История стиля барокко — Архитектура

Монументальная архитектура Италии 17 века удовлетворяла почти исключительно запросы католической церкви и высшей светской аристократии. В этот период строятся главным образом церковные сооружения, дворцы и загородные виллы.
Тяжелое экономическое положение Италии не давало возможности возводить очень крупные сооружения. Вместе с тем церковь и высшая аристократия нуждались в укреплении своего престижа, своего влияния. Отсюда — стремление к необычным, экстравагантным, парадным и острым архитектурным решениям, стремление к повышенной декоративности и звучности форм.
Строительство импозантных, хотя и не столь крупных сооружений способствовало созданию иллюзии социального и политического благополучия государства.
Барокко достигает наибольшего напряжения и экспрессии в культовых, церковных сооружениях; его архитектурные формы как нельзя лучше отвечали религиозным принципам и обрядной стороне воинствующего католицизма. Строительством многочисленных церквей католическая церковь стремилась укрепить и усилить свой престиж и влияние в стране.
Стиль барокко, вырабатывавшийся в архитектуре этого времени, характеризуется, с одной стороны, стремлением к монументальности, с другой — преобладанием декоративного и живописного начала над тектоническим.
Подобно произведениям изобразительного искусства, памятники архитектуры барокко (особенно церковные сооружения) рассчитаны были на усиление эмоционального воздействия на зрителя. Рациональное начало, лежавшее в основе искусства и архитектуры Ренессанса, уступило свое место началу иррациональному, статичность, спокойствие — динамике, напряжению.
Барокко — стиль контрастов и неравномерного распределения композиционных элементов. Особое значение в нем получают крупные и сочные криволинейные, дугообразные формы. Для сооружений барокко характерны — фронтальность, фасадность построения. Здания воспринимаются во многих случаях с одной стороны — со стороны главного фасада, нередко заслоняющего объем сооружения.
Барокко уделяет большое внимание архитектурным ансамблям — городским и парковым, однако ансамбли этого времени основаны на иных началах, чем ансамбли Ренессанса. Барочные ансамбли Италии строятся на декоративных принципах. Для них характерны изолированность, сравнительная независимость от общей системы планировки городской территории. Примером может служить самый крупный ансамбль Рима — площадь перед собором св. Петра.
Колоннады и декоративные стенки, замыкающие пространство перед входом в собор, прикрыли беспорядочную, случайную застройку, находящуюся за ними. Между площадью и примыкающей к ней сложной сетью проулков и случайных домов нет связи. Отдельные здания, входящие в состав барочных ансамблей, как бы утрачивают свою самостоятельность, всецело подчиняясь общему композиционному замыслу.
Барокко по-новому поставило проблему синтеза искусств. Скульптура и живопись, играющие в зданиях этого времени очень большую роль, переплетаясь между собой и нередко заслоняя или иллюзорно деформируя архитектурные формы, способствуют созданию того впечатления насыщенности, пышности и великолепия, которое неизменно производят памятники барокко.
Огромное значение для формирования нового стиля имело творчество Микеланджело. В своих произведениях он разработал ряд форм и приемов, которые были использованы позже в архитектуре барокко. Архитектор Виньола также может быть охарактеризован как один из непосредственных предшественников барокко; в его произведениях можно отметить целый ряд ранних признаков этого стиля.
Новый стиль — стиль барокко в архитектуре Италии — приходит на смену Ренессансу в 80-х годах 16 века и развивается на протяжении всего 17 и первой половины 18 столетия.
Условно, в пределах архитектуры этого времени, могут быть выделены три этапа: раннее барокко — с 1580-х до конца 1620-х годов, высокое, или зрелое, барокко — до конца 17 века и позднее — первая половина 18 века.

115,Pеrola barroca — художественный стиль барокко

На закате эпохи Возрождения, в конце XVI века появился новый стиль – барокко. Именно о нем пойдет речь в данной статье.

Барокко (итал. barocco — «причудливый», «странный», «склонный к излишествам», порт. perola barroca — дословно «жемчужина с пороком») – это стиль в искусстве вообще и архитектуре в частности.

Родиной этого стиля принято считать некоторые итальянские города: Рим, Венецию и Флоренцию. Сразу нужно подчеркнуть, что эпоха барокко с самого начала резко противопоставила себя классицизму и рационализму.

Блок: 1/6 | Кол-во символов: 518
Источник: https://interesnyefakty.org/barokko/

История появления стиля

Художественный стиль барокко зародился в конце 16 века в Италии. Историю названия связывают с португальскими моряками, которые словом barocco обозначали бракованные жемчужины неправильной формы. Итальянцы охотно переняли термин, объединив им вычурные и странные проявления нового культурного течения.

Возникновение барокко связывают с угасанием эпохи Ренессанса: отказавшись от представлений о классической гармонии и строгом миропорядке, творцы сосредоточились на борьбе разума и чувств. Отныне в центре их внимания – силы стихий, экспрессия, мистицизм.

В течение 17-18 веков барокко в архитектуре, искусстве и музыке широко распространилось по Европе и Америке, пришло в Россию. Расцвет стиля совпал с укреплением абсолютных монархий, освоением колоний, усилением католицизма. Логично, что и в градостроительстве он проявился масштабностью и монументальностью.

Блок: 2/11 | Кол-во символов: 915
Источник: https://www.TopDom.info/article/catarticle1/articlenews405.php

Эпоха барокко

Условно считается (как и все исторические периоды), что эпоха барокко продолжалась в течение XVI-XVIII вв. Интересно, что все началось с Италии, которая к 16 веку стала заметно ослабевать на международной арене в экономическом и политическом плане.

Французы и испанцы активно проводили свою политику в Европе, хотя Италия по-прежнему оставалась культурным центром европейского общества. А силу культуры, как известно, определяет ее умение приспосабливаться к новым реалиям истории.

Вот и итальянская знать, не имея денег на постройку богатых дворцов, демонстрирующих их мощь и величие, обратилась к искусству, чтобы с его помощью создать видимость богатства, силы и процветания.

Именно так наступила эпоха барокко, ставшая важным этапом в развитии мирового искусства.

Важно подчеркнуть, что жизнь людей в это время начала основательно меняться. Для эпохи барокко характерно много свободного времени. Горожане предпочитают рыцарским турнирам (см. интересные факты о рыцарях) прогулки на лошадях («карусели») и игру в карты, паломничествам – гуляние в парке, мистериям – театры.

Старые традиции, основанные на суевериях и предрассудках, отпадают. Выдающийся математик и философ Декарт выводит формулу: «Я мыслю, следовательно, существую». То есть общество перестраивается на другое мышление, где здраво не то, что сказал какой-то авторитет, а то, что можно математически точно объяснить любому разумному существу.

Интересен факт, что в профессиональной среде вокруг самого слова «барокко» происходит больше споров, чем об эпохе, как таковой. С испанского языка barroco переводится, как жемчужина неправильной формы, а вот с итальянского – baroco обозначает ложный логический вывод.

Этот второй вариант выглядит наиболее правдоподобным вариантом происхождения спорного слова, так как именно в эпоху барокко в искусстве наблюдалась какая-то гениальная нелепость, и даже причудливость, поражающая воображение своей напыщенностью и величием.

Блок: 2/6 | Кол-во символов: 1951
Источник: https://interesnyefakty.org/barokko/

Характерные черты барокко

Торжественную, сложную, богато декорированную стилистику использовали при возведении городских дворцов, резиденций, монастырей. Архитектурные решения придворных зодчих подчинены одной идее: удивлять и восхищать.

Форма

Главной особенностью барокко является создание искривленного пространства, где плоскости и объемы – криволинейны и перетекают друг в друга, в планах преобладают эллипсы и прямоугольники.

В дизайне фасадов широко используется раскреповка, когда часть стены выставляется чуть вперед или наоборот заглубляется вместе со всеми элементами. Получается чередование выпуклых и вогнутых секций с эффектом пространственной иллюзии.

Еще более выразительной фасадную композицию делают всевозможные эркеры, башни и балконы.

Ордер

Отличительный признак барочных зданий – сознательное нарушение пропорций в античной ордерной системе.

Части ордера (база, антаблемент, капитель) растягиваются, накладываются друг на друга, скручиваются; прежде гармоничная структура (соразмерная человеку) приобретает массивность и рваный ритм.

Внешний и внутренний декор

К основным чертам барокко относят также чрезмерное украшательство, дававшее немало поводов для обвинений в безвкусице.

Стены практически исчезают под лепниной, росписью, резными панелями, скульптурами, колоннами, зеркалами. Стремление к гигантизму проявляется в тяжеловесной мебели, огромных шкафах, лестницах. Если говорить о барокко кратко, то это стиль излишеств. За счет чередования освещенных и затененных зон, настраиваемого бокового освещения мастера создавали оптические эффекты расширения пространства. Золотистые, голубые, розовые цвета задавали торжественную атмосферу.

Связь с окружающим пространством

Наше описание стиля барокко было бы неполным без акцента на союз построек с прилегающей территорией: городской площадью, парком, садом. Это была прогрессивная тенденция, здания стали восприниматься единым целым с ландшафтом: отныне фонтаны, скульптурные композиции, разбитые дорожки и газоны – полноправная часть дворцовых ансамблей.

Блок: 3/11 | Кол-во символов: 2093
Источник: https://www.TopDom.info/article/catarticle1/articlenews405.php

Стиль барокко

Для стиля барокко характерны контрастность, динамичность и напряженность, а также отчетливое стремление к пышности и внешнему величию.

Интересно, что представители данного направления чрезвычайно органично объединяли разные стили искусства. Одним словом, Реформация и учение Коперника сыграли ключевую роль в закладке фундамента стиля барокко.

Если для эпохи Возрождения свойственно было воспринимать человека, как меру всех вещей и разумнейшее из существ, то уже Блез Паскаль иначе осознает себя: «чем-то средним между всем и ничем».

Блок: 3/6 | Кол-во символов: 550
Источник: https://interesnyefakty.org/barokko/

Архитектурные элементы барокко

• Барочные фасады активно оформляют колоннами, объемным крупным рельефом, фронтонами лучкового типа.

Богато отделанные наличники обязательно оснащены замковым камнем. Окна выполняются в виде овалов, полусфер, прямоугольных проемов. Вместо колонн для поддержки балочных перекрытий, балюстрад и сводов крыши устанавливают статуи кариатид и атлантов.

• Монументальные скульптурные композиции – один из характерных элементов стиля.

Поза и выражение лица мифологических и библейских фигур передают эмоциональное напряжение, драматизм сюжета, что отвечает концепции сложного устройства мира и человеческих страстей.

• Традиционные барочные орнаменты включают арабески, гирлянды, раковины, картуши, цветочные вазы, рога изобилия, музыкальные инструменты.

Каждая деталь пышно обрамлена. В связке исторически близких стилей барокко, рококо и классицизма первый существенно выделяется любовью к чрезмерному декору. Эту черту подхватит затем рококо, сделав больший акцент на изящество и утонченность.

• Одна из особенностей архитектурного барокко – активное использование в фасадном дизайне маскаронов (маска в виде человеческого лица или морды животного, расположенных анфас).

Изготавливали их из камня и гипса, размещали над входной дверью, оконными проемами, арками. У каждой маски свой характер: спокойный, устрашающий, комический. Тематические маскароны выбирали в соответствии с профилем заведения: на суд вешали изображения богини правосудия, львиные головы, на театр – драматических персонажей, на церковь – ангелов и детей.

Блок: 4/11 | Кол-во символов: 1590
Источник: https://www.TopDom.info/article/catarticle1/articlenews405.php

Искусство барокко

Искусство барокко отличается, прежде всего, необыкновенной пышностью форм, оригинальностью сюжетов и динамизмом. В художестве преобладает броская цветистость. В живописи наиболее выдающимися представителями этого стиля были Рубенс и Караваджо.

Глядя на некоторые картины Караваджо, невольно поражаешься динамичности его сюжетов. Игра света и тени невероятно тонко подчеркивает различные эмоции и переживания героев. Интересен факт, что влияние этого художника на искусство было столь большим, что появился новый стиль – караваджизм.

Некоторые последователи сумели перенять от своего учителя натурализм в передаче на холст людей и событий. Питер Рубенс, обучаясь в Италии, стал последователем Караваджо и Каррачи, освоив их технику и переняв стиль.

Видным представителем искусства барокко были также фламандский живописец Ван Дейк и голландец Рембрандт. В Испании этому стилю следовал выдающийся художник Диего Веласкес, а во Франции — Никола Пуссен.

К слову сказать, именно Пуссен начал закладывать основы нового стиля в искусстве – классицизма.

Блок: 4/6 | Кол-во символов: 1064
Источник: https://interesnyefakty. org/barokko/

Стиль барокко в Италии

В каждой из стран новый архитектурный стиль проявился под влиянием политических, социальных и культурных условий. В этом плане можно говорить о национальных видах барокко: итальянском, французском, испанском, немецком, английском, русском.

В мировом наследии итальянское барокко считается первоисточником и вдохновителем. Ведущую роль в развитии архитектуры взял на себя Ватикан. Католическая церковь в 16 веке начинает активное строительство храмов и соборов, причем не столько внушительных по масштабу, сколько величественных и эмоционально заряженных по оформлению.

