Известные представители классицизма в музыке: Классическая эпоха в музыке — классицизм

Содержание

Классицизм

В восемнадцатом столетии начинается новый этап развития общественного сознания – Эпоха Просвещения. Разрушается старый общественный порядок; первостепенное значение приобретают идеи уважения человеческого достоинства, свободы и счастья; личность обретает независимость и зрелость, использует свой разум и критическое мышление. На смену идеалам эпохи Барокко с ее пышностью, высокопарностью и торжественностью приходит новый стиль жизни, основанный на естественности и простоте. Наступает время идеалистических взглядов Жан-Жака Руссо, призывающего вернуться к природе, к естественной добродетели и свободе. Наряду с природой идеализируется Античность, поскольку считалось, что именно во времена Античности людям удалось воплотить все человеческие устремления. Античное искусство получает название классического, его признают образцовым, наиболее правдивым, совершенным, гармоничным и, в отличие от искусства эпохи Барокко, считают простым и понятным. В центре внимания, наряду с другими важными аспектами, находятся образование, положение простого народа в общественном устройстве, гениальность как свойство человека.


Антонио Сальери
18 августа 1750 – 7 мая 1825

Ярчайшими представителями классического периода являются композиторы Венской Классической Школы Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен. Их искусство восхищает совершенством композиторской техники, гуманистической направленностью творчества и стремлением, особенно ощутимым в музыке В. А. Моцарта, отобразить средствами музыки совершенную красоту. Само понятие Венской Классической Школы возникло вскоре после смерти Л. ван Бетховена. Классическое искусство отличает тонкое равновесие между чувствами и рассудком, формой и содержанием. Музыка Возрождения отражала дух и дыхание своей эпохи; в эпоху Барокко предметом отображения в музыке стали состояния человека; музыка эпохи Классицизма воспевает действия и поступки человека, испытываемые им эмоции и чувства, внимательный и целостный человеческий разум.

Развивается новая буржуазная музыкальная культура со свойственными ей частными салонами, концертами и оперными представлениями, открытыми для любой публики, безликой аудиторией, издательской деятельностью и музыкальной критикой.

В этой новой культуре музыканту приходится отстаивать свое положение независимого художника.

Расцвет Классицизма наступает в 80-х годах восемнадцатого столетия. В 1781 году Й. Гайдн создает несколько новаторских произведений, среди которых его Струнный Квартет ор. 33; проходит премьера оперы В.А. Моцарта «Похищение из сераля»; выходят в свет драма Ф. Шиллера «Разбойники» и «Критика чистого разума» И. Канта.

В эпоху Классицизма музыка понимается как над-национальное искусство, своего рода универсальный, понятный всем язык. Возникает новая идея о самодостаточности музыки, которая не только описывает природу, развлекает и обучает, но и способна выразить истинное человеколюбие при помощи простого и понятного метафорического языка.

Тон музыкального языка меняется с возвышенно серьезного, несколько мрачноватого, на более оптимистичный и радостный. Впервые основой музыкальной композиции становятся образная, свободная от пустой напыщенности, мелодия и драматичное контрастное развитие, получившее свое воплощение в сонатной форме, основанной на противопоставлении основных музыкальных тем.

Сонатная форма преобладает во многих сочинениях этого периода, среди которых сонаты, трио, квартеты, квинтеты, симфонии, поначалу не имевшие строгих границ с камерной музыкой, и трехчастные концерты, большей частью фортепианные и скрипичные. Развиваются новые жанры – дивертисмент, серенада и кассация.

Классическая эпоха в музыке - классицизм

Классицизм.  

Музыка в период 1750 - 1820 гг.

Термин "классическая" в музыке в основном ипользуется для определения  серьезной, художественной музыки, т.е. музыки, которая не является народной, популярной, джазом, роком и т.д. Но также есть и "классический" период в истории музыки, называемый классицизм, яркими представителями классицизма были Гайдн и Моцарт.

Классицизм начался в эпоху Просвещения - время радикальных перемен в осознании человеческих и социальных ценностей и правил поведения в обществе. Вновь появились понятия прав человека, защита этих прав и свободы вероисповедания и слова, произошел поворот к простоте и естественности, который отразился в чистом архитектурном стиле, напоминающем стиль Древней Греции и Рима - отсюда и термин "классический".


Рост свободы в обществе привел к появлению первых публичных концертов, в главных городах Европы образовываются музыкальные общества и оркестры.

Произошли коренные изменения в оркестрах, не осталось потребности в клавесине или органе как в основных музыкальных инструментах, духовые инструменты - кларнет, флейта, труба и др. напротив заняли свое место в оркестре и создали новый, особенный звук.

Новый состав оркестра привел к появлению симфонии - важнейшего типа музыки, по стандарту состоящей из трех темпов - быстрого начала, медленной середины и  быстрого окончания. Одним из первых композиторов, использовавших симфонический формат, был сын И.С.Баха -  Карл Филипп Эммануил Бах.

Вместе с новым составом оркестра появляется и струнный квартет, состоящий из двух скрипок, альта и  виолончели. Работы создаются специально для струнного квартета со своим стандартом в четыре темпа, напоминающим о симфонии.

В эту же эпоху было создано пианино или фортепиано (правильное название). Это позволило музыкантам-клавишникам исполнять музыку в различных вариациях, как мягко (piano), так и более громко (forte), в зависимости от используемых клавиш.

Наиболее важными из сольных произведений классического периода были сонаты, они создавались для любого сольного инструмента, но в первую очередь для игры на фортепиано. Как и симфонии, сонаты стали способом объединения множества различных типов инструментальной музыки в один тип.

Самыми яркими композиторами классицизма были великие австрийцы - Йозеф Гайдн и Вольфганг Амадей Моцарт. Гайдн создал фантастическую хоровую, оперную, оркестровую и инструментальную музыку, но самое большое его достижение именно симфонии, которых он написал более ста.
Моцарт - гениальнейший композитор всех времен и народов. Прожив короткую жизнь, он оставил невероятное музыкальное наследие (например, 41 симфонию). Самым большим его достижением считаются оперы, в них он показал себя и как великий музыкант и как талантливый драматург, некоторые из его самых прекрасных опер - "Дон Жуан", "Женитьба Фигаро", "Волшебная флейта".

В конце восемнадцатого столетия восходит еще одна звезда классической музыки - Людвиг Ван Бетховен, композитор, который начал сочинять музыку в классическом стиле, унаследованном от Моцарта и Гайдна, но в конечном счете перерос это и буквально расколол классический стиль, отмечая зарю новой эпохи, известной как Романтический период в музыке.

Классическая эпоха была временем, когда композиторы вводили ощущение элегантности в музыку. Эта ясная и чистая музыка, несущая покой и расслабление, на самом деле намного глубже и в ней можно обнаружить драматическое ядро, трогательные чувства и безграничный драйв.

Великие произведения Классической эпохи:

Моцарт "Реквием", "Дон Жуан", "Волшебная флейта ", Концерт для фортепиано с оркестром № 21, Концерт для кларнета 
Гайдн "Сотворение мира", Симфония № 101 "Часы", Струнный квартет oп.76 № 3 "Император" 
Глюк "Орфей и Эвредика"
Бетховен Симфония № 3 "Eroica"

text-align: justify

Музыка эпохи классицизма.

- Реферат Рефератович

Реферат по учебной дисциплине "Культурология"

на тему: "Музыка эпохи классицизма".

 

    План

1. Введение.

2. Сходства и различия в музыке с другими эпохами.

3. Музыкальные жанры эпохи классицизма.

4. Великие композиторы эпохи классицизма и их произведения.

5. Заключение.

6. Список литературы.

    1. Введение.

   Классицизм (термин, произошедший от латинского classicus, что значит «образцовый»), подобно барокко, в развитии, воплощении и достижениях оказался явлением мирового масштаба.  Это художественное течение в литературе и искусстве XVIII – начале ХIХ века являлось на тот период лидирующим, а его влияние на художественную жизнь Европы было весьма широким и продолжительным.

    Как и любому художественному направлению, классицизму присущи свои отличительные черты. В данном случае, это высокий гражданский пафос и тематика, строгое соблюдение устоявшихся правил и норм, среди которых – единство места, времени и действия, заимствованный у античных драматургов.

    Классицизм возник как результат протеста против пышности барокко, его иллюзорного взгляда на мир и обилия загадочной символики. Выдвигая свою собственную художественную концепцию, классицизм утверждает на первом месте долг личности перед государством, который важнее и выше собственных интересов. Известный учёный Ю. Б. Борев, обозначает суть классицизма как «период надежд на долг, разум и нормы», а человека эпохи классицизма как «человека долга и абсолютизма».

    Классицизм зародился во Франции в конце восемнадцатого столетия, придя на смену эпохе барокко. Искусство классицизма отразило в себе ряд специфических черт: в частности, укрепление монархии и эволюцию общественного мировоззрения, в котором произошёл переход от религиозного к светскому.

    Фундаментом классицистического искусства следует назвать культ разума. Его суть составляли такие понятия, как логика, строгая рациональность, стройность. Вновь в качестве идеала была избрана античность, поскольку ядром её эстетики являлись гармония и логика.

    Классицизм диктовал доминирование разума над чувствами, типологии над индивидуальным; строгость и уравновешенность над излишествами. Для создания художественных произведений были установлены каноны.

    Ещё одной отличительной чертой классицизма являлось подразделение жанров по категориям. Теперь одни из них считались «высокими», другие – «низкими», и соединять их было нельзя. В этом русле и развивалось все искусство.

    2. Сходства и различия в музыке с другими эпохами.

    Музыкальная культура классицизма развивалась очень интенсивно. Помимо того, что появились новые жанры и композиторы совсем иного качества, чем раньше, эпоха классицизма характеризуется таким явлением, как возникновение различных сообществ, салонов, оркестров. Становится популярным организация и проведение оперных спектаклей, концертов, являющихся открытыми для широкой публики. Музыкальной столицей Европы на этот раз становится Вена, подарившая миру трёх величайших композиторов, известных как венские классики. Это Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и Людвиг ван Бетховен. Огромную роль сыграли такие композиторы, как Ж.-Б. Люлли (основатель классицизма в музыкальном театре) и К. Глюк.

   Композиторы, принадлежащие к венской школе, отличались высоким профессионализмом, могли писать музыку в самых различных жанрах. Главной чертой музыкальной культуры эпохи классицизма можно назвать простую и совершенную форму при богатстве содержании и образности. Венские классики умели это делать блестяще.

    В эпоху классицизма все художники (независимо от вида искусства) стремились воспеть личность человека, у которого разум и логика властвуют над чувствами. Музыка классицизма – это ясность, гармония, простота, естественность, лёгкость. Её кажущаяся простота компенсируется истинной гениальностью сочинений композиторов венской школы.

   В эпоху классицизма значение творческой индивидуальности стало неоспоримым (художественные произведения не пропагандировали индивидуальность героев). Оно ещё более выросло по сравнению с другими эпохами. На примере каждого из венских классиков можно увидеть торжество неповторимой индивидуальности: Й. Гайдн, Л. ван Бетховен, В. А. Моцарт – любой из них оказывается единственным в своём роде.

    Итак, в музыке эпохи классицизма, как и в музыке предыдущих эпох, происходила борьба между  духовным и светским направлениями; как и в эпоху Ренессанса, классицизм обратился к идеалам античности.

    Новыми явились такие черты, как рационализация, разумность, упорядоченность, избавление от чрезмерности внешних украшений (присущих барокко), установление строгих канонов.

     3. Музыкальные жанры эпохи классицизма.

    В эпоху классицизма появился ряд новых музыкальных жанров. В области инструментальной области это соната, концерт и симфония. В связи с этим произошло формирование и новой музыкальной формы – сонатно-симфонической, характеризующейся многочастностью, цикличностью.

     Кратко рассмотрим каждый из них.

    Соната – жанр как сольной, так и ансамблевой музыки. Произведение, написанное в этом жанре, состоит из нескольких частей, обычно трёх (или четырёх, если в произведение включены менуэт или скерцо). Первая и последняя части сонаты, как правило, быстрые, а средняя – медленная. По нормам классицизма, сонату не могут исполнять более двух музыкантов, и данное правило, как и некоторые другие, сложившиеся в эту эпоху, действует до сих пор. 

   Концерт – жанр инструментальной или вокально-инструментальной музыки. Сочинения, написанные в этом жанре, предполагают нескольких исполнителей. Особенность жанра – противостояние солиста или небольшой части голосов остальному ансамблю посредством более яркого музыкального материала, тематического потенциала, окраски звука и т.д.

    Симфония принадлежит к жанрам инструментальной музыки, для исполнения оркестром. Произведения симфонического жанра – это многочастные произведения, в которых отражено глубокое и принципиальное мировоззрение автора. Классический вариант симфонии – это четыре части, контрастные по характеру и составляющие сонатно-симфонический цикл. Утверждение этого варианта симфонии произошло, благодаря творчеству Й. Гайдна и В. А. Моцарта.

    Необходимо заметить, что в этот период сформировались типы камерных ансамблей – трио и струнный квартет. Все эти достижения венской школы функционируют и сегодня.

    В эпоху классицизма обогащается и совершенствуется жанр оперы. Происходит выход этого жанра из кризиса, наступившего в конце эпохи барокко. Форма и содержание этого жанра претерпевают трансформации. Возникает и новый оперный жанр – комическая опера. Автором первой оперы в этом жанре был Дж. Б. Перголези («Служанка-госпожа», написанная в 1773 году). Если в серьёзной опере действовали герои античных мифов, то в комической – люди из народа, превосходящие по моральным и умственным качествам аристократов. Комическая опера тесно пересекалась с народной музыкой. Пользующейся огромной популярностью, этот жанр, тем не менее, не мог ответить всем запросам эпохи. Этот вопрос помогла решить оперная реформа, осуществлённая К. Глюком – австрийским композитором, который одним из первых ощутил кризис оперы-seria с его тенденциями к пышности, декоративности в ущерб внутреннему содержанию. Ему виделась совсем иная концепция серьёзной оперы, и он осуществил реформу в области оперного искусства.

    Такой реформаторской оперой стала его опера «Орфей и Эвридика» (1762), в которой композитор воплотил свои идеи, основной из которых была мысль о возвращении музыке её прежних функций: находится в соединении с драмой и способствовать выявлению её художественных средств и задач. Опера оказалась в центре бурных дискуссий, но последнее слово осталось за автором «Орфея и Эвридики».

    Таким образом, эпоха классицизма не только породила новые жанры, но также усовершенствовала и реанимировала старые.

    4. Великие композиторы эпохи классицизма и их произведения.

    Как уже говорилось, великой тройкой композиторов являются Й. Гайдн, В.А. Моцарт и Л. ван Бетховен. Первый из них – Йозеф Гайдн – творил свои произведения на протяжении пятидесяти лет. Он сумел преодолеть вековой рубеж, захватив и девятнадцатое столетие. Все этапы венской композиторской школы отмечены его присутствием. Творчество Й. Гайдна поражает своей активностью, энергией, гармоничностью и свежестью.

    Й. Гайдн родился в простой семье – он был сыном каретного мастера. Но он был настолько одарён музыкально, что это было невозможно не заметить в самом раннем возрасте. Поэтому с шести лет он начинает брать уроки клавесина и скрипки, петь в хоре при церкви и далее (после переезда в Вену) его берут певчим в столичной капелле. Голос Йозефа отличался удивительной красотой и чистотой, за что его очень ценили. Что же касается способностей композитора, которые также дали знать о себе очень рано, то их никто не замечал. Когда голос юноши сломался, он был вынужден покинуть капеллу.

    После этого начинается трудный период в жизни Й. Гайдна, но он делает всё, чтобы получить музыкальное образование самого высокого уровня, не теряя при этом жизнелюбия и чувства юмора. Композиторская деятельность Й. Гайдна начинается в 1759 году, когда он становится капельмейстером придворной капеллы графа И. Морцина. Именно тогда пишутся первые сочинения Й. Гайдна для инструментального состава: сонаты, квартеты, симфонии. После роспуска капеллы композитор начинает сотрудничество с князем П. Эстерхази. В его капелле Й. Гайдн выполняет множество обязанностей и всё на очень жёстких условиях: он не имел прав на свою музыку, он не мог писать для других, он не мог даже выезжать из имения магната. Этот плен длился практически тридцать лет, и только лишь великолепный оркестр, который был в распоряжении композитора, мог послужить для него утешением. Произведения Й. Гайдна, созданные в этот период, звучали именно в его исполнении. Несмотря на изоляцию, Й. Гайдн вырос в крупнейшего мастера мирового значения. Он никуда не выезжал, зато его музыка звучала в родной Австрии и других европейских странах.

