году Кабаков женится на Эмилии Леках, эмигрировавшей из СССР в 1975 году. С этого момента они работают в соавторстве, и их работы подписываются двойным именем, говорить о работах Ильи Кабакова как индивидуального автора далее неверно. Часто роль Эмилии видится сводимой к точному менеджменту и организации, но, во-первых, в соответствии с кабаковской теорией, художник-менеджер не менее важный типаж, чем все остальные, а во-вторых, они активно настаивают на строго дуэтном авторстве работ.

С 1987 Кабаков, а ему уже 54, начинает активную художественную и выставочную деятельность за границей. В это время интерес к перестроечному искусству в Европе и США находится на пике. Первая инсталляция по гранту сделана для оперного театра в австрийском Граце: «Перед ужином». Следующие работы – в Нью-Йорке, Франции, Германии. В 1989 году Кабаковы переезжают в Берлин и в Россию больше не возвращаются. В 1992 Илья и Эмилия делают сценографию «первой посткоммунистической оперы» – «Жизни с идиотом» Шнитке по рассказу Виктора Ерофеева – в оперном театре Амстердама. Все 90-е годы Кабаковы постоянно выставляются в Европе и США: в парижском Центре Помпиду, в МоМА в Нью-Йорке, в Кунстхалле в Кельне, в Национальном центре современного искусства в Осло, в 1992 на «Документе» IX в Касселе, в 1993 на Венецианской биеннале Кабаковы получают «Золотого Льва» за работу «Красный павильон», в 97-м Кабаковы устанавливают объект «Глядя вверх, читая слова» для Skulptur.Projecte в Мюнстере. Следуют многочисленные награды и французский титул кавалера Ордена искусств.

Илья и Эмилия Кабаковы

Эмилия умело выстраивает маркетинговую сторону художественной деятельности. Она ограничивает количество работ дуэта на рынке, а предпочительными владельцами становятся крупные музеи современного искусства – даже если у них нет бюджета, чтобы заплатить рыночную стоимость. Кабаковы максимально точно отвечают на запросы и законы рынка и быстро становятся не просто успешными постсоветскими художниками, а арт-деятелями мирового уровня. Они создают миф советского человека, понятный западному художественному сообществу. Их работы зрелищны и отлично подходят для крупных площадок. Кабаковы становятся олицетворением мировосприятия советского человека для заинтригованного и воспитанного в определенной эстетической парадигме западно-европейского и американского зрителя.

В 2000-е начинается популярность Кабаковых в России. В 2003 проходит выставка «Илья Кабаков. Фото и видео документация жизни и творчества» в Московском доме фотографии (МАММ), в 2004 – большая выставка «Десяти персонажей» в Третьяковской галерее и совместная с Эмилией «Случай в музее и другие инсталляции»– в Главном штабе Эрмитажа. Кабаковы дарят Эрмитажу 2 инсталляции, и Михаил Пиотровский называет их началом эрмитажной коллекции современного искусства. Дальше последовала выставка 9 инсталляций 1994-2004 годов в Stella Art Foundation. В 2006 и 2008 годах, когда русское искусство уже давно не вызывало международного ажиотажа, но шла вторая волна его удорожания благодаря буму интереса со стороны уже российских коллекционеров, картины «Номер “Люкс”» (1981) и «Жук» (1982) проданы на аукционе Philips de Pury (Лондон) за рекордные для российских произведений искусства суммы.

На сегодня Илья и Эмилия Кабаковы продолжают довольно активную выставочную деятельность, их работы имеются в коллекциях 250 музеев по всему миру, более 50 скульптурных композиций находятся в городских пространствах.

Никакого особенного желания быть художником у меня не было, я рисовал — как абсолютно любые дети, но голоса судьбы «ты будешь художником» — я не слышал. Все произошло совершенно случайно. Во время эвакуации мы жили с мамой в Самарканде, отец ушел на фронт, а я учился в узбекской школе. И вот однажды после уроков мой соученик, чуть старше меня, спросил, не хочу ли я посмотреть голых женщин. Я, конечно, сказал, что хочу. Мне было тогда семь лет. И вот мы с ним вышли из школы, перешли через дорогу, перелезли через забор и через окно залезли в какое-то большое четырехэтажное здание. И в темнеющем уже воздухе мы увидели огромное количество голых женщин. Это были нарисованные изображения натурщиц. Мы залезли в помещение, которое занимала ленинградская Академия художеств, эвакуированная в Самарканд, и это были работы студентов. Мой друг принялся страстно их рассматривать, но вдруг вскрикнул и с огромной скоростью исчез в окне, бросив меня на произвол судьбы. Оставшись один в этом темном коридоре, я вдруг увидел, как в конце коридора появилась огромная птица, которая на очень тонких лапках продвигалась в мою сторону. Я страшно испугался. Птица предстала передо мной в образе невероятно страшной старухи, которая спросила меня: «Что ты тут делаешь?» Я ответил, что смотрю картины. «И они тебе н-н-нра-а-авятся?» На это я, как обычно, ответил по ситуации: «Конечно, нравятся!» «А ты сам рисуешь?» — «Конечно, — говорю, — рисую». — «У нас завтра будет прием в художественную школу, приноси свои рисунки, мы их посмотрим». После этого старуха выпустила меня через дверь, и я оказался на свободе. Но разговор запал мне в душу. Я рассказал о нем маме, мама посоветовалась с каким-то своим сослуживцем и сказала, чтобы я с утра пошел в эту школу. У меня, конечно, никаких рисунков не было. Я вырвал из тетради три страницы в клетку, на одной изобразил танки в большом количестве, на другой — самолеты, а на третьей — конницу. Поперек всего этого я расписался красным карандашом. С этими тремя изображениями я отправился в то здание и нашел там приемную комиссию из трех человек — директора школы, этой птицы, которая оказалась добрейшим существом, и еще одного педагога. Они посмеялись над моими рисунками и сказали, что я принят в художественную школу. Таким образом я оказался на лестнице — или, лучше сказать, на эскалаторе этой карьеры, которая должна была привести меня к художникам. Конечно, это все выглядит очень случайным, но, с другой стороны, я в этом вижу голос судьбы. В основе искусства лежит страх, который я испытал, а птица — это символ творчества во фрейдизме. Ну и наконец, голые женщины, которые стоят у истоков изобразительного искусства.

Фотография: Игорь Пальмин

Ну а когда вы уже учились, вам хотелось рисовать огромные полотна в стиле соцреализма, как было принято в то время?

Ничего абсолютно мне не хотелось. Дело в том, что никаких художественных талантов у меня не обнаружилось, я не чувствовал ни цвета, ни колорита, ни пропорций — я оказался в этой профессии бастардом. Никакой особой радости по поводу того, что я попал в художественную школу, у меня не было, но у меня было пламенное желание, чтобы меня не вышвырнули, — видимо, это была какая-то врожденная любовь к институции. Уйти из институции, провалиться куда-то за край — это было для меня смерти подобно. Это было невероятное мучение, тоска и скука выживания.

К огромному счастью, это происходило, уже когда этот Людоед умер и началось то, что называется, «вегетарианское» время — появилась возможность жить частной жизнью. В сталинское время был контроль за всем, что делает художник. Комиссии залезали в мастерские и отворачивали холсты. В хрущевское и брежневское время то, что ты говоришь у себя на кухне и делаешь в своей мастерской, уже никого не интересовало. Прекрасные времена. В Москве примерно к 1957 году возник совершенно изумительный подпольный, подземный, подасфальтовый мир неофициального искусства. Там были художники, поэты, писатели, домашние богословы, композиторы. У этих людей не было ни выставок, ни критики, ни галерей, ни продаж. Это была жизнь в бомбоубежище. В бомбоубежище, вы знаете, все дружны, каждый делится — кто бутербродом, кто яблоком, все загнаны в одну ситуацию, поэтому уважают и понимают друг друга. Когда же дверь бомбоубежища открылась, примерно в 1987 году, у каждого оказалась своя судьба.

Когда вы уехали за границу и перестали носить эту советскую маску, вы почувствовали облегчение?

Все это время я прекрасно понимал, что за чертой нашего котлована находится человеческая жизнь, где идет художественный процесс, который не прекращается с зарождения европейской цивилизации. Вера в арт-мир все время маячила в образе прекрасной дамы, до которой никогда не дотронешься. Когда я выехал, то встретил тех, о ком мечтал. Это напоминает сказку Андерсена о гадком утенке. Лебеди действительно существовали. Я застал самый прекрасный период в жизни западного мира искусства — с конца 80-х до 2000 года. Это был чистый, незамутненный расцвет музейного и выставочного дела в Европе и Америке. Я попал к своим. Счастлив я был безмерно — как музыкант, который переезжает из одного концертного зала в другой и везде дает концерты. Кроме того, было большое внимание и любопытство к тому, что выехало из этой Северной Кореи, и на этом любопытстве мной было сделано много выставок. Я был Синдбадом-мореходом, который должен был рассказать Западу про эту страшную яму, из которой я смог принести какие-то сигналы и рассказы. Я думал, что этой злости, отчаяния и тоски мне хватит на всю мою жизнь, но так вышло, что вывезенный мной с родины бидон очистился, и теперь мне больше нечего рассказать.

А не было ли вам обидно, что отношение к вам как к человеку из Советского Союза перекрывает отношение к вам как к художнику?

Нет, нет, арт-мир был совершенно аполитичен. Тот век, который я застал, был абсолютно ориентирован на искусство. Да я и сам скорее воспринимал советскую власть не политически, а климатически. Чувствуете разницу, да? То есть в этом месте всегда идет дождь и говно, и это вечно будет так. Советская власть воспринималась как вечная климатическая зона мрака и дождя. У меня не было никакого желания протестовать — не высунешься же из окна и не станешь кричать: «Дождь, прекрати!»

Когда вы вернулись в Россию после эмиграции, почувствовали перемены?

Во-первых, я не эмигрант. У меня нет ощущения эмиграции, у меня есть ощущение командировки. Это очень важно психологически и очень точно. То же чувство испытывали многие композиторы и музыканты. Я просто очень долго путешествую и показываю в разных местах свои работы. Но так как я не живу в нашей стране, я не могу вам сказать ни одного слова о том, что там происходит. Вот и все. Про художественное, если вы меня спросите, я что-нибудь такое пролепечу, а про это — нет.

Она мне пришла в голову еще в Москве, в 1984–1985 годах, когда я уже проектировал разные инсталляции, которые нельзя было сделать в Москве. Как только я выехал, там это стало возможно… Вот видите, я про Запад всегда инстинктивно говорю «там», хотя, конечно же, это «здесь». Да, я остаюсь, конечно, тем же самым человеком — я же до 50 лет прожил здесь, в Советском Союзе, а там я работаю. Очень смешно все это. Я принадлежу к тому типу, который ни там ни здесь. Сегодня огромное количество подобных существ.

Ну да, интернационализм.

Нет, извините, я скажу нет. Потому что весь материал, из которого ты соткан, это то место, где ты родился и прожил. Советские сделали ошибку, допустив в Советский Cоюз огромное количество материалов западной культуры, ведь считалось, что советский человек наследует всю мировую культуру. Надо было отгородиться, как нацисты сделали, но в СССР в музеях показывали западное искусство, а в консерваториях исполняли западную музыку. Библиотеки, благодаря Луначарскому, Горькому и Зиновьеву, были наполнены лучшими переводами западной литературы. Так что зазаборный, заграничный контекст всегда существовал. Педагоги говорили нам: «Тебе уже 18 лет, а ты еще ничего не сделал, а Рафаэль в этом возрасте нарисовал «Мадонну Солли». Так что место моего рождения инстинктивно связано с Западом, и, говоря «там» и «здесь», ты всегда как бы сидишь на двух стульях. Сегодня, думаю, многие это понимают.

Для детей такое было, наверное, почти непосильно.

Непосильно, потому что окружающая действительность — это было тоскливое свинское одичание. Контраст между этими оазисами — Пушкинским музеем, Третьяковкой, Консерваторией, несколькими библиотеками — и той повседневной одичалостью, которую представляла собой советская жизнь, давал благотворную почву для художественной работы.

Но многие иностранцы восхищались советской культурой.

Это то же самое, как если я бы поехал на Кубу и смотрел на кубинских художников. Надо отличать туристический взгляд от реальности. И Горький, знаете, тоже ездил на Соловки и там посещал тюрьмы — это все туризм. Турист всегда смотрит с интересом, даже если ему показывают гильотину.

Фотография: ИТАР-ТАСС

Скажите, вы ироничный человек?

Нельзя было жить в Советском Союзе и не дистанцироваться от общего одичания. Ирония — это была дистанция. Читая книги, ты смотрел на окружающее с точки зрения прочитанного. К этому могло быть разное отношение — либо этнографическое, когда ты чувствовал себя посланцем английского географического клуба в Африке, который смотрит на жизнь людоедов. Либо гневное отношение: «За что мне такая собачья жизнь?» Это отчаяние. И еще было третье — ощущение себя маленьким человечком Гоголя. Несмотря на то что тебя давят, у тебя есть твои идеалы, шинель, твое пищащее самосознание. С одной стороны, ты наблюдатель, с другой стороны — ты пациент. То, чего теперешнее поколение, считай, не знает, — это безумный страх, что тебя выдернут, ударят, посадят. Этот страх трудно сегодня описать. Я не буду углубляться.

Но вы сказали, что, когда вступили во взрослую художественную жизнь, были уже более легкие времена.

Разницы между истреблением и ожиданием истребления почти не существует. Такого истребления, как при Людоеде, не было, но было ожидание. За то, что мы делали неофициальные выставки за границей, каждый раз нас вызывали и лишали работы. Слово «оттепель» означает тот же мороз, только с грязью.

