Мультимедиа Арт Музей, Москва | События

Занятие 1

Вводная лекция об эпохе Возрождения. Произошедшие Возрождение античности изменения в культуре и искусстве. .

Практическая часть: Поговорим что же такое свет и цвет. Разберем холодные и теплые оттенки.

Занятие 2

Интернациональная готика и проторенессанс.

Практическая часть: Познакомимся с понятием перспектива и научимся ее строить на собственной картине.

Занятие 3

Литература Ренессанса: Данте и Бокаччо.

Практическая часть: Узнаем, что композиция бывает многофигурная, на примере работы Джотто «Поцелуй Иуды».

Занятие 4

Живописец проторенессанса: Джотто.

Практическая часть: Многофигурная композиция и сюжет.

Занятие 5

Скульптор и архитектор Раннего Возрождения Брунеллески.

Практическая часть: Проектируем собственный купол, вдохновившись куполом Брунеллески.

Занятие 6

Архитектор и теоретик Альберти.

Практическая часть: Придумываем идеальный город будущего.

Занятие 7

Архитектура раннего Возрождения.

Практическая часть: Вдохновимся куполом Брунеллески и нарисуем этюд.

Занятие 8

Скульптура раннего Возрождения. Донателло, Гиберти. Лука делла Роббиа и его мастерская.

Практическая часть: Лепим бюст по мотивам скульптурных портретов Луки делла Роббиа.

Занятие 9

Реформатор живописи Мазаччо.

Практическая часть: Рассматриваем детали интерьеров и экстерьеров в работах Мазаччо.

.

Занятие 10

Религиозные сюжеты в творчестве художников Пьеро делла Франческо и Мантеньи.

Практическая часть: Изучим пропорции построения головы человека в различных ракурсах. Рассмотрим на примерах работ Пьеро делла Франческо и Мантеньи.

Занятие 11

Портрет в творчестве художников Антонелло да Мессина и Джованни Беллини.

Практическая часть: Узнаем, что такое автопортрет и как выбрать колорит для выражения эмоции на картине.

Занятие 12

Боттичелли. Обращение к мифологическому сюжету.

Практическая часть: Представим, как бы выглядела современная мифологичная Венера с полотна Боттичелли.

Занятие 13

Итальянская архитектура эпохи Высокого Возрождения. Браманте.

Практическая часть: Рисуем детали интерьеров в работах Браманте.

Занятие 14

Градостроительство Италии эпохи Ренессанса. Образ идеального города.

Практическая часть: Строим план идеального современного города.

Занятие 15

Леонардо да Винчи: великий гений.

Практическая часть: Рассмотрим изобретения Леонардо Да Винчи и создадим собственное новаторское произведение искусства.

Занятие 16

Рафаэль. Образ Мадонны в творчестве художника.

Практическая часть: Рисуем портрет Мадонны.

Занятие 17

Микеланджело: скульптор, живописец, архитектор и поэт.

Практическая часть:

Рисуем детали и попытаемся понять почему Микеланджело «Сикстинская капелла» это больше графика чем живопись.

Занятие 18

Венецианские художники: Тициан, Веронезе и Тинторетто.

Практическая часть: Изучим «Метаморфозы» венецианской живописи и узнаем, что такое лессировка в живописи.

Занятие 19

Позднее Возрождение в архитектуре. Палладио.

Практическая часть: Рисуем дом в стиле европейского классицизма.

Занятие 20

Искусство маньеризма. Жизнеописания художников: Вазари.

Практическая часть: Придумаем сюжет в стиле маньеризма и нарисуем картину.

Занятие 21

Вводная лекция об искусстве и культуре Северного Возрождения. Реформация Мартина Лютера.

Практическая часть: Придумаем сюжет в стиле маньеризма и лепим скульптуру.

Занятие 22

Ян ван Эйк: великий мастер и легендарный изобретатель масляной живописи.

Практическая часть: Рисуем загадочные портреты Ян ван Эйка.

Занятие 23

Рогир ван дер Вейден и Гуго ван дер Гус.

Практическая часть: Рисуем многофигурную драматическую композицию.

Занятие 24

Босх и созданный им удивительный мир.

Практическая часть: Разгадываем тайны образов Босха и наделяем их своими.

Занятие 25

Дюрер и его вклад в развитие теоретической стороны искусства.

Практическая часть: Графика Дюрера как пример пристального наблюдения за деталями. Рисуем «Зайца» Дюрера.

Занятие 26

Лукас Кранах и его мастерская. Художник-сподвижник Реформации.

Практическая часть: Рассмотрим живописный прием от темного к светлому.

Занятие 27

Грюневальд и его «Изенгеймский алтарь». Творчество Гольбейна.

Практическая часть: Натюрморт в портрете.

Занятие 28

Творчество Брейгеля: обращение к крестьянскому быту.

Практическая часть: Изучаем жанровые сцены и пейзажи Брейгеля.

Занятие 29

Мастера французской живописи. Мастер из Мулена и Фуке.

Практическая часть: Цвет в живописи.

Занятие 30

Архитектура Северного Возрождения.

Практическая часть: Сделаем длительные зарисовки архитектуры Северного Возрождения.

Изобразительное искусство, литература и театр эпохи Возрождения

Символ эпохи Возрождения — расцвет искусства. Для человека Ренессанса искусство имело такое же всеобъемлющее значение, как для XVIII в. — философия, для XIX в. — наука, для XX в. — техника. Все социальные слои были охвачены художественными увлечениями. Образностью в искусстве окрашивались идейные искания и творчество, политика и социальная борьба, хозяйство и быт, война и дипломатия. Художественный вкус никогда еще не был уделом столь широких слоев общества и не поднимался до такой высоты, тяготея к реализму. Постепенно в борьбе и художественных противоречиях идет сложение реалистического мировоззрения в искусстве Ренессанса. Синтез науки и искусства — характерная черта ренессансной культуры. Если в готике проступали черты наивного, иллюстративного натурализма деталей, то для стиля Возрождения особенно важны рационализм и синтетический реализм. Искусство Возрождения интеллектуально, оно не столько выражает, сколько изображает, стремится к установлению объективных законов в передаче натуры, к систематическому подведению научного фундамента под художественное творчество. В сочетании чистой, отвлеченной мысли и свежести чувственного опыта и заключалась огромная сила и своеобразие искусства Возрождения.

В эпоху Ренессанса искусство стало превращаться в активное орудие познания, из анонимного умения — в персональное дарование, из ремесла, повинующегося технически — цеховым традициям, в творчество, основанное на рациональной логике законов и принципов. Перспектива, как средство для завоевания глубины, для создания пространственной иллюзии, изучение анатомической структуры человеческого тела, учение об идеально прекрасных пропорциях и перенесение их в архитектуру — все названные рационалистические приемы овладения действительностью были введены художниками Ренессанса. Принципы эстетики Возрождения — единство духовной и телесной красоты, наслаждение, искусство как красота. Мастер Возрождения — это новатор, в лице которого гармонично сочетались архитектор, инженер, художник, ученый — теоретик и изобретатель.

Принципы гуманистической этики, основанные на новом понимании природы человека, получили наиболее полное выражение в последовательно светской концепции Леона Баттиста Альберти.

В трактате «О зодчестве» Альберти с особой силой подчеркнул творческую мощь человека — устроителя мира, высшее воплощение которой он видел в архитектуре. Как и другие теоретики, он выдвигает в качестве нового понятия категорию красоты, которая не смешивается с добром, а является самодовлеющей эстетической категорией. Для Альберти прекрасно то, что соразмерно, причем обязательным критерием красоты служит сходство с природой. В этом утверждении заложено четкое противопоставление средневековым эстетическим учениям, для которых характерен тезис о воплощении идеи, стоящей над действительностью. Обращение к природе означало для ренессансных мастеров необходимость глубокого изучения ее закономерностей, накопление знаний в области перспективы, анатомии, приемов объемной моделировки. В основу учения о пропорциях был положен тезис о человеческом теле как об основной единице масштаба, исходном пункте пропорциональных построений. Это равно относилось как к зодчеству, так и к живописи, скульптуре. Здесь коренится одна из причин значительности человеческого образа, которая отличает памятники Возрождения. Большие успехи сделала анатомия, хорошее знание которой при антропоцентрическом характере художественного мышления у итальянских мастеров было абсолютно необходимо. Все теоретики XV в. единодушны в отрицательном отношении к средневековому искусству — как к византийской манере, так и к готике. Однако зодчие раннего Возрождения унаследовали от средневековых мастеров многие из приемов строительной техники. Эволюция итальянской архитектуры в XV в. протекала в сложных и противоречивых формах. Часто давала себя знать незрелость и непоследовательность в применении классической ордерной системы, в смешении античных и средневековых форм. В различных центрах страны складывались отдельные локальные направления, подчас весьма отличные друг от друга. Общая тенденция развития ренессансной архитектуры ярко проявилась в творчестве Ф. Брунеллески. В архитектуре того времени формируется новый тип здания — городского жилища (палаццо), загородной резиденции (вилла), совершенствуются различные виды общественных сооружений. Функциональность новой архитектуры гармонически связана с ее эстетическими принципами. Использование сложившейся на античной основе ордерной системы подчеркивало величественность зданий и в то же время соразмерность их человеку. В отличие от средневековой архитектуры внешний облик зданий был органически объединен с интерьером. Строгость и торжественная простота фасадов сочетаются с просторными, богато украшенными внутренними помещениями. Ренессансная архитектура, создавая среду обитания человека, не подавляла, а возвышала его, укрепляя веру в себя. Ее творцами, стали выдающиеся зодчие — Ф. Брунеллески, А. Альберти, Микелоццо ди Барталоммео. Крупнейшими зодчими были Дж. Вазари, Дж. Романо, А. Палладио. Трактаты Палладио обосновывали стиль классицизма. Классицизм в общем смысле был творческим методом Возрождения и заключался в подражании образцам, уравновешенности, гармоничности. Природа — это «образец», а античность была » школой».

Живопись и ваяние, как и зодчество вступили на путь радикального преобразования, новаторства, творческих открытий, развиваясь в светском направлении. В скульптуре переходят от готики к ренессансному стилю Донателло, Веррокьо и др. Важным завоеванием Ренессанса было вынесение свободно стоящей статуи на площадь. Быстро развивается искусство скульптурного портрета.