В числе первых создали знаменитую церковь Иль-Джезу, проект Джакомо Бароцци да Виньола. В дизайне главного фасада сочетаются несколько ордеров. Широкие волнообразные волюты по бокам связывают оба фасадных яруса, такое решение стало хрестоматийным для церквей этого периода.

Крупнейшие итальянские архитекторы барокко17 века – Лоренцо Бернини, Франческо Борромини, Гварино Гварини, Карло Райнальди. На весь мир известна площадь Святого Петра в Риме – проект Л.Бернини, где колоннада создает искусственную перспективу и зрительно увеличивает размеры собора.

Блок: 5/11 | Кол-во символов: 1179
Источник: https://www.TopDom.info/article/catarticle1/articlenews405.php

Барокко в архитектуре

Архитектура, выполненная в стиле барокко, отличается пространственным размахом и сложными, криволинейными формами. Множественные скульптуры на фасадах и в интерьерах, различные колоннады и масса раскреповок создают пышность и величественный вид.

Архитектурный ансамбль «Цвингер» в Дрездене

Купола приобретают сложные формы, и нередко имеют несколько ярусов. Пример может служить купол в соборе Святого Петра в Риме, архитектором которого был Микеланджело Буонарроти.

Наиболее значимыми произведениями барокко в архитектуре считаются Версальский дворец и здание Французской Академии в Париже. К крупнейшим в мире ансамблям барокко относят Версаль, Петергоф, Цвингер, Аранхуэс и Шёнбрунн.

Вообще надо сказать, что архитектура этого стиля распространилась во многих европейских странах, в том числе и в России, под влиянием Петра Великого.

Стиль «Петровское Барокко»

Блок: 5/6 | Кол-во символов: 884
Источник: https://interesnyefakty.org/barokko/

Французское барокко

Основные характеристики барокко во Франции проявились больше во внутреннем убранстве, в фасадной же отделке доминирует классицизм.

Яркий образчик такого подхода – Версальский дворец, спроектированный Луи Лево и Жюлем Ардуэн-Мансаром. Барочная тема в дизайне фасада обозначена только скульптурами, которые экспрессивностью форм контрастируют с прямой геометрией здания.

Пышное барочное убранство преобладает в дворцовых интерьерах, особенно в залах Войны и Мира, Зеркальной галерее.

Французские архитекторы соединяют барокко и классицизм в оформлении городских особняков, загородных резиденций. Художественная фантазия уступает ведущую роль строгости форм. Основные зодчие периода – Жак Лемерсье, Франсуа Мансар, Луи Лево.

Замковая архитектура переходит от традиционных четырехугольных в плане крепостей к ансамблям из центрального здания и боковых крыльев, с подъездными путями и окультуренными садами. Объемы упрощаются, на фасаде сокращается число лепнины, становятся скромнее размеры – таковы примеры барокко в оформлении замков Во, Монморанси, Шане, Мэзон-Лафитт.

Блок: 6/11 | Кол-во символов: 1126
Источник: https://www.TopDom.info/article/catarticle1/articlenews405.php

Музыка барокко

Говоря об эпохе барокко, невозможно обойти стороной музыку, так как она в этот период также претерпевала значительные изменения. Композиторы объединяли масштабные музыкальные формы, одновременно пытаясь противопоставлять хоровое и сольное пение, голоса и инструменты.

Возникают различные инструментальные жанры. Наиболее видными представителями музыки барокко являются Бах, Гендель и Вивальди.

Подводя итог можно с уверенностью сказать, что эта эпоха породила гениев мирового значения, которые навсегда вписали свое имя в историю. Творчеством многих из них до сих пор украшены лучшие музеи разных стран.

Понравился пост? Нажми любую кнопку:

Блок: 6/6 | Кол-во символов: 657
Источник: https://interesnyefakty.org/barokko/

Архитектура Испании, Португалии и Латинской Америки

Наиболее явно направление барокко проявилось в работах испанских братьев Чурригера (17-18 век), их творчество даже получило собственное название – чурригереско.

Фасады и интерьеры изобилуют пышными украшениями и перенасыщены деталями: изломанными фронтонами, волнообразными карнизами, завитками, гирляндами, балюстрадами. Самое известное здание такого барокко – Собор Святого Иакова в Сантьяго-де-Компостела.

Другая часть испанской архитектуры развивалась под влиянием итальянских и французских традиций. Характерный пример – Королевский дворец в Мадриде, построенный по подобию Версаля зодчими из Италии: Филиппо Юварра, Джованни Саккетти, Франческо Сабатини. По-классически строгие фасады сочетаются здесь с великолепным барочным убранством интерьеров.

Португальские дворцы в стиле барокко входят в мировое культурное наследие:

• Фасад дворца Райо (проект Андре Соареша) обильно украшен лепниной, за счет многообразия форм создается эффект динамичности.

• Самый большой в стране королевский дворец Мафра объединяет базилику, грандиозную библиотеку и францисканский монастырь.

• Дворец Матеуш (проект итальянца Николау Насони) имеет статус Национального монумента Португалии, вокруг разбит парк с мраморными скульптурами.

Распространившись в Новый Свет, барочный стиль завоевал сторонников от Аргентины до Мексики. Типичные примеры – соборы в Таско и Мехико, перегруженные декором, с гипертрофированными угловыми башнями.

Блок: 7/11 | Кол-во символов: 1522
Источник: https://www.TopDom.info/article/catarticle1/articlenews405.php

Барокко в интерьере

Для стиля барокко характерна показная, порой даже утрированная роскошь, хотя этот стиль сохраняет в себе такую важную черту классического стиля, как симметрия.

Роспись в интерьерах стиля барокко является одной из основных, необходимых доминант. Потолок, украшенный яркими богатыми фресками, стены из расписанного мрамора и позолота — частые приемы украшения интерьера в стиле барокко. В барочном интерьере часто используются контрастные цвета: например мраморный пол в стиле шахматной доски где черные и белые плиты чередуются в шахматном порядке. Применение золота и позолоты в интерьере повсеместно. Каждый уголок интерьера должен быть богато декорирован.

Мебель стала настоящим предметом искусства, ее вычурность и богатство, казалось, предназначалась лишь для украшения интерьера, и не носили утилитарного характера. Стулья, диваны и кресла обиты дорогой, богато окрашенной тканью, гобеленами. Кровати огромны, с балдахинами и струящимися вниз покрывалами. Шкафы также больших размеров, декорированные и инкрустированные. Зеркала украшены скульптурами и лепниной с растительным узором, часто позолоченные. В качестве материала для мебели часто использовали южный орех и цейлонское черное дерево.

Стиль барокко очень помпезен и не подойдет для небольших интерьеров, так как массивная мебель, богатый декор, яркие цвета росписей занимают много места и привлекают много внимания. Это дворцовый стиль поэтому он требует помещений с высокими потолками и большим метражом комнат.

Однако и в современном небольшом интерьере можно со вкусом использовать некоторые детали стиля барокко, чтобы воссоздать его дух. Так к примеру можно ввести в интерьер предметы барочного декора — вазы с растительными орнаментами, зеркало в богатой позолоченной раме с лепниной, рамы для картин такого же стиля, стулья или кресла в стиле барокко с резными спинками и гобеленовой обивкой. Часть стен можно украсить гобеленами или обоями имитирующими гобелен.

Освещение — лампы в роскошных цветных тканевых абажурах, позолоченные подсвечники.

Обилие струящихся тканей, затейливо задрапированных гардин — также характерные черты барочного интерьера.

Интересным дополнением к барочному интерьеру могут стать витражи и живопись.

В первой половине XVIII века стиль Барокко развился в стиль интерьеров — Рококо во Франции во время регентства Филиппа Орлеанского, наивысшее развитие Рококо получил в Баварии.

Блок: 7/7 | Кол-во символов: 2412
Источник: https://stilys.com/styles/baroque

Русское барокко

В российской империи архитектурный стиль развивался особым путем. Взяв за основу традиции русского зодчества, он обогатился во времена Петра Первого западноевропейскими канонами. Высшая точка пришлась на середину 18 века, когда на Западе уже шел отказ от пышности в пользу строгости классицизма.

Особенности барочного стиля в России:

• Архитектурные планы и объемные композиции отличаются простотой и более четкой структурой.
• Основной материал для фасадной отделки – штукатурка с гипсовыми деталями, а не камень, как на Западе. Поэтому идет больший акцент на орнаментальную лепку и цветовые решения.
• Здания русского барокко выполнены в ярких и контрастных красках (голубых, белых, желтых, красных, синих), покрыты позолотой, сложные кровли изготовлены из белой жести. В комплексе создается праздничный, мажорный характер.

В развитии отечественного зодчества принято выделять несколько исторических этапов.

Московское барокко конца 17 века

Сюда входят направления, названные по фамилиям покровителей.

Характерные черты нарышкинского стиля барокко: симметрия, ярусность, центричность, белые детали на красном фоне. Здесь объединяются техника древнерусского деревянного и каменного строительства с европейской готикой, маньеризмом, ренессансом. В таком виде спроектирована знаменитая многоярусная церковь Покрова Пресвятой Богородицы в Филях.

Голицынское направление использует во внутреннем убранстве только барочный декор. Архитектурное достояние – церковь Знамения Пресвятой Богородицы в Дубровицах.

Строгановские постройки имеют пятиглавый силуэт (традиционный для русского храма). Барочный декор здесь чрезвычайно насыщенный и детализированный. Примером служит Смоленская церковь в Нижнем Новгороде.

Блок: 8/11 | Кол-во символов: 1770
Источник: https://www.TopDom.info/article/catarticle1/articlenews405.php

Петровское барокко на рубеже 17-18 веков

При Петре I в России работают иностранные архитекторы, которые передают европейский опыт отечественным мастерам. Немец Андреас Шлютер создает Грот в Летнем саду Петербурга. Иоганн Готфрид Шедель, тоже из Германии, руководил строительством дворца Меньшикова на Васильевском острове, в Ораниенбауме, Стрельне, Кронштадте. В проектах присутствует барочная торжественность, а вот стены выполняются плоскостными, без искривленных иллюзий.

Блок: 9/11 | Кол-во символов: 493
Источник: https://www.TopDom.info/article/catarticle1/articlenews405.php

Барочная архитектура середины 18 века

В эпоху правления императрицы Елизаветы (1740–1750-е годы) наступает период зрелого барокко, его называют елизаветинским. В это время творят Б.Ф. Растрелли, Д. Ухтомский, С. Чевакинский.

Укрепить престиж императорской и дворянской власти призвано строительство монументальных комплексов: дворцов, соборов, монастырей, загородных резиденций. Дворцовые апартаменты планируются по принципу анфилад, залы внутри украшены золоченой резьбой, лепкой, зеркалами, наборным паркетом. Обстановка исключительно парадная.

Достигший апогея барочный стиль в России этого времени связан с работами Бартоломео Франческо Растрелли. Его авторству принадлежат Царскосельский Екатерининский дворец, Смольный монастырь, Строгановский, Воронцовский и Зимний дворцы.

Архитектурный стиль барокко просуществовал в российском государстве недолго. На исходе 18 века на смену роскошеству и чрезмерности пришла рациональная красота классицизма. Зато созданные за это время дворцовые ансамбли по сей день восхищают масштабом замысла и великолепием убранства. Архитектура Петергофа, Царского села и Санкт-Петербурга – источник вдохновения для современного барокко, реализованного в частных загородных особняках. Здесь по-прежнему ценятся сложные формы и необычайная декоративность.

Блок: 10/11 | Кол-во символов: 1317
Источник: https://www. TopDom.info/article/catarticle1/articlenews405.php

Современное барокко

Для ярых поклонников стиля, желающих иметь собственный современный барочный дом, мы предлагаем посмотреть готовые проекты домов в стиле барокко, реализованные в архитектурном бюро ТопДом Арт.

статью

Читать другие статьи раздела

Блок: 11/11 | Кол-во символов: 286
Источник: https://www.TopDom.info/article/catarticle1/articlenews405.php

Кол-во блоков: 22 | Общее кол-во символов: 24934
Количество использованных доноров: 3
Информация по каждому донору:

1. https://www.TopDom.info/article/catarticle1/articlenews405.php: использовано 10 блоков из 11, кол-во символов 12291 (49%)
2. https://stilys.com/styles/baroque: использовано 5 блоков из 7, кол-во символов 7019 (28%)
3. https://interesnyefakty.org/barokko/: использовано 6 блоков из 6, кол-во символов 5624 (23%)

Барокко в интерьере — история, фото, особенности. Блог об интерьерах и красивом поле «Идеи Монблан Декор»

Два главных заблуждения относительно Барокко: что это царство во имя роскоши, и то, что Барокко может быть интерьерным стилем.

Что такое Барокко?

В первую очередь, Барокко это архитектурный стиль, а на интерьере он отражался, поскольку это было такое время (XVII век) и такие дома (замки и дворцы), когда внутреннее убранство было неотделимо от архитектуры здания и как бы продолжало его.

