Художники поп арт: 150 картин, 30 художников, история жанра в искусстве, идеи, черты, определение

Содержание

150 картин, 30 художников, история жанра в искусстве, идеи, черты, определение

Кратко, поп-арт — это стиль искусства, наиболее популярный в 60-х годах 20-ого века. Сюжеты картин строятся на известных всем объектах: знаменитостях, комиксах, еде, бытовых предметах. Ему присущи яркие цвета, плоскость, ирония и отсутствие глубокого смысла.

Родина поп-арта

Считается, что движение «поп-арт» зародилось в Лондоне в 1952 году в сообществе молодых художников, критиков, архитекторов и писателей «Независимая группа» (объединение, чьи члены исследовали влияние технологий, массовой культуры и рекламы на современное искусство), куда входили Ричард Гамильтон, Найджел Хендерсон, Джон МакХейл, Эдуардо Паолоцци и Уильям Тернбулл, которые затем провели выставки с первыми образцами поп-арта. Их работы оказали сильное влияние на последующее развитие движения.

Независимая группа (1956)
The Independent Group

История появления термина

Кто именно изобрел название термина, неизвестно, но обычно его авторство приписывают британскому искусствоведу Лоуренсу Аллоуэю, который в 1958 году опубликовал эссе под заголовком «Искусство и средства массовой информации», где он впервые употребил слова «популярная массовая культура», что было близко к укоренившееся затем названию «поп-арт».

Лоуренс Аллоуэй — портрет
Lawrence Alloway

Аллоуэй был одним из ведущих критиков, защищавших поп-арт как законную форму искусства.

Первое изображение

Хотя еще в 1952 году на лекции был показан коллаж Эдуардо Паолоцци «Я была игрушкой богача», официально первым образцом современного поп-арта считается коллаж Ричарда Гамильтона «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?». Он был показан на новаторской выставке «Независимой группы» под название «Это завтра» в 1956 году в Галерее Уайтчепел в Лондоне.

Эдуардо Паолоцци «Я была игрушкой богача»
I was a Rich Man’s Plaything — Eduardo Paolozzi, 1952

Коллаж размером 26×24.8 см был склеен из изображений, вырезанных из журналов массового тиража. На нем в соблазнительных позах изображены полуобнаженные герои: культурист и девушка на диване с абажуром на голове.

Ричард Гамильтон «Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»

Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing? Richard Hamilton, 1956

Действие происходит в гостиной, заполненной образцами и эмблемами послевоенной хорошей жизни в американском стиле.

На столе стоит консервированная ветчина. На стене в рамке висит обложка американского комикса «Young Romance». Мужчина держит в руках гигантский леденец на палочке. Центр коллажа на уровне глаз занимает надпись «поп».

Успех изображения был ошеломительным. Многие до сих пор придерживаются мнения, что именно Ричард Гамильтон в одиночку стал пионером поп-арта и что именно он определил условия, которых должно было придерживаться течение.

Ричард Гамильтон — портрет
Richard Hamilton

В то же время появление стиля поп-арт можно считать почти случайным, коллаж Гамильтона изначально был иллюстрацией к афише выставки и лишь через несколько был показан и продан как произведение искусства.

История возникновения поп-арта

Далекие предшественники

Слияние изобразительного искусства и массовой культуры (таких как рекламные щиты, упаковка и печатная реклама) началась еще задолго до 1950-х гг.

Почти столетие назад, в 1855 году французский художник-реалист Гюстав Курбе символически посодействовал развитию популярного вида искусства, взяв для своей картины позу из недорогой серии печатных изданий под названием Imagerie d’Épinal (Имажери д’Эпиналь). Эта чрезвычайно популярная серия включала в себя ярко окрашенные морализаторские сцены, придуманные французским иллюстратором (и соперником Курбе) Жаном-Шарлем Пеллерином (1756-1836). Каждый школьник знал эти изображения с уличной жизнью, военных и легендарных персонажей. Неужели средний класс понял намек Курбе? Может быть и нет, но Курбе было все равно. Он знал, что низкой формой живописи вторгся в высокое.

Испанский живописец Пабло Пикассо использовал ту же стратегию. Он пошутил о любовной связи людей с покупками, создав женщину из этикетки и рекламы универмага Бон Марше. Хотя «Au Bon Marché» (1913) не может считаться первым поп-арт коллажем, он, безусловно, посеял семя для будущего движения.

Au Bon Marché — Pablo Picasso, 1913
Бон Марше — Пабло Пикассо

Связь с дадаизмом

Первопроходец дада Марсель Дюшан продвинул потребительскую уловку Пикассо дальше, используя в своих экспозициях реальные продукты массового потребления: стеллаж для бутылок, лопату для снега, писсуар (перевернутый). Он называл эти предметы реди-мейдами, то есть техникой «использования в искусстве вещей из магазина».

Нео-дада, или ранний поп-арт

Ранние поп-арт художники последовали примеру Дюшана в 1950-х годах, вернувшись к фигурам в разгар абстрактного экспрессионизма и намеренно использовав «низкопробные» популярные образы. Они также воспроизводили трехмерные объекты.

Пивные банки Джаспера Джонса (1960) и кровать Роберта Раушенберга (1955) — это одни из примеров. В годы своего становления эти работы причислялись к нео-дада. Сегодня мы можем назвать это ранним поп-артом.

Цели и причины течения

Некоторые молодые британские художники 50-х годов, выросшие в военных условиях жесткого ограничения в рационе питания и утилитарного дизайна, смотрели на Америку с ее соблазнительной поп-культурой и потребительским образом жизни с долей романтической иронии и зависти.

Они рассматривали США как страну свободных — свободную от уродливых условностей классовой власти, которая могла задушить ту культуру, которую они представляли: более инклюзивную, молодую, охватывающую социальное влияние средств массовой информации и массового производства.

Поп-арт стал их способом выражения в этом поиске перемен, и его язык был адаптирован из коллажей дада. Дадаисты создали иррациональные комбинации случайных образов, чтобы спровоцировать реакцию со стороны властей своего времени.

Поп-арт и минимализм — самые новые жанры искусства.

Британские же деятели искусств переняли подобную визуальную технику, но сосредоточили свое внимание на массовых образах популярной культуры, которыми они размахивали перед лицом власти.

Поп-арт был способом выражения желания перемен, реакцией против существующего положения вещей.

Он также был реакцией молодых деятелей искусств на послевоенный потребительский бум, когда все больше и больше товаров рекламировалось и продавалось.

Поп-арт в США

В США поп-арт появился в конце 1950-х годов и развивался он иначе, чем в Великобритании. Тогда как в Англии на потребительскую культуру и идеализированную картину жизни смотрели со стороны, американцы находились в ее самой гуще, что не могло не повлиять на развитие стиля.

После Второй мировой войны экономический бум привел к повышению заработной платы и увеличению количества свободного времени, а массовое производство привело к созданию телевизоров, посудомоечных машин и автомобилей в беспрецедентных масштабах. Наряду с новыми технологиями в печатном производстве, распространилась и развилась рекламная индустрия брендов, каждый из которых продавал товар с обещанием доставить удовольствие.

Поп-арт в США был обезличенным и отстраненным от личности художника, тогда как в Великобритании он был более субъективным и метафоричным.

Благодаря вновь обретенному богатству, мобильности и свободному времени многие американцы переехали в пригороды (так как дома стали легкодоступными), а телевидение стало доминирующим средством массовой информации в 1950-х годах.

Но в 60-е годы многие увидели, что этот доминирующий социальный порядок и его бесконечное шаблонное повторение подавляют и восстали против этого заранее предусмотренного образа жизни, бросив вызов политическому истеблишменту, протестуя, например, против войны во Вьетнаме.

Процветали общественные движения, стремящиеся обеспечить равенство и гражданские права афроамериканцев и женщин. Этот бунтарский дух укоренился и в мире искусства, поскольку многие молодые художники в то время чувствовали, что то, чему их учили в художественной школе и что они видели в музеях, не имело никакого отношения к жизни и культуре, которая их окружала. В знак протеста они обратились к таким источникам, как поп-музыка, упаковка продуктов, комиксы и голливудские фильмы, используя образы массового производства для создания искусства, которое критиковало и подрывало его. Так и родилось это направление живописи, скульптуры и моды.

Пока британцы создавали юмористические или романтизированные произведения, американцы  рисовали агрессивные, более смелые, драматичные и менее беззаботные картины.

Окруженные продуктами потребительской культуры, американские поп-авторы вдохновлялись тем, что они видели и испытывали, живя в рамках этой культуры. В США это новое движение рассматривалось как возвращение к репрезентативному искусству, то есть тому, что изображало визуальный мир узнаваемым образом.

Почти все поп-арт художниками были дизайнерами, занимавшимися печатью.

В предыдущие десятилетия в Америке доминировали абстрактные экспрессионисты, которые (как следует из их названия) использовали выразительные жесты и абстрактные, не изображающие реальных предметов образы. Столкнувшись с миром потребительских вещей, поп-арт авторы отвернулись от этой абстракции, вместо этого используя жесткие грани и узнаваемые формы для создания типа искусства о видимом мире вокруг них. Используя безличные, приземленные образы, поп-арт авторы также хотели отойти от акцента на личные чувства и символику, которые характеризовали абстрактный экспрессионизм.

Американский поп-арт был ответом на культуру того времени, которая погрязла в рекламе и коммерциализме. Хотя этот стиль не склонен открыто критиковать такое положение вещей, он находился под сильным влиянием СМИ, точно так же, как художники прошлого находились под влиянием природы и религии.

В результате он очень глубоко противоречил массе, поскольку, в отличие от многих авангардных движений до этого, он включал в себя тематику и методы, с которыми широкая аудитория была уже очень хорошо знакома.

Идеи

Поп-арт отличался тем, что не идеализировал культурные объекты, а изображал их такими, какие они есть. Основная идея этого движения состояла в том, что искусство не является элитарным, оно может быть связано с простыми людьми или повседневными вещами. Оно должно быть понятным каждому, а не быть привилегией ограниченного круга лиц.

Ключевые идеи:

  • Размытие понятия между «высоким» и «низким» искусством. Фундаментом жанра служила идея об отсутствии иерархии в культуре. Вдохновение могло черпаться из любых источников.
  • Эмоциональная отстраненность. Хотя подходы и работы были очень разными, всех их объединяло холодное дистанцирование в эмоциях. Одни считают это принятием популярного мира, другие шокированным отступлением.
  • Отсутствие глубокого смысла. Простота — это одновременно и сильная сторона, и то, за что направление подвергалось жесткой критике. Смысл поп-арта лежит на поверхности.

Характерные черты

Поп-арт легко узнаваем благодаря своей живости и уникальным характеристикам, которые присутствуют во многих знаковых произведениях этого движения.

К его особенностям относятся:

  • Узнаваемые образы. Поп-арт использовал изображения и символы популярных медиа и продуктов. В них входили коммерческие товары, такие как банки из-под супа, дорожные знаки, фотографии знаменитостей, газеты, фирменные названия, логотипы и прочее.
  • Отсутствие выдуманных сюжетов и предметов. Поп-арт всегда основывается на то, что есть. Авторы не выдумывают новых героев и объектов.
  • Яркие цвета. Стиль характеризуется сочными, яркими цветами, к основным относится красный, желтый и синий.
  • Ирония и сатира. Юмор — один из основных компонентов поп-арта. Мастера используют их, чтобы сделать заявление о текущих событиях, посмеяться над причудами и бросить вызов существующему положению вещей.
  • Инновационные методы. Многие поп-арт художники были дизайнерами или занимались печатью, что позволяло им создавать изображения быстро и в больших количествах. Энди Уорхол использовал шелкографию — процесс, с помощью которого через сетчатый экран с трафаретом чернила переносятся на бумагу или холст. Рой Лихтенштейн, чтобы добиться своего фирменного визуального стиля, использовал литографию. Авторы картин часто брали образы из других областей массовой культуры и включали их в свои произведения, либо измененными, либо в своей первоначальной форме. Этот тип присвоения часто работал рука об руку с повторением, чтобы разрушить разделение между высокой и низкой культурой, которое делало различие между рекламой, средствами массовой информации и изобразительным искусством.
  • Смешение медиа и коллажа. Художники часто смешивали материалы и использовали множество различных типов журналов и газет. Подобно Роберту Раушенбергу, чьи работы предвосхитили развитие жанра, Том Вессельман и Ричард Гамильтон объединили кажущиеся несопоставимыми образы в единое полотно, чтобы создать совершенно современную форму. Точно так же Марисоль известна своими скульптурами, которые для изображения фигур используют множество различных материалов.
  • Плоские образы под влиянием комиксов и газетных фотографий.