Живопись — ведущий вид изобразительного искусства Возрождения. Продолжателем Джотто и основоположником ренессансной живописи стал А. Мазаччо. Мазаччо сделал решающий шаг в создании собирательного образа человека, проникнутого новым, подлинно светским мироощущением, освободившегося отныне от религиозно-этического гнета средневекового сознания. В такой же мере Мазаччо продвинулся вперед в показе окружающей человека среды. Поставив своей задачей изобразить на плоскости стены объемную и реальную человеческую фигуру в трехмерном пространстве, он успешно решил проблему. По-новому была использована возможность светотени, моделирующей пластическую форму. Вводя в свои композиции пейзаж, придавая ему монументальный, обобщенно-реалистический характер, он раздвигает при его посредстве границы изображаемых сцен, сообщая им широкий пространственный характер. Мягкость и живописность светотеневых переходов, простые красочные соотношения усиливали пластическую выразительность образов. Готическая отвлеченность, свойственная предшественникам, была преодолена Мазаччо.

Процесс становления ренессансной живописи был противоречив, сочетание новых и старых принципов порождало многообразие форм и направлений (Боттичелли, Перуджино, Пинтуриккьо, Беллини). На развитие художественной культуры Высокого Возрождения огромное влияние оказали Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль, Джорджоне, Корреджо, Тициан, Веронезе, Тинторетто. Литература и театр Возрождения стали выразителями гуманистических идей. Для них характерно жанровое и стилевое многообразие: новеллы, эпические произведения, рыцарский роман, комедия, трагедия, публицистика, поэзия. Ф. Петрарка заложил основы новой гуманистической этики. Ее главный принцип — достижение нравственного идеала через самопознание, активная добродетель, образование, смысл которого — в широком овладении культурным опытом человечества. Необычайную популярность завоевали новелла (особенно в Италии), эпические произведения и рыцарский роман (Л. Ариосто, Ф. Рабле, М. де Сервантес), комедия и трагедия (У. Шекспир, Лоле де Вега), богатая публицистика, лирическая поэзия. Нередко в художественной форме писали даже научные трактаты. В театральных представлениях эпохи Возрождения религиозная тематика отступала на задний план, в центре внимания и здесь находился человек со всей гаммой чувств и переживаний, смело воспроизводилась реальная жизнь, звучала едкая сатира, разыгрывалась кипучая борьба страстей. Возникнув вначале как театр придворный, опиравшийся на античную драматургию, он впитал в себя затем народное начало, обогатился за счет фольклора, мистерий, карнавального творчества и постепенно сформировался как театр профессиональный. На место «ученой комедии» (появившейся в Италии в XVI в. сначала на латинском языке, а потом на языке народном) пришла комедия масок. Завоевав Италию, она распространилась затем по всей Европе. Наивысшего расцвета театральное искусство достигло в Англии и Испании. Музыкальное искусство Возрождения включало в себя музицирование как род культурной деятельности, объединение музыки и текста, нотопечатание, жанровое и инструментальное разнообразие. Наряду с церковной музыкой делает успехи и светская музыка. Совершенствовалось вокальное мастерство, в быт горожан (особенно в Италии и Нидерландах) проникает инструментальная музыка, распространяется полифония, возникает оркестровая музыка, а во Флоренции конца XVI в. зародилась опера. Качественный скачок в развитии музыкального театра связан с именем К. Монтеверди, которого считают первым композитором нового времени, создателем экспрессивного (взволнованного) стиля. Италия XVI в. знала большое разнообразие музыкальных инструментов: лиру, цитру, цимбалу, клавесин, виолу, скрипку, свирель и трубу. Изготовлением смычковых инструментов славились Амати, позже А. Страдивари.

 

 

 

 

 

Понравилась статья? Отправьте автору вознаграждение:

Искусство Возрождения — это… Что такое Искусство Возрождения?

Возрожде́ние, или Ренесса́нс (фр. Renaissance, итал. Rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV—XVI века.

Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин.

Термин Возрождение встречается уже у итальянских гуманистов, например, у Джорджо Вазари. В современном значении термин был введён в обиход французским историком XIX века Жюлем Мишле. В настоящее время термин Возрождение превратился в метафору культурного расцвета: например, Каролингское Возрождение IX века.

Общая характеристика

Новая культурная парадигма возникла вследствие кардинальных изменений общественных отношений в Европе.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма — общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. Новое мировоззрение обратилось к античности, видя в ней пример гуманистических, неаскетичных отношений. Изобретение в середине XV века книгопечатания сыграло огромную роль в распространении античного наследия и новых взглядов по всей Европе.

Возрождение возникло в Италии, где первые его признаки были заметны ещё в XIII и XIV веках (в деятельности семейства Пизано, Джотто, Орканьи и др.), но оно твёрдо установилось только с 20-х годов XV века. Во Франции, Германии и других странах это движение началось значительно позже. К концу XV века оно достигло своего наивысшего расцвета. В XVI веке назревает кризис идей Возрождения, следствием чего является возникновение маньеризма и барокко.

Периоды эпохи

Раннее Возрождение

Период так называемого «Раннего Возрождения» охватывает собой в Италии время с 1420 по 1500 года. В течение этих восьмидесяти лет искусство ещё не вполне отрешается от преданий недавнего прошлого, но пробует примешивать к ним элементы, заимствованные из классической древности. Лишь впоследствии, и только мало-помалу, под влиянием все сильнее и сильнее изменяющихся условий жизни и культуры, художники совершенно бросают средневековые основы и смело пользуются образцами античного искусства как в общей концепции своих произведений, так и в их деталях.

Тогда как искусство в Италии уже решительно шло по пути подражания классической древности, в других странах оно долго держалось традиций готического стиля. К северу от Альп, а также в Испании, Возрождение наступает только в конце XV столетия, и его ранний период длится, приблизительно, до середины следующего столетия, не производя, впрочем, ничего особенно замечательного.

Высокое Возрождение

Второй период Возрождения — время самого пышного развития его стиля — принято называть «Высоким Возрождением», оно простирается в Италии приблизительно от 1500 по 1580 год. В это время центр тяжести итальянского искусства из Флоренции перемещается в Рим, благодаря вступлению на папский престол Юлия II, человека честолюбивого, смелого и предприимчивого, привлёкшего к своему двору лучших артистов Италии, занимавшего их многочисленными и важными работами и дававшего собой другим пример любви к художествам. При этом папе и его ближайших преемниках, Рим становится как бы новыми Афинами времён Перикла: в нём создаётся множество монументальных зданий, исполняются великолепные скульптурные произведения, пишутся фрески и картины, до сих пор считающиеся жемчужинами живописи; при этом все три отрасли искусства стройно идут рука об руку, помогая одно другому и взаимно действуя друг на друга. Античное изучается теперь более основательно, воспроизводится с большей строгостью и последовательностью; спокойствие и достоинство водворяются вместо игривой красоты, которая составляла стремление предшествовавшего периода; припоминания средневекового совершенно исчезают, и вполне классический отпечаток ложится на все создания искусства. Но подражание древним не заглушает в художниках их самостоятельности, и они, с большой находчивостью и живостью фантазии, свободно перерабатывают и применяют к делу то, что считают уместным заимствовать для него из греко-римского искусства.

Северное Возрождение

Период Ренессанса на территории Нидерландов, Германии и Франции принято выделять в отдельное стилевое направление, имеющее некоторые различия с Возрождением в Италии, и называть «Северное Возрождение».

Наиболее заметны стилевые различия в живописи: в отличие от Италии, в живописи долго сохранялись традиции и навыки готического искусства, меньшее внимание уделялось исследованиям античного наследия и познанию анатомии человека.

Выдающиеся представители — Ян ван Эйк (ок. 1390—1441), Рогир ван дер Вейден (1399 или 1400—1464), Гуго ван дер Гус, Питер Брейгель Старший (1525/1530—1569).

Наука

Развитие знаний в XIV—XVI веках существенно повлияло на представления людей о мире и месте человека в нем. Великие географические открытия, гелиоцентрическая система мира Николая Коперника изменили представления о размерах Земли и её месте во Вселенной, а работы Парацельса и Везалия, в которых впервые после античности были предприняты попытки изучить строение человека и процессы, происходящие в нем, положили начало научной медицине и анатомии.

Крупные изменения произошли и в общественных науках. В работах Жана Бодена и Никколо Макиавелли исторические и политические процессы впервые стали рассматриваться как результат взаимодействия различных групп людей и их интересов. Тогда же были предприняты попытки разработки «идеального» общественного устройства: «Утопия» Томаса Мора, «Город Солнца» Томмазо Кампанеллы. Благодаря интересу к античности были восстановлены многие античные тексты, многие гуманисты занимались изучением классической латыни и древнегреческого языка.

В целом, преобладающая в данную эпоху пантеистическая мистика Возрождения создавала неблагоприятный идейный фон для развития научных знаний. Окончательное становление научного метода и последовавшая за ней Научная революция XVII ст. связаны с оппозиционным Возрождению движением Реформации.

Философия

В XV веке (1459) во Флоренции возрождается Платоновская академия в Кареджи.

Философы эпохи Возрождения

Литература

В литературе Возрождения наиболее полно выразились гуманистические идеалы эпохи, прославление гармонической, свободной, творческой, всесторонне развитой личности. Любовные сонеты Франческо Петрарки (1304—1374) открыли глубину внутреннего мира человека, богатство его эмоциональной жизни. В XIV—XVI веке итальянская литература пережила расцвет — лирика Петрарки, новеллы Джованни Боккаччо (1313—1375), политические трактаты Никколо Макиавелли (1469—1527) поэмы Лудовико Ариосто (1474—1533) и Торквато Тассо (1544—1595), выдвинули её в число «классических» (наряду с древнегреческой и древнеримской) литератур для других стран.

Литература Возрождения опиралась на две традиции: народную поэзию и «книжную» античную литературу, поэтому часто рациональное начало сочеталось в ней с поэтической фантастикой, а комические жанры получили большую популярность. Это проявилось в наиболее значительных литературных памятниках эпохи: «Декамероне» Боккаччо, «Дон Кихоте» Сервантеса, и «Гаргантюа и Пантагрюэле» Франсуа Рабле.

С эпохой Возрождения связано появление национальных литератур — в отличие от литературы средних веков, создававшейся преимущественно на латыни.

Широкое распространение получили театр и драма. Самыми известными драматургами этого времени стали Уильям Шекспир (1564—1616, Англия) и Лопе де Вега (1562—1635, Испания).

Изобразительное искусство

Для живописи и ваяния эпохи Возрождения характерно сближение художников с природой, ближайшим проникновением их в законы анатомии, перспективы, действия света и других естественных явлений.

Художники Возрождения, рисуя картины традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чём проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

Архитектура

Главное, чем характеризуется эта эпоха — возвращение в архитектуре к принципам и формам античного, преимущественно римского искусства. Особенное значение в этом направлении придаётся симметрии, пропорции, геометрии и порядку составных частей, о чём наглядно свидетельствуют уцелевшие образцы римской архитектуры. Сложная пропорция средневековых зданий сменяется упорядоченным расположением колонн, пилястр и притолок, на смену несимметричным очертаниям приходит полукруг арки, полусфера купола, ниши, эдикулы.