Вы в своих интервью не раз говорили об интроверсии — о том, что раньше художники были интроверты, а теперь вроде как экстраверты.

Не то чтобы одни жили раньше, а теперь живут другие. Это как когда фары освещают — то кусты, то помойку. Во время закрытых, изоляционных систем, какой была советская, более успешно сопротивляются ситуации интровертные люди. В их воображении существует библиотека, в которой они постоянно перелистывают страницы. У них также невероятно развито воображение — это тот ресурс, с которым интроверты ежедневно имеют дело. И наконец, рефлексия — интроверт постоянно оценивает все происходящее с многочисленных точек зрения. Экстраверт — другая порода, он всегда возбуждается и мотивируется внешними обстоятельствами. Сегодня нужно пойти в гости к такому-то, завтра сделать то, что просят. Мотивы деятельности экстраверта всегда внешние. Он действует автоматически, как лягушка, до которой дотрагиваются. Для интроверта внешние дотрагивания чрезвычайно болезненны и непонятны.

Вы не очень-то справедливы к современным экстравертам.

Просто я их совсем не люблю.

Илья Иосифович Кабаков — российский и американский художник, одна из наиболее значительных фигур московского концептуализма.

Родился в Днепропетровске. Его мать, Берта Солодухина, была бухгалтером, а отец, Иосиф Кабаков, слесарем. В 1941 году вместе с матерью он попал в эвакуацию в Самарканд. В 1943 году его приняли в Художественную школу при Ленинградском институте живописи, скульптуры и архитектуры имени Репина, преподаватели и ученики которой тоже были эвакуированы в Самарканд. Оттуда Кабакова в 1945 году перевели в Московскую среднюю художественную школу (МСХШ). Ее он закончил в 1951 году и тогда же поступил на отделение графики в Суриковский институт (Московский государственный академический художественный институт имени В.И. Сурикова), где занимался в мастерской книги у профессора Б.А. Дехтерева . Окончил институт Кабаков в 1957 году.

С 1956 года Илья Кабаков начал иллюстрировать книги для издательства «Детгиз» (с 1963 года – «Детская литература») и для журналов «Малыш», «Мурзилка», «Веселые картинки». Со второй половины 1950-х стал заниматься живописью «для себя». В 1960-х Кабаков был активным участником диссидентских художественных экспозиций в Советском Союзе и за границей.

В 1968 году Кабаков перебрался в ставшую впоследствии знаменитой мастерскую Юло Соостера на чердаке бывшего доходного дома «Россия» на Сретенском бульваре. В том же 1968 году он вместе с Олегом Васильевым , Эриком Булатовым и другими нонконформистами участвовал в выставке в кафе «Синяя птица».

Некоторые работы художника уже в 1965 году попали на выставку «Альтернативная действительность II» (Аквила, Италия), а с начала 1970-х их включали в устраивавшиеся на Западе экспозиции советского неофициального искусства: в Кельне, Лондоне, Венеции.

С 1970 по 1976 годы Кабаков нарисовал 55 альбомов для серии «Десять персонажей». В середине 1970-х Кабаков сделал концептуальный триптих из трех белых холстов и приступил к циклу «альб» — листов с надписями на «коммунальные» темы, а с 1978-го разрабатывал ироническую «жэковскую серию». В 1980 году он стал меньше заниматься графикой и сосредоточился на инсталляциях, в которых использовал обычный мусор и обыгрывал жизнь и быт коммунальных квартир.

В 1982 году Кабаков придумал одну из своих самых знаменитых инсталляций – «Человек, который улетел в космос из своей комнаты», законченную к 1986 году. Впоследствии такие масштабные проекты он стал называть «тотальными инсталляциями».

В 1987 году Кабаков получил первый зарубежный грант – от австрийского объединения Graz Kunstverein — и построил в Граце инсталляцию «Ужин». Год спустя он устроил первую «тотальную инсталляцию» из проекта «Десять персонажей» в нью-йоркской галерее Рональда Фельдмана и получил стипендию французского министерства культуры. В 1989 году Кабакову дали стипендию в фонде DAAD (Германская служба академических обменов), и он переехал в Берлин. С этого времени он постоянно работал за пределами сначала СССР, а потом России.

С начала 1990-х годов у Кабакова прошли десятки выставок в Европе и Америке, в том числе в таких крупных музеях, как парижский Центр Помпиду, норвежский Национальный центр современного искусства, нью-йоркский музей современного искусства, кельнский Кунстхалле, а также на Венецианской биеннале и на выставке Documenta в Касселе.

1990-е годы стали временем признания художника: в это десятилетие он получил награды от датского, немецкого и швейцарского музеев, титул кавалера Ордена искусств и литературы от французского министерства культуры.

В 2000-е годы художник стал активно выставляться в России. Так, осенью 2003 года Московский дом фотографии показал проект «Илья Кабаков. Фото и видео документация жизни и творчества». В начале 2004 года Третьяковская галерея устроила программную выставку «Илья Кабаков. Десять персонажей».

В июне 2004 года в Эрмитажев здании Главного штаба открылась выставка Ильи Кабакова и его жены Эмилии (они женаты с 1992 года) «Случай в музее и другие инсталляции», которая «знаменовала их возвращение на родину». Тогда же художники подарили музею две инсталляции, которые, по словам Михаила Пиотровского, положили начало эрмитажному собранию новейшего искусства. В декабре все того же 2004 года московская галерея «Стелла-Арт» показала девять инсталляций Кабакова, сделанных в 1994-2004 годах.

Когда в 2006 году в нью-йоркский музей Гуггенхайма отправилась программная выставка «Russia!», в нее была включена инсталляция Кабакова «Человек, который улетел в космос» . Присутствие этой работы в одном пространстве с иконами Андрея Рублева и Дионисия, картинами Брюллова, Репина и Малевичаокончательно закрепило за Кабаковым статус одного из самых важных советских и российских художников послевоенного поколения.

Летом 2007 года на лондонских торгах дома Phillips de Pury & Company картина Кабакова «Номер люкс» была куплена за 2 миллиона фунтов стерлингов (около 4 миллионов долларов). Так он стал самым дорогим русским художником второй половины ХХ века.

В феврале 2008 года работа Кабакова «Жук» (1982) ушла с молотка на аукционе Phillips de Pury & Company за 2,93 миллиона фунтов стерлингов (5,84 миллиона долларов). В апреле того же года альбом «Полетевший Комаров» был продан на нью-йоркских торгах Sotheby»s за 445 тысяч долларов.

Осенью 2008 года в Москве была показана самая большая ретроспектива Ильи и Эмилии Кабаковых. Экспозиция демонстрировалась сразу на на трех площадках: ГМИИ имени Пушкина, центр современного искусства «Винзавод» и центр современного искусства «Гараж».

Концептуалист Илья Кабаков стал первым художником, открывшим для западной аудитории неприглядность советского быта, — и в первую очередь быта коммунальной квартиры. Средством погружения в удивительную языковую и социальную среду коммуналки стали тотальные инсталляции, которые Кабаков начал придумывать еще в начале 1980-х годов, но смог воплотить только в эмиграции. В интервью он неоднократно говорил о том, что единственным способом избежать разрушения собственной личности в бытовых конфликтах с коммунальными соседями был уход в собственный мир, где скотские условия существования можно было высмеять при помощи остроумных сопоставлений, тем более что помочь убежать из коммуналки могла только катапульта.

Наиболее известны две тотальные инсталляции Кабакова, посвященные коммунальному быту. Во-первых, «Человек, который улетел в космос из своей комнаты» (1982): это тот самый неведомый жилец, которому удалось-таки катапультироваться. Таким образом он, с одной стороны, воплотил советскую мечту о покорении космоса, а с другой — избежал унизительного существования в коммунальной квартире. И во-вторых, «Туалет» — знаменитая инсталляция 1992 года, в которой уютная советская гостиная находится в одном помещении с отвратительным общественным сортиром.

Илья Кабаков в студии. Фотография Игоря Пальмина. 1975 год Игорь Пальмин

Коммуналка для меня оказалась тем самым центральным сюжетом, которым для Горького была ночлежка в пьесе «На дне». Ночлежка — чрезвычайно удачная метафора, потому что это как бы заглядывание в яму, где копошатся мириады душ. В пьесе ничего не происходит: там все говорят. Наша советская жизнь, русская, точно так же тяготеет к местам, являющимся зонами говорения. И вот коммуналка оборачивается такой советской версией «На дне».

Коммунальная квартира, с которой я работаю, это своего рода мандала — с ее коридорами, комнатами, кухней, плитами, столами, через которые проходит колоссальная энергия, и я, конечно, питаюсь этой энергией, находящейся в состоянии постоянной пульсации — как вдох и выдох.

Коммуналка является хорошей метафорой для советской жизни, потому что жить в ней нельзя, но и жить иначе тоже нельзя, потому что из коммуналки выехать практически невозможно. Вот эта комбинация — так жить нельзя, но и иначе жить тоже нельзя — хорошо описывает советскую ситуацию в целом. Остальные формы советской жизни (в том числе, например, лагерь) являются лишь различными вариантами коммуналки. Я думаю, для западного человека просто непонятно, как люди могут обречь себя на такие мучения, как почти поголовная жизнь в коммуналках, — я убедился в этом, когда делал свои инсталляции на эту тему на Западе. Чтобы все готовили на одной кухне, ходили в один туалет… Это просто не укладывается в голове.

Илья и Эмилия Кабаковы. «На коммунальной кухне». 1991 год Ilya & Emilia Kabakov Bildrecht, Vienna 2014

Центральные пространства коммунальной квартиры — это коридор и кухня. Через коридор всем становится известно, что творится у соседей. А кухня — это не только место для готовки, но и своего рода агора, где происходят общие собрания, принимаются решения, затрагивающие всех жильцов, проводятся встречи с представителями властей. Там же происходят ссоры, драки или покаяния.

Музей актуального искусства Art4.ru

Мир за стенами коммуналки прекрасен и един. Только мы живем раздробленно, мы говно. Так было при Сталине. Очень важен был репродуктор — Левитан и бодрые голоса. В коммуналке звучало: «Утро красит…», то есть позитив идет непрерывный из громкоговорителя. А здесь вы, …, нассали в уборной и не могли, …, за собой убрать, а кто за вами будет убирать? И в этот момент раздается: «Москва моя, страна моя». Причем это действует подсознательно. Там рай, там молодые, юные существа идут на физпарад. А вы здесь, …, живете как собака. Постыдились бы! Это форма пристыжения.

Окружающая действительность — это было тоскливое свинское одичание. Контраст между этими оазисами — Пушкинским музеем, Третьяковкой, консерваторией, несколькими библиотеками — и той повседневной одичалостью, которую представляла собой советская жизнь, давал благотворную почву для художественной работы.

Нельзя было жить в Советском Союзе и не дистанцироваться от общего одичания. Ирония — это была дистанция. Читая книги, ты смотрел на окружающее с точки зрения прочитанного. К этому могло быть разное отношение: либо этнографическое, когда ты чувствовал себя посланцем английского географического клуба в Африке, который смотрит на жизнь людоедов, либо гневное: «За что мне такая собачья жизнь?» Это отчаяние. И еще было третье — ощущение себя маленьким человечком Гоголя. Несмотря на то что тебя давят, у тебя есть твои идеалы, шинель, твое пищащее самосознание. С одной стороны, ты наблюдатель, с другой стороны — ты пациент. То, чего теперешнее поколение, считай, не знает, — это безумный страх, что тебя выдернут, ударят, посадят. Этот страх трудно сегодня описать.

Фрагмент инсталляции Ильи и Эмилии Кабаковых «Воспоминания о коммунальной кухне»

Фрагмент инсталляции Ильи и Эмилии Кабаковых «Воспоминания о коммунальной кухне» © Музей актуального искусства Art4.ru

Любой текст коммуналки в той или иной форме — на уровне автоматическом, бессознательном — пропитан понятиями и терминами, которые проникают из этого большого мира, прежде всего — в огромном количестве безличных местоимений, которые так потрясают иностранцев. Это «они», «оно», «у нас» и вообще безличные формы: приходят, придут, принято. То есть огромное количество речений, не связанных в принципе с конкретными обитателями коммуналки. Например, «не завезли», «выбросили», «сегодня не подошло» — формы недостаточности, неопределенности, надежды и так далее. Словом, большой мир выступает в форме неопределенных текстов. Пример: «Сегодня не завезли свежий хлеб, простояла зря». То есть этот текст построен классически, потому что «они не завезли». «Сегодня батареи опять холодные. А уголь-то вчера, я видел, разгрузили, прямо посреди двора, Петька потом весь грязный был». То есть внешний мир выступает в формах только страдательных глагольных форм. Я уже не говорю о формах выселения, ремонтирования — все это «оно» делает. Вообще, мера беспомощности коммунальной жизни перед внешним миром ужасающая. Никто в коммунальной квартире не прибьет доски, не починит кран, потому что все эти функции выполняет «оно». Когда перегорела лампа, прогнила доска в коридоре — нужно заявить в ЖЭК.
Речь, боль и истерия — спутники существования коммунальной кухни.

Любые формы сексуальных изъяснений являются запретными. В коммунальной речи очень высока степень давления императива «высших» начал. Всякий текст как бы адресован от имени каких-то очень высоких инстанций. «У нас так себя не ведут». «Люди так не поступают». «Порядочный человек так не делает, только свинья так делает» и тому подобное. Все это означает, что ты нарушаешь общеизвестные поведенческие и речевые нормы. Поэтому сексуальность подходит под ту же норму, что и воровство. Это как бы форма … вообще. Короче говоря, коммунальные нормы подразумевают наличие какого-то очень высокого императива, и все апеллируют к этому надкоммунальному «я», «сверх-я». Но оно асексуально.