Чаще всего, когда говорят о Барокко, путают его с более поздним стилем Рококо, в котором действительно роскошь и вычурность дома, мебели или отделки интерьера выходили на первый план.

В Барокко роскошь тоже присутствует, но выполняет совершенно другую функцию: она не показывает шик, а подчеркивает тектонику и величество сооружения. И присутствует поскольку-постольку — просто потому, что это были дома богатых людей и для торжественных мероприятий.

Интерьеры в стиле Барокко

Можно ли воспроизвести Барокко в современном интерьере?

Прежде всего, никакой исторический стиль в современном интерьере скопировать нельзя — поскольку любое направление безотрывно от времени. Максимум, можно говорить о стилизации или эклектике. А Барокко это, пожалуй, пример стиля, который в современном интерьере не воспроизводим вообще.

Подчеркивать интерьером тектонику здания? Но в условиях загородного дома или квартиры это невозможно.

Воспроизводить характерные внешние элементы стиля (массивная мебель с «архитектурными» элементами, лепнина, золото)? Тогда это будет уже Рококо, где шик и роскошь именно, что становились сами по себе — украшением дома.

Построить просто здание XVIII века, соблюдая все законы Барокко? Но это настолько дорого и самобытно, что по сути, такой подход к зданиям сохранился только в религиозной архитектуре, да и то…

Пожалуй, единственная возможность перенести Барокко в XXI это передать настроение человека, который создает такой интерьер. А время Барокко это противоречивое время в европейской культуре. Когда после тридцатилетней войны, дискредитации Католической Церковью самой себя, европейский человек высшего класса оказался в чем-то без внутренней опоры. И стал (возможно неосознанно) переносить основание своей жизни на обстановку вокруг себя — находя, покой в вещах вокруг. Для начала — просто подчеркивая архитектуру своих замков яркими декорациями…

Как то же самое можно сделать в XXI веке?

Это должен решить ваш дизайнер или вы сами.

А пока смотрим фотографии: Барокко своего времени и попытки сделать нечто подобное сейчас!

Архитектура барокко / История архитектуры / www.Arhitekto.ru

В XVI в. в некоторых странах под влиянием реформистского движения произошло ослабление могущества католической церкви, поэтому в последующий период церковь прилагает значительные усилия к возвращению утраченных позиций. Одновременно укрепляется господство светских властей. Новый художественный стиль — барокко — отвечает стремлению мощь и богатство путем внешнего их выражения.

Стиль барокко возник в Италии в результате дальнейшей эволюции стиля Возрождения. Свои «видимые» формы он стал обретать с конца XVI столетия. Из Италии барокко распространяется по всей Европе, где преобладал с конца XVI до середины XVIII в., в некоторых странах проявляется до второй половины XVIII в., и при этом в обоих направлениях. В Германии и Австрии строительство монументальных сооружений в XVII веке почти не велось в связи с Тридцатилетней войной и ее последствиями, а также и в Англии, где некоторые признаки этого стиля отмечаются лишь с середины XVII века.

В каждой из стран наблюдались свои особые политические, социальные условия, существовали особые национальные традиции, это сказалось и на архитектуре. В каждой из стран барокко приобретало свои особые национальные черты. В итальянской архитектуре барочная стилистическая характеристика распространялась и на внешний, и на внутренний облик зданий. Во французской — наблюдалось значительное расхождение между фасадным и внутренним убранством сооружений, в первом преобладали классицистические начала, во втором — барочные. В английской архитектуре стиль выступает как своеобразный оттенок, акцент классицизма; здесь можно говорить скорее об «обароченном» классицизме, чем о барокко как таковом. Но все же архитектура во всех странах имела и общие черты.

Итальянское слово «барокко» означает буквально «странный», «причудливый». Стиль барокко тяготел к парадной торжественности и пышности. Вместе с тем он выразил прогрессивные представления о единстве, безграничности и многообразии мира, о его сложности, изменчивости, постоянном движении; в барокко отразился интерес к природным стихиям, среде, окружению человека, который стал восприниматься как часть мира. Человек в искусстве барокко предстает как сложная, многоплановая личность со своим миром переживаний, вовлеченная в драматические конфликты. Искусству барокко свойственны патетическая приподнятость образов, их напряженность, динамичность, страстность, смелые контрасты масштабов, цветов, света и тени, совмещение реальности и фантазии, стремление к слиянию различных искусств в едином ансамбле, поражающем воображение. Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба стали пониматься как единое целое, раскрывающееся перед зрителем при его движении. Архитектура барокко отличается мощным пространственным размахом, сложностью беспокойных, сливающихся друг с другом, как бы текучих форм, криволинейностью планов и очертаний, связью с окружающим пространством. В изобразительном искусстве преобладали декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты; большое значение приобрели композиционные и оптические эффекты, ритмическое и цветовое единство, живописность целого, свободная, темпераментная творческая манера.

Основные признаки барокко

Строительная техника стиля барокко

Многообразие стилей

Стиль рококо

Возрождение классицизма

Источники

Барокко | Архитектура и Проектирование

Барокко (итал. barocco через исп. bar-ruecco от португ. barroco — причудливый, неправильный, дурной, испорченный) — один из самых трудных и многозначных терминов истории искусства. Словом «барокко» называют ряд историко-региональных художественных стилей европейского искусства XVII- XVIII вв., последние, критические стадии развития других стилей, тенденцию беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, неуравновешенных формах.Слово «барокко» используется и как метафора в смелых историко-культурных обобщениях: «эпоха Барокко», «мир Барокко», «человек Барокко», «жизнь Барокко» (итал. La vita Barocca). В каждом историческом периоде развития искусства видят своё «барокко» — пик творческого подъёма, концентрации эмоций, напряжения форм. Исследователи говорят и пишут о качествах барочности как неотъемлемом свойстве отдельных национальных культур и исторических типов искусства. Наконец, известны стили Необарокко, «второго барокко», «ультрабарокко». Изначально жаргонное словечко «барокко» использовалось португальскими моряками для обозначения бракованных жемчужин неправильной, искажённой формы. Но уже в середине XVI в. это слово появилось в разговорном итальянском языке как синоним всего грубого, фальшивого, неуклюжего. В среде французских ювелиров слово baroquer означает смягчать контур, делать форму мягкой, живописной. Во французских словарях слово «барокко» появляется с 1718 г. и трактуется как ругательное выражение. Оно долго не могло стать названием стиля. Ещё в 1904- 1905 гг. крупнейший французский исследователь С. Рейнак как бы не замечает этого стиля и целой эпохи в развитии европейского искусства, лишь вскользь и пренебрежительно вспоминая о «суетливом иезуитском стиле» как о не имеющем никаких достоинств и являющемся «умственным заблуждением». Первым сделал слово «барокко» типологической категорией X. Вёльфлин. В книге «Ренессанс и Барокко» (1888), написанной им в Риме, и последующих работах Вёльфлин определил барокко как наивысшую, критическую стадию развития любого художественного стиля: первой стадией является архаика, второй — классика, третьей — барокко. В своих знаменитых «парах» формальных понятий: линейность и живописность, плоскость и глубина, замкнутая и открытая форма, множественность и единство, ясность и неясность — первую часть Вёльфлин отнёс к искусству классики, вторую — к барокко. Отсюда противопоставление Классицизма и Барокко не только как конкретно-исторических художественных стилей, но и как постоянно повторяющихся и обновляющихся в истории фаз развития способов формообразования. Выдающийся историк-философ искусства М. Дворжак, оппонент Вёльфлина, считал стиль Барокко порождением Маньеризма, но, одновременно, более высокой ступенью «развития духа» в сравнении с Классицизмом. Немецкий историк культуры Г. Вайзе «выводил» стиль Барокко северных стран непосредственно из Готики и считал его «истинным воплощением германского духа» (Gemiit). Стиль Барокко изучал X. Зедльмайр, ученик М. Дворжака, он окончательно утвердил введённое Вёльфлином разделение стиля на «раннее барокко» XVI- XVII вв. (нем. Fruhbarock) и «позднее барокко» XVII- XVIII вв. (Spat-barock). Э. Маль, французский ученый-ледиевист, в 1920- х гг. определил Барокко как «наивысшее воплощение идей христианского искусства». Много позднее были открыты труды К. Гурлитта, который в книге «История стиля Барокко в Италии» (1887) предвосхитил многие мысли X. Вёльфлина. Особенности искусства «поздней готики» (Spatgotik) Гурлитт мистически сближал с «духом барокко» (Gemut Barock). Однако классической страной Барокко всё же принято считать Италию.

 

ПОДРОБНО О СТИЛЕ БАРОККО В АРХИТЕКТУРЕ

 

СТИЛЬ БАРОККО. Об искусстве [Том 1. Искусство на Западе]

СТИЛЬ БАРОККО

Впервые — в кн.: Луначарский А. В. История западноевропейской литературы в ее важнейших моментах (Лекции, читанные в Университете имени Я. М. Свердлова), ч. 1—2. М., Госиздат, 1924.

Печатается по тексту кн.: Луначарский А. В. Собр. соч. в 8–ми т., т. 4. М., «Худож. лит.», 1964, с. 166—168.

В публикуемом тексте опущен конец раздела «Стиль барокко», посвященный литературе.

Иезуитская реакция создала свой особенный стиль, который отразился на всех чертах тогдашнего искусства, — стиль, который называется барокко.

Барокко развился главным образом в Италии, потому что Италия, где жили папы, все еще была культурнейшей страной, духовно доминировала в то время, давала моду всем остальным странам. Барокко сейчас же перекинулся в Испанию, на юг Франции, отчасти в Германию. Он распространился довольно широко. Он отразился на архитектуре, скульптуре, создал своеобразную и очень мощную музыку, а также своеобразную литературу, — хотя, может быть, действительно художественных литературных произведений, которые выявляли бы этот стиль, назвать почти нельзя; в литературе он отразился большею частью неуклюжими и малозначительными произведениями.

В чем заключается этот своеобразный стиль, и почему я ставлю его в связь с реакцией в Европе и с иезуитами?

Если вы в архитектуре возьмете какое–нибудь яркое проявление позднего Ренессанса, ну, скажем, церковь Сан–Паоло в Риме, вы увидите, что стремление итальянского храмостроителя сводилось к тому, чтобы создать гармоничный и веселый храм. Совершенно отброшена вся средневековая мистика. Храм светлый, без разноцветных окон, которые создают такую мистическую полутьму, с широкой пропорцией, с какой–нибудь мощной простой колоннадой для входа, с куполами, отнюдь не устремляющимися в небо; никакого истерического взлета — совершенно спокойные купола. Главная задача художника (как и в Греции и в Риме) заключалась в том, чтобы создать очень большое здание, в котором сохранены были бы нужные пропорции, а также разрешен был бы вопрос о перекрытии огромного помещения. Посмотрите, как этот храм был украшен! Скульптура была монументальной, и статуи были реалистическими. В то время как средневековая мистика думала, что святой не должен быть похож на нормального человека, изображала его высохшим аскетом, чуть ли не живым трупом и, может быть, придавала еще какие–нибудь фантастические черты для того, чтобы показать, что в нем больше духовного, чем телесного, — в эпоху Возрождения вы видите вполне человекоподобные фигуры. Это — мощные люди с прекрасным телом (которое создается отчасти в подражание прекрасным телам, изображавшимся афинскими скульпторами), со спокойной, умной головой. Какой–нибудь апостол Петр или даже Иоанн Креститель, которого чаще, чем других, изображали аскетом, могли сойти, пожалуй, и за какое–нибудь греческое божество или просто за хорошего, крепкого рыбака. При этом и позы этих статуй спокойны, складки одежды падают гармонически, статуи обнажены как–можно больше, потому что художника интересует голое тело, правильное выявление здоровой наготы. Живопись была особенно великой в эпоху Возрождения. Она чрезвычайно гармонична. Берутся великолепно звучащие в аккорде краски. На широком пространстве планируются фигуры, которые сидят в спокойных позах, как будто беседуют между собою в вечности. Лица спокойные, выразительные, и выражают они ум, энергию, иногда добродетель, но не в трансе и пафосе, а в нормальном состоянии. Картины Ренессанса воспроизводят, в общем, чрезвычайно радостные явления. Мадонны — красивые, здоровые матери, Христы — прекрасные, симпатичные, мудрые молодые люди. Все, на кого вы ни посмотрите, соприкасаются с типами древнегреческими. Например, растерянный св. Себастьян[214] изображается в виде прекрасного юноши со стрелами, и можно было бы вместо св. Себастьяна написать «Эрот» и поверить этому, так как он с ним очень схож. Прославляли человека в самом зодчестве храма, и в живописи, и в скульптуре. Все это искусство было на радость человеку, все это было языческим. Аскетизмом здесь и не пахло. Лучший комплимент, который тогда делался господу богу, — «я изображаю тебя в виде умного, здорового человека, это лучшее, что я могу сделать».