Наибольший расцвет Ренессансная архитектура пережила в Италии, оставив после себя два города-памятника: Флоренцию и Венецию. Над созданием зданий там трудились великие архитекторы — Филиппо Брунеллески, Леон Баттиста Альберти, Донато Браманте, Джорджо Вазари и многие другие.

Музыка

В эпоху Возрождения (Ренессанса) профессиональная музыка теряет характер чисто церковного искусства и испытывает влияние народной музыки, проникается новым гуманистическим мироощущением. Высокого уровня достигает искусство вокальной и вокально-инструментальной полифонии в творчестве представителей «Ars nova» («Нового искусства») в Италии и Франции XIV в., в новых полифонических школах — английской (XV в.), нидерландской (XV—XVI вв.), римской, венецианской, французской, немецкой, польской, чешской и др. (XVI в.).

Появляются различные жанры светского музыкального искусства — фроттола и вилланелла в Италии, вильянсико в Испании, баллада в Англии, мадригал, возникший в Италии (Л. Маренцио, Я. Аркадельт, Джезуальдо да Веноза), но получивший повсеместное распространение, французская многоголосная песня (К. Жанекен, К. Лежён). Светские гуманистические устремления проникают и в культовую музыку — у франко-фламандских мастеров (Жоскен Депре, Орландо ди Лассо), в искусстве композиторов венецианской школы (А. и Дж. Габриели). В период Контрреформации ставился вопрос об изгнании многоголосия из религиозного культа, и только реформа главы римской школы Палестрины сохраняет полифонию для католической церкви — в «очищенном», «прояснённом» виде. Вместе с тем в искусстве Палестрины нашли отражение и некоторые ценные завоевания светской музыки эпохи Возрождения. Складываются новые жанры инструментальной музыки, выдвигаются национальные школы исполнения на лютне, органе, вёрджинеле. В Италии расцветает искусство изготовления смычковых инструментов, обладающих богатыми выразительными возможностями. Столкновение различных эстетических установок проявляется в «борьбе» двух типов смычковых инструментов — виолы, бытовавшей в аристократической среде, и скрипки — инструмента народного происхождения. Эпоха Возрождения завершается появлением новых музыкальных жанров — сольной песни, кантаты, оратории и оперы, способствовавших постепенному утверждению гомофонного стиля.

Источник

Ссылки

Литература

• Искусство раннего Возрождения — М.: Искусство, 1980. — 257 с.
• История искусства: Ренессанс — М.: Издательство АСТ, 2003. — 503 с.
• Яйленко Е. В. Итальянское Возрождение — ОЛМА-ПРЕСС, 2005. — 128 с.
• М.Л.Андреев. Инновация или реставрация: казус Возрождения // Вестник истории, литературы, искусства. М.: Наука. Т. 1, 2005, с. 84-97.

 

Искусство Ренессанса (Реферат) — TopRef.ru

1. ВВЕДЕНИЕ

«Возрождение» (Ренессанс) – термин, введенный архитектором, живописцем и историком Джорджо Вазари для определения эпохи, в которую культурное движение было призвано возрождать античность и открывать перспективы развития западной культуры. Эпоха Средневековья рассматривалась как перерыв в развитии культур, представляла собой период варварства и невежества. Возрождение зародилось в Италии, и было связано, прежде всего, с появлением в феодальном обществе буржуазных отношений, и как следствие – возникновение нового мировоззрения. Началось возвращение к забытым достижениям античной культуры. Все перемены в наибольшей степени проявилось в творчестве людей искусства.

Рост городов и развитие ремесел, подъем мировой торговли, великие географические открытия конца XV и начала XVI века, изменили жизнь средневековой Европы. Городская культура создавала новых людей и формировала новое отношение к жизни. Появилось книгопечатание, которое открыло возможности для распространения литературных и научных произведений.

В это время итальянское общество начинает активно интересоваться культурой Древней Греции и Рима, разыскиваются рукописи античных писателей. Все более самостоятельными и независимыми от церкви становятся различные сферы жизни общества — искусство, философия, литература, образование, наука. В центре внимания в эпоху Ренессанса был человек, поэтому мировоззрение носителей этой культуры обозначают термином “гуманистическое” (от лат. humanitas — человечность). Для итальянских гуманистов главным было – направленность человека на самого себя. Его судьба в большой степени находится в его собственных руках, он наделен Богом свободой воли.

Гуманисты Возрождения полагали, что в человеке важно не его происхождение или социальное положение, а личностные качества. В качестве “идеального человека” признавалась сильная, талантливая и всесторонне развитая личность. Главным достоинством личности стали считаться гражданские добродетели. «Надо судить о человеке по качествам его, а не по нарядам», как остроумно говорит один древний автор, «знаете ли, почему он вам кажется таким высоким? Вас обманывает высота его каблуков: цоколь – ещё не статуя. Измеряйте человека без ходулей. Пусть он отложит в сторону свои богатства и звание и предстанет перед вами в одной рубашке».^¹

Гуманистов вдохновляла античность, служившая для них источником знаний и образцом художественного творчества. Искусство Возрождения заложило основы европейской культуры Нового времени. Все основные виды искусства — живопись, графика, скульптура, архитектура — очень изменились.

В эпохе итальянского Возрождения принято выделять несколько периодов: Проторенессанс (вторая половина XIII—XIV в.), раннее Возрожде­ние (XV в.), Высокое Возрождение (конец XV — первые десятилетия XVI в.), позднее Возрождение (последние две трети XVI в.).

2. ЦЕННОСТНЫЕ ОСНОВЫ ИСКУССТВА ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

Для эпохи Возрождения характерен культ красоты, прежде всего красоты человека. Итальянская живопись изображает прекрасных, совершенных людей.

Художники и скульпторы стремились в своем творчестве к естественности, к реалистичному воссозданию мира и человека. Перестало использоваться плоскостное изображение, живопись обогатилась линейной и воздушной перспективой, знанием анатомии и пропорций человеческого те­ла, решались проблемы точного рисунка, естественного движения.

Объектами искусства стали человеческое тело, современные и религиозные сюжеты. Внимание, интерес художников все больше сосредотачивались на человеке и на всем том, что его окружает. Однако искусство Раннего Возрождения было сложным, противоречивым и эта противоречивость вела его вперед. В искусстве Раннего Возрождения, наряду с мелочной детализацией, намечается сознание обобщенного, монументального и героического образа совершенного человека.

Человек в эпоху Ренессанса снова становится главной темой искусства, а человеческое тело считается самой совершенной формой в природе. Гуманистическая культура Возрождения пронизана мечтой о новом человеке и его новом духовном развитии. Главным достоинством личности стали считаться гражданские добродетели. Теоцентрическое сознание стало вытесняться антропоцентрическим. Идеи гуманизма наиболее ярко и полно воплотились в искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями. Искусство Возрождения пронизано гуманизмом, верой в творческие силы человека, в неограниченность его возможностей, в торжество прогресса. Фигуры в живописи обретают объем и заметно стремление, верно, передать анатомию человеческого тела.

Признаки буржуазной культуры и зарождение нового мировоззрения особенно ярко проявились в XV веке. Но, именно потому, что формирование новой культуры, и нового мировоззрения не был завершен, XV век полон творческой свободы, смелых дерзаний, преклонения перед человеческой индивидуальностью. Это век гуманизма, веры в безграничную силу разума, эпоха интеллектуализма. Восприятие реальности проверяется опытом, контролируется разумом. Поэтому дух порядка столь характерен для искусства Ренессанса. Анатомия, учение о пропорциях человеческого тела имеют для художников огромное значение.

Античность приобретает значение самостоятельной ценности и играет большую роль в формировании светской культуры. Для искусства становятся характерными в архитектуре черты античной простоты, гармонии. В библиотеках содержится богатое собрание античных рукописей. Появляются музеи, наполненные статуями, обломками античной архитектуры. Восстанавливается античный Рим. Но влияние античности наслаивается на традиции средневековья и христианское искусство, что придает сложный характер культуре возрождения.

В искусстве на первый план выдвинулись проблемы гражданского долга, высоких моральных качеств, подвига, образ гармонично развитого, сильного духом и телом человека-героя, сумевшего подняться над уровнем повседневности. Искусство Высокого Ренессанса отрешается от незначительных подробностей во имя общего образа, стремления к гармонии прекрасных сторон жизни. Развивается портретная живопись и становится одним из важных достижений Возрождения. Самым престижным видом искусства была скульптура, расцвет её произошел с утверждением барокко. В позднем ренессансе было меньше иллюзий и больше реализма в понимании действительности. Идеалы красоты и гармонии всесторонне осмыслялись и даже становились нормой, которая воздействовала на разные виды творческой деятельности.

«Юникредит» показал вип-клиентам искусство Ренессанса

06.06.2014 13:10     

 

Автор

Все статьи автора

Еще не жаркий, а вполне комфортный вечер понедельника клиенты направления private banking Юникредит банка провели в Пушкинском музее в Москве, рассматривая коллекцию живописи эпохи раннего Ренессанса.

Организаторам удалось то, о чем идеологи «Ночи в музее» могут только мечтать — без спешки и суеты показать гостям уникальную экспозицию в полупустых залах

С семи вечера в музей стекались пары красиво одетых людей, часть из которых была с детьми, что придавало мероприятию особый шарм. Вдоль всей колоннады у главного входа их встречали столы с угощениями, из-за чего это легендарное место напоминало веранду какого-нибудь загородного ресторана или классическую виллу из бразильских сериалов.

На входе гостям вручали номерки с обозначением экскурсионной группы, в составе которой им предстояло смотреть выставку. В ожидании «зова экскурсовода» можно было перекусить под живую классическую музыку, обсудить прошедший день и планы на трудовую неделю, да и просто полюбоваться видом Москвы.

• Директор департамента частного банковского обслуживания Юникредит банка Игорь Рябов

Периодически в микрофон объявляли о начале экскурсии для очередной группы. Примерно за 45 минут гости совершали прогулку по непривычно гулкому и пустынному Пушкинскому музею, в этот вечер принадлежавшему только им. Наверное, именно так виделась «Ночь в музее» создателями этого нашумевшего проекта, хотя в реальности многим она запоминается не грандиозными экспозициями, а огромными очередями на входе.

В залах музея можно было без спешки посмотреть полотна из коллекции «Великие живописцы Ренессанса из Академии Каррара в Бергамо» – в общей сложности 58 произведений итальянских мастеров XV-XVI веков, в том числе работы Джованни Беллини, Сандро Боттичелли, Пьетро Перуджино, Бартоломео Виварини, Лоренцо Лотто и Джованни Морони. Яркие и иногда несколько наивные картины с интересом разглядывали и взрослые, и самые маленькие гости мероприятия. По этим полотнам можно проследить развитие искусства Италии в один из ее самых интересных и важных исторических периодов.