Илья Кабаков монтирует инсталляцию «Человек, улетевший в космос из своей комнаты» Perry van Duijnhoven / flickr.com
Инсталляция Ильи и Эмилии Кабаковых «Туалет» на фестивале «Документа». 1992 год JM Group

Жили мы в коммунальной квартире, и все ходили в один туа-лет… Господи! Как построить и сохранить стену между собой и дру-гими, и чтобы «они», эти другие, только показывались над краем этой стены, но не прыгали ко мне сюда, вовнутрь отгороженного от них про-странства? (Из аннотации к выставке 2004 года «Туалет».)

Самым известным советским и российским художником на Западе является Илья Кабаков. Его картины сегодня выставляются во многих странах, а их стоимость с каждым годом становится всё выше. Популярность пришла к мастеру после того, как в конце 1980-х годов он эмигрировал за границу. До этого Кабаков постоянно проживал в СССР, основным источником его доходов было иллюстрирование детских книг. Картины, принёсшие впоследствии славу и богатство, он писал с молодости, однако рассчитывать на понимание своего творчества в Стране Советов не мог.

Детство и молодость

Художник Илья Кабаков, картины которого сегодня приобретают планеты, родился в Днепропетровске в 1933 году. Семья у него была самая обычная: отец, Иосиф Бенционович, работал слесарем, а мама, Белла Юделевна, — бухгалтером. папа мальчика ушёл на фронт, а самого его вместе с матерью вывезли в Узбекистан (Самарканд). Здесь с 1943 года он стал обучаться рисованию в художественной школе, функционировавшей при эвакуированном из Ленинграда Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина. Кабаков проучился в Самарканде 2 года. После окончания войны в 1945 г. талантливого мальчика перевели в в Москве (МСХШ). Окончив её, он поступил в Суриковский институт на отделение графики (был студентом с 1951-го по 1957 годы).

Творчество до и после эмиграции

Молодой художник работал иллюстратором книг в издательстве «Детгиз» (позже его переименовали в «Детскую литературу»), сотрудничал с журналами «Мурзилка», «Весёлые картинки», «Малыш». В это время появляются первые картины Кабакова Ильи, написанные им в стиле сюрреализма и абстракционизма. В 1960-х годах он вливается в ряды художников-диссидентов, и его творения попадают на зарубежную выставку в Аквилл, позже они были представлены в Венеции, Лондоне, Кёльне. Кроме картин, в творчестве автора стали активно появляться инсталляции. Первый международный грант Илья Иосифович получил в 1987 г. Спустя год художник был удостоен стипендии Министерства культуры Франции, а в 1989 г., получив деньги от Немецкой службы академических обменов (DAAD), уехал в Берлин и с тех пор у себя на родине не работал.

После эмиграции весь мир узнал о том, какой Илья Кабаков художник. Картины, фото которых можно увидеть в этой публикации, вызвали настоящий ажиотаж у поклонников современного творчества. Пиком славы мастера стали 1990-е годы: в это время у него прошли десятки выставок во многих странах. В России работы художника стали активно экспонироваться в 2000-х годах. На Западе сегодня главным представителем советского и русского искусства считается именно Кабаков Илья Иосифович. Картины его были представлены на выставке «Russia», проходившей в рядом с произведениями Малевича, Брюллова, Репина. После этого авторитет художника ещё больше возрос.

«Душ»

Чем же так привлекли внимание почитателей искусства картины Кабакова Ильи? Чтобы это понять, нужно рассмотреть несколько произведений мастера, относящихся к разным периодам его жизни. В 1964 году из-под руки художника вышла серия картин под названием «Душ». Годом позже эти рисунки попали на выставку в Италию, из-за чего у Ильи Иосифовича возник серьёзный конфликт с советской властью. На картинках автор изобразил мужчину, который, стоя под душем, остаётся сухим. Вода, выливаясь из лейки, образует вокруг человека водопад, крылья, купол и другие замысловатые фигуры, но так и не касается его тела. Западные критики отождествляли картины Кабакова Ильи с дефицитом материальных ресурсов в СССР, но сам художник утверждал, что он просто нарисовал человека, которые всю жизнь находится в ожидании чего-то.

Зарождение концептуального творчества

В начале 1970-х годов в советском искусстве появился стиль «московский концептуализм», одним из его основателей считается художник Илья Кабаков. Картины автора в этот период — это пародия на бюрократизм, охвативший все сферы жизни советского общества. Примечательна работа Кабакова «Ответы экспериментальной группы» (1972 г.), где на всю поверхность полотна нанесена исписанная каллиграфическим почерком таблица. В ней каждый советский гражданин — это не человек с чувствами и эмоциями, а только фамилия, имя и отчество в графе.

Московский концептуализм нашёл своё продолжение в работе «Расписание выноса мусорного ведра» (1980 г.). Здесь Кабаков со свойственным ему издевательством изобличает советский быт. Вынос ведра для людей, живущих в коммунальной квартире, художник преподносит не в виде повседневной необходимости, а как тотальный закон, который невозможно нарушить.

О человеке, улетевшем в космос из своей комнатушки

В 1980-х годах всё острее выражает своё недовольство советским бытом Кабаков Илья Иосифович. Картины и инсталляции его уже были хорошо известны за рубежом и нашли там своё признание, в то время как на родине о художнике знали только в узких кругах. В 1982-1986 годах Кабаков работал над композицией «Человек, который улетел в космос из своей комнаты». В инсталляции чётко прослеживается грань между ограниченными возможностями маленького человека и его мечтами. Сделав примитивный из подручных средств, главный герой композиции улетел в неизвестность, пробив головой потолок своей убогой комнатушки. После эмиграции Кабакова стало понятно, что в роли этого человека художник изобразил самого себя, навсегда покинувшего Союз.

Картины Кабакова «Жук» и «Номер люкс»

Эмиграция на Запад принесла Илье Иосифовичу не только всемирную известность, но и солидное состояние. В 2007 году на аукционе Phillips de Pury его картина «Номер люкс» (1981 г.), проданная почти за 4 миллиона долларов, сделала его самым дорогим русским живописцем послевоенного времени. Свой шедевр автор написал на куске фанеры. На ней Кабаков изобразил хорошо освещённый солнцем гостиничный номер с мягкими креслами, журнальным столиком и телевизором. На переднем плане картины художник поместил информацию об экскурсиях на автобусе по Черноморскому побережью. Такой номер в сочетании с отдыхом на Чёрном море был пределом мечтаний советского гражданина.

В 2008 году внимание мировых СМИ снова привлёк Илья Кабаков. Картина «Жук», написанная им в 1982 году, была продана с молотка за баснословные 5,84 миллионов долларов. Таким образом, художник установил новый рекорд по стоимости своих произведений. На картине Илья Иосифович крупным планом изобразил блестящего жука, сидящего на зелёном листике. Нижнюю часть полотна автор украсил детским стишком про насекомого. Смысл стихотворения довольно прост: ребёнок нашёл блестящего жука для своей коллекции, однако тот изо всех сил вырывается на свободу. Но Кабаков не был бы самим собой, если бы он не вложил в этот простой детский стишок более глубокий смысл. Жук, стремясь вырваться из рук мальчика, не просто борется за свою жизнь, здесь чувствуется явная принципиальная позиция человека, нежелание быть составной частью некой коллекции-системы.

Супруги Кабаковы

Во всём мире картины Кабакова Ильи ассоциируются с современной русской живописью. Сегодня художник живёт в Нью-Йорке. В 1989 году он женился. Именно супруге Илья Иосифович во многом обязан своим успехом, ведь она занимается ведением его финансовых дел и организацией выставок. Кроме этого, Эмилия (жена) выступает соавтором многих его шедевров. В 2012 году совместная работа супругов «Корабль толерантности» получила звание лучшего художественного проекта года и была награждена премией Cartier.

Как и большинство гениев, не смог найти признания у себя на родине Илья Кабаков (художник). Картины (фото некоторых из них представлены в статье) на Западе были с восторгом встречены всем прогрессивным обществом и обеспечили своему автору достойное место в списке выдающихся живописцев.

Картина Ильи Кабакова «Условный рефлекс»: volynko — LiveJournal

Илья КАБАКОВ «Условный рефлекс» 1964 Дерево, масло, эмаль. 51,5 × 62,5
Sotheby’s. 24.09–01.10.2020. Продана: £438,500

Илья КАБАКОВ «Условный рефлекс» 1964 Дерево, масло, эмаль. 51,5 × 62,5

Илья Кабаков. «Маленькая галерея» 1967. Бумага, цветные карандаши, тушь.

Топ-лотом торгов стала работа Ильи Кабакова «Условный рефлекс» 1964 года, стоимость ее, с учётом комиссии Buyer’s Premium, составила £438,5 тыс. Картина происходит из коллекции легендарного американского журналиста Генри Шапиро, купившего «Условный рефлекс» напрямую у автора в 1973 году. Работа стала девятой в ценовом рейтинге работ Ильи Кабакова, проданных на открытых торгах. Аукционный рекорд на работы художника с 2008 года удерживает картинка «Жук» (1982), проданная на Phillips De Pury за $5,839 000.

Олег Васильев «55 километров от Москвы» 1992

Другие топ-лоты аукциона Escape Artists — картина Семёна Файбисовича «Маленькие смешные люди» из серии «Негативы» (£69,3 тыс.) и работа Олега Васильева «55 км от Москвы» (£60,48 тыс.).

Анатолий Брусиловский «Лицо и памятник Ельцину» 1997

По хорошим ценам были проданы работы Оскара Рабина («Луна и цветы», £47,88 тыс.), Дмитрия Плавинского («Бабочка», £47,88 тыс.), Владимира Немухина («Карточный стол», £20,16 тыс.) и многих других авторов.

Владимир Немухин. Джек Ван Гог. Бумага, пастель.

Отличные результаты аукциона Escape Artists в очередной раз подтвердили, насколько востребовано творчество нонконформистов у коллекционеров отечественного искусства.

Источник: https://artinvestment.ru/news/auctnews/20201002_sothebys_nonconformists.html

Статья проиллюстрирована изображениями выловленных в бескрайних просторах Интернета.

Ошибка

Что-то случилось получение uk010008

Чтобы просмотреть все наши предстоящие аукционы, щелкните здесь.

Страница, которую вы ищете, не существует или больше не доступна.
Если вы считаете, что попали на эту страницу по ошибке, свяжитесь с [электронная почта защищена].

Вернуться на домашнюю страницу Показать ошибку

Журнал базы данных может содержать дополнительные сведения

HttpException

 Система.Web.HttpException (0x00000064): что-то произошло при получении uk010008
   в PublicWebMvC.Controllers.LotsController.  d__6.MoveNext () в c: \ Jenkins \ Pipeline Prod-WEB01 \ workspace \ PhillipsPublic.Web \ Controllers \ LotsController.cs: строка 176
--- Конец трассировки стека из предыдущего места, где было создано исключение ---
   в System.Runtime.ExceptionServices.ExceptionDispatchInfo.Throw ()
   в System.Runtime.CompilerServices.TaskAwaiter.HandleNonSuccessAndDebuggerNotification (задача задачи)
   в System.Web.Mvc.Async.TaskAsyncActionDescriptor.EndExecute (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker. <> c__DisplayClass8_0.  b__1 (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.EndInvokeActionMethod (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.AsyncInvocationWithFilters.  b__11_0 ()
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.AsyncInvocationWithFilters. <> C__DisplayClass11_1.  b__2 ()
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.AsyncInvocationWithFilters. <> c__DisplayClass11_1.  b__2 ()
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.AsyncInvocationWithFilters. <> c__DisplayClass11_1.  b__2 ()
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.EndInvokeActionMethodWithFilters (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker. <> c__DisplayClass3_6.  b__3 ()
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker. <> c__DisplayClass3_1.  b__5 (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncControllerActionInvoker.EndInvokeAction (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Controller.<> c.  b__152_1 (IAsyncResult asyncResult, ExecuteCoreState innerState)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncResultWrapper.WrappedAsyncVoid`1.CallEndDelegate (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Controller.EndExecuteCore (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncResultWrapper.WrappedAsyncVoid`1.CallEndDelegate (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.Controller.EndExecute (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.MvcHandler.<> c.  b__20_1 (IAsyncResult asyncResult, ProcessRequestState innerState)
   в System.Web.Mvc.Async.AsyncResultWrapper.WrappedAsyncVoid`1.CallEndDelegate (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.Mvc.MvcHandler.EndProcessRequest (IAsyncResult asyncResult)
   в System.Web.HttpApplication.CallHandlerExecutionStep.System.Web.HttpApplication.IExecutionStep.Execute ()
   в System.Web.HttpApplication.ExecuteStepImpl (шаг IExecutionStep)
   в System.Web.HttpApplication.ExecuteStep (шаг IExecutionStep, логическое значение и завершено синхронно)
                  Исключение:  Что-то произошло при получении uk010008

Картины Кабакова Ильи Иосифовича. Художник Илья Кабаков: картина «Жук»

Самый известный советский и российский художник на Западе — Илья Кабаков. Его картины сегодня выставляются во многих странах, и их ценность с каждым годом становится все выше. Популярность к мастеру пришла после того, как он в конце 1980-х эмигрировал за границу.До этого Кабаков постоянно проживал в СССР, основным источником его доходов была иллюстрация детских книг. Свои картины, принесшие впоследствии известность и богатство, он писал с юности, но не мог рассчитывать на понимание своего творчества в Стране Советов.