Самые известные британские поп-арт художники

Питер Блейк

Портрет Питера Блейка, дата рождения — 1932

Питер Блейк — известный английский представитель направления, наибольшую славу которому принесла его обложка для альбома группы Биттлз «Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band». На ней изображена сама группа в окружении картонных знаменитостей. Это культовая обложка, которая, по опросам, считается одной из лучших в мире.

Оркестр клуба одиноких сердец сержанта Пеппера — Питер Блейк, 1967
Peter Blake — Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band

Блейк известен своими красочными графическими работами, использовавшими образы массовой культуры.

«Я хотел создать искусство, которое было бы визуальным эквивалентом поп-музыки», — говорил он.

Патрик Колфилд

Patrick Caulfield, 1936 — 2005

Колфилд писал полотна, в которых использовал повседневные сюжеты, натюрморты, домашние интерьеры, взятые из рекламы и дешевых иллюстраций, чтобы передать живую яркость и юмор.

Его изображениям характерна толстая черная обводка и яркие, насыщенные цвета.

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни — один из самых выдающихся художников Англии 20 века и яркий представитель поп-арта Великобритании. В 1961 году его работы были выставлены в Лондоне на Young Contemporaries.

В 1963 году он познакомился с Энди Уорхолом, а затем посетил Лос-Анджелес, который вдохновил его на написание потрясающе реалистичных картин с плавательными бассейнами. Эти работы были выполнены в плоском стиле яркими красками акрила.

В 2011 году Хокни был признан самым влиятельным британским художником всех времен.

Аллен Джонс

Один из основоположников британского поп-арта. Джонс использует в своих работах простые образы в сочетании с ярким, смелым цветом. Наиболее известен своими эротическими скульптурами и изображениями женщин в натуральную величину с фетишистским и садомазохистским подтекстом.

Влиятельные американские поп-арт художники

Джим Дайн

Джим Дайн был представителем нео-дада и поп-арта, специализируясь на коллажах, «реди-мейдах» (найденных объектах повседневного потребления, помещенных в арт-среду) и хеппенингах (вид искусства, напоминающие перфоманс, но артист полностью не контролирует происходящее).

Jim Dine — портрет

Впервые он привлек к себе внимание своими хеппенингами в 1959 году, которые ставил в сотрудничестве со скульптуром Класом Олденбургом, художником Алланом Капроу и авангардным композитором и концептуалистом Джоном Кейджем.

В 1962 году его работы, наряду с другими значимыми авторами, были показаны на важной выставке поп-арта в Пасадене. В 60-х годах Дайн создал целый ряд произведений искусства, используя предметы и образы поп-культуры, иногда прибегая к сенсационности дадаизма, например, в своей эротической инсталляцией, которая была закрыта полицией Лондона за непристойность.

В сюжеты его произведений входят повседневные предметы и символы: сердца, инструменты, одежда, черепа, наполненные личным смыслом.

Центральную часть его творчества занимают гравюры. За свою жизнь он создал свыше 1000 гравюр, некоторые из них поистине масштабны.

Джим Дайн смело экспериментировал с материалами и техниками: шлифовал пластинами, тер и скреб бумагу; импровизировал, «атакуя» работы серией спонтанных действий.

Многие его произведения автобиографичны. Например, его серия работ с инструментами восходит к детству, когда он играл в скобяной лавке своего деда. Серия «Халат» была вдохновлена рекламой в журнале, которую он увидел в 1963 году. Как рассказывал Дин

Я искал способ делать автопортреты, не рисуя свое лицо. Я увидел этот халат в рекламе. В ней не участвовал человек, но форма халата выглядела как моя, так что он стал для меня своего рода метафорой.

Роберт Индиана

Роберт Индиана (настоящее имя Роберт Кларк), прежде чем присоединиться к движению в Нью-Йорке в 1954 году, начинал как абстрактный художник и резчик по дереву. Отброшенные трафареты побудили его исследовать искусство надписей, он стал помещать буквы и слова (например, Love, Eat, Die) на свои картины, основанные на форме пинбольных автоматов.

Роберт Индиана — портрет

Роберт Индиана называл себя «американским художником вывесок». Самую большую славу ему принесло графическое изображение «Love», которое в 60-х годах впервые появилось на рождественских открытках и марках. Марка с его графикой считается самым широко распространенным поп-арт изображением (было продано более 300 миллионов).

Позже он создал скульптурную версию, которую воспроизвел в разных стилях и на разных языках, включая стальную еврейскую со словом «Ahava».

В 2008 году он создал новое произведение со словом «Hope», все доходы от которого (удалось собрать 1 млн. долларов) были пожертвованы в фонд предвыборной кампании Барака Обамы.

Джаспер Джонс

Вместе с Раушенбергом Джонс был одним из пионеров поп-арта в 1950-х гг. Впервые его узнали благодаря полотнам с изображением американского флага, а также графике с мишенями и цифрами.

Портрет Джаспера Джонса

Он также был известен тем, что использовал в своих масляных картинах краски с воском и гипс.

После успеха изображений с флагом Джонс начал использовать в сюжетах своих произведений реальные предметы, а также занялся скульптурой (например, скульптура «Банки супа», 1964).

Его использование образов и материалов поп-культуры, естественно, привело к тому, что его назвали поп-арт художником, но его работы (включая большое количество пародий на Дюшана, парадоксы и противоречия) также привели к тому, что его стали относить к нео-дадаистам.

Ранние работы Джаспера Джонса ставят под сомнение то, как мы рассматриваем, воспринимаем и создаем искусство. Он не делает различия между субъектом и объектом в своей работе, или искусством и жизнью. В его глазах это одно и то же. Джонс считает, что мы должны смотреть на картину не как на иллюзию, а как на объект со своей собственной реальностью.

Роберт Раушенберг

Роберт Раушенберг также использовал «найденные образы» в своем творчестве, но, в отличие от образов Джонса, они были объединены в отношении друг с друга или с реальными объектами. Работы обоих этих художников часто называют нео-дада, поскольку они опираются на «найденные образы», впервые изученные такими дадаистами, как Марсель Дюшан и Курт Швиттерс.

Роберт Раушенберг — портрет

Вдохновленный Швиттерсом, который создавал коллажи из отбросов, подобранных им на улице, Раушенберг объединял реальные предметы, найденные им в своем нью-йоркском районе, с коллажными и живописными техниками.

«Вообще-то у меня было правило. Если я обошел весь квартал и мне не хватило материала для работы, я мог пройти еще один квартал в любом направлении».

Он считал, что его работы «должны были выглядеть по меньшей мере так же интересно, как и все то, что происходило за окном». Раушенберг считал, что «живопись больше похожа на реальный мир, если она сделана из реального мира».

Работы автора стирали границы между живописью и скульптурой, смешиваю между собой методы и того, и другого.

Алекс Кац

Алекс Кац — уникальный фигуративный художник, известный своими масштабными упрощенными изображениями семьи и друзей. Кац создавал культовые картины, документирующие американскую сцену, а затем и американский пейзаж.

Алекс Кац — портрет

Он рисовал свою жену Аду и других людей множество раз в плоском стиле на ярком фоне одного тона.

Он также создавал коллажи, а в 90х годах рисовал природу, использовав простые образы листьев, света, теней и цветов.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн — один из ведущих и узнаваемых авторов в этом жанре.

Он сделал комиксы центром своего творчества, что до него еще не делал никто. Лихтенштейн брал комиксы, увеличивал их, обрезал, заменял пузыри с репликами на другие, иногда смешивал героев одних серий комиксов с другими и создавал картины.

Рой Лихтенштейн — портрет

Несмотря на то, что полотна кажутся просто распечатанными страницами, Лихтенштейн рисовал их маслом и синтетической полимерной краской, имитируя газетную печать. Для своей культовой точечной техники он использовал трафареты с кругами, так как рисовать их вручную, учитывая большой размер работ, было сложно.

Рой Лихтенштейн восхищался яркими красками и смелыми линиями комиксов, ему нравились реплики героев. Разница работ Лихтенштейна в сравнении с другими художниками, которые использовали подобный китчевый материал, заключалась в том, что он сделал сам комикс произведением искусства.

Ричард Гамильтон однажды назвал Роя Лихтенштейна самым «изумительно экстремальным» из американских поп-арт художников. Больше всего Гамильтона поразила чистота творчества Лихтенштейна, поразило то, как его картины-комиксы были «верны средствам массовой информации».

Поначалу его картины шокировали и критиковали за копирование и отсутствие оригинальности, но коллекционеры и владельцы галерей быстро приняли их.

«Трудно было достать картину, которая была настолько отвратительной, чтобы ее никто бы не повесил… Все вешали все подряд. Повесить мокрую тряпку с краской было почти приемлемо, к этому все привыкли. Единственное, что все ненавидели, — это коммерческое искусство; очевидно, и его они ненавидели недостаточно», — говорил он.

Жесткий коммерческий стиль полотен из комиксов Лихтенштейна был противоядием от бессвязных всплесков позднего абстрактного экспрессионизма, но он не противопоставлял поп-арт дадаизму: «Я не думаю, что поп-арт существовал бы, если бы до него не существовало дадаизма, но я и не думаю, что поп-арт — это тоже самое, что и дада. Я не рассматриваю свою работу как антиискусство или что-то, что отличается от основного направления живописи со времен Ренессанса».

Хотя в стиле Роя Лихтенштейна есть элемент иронии и юмора, его работа лежит в рамках классической живописи: в использовании линии, формы, тона и цвета в качестве композиционных элементов.

Клас Олденбург

Олденбург был одним из главных скульпторов поп-арта, а также художником-перформансом. Он хотел показать всю пошлость американской культуры, особенно Нью-Йоркской.

Клас Олденбург — портрет

Его работа была сосредоточена на превращении привычного в нечто странное. Для этого он увеличивал обычные, повседневные объекты и помещал их в общественные места, тем самым побуждая зрителя по-другому рассматривать окружающую их среду.

Работа Олденбурга полна юмористической иронии и противоречия: с одной стороны, он делает твердые предметы, такие как раковина в ванной, из мягкого провисшего винила, а с другой — мягкие, такие как чизбургер, из твердой крашеной штукатурки.

Его главным вкладом в поп-арт было превращение банальных предметов в искусство.

Джеймс Розенквист

Благодаря сложному переплетению таких мотивов, как бутылки из-под Кока-Колы, кухонные приборы, упакованные продукты питания, женские накрашенные губы и наманикюренные руки, большие полотна и гравюры Розенквиста воплощают головокружительную вездесущность потребительского мира.

Розенквист использовал рекламный стиль живописи на небольших холстах, где изображения становились мягко размытыми, а их качество терялось при ориентации крупным планом и обрезке изображения.

Он создавал ошеломляюще грандиозные произведения, казалось бы, не связанные друг с другом. Часто эти работы заполняли целые стены галереи.

Чувство подавленности было уникальным способом художника выразить оцепенение общества перед его нездоровой одержимостью не только материальным потреблением, но и политической славой и славой знаменитостей.

Самая известная работа Джеймса Розенквиста — массивная, откровенно политическая картина «F-111». Созданная в 1964-65 годах, она стала своего рода протестом против милитаризма в Америке.

