Шедевры живописи эпохи барокко (описание + местонахождение)

Чем знаменита эпоха барокко в искусстве. Яркие представители эпохи 1600-1700 гг. и мировые шедевры живописи в стиле барокко, которые стоит запомнить.

[quads id=4]

В самом конце эпохи Возрождения в Венеции Тициан с его свободной манерой и чувством цвета положил начало новому направлению в живописи — барокко. Начинание Тициана сразу подхватил Тинторетто, о чем свидетельствуют его грандиозные композиции в церквях. Следующим был Эль Греко, которому также присущи черты барокко (точнее, маньеризма) — яркие цвета и эффекты, связанные с размерами. Но это были лишь предпосылки.

Барокко в его классическом понимании развилось в Риме, а затем по всей Италии, Испании, Германии, Австрии и Нидерландах.

Свое название стиль получил, благодаря движению и эмоциональной наполненности. Художники эпохи барокко развили возникший в период Возрождения натуралистический подход и научились создавать иллюзию реальности.

Объемные, убедительные человеческие фигуры, будто выходили на сцену, где непременно разыгрывалась драма. В работах эпохи барокко обязаны быть резкие контрасты между светом и тенью, чтобы усилить драматический эффект. Если будет насыщенная палитра и выразительные жесты, это еще лучше!

Яркими представителями разгара эпохи были римский архитектор Бернини, фламандские художники Рубенс и Ван Дейк, а также испанец Веласкес. Эпоха барокко в живописи растянулась на сотню лет, приблизительно с 1600 по 1700 гг.

В рейтинге представлено 10 шедевров в стиле барокко, которые находятся не только в разных странах, но даже в разных частях света. Чтобы увидеть их воочию придется побывать в Лувре, Метрополитен-музее, Королевской галерее Маурицхёйс, Уффици и т. д. Одна из картин попала в коллекцию Лихтенштейнов, а местонахождение другого из полотен нам так и не удалось установить.

Топ-12 шедевров барокко

1. «Мужчина в платье с синими рукавами», Тициан

Лондонская национальная галерея (около 1510 г.

)

Шедевры барокко: «Портрет мужчины в платье с синими рукавами», Тициан

Тициан был самым выдающимся венецианским живописцем XVI в. и одним из величайших художников итальянского Возрождения. В Венеции он получил лучшее для того времени художественное образование, его учителем был Джованни Беллини.

Эта ранняя работа великого Тициана считается портретом итальянского поэта Ариосто, но окончательно изображение так и не было идентифицировано. Картина стала образцом для написания Рембрантом его собственного «Автопортрета в возрасте 34 лет». Обратите внимание, как прорисованы рукава платья!

2. «Свадьба в Кане», Паоло Веронезе

Дворец-музей Лувр в Париже (1563 г.)

Картина «Брак в Кане», Паоло Веронезе

Во второй половине XVI в. в Венеции, помимо Тициана, было еще два крупных художника — это Якопо Тинторетто и Паоло Веронезе. Второй родился в Вероне, материковом владении Венецианской Республики, занимался в основном декоративной живописью.

Его пышный стиль очень импонировал знатным семействам. Он также писал библейские сцены, неуместно используя в качестве фона виды Венеции. Но заказчики были в восторге!

Веронезе привлекало драматическое изображение, он щедро использовал насыщенные оттенки и цвета. Идея «Свадьбы в Кане» (Галилея) такова: на празднике, при большом стечении народа, Христос впервые совершил чудо. В одном из фрагментов, среди группы музыкантов, можно увидеть, что Веронезе изобразил себя и своих друзей: Тициан (в красном) держит контрабас, а сам автор (в белом) играет на виоле.

3. «Мадонна с длинной шеей», Франческо Пармиджанино

Галерея Уффици во Флоренции (1534 г.)

«Мадонна с длинной шеей», Франческо Пармиджанино

Одно из ответвлений барокко — маньеризм. Это стиль, который можно опознать по преувеличенной экспрессии, склонности к гротеску и стремлении выразить «внутреннюю идею». По крайней мере, именно так вам опишут маньеризм искусствоведы. Одним из ярких представителей данного направления был Франческо Пармиджанино из Пармы.

Суть его творчества в том, что он искал собственный идеал женской красоты, но в то время его чересчур удлиненные формы (стан, ноги, в данной картине — шея) нравились далеко не всем.

Но в целом «Мадонна с длинной шеей», странная композиция с искаженными пропорциями шеи и плеч, вполне себе воплощала представление о канонах красоты того времени. Есть версия, что художник одним из первых пытался показать, что не только гармония, но и искажение может быть интересно и высокохудожественно.

4. «Туалет Венеры», Питер Пауль Рубенс

Лихтенштейнская картинная галерея (около 1613 г.)

Живопись в стиле барокко: «Туалет Венеры», Питер Пауль Рубенс

На картине изображена завороженная своим отражением Венера, богиня любви. Ее образ в западном искусстве считался эталоном женской красоты и был распространенным персонажем в эпохи Возрождения в Италии и барокко во всей Европе. Есть другая версия, будто Венера Рубенса смотрит не на собственное отражение в зеркале, а на то, какой эффект ее красота оказывает на зрителя.

Но нам интереснее, конечно, другое: это легендарные «формы» мастера. Эх, хорошие были времена!

На обложке статьи красуется еще один шедевр барокко кисти Пауля Рубенса — «Похищение дочерей Левкиппа». По легенде девушки Феба и Гилаира были похищены молодыми и горячими Кастором и Поллуксом. Но Рубенс романтизировал момент нарушения УК злодейства, благодаря теплым оттенкам и всеобщему одухотворению.

Чтобы увидеть первую картину, придется ехать в Лихтенштейн — «Туалет Венеры» находится в герцогской коллекции. Второе полотно почти соседствует с первым: насладиться им можно в Старой Пинакотеке Мюнхена.

5. «Автопортрет в стиле станковой живописи», Софонисба Ангвиссола

Друзья, если вам попадалась информация о местонахождении этого автопортрета 1556 г., напишите, пожалуйста, в комментариях.

«Автопортрет», Софонисба Ангвиссола

В эпоху барокко ожидаемо приобретает популярность портретный жанр. В таких странах, как Англия и Нидерланды, правители с удовольствием заказывали свои изображения в качестве утверждения власти. Их примеру следовали знатные господа. Фламандские живописцы Рубенс и Антонис Ван Дейк активно писали портреты всех желающих богатых и влиятельных персон. Примерно в этот период на небосклоне взошла звезда удивительного автора: художницы Софонисбы Ангвиссолы. Да-да, вы не ослышались — это была девушка, что само по себе было чудом в середине XVI века.

[quads id=5]

Софонисба Ангвиссола родилась в Ломбардии, в Италии, но, благодаря таланту и видимо помощи судьбы, была назначена придворным художником короля Филиппа II. При чем тут судьба, спросите вы, если есть дарование и упорство. Ни при чем, конечно, если бы речь шла о мужчине. Но сделать такую карьеру женщине в XVI-XVII вв., невзирая на сопротивление общества (которое само по себе состояло из мужчин), было почти невозможно. Трудно было даже профессионально обучаться искусству живописи — мало кто поддержал бы такую инициативу.

Но Софонисбе удалось многое: она стала выдающимся мастером портретов и автопортретов. Несмотря на ограничения, встречавшиеся на пути, она сумела развить глубочайший стиль портретной живописи. Часто на ее картинах чисто женские объекты представлены на фоне таких «мужских» занятий, как шахматы и живопись.

6. «Старая кухарка», Диего Веласкес

Национальная галерея Эдинбурга (1618 г.)

Шедевры барокко: «Старая кухарка», Диего Веласкес

Диего Веласкес родился в Севилье. Уже в 24 года он был назначен придворным художником короля Испании Филиппа IV (тот был таким же ярым поклонником живописи, как и его предшественники Филипп II и Филипп III). Первые работы Веласкеса были выполнены в жанре бодегонес (с переводе с исп. — «трактир»). Если проще, то это натюрморт в кухонном интерьере. Известным примером стиля как раз и является «Старая кухарка» (иногда картину называют «Кухарка с яичницей»).

Картина может многое рассказать об изображенных на ней людях, а также является свидетельством умения автора воспроизводить на холсте самые обыденные предметы. Контраст между материалами и текстурами, игра тени и света, придают произведению невероятный реализм!

7. «Женщина с кувшином воды», Ян Вермеер

Метрополитен-музей в Нью-Йорке (около 1662 г.)

Картина «Женщина с кувшином воды», Ян Вермеер

Голландия стала родиной целого ряда художников, специализировавшихся в том или ином жанре, но в создании бытовых сцен в интерьере не было никого лучше Яна Вермеера! Творчество этого художника приходится на Золотой век голландской живописи, Вермеер считается одним из величайших мастеров Северной Европы, уступая разве что Рембрандту. Невероятно, на несколько веков его имя оказалось в забвении и было заново открыто французским критиком только в XIX веке. Родился Вермеер в Делфте, прожил там всю жизнь, лишь однажды покинув родной город. Да и то в пределах Нидерландов — ездил в Гаагу.

Примерно на половине его картин изображена одинокая фигура женщины, занятой повседневной домашней работой. Интерьер «Женщины с кувшином воды» замечателен умиротворенностью и мягкими градациями дневного света, падающего через окно на предметы на столе и на саму женщину, в особенности на ее головной убор.

8. Натюрморт «Айва, капуста, дыня и огурец» Хуана Санчеса Котана

Художественный музей в Сан-Диего (1602 г.)

Стиль барокко: натюрморт «Айва, капуста, дыня и огурец»

К середине XVI века в Голландии возник необычный жанр — натюрморт. С утратой влияния церкви детальный реализм натюрморта пришелся по вкусу представителям зарождающегося среднего класса (он постепенно становился главным покровителем искусства в Нидерландах). По традиции, на пустом пространстве картины изображался стол со сверкающими бокалами, золочеными блюдами и остатками пиршества.

Но автор «Айвы, капусты, дыни и огурца» был родом с юга Европы — из Испании, где также появлялись блестящие образцы натюрмортной живописи. Хуан Санчес Котан, будучи монахом и одновременно другом Эль Греко, тоже пробовал себя в новом жанре. Фрукты и овощи в его шедевре расположены очень странным образом, некоторые даже подвешены на нитях. Как бы там ни было, это один из пяти натюрмортов Котанах, приобретенных у художника королем Филиппом III.

9. «Урок анатомии доктора Тульпа», Рембрандт

Королевская галерея Маурицхёйс в Гааге (1632 г.)

Картины эпохи барокко: «Урок анатомии доктора Тульпа»

В то время как во Фландрии творил Рубенс, на протестантском Севере, в Амстердаме, жил и работал крупнейший голландский художник Рембрандт (Харменс ван Рейн). Церкви здесь были лишены католической атрибутики, а потому в живописи пышным цветом развивался натурализм — интерес к обыденным, бытовым вещам. Рембрандт родился в Лейдене, но быстро пришел к мысли, что успеха сможет добиться только в столице Нидерландов. Интуиция его не подвела: едва он перебрался в крупный город, на него посыпались заказы.

Первый парадный портрет, написанный в 1631 г. («Портрет Николаса Рутса»), превратил его в главного портретиста в городе. Сразу же за ним последовал «Урок анатомии доктора Тульпа». Суть одной из самых известных картин Рембрандта такова: доктор Тульп из амстердамской Гильдии хирургов объясняет собравшимся врачам устройство мускулатуры руки человека. Для этой цели препарировали конечность трупа.

Эта тщательно спланированная и продуманная композиция была первой из цикла групповых портретов, которые Рембрандт взялся писать для зала Гильдии хирургов.

10. «Портрет Карла I на охоте», Антонис Ван Дейк

Дворец-музей Лувр в Париже (около 1635 г.)

Фрагмент картины «Портрет Карла I на охоте»

Ван Дейк быстро понял, что в эпоху барокко (а это светская эпоха) портрет может послужить ключом к успеху. Став ближайшим помощником Рубенса, Ван Дейк много путешествовал по Италии, выполняя многочисленные заказы на портреты в Венеции и Риме. Поколесив по Европе, он возвратился сначала в Антверпен, а затем перебрался в Англию. Там Ван Дейк попал в поле зрения королевской особы.

Он уже стал придворным художником (!) английского короля Карла I, когда писал картину «Портрет Карла I на охоте». Монарх даже пожаловал художнику звание рыцаря в 1633 г. Ван Дейк написал несколько портретов короля, включая и этот, в охотничьем костюме. Специалисты полагают, что на полотне он изо всех сил льстит королю, придав ему величественную позу и изобразив в изысканном шелковом платье.

Барокко искусство картины художников эпохи barocco

Барокко (итальянское barocco, буквально – причудливый, странный), один из главенствующих стилей в архитектуре и изобразительном искусстве Европы и Латинской Америки конца шестнадцатого – середины восемнадцатого века. Барокко воплотило новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости; его эстетика строилась на коллизии человека и мира, идеальных и чувственных начал, разума и иррационализма.

Искусству барокко свойственны грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, интенсивность чувств, пристрастие к эффектной зрелищности, совмещению иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени. Всеобъемлющий характер приобрел в эпоху барокко синтез искусств: городские ансамбли, дворцы и церкви благодаря причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам и абрисам приобрели живописность и динамичность, как бы вливались в окружающее пространство.

Интерьеры зданий украшались многоцветной скульптурой, лепкой, резьбой, зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живопись плафонов создавала эффект разверзшихся сводов. В изобразительном искусстве барокко идеализация образов сочетается с неожиданными композиционными и оптическими эффектами, реальность – с фантазией, религиозная аффектация – с подчеркнутой чувственностью. В живописи большое значение приобрели эмоциональное, ритмическое и колористическое единство целого, непринужденная свобода мазка, в скульптуре – живописная текучесть формы, ощущение изменчивости образа.

Реальный формат этого HD Video на YouTube 1280x720px

На родине барокко, в Италии, наиболее яркое и законченное воплощение этот стиль нашел в полных религиозной и чувственной аффектации произведениях архитектора и скульптора Лоренцо Бернини, архитектора Франческо Борромини, живописца Пьетро да Кортона; позднее он эволюционировал к фантастичности построек Гварини Гварино, бравурности живописи Сальваторе Роза и Алессандро Маньяско, головокружительной легкости росписей Джованни Батиста Тьеполо.