Посмотрите теперь иезуитскую церковь барокко. Все линии, которые представляли собою круг в архитектуре Ренессанса, здесь вытянуты в эллипсис, в беспокойную фигуру, дающую сложное равновесие. Колонны не только украшаются всевозможным образом, принимают причудливые формы, но начинают виться винтом. Все украшения вместо спокойных узоров, которые дает Ренессанс, превращаются в какие–то летящие головы, развернутые свитки, какие–то гримасы, маски, комбинации плоскостей и т. д. Вместо преобладающего белого или какого–нибудь другого спокойного цвета, иезуиты любят пустить в свою церковь всякие инкрустации, массу цветных камней и очень много золота, ослепительно много золота. Когда вы войдете в храм, вам кажется, что все в нем в движении. Нет ни одной линии, которая куда–нибудь вас не звала бы, и глаз нигде не успокаивается. Как будто бы все линии взбесились, все вышло из своих орбит, — и тут же какое–то сумасшедшее великолепие света. Ни одной статуи спокойной, все статуи тоже в бешеном движении, все ризы и рясы летят развевающимися волнами, все святые — одержимые. Здесь живопись по самому сюжету своему иная. Изображается мученичество. Тут сдирают кожу, там кого–то четвертуют на колесе, там побивают камнями и т. д. При этом мы видим устремление в крайний реализм, по возможности в иллюзионизм, так, чтобы жутко было. Если сдирают кожу, то реально, как в анатомическом театре. Все изображается с возможно большей точностью, приближаясь к ужасающей правде. В то же время — и самый сюжет уже требует этого — все люди в каких–то конвульсиях — борются, страдают, совершают чудеса в страшном напряжении экстаза.

Мебель итальянского барокко — история и современное применение

Сегодня Италию заслуженно называют законодательницей мод и эталоном качества в области мебельного дизайна. Однако, чем вызвано такое мнение? Мебельное итальянское производство преодолело длительный исторический путь. Лидирующую позицию помогли занять различные факторы, к примеру, давние традиции искусной отделки лесоматериалов, многочисленные крупные и мелкие мебельные производства, а также концентрация талантливых художников, мастеров и дизайнеров, создававших уникальные творения и задававшие тон мировой моде. В этой статье мы расскажем о том, чем же так примечательна мебель итальянского барокко.

Античность и ренессанс

Настоящие шедевры мебельного искусства появились в Италии во времена античности. В Римской империи мебель создавали из лесоматериалов, бронзы, железа, мрамора. Бедные люди пользовались мебелью без особого декора, а вот люди побогаче предпочитали мебель, украшенную лепниной, искусной резьбой или орнаментами.

Во времена Средневековья мебель в Италии создавалась главным образом из дерева, была незамысловатой с грубой отделкой. Созданием мебели занимались обычные плотники. И только мебель для богатых и знаменитых людей была более утонченная. Ее создавали из дорогостоящих сортов дерева, украшали мрамором, металлами и слоновой костью.

Мрачное Средневековье сменилось эпохой Возрождения, которая дала мощный толчок развитию искусства, живописи, поэзии. В XV веке наблюдается второе рождение мебели. Она становится не только функциональной, но и красивой. Мебель эпохи Ренессанса отличалась ярко выраженными особенностями в различных регионах Италии. Мебельные заводы Тосканы (Флоренция) больше других повлияли на развитие мебельного искусства в Италии. Именно здесь придумали расписывать мебель красками, наносить позолоту, отделывать мозаикой из камней и инкрустировать слоновой костью. На территории Венеции мебельная мода формировалась под влиянием своеобразной атмосферы портового купеческого города, а также торговли с восточными государствами. Мебель из Венеции отличалась обильным количеством позолоты.

Самыми популярными видами мебели были кассоне (большой ларь), кассапанка (ларь-скамья, имеющий подлокотники и спинку), а также стулья двух видов – на четырех ножках и на двух резных досках вместо ножек с восьмиугольным сидением.

По историческим данным, первый предмет мебели, который был создан итальянскими мастерами и доставлен в Россию, был трон Ивана Грозного (16 век). Более крупные масштабы завоза итальянской мебели припали на период правления Петра I.

Барокко

Пышная и вычурная мебель в стиле барокко сменила утонченную эпоху Возрождения в XVII веке. Не было равных итальянским мастерам в производстве роскошных предметов интерьеров. Созданные итальянцами мебельные барочные формы стали основой французского барокко, который был крайне популярен в период правления Людовика XIV, именуемого Король-Солнце.

В это время мебель приобретает довольно сложные формы, с большим количеством декоративных элементов, которые подчеркивали текучие изогнутые линии. Во времена Барокко появилось четкое различие между стулом и креслом. Центр мебельной моды переместился в Верхнюю Италию. Именно там создавались самые изысканные предметы мебели, декорированные яркими росписями, позолотой и инкрустированные пластинками, созданные из золота, серебра и перламутра. Первая мягкая мебель в стиле барокко появилась в виде мягкой обивки стульев и кресел. Для обивки применяли исключительно дорогостоящие ткани, бахрому и кружево.

Из Рима барокко проникал и в другие города Италии, где принимал довольно разные формы при дворах Медичи или Фарнезе. Все постройки были снабжены элементами парадности, зрелищности, пышной декоративности.

Для мебели в стиле барокко характерны:

• укрупненность пропорций
• утяжеленность своих форм
• пышность резного золоченого декора. 

Разновидности мебели

Именно в стиле барокко появляются первые стулья с мягким сидением. Спинки диванов начали делать с отвалом, придумали более удобные локотники. Сундуки (лари) и поставцы окончательно вышли из моды. Их сменили шкафы, кабинеты и бюро-кабинеты

Шкафы характеризовались сплошными силуэтами, криволинейностью очертаний, наличием изогнутых карнизов, имеющих сложный скульптурный декор. Кроме этого, обязательно присутствовали пышно орнаментированные лучковые или разрывные фронтоны, резные рамы дверок и ножки. На филёнках дверок шкафов и бюро-кабинетов появились украшения из цветной каменной мозаики, к примеру, из агата, оникса, ляпис-лазури, а также из шлифованного цветного стекла или цветной деревянной мозаики – маркетри. Кстати, именно в этой технике создавались полноценные сцены.

Появляется более сложное сидение. Мягкой мебели (табуретов, стульев и кресел) уже не встретишь без резьбы, часто с позолотой, и обивки темным бархатом. В самых дорогих вариантах мебель обивали глазетом – тканью, в которую были вплетены золотые или серебряные нити. На креслах появились вертикальные или изогнутые ножки, а также ножки пирамидообразной формы с кувшинообразным расширением вверху. На спинках мастера делают полукруглый верх, чаще всего глухой, высокий или с небольшой перемычкой между стойками. Также создаются и табуреты.

В стиле барокко появились небольшие прямоугольные столы, которые ставили около стены. Их использовали в качестве декоративных мебельных объектов для выставки красивых предметов, например, ваз, часов, статуэток. Такие столы имели обильно декорированное подстолье и ножки. Тут присутствовали и массивные резные украшения, часто позолоченные или расписанные в виде наяд, путти (купидонов), негров, орлов, львов, грифонов, раковин, лент, завитков.

Функциональные столы создавались с круглыми столешницами, а также шести- или восьмиугольной формы. На краях столешниц присутствовал резной орнамент. Ножки заменены одной точеной в форме вазы. Все подстолье установлено на массивном резном основании.

В это время практически всю мебель делают из ореха, который очень подходит для резьбы и полировки. Мастера сделали орех настолько популярным, что в Англии этот период даже назвали ореховым. Дубовую мебель фанеровали ореховым шпоном.

Общие правила дизайна

Сегодня мебель в стиле барокко является отголоском высокого итальянского стиля 17-18 столетий. Она до сих пор представляет собой образец роскоши. Такая мебель впечатляет вычурными линиями, величественными формами и богатым декором. Производство мебели в стиле барокко актуально и по сей день.

При оформлении дома в стиле барокко, нужно обязательно купить соответствующую мебель. Потому что роскошная отделка полов, стен и потолка с лепниной просто увядает рядом с мебелью другого стилистического направления. Для того, чтобы грамотно оформить комнату, стоит обратить внимание на такие нюансы:

• в прихожей уместно будет смотреться крупный лакированный шкаф для одежды. Он встретит владельцев и гостей, распахнув свои дверки для хранения вещей. Отличным материалом для такого шкафа станет орех или белый дуб
• также в прихожей будет отлично выглядеть большое зеркало, обрамленное позолоченной рамой
• отличным вариантом для гостиной является софа на изогнутых ножках с гобеленовой обивкой. Здесь же выгодно будут смотреться шкаф — витрина и консоль для хранения сервизов. Не помешает и кофейный столик для приема гостей, а также пара стульев, имеющих удобные спинки
• спальню хорошо дополнит кровать, тумбы и пуф, а также трельяж, созданные в стиле барокко.

Обустраивая такой дом стоит приобрести мебель непосредственно из Италии. Именно такая мебель будет иметь самое высокое качество и будет максимально соответствовать стилю.

Основные аксессуары стиля

Роскошные предметы мебели в стиле барокко предполагают наличие соответствующих аксессуаров. Они должны быть правильно вписаны в общий интерьер, чтобы не создавалось впечатления антикварного магазина. Существуют следующие типы декора:

• зеркала. Они обязательно обрамлены позолоченной инкрустированной рамой. Еще больше роскоши можно придать, инкрустировав зеркало кристаллами Сваровски. Рамы бывают цельными или резными. Могут быть созданы из древесины, металла или других материалов. Чаще всего форма зеркал — округлая
• картины. Они также обрамлены дорогостоящими рамами, часто с растительным узором. Рама покрыта золотистой или серебряной краской и оттенена лаком под старину
• шкатулки. Их создают в светлых оттенках, на крышках присутствуют украшения в виде фигурок людей, замков, изогнутых ручек. Однако, допускаются и цветочные узоры
• статуэтки. Они зачастую имитируют людей ушедшей эпохи. Это могут быть женщины в бальных платьях, мужчины военные, дети, кареты, лошади, дворцы и замки
• подсвечники. Бывают настенные или настольные. Однако всегда имеют высокую ножку и аккуратные ячейки под свечу
• ковры. Их выстилают на полу, под журнальным столиком в гостиной или спальне. Чаще всего оттенки светлые в сочетании с ярким узором
• часы имеют фигурные линии по краю, а также декоративные грозди винограда или изображения животных. Циферблат маленький и круглой формы. Бывают настольные и напольные
• сервизы. Вся посуда должна быть расположена на полках сервантов или витрин, чтобы ее было видно всем гостям. Естественно, она выполнена из элитного стекла или керамики с тончайшими цветными ободками по краю и росписями эпохи барокко
• вазы также немаловажный элемент декора. Они бывают настольные по типу кубка или напольные.

Барокко: История барокко — USEUM

Барокко — это художественное направление, возникшее в Италии, в Риме, в 17 веке как реакция на маньеризм, доминировавший в конце итальянского Возрождения. Это движение поощрялось католической церковью, которая стремилась вернуться к традициям и духовности, которые Церковь продвигала с помощью Контрреформации. Для этого католическая церковь решила, что искусство должно передавать религиозные темы в ответ на протестантскую Реформацию.Богатство, внимание к деталям, изобилие и театральность стиля барокко с его обилием драматических эффектов использовались католической церковью для стимулирования благочестия и преданности и создания впечатления божественного великолепия. В результате многие художники эпохи барокко начали изображать религиозные сюжеты и подчеркивать содержание игрой света и тени.

Помимо католической церкви, европейские монархии способствовали распространению этого нового художественного стиля, и большое количество архитектурных проектов, картин и скульптур было заказано Королевскими судами Италии, Испании, Франции и других стран.Основная цель этих абсолютных монархий Европы заключалась в прославлении своего собственного божественного величия и укреплении своего политического положения. Следовательно, аристократия видела драматический и яркий стиль барокко как средство произвести впечатление на людей и выразить их богатство, власть и контроль.

После идеализма эпохи Возрождения и принудительного характера маньеризма искусство барокко предназначалось для отражения религиозной напряженности того времени, однако в протестантских странах, таких как Нидерланды, движение развивалось иначе.В некоторых картинах Рембрандта и Рубенса можно увидеть желание заменить религиозные сюжеты более натуралистичными и реалистичными темами. В рамках этих различных направлений барокко развивалось по всей Европе в 17 веке, пока его не сменил другой стиль, рококо, в 18 веке.

Текст Кристины Мотта

История и развитие барокко и рококо и их …

Введение:

Эпоха барокко была строительным камнем для эпох неоклассицизма и рококо.Это превратилось в развивающийся стиль после того, как произошли реформы и изменились взгляды. Стиль барокко, который был подчеркнутым движением и всегда был частью эпохи Возрождения, развился в 16 веке в Риме, Италия, и позже перешел во Францию. Тем не менее, итальянское барокко и французское барокко несопоставимы.

Барокко сегодня в основном известно эпохой французского барокко и дворцом Людовика XIV в Версале. В 1700-х годах правители стремились продемонстрировать свою власть и богатство, что было полностью реализовано к моменту завершения строительства Версаля.

Искусство, музыка и архитектура в стиле барокко стали причудливыми, драматичными и экстравагантными, чем когда-либо прежде. Художники стали следовать более нереалистичным способам рисования и уводили «зрителя» в воображаемый мир, особенно за счет использования интенсивных контрастов. «Период искусства барокко» был очень важным периодом в истории искусства. Это было время после Высокого Возрождения.