F-111, 1964-1965

Поперек 26-метровой работы, состоящей из 51 панели, изображен военный истребитель-бомбардировщик, перемежающийся множеством изображений, таких как пляжный зонт, грибовидное облако, спагетти и молодую девушку под феном, очень похожим на боеголовку.

Эд Рушей

Рушей стал известен в конце 1950-х годов, когда он начал делать небольшие коллажи, используя изображения и слова, взятые из повседневных источников, таких как реклама. Этот интерес к повседневности привел его к использованию пейзажа его родного города Лос-Анджелеса как источника вдохновения, к которому он возвращался снова и снова.

Эд Рушей — Портрет

Рушей часто сочетает образы города со словами и фразами из повседневной речи, чтобы передать определенный опыт. Он также исследует банальность современной городской жизни и шквал образов и информации, поступающих из средств массовой информации, с которыми мы ежедневно сталкиваемся.

Рушей играет с языком в своих работах, используя такие приемы, как звукоподражание, каламбуры, аллитерация и оксюморон. Многие из его ранних работ изображают отдельные слова в типографском формате или шрифте.

Предложения и фразы наводят на мысль о повседневном американском языке и сленге, а также привлекают внимание к определенному опыту или напоминают об излишествах голливудской культуры.

Энди Уорхол

Энди Уорхол — самый знаменитый художник, икона поп-арта.

Сначала он успешно работал как «коммерческий художник», тематика его картин была заимствована из образов массовой культуры: рекламы, комиксов, газет, телевидения и кино.

Уорхол воплотил дух американской массовой культуры и возвысил ее образность до статуса музейного искусства. Он использовал изображения знаменитостей и потребительских товаров, у которых, по его мнению, была банальность, что делало их более интересными.

Энди Уорхол — Портрет

Он чувствовал, что такие изображения были лишены своего смысла и эмоционального присутствия из-за их массового воздействия на публику. Уорхол был очарован этой банальностью, которую он прославлял в ряде сюжетов, начиная от суповых банок, заканчивая знаменитостями.

Будь то изображение с лапшой или портрет Элизабет Тейлор, Уорхол всегда придерживался одного и того же подхода: «Я думаю, что каждая картина должна быть одинакового размера и цвета, чтобы все они были взаимозаменяемы, и никто не думал, что у него есть лучшая или худшая картина».

Уорхол рассматривал эту эстетику массового производства как отражение современной американской культуры:

«Самое замечательное в этой стране то, что Америка положила начало традиции, когда самые богатые потребители покупают в основном то же самое, что и самые бедные. Вы можете смотреть телевизор и увидеть Кока-колу, и вы знаете, что президент пьет Кока-колу, Лиз Тейлор пьет Кока-колу, и, просто подумайте, вы тоже можете пить ее.

Кока-кола есть Кока-кола, и никакие деньги не дадут вам лучшей кока-колы, чем та, которую пьет бродяга на углу. Вся Кока-Кола одинакова, и вся Кока-кола хороша. Лиз Тейлор знает это, президент знает это, бродяга знает это, и вы знаете это». Очевидная ирония этого утверждения заключается в том, что цена этой бутылки на картине взлетает в стратосферу, как только Уорхол подписывает ее.

Его многочисленные причудливые заявления были намеренно загадочны и противоречивы, избегая разъяснений и заставляя публику размышлять об их значении. Уклончивая позиция Уорхола была стратегией, результатом которой стала самореклама. Он культивировал свой собственный имидж как бизнес-модель, которая была неотделима от его искусства. Он говорил:

Я начинал как коммерческий, и хочу закончить как бизнес-художник. Быть преуспевающим в бизнесе — это самый увлекательный вид искусства.

Важные поп-арт картины

Натюрморт № 20 — Том Вессельман, 1962

Still Life #20, 1962 Tom Wesselmann
Натюрморт № 20 — Том Вессельман

Натюрморт Still Life #20 — это часть серии скульптурных натюрмортов, которые Том Вессельман начал создавать в начале 1960-х годов.

На левой стороне изображены некогда функциональные предметы, которые он собрал, а затем поместил в настоящем шкафу над частью реальной раковины.  Свет над краном можно включить или выключить, а шкафчик можно открыть или закрыть.

Справа автор собрал в композицию двумерные изображения разных видов продуктов и напитков. Над ними висит репродукция картины художника Пита Мондриана, который использовал элементы искусства в их самых чистых формах—прямые линии, прямые углы и основные цвета — в попытке представить будущее утопическое общество.

Вессельман часто включал репродукции работ других художников в свои конструкции, чтобы продемонстрировать, как искусство интегрировалось в повседневную жизнь и присоединилось к коммерческому миру.

На балконе — Питер Блейк, 1955 – 1957

On the Balcony, 1955 – 1957, Peter Blake
На балконе — Питер Блейк

Несмотря на то, что изображение выглядит коллажем, это полотно, написанное маслом. На ней изображена группа подростков, как олицетворение современного мира, восприимчивого к поп-арту, разрушающего традиционные представления об арт-объектах. Вокруг них множество картин и фото на тему «Балконы». Например, слева репродукция Мане, а справа журнал «Лайф». Всего на работе насчитывается 32 варианта балконов.

Как и на многих полотнах Блейка, подростки изображены с короткими стрижками и прямыми, более естественными взглядами, чем их черты лица, которые считаются более утонченными.

Флаг — Джаспер Джонс, 1954 – 1955

Flag, 1954 – 1955 Jasper Johns
Флаг — Джаспер Джонс

Эта картина имеет большое значение для поп-арта. Джонс написал ее поверх коллажа из газет — которые определяли этот символ страны в тот момент.

Художник не стал выдумывать какой-либо сюжет, он нарисовал узнаваемый всеми флаг. Он также не стал вкладывать в изображение свой смысл, он отдал эту привилегию зрителям. Кто-то видит в картине флага национальную гордость и свободу, а кто-то только империализм или угнетение.

Сам автор нарисовал изображение в контексте «охоты на ведьм» 1950‑х годов, когда началось устранение коммунистов в Правительстве США.

Тонущая девушка — Рой Лихтенштейн, 1963

Drowning Girl, 1963 Roy Lichtenstein
Тонущая девушка — Рой Лихтенштейн

Одна из знаковых работ поп-арта. Сюжет работы взят из комикса DC «Run for Love!», где был изображен парень и тонущая девушка. Художник обрезал изображение, увеличив девушку и изменив ее слова на «Мне наплевать. Я лучше утону, чем попрошу Бреда о помощи».

Это, вероятно, о том, что бойфренд девушки разбил ей сердце, что вызвало ее страдание и утрату доверия к нему. Эти болезненные эмоции, которые могут длится долго, откликнулись в сердцах людей. Возможно именно поэтому эта картина так популярна.

Синий цвет подчеркивает печаль и отчаяние.

Большой всплеск — Дэвид Хокни, 1967

David Hockney, A Bigger Splash , 1967
Большой всплеск — Дэвид Хокни

Хокни написал эту работу еще в Калифорнийском университете в Беркли. Большой всплеск был создан как конечный результат двух меньших картин, в которых он развивал свои идеи, — «Маленький всплеск» (1966) и «Всплеск» (1966). A Bigger Splash — значительно более крупная работа.

Хокни был одним из первых художников, широко использовавших акриловую краску, которая была тогда довольно новым художественным средством. Он чувствовал, что как быстросохнущая субстанция она больше подходит для изображения жарких, сухих пейзажей Калифорнии, чем традиционные масляные краски.

В картине Хокни исследует, как изобразить постоянно движущуюся поверхность воды. Всплеск был основан на фотографии плавательного бассейна, которую Хокни видел ранее. Он был заинтригован идеей того, что фотография может запечатлеть это событие на долю секунды, и стремился воссоздать его в живописи.

Динамизм всплеска сильно контрастирует со статичной и жесткой геометрией дома, краем бассейна, пальмами и желтой доской для прыжков в воду. Это придает изображению несвязный эффект, абсолютно преднамеренный, что фактически является одним из отличительных признаков стиля Хокни.

Мне очень понравилась идея нарисовать этот момент, длящийся две секунды: мне нужно две недели, чтобы нарисовать то, что длится две секунды.

Банки с супом Кэмпбелл — Энди Уорхол, 1962

Campbell’s Soup Cans, 1962 Andy Warhol
Банки с супом Кэмпбелл — Энди Уорхол

Картина с банками супа любимая у Энди Уорхола.

В поиске идей для сюжетов изображений он любил расспрашивать своих друзей и знакомых. Один из них посоветовал ему нарисовать что-то простое, узнаваемое, что-то, что есть у каждого дома, например, эти банки супа.

Уорхол скупил все вкусы и нарисовал их на 32 картинах. Они были выставлены по всей длине галереи и произвели фурор. Молодые художники считали это чем-то новым интересным, но большинство же проходили мимо с безразличием и даже с откровенным презрением.

Владелец соседней галереи спародировал выставку, выставив реальные банки этого супа на витрине, указав, что в соседнем здании их можно купить дешевле.

Затем мастер продолжает экспериментировать, рисуя эти же банки и складывать их в подобие стопок в магазине.

Все работы за 3000 долларов владелец галереи выкупил у художника, продав их за 15 млн долларов после смерти Уорхола.

Картины Лихтенштейна не поддаются легкому политическому прочтению. Празднует ли он Whaam! действия войны, острые ощущения погони, славу убийства? Или он комментирует этот праздник как бесчеловечный как для врага, так и для самих себя? Или это просто комикс для маленьких мальчиков? Эти вопросы (даже если Лихтенштейн никогда не собирался их поднимать) висят над нами полвека спустя.

Американский истребитель выпускает струю огня, которая взрывает вражеский самолет, не давая пилоту ни единого шанса спастись. Это картина насилия, но насилие переживается из третьих рук. Картина скрупулезно создана из военного комикса DC, точки и смелые цвета оригинала воссозданы вручную в огромном масштабе.

После ее внезапной смерти от передозировки снотворного в августе 1962 года жизнь, карьера и трагедия суперзвезды Мэрилин Монро стали всемирной одержимостью. Уорхол, увлеченный славой и поп-культурой, использовал ее черно-белую рекламную фотографию из фильма «Ниагара» для создания нескольких серий изображений.

Общая идея всех работ Мэрилин заключалась в том, что ее образ воспроизводился снова и снова, как это можно было увидеть в газетах и журналах того времени. После просмотра десятков или сотен таких изображений зритель перестает видеть изображенного человека, но остается с иконой популярной, потребительской культуры. Образ (и человек) становится еще одной коробкой из-под хлопьев на полке супермаркета, одной из сотен коробок — и все они абсолютно одинаковы.

В картине «Золотая Мэрилин Монро» Уорхол играет на идее иконографии, помещая лицо Мэрилин на очень большой золотистый фон.

На заднем плане сохранились византийские религиозные иконы, которые и по сей день занимают центральное место в православных верованиях. Только вместо Бога мы смотрим на изображение (которое становится немного кричащим при ближайшем рассмотрении) женщины, которая поднялась до славы и умерла в ужасной трагедии.

Уорхол тонко комментирует наше общество и его прославление знаменитостей до уровня божества. Художник указывает на ценности и окружение своих современников.

Напольный бургер —Клас Олденбург, 1962

Floor Burger, 1962 Claes Oldenburg
Напольный бургер —Клас Олденбург

Это очень спорное произведение, которое не все считают искусством. Мягкая скульптура — к такому жанру относится бургер, было чем-то новаторским, сюрреалистичным.

Его мягкое, податливое и красочное тело бросало вызов условности, которое говорило, что скульптура должна быть жесткой и строгой, а ее тематика и колоссальный масштаб привносили юмор и причудливость в часто трезвое пространство изобразительного искусства.

Избранный президент — Джеймс Розенквист, 1960–61

President Elect, 1960–61 James Rosenquist
Избранный президент — Джеймс Розенквист

Как и многие поп-арт художники, Розенквист был увлечен популяризацией политических и культурных деятелей в средствах массовой информации. В своей картине в стиле рекламного щита «Избранный президент» мастер смешивает рекламу калибра Мэдисон-авеню с политическими амбициями, изображая улыбающееся лицо Джона Ф. Кеннеди рядом с потребительскими товарами, а именно желтым Шевроле и куском торта из рекламы.