    Несмотря на жизнерадостный характер Й. Гайдна, многие из его сочинений отмечены драматическим звучанием, что объяснялось зависимым, почти рабским положением автора. Таковы его симфонии с красноречивыми названиями: «Страдание», «Траурная», «Прощальная». В симфонических циклах («Лондонские» и «Парижские» симфонии) композитором были установлены законы данного жанра.

    Смерть князя освободила композитора от унизительных и рабских условий, и Гайдн получил возможность посетить, наконец, другие страны. Это была новая, свежая струя в его жизни. Тогда и были написаны вышеупомянутые симфонии – «Парижские» и «Лондонские», которые свидетельствовали о том, что для композитора открылись совершенно иные возможности. 

     В Лондоне на Й. Гайдна огромное впечатление произвела музыка Ф. Генделя, и под её воздействием он создал свои оратории светского характера – «Времена года» и «Сотворение мира», в которых лучше всего выражаются идеалы эпохи классицизма.

    Остаток жизни Й. Гайдна прошёл в Вене и в Гумпендорфе – местечке в окрестностях столицы. До конца своих дней композитор продолжал свою деятельность, результатом чего явилось огромное наследие – более тысячи сочинений.

   Музыка Вольфганга Амадея Моцарта – это воплощение совершенства, гармонии, творческой индивидуальности; это кульминация красоты в музыке (П.И. Чайковский). В.А. Моцарт появился на свет в музыкальной семье и уже в четыре года проявил выдающиеся способности. Он в самое короткое время научился играть на скрипке, клавире и органе, а также писал музыку. Отец юного дарования – придворного музыканта – быстро понял, что его сын превосходит всех остальных, а потому приложил все усилия к развитию его таланта. Скоро маленький Вольфганг, обретший славу «чудо-ребёнка», начал гастролировать по Европе вместе с отцом и сестрой, которая также было немало одарена.

    Поездки оказались очень плодотворными для Вольфганга: это постижение тонкостей всех существующих жанров, знакомство с Иоганном Кристианом Бахом (сыном великого композитора). Всё это заставляет мальчика пробовать себя в этих жанрах и более чем успешно.

    В юношеском возрасте В.А. Моцарт теряет к себе интерес покровителей. Он возвращается в Зальцбург, где он снова стал исполнять обязанности концертмейстера, где он на заказ писал духовную и развлекательную музыку. Однако и в этот период он сумел создать ряд шедевров: «Маленькая ночная серенада», сонаты (скрипичные и клавирные), концерты для скрипки с оркестром, Симфония соль-минор (ор. 25). Важное значение для творчества В.А. Моцарта имеет опера-seria «Идоменей, царь Критский», которая продемонстрировала факт состоявшейся личности её создателя (Мюнхенский период творчества).

    В Венский период творчества В.А. Моцарт написал  такие шедевры в области оперного искусства, как «Свадьба Фигаро» и «Дон-Жуан». Далее, постигая музыку своих великих предшественников – И.С. Баха и Г.Ф. Генделя, Моцарт поднимается на ещё более высокую ступень мастерства, показателем которой становятся «Фантазия и соната до-минор». Далее следует Пражский период творчества, когда В.А. Моцарт пишет великолепные и разнохарактерные произведения: опера «Милосердие Тита», «Пражская симфония» ре мажор;  симфонии, ставшие одним из решающих шагов к установлению симфонизма в музыке.

   Завершился жизненный и творческий путь В.А. Моцарта двумя сочинениями, которые находятся на высочайшем уровне композиторского мастерства по всем параметрам. Это опера «Волшебная флейта» и «Реквием», противоположные по своему смыслу характера. «Волшебную флейту» можно назвать торжеством оптимистического восприятия жизни, солнечного света, разума. «Реквием» – это скорбь, мрачность и величие. Произведение это не было дописано, а сам факт его появления – повод для детективного расследования (таинственный заказчик в чёрном). Не менее загадочны обстоятельства смерти В.А. Моцарта в 1791 году на пике жизни – в тридцать пять лет.

    Людвиг ван Бетховен родился в Бонне – в период, когда слава «чудо-ребёнка» Вольфганга Моцарта уже гремела в полную силу. Отец Людвига, как и в случае с В.А. Моцартом, тоже служил при дворе в должности тенориста капеллы. Иоганн ван Бетховен жаждал для своего сына аналогичной славы, но этому проекту не дано было осуществиться. Хотя, как и Моцарт, маленький Людвиг очень рано проявил тяготение к композиторству. С тринадцати лет он начал работать – как помощник органиста, далее – как концертмейстер в театре. Через какое-то время Л. ван Бетховен отправился в Вену, где произошло его знакомство с В.А. Моцартом, который предсказал для него великое будущее. Вернувшись в Бонн, композитор создал большое количество произведений, среди которых выделяются концерты для фортепиано. Это был прорыв в фортепианной музыке.

    Если же говорить в целом, то концерты Бетховена имеют особое значение в истории музыки, поскольку в них намечаются новые черты, не свойственные этому жанру, например, тенденция к симфонизму. Продолжая традиции Моцарта в этом отношении, Бетховен укрупняет свой замысел; его концерты не столь изящны, как произведения великого предшественника. В них чувствуется монументальность, монолитность, которые и далее станут отличительными чертами творчества.

    Период создания концертов был омрачён болезнью Л. ван Бетховена – внезапно появившейся и прогрессирующей глухотой. Будучи блестящим пианистом, он не смог в дальнейшем сам исполнять свои концерты. Это обстоятельство в какой-то мере объясняет тот драматический опечаток, который носят произведения композитора в этом жанре.

    Когда Бетховен приступил к созданию своего первого концерта, уже приближалась эпоха завершения классицизма. Людвиг ван Бетховен выступил в роли предвестника новой музыки XIX века. Его творчество оказалось наиболее новаторским; его музыка буквально возвышалась над всем музыкальным наследием Европы. Бетховенские сочинения предвосхищали музыкальные находки XIX века. Любые жанры, за которые брался Бетховен, начиная от сонаты и заканчивая симфонией, демонстрируют всё своеобразие его авторского стиля, заключающегося в монументальности, выстроенной и продуманной форме, рациональным мышлением, ясностью, равновесием между всеми частями. Все эти признаки, с одной стороны, присущи классицизму. Это и неудивительно, ведь новаторство Бетховена-композитора тесно связано с традициями, прежде всего, с венской классической музыкальной школы, гигантами которой были Й. Гайдн и В. А. Моцарт.

    По словам Ц. Веня, «Бетховен  – последний композитор XIX века, для которого классицистская сонатность являлась наиболее естественной,  органичной  формой  мышления,  последний,  у  которого  внутренняя  логика  музыкальной  мысли  господствует  над  внешним,  чувственно-красочным началом».  Эти действительно точные слова китайского музыковеда очень верно отображают суть фортепианного творчества Бетховена, которое сочетает в себе два весьма важных качества: внешнюю эмоциональную музыкальную фразу, в которой заключён различный спектр чувств, а внутренне – чётко продуманное логическое построение.  Обращает на себя внимание и звучание концертов – мощное, монолитное, создающее подобие некоей масштабной атмосферы, подобной небесному своду.

    Но, сохраняя традиции, Бетховен находился в процессе поиска новых средств музыкального выражения. Как это верно подметила В. Дж. Конен, «ему требовались новые интонации – динамичные и беспокойные, резкие и упорные и, таким образом, звучание его музыки сделалось насыщенным, плотным, драматически контрастным».

    Действительно, на примере фортепианных концертов  Бетховена можно заметить несомненную масштабность, ясную и строгую красоту, блеск и виртуозность – и, одновременно с этим, экспрессию, порывистость, неистовство, контрастную динамику. Эти свойства составляют основу концертного жанра у Бетховена.

    Л. ван Бетховен и сам выступал как пианист, достигнув здесь высочайшего мастерства и виртуозности, занимался педагогической деятельностью. Особенной была и его натура – нелюдимый, мрачный, резкий. Ему претило любое раболепие и низкопоклонство перед сильными мира сего.

     Композитор создал немало шедевров в области камерной музыки: «Патетическая» и «Лунная» сонаты, «Аппассионата» и другие. В целом, целый ряд фортепианных и скрипичных сонат. Нельзя не отметить его ансамбли для самых разных составов.

    Революционной является симфоническая музыка Л. ван Бетховена (Первая и Вторая симфонии). Обращает на себя внимание оратория «Христос на Масленичной горе». Период глубокой депрессии из-за прогрессирующей глухоты сменяется у композитора творческим подъёмом в 1802 – 1812 гг. Переживая глубокие страдания в личной жизни, он не остаётся равнодушным и к событиям внешней жизни (Великая Французская революция, различные освободительные движения). Он, сам сумевший преодолеть мрак, на какое-то время охвативший его душу, создаёт глубочайшие по мысли, совершенные в художественном отношении произведения, которые производят на слушателей сильнейшее впечатление. Это опера «Фиделио», Третья, Четвёртая, Пятая и Шестая симфонии, «Эгмонт» (музыка к трагедии И.В. Гёте), Четвёртый и Пятый фортепианные концерты.

    В этих и других произведениях венский классицизм воплотился полноценно и совершенно с его идейными принципами добра, справедливости и разума; с его композиционными законами, подчинёнными пропорциональности и равновесию. Остальные этапы творчества Л. ван Бетховена не относятся к классицизму. Собственно, на этом можно считать завершённым и венский классицизм.

     5. Заключение.

    Итак, эпоха классицизма свершила переворот в музыке. Начавшись с преобразований в музыкальном театре (Ж.-Б. Люлли, К. Глюк), классицизм и далее начал развиваться по принципам, положенным этой эпохой: естественность, разум, правда, логика, взвешенность, рационализм. Этим же правилам следовал и К. Глюк, освободивший оперу от ненужного груза внешних эффектов. Такова была его опера «Орфей и Эвридика», явившаяся началом коренного переворота в оперном искусстве. Он уподобил оперу греческой скульптуре, сделав этот жанр благородным и уравновешенным.

    Истинный расцвет музыки этой эпохи происходит во второй половине восемнадцатого столетия, когда сложился и развился венский классицизм в лице Й. Гайдна, В. А. Моцарта и Л. ван Бетховена. В их сочинениях были совершенно и убедительно реализованы принципы классицизма.

    Эпоха классицизма способствовала появлению новых жанров. Это было время торжества концертов, сонаты и, конечно, симфоний. Сложившаяся сонатно-симфоническая форма стала классической для мирового музыкального искусства.

    6. Список литературы.

1. Вень Ц. Новаторство и стилистические особенности концертов для фортепиано Л. ван Бетховена//Бетховен. Сборник статей. – Выпуск 4 – 5. Сост. Н.Л. Фишман. М.: Музыка, 2002 г. – 407 с.

2. Друскин М.С. Фортепианные концерты Бетховена. – М.: Музгиз, 1959. – 64 с.

3. Друскин М.С.  История зарубежной музыки. – М.: Музыка, 1976. – 520 с.

4. Згорж А. Один против судьбы. Повесть о жизни Людвига ван Бетховена. – М.: Детская литература, 1973. – 319 с.

5. Исакофф С. Громкая история пианино. От Моцарта до современного джаза со всеми остановками. – М.: АСТ: COPRUS, 2014. – 480 с.

6. Кириллина Л.В. Бетховен. – М.: Молодая гвардия, 2015. – 495 с.

7. Кирнарская Д.К. Классицизм. – М.: РОСМЭН-ПРЕСС, 2004. – 110 с.

8. Конен В. Дж. История зарубежной музыки. Выпуск третий. Германия, Австрия, Италия, Франция, Польша с 1789 года до середины XIX века. Пятое издание. – М.: Музыка, 1982. – 472 с.

9. Кремнев Б.Г. Моцарт. – М.: Молодая гвардия, 1958. – 288 с.

10. Назайкинский Е.В. Стиль и жанр в музыке. — М.: ВЛАДОС, 2002. – 248 с.

11. Одер А. Музыкальные формы. – М.: Астрель: АСТ, 2004. – 192 с.

Музыкальные произведения в эпоху классицизма

Классицизм (от латинского «классикус» — «образцовый») — стиль и направление в искусстве XVII — начала XIX в., вдохновленное идеей порядка, законченности и совершенства художественного произведения. Упорядоченность, гармония, внутреннее единство целого и его частей, строгие пропорции — все эти качества отличают творения видных представителей классицизма.

Как художественное направление классицизм сложился во Франции в XVII в. Творчество великих драматургов П. Корнеля, Ж. Расина во многом определило облик лирической трагедии, которая задавала тон на сцене Королевской академии музыки.

Здесь долгие годы безраздельным властелином был композитор

Ж. Б. Люлли, а позже, в 1-й половине XVIII в., — Ж. Ф. Рамо.

Жесткие правила, незыблемые нормы сковывали развитие французской оперы тех лет. В соответствии с принципами классицизма, его образцом признавалась античная драма, античное искусство в целом. Но в нем классицисты воспринимали не его стихийную силу, не свободный выход жизненных сил: их привлекало совершенство форм, отточенность деталей и строгость выражения.

Поэтому французская опера была далека от греческой трагедии, несмотря на стойкую приверженность к сюжетам, заимствованным из античной мифологии. Это было предельно условное зрелище, регламентированное в деталях, подчиненное строгому канону, преодолеть который ни одному из мастеров «первой волны» классицизма в европейском искусстве так и не удалось.

Наивысшие достижения классицизма второго периода (классицизма просветительского) связаны уже с новым историческим этапом, с эпохой Великой французской революции 1789—1794 гг., когда он стал художественной идеологией третьего сословия.

Эта «вторая волна» связана со становлением и утверждением венской классической школы в творчестве ее виднейших мастеров — Й. Гайдна, В. А. Моцарта, Л. Бетховена.

Они также стремились к целостности художественного создания, совершенству формы и строгим пропорциям составляющих ее частей. Но у них единство и законченность достигались в процессе движения, становления, в борьбе противоположностей. Музыкальным выражением такого развития стал принцип симфонизма, наиболее наглядно и совершенно проявившийся в симфонии.

Сущность его — в особом качестве развития музыкальных мыслей, когда новая идея, новый звукообраз рождаются постепенно, в преобразовании исходной музыкальной мысли.

Главная тема порождает тему побочную, противостоящую, контрастирующую с главной. Такой метод развития музыкальной мысли и стал основным завоеванием венского классицизма, открывшим музыке новые горизонты. При этом сочинениям Гайдна, Моцарта, Бетховена присуща целеустремленность: в них отчетливо различаются конечная цель музыкального движения, его итог.

Все части произведения находятся в строгом равновесии: отчетливо различимы начало, исходный рубеж, средний этап, где доминирует развитие, и , наконец, закономерное, логичное завершение всей композиции.

Венские классики переосмыслили и заставили зазвучать по-новому все музыкальные жанры и формы.

Велик и вклад в развитие оперы (оперы Моцарта «Свадьба Фигаро», «Дон Жуан», «Волшебная флейта») и особенно симфонии.

Они утвердили и упрочили ее четырехчастную композицию, придали симфонии монументальный характер. Таковы симфонии Бетховена, представляющие собой, по словам композитора А.Н.Серова, «девять миров симфонических».

Композиторы — романтики, унаследовав лучшее в классицизме, развили и обогатили, новыми достижениями.

Материалы по теме

Стиль в музыке | Введенская сторона

КЛАССИЦИЗМ

Стиль и эпоха – два взаимосвязанных понятия. Каждый стиль неразрывно связан с той историко-культурной атмосферой, в которой он формировался. Важнейшие стилевые направления появлялись, существовали и исчезали в исторической последовательности. В каждом из них ярко проявлялись общие художественно-образные принципы, средства выразительности, творческие методы.

Слова «классика», «классицизм», «классический» происходят от латинского корня – classicus, то есть образцовый. Называя художника, писателя, поэта, композитора классиком, мы подразумеваем, что он достиг в искусстве высшего мастерства, совершенства. Его творчество высокопрофессиональное и является для нас образцом.