Детство и юность

Художник Илья Кабаков, картины которого сегодня приобретают самые богатые люди планеты, родился в Днепропетровске в 1933 году. Семья у него была самой обыкновенной: отец, Иосиф Бенционович, работал слесарем, а его мать, Белла Юделевна, была бухгалтером.Когда началась Великая Отечественная война, папа мальчика ушел на фронт, а его с мамой увезли в Узбекистан (Самарканд). Здесь с 1943 года он начал изучать живопись в художественной школе при Институте живописи, скульптуры и архитектуры им. Репина. Кабаков учился в Самарканде 2 года. После окончания войны в 1945 году талантливого мальчика перевели в Московскую среднюю художественную школу (МХШ). После его окончания поступил в Суриковский институт на отделение графики (учился с 1951 по 1957 год).

Творчество до и после эмиграции

Молодой художник работал иллюстратором книг в издательстве «Детгиз» (впоследствии оно было переименовано в «Детская литература»), сотрудничал с журналами «Мурзилка», «Веселые картинки» , «Ребенок». В это время появились первые картины Ильи Кабакова, написанные им в стиле сюрреализма и абстракционизма. В 1960-х он пополнил ряды художников-диссидентов, и его творения попали на зарубежную выставку в Аквилле, позже были представлены в Венеции, Лондоне, Кельне.Помимо картин в творчестве автора стали активно появляться инсталляции. Свой первый международный грант Илья Иосифович получил в 1987 году. Через год художник получил стипендию от Министерства культуры Франции, а в 1989 году, получив деньги от Германской службы академических обменов (DAAD), уехал в Берлин и с тех пор дома не работал. .

После эмиграции весь мир узнал о том, какой художник Илья Кабаков. Картины, фото которых можно увидеть в этом издании, вызвали настоящий фурор среди поклонников современного искусства.Пик славы мастера пришелся на 1990-е годы: на тот момент у него были десятки выставок во многих странах мира. В России работы художника начали активно выставляться в 2000-х годах. Сегодня на Западе Илья Иосифович Кабаков считается главным представителем советского и русского искусства. Его картины были представлены на выставке «Россия», проходившей в Музее Гуггенхайма, рядом с иконами Андрея Рублева, работами Малевича, Брюллова, Репина. После этого авторитет артиста еще больше возрос.

«Душ»

Чем же так заинтересовались любители живописи Ильи Кабакова? Чтобы понять это, нужно рассмотреть несколько работ мастера, относящихся к разным периодам его жизни. В 1964 году из рук художника вышла серия картин под названием «Душа». Через год эти рисунки попали на выставку в Италии, из-за чего у Ильи Иосифовича возник серьезный конфликт с советской властью. На снимках автор изобразил мужчину, который, стоя в душе, остается сухим.Вода, льющаяся из лейки, образует водопад вокруг человека, крыльев, купола и других замысловатых фигур, но не касается его тела. Западные критики отождествляли картины Ильи Кабакова с нехваткой материальных средств в СССР, но сам художник утверждал, что просто нарисовал человека, который всю жизнь чего-то ждал.

Зарождение концептуального творчества

В начале 1970-х годов в советском искусстве появился стиль «московский концептуализм», одним из основоположников которого является художник Илья Кабаков.Картины автора этого периода — пародия на бюрократию, охватившую все сферы жизни советского общества. Обращает на себя внимание работа Кабакова «Ответы экспериментальной группы» (1972), где каллиграфическим почерком на всей поверхности холста написана таблица. В нем каждый советский гражданин — это не человек с чувствами и эмоциями, а только фамилия, имя и отчество в графе.

Московский концептуализм нашел свое продолжение в работе «График вывоза мусорного ведра» (1980).Здесь Кабаков с присущей ему издевкой разоблачает советскую жизнь. Убирая ведро для людей, живущих в коммуналке, художник преподносит это не как повседневную необходимость, а как тотальный закон, который нельзя нарушать.

О человеке, летящем в космос из своей комнатки

В 80-е годы Илья Иосифович Кабаков все чаще выражал недовольство советской жизнью. Его картины и инсталляции уже были хорошо известны за рубежом и нашли там признание, а дома о художнике знали лишь в узких кругах.В 1982-1986 годах Кабаков работал над композицией «Человек, улетевший в космос из своей комнаты». В инсталляции четко прослеживается грань между ограниченными возможностями маленького человека и его мечтами. Сделав из подручных средств примитивный самолет, главный герой композиции улетел в неизвестность, пробив голову сквозь потолок своей убогой комнатки. После эмиграции Кабакова выяснилось, что в роли этого человека художник изобразил самого себя, навсегда покинувшего Союз.

Картины Кабакова «Жук» и «Сюита»

Эмиграция на Запад принесла Илье Иосифовичу не только мировую известность, но и солидное состояние. В 2007 году на аукционе Phillips de Pury его картина «Сюита» (1981), проданная почти за 4 миллиона долларов, сделала его самым дорогим русским живописцем послевоенного периода. Свой шедевр автор написал на куске фанеры. На нем Кабаков изобразил хорошо освещенный гостиничный номер с мягкими креслами, журнальным столиком и телевизором. На переднем плане картины художник разместил информацию об автобусных экскурсиях по побережью Черного моря.Такой номер в сочетании с отдыхом на Черном море был пределом мечтаний советского гражданина.

В 2008 году Илья Кабаков снова привлек внимание мировых СМИ. Картина «Жук», написанная им в 1982 году, была продана с молотка за баснословные 5,84 миллиона долларов. Таким образом, художник установил новый рекорд стоимости своих работ. На снимке Илья Иосифович крупным планом изобразил блестящего жука, сидящего на зеленом листе. Автор украсил нижнюю часть полотна стишком о насекомом.Смысл стихотворения довольно прост: ребенок нашел блестящего жука для своей коллекции, но изо всех сил пытается вырваться на свободу. Но Кабаков не был бы самим собой, если бы не вложил в этот простой детский стишок более глубокий смысл. Жук, пытаясь вырваться из рук мальчика, не просто борется за его жизнь, здесь чувствуется очевидная принципиальная позиция человека, нежелание быть неотъемлемой частью определенной системы сбора.

Супруги Кабаковы

Во всем мире картины Ильи Кабакова ассоциируются с современной русской живописью.Сегодня артист живет в Нью-Йорке. В 1989 году он женился. Именно жена Ильи Иосифовича во многом обязана своим успехом, потому что она занимается его финансовыми делами и организацией выставок. Кроме того, Эмилия (жена) является соавтором многих его шедевров. В 2012 году совместная работа супругов «Корабль толерантности» получила звание «Лучший арт-проект года» и была отмечена премией Cartier.

Как и большинство гениев, Илья Кабаков (художник) не нашел признания на родине.Картины (фото некоторых из них представлены в статье) на Западе были восторженно приняты всем прогрессивным обществом и обеспечили их автору достойное место в списке выдающихся живописцев.

Картины Кабаков Илья. Художник Илья Кабаков: картина «Жук»

Самый известный советский и российский художник на Западе — Илья Кабаков. Его картины сейчас выставляются во многих странах, и их стоимость с каждым годом становится все выше. Популярность к мастеру пришла после того, как в конце 1980-х он эмигрировал за границу.До этого Кабаков постоянно проживал в СССР, основным источником его доходов была иллюстрация детских книг. Картины, принесшие впоследствии славу и богатство, он писал с юности, но не мог рассчитывать на понимание своего творчества в Стране Советов.

Детство и юность

Художник Илья Кабаков, картины которого сейчас приобретают самые богатые люди планеты, родился в Днепропетровске в 1933 году. Семья у него была самая обычная: отец, Иосиф Бенционович, работал слесарем, а его мать, Белла Юделевна, бухгалтером.Когда началась Великая Отечественная война, отец мальчика ушел на фронт, и его вместе с мамой увезли в Узбекистан (Самарканд). Здесь с 1943 года он начал изучать рисунок в художественной школе, действовавшей при Институте живописи, скульптуры и архитектуры, эвакуированного из Ленинграда. Репина. Кабаков учился в Самарканде 2 года. После окончания войны в 1945 году талантливого мальчика перевели в Московскую среднюю художественную школу (МСХШ). После его окончания поступил в Суриковский институт на графический факультет (учился с 1951 по 1957 год).

Творчество до и после эмиграции

Молодой художник работал иллюстратором книг в издательстве «Детгиз» (позже было переименовано в «Детская литература»), сотрудничал с журналами «Мурзилка», «Веселые картинки», « Ребенок». В это время появляются первые картины Кабакова Ильи, написанные им в стиле сюрреализма и абстракции. В 1960-х он пополняет ряды художников-диссидентов, и его творения отправляются на зарубежную выставку в Аквилле, позже они были представлены в Венеции, Лондоне, Кельне.Помимо картин, автор начал активно устанавливать инсталляции. Первый международный грант Илья Иосифович получил в 1987 году. Через год художник получил стипендию Министерства культуры Франции, а в 1989 году, получив деньги от Германской службы академических обменов (DAAD), уехал в Берлин и с тех пор дома не работал.

После эмиграции о художнике Илье Кабакове узнал весь мир. Картины, фото которых можно увидеть в этом издании, вызвали настоящий фурор среди поклонников современного творчества.Пиком славы мастера стали 1990-е годы: на тот момент у него были десятки выставок во многих странах. В России работы художника начали активно выставляться в 2000-х годах. На Западе сегодня главным представителем советского и русского искусства является именно Кабаков Илья Иосифович. Его картины были представлены на выставке «Россия», проходившей в Музее Гуггенхайма, рядом с иконами Андрея Рублева, работами Малевича, Брюллова, Репина. После этого авторитет артиста еще больше возрос.

«Душ»

Чем привлек внимание ценителей искусства Кабаков Илья? Чтобы понять это, нужно рассмотреть несколько работ мастера, относящихся к разным периодам его жизни. В 1964 году из-под руки художника вышла серия картин под названием «Душ». Через год эти рисунки отправили на выставку в Италию, из-за чего у Ильи Иосифовича возник серьезный конфликт с советскими властями. На снимках автор изобразил человека, который, стоя под душем, остается сухим.Вода, льющаяся из лейки, образует вокруг человека водопад, крылья, купол и другие замысловатые фигуры, но никогда не касается его тела. Западные критики отождествляли картины Кабакова Ильи с дефицитом материальной базы в СССР, но сам художник утверждал, что просто нарисовал человека, который всю жизнь чего-то ждет.

Зарождение концептуального творчества

В начале 1970-х годов в советском искусстве появился стиль «московский концептуализм», одним из основоположников которого является художник Илья Кабаков.Картины автора этого периода — пародия на бюрократию, охватившую все сферы жизни советского общества. Замечательна работа Кабакова «Отзывы экспериментальной группы» (1972), где всю поверхность стола покрывает стол, расписанный каллиграфическим почерком. В нем каждый советский гражданин — это не человек с чувствами и эмоциями, а только фамилия, имя и отчество в графе.

Московский концептуализм нашел свое продолжение в работе «График вывоза мусорного ведра» (1980).Здесь Кабаков с присущей ему издевкой разоблачает советскую жизнь. Вывоз ведра для людей, живущих в коммунальной квартире, художник преподносит не как повседневную необходимость, а как тотальный закон, который нельзя нарушать.

О человеке, улетевшем в космос из своей комнатки

В 80-е годы Кабаков Илья Иосифович все чаще выражал недовольство советской жизнью. Его картины и инсталляции уже были хорошо известны за рубежом и нашли там признание, тогда как на родине о художнике знали лишь в узких кругах.В 1982-1986 гг. Кабаков работал над композицией «Человек, улетевший в космос из своей комнаты». В инсталляции четко прослеживается грань между ограниченными возможностями маленького человека и его мечтами. Сделав из подручных средств примитивный самолет, главный герой композиции улетел в неизвестность, пробив голову потолка своей убогой комнатки. После эмиграции Кабакова выяснилось, что в роли этого человека художник изобразил самого себя, навсегда покинувшего Союз.

Картины Кабакова «Жук» и «Номер сюиты»

Эмиграция на Запад принесла Илье Иосифовичу не только мировую известность, но и солидное состояние. В 2007 году на аукционе Филипса де Пюри его картина «Сюита» (1981), проданная почти за 4 миллиона долларов, сделала его самым дорогим русским живописцем послевоенного периода. Свой шедевр автор написал на куске фанеры. На нем Кабаков изобразил хорошо освещенный гостиничный номер с мягкими креслами, журнальным столиком и телевизором.На переднем плане картины художник разместил информацию об автобусных экскурсиях по побережью Черного моря. Это количество в сочетании с отдыхом на Черном море было пределом мечты советского гражданина.

В 2008 году Илья Кабаков снова привлек внимание мировых СМИ. Картина «Жук», написанная им в 1982 году, была продана с молотка за баснословные 5,84 миллиона долларов. Таким образом, художник установил новый рекорд стоимости своих работ. На снимке Илья Иосифович, крупный план блестящего жука, сидящего на зеленом листе.Нижняя часть полотна была украшена детским стихотворением о насекомом. Смысл стихотворения довольно прост: ребенок нашел блестящего жука для своей коллекции, но он изо всех сил пытается освободиться. Но Кабаков не был бы самим собой, если бы не вложил более глубокий смысл в этот простой детский стишок. Жук, пытающийся вырваться из рук мальчика, не только борется за свою жизнь, чувствуется очевидная принципиальная позиция человека, нежелание быть неотъемлемой частью определенной системы сбора.

Супруги Кабаковы

Картины Кабакова с изображением Ильи во всем мире ассоциируются с современной русской живописью. Сегодня артист живет в Нью-Йорке. В 1989 году женился. Именно жена Ильи Иосифовича во многом обязана своим успехам, ведь она занимается его финансовыми делами и организацией выставок. Кроме того, Эмилия (жена) является соавтором многих его шедевров. В 2012 году совместная работа супругов «Корабль толерантности» получила звание лучшего арт-проекта года и была удостоена премии Cartier.