Розенквист создал коллаж, используя изображения, вырезанные из их первоначального контекста, который он адаптировал для того, чтобы соответствовать монументальному масштабу в фотореалистичном стиле. Как объясняет Розенквист, «Это лицо с предвыборного плаката Кеннеди. В то время меня очень интересовали люди, которые сами себя рекламировали. Почему они поместили объявление о себе? Так вот какое у него было лицо. А его обещание — это половина Шевроле и кусок черствого пирога».

Работа говорит об увлечении Розенквиста подсознательным убеждением через рекламу.

Витрина с 

пирожными, I — Клас Олденбург, 1961–62

Pastry Case, I, 1961–62 Claes Oldenburg

Витрина с пирожными, I — Клас Олденбург

Тарелка глазированного печенья, два сандея, торт, огромная стойка ребрышек и наполовину съеденное карамельное яблоко соперничают за наше внимание внутри витрины. Грубо говоря, эти неаппетитные модели классической американской закусочной тянутся к нам, скорее, как неловкие родственники.

Подобно портретам, но без человеческой фигуры, магия скульптуры Ольденбурга — это выразительный элемент, который он ей придает. Это самый эмоциональный (и веселый) из поп-арт художников, его гениальность заключается в балансе между иронией и серьезностью в ссылках на американскую культуру.

Зайки — Зигмар Польке, 1966

Bunnies, 1966 Sigmar Polke
Зайки — Зигмар Польке

В «Bunnies» объект полотна — группа женщин, вызывающе одетых в стиле кроликов Плейбоя. Хотя издали женщины кажутся привлекательными, при ближайшем рассмотрении их черты лица распадаются на множество цветных кругов, которые выглядят более чудовищными, чем человеческие. Полька-дот стирает индивидуальную идентичность женщин, тем самым указывая на их объективацию, присущую таким образам.

Такие журналы, как Playboy, представляют женщин как физически привлекательные сексуальные объекты, соблазняя зрителя внимательно разглядывать фотографии высокой четкости.

Помещая свое большое изображение на стену галереи и привлекая зрителя к тщательному изучению женских тел в общественном пространстве музея, художник принуждает зрителя чувствовать себя некомфортно и заставляет его противостоять привычным способам рассматривания.

Стандартная станция — Эд Рушей, 1966

Standard Station, 1966 Ed Ruscha
Стандартная станция — Эд Рушей

Эта картина превращает банальный образ бензоколонки в символический символ американской потребительской культуры. Здесь, с помощью трафаретной печати, Рушей сглаживает перспективу в единую плоскость, чтобы создать образ, который вызывает эстетику коммерческой рекламы.

Мягкий туалет — Клас Олденбург, 1966

Soft Toilet, 1966 Claes Oldenburg
Мягкий туалет — Клас Олденбург

В 1961 году Клас Олденбург написал манифест, утверждающий его радикальную художественную позицию: «Я за искусство политико-эротико-мистическое, которое не сидит на заднице в музее, а делает что-то другое».

Мягкий туалет — работа, которая избегает обычных свойств арт-объекта, не стоит ни на чем — даже на пьедестале, как многие скульптуры, — а скорее висит на металлической подставке.

Он превратил туалет — фабричный, жесткий фарфоровый символ современной гигиены — в сшитый вручную податливый предмет из набитого винила. Вялый и обвисший, как стареющее человеческое тело, мягкий туалет наделен собственной индивидуальностью и чувством драмы.

Электрическое кресло — Энди Уорхол, 1965

Electric Chair, 1965 Andy Warhol
Электрическое кресло — Энди Уорхол

Эта картина, написанная серебряной краской — часть серии Энди Уорхола «Смерть и катастрофы», где он запечатлел все ужасы суицидов, аварий и массовых беспорядков.

Картину описывают как «примечательна своей визуальной трезвостью и эмоциональной сдержанностью», а пустота и тишина комнаты «представляют смерть как отсутствие и тишину».

Изображение основано на фото 13 января 1953 года, когда на таком стуле были казнены супруги Розенберг — за то, что передали СССР информацию об атомной бомбе во время второй мировой войны.

Интересно, что это единственная картина из серии, где нет человека.

Обед — Джордж Сигал, 1964-66

The Diner, 1964-66 George Segal
Обед — Джордж Сигал

Освещенные сверху люминесцентной лампой у реалистичного обеденного прилавка находятся две фигуры. Сцену создают знакомые предметы: кофейные чашки, сахар, диспенсеры для салфеток.

Объекты реальны, а белые монохромные фигуры — нет. Они застыли в движении, один сидит, а другая работает за прилавком.

Закусочные — квинтэссенция среднего класса Америки — появились в работах многих художников. Сигал воссоздал повседневную сцену в натуральную величину, момент выглядит таинственно, почти магически открыто. Это мог бы быть кто угодно, в любой забегаловке любой части страны.

Театральность произведения усиливается тем, что мы стоим с ним в одном пространстве.

210 бутылок Кока-колы — Энди Уорхол, 1962

210 Coca-Cola Bottles, 1962 Andy Warhol
210 бутылок Кока-колы — Энди Уорхол

На картине изображена икона американской потребительской культуры с характерным для Уорхола механическим стилем. Строгий порядок бутылок отражает сам производственный процесс, в то время как повторяемость отражает его повсеместность.

Эволюция направления, или нео-поп-арт

В 1980-е годы возродился интерес к творчеству Энди Уорхола и его современников. Уорхол умер в 1987 году, но задолго до этого он вдохновил новое поколение художников. Следует отметить, что нео-поп-арт (или новый поп-арт) на самом деле не новое движение в искусстве, а скорее эволюция старой версии. Этим термином было удобно классифицировать череду новых художников, которые сочетали в себе элементы поп-арта, авангарда, минимализма, концептуализма и инсталляции.

Иногда его еще называют «шок поп-артом» из-за его провокационности и противоречивости. Авторы не стеснялись использовать средства массовой информации для привлечения внимания и раскрутки своих работ.

Пост-поп — это переработанная версия поп-арта, адаптированная под новое время: с новыми знаменитостями, с изображением актуальных проблем. Он критикует западную культуру, как когда-то запад критиковал Америку; часто высмеивает публичных персон.

Прекрасные примеры этого стиля — скульптура Катарины Фрич 1993 года «Крысиный Король» и скульптура Джеффа Кунса 1988 года: «Майкл Джексон и Бабблз».

Одна из черт этого направления — игра на чувствах людей, депрессивность, пессимизм, попытка вызвать страх, тревогу. Это было отражением того времени, критикой всеобщих навязчивых идей.

Наряду со звездами, массово использовались образы животных, таких как мультяшные собаки Кита Харинга, надувные пластиковые кролики Джеффа Кунса, гигантские угрожающие крысы Катарины Фрич или мертвые акулы, коровы и овцы в формальдегида Дэмьена Херста.

Как стиль развивался в других странах

Был ли в СССР?

Считается, что в СССР поп-арта не было. Хотя некоторые картины с натяжкой причисляют к советскому поп-арту.

«В стране тотального дефицита и очередей поп-арта не может быть».

В 70-ые годы в СССР появилась некая разновидность жанра, основанная на политической агитации и социалистических идеях. Назывался такой вид искусства «соц-арт».

Одной из известных российских (уже после распада СССР в 1991 году) поп-арт картин считается граффити Врубеля «Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви».

Дмитрий Врубель — Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви, 1990
Mein Gott, hilf mir, diese tödliche Liebe zu überleben

Сейчас нео-поп-арт в России есть: на картинах, в архитектуре и дизайне.

Традиционно в российским поп-арт художника причисляют Александра Шабурова и Вячеслава Мизина; Дубоссарского и Виноградова, Алексея Каллима, Ростана Тавасиева, Диану Мачулину, Рошаль-Федорова Михаила.

В Китае

В Китае, как и в СССР, стиль получил иное развитие. Смесь западного поп-арта и китайского социалистического реализма получило название политический поп.

Оно возникло в Китае в 1980-х годах для того, чтобы создать вид искусства, которое ставило под сомнение политический и социальный климат быстро меняющегося Китая

Политический поп был отчасти реакцией на безудержную модернизацию страны, но также и способом примириться с культурной революцией.

Wang Guangyi Great Criticism – Coca Cola, 1994

С банальностью попа и полуироничным подходом к капитализму, в сочетании с пропагандистскими образами эпохи Мао, художники бросили вызов преобладающему отношению к искусству в Китае.

В Японии

Два самых известных японских художников.

Tadanori Yokoo (Ёкоо Таданори)

Takashi Murakami (Такаши Мураками) — хотя его относят и к пост-модерну.

Критика

«Это просто мусор, а не вид искусства», — говорят одни. «Он не заслуживает внимания, это чепуха», — говорят другие.

Владельцам музеев и выставок запрещали покупать произведения в этом жанре, считая это напрасной тратой денег.

Однако сейчас поп-арт картины одни из самых дорогих в мире. Так, полотно Энди Уорхола, написанная в 1962 году «Авария серебряной машины», в 2013 году была продана за 105,4 миллионов долларов, «Восемь Элвисов» за 100 млн; «Шедевр» Роя Лихтенштейна в 2017 году был продан за 165 миллионов долларов.

Поп-арт в XXI веке

Поп-арт в наше время можно встретить везде: в дизайне одежды (от массмаркета до высокой моды), полиграфии, эффектах и обработке фото, музыкальных обложках, дизайне интерьера, картинах.

Примеры современного в архитектуре

В моде

Если приглядеться, поп-арт печатают везде: на футболках, пижамах, платьях.

А вам нравится это направление? Считаете ли вы его искусством? Какие эмоции он вызывает? Расскажите об этом в комментариях!

Показать еще 31 картину

Источники

https://www.tate.org.uk/art/art-terms/p/pop-art/think-you-know-pop-art

https://www.moma.org/learn/moma_learning/themes/pop-art/

https://www.theartstory.org/movement/pop-art/

Художники - Pop Art

Энди Уорхол

Художник который действительно утвердил Поп Арт как вид искусства в глазах общественности. Ведь ни один другой художник не отождествляется с Поп артом так как он. СМИ называют его "принцем поп искусства". Уорхол родилсяв 1930 году в Питсбурге в семье словацким эмигрантов. Он окончил факультет коммерческого искусства в Питсбургском технологическом институте в 1949 году и отправился в Нью Йорк. Вскоре он стал одним из самых успешных коммерческих нью-йоркских художников иллюстраторов. Он работал иллюстратором для таких журналов как Vogue, Harper's Bazar, The New Yorker. В 1956 году его работы были впервые выставлены в Музее современного искусства. 1960 год был чрезвычайно творчески плодовит, Уорхол начал писать объекты массового производства, такие как банка супа Campbell's и портреты кинозвезд - Мерлин Монро, Жаклин Кенеди, Элвис Пресли. Сейчас эти картины являются частью иконографии 20 века. В начале 1970 года Уорхол опубликовал свою книгу - " Философия Энди Уорхола (от А до Б и обратно)". Энди Уорхол стал первым художником, признавшим творческий потенциал трафаретной печати, которая до этого использовалась только в промышленной упаковке. Это открытие позволило Уорхолу создать собственную студи в Нью Йорке по производству картин - " Фабрика", где и расцвело движение Поп Арт. Картины Энди Уорхола вдохновили многих художников, которые расширили границы Поп Арта и привнесли в него что-то новое.