Во Фландрии в живописи таких художников, как Ян Сиберехтс, Питер Пауль Рубенс, Антонис ван Дейк, Якоб Йорданс, Франс Франкен Младший и Давид Тенирс, а в Голландии в полотнах Рембрандта ван Рейна, Герарда Терборха, Яна Вермеера, Геррита ван Хонтхорста, Хендрика Аверкампа, Франса Халса, Якоба Рейсдала, Питера де Хоох эмоциональность и экспрессия барокко слились с мощным жизнеутверждающим началом. В Испании в 17 столетии некоторые черты этого бравурного стиля проступали в аскетичной архитектуре Хуан Баутиста де Эрреры, в живописи Диего Веласкеса, Хусепе де Риберы и Франсиско Сурбарана, скульптуре Хуана Мартинеса Монтаньеса; необычайной сложности и декоративной изощренности они достигли в 18 веке в постройках Хосе Бенито Чурригера.

Своеобразное истолкование барокко получило в Австрии (архитекторы Иоганн Бернхард Фишер фон Эрлах и Иоганн Лукас фон Хильдебрандт, живописец Франц Антон Маульберч) и государствах Германии (архитекторы и скульпторы Бальтазар Нёйман, Андреас Шлютер, Маттеус Даниель Пёппельман, братья Азам, семья архитекторов Динценхоферов, работавших также в Чехии), а также в Польше, Словакии, Венгрии, Литве, России и других странах Европы. В первой половине 18 столетия барокко эволюционирует к грациозной легкости стиля рококо, сосуществует и переплетается с ним, а с 1770-х годов повсеместно вытесняется классицизмом.

БАРОККО

1

Барокко

Барокко (итал. barocco, буквально — причудливый, странный), один из главенствующих стилей в архитектуре и искусстве Европы и Латинской Америки конца XVI — середины XVIII вв. Барокко воплотило новые представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его драматической сложности и вечной изменчивости; его эстетика строилась на коллизии человека и мира, идеальных и чувственных начал, разума и иррационализма.

Барокко зародилось в Италии, утвердилось в Европе в эпоху образования национальных государств и было тесно связанно с церковью и аристократическими кругами: искусство барокко было призвано прославлять и пропагандировать их могущество. Эпоха барокко также дала жизнь науке. Именно в это время начинают свое развитие биология, анатомия, физика, химия и другие дисциплины.

Искусству барокко свойственны грандиозность, пышность и динамика, патетическая приподнятость, интенсивность чувств, пристрастие к эффектной зрелищности, совмещению иллюзорного и реального, сильным контрастам масштабов и ритмов, материалов и фактур, света и тени.

Прежде всего барокко проявилось в архитектуре. Всеобъемлющий характер приобрел в эпоху барокко синтез искусств: городские ансамбли, дворцы и церкви благодаря причудливой пластике фасадов, беспокойной игре светотени, сложным криволинейным планам приобрели живописность и динамичность; интерьеры зданий украшались многоцветной скульптурой, лепкой и резьбой, зеркала и росписи иллюзорно расширяли пространство, а живопись плафонов создавала эффект разверзшихся сводов. В живописи большое значение приобрели эмоциональное, ритмическое и колористическое единство целого, непринужденная свобода мазка, в скульптуре — живописная текучесть формы, ощущение изменчивости образа.

Эпоха барокко дала миру выдающихся писателей (Т. Тассо, П. Кальдерон), художников (Караваджо, Корреджо, П. Рубенс, А. ван Дейк), архитекторов (Л. Бернини, Ф. Барромини), музыкантов (А. Вивальди, И.С. Бах, Г. Гендель).

2
Микеланджело Меризи да Караваджо. Юноша с лютней (Лютнист)
Дата создания: 1595-1596 год, холст, масло.
Размер полотна: 100 × 126,5 см

Место постоянного экспонирования: Эрмитаж (Санкт-Петербург)

Картина Караваджо «Лютнист» или «Юноша с лютней» является ярким экспонатом Эрмитажа. «Лютнист» — одна из самых ранних работ художника. Была создана в 1595-1596 годах по заказу высокопоставленного покровителя Караваджо кардинала Франческо Марии Борбоне дель Монте. Есть предположение, что Лютнист является парой для картины «Музицирующие мальчики». Всего существует три полотна на эту тему. Первая хранится в Эрмитаже, Санкт-Петербург (Холст, масло. 94 × 119 см). Именно эрмитажная картина долгое время считалась единственной из трёх, признанной картиной авторства Караваджо.

Вторая картина находится в Нью-Йорке в музее Метрополитен (100 × 126,5 см). После того, как Дель Монте продал картину одному из коллекционеров, он попросил художника сделать еще одну работу. Вторая картина, которая была написана для того же кардинала, была несколько изменена. Здесь он убрал кувшин с цветами, добавил флейту, спинет и клетку со щеглом.

Третья картина находится в Англии, на усадьбе Бадминтон-Хаус (96 × 121 см). Она является копией полотна, которое висит в Эрмитаже, но со своими тонкостями. Она чуть больше, чем картина в Эрмитаже, более светлая, а в графине с водой отражаются детали интерьера.

На «эрмитажном» варианте и картине из Бадминтон-Хаус на раскрытой странице партитуры легко читаются ноты басовой партиимадригала Якоба Аркадельта Voi sapete ch’io vi amo («Вы знаете, что я люблю вас»). На другой тетради начертано Gallus — имя одного из друзей Караваджо, миланского музыканта. На картине из собрания Вильденстайна (хранится в Музее Метрополитен), тетрадь раскрыта на нотах мадригалов итальянского композитора Франческо де Лайоля на слова Петрарки: Laisse le voile и Pourquoi ne vous donnez-vous pas? Яхета де Берхема. Выбор, в основном, музыки французских и фламандских композиторов считается символичным — Франческо дель Монте представлял при папском дворе Тосканское герцогство, союзника Франции и противника Испании.

Лютня воспроизводит архаический образец инструмента первой половины XVI века, а крестообразный орнамент на грифе скрипки — инициал имени Христа в греческой транскрипции (Χρίστος), который часто встречается на инструментах кремонских мастеров.

Исследователи не могут четко классифицировать жанр «Лютниста». Это одновременно и «картина-гармония», вдохновленная изысканностью искусства перебирать струны, и грусть по скоротечности жизни (звук лютни, едва возникнув, сразу исчезает), и «апология Христа»: в букете-загадке слева внизу полотна цветы подобраны в соответствии с их символическим значением, принятым в искусстве того времени для криптограммы (от греч. «тайнопись») земной жизни Иисуса.

Цветы, плоды и сосуд — символы Бога: он одновременно и цвет, и плод мироздания, и сосуд истины. По наполненности тайным смыслом это самая интересная часть полотна. Во времена Караваджо широко распространилась мода на шифры. Издавались специальные книги с пространными толкованиями всевозможных символов. Известно, что Караваджо пользовался ими. Каждый предмет имел сразу несколько значений, что еще больше расширяло смысловое пространство композиции.

На картине «Лютнист» представлены следующие цветы:

• Ирис — символизирует явление Христа, несущего мир на землю. Поскольку этот символ связан с явлением Бога в мир, ирис еще воспринимался как цветок Девы Марии и иногда изображался вместо лилии в сцене Благовещения
• Роза — символ страстей и крови Иисуса. Встречаются картины, на которых венец Христа представлен в виде венца из роз. Часто этот цветок связывают и с Богородицей, но она держит розу без шипов
• Жасмин — символ любви и всепрощения. Белый цвет напоминает о чистоте и непорочности Иисуса
• Маргаритка — символизирует детство Христа: Мадонна, желая подарить младенцу Иисусу цветок зимой, не нашла ничего и сделала его сама из белого шелка — получилась маргаритка
• Шиповник — один из символов тернового венца Иисуса. Его красные плоды ассоциируются с каплями крови Христа, которые стекали с его лба во время пути на Голгофу

• Апельсин — символ вечной праведности Господа. Ассоциация возникла потому, что у этого дерева не опадают листья. Апельсин также представляет собой символ мира, и его может держать в своих руках Иисус. Одновременно белые цветы апельсина ассоциируются с непорочностью и потому традиционно украшают Богородицу или венок невесты. Плод апельсина воспринимался и как символ райской жизни
• Инжир (смоковница) — символ крестной муки и воскресения, то есть Божьего милосердия к людям. В Евангелии от Луки приведена притча. Некто имел в винограднике смоковницу, но на ней не было плодов, и хозяин хотел срубить ее. Однако виноградарь предложил подождать еще год: если и через год смоковница не принесет плодов, то тогда следует ее срубить. Так же Господь откладывает судный срок земному миру, надеясь на исправление людей
• Слива — считалась символом верности, но принимала дополнительные значения в зависимости от цвета. Темная фиолетовая слива указывает на страдания и смерть Христа, желтая — на чистоту Иисуса, а красная представляет собой символ его милосердия. Белая говорит о его смирении
• Груша — своей мягкостью и сладостью уподобляется мягкости и любви Бога к миру.

Исследователи искусства художника с большой степенью уверенности говорят о том, что в этой картине Караваджо впервые применил свою, впоследствии характерную черту живописи — контрастную светотень, знаменитое тенебросо (от исп. «темный, мрачный»), когда фигуры и предметы выхватываются тусклым лучом из полной темноты и проявляется почти осязаемый объём, а эмоции персонажа приобретают драматический оттенок. Такой театральный эффект станет очень популярным в эпоху барокко. И этот прием будут использовать его последователи.

Внимательно изучая натуру, Караваджо постиг эффект взаимовлияния освещенных предметов. Так, в эрмитажной картине он передал рефлекс, падающий на щеку юноши от его ярко озаренного плеча; сделал легкой и прозрачной тень на тыльной стороне лютни, так как на нее падает отблеск белых страниц нотной тетради.

Юноша настраивает лютню и весь поглощен льющимися звуками, о чем говорит и наклон его головы, и полуоткрытый рот, и выражение глаз, рассеянно смотрящих мимо зрителя. Все это написано так тонко, так виртуозно, что кажется, будто зритель и сам слышит звучание инструмента.

По мнению биографа художника Джованни Беллори, Караваджо считал эту картину самой лучшей своей работой.

Подробнее о картине на сайте Государственного Эрмитажа

3
Микеланджело Меризи да Караваджо (1571 — 1610)

Микеланджело Меризи да Караваджо (1571 — 1610) — итальянский живописец, один из крупнейших представителей стиля барокко, родился 28 сентября 1573 года в итальянском селении Караваджо. Его отец был мажордомом и архитектором маркиза Караваджо. До начала 1590-х годов Микеланджело да Караваджо учился у миланского художника Симоне Петерцано, около 1593 года уехал в Рим.

В начале его жизнь в Риме была трудной, он работал по найму. Но спустя некоторое время его взял в помощники модный живописец Чезари д’Арпино, в мастерской которого Караваджо выполнял натюрморты на монументальных картинах хозяина. Это был недолгий период работы с Чезари, т.к. из-за сильного удара лошади Караваджо угодил в больницу. Оправившись, он принял решение работать самостоятельно.

«Корзина с фруктами»

В 1595 году Караваджо нашел влиятельного покровителя в лице кардинала Франческо Мария дель Монте, который ввел его в художественную среду Рима. Дель Монте отличался разносторонними интересами, он дружил с Галилеем, хорошо знал музыку, театр и живопись. Художник написал для него одни из лучших своих картин — «Корзина с фруктами», «Вакх» и «Лютнист».

«Гадалка»

В конце 1590-х годов художником были созданы такие произведения, как «Концерт», «Гадалка». Впервые обратившись к «чистому» натюрморту и «авантюрному» жанру, он открывает новые возможности живописи, которые получат дальнейшее развитие среди его последователей.

Характер Караваджо отличался резкостью и необузданным темпераментом, который вовлекал его в шумные ссоры, заканчивающиеся дуэлями, за что он неоднократно бывал в тюрьме. В его окружении нередко бывали игроки, мошенники, скандалисты и авантюристы.

«Призвание апостола Матфея»

На рубеже XVI-XVII веков Караваджо создал два цикла картин на сюжеты из жизни апостолов. По протекции кардинала дель Монте в 1597 году он получает заказ для капеллы Контарелли в церкви Сан-Луиджи деи Франчези в Риме, где им были написаны три картины, посвященные апостолу Матфею. Из них сохранились только две — «Призвание апостола Матфея» и «Мученичество апостола Матфея» (1599-1600). Для капеллы Черази в Риме Караваджо выполнил две композиции — «Обращение Савла» и «Распятие апостола Петра». Позже продолжал работать для других церквей.

Череда дерзких выходок сопровождала жизнь художника, пока в 1606 году не завершилась убийством молодого человека в ссоре при игре в мяч и Караваджо бежал из Рима в Неаполь, откуда перебрался в 1607 году на остров Мальта, где был принят в Мальтийский орден. Однако после ссоры с высокопоставленным членом ордена он был заключен в тюрьму, откуда бежал на Сицилию, а затем в Южную Италию, ожидая в Неаполе своего помилования.

«Давид с головой Голиафа»

В период скитаний художник создал ряд выдающихся произведений религиозной живописи. В Неаполе он написал большие алтарные картины «Семь дел милосердия» (церковь Пио Монте делла Мизарикордия), «Мадонна Розария» и «Бичевание Христа». На Мальте для храма Сан Доменико Маджоре он создал полотна «Усекновение главы Иоанна Крестителя» и «Святой Иероним», на Сицилии — «Погребение святой Луции» для церкви Святой Луции, «Воскрешение Лазаря» для генуэзского купца Ладзари и «Поклонение пастухов» для церкви Санта Мария дельи Анджели. К последним произведениям Караваджо относится также картина «Давид с головой Голиафа», на которой голова Голиафа предположительно представляет автопортрет художника.

В 1610 году, получив прощение от кардинала Гонзага, художник погрузил свои вещи на корабль, намереваясь вернуться в Рим, но так и не добрался до места назначения. На берегу его по ошибке арестовали испанские гвардейцы и задержали, но скоро выпустили на свободу. 18 июля 1610 года Караваджо скончался от приступа малярии в итальянском городке Порто-Эрколе в возрасте 37 лет.

Творчество Караваджо оказало значительное влияние не только на многих итальянских художников XVII века, но и на ведущих западноевропейских мастеров — Питера Пауля Рубенса, Диего Веласкеса, Хосе де Риберу, а также породило новое направление в искусстве — караваджизм.