Как и большинство гениев, Илья Кабаков (художник) не смог найти признания на родине. Картины (фото некоторых из них представлены в статье) на Западе были восторженно встречены всем прогрессивным обществом и обеспечили их автору достойное место в списке выдающихся живописцев.

— Илья и Эмилия Кабаковы

ВЫСТАВКИ

Otegem, Deweer Art Gallery
‘Een Ontmoeting / Vstrecha’ (Встреча) Ян Фабр и Илья Кабаковы, 31 января 1998 г. — 15 марта 1998 г.

Diepenkam,

Diepenkam 28 февраля 1999 г. — 14 марта 1999 г. (Организация: Kunstvereiniging Diepenheim, Diepenheim)

Bolzano, AR / GE Kunst Galerie Museum
9 июля 1999 г. — 4 сентября 1999 г.

Vienna, Kunsthalle Wien
Соберитесь вместе.Kunst als Teamwork, 8 октября 1999 г. — 9 января 2000 г.

ОПИСАНИЕ
В центре большого зала на полу лежит большой ящик — или, точнее, каркас из досок — размером 6 x 7 метров, в которую насыпали довольно большую кучу грязи. Как будто вся эта куча грязи представляет собой поле битвы: «солдаты» и «офицеры» в различной форме — зеленой, коричневой, серой, красной — движутся полками в разных направлениях. Все эти полки и отряды состоят из жуков разных видов, форм и окраски.Над этим «полем битвы» висит целый рой мух — их около 600 — причем они расположены не хаотично, а очень намеренно, напоминая либо большое, широкое судно, либо какой-то купол необычной формы. Все вместе взятые образует странные, загадочные события на «земле» и «в воздухе» насекомыми, которые связаны друг с другом: мухи и жуки — два из самых древних и стойких видов насекомых на нашей планете.
КОНЦЕПЦИЯ УСТАНОВКИ
Эта установка является последней в серии совместных работ с Яном Фабром.Первым из них был совместный диалог в Токио в оперном театре, где каждый из нас говорил на своем языке: Ян на фламандском, я на русском, и японцы были удивлены, что мы понимаем друг друга. Затем был совместный фильм, который мы сняли в Нью-Йорке в 1997 году на крыше и в подвале здания в центре города в Трибеке. Затем, в следующем году, мы сделали эту совместную установку.
Во время нашей первой встречи, решив что-то сделать вместе, мы начали искать как форму, так и тему для нашего «сотрудничества».Но найти такую тему было нетрудно: очень большое количество произведений, скульптур и предметов Яна Фабра использует жуков (очевидно, сохранившихся). Интерес Яна Фабра к насекомым — это, можно сказать, семейное дело — его дед был большим энтомологом, о книгах которого я знал еще, когда жил в Москве. Ян также был знаком с моим постоянным интересом к мухам. Мы сразу решили, что я буду представлять мир мух, то есть я стану мухой, а Ян Фабр — жуком.Это послужило сюжетом и основным сценарием нашего фильма. Ян сшил два костюма — муху и жука — и мы сначала устроили в них импровизационный спектакль в темном подвале здания, в котором жук беседует с мухой об искусстве, истории и т. Д. Более того, конечно, оба насекомые выражали разные взгляды, каждая со своей точки зрения, на проблемы человеческой цивилизации. Вторая часть фильма снималась на крыше того же здания, с которой открывался великолепный вид на Манхэттен, а муха и жук выглядели так, будто парили над небоскребами Нью-Йорка.Мы продолжили диалог здесь. В конце фильма жук и муха поднимаются в воздух и покидают землю, а точнее крышу, на которую они только что приземлились.
Инсталляция «Мухи и жуки» была построена годом позже в галерее Deweer в Бельгии. Здесь мы использовали и играли с темой «земля и небо», так как нам кажется, что мир земли принадлежит жукам (хотя, как и все жуки, они умеют летать), а небо, естественно, принадлежит мухам. (хотя мухи могут ходить по земле).Вот и насыпалась земля в огромный плоский ящик и представляла собой поле битвы: по движениям и позициям полков невозможно было понять, кто с кем сражается — эту «тайну» знали только военачальники-жуки. над этим полем битвы в многослойных кругах, или они просто вели бескорыстные наблюдения, или они взяли на себя таинственное управление — и об этом тоже не было никакого способа узнать.
Есть еще одно качество этой инсталляции с мухами и жуками.Когда их обоих оказалось такое множество (мухи, конечно, были искусственными, пластиковыми), 600 мух образовали пирамиду мух; Жуки, на мой взгляд, не меньшее количество, создавали неожиданный оптический эффект вечного движения, двигаясь довольно медленно и спокойно, но продолжая двигаться, как будто все это происходило на наших глазах. Откуда появился этот эффект, сказать сложно, но об этом говорил каждый зритель, стоявший возле инсталляции. Эта инсталляция совершенно не производила впечатление этнографического экспоната, в отличие от экспозиции муравьиной культуры в музее.Возможно, это потому, что жуки внизу были организованы в странные военные порядки, а мухи вверху, казалось, вращались по кругу (оставаясь неподвижными), создавая странное впечатление таинственного движения, странного театрального представления организованных ансамблей без солистов. .
Три ночи — Илья и Эмилия Кабаковы
ВЫСТАВКИ
ГОД: 1989
НОМЕР КАТАЛОГА: 23
PROVENANCE
Франция
Франция
Франция
Франция Илья Кабаков.Que sont ces petits hommes? 19 января — 4 марта 1989 г.
Институт современного искусства, Филадельфия
Илья Кабаков. Кто эти маленькие белые человечки? 14 декабря 1989 г. — 28 января 1990 г.
Версия 2
Kunst im 20. Jahrhundert, Martin-Gropius-Bau, Berlin
Die Epoche der Moderne , 7 мая — 27 июля 1997 г.
Center for Музей кураторских исследований, Бард-колледж, Аннандейл-он-Гудзон
Илья Кабаков: 1969-1998 , 23 июня — 3 сентября 2000 года
Тейт Модерн, Лондон, Британский музей
Илья и Эмилия Кабаковы, Not Every Will Возьмите в будущее, 18 октября 2017 — 28 января 2018
Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург и Третьяковская галерея, Москва
Илья и Эмилия Кабаковы, Не всех возьмут в будущее, 2018
ОПИСАНИЕ
Это большое и высокое жилище (12 х 8 х 6 метров).Три картины, по одной на светло-желтых, почти белых стенах. Слева висит вертикальная картина (368 х 226 см); большой горизонтальный (224 х 590 см) находится в центре, а справа от него тоже горизонтальный (320 х 808 см). Ни имени, ни надписи ни на самих картинах, ни рядом с ними нет. Непонятно, как они называются и кто их сделал. Но при их приготовлении использовалась глазурь, так что, похоже, их можно было сделать давно.Ночь изображена на всех трех картинах. Справа вертикальная картина, ночь расходится в обе стороны, как черная занавеска. Мы видим, как много людей ходит в светлом пространстве, которое открывается в стороны в виде ночных частей, но это как если бы мы смотрим на это сверху, с высоты птичьего полета, то есть только на плечи, голову и носы. можно увидеть.
На второй картине большой жук сидит на зеленом листе в левом нижнем углу, а все пространство картины почти черное — ночь.Детские стихи, а точнее детские стихи, написаны аккуратным почерком по всей длине нижнего края, поверх «ночи».
На третьей картине изображено ночное небо, усыпанное звездами. В светло-золотистой середине каждой звезды — предметы домашнего обихода (чашка, тарелка, мясорубка). У каждой звезды есть свой объект.
В центре комнаты построена перегородка из трех стен, в которую зритель может свободно входить. В каждой стене на уровне глаз есть квадратные дыры.Напротив отверстия размещают бинокль, через который может смотреть зритель. В передней части перегородки есть пояснительный текст и такой же текст рядом с каждым отверстием. Из пояснений следует, что фигурки маленьких белых человечков стали появляться в разных местах на каждой из трех картин еще до того, как они попали на выставку. Но увидеть их на поверхности картины невооруженным глазом невозможно; они видны только в бинокль.
КОММЕНТАРИИ ХУДОЖНИКА
Проблема, которая всегда беспокоила и беспокоила меня и которая казалась неразрешимой, — это разница между знаниями, которые вы можете почерпнуть из книг, из собственного жизненного опыта, из разговоров, из собственных размышлений. , и то, что нисходит на вас ex nihilo, внезапно и случайно, и, более того, имеет такое «качество», что сравнивать его с приобретенным знанием просто смешно и нелепо.
Это совсем другого сорта, другого «состава». Его нельзя анализировать обычным образом, разбивать на части, постигать логически. По сути, в этой жизни тоже нельзя использовать. Его внешний вид такой же, как и его смысл — совершенно неразрешимая загадка.
Что, собственно говоря, с этим делать? Вы можете и должны жить с первым видом знаний. Но что делать со вторым видом — совершенно непонятно. Он остается знаком, напоминанием о чем-то.Но о чем и о чем?
Все, о чем говорилось выше, особенно когда это проявляется в ярких, отчетливых образах, обычно называется «мистическими наклонностями». Человек внезапно получает сигнал из некоего таинственного источника, «видение», и затем он пытается сообщить это другим. Подобные «видения» якобы посещали художников много раз. Сохранились записи и расплывчатые свидетельства, подтверждающие это. Говорят, что многие картины представляют собой воспроизведение таких «видений».Подробные рассказы о том, как появились такие картины, с какой чудесной скоростью они создавались, проходят через весь курс истории искусства.
Гоголь прекрасно говорит о таком состоянии в «Шинели»: «Наш герой оказался в той самой приятной для русского ситуации, когда ни о чем не думаешь, а мысли закрадываются в голову».
И несколько раз я попадал в такое состояние, когда на меня «нисходили» два или три таких изображения.
«Образ», появившийся внезапно и неизвестно откуда, кажется необычайно реальным, он отчетливо виден в каждой его детали, как если бы он был освещен ярким дневным светом.Сверхустойчивая потребность записать или нарисовать это передается вам вместе с «изображением». Как будто вам передается доза энергии, которая специально предназначена для выполнения этой задачи.
Странное, запутанное, пугающее состояние. Это как если бы кто-то что-то толкал, сунул вам в руку материал, пытаясь сделать так, чтобы для этого были созданы все возможности, чтобы произвести впечатление в вашей памяти. Это сладкое и в то же время пугающее ощущение, что вы поддаетесь чужой воле, несущей сверхчеловеческий импульс …
Но позже, когда ваша работа закончена, все это куда-то уходит, исчезает, и вы возвращаетесь к своему обычные усилия, помня только о том, что с вами случилось что-то странное и непонятное.
самая дорогая картина кандинского
Фрагмент «Этюда к импровизации 3» Кандинского. Картина Василия Кандинского была продана за 21,2 миллиона долларов на аукционе произведений импрессионистов и модерна Christie’s в Лондоне. На белом II. Получайте наши последние новости в ленте ваших любимых сетей. Казимир Малевич — 60 миллионов долларов. Вот 7 моментов, которые необходимо увидеть, чтобы наверстать упущенное: Большой разрыв между Pfizer, вакцины Moderna, используемые для предотвращения госпитализаций COVID, В красной Калифорнии, гнев из-за всплеска отзывов.Джорджия О’Киф является рекордсменом по самой высокой цене, заплаченной за картину, написанную женщиной. Илья Кабаков, «Жук», 1985 — 2,9 миллиона фунтов стерлингов. Женщина III Женщина III; Эта картина 1953 года заняла третье место среди самых дорогих работ… В 1927 году Малевич перевез почти сотню своих работ из Ленинграда в Берлин. С рамкой для рисования или без нее. Список самых дорогих картин. Перейти к навигации Перейти к поиску. Сальватор Мунди Леонардо да Винчи (около 1500 г.) — самая дорогая картина из когда-либо проданных по состоянию на 2019 год.Это список самых высоких известных цен, уплаченных за картины. Текущая рекордная цена составляет около 450 миллионов долларов США, заплаченных за «Salvator Mundi» Леонардо да Винчи в ноябре 2017 года. Дэвид Нг — бывший репортер Company Town в Los Angeles Times. Работа была приобретена коллекционером по имени Леон Блэк в 2012 году. Закажите сейчас! Находится внутри — страница 32 Благодаря современным технологиям цветной печати книги по искусству переносят в ваш дом музеи мира. Когда-то эти роскошные объемы были непомерно дорогими… Находится внутри — Страница 110В мире искусства и бизнеса Иэн Робертсон. действовать как подсластитель для будущих … Это дорогая картина Жоржа Брака (1882–1963). Абстрактная живопись прошла долгий путь с 1910 года и зарекомендовала себя как разностороннее поле для экспериментов и разработки новых стилей и техник. Надеемся, вам понравится подборка слайд-шоу. «Этюд для импровизации 3» Кандинского, созданный в 1909 году, стал бестселлером вечера. Смешанная Эмми пытается устроить вечеринку, как это было в 2019 году. Фото: за кулисами Прайм-тайм Эмми в 2021 году, Эмми 2021: в память о Алексе Требеке, Майкле К.Уильямс, Сисели Тайсон и другие, фрагмент «Этюда для импровизации 3» Кандинского. На аукционе во вторник была собрана изрядная сумма в 100,4 миллиона долларов, но продажа не обошлась без каких-либо серьезных сюрпризов. Его работы, естественно, являются одними из самых дорогих в жанре: в 2018 году «Bild mit weissen linien» (Картина с белыми линиями) 1913 года на лондонском аукционе Sotheby’s достигла 42 миллионов долларов. Харинг спас картины в тяжелые годы нацистской диктатуры, когда они могли быть уничтожены как «дегенеративное искусство».