Классицизм – художественное направление в искусстве и литературе XVII – начала XIX вв. Он во многом противостоял барокко с его страстностью, изменчивостью, противоречивостью, утверждая свои принципы.
Появился классицизм во Франции. В формировании и развитии этого стиля можно выделить два этапа. Первый этап относится к XVII веку. Для классиков этого периода непревзойденными образцами художественного творчества были произведения античного искусства, где идеалом являлся порядок, разумность, гармония. В своих произведениях они добивались красоты и истины, ясности, стройности, законченности построения. Второй этап – XVIII век. В историю европейской культуры он вошел как эпоха Просвещения или Век Разума. Человек придавал большое значение знаниям и верил в способность объяснить мир. Главным героем является личность, готовая на героические поступки, подчиняя свои интересы – общим, душевные порывы – голосу разума. Его отличает нравственная стойкость, мужество, правдивость, верность долгу. Рациональная эстетика классицизма нашла отражение во всех видах искусства.

Архитектуре этого периода свойственна упорядоченность, функциональность, соразмерность частей, тяготение к уравновешенности и симметрии, ясность замыслов и построений, строгая организованность. С этой точки зрения символом классицизма служит геометрическая планировка королевского парка в Версале, где деревья, кустарники, скульптуры и фонтаны располагались по законам симметрии. Эталоном русской строгой классики стал Таврический дворец, возведенный И. Старовым.
В живописи главное значение приобрели логическое развертывание сюжета, ясная уравновешенная композиция, четкая передача объема, с помощью светотени подчиненная роль цвета, использование локальных цветов (Н. Пуссен, К. Лоррен, Ж. Давид).

В поэтическом искусстве произошло деление на «высокие» (трагедия, ода, эпопея) и «низкие» (комедия, басня, сатира) жанры. Выдающиеся представители французской литературы П. Корнель, Ф. Расин, Ж.Б. Мольер оказали большое влияние на формирование классицизма в других странах.
Важным моментом этого периода было создание различных академий: наук, живописи, скульптуры, архитектуры, надписей, музыки и танца.

Классицизм в музыке отличался от классицизма смежных видах искусств. Содержание музыкальных сочинений связано с миром чувств человека, которые не поддаются жесткому контролю разума. Однако композиторы этой эпохи создали очень стройную и логическую систему правил построения произведения. В эпоху классицизма сформировались и достигли совершенства такие жанры как опера, симфония, соната.
Настоящей революцией стала оперная реформа Кристофа Глюка. Его творческой программой были три великих принципа – простота, правда, естественность. В музыкальной драме он искал смысла, а не сладкоголосия. Из оперы Глюк убирает все лишнее: украшения, пышные эффекты, дает поэзии большей выразительной силы, а музыка полностью подчиняется раскрытию внутреннего мира героев. Опера «Орфей и Эвридика» была первым произведением, в котором Глюк осуществил новые идеи и положил начало оперной реформе. Строгость, соразмерность формы, благородная простота без вычур, чувство художественной меры в сочинениях Глюка напоминает гармоничность форм античной скульптуры. Арии, речитативы, хоры образуют большую оперную композицию.

Расцвет музыкального классицизма начался во второй половине XVIII века в Вене. Австрия в то время была могущественной империей. Многонациональность страны сказалась и на художественной культуре. Высшим выражением классицизма стало творчество Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, Людвига ван Бетховена, которые работали в Вене и образовали направление в музыкальной культуре – венскую классическую школу.

Гайдна называют основателем классической инструментальной музыки, родоначальником современного симфонического оркестра и отцом симфонии. Он установил законы классической симфонии: придал ей стройный, законченный вид, определил порядок их расположения, который сохранился в основных чертах до наших дней. Классическая симфония имеет четырехзначный цикл. Первая часть идет в быстром темпе и звучит чаще всего энергично, взволнованно. Вторая часть – медленная. Ее музыка передает лирическое настроение человека. Третья часть – менуэт – один из любимых танцев эпохи Гайдна. Четвертая часть – финал. Это итог всего цикла, вывод из всего, что было показано, продумано, прочувствовано в предыдущих частях. Музыка финала обычно устремлена вверх, она жизнеутверждающая, торжественная, победная. В классической симфонии найдена идеальная форма, способная вместить очень глубокое содержание.
В творчестве Гайдна устанавливается и тип классической трехчастной сонаты. Произведениям композитора присущи красота, порядок, тонкая и благородная простота. Его музыка очень светлая, легкая, в основном мажорная, полна бодрости, чудесной земной радости и неисчерпаемого юмора.

Искусство Гайдна оказало громадное воздействие на формирование симфонического и камерного стиля Моцарта. Опираясь на его достижения в области сонатно-симфонической музыки Моцарт внес много нового, интересного, оригинального. Вся история искусства не знает личности более поразительной, чем он. Моцарт обладал феноменальной памятью и слухом, имел блестящие данные импровизатора, прекрасно играл на скрипке и органе, а его первенство как клавесиниста не мог оспаривать никто. Он был самым популярным, самым признанным, самым любимым музыкантом Вены. Огромную художественную ценность составляют его оперы. Уже два столетия пользуются успехом «Свадьба Фигаро» и «Дон Жуан», поражающие обаятельно изящной мелодией, простотой, роскошной гармонией. А «Волшебная флейта» вошла в историю музыки как «лебединая песня» Моцарта, как произведение с наибольшей полнотой и яркостью раскрывающее его мировоззрение, его заветные мысли, как эпилог целой жизни, как некое грандиозное художественное завещание. Искусство Моцарта совершенное по мастерству и абсолютно естественное. Он подарил нам мудрость, радость, свет и добро.

Бетховен прославился как величайший симфонист. Его искусство пронизано пафосом борьбы. Оно претворило передовые идеи эпохи Просвещения, утвердившего права и достоинства человеческой личности. Ему принадлежат девять симфоний, ряд симфонических увертюр («Эгмонт», «Кориолан»), а тридцать две фортепианные сонаты составили эпоху в фортепианной музыке. Мир образов Бетховена разнообразен. Его герой не только смелый и страстный, он наделен тонко развитым интеллектом. Он борец и мыслитель. В музыке Бетховена жизнь во всем ее разнообразии – бурные страсти и отрешенная мечтательность, драматическая патетика и лирическая исповедь, картины природы и сцены быта. Завершая эпоху классицизма, Бетховен одновременно открывал дорогу грядущему веку.

Классицизм – стиль исторически определенной эпохи. Но его идеал гармонии и соразмерности остается и поныне образцом для последующих поколений.

 Лариса Путинцева.

черты, признаки, особенности, 136 картин, художники-представители, отличия от реализма

Классицизмом называют эстетическое направление в культуре и искусстве Европы в XVII-XIX столетиях. Мастера, творившие в этом стиле, стремились возродить каноны античных эпох, сделать акцент на чёткости и простоте композиции, форм, геометрии.

Выдающиеся представители первой волны – Пуссен и Лоррен. Второй период, названный неоклассицизмом – время Давида, Энгра, Менгса. В России это направление в живописи представлял Брюллов, а также портретисты Рокотов и Левицкий.

Подробное описание стиля

Классицизм как явление появился во Франции в XVII веке. Со временем новое течение дошло до всех ведущих стран Старого Света: Британии, Германии, Испании, Российской Империи.

Сама глубинная суть направления классицизма заложена в его названии. На латыни classicus буквально значит «образцовый», «высший». Так называли тех представителей древнеримского общества, кого относили к самому высокому сословию.

Именно искусство античных греков и римлян возводили в эталон творцы классицизма. Они воспринимали его как идеал, который следует возвращать к жизни в современных реалиях.

В своих произведениях сторонники свежего течения жаждали познать подлинную суть, истину вещей и явлений. Главной задачей считали помочь человеку возродить или впервые найти в себе принципы морали, нравственности, и далее жить уже по ним.

Также в творениях классицистов нередко заложены правила превосходства высшего над мелким, личным, земным. Вселенная как эталон и одновременно прообраз всего – вот что считалось основой мировоззрения.

Классицизм затрагивает только глубинные смыслы, оперирует вечными категориями, не делая акцент на частном, наносном. Картина, скульптура, строение: любое произведение делается по чётко означенным канонам, логичным и устоявшимся, как Вселенная.

Жанры

Именно в эпоху классицизма была выстроена чёткая иерархия жанров. Их отныне разделяли на две категории – высокие и низкие. К первому виду причисляли живопись на темы истории, мифологии, религии, ко второму – портрет, пейзаж и натюрморт.

Высокие жанры наделяли глубоким, значительным смыслом, и прямо противоположное отношение было к низким. Смешение двух этих категорий было строго запрещено.

Портрет

Основные черты жанра задал «отец» классицизма Никола Пуссен. Именно в его «Автопортрете» сосредоточено главное художественное кредо: выразительные, несколько приукрашенные черты лица, чётко выдержанная композиция, строгость формы.

Ещё одним знаковым образцом позже стал запечатлённый на полотне самим собой Жак Луи Давид. Хорошо развился этот жанр классицизма и в Российской Империи. «Портрет Екатерины II» Левицкого, «Дмитрий Голицын» и «Григорий Орлов» Рокотова – показательные примеры.

Пейзаж

Природные ландшафты сделал неотъемлемой частью стиля классицизм Клод Лоррен. На его произведениях пейзаж органично дополняет руины построек и, в то же время, противостоит им. Налицо борьба вечного против тленного.

Прекрасные образцы классицизма Лоррена – «Пейзаж с Аполлоном и Марсием», «Утро в гавани», «Отплытие царицы Савской».

Натюрморт

По-своему развитие стиля проходило в Голландии. Там характерные черты классицизма наиболее чётко проявились в технике натюрморт в XVII-XVIII столетиях. Яркие представители – Виллем ван Алст, Абрахам Миньон.

Цветы и фрукты
Ян ван Хёйсум

Наивысшего цвета нидерландский классицистический натюрморт достиг при Яне ван Хёйсуме. Он стал блестящим мастером жанра. «Цветы и плоды» ван Хёйсума – едва ли не эталонный образец позднего натюрморта.

Черты классицизма в живописи

Классицизм на полотне можно определить по таким характерным признакам:

  • строгое соблюдение пропорций;
  • упорядоченность, стройность общей композиции;
  • чёткие линии и формы;
  • стремление к симметричности;
  • спокойствие, отсутствие хаоса и чрезмерного пафоса;
  • стремление следовать строгим канонам живописи;
  • затрагивание вопросов только высоких и вечных тем.

Ещё один из важнейших признаков классицизма в произведениях – анатомическая идеализация тела. С натуры не рисовали. Считалось, что человек должен быть запечатлён на картине с максимально развитым телом, что в действительности можно встретить нечасто.

В этом, например, лежит принципиальное различие между классицистическим подходом и реализмом. Здесь нет изображения действительности, какой она есть, без прикрас, ретуши. Реализм работает с более обыденными явлениями и героями, приземлёнными и простыми.

В то же время классика далека и от романтизма. Бунт, излишняя идеализация, попытка побега от реальности – всего этого нет на полотнах Пуссена, Лоррена, Давида.

Главным же антиподом классицизма смело можно назвать барокко. Особенно ярок контраст между барочной эстетикой и прагматизмом Давида и его последователей. Хаотичность, драма, экспрессивность противостоят холодному рассудку и сдержанности. По сути классицистический метод был призван несколько «приструнить» повсеместное распространение барокко, предложить другие взгляды на искусство.

История возникновения

Хронологически классицизм можно поделить на 3 этапа, причём в европейских странах и России их классифицируют по-разному.

Первый период – до конца XVII столетия. Искусствоведы Франции и остальной Европы называют этот этап настоящим, истинным классицизмом.

Вторая волна – неоклассицизм (середина-конец XVIII века). В России этот временной отрезок именовали русским классицизмом.

Наконец, последняя стадия интереса к жанру выпадает на первую треть XIX столетия. Искусствоведы в Российской Империи окрестили это неоклассицизмом, в Европе же никакого названия этап не получил, и был он, скорее, угасанием. Теперь подробнее о каждом историческом отрезке.

Первая волна

Один из отцов-основателей и наиболее ярких представителей классицизма в живописи – француз Никола Пуссен. В 30-летнем возрасте он переехал в Рим.

В Италии на тот момент вспыхнул с новой силой интерес творческой интеллигенции к наследию античности и эпохи Возрождения. Пуссен был одним из многих иностранцев, что приезжали в Вечный город для исследования культурного богатства древности, поиска творческих вдохновений.

Француз применял в своих работах мифологические образы, искал сочетания цветов, геометрических форм. Рим предоставлял Пуссену, огромному поклоннику античного искусства, непаханое поле для накопления знаний и оттачивания навыков в любимом направлении.

Дополнительным ориентиром для него было современное переосмысление наследия Высокого Ренессанса, которое вела Болонская академия живописи. Три брата Карраччи, основавшие это заведение в конце предыдущего, XVI века, считали работы Леонардо, Рафаэля, раннего Микеланджело безупречными и образцовыми. Основу, смысловой и визуальный каркас их составлял базовый принцип классицизма: соблюдение античных канонов, следование законам природы и Вселенной в целом.

Параллельно с Никола Пуссеном, там же, в Риме, развил активную деятельность его соотечественник Клод Лоррен. Он продолжал в своих трудах традиции болонской школы. Ключевой творческий приём Лоррена – сочетание в произведениях пейзажа, стихий и архитектурных руин.

Художник много внимания уделял работе со светом, цветами, композицией. Ландшафты и стихии на картинах Лоррена символизируют вечность, вселенский порядок. В руинах же античных строений выражена бренность всего живого, неминуемость смерти и разрушения. Кроме того, это – выражение связи времён в человеческой памяти.

Во Франции XVII столетие – эпоха буйства классицизма. Правление короля Людовика XIV сопровождало постоянное возрождение и культивирование славных традиций античности. Так, эпосы Гомера и Овидия, трагедии Эврипида, Эсхила служат глубочайшими источниками поиска новых смыслов и вдохновений для плеяды молодых поэтов, художников, скульпторов.

Дополнительно живопись классицизма XVII века подпитывает деятельность выдающегося философа и математика Рене Декарта. Его тезисы полностью легли в концепцию божественного происхождения мира и Вселенной. К тому же идеи Декарта об иерархии и строгом порядке создавали хорошую почву для становления абсолютной монархии – главной задачи правления «короля-солнца» Людовика XIV.

Труды Пуссена, Лоррена и их последователей в других видах искусства вдохновляли новое поколение французской творческой интеллигенции. Более того, главные принципы и особенности классицизма послужили основой для возведения грандиозного Версальского дворцового ансамбля. Все мельчайшие детали этого громадного комплекса – аллеи, клумбы, фонтаны – наполнены смыслами следования неизменным законам Вселенной и космоса.

Другая дань классицистическим канонам – постройка восточного крыла Лувра в 1667-1678 гг. В республике «короля-солнца» это направление стало поистине главенствующим и системным. В то же время приходящее из Италии барокко ещё не могло полноценно конкурировать с классицизмом.

Вторая волна

Середина и начало второй половины XVIII века ознаменованы большими изменениями, даже сломами в укоренённом сознании европейского человека. Бог как творец и покровитель всего живого, процессов и явлений, постепенно уступал место научным прагматичным учениям, зарождался и получал новых адептов атеизм.

Этот период вошёл в историю как эпоха Просвещения. Великие мыслители Вольтер, Дидро, Жан-Жак Руссо своими тезисами буквально разбили в прах столпы, на которых веками непоколебимо зиждилось мировоззрение. Научные взгляды вытесняли религию, подвергали сомнениям её базовые принципы, переводили гуманитарные учения в разряд точных.

Вместе с тем спадали оковы, которыми религиозные концепции ограничивали простор для человеческой мысли, слова, дела. Параллельно с этими общими метаморфозами изменялось каждое отдельное направление. В том числе классицизм.

В конце 40-х годов Старый Свет получил колоссальный толчок для возрождения интереса к античным эпохам. В ходе раскопок руин древних городов Помпей и Геркуланума исследователи обнаружили уникальные, доселе неизвестные образцы римского искусства и архитектуры – например, виллу Папирусов I века до н.э.

Эти находки с новой силой возродили увлечение людей творчества наследием античности. Но теперь уже на него смотрели не через призму божественной сущности. В первую очередь акцент делали на высоких моральных стандартах древних римлян: дисциплине, рассудительности, чувстве долга, готовности жертвовать личным во имя общего успеха.

Рождённый примерно в те же годы, когда проводились раскопки, Жак Луи Давид спустя 40 лет стал настоящим символом нового направления – неоклассицизма. Работы мастера, в которых было мало общего с Пуссеном, показывали ключевые отличия этого жанра от «предшественника». Философичность, задумчивость Пуссена сменил прагматизм Давида.