Творчество Караваджо, не принадлежавшего к какой-либо определённой художественной школе, возникло как оппозиция господствующим направлениям в итальянском искусстве конца XVI — начала XVII вв. (маньеризм и академизм). Картины Караваджоотличают лаконизм и простота композиции, энергичная пластическая лепка. Живописная манера Караваджо основана на мощных контрастах света и тени, выразительной простоте жестов, насыщенности колорита, которые создают эмоциональное напряжение и драматический эффект. Простонародность образов, смелое утверждение демократических художественных идеалов поставили художника в оппозицию по отношению к современному ему искусству. В позднем творчестве Караваджо обращается к теме одиночества человека во враждебном ему мире, его привлекает образ не большого содружества людей, объединенных родственной близостью и душевным теплом («Погребение Св. Лучии», 1608 г.). Свет в картинах Караваджо становится мягким и подвижным, колорит тяготеет к тональному единству, манера письма приобретает черты свободной импровизационности.

Стили в живописи: от ренессанса до абстракционизма

Барокко, рококо, классицизм… Это все стили в живописи. Некоторые существовали в конкретную эпоху. Тогда достаточно посмотреть на дату создания картины и понять, какой это стиль.

Но многие пересекались во времени: один стиль ещё в моде, а другой уже наступает ему на пятки. В таком случае даты не всегда помогут.

Хорошо бы знать основные черты каждого стиля. Ещё лучше – понимать, почему тот или иной стиль возник.

С чего вдруг художники переключились с прекрасного ренессанса на вычурное барокко.

Почему строгий классицизм был вытеснен зыбким импрессионизмом.

И зачем художники повально отказались от эстетики и ударились в экспрессионизм.

А потом и вовсе отошли от узнаваемых образов, увлёкшись абстракционизмом.

Разберём каждый стиль. Начнём с ренессанса.

Позади средневековье и торжество духа над телом. Плоские лица и бесформенные одежды во множестве населяли готические соборы.

Ренессанс же сместил фокус с духовного на телесное. Вернее на человека красивого и благородного.

Почему стиль ренессанс возник

В Италии в конце 15 века картины стали заказывать не церковники, а банкиры.

Они были людьми не только богатыми, но и образованными. Читали древнегреческих поэтов. А заодно ещё и видели найденные скульптуры Древнего Рима. Их в то время много раскапывали.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уфицци, Флоренция

Желание любоваться телесной красотой и восприятие человека, как мыслящего и достойного существа – таков был настрой заказчиков. Художники эти пожелания услышали.

Время расцвета стиля

Стиль ренессанс (или эпохи возрождения, что одно и то же) расцвел в конце 15 века, начиная с работ Боттичелли. И завершился в конце 16 века, работами Тициана.

Тициан. Венера Урбинская. 1538 г. Галерея Уффици, Флоренция.

Характерные черты стиля ренессанс

На картинах эпохи возрождения весь фокус – на человеке. Поэтому в это время почти не встречаются пейзажи и совсем нет натюрмортов. Это одна или несколько фигур. Чаще в спокойной и неподвижной позе. Красивые и благородные черты лица. Уверенный взгляд на зрителя.

Рафаэль. Портрет Бальдассаре Кастильоне. 1514-1515 гг. Лувр, Париж

Если это святой, то он почти не отличается от человека. Часто под образом Мадонны или древнегреческой богини скрывались возлюбленные, супруги или дочери.

Боттичелли, например, в образе Венеры изобразил восхищавшую его реальную девушку, Симонетту Веспуччи.

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1484 г. Галерея Уффици, Флоренция

Лицо или руки выполнялись в технике сфумато, то есть как будто покрытые дымкой. Эту технику придумал Леонардо да Винчи. Она позволяет сделать изображение человека более живым. Его Мона Лиза выполнена как раз с эффектом сфумато.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза (фрагмент). 1503-1519 гг. Лувр, Париж

Картины Возрождения часто яркие. Эпоха полутонов и нежных оттенков ещё впереди. О колорите ещё мало заботились. По сути просто раскрашивали красивые формы.

Микеланджело. Ливийская сивилла. 1508-1512 гг. Фрагмент росписи Сикстинской Капеллы, Ватикан

Яркий пример стиля ренессанс

Самых красивых и благородных в Эпоху Возрождения писал Рафаэль. Пожалуй, он самый классический художник стиля ренессанс. Вот его “Мадонна в зелени”.

Рафаэль Санти. Мадонна в зелени. 1505-1506 гг. Музей истории искусств, Вена, Австрия

В ней есть почти все, чем славится Возрождение. И красота, и благородство, и сфумато.

Художники стиля ренессанс

Боттичелли, Леонардо да Винчи, Микеланджело, Тинторетто, Тициан.

Стиль ренессанс не исчез бесследно со смертью Тициана. Его черты вобрал каждый последующий стиль.

Художники всех мастей боготворили Рафаэля. Жесты и улыбки его героев повторены сотни раз в картинах на протяжении 300 лет. Точку в этой всеобщей любви к ренессансу поставили импрессионисты. Но о них позже.

О художниках Ренессанса читайте в моей статье “6 великих мастеров эпохи возрождения”.

Ренессанс, безусловно, прекрасен. Но статичен и аскетичен. С цветом художники Возрождения тоже не особо возились. Поэтому часто их работы похожи на раскраски (не считая Тициана, конечно).

А вот стиль Барокко все эти моменты учел. Барокко – это движение, роскошь и виртуозный колорит.

Рубенс. Вознесение Марии. 1618 г. Музей Кунстпаласт, Дюссельдорф

Почему стиль барокко возник

Вера в человека и республика, как форма правления, в Италии долго не продержались. Вернулась монархия. А монархам нужна была другая живопись.

Заказчики хотели показать себя во всей красе и с размахом украшать свои дворцы. Нужны были пышность и блеск. Художники быстро уловили, куда ветер дует. Так появился барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Пребытие Марии Медичи в Марсель. Из цикла картин «Галерея Медичи». 394×295 см. 1622-1625 гг. Лувр, Париж

Время существования барокко

Расцвет барокко – это 17 век. Но в этом стиле создавались полотна вплоть до начала 19 века. Это стиль, который дольше всех продержался в истории искусства. Роскошь и ослепляющий блеск были в моде аж 200 лет.

Орацио Джентилески. Даная. 1621 г. Музей Гетти, г. Лос-Анджелес, США

Характерные черты барокко

Куча-мала из обнаженных тел, копьев и экзотических животных – самое что ни на есть барокко. Если смотрите и на ум приходят слова «как эмоционально и динамично», значит это барокко.

Питер-Пауль Рубенс. Охота на крокодила и гиппопотама. 1616 г. Старая Пинакотека, Мюнхен

Ещё барокко – этакая смесь живописи и театра. Неяркий свет выхватывает из тьмы драматическое действо. Сюжеты выбирались под стать: сцены пыток христианских мучеников, убийства и переломные моменты в жизни святых.

Караваджо. Обращение савла. 1600 г. Церковь Санта-Мария-дель-Пополо, Рим

Яркий пример стиля барокко

Кучу-малу из людей и животных любил Рубенс. Его «Охота на львов» – тому подтверждение.

Питер Пауль Рубенс. Охота на львов. 1621 г. Старая Пинакотека, Мюнхен.

А вот мастером театральной барочной живописи был Караваджо. Движения у него не такие зашкаливающие, как у Рубенса. Но эмоций и драмы у него хоть отбавляй. Как в картине «Положение во гроб».

Караваджо. Положение во гроб. 1602 г. Пинакотека Ватикана

Главные художники стиля барокко

Динамичное барокко (рубеновское) ищите у Симона Вуэ и Тьеполо.

Театральное барокко (так называемый караваджизм) ищите у Рембрандта, Джентилески (и у отца, и у дочери), а также Мурильо.

Еще учтите один момент. Барокко “страдает” излишествами. Но не только нарисованными. Огромное полотно 5 метров в длину и массивная позолоченная рама – идут, как правило, в придачу.

Барокко и Рококо часто путают. Но у них есть принципиальное отличие. Барокко – про помпезность. Рококо – про изящество. Барокко про сильные эмоции, даже эмоциональный надрыв. Рококо – про поверхностные чувства.

Франсуа Буше. Юпитер и Каллисто. 1744 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

Почему возник стиль рококо

Однажды заказчики устали от драмы и накала страстей. Захотелось легкой болтовни, флирта и поцелуев. Так возник стиль рококо.

Жан-Оноре Фрагонар. Украденный поцелуй. 1780-е года. Эрмитаж, Санкт-Петербург

А если серьёзно, появлению стиля способствовала мадам Помпадур, любовница французского короля Людовика XV. Она любила ангелочков, цветочный орнамент и нежные цвета.

Период расцвета рококо

Век рококо был коротким. Как говорится, отдохнули и хватит. Так что стиль просуществовал всего лет 50 (с середины 18 века до начала гражданской войны во Франции). Кровожадной гильотине были не к лицу легкомысленные образы.

Франсуа Буше. Мадам Помпадур. 1756 г. Старая пинакотека, Мюнхен

Характерные черты стиля рококо

Большинство героев – розовощёкие (но не пышные, как в барокко) девушки среди цветов и кавалеров. Все довольны и счастливы. Барочной драмы как и не бывало.

Томас Гейнсборо. Портрет дамы в голубом. 1778-1782 гг. Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

Художники стиля рококо пользовались тонкой кисточкой – мелкие листочки, тонкий слой краски, крохотные детали.

Антуан Ватто. Паломничество на остров Киферу. 1717 г. 129 × 194 см. Лувр, Париж

Яркий пример стиля рококо

Классическая картина в стиле рококо – это «Качели» Фрагонара. Тут и флирт, и тонконогая девица. О ней можно почитать в моей статье “Качели Фрагонара: главный шедевр эпохи рококо”.

Жан Оноре Фрагонар. Качели. 1767. Собрание Уоллеса, Лондон

Главные художники стиля рококо

Упомянутый Жан-Оноре Фрагонар, Антуан Ватто, Франсуа Буше, Томас Гейнсборо.

Все-таки оговорюсь, что рококо – это не всегда пустозвонная праздность. Те же “Качели” Фрагонара не так поверхностны, как может показаться поначалу. Предстоящую драму в отношениях можно почувствовать, взглянув на мрачные ветви деревьев. Гениальный художник может написать глубокое произведение даже в стиле рококо.

Параллельно с барокко возник классицизм. Полная ему противоположность. Вместо накала страстей – бесстрастность. Вместо переплетенных тел – выверенные пропорции и порядок. Как будто картины рисовали математики.

Никола Пуссен. Аркадские пастухи. 1650 г. Лувр, Париж

Почему стиль классицизм возник

Причину стоит искать в разнице вкусов заказчиков. Часть из них жаждали гармоничных пропорций античности. По сути классицизм – это возврат к ренессансу, но в более строгом варианте, под стать чопорным и высокомерным аристократам.

Жак-Луи Давид. Клятва Горациев. 330 × 425 см. 1784 г. Лувр, Париж

Более же экстравертные и истероидные по психотипу герцоги и князья предпочитали пышное барокко.

Так появилось два лагеря: любители классицизма и любители барокко.

Характерные черты

Классицисты выбирали сюжеты, далекие от жизни: о богах и богинях, о правителях Древнего Рима, гладиаторах и спартанцах.

Муссини. Спартанский мальчик наблюдает последствия пьянства. 1850 г. Лувр, Париж

Классицизм не только удовлетворял вкусы отдельных заказчиков, но и стал официальным искусством. У классицистов были свои академии, поэтому их называли академистами.

Они обучали учеников четким правилам живописи. Правильные пропорции, перспектива, моделировка объема светотенью, колорит в виде трехцветки.

Вильям Бугро. Данте и Вергилий в аду. 1850 г. Музей д’Орсе, Париж

Поэтому классицизм – самый распространённый стиль живописи. Пожалуй, в этом стиле создано больше всего полотен за всю историю искусства.

Период расцвета классицизма

Он был в моде в 17 веке. А затем вновь расцвел в конце 18 века. В основном за счет любви со стороны Наполеона.

Жак-Луи Давид. Наполеон на коне (фрагмент). 1798 г. Галерея Бельведер в Вене

Яркий пример классицизма

За классицизмом стоит обращаться к французскому художнику Пуссену. В его работах Вы встретите все черты этого стиля.

Никола Пуссен. Великодушие Сципиона. 1640 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина, г. Москва

На картине “Великодушие Сципиона” все упорядочено и логично. Герои стоят в ряд. Никто ни на кого не наваливается, как у Рубенса.

Художник использует классическую трехцветку “синий-красный-желтый”. Эмоции приглушены: они здесь не так важны, как жесты и позы героев.

Главные художники

Никола Пуссен, Жак-Луи Давид, Анибале Карраччи, Вильям Бугро.

Классицизму не повезло. Если другие стили эволюционировали, то с этим рьяно боролись вольнодумные художники. Те, кто хотел творить по велению сердца, а не так, как учат в академиях.

В результате классицизм сломили импрессионисты. А окончательно затоптали экспрессионисты.

Есть кое-что, что объединяет все стили, существующие до импрессионизма. Это гладкая живопись. Скрытие мазков, натуралистичность и внимательность к деталям были важны почти всегда, начиная с 14 века.

Но импрессионизм смело пошатнул все эти традиции.

Клод Моне. Впечатление. Восход солнца. 13 ноября 1872 г. 7 часов 35 мин утра. Музей Морматтен-Моне, Париж.

Почему стиль импрессионизм возник

В 19 веке изобрели фотографию. Изображать реальность с помощью кисти и красок стало ни к чему. Аристократ мог пойти в фотоателье и сделать свой реалистичный портрет. Причём очень быстро.

Художники поняли, что реальность больше в их услугах не нуждается. Передавать этот мир в деталях уже нет смысла. Они сосредоточились на собственном впечатлении от увиденного – на живых людях, солнечных зайчиках и шелесте травы.

Клод Моне. Стог сена на закате возле Живерни. 1891 г. Музей изящных искусств, Бостон, США.

Характерные черты

Импрессионизму свойственна жизненность: они писали своих современников в кафе или на прогулках. В отличие от классицистов, которые изображали древне-римских героев или богов с богинями.

Константин Коровин. Парижское кафе. 1890 г. Государственная Третьяковская галерея, Москва

Также импрессионисты выработали свою технику. Вместо гладкой живописи – видимые, быстрые мазки. С помощью них они создавали иллюзию вибрации воздуха и солнечных бликов.

Пьер-Огюст Ренуар. Портрет актрисы Жанны Самари. 1877 г. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусств Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва

Время расцвета импрессионизма

Активно в стиле импрессионизм работали во второй половине 19 века. Совсем недолго. Как и рококо, этот стиль просуществовал тоже не более 50 лет.  