                                                                                

Слайд-шоу Веб-альбомов Picasa


Рой Лихтенштейн

Художник, который расширил представление о Поп Арте и внес свой стиль, который основан на мультипликации. Рой родился в НьюЙорке в октябре 1923 года. Лихтенштейн начал рисовать в качестве хобби, он был фанатом джаза и часто рисовал портреты музыкантов. После школы он он стал слушателем в школе изобразительных искусств в Университете штата Огайо. В 1949 году прошла первая персональная выставка Роя Лихтенштейна в галерее Кливленда. С 1957 по 1960 год его работы можно классифицировать как абстрактный экспрессионизм, кубизм и футуризм. Его ранняя работа в стиле Поп Арт - картина долларбыла написана в 1956 году. Как же родился стиль Роя Лихтенштейна? В 1961 году Рой Лихтенштейн написал свою первую картину Микки ( Mickey Mouse) используя изображение одноменного мультфильма и методы коммерческой печати. Именно в это время он первым сделал использование таких устройств как точки, буквы и слова в воздушных шарах своей подписью в работах. В 1966 году работы Роя Лихтенштйна были показаны на Веницианском биеннале. В 1969 году в Музее Гуггенхайма была открыта ретроспективная выставка Роя Лихтенштейна. В 1970 году он был избран членом Американской Академии искусств. Рой Лихтенштейн был мастером стереотипа и самым сложным из известных исполнителей поп дизайна с точки зрения его визуального анализа конвенции и его иронической эксплуатации стилей прошлого. Картины Роя Лихтенштейна за которые он сейчас известен стали результатом его долгих поисков и ученичества.                                             

Слайд-шоу Веб-альбомов Picasa

            


 Ричард Гамильтон

Ричард Гамильтон родился в семье рабочего, вырос в районе Лондона, Помплико. После школы Ричард обнаружил у себя способности к рисунку и начал заниматься живописью на вечерних занятиях в школе искусств Сент-Мартин. Эти занятия привели Ричарда к вступлению в Королевскую академию. После двух лет обучения он начал выствляться в музее Современного искусства. В 60 годах Гамильтон подружился с Полом Маккартни, в результате чего он разработал дизайн обложки и плакат коллаж для белого альбома "Биттлз". В 70 годах Ричард Гамильтон пользуется международным признанием с рядом крупных выставок его работ. В 1992 году галерея Тейт в Лондоне организовала крупную ретроспективу с сопровождающим каталогом, которая обеспечила наиболее полный обзор его карьеры. В 1993 году Гамильтон представлял Великобританию на Венецианском биеннале и был удостоен Золотого льва. Его определение Поп Арт: " Поп Арт является популярным, переходным, длительным и недорогим массовым искусством. Это молодость, остроумие, сексуальность, гламур и большой бизнес, подчеркивающие свои повседневные и обычные значения. В его работах можно увидеть признаки политизации. На сегодняшний день он остается самым типичным художником поп арт искусства.

                                                        

Слайд-шоу Веб-альбомов Picasa

           


Алекс Кац

Алекс Кац родился 24 июля 1927 года в Нью-Йорке. С 1946-49 г. он учился во «Всемирной нью-йоркской школе искусств им. Купера», а затем, в 1949-50-х, в «Мейнской школе живописи и скульптуры Сковегана». В 1972 году он получил Гуггенгеймский грант в области живописи. Сейчас он живет и работает в Нью-Йорке. Кац является одним из самых значительных американских художников начиная с 50-х годов XX века. В течении своей карьеры, Кац создает замечательные импрессивные работы, образовывающие уникальный аспект современного реализма. С конца 50-х в творчестве Каца начинают преобладать портреты — главным образом его супруги Ады, сына Винсента, друзей-художников, поэтов, критиков и танцоров. Его портреты формируют новый и своеобразнейший тип реализма в американском искусстве, совмещая в себе элементы абстракции и изображения. Его работы характеризуются плоским рисунком, драматическими образками, громадными заголовками наподобие тех, что встречаются в фильмах, рекламе и уличных вывесках. Кац интересен не столько своей эмоциональной повестью, сколько собственным портретным почерком, в которым традиционный жанр принимает экспансивный и современный вид.

                                                   

Слайд-шоу Веб-альбомов Picasa

Популярное искусство поп-арт – LukasGallery

Популярный, временный, расходный, массовый, молодой, остроумный, сексуальный, причудливый, гламурный, коммерческий
the Pop Art Manifesto by Richard Hamilton

Искусство в стиле поп-арт в интерьере всегда смотрится выигрышно и стильно

 

Движение поп-арта началось в 1950-х годах и до сих пор остается популярным. Отвергая традиционные представления о красоте и высоком искусстве, стиль стал хулиганским направлением, вдохновляющим художников, в том числе Дэмиена Херста и Джеффа Кунса. До сих пор они остаются верны Манифесту поп-арта и продолжают превращать в искусство повседневное течение жизни.

Если вы хотите инвестировать в интерьер дома произведения в стиле поп-арт, предлагаем посмотреть на бестселлеры нашей галереи и познакомиться с советами по покупке произведений искусства.

Покупка поп-арта

Поп-арт — это веселый и смелый мейнстрим современной культуры. Объектом, предметом или сюжетом в поп-арт живописи становится то, что актуально здесь и сейчас. Поэтому на полотнах встречаются известные знаменитости или продукты массового потребления популярных рыночных брендов.

Энди Уорхол использовал Мэрилин Монро и суповые банки Кэмпбелл как вдохновение, которые были чрезвычайно успешными и раскрученными в 1960-х и 1970-х годах. Принципы и эстетика поп-арта все еще остаются в тренде и являются желанными арт-объектами для покупателей и коллекционеров современного искусства.

Энди Уорхол использовал Мэрилин Монро и суповые банки Кэмпбелл как вдохновение, которые были чрезвычайно успешными и раскрученными в 1960-х и 1970-х годах

 

Поп-арт обычно представлен в форме живописи, графики, скульптуры, дизайна. Поскольку это движение связано с настоящим, при создании работ художники экспериментируют с техниками и источниками информации.

 

Ведущие художники поп-арта

По мере того, как исторически развивался поп-арт, мы получили большое наследие произведений и громких имен.  Давайте вспомним ведущих художников направления и их творения.

 

 

Ричард Гамильтон, «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956) — одна из самых первых работ поп-арта

 

 

Чарльз Демут, «Я увидел цифру 5 в золоте» (I Saw the Figure 5 in Gold, 1928). Коллекция Метрополитен-музея, Нью-Йорк

 

Рой Лихтенштейн “Женская Голова” (1977)

 

Джефф Кунс “Собака из воздушных шаров”

 

Роман Бакулин стал самым продаваемым поп-арт художником LukasGallery на протяжении нескольких лет и продолжает развиваться, создавая новые художественные образы. Его картины захватывают современное общество, особенно изображения персон из мира спорта, музыки и науки. Использование ярких цветов привлекает внимание и выделяет картины художника на фоне иного искусства.

 

Роман Бакулин “Юрий Гагарин”

 

Роман Бакулин “Джоконда”

 

Таня Нканги – королева современного поп-арта, яркая последовательница Энди Уорхола и искусства коллажа. Студия Тани базируется в столице Швеции городе Стокгольм.  Вдохновением для нее стало объединение искусства и рекламы, которое при использовании коллажной техники превращается в яркие, смелые и стильные картины.

Tanja Nkangi “Chanel Noir”

 

Tanja Nkangi “Askungen”

 

Еще один художник, который воплощает в себе настроение и культуру поп-арта — это Mary Nayfex. Ее работы олицетворяют собирательные популярные образы, которые созданы в стиле культовых комиксов.

Mary Nayfex “Парная инсталляция”

Mary Nayfex “Мужчина с мозгами”

Интерьерная стилистика для произведений поп-арта

Поп-арт сильный и красочный стиль, обладающий магнетическим притяжением зрителя. Максимально эффектно произведения будут выглядеть в современных интерьерах, на белых или нейтральных стенах.

Но поп-арт хорошо работает не только с чистым и ультрасовременным дизайном.  Он впишется в модернистские, ретро или винтажные пространства. Смелым станет решение разместить произведение поп-арт в традиционные интерьеры.

Где повесить картины в стиле поп-арт

Здесь подходят правила размещения любого настенного искусства.  Но, если вы сделали покупку как инвестицию, и хотите, чтобы полотно осталось замеченным, серьезно подумайте над выгодной позицией фаворита коллекции.

Движение поп-арта предпочитает пренебрегать художественными условностями, смещая фокус на массовость, доступность и зрелищность. Найдите работе центральное положение в интерьере. Обычно это главная стена комнаты, пространство над камином, прихожая или место, где, по вашему мнению, люди точно остановятся, чтобы посмотреть на картину. Поп-арт создан как раз для того, чтобы выделяться и заявлять о себе.

В галерее LukasGallery представлен большой выбор поп-арт художников, которые используют среду искусства, чтобы сделать собственное заявление о политике потребления и массовой культуре. По оценке экспертов арт-рынка этот вид искусства станет еще более популярным.

История живописи: поп-арт

Рассматривая популярные стили  живописи, нельзя не упомянуть о таком известном явлении в искусстве, как поп-арт.

Это направление возникло в пятидесятые годы прошлого века, как некая реакция на работы экспрессионистов. Стиль поп-арт берет за основу образы продуктов потребления массовой культуры, подразумевая тонкий контекст. Это игра масштабности материалов; оригинальный  технический метод  исполнения на холсте,  прием своеобразного обнажения предмета, а так же выявление информационных помех.

Впервые, терминология  «поп-арт» упоминается в работах критика Лоуренса Эллоуэя в 1954 году. Он использовал данное название  наравне с понятием «поп-культура», чтобы подчеркнуть связь между направлением  искусства и процессами, происходящими в социуме. Через пару лет после публикации его заметок, стиль поп-арт, как наименование течения вошел в употребление широкой аудиторией.

Поп-арт конкретно в живописи родился  в 1955 году благодаря картинам британских художников Джо Тилсона, Питера Блека и Ричарда Смита. Но громкую славу приобрел лишь год спустя, когда мир увидел потрясающий коллаж под названием «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» художника Ричарда Хамилтона.

Ричард Хамилтон. Коллаж «Что делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?»

Новая образность, которую создавали СМИ и реклама не могла пройти мимо взглядов и острой восприимчивости  творческих людей. Из туманного Лондона стиль перекочевал в Штаты. Его последователями в Америке являются такие видные фигуры, как Роберт Раушенберг,  Джеймс Розенквист, Рой Лихтенштейн, Том Вессельман,  Джаспер Джонс и, конечно же, всеми любимый Энди Уорхол.

Эндри Уорхол. Мэрлин Монро

Рассматривая историю живописи и вспоминая сюжетную линию поп-арта в ней, нельзя не сказать об острой критике, которой поддавались работы вышеупомянутых художников. Одни  считали их труды абсурдным, ничем не отличающимся от банальной рекламы; другие назвали стиль примитивным и вульгарным; а третьи – находили в нем определенный смысл и восхищались тонкостью серьезного подтекста. Некоторые поэты и писатели, в частности, Стэнли Куниц (лауреат Пулитцеровской премии) отзывался о живописи поп-арта, как об откровенном выражении духа буржуазии.

Тем не менее, именно поп-арт в живописи смог отлично передать вкус и  настроение времени. Молодость, мимолетность, сексуальность, мечтательность и некоторая наивность в картинах отражает истинную американскую мечту, о которой в России будут говорить лишь несколько десятилетий спустя.

Художники поп-арта смогли создать шедевры, передать культы общества своего поколения, а так же дать толчок к развитию новых стилей. Именно поп-арт в живописи породил такие модные и популярные течения, как оп-арт  и кинетическое искусство.

Оп-арт. Виктор Вазарели. Гештальт III. 1969

Оп-арт, примером, продолжил тему иллюзорности предметов в восприятии мира. Эффекты слияния или пространственного перемещения, парения или падения в извивающихся линиях популярны и сегодня. Самым ярким представителем такого стиля считают Виктора Вазарелли.

Кинетическое искусство, в продолжение к теме о движении и восприятии социальных масс, подразумевает не только простые физические изменения, но и серьезные процессы в жизни; любые ее формы, возникшие  в результате каких-либо действий. 