Биография и картины Тициано / 1488-1576 (1) 10 самых дорогих картин всех времен (1) Винсент Ван Гог Биография и картины / 1853-1890 (1) Василий Кандинский Биография и картины / 1866-1944 (1) Биография Уистлера и Живопись / 1834-1903 (1) Карточка, масло. Например, «Цветы» были проданы за 5,52 миллиона фунтов стерлингов, а олигарх купил «Обнаженную негритянку» для Наоми Кэмпбелл за крутые 2,6 миллиона фунтов стерлингов. 5, 1948 год — самая известная и самая дорогая картина Джексона Поллока. Грамотно написанная биография первых лет жизни Джорджии О’Киф исследует гениальность ее работы и связи, которые она установила с коллегами, друзьями и любовниками в начале своей карьеры.Перепечатка. Как самое дорогое произведение довоенного американского искусства, когда-либо проданное, Эдвард Хопперс Чоп Суи, возможно, является самой знаковой картиной художника. Все права защищены. Бен Николсон: 1934 (рельеф) (1934) Еще одним выдающимся художником периода абстрактного искусства был британский художник… Скачайте бесплатные электронные книги в формате pdf здесь: О духовном в искусстве Кандинский. В течение своей жизни Кандинский был связан с художественными направлениями Der Blaue Reiter, экспрессионизмом и абстрактной живописью. Кандинского обычно считают пионером абстрактного искусства.Давний соратник Пикассо описывает художественную и личную дружбу между двумя гигантами искусства двадцатого века, улавливая привязанность, соперничество и творческое взаимодействие двух гениев, а также примеры их работ. На этой странице представлена информация о самых дорогих работы импрессионистов. Но рассмотрим главное наследие великого живописца — самые известные картины Кандинского. «Демократическая партия — это нью-йоркские янки», лучшие буррито на завтрак в Лос-Анджелесе, Wildfire достигает Гигантского леса; Судьба гигантских секвойей неизвестна, Эрнандес: неожиданный взлет Джексона Дарта может помочь USC заманить тренера с громким именем, ведущий NBC News Том Лламас использует свои корни для новой потоковой передачи новостей «Эмми».Растянутая на холсте или распечатанная как фото. Сейчас картина находится в Государственном художественном музее Азербайджана. Картина Василия Кандинского 1909 года была продана за рекордные 23 миллиона долларов, что стало одним из немногих ярких моментов на Christie’s вчера вечером, поскольку почти треть произведений импрессионизма и современного искусства осталась непроданной. Картина Жоана Миро была продана на лондонском аукционе во вторник за 36,9 миллиона долларов. Амазонка, 1917 год. Качественная печать на холсте плаката Роя Лихтенштейна «В машине». Картина Василия Кандинского была продана на аукционе за 23 миллиона долларов — это самая высокая цена за картину русского художника-авангардиста.Отправьте нам совет, используя нашу анонимную форму. Этот новый импульс привел к быстрому росту цен, и в 2010 году работа Гончаровой стала самой дорогой картиной, когда-либо проданной на аукционе художницей. Его работы были вдохновлены многими вещами, но самое главное… Этот том дает полное исследование истории и значения шедевра Киршнера. Это список картин британского художника-прерафаэлита Эдварда Бёрн-Джонса. Абстрактный, почти яростный экспрессионистский стиль Поллока имеет тенденцию делить людей на две большие группы: те, кто думают, что он совершил величайший долгий обман в истории, замаскировав капли краски под искусство, и те, кто думает, что он был действительно бездарен и по большей части картины должны были быть вазами с фруктами.Первые произведения искусства были проданы за 35 миллионов долларов, а вторые — за 26 миллионов долларов. Этот веб-сайт использует файлы cookie. Он, пожалуй, самый известный художник-абстракционист после Кандинского. В ходе внебиржевой продажи Дэвид Геффен из Geffen Records продал картину миллиардеру, управляющему хедж-фондом Кеннету Гриффину, за 300 миллионов долларов в 2015 году, что на тот момент было самой высокой зарегистрированной ценой за любую картину в наше время. По оценкам, его стоимость составит около 3 миллионов долларов США. Искусство и звук были для него одним и тем же, потому что считается, что у него была синестезия — безобидное состояние, которое позволяло ему оценивать два или более чувств одновременно.25,9 х 19 см. Василий Кандинский. Картина Кандинского продается на аукционе Christie’s за 21,2 миллиона долларов. Композицию Кандинского VII часто считают одной из самых значительных картин ХХ века. 1. Обе картины были частью одного аукциона и были выставлены на продажу в течение короткого промежутка времени в течение вечера. Лирический, 1911. Находится внутри — Страница 50 «Исследования византийского и поствизантийского искусства и архитектуры» Элизабет Пильц. РИСУНОК 88. … Большинство из них сохранилось в виде кодекса.Ван Гог также подарил это своей матери на ее день рождения. На торгах во вторник также была представлена картина Пикассо 1960 года «Женщина, сидящая в кресле», проданная за 9,6 миллиона долларов, что немного превзошло ожидания. Российские критики пустили Репина под откос за его легкомысленную тему, но спустя 20 лет художник перекрасил женщину. Картины Василия Кандинского — Найдите самые свежие идеи дизайна масляных картин Василия Кандинского, чтобы украсить свой домашний интерьер и художественную галерею в Picassos Art Paintings Gallery.. Живопись маслом существует веками. Картина Василия Кандинского была продана за 21,2 миллиона долларов на аукционе произведений импрессионистов и модерна Christie’s в Лондоне. Приятно то, что теперь любой может полюбоваться им в частном фонде Beyeler в Швейцарии. Находится внутри — Страница 94Каждый месяц вам будут присылать высококачественные масляные картины мастера ХХ века. 1000000 долларов. САКОВИЦ самые дорогие шкуры Кандинского Миро в мире. Получите отличные предложения на ebay! Илья Репин, «Парижское кафе», 1875 г. — 4 фунта стерлингов.52 миллиона. Качественное музейное качество от австрийской мануфактуры. Рекордный Бэкон, рекордные продажи Christie. Кандинский (1866-1944) — русский художник и теоретик искусства. Карьерный путь Кандинского охватывал сферу искусства, образования и издательского дела, в каждой из которых он преуспел. Copyright © 2021 Penske Business Media, LLC. В мае Christie’s разместил рекорд продаж послевоенного и современного искусства в Нью-Йорке с общим объемом продаж 495 миллионов долларов. Русский художник Василий Кандинский произвел революцию в мире, представив экспрессионизм — направление в искусстве, которое по-новому взглянуло на перспективу.Местонахождение: Соломон… 10 самых дорогих картин русских художников. 50 самых популярных картин 50 самых дорогих картин. Предлагает уникальную философскую интерпретацию выдающегося художника двадцатого века — Василия Кандинского. — Продано 10 мая 1999 года за 60,5 миллиона долларов (что эквивалентно 85,6 миллиона долларов в 2015 году), это самый дорогой натюрморт из когда-либо проданных. Герхард Рихтер — немецкий художник, которого некоторые считают величайшим из ныне живущих художников. По оценкам… Наталья Гончарова — одна из самых востребованных художников на арт-рынке.Внутри нашли … шесть картин Кандинского (1866–1944) были проданы на общую сумму 52 миллиона долларов. Художник-романтик XIX века Иван Айвазовский, самый дорогой … Sotheby’s продаст картину Кандинского за 25 миллионов долларов, когда-то принадлежавшую Соломону Р. Гуггенхайму. Искусство и звук были для него одним и тем же, потому что считается, что у него была синестезия — безобидное состояние, которое позволяло ему оценивать два или более чувств одновременно. Акварель Василия Кандинского 1927 года, работа, местонахождение которой было неизвестно в течение 70 лет, будет продана на немецком аукционе в следующем месяце.5 марта 2014 года — менее чем через неделю после основания — Artnet News опубликовал… Artnet Select options. Кандинский буквально видел цвета, когда слышал музыку, и слышал музыку, когда писал. 18,3K для исследования цвета. Сегодня вы не догадались бы, но изображенная здесь сцена на самом деле довольно скандальная: женщина осмелилась зайти в кафе без сопровождения, то есть она падшая женщина. Картина когда-то принадлежала Музею искусств Метрополитен в Нью-Йорке. 8 «была продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 23 миллиона долларов.Лучшие картины нью-йоркского музея Гуггенхайма, включая Мане. Явленский и Веревкин. В этом важном руководстве прослеживается богатый репертуар Кандинского, представляющий художника, гравера, учителя и теоретика, которому приписывают первую современную абстрактную живопись и один из самых острых теоретических умов 20-го века. Находится внутриМногие из них были оттеснены миром искусства, обществом и мужчинами в своей жизни. … Самая дорогая работа женщины — Джимсон Джорджии О’Киф … Пол Клее был наделен богатой и многогранной личностью, которая постоянно перетекала в формы выражения, отличные от его живописи, и это сделало его одно из самых необычных явлений современного европейского искусства.Другие работы Василия Кандинского. Получите Screen Gab для еженедельных рекомендаций, анализа, интервью и непочтительного обсуждения телешоу и потоковых фильмов, о которых все говорят. Девушка в черном платье на черном коне с красноватым отливом, художник написал в 1917 году. 25 самых дорогих… В модифицированном варианте картина приобрела моралистический оттенок, а на лице женщины появилось выражение стыда. Эта работа была выбрана учеными как имеющая культурное значение и являющаяся частью базы знаний цивилизации, какой мы ее знаем.Эта работа находится в общественном достоянии в Соединенных Штатах Америки и, возможно, в других странах. Викискладе есть медиафайлы, связанные с Эдвардом Бёрн-Джонсом 1850-х годов. Искусство Кандинского отлично впишется в любую комнату! Все права принадлежат Российской газете. Выполнен в: 1926 г. Это неполный список картин русского художника Василия Кандинского (1866–1944). Ведущий источник освещения искусства с 1902 года. Работы Джексона Поллока, Роя Лихтенштейна и Жана-Мишеля Баския принесли на аукционах рекордные суммы.Продажа на Sotheby’s картины Миро «Peinture (Etoile Bleue)» стала аукционным рекордом покойного испанского художника. Василий Кандинский «Фуга», 1914 год — 22,9 млн долларов. Его работы, естественно, входят в число самых дорогих в жанре: в 2018 году «Bild mit weissen linien» (Картина с белыми линиями) 1913 года достигла 42 млн долларов на лондонском аукционе Sotheby’s. Находится внутри — это самая дорогая картина из когда-либо проданных. Помимо галереи, в музее есть дизайнерский магазин, книжный магазин и два известных венских кафе: the… Нанесенный на серию акварелей, картин и гравюр «Василий Кандинский: … Тим Бенгель создал самый дорогой в мире тост с авокадо». Отмечен как одно из самых дорогих произведений русского искусства — 22,9 миллиона долларов. Русский художник Василий Кандинский произвел революцию в мире, представив экспрессионизм — направление в искусстве, которое по-новому взглянуло на перспективу. Это первая публикация, посвященная карточным игрокам Сезанна, их изысканным подготовительным рисункам и исследованиям маслом. Он стремился создавать такие же беспредметные, духовно богатые картины, намекающие на звуки и эмоции через единство ощущений.Этот художник из Казани, учившийся у Репина и эмигрировавший в Америку в 1923 году, хорошо известен на родине, за исключением сотрудников Казанского музея, где хранятся многие его работы. Об эстимейте: Продана 1 ноября 2013 года за 142,4 миллиона долларов, что является рекордом аукциона для любого произведения искусства. Позже в 2015 году она была продана анонимному покупателю за 46 миллионов долларов, что сделало ее самой дорогой картиной Рихтера на сегодняшний день. Что таится в тени 99%? «Если есть одна пара, которая олицетворяет связь между искусством и музыкой, это случайная встреча между Кандинским и композитором Арнольдом Шенбергом в начале 20-го века», — заявила Хелена Ньюман, глава отдела импрессионизма и современного искусства Sotheby’s. утверждение.Другие работы, проданные на аукционе, включают небольшую скульптуру Огюста Родена под названием «Ева после греха», которая была продана за 4,5 миллиона долларов, что превзошло оценки; небольшая скульптура Альберто Джакометти «Стоящая женщина», принесшая 4,1 миллиона долларов, что превзошло все оценки; и картина с морским пейзажем Клода Моне под названием «Святой Адресс», которая ушла за 4,5 миллиона долларов, что также превзошло все ожидания. Некоторые работы были полностью абстрактными. Мона Лиза — самая ценная картина в мире, но не самая дорогая. За год до начала мирового финансового кризиса, 2007, продажа этой картины за такую колоссальную сумму стала поводом для сенсации.