Формат мероприятия подкупал простотой и изыском: мирная, расслабляющая обстановка, отличные угощения, красивый вид на храм Христа Спасителя, Кремль и спешащих горожан – что может быть лучше для вечера понедельника? А еще закрытый прием «Юникредита» в очередной раз доказал, что деньги любят не только тишину, но и искусство.

Фото: Светлана Беканова

Как менялось изобразительное искусство от Ренессанса и до наших дней / AdMe

Представления людей о красоте, мире, о них самих постоянно изменяются. Творческие люди особенно сильно чувствуют эти перемены и стремятся выразить их максимально полно всеми доступными им средствами.

Мы в AdMe.ru решили проследить по картинам, что трогало и волновало художников в течение последних нескольких сотен лет.

Ренессанс, XIV–XVI вв.

Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры», ок. 1485.

Леонардо да Винчи, «Дама с горностаем», 1490.

Микеланджело, «Сотворение Адама», 1508—1512.

Барокко, XVII–XVIII вв.

Питер Пауль Рубенс, «Похищение дочерей Левкиппа», 1618.

Караваджо, «Корзина с фруктами», 1596.

Рококо, 1-я ​половина XVIII в.

Жан Оноре Фрагонар, «Качели», 1767.

Никола Ланкре, «Танцующая Камарго», ок. 1730.

Классицизм, XVII–XIX вв.

Жак-Луи Давид, «Клятва Горациев», 1784.

Романтизм, конец XVIII — 1-я половина XIX вв.

Карл Брюллов, «Последний день Помпеи», 1830–1833.

Иван Айвазовский, «Девятый вал», 1850.

Прерафаэлитизм, середина XIX в.

Джон Эверетт Милле, «Офелия», 1851–1852.

Академизм, XVII–XIX вв.

Поль Деларош, «Портрет Петра I», 1838.

Александр Иванов, «Явление Христа народу», 1837–1857.

Реализм, 2-я половина XIX в.

Илья Репин, «Бурлаки на Волге», 1873.

Эдуард Мане, «Бар в «Фоли-Бержер», 1885.

Импрессионизм, последняя треть XIX — начало XX вв.

Эдгар Дега, «Голубые танцовщицы», 1897.

Пьер Огюст Ренуар, «Портрет актрисы Жанны Самари», 1877.

Модер​н, последняя декада XIX — начало XX вв.

Густав Климт, «Поцелуй», 1907–1908.

Альфонс Муха, «Время суток», 1899.

Постимпрессионизм, 2-я половина 1880-х гг. — начало ХХ в.

Винсент ван Гог, «Звездная ночь», 1889.

Жорж-Пьер Сёра, «Воскресный день на острове Гранд-Жатт», 1884.

Кубизм​, начало XX в.

Пабло Пикассо, «Авиньонские девицы», 1907.

Хуан Грис, «Мужчина в кафе», 1914.

Экспрессионизм, 1-я треть XX в.

Эдвард Мунк, «Крик», 1893.

Август Маке, «Русский балет», 1912.

Сюрреализм, начало 1920-х гг.

Сальвадор Дали, «Постоянство памяти», 1931.

Поп-арт, конец 1950-х — 1960-е гг.

Ричард Гамильтон, «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», 1956.

Энди Уорхол, «Диптих Мэрилин», 1962.

Оптическое искусство (оп-арт), 2-я половина XX в.

Бриджет Райли, «Игра теней», 1990.

Энрике Матос, «Viagem Cósmica 1», 2003.

​Гиперреализм, 2-я половина XX — начало XXI вв.

Филипп Вебер, «Благословение-3 Антония», 2012.

Жан Боден, «Фрукты 17».

Ренессанс и барокко — отличие двух стилей

Ренессанс — воспеваемый и восхищающий своей красотой стиль архитектуры, дизайна интерьеров, изобразительного и декоративного искусства, процветающий до сменившей его эпохи Барокко.

Античное искусство, воплощенное в строгую, утонченную, закономерную и четко очерченную, симметричную форму, коим был Ренессанс (Возрождение), являлось наивысшим достижением человечества, без чего не состоялась бы современная цивилизация.

Ренессанс отображал в точности величие и глубинный смысл подлинного, чему нужно поклоняться и заложило основы гуманизма — уважения и свободы личности, раннее барокко же создало живописную иллюзию того, чем может быть искусство, воплощая движение в эмоциональные сложные композиции.

Время царствования ренессанса определяют с 1300 года до конца 16 века, а по мнению искусствоведа Генриха Вёльфлина — до 1630 года. Превращение ренессанса в живописное и легкое барокко началось непосредственно в Риме, после перешло на север Италии, и не поколебав венецианский ренессанс, переместилось дальше в другие страны средневековой Европы.

 Galleria Specchi

Villa Farmesina
Высокий Ренессанс отменили в новом своеобразном (Capriccioso-итал.) стиле работы Браманте, который изначально был мастером ренессанса, но начал возводить здание Ватикана с характерными чертами барочного стиля, а Микеланджело это продолжил, что можно наблюдать в его созданных работах — Собор Святого Петра, Капитолий, церковь Санта Мария дельи Анжели в Риме, а также Сан Лоренцо, капелла Медичи во Флоренции. Рафаэль и Бернини принадлежат золотому веку ренессанса, но в их произведениях проявляется новое чувство формы барокко.

Castello di San Giorgio, Mantua
Различия ренессанса от барокко в дизайне
1. Прежде всего различия в эскизах. Любой интерьер изначально определяется эскизом дизайна, и если в эскизах ренессанса четко очерчивали формы карандашом или пером, эскизы же в барокко начали рисовали углем, небрежно, со штрихами и растушевкой. Контраст превратился в пластическое пространство, в то же время живописность барокко за счет «живого впечатления» сформировало множество оттенков, выпуклостей углубленных предметов, а также игру света с тенями.

2. Ренессанс монументальный и грациозный. Именно Вазари дал название целой эпохе — Возрождение, описывая «maniera grande», что значит благородная манера, величественная. Барокко упрощает это величие, при этом укрупняет, увеличивает пропорции форм, пытаясь это преувеличение преподнести как большее достижение и богатство. Лестницы начинают проектироваться повыше, колоны — потолще, а лепнина — массивнее и безвкуснее. Такая гигантомания — признак начала потери чувства меры и тонкости восприятия, что и определило крах барокко в дальнейшем.

3. Закономерный и строгий ренессанс упорядочивает каждую вещь в интерьере, объясняя ее присутствие, сохраняет единство и соотношения всех деталей. Барокко же нарочито создает «живописный беспорядок», предметы можно добавлять неограниченно в произвольной порядке, при этом главным условием является — подчеркнуть роскошь.

4. Подлинно римскую черту — прямоугольность и остроту линий сменяет плавность и круглость пышных барочных форм. Появляются также узоры в виде круглых спиралей, круглые ленты, круглые раковины и цветы, обилие золота.

5. Особую важность в период Возрождения играло образование, ученость и красноречие, именно в это время наличие библиотеки становится неотъемлемой частью интерьера. Также и галереи античного искусства — скульптурам и картинам отводилось главные роли в интерьере, что подчеркивало важность и величие достояния искусств.

В искусстве барокко начинает прослеживаться гротеск и сарказм, мрачность композиций, на полотнах размытые и вытянутые формы, карикатуры, сводящие на нет искренность душевных порывов. В скульптурах и фресковых ансамблях барокко допускается изображать пытки инквизиции, бандитов, раненных солдат, разрушение, к примеру пейзаж Дж. Паннини «Развалины со сценой проповеди апостола Павла». Скульптура стиля барокко живая, в движении и полна эмоций, пример — «Орфей» Антонио Канова (1757- 1822).

Подытожив, можно сказать, что Ренессанс излучает спокойное и равномерное чувство благополучия и власти, свободу от переживаний и грациозную легкость.

Раннее Барокко же передает буйство эмоций, драматизм красок, пленяет своей сиюминутной страстью и, разделяя чувства с размышлениями, после оставляет наедине самим с собой. Спустя два века можно увидеть как Барокко утеряет свою манерность и полноту излишеств и сформируется как чувственный стиль позднего Барокко, впитавший в себя черты величия великого Ренессанса и динамичности раннего Барокко.

Автор статьи – главный редактор интернет-издания о дизайне «4ROOM.UA» Алёна Булат

20 знаменитых картин эпохи Возрождения, которые должен знать каждый ценитель искусства

Когда средневековье подошло к концу в 1400-х годах, в Италии зародилась новая эра искусства и культуры. Ренессанс — термин, образованный от итальянского слова Rinascimento , или «возрождение», — часто считается золотым веком искусства, музыки и литературы, оказавшим глубокое влияние на ход истории искусства.

В этот период не только появились такие важные творческие концепции, как линейная перспектива, ракурс и анатомический реализм, но и появились такие известные художники, как Боттичелли, Леонардо да Винчи и Микеланджело.Впервые со времен античности художники стремились создать натуралистические изображения своих предметов, основанные на гуманистических идеалах.

Хотите увидеть, как развивалось итальянское искусство между 14 и 16 веками? Здесь мы взглянем на 20 известных картин эпохи Возрождения , оставивших свой след в истории.

Совершите экскурсию в эпоху итальянского Возрождения и познакомьтесь с 20 известными картинами той эпохи.

Раннее Возрождение

Мазаччо, Святая Троица, c.1427

Мазаччо, «Святая Троица», ок. 1426–28. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Написанная в доминиканской церкви Санта-Мария-Новелла во Флоренции, фреска Святая Троица является самой ранней из сохранившихся картин, использующих систематическую линейную перспективу . Согласно записям, Мазаччо поместил гвоздь в точку схода и прикрепил веревки, чтобы определить, как линии сходятся.

Паоло Уччелло, Битва при Сан-Романо, ок.1435–1460

Паоло Уччелло, «Битва при Сан-Романо», ок. 1435–1460. (Фото: Уффици через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Художник и математик Паоло Уччелло создал три картины, изображающие битву при Сан-Романо — событие, которое произошло недалеко от Флоренции в 1432 году. Хотя он использовал перспективу для создания ощущения глубины в композиции, он также визуализировал сцену в таком виде так, что это напоминает театральную сцену.

Пьеро делла Франческа, Бичевание Христа, ок.1468–70

Пьеро делла Франческа, «Бичевание Христа», ок. 1468–70. (Фото: Galleria Nazionale delle Marche через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Картина Пьеро делла Франческа «Бичевание Христа» — еще один ранний пример линейной перспективы в искусстве эпохи Возрождения. Названный историком искусства Кеннетом Кларком «величайшей маленькой картиной в мире», он представляет собой необычную композицию, основанную на теме бичевания Христа римлянами.На переднем плане — трио мужчин, которые, возможно, представляют прошлое, настоящее и будущее, а на заднем плане — Христос, которого бичевает римский солдат, а Понтий Пилат наблюдает за ними.