Эпоха барокко явилась результатом драматических изменений в эпоху Высокого Возрождения и контрреформации протестантского движения.После стиля барокко в XVIII веке в Испании возник новый стиль, названный рококо, который является юмористическим изменением рокайля или позднего барокко. В частности, такие лидеры, как Людовик XV, который был сыном Людовика XIV, представляют стиль рококо через свои монументальные здания, такие как Екатерининский дворец в Царском Селе, и его мебель. Мебель и архитектура стали красивее и лучше продуманы, чем в период барокко.

В отличие от барокко, которое было скорее «дурным вкусом» и причудливым, рококо тоже было неестественным, но развитым, особенно…

… середина бумаги …

… журнал, 1920

Вселенная История искусства и архитектуры Барокко и рококо, Эрих Хубала

http://fog.ccsf.cc.ca. us / ~ jcarpent / baroque_art_and_rococo_art_outline.htm

«Урок анатомии доктора Тулпа» (1632 г.), Рембрандт Харменс ван Рейн (1606–1669)

«Ночной дозор» (1642 г.), Рембрандт Харменс ван Рейн (

–1669) (1600003–1669)

История западного общества, 8-е издание, Маккей, Хилл, Баклер

Версаль Биография дворца, Тони Спофорт, стр. 3

Барокко Барокко Культура излишеств, Стивен Кэллоуэй,

http: // acnet.pratt.edu

http://baroquelife.org/baroque-fashion/baroque-fashion.php?link=9

http://www.archivesnationales.culture.gouv.fr/chan/chan/image/illustra/ Salonvale.jpg

Рококо Непрерывная кривая, 1730-2008, Гроб, Дэвидсон, Луптон, Pg:

Барокко Барокко Культура излишеств, Стивен Кэллоуэй, Глава. 1

Анна Винтур, редактор Vogue, фильм: сентябрьский выпуск, 2007 г.

История музыки: эпоха барокко

Фон

Когда мы говорим о музыке барокко, мы обычно думаем о таких композиторах, как Бах и Гендель.Эти композиторы — и эта музыкальная эпоха в целом — сыграли важную роль в формировании музыки в том виде, в каком мы ее знаем сегодня. Начиная примерно с 1600 года, эпоха барокко сыграла важную роль (каламбур определенно предназначалась) для нормализации тональности (гармонии, как мы ее знаем — мажорная и минорная клавиши и т. Д.), Подъема инструментальных соло и ансамблей, а также тенденции музыкальной импровизации.

Ожидается, что в это время профессиональные музыканты смогут импровизировать аккомпанементы и мелодии. Музыкальные концерты обычно сопровождались аккордами клавесина или лютни, импровизирующими из фигурной басовой партии (нотная запись, где числа и символы указывают определенные аккорды и интервалы, которые должны быть сыграны с данной нотой).В эпоху барокко также увеличились размеры, диапазон и сложность инструментального исполнения, и было создано много новых музыкальных жанров, которые мы используем до сих пор.

* Интересный факт: слово Baroque происходит от португальского слова, означающего «деформированная жемчужина». Первоначально (еще в 1734 году) этот термин использовался негативно для критики некоторых новых сочинений. В 1750 году этот термин использовался для описания новой богато украшенной архитектуры в Риме. С тех пор Барокко использовалось для описания (и критики) искусства и архитектуры той эпохи (из-за ее богато украшенного орнамента и дизайна), и в конечном итоге этот термин закрепился в качестве общего описания эпохи.

Эпоху барокко можно условно разделить на три периода: ранний, средний и поздний.

Музыка эпохи раннего барокко

Эпоха раннего барокко, переход от ренессанса, пришлась на 1580–1630-е годы. Композиторы того времени исследовали идеи древнегреческой музыки и в результате отвернулись от полифонии эпохи Возрождения и обратились к древнегреческой идее монодии: соло-певческий голос в сопровождении другого инструмента. Эта идея положила начало опере, которая впоследствии стала определяющим жанром эпохи барокко.

Дафне композитора Якопо Пери — самое раннее известное произведение, которое считается оперой. Хотя большая часть музыки была утеряна, мы знаем, что премьера состоялась в 1598 году и была записана только для клавесина, лютни, виолончели (отец виолончели), архлюты (басовой лютни) и тройной флейты. И Пери установила речитатив как оперную норму: своего рода мелодическую речь, положенную на музыку, которая позволяет повествовать в опере. Этот прием до сих пор используется в операх. Вы можете прочитать здесь для получения дополнительной информации о Dafne .

Самая старая из сохранившихся опер также была написана Пери; он называется Euridice . Посмотрите это видео, чтобы узнать о музыке:

Вы можете узнать больше о Peri и Euridice здесь.

Музыка раннего барокко установила важность тональных гармоний с помощью метода, называемого фигурным басом. Фигурный бас, система символов, позволяющая исполнителю определять гармонии, которые будут воспроизводиться под мелодией, положила начало движению, которое привело к последовательности аккордов (как то, что мы используем сегодня).Определенные гармонические интервалы были определены как нестабильные (например, тритон) и использовались для создания диссонанса и напряжения, а другие интервалы использовались для обозначения освобождения и закрытия; это помогло инициировать ключевые центры вместо режимов (используемых в музыке Средневековья и Возрождения). Функциональная гармония — клавиши и аккорды, движущиеся для создания напряжения и расслабления — официально ознаменовала конец Возрождения и начало новой эры.

Итальянский композитор Клаудио Монтеверди сыграл ключевую роль в создании музыкального стиля эпохи барокко.Также будучи оперным человеком, Монтеверди создал технику барокко, известную как bassocontino : реализация фигурного баса, где аккорды импровизированы поверх нотной басовой линии. Посмотрите это видео отрывка из его оперы L’Orfeo :

Музыка эпохи среднего барокко

В 1643 году король Людовик XIV, также известный как Король-Солнце и Людовик Великий, начал свое правление как король Франции. Почему это важно для развития музыки барокко? Ну, Людовик XIV представляет то, что историки называют «Абсолютным монархом» — правителем, обладающим высшей властью.А в случае Людовика XIV это означает культуру, экстравагантность и рост централизованного королевского двора. Он способствовал развитию искусства и, таким образом, создал для многих музыкантов возможности сочинять и исполнять музыку. Королевские суды во всем мире следовали образцу Франции; Затем были наняты музыканты, которые работали специально для королевской семьи.

Из-за возросшей потребности в музыкантах (благодаря королю и его двору, которые наслаждались прекрасными вещами в жизни) музыка продолжала развиваться. Эпоха среднего барокко длилась с 1630 по 1680 год, и в это время развивались новые вокальные жанры (например, кантата и оратория).Мелодии стали более простыми и отточенными, основанными на коротких и простых последовательностях аккордов. Контрапункт (форма полифонии; гармонично зависимые линии с различным ритмом и формой) начал развиваться, поскольку фигурная басовая линия стала более интегрированной с мелодией, и опера достигла новой популярности.

* Примечание: композиторы часто были прекрасными исполнителями, и когда им приходилось исполнять новые произведения, их работодатели часто ожидали, что они будут импровизировать (чтобы им не было скучно).В результате одной из характерных черт музыки барокко является интенсивный музыкальный орнамент — трели, соседние тона, проходящие тона и многое другое. Композиторы отмечали некоторые украшения, которые будут использоваться, но часто исполнители добавляли свои собственные украшения во время выступления. Щелкните здесь, чтобы увидеть таблицу с наиболее часто используемыми украшениями.

Один конкретный придворный композитор, которого следует знать, — это Жан-Батист Люлли. Он постоянно сочинял для Короля-Солнца и считается воплощением французской музыки барокко.(Он также был одним из первых дирижеров!) Люлли расширил оперу, включив в нее несколько инструментов (в том числе струнную секцию), и его музыка известна своей живостью, силой и глубокими эмоциями. Он произвел революцию в придворных танцах, введя новые (например, менуэт), и утвердил французскую увертюру как новый стиль. Узнайте больше о Люлли здесь, а некоторые из его музыки — ниже.

* Примечание: французская увертюра — это музыкальная форма, разделенная на две противоположные половины.Первая половина заканчивается аккордами, которые предполагают неполноту — или вопросом, ответ на который будет дан в конце первой половины. Второй раздел часто заканчивается материалами, использованными в начале. (Это было очень важно для развития музыки в классическую эпоху — — — но об этом позже!)

Важным развитием жанра в это время стал концерт Concerto Grosso . Это музыкальное произведение, в котором небольшое количество солистов помещено напротив оркестра, где музыкальное содержание передается между двумя группами, и крайности резко противопоставляются.

Видео выше представляет собой пример концертного гроссо, составленного Арканджело Корелли (он был тем, кто популяризировал жанр). Об этом подробнее здесь.

Музыка эпохи позднего барокко

В этот период, с 1680 по 1750 год, жили и писали все известные композиторы. Бах, Гендель, Вивальди, Рамо и многие другие оставили свой след в истории музыки; и мы продолжаем играть их музыку сегодня. К этому моменту тональная гармония составляла абсолютно , что нужно делать, если вы были композитором.Counterpoint был разработан, чтобы полностью охватить новую систему клавиш, что здорово, потому что они объединили идею полифонии эпохи Возрождения (две или более независимо движущихся линий) и объединили ее с аккордами и гармониями для создания напряжения и разрешения. И фуги! Фуга — это сложная форма контрапункта, в которой один предмет развивается через несколько голосов. Кроме того, в это время стандартизовалась музыкальная форма (композиторы обычно использовали двоичную форму — AABB — или троичную форму — ABA).

В эти годы опера продолжала развиваться, оратория (огромное произведение для оркестра и хора) достигла своего расцвета, а инструментальные соло стали столь же важными в культурном отношении, как и вокальные произведения.Популярной стала танцевальная сюита — это произведение с серией движений в стиле танцев эпохи Возрождения или барокко (таких как аллеманда, сарабанда, менуэт, жига). Подробнее о танцевальной сюите и ее различных движениях читайте здесь.

Среди выдающихся композиторов того времени:

Иоганн Себастьян Бах

Ниже приведен пример концертного гроссо, написанного Бахом, с участием девяти струнных инструментов соло на бассо континуо (послушайте, как клавесин заполняет аккорды и гармонии в аккомпанементе) (подробнее здесь):

А это отрывок из французской сюиты Баха No.5 соль мажор для клавишных:

Джордж Фридрих Гендель

Несмотря на то, что эта опера была своего рода провалом, эта пьеса пережила годы благодаря своей красоте и изяществу (подробнее здесь):

Доменико Скарлатти

Этот парень написал поразительное количество музыки для клавесина. Проверьте это:

Антонио Вивальди

Вивальди — это больше, чем просто Four Seasons .Слушайте этот солнечный концерт для скрипки:

К сожалению, мы не можем охватить все в одном посте, но вот и все — вкратце — музыкальная эпоха барокко. Музыка, созданная в то время, оказала (и продолжает оказывать!) Влияние на музыкантов и композиторов. Однако одним из самых важных достижений этого времени является тональная гармония. Ключевые подписи, последовательности аккордов и гармоническая поддержка стали стандартом в эпоху барокко.

И напоследок слова прощания от нашего друга Когсворта:

СохранитьСохранить

Понравился этот пост? Делитесь музыкой:

Связанные

Барокко — Возрождение и Реформация

Gage 2014 предоставляет широкий, но полезный исторический обзор искусства и архитектуры барокко.Тем не менее, вопросы, касающиеся ценности «барокко» как метки стиля и того, как квалифицировать его хронологические, географические и стилистические параметры, нашли отражение в многочисленных общих обзорах искусства и архитектуры барокко. Riegl 2010 согласен с идеей Вельфлина о преемственности между эпохой Возрождения и барокко. Автор опровергает прежнее представление о барокко как о декадентском стиле, уступающем ренессансу, и относит его истоки к Риму XVI века и произведениям Микеланджело.Held and Posner 1971 определяет период барокко между концом 16 и концом 18 века, как и Базен 1985. Harbison 2000, с другой стороны, рассматривает барокко как повторяющееся явление, выходящее за рамки даже самых либеральных хронологических и географических параметров. расширив обсуждение до 20-го века и таких стран, как Россия и Турция. Слово «барокко» в Харрисе 2004 встречается нечасто, поскольку автор утверждает, что ярлыки стиля мешают нашему пониманию искусства того или иного периода.Мартин 1977 находит слово «барокко» полезным и использует этот термин в контексте преобладающих художественных тенденций — натурализма, психологии, визионерского опыта — и выразительного манипулирования пространством, светом и движением в искусстве 17-го века. Минор 1999 также рассматривает «барокко» как ценный и функциональный термин для размышлений и писаний об эпохах в истории искусства. «Миллон 1999» представляет новаторскую выставку архитектуры барокко в Европе, на которой представлены различные проявления стиля барокко в широком спектре построек, выполняющих различные функции.

Базен, Жермен. Барокко и рококо . Лондон: Темза и Гудзон, 1985.