Но его расцвет закончился совсем по другой причине, чем у рококо. 

Эдгар Дега. Голубые танцовщицы. 1897 г. Галерея искусств Америки и Европы 19-20 вв. ГМИИ им. А.Пушкина, Москва.

Импрессионисты изменили способ мышления творческих людей. Они показали, что можно писать не только видимую реальность. Но нечто другое. В их случае – быстротечные эффекты солнца, тумана и сумерек. 

Другие художники пошли дальше. И начали писать свой внутренний мир (экспрессионизм), придуманную реальность (абстракционизм), или почти ничего (минимализм).

Яркий пример импрессионизма

Импрессионизм зародился во Франции. Так что самые яркие импрессионисты – французы. Классическая импрессионистическая работа – “Качели” Ренуара.

Огюст Ренуар. Качели. 1873 г. Музей Орсе, Париж

Здесь обычные горожане 19 века отдыхают в парке. Никаких исторических сюжетов, как у классицистов. При этом все изображено с помощью крупных разноцветных мазков. Даже тени цветные.

Главные художники

Клод Моне, Огюст Ренуар, Эдгар Дега, Константин Коровин.

Почитайте мою статью «7 великих художников-импрессионистов»

Для особо влюблённых в импрессионизм я разработала онлайн-курс «Импрессионизм: формула и главные герои».

Однажды художники отказались рисовать реальность. И переключились на свой внутренний мир. Они решили с помощью форм и цвета показывать свои эмоции и тем самым вызывать эмоции у нас. Так родился экспрессионизм.

Почему экспрессионизм возник

Экспрессионизм был следующим и логичным шагом после импрессионизма.

Импрессионисты все-таки были реалистами, изображающими окружающий мир, в первую очередь свето-воздушные эффекты. Свои эмоции и своё отношение к происходящему импрессионисты оставляли за кадром.

Но некоторым художникам реализм изрядно надоел.

Первым свой внутренний мир в свою живопись впустил Ван Гог. Он начал деформировать цвета и формы, исходя из собственного отношения к объекту.

Ван Гог. Портрет доктора Гаше. 1890 г. Частная коллекция

Лицо доктора Гаше зеленоватое и неправильной формы. Явно в реальности оно таким не было.

Мастером выразить свои эмоции на холсте был и современник Ван Гога, Эдвард Мунк. Он смело выражал свои эмоции на картине, ещё больше деформируя формы.

Эдвард Мунк. Вечер на улице Карла Иоанна. 1892 г. Коллекция Расмуса Мейера, Берген

У Мунка лица и вовсе похожи на черепа, обтянутые кожей. Это ещё дальше от реальности, чем даже у Ван Гога.

Время расцвета стиля

Экспрессионизм расцвёл в начале 20 века, как отклик на ужасы Первой Мировой войны. 

Слишком сильные эмоции испытывали художники. Эстетика прошлых лет стала для них неприемлема. Мир трещал по швам, и боль и разочарование выплескивались на холст.

Оскар Кокошка. Автопортрет. 1917 г. Музей фон дер Хейдт, Вупперталь. Maximonline.ru

Основные черты экспрессионизма

Так как эмоции выражались сильные и чаще негативные, то главная черта экспрессионизма – это дисгармония и уродство.

Эгон Шиле, например, намеренно подчеркивал все самое некрасивое в человеке.

Эгон Шиле. Танцор. 1913 г. Музей Леопольда, Вена

А в дисгармонии особенно преуспел Хаим Сутин. Его деформированные пейзажи как будто отображены в кривых зеркалах.

Хаим Сутин. Красная лестница в Кане. 1923 г. Музей искусства авангарда (МАГМА), Москва

Ещё экспрессионизм узнаваем по ярким цветам в виде больших пятен и полос, а также плоскому изображению. Моделирование объема и правда отвлекает от цвета, а главное – от эмоций. Как на “Автопортрете с моделью” Кирхнера.

Эрнст Людвиг Кирхнер. Автопортрет с моделью. 1926 г. Гамбургский кунстхалле. Artchive.ru.

Яркий пример стиля экспрессионизм

Икона экспрессионизма – это «Крик» Эдварда Мунка. 

Эдвард Мунк. Крик. 1893 г. Национальная галерея Норвегии в г. Осло.

Конечно, она создана ещё до ужасов первой мировой. Но сам Мунк был настолько экспрессивным человеком, что в его шедевре и без того страха и отчаяния хоть отбавляй.

Главные художники экспрессионизма

Много экспрессионистов было в Германии и Австрии. Кокошка и Шиле – это австрийцы. Из немецких можно назвать Нольде и Кирхнера.

Эмиль Нольде. Маски. 1911 г. Художественный музей Нельсона-Аткинса, США. Russiaartnews.ru.

И повторюсь, что яркими экспрессионистами также был норвежец Эдвард Мунк и живший в Париже выходец из Белоруссии Хаим Сутин.

Работы экспрессионистов кажутся отталкивающими. Но, парадокс, в этом скрыта и их притягательная сила.

Ведь интересно же заглянуть в душу другого человека. И увидеть там страх, надрыв, надлом, болезненную страсть. Что мы и делаем, когда смотрим на картины экспрессионистов.

Продолжение — в статье «Экспрессионизм. Стиль живописи, его истоки и изобретатели». 

Абстракционизм часто не любят и обесценивают по типу «Это и я так могу намалевать». 

Но именно этот стиль очень сильно повлиял на наш мир. Поэтому его так важно понять. А полюбить – это уже по желанию :).

Почему возник абстракционизм

Однажды Кандинский увидел в своей мастерской незнакомую картину. Это было что-то несуществующее, но очень гармоничное. Через 10 секунд художник понял, в чем дело. 

Это был его пейзаж, который он сам же прислонил боком к стене. 

Василий Кандинский. Композиция 4. 1911 г. Художественное собрание земли Северный Рейн, Дюссельдорф

Так великого художника осенило, что узнаваемые образы мешают воздействовать на зрителя. Ведь можно просто правильно подобрать цвета и линии, чтобы вызвать ощущение гармонии. Так же, как набор звуков соединяется в мелодию и вызывает приятные переживания у слушателя.

Время расцвета стиля

Для многих художников открытие Кандинского стало откровением. Оказывается, не обязательно ЧТО-ТО изображать. И не обязательно выискивать нужный сюжет или образ, а можно просто экспериментировать с цветом и формой!

При этом у художника все равно оставалась цель. Либо достичь с помощью конкретных сочетаний цветов и форм ощущения гармонии. Либо чтобы вызвать конкретную эмоцию. Но чаще и то, и другое.

Жоан Миро. Улыбка пылающих крыльев. 1953 г. Фонд Жоана Миро, Барселона. Pinterest.com.

Так что абстракционизм расцвёл сразу же после открытия Кандинского в 1910 году и было ведущим стилем в течение всего 20 века. Его расцвет пришелся на середину XX века в том числе благодаря знаменитым абстракциям Поллока.

Джексон Поллок. Осенний ритм (номер 30). 1950 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке, США. Artchive.ru.

Главные черты абстракционизма

Абстракционизм легко узнать. Если Вы не можете на картине узнать образ, значит это абстракция. Недаром его называют ещё беспредметным искусством.

А вот уже сама абстракция может быть самой разной. Но можно выделить два основных ее вида. Лирическую, состощую из текучих форм. Как у Кандинского и Моро.

А второй вид – это геометрическая абстракция. Началась она с квадратов и кругов Казимира Малевича. А продолжилось разноцветными решетками Пита Мондриана. 

Пит Мондриан. Композиция с большой красной плоскостью. 1921 г. Муниципальный музей в Гааге. Wikiart.org.

В США возникла ещё одна разновидность – абстрактный экспрессионизм. Как Вы уже поняли, цель у него была вызвать эмоции у зрителя. Гениально это получалось у Марка Ротко.

Марк Ротко. Желтый и оранжевый. 1968 г. Собрание Филлипса, Вашингтон. Artchive.ru.

Яркий пример абстракционизма

В России абстракционизм четко ассоциируется с Малевичем и его  «Чёрным квадратом». 

Казимир Малевич. Чёрный супрематический квадрат. 1915 г. 79,5 х 79,5 см. Государственная Третьяковская галерея, г. Москва.

О смысле и тайне картины читайте в моей статье «Черный квадрат» Малевича. Почему это шедевр».

Главные художники абстракционизма

Кандинский и Малевич были первыми абстракционистами.

А подхватили их идеи такие гениальные художники, как Пит Мондриан, Марк Ротко, Жоан Миро, Джексон Поллок и Пауль Клее.

Пауль Клее. Статично-динамичная градация, 1923 г. Музей Метрополитен в Нью-Йорке. Abstractcritical.com

Многие плохо относятся к абстракционизму. Тогда как его влияние на нашу жизнь огромно.

Когда художники освободились от необходимости творить только известные образы, они стали много экспериментировать с формой.  Все это переходило в скульптуру и архитектуру. А потом – в мебель и одежду.

И мы не успели оглянуться, как абстракционизм поделил наш мир на «до и после». До него – это виньетки и ажурная мебель. После него – строгий шрифт и лаконичные формы наших шкафов.

Об этом стиле читайте подробнее в статье «Василий Кандинский: как зарождался абстракционизм».

Проверьте себя

Я предлагаю Вам проверить, как Вы усвоили основные стили.

Какая из этих картин написана в стиле рококо?

Какая из этих картин написана в стиле ренессанс?

Какая из этих работ написана в стиле экспрессионизма?

Если Вы ответили на все три вопроса – «слева», значит Вы хорошо разбираетесь в стилях живописи.

В первом вопросе слева – картина Фрагонара “Щеколда”. Справа – картина Рубенса “Охота на волка и лиса” (барокко).

Во втором вопросе слева – картина Рафаэля “Форнарина”. Справа – “Обнаженная в солнечном свете” Ренуара (импрессионизм).

В третьем вопросе: две картины Кандинского. Работа слева написана в 1909 году (Импровизация 3) и на ней мы различаем образы: всадника, здания. Это экспрессионизм.

На работе справа 1913 года («Композиция» из Эрмитажа) образы НЕ различимы. Это уже абстракционизм.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

PS. Проверьте свои знания, пройдя онлайн-курс «Насколько Вы разбираетесь в живописи»

Facebook

Twitter

Вконтакте

Одноклассники

Pinterest

Похожее

Барокко в живописи | СТИЛЬ БАРОККО

Искусство барокко зародилось в конце 16 века.

И хотя чаще всего с эпохой барокко ассоциируется Италия, так как многие великие произведения появились в то время именно там, в других странах тоже были написаны достойные произведения искусства, которые изучают веками.

Барокко в живописи отличается насыщенными цветами, которые используются, чтобы передать яркие эмоции, волнение и драматичность.

Большинство картин эпохи барокко носят религиозный характер. Воодушевленные католической церковью, художники стали раскрывать религиозные темы в своих картинах. В предыдущем веке сюжеты картин были сосредоточены в основном вокруг икон. Век барокко продолжил эту традицию, но было очень много картин и на другие темы.

Художники барокко стремились передать движение в своих картинах. Ранее в центре внимания были неподвижные изображения, такие как натюрморт, портрет и пр. В эпоху барокко художники изображали людей и животных в различных позах. Очень важны стали эмоции на лицах.

Барокко в живописи внес изменения и в изображение пространства. Оно стало захватывать, из двухмерного перерастать в трехмерное. Небо на потолках стало казаться бесконечным. Линии очень помогали передать движение, поэтому в картинах барокко их очень много. Уменьшение длины линий на картине давало иллюзию расширения в пространстве.

Контрасты становятся все более распространенными, особенно контрасты света и тени. Это создает всё большую драму, добавляет напряженности и эмоций. Примером служит картина Джентилески «Юдифь, убивающая Олоферна». На картине свет падает слева, освещая темное пространство.

Реализм — важный аспект искусства барокко. Создавая картины на религиозные темы, художники изображали персонажей такими, какими они могли бы быть в настоящей жизни. Также натурализм достигался засчет простых деталей, характерных для повседневной жизни. Караваджо использовал этот метод в своих работах, изображая таверны и крестьян.

Тщательно прорисовывалась мимика, передавая настроение и эмоции. Иногда художники изображали на картинах себя (например, Веласкес в своей картине «Менины»).

Многие художники барокко осознавали время и использовали его в своих картинах, чтобы передать силу природы. Пожилой мужчина, символизирующий время, встречается на очень многих картинах, показывая, что придет время для всех.

Картины в стиле барокко

Автор: Канарка Канта

Дата: 30 April 2019

Одной из самых ярких эпох в искусстве по праву считается барокко. В нем воплотились лучшие черты эпохи с 1600 по 1700 годы. Картины в стиле барокко отличаются правдоподобностью, точностью и вместе с тем имеют выраженное эмоциональное начало. На сегодняшний день эпоха оставила огромное количество шедевров мировой культуры, которые хранятся во всемирно известных музеях.

История стиля барокко

Искусство неотделимо от жизни людей, и часто его используют в качестве средства массовой передачи информации. Дело в том, что во времена возникновения стиля в Европе происходил процесс реформации церкви. Священнослужители искали способ сделать религию для людей более понятной и доступной. В те времена подобная задача представляла серьёзную сложность, так как у большей части людей не было возможности обучаться. Единственным понятным всем и малому и старому видом информационного ресурса были картины. Именно поэтому для донесения религиозных смыслов использовались картины барокко.

Чтобы достигнуть максимального эффекта и вдохновлять каждого смотрящего на подобные подвиги во имя религии художники старались максимально правдоподобно передать именно эмоции и чувства выбранного героя.

Факт! В переводе с итальянского термин обозначает странный и причудливый.

Особенности барокко

К характерным чертам стиля барокко в живописи следует отнести:

• • появление понятия свет и тень;
• • обращение к религиозной тематике;
• • драматичные темные цвета;
• • сюжетная динамичность, понятность происходящего на картине;
• • обращение к мифологическим сюжетам;
• • возвышенность и не опосредованность;
• • дымчатость фактуры;
• • изобилие декоративных элементов;
• • контрастность между светлыми и темными оттенками;
• • пропорциональность.

Главной особенностью картин барокко можно считать наличие разнообразных украшений и большое количество деталей. Над одной картиной мастер красок мог работать несколько лет. Но результат того стоил, так как произведение искусства передавало всю эпичность, драматичность выбранного сюжета.

Обычно художники выбирали сюжетную линию, основываясь на всем известным в те времена историям. Обычно это были мифы Древней Греции или Рима, а также библейские заветы. Они были понятны практически каждому человеку вне зависимости от уровня образованности.