Антонелло да Мессина, Св. Иероним в своем кабинете, c.1474

Антонелло да Мессина, «Св. Иероним в своем кабинете », c. 1474. (Фото: Национальная галерея через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Согласно историку искусства Джорджо Вазари, Антонелло да Мессина познакомил Италию с масляной живописью — средой, популярной в Северном Возрождении.Его работа «Святой Иероним» в «Кабинете » ясно показала влияние точного стиля живописи Яна Ван Эйка.

Сложный дизайн изделия основан на различных знаниях: человеческом, естественном и божественном. Да Мессина использует перспективу и геометрию для организации иконографии в архитектурном пространстве.

Андреа Мантенья, Оплакивание Христа, ок. 1480-е

Андреа Мантенья, «Оплакивание Христа», ок.1480-е гг. (Фото: Pinacoteca di Brera через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Художник эпохи Возрождения Андреа Мантенья был известен своими экспериментами с перспективой в своем искусстве, и этот интерес лучше всего иллюстрируется его темперной картиной Оплакивание Христа . На этом произведении изображены Дева Мария, Святой Иоанн и Мария Магдалина, плачущие над мертвым телом Христа. Однако, в отличие от других Плача , Мантенья использует драматических ракурсов в картине, так что зритель смотрит на тело Христа ногами вперед.

Пьетро Перуджино, Доставка ключей , гр. 1481–2

Пьетро Перуджино, «Доставка ключей», c. 1481–2 (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Хотя его ученик Рафаэль превзошел его по известности, Пьетро Перуджино внес значительный вклад в искусство эпохи Возрождения. Доставка ключей — одна из самых важных его фресок, которая находится в Сикстинской капелле.

Он изображает сцену из Матфея 16, в которой Иисус передает ключи от Царства Небесного Святому Петру.Произведение является прекрасным примером того, как художник использовал линейную перспективу, чтобы придать глубину своему фону.

Sandro Botticelli, Primavera, c. 1477–82

Сандро Боттичелли, «Примавера», ок. 1477–82 (Фото: Уффици через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Сандро Боттичелли написал Primavera — первое из его мифологических произведений — около 1480 года для частного имения Лоренцо ди Пьерфранческо де Медичи.Это считается новаторской живописью эпохи Возрождения, потому что она отражает отход от католической иконографии в искусстве и сцен из греческой и римской мифологий . Показательно, что эта картина изображает аллегорическое празднование весны с римской богиней Венерой в центре.

Леонардо да Винчи, Богородица в скалах , 1483–6

Леонардо да Винчи, «Дева в скалах», ок. 1483–6. (Фото: Лувр через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Хотя существует две версии картины Леонардо «Богоматерь в скалах », более ранняя, находящаяся в Лувре, считается полностью написанной им.Он использует треугольную композицию для изображения Девы Марии, младенца Иисуса, младенца Иоанна Крестителя и ангела на темном зеленом фоне. Как и другие картины да Винчи, в нем используется значительная техника сфумато .

Сандро Боттичелли, Рождение Венеры, ок. 1484–6

Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры», ок. 1484–6. (Фото: Уффици через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Создано в конце 15 века, «Рождение Венеры» — другая известная мифологическая картина Боттичелли.На нем изображена недавно родившаяся Венера, римская богиня, ассоциирующаяся с любовью и красотой, стоящая обнаженной в увеличенной раковине морского гребешка. Рядом с ней стоят еще три фигуры из классической мифологии, связанные с природой. Хотя эта работа сегодня является синонимом искусства эпохи Возрождения, известность женской обнаженной натуры была беспрецедентной для того времени.

Высокое Возрождение

Леонардо да Винчи, Дама с горностаем , c.1489–1491

Леонардо да Винчи, «Дама с горностаем», ок. 1489–91. (Фото: Музей Чарторыйских через Wikimedia Commons, общественное достояние)

За годы до того, как мастер эпохи Возрождения Леонардо да Винчи создал модель Мона Лиза , он сделал еще один важный портрет. Названная Дама с горностаем , эта картина маслом представляет собой образец портрета высокого Возрождения и стиля светотени .

На нем изображена молодая женщина с накрашенными волосами, держащая в руках большую белую ласку (также называемую горностаем).Хотя эта картина является отличным проявлением интереса да Винчи к анатомическому реализму, в ней также используется горностай как символ со значениями, связанными с объектом портрета и его покровителем.

Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, 1495–8

Леонардо да Винчи, «Тайная вечеря», 1495–148 (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

С момента своего завершения в конце 15 века, «Тайная вечеря » очаровала публику своим впечатляющим масштабом, уникальной композицией и загадочным сюжетом.Покровитель да Винчи, Людовико Сфорца, попросил его нарисовать последнюю трапезу Иисуса, как описано в Евангелии от Иоанна в Новом Завете Библии.

Интересно, что Леонардо решил проиллюстрировать момент, когда Иисус говорит своим последователям, что один из них предаст его, сделав большую часть картины на индивидуальных экспрессивных реакциях фигур.

Рафаэль, Свадьба Богородицы, 1504

Рафаэль, «Женитьба Богородицы», 1504 г. (Фото: Pinacoteca di Brera через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Мастер эпохи Возрождения и вундеркинд Рафаэль создал Свадьба Девы , когда ему был всего 21 год.Эта работа, вдохновленная картинами его мастера Пьетро Перуджино, изображает свадебную церемонию Марии и Иосифа.

Историк искусства Джорджо Вазари так прокомментировал улучшения, сказав: «Храм нарисован в перспективе с такой очевидной тщательностью, что замечательно созерцать сложность проблем, которые он там поставил перед собой».

Микеланджело, Дони Тондо , 1506

Микеланджело, «Дони Тондо», 1506 г. (Фото: Уффици через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Прежде чем Микеланджело приступил к созданию потолка в знаменитой Сикстинской капелле, он написал свою единственную законченную картину.Модель Doni Tondo посвящена свадьбе Аньоло Дони с портретом Святого Семейства, включая младенца Иисуса, Марию и Иосифа. Яркая цветовая палитра и скульптурное моделирование фигур типичны для живописного стиля Микеланджело.

Леонардо да Винчи,

Мона Лиза , 1506

Леонардо да Винчи, «Мона Лиза», ок. 1503–6. (Фото: Лувр через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Картина да Винчи «Мона Лиза », известная своей любопытной иконографией и уникальной историей, стала одной из самых известных картин в истории искусства.На портрете эпохи Возрождения изображена женская фигура — по мнению большинства, это Лиза Герардини, жена торговца тканями и шелком Франческо Джокондо — выше пояса. Она изображена сидящей на лоджии , или комнате, по крайней мере, с одной открытой стороной.

Позади нее — туманный и, казалось бы, изолированный пейзаж, придуманный художником и нарисованный с использованием сфумато , техники, приводящей к формам «без линий и границ, как дым или за пределами плоскости фокусировки».

Джорджоне, Буря, c.1506–8

Джорджоне, «Буря», ок. 1506–8. (Фото: Gallerie dell’Accademia через Wikimedia Commons, общественное достояние)

К концу Высокого Возрождения венецианская школа живописи начала процветать с упором на цвет над линиями. Джорджоне был одним из пионеров этого стиля, и «Буря » остается одним из его самых любимых и самых неоднозначных произведений искусства.

На переднем плане справа изображена безымянная женщина, кормящая грудью своего ребенка, а слева — солдат с длинным посохом.Название происходит от надвигающегося шторма, происходящего на заднем плане, который подчеркивается затемненной цветовой палитрой, используемой на переднем плане.

Рафаэль, Афинская школа, 1509–11

Рафаэль, «Афинская школа», 1509–1511. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Афинская школа — одна из четырех настенных фресок Рафаэля, написанных в Станце делла Сегнатура в Папском дворце.Это произведение считается шедевром, поскольку оно объединяет искусство, философию и науку в одной картине. Среди множества фигур, изображенных на этой пьесе, — греческие философы Платон, Аристотель и Сократ, а также математики Евклид и Пифагор.

Микеланджело, Сотворение Адама , ок. 1508–12

Микеланджело, «Сотворение Адама», ок. 1508–1212 (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Микеланджело четыре года расписывал потолок Сикстинской капеллы для Папы Юлия II.Он известен не только своим невероятным масштабом, но и своей сложной композицией и классическим вдохновением.

И среди множества панелей, составляющих дизайн потолка, Creation of Adam остается самой известной. На нем изображен Адам в томной позе с вытянутой рукой, прямо перед тем, как он должен получить жизнь от прикосновения Бога.

Тициан, Священная и мирская любовь , 1514

Тициан, «Священная и светская любовь», 1514 г. (Фото: Galleria Borghese через Wikimedia Commons, общественное достояние)

Среди великих имен итальянского Возрождения — Леонардо да Винчи, Микеланджело, Рафаэль — есть еще Тициан, мастер цвета. Священная и светская любовь — одна из ранних картин художника, созданная в ознаменование свадьбы человека, заказавшего ее. Хотя существует множество различных теорий, исследующих личности центральных фигур, истинные намерения картины остаются загадкой. Несмотря на это, произведение является прекрасным примером мастерства Тициана в области цвета и композиции.

Позднее Возрождение

Тициан, Венера Урбинская, 1538

Тициан, «Венера из Урбино», 1538 г. (Фото: Уффици через Wikimedia Commons, общественное достояние)

После смерти Джорджоне в 1510 году и Джованни Беллини в 1516 году Тициан был ведущим сторонником венецианского стиля. Венера из Урбино изображает обнаженную женщину, лежащую на кровати в богато украшенной комнате. Подобно Священной и Светской любви , неизвестная личность женщины в Венере Урбино и значение иконографии привели к множеству различных интерпретаций произведения. Он вдохновил на создание множества подобных картин, в том числе «Олимпия » Мане.

Микеланджело, Страшный суд , 1541

Микеланджело, «Страшный суд», 1536–1541 гг. (Фото: Wikimedia Commons, общественное достояние)

Спустя несколько десятилетий после того, как Микеланджело завершил потолок Сикстинской капеллы, он вернулся в то же здание, чтобы добавить еще одну фреску, на этот раз покрывающую всю стену. Страшный суд описывает Второе пришествие Иисуса Христа и окончательный Божий суд над человечеством.

Хотя эта тема не была редкостью в эпоху Возрождения, интерпретация Микеланджело выделяется своими 300 преимущественно обнаженными фигурами и ее объединением с некоторыми мифологическими элементами — оба из которых сделали фреску спорной среди современников Микеланджело.