Важно так же отметить, что поп-арт в наши дни перекочевал в мир дизайна и моды. Он не утратил свою актуальность и сегодня, когда в обществе возникли новые культы и «свежие» идолы.

Вы имеете возможность посетить мастер-класс от Ольги Базановой и ближе познакомиться с техниками поп-арта, а так же самостоятельно написать картину в этом стиле на наших занятиях.

Картины в стиле поп-арт: принципы стиля, тематика картин

В каталоге живописи Русской антикварной галереи можно купить поп – арт портрет. Это направление в искусстве и дизайне появилось в Англии в 60-е годы прошлого века и очень скоро стало популярным в США, других странах мира. Основоположником и активным популяризатором поп — арт стиля является художник Энди Уорхол.

Арт стиль гармонично вписался в так называемую «культуру потребления». Этот термин возник в США и характеризовал массовую культуру того времени. Критики неоднозначно отнеслись к появлению нового направления в искусстве. Противники поп — арта сравнивали его с фастфудом, подчеркивая стремление авторов сделать ставку на образы массовой культуры. Но, как показало время, именно это помогло pop-art завоевать расположение целевой аудитории. Среди поклонников стиля — люди разных возрастов и социальных групп. Достаточно купить картинки поп — арт, чтобы проникнуться особой эстетикой этого незаурядного направления!

Основные принципы стиля

Поп — арт был создан в противовес классическим направлениям в искусстве и абстракционизму. Принято считать, что академическое искусство, в отличие от массовой культуры, — это нечто возвышенное, сложное для понимания, далекое от обычной жизни. Недосягаемость придавала ему налет элитарности, доступной не всем.

Сторонники нового стиля, который в переводе означает «естественное искусство», взяли за основу обычные бытовые предметы. В противовес консервативной классике и абстрактной живописи эти вещи были простыми и понятными каждому человеку. Можно ли возвести в ранг произведения искусства баночку «Кока-колы», гамбургер, банан, писсуар или велосипедное колесо? В классической живописи, которая является частью «высокой» культуры, это вряд ли возможно. Но для бунтарского духа pop-art, бросающего вызов шаблонам, не существует никаких запретов! Любой предмет окружающего нас мира достоин стать объектом внимания художника и быть запечатленным в живописной выразительной манере!

Стремление купить поп — арт портрет обусловлено его особой экспрессией и удивительным колоритом. Художники, работающие в данном стиле, используют яркие, практически кислотные оттенки. Для рисунков характерно обилие деталей и интересных мелочей. Мастер изменяет масштабы и пропорции предметов, использует дублирование, создает необычные коллажи.

Многие специалисты проводят параллель между pop-art и дадаизмом. Арт стиль появился в 20 годы прошлого века во Франции. Новое течение отрицало ценности традиционного искусства и высмеивало его серьезность. Эта черта присуща и поп — арту, который стирает границы между «высокой» и «низкой» культурой, приближает искусство к реальной жизни.

Тематика композиций

К

Как уже было сказано, сторонники поп — арт не приемлют никаких запретов в выборе художественного объекта. Вы можете купить картины поп — арт портрет, с изображением еды и напитков, цветов, животных, техники, персонажей фильмов, комиксов и анимации.

Среди самых известных полотен в стиле pop-art – знаменитый «Диптих Мэрилин» художника Энди Уорхола. Работа посвящена знаменитой актрисе Мэрилин Монро. Рисунок выполнен на холсте и состоит из 50 одинаковых изображений портрета актрисы. В качестве образца художник использовал рекламное фото знаменитой блондинки. Половина изображений ярко окрашена, а вторая половина выполнена в черно-белом цвете и размыта. По мнение автора, такой подход отображает неоднозначный жизненный путь актрисы, которая переживала многочисленные взлеты и падения.

Желающим купить картинки поп — арт сложно обойти вниманием знаменитые «Сто банок с супом «Кэмпбелл». Это полотно Энди Уорхола является иконой стиля. В качестве художественного объекта автор выбрал популярный среди потребителей товар, который легко узнаваем и понятен.

Другом и соратником Энди Уорхола был нью-йоркский художник Рой Лихтенштейн. Он творил в стиле поп-арт и является автором картин «Электрический шнур», «Торпеда… Огонь!», «Спящая девушка». Эти полотна в разное время были проданы на аукционах «Кристис» и «Сотбис» за десятки миллионов долларов. В последний раз картина Лихтенштейна под названием «Медсестра» выставлялась на аукционе в 2015 году. Работа была продана более чем за 95 миллионов долларов.

Кроме Уорхола, известным представителем pop-art является Дэвид Хокни. Он известен своей работой под названием «Большой всплеск». На полотне площадью более шести квадратных метров изображен всплеск воды в бассейне. Прототипом для картины стала фотография, которую художник увидел в рекламном буклете. По словам автора, ему захотелось запечатлеть на холсте событие, которое длится всего пару секунд.

Ярким представителем американского поп-арта является Джаспер Джонс. На его картинах мы видим флаги, вывески, буквы и цифры. Работы этого художника хранятся в музеях и частных коллекциях.

Картины поп-арт в интерьере

Благодаря буйству красок рисунки в стиле pop-art популярны среди молодых людей, предпочитающих строгой академичности динамику и экспрессию. Можно купить картины поп-арт для украшения интерьера жилого помещения, заведения отдыха, общественного учреждения с непринужденной атмосферой. Такие полотна становятся ярким акцентом, являясь воплощением эстетики гламурного декорирования. Рисунки гармонично сочетаются с необычной авторской мебелью и предметами декора. Кислотные и неоновые оттенки добавят яркости любой обстановке!

Купить картины поп-арт мы рекомендуем тем, кто ищет необычный запоминающийся подарок. Тематика рисунка может быть абсолютно любой! В каталоге каждый найдет то изображение, которое перекликается с интересами и увлечениями получателя презента. На сайте Русской антикварной галереи представлены десятки полотен современных художников, работающих в стиле pop-art.

Купить картину в стиле поп-арт

Поп-Арт

Поп-арт

Термин - "Pop-Art" обозначил в 1955 году, Lawrence Alloway, чтобы описать новую форму "Популярного" Искусства - это движение пропагандирует образы потребления "маркетинга", популярной культуры масс и тиражирования.
    Поп-арт формировался в Нью-Йорке и Лондоне в середине 1950-х.г. и стал доминирующим направлением авангарда, вплоть до конца 1960-х.г.. Поп-арт выражается  смелыми, простыми, повседневными образами, с использованием яркой бескомпромиссной "афишной" палитрой цвета, стиранием граней между коммерческими проектами и изобразительным искусством, (среда, окружение также важно, как сообщение вложенное в предмет искусства) вплоть до Дада. Существенной особенностью традиционного изобразительного искусства была оценка самой работы - будь-то живопись, скульптура, гравюра, резьба. Без "произведений искусства" ничего не было. Все внимание сконцентрировало качество готового продукта, и навыки, необходимые для ее производства. Dada восстали против этого, отмечая в первую очередь "Идею в искусстве", а не саму форму, отделяя сосуд от наполнения. Многие творцы поп-арта продолжают эту традицию концептуального искусства . Они уделяют большее внимание наполнению работы, и меньшее значение технике воплощения. Используют низкопробные материалы (вырезки с глянцевых журналов, бытовой мусор и прочее). Этот акцент на концепции работы был истолкован как попытка развенчания авторитетов в мире искусства, что было отчасти верно: некоторые художники поп-арта переняли кредо дадаистов, анти-искусства и анти-эстетическое. Тем не менее, основной Поп был более позитивным и более заинтересованными в создании новых форм выражения, используя новые методы и новые живописные образы. Активно используются плакатные техники. Источниками вдохновения  становится кино, телевидения, комиксы, глянцевые журналы. На практике это воплощалось в "поп иконографии" - в рекламе, дизайне упаковки потребительских товаров использовались фотографии кино-звезд, поп-звезд и других знаменитостей, фрагменты и приемы из комиксов. Для большинства людей в конце 1950-х и начале 1960-х годов, поездки в художественном музее были утомительными, требовали трактовки неясных "абстрактных" образов и картин, большинство из которых не были ни понятны, ни интересным им. Как правило, самые известные и признанные работы абстракционистов не могут быть оценены простым "рассматриванием" их работы, требует тщательного изучения, комментариев музейного путеводителя. Поп-арт сыграл важную роль в открытии мира живописи и скульптуры для обычных людей, которые, возможно, в первый раз в своей жизни в музее и при этом могут мгновенно распознать и оценить выставку перед ними. Работы могли не нравиться, но они были гораздо понятнее - образы, которые содержали работы, они могли проассоциировать и связать со своей повседневной жизнью. В этом смысле поп-арт сделал музеи и галереи более актуальными для широкой общественности.

Истоки и влияния
Поп-арт, как и почти все значительные стили искусства, был частично реакцией протеста против статус-кво. В 1950-х годах в Америке основным стилем был абстрактный экспрессионизм, беспредметная живопись, создавая "информационно-образный" вакуум. Требовалось новое, более понятное, образное, доступное, массовое: зрители могли найти общий язык с творцом без "посредников" искусствоведов. Таким образом, формировалось направление поп-арта. В некотором смысле, появление поп-арта подорвало господство абстрактного экспрессионизма. И если сюрреализм по сути интернационален, то  поп-арт направлялся  внешними силами потребителя (языковой, культурный барьер), производя сильное визуальное воздействие на общественность. Художник, который, возможно, оказал влияние на поп-арт, является Эдвард Хоппер (1882-1967) -  художник-реалист урбанистической Америки. Его живописный стиль очень отличается от большинства поп-арт работ, простые изображения ультра-американских бытовых сцен (например, "Night Hawks", 1942 и "Gas", 1940) были хорошо известны поп-поколению.

Ведущие художники направления "Pop-Art"
Американское направление:
Роберт Раушенберг (1925-2008),

Джаспер Джонс (1930),

Рой Лихтенштейн (1923-1997)

Энди Уорхол (1928-1987),

Джим Дайн (1935),

Роберт Индиана (он же Джон Кларк) (1928),

Рэй Джонсон (1927-1995),

Алекс Кац (1927),

Клас Ольденбург (1929),

Эдвард Руша (1937),

Джеймс Розенквист (1933),

Том Вессельман (1931).

Британское направление:
сэр Питер Блейк (1932),

Патрик Колфилд (1936-2006),

Ричард Хэмилтон (1922-2011),

Дэвид Хокни (1937),


Британский поп-арт зарождался внутри Independent Group - неофициального круга художников, состоящего из художника Ричарда Хэмилтона, куратора и арт-критика Lawrence Alloway, скульптора Eduardo Paolozzi, которые собирались в Институте современного искусства в Лондоне. Первая встреча произошла в 1952 году, - Eduardo Paolozzi представил ряд коллажей, собранных из журнальных вырезок и других "найденных объектов", в том числе его (теперь) знаменитый коллаж под названием "I was a Rich Man's Plaything" (создан в 1947). Их обсуждения, в основном, концентрировалась вокруг художественной ценности и актуальности популярной массовой культуры.

Четыре года спустя, в 1956 году, другой член группы, Ричард Хэмилтон, создал свой собственный коллаж, - "Just what is it that makes today's homes so appealing?" - который, наряду с коллажем  Paolozzi, рассматривается как один из самых ранних примеров британского поп-арта. В 1961 году прошла выставка молодых современников, - представлены работы Derek Boshier, David Hockney, Allen Jones, RB Kitaj and Peter Phillips. В 1962 году большую гласность получил британский поп-арт, "BBC" экранизировало "Pop Goes the Easel", фильм Кена Рассела, в котором рассматривались новые стили и течения в Англии.
Между тем, в Америке, в середине 1950-х годов в мир искусства потрясли творения (Neo-Dada, Funk Art, Lettrism, Beat Art, Polymaterialism, Common-Object), в которые  были включении статьи "массовой культуры". Они хотели, чтобы их искусство было гораздо более широким, чем традиционные стили (например, абстрактный экспрессионизм), в своих работах использовали легко узнаваемые предметы и образы, отвечающие массовой культуре того времени.
Среди этого всплеска инноваций работы Роберта Раушенберга, Рея Джонсона (1927-95) и Джаспера Джонса начали оказывать влияние на сцену Нью-йоркского искусства. Johns, картина Флаги, скульптурные объекты, такие как пивные банки, Раушенберг с его коллажами, "combine paintings" (сочетание  окрашенного холста с различными объектами или фотографическими изображениями), такие, как "Monogram", содержащие чучела животных, бутылки  Coca-Cola.