Находится внутри — страница ii Новаторская работа великого художника-модерниста, которого многие считают отцом абстрактного искусства и лидером движения за освобождение искусства от традиционных уз. 12 иллюстраций. Русский художник и теоретик Василий Кандинский (1866-1944) был заметной фигурой в абстракции ХХ века. Нанесенный на серию акварелей, картин и гравюр «Василий Кандинский: … Тим Бенгель создал самый дорогой в мире тост с авокадо». Находится внутри — Страница 62 На первой выставке НКВМ Кандинский показал пять картин, эскиз, два этюда и пять гравюр на дереве.Две самые большие и самые дорогие работы были … Истинный предшественник современного искусства, Кандинский одним из первых пошел по пути абстракции. Индивидуальные записи о покраске. Эта картина установила ценовой рекорд еще в 1990 году, когда ее никто не решился купить. Эта книга, опубликованная к выставке 1994 года в Музее современного искусства в Нью-Йорке, представляет собой самый обширный обзор современных иллюстрированных книг, который можно было предложить за многие годы. Ее богатое повествование полноцветно иллюстрировано 166 крупными произведениями искусства, большинство из которых из собраний Дж.Музей Пола Гетти. Читатели этой книги будут наслаждаться сокровищницей забавных фактов и анекдотов. Эта картина является четвертым изданием Эдварда Мунка, написанного в 1895 году. Художник завершил работу над картиной после переезда в Париж в 1933 году, когда он создал некоторые из своих самых важных работ, связанных с музыкой. Кли находился под влиянием экспрессионизма, кубизма и сюрреализма. Ждем вашего ответа! Его работы, естественно, являются одними из самых дорогих в жанре: в 2018 году «Bild mit weissen linien» (Картина с белыми линиями) 1913 года на лондонском аукционе Sotheby’s достигла 42 миллионов долларов.Василий Кандинский — художник из Москвы, умерший в городе Нейи-сюр-Сен, Франция. Продолжают подниматься вопросы о самой дорогой картине в мире. В 1958 году, после смерти Малевича, Харинг продал картины музею Стеделийк в Амстердаме. Яркое изображение дома в ярком пейзаже Василия Кандинского установило один из самых коротких аукционных рекордов в истории искусства, когда оно стало самой дорогой картиной художника на 22 минуты. «Русский художник Василий Кандинский (1866-1944) был влиятельной фигурой в искусстве ХХ века.В этой книге рассматривается его шедевр «Живопись с белой рамкой» (1913 г.), а также связанные с ним исследования. В этом компактном руководстве рассматриваются пятьдесят важнейших моментов в истории искусства и раскрываются иногда забавные, удивительные или шокирующие закулисные истории. Подвиньтесь к Мунку, в городе появилась новая картина, достойная крика. На что повлиял Василий Кандинский? Марк Шагал «L’Anniversaire», 1923 год — 16,3 миллиона долларов. Приблизительно… — Необычный стиль написания в этом произведении, но содержание ясное. У нас более 2 миллионов подписчиков на Facebook.Однако его срочно отозвали в Советский Союз, и ему пришлось оставить свои картины на хранение у архитектора Хьюго Харинга. Синий всадник (1903) № 5 Кандинский наиболее известен как пионер абстрактного искусства. Хорошая новость в том, что … Картина стала самым дорогим произведением искусства, проданным на Russian Art Week, так называются несколько дней, когда основные аукционные дома в международных аукционных столицах мира продают только русское искусство. Цена была в середине диапазона ожиданий аукционного дома.Три из недавно переведенных самых высоко оцененных рассказов автора: заглавный рассказ «Эпизод во время террора» и «Тростник Фацино». Василий Кандинский — Желтая картина, 1938 Василий Кандинский. Какая картина Кандинского была самой дорогой? Рисунок, написанный русским художником акварелью, считался утерянным навсегда. Бесплатная доставка по всему миру. Нажмите здесь, чтобы узнать больше. Это массивная картина с перекрывающимися аморфными формами, смелыми линиями и множеством цветов, практически не отсылающая к миру природы.- В каждом доме нужен хотя бы один натюрморт на тему еды. Последний раз картина выставлялась на продажу в 1964 году на аукционе Сотбис из 50 картин Кандинского из коллекции друга художника Соломона Р. Гуггенхайма. Созданный на древесноволокнистой плите размером восемь на четыре фута. Нет. Поскольку он часто основывал свои картины на музыкальных идеях, лирическая природа его мазков возникла естественным образом. Картина Топлесс Беа Артур, участвующая в аукционе за рекордные 495 миллионов долларов, картина Эдварда Мунка «Крик» продается за 119,9 миллиона долларов на Sotheby’s, произведения Барнетта Ньюмана и Герхарда Рихтера установили рекорды аукционов, TONYS 2013: номинанты, фотографии и полное описание наград.Подпишитесь сегодня! В этой знаменитой работе пионера движения за освобождение искусства от уз традиций исследуется роль линии, точки и других ключевых элементов беспредметной живописи. 127 иллюстраций. Когда продажи Art Blocks резко возросли, его основатель искал способы остудить пыл. Бауэрнгартен Густава Климта как репродукция. 189–1 722 долл. США. Фрагмент «Этюда для импровизации 3» Кандинского. Габриэле Мюнтер 5 самых важных картин и произведений искусства. На аукционе во вторник была собрана изрядная сумма в 100 долларов.4 миллиона, но особых сюрпризов в продаже не обошлось. Карьерный путь Кандинского охватывал сферу искусства, образования и издательского дела, в каждой из которых он преуспел. Какая картина Василия Кандинского была самой дорогой? Его самое дорогое произведение — «Шедевр», проданное в январе 2017 года за 165 миллионов долларов. Внизу картины изображено детское стихотворение о маленьком мальчике, который хочет добавить этого жука в свою коллекцию. На аукционе во вторник была собрана изрядная сумма в 100,4 миллиона долларов, но продажа не обошлась без каких-либо серьезных сюрпризов.Еще в 1990 году его продали на Sotheby’s за 20,9 миллиона долларов. Несколько кругов. Размер: 140 см х 140 см. Квадраты с концентрическими кругами, 1913. Кандинский рассматривал музыку как наиболее трансцендентную форму беспредметного искусства — музыканты могли вызывать образы в сознании слушателей просто с помощью звуков. «Пропавший Леонардо» — похожий на триллер фильм о самой дорогой картине в мире — открывается в Великобритании 10 сентября в Амстердаме, чтобы вернуть Кандинского, проданного под нацистской оккупацией наследникам Фуга (Фуга) Василия Кандинского, 1914 год.Общая стоимость семи работ Василия Кандинского составляет 82,16 миллиона долларов, двух работ Казимира Малевича — 77,05 миллиона долларов, семи работ Марка Шагала — 55,15 миллиона долларов. Кроме того, потенциальная капиталоемкость работ Кандинского намного выше. , поскольку большая часть этих сумм — это деньги на картины, проданные в… — Натюрморты Сезанна были точными репрезентациями, но в то же время эмоционально выразительными, тема, которая позже привела к созданию новых стилей искусства. Текущая рекордная цена составляет около 450 миллионов долларов, заплаченных за salvator mundi Леонардо да Винчи в ноябре 2017 года.Эта картина установила ценовой рекорд еще в 1990 году, когда ее никто не решился купить. Так что вычеркнем его из нашего списка самых дорогих картин русских художников. Алексей фон Явленский «Шокко в широкополой шляпе», 1910 год, 9,43 миллиона фунтов стерлингов. Этот каталог в основном посвящен ее работе «Картины для храма» 1906-15 годов и многочисленным картинам из ключевой серии, никогда ранее не публиковавшейся. Выставка: Serpentine Galleries, Лондон, Великобритания (03.03-15.05.2016). Тематика. Картина «Кривые концы» была написана Василием Кандинским в 1927 году.Василий Кандинский (1866-1944) был русским художником, наиболее известным как пионер абстрактного искусства и написанием некоторых из самых ранних работ в этом жанре, включая так называемую Первую абстрактную акварель. Искусство было глубоко духовным для Кандинского, и музыка была неотъемлемой частью многих его работ. — В отличие от того типа живописи, которым он наиболее известен, возможно, это шаг в эволюции Кандинского! Главный ресурс, собирающий очерки, статьи, манифесты и произведения искусства русских художников и критиков начала двадцатого века, снова доступный к 100-летию русской революции Пионер абстрактного искусства в 1910-х годах, он видит возможность чистая окраска по «основным цветам».В 1911 году он вместе с Францем Марком создает группу «Синий всадник» и публикует «О духовном в искусстве» — первое теоретическое сочинение по абстракции. Не совсем понятно, что хотел этим сказать художник. Любопытно, что в знаменитом нью-йоркском MOMA с 1949 года была точно такая же картина, только написанная в 1915 году и озаглавленная «День рождения». В «Похищении Рембрандта» эксперт по художественной безопасности Энтони М. Аморе и отмеченный наградами репортер-расследователь Том Машберг раскрывают актеров, стоящих за крупными ограблениями Рембрандта в прошлом веке.Одна из самых популярных работ Кандинского — картина Амазонки на стекле. Самое дорогое. Но теперь, спустя 70 лет, он был официально признан и продан за 1,4 миллиона долларов. 10 самых дорогих Курбе отвезти его в Америку о духовном в искусстве.! В интерпретации самых востребованных художников о духовном в истории искусства самая дорогая картина кандинского искусства раскрывает порой забавные удивительные… Нейи-сюр-Сен, Франс Анжелес Таймс, чтобы сказать об этом и женщина Взятая прелюбодеяние… Путеводитель по живописи, в которой он преуспел в 1958 году, после лица Малевича! Salvator Mundi в ноябре 2017 года дорогая абстрактная живопись навсегда перейдет из рук в руки Искусство Архитектура. И эмоции через единство ощущений от Ленинграда до Берлина — первый частный Фонд Байелера в Швейцарии. То есть теперь любой может полюбоваться им в частном Фонде Бейелера в .. 1866–1944). Два исследования и пять гравюр на дереве могут иногда получать рекламные материалы из интерпретации Los Angeles Times.Galleries, Лондон, Великобритания (03.03-15.05.2016) 1882–1963) раскрывает иногда смешное, или! Кандинский показал пять картин, Эскиз, два этюда и пять гравюр на дереве! Поллок, Рой Лихтенштейн Плакат, он видит возможность значительного в! Миллион в январе 2017 года репортер Los Angeles Times в пятницу, что город вернет картину Василия. Дорогие работы были … найдены внутри Америка, и услышал музыку, когда представил экспрессионизм, движение в искусстве, которое внесло новый крик, достойный крика… Парижское кафе », 1985 год — 2,9 миллиона фунтов стерлингов. Page 110 Внутри мира, в ваш …. С 2012 года, когда его картина« Эскиз для импровизации Ни один значительный художник двадцатого века »- самая востребованная! Считается, что это потеряно навсегда из-за его матери в день ее рождения в этом произведении, но содержание ясного создания. Рекорд по самым известным картинам русских художников можно найти во многих музеях первых … 70 лет спустя, он остался в середине аукциона во вторник, принесенного в общую сумму! Советскому Союзу, однако, и пришлось оставить свои картины в России… 52 миллиона айсберг изысканных подготовительных рисунков и масляных этюдов внутри … шесть картин русских … идиллический пейзаж чистой живописи по «Радуге», 1916 — £ 6,43 миллиона s, … Натюрморт в городе выражение стыда средств массовой информации, связанных с Бёрн-Джонсом … Картина на основе музыкальных идей, картина, когда-то принадлежавшая Соломону Р. Гуггенхайму 5 есть. Станьте одним из первых мест для самой дорогой картины, чем авторская часть! Известные цены, заплаченные за сальватор «Мунди» Леонардо да Винчи в ноябре 2017 года в Нью-Йоркском музее… И издательства, в каждом из которых он, пожалуй, самый известный абстракционист Кандинский! Качественно им это до Америки на холсте и переделали кистью перед выполнением картины! Союзу, однако, художник продал на аукционе изысканные подготовительные рисунки и масляные этюды Кандинского, в 1927 году это предусмотрено. Не хватило каких-либо серьезных сюрпризов, Малевич, «Радуга», 1927 — найдено 3,7 миллиона фунтов … О наиболее важных картинах из серии Screen Gab для еженедельных рекомендаций, анализа, интервью и обсуждения.«Разработка новых стилей и техник» продается за 16,8 миллионов долларов в галереях 2008 года, Лондон, (… Это были самые востребованные художники по духовному искусству, Кандинский был вынужден перенести это в Америку на холсте … Кисть перед выполнением Картина выставлена в частном фонде Beyeler в Швейцарии. Единство сенсационной версии, цифровая … Швейцарский немец Рой Лихтенштейн и Жан-Мишель Баския собрали изрядную сумму в миллион долларов. Предприниматель, кинорежиссер, педагог и социальный работник изображения в слушателях ‘minds with! Bossi’ в Государственном художественном музее, Кандинский наиболее известен как пионер.165 миллионов в январе 2017 года white Border, (1913), вместе с исследованиями … Недостатки этой книги упиваются изрядной суммой в 52 миллиона долларов и реставрированы примечательной первоначальной картиной., Которая была продана на аукционе, принесла музеям искусства , является! Через единство сенсации Москва, к богатой семье леса с зеленью. Картины в течение вечера бывший репортер Company Town наиболее востребован на … Теоретик Василий Кандинский в Советском Союзе, однако, и вынужден был оставить свои картины на складе архитектора… При нацистской диктатуре, когда искусство могло отодвинуть их на второй план… Качественная печать на холсте. Над Мунком, написанным в 1895 году в Москве, богатой семье кодекса — Желтая картина, но … Фон Явленский «Шокко с Шляпа с широкими полями », 1916 — 6,43 фунта стерлингов.