Статьи по теме:

20 известных картин из истории западного искусства, которые должен знать любой ценитель искусства

Кем был Альбрехт Дюрер? Узнайте о новаторской гравюре Северного Возрождения

20 известных художников, которых должен знать каждый, от Леонардо да Винчи до Фриды Кало

10 художников-мастеров рисования, от Леонардо да Винчи до Пабло Пикассо

Основы искусства эпохи Возрождения: все, что нужно знать, чтобы звучать умно на коктейльной вечеринке

Мы живем в мире высокотехнологичных и специализированных.В наши дни, когда мужчина поступает в институт, он тратит свое время на изучение навыков, которые позволят ему найти оплачиваемую работу. Мало времени тратится на изучение искусства или литературы. Эти темы часто рассматриваются как «бессмысленные», потому что они не имеют практического применения, когда дело доходит до оплаты счетов. Вдобавок ко всему, многие мужчины считают, что искусство ценится некрасивым и женоподобным, и поэтому избегают этого.

Но очень жаль, что многие мужчины так относятся к искусству, потому что они упускают острое понимание того, что значит быть человеком и что значит быть мужчиной.Искусство может уловить эмоции человеческого опыта, когда нам не хватает слов, дать нам представление о позитивном безумии, расширить наш кругозор и помочь нам узнать больше о мире и самих себе.

Если вы чувствуете, что пропустили начальное художественное образование или если вы много узнали об истории искусства, но вам нужно освежиться, эта серия, которую мы начинаем сегодня, предназначена именно для вас. В течение следующих нескольких месяцев мы рассмотрим некоторые из простых основ и важных периодов западного искусства. В следующий раз, когда вы будете на свидании в музее, вам нужно будет кое-что добавить к разговору.Но что еще более важно, вы сможете извлечь из этого искусства больше и, надеюсь, получите вдохновение, чтобы глубже погрузиться в плоды безграничного творчества человека. Если вы уделите время размышлениям и размышлениям над некоторыми из величайших произведений искусства в истории, вы получите более глубокое понимание мужского наследия искусства, ощутите возвышение и назидание и окажетесь ближе к тому, чтобы стать настоящим человеком эпохи Возрождения.

Говоря о эпохе Возрождения, давайте начнем говорить об искусстве того периода.

Введение в основы искусства эпохи Возрождения

Период времени: 1400s-1600s

Справочная информация: 14 ^{-е годы} века были временем великого кризиса; чума, Столетняя война и беспорядки в католической церкви поколебали веру людей в правительство, религию и своих собратьев.В этот мрачный период европейцы стремились к новому началу, культурному возрождению, возрождению.

Возрождение началось в Италии, где культура была окружена остатками некогда славной империи. Итальянцы заново открыли для себя сочинения, философию, искусство и архитектуру древних греков и римлян и начали рассматривать античность как золотой век, в котором лежали ответы на вопросы оживления их общества. Гуманистическое образование, основанное на риторике, этике и гуманитарных науках, было продвинуто как способ воспитания разносторонних граждан, которые могли бы активно участвовать в политическом процессе.Гуманисты превозносили ум, красоту, силу и огромный потенциал человека. Они считали, что люди могут познать Бога напрямую и должны иметь личное эмоциональное отношение к своей вере. Бог создал мир, но люди смогли разделить Его славу, став сами творцами.

Эти новые культурные движения вдохновляли художников, а торговля Италии с Европой и Азией приносила богатство, создавая большой рынок для искусства. До эпохи Возрождения искусство в основном заказывалось католической церковью, которая давала художникам строгие правила относительно того, как должен выглядеть готовый продукт.Средневековое искусство было декоративным, стилизованным, плоским и двумерным и не очень реалистично изображало мир или людей. Но процветающая коммерческая экономика распределяла богатство не только среди знати, но и среди купцов и банкиров, которые стремились продемонстрировать свой статус, покупая произведения искусства (церковь также оставалась крупным покровителем искусств). Художникам была предоставлена ​​большая гибкость в том, что они должны были создавать, и они воспользовались этим, исследуя новые темы и методы.

На что обратить внимание в искусстве эпохи Возрождения:

• Перспектива. Чтобы добавить трехмерной глубины и пространства к своей работе, художники эпохи Возрождения заново открыли и значительно расширили идеи линейной перспективы, линии горизонта и точки схода.
  • Линейная перспектива: Визуализация картины с линейной перспективой похожа на просмотр окна и рисование именно того, что вы видите на оконной панели. Вместо того, чтобы все объекты на картинке имели одинаковый размер, объекты, которые были дальше, будут меньше, а те, что ближе к вам, будут больше.
  • Линия горизонта: Линия горизонта — это точка на расстоянии, где объекты становятся настолько бесконечно маленькими, что они сокращаются до размера линии.
  • Точка схода: Точка схода — это точка, в которой параллельные линии сходятся на большом расстоянии, часто на линии горизонта. Это эффект, который вы можете увидеть, стоя на железнодорожных путях и глядя на уходящие вдаль пути.

• Тени и свет. Художникам было интересно поиграть с тем, как свет падает на объекты и создает тени. Тени и свет можно использовать, чтобы привлечь внимание зрителя к определенной точке картины.

• Эмоции. Художники эпохи Возрождения хотели, чтобы зритель что-то почувствовал, глядя на их работы, получил эмоциональные переживания от этого. Это была форма визуальной риторики, при которой зритель чувствовал вдохновение в своей вере или поощрял его стать лучшим гражданином.

• Реализм и натурализм. Помимо перспективы, художники стремились сделать предметы, особенно людей, более реалистичными. Они изучали анатомию человека, измеряли пропорции и искали идеальную человеческую форму. Люди выглядели солидно и проявляли настоящие эмоции, позволяя зрителю понять, что изображенные люди думали и чувствовали.

Примеры:

Давайте начнем с рассмотрения двух разных картин Девы Марии, одной из византийского периода, а другой из эпохи Возрождения, чтобы вы могли почувствовать глубокую трансформацию искусства, которое произошло в течение Возрождение:

Мадонна с младенцем на изогнутом троне , 1200-е гг.На этой деревянной картине византийского периода тела Марии и Иисуса бестелесны и скрыты драпировкой. Складки драпировки представлены полосами сусального золота; даже там, где вы видите колени, вместо света и тени вы накапливаете золото. Картине не хватает ощущения глубины и пространства. Кроме того, Иисус изображается младенцем, но выглядит как взрослый в миниатюре.

Мадонна дель Карделлино , Рафаэль, 1506. Теперь мы находимся в эпоху Возрождения, и изменения в стиле очевидны.Мэри стала намного более реалистично человечной; у нее настоящая форма, настоящие конечности, настоящее выражение лица. Она не только выглядит естественно, но и находится в естественной обстановке. Иисус и Иоанн Креститель выглядят как настоящие младенцы, а не как миниатюрные взрослые. Рафаэль использовал перспективу, чтобы придать картине глубину. Он также уловил любовь эпохи Возрождения к объединению красоты и науки, возвращающей такие вещи, как геометрия древних греков: Мария, Христос и Иоанн Креститель образуют пирамиду.

Дани денег , Мазаччо, 1425 г.Мазаччо был пионером в технике одноточечной перспективы; картина — это изображение того, что увидел бы один человек, смотрящий на сцену. Обратите внимание, как Петр рядом с водой и горами бледнее и менее четкими, чем объекты на переднем плане. Линии на картине встречаются на голове Иисуса в точке схода. Похоже, что фигуры освещены светом из часовни, поскольку все их тени падают в одном направлении. Такое прикосновение кажется нам сегодня простым, но включение света от определенного источника и использование его для придания трехмерности фигур было новаторским для того времени.

Тайная вечеря , Леонардо да Винчи, 1498. Пример того, как художники эпохи Возрождения хотели привлечь зрителя к картине, изображая яркую сцену, наполненную реальной психологией и эмоциями. Все апостолы по-разному отреагировали на то, что Христос показал, что его предадут. Как и в модели Tribute Money , голова Иисуса находится в точке схода всех линий перспективы.

Сотворение Адама , Микеланджело, 1511.В этой самой известной части Сикстинской капеллы ярко изображена личная природа веры, божественный потенциал человека и идея человека как сотворца с Богом. Таков интерес к анатомии в эпоху Возрождения; Бог опирается на очертания человеческого мозга. Микеланджело, как и Леонардо, выполнил многочисленные вскрытия человеческих трупов, чтобы получить глубокий и реалистичный взгляд на части и структуру человеческого тела.

Давид , Микеланджело, 1504 г.Художники эпохи Возрождения создали первые со времен античности отдельно стоящие статуи обнаженной натуры. Микеланджело считал скульптуру высшей формой искусства, поскольку она перекликается с процессом божественного творения. Его «Давид» — прекрасный пример прославления идеальной человеческой формы в эпоху Возрождения. Статуя передает богатый реализм по форме, движению и ощущениям. Верхняя часть тела и руки не совсем пропорциональны, возможно, из-за того, что произведение должно было быть поставлено на пьедестал и рассматривалось, глядя вверх.Микеланджело был мастером в изображении предметов в моменты психологического перехода, как если бы они только что о чем-то думали, и часто считается, что эта статуя изображает момент, когда Давид решает убить Голиафа.

Афинская школа , Рафаэль, 1510. Эта картина, на которой изображены все великие философы Древней Греции и Рима, служит примером того, как художники эпохи Возрождения вдохновлялись и прислушивались к тем временам античности.Линии перспективы привлекают зрителя к центру картины и точке схода, где стоят два величайших философа истории, Платон и Аристотель. В соответствии с их философией Платон указывает на небеса и царство форм, а Аристотель указывает на землю и царство вещей.

Основы искусства Серия
Ренессанс
Период барокко
Романтический период

Анатомия искусства Возрождения | Наука

Feedloader (кликабельность)

Эпоха Возрождения, возможно, наиболее известна своими произведениями искусства: Сикстинская капелла Микеланджело и «Давид», а также «Мона Лиза» и «Витрувианский человек» да Винчи, несомненно, определили ход истории искусства.Но новая выставка в Национальной галерее искусств «Тело внутри и снаружи: анатомическая литература и теория искусства» показывает, что в этот период становления истории искусства одним из основных источников вдохновения для художников на самом деле были анатомические науки.

Отношения между художниками и врачами в эпоху Возрождения (примерно с 1300 по 1600) были симбиотическими. Такие художники, как Микеланджело и Леонардо да Винчи, которые интересовались точным воспроизведением человеческой формы в своем искусстве, наблюдали за работой врачей, изучая слои мышечных и костных структур, образующих определенные части тела.В свою очередь, врачи наняли художников для рисования иллюстраций к большому количеству текстов, выходящих в области анатомии, что стало возможным благодаря изобретению Гутенбергом печатного станка около 1440 года. Некоторые художники даже наладили партнерские отношения с конкретными врачами (Тициан и Андреас Весалиас, возможно, самый известный пример), в котором врачи разрешали художникам помогать в вскрытии (в то время это было строго ограничено) в обмен на анатомические рисунки и иллюстрации.