В качестве опоры художники выбрали предшествующее направление – эпоху Возрождения. Это проявляется в достоверности пропорций изображаемого, в цветопередаче, а также в реализме.

Интересно! Узнать картину эпохи барокко достаточно легко. На таких картинах ярко выражена игра света и тени. Художники старались максимально затемнить темные участки и выделить светлые, что создавало иллюзию солнечного света, спадающего на предмет или человека.

Художники эпохи барокко

Наиболее значимыми фигурами того времени в искусствоведении принято считать Микеланджело Караваджо, Харменса ван Рейна Рембрандта и Питера Пауля Рубенса. Давайте познакомимся с творчеством каждого из них более подробно.

Микеланджело Караваджо

Относится к итальянской школе художеств. В его творчестве преобладающим жанром можно назвать портрет. Именно в нем он мог явно воспользоваться новой техникой применения света и тени, которая позволяла достичь объемности и правдоподобности изображаемого. Мастер обращался к трагичным мифологизированным сюжетам или библейской тематике, поэтому их часто можно встретить их в творчестве:

• • Призвание апостола Матфея;
• • Мученичество апостола Матфея;
• • Распятие Святого Петра;
• • Положение во гроб;

Также художника интересовали личности его времени, поэтому большинство знаменитых картин художника – это портреты:

• • Мальчик, укушенный ящерицей;
• • Гадалка;
• • Музыканты;
• • Больной Вакх;
• • Лютнист;
• • Мальчик с корзиной фруктов.

Также удивительно реалистичным является натюрморт «Корзина с фруктами».

Интересно! Караваджо работал сразу начистую, то есть сразу же набрасывал на холсте. Ни одну композицию не удалось найти в эскизе или рисунке барокко.

Харменс ван Рейн Рембрандт

Является одним из самых великих художников Нидерландов. Его живопись относится к золотому веку страны. Главной заслугой творца можно считать передачу всех эмоциональных состояний человека с удивительной точностью и правдоподобностью. К наиболее известным работам относят:

• • Пир Валтасара;
• • Блудный сын в таверне;
• • Даная;
• • Ночной дозор;
• • Святое семейство.
• • Питер Пауль Рубенс

На картинах великого живописца практически никогда нельзя увидеть тощего человека. Пышные формы являлись показателем богатства, здоровья и успеха в жизни. К наиболее значимым произведениям искусства данного художника следует отнести:

• • Автопортрет;
• • Геркулес и Омфала;
• • Конный портрет герцога Лерма;
• • «Адам и Ева»
• • «Мадонна».

Интересно! За всю жизнь творец создал более трех тысяч картин.

Картины в стиле барокко – это неповторимые образцы достижения реалистичности в живописи. В них воплотились лучшие традиции того времени. Несмотря на общие тенденции в искусстве каждый представитель художественной школы времени обладал неповторимым стилем и почерком, который невозможно спутать. Даже спустя практически триста лет картины эпохи барокко не перестают удивлять драматическим накалом и реалистичностью происходящего. Смотря на подобные работы, понимаешь в чем заключается истинная сила искусства.

Лютнист, Караваджо, картина, художник, барокко

За созданием каждой картины стоит своя уникальная история И в рубрике «Pic of the Week» Styleinsider продолжает рассказывать о самых известных шедеврах живописи. И сегодня мы расскажем о картине «Лютнист» итальянского художника-реформатора эпохи барокко Караваджо.

Дата создания

1595

Версии картины

Существует три версии картины, которые практически идентичны с небольшими различиями, вроде разного текста в тетрадях, изображённых на полотне и размеров самих работ. Считается, что наиболее удачный вариант работы находится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, вторая версия хранится в Музее Метрополитен, а третья — в Бадминтон-хаус в Англии.

История создания

Полотно «Лютнист» было написано Караваджо по заказу его покровителя кардинала Франческо дель Монте, на римской вилле которого художник прожил несколько лет. Первую версию «Лютниста» позднее у дель Монте приобрёл его друг, банкир и коллекционер Винченцо Джустиниани. В 1808 году в Париже коллекция обедневшего семейства Джустиниани была распродана с молотка. Еще до старта торгов российский император Александр I обратился к директору Лувра Доминику Виван Денону с просьбой купить «Лютниста» для Эрмитажа.

Интересные факты

— На протяжении долгих лет считалось, что на полотне изображена девушка, а потому оно было выставлено в Эрмитаже под названием «Лютнистка». Уже в начале ХХ века искусствоведы пришли к выводу, что на картине всё-таки изображён молодой человек. Скорее всего, позировал художнику его друг Марио Миннити. О принадлежности модели к мужскому полу свидетельствуют несколько фактов. Во-первых, на картине ноты, находящиеся перед музыкантом, — это запись басовой партии мадригала Якоба Аркадельта «Вы знаете, что я люблю вас», которая предназначена для мужского голоса. Во-вторых, лютня, как и скрипка у самого кромки полотна, в эпоху Караваджо считалась мужским инструментом.

— В эпоху Караваджо популярно было использовать шифры. Издавались даже специальные книги с обширными толкованиями разнообразных символов. Известно, что Караваджо использовал их в своих работах. Поэтому практически каждый предмет на полотне имеет сразу несколько значений, что даёт пространство для размышлений. На работе Караваджо перед лютнистом находятся раскрытые ноты мадригала Якоба Аркадельта, скрипка, фрукты и букет цветов (ирис, ромашка, жасмин, шиповник, дамасская роза, листья апельсинового дерева, инжир, слива, груши). Соответственно, каждый из этих предметов носит свой скрытый смысл. Так, например, жасмин — это символ любви и всепрощения, шиповник — один из символов тернового венца Иисуса, апельсин— символ вечной праведности Господа, а слива — символ верности.

— Одна из интерпретаций полотна связана с символическим изображением пяти чувств: цветы — обоняние, плоды — вкус, ноты — зрение, музыка — слух, а нарочитая тяжесть и трехмерность предметов на картине намекает на возможность их осязания.

Комментарии

5 величайших художников барокко и их работы — DailyArtMagazine.com

Рубенс, Караваджо, Веласкес, Рембрандт и Пуссен — это имена 5 величайших художников эпохи барокко 16-17 веков, периода, в течение которого спектр индивидуалистических стилей стал характеризовать искусство.

Караваджо — Вакх

Мало кто знает, что Микеланджело Караваджо, один из самых влиятельных художников эпохи барокко, при жизни был известен своим агрессивным поведением.Итальянский художник, ведущий реформатор европейского искусства XVI и XVII веков, якобы не раз в жизни совершал преступления. В возрасте 38 лет он умер при загадочных обстоятельствах в Порто Эрколе в Тоскане.

Вакх, Караваджо, 1595, Музей-галерея Уффици, Флоренция

Картина «Вакх» была написана во время пребывания Караваджо в 1595 году со своим первым покровителем, кардиналом дель Монте, и представляет собой интерпретацию Караваджо натурализма.

Рембрандт — Автопортрет с двумя кругами

Рембрандт ван Рейн, выдающийся голландский художник, родился в 1606 году на территории современной Голландии, и хотя он никогда не выезжал за границу, его работы были вдохновлены иностранными влияниями.Когда большинство людей думают о самых выдающихся художниках эпохи барокко и Золотом веке Голландии, почти всегда на ум приходит Рембрандт. Это потому, что его работа была действительно значимой. Огюст Роден однажды сказал: «Сравните меня с Рембрандтом? Какое кощунство! С Рембрандтом, колоссом искусства! Мы должны пасть ниц перед Рембрандтом и никогда никого не сравнивать с ним! »

Автопортрет с двумя кругами, Рембрандт, 1665–1668, Кенвуд Хаус, Лондон

«Автопортрет с двумя кругами» — это мистическое произведение, написанное в последние годы жизни Рембрандта и одно из его многочисленных автопортретов.

Питер Пауль Рубенс — Сад любви

Питер Пауль Рубенс, еще один из 5 величайших художников эпохи барокко, известный как «принц художников и художник принцев», был ярким фламандским великим мастером искусства, родившимся в 1577. На его работы сильно повлияли исторические и мифологические идеалы, а его уникальный стиль живописи стал ассоциироваться с Контрреформацией.

Сад любви, Питер Пауль Рубенс, 1630–1631, Музей Прадо, Мадрид

«Сад любви» был символом любви для его второй жены, молодой и красивой Хелены Фурман.На картине изображена сцена флирта в утопическом саду, наполненном элементами эпохи Возрождения.

Диего Веласкес — Венера-дель-Эспехо, «Рокби-Венера»

Один из 5 величайших художников эпохи барокко, упомянутых в моей статье, — Диего Веласкес, олицетворяющий золотой век Испании. Он также был одним из лучших портретистов своего времени. Веласкес был знаком с итальянским искусством; поэтому его вдохновение изначально исходило от таких художников, как Рафаэль и Микеланджело. Позже его работы вдохновляли реалистов и импрессионистов.

Рокби-Венера, Диего Веласкес, 1647–1651, Национальная галерея, Лондон

Католическая церковь подвергала резкой критике «Рокеби-Венера», однако это единственное сохранившееся полотно Веласкеса, изображающее обнаженную натуру.

Николя Пуссен — Пейзаж со спокойствием

Этот художник эпохи классического барокко, основатель французской классической традиции, часто описывается как воплощающий противоположные черты Караваджо, и в этом есть доля правды.Его картины были спокойными, логичными и в то же время проникнутыми философскими размышлениями. Работы Пуссена оказали огромное влияние на историю искусства и вдохновили многих более поздних художников, таких как Пабло Пикассо или Поль Сезанн.

Пейзаж со спокойствием, Пуссен, 1650–1651, Музей Гетти, Лос-Анджелес

«Пейзаж со спокойствием» — это образ безмолвного спокойствия. Картина не рассказывает нам историю, а пробуждает наше воображение.

Если вы находите радость и вдохновение в наших историях, ПОЖАЛУЙСТА, ПОДДЕРЖИТЕ
DailyArt Magazine скромным пожертвованием.Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.

Искусство барокко: что нужно знать

Сообщение от Сотрудник ARTEZA

У всех нас есть возможность творить, и мы хотим предоставить инструменты и принадлежности для искусства, чтобы подпитывать ваше самовыражение.

Содержание:

Познакомьтесь с величием искусства барокко

Ищете ли вы вдохновение или просто интересуетесь историей искусства, художникам важно изучить работы великих мастеров прошлого и увидеть, как искусство эволюционировало на протяжении веков. Знаменитое прошлое искусства изменилось, от наскального искусства до современных произведений, в соответствии со временем.По мере появления каждой новой волны искусства в ней всегда есть элемент, извлеченный из произведений, которые были созданы ранее. Один из периодов перемен в искусстве случился в 17 веке. Это время получило название периода барокко. До этого периода художественные правила были очень строгими, суровыми и определялись академиками того времени. Во время католической Контрреформации церковь взяла на себя художественное руководство и подтолкнула эпоху величия и драмы в искусстве и архитектуре, которая должна была понравиться массам.

В этой статье мы рассмотрим стиль барокко. Мы надеемся, что глядя в прошлое, вы вдохновитесь на создание произведений искусства в будущем.

Что такое живопись в стиле барокко?

Католическая церковь хотела сделать библейские истории легкодоступными для широкой публики в надежде на их обращение, поэтому было важно, чтобы эти картины были динамичными и полны чрезмерных изображений. Они хотели, чтобы изображения и сцены вызывали эмоциональный отклик у зрителя. Художники того времени начали раздвигать границы приемлемого искусства и начали включать грандиозную среду, чувственных и драматических персонажей, которые изображались как чрезмерно эмоциональные, и сложные композиции, полные роскоши и богатства цвета.Из-за необычности этих картин по сравнению с их более простыми и ручными предшественниками они стали называться барокко. Этот термин произошел от португальского слова barroco, означающего «жемчужина необычной формы». Со временем термин барокко стал обозначать все, что можно было считать причудливым, или что-то, что оставляло за собой традиционные пропорции и правила.

Это движение не заставило себя долго ждать, чтобы путешествовать по Европе, включая Германию, Голландию и Испанию. К 18 веку он стал особенно популярным во Франции.

Взгляд на живопись в стиле барокко

Прогуливаясь по музею, вы заметите характерные черты барокко, которые отличают этот художественный стиль от других. Эти качества помогут вам идентифицировать произведение искусства в стиле барокко:

• Рассказывание историй — главы католической церкви поручили художникам пересказывать важные библейские истории; поэтому картины в стиле барокко всегда рассказывают историю или посылают сообщение зрителю. Вот почему так важно отойти в сторону и рассмотреть эти картины целиком.Это позволит вам увидеть состав персонажей и ситуацию, в которой они находятся, и узнать, что они пытаются сказать.
• Интенсивная драма — Эти картины должны были вызвать у зрителей сильные эмоции. Это была эпоха отсутствия телешоу или фильмов, поэтому картины должны были быть достаточно интересными, чтобы вовлечь зрителя в действие. Они используют все приемы из книги, включая резкие контрасты, детали, движения и элементы неожиданности. Чем больше драматизма было в картине, тем больше у зрителя был трепет и тем дольше он оставался сосредоточенным на искусстве.
• Насыщенные, глубокие цвета — эти картины создают ощущение пышности отчасти из-за используемых глубоких теплых оттенков, практики размещения контрастных цветов рядом друг с другом, чтобы создать больше энергии в изделии, и добавления золотых акцентов. Все цветовые решения объединены, чтобы создать изделие, излучающее исключительное великолепие и грандиозность.
• Сильное использование контраста — часто встречаются персонажи, нарисованные светлой кожей, на фоне более темного фона. Это заставляет зрителя сосредоточиться на персонажах и помочь им увидеть историю внутри.Также виден контраст в освещении, где яркий луч света и темные загадочные тени показаны в рамках одной работы.
• Использование светотени — эта техника использовалась во всем искусстве барокко и стала одной из основных характеристик, в которых теперь определяется стиль. Светотень — это использование контрастных светлых и темных оттенков, которые могут повлиять на всю композицию. В искусстве барокко он обычно используется для драматизации тускло освещенной сцены.

Художники барокко и их шедевры

Хотя сюжет или стиль картины могут быть разными, художники эпохи барокко были визуальными драматургами своего времени.Их сцены часто были наполнены действием самых трогательных библейских историй и мифологических сказок. Давайте посмотрим на некоторых из этих известных художников эпохи барокко и их работы.