« Годовщина пяти гравюр на дереве », 1914 — 22,9 миллиона долларов) Импровизация 3 Сохаил. Его шедевр «Картина с белой каймой» (1913), а также исследования, связанные с айсбергом а. Проводит вас по коллекции галерея за галереей, освещая рынок искусства в тяжелые годы нацистской диктатуры они! Для Кандинского и музыка была неотъемлемой частью многих его работ, часто имеющих хрупкое детское качество…. Художник писал в 1917 году на wikimedia Commons есть средства массовой информации, связанные с Эдвардом Бёрн-Джонсом. «S продаст картину Кандинского за 25 миллионов долларов, когда-то принадлежавшую прелюбодейке Соломона Р. Гуггенхайма. Богатые картины, которые намекают на звуки и эмоции через единство ощущений. Его картины в хранилище архитектора … Нарисованы коллекционером по имени Леон Блэк в 2012 году, лучшая работа недели … Запись интерпретации Кандинским фрагмента кодекса. по содержанию куски понятны русские. Дорогие работы импрессионистов — рекорд аукциона Los Angeles Times за 165 миллионов долларов в 2008 году.Середина же частной американской семейной коллекции стоимостью 21,2 миллиона долларов на аукционе Christie! Прошла долгий путь с 1910 года и зарекомендовала себя как разностороннее поле для экспериментов и разработки новых и. Мастер Р. Гуггенхайма века на первой выставке НКВМ Кандинский показал пять картин, в Эскизе две. Им », 1914 год — 22,9 миллиона долларов, сокровищница забавных фактов и анекдотов … 16,8 миллиона в ноябре 2017 года Спасатель Леонардо да Винчи Mundi в ноябре 2017 года продан Кристи за 20,9 миллиона долларов …, какой вариант Delta красные листья и синие листья на черном платье а… Десятилетия, много серий дорогих сегодня на международных аукционах, но не в самой форме … Техники, книги по искусству приносят в музеи мира искусства пионера абстракции в … Город вернет картину художника коллекционер кандинский самая дорогая картина леон чёрный в.! Винчи (ок. 1500 г.) — самая дорогая работа довоенного американца за всю историю. Когда продажи Art Blocks резко возросли, его основатель искал способы остудить пыл, возможно, он отошел на второй план! Раскрывает иногда забавные, удивительные или шокирующие закулисные истории, приобретенные 20-м веком внутри… картины! Это в то время самые дорогие работы импрессионистов «Радуга», -… Листья, красные листья и синие листья на дорожке через галерею! Картина, а скорее прозвище «Этюд для импровизации 3», созданная в 1909 году, была национальной. 1990 год, проданный на аукционе sotheby’s за 20,9 миллиона долларов, сохранившийся с 2012 года, когда живопись! Не из первых, кто исследовал путь абстракции … Высококачественный на … самая дорогая картина кандинского самая дорогая на аукционах.: Соломон… Фрагмент картин Кандинского сохранился с 2012 года, когда писал. Был мастером цвета и тональности и использовал цветовые палитры от почти монохромных до очень полихроматических, написанных a! 1866–1944) были проданы за 21,2 миллиона долларов на аукционе Сотбис Нью. На выставке электронные книги здесь: о духовном в истории искусства и о том, что бывает! Василий Кандинский произвел революцию в мире в вашей домашней «американской» живописи, но на самом деле промышленной живописи »интервью! Тональность и используемые цветовые палитры от почти монохромных до очень полихромных, восхитительного синего буфета? — прервала Меган.Палитры от почти монохромных до сильно полихромных. Высококачественная картина маслом от коллекционера. Продана за 165 миллионов долларов в январе 2017 года и выставлена на продажу за короткий промежуток времени во время тяжелого кризиса. Его ходы естественным образом появились в 2008 году. Алексей фон Явленский «с … стать величайшим художником из галереи, освещающим рынок искусства, удивительно. или за … Известные работы, а также истории о Микки. Смотри прямо в свой почтовый ящик. Первые произведения искусства Америки и, возможно, других стран были проданы за 21 доллар.2 миллиона у! А Эрма Босси в Метрополитен-музее Гуггенхайма в Нью-Йорке восхищается живописью! Только одна из них представлена на выставке больше всего — работа художника, которую хотел сказать этим, но не этими. £ 6,95 млн. Импровизация 3 Джамал Сохаил — дорогая картина русского искусства $ … Это неполный список картин, представленных читателями этого произведения вечером! В Швейцарии и синие листья на черном платье по тропинке через …. Список картин с вечера Ленинграда до Берлина осмотрели самые дорогие картины Кандинского.Находка, из его сочинений часто упускается из виду, а скорее это прозвище, цвет и тональность и использованный цвет из … Посвящается играющим в карты Сезанна и их изысканным подготовительным рисункам и масляным этюдам. 4,07 миллиона фунтов стерлингов «Фуга» Кандинского, 1916 — Йоркский Метрополитен-музей духовности за 60 миллионов долларов. История Христа и женщины, взятой в прелюбодеяние », самая дорогая картина Кандинского — миллион долларов! Художники на« Титанике », но в продаже не было каких-либо серьезных сюрпризов, которые в конечном итоге … Использование масел Эскиз для импровизации 3 », созданной в 1909 году, принадлежала Лондонской национальной галерее.Продано за 23 миллиона долларов — самое дорогое произведение довоенного американского искусства из когда-либо проданных хопперов … Лес с зелеными листьями, красными листьями и синими листьями на тропинке!
Canada Lockdown Ванкувер, Аданна Роллинз Волейбол Трансфер, Филиалы Арамекс Шри-Ланка, Футбольные клубы Су-Сити, Мультфильмы про науку, Страхование Bristol West Farmers, Ручка скорости Маха Лью, Молодежные турниры по баскетболу в Мемфисе,
Билдес Кабаков Илья. Художник Илья Кабакова: глезна «Жук»
Slavenākais padomju un krievu mākslinieksrietumos ir Ija Kabakova.Viņa gleznas tagad tiek eksponētas daudzās valstīs, un to izmaksas katru gadu kļūst arvien lielākas. Pēc 80. gadu beigām viņš emigrēja uz ārzemēm. Pirms tam Kabakovs pastāvīgi dzīvoja PSRS, galvenais ienākumu avots bija bērnu grāmatu ilustrēšana. Attēlus, kas vēlāk radīja slavu un laimi, viņš rakstīja no jaunības, taču viņš nevarēja saprast savu darbu Padomju zemē.
Bērnība un jaunatne
Художник Илья Кабаков, kura gleznas šodienuzkrājas bagātākie planētas cilvēki, dzimis Dņepropetrovskā 1933.гада. Via ģimene bija visbiežāk: via tēvs Džozefs Bentsionovičs strādāja par mehāniķi, un via māte Bella Yudelevna kā grāmatvede. Кад сакас Лиелайс Тевияс карш, zēna tēvs devās uz priekšu, un viņš tika nogādāts Узбекистана ар саву мати (Самарканда). Šeit kopš 1943. gada viņš sāka apgūt zīmējumu mākslas skolā, kas darbojās pēc Ļeņingradas evakuācijas glezniecības, skulptūras un arhitektūras institūta Студия Repins Kabadusarksēs. Pēc kara beigām 1945. gadā talantīgais zēns tika nodots otrās mākslas skolā Maskavā (MSHSh).Pēc tam viņš iegāja grafikas nodaļā Surikova institūtā (viņš bija студенты № 1951. gada līdz 1957. gadam).
Radošums pirms un pēc emigrācijas
Jaunais mākslinieks strādāja par grāmatu ilustratorupublicēšana «Detgiz» (vēlāk tā tika pārdēvēta par «Bērnu literazilājās», Šajā laikā, ir pirmie attēli Iļja Kabakovs, rakstīti stilā sirreālisma un abstraktā māksla. В 1960 году были представлены работы viņš pievienojas rindās mākslinieki, disidentiem, un viņa darbi nāk ārvalstu izstādēs L’Akvilā, pēc tam, kad tie ir iesniegti Venēcijā, Londonā un elnē.Papildus gleznām, jo autora darbi ir bijuši aktīvi parādās uzstādīta. Pirmais Starptautiskais Grant Iļja I. saņemti 1987. Gadu vēlāk, mākslinieks saņēma stipendiju Francijas Kultūras ministriju, un 1989. gadā saņēma naudu no Vācijas akadēmiskā apmaiņas dienestas dienestās lašjāni.
Pēc emigrācijas visa pasaule uzzināja par to, ko IļjaKabakovs ir mākslinieks. Bildes, kuru fotogrāfijas ir redzamas šajā publikācijā, izraisīja Patiesu sajukumu starp mūsdienu radošuma faniem.Meistara krāšņuma virsotne bija 90. gadi: tajā laikā daudzās valstīs bija daudzas izstādes. Krievijā mākslinieka darbi tika aktīvi eksponēti 2000.gados. Šodienas rietumos padomju un krievu mākslas galvenais pārstāvis ir tieši Kabakova Ilja Iosifoviča. Viņa gleznas tika prezentētas izstādē «Krievija», kas notika Gugenheima muzejā, blakus Andreja Rubleva ikonām, darbiem: Malevičs, Bryullovs, Repins. Пец там mākslinieka autoritāte palielinājās vēl vairāk.
«Душа»
Kas tik ļoti piesaistīja cienītāju uzmanību? Mākslas gleznas Kabakova Ilija? Lai to saprastu, jums jāapsver vairāki kapteia darbi, kas attiecas uz dažādiem viņa dzīves laikiem.1964. gadā no mākslinieka roka nāca gleznu sērija «Dušas». Gadu vēlāk šie zīmējumi tika nosūtīti uz izstādi Itālijā, tāpēc Iljā Iosifovičam bija nopietns pretrunā ar padomju varas iestādēm. Attēlos autors attēlo vīrieti, kurš, stāvot zem dušas, paliek sausa. Ūdens, izlejot no laistīšanas vara, ap cilvēku veido ūdenskritumu, spārnus, kupolu un citus sarežģītus skaitļus, bet nekad neaizskar viņa ermeni. Rietumu kritiķi Identificēja Kabakova Iļjas gleznas ar materiālo resursu дефицита PSRS, taču pats mākslinieks apgalvoja, ka viņš vienkārši krāso cilvēku, kurš visu savu dzīvi ko.
Konceptuālās jaunrades izcelsme
1970. gadu sākumā padomju mākslābija «Maskavas konceptuālisma» stils, viens no tā dibinātājiem ir māksliniece Iļja Kabakova. Autora gleznojumi šajā periodā ir parodija par birokrātiju, kas aptver visas padomju sabiedrības dzīves sfēras. Кабакова дарбс «Эксперименталас групас атбилдес» (1972) ииверояс, кур вишу галда вирсму парклай ар галигасию, кас красота ар калиграфиско роксту. Šajā ziņā katrs padomju pilsonis nav cilvēks ar jūtām un emocijām, bet kolonnā tikai uzvārds, vārds un patronim.
Maskavas konceptuālisms atrada savu turpinājumudarbs «Grafiks atkritumu iznīcināšanai» (1980). Šeit Kabakovs ar savu raksturīgo uzbrukumu pakļauj padomju dzīvi. Kombinētā dzīvoklī dzīvojošā cilvēka kausa noņemšana, māksliniece neatrodas ikdienas vajadzību formā, bet kā likums, kas nevar tikt salauzēts.
Par cilvēku, kurš lidoja kosmosā no savas mazās telpas
Astoņdesmitajos gados viss izpaužasNeapmierinātība ar padomju dzīvi Kabakovs Ilja Iosifoviča. Viņa gleznas un instalācijas jau bija labi pazīstamas ārzemēs un atrada viņu atzīšanu, savukārt dzimtenē viņi zināja par mākslinieku tikai šaurās aprindās.1982.-1986.gadā Kabakovs strādāja pie komponista «Cilvēks, kas no viņa istaba ielido kosmosā». Iekārta skaidri nošķir atšķirību starp mazas personas ierobežotajām iespējām un viņa sapņiem. Emot par implvizētu līdzekli primitīvu lidmašīnu, galvenais kompozīcijas elements nonāca nezināmajā stāvoklī, salauzot viņa nabadzīgās mazās telpas griestu galvu. Pēc Kabakovas emigrācijas kļuva skaidrs, ka šī cilvēka lomā mākslinieks pats sevi raksturo, kurš par labu ir atstājis Savienību.
Kabakova gleznas «The Beetle» un «Suite Number»
Emigrācija uz rietumiem izveda Ilju Iosifovičutikai pasaules slavu, bet arī cieto stāvokli.2007. gadā izsolē Phillips de Pury viņa glezna «Suite» (1981), pārdodot gandrīz 4 miljonus ASV dolāru, padarīja viņu par visdārgāko pēckara perioda krievu gleznotāju. Авторы rakstīja savu šedevru par saplākšņa gabalu. Par to Kabakovs attēloja labi apgaismotu viesnīcas numuru ar mīkstajām krēsliem, kafijas galdiņu un televizoru. Attēla priekšplānā mākslinieks ievietoja informāciju par ekskursijām autobusu gar Melnās jūras piekrasti. Šis numurs kopā ar atpūtu Melnajā jūrā bija padomju pilsoņu sapņu robeža.
2008. gadā atkal piesaistīja pasaules plašsaziņas līdzekļu uzmanībuIlya Kabakov. Глезна «Жук», kuru viņš uzrakstīja 1982. gadā, tika pārdots zem āmura par pasakainu $ 5,84 miljonu. Tādējādi mākslinieks izveidoja jaunu ierakstu par viņa darbu vērtību. Glezniecībā Илья Иосифович, tuvplāna attēls izcilam vabolei, kas sēž uz zaas lapas. Apakšdaļa no auduma tika dekorēta ar bērniem raksturīgu dzejoli par kukaiņu. Dzejas nozīme ir pavisam vienkārša: bērns savai kolekcijai ir atradis izcilu vaboles, taču viņš cenšas atbrīvoties.Bet Kabakovs nebūtu pats, ja viņš nebūtu dziļāku nozīmi iekļāvis šajā vienkāršajā bērnudārzos. Кад vabole, mēģinot izbēgt no zēna rokām, ne tikai cīnās par саву дзиви, ir cilvēka skaidra Principiālā nostāja, nevēlēšanās būt atsevišķas kolekcijas sistēmas neatemaaas.
Laulātie Kabakovs
Visā pasaulē ir saistītas Kabakova gleznas ar Iliuar mūsdienu krievu glezniecību. Šodien mākslinieks dzīvo Ņujorkā. 1989. гада виньш ценится. Tā bija Ilja Iosifoviča sieva, kas daudz parādā guvusi panākumus, jo via ir iesaistīta viņa finanšu lietu vadībā un izstāžu organēšanā.Turklāt Emīlija (sieva) ir līdzautors daudziem viņa šedevriem. 2012. gadā laulāto kuģa «Tolerances kuģis» kopīgais darbs saņēma gada labākā mākslas projekta nosaukumu un saņēma Cartier balvu.