Графики Стиль барокко, начавшийся в конце 16 века в Италии до примерно 1800 года в Латинской Америке. Эта книга, разделенная на две части — XVII и XVIII веков — а затем разделенных на главы по географическим регионам, — представляет собой базовый обзор искусства и архитектуры XVII и XVIII веков.

Гейдж, Фрэнсис. «Искусство и архитектура барокко в Италии.В г. Оксфордские библиографии г. в эпоху Возрождения и Реформации. Нью-Йорк: Oxford University Press, 2014.

Содержит полезный и широкий исторический обзор искусства и архитектуры барокко.

Харбисон, Роберт. Размышления о барокко . Чикаго: University of Chicago Press, 2000.

Применяет широкое определение барокко, выходящее за рамки традиционных географических и хронологических параметров. Изучает стиль барокко не только в искусстве, но также в литературе и музыке.Рассматривает стиль барокко как с формальной, так и с тематической точки зрения и распространяет эти тенденции на 20 век.

Харрис, Энн Сазерленд. Искусство и архитектура семнадцатого века . Лондон: Лоуренс Кинг, 2004.

Хорошо организованный и подробный обзор искусства и архитектуры 17 века в Италии, Фландрии, Испании, Франции, Голландской республике и Англии. Особенно силен в рассмотрении искусства в историческом контексте.

Held, Юлиус С., и Дональд Познер. Искусство 17 и 18 веков: живопись, скульптура и архитектура в стиле барокко . Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, 1971.

Обширный и общий обзор европейского искусства 17-18 веков. Несмотря на название, половина книги посвящена искусству, которое сегодня принято считать стилистическим ярлыком «рококо».

Мартин, Джон Руперт. Барокко . Лондон: Аллен-Лейн, 1977.

Чрезвычайно полезное введение в искусство барокко, в котором этот стиль рассматривается как общеевропейское явление.Решает проблему стиля и определения барокко, роли натурализма, чувственного опыта, аллегорических традиций и выразительных формальных качеств пространства, времени и света.

Миллон, Генри А., изд. Триумф барокко: архитектура в Европе, 1600–1750 . Нью-Йорк: Rizzoli International, 1999.

Каталог важной выставки архитектуры барокко в Европе, созданный Генри А. Миллоном (Национальная художественная галерея, Вашингтон, 21 мая — 9 октября 2000 г.).Исследует стиль барокко в европейской архитектуре с 1600 по 1750 год с помощью архитектурных моделей, рисунков, картин, медалей и скульптурных макетов. Исследует церкви и часовни в стиле барокко, гражданскую архитектуру, коммерческую архитектуру, военную архитектуру, частные резиденции и королевские дворцы.

Минор, Вернон Хайд. Барокко и рококо: искусство и культура . Нью-Йорк: Prentice Hall, 1999.

Обзор искусства барокко и рококо в Европе с 1600 по 1760 год.Организованный тематически, он исследует искусство через социальные, политические, культурные и художественные контексты, функции, места, формальные качества, пространство и жанры.

Ригль, Алоис. Истоки искусства барокко в Риме: тексты и документы . Отредактировано и переведено Эндрю Хопкинсом и Арнольдом Витте. Лос-Анджелес: Исследовательский институт Гетти, 2010.

Английский перевод книги Die Entstehung der Barockkunst в Rom , впервые опубликованной в 1908 году. Основополагающий труд Ригля, в котором он предполагает не только возникновение стиля барокко в Риме, но и то, что он уходит своими корнями в 16 век, особенно с работами Микеланджело.Включает три новых эссе о Ригле, его идеях и тексте, а также оценку критического отклика на книгу Ригля.

Эпоха барокко: краткая история

Барокко — это эпоха искусства, зародившаяся в Риме, Италия, в начале шестнадцатого века, а затем распространившаяся на большую часть Европы в начале восемнадцатого века. Стиль барокко пришел после эпохи Возрождения и сосредоточился на преувеличенных движениях и точных деталях. Происхождение слова «барокко» оспаривается, но самые ранние источники этого названия показывают, что оно происходит от португальского «barroco» или испанского «barrueco», которые оба означают большую жемчужину неправильной формы.В 1855 году впервые был придуман термин «стиль барокко» для описания художественного стиля, который сначала высмеивали и называли карикатурой.

Базилика Святого Петра © Евгений Пивоваров

Рим часто называют родиной барокко. Ранним произведением стиля барокко историки и искусствоведы считают позднюю работу Микеланджело, умершего в 1564 году. Образцом архитектуры раннего барокко Микеланджело является базилика Святого Петра. Самым ранним зданием в стиле барокко является церковь Джезу, построенная архитекторами Джакомо Бароцци да Виньола и Джакомо Делла Порта между 1575 и 1584 годами в Риме.Фасад Джезу не совсем новый, но некоторые нововведения и детали стали началом архитектуры барокко.

Церковь Джеза © Алессио Дамато

Черты и характеристики архитектуры барокко в церквях часто проявляются в более широких, иногда овальных, нефах. Умышленно недостроенные архитектурные элементы. Драматическое использование света; либо интенсивные светотеневые контрасты. Эффектная центральная проекция часто выделяет фасады. Интерьер представляет собой ракушку для живописи, скульптуры и лепнины.Эффект иллюзорной корреляции с использованием невероятно реалистичных изображений для создания оптической иллюзии трехмерного изображения изображенных объектов.

Энергия и движение — главные элементы скульптур эпохи барокко. Натурализм выделяет барокко по сравнению с классикой и идеализмом стилей Возрождения, которые изображали людей совершенными и безупречными. Джан Лоренцо Бернини считается отцом скульптуры в стиле барокко. Бернини родился в 1598 году в Неаполе, Италия, в семье скульптора. С юных лет он стал ведущим скульптором.

Экстаз Святой Терезы — это скульптурная группа из белого мрамора, расположенная в часовне Корнаро в Санта-Мария-делла-Виттория, Рим, спроектированная и завершенная Джан Лоренцо Бернини. Скульптура изображает Терезу Авильскую и считается одним из скульптурных шедевров высокого римского барокко, построенным между 1647-1952 годами, когда Бернини было чуть больше пятидесяти. Скульптура изображает святую Терезу, падающую после того, как ангел ударил ее копьем, плывя по облакам. Естественный свет освещает скульптуру через скрытое окно, освещающее золотые лучи, символизирующие солнечный свет.

Экстаз Святой Терезы © Gian Lorenzo Bernini

Живопись в стиле барокко характеризуется огромными эмоциями, яркими, глубокими цветами и интенсивными светлыми и темными тенями. Картины этой эпохи создают иллюзию трехмерности и сильного эмоционального содержания. Свет — важнейшая черта живописи в стиле барокко; было широко распространено использование света и тени. Художники эпохи барокко были одержимы фоном для создания реалистичного изображения произведения искусства и реализма во всем, что показывали.

Рембрандт Харменс ван Рейн, художник эпохи барокко, родился в Лейдене, Голландская Республика (ныне Нидерланды).Рембрандт считается одним из величайших художников европейского искусства и важнейшим художником голландской истории. Самая известная работа Рембрандта — «Ночной дозор». Полное название картины — «Рота ополчения округа II под командованием капитана Франса Баннинга Кокка». Картина была завершена в 1642 году. Картина находится в Рейксмузеуме в Амстердаме. Ночной дозор известен тремя характеристиками: огромными размерами 3,8 метра на 4,5 метра, эффективным использованием света и тени и восприятием движения.

Одна из важнейших особенностей «Ночного дозора» — это то, что фигуры имеют реальный человеческий размер, чтобы создать иллюзию того, что они прыгают с холста в реальное пространство. В центре внимания картины капитан Баннинг Кок и его лейтенант ван Рейтенбурч. Историки считают, что картина изображает союз между голландскими протестантами и голландскими католиками в борьбе против испанцев. Картина была заказана капитаном Баннингом Кокком и семнадцатью членами его Кловенье (охрана гражданской милиции), которые все присутствуют на картине.

Эпоха барокко продолжала обогащать европейское искусство и расширять творческий потенциал в семнадцатом веке. Театр процветал, и опера появилась в Италии примерно в 1600 году. Опера была коммерциализирована в Венеции, и она перестала быть эксклюзивной привилегией для аристократов. Обычные люди в Венеции могли купить билеты на оперные представления. Во времена барокко музыка процветала. В ту эпоху было изобретено множество музыкальных форм, таких как концерт и симфония.

Ночной дозор

Иоганн Себастьян Бах был немецким композитором и музыкантом эпохи барокко. Его музыку уважают за ее техническое мастерство, художественную красоту и интеллектуальную глубину. Бах был известен своим стилем модуляции, который в период барокко был очень ограничен. Музыкальная модуляция — это действие или процесс перехода от одной тональности к другой.

Частный театр в стиле барокко в Чески-Крумлов

Искусство барокко начало падать в восемнадцатом веке. Многие сочли его слишком мелодраматичным и мрачным.Искусство рококо пришло из Франции, и оно было даже более сложным, чем барокко, но менее суровым. Художники эпохи рококо меньше уделяли внимания религии и политике и больше уделяли внимание романтике и природе. Стиль рококо потерпел неудачу из-за встречного движения, известного как неоклассицизм.

Ниже приведены примеры лучших дворцов в стиле барокко.

Людвигсбургский дворец ⓒ Александр Йохманн

Людвигсбургский дворец был построен между 1704 и 1733 годами в Людвигсбурге, Германия.Считается одним из крупнейших дворцов в стиле барокко.

Château de Maisons ⓒ Moonik

Château de Maisons, спроектированный Франсуа Мансаром с 1630 по 1651 год, расположен в Мезон-Лаффит, Франция. Это ориентир в истории французской архитектуры.

Castle Howard ⓒ Pwojdacz

Castle Howard — частная резиденция в Северном Йоркшире, Англия. Строительство началось в 1699 году и длилось более 100 лет.

---

Дополнительная литература:

Краткая история музыки барокко в Европе

ИТАЛИЯ

Папство вернулось в Рим в 1377 году, а после середины 15 века город стал центром культуры Возрождения.Массовое папское покровительство искусства стало обогащать Рим. Во время папства (1447–1455) Николая V были отремонтированы оборонительные стены, построены дворцы и отреставрированы церкви. Крупные художники и архитекторы теперь работали в Риме, и к концу века он вытеснил Флоренцию как главный центр Возрождения. Разграбление города в 1527 году наемниками Габсбургов было временной неудачей. В течение 16 века Микеланджело, Донато Браманте, Рафаэль и другие художники работали на пап, и строительство новой базилики Святого Петра продолжалось.Однако только во время правления (1585-1590) Папы Сикста V плотный, запутанный средневековый городской образец начал модернизироваться. Три главные улицы были проложены так, чтобы расходиться от площади Пьяцца дель Пополо к центру города. Сикст также построил площади и фонтаны и восстановил акведук Аква Феличе. Кроме того, были отремонтированы старые церкви и достроен купол Святого Петра.

Неудивительно, что музыка тоже должна процветать на этом богатом визуальном фоне.Типичным из музыкантов эпохи барокко, действующих в Риме, был композитор и скрипач Арканджело Корелли (1653-1713), чей стиль игры стал основой скрипичной техники XVIII и XIX веков и чьи композиции камерной музыки оказали огромное влияние. . Он родился в Фузиньяно, учился в соседней Болонье, а после 1675 года жил в Риме. Его покровителями были королева Швеции Кристина и, после 1690 года, кардинал Пьетро Оттобони (1667-1740), либреттист и важный музыкальный покровитель, который в качестве вице-канцлера церкви проживал в Палаццо делла Канчеллерия, где располагались Поэтико-музыкальные академии и исполняются оперы и оратории.Наиболее широко издаваемый и переизданный композитор до австрийского Йозефа Гайдна, Корелли был первым композитором, получившим международную репутацию исключительно на основе своей инструментальной музыки. Многие элементы его стиля стали обычным явлением в 18 веке, и его работы являются ранними примерами недавно разработанной системы мажорной и минорной тональности. Как выдающийся скрипач-виртуоз того времени, он обучал многих ведущих скрипачей-композиторов 18 века, в том числе итальянца Франческо Джеминиани.

Многие выдающиеся композиторы периода барокко, особенно Гендель, например, жили в Риме, и влияние Корелли должно было распространиться по всей Европе. Рим, конечно, также был представлен в Гранд-туре, которым в 1700-х годах все больше и больше наслаждались богатые страны Европы и особенно Англии.

Соперничая с Римом по своему музыкальному влиянию, если не по своему архитектурному и художественному великолепию, Неаполь обязан своим выдающимся положением в музыке неисчислимому количеству талантливых музыкантов, родившихся в городе, а также своим музыкальным консерваториям, которые их воспитывали и обслуживали. хорошо.Действительно, Неаполь удачно называют консерваторией музыки 18-го века, и на самом деле он может похвастаться четырьмя консерваториями высочайшего музыкального уровня.