Рубенс — Питер Пауль Рубенс был художником, который считается самым важным фламандским художником в стиле барокко всех времен. Его динамичные и изобретательные сцены основаны на рассказах из Библии и мифологии. Широко используемый термин для описания крепкой женщины — «рубеновский» из-за сладострастной природы женских персонажей, которых он изображал в своем искусстве.

Караваджо — Ведущий художник эпохи барокко в Италии в начале 17 века, Микеланджело Меризи да Караваджо (иногда называемый вторым Микеланджело) наиболее известен своими тревожными и очень реалистичными крупномасштабными картинами. Караваджо был столь же драматичен, как и его работа, часто взрываясь яростной яростью, которая в конечном итоге приводила к его убийству.

Вот его работа под названием «Погребение Христа». Обратите внимание на высокий контраст между бледной кожей Христа и темным фоном.

Веласкес — Диего Веласкес был одним из самых важных художников при королевском дворе Испании Филиппе IV. Хотя он писал исторические сцены, Веласкес наиболее известен своими портретами. Его умелое использование светотени вдохновило на работы многих художников, в том числе художников 20-го века, таких как Фрэнсис Бэкон, Сальвадор Дали и Пикассо.

Его самая известная картина, «Менины», принадлежит испанской королевской семье.

Рембрандт — Кто не слышал о Рембрандте? Рембрандт Харменс ван Рейн — голландский художник и один из величайших художников в истории искусства.Его богатая цветовая палитра и увлекательные портреты обычных людей, в том числе более 70 его самого, до сих пор вдохновляют художников и восхищают коллекционеров по всему миру. Он сочетает в себе все черты искусства барокко в своих шедеврах, изображающих библейские и исторические события.

«Ночной сторож» Рембрандта считается одним из его самых влиятельных произведений.

Пуссен — Хотя Николя Пуссен провел большую часть своей карьеры в Риме, он считается мастером французской живописи в стиле барокко.Он писал мифологические, классические и религиозные сцены для различных коллекционеров.

Его самая известная работа — Et in Arcadia ego, показанная здесь.

Vermeer — Йоханнес Вермеер был голландским художником, который рисовал в основном домашние сцены. Они показывают обычных людей, занимающихся своими повседневными делами. Вермеер был гением в захвате света, который придавал драматический эффект тому, что иначе считалось бы приземленным предметом.

Он наиболее известен своей картиной «Девушка с жемчужной сережкой».

Как видите, период барокко освободился от ограничений прошлых произведений искусства и подарил нам одни из самых захватывающих картин в истории искусства. Эти щедрые и эмоциональные работы вдохновляли поколения художников и продолжают привлекать поклонников в музеи, в которых они представлены. Мастеров барокко до сих пор с энтузиазмом изучают художники, коллекционеры и ценители искусства. Это действительно стиль для веков.

Получите учебные пособия, доставленные прямо в ваш почтовый ящик

Хотите больше такого контента?

Подпишитесь, и оно будет отправлено прямо на ваш почтовый ящик.

Живопись в стиле барокко | Основные гуманитарные науки

Введение

Сводная таблица

Краткое содержание живописи в стиле барокко

Раннее барокко ок. 1600-25	Высокое барокко ок. 1625-75	Позднее барокко ок. 1675-1725	Рококо ок. 1725-1800
реалист Барокко: Караваджо	динамическое барокко: Рубенс реалистическое барокко: Рембрандт, Веласкес классицизм: Пуссен	наследников мастеров высокого барокко	Буше

Светская живопись барокко

пейзаж	Ruisdael
жанровая картина	Vermeer
натюрморт	Шарден
портрет	Галс

Общие характеристики

Искусство барокко характеризуется динамизмом (чувство движения), которое дополняется экстравагантными эффектами (напр.г. сильные изгибы, богатая отделка, яркое освещение; см. западная эстетика). Полноценная эстетика барокко (, полное барокко, ) была воспринята в южной части Западной Европы, в то время как Северная Западная Европа пришла к компромиссу между классикой и барокко ( сдержанное барокко ). Главное исключение из этого обобщения — Фландрия, которая охватывала «полное барокко» (см. «Распространение барокко»).

Следовательно, можно было бы ожидать, что живопись в стиле барокко будет включать динамическую композицию (см. «Визуальная композиция»).Однако это не всегда так; иногда, вместо того, чтобы использовать заранее заданную эстетическую структуру (динамическую композицию), художники эпохи барокко просто составляли сцены так, как они появляются в реальном мире (или, в случае воображаемых сцен, как они правдоподобно появляются в реальном мире). Такой подход можно охарактеризовать как реалистичное барокко , в отличие от динамического барокко .

Повторяем: живопись эпохи барокко можно разделить на динамических барочных картин, (с динамической композицией) и реалистических барочных картин, (с реалистичной композицией).Первую можно рассматривать как потомок итальянской живописи эпохи Возрождения (которая сосредоточена на общей композиции), последнюю — как потомка живописи Низких стран эпохи Возрождения (которая сосредоточена на реалистичном изображении непосредственного физического мира).

Идеализм против фотореализма

Эстетика реалистического барокко идет дальше реалистичной композиции: она также отличается фотореализмом . (Только в эпоху барокко живопись достигла уровня физического реализма, который можно с полным основанием назвать «фотореалистичным».Контрастный подход — это идеализм , который преобладал в живописи эпохи Возрождения и в целом был продолжен художниками динамичного барокко .

Идеализм является логическим следствием эстетики классицизма , которая в основном сосредоточена на общем балансе и гармонии композиции (а не на мелко проработанных деталях). Хотя классическая живопись вполне реалистична, отдельные элементы и текстуры, тем не менее, часто упрощаются , поскольку они имеют второстепенное значение.Следовательно, элементы классической композиции (например, человеческие тела и лица, элементы ландшафта) приобретают аналогичный общий вид, поскольку они идеализированы (то есть, когда нерегулярные и негармоничные аспекты реального мира сглаживаются).

Повторяем: реалистическая живопись в стиле барокко включает фотореализма (уровень физического реализма, приближающийся к реальному миру), в то время как динамическая живопись в стиле барокко обычно представляет собой идеализм (в котором реальный мир упрощен до идеализированных общих черт).Первое качество происходит от живописи Нижних стран , второе — от итальянского искусства .

Фотообои на потолок Sky

Когда сцена нарисована с достаточным физическим реализмом (особенно глубиной перспективы ), это дает наблюдателям иллюзию «смотрящего через» нарисованную поверхность на сцену за ее пределами; это известно как иллюзионистская картина . Самая впечатляющая традиционная форма иллюзионистской живописи — это потолочная фреска , которая возникла в эпоху Возрождения, а затем достигла своей кульминации в эпоху барокко.Помимо неба, облаков и солнца, эти фрески, как правило, наполнены парящими фигурами и богатыми декоративными элементами, что делает их, пожалуй, самыми роскошными образцами динамичной эстетики в стиле барокко и 12

.

Основная статья

Раннее барокко

ок. 1600-25

Основоположником эстетики реалистического барокко был Караваджо, самый влиятельный художник периода раннего барокко, и художник, установивший тенебризм (яркое освещение сцены из темноты) как общую черту реалистической живописи барокко. .Учитывая его усиливающий драматизм эффект, тенебризм во многом является эффектом барокко (см. «Западная эстетика»). Влияние этого эффекта можно увидеть в «Музыкантах», одном из самых известных нерелигиозных произведений Караваджо, и в «Призыве святого Матфея», возможно, его шедевре.

Караваджо вызвал много споров своим смелым принятием реальности. В религиозных картинах, например, он столкнулся с широко распространенным противодействием его изображениям библейских фигур с реалистичными телами и чертами; это знаменует собой резкий отход от идеализма эпохи Возрождения , в котором фигуры, как правило, мускулистые и молодые, с безупречными типичными лицами.Более того, в работе Караваджо часто фигурируют бедняков и мест; «Призвание святого Матфея» , например, происходит в захудалой таверне. C87, E47, H837

Терминология нижних стран

Историческое обсуждение региона, известного как Низкие страны , может сбивать с толку из-за двусмысленной терминологии. Этот регион состоит из двух основных частей: Нидерланды (на севере) и Бельгия (на юге). Нидерланды стали независимой страной ок.1600 г., а Бельгия обрела независимость в девятнадцатом веке.

В период позднего средневековья Нидерланды были домом для ряда небольших процветающих государств с экономикой, основанной на торговле и производстве. Самым сильным из них был Фландрия , который лежал в основном на севере Бельгии. При обсуждении истории до ок. 1600 г. весь регион Низких стран часто называют «Фландрией».

Между тем, термин Нидерланды буквально означает «Нидерланды».До ок. 1600, «Нидерланды» также использовались для обозначения всего региона Низких стран.

Терминология нижних стран

	при обсуждении истории…
	до ок. 1600	ок. 1600-1800	после ок. 1800
регион Низкие страны известен как	Нижние страны, Нидерланды, Фландрия	Нижние страны
северная половина известна как		Нидерланды
южная половина известна как		Фландрия	Бельгия

Прибл.1600, северная часть Нидерландов стала независимой страной Нидерландов. Таким образом, после ок. 1600, термин Нидерланды обычно ограничивается этой страной. Термин Фландрия , однако, часто все еще применяется к южным Нидерландам до девятнадцатого века, когда была образована нация Бельгия .

Расцвет светской живописи

Наряду с Италией, самым инновационным регионом западной живописи в эпоху барокко была Нидерланды .Действительно, семнадцатый век был годом голландского золотого века , необычайным расцветом (особенно для такой маленькой страны) искусства, науки и глобальной торговой империи. Экономическое процветание породило большой средний класс со здоровым аппетитом к искусству. E52, G382, H854

На протяжении средневековья и эпохи Возрождения в западном искусстве повсеместно доминировали христианских тем (и, в меньшей степени, классическая мифология). Это господство продолжалось бы на протяжении всей эпохи барокко, если бы не Реформация года , которая обратила большую часть Европы в протестантизм.В протестантских народах религиозные и мифологические образы были категорически запрещены . Более того, протестантизм (который предписывал суровую, простую жизнь) был несовместим с богатством динамичной эстетики барокко. E46, F326

Таким образом, в странах протестантской Европы (включая Нидерланды) художники не могли зарабатывать себе на жизнь ни религиозным искусством , ни динамичным искусством барокко . С точки зрения эстетики, это привело к тому, что протестантские художники приняли реалистических барокко ; по содержанию светских, (нерелигиозных) предметов.

Золотой век Нидерландов, наконец, поднял светскую живопись на уровень , равный религиозной и мифологической живописи в Европе. Светскую живопись можно разделить на четыре основных типа: пейзаж , жанровая картина , натюрморт и портрет . Ранняя разработка всех четырех типов произошла в эпоху Возрождения .E46, F319, H854

Пейзаж можно определить как «картину, в которой окружающая среда является основным предметом; фигуры отсутствуют или второстепенны».(Морской пейзаж и городской пейзаж часто сгруппированы как особые типы ландшафта.) Натюрморт изображает коллекцию объектов (часто цветов, фруктов и / или посуды), обычно выбранных для приятного смешения цветов. и текстуры. Жанровая картина — это изображение повседневной жизни.

Самым выдающимся пейзажистом барокко был Якоб ван Рейсдал , а ведущим художником жанра барокко Ян Вермеер .Оба были голландскими художниками, чьи карьеры приходились в основном на эпоху высокого барокко. В то время как натюрморты также процветали в голландский золотой век, самым известным художником натюрморта в стиле барокко, вероятно, является французский художник Жан Шарден периода рококо.

Наконец, Золотой век Нидерландов дал начало естественным портретам , которые запечатлевают спонтанную, естественную позу и выражение лица. Этот подход постепенно появлялся на протяжении всего Возрождения, когда жесткая формальность (которая характеризует самые ранние портреты эпохи Возрождения) медленно смягчилась .Выдающимся портретистом эпохи барокко был Франс Хальс .F327, H854

.

Высокое барокко

ок. 1625–1675

Рембрандт ван Рейн, реалист в стиле барокко, часто считается величайшим из всех голландских художников. Рембрандт воспринял тенебризм , но более мягко и атмосферно, чем Караваджо. Его ведущие работы включают «Ночной дозор» (его шедевр) и «Аристотель с бюстом Гомера». E54, F335, H857,6

Диего Веласкес, еще один художник-реалист в стиле барокко, считается величайшим художником Испании.7 Его шедевр — Las Meninas («Фрейлины»), в котором представлены члены испанского двора.

Питер Пауль Рубенс, величайший художник эпохи барокко Фландрии, часто считается выдающимся художником эстетики динамического барокко (хотя он также работал в реалистическом барокко) .1 Его стиль часто описывают как живописный , что означает, что он отдавал предпочтение свободным, выразительным мазкам цвета перед четко очерченными формами. (Художник, который предпочитает четко очерченные формы, сначала нарисует эти формы, а затем аккуратно закрасит линии рисунка; это линейный стиль , живопись , противоположность живописному стилю.)

Самыми известными произведениями Рубенса могут быть два запрестольных образа: «Воздвижение креста» и «Снятие с креста». Его дар динамизма также хорошо подходил для сцен охоты .

В то время как живопись в стиле барокко процветала во Франции, многие художники предпочли продолжить стремление к классицизму . Среди них был величайший французский художник эпохи барокко Николя Пуссен, чьим шедевром является «Аркадские пастухи». Пуссен был настолько влиятельным, что вплоть до появления современного искусства его стиль (резко линейный) широко считался идеальной моделью французской живописи.E62, H865-68,4

Французский классицизм охватил не только фигурную живопись, но и пейзажей . Полученные изображения, однако, были не реалистичными, а воображаемыми классическими пейзажами , в которых ландшафт и его особенности расположены уравновешенно и гармонично. Действительно, эквивалентные работы были созданы динамичными художниками эпохи барокко: воображаемые динамичных барочных пейзажей , расположенные в динамичной, диссонансной манере, часто с неспокойной погодой и резко изогнутыми дорогами и реками.

Позднее барокко

ок. 1675-1725

Величайшие художники эпохи барокко относятся к периоду высокого барокко года и года. Различные стили и предметы живописи высокого барокко продолжали процветать в течение позднего барокко в кистях многих менее известных преемников .