Вливание нового течения мышления усиливалось интересом к "действительности современной Америки" и возрождением интереса к более ранним авангардным движениям: дадаизм и сюрреализм. Фактически присутствовали несколько экс-дадаистов и сюрреалистов, таких как Марсель Дюшан, Макс Эрнст, Джозеф Корнелл. К началу 1960-х годов поп-арт начал набирать известность благодаря персональным выставкам в таких местах как Нью-Йорк и Лос-Анджелес. Использовался коммерческий "типографский" метод эстамп (например, трафаретная печать) - это позволяло выйти в рамки тиража, отрицая традиционные живописные методики. Новые таланты: Джим Дайн, Роберт Индиана, Алекс Кац, Рой Лихтенштейн, Клас Ольденбург, Джеймс Розенквист, Том Вессельман и Энди Уорхолл. Несколько работ позднее стали иконами "поп-арта", выставленные здесь впервые: шелкография Уорхола, отпечатки Мэрилин Монро, банки супа Кэмпбелл, Ольденбургский монументальный гамбургер из винила и мороженое.

До конца 1962 или в начале 1963 года, эти художники по-прежнему именовались критиками как "новые реалисты". Только в дальнейшем был применен термин "поп-арт" в качестве технического названия для движения, отчасти из-за критики и дискомфорта связанным со словом "реалист".
С 1963 года поп-арт завоевал всю Америку, уже помогая продвигаться Британским поп-творцам. Росту движения способствовал параллельный всплеск в других областях культуры, экономики, технического прогресса. Росту мировой экономики в целом и американской в частности способствовала техника вещания (телевидение), миниатюризация радио, музыка (которая сама по себе стала известна как "Поп") звукозаписывающие студии, появления культовых групп, таких как "The Beatles", явление "pychedeli" и, наконец, расширение рынка искусства, его глобализация.

Критика поп-арта
Поп-арт часто презирают критики за его низкопробное качество (тиражность). Например, Гарольд Розенберг, один из самых влиятельных критиков в области современного искусства, описал его как " шутка без юмора, рассказанная снова и снова, это не начинает звучать как угроза ... Реклама искусства, которое рекламирует себя как искусство, которое ненавидит рекламу ". В ответ на это можно спросить: С кем должно работать искусство, если как не с обществом? В конце концов, даже в 1960-х годах, если смотреть телевизор, с его безжалостным шквалом рекламных роликов или проехать по улицам города, покрытого рекламными щитами, или читать глянцевые журналы, наполненные снимками звезд и скандалов. Почему искусство должно быть иным? Так отвечают сторонники поп-арта.
Более того, поп-арт был и остается одним из самых популярных стилей искусства, которым удалось достучаться до широкой публики. Коллекционеры оценили поп-арт. Например, картина "False Start " (1959) Джаспера Джонса продана в 2006 году за $ 80 млн. Работа "Green Car Crash" (1963) (синтетический полимер, шелкография краски, акрил, лен) Энди Уорхола продана на Christie в Нью-Йорке, в 2007 году, 71,7 млн. долл. Во время рецессии 2009 года, неизвестный покупатель приобрел работу Энди Уорхола шелкография "Eight Elvises" (1964) за колоссальные $ 100 млн (£ 60.5m), что делает его пятым самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным. По-моему, не плохо для работы низкопробного искусства.

Нео-поп
В 1980-х произошло возрождение интереса к поп-арт - явление, известное как нео-поп (или "Шок поп-арт"). Это было не новое движение искусства, а скорее возрождение на основе популярной культуры - на этот раз, полученной с 1980-х. Хотя в первоначальном движении поп-арт был полностью авангарден, нео-поп-арт, скорее является повторением. Кроме того, нео-поп исполнители черпают вдохновение из минимализма, концептуального искусства, этнические приемы и находки старых авторов, фотореализм, Performance Art и многое другое. Во всяком случае, нео-поп есть лишь более экстремальная версия Уорхола, Ольденбурга и Раушенберга.
Карим Рашид - один из самых известных современных дизайнеров США, профессор Университета Искусств в Филадельфии. Его работы оказывают влияние на развитие мирового дизайна. Он не только практик индустриального дизайна, но и автор книг, статей, лекций.

 

КЛАССИКИ ПОП-АРТА | DOM & podium

20 июля в Гранатном Дворе открывается выставка лучших произведений классиков современного поп-арта Энди Уорхола, Тома Вессельмана, Роя Лихтенштейнн, Алекса Каца и Патрика Нагеля.

20 июля – 20 августа 2018
Культурно-выставочный центр Гранатный двор, Спиридоновка, 3-5

Поп–арт – последний «большой стиль» в современной истории искусства. Экспозиция наиболее востребованных в мире современных художников Энди Уорхола, Тома Вессельмана, Роя Лихтенштейнн, Алекса Каца и Патрика Нагеля будет представлена в стенах исторического здания XVII века, ныне культурно-выставочного центра Гранатный Двор, расположенного на Патриарших прудах.
Знаменитая работа Энди Уорхола – портрет Мэрилин Монро – представлена на выставке в четырех цветах, лимитированный тираж, литография. Художник, скульптор, дизайнер, режиссер, продюсер, писатель, коллекционер Энди Уорхол является одной из самых известных и противоречивых фигур в искусстве второй половины ХХ столетия. Его работы стали олицетворением триумфа и коммерческого успеха американского поп-арта, а имя само по себе превратилось в торговую марку.
Тиражирование однообразных образов – бесконечных рядов кока-колы, банок супа Campbell’s, карандашных долларовых банкнот, портретов Мерилин Монро, Лиз Тейлор, Элвиса Пресли позволило Уорхолу организовать на своей Фабрике (как называл художник мастерскую) настоящее «производство» современного искусства.


Том Вессельман – это к нему, в полной мере, относятся слова «остроумный, молодой, сексуальный». Это время сексуальной революции в Америке и Европе и Вессельман, как никто, передает эту безудержное ликование молодости и неограниченной свободы. На выставке представлены две работы автора Bedroom Blond и Eros.
Работы Вессельмана входят в собрания самых известных музеев современного искусства мира – Whitney Музея в Нью-Йорке, Художественной Галереи Нового Южного Уэльса, Сиднейского музея современного искусства и других. Любимыми жанрами художника являются ню и натюрморты; в ранних работах Вессельмана – вызывающих коллажах, ассембляжах и инсталляциях широко используются изображения готовых вещей, повседневных товаров, взятых из рекламных каталогов, часто объединяемые им с изображением женского тела. Мировую известность ему принесла серия «Большие американские обнаженные» (1961 г.), имитирующая стилистику афиш.


Патрик Нагель, автор который не вписывается ни в одно точное определение стиля. Одни считают его художником арт-деко, другие относят его к поп-арту. Все, по-своему правы. Художник, ставший известным, благодаря своему многолетнему сотрудничеству с журналом Плейбой. Любимый художник Хью Хефнера. Репродукции его работ весели в каждом баре, значит поп-арт? Прекрасный рисовальщик, с невероятным чувством цвета и линии. Все работы проникнуты тонким эротизмом, но никогда не переходящими в пошлость.
Рой Лихтенштейн был мастером стереотипа и самым сложным из известных исполнителей поп дизайна с точки зрения его визуального анализа конвенции и его иронической эксплуатации стилей прошлого. Картины Роя Лихтенштейна за которые он сейчас известен стали результатом его долгих поисков и ученичества. Алекс Кац. Американский художник, известный своими большими масштабами, упрощенными образами семьи и друзей. Кац был сыном русских иммигрантов, родился в 1927 году и вырос в Нью-Йорке. Алекс Кац учился в школе искусств Союза Купера в Нью-Йорке и в училище живописи и скульптуры Скоуниган в штате Мэн


Алекс Кац — американский художник и скульптор, продолжающий фигуративные традиции поп-арта. Прославился больше, чем в натуральную величину портретами. Алекса Каца отличает его способность отразить в искусстве своих близких – жену Аду и сына Винсента. Жена Алекса, Ада, сыграла важную роль в творческой жизни мужа. Работы Каца представлены в музеях США, Германии, Австрии, Швейцарии, Англии. Родился 24 июля 1927 года в Бруклине.
Алекс Кац — один из самых дорогих современных художников. Аукционный рекорд на его произведения составляет $666 тыс. — столько заплатил частный американский коллекционер за «Голубой зонтик № 2» 1972 года (торги на Christie» s, ноябрь 2001).
Культурно-выставочный центр Гранатный Двор открыл свои двери для посетителей в начале 2017 года. За первые полгода своей деятельности были представлены громкие проекты в области культуры искусства – выставки фотографий, живописи, арт-перфомансы, концерты и спектакли.

💥35 + Самые известные исполнители поп-арта и их лучшие работы

Поп-арт - это художественное движение с середины 1950-х до 1960-х годов в Соединенном Королевстве и Соединенных Штатах . Художники поп-арта создавали произведения, вдохновленные реалиями повседневной жизни и культурой pop ular. Основные темы поп-арта включают иронию и сатиру, юмор, оптимизм, достаток, материализм , досуг и потребление послевоенного общества.

Известные художники поп-арта, такие как Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн и Ричард Гамильтон, подвергли сомнению элитарную культуру и традиции изобразительного искусства.Вместо этого они использовали образы и методы, почерпнутые из средств массовой информации и массовой культуры.

Это всего лишь список самых известных художников поп-арта и немного информации об их самых известных работах.

Если вы действительно серьезно относитесь к искусству в целом и, в частности, к поп-арту, существует множество литературы по этой теме. Поп-арт: критическая история , изданная Калифорнийским университетом, вероятно, одна из лучших книг по этой теме. Если вы купите эту книгу, я действительно получу очень небольшую комиссию, но вы также получите самую выгодную цену за эту книгу.

Плюс, New York Times назвала эту книгу «незаменимым компендиумом» для поп-арта, так что я думаю, можно с уверенностью предположить, что это просто необходимо, если вы действительно увлекаетесь поп-артом.

Дизайн, выполненный с использованием шрифта MockoFun Pop Art

Итак, движение Pop art началось в середине 1950-х годов в Великобритании группой художников, скульпторов, писателей и критиков под названием Independent Group .

Независимая группа (Институт современного искусства)

  • Ричард Гамильтон
  • Эдуардо Паолоцци
  • Питер Блейк
  • Джон Макхейл
  • Лоуренс Аллоуэй
  • Питер Рейнер Бэнхэм
  • Джон Ричард Смит

Вся группа независимых участвовала в групповой выставке 1956 года в галерее Уайтчепел, This is Tomorrow , представив то, что они назвали «Новым Эдемом».«Новый рай был послевоенной Америкой с ее богатой культурой потребления, где казалось возможным все, от космических путешествий до легкодоступного секса.

Молодые современники (Королевский колледж искусств)

  • RB Kitaj
  • Peter Philips
  • Billy Apple (Barrie Bates)
  • Derek Boshier
  • Patrick Canfield
  • David Hockney
  • Allen Jones
  • Norman Toynton

Движение поп-арта вскоре распространилось на Соединенные Штаты .Большая часть корней движения возникла в результате культурной революции, возглавляемой активистами, мыслителями и художниками, которые стремились реструктурировать социальный порядок, управляемый конформизмом.