Вряд ли великий композитор первой половины сеттеченто не испытал влияния неаполитанской музыки. Действительно, самые великие музыкальные деятели того времени посещали Неаполь или оставались там и работали какое-то время. Гениальный Никола Порпора (родился 19 августа 1686 года в Неаполе; умер там в феврале 1767 года), например, не только обучал Йозефа Гайдна, но и близко знал таких всемирно известных личностей, как Бонончини, Фаринелли, Гендель и Хассе.В 1733 году он отправился в Лондон, присоединившись сначала к Хассе, а затем к Бонончини, чтобы соревноваться с гигантом Генделем. Некоторые говорят, что влияние Порпоры модернизировало поздний оперный стиль композиции Генделя или, по крайней мере, сохраняло эту тенденцию вплоть до отъезда Порпоры из Англии в Италию в 1737 году.

Общепризнанным мастером неаполитанской музыки барокко был Алессандро Скарлатти (род. 2 мая 1660 г. в Палермо; ум. 24 октября 1725 г. в Неаполе). Почти в мгновение ока он произвел революцию в провинциальной музыкальной атмосфере, царившей в Неаполе, прежде чем он прибыл в феврале 1684 года в качестве нового маэстро ди капелла в часовню вице-королевства.Прямой наследник великих итальянских традиций оперы, оратории, кантаты и инструментальной композиции, полученных от Пьетро Франческо Кавалли (1602-1676), Джакомо Кариссими (1605-1674), Алессандро Страделла (1642-1682) и Джованни Легренци (1626- 1690), Скарлатти был хорошо оборудован, чтобы произвести революцию в неаполитанской музыкальной жизни. Внезапная отставка старой неаполитанской гвардии — Франческо Провенцале (ок. 1627-1704) и шестерых его коллег, разочарованных тем, что Провенцале уступили место Скарлатти после смерти Пьетро Андреа Зиани (ок.1630-1684 гг.), Расчистив путь для глотка свежего воздуха Скарлатти. Опера и кантаты Скарлатти, его серенаты и оратории, и особенно его инструментальные произведения, вскоре принесли новую жизнь неаполитанской музыке. Ему предстояло написать более ста опер, 600 кантат и ряд ораторий. Представители европейской знати часто заказывали ему сочинение сонат для духовых и струнных инструментов, а также пьес для сембало и гроссовых концертов.

Доменико Скарлатти (р.26 октября 1685 г. в Неаполе; d. 23 июля 1757 года, в Мадриде) был шестым сыном Алессандро Скарлатти. Отец, несомненно, подверг Доменико лучшему обучению в Неаполе, взяв его примерно в 1708 году в Венецию, чтобы учиться у Франческо Гаспарини (1668-1727), самого ученика Арканджело Корелли (1653-1713). Из Венеции Скарлатти-младший отправился в Рим с Генделем, согласно отчету, где оба выступали перед кардиналом Пьетро Оттобони. Около 1720 года он переехал в Лиссабон, а через десять лет — в Мадрид.Сегодня он, пожалуй, наиболее известен своими клавишными сонатами, в которых он щедро позаимствовал из латиноамериканских народных мелодий и ритмов, создав уникальную смесь, которую можно было бы назвать «иберийским барокко».

Франческо Дуранте (род. 31 марта 1684 г., во Фратта-Маджоре; ум. 13 августа 1755 г., в Неаполе) был самым занятым из неаполитанских учителей, занимал должности в консерваториях Сант-Онофрио и Санта-Мария-ди-Лорето и преподавал, играет и сочиняет где-нибудь еще. Его карьера развивалась в наилучшее возможное время для максимального использования новой глубины и богатства, новой музыкальной беглости, которую Алессандро Скарлатти создал для Неаполя.Дуранте настолько извлек выгоду из этих удачных обстоятельств, что Руссо посоветовал назвать его «величайшим гармонистом Италии, то есть мира».

Но из-за неизменно высокого вдохновения немногие композиторы того времени, неаполитанские или другие, могут сравниться с Джованни Батистой Перголези (род. 4 января 1710 г. в Ези; ум. 16 марта 1736 г. в Поццуоли). Его карьера также совпала с наиболее плодотворным периодом в истории неаполитанской музыки. Судьба Перголези заключалась в том, чтобы воспользоваться (в течение двух с половиной десятилетий трагически укороченной жизни) грандиозной возможностью для совершенно новой музыкальной формулировки, которую предоставили произведения Скарлатти.Практически в одиночку Перголези выковал новый драматический стиль, используя для своих целей скромную оперную буффа и привнося в сцену и концертный зал все тонкости психологического, идиоматического и мотивационного развития, а также всю драматическую гибкость, столь важную для искусства театра. музыкальная характеристика, которую Моцарт должен был довести до совершенства.

Венеция, великий независимый торговый город на воде на севере, также была местом огромного богатства, архитектурных шедевров и музыкального влияния, самым известным из ее музыкальных сыновей был Антонио Вивальди.Венеция также участвовала в «Гранд-туре» европейской знати. Однако, оглядываясь назад, мы, возможно, можем с грустью отметить, что экономическая мощь и богатство Венеции уже находились в упадке, и к концу жизни Вивальди наступил экономический спад, из которого Венеция так и не оправилась.

Глубокое, всепроникающее и вдохновляющее влияние на итальянскую музыку барокко оказали скрипичные мастера, в основном сосредоточенные в Кремоне — семья Амати в 16 и 17 веках, семьи Гварнери и Страдивари в 17 и 18 веках.Можно предположить, что подобным же образом великие строители органов Германии, Арп Шнитгер на севере и Готфрид Зильберман на юге, вдохновляли и бросали вызов таким композиторам, как Букстехуде и И.С. Бах, на создание сочинений для органа, которые в полной мере использовали бы разнообразное и величественное звучание этих выдающихся инструментов.

ИЗ ИТАЛИИ В ГЕРМАНИЮ

Иоганн Георг Пизендель (родился в 1687 году, умер в Дрездене в 1755 году) был не только одним из выдающихся немецких скрипачей 18 века, но и музыкальной личностью с мировым именем.В возрасте десяти лет он отправился в Ансбах, где его учителем стал Джузеппи Торелли. В 25 лет он поступил в Дрезденский придворный оркестр, а в 1728 году был назначен его руководителем, с отличием занимая этот пост до самой своей смерти. Во многом именно благодаря его творчеству Дрезденский придворный оркестр получил известность во всей Европе. Иоганн Фридрих Райхард писал в 1774 году: «Несмотря на то, что Берлинский оркестр всегда был хорош, люди, способные судить и знакомые с обоими, всегда предпочитали дрезденский оркестр под руководством известного концертмейстера Пизенделя.С разрешения двора Пизендель отправился во Францию ​​в 1714 году и в Италию в 1716/17 году. Он учился у Вивальди в Венеции, а также познакомился с другими выдающимися итальянскими мастерами того времени, а по возвращении в Дрезден представил новейшие итальянские скрипичные сочинения.

Мы знаем, что Пизендель исполнил концерт Торелли для Лейпцигского Collegium Musicum, а Дрезден в то время был центром немецкого культа Вивальди, под влиянием которого И.С. Бах сочиняет органные концерты.Политические и культурные связи между Саксонией и Италией стали еще сильнее после коронации Марии Амалии Саксонской королевой Неаполя. Королевские резиденции в Мюнхене, Штутгарте и Ганновере также позволили себе роскошь итальянских музыкальных заведений, и многие из меньших княжеских дворов, где музыка была направлена ​​немцами, заказали последние партитуры из Италии.

Значение и статус Пизенделя как оригинального композитора долгое время недооценивались. Хотя он не был плодовитым писателем, те его произведения, которые сохранились, имеют высокое качество и демонстрируют индивидуальную творческую цель.Соната для скрипки соло — очень сложное произведение как с музыкальной, так и со скрипичной точки зрения, и оно имеет тенденцию подтверждать теорию о том, что игра и стиль Пизенделя, возможно, привели к сочинению сольных сонат Баха. Действительно, было высказано предположение, что Шесть сонат / партит Баха для скрипки соло были составлены именно как вызов Пизенделю во время визита Баха в Котенский двор, где Бах тогда находился на службе.

Точно так же капельмейстер Готы Готфрид Генрих Штольцель (1690-1749) отправился в Италию в 1713 году, чтобы установить личный контакт с выдающимися музыкантами того времени и не упустить ни одной возможности «там, где что-нибудь должно быть услышано». .Он встретил Алессандро Скарлатти в Риме, а в Венеции — Вивальди, Марчелло и своего земляка Иоганна Давида Хайнихена. Его путешествие проходило через Флоренцию, Пизу и Ливорно, а обратно через Болонью, Венецию и Триест в Инсбрук, затем через Линц и Будвейс в Прагу.

Например, «Concerto a quattro chori»

Штользеля стал ярким событием в придворной музыке того времени. Само озвучивание этого произведения с его двумя группами труб, группой деревянных духовых и разделенных струнных, создает атмосферу праздничного великолепия, характерного для периода позднего барокко, с его чистой радостью от создания музыки.J.S. Бах знал и, вероятно, ценил эту великолепно звучащую работу своего коллеги в Готе; он использовал фугальную тему из Финала этого Концерта в своем G minor Bourrée из «Clavierbchlein» для Вильгельма Фридемана Баха, в котором «Partia di Signore Stelzeln» в нескольких частях занимает почетное место.

ГЕРМАНИЯ

Германия, хотя и находилась под сильным влиянием событий в Италии, на самом деле привносила эти формы и стили в свои местные традиции.

Реформация, возглавляемая Мартином Лютером и официально начавшаяся в 1517 году, принесла религию в массы, как через перевод Лютера библейских текстов на немецкий язык, так и за счет широкого использования хорала в качестве основного текстового / музыкального сопровождения церковной службы.Из традиционных хоральных мелодий большая часть немецкой музыки барокко должна была расти и развиваться. Кантаты и страсти часто основывались на хорале, а если и не были, то были просто продолжением хоральной традиции. Органисты тоже разрабатывали хорал на неделю, либо добавляя вставки между стихами, либо составляя целые наборы вариаций на основе определенной мелодии хора.

К этой традиции следует добавить инстинктивную немецкую любовь к порядку, проявляющуюся до сих пор во многих аспектах немецкой жизни.Таким образом, немецкие композиторы были привлечены к фуге, канону и пассакальи как к своей основе фундаментальной формы, образца и единства.

Одним из нескольких композиторов раннего барокко, внесших значительный вклад в объединение хорала и контрапункта, был ДИТРИХ БУКСТЕХУД. Датчанин по происхождению и родился в Ольдесло, Гольштейн (тогдашнее владение Дании), в 1637 году, он умер в Любеке в 1707 году в возрасте шестидесяти девяти или семидесяти лет. В дополнение к его композиционным вкладам, его артистизм на органе был легендарным.Его исполнение духовной музыки, инструментальной и вокальной, сделало Любек местом паломничества музыкантов, стремящихся продвинуться в своем искусстве, а сам молодой Себастьян Бах преодолел двести миль, чтобы услышать их и сесть у ног Мастера. В кантатах и ​​страстях Баха, а также в его многочисленных хоральных прелюдиях и вариациях развитие хорала достигло пика, который впоследствии никогда не превышался.

Хорал продолжился и продолжает занимать фундаментальное место в жизни Германии, как протестантской, так и католической.Хоралы постоянно звучат как в домах, так и в церквях. На протяжении веков церковные хоры были обычным делом прогуливаться по улицам в течение недели, распевая их перед домами. Даже в 1880-х годах Штайнерт, бостонский торговец пианино, повторно посетивший свой родной баварский городок после сорокалетнего отсутствия, обнаружил, что ночной сторож на улице все еще отмечает часы, распевая свои стихи из гимна на свою старую хоральную мелодию. делает в другом баварском городке в Мастерсингерах Вагнера.Хорал действительно пронизывает немецкую религиозную, общинную и домашнюю жизнь. Частный путешественник в Германии сегодня может быть удивлен, узнав, сколько из тех, кого он или она встречает, являются постоянными и полными энтузиазма участниками церковных хоров, что еще раз свидетельствует об их глубокой любви к хоровой музыке.

АНГЛИЯ

1600-е годы оказались веком политических потрясений и перемен в Англии — перехода от автократической к парламентской монархии. В начале века Британией правил очень деспотичный монарх, который не имел ничего общего с молодым и амбициозным парламентом.Разборка произошла с судом в парламенте и последующей казнью короля Карла I в 1649 году. За этим последовала попытка республики при Кромвеле, которая оказалась хаотичной и катастрофической. Восстановленные монархи — Карл II и Яков II — все еще несколько неохотно соглашались с верховенством парламента, пока сам парламент не призвал дочь Джеймса Мэри и ее голландского мужа Вильгельма Оранского спасти страну от политической нестабильности. Они сделали это в 1689 году, после чего вместе правили как Вильгельм III и Мария.Эта краткая история объяснит, почему после культурного вакуума и хаоса революции, республики и ее последующих лет музыка снова стала процветать к концу века.

Генри Перселл родился в 1659 году, и хотя ему предстояло прожить очень короткую жизнь (он умер в 1695 году), он смог насладиться и полностью использовать возобновившееся расцвет музыки.