Во время творческого взлёта художника уже неслась на полных парах Великая французская революция, задававшая полностью новые смыслы и основы во всех сферах жизни общества. Жак Луи Давид выступал одним из наиболее ярких представителей наступавшей эпохи. Впоследствии он станет активным поклонником Наполеона, а затем и придворным художником императора.

Учеником Давида был Жан Огюст Доминик Энгр. Впрочем, называть его прямым продолжателем традиций мастера не совсем верно. В своём творчестве Энгр очень скоро вышел за пределы неоклассицизма, пытаясь черпать вдохновение в разных стилях, совмещать их.

Третья волна и угасание

С приходом к власти во Франции Наполеона Бонапарта начался очередной виток трансформации классицистического жанра. Что характерно – уже другой была сама суть его.

Новое французское государство укрепляло своё величие, и для этого, среди прочего, использовало богатые традиции классицизма. Заключительная волна жанра получила название «ампир» («империя»), которое о многом говорит. И во Франции, и на всех просторах, куда доходил Наполеон, насаждали этот стиль, что славил правителя, буквально создавал культ личности.

Раздача знамён на Марсовом поле
Жак Луи

В основном ампир коснулся архитектуры и скульптуры, но изобразительное искусство он тоже не обошёл стороной. Основной герой произведений – конечно, Наполеон. Полотна пестрели батальными сценами, дворцовыми церемониями, то есть тематика была сосредоточена исключительно на величии империи.

Коронация Наполеона
Жак Луи Давид

Это уже имело крайне мало общего с пейзажами и руинами Пуссена, Лоррена, прагматичными образами Давида. Сам Жак Луи к тому времени был придворным художником Бонапарта и воспевал патрона до самого его поражения при Ватерлоо. Картины тех лет – «Раздача знамён на Марсовом поле», «Коронация Наполеона».

Всё сильнее становилась повсеместная неприязнь к классицизму. Помимо обслуживания лишь государственных интересов, жанру вменяли в вину излишнюю консервативность и банальное устаревание. Уже к экватору XIX века классицизм в живописи постепенно ушёл в прошлое, уступая дорогу новым направлениям – в первую очередь, реализму.

Классицизм в России

Популяризация стиля в Российской Империи происходила в период правления Екатерины II. Её Величество разделяла идеи Просвещения, общалась с представителями движения и вводила на своих землях моду на всё французское. Классицизм проникал в живопись, архитектуру, скульптуру.

Самые выдающиеся художники – Брюллов, Левицкий, Рокотов, Кипренский, Лосенко. Особенно хорошо развился в России классицистический портретный жанр. На полотнах Левицкого, Рокотова запечатлены и простые люди, и первые лица.

Подлинным увековечением русского классицизма стала архитектура Санкт-Петербурга, созданная итальянцами. Стиль доминировал в империи вплоть до 30-х годов XIX века, когда уже правил Николай II.

15 великих художников-классицистов

Никола Пуссен (1594-1665)

Этот мастер по праву считается одним из основоположников классицизма в живописи. Переехав в Рим, Пуссен постоянно учился, оттачивал навыки, экспериментировал с композицией. Художник одним из первых ставил главные акценты на локальном цвете и точности геометрических линий.

Клод Лоррен (1600-1682)

Великий мастер, который вывел искусство пейзажа на качественно новый уровень. На своих полотнах Лоррен играет с солнечным светом, изображает то утро, то полдень. Одинаково важную роль в его работах играют буйные краски природы и полуразрушенные строения.

Чем старше становился Лоррен, тем больше произведения перерастали рамки традиционного классицизма. Всё холоднее были тона, а общее настроение ставало отстранённым.

Жак Луи Давид (1748-1825)

Ведущий представитель второй волны французского классицизма. Его шедевр «Смерть Марата» не раз видел даже человек, совсем далёкий от живописи.

Став сторонником, а впоследствии придворным художником Наполеона, Давид сосредоточился на изображении батальных сцен и портретов высоких особ. Всё это работало на укрепление культурной мощи империи. После отречения Наполеона от престола Давид был вынужден бежать из Франции, и остаток лет прожил в Бельгии.

Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867)

Знаковый художник XIX века, который начинал в неоклассицизме, но постепенно только расширял стилевой диапазон. Из-за непрерывных экспериментов и поисков Энгр конфликтовал с истовыми академистами и романистами, прерывал отношения с модными выставками.

Под конец жизни мастер практиковал портретную живопись. В 82 года Энгр написал знаменитую «Турецкую баню» — шедевр жанра ню.

Антон Рафаэль Менгс (1728-1779)

Главный живописец-классицист в Германии. Его считают одним из наиболее видных портретистов в жанре.

Как верный адепт античных канонов, Менгс одной из главных задач ставил возврат массового интереса от рококо к классике. Помимо портрета, немецкий мастер сполна реализовал себя во фресках.

Генрих Фридрих Фюгер (1751-1818)

Ещё один видный представитель германского классицизма, большую часть творческой жизни провёл в Вене. Из-за этого он вошёл в историю как достояние Австрии. Наибольшее влияние на Фюгера оказал Менгс.

Живописец, как и его «наставник», работал в жанрах портрета и фрески. Фюгер также затрагивал мифологические, библейские сюжеты. Состоял в масонских ложах.

Бенджамин Уэст (1738-1820)

Художник, творивший в США, затем – в Англии. На Альбионе его и вовсе наградили прозвищем «американский Рафаэль».

Александр III Шотландский, спасен от нападения оленя бесстрашным Колином Фицджеральдом
Бенджамин Уэст

На своих полотнах Уэст изображал исторические события родины. Был близким другом и кумом президента Франклина.

Пьер Поль Прюдон (1758-1823)

Расцвет творчества этого француза – конец XVII – начало XVIII века. Прюдон, в основном, практиковал мифологические сюжеты с глубинной аллегорией. Кроме живописи, реализовал себя в создании классицистических интерьеров.

Антоний Бродовский (1784-1832)

Главный представитель стиля в Польше. Ученик выдающихся французских мастеров – Давида и Жерара.

Эдип и Антигона
Антоний Бродовский

Бродовский творил на родине. Основные направления – история, мифология, библейские сюжеты, портретная живопись.

Карл Брюллов (1799-1852)

Глыба русского классицизма. Как художник сформировался в Италии, затем творил на родине.

Брюллов был выдающимся портретистом. Кроме того, склонность к экспериментам и смешению жанров позволило специалистам называть его последователем Энгра.

Фёдор Рокотов (1735-1808)

Выдающийся русский мастер портретного классицизма. Рокотов запечатлевал на своих полотнах простой люд и высокие чины. К примеру, его перу принадлежат семейные портреты графов Воронцовых.

Дмитрий Левицкий (1735-1822)

Ещё один живописец, который реализовал себя в портретном классицизме. Левицкий отводил равнозначные роли работе со светом и расширению палитры оттенков. Одно из лучших его произведений – портрет Екатерины II.

Якоб Филипп Хаккерт (1737-1807)

Итальянский пейзаж
Якоб Филипп Хаккерт

Блестящий мастер пейзажа. Уроженец Германии, Хаккерт творил в Скандинавии, Франции, Италии. Пейзажи его играют богатыми насыщенными красками, нередко на них запечатлены морские сражения.

Николай Абильгор (1743-1809)

Прощание
Николай Абильгор

Видный представитель неоклассицизма в Дании. Помимо живописи, работал со скульптурой, архитектурой. Его вдохновляли болонские, а затем – французские мастера поры Революции. Абильгор, в основном, творил на мифологические мотивы.

10 известных картин в стиле классицизм

«Автопортрет» Пуссена (1650)

Автопортрет
Никола Пуссен

Одна из самых значимых работ в жизни мастера. Не будучи красавцем, Пуссен сделал акцент на самом образе – величественном, уверенном, холодном. Лицо его не идеализировано, как обычно принято в классицизме, но строгость форм и чёткость линий выдержаны отменно.

«Суд Соломона» Пуссена (1648-49)

Суд Соломона
Никола Пуссен

Здесь французский мастер изобразил библейские сюжеты. Обращает внимание на себя насыщенность цветов и эмоции, застывшие на лицах людей.

«Пейзаж с Аполлоном и Марсием» Лоррена (1639)

Пейзаж с Аполлоном и Марсием
Клод Лоррен

Один из лучших образцов прекрасного лорреновского пейзажа. Сама сцена взята из греческой мифологии, а в фигурах героев эксперты обнаруживают влияние фресок Рафаэля. Лоррен применяет тут мягкие тона.

«Смерть Марата» Давида (1793)

Смерть Марата
Давид

Вероятно, самая известная работа в живописи классицизма XVIII века. Запечатлён заколотый ножом в своей ванной предводитель якобинцев Жан Поль Марат. Шедевр Давида обладает огромной популярностью до сих пор; на нём общий трагизм передан нежными, умиротворёнными оттенками.

«Клятва Горациев» Давида (1784)

Клятва Горациев
Давид

Здесь мастер изобразил римский сюжет. Три брата, вздымая руки, дают клятву своему отцу, что победят врагов или слягут в бою, и принимают мечи из его рук.

«Эдип и Сфинкс» Энгра (1808, 1827)

Эдип и Сфинкс
Жан-Огюст-Доминик Энгр

Эту картину Энгр написал как студенческую работу, но спустя 20 лет дополнил и завершил её. На полотне запечатлён древнегреческий царь Эдип, что разгадывает загадку злой богини Сфинкс и свергает её с правления Фивами.

«Разгром турецкого флота под Чесмой» Хаккерта (1771)

Разгром турецкого флота под Чесмой
Якоб Хаккерт

В центре композиции – огненные клубы взрыва. Турецкая флотилия разбита, а люди в лодках на переднем плане, очевидно, пытаются скорее отплыть и спастись. Серо-зелёные тона моря и неба подчёркивают общее воинственное настроение.

«Цветы и плоды» ван Хёйсума (1723)

Цветы и плоды
Ян ван Хёйсум

Один из ярчайших образцов нидерландского классицистического натюрморта. Цветы и фрукты играют богатыми насыщенными цветами.

«Последний день Помпеи» Брюллова (1833)

Последний день Помпеи
Карл Брюллов

Знаменитая картина русского мастера, сочетающая классицизм и романтизм. Ужас людей, которые спасаются побегом от извержения Везувия, падающие с постаментов скульптуры, молнии, дождь: всё пронизано трагедией.

«Портрет Екатерины II» Левицкого (1783)

Портрет Екатерины II
Левицкий

Эта работа дышит аллегорией. Поза, в которой стоит императрица, лавровый венок на её голове, статуя Фемиды на заднем плане, корабли в море. Во всём заложен образ справедливой, величественной предводительницы народа.

Классицизм в архитектуре

Возведение в эталон античных канонов, тяга к простым и строгим формам – этим же базовым принципам следовало в XVII-XVIII веках и зодчество. Основы стиля сформировал венецианец Палладио и его ученик Скамоцци.

Постепенно классицистические архитектурные композиции украсили главные города Европы и Америки. Площадь Согласия в Париже, Зал Вальхаллы близ Регенсбурга, Банк Англии в Лондоне, Капитолий в Вашингтоне – все эти строения стали памятником эпохи.

В наполеоновской Франции неоклассицизм перетёк в ампир. Этот стиль представлен, в частности, Триумфальной аркой в Париже и колонной Нельсона в Лондоне.

В России оплотом классицизма стал Петербург. Среди ярких образцов – Казанский собор, Юсуповский и Таврический дворцы, Исаакий.

Классицизм в скульптуре

Серьёзным толчком к развитию стиля в скульптуре стали раскопки Помпеев середины XVIII века. Античные мотивы стали тем элементом, через который можно было достоверно запечатлеть героизм старых и новых воинов, отвагу полководцев, мудрость мыслителей и философов.

Почти всегда классицизм в скульптуре сочетался с барочными вкраплениями. Более поздний ампирный стиль обращается, скорее, к религиозным мотивам, но верность античной традиции сохраняет. Это заключается в сути работ Бертеля Торвальдсена («Амур и Психея», «Ганимед, кормящий орла») и Антонио Кановы («Персей с головой Горгоны», «Венера Италийская»).

В Российской Империи классицизм в скульптуре развивали Козловский, Орловский, Мартос. Минин и Пожарский в Москве, Дюк де Ришельё в Одессе – эти памятники мгновенно всплывают в памяти.

Классицизм в других видах искусства

Литература

В литературе основы направления заложил французский поэт Франсуа Малерб ещё в первой четверти XVII столетия. Позже в том же веке классицизм в трагедии развивал Расин, в комедии – Мольер, в жанре басни – Жан де Лафонтен.

XVIII столетие – расцвет этого стиля в прозе. Вольтер во Франции, Свифт в Британии своими трудами стремились донести идеи общественного строя по канонам классицизма. В России проводниками жанра были Ломоносов, Фонвизин, Сумароков.

Музыка

В музыке эпохой классицизма считают промежуток с середины XVIII по 20-е гг. XIX века. На первых этапах законодателем моды была Франция. В произведениях отмечено единение и, в то же время, противостояние классики и барокко.

Авторы той поры не оставили после себя значимых творений, и поэтому стиль ассоциируют с творцами второй волны. Она происходила уже не во Франции, а в Австрии. В произведениях Гайдна, Моцарта, Бетховена классицистическая музыка достигла своего пика.

Значение направления в искусстве

Роль классицизма в истории культуры XVII-XIX веков переоценить трудно. После изящных торжественных барокко и рококо возвращение к античным канонам, облачение их в современные реалии через точность форм и линий, прагматику, сдержанность дало новые веяния в европейском и мировом искусстве.

Развитие классицизма проходило параллельно с великими событиями: раскопками Помпеев, Французской революцией. Творцы с помощью художественных приёмов воплощали в своих работах реакцию на события настоящего через оптику античности, и участвовали в формировании сознания европейского человека новой формации. Классицизм прошёл через две волны активного развития и оставил для потомков выдающиеся шедевры во всех видах искусства.

Художники по направлению: Неоклассицизм - WikiArt.org

направление

Неоклассици́зм — термин, применяемый в российском искусствоведении для обозначения художественных явлений последней трети XIX и XX века, которым присуще обращение к традициям искусства античности, искусства эпохи Возрождения или классицизма (в музыке — также и эпохи барокко). В зарубежном искусствоведении неоклассицизмом называют классицизм в архитектуре и изобразительном искусстве второй половины XVIII — первой трети XIX веков, в отличие от классицизма более раннего периода.

Путаница возникла из-за того, что во Франции классицизмом называют стиль XVII века, стиль Людовика XIV (Louis XIV). Под неоклассицизмом же понимают стиль второй половины XVIII века, стиль Людовика XVI (Louis XVI) — то, что в России (как и в Германии) традиционно называют классицизмом (период 1762—1840). Неоклассицизмом же в России и Германии называют ретроспективный стиль начала XX века, «отличавшийся от „старого доброго“ русского классицизма и материалами (не белые оштукатуренные колонны, а естественный камень), и подчёркнуто выразительной прорисовкой классических форм и деталей, а иногда сокращением деталей и смешением классических и ренессансных мотивов».

Аналоги неоклассицизма в зарубежной практике — американский ренессанс и колониальное возрождение в США (1876—1914).

В конце XIX века сформировался новый архитектурный стиль, в России называемый «модерн». Но он не смог утолить назревшую потребность в большом монументальном стиле. Неоклассицизм появился в начале века как антитеза декоративной избыточности модерна. Опора на классику, ордерную систему, соблюдение классических пропорций. Стремление к уюту, гармонии. Характерные украшения: листья, раковины, архитектурные фронтоны, античные фигуры. Мебель лёгкая, изящная, прямые линии.

Параллельно с новаторскими тенденциями в архитектуре начала ХХ в. набирали силу ретроспективные течения. Жажда новизны быстро сменилась грезами о прошлом. «Открытие» заново ценностей классицистического зодчества ускорило разочарование в архитектурных новациях и закат «мимолетного» стиля. Неоклассицизм и «неорусский стиль» сначала повлияли на лексикон модерна, а после 1910 г. оттеснили его на дальний план.

Еще в начале 1900-х гг. художник и критик Александр Бенуа одним из первых заговорил о неповторимой красоте старого Петербурга. Его статьи словно открыли глаза современникам, сумевшим по достоинству оценить преданное было забвению классицистическое наследие. С этого момента и начал своё восхождение неоклассицизм.