Рококо

ок. 1725-1800

Последней фазой барокко был рококо , в котором были сохранены изгибы и динамизм барокко, но его тяжелая драма смягчила до легкого игривого стиля.Веселые сюжеты, светлые цвета и изящные изгибы — все это типичные черты искусства рококо. Самым культовым художником рококо является Франсуа Буше, чьи работы включают картины, керамику и гобелены; его шедевр — Рождение Венеры. C95, G378,9

1 — «Период барокко (искусство)», Британская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
2 — «Караваджо (итальянский художник): Главное», Британская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
3 — «Караваджо, Микеланджело Меризи да», Колумбийская энциклопедия.По состоянию на май 2009 г.
4 — «Искусство и архитектура барокко», Энкарта. По состоянию на май 2009 г.
5 — «Барокко в искусстве и архитектуре», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
6 — «Рембрандт Харменс ван Рейн», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
7 — «Веласкес, Диего Родригес де Сильва и», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на май 2009 г.
8 — «Rococo Style», Encarta. По состоянию на май 2009 г.
9 — «Стиль рококо (дизайн)», Британская энциклопедия. Проверено в мае 2009 г.
10 — «Живопись: живопись итальянского барокко», Энкарта.Проверено в мае 2009 г.
11 — «Живопись: живопись французского барокко», Энкарта. По состоянию на май 2009 г.
12 — «Западная живопись: барокко», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
13 — «Ле Брюн, Шарль», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
14 — «Живопись», Британская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.
16 — «Испанское искусство и архитектура», Колумбийская энциклопедия. По состоянию на июль 2009 г.

Основы искусства барокко | Искусство мужественности

Это часть II из серии, разработанной для ознакомления читателей с простыми основами некоторых из основных периодов западного искусства в надежде дать вам что-то сказать на вашем следующем свидании в музее и более глубоко оценить искусство. в целом.Первая часть посвящена основам искусства эпохи Возрождения.

Основы искусства барокко

Период времени: 1600s-1700s

Предыстория: Когда Мартин Лютер написал свои 95 тезисов в 1517 году, он положил начало движению, которое навсегда изменило мир: протестантской Реформации. Его критика католической церкви и аргументы в пользу таких вещей, как верховный авторитет Священного Писания и оправдание только верой, распространились по всей Европе через печатный станок, сделав новообращенных и основав новые протестантские деноминации.

В ответ католическая церковь начала собственное внутреннее реформирование, чтобы устранить коррупцию и четко определить свои доктрины и богословие. Эта контрреформация нашла свое самое важное выражение в Тридентском соборе, созванном папой Павлом III в 1545 году. Хотя Совет предпринял шаги по реформированию внутренних злоупотреблений, он не попытался пойти на компромисс с протестантами в вопросах доктрины; вместо этого Церковь решительно подтвердила истинность позиций, на которые напали протестанты.Это наполнило католическую веру новой энергией и уверенностью.

Но менее известным следствием Трентского совета было его влияние на искусство.

Частью реформы церкви было просвещение ее членов, помогая им больше узнать о своей вере. Это была нелегкая задача, поскольку большинство людей в то время были неграмотными. Совет Трент объявил, что искусство должно использоваться для объяснения глубоких догм веры всем, а не только образованным. Чтобы достичь этого, религиозное искусство должно было быть прямым, эмоционально убедительным и мощным, предназначенным для зажигания духовного воображения и воодушевления зрителя на большее благочестие.

Новые деноминации, такие как кальвинисты, считали, что церкви и церковные службы должны быть простыми, упрощенными делами. Но Совет утверждал, что Богу величия и силы следует поклоняться с помощью ритуалов, церемоний и церквей, соответствующих этим божественным качествам. Это утверждение красоты и грандиозности проявлений веры нашло свое отражение в искусстве барокко.

На что обратить внимание в искусстве барокко:

• Изображения прямые, очевидные и драматичные.
• Пытается привлечь зрителя к участию в сцене.
• Изображения кажутся физически и психологически реальными. Эмоционально напряженный.
• Экстравагантные декорации и украшения.
• Драматическое использование цвета.
• Драматический контраст между светом и тьмой, светом и тенью.
• В отличие от искусства эпохи Возрождения с его четко очерченными плоскостями, где каждая фигура расположена изолированно друг от друга, искусство барокко имеет непрерывное наложение фигур и элементов.
• Общие темы: грандиозные видения, экстазы и обращения, мученичество и смерть, яркий свет, напряженные психологические моменты.

Примеры:

Экстаз Святой Терезы , Джованни Лоренцо Бернини, 1652. Общей темой художников барокко был чудесный момент, когда божественное встречается с земным, священное вторгается в мирское. Святая Тереза ​​была мистической монахиней, которая записала опыт, в котором ангел спустился и пронзил ее внутренности пылающей стрелой божественной любви.Боль была сильной, но сладкой и привела ее в экстаз перед Богом. Также демонстрируется использование света в стиле барокко; деревянные лучи зрелищно спускаются вниз и освещаются окном с желтыми панелями над скульптурой.

Преобразование по дороге в Дамаск , Караваджо, 1601. Караваджо, пожалуй, мой любимый художник любого периода, и это моя любимая его картина. Изображен момент, когда Савл (который вскоре станет Павлом) переживает переживание обращения по дороге в Дамаск.Мы снова видим барочную тему божественного, внезапно вторгающегося в земную сферу. Караваджо был мастером использования тени и света, чтобы усилить драматизм и значение своих картин. Здесь Божий свет сбил Саула с лошади, и его руки вытянулись в форме воронки, чтобы принять свет. Между тем человек и лошадь, которые символизируют обычный земной мир и не обладают полным опытом, находятся в тени.

Распятие Святого Петра , Караваджо, 1601 .В отличие от идеализированных, благородных, классических человеческих форм, любимых художниками эпохи Возрождения, Караваджо предпочитал рисовать сцены и людей такими, какими их мог бы видеть глаз, включая естественные недостатки. Он не чувствовал, что картина должна быть сентиментальной, чтобы быть сильной, вместо этого полагая, что внутренняя природа сцены, красноречие, запечатленное в реальных позах фигур, были эффективными с педагогической точки зрения. Его картины были настолько реалистичными, что посетители иногда отвергали их как слишком «вульгарные». На этой картине св.Петра распинают. Он попросил повесить его на кресте вверх ногами, чтобы не подражать своему Господу. Божественный свет сияет на Петра, в то время как лица римлян скрыты тенями. Питер кажется намного тяжелее, чем можно было бы ожидать — трое мужчин изо всех сил пытаются поднять его, что символизирует тяжесть их преступления.

Четыре континента , Питер Пауль Рубенс, 1615. Питер Пауль Рубенс был ведущим художником Контрреформации и привнес энергию, чувственность и драматизм искусства барокко не только в религиозные произведения, но и в исторические произведения. и мифологические темы (а иногда и сочетание всех трех).На творчество фламандского художника повлияло как его образование в Антверпене, так и поездка в Рим, элементы, которые стали мастерским синтезом стилей Ренессанса и барокко. В Четыре континента вы можете увидеть черты барокко: яркие цвета, физичность и перекрывающиеся фигуры. Символизируя распространение католической церкви по всему миру, изображение четырех континентов в виде женщин было общей темой в искусстве Контрреформации, особенно в церквях иезуитов. Склонность Рубена к изображению женщин с мясом на костях привела к известному прилагательному «Rubenesque» для описания полных женщин.

Снятие с креста , Рембрандт, 1634. Хотя Рембрандта, пожалуй, больше всего помнят за его портреты, он также был мастером пейзажа и религиозной тематики в стиле барокко. Во всех своих картинах и офортах он стремился к «величайшему и наиболее естественному движению». В его «Снятие с креста » мы снова видим барочную подпись эмоциональной сцены, усиленной драматическим использованием света и тени. Свет сияет на теле Христа, верных женщинах, которые стояли рядом с ним, и на саване, в котором он вернется к жизни.

Мои любимые Рембрандты — это его серия «Философ», на которую я, вероятно, не должен указывать, а свет и тень блестяще используют:

Философ в медитации

Философ с открытой книгой

Философское чтение

Основы искусства Серия
Эпоха Возрождения
Период барокко
Период романтики

10 самых известных картин в стиле барокко

Картины в стиле барокко составляют одни из самых заметных произведений истории искусства, поскольку многие художники этого движения известны как одни из самых искусных художников всех времен.

Движение барокко восходит к историческому периоду XVI и XVII веков, когда католическая церковь пережила то, что многие считают возрождением художественной склонности, которая была направлена ​​на изображение некоторых из самых известных моментов христианской веры в единственном экземпляре. произведения искусства.

Вместо движений, которые были до этого, картины в стиле барокко на самом деле состоят из широкого спектра различных стилей, которые составляют то, что мы теперь видим как движение барокко в целом.

Эти картины часто характеризовались крайним уровнем драматизации определенных событий, в то же время включающим очень высокий уровень реалистичности деталей наряду с резкими контрастами между светом и тьмой.

Многие из величайших шедевров искусства барокко до сих пор считаются одними из величайших картин, когда-либо созданных. Вот 10 самых известных когда-либо написанных картин в стиле барокко.

Знаменитые картины в стиле барокко

1.

Las Meninas — Диего Веласкес

Диего Веласкес был настоящим мастером, когда дело доходило до рисования предметов таким образом, чтобы передать индивидуальность каждой фигуры, представленной в работе. Так было, по мнению искусствоведов и критиков, в его работе 1656 года под названием Las Meninas.На этой картине изображена испанская королевская семья, собравшаяся в одной из частей Королевского Алькасара в Мадриде.

Картина широко известна благодаря своим уникальным характеристикам, поскольку она изображает королевскую семью в значительной степени откровенно, поскольку многие из лиц, изображенных на картине, были хорошо известны в кругах испанской знати того времени.

На картине мы видим молодую девушку, инфанту Маргарет Терезу, дочь короля Испании Филиппа IV, которую слуги королевского двора примеряли в платье.

Веласкес также решил включить себя в работу, поскольку он изображен стоящим за холстом с кистью в руке. Сочетание этих элементов и многих других делает эту картину одной из самых известных картин в стиле барокко всех времен.

2.

Ночной дозор — Рембрандт ван Рейн

Рембрандт ван Рейн считается одним из самых известных художников эпохи барокко в истории. Его работа под названием «Ночной дозор» была написана в 1642 году и представляет собой напряженный момент, когда капитан Франс Баннинк Кок ведет своих голландских солдат через город во время военной кампании.

Работа изначально была заказана самим капитаном Баннинком Коком и была предназначена в память о его доблестных солдатах, добившихся успеха в сражениях середины 17 века.

Картина известна своими огромными размерами, а также высоким уровнем света и тьмы, которые используются для изображения напряженных моментов солдат, осторожно марширующих по улицам, всегда готовых к битве.

Эта работа считается одной из величайших картин Золотого века Голландии и считается одной из самых известных картин Рембрандта за всю его карьеру.

3.

Аллегория войны — Ян Брейгель Младший

Тридцатилетняя война в Европе была временем, когда различные военные сражения опустошали города по всему континенту, унеся жизни более 8 миллионов человек, по мнению большинства историков.

Ян Брейгель Младший написал то, что сегодня многие считают одной из самых известных картин в стиле барокко, когда-либо созданных в его работе, известной как «Аллегория войны».

Эта картина была создана в 1640-х годах, ближе к концу долгой войны, и многие гражданские лица Европы давно устали от постоянной смерти и разрушения, вызванных ужасным конфликтом.

Холст усыпан ружьями, мечами и черепами, которые, несомненно, призваны символизировать крайний уровень смерти и разрушения, которые война принесла людям Европы в то время.

Животные, изображенные на картине, все определенные животные, представляющие символы зодиака, как полагают, несут значение, связанное с тем фактом, что война была ответственна за уничтожение всего и вся на своем пути.

4.

Похищение сабинянок — Николя Пуссен

Не все самые известные картины в стиле барокко изображали религиозные события или текущие события.Работа Николя Пуссена «Похищение сабинянок» была посвящена истории предмета из известной римской мифологической сказки того времени.

Она была создана в 1634 году и широко известна высоким драматизмом и яркими красками всей картины.

Работа Пуссена изображает историю о сабинянках, приглашенных на фестиваль, где римские мужчины намеревались насильно взять женщин в жены.

На картине изображен тот самый момент в римской истории, когда вождь нации Ромул дал сигнал забрать женщин, подняв свой плащ.

5.

Зов святого Матфея — Караваджо

Караваджо был известен на протяжении всей истории искусства как один из самых искусных художников, работавших в темноте и свете, с которыми другие просто не могли сравниться.

Его работа «Призвание святого Матфея» была одной из таких работ, которая иллюстрирует его невероятное мастерство над резкими контрастами света и тьмы.

Написанные в 1600 году работы Караваджо изображают тот самый момент, когда Иисус Христос поманил своего будущего апостола покинуть стол сбора налогов и последовать за ним в долгом пути к истине и открытию воли Бога для всего человечества.

Тематика работы является одной из причин, почему многие считают эту картину одной из самых известных картин в стиле барокко всех времен, но это также связано с исключительным вниманием Караваджо к деталям во всех аспектах работы.

6.

Воспитание принцессы — Питер Пауль Рубенс

Питер Пауль Рубенс был известен как знаменитый фламандский художник, который сосредоточился на различных сценах религиозных или мифологических историй, которые были хорошо известны людям его день.

Его работа «Воспитание принцессы» была создана где-то между 1622 и 1625 годами и известна как один из величайших шедевров барокко, когда-либо созданных.

На картине изображена Мария Медичи, которой в поисках мудрости и знаний помогают три мифологических бога: Аполлон, Гермес и Афина.

Считается, что эти три бога наставили ее в наиболее важных аспектах ее обязанностей как королевы и преподали ей уроки, которые имели первостепенное значение для ее правления.

7.

Вход животных в Ноев ковчег — Ян Брейгель Старейшина

Многие из наиболее известных художников эпохи барокко были известны своим пристальным вниманием к деталям, когда дело доходило до рисования различных сцен из мифологии или мифологии. религиозные рассказы и традиции.

Ян Брейгель Старший получил признание за свои усилия в одной картине, известной как «Вход животных в Ноев ковчег».

Эта работа была написана в 1613 году и представляет невероятную историю Ноя, ведущего всех животных мира на массивный Ковчег, который был построен, чтобы вместить их, пока гнев Божий не утихнет по всему миру и воды потопа не утихнут.

Картина демонстрирует чрезвычайно высокое внимание к деталям каждого животного, вплоть до самой маленькой птицы.

Яна Брейгеля хвалили за его способность нарисовать такую ​​красивую сцену чудес природы, поскольку картина должна была изображать тот самый момент, когда Ной привел всех животных на ковчег.

8.

Суд Парижа — Питер Пауль Рубенс

Питер Пауль Рубенс широко известен как один из величайших мастеров художественного движения эпохи барокко.