Он посвятил много своего таланта написанию опер или, скорее, музыкальных драм и случайной сценической музыки; но он также писал камерную музыку в форме сюит для клавесина и трио-сонат, а также участвовал в растущей лондонской публичной концертной сцене.Для молодого Лондонского Музыкального Общества он написал Оды в честь дня Святой Сесилии (покровительницы музыки), который любой меломан может отпраздновать 22 ноября.

Пёрселл, сын придворного музыканта, певца в Королевской часовне и продолжавший занимать королевские должности до самой смерти, работал исключительно в Вестминстере у трёх разных королей на протяжении двадцати пяти лет, а также факты о деятельности Перселла при дворе достаточно хорошо задокументированы. Среди других произведений, написанных для двора, он написал оды к королевским дням рождения, в том числе живую и мелодичную «Приходите, сыны искусства».

Смерть королевы Марии нанесла сокрушительный удар по стране. Мэри была очень любимым монархом, и публика требовала похорон, что отражало ее преданность. Никаких расходов не пощадили. Сэр Кристофер Рен позаботился о том, чтобы дорога в Вестминстер была обнесена черными перилами. Триста мрачных женщин возглавили свиту в черных плащах с мальчиками, несущими свои поезда. Перселла также попросили исполнить оду смерти своей (и страны) любимой королевы Марии.Как прекрасно повод для запоминающейся и горько-сладкой музыки Перселла. В ноябре того же года Вестминстерское аббатство также станет местом собственных похорон Перселла, на которых объединенные хоры аббатства и Королевской часовни будут отмечать преждевременную кончину «английского Орфея».

В течение последних десятилетий 1600-х годов Англия многое узнала об итальянских и французских музыкальных стилях от Перселя и вступит в новый век, горячо восприимчивая к континентальной моде.

В музыкальной жизни Англии в первой половине 1700-х годов доминировала фигура гигантского Генделя, поселившегося в Лондоне в 1712 году; и здесь королевская семья снова сыграла свою влиятельную роль.

После раннего обучения в Германии Гендель отправился в Италию, где провел более трех лет во Флоренции, Риме, Неаполе и Венеции. В Риме он учился у Корелли и, возможно, встретил Вивальди в Венеции по возвращении.

Гендель покинул Италию в начале 1710 года и отправился в Ганновер, где был назначен капельмейстером курфюрста Джорджа Луи.Королевские дома Великобритании и Европы всегда были тесно связаны между собой, и Закон об урегулировании в 1701 году, закрепивший за протестантами правопреемство короны, сделал мать Джорджа наследницей престола Великобритании. В 1705 году Джордж был натурализован парламентским актом, а в августе 1714 года смерть королевы Анны сделала его королем. Гендель, который уже побывал в Лондоне и, по всей видимости, находил это по своему вкусу, должен был последовать примеру курфюрста в принятии британского гражданства, и действительно, часть успеха Генделя в Лондоне была обусловлена ​​королевским покровительством курфюрста Ганновера, ныне короля Георга I.

Влияние Генделя как на культурную среду его времени, так и на его более молодых английских современников трудно переоценить. Это было начало эпохи «Гранд-тура», когда образованные и состоятельные граждане отправились в «Гранд-тур» в Италию, Францию, Германию и Нидерланды. Часто они возвращались домой полные энтузиазма по поводу академий, театров, оперных театров и концертной жизни, с которыми они столкнулись в Европе. Короче говоря, Англия стала гостеприимным хозяином для иностранных виртуозов, импресарио, певцов и композиторов.Как заметил гамбургский теоретик, критик и композитор Иоганн Маттезон в 1713 году (Das Neu-Erôffnete Orchester): «Тот, кто в настоящее время хочет получать прибыль от музыки, отправляется в Англию».

В Англии, как и в Германии, главным образцом инструментальной музыки был Корелли, чьи сочинения впервые стали известны в Лондоне к концу семнадцатого века. В 1715 году Джон Уолш-старший — он и его сын вскоре стали издателями Генделя — выпустил «12 Concerti Grossi Op.6, с которого они были исполнены, адаптированы и, судя по всему, повсеместно полюбились. Английский историк музыки сэр Джон Хокинс упоминает случай в 1724 году, когда группа энтузиастов-любителей, только что усвоившая сочинение Корелли. 6 у книготорговца, «отыграли все 12 концертов, не вставая со своих мест» ( История науки и практики музыки , 1776). Концерты современника Корелли Торелли и современные модные венецианские концерты Вивальди также были опубликованы и стали популярными в Англии.

Одним из первых композиторов, напечатавших концерты в Англии, был Франческо Джеминиани. Близнецы родился в Лукке и учился игре на скрипке у Корелли в Риме. Также возможно, что он изучал композицию у Алессандро Скарлатти в Неаполе. В 1707 году Джеминиани вернулся в свой родной город Лукку, где он три года играл в городском оркестре, прежде чем занять должность в Неаполе в 1711 году в качестве руководителя оперного оркестра. В 1714 году он приехал в Англию, где его игра быстро завоевала поддержку видных деятелей при дворе и аристократии.Джеминиани уехал из Лондона в Дублин в 1733 году, где заработал прекрасную репутацию учителя, исполнителя, организатора концертов и теоретика. В том же году он открыл Концертный зал в Дублине, очевидно, используя помещения наверху для музыки, а комнаты внизу для торговли картинами.

ФРАНЦИЯ

Вклад Франции в музыку барокко, особенно в ее ранний период, 1650-1700 гг., Был сравнительно невелик. Это было полностью связано с влиянием некоего Джованни Баттиста Лулли (1632–1687), итальянца благородного происхождения, который в молодости отправился во Францию ​​и в 1653 году начал службу при дворе Людовика XIV.Здесь он использовал свое влияние на короля в сочетании с агрессивным бизнесом, чтобы создать для себя виртуальную монополию на французскую музыку, которая продержалась и после его смерти и до начала 1700-х годов, и только с Рамо и Купереном Франция снова начал находить себя в музыкальном плане. Мертвую хватку Люлли (если использовать его более позднее французское написание) над французской музыкой в ​​то время трудно было переоценить. Серия строго ограничивающих королевских патентов дала ему полную монополию на использование музыки на французской сцене.Агрессивный и проницательный в бизнесе, Люлли скупил ведущие театральные площадки и, чтобы укрепить свое положение, даже убедил короля издать постановление, ограничивающее количество певцов и инструменталистов, которые могли выступать с другими парижскими театральными труппами.

Основное влияние, которое Франция оказала на эпоху барокко, было влиянием придворной роскоши. В 1669 году Людовик XIV (1638-1715) решил превратить старый охотничий домик в Версале во дворец невиданной красоты.Он был завершен в 1682 году, а двор переехал в 1683 году. В Европе не было королевского или княжеского двора, который мог бы сравниться с Версалем по роскоши его позолоченных интерьеров, его зеркал и люстр с соответствующим пышностью придворной церемонии и в Европе не было королевского или княжеского двора, который открыто или тайно не стремился бы соответствовать этой модели.

Люлли (ныне натурализованный француз как Жан-Батист Люлли с буквой «у») отразил этот идеал в великолепии своих опер и оперных декораций, поставленных с помощью всевозможных машин, с помощью которых солнца и ангелы могли летать, а корабли могли летать. кататься по диким бурным морям.Его оперные тексты восхваляли короля и на каждом шагу отражали новейшие королевские мысли, что, конечно же, укрепляло его положение. В то же время необходимо подчеркнуть, что его выступления нельзя было пропустить. Его оперы и священные произведения демонстрируют богатство и величие (Ouverture во французском стиле — один из его вкладов), что вызовет восхищение публики и приезжих музыкантов из Италии и Германии.

Хотя большая часть королевской семьи Европы должна была совершить паломничество в Версаль, никто не должен был знать, что Людовик и его страна были перегружены долгами, которые наложил на них дорогостоящий Версаль.Вдобавок Франция в последние годы 1600-х годов пережила два голода и серию катастрофических военных поражений. Великолепие Версаля постепенно угасло вместе с энергией короля, и его смерть в 1715 году ознаменовала как конец Версаля (хотя позже он возродится), так и возрождение (нелуллийской) музыки в Париже с бумом нот. уроки книгопечатания и музыки для буржуазии. Музыкальная свобода и жизненная сила возродились в Париже и будут продолжать процветать даже после того, как Людовик XV вернул свой двор в Версаль.

ИСПАНИЯ

Мавританское присутствие (примерно 800-1500) придало испанской музыке большую часть ее отличительного колорита, оставив в наследство сложные арабские ритмы, микротонические гаммы и непреходящую любовь к щипковым инструментам, виуэле и гитаре. Позже странствующие цыгане добавили региональной вариативности в ритм и мелодию. Именно эту богатую и разнообразную народную смесь Доменико Скарлатти позже изучал и использовал с таким пылом и энтузиазмом.

Когда император Карл V объединил Нидерланды, Бургундию, Неаполь и Испанию под одной короной, Испания открылась для всего европейского музыкального мира.Во времена правления Карла и его сына Филиппа II, вместе взятых в период с 1516 по 1598 год, испанская музыка достигла апогея. В этот период процветало и органное строительство; Строители органов стали предприимчивыми и изобретательными по мере того, как процветание Испании распространилось на церкви. Сам Филипп II подарил орган в соборе Гранады — он до сих пор используется регулярно. Слепой композитор-органист Антонио де Кабесон (1510–1566) был одним из первых в мире композиторов для клавишных, его сочинения отличались довольно развитым стилем.

Однако значительный музыкальный прогресс в период барокко произошел и в других частях Европы. Глядя на имена испанских композиторов 1650-1750 годов, мы не находим ни одного особенного примечания. Однако в 21 веке нам нужно время от времени напоминать себе, что с 1650 по 1750 год политическая карта мира была совсем другой. Большая часть южной Италии (с центром в Неаполе, включая Сицилию и Сардинию) была «испанскими» колониями испанской части Дома Габсбургов (ведущей державы в Европе).Испания была ведущей европейской державой в Средиземноморье, и в ее культуре было гораздо больше, чем иберийский пенис.

Крупнейшей фигурой испанского барокко был Доменико Скарлатти, который родился и получил музыкальное образование не в Испании, а в Италии. В примерно 500 сонатах Скарлатти мы находим все богатство и волнение, мелодическое и ритмическое разнообразие традиционной Испании.

барокко | Университет антикварных украшений

Нельзя говорить об эпохе барокко, не рассматривая ее в религиозном контексте, поскольку она оказала такое большое влияние на столетия после Реформации.В эпоху Возрождения и позднего средневековья образ мышления изменился от принятия религиозных доктрин к доверию собственным наблюдениям (гуманизм). В начале 16 века Мартин Лютер пытался реформировать католическую церковь изнутри в знак протеста против непомерного образа жизни многих священнослужителей. В то время эти люди Церкви были сильно увлечены пороками, с которыми мы не стали бы связывать их в наши дни. Лютер сильно протестовал против продажи так называемых индульгенций для прощения грешников и роли Папы в богословии, поскольку он обнаружил, что саму Библию следует воспринимать как истинное слово Бога, а не слово Церкви.Римско-католической церкви было бы что терять, если бы они отказались от своей абсолютной власти, и вскоре последовала реакция. Хотя в намерения Лютера не входило отделение от католической церкви, вовлеченные стороны вскоре разделились на два основных лагеря; протестанты и католики. Другие протестантские реформаторы также начали формировать собственные доктрины с различными толкованиями Писания. В частности, Цвингли и Кальвин имели очень твердые взгляды на идолопоклонство, и их иконоборческие взгляды оказали сильное влияние на искусство.Это можно увидеть в различиях между южным и северным европейским барокко. Контрреформация католической церкви в Риме продвигала идолопоклонство как средство поклонения.

Не только католическая церковь разделилась, но и европейские правители встали на сторону в этом вопросе по разным причинам. Европа разделилась на страны, в основном католические, и на те, где протестантизм прочно закрепился в конце 16 века. Между двумя лагерями велись длительные войны.Король Испании Филипп II был сувереном большинства низких стран, и как преданный католик он не терпел протестантских общин, обосновавшихся на его земле, и не испытывал особого сострадания к мятежным дворянам, которые призывали к большей религиозной и государственной автономии. . Когда многие религиозные статуи были разрушены после того, как кальвинистские проповедники призвали к уничтожению всего идолопоклонства, Филипп послал армию в низкие страны, что привело к 80-летней войне между Испанией и 17 провинциями .

Тем временем во Франции и Священной Римской империи (которая состояла из фрагментированных центральноевропейских государств, в основном нынешних Германии, Австрии и Венгрии) правители приняли решение о некоторой религиозной свободе через Аугсбургский мир в Священной Римской Империи и Нантский эдикт во Франции (отмена последнего сыграла еще одну решающую роль в развитии барокко). Хотя в то время существовала некоторая религиозная терпимость, между различными сектантскими государствами все еще существовала напряженность, также подпитываемая династической борьбой за власть.В конце концов, вся эта напряженность накапливалась в 30-летней войне , в которой участвовало большинство европейских стран.

30-летние и 80-летние войны закончились Мюнстерским мирным договором в 1648 году, и были установлены новые границы, изменившие карту Европы.