Это движение охватывало обе российские столицы, а потом и провинцию. Естественно, неоклассицизм имел близкие параллели в европейской архитектуре того времени. И всё же это явление было специфически петербургским. Сторонники его исходили из собственных традиций, апеллируя к «золотому веку» зодчества невской столицы. В отличие от модерна и большинства неостилей XIX в., это было возвращение к своим корням. Поэтому неоклассицизм правомочно назвать петербургским возрождением, олицетворявшим историческую причастность города к общеевропейской классической культуре.

Ретроспективное направление опиралось прежде всего на русский классицизм и ампир, отчасти — барокко. Изначально оно ориентировалось на конкретный контекст классицистических ансамблей (постройки В. Ф. Свиньина и Е. С. Воротилова). Юбилейные торжества к 200-летию Петербурга пробудили общий интерес к его ранней истории и содействовали появлению необарочного течения (А. И. Дмитриев, Л. А. Ильин, Н. Е. Лансере). Лидером неоклассицизма выдвинулся И. А. Фомин — страстный приверженец русского зодчества конца XVIII — начала XIX в. Затем сторонники традиционалистского пути стали всё чаще обращаться к первоисточникам русского классицизма — итальянскому ренессансу и в особенности — палладианству. Ведущими представителями неоренессансного направления выступали В. А. Щуко, А. Е. Белогруд, М. М. Перетяткович, М. С. Лялевич.

В идеале ретроспективисты стремились к полной реконструкции исторического стиля, даже к иллюзии старины. На практике мотивы ретростилей, как правило, наслаивались на современные функционально-планировочные структуры и приобретали явный оттенок модернизации. Одними из первых на путь модернизованной неоклассики вступили Ф. И. Лидваль и Р. Ф. Мельцер. Новаторским примером трансформации и упрощения классицистических форм предстало Германское посольство немецкого архитектора Петера Беренса.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru.wikipedia.org/wiki/Неоклассицизм

10 композиторов классической музыки, которых следует знать

© SunnyGraph / iStock.com

Большинство самых известных композиторов классической музыки в течение последних 600 лет работали в западных традициях. Они различались по стилю, мастерству, новаторству и популярности, и ничто не вызывает более жарких споров среди ученых и поклонников классической музыки, чем определение того, кто из этих композиторов является наиболее важным. Три композитора, которые постоянно занимают первые места, - это Бетховен, Бах и Моцарт.Ученые и поклонники различаются по остальным, но перечисленные ниже часто считаются одними из самых значительных.


  • Людвиг ван Бетховен (1770–1827)

    Немецкий композитор и пианист Людвиг ван Бетховен широко известен как величайший композитор из когда-либо живших. Он расширил классические традиции Йозефа Гайдна, одного из его учителей, и Вольфганга Амадея Моцарта и экспериментировал с личным самовыражением, что повлияло на композиторов-романтиков, которые его сменили.Его жизнь и карьера были отмечены прогрессирующей глухотой, но болезнь не помешала ему сочинять некоторые из своих самых важных произведений в течение последних 10 лет своей жизни, когда он почти не мог слышать. Расширяя рамки сонаты, симфонии, концерта и квартета, известные произведения Бетховена включают симфонию № 9 ре минор , соч. 125 , Симфония № 5 до минор, соч. 67 , Лунная соната и Für Elise .

  • Иоганн Себастьян Бах (1685–1750)

  • Вольфганг Амадей Моцарт (1756–91)

    Австрийский композитор классического периода Вольфганг Амадей Моцарт широко известен как один из величайших композиторов западной музыки.Он единственный композитор, который сочиняет и преуспел во всех музыкальных жанрах своего времени. По слухам, у Моцарта была способность играть музыку в возрасте трех лет и писать музыку в возрасте пяти лет, Моцарт начал свою карьеру как вундеркинд. Среди известных композиций - The Marriage of Figaro , Elvira Madigan и Clarinet Quintet in A Major, K 581 .

  • Иоганнес Брамс (1833–97)

    Иоганнес Брамс был немецким композитором и пианистом эпохи романтизма, но он был больше приверженцем классической традиции.Он писал во многих жанрах, включая симфонии, концерты, камерную музыку, фортепианные произведения и хоровые сочинения, многие из которых раскрывают влияние народной музыки. Среди его самых известных работ - Симфония № 3 фа мажор , Wiegenlied, Op. 49, No. 4 и Венгерские танцы .

  • Рихард Вагнер (1813–83)

    Немецкий композитор и теоретик Рихард Вагнер расширил оперные традиции и произвел революцию в западной музыке. Его драматические композиции особенно известны использованием лейтмотивов, кратких музыкальных мотивов персонажа, места или события, которые он умело трансформировал на протяжении всего произведения.Среди его основных работ - оперы Летучий голландец , Тангейзер , Лоэнгрин , Тристан и Изольда , Парсифаль и тетралогия Кольцо Нибелунга , в которую входит Валькирия . Одна из самых противоречивых фигур в классической музыке, его творчество выходит за рамки его характера, который определялся манией величия и антисемитскими взглядами.

  • Клод Дебюсси (1862–1918)

    Французский композитор Клод Дебюсси часто считается отцом современной классической музыки.Дебюсси разработал новые сложные гармонии и музыкальные структуры, которые вызывают сравнения с искусством его современных художников и писателей-импрессионистов и символистов. Его основные работы включают Clair de lune , La Mer , Prelude to the Afrika Faun и оперу Pelléas et Mélisande .

  • Пётр Ильич Чайковский (1840–93)

    Пётр Ильич Чайковский, писавший в романтический период музыку с широкой эмоциональной привлекательностью, стал одним из самых популярных русских композиторов всех времен.Он был воспитан в западноевропейских традициях и ассимилировал элементы французской, итальянской и немецкой музыки с личным и русским стилем. Некоторые из его самых известных произведений были написаны для балета, в том числе «Лебединое озеро» , «Спящая красавица» и «Щелкунчик», соч. 71 , но они также включают Концерт для фортепиано с оркестром № 1 си-бемоль минор, соч. 23 и Marche Slave, соч. 31 .

  • Фредерик Шопен (1810–49)

    Фредерик Шопен был польским французским композитором и пианистом эпохи романтизма.Он был одним из немногих композиторов, посвятивших себя одному инструменту, и его чуткий подход к клавиатуре позволил ему использовать все возможности фортепиано, включая инновации в аппликатуре и педалировании. Таким образом, он известен прежде всего тем, что написал музыку для фортепиано, в частности, Nocturne, Op. 9 No. 2 ми-бемоль мажор , Ноктюрн до-диез минор, B. 49 , Героический полонез .

  • Йозеф Гайдн (1732–1809)

    Австрийский композитор Йозеф Гайдн был одной из самых важных фигур в развитии классического стиля музыки в 18 веке.Он помог установить формы и стили для струнного квартета и симфонии. Гайдн был плодовитым композитором, и некоторые из его наиболее известных произведений - это симфония № 92 соль мажор , Императорский квартет и концерт для виолончели № 2 ре мажор . Его композиции часто характеризуются легкостью, остроумием и элегантностью.

  • Антонио Вивальди (1678–1741)

Известные личности, играющие классическую музыку - Music Reads

От Эйнштейна до Мерил Стрип, некоторые из самых известных людей на протяжении всей истории изучали и играли классическую музыку.

Для некоторых их страсть к музыке вдохновила на великие современные разработки, другим их музыкальное образование пригодилось в их дальнейшей карьере.

От актеров до изобретателей, вот восемь известных личностей, которые играли и изучали классическую музыку.

1. Альберт Эйнштейн

Эйнштейн разработал одну из столпов современной физики со своей теорией относительности, но он менее известен как опытный скрипач. Эйнштейн сказал, что если бы он не занимался наукой, он стал бы музыкантом.

В то время, когда он разрабатывал общую теорию относительности, его жена рассказывала истории о том, как Эйнштейн наугад садился за пианино и играл, делая записи.

2. Кондолиза Райс

Политолог, дипломат и бывший госсекретарь США Кондолиза Райс изначально намеревалась сделать карьеру концертной пианистки и даже исполнила Концерт для фортепиано с оркестром ре минор Моцарта с Денверским симфоническим оркестром в возрасте 15 лет. Повзрослев, она выступала на дипломатических мероприятиях, в том числе для королевы Елизаветы II, и даже несколько раз выступала публично с виолончелистом Йо-Йо Ма.

Пропустить видео с YouTube

FireFox Пользователи NVDA - для доступа к следующему содержимому нажмите «M», чтобы войти в iFrame.

3. Нил Армстронг Изображение:

Астронавт Нил Армстронг. (НАСА)

Изображение:

Астронавт Нил Армстронг. (НАСА)

Астронавт Нил Армстронг тоже всю жизнь был музыкантом. Его мать была пианисткой, которая научила его играть, а позже он начал играть на баритоне в своем школьном оркестре. Он продолжал играть в военных оркестрах, но всегда будет известен как первый человек на Луне.

4. Мерил Стрип

Мало что известно о том, что трехкратная обладательница премии Оскар Мерил Стрип изучала оперу в подростковом возрасте, но бросила, потому что находила это скучным. Ее короткое пребывание в опере, возможно, подготовило ее к роли в фильме Флоренс Фостер Дженкинс о нью-йоркском меценате с таким же именем, который мечтал стать оперной певицей (несмотря на то, что она была заведомо плохой певицей).

Стрип также учился игре на скрипке для фильма «Музыка сердца», в котором рассказывается история реального персонажа Роберта Гуаспари, учителя игры на скрипке, который обучал детей из малообеспеченных семей и боролся за музыкальное образование в государственных школах Нью-Йорка.

Пропустить видео с YouTube

FireFox Пользователи NVDA - для доступа к следующему содержимому нажмите «M», чтобы войти в iFrame.

5. Чарли Чаплин Изображение:

Чарли Чаплин играет на виолончели в 1915 году (Wikimedia Commons: без атрибуции)

Изображение:

Чарли Чаплин играет на виолончели в 1915 году (Wikimedia Commons: без атрибуции)

Знаменитый комический актер Чарли Чаплин был опытным музыкантом и написал музыку для многих своих фильмов.В детстве он увлекался музыкой и сам научился играть на фортепиано, скрипке и виолончели.

Чаплин не умел читать ноты и работал с профессиональными композиторами, чтобы создать свои партитуры, и музыкальными директорами, которые контролировали запись его фильмов. Три песни, которые он написал для фильма, также стали популярными за пределами кино, в том числе одна хит в исполнении Нэта Кинга Коула.

6. Эмили Блант

Актриса Эмили Блант играла персонажей от королевы Виктории до агента ФБР, но мало кто знает, что она также училась игре на виолончели в юности.В одном из своих самых ранних фильмов, «Мое лето любви », она представила на экране «Лебедь» из фильма Камиллы Сен-Санса « Карнавал животных ».

Пропустить видео с YouTube

FireFox Пользователи NVDA - для доступа к следующему содержимому нажмите «M», чтобы войти в iFrame.

7. Александр Грэм Белл

Мы можем поблагодарить Александра Грэхема Белла за изобретение телефона, но он также был пианистом и изначально планировал стать музыкантом.

Страсть Белла к музыке могла бы помочь на пути к его историческому изобретению. Еще подростком он заметил, что аккорды, звучащие на фортепиано в одной комнате, будут повторяться фортепиано в другой комнате, что привело к осознанию того, что аккорды могут передаваться по воздуху.

8. Билл Бейли

Комик Билл Бейли, известный в «Черной книге», хорошо известен тем, что использовал музыку в своих комедиях. Он играет на гитаре и фортепиано, а также обладает абсолютным слухом. Он посетил ABC Classic FM в 2018 году и попробовал свои силы в терменвоксе Перси Грейнджера.

Пропустить видео с YouTube

FireFox Пользователи NVDA - для доступа к следующему содержимому нажмите «M», чтобы войти в iFrame.

КЛАССИЧЕСКИЙ ПЕРИОД (1775-1825)

КЛАССИЧЕСКИЙ ПЕРИОД (1775-1825)

КЛАССИЧЕСКИЙ ПЕРИОД (1775-1825)

Эпоха барокко завершилась созданием шедевров И.С. Бах и Г.Ф. Генделя. В середине восемнадцатого века, одновременно со зрелым лет Баха и Генделя, возник новый музыкальный стиль, известный как рококо. или доклассический стиль.Этот стиль наиболее ярко проявляется в клавишных и оркестровых. музыки, но здесь он упоминается, потому что представляет собой переход от От барокко до классической эпохи между 1725 и 1770 годами.

В мире живописи стиль рококо характеризуется нежными красками, много декоративных деталей, а также изящное и интимное настроение. Точно так же музыка в стиль рококо гомофоничен и легок по фактуре, мелодичен и тщательно продуман. разукрашенный. Во Франции это обозначалось как стиль галант. (галантный или элегантный стиль) и в Германии empfindsamer стиль (чувствительный стиль).Франсуа Куперен (1668-1733), во Франции, и двое из сыновей И. С. Баха, К. П. Э. Баха (1714-1788) и Иоганна Христиан Бах (1735-1782 гг.) В Германии были важными музыкальными композиторами в Стиль рококо.

Во второй половине восемнадцатого века реакция на стиль рококо. произошел. Были возражения против его недостаточной глубины и использования украшения. и украшения ради них самих. Это привело к развитию классической стиль.

Классический период длился примерно с 1775 по 1825 год.Название классика применяется к период, потому что в искусстве и литературе был большой интерес, восхищение, и подражание классическому художественному и литературному наследию Греции и Рим.

В интеллектуальном плане эта эпоха также была названа Эпохой Просвещения. Такие философы, как Руссо, Вольтер и Монтескье, писали о ценности простой человек и сила человеческого разума в преодолении проблем мир. Эта революция в мышлении неизбежно привела к конфликту между старыми порядок и новые идеи.Французская и американская революции в последней четверти восемнадцатый век был стимулирован этим новым подходом.

Музыкальная сцена классического периода отражала изменения, происходящие в общество, в котором писалась музыка. Это была первая эпоха в музыке история, в которой публичные концерты стали важной частью музыкального место действия. Музыка все еще сочинялась для церкви и двора, но появление публичных концертов отразило новый взгляд на то, что музыку нужно писать для удовольствие и развлечение обычного человека.

В отличие от эпох Возрождения или Барокко, которые включали в себя многие важные композиторов и направлений, в хоровой музыке классической эпохи преобладали три композитора: Франц Иосиф Гайдн (1732-1809), Вольфганг Амадей Моцарт (1756-1791) и Людвиг ван Бетховен (1770-1827). Впервые за время К классическому периоду можно отнести большинство важных стилистических достижений. наиболее отчетливо наблюдается в инструментальных формах: симфонии, концерте, сонате, и в инструментальной камерной музыке (e.г., струнные квартеты Бетховена). Церковь музыка, как правило, была более консервативной, чем светские композиции, что также помогает объяснить, почему стилистические новшества наиболее ярко проявились в инструментальной музыке но были менее распространены в хоровой музыке того периода.

Хоровые и инструментальные формы накладывались друг на друга в классический период до беспрецедентная степень. Были присвоены формы, разработанные в инструментальной области. и хорошо применяется в хоровой музыке. Форма сонатного аллегро, например, часто встречается в частях сонаты или симфонии, также используется в разделах классических массы.Бетховен включил хоровые части в два инструментальных произведения, свою «Хоровую фантазию» и Девятую симфонию.

Этот период в истории музыки иногда называют «венским. Классический период », и он был сосредоточен в Вене. Бетховен, Гайдн и Моцарт, хотя ни один из них не был уроженцем Вены, все работали в Вене в течение значительного периода времени в своей карьере. Хотя Вена была центром музыкальной деятельности периода, классическая музыка не ограничена, а универсальна по духу и по своему характеру. стиль.

Важные формы

Важные формы хоровой музыки в классический период включали следующий:

Масса.

Масса продолжала оставаться важной формой для каждый из трех основных классических композиторов. В классический период массы вовлекали оркестр, солистов и хор в полностью интегрированную работу, использование организационных принципов, полученных из инструментальных форм.

Missa Brevis. Это

краткая трактовка массового текста может состоять из строго разграниченной разработки, одновременной установки нескольких строк текста или пропуск определенных разделов массы.

Missa Solemnis.