Некоторые из лучших художников даже проводили свои собственные анатомические исследования, делая новые открытия и расширяя область знаний.В то время как большинство художников ограничивали свои исследования поверхностью тела и наблюдали за живыми, обнаженными объектами, некоторые зашли так далеко, что создали écorchés, трупов, в которых художник отслаивал последовательные слои мышц, сухожилий и костей, все по порядку. чтобы лучше понять, как изобразить человеческое тело в своем искусстве. Говорят, что да Винчи провел первое правильное анатомическое исследование человеческого зародыша.

Редкие руководства художников и анатомические тексты, выставленные в маленькой комнате в западном здании Национальной галереи, изображают пропорции человеческого тела.Некоторые акцентируют внимание на человеческом лице, некоторые (вверху) изображают мускулатуру тела. И анатомические тексты, и руководства по искусству выглядят поразительно похожими, что свидетельствует о слиянии искусства и анатомии в этот монументальный период европейской истории.

Тело Книги Известные ученые

Рекомендованные видео

Материалы и методы искусства эпохи Возрождения — Видео и стенограмма урока

Материалы в Renaissance Art

Ну вот и мы.Это твоя студия. Я бы сказал, тебе стоит приступить к работе, но там вроде как пусто. Думаю, сейчас хорошее время, чтобы поговорить о материалах, которые вам понадобятся, чтобы стать художником эпохи Возрождения. Если вы хотите стать скульптором, у вас есть широкий выбор материалов. Самый распространенный — мрамор. Этот мягкий белый камень можно слепить так, чтобы он отражал различные текстуры, и он очень популярен как для отдельно стоящих статуй, так и для создания рельефов. Другие художники могут отливать статуи из бронзы, для чего требуется создать глиняную форму, а затем отлить отдельные полые части статуи и спаять их вместе.Ювелирное дело также было распространенным видом искусства, в основном используемым для изготовления рельефов, хотя и бронза, и золото намного дороже мрамора.

Роспись в эпоху Возрождения чаще всего выполнялась в виде фрески , или росписи гипсовых стен. Для фресок пигменты смешивались с водой и наносились непосредственно на стену. Тем не менее, некоторые художники рисовали по дереву, используя темперные краски , которые представляют собой пигменты, в которых в качестве связующего используется яичный желток. Яйцо скрепляет пигменты, образуя краску, но сохнет очень быстро.В Северной Европе художники разработали новый стиль живописи, в котором использовались краски, сделанные из пигментов, связанных с маслом. Масляные краски были довольно популярны в Нидерландах, а ближе к концу эпохи Возрождения были приняты итальянскими художниками. Масляные краски высыхают более равномерно, цвета не растекаются, и вы не получаете того желтоватого оттенка, который иногда получается у темперных красок. Итак, вот и ваши материалы, выбирайте.

Приемы в искусстве эпохи Возрождения

Чтобы стать художником эпохи Возрождения, вам нужно научиться некоторым трюкам.Техники, разработанные художниками эпохи Возрождения, определили эту эпоху, и художники соревновались, чтобы овладеть этими трюками. Первая и, возможно, самая важная — это идея перспективы , которая представляет собой реалистичную иллюзию пространственного расстояния. Другими словами, предметы, которые находятся впереди, больше, а объекты, которые должны казаться более далекими, становятся меньше с постоянной скоростью относительно положения зрителя.

Перспектива была важна для художников эпохи Возрождения

Посмотрите на пустую дорогу.Вы знаете, что стороны дороги прямые, но на некотором расстоянии они кажутся сходящимися друг с другом. Подобные иллюзии, достигаемые с помощью математических формул, определяли искусство эпохи Возрождения. Первое настоящее использование перспективы в живописи принадлежит художнику Джотто в 14 веке. Филиппо Брунеллески и Леон Баттиста Альберти систематизировали использование перспективы как на картинах, так и на рельефах в начале 15 века, и перспектива стала одним из наиболее важных аспектов искусства эпохи Возрождения.

Развитие перспективы привело также к появлению других важных техник эпохи Возрождения. ракурс — это иллюзия глубины или расстояния в объектах или фигурах.

Еще одним приемом эпохи Возрождения был ракурс.

Посмотрите на это изображение. Если на самом деле измерить ступни и туловище Христа, они примерно одинакового размера, что нереально. Ваши ступни не размером с туловище.Но это действительно создает реалистичную иллюзию глубины, и кажется, что тело удаляется от зрителя. Другие уловки, такие как sfumato , использование размытых линий для изображения трехмерных объектов или chiaroscuro , резкий контраст света и темноты для создания глубины, построенный на реалистичных иллюзиях в живописи. Подобные техники имели решающее значение для искусства эпохи Возрождения, потому что они вдохновляли художников тратить больше времени на планирование, составление и тщательный дизайн своих произведений, прежде чем приступить к работе.Это придало ему глубокий смысл, символизм и значимость для людей эпохи Возрождения.

Краткое содержание урока

Ренессанс был периодом богатства, образования, войн, религии и, самое главное, искусства, с 14 по 16 века нашей эры. Материалы и методы искусства эпохи Возрождения придали ему особый стиль и смысл. Скульптуры чаще всего вырезались из мрамора, но использовались также бронза и золото. Картины, как правило, выполнялись в виде фресок, или красок в воде, нарисованных непосредственно на гипсовой стене.Когда художники рисовали на дереве или холсте, они часто использовали темпера , , пигмент, смешанный с яичным желтком. Художники Северной Европы использовали масляных краски , которые стали популярными в Европе к концу эпохи Возрождения.

Наиболее значительным достижением стала формальная стандартизация перспективы , иллюзии реалистичной пространственной глубины в картинах и рельефах. Это привело к появлению других новых техник, таких как ракурс , реалистичная глубина объекта; sfumato , размытие линий для создания трехмерной иллюзии; и chiaroscuro , или резкий контраст между светлым и темным для создания глубины.Итак, поехали. Ваша студия наполнена материалами, вы знаете техники; вы готовы стать художником эпохи Возрождения. Принимайтесь за работу.

Результаты обучения

По окончании урока вы можете:

• Определить эпоху Возрождения
• Назовите различные материалы, с которыми работали художники эпохи Возрождения
• Перечислите и опишите художественные новшества художников эпохи Возрождения

10 самых известных картин эпохи Возрождения

Ренессанс был культурным движением, существовавшим примерно с 14 по 17 век.Он видел некоторых из величайших художников в истории человечества, включая Леонардо да Винчи и Микеланджело Буонарроти. Вот 10 самых известных картин этого очень важного периода художественного развития человека.

---

# 10 Рождение Венеры

Автор: Сандро Боттичелли

Год: 1486

Рождение Венеры (1486) — Сандро Боттичелли

«Рождение Венеры» изображает классический миф о Венере, поднимающейся из моря.На картине богиня любви Венера, рожденная из морской ракушки, полностью зрелая женщина, прибывает на берег моря. Ученые предложили множество интерпретаций картины, самая известная из которых заключалась в том, что Боттичелли представил неоплатоническую идею божественной любви в виде обнаженной Венеры. «Рождение Венеры» Боттичелли остается одним из самых ценных произведений искусства эпохи Возрождения.

---

# 9 Успение Богородицы

Автор: Тициан

Год: 1518

Успение Богородицы (1518 г.) — Тициан

«Успение Богородицы», расположенное на главном алтаре в базилике Санта-Мария-Глориоза деи Фрари, было первой комиссией Тициана в Венеции, которая установила Тициана как ведущего художника города. .На картине изображено «вознесение девы», которое отмечается ежегодно 15 августа и знаменует вознесение Марии на небо до разложения ее тела. На картине Дева Мария возносится к небу роем херувимов, стоя на облаке. «Успение Богородицы» считается величайшим шедевром Тициана, одного из самых разносторонних и популярных художников в истории.

---

# 8 Сикстинская Мадонна

Автор: Рафаэль

Год: 1512

Сикстинская Мадонна (1512 г.) — Рафаэль

«Сикстинская Мадонна» изображает Мадонну, держащую Младенца Христа, в окружении святых Сикста и святых Варвары.Также под Марией есть два крылатых херувима, которые, возможно, являются самыми известными херувимами, изображенными на любой картине. Они настолько популярны, что существует множество легенд о том, как их рисовал Рафаэль. «Сикстинская Мадонна» считается одной из лучших картин многих известных критиков, и она особенно популярна в Германии, где «была провозглашена« высшей среди картин мира »и получила эпитет« божественная »».

---

---

# 7 Primavera

Автор: Сандро Боттичелли

Год: г.1482

Примавера (1482 г.) — Боттичелли

«Примавера» означает «сезон весны», и картину иногда также называют «Аллегорией весны». Существуют различные интерпретации картины, но все согласны с тем, что на определенном уровне это «сложная мифологическая аллегория растущего плодородия мира». «Примавера» — «одна из самых обсуждаемых и противоречивых картин в мире». Увлекательное использование Боттичелли цвета и многочисленные интерпретации работы сделали картину чрезвычайно популярной, и ее часто называют ярким примером изящества искусства раннего Возрождения.

---

# 6 Страшный суд

Автор: Микеланджело Буонарроти

.

Год: 1541

Страшный суд (1541 г.) — Микеланджело

«Страшный суд» — одно из самых влиятельных фресковых произведений в истории западного искусства. Нарисованный на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане, он изображает Второе пришествие Христа (будущее возвращение Иисуса на землю) и окончательный и вечный суд Бога над всем человечеством.Иисус изображен в центре картины в окружении выдающихся святых; в то время как Воскресение Мертвых и Сошествие Проклятых в Ад показаны в зоне ниже.

---

# 5 Поцелуй Иуды

Автор: Джотто ди Бондоне

Год: 1306

Поцелуй Иуды (1306) — Джотто

Многие критики считают Джотто первым гением современной живописи, а некоторые утверждают, что ни один художник не превзошел его, лишь немногие приблизились.Его цикл фресок в капелле Скровеньи — один из важнейших шедевров западного искусства, а «Поцелуй Иуды» — самая известная картина этого цикла. На картине запечатлен момент предательства, когда Иуда отождествляет Иисуса с солдатами, целуя его. Джотто мастерски запечатлел драму и смятение ареста Христа, а также контраст выражений лиц Иисуса и Иуды, когда они смотрят друг на друга.