Его серия картин, известная как «Суд Парижа», считается одним из величайших произведений эпохи барокко, поскольку в них отражены некоторые из представлений Рубена об идеальной женской форме, представленной богинями, такими как Минерва, Венера и Юнона.

Написанный в 1636 году, Рубенс использовал высокий уровень детализации во всех аспектах работы, на которой также изображены Париж и Меркурий, сидящие по другую сторону холста.

Эта конкретная сцена следует за историей, рассказанной в соответствии с «Судом богинь» Лукиана.’

Другая версия этой картины была заказана Филиппом IV братом Испании кардиналом-Инфанте Фердинандом Австрийским в 1638 году и изображает похожую сцену с некоторыми незначительными отличиями. Тем не менее, эта картина широко признана одной из самых известных картин в стиле барокко в истории.

9.

Битва амазонок — Питер Пауль Рубенс и Ян Брейгель Старший

Два самых легендарных художника эпохи барокко в истории, Питер Пауль Рубенс и Ян Брейгель Старший, объединили свои усилия, чтобы создать один из самые известные шедевры эпохи барокко, получившие название «Битва амазонок».

Хотя эта работа была воспроизведена другими художниками, именно эти двое действительно выявили ее, написав знаменитую работу в 1598 году. Битва амазонок. Рубен был известен тем, что копировал некоторые из величайших итальянских произведений всех времен, но при этом вкладывал в каждую из них свой особый талант.

Эта работа признана одной из его самых ранних и наиболее заметных картин, которая рассматривается как дань уважения самому Леонардо и его знаменитому стилю картин, который Рубен и Ян Брейгель пытались имитировать в своих картинах.

10.

Пейзаж со спокойствием — Николя Пуссен

Хотя Николя Пуссен уже был отмечен в нашем списке художников, создавших одни из самых известных произведений в стиле барокко в истории, это будет медвежьей услугой эпохе не говоря уже о его картине, известной как «Пейзаж со штилем».

Пуссен был известен как искусный художник-пейзажист, и это считается самым известным в его карьере.

Написанная в 1650 или 1651 годах, эта работа представляет собой обширный пейзаж, изображающий массивное строение в далекой сельской местности.На дальнем фоне работы видна гигантская гора, в то время как овцы и домашний скот медленно пробираются через край спокойного озера, которое видно на переднем плане.

Работа признана Пуссеном за выдающееся использование композиции, которая изображает несколько разных слоев, которые, кажется, все привлекают внимание зрителя к различным частям картины, чем дольше человек смотрит на холст. В то время как на переднем плане открывается прекрасный вид на озеро и совершенно спокойный вид, зритель заметит грозовые тучи, образующиеся вдалеке у вершины горы.

Особая техника живописи в стиле барокко

Вы когда-нибудь спрашивали себя, почему художники рисуют прямо на белом холсте? Ответ кроется в недалеком прошлом. Часто знаменитые импрессионисты (работавшие в 19 веке) предпочитали белые холсты, потому что им казалось, что цвета выглядят ярче, когда они рисуются на белой поверхности.

Импрессионисты также работали на открытом воздухе, пытаясь запечатлеть мимолетные моменты света. По этой причине они не строили свои картины слоями, а вместо этого пытались поместить «правильный» цвет в «правильное» место с каждым штрихом.

Взгляните на картину импрессионистов ниже и обратите внимание, как светлый холст влияет на полученное изображение…

Isaac Israels. «Мальчик на пляже» Холст, масло — XIX век

Изображение взято с Wikimedia Commons

Однако до импрессионистов большинство художников подходили к живописи совершенно иначе. Они работали в студии и часто использовали цвет только после завершения полностью отрендеренного монохроматического слоя краски, называемого подмалевком. Такой подход к живописи часто называют «непрямым» рисунком.

См. Также: Непрямая окраска акриловыми красками

У импрессионистов, конечно, не было времени на подмалевок, поскольку они мчались против меняющегося света вечно движущегося солнца.

Однако в истории живописи был замечательный период, когда художники не работали ни над подмалевком, ни над белыми полотнами, — период барокко.

Живопись эпохи барокко

В период барокко большинство художников использовали полотна или панно, окрашенные в темно-коричневый и даже черный цвет.Работа с темным базовым слоем дает несколько больших преимуществ, которые невозможно воспроизвести, работая на светлом фоне.

Самым большим преимуществом работы на темном холсте является экономия усилий. Все тени уже есть. Художнику просто нужно сосредоточиться на значениях света. Этот подход к рисованию очень похож на работу с черной поверхностью для рисования с использованием белого материала для рисования.

См. Также: Рисунок белым материалом на черной бумаге

Тени либо игнорируются, либо завершаются с использованием техники, называемой «scumbling».Скрабирование — это техника рисования, при которой тонкая полупрозрачная краска энергично втирается в холст, позволяя просвечивать часть нижнего слоя.

Готовая картина в стиле барокко кажется скульптурной, потому что светлые области выделяются рельефом по сравнению с чрезвычайно тонким нанесением краски в тени.

Поскольку тени создаются путем оптического смешения полупрозрачных цветов на темной, тусклой поверхности, тени никогда не бывают такими красочными.Если вы предпочитаете более яркие картины в высоком ключе, эта характеристика живописи в стиле барокко будет недостатком. Однако из-за того, что тени такие тусклые, свет кажется более ярким по контрасту.

Прежде чем перейти к процессу создания живописи в стиле барокко, стоит взглянуть на несколько примечательных примеров, выполненных одними из самых известных художников всех времен.

Рембрандт

Посмотрите на изображение ниже. Это менее известная работа Рембрандта под названием «Философ в медитации », но это прекрасный пример того, как художники эпохи барокко позволили темному холсту работать в свою пользу.

Рассмотрим лестницу. Как лестница исчезает в темноте, исчезает и краска Рембрандта.

Он просто протер меньшее количество того же коричневого цвета от нижней части лестницы к середине, позволяя нижнему слою черного затемнить ценность каждой ступени. Многие из маленьких теней между соседними досками — это просто просвечивающий черный нижний слой. По мере того, как Рембрандт работал над самыми светлыми оттенками, он наносил краску более густо.

Питер Пауль Рубенс

Питер Пауль Рубенс наиболее известен своими большими вращающимися композициями, в которых изображены многочисленные люди и дикие звери. Однако на картине Святого Петра (ниже) мы можем оценить, как он использовал темный холст, чтобы создать сильную тень на голове и одежде Святого Петра.

Между волосами в тени и лицом есть полный промежуток. Удачно расположенные пряди волос плавают в пространстве, позволяя воображению зрителя заполнить пробел.

Диего Веласкес

Пожалуй, величайшим художником эпохи барокко (на мой взгляд) был Диего Веласкес.Он был плодовитым придворным художником, служившим Филиппу IV, королю Испании и Португалии.

Следующая картина показывает, насколько эффективно Веласкес использовал темный холст разными способами. На этой картине под названием La Aguador de Seville или The Water Carrier of Seville, Веласкес мастерски запечатлел на темном холсте прозрачное стекло, трех человек с разной интенсивностью света и глиняные сосуды.

Посмотрите на стакан, который держат старик и мальчик.Красиво нарисованный, Веласкес действительно использовал очень мало краски.

Чрезвычайно небольшое количество белого было налетено от краев стекла к центру стекла. Разъединенные точки внизу и сильные блики по краю дают нам представление о деталях с минимальной работой со стороны художника. Экономия мазков Веласкеса — свидетельство его мастерства в живописи — все, что нужно, и ничего более.

Теперь посмотрите на человека в центре — тот, кто пьет воду, позади двух других фигур.Его голова была раскрашена только одним цветом. Краска самая тонкая там, где значения самые темные.

Его волосы совсем не окрашены, но на это указывает растрепанный фон вокруг его головы — простой, но эффективный.

Мужчина справа, водонос, изображен на рисунке ниже. Его мясистое, измученное временем лицо — отличный пример того, как рисование на черном холсте может сэкономить время и энергию.

Фактически, копия этой головы, показанная ниже поэтапно, является результатом всего лишь одного сеанса рисования.На этом давайте пройдемся по этапам рисования такой головы.

Этапы барочной живописи — пример

Следуйте или примените концепцию «следовать» к более личному для вас предмету.

Шаг первый. Набросайте объект на черной или темной поверхности

Карандашом или слабыми следами краски нарисуйте как минимум несколько жестких краев объекта. Поскольку пример является копией, я просто использовал метод переноса графита, чтобы перенести некоторые линии на холст, подготовленный черной акриловой краской.

Шаг второй — Уровни облегчения

Теперь, используя масляную краску, смешайте несколько оттенков света, используя цвета, которые классифицируются как непрозрачные или полупрозрачные.

Все пигменты масляных красок делятся на непрозрачные, полупрозрачные и прозрачные. Прозрачные пигменты идеально подходят для глазурования (техника, не описанная в этой статье), но их следует избегать при обмывке. При смешивании красок обязательно используйте титановый белила.

Титановый белый не был доступен художникам эпохи барокко, но это самый непрозрачный пигмент из всех и лучший выбор, доступный сегодня художникам.(Не забудьте смешать белый цвет с цветом — чистый белый будет выглядеть неестественно.)

Шаг третий — Разделите свет и тьму

Используя всего один или два цвета, отделите свет от темного, сначала очистив (протирая) светлые значения с помощью очень небольшого количества краски на кисти.

Можно начать с нанесения краски на кисть с жесткой щетиной, а затем вытереть ее тряпкой или бумажным полотенцем перед нанесением того, что осталось в кисти, на холст.Если краска полностью покрывает нижний слой черного цвета, значит нанесено слишком много краски.

Используйте ластик Pink Pearl (да, вы можете стереть тонкие слои масляной краски), чтобы вырезать морщинки на коже и точно сформировать тени вокруг глаз.

Шаг четвертый — Добавьте сложности к плоти

Смешайте еще несколько оттенков мясистого цвета и начните рисовать прямо и непрозрачно в областях, на которые попадает только свет. Будьте осторожны с переходами от оттенков к оттенкам.При необходимости протрите краску в этих областях тряпкой, делая переход не только от светлого к темному, но и от более густого к более тонкому.

См. Также: Как нарисовать портрет маслом

Шаг пятый — При необходимости примените более темные значения

Хотя это и не используется в этом примере, не стесняйтесь наносить также темные цветные метки. Присмотревшись к судну, построенному из змеевиков на дне модели Веласкеса The Water Carrier of Seville , можно заметить, что некоторые тени между змеевиками создаются за счет того, что сквозь них просматривается фон, в то время как другие темные акценты окрашены поверх . цвет сосуда.

Заключение

В своем собственном путешествии по живописи вы можете выбрать работу с черными холстами, как художники эпохи барокко, или просто позаимствовать их, когда это будет наиболее подходящим. Мы всегда можем поучиться у мастеров, которые были до нас, и применить их отточенные техники к нашим картинам.

Южное барокко: Италия и Испания

Лекции по европейскому искусству семнадцатого века обычно проходят после занятий по эпохе Возрождения в Италии и на Севере.На этом этапе хронологического исследования истории искусства студенты узнают о ряде ключевых идей и тем, таких как возобновление интереса к греческому и римскому гуманизму и натурализму, пересечение искусства и науки в эпоху Возрождения, движения за религиозные реформы. это изменило европейскую культуру и возникший глобализм, который связал Европу, Африку, Азию и Америку. Эти темы создают интересные контрасты и преемственность с барокко.

Этот урок можно начать с краткого исторического обзора, чтобы представить контекст искусства семнадцатого века.Другой способ начать обсуждение в классе — сравнить произведения эпохи Возрождения и барокко, такие как «Тайная вечеря » Леонардо да Винчи и «Зов святого Матфея » Караваджо. Чтобы учащиеся критически оценили это сравнение, дайте им лист, в котором перечислены сходства и различия. Студенты могут работать в парах, чтобы поделиться своими идеями и подготовиться к сегодняшней лекции и / или обсуждению в классе. Затем можно попросить группы студентов добровольно поделиться своими ответами.Среди вопросов, которые могут стать рамками лекции или обсуждения в классе, следующие: «Основываясь на этих двух изображениях, чем живопись барокко отличается от живописи эпохи Возрождения?» или «Как искусство барокко связано с искусством Возрождения?» Вступительное обсуждение может помочь учащимся рассмотреть концепции и элементы (например, светотень, жесты и т. Д.), Которые они уже выучили в классе, чтобы понять их варианты в искусстве барокко (т. Е. Тенебризм, крайние эмоции и т. Д.).

Есть много отличных ресурсов для изучения искусства Италии и Испании семнадцатого века.Материалы для чтения могут включать соответствующие главы из любого из основных учебников по исследованиям, таких как Gardner, Janson и Stokstad. Некоторые из текстов обзоров, относящихся к конкретному периоду, содержат полезные сегменты для преподавателей, которые хотят получить больше информации об искусстве семнадцатого века:

• Роберт Нойман, Искусство барокко и рококо (Пирсон, 2013).
• Энн Сазерленд Харрис, Искусство и архитектура семнадцатого века , 2-е изд. (Пирсон, 2008).

Краткие отрывки из основных трактатов об искусстве итальянского и испанского барокко в книге Роберта Энггасса и Джонатана Брауна « Итальянское и испанское искусство, 1600-1700: источники и документы» могут быть назначены для ознакомления студентов с первоисточниками по таким крупным художникам, как Караваджо и Веласкес.Всю книгу можно найти в Интернете здесь.

Текущее научное онлайн-руководство по исследованиям, содержащее дополнительные ссылки, см. В книге Энн Х. Мураока «Барокко» в Oxford Bibliographies .

Интернет-ресурсы включают в себя записи о Хейльбруннской хронологии истории искусств, поддерживаемой Метрополитен-музеем, а также Smarthistory. Музей Метрополитен также имеет открытый доступ к некоторым из их публикаций. Например, книга Кейта Кристенсена «Переход к барокко: привлечение мастеров 17 века в метрополитен», The Metropolitan Museum of Art Bulletin , v.62, нет. 3 (зима 2005 г.).

Онлайн-программа AHTR также предлагает хорошие рекомендуемые чтения.

Если библиотека вашего учебного заведения подписана на «Фильмы по запросу», вы можете рассмотреть возможность потоковой передачи некоторых клипов или полнометражных фильмов, посвященных искусству и архитектуре барокко. К знаменитой серии Саймона Шамы «Сила искусства» (2006) можно получить доступ целиком, а также к ее фрагментам, посвященным искусству Караваджо и Бернини.

.