Когда хоровые музыканты обращаются к Missa Solemnis - обычно говорят о Бетховене. Месса ре мажор, веха в развитии хоровая музыка. Однако в более широком смысле этот термин относится к более сложным и расширенная музыкальная обработка массового текста, чем та, что используется в Missa Brevis.

Оратория.

Традиция оратории в стиле барокко, начатая Кариссими и достигнув высшей точки в творчестве Генделя, было продолжено в Классической периода преимущественно Гайдна, написавшего две оратории: Сотворение и Времена года, которые остались важная часть хорового репертуара.

Реквием.

Хотя многие музыкальные настройки Реквиемы были написаны в эпоху Возрождения и Барокко, Классика период произвел постановку Моцарта (завершена учеником после Моцарта смерть), ставшая основой хорового репертуара и двух постановок Керубини, которые тоже часто исполняют.

Вечерня.

Моцарт написал две настройки этой службы каждый из которых включает псалмы и магнификат, написанный для хора, квартета солисты и оркестр.

Хоровая симфония.

Симфония, включающая разделы написана для хора и оркестра. Самый ранний и, вероятно, самый известный пример это Девятая симфония Бетховена с участием хора и солисты в четвертой части.

Композиторы

Гайдн.

Франц Йозеф Гайдн родился в Рорау, Австрия, 1732 год. В возрасте восьми лет он был принят певчим в церковь Святого Стефана. Собор в Вене. Когда он покинул собор Святого Стефана в 1749 году, он стал помощником Николе Порпоре.В 1759 году он недолго работал музыкальным руководителем у графа Морзин, а в 1761 году работал помощником музыкального руководителя, а затем музыкального директор семьи Эстерхази, проживающей в их поместье. Он остался с Эстерхазис почти тридцать лет, до 1790 года.

В течение последнего десятилетия восемнадцатого века Гайдн дважды побывал в Лондон. Иоганн Петер Саломон нанял его для написания и проведения шести симфонии для его первого путешествия (1791-1792) и шесть для его второго (1794-1795). Появления Гайдна в Лондоне были очень успешными.

По возвращении в Вену в 1795 году Гайдн сочинил некоторые из своих самых значительных хоровая музыка. Шесть месс этого периода, сочиненная для князя Николая. Эстерхази (сын предыдущего нанимателя Гайдна) и две его оратории, «Сотворение мира» и «Времена года», принадлежат ему. наиболее значимые хоровые произведения. Всего хоровое произведение Гайдна включало двенадцать месс, три оратории, страсть, два Te Deums, Stabat Mater и еще несколько меньшие работы.

В последние годы своей жизни Гайдн был знаменитостью, чьи работы получили широкое признание. и ценится, в отличие от десятилетий, проведенных в относительной изоляции имение Эстерхази.Он умер в 1809 году в Вене.

Моцарт.

Вольфганг Амадей Моцарт родился в Зальцбурге, Австрия, 1756 год. В возрасте шести лет он уже умел играть на клавесине и скрипке. сочинял и выступал в Мюнхене и Вене. В возрасте от шести до пятнадцати лет Моцарт был с гастролями по Европе и Англии, организованными его отцом Леопольдом. Моцарт, придворный композитор Зальцбурга. Хотя он был вдали от дома больше более чем в половине случаев он создавал непрерывный поток композиций во время этого период.

В 1781 году Моцарт покинул Зальцбург и переехал в Вену, обучая, концертируя, путешествуя и продолжая постоянно сочинять. В отличие от Гайдна, который работал в уединении и относительной безвестности поместья Эстерхази в течение многих лет а затем, когда ему было за шестьдесят, он стал международной знаменитостью. международная известность в детстве и снижение общественного признания его музыки, когда он был взрослым.

К 1791 году здоровье Моцарта ухудшалось. Он получил комиссию, в результате которой в составе "Волшебной флейты".Он также был посетил представитель графа Вальсегга, заказавший реквием. Моцарт мог подумать, что пишет реквием для себя. Он умер раньше закончил работу, и ее закончил ученик Моцарта по имени Сассмайер, работа по наброскам Моцарта незавершенной части.

Хоровое произведение Моцарта включает восемнадцать месс, Реквием, две настройки вечерни и множество более коротких хоровых произведений. куски.

Бетховен.

Людвиг ван Бетховен был родился в Бонне, Германия, в 1770 году.Он приехал в Вену в 1792 году, где учился у Гайдн и Альбрехтсбергер. Его первые публичные выступления в Вене как пианист. и композитор пришел в 1795 году.

Бетховен протестовал против системы патронажа, которая привязывала музыкантов к услуга работодателя. Все более глухой, Бетховен в конце концов был вынужден уйти от публичных выступлений и сконцентрироваться на композиции. В отличие от Моцарта, который, казалось, задумал музыку в окончательной форме и который просто записал свои концепции, альбомы Бетховена содержат записи о его мучительной борьбе прийти к композиции, которую он считал удовлетворительной.

Бетховен был прежде всего композитором инструментальной музыки, и это в его симфонии, фортепианная музыка и струнные квартеты, переходящие от классики к Наиболее ярко проявляется романтический стиль. Тем не менее его хоровая музыка - это важная часть репертуара, и его месса ре мажор, Missa Solemnis, один из памятников Западная музыкальная традиция. Хоровое произведение Бетховена включало две мессы, оратория, два симфонических произведения с большими хоровыми разделами и несколько меньших куски.

Классический стиль

Самобытная музыка классического периода в стиле того, что предшествовало и последовало за ним. Некоторые вопросы, связанные с исполнительская практика в музыке эпохи Возрождения и барокко менее сложна, потому что на этот момент в истории музыки у нас есть более ясные и ясные указания от композитора о темпе, динамике и выразительности Музыка на рассмотрении.

Более того, с тех пор здесь были публичные выступления из этого репертуара. своего состава до настоящего времени.Это и помощь, и помеха в свете того факта, что на протяжении последних двух столетий некоторые романтические условности стали общепринятой частью исполнения этой музыки, и они не всегда соответствует аутентичному классическому стилю (та же проблема несоответствующие условные обозначения, добавленные в романтический период, существуют с репертуаром в стиле барокко и, в меньшей степени, музыкой эпохи Возрождения).

Классическая хоровая музыка имеет тенденцию быть более гомофонной и более легкой по текстуре. чем барокко.Эта легкость должна проникнуть в хоровые строки. Там по-прежнему ритмичная энергия и драйв, но без тяжести барокко Музыка.

Более легкое качество классической музыки также связано с ее более медленным звучанием. гармоничное движение. Музыка барокко с упором на вертикальную структуру и использование фигурного баса и бассо континуо, характеризуется частыми гармоническими меняется, иногда на каждом ударе. Классическая музыка намного меньше меняет аккорды часто, придавая ему более изящный охват и легкость формулировки, чем это созданный пульсирующим чувством клавесиниста, реализующего фигурный барочный басовая партия, поддерживающая хоровое пение, с быстро меняющейся приукрашенной аккорды.В классический период клавишник больше не был композитор / дирижер, но вместо этого был просто одним из участников оркестр. Клавиатурная часть должна быть менее навязчивой и менее высокой. украшен, чем работа в стиле барокко.

Хоровая музыка классического периода в целом консервативна, и поэтому часто содержит разделы бесплатного контрапункта, фуги и использования континуо, напоминающее барокко. Это особенно верно в отношении музыки. написано в начале периода.

Классическая эпоха была эпохой формальности. Музыка характеризовалась внимание к форме, элегантность и сдержанность. Формальная структура была основан на использовании тематической разработки и гармонической структуры.

Музыка классической эпохи отличается объективностью. Пока эмоции является важным аспектом всей музыки, в классический период эмоции были тщательно контролируется. Этот контроль очевиден при использовании динамики и выразительные различия внутри частей или движений композиции.Барокко понятие террасной динамики в сочетании с выражением единственной эмоции в данный раздел композиции был заменен классической чертой варьирования эмоциональное содержание данного движения, раздела или даже такта пьесы. Говоря динамически, это было достигнуто за счет использования крещендо и decrescendo.

Расцвет классицизма и романтизма

Определение периода.

Музыка конца восемнадцатого века часто описывалась как «классическая», и этот термин проблематичен по нескольким причинам.Подобно композиторам позднего Возрождения и раннего барокко, великие лидеры этой классической эпохи Йозеф Гайдн, Вольфганг Амадей Моцарт и молодой Людвиг ван Бетховен не подражали музыке классической античности, поскольку для них сохранилось мало старинной музыки. подражать. Скорее, использование термина «классическая» для описания своей музыки появилось в девятнадцатом веке среди тех, кто видел в этих композиторах музыкальный язык, выражающий гармонию, баланс и идеализированное чувство красоты - ценности, которые в то время рассматривались как сильно отличается от более эмоционального и бунтарского духа, обнаруженного в произведениях ранних романтиков, движения, которое долгое время считалось заменой «классического» стиля после 1800 года.Таким образом, термин «классическая» в этом смысле суммировал различия между музыкой этой короткой эпохи и предшествовавшего ей периода барокко, а также эпохи романтизма, которая вскоре последовала за ней. Такое простое обобщение оказалось трудно выдержать при ближайшем рассмотрении, поскольку более поздние исследования показали, что многие европейские композиторы в конце восемнадцатого века не полностью отказались от техник и форм, на которые долгое время полагались композиторы эпохи барокко. Не все приняли элегантную простоту и уравновешенность, типичные для произведений Моцарта или Гайдна.Этот классический стиль был распространен только среди определенных групп композиторов, особенно тех, которые жили и работали в австрийской столице Вены и ее окрестностях в конце восемнадцатого века, а также среди художников, которые подражали их музыкальному языку по всей Европе. Обозначение этого периода как «классического» также оказывается проблематичным, поскольку даже в произведениях двух высших образцов классического стиля - Гайдна и Моцарта - присутствуют элементы, предвещающие более бурный романтизм начала девятнадцатого века.В результате термин «классический» в последние годы стал ассоциироваться только с определенным типом музыкального стиля, популярным среди венских композиторов и их подражателей по всей Европе в течение относительно короткого периода в конце восемнадцатого века.

Восемнадцатый век и понятие музыкальной "классики".

Использование термина «классический» оказывается проблематичным и по другим причинам. В восемнадцатом веке возник современный феномен музыкальной публики для серьезной музыки.Около 1700 года те, кто посещал концерты и оперы или слушал музыку в церкви, ожидали услышать новую музыку. Крупные общественные мероприятия того времени требовали оригинальной музыки; эти композиции могли бы звучать еще несколько лет, но вскоре их заменили бы новые, как того ожидают слушатели от популярной музыки. В оперных театрах того времени также немногие произведения сохранились в репертуаре большинства компаний более чем на несколько лет. На протяжении восемнадцатого века происходили важные изменения в том, как люди думали о музыке и слушали ее.Сначала в Англии, затем в других частях Европы многие люди начали ценить великих композиторов начала восемнадцатого века и искали продолжать выполнять свои работы. Английское общество под названием «Концерт старинной музыки», основанное в Лондоне в 1776 году, посвятило себя организации концертов более ранней музыки, а в 1789 году, через тридцать лет после смерти Генделя, они организовали фестиваль, посвященный его музыке. Такое отношение к музыке во многом было похоже на почтение, которое развивалось в Англии восемнадцатого века по отношению к произведениям Шекспира, которые теперь были восприняты как литературные воплощения гения английского языка.Подобно музыке Генделя, произведения Шекспира быстро превращались в совокупность текстов, которые рассматривались как канонические литературные классики, которые необходимо постоянно возрождать, исполнять и отмечать на фестивалях. В музыкальном мире этот энтузиазм по поводу старой музыки вскоре распространился повсюду, поскольку группы в Германии и других частях Европы возродили музыку Иоганна Себастьяна Баха и других композиторов эпохи барокко. Сторонники этих возрождений считали музыку этих композиторов не только красивой, но и серьезной и образованной.Его исполнение могло воодушевить слушателей, в отличие от популярных песен того времени, которые они осуждали как аморальные и непристойные. Новые правила этих движений возрождения учили, что музыка прежних времен заслуживала особого внимания и что ее следует слушать в тишине и уважении. В результате этих ранних попыток возрождения возникло понятие «классическая музыка» как серьезная форма искусства. Представление публики, собирающейся на концерты, появившейся в конце восемнадцатого века, заключалось в том, что публичные выступления серьезной музыки должны включать не только новые композиции, но и сочинения, написанные много лет назад, в том числе еще в эпоху позднего барокко.

Музыкальные центры Европы.

Начиная с восемнадцатого века поклонники европейской серьезной музыки полагались на термин «классическая» двояко; они использовали его для обозначения всего корпуса сочиненной музыки, написанной в западной традиции, которая заслуживает серьезного прослушивания в каждую эпоху, даже если они также использовали это слово для описания короткого периода в конце восемнадцатого века, в котором доминировали элегантные, простые и сбалансированные работы таких фигур, как Гайдн и Моцарт.Оба деятеля разработали особый музыкальный язык, который часто называют «венским классицизмом». Бесспорно, что произведения этих композиторов активно изучались и копировались по всей Европе, что способствовало развитию "венских классических" композиторских школ даже в Финляндии. И все же Вена была лишь одним из многих важных музыкальных центров в Европе конца восемнадцатого века. Лондон а в Париже, например, были более энергичные и устоявшиеся традиции проведения публичных концертов, чем в Вене, и и Гайдн, и Моцарт на протяжении всей своей карьеры заботились о том, чтобы их музыка звучала и была известна в этих и других городах.Сегодня произведения Гайдна и Моцарта стали настолько широко известными, что стали в сознании многих людей синонимом всей концепции звука конца «восемнадцатого века». Однако огромная популярность этих работ, как правило, затемняет беспрецедентную композиционную активность и эксперименты, которые происходили во многих местах по всей Европе в этот период. Например, небольшой город Мангейм был столицей земли Рейнланд Пфальц на юго-западе Германии и, несмотря на свои размеры, был одним из крупнейших центров музыкальных инноваций того времени.Моцарт, Гайдн и другие великие венские композиторы были в курсе музыкальных событий, которые происходили там, и они писали произведения для великих виртуозов, которые были членами знаменитого оркестра города. Композиторы города, признанные еще в конце восемнадцатого века «школой Мангейма», разработали музыкальный язык, отличный от венского классицизма. Среди самых известных членов этой группы Иоганн Стамиц (1717–1757) и его сын Карл Стамиц (1734–1801) использовали быстрые динамические изменения и контрастирующие темы, элементы, которые продемонстрировали блестящую игру оркестра Мангейма.И Глюк, и Гайдн приветствовали другого композитора, получившего образование в Мангейме, Иоганна Мартина Крауса (1756–1792), как музыкального гения. Обученный в Мангейме и активно работающий в Париже и Стокгольме, с восемнадцатого века репутация Крауса затмила его почти точного современника Моцарта. Помимо Вены и Мангейма, Париж и ряд итальянских городов воспитывали композиторов и музыкантов, которые в то время приобрели международную репутацию.

ЧУДО МУЗЫКИ

введение: Подобно тому, как живопись и скульптура занимали центральное место в эпоху Возрождения, выдающиеся музыкальные достижения восемнадцатого века побудили многих комментаторов поэтично описывать большие успехи, достигнутые в музыкальном искусстве. в свое время.Пример этого можно увидеть в письме английского юриста и антиквара Дейнса Баррингтона Лондонскому Королевскому обществу в 1769 году, в котором он описал удивительные подвиги молодого Моцарта.

Сэр,

Если бы я отправил вам хорошо засвидетельствованный отчет о мальчике, рост которого составлял семь футов, когда ему было не более восьми лет, это могло бы быть сочтено заслуживающим внимания Королевского общества. . Пример, о котором я теперь желаю, чтобы вы сообщили этому образованному телу, уже с самого начала проявление самых экстраординарных музыкальных талантов, похоже, в равной степени, вероятно, потребует их внимания.

Иоанн Хризостом Вольфганг Теофил Моцарт родился в Зальцбурге 17 [на самом деле 27] января 1756 года. Один наиболее способный музыкант и композитор сообщил мне, что он часто видел его в Вене, когда он был немного старше. чем четыре года.

К этому времени он не только мог выполнять уроки на своем любимом инструменте, клавесине, но и сочинял в легком стиле и со вкусом, которые пользовались большим одобрением.

Его необыкновенные музыкальные таланты вскоре достигли ушей нынешней вдовствующей императрицы, которая ставила его на колени, пока он играл на клавесине.