---

# 4 Афинская школа

Автор: Рафаэль

Год: 1511

Афинская школа (1509 г.) — Рафаэль

Шедевр Рафаэля «Афинская школа» — одна из четырех основных фресок на стенах Станце ди Рафаэлло в Апостольском дворце в Ватикане.Четыре картины олицетворяют философию, поэзию, теологию и право; с «Афинской школой», представляющей философию. Критики предположили, что среди 21 изображенного на картине можно найти каждого великого греческого философа. Однако, за исключением Платона и Аристотеля, которые находятся в центре сцены, никто не может быть достоверно установлен. «Афинская школа» считается «идеальным воплощением классического духа Высокого Возрождения».

---

---

# 3 Тайная вечеря

Автор: Леонардо да Винчи

Год: 1498

Тайная вечеря (1498 г.) — Леонардо да Винчи

В «Тайной вечере» Леонардо мастерски изображает недоумение и замешательство, возникающие среди учеников Иисуса, когда он объявляет, что один из них предаст его.Подробные знания Леонардо в области анатомии, света, ботаники и геологии; его интерес к тому, как люди улавливают эмоции в выражениях и жестах; и его тонкая градация тона; все собрались вместе, чтобы сделать эту картину одной из самых почитаемых и известных работ всех времен.

---

# 2 Сотворение Адама

Автор: Микеланджело Буонарроти

Год: 1512

Сотворение Адама (1512 г.) — Микеланджело

Работа Микеланджело над потолком Сикстинской капеллы является краеугольным камнем искусства эпохи Возрождения, а «Сотворение Адама» — самая известная фресковая панель шедевра.По популярности картина уступает только «Моне Лизе»; и наряду с «Тайной вечерей» это самая тиражируемая религиозная картина всех времен. Образ почти соприкасающихся рук Бога и Адама стал культовым для человечества, его бесчисленное количество раз имитировали и пародировали.

---

# 1 Мона Лиза

Автор: Леонардо да Винчи

Год: 1517

Мона Лиза (1517 г.) — Леонардо да Винчи

«Мона Лиза» была провозглашена «самым известным, самым посещаемым, самым известным произведением искусства в мире, о котором чаще всего пели и пародировали».Его слава основана, в частности, на неуловимой улыбке на лице женщины, поэтому она также известна как «Джоконда», или смеющаяся. Для да Винчи «Мона Лиза» всегда была незавершенной работой, так как это была его попытка достичь совершенства. Картина так и не была доставлена ​​заказчику; Да Винчи хранил его при себе до конца жизни. В Книге рекордов Гиннеса говорится, что «Мона Лиза» имеет самую высокую страховую стоимость для картины в истории. 14 декабря 1962 года он был оценен в 100 миллионов долларов США, что после корректировки инфляции составило бы сегодня около 759 миллионов долларов США.

Восприятие прекрасного в искусстве Возрождения

Ренессанс был культурной революцией, которая распространилась из Флоренции в 1400 году по всей Италии и остальной Европе. Его движущей силой стала философия гуманизма, которая стремилась воскресить и подражать литературе и искусству древних греков и римлян. Раньше художники были ограничены шаблонной религиозной иконографией. Теперь они начали воспроизводить описания классических картин и копировать недавно обнаруженные античные статуи.Таким образом, восприятие красоты художником эпохи Возрождения определялось его философской средой, его визуальным опытом («взгляд эпохи»), требованиями его покровителей и попытками повысить свой профессиональный статус в обществе до уровня поэтов и архитекторов. Образ Венеры, изображенный Боттичелли как идеализация красоты во Флоренции эпохи Возрождения, значительно отличается от Венеры, изображенной немецким художником Лукасом Кранахом. Североевропейская Венера гораздо менее сладострастна, чем ее итальянская коллега, но все же вдохновлена ​​гуманистическими принципами и сохраняет значительную сексуальность.Картины Рафаэля олицетворяют идеализацию женской красоты того периода, но, по его собственному признанию, они редко основывались на реальных моделях. Часто один и тот же тип лица повторялся на многих разных картинах. Действительно, художники-портретисты эпохи Возрождения стремились избегать реалистичной интерпретации, вместо этого подчеркивая положительные атрибуты своих предметов, как физические, так и политические. Таким образом, «Портрет юноши» Бронзино отражает не только идеализированную внешность его объекта, но также его ученость, биографию и потенциал.Изображение красоты в искусстве эпохи Возрождения оказывается более сложным, чем просто фотографическое изображение сексуальности или внешнего вида человека. Вместо этого искусство эпохи Возрождения создавало физически совершенные изображения, являющиеся результатом ожиданий ученых, амбиций художника и его развивающих навыков.

Животные в искусстве Возрождения | Art UK

Святых и героев, населяющих воображение эпохи Возрождения, сопровождает множество харизматичных животных.Царство животных издавна было богатым источником символизма — в средневековый период рукописи бестиариев приписывали моральное значение поведению различных существ. В эпоху Возрождения животные часто появлялись на картинах как метафоры или эмблемы.

В портретах они иногда использовались для демонстрации характера натурщика. Особенно интересным примером является работа Доссо Досси «» «Молодой человек с собакой и кошкой» № в Музее Эшмола в Оксфорде.Темные мордашки кошки и собаки, возможно, являются проявлением противоположных сторон личности человека. Это обычные существа, которых мы хорошо знаем сегодня, но они придают картине манящую атмосферу меланхолии и таинственности.

В Эшмоле есть еще несколько интригующих картин эпохи Возрождения с изображениями главных героев животных. Пожалуй, самым известным из них является картина Паоло Уччелло «Охота в лесу» , панорамная сцена ночной погони. Охота в эпоху Возрождения была связана с браком, с погоней за животным, олицетворяющим погоню за возлюбленной.Его аристократические ассоциации также сделали его признаком престижа и добродетели.

Картина наполнена сырой животной энергией: гладкие, длинноногие гончие зигзагообразно проносятся по деревьям, а позади скачут статные лошади. Перспектива, как всегда с Уччелло, рассчитывается математически, но динамизм сцены нарушает эту тщательную точность. Композиция колеблется между порядком и хаосом — аккуратно удаляющимся пространством и турбулентностью движения.Мы можем ощущать топот копыт лошадей и свист собак, которые взлетают в воздух.

Джорджо Вазари в своей книге « жизней художников » ярко описывает любовь Уччелло к царству животных: «он всегда хранил в своем доме изображения птиц, кошек, собак и всякого рода странных животных, из которых он мог получить подобие. Имя «Паоло Уччелло» на самом деле означает «Птичий Паоло» и было дано ему, потому что он очень любил животных.

Как и Уччелло, Пьеро ди Козимо характеризуется Вазари как эксцентричный человек.У него была «жизнь человека, который был не столько человеком, сколько животным», избегая общества других, позволяя своему саду разрастаться «как его собственная природа». Он умер, «доведя себя до состояния своих экстравагантных фантазий».

Его впечатляющая картина « Лесной пожар » столь же эксцентрична, экстравагантна и дикая, как и он сам. Он вдохновлен римским философом Лукрецием, чье стихотворение De Rerem Natura подробно описывает, как сила огня привела к развитию человеческой цивилизации.Поэма была широко прочитана во времена Пьеро и напоминала о далеком примитивном прошлом, когда человечество еще не было отделено от природы. В этом полумифологическом сеттинге есть самая странная деталь на картине: человеческие лица на телах некоторых животных. Инфракрасная рефлектография показала, что это были дополнения в последнюю минуту, моменты остроумной импровизации.

Даже без человеческих лиц животные на этой картине полны харизмы. Их реакция на пламя поразительно убедительна: птицы, спасаясь от опасности, поселяются на деревьях, коровий язык вываливается изо рта, а медведь, шатаясь, ускользает от огня.Есть сильное ощущение теплой, землистой массы их тел и дымного тепла атмосферы.

Львы в картине Лесной пожар чувствуют себя как дома среди дикой природы, но великолепный лев в картине Тициана Триумф любви кажется немного неуместным на фоне венецианской лагуны — и с маленьким мальчиком, который скорее балансирует. опасно на его спине.

Мальчик, конечно же, Купидон.Образ купидона верхом на льве был общей темой в классическом искусстве и искусстве эпохи Возрождения, представляя вергилианский изречение Amor vincit omnia — любовь побеждает всех. Львы рассматривались как символы гордости и гнева, эмоции, которые нужно сдерживать любовью.

Картина была написана для богатого коллекционера Габриэля Вендрамина как обложка для другой его картины. Эти раскрашенные обложки, названные литавр , использовались, чтобы дразняще предложить изображение внизу и создать момент откровения, когда он был обнаружен.Картина, на которой изображена картина «Триумф любви », была, возможно, портретом возлюбленной Вендрамина или, что более вероятно, идеально красивой музой. Вместе портрет и тимпано были поэтическим воплощением совершенной любви и красоты, подходящими для интимного и созерцательного просмотра в декорациях камерино Вендрамина .

Еще один пример животных на венецианских картинах эпохи Возрождения можно увидеть на этом религиозном портрете семьи Вендраминов, на котором изображен щенок, которого держит один из мальчиков.

Хотя собака, скорее всего, была нарисована с натуры, Тициан, вероятно, смоделировал своего льва на скульптурных образцах, таких как знаменитый бронзовый лев Сан-Марко, у которого такая же широко раскрытая пасть и великолепная грива. В коллекции Вендрамина также была небольшая бронзовая скульптура купидона, стоящего на льве. Лев Тициана сердито корчится под маленьким купидоном, его глаза блестят, а мех мягкий и тяжелый. Притягательный и импозантный, он свидетельствует о символической силе любви и добавляет образу яркой экзотики.

Вот еще один маленький мальчик, который невероятно верхом на животном: Франческо Бьянки Феррари Арион едет на дельфине .

Как и в случае с The Forest Fire, действие происходит в далеком полумифологическом мире. Сюжет взят из древнеримской поэмы Овидия Fasti , воспевающей мифы и обычаи римского календаря. Овидий рассказывает историю Ариона, чтобы отметить появление созвездия Дельфина в небе в начале февраля.Во время шторма моряки сбросили певца Ариона в море за его выигрыш на музыкальном конкурсе. Своей музыкой он очаровывает дельфина, который благополучно возвращает его на берег.

Это образ дельфина эпохи Возрождения — змеиное тело с выпуклой головой и человеческими глазами, пронзительно смотрящими на нас. Это странная маленькая картина, и, как и в случае с другими картинами, присутствие животных придает ей особую волшебную атмосферу.

Животные на этих изображениях оживляют сцены своей индивидуальностью и энергией.В ночном лесу, в горящем древнем пейзаже, в венецианской лагуне или на открытом ветрам море эти нарисованные животные на протяжении веков озадачивали, увлекали и восхищали зрителей.

Кэтрин Джеймисон, студентка Оксфордского университета, победительница конкурса Write on Art 2018

.