Это замечание, сделанное на него таким великим человеком, вместе с определенным осознанием его самых необычных способностей, очень воодушевило маленького музыканта. Поэтому, оказавшись в следующем году в одном из немецких дворов, где курфюрст ободрил его, сказав, что ему нечего бояться его августейшего присутствия, маленький Моцарт тотчас же с большим доверием сел за свой клавесин и сообщил его высочеству, что играл перед императрицей.

В возрасте семи лет отец отвез его в Париж, где он настолько отличился своими композициями, что с него была сделана гравюра.

Отец и сестра, представленные на этой гравюре, очень похожи на свои портреты, как и маленький Моцарт, которого называют «Compositeur et Maitre de Musique, age de sept ans».

После имени гравера следует дата, которая находится в 1764 году. Таким образом, Моцарт был в это время на восьмом году своего возраста.

Покинув Париж, он перебрался в Англию, где прожил более года. Так как в это время я был свидетелем его самых выдающихся способностей как музыканта, как на некоторых публичных концертах, так и в том случае, когда я пробыл с ним наедине в течение значительного времени в доме его отца; Я отправляю вам следующий отчет, удивительный и невероятный, каким бы он ни казался.

Я принес ему рукописный дуэт, составленный английским джентльменом на любимые слова из оперы Метастазио Demofoonte .

Весь счет состоял из пяти частей, а именно. аккомпанементы для первой и второй скрипки, двух вокальных партий и баса.

Я намеревался носить с собой эту рукописную композицию, чтобы получить неопровержимое доказательство его способностей как игрока на виду, абсолютно невозможно, чтобы он когда-либо видел эту музыку раньше.

Как только партитура была положена на его стол, он начал виртуозно играть симфонию [то есть оркестровое вступление], а также в то время и в стиле, которые соответствовали замыслу композитора.

Я упоминаю об этом обстоятельстве, потому что величайшие мастера часто терпят неудачу в этих деталях при первом испытании.

Симфония закончилась, он взял верхнюю [вокальную] партию, оставив нижнюю своему отцу.

Его голос в этом тоне был тонким и детским, но ничто не могло сравниться с мастерством, с которым он пел.

Его отец, который принимал нижнее участие в этом дуэте, вылетал один или два раза, хотя проходы были не сложнее, чем в верхнем; в таких случаях сын оглядывался назад с некоторым гневом, указывая ему на его ошибки и исправляя его.

Однако он не только полностью воздал должное дуэту, исполнив свою партию в самом истинном вкусе и с величайшей точностью; он также добавил аккомпанементы двух скрипок туда, где они были наиболее необходимы, и произвел наилучшие эффекты.

Хорошо известно, что никто, кроме самых опытных музыкантов, не может аккомпанировать в этом превосходном стиле. …

Поскольку я сам был свидетелем большинства этих экстраординарных фактов, я должен признаться, что не мог не подозревать, что его отец навязан с учетом настоящего возраста мальчика, хотя он имел не только очень детскую внешность, но и имел все действия на этом этапе жизни.

Например, когда он играл для меня, вошел любимый кот, на котором он немедленно оставил свой клавесин, и мы не могли вернуть его в течение длительного времени.

Он также иногда бегал по комнате с палкой между ног через лошадь.

источник: Дейнс Баррингтон, «Рассказ об одном очень замечательном молодом музыканте», в Моцарт: Die Documente seines Lebens. Ed. О. Э. Дойч (Кассель: Bärenreiter, 1961): 86–90. Репродуцировано в Музыка в западном мире: история в документах. Ред. Пьеро Вайс и Ричард Тарускин (Нью-Йорк: Ширмер, 1984): 308–310.

Гайдн.

К последним годам восемнадцатого века Вена уже затмевала эти другие центры по большей части. частично из-за продуктивности его самых известных композиторов, Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта, и в самом конце века Людвига ван Бетховена, гражданина немецкого города Бонна, который поселился в городе и некоторое время учился с Гайдном.В Вене было много других музыкальных деятелей, некоторые из которых привлекли международное внимание в конце восемнадцатого века. Среди них были Карл Диттерс фон Диттерсдорф (1739–1799), композитор ряда опер и симфоний; Иоганн Альбрехтсбергер (1736–1809), композитор духовной и клавишной музыки, часто писал фуги; и Джозеф Эйблер (1765–1846), протеже великого Гайдна. Иоганн Непомук Хуммель, ученик Моцарта, также достиг зрелости в эпоху венского классицизма и продолжал писать музыку, отражающую его ценности в начале девятнадцатого века.Однако именно Йозеф Гайдн помог установить условности многих жанров оркестровой и инструментальной музыки, в которых писали венские мастера. Эти формы продолжали доминировать в серьезной музыке до наших дней. Влияние Гайдна было особенно важным в развитии симфонии, струнного квартета, сонаты и фортепианного трио. Он родился в скромных обстоятельствах и сначала получил образование певчих. Оставшись без средств в семнадцать лет, он занялся музыкальной карьерой.Он начал учиться композиции, в основном читая основные сочинения по теории музыки и изучая партитуры других крупных композиторов, в том числе Карла Филиппа Эмануэля Баха. Вскоре он стал аккомпаниатором в кабинете Никола Порпора, одного из ведущих оперных импресарио того времени и учителя вокала таких великих певцов, как Фаринелли и Каффарелли. Порпора предлагал все, что мог, когда Гайдн начал совершенствовать свои композиции, но Гайдн разработал музыкальный язык, который был явно его собственным даже в ранние годы.В течение 1750-1760-х годов композитор экспериментировал с новейшими стилями, сочиняя композиции с использованием техник. стилей Galant и Sensitive, и экспериментирует со способами выражения Sturm und Drang эмоций в своей музыке к концу этого периода. Самая длинная часть карьеры великого композитора прошла при дворе Эстерхази, одном из самых богатых и культурных аристократических кругов Центральной Европы. В семье Эстерхази работал один из крупнейших оркестров того времени, и через пять лет после назначения Гайдна в 1761 году он стал директором этого завидного музыкального заведения.Он оставался на этой должности до 1790 года, хотя его обязанности часто приводили его в Вену. В семье Эстерхази Гайдн должен был создавать музыку во всех популярных тогда жанрах, и, хотя изначально у него были некоторые проблемы в отношениях с графом, он постепенно приобрел большую независимость и благодаря публикации своих произведений в Австрии и за рубежом, он приобрел значительное состояние.

Произведения Гайдна и его влияние на форму сонаты.

Гайдн был чрезвычайно плодовит, хотя в течение поколений после его смерти ему ложно приписывали ряд работ.Сегодня его значительное количество новых сочинений включает 104 симфонии, 68 струнных квартетов, 29 трио, 14 месс и 20 опер. Гайдн является автором ряда концертов, сонат для фортепиано, а также множества небольших сочинений. Хотя он создал шедевры почти во всех жанрах, его чаще всего прославляют за славу, содержащуюся в его симфониях и струнных квартетах. Хотя Гайдн не создавал симфонию, он усовершенствовал ее форму и составил собрание симфоний, которые неизменно служили источником вдохновения для более поздних композиторов.Среди них Парижские симфонии (номера 82–87) обычно считаются первым набором шедевров зрелого стиля Гайдна. Их пригласили для выступления в масонской ложе этого города в 1785–1786 годах, и они были с энтузиазмом приняты с первого же слушания. Набор лондонских симфоний Гайдна (номера 93–104), завершенный в то время, когда композитор был жителем английской столицы, представляет собой его высшее достижение в этом жанре, и они по-прежнему остаются среди наиболее часто исполняемых оркестровых произведений восемнадцатого века.Благодаря своим многочисленным композиционным усилиям Гайдн также помог установить популярность сонатной формы, формы, которая все чаще использовалась для организации первой части фортепианных сонат, концертов и симфоний. Разработка этой формы помогла композиторам дать стандарты, которыми они могут руководствоваться в своей работе, и способы продемонстрировать свои навыки и творческое воображение. Это дало членам аудитории представление о том, что им слушать, чтобы они могли наслаждаться работой и ценить то, как композитор играет с формой.После того, как он принял свою основную форму, композиторы использовали форму сонаты на протяжении девятнадцатого и двадцатого веков. Движение в форме сонаты состоит из двух основных частей. В первой части, называемой «экспозицией», композитор сначала вводит основную музыкальную тему в основной тональности произведения, а затем вторую тему в связанной тональности. Вторая основная часть состоит из двух разделов. Первый из них называется «развитием», потому что композитор играет или развивает темы из первого раздела различными способами.Во втором разделе, «перепросмотре», композитор снова возвращается к основным темам, что напоминает экспозицию, хотя теперь произведение остается в его основном тональности. Некоторые части в форме сонаты могут просто заканчиваться каденцией, набором заключительных аккордов, в то время как другие могут добавлять коду или заключительный сегмент. Этот формат довольно прост и допускает множество вариаций и творчества. Хотя он был не единственным композитором, использовавшим эту форму, блестящее использование Гайдна сонатной формы неизменно вдохновляло композиторов с восемнадцатого века, которые полагались на нее.

Струнный квартет.

В конце восемнадцатого века струнные продолжали пользоваться самым большим уважением среди музыкальных инструментов, уступая только голосу по общему статусу. Группы струнных инструментов разного размера (и, следовательно, по высоте звука от низкого до высокого), играющие вместе, были обычным явлением с эпохи Возрождения. В середине восемнадцатого века композиторы изменили некоторые сочинения, которые они писали для скрипок и континуо. Они стали отдавать предпочтение струнным инструментам, обычно виолончели, для нижней или континуальной партии, а также включать среднюю партию для альта.Таким образом, клавесин, который часто играл партию континуо, постепенно исчез из этих ансамблей в пользу новой группы, состоящей только из струнных. Получившаяся группа из четырех голосов - двух скрипок, альта и виолончели - стала стандартной группой для композиторов и исполнителей, известной как струнный квартет. Огромные результаты Гайдна для этих струнных ансамблей помогли популяризировать форму струнного квартета и стандартизировать жанровую форму даже более окончательно, чем его оркестровые произведения повлияли на более позднее написание симфоний.Благодаря его усилиям струнный квартет в значительной степени утвердился как форма, состоящая из четырех частей, обычно из быстрых вступительных и заключительных частей, окружающих две внутренние части. Один из этих предметов интерьера обычно был написан как медленная часть, а другой часто был менуэтом. В его 68 квартетах ярко проявляется непрерывная адаптация композитора к меняющимся стилям и вкусам конца восемнадцатого века, а также глубина его творческого и лирического гения. Эти произведения, как и знаменитые парижские и лондонские симфонии композитора, демонстрируют чувство баланса, пропорции и идеализированной красоты, а также интеллектуальную согласованность и легкую разборчивость, которые часто отмечались как ключевые особенности музыкального языка венской классической эпохи. .За свою короткую жизнь Вольфганг Амадей Моцарт также сочинил 26 струнных квартетов несравненной красоты, хотя и по сей день остается во многом вопросом вкуса, какие произведения композитора предпочитает индивидуальный слушатель. Моцарт открыто признал свой большой долг перед Гайдном в совершенствовании его использования формы, когда он опубликовал свое почтение великому мастеру. "Шесть квартетов Гайдна" в 1785 году. Квартеты обоих композиторов входят в число величайших достижений западной музыкальной традиции и долгое время служили плодородным источником вдохновения для великих творческих работ, которые продолжали такие композиторы XIX века, как Бетховен, Шуберт и Брамс. сделать в жанре.

Моцарт.

В то время как великий гений Гайдна уже давно признан, его достижения побледнели в массовом воображении до достижений Вольфганга Амадея Моцарта, человека, который при жизни в Австрии и за ее пределами был признан божественно вдохновленным вундеркиндом. Гайдн написал мастерские композиции во многих жанрах, но оказал влияние на более поздние композиции, прежде всего, благодаря своим симфониям и струнным квартетам. Он также боролся с композицией, работая над своими произведениями, пока не получил нужные детали.Моцарт, напротив, за свою короткую жизнь собрал каталог произведений, в который вошли шедевры всех музыкальных жанров, распространенных в конце восемнадцатого века. Другими словами, он был великим универсальным гением, способным ставить церковную музыку и оперу так же, как и создавать крупные произведения для оркестра или небольшого ансамбля. В отличие от Гайдна, он, как сообщалось, совсем не трудился над своими сочинениями, но имел произвел их, продолжая беседы со своей семьей и друзьями. Обученный отцом, чтобы взять на себя роль музыкального руководителя в рамках традиционного двора, архиепископства Зальцбурга, Моцарт внес значительный вклад в церковную музыку в начале своей карьеры и продолжал писать духовную музыку на протяжении всей своей жизни.Его духовная музыка включала четырнадцать месс; две оратории и несколько духовных музыкальных драм; и 22 мотета, помимо его неполного, но мастерского «Реквиема » , одного из немногих шедевров, над которыми он работал в последние месяцы своей жизни. Он поставил пятнадцать опер, в частности его великие шедевры, «Свадьба Фигаро» в 1786 году и «Дон Джованни» в 1787 году, а также несколько других музыкальных драм, таких как Cosi fan tutte , La Clemenza di Tito и . Idomeneo , которые и сегодня вызывают огромное восхищение.Он написал 56 симфоний и 23 фортепианных концерта, а также множество эпизодов и танцевальной музыки для оркестра, небольших ансамблей и клавишных. Такое краткое описание едва ли затрагивает творчество Моцарта и не отражает многих мелких жемчужин, которые верный слушатель может обнаружить среди его опусов. Невозможно вкратце описать масштабы такого достижения, достижения, которое было сжато в короткий промежуток всего в 35 человек. лет, хотя поколения постоянно обращали внимание на мелодические изобретения композитора, его богатые гармонии и текстуры, его чувство элегантной красоты и его формальные пропорции.Его достижения долгое время считались лучшим выражением венской классической эпохи. И все же на более поздних этапах своей карьеры, особенно в последние годы жизни, композитор также экспериментировал с новым музыкальным языком, который должен был расцвести лишь позже, в эпоху романтизма. Его поздние работы предвосхитили более бурный романтический музыкальный язык, который Бетховен и другие венские композиторы должны были развить в начале девятнадцатого века.

Расцвет романтизма.

В последние годы восемнадцатого века композиторы в Вене и других европейских музыкальных центрах начали экспериментировать с новыми звуками и стилями, используя более широкий спектр возможностей, которые предлагали новые большие оркестры того времени. Они также использовали широкую популярность небольших камерных ансамблей, таких как струнный квартет. В Вене и других европейских музыкальных центрах многие композиторы начали экспериментировать с новыми звуками и стилями, и музыка стала очень быстро меняться.Эти изменения можно увидеть в карьере Людвига ван Бетховена, который учился у Гайдна в Вене в 1792 году. Хотя он был обучен изящной элегантности и рациональности венского классицизма, Бетховен вскоре начал экспериментировать с способами расширения возможностей этого стиля. Карьера Бетховена также совпала с важным изменением вкусов европейской публики и композиторов. К концу восемнадцатого века инструментальная музыка привлекала все больше и больше внимания, что было отходом от чувств эпохи Возрождения и барокко, которые высоко ценили вокальную музыку.Возрастающее значение инструментальной музыки было результатом нового взгляда на искусство. В частности, литературное движение, известное как романтизм, начало оказывать влияние на мир музыки, а также другие искусства. Его сторонники ценили чувства и эмоции выше слов и разума. Многие из них утверждали, что инструментальная музыка с ее абстракцией как от слов, так и от изображений, является самой благородной и высшей формой человеческого выражения. В то время как ранние композиторы-романтики, такие как Бетховен и Франц Шуберт, соблюдали основные правила гармонии и композиции, унаследованные ими от восемнадцатого века, они часто отходили от этих правил или тонко модулировали их, чтобы выразить свои сокровенные чувства и тем самым поднять дух аудитории.Таким образом, сторонники романтизма нарушили связь между мелодией и словом, риторический образец мысли, который вдохновлял многие музыкальные новинки семнадцатого и восемнадцатого веков. Хотя обычно верно сказать, что границы десятилетий или столетий слишком искусственны, чтобы отмечать конец художественных движений, разумно сказать, что около 1800 года ознаменовали важные изменения в европейской музыке. С этого времени новый романтизм должен был превзойти по важности давние чувства эпохи барокко и классицизма.

источников

Джон Ирвинг, "Классическая соната" в Словарь музыки и музыкантов New Grove. Ред. С. Сэди и Дж. Тиррелл. (Лондон: Macmillan, 2001).

Сандра Мангсен, «Соната барокко» в Словарь музыки и музыкантов New Grove. Ред. С. Сэди и Дж. Тиррелл. (Лондон: Macmillan, 2001).

Джеймс Вебстер, «Форма сонаты» в Словарь музыки и музыкантов New Grove. Ред. С. Сэди и Дж. Тиррелл. (Лондон: Macmillan, 2001).

Нил Заслав, изд., Классическая эра: с 1740-х до конца 18-го века (Энглвуд Клиффс, Нью-Джерси: Прентис Холл, 1989).

Композиторы классической эпохи: Моцарт, Гайдн и Бетховен - стенограмма видео и урока

Франц Йозеф Гайдн

Франц Йозеф Гайдн (1732–1809) был старшим из трех, другом и наставником Моцарта и Бетховена. Гайдн вырос недалеко от Вены в австрийской деревне. В возрасте семи лет он начал музыкальное образование, работая певчим в церкви Св.Стефана в Вене. Вена была музыкальным эпицентром в классический период, поэтому поездка в Вену для изучения музыки была своего рода поездкой в ​​Голливуд, чтобы попасть в кино.

В 1761 году Гайдн начал работать музыкальным руководителем при дворе венгерского аристократа, принца Пауля Эстерхази. В классический период работа придворным музыкантом у могущественного аристократа была одной из самых важных профессий, которую мог выполнять музыкант. Его работа заключалась в том, чтобы быть семейным iPod для семьи Эстерхазис: он писал музыку и организовывал для них концерты в качестве лидера большой группы штатных музыкантов.Он был известен как теплый, добрый руководитель: его любил оркестр и прозвал его «Папа Гайдн».

Гайдн проработал 30 лет на Эстерхази, и музыка, которую он написал для них, принесла ему международную известность. Его работы включали инструментальную музыку, такую ​​как симфонии и струнные квартеты, а также вокальную музыку, такую ​​как оперы и духовные произведения. Гайдн также известен как один из самых веселых композиторов в истории музыки. Он любил писать такие шутливые произведения, как «Симфония-сюрприз», произведение, которое убаюкивает публику нежной музыкой только для того, чтобы напугать их внезапным взрывом звука.

Вольфганг Амадей Моцарт

Современники Гайдна считали его величайшим композитором своего времени, но сам Гайдн назначил это место своему младшему другу Вольфгангу Амадею Моцарту (1756–1791). Моцарт родился в Зальцбурге, Австрия. Он был удивительным музыкальным вундеркиндом, который умел играть на клавесине и сочинять музыку к шести годам. Его отец, Леопольд Моцарт, стремился продемонстрировать талант своего сына; Моцарт провел большую часть своего детства, путешествуя по Европе со своим отцом и сестрой, давая концерты для членов королевской семьи и сановников.

До 20 лет Моцарт уже работал придворным музыкантом у могущественного архиепископа в Зальцбурге. Леопольд Моцарт был счастлив видеть своего сына в таком респектабельном положении, и он не был в восторге, когда Моцарт оставил свою работу в 1781 году, чтобы переехать в Вену и стать музыкантом-фрилансером. В Вене Моцарт публиковал сочинения, концертированные как пианист, а также ставил свои оперы. Между тем ему удалось сделать необычную, но успешную карьеру.

Моцарт наслаждался счастливым браком с певицей Констанц Вебер, хотя его растущая семья причиняла ему финансовые затруднения.Моцарт также подружился с Гайдном; они вместе играли в струнном квартете по выходным Гайдну. К сожалению, Моцарт умер от внезапной лихорадки в 1791 году, когда он начал писать оперы и симфонии беспрецедентной эмоциональной силы.

Людвиг ван Бетховен

Людвиг ван Бетховен (1770-1827) был страстным композитором, который овладел элегантным классическим стилем, а затем довел его до предела. Бетховен вырос в Бонне, Германия. Изнурительный алкоголизм его отца создал трудное детство для молодого Людвига: ему приходилось обеспечивать свою мать и братьев с юных лет.

Бетховен переехал в Вену в 1792 году, где он изучал композицию у Гайдна и начал работать пианистом и учителем для аристократических меценатов. В Вене он приобрел репутацию сильного, трогательного игрока на фортепиано и невероятно скверного характера.

Характер во многом был связан с постепенной потерей слуха, которая началась в его двадцатилетнем возрасте. Глухота Бетховена положила конец его карьере пианиста, но заставила его решительно заявить о себе миру через композицию. Его пятая симфония, написанная между 1807 и 1808 годами, длиннее, громче и насыщеннее, чем любая из симфоний Моцарта.Он изображает динамичное музыкальное путешествие от темной тональности до минор до торжествующей тональности до мажор. Многие думают, что эта симфония выражает решимость Бетховена преодолеть свою неблагоприятную судьбу.

Своими симфониями, сонатами для фортепиано и другими произведениями Бетховен привнес в классический стиль новый уровень драматизма. Его непростая жизнь стала такой же легендарной, как и его музыка, и позже композиторы смотрели на него как на образец совершенно новой концепции: идеи о том, что музыка может выражать личную историю композитора.Жизнь и музыка Бетховена помогли вдохновить музыкальный Романтизм , стиль, который доминировал в середине-конце 19 века. В романтизме композиторы используют музыку, чтобы рассказывать истории и передавать страстные эмоции.

Краткое содержание урока

Гайдн , Моцарт и Бетховен были тремя наиболее выдающимися композиторами музыки классического периода , эпохи истории музыки, которая длилась с середины 18 века до начала 19 века.Гайдн был австрийским композитором, который писал симфонии, струнные квартеты и другие произведения, работая в аристократической семье Эстерхази в качестве придворного музыканта. Моцарт был вундеркиндом, выросшим и написавшим оперы и симфонии огромной силы, работая музыкантом-фрилансером в Вене. Бетховен был немецким композитором, чьи революционные симфонии помогли создать новый музыкальный стиль, названный романтизмом.

Результаты обучения

После просмотра этого урока вы должны уметь:

  • Описывать музыку периода классической музыки
  • Изучите достижения Гайдна, Моцарта и Бетховена
  • Объясните, как Бетховен вдохновил романтизм

Гайдн, Моцарт, Бетховен и Шуберт: Большая четверка Вены

Более того, Гайдн был первым великим мастером того, что называется мотивационным развитием, в котором музыкальные фрагменты - несколько нот, мелодический поворот, ритмический жест - становятся строительные блоки для всей симфонии в нескольких частях.

Гайдн передал эту технику своему непокорному ученику Бетховену, который, несмотря на все свои представления о том, что он изобрел себя, был глубоко обязан Гайдну. Бетховен еще дальше продвинул технику развития мотивации. Если бы вы собирались представить Бетховена как величайшего композитора в истории, вы бы основали это на его способности сделать длинное произведение, подобное симфонии «Героическая», похожим на движущийся музыкальный памятник. Несмотря на все эпизодические сдвиги и повороты этой пьесы, поскольку она проходит через четыре резко контрастирующих движения, большая часть музыки создается из нескольких мотивов, которые вы слышите в начале.

Затем, на поздней стадии своей жизни, Бетховен вошел в царство, выходящее за пределы эпох и периодов. К тому времени совершенно глухой, Бетховен прикоснулся к мистическому. Каждый раз, когда я играю первую пьесу из Шести Багателей (соч. 126), последнее произведение Бетховена для фортепиано, я снова ошеломляю. Это, казалось бы, скромное произведение (как следует из названия), всего-навсего отдельная страница музыки, с ее обманчиво простой мелодией, удивительно странно, почти космически.

Моцарт тоже знал все о развитии мотивации.Но техника пришлась ему не так естественно. В душе он был театральным деятелем. Приятно видеть наброски к операм Моцарта, в которых все, что он пишет, - это вокальные партии, подходящие к словам, и нижняя басовая линия с несколькими аккордами тут и там. Ясно, что установить текст и получить драматическую структуру оперы было первой и самой сложной задачей. Все остальное было заполнено позже, что для Моцарта было довольно простым, но трудоемким процессом.

Когда Моцарт хотел написать симфонию или камерное произведение в манере Гайдна, как объект, движимый мотивами, он, безусловно, мог это сделать.Вспомните его последние три симфонии или шесть квартетов, которые он посвятил Гайдну. Но это потребовало огромных усилий, как он признал в трогательной самоотдаче этих квартетов.

Тем не менее, даже сонаты и симфонии Моцарта полны оперных штрихов. Когда я учился в музыкальной школе, я всегда был сбит с толку, когда коллеги-пианисты, заявлявшие, что им нравятся фортепианные концерты и сонаты Моцарта, говорили, что у них нет настоящего чувства к операм, поскольку они не являются их поклонниками. Как можно сыграть, скажем, Сонату Моцарта ре мажор (К.311), не погрузившись в оперы Моцарта? Рондо звучит как некий дуэт из «Женитьбы Фигаро». В главной теме вы почти можете услышать Сюзанну, которая застенчиво пытается вырваться из трудного положения своим страстным ревнивым Фигаро, который резко выражает свои подозрения, ведущие ко второй теме.

Классическая музыка

Классическая музыка

Классическая музыка - хронологический обзор чешского и Словацкие композиторы


1545-1616 Иржи Рыхновский - мэр чешского города Хрудим, композитор эпохи Возрождения

1550? -1629 Ян Сикст из Лерхенфельса - выдающийся чешский священнослужитель и композитор позднего Возрождения

1572-1622 Ян Кампанус Воднанский - чешский поэт, ученый и композитор периода позднего Возрождения

1600-1676 Адам Михна з Отрадович - первый известный чешский композитор эпохи барокко; автор чешских песенников.

1640-1693 Павел Иосиф Вейвановский - полевой трубач из Кромержиж, выдающийся деятель чешской музыки барокко.

1650-1721 Ян Антонин Лози - чешский лютнист и композитор со швейцарскими семейными корнями.

1679-1745 Ян Дисмас Зеленка - самый известный чешский композитор эпохи барокко, признанный самим И.С. Бахом

1684-1742 Богуслав Матей Черногорский - превосходный органист и композитор эпохи барокко

1694-1744 Франтишек Вацлав Мика - композитор позднего барокко и дирижер из Яромерице

1699-1773 Ян Зак - известный органист и скрипач в период перехода от барокко к классицизму

1709-1786 Франтишек Бенда - блестящий скрипач и композитор позднего барокко при дворе прусского короля Фридриха II.

1709-1789 Франтишек Ксавер Рихтер - композитор, певец, скрипач и педагог, главный представитель школы Мангейма

1713-1793 Петр Петко - словакский композитор, переход от барокко к классической музыке

1716-1782 Йозеф Сегер - композитор, органист и педагог эпохи позднего барокко

1717-1757 Ян Вацлав Стамич - пионер музыкального классицизма, помимо Ф.К. Рихтера главный представитель мангеймской школы

1721-1792 Паулин Баян - словацкий францисканский священник, композитор эпохи барокко и органист

1722-1795 Иржи Антонин Бенда - известный чешский композитор раннего классицизма; основатель мелодрам

1725-1791 Иржи Игнац Линек - пионер чешского классицизма, учитель в Бакове-над-Йизероу

1731-1799 Франтишек Ксавер Дусек - пианист-виртуоз и композитор, друг В.А.Моцарт и его хозяин в Праге

1732-1771 Франтишек Ксавер Брикси - выдающийся чешский композитор раннего классицизма, капельмейстер собора Святого Вита

1734-1789 Юзеф Панталеон Росковский - словацкий композитор и музыкант на этапе перехода от барокко к классике

1737-1781 Йозеф Мысливечек - наверное, самый известный чешский композитор 18 века. Работал в Италии («Божественный Чех»)

.

1739-1813 Ян Кртитель Ванхал - известный чешский композитор и педагог, представитель венского классицизма

1739-1818 Гаудентиус Деттельбах - словацкий композитор на переломе барокко и классицизма; Францисканский монах, педагог и органист.

1746-1801 Карл Стамич - сын Яна Вацлава Стамича, отличный скрипач, продолжатель традиций Мангеймской школы

1748-1816 Йозеф Фиала - выдающаяся личность европейского музыкального классицизма; Друг Моцарта, уважаемый виртуоз виолончели и гобоя.

1751-1829 Ян Кртитель Кучар - лучший органный музыкант, композитор, друг и пропагандист В.А. Моцарта

1752-1795 Йозеф Рейча - отличный виолончелист, композитор и дирижер, продолжатель традиций Мангеймской школы

1756-1785 Карел Блажей Коприва - отличный органист и композитор из усадьбы Citoliby

1756-1808 Павел Враницкий - скрипач и выдающийся композитор, друг Гайдна, Моцарта и Бетховена

1758-1825 Йозеф Елинек - отличный пианист, друг Гайдна и Моцарта.

1760-1812 Ян Ладислав Дусик - фортепианный виртуоз и великий композитор перехода от классицизма к романтизму

1761-1820 Антонин Враницкий - отличный скрипач, композитор (ученик Гайдна и Моцарта) и педагог

1765-1815 Якуб Ян Рыба - учитель из Розмитала, автор популярной чешской рождественской мессы (Эй, мастер!)

1770-1836 Антонин Рейча - чешский композитор классического и раннего романтического периодов; Друг Бетховена, пионер в использовании духовых инструментов

1774-1850 Ян Вацлав Томашек - композитор и педагог, ведущая личность музыкальной жизни Праги 1-й половины 19 века

1778-1837 Иоганн Непомук Хаммель - австрийский композитор, виртуоз фортепиано и педагог, родившийся в Словакии; Вундеркинд, ученик Моцарта и Гайдна

1791-1825 Ян Вацлав Гуго Воришек - композитор и музыкант, представитель австрийской ветви чешской эмиграции периода перехода классицизма в романтизм

1801-1862 Франтишек Скроуп - музыкант, певец, дирижер и композитор эпохи чешского национального возрождения, автор чешского государственного гимна

1806-1833 Йозеф Славик - композитор и отличный скрипач по прозвищу Чех Паганини

1824-1884 Бедржих Сметана - чешский национальный композитор

1834-1874 Вилем Блодек - чешский композитор-романтик, автор популярной оперы «В колодце»

1838-1897 Карел Бендл - чешский композитор-романтик, певец, дирижер и педагог

1841–1904 Антонин Дворжак - самый популярный чешский композитор всех времен; директор Национальной консерватории Нью-Йорка

1843-1913 Давид Поппер - чешский виолончелист и композитор еврейского происхождения

1850-1900 Зденек Фибич - известный чешский композитор-романтик

1854-1928 Леоша Яначека - вместе с А.Дворжак, самый уважаемый чешский композитор

1855-1937 Йозеф Клика - композитор позднего романтизма, профессор органа Пражской консерватории

1859-1951 Йозеф Богуслав Ферстер - композитор романтического периода и его продолжение в современной музыке 20 века

1862-1920 Карел Коварович - композитор и отличный дирижер, прославивший Чешский национальный театр оперы во всем мире

1874-1935 Йозеф Сук - композитор перехода романтизма в современную музыку ХХ в.В., ученик и зять А.Дворжака

г.

1890-1959 Богуслав Мартину - вместе с Яначеком - крупнейший чешский композитор ХХ века.

1890-1949 Витезслав Новак - один из основоположников чешской современной музыки, ученик А.Дворжака

1893–1973 Алоис Хаба - ученик В. Новака, одного из самых смелых авангардистов чешской музыки.

1904-1959 Эмиль Франтишек Буриан - поэт, режиссер, композитор многих стилей и лиц, ученик Я.B.Foerster

1906-1942 Ярослав Езек - ученик Йозефа Сука, автор самых известных песен Освобожденного театра и авангардных произведений в классическом стиле.

1907-1983 Вацлав Троян - чешский композитор, музыкант и педагог, ученик В. Новака и А. Хаба.

1911–1989 Ян Циккер - соучредитель современной словацкой музыки.

1922-2006 Отмар Маха - выдающийся композитор чешской современной музыки.

* 1922 Илья Гурник - выдающийся современный чешский композитор, писатель, педагог и популяризатор

1929-2007 Петр Эбен - всемирно признанный композитор современной музыки (часто на религиозные и детские темы)

1936-2006 Душан Мартинчек - признанный современный словацкий композитор, пианист и педагог

* 1945 Степан Рак - отличный чешский гитарист и композитор


Если вы хотите узнать больше о чешской классической современной музыку, посетите musica.cz замечательный музыкальный сервер.

.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*