  • Рой Лихтенштейн
  • Энди Уорхол
  • Роберт Индиана
  • Джордж Брехт
  • Марисол (Эскобар)
  • Том Вессельманн
  • Марджори Страйдер

    0 Клапан Д'443 Олканджело

    0
  • Джордж Сигал
  • Джеймс Розенквист
  • Розалин Дрекслер
  • Билли Аль-Бенгстон
  • Эдвард Кинхольц
  • Уоллес Берман
  • Джон Уэсли
  • Джесс Коллинз
  • Ричард Петтибон
  • Мелодша Уэйн
  • Эдвард Русен
  • Joe GoodeVon Dutch Holland
  • Jim Eller
  • Anthony Berlant
  • Victor Debreuil
  • Phillip Hefferton
  • Robert O'Dowd
  • James Gill
  • Robert Kuntz

После того, как движение ворвалось в США , он быстро распространился Росси по всему миру и продолжает влиять на изобразительное искусство и популярную культуру сегодня.

  • Яёи Кусама
  • Такаши Мураками
  • Йошитомо Нара
  • Таданори Йоку
  • Марио Скифано
  • Тано Феста
  • Ренато Мамборсета Мамбор Франато Мамбор
  • Марио Сеоли
  • Энрико Бай
  • Чезаре Такки

Движение Поп-арт бросило вызов традициям изобразительного искусства, включив в него образы популярной и массовой культуры, такие как реклама, комиксы и массовые предметы культуры.

Одна из его целей - использовать в искусстве образы популярной (в отличие от элитарной) культуры, подчеркивая банальные или китчевые элементы любой культуры, чаще всего с помощью иронии. Это лишь некоторые из фактов о поп-арте, которые вам нужно знать, чтобы лучше понять это направление в искусстве.

Ниже приведены некоторые из определяющих характеристик поп-арта:

  • Узнаваемые образы : Художники поп-арта использовали изображения и значки из популярных медиа и товаров. Эти графические изображения включают фотографий знаменитостей , частей тела, повседневных предметов, таких как банок для супа ( банок для супа Кэмпбелла от Энди Уорхола), бутылок с водой, маркировки продуктов, мобильных телефонов, сигарет, мебели, дорожных знаков и других предметов, популярных в коммерческий мир.
  • Яркие цвета: Для поп-арта характерны яркие, яркие и насыщенные цвета. Используя эти яркие цвета и смелые очертания, произведения поп-арта мгновенно привлекают внимание аудитории.
  • Ирония и сатира: Это были некоторые из основных компонентов поп-арта. Художники поп-арта используют юмор и иронию, чтобы заявить о текущих событиях.
  • Инновационные методы: Чтобы быстро воспроизводить изображения в больших количествах, многие художники поп-арта использовали процессы гравюры. Энди Уорхол использовал процесс шелкографии (краска переносится на бумагу или холст через сетку с трафаретом). Рой Лихтенштейн использовал технику литографии (печать с камня или металлической пластины с гладкой поверхностью).
  • Смешанная техника и коллаж: Художники поп-арта часто комбинируют разные материалы и используют различные типы медиа. Некоторые из поп-художников, которые использовали коллаж в своих работах, - это Роберт Раушенберг, Ричард Гамильтон, и Питер Блейк.Они объединили разрозненные изображения, газетные принты и вырезки из бумаги на одном холсте, чтобы создать новое целое. Для создания коллажей в стиле поп-арт были добавлены даже названия брендов и логотипы.

Среди известных произведений поп-арта: «Банки супа Кэмпбелла» (1962) Энди Уорхола, Whaam! (1963) Роя Лихтенштейна, Мэрилин Диптих (1962) Энди Уорхола, Я был игрушкой для богатых (1947) Эдуардо Паолоцци, Флаг (1955) Джаспера Джонса, Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными (1956) Ричард Гамильтон.

Чтобы увидеть больше примеров поп-арта, прочтите каждый раздел, посвященный лучшим художникам поп-арта со всего мира.

История поп-арта началась с первых художников, которые сформировали движение поп-арта. Среди этих первых художников поп-арта были Эдуардо Паолоцци и Ричард Гамильтон в Великобритании, а также Ларри Риверс, Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс в Соединенных Штатах.

В американском искусстве среди известных представителей Pop Art были Роберт Раушенберг (1925–2008), Джаспер Джонс (р.1930), Рой Лихтенштейн (1923–97) и Энди Уорхол (1928–87).

Среди лучших британских художников поп-арта были сэр Питер Блейк (род. 1932), Патрик Колфилд (1936–2005), Ричард Гамильтон (р. 1922), Дэвид Хокни (р. 1937) и Аллен Джонс (р. 1937).

Веб-сайт Энди Уорхола 🚀

Представляя поп-арт, необходимо обязательно процитировать Энди Уорхола как, вероятно, наиболее влиятельного и полного представителя этой культуры и движения. Обладая характерным и очень личным стилем, Уорхол, как никто другой, озвучил звездную систему .Его субъекты были возведены в роли икон современного поп-арт-сообщества, а его студия, также известная как Factory, стала ульем, где многие другие влиятельные личности реализовали свой язык.

Энди Уорхол Мэрилин Диптих , 1962

Для этой картины использовалась шелкография. Работа содержит 50 изображений Мэрилин Монро, половина из которых окрашены в цвет, а другая половина - в черно-белые. Работа была завершена через несколько недель после смерти актрисы.

Веб-сайт Роя Лихтенштейна 🚀

Роя Фокса Лихтенштейна также можно рассматривать как одного из отцов современного движения поп-арт, стиль которого находился под влиянием высших уровней художественного выражения прошлого века, таких как пуантилизм, кубизм и т. Д. экспрессионизм. В его работах мы можем увидеть, как воображаемое, принадлежавшее рекламе и комиксам, переносится в другой масштаб и используется для создания значков, тесно связанных с массой.

Роя Лихтенштейна Whaam! , 1963

Роя Лихтенштейна Whaam! - это большая картина на двух холстах, напоминающая полосу комиксов о взрыве ракеты в небе.Лихтенштейн был заинтересован в изображении крайне напряженных ситуаций в этой особенно отстраненной, расчетливой манере.

Веб-сайт Кейта Харинга 🚀

Уличный художник, сначала стиль Кита Харинга тесно связан с его детством и теми простыми карикатурными фигурками, которые его отец делал для него. Как он сказал: «Мой отец делал для меня героев мультфильмов, и они были очень похожи на то, как я начал рисовать - с одной линией и контуром мультфильма». Его художественный отпечаток позже проявился в Питтсбурге, а затем освоен, когда он поехал в Нью-Йорк и встретил Жана-Мишеля Баския, с которым он стал близким другом.

Кейт Харинг « Сияющий младенец» , 1982

Кит Харинг, серия картин. Музей Альбертина, Вена

В Нью-Йорке 1980-х Кейт Харинг превратил метро в свою студию. Мелом он нанес свой фирменный рисунок на стены. Одним из них был его сияющий младенец , который для него был одним из самых чистых и положительных человеческих опытов. На протяжении многих лет он стал повторяющейся визуальной идиомой Харинга и теперь считается визитной карточкой художника.

Сайт Ричарда Гамильтона 🚀

Родившийся в 1922 году в Пимлико, Лондон, Гамильтон был частью очень сильного британского поколения художников поп-арта. Его коллаж «Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?» (1956), гарантировал ему попадание в категорию известных художников поп-арта и считается некоторыми критиками первым произведением поп-арта, когда-либо созданным.

Ричарда Гамильтона Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? , 1956

Коллаж Ричарда Гамильтона представляет собой пространство гостиной, наполненное объектами и идеями, которые, по словам Гамильтона, теснились в послевоенном сознании.Внимание зрителя привлекает фигура культуриста, держащего гигантский леденец с нацарапанным на нем словом «ПОП». Неудивительно, что этот коллаж часто называют первым образцом поп-арта.

Веб-сайт Роберта Индианы 🚀

Роберт Индиана, крупная фигура в американском искусстве с 1960-х годов, сыграл центральную роль в развитии искусства сборки, живописи с резкими краями и поп-арта. Индиана, самопровозглашенный «американский художник знаков», создал весьма оригинальную коллекцию работ, исследующих американскую идентичность, личную историю, а также силу абстракции и языка.

1966 год стал поворотным в карьере Индианы с созданием его первой скульптуры LOVE, ставшей иконой искусства 20 века. Монументальные образцы были установлены и выставлены по всему миру.

ЛЮБОВЬ Роберта Индианы, 1967.

Роберт Эрл Кларк родился в Ньюкасле, штат Индиана. Роберт Индиана получил название своего штата в 1958 году во время пребывания в Нью-Йорке на Coenties Slip. Революционный образ Индианы LOVE стал одним из самых известных образов, связанных с движением поп-арта.Изображение было выбрано Музеем современного искусства для своей ежегодной рождественской открытки и быстро проникло в более широкую популярную культуру.

Eduardo Paolozzi Website 🚀

Eduardo Paolozzi родился 7 марта 1924 года в городе Лейт на севере Эдинбурга, Шотландия, и был старшим сыном итальянских иммигрантов.

Паолоцци учился в Эдинбургском художественном колледже в 1943 году, непродолжительное время в Художественной школе Святого Мартина в 1944 году, а затем в Школе изящных искусств Слейда при Университетском колледже Лондона с 1944 по 1947 год, после чего работал в Париже.Находясь в Париже с 1947 по 1949 год, Паолоцци познакомился с Альберто Джакометти, Жаном Арпом, Константином Бранкузи, Жоржем Браком и Фернаном Леже.

Паолоцци привлек внимание общественности в 1950-х годах, создав ряд ярких трафаретов и скульптур Art brut. Он был основателем Independent Group в 1952 году, которая считается предшественницей британского поп-арта середины 1950-х и американского поп-арта конца 1950-х годов.

Паолоцци «Я был игрушкой для богатых» (1947) считается первым носителем поп-арта и первым, в котором появилось слово «поп».

Другие примечательные работы: мозаичные стены станции метро Tottenham Court Road, обложка альбома Пола Маккартни Red Rose Speedway , потолочные панели и оконные гобелены в Cleish Castle, скульптура Piscator за пределами Euston Station, London Relief алюминиевые двери для Хантерской галереи Университета Глазго, бронзовая скульптура Ньютон после Блейка , 1995, на площади Британской библиотеки и т. д.

Веб-сайт Роберта Раушенберга 🚀

Роберт Раушенберг был американским фотографом и художником, который был очень близок к поп-арту, но никогда не зацикливался на движении.Его также часто называли неодадаистом, и он разделял этот ярлык с Джаспером Джонсом. Его работа стала очень своеобразной в 1960-х, когда он начал вводить найденные изображения в свои картины, используя шелкографию, чтобы перенести их на холст; процесс, который приблизил его к работе Энди Уорхола.

Роберт Раушенберг, Estate (1963), холст, масло, шелкография.

Веб-сайт Джаспера Джонса 🚀

Родился в Южной Каролине, в Аллендейле, Джаспер Джонс переехал в Нью-Йорк в 1949 году, когда решил проучиться несколько семестров в школе дизайна Парсона.Но ему не потребовалось много времени, чтобы выйти на арт-сцену с некоторыми работами, которые выявили неотредактированную связь между реальными изображениями и нарисованными изображениями. Из-за его близости к бытовым потребительским символам его можно определить как художника поп-арта, что мы видим по его работе «Три флага» (1958).

Джаспер Джонс, Три флага (1958), холст, масло. Музей американского искусства Уитни

Веб-сайт Джима Дайна 🚀

Еще один невероятно известный художник современного поп-арта - Джим Дайн , один из самых активных художников поп-арта Америки, за плечами у которого 60 лет карьеры и очень много выступлений на международной арене. важные ярмарки, такие как DOCUMENTA Kassel и Венецианская биеннале.Так же, как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, он был частью нового дадаистского движения, а также сценаристом, фотографом и скульптором.

Джим Дайн, Признак его бледного цвета, нежности (2015)

Веб-сайт Рэя Джонсона 🚀

Раймонд Эдвард «Рэй» Джонсон был американским художником. Известный прежде всего как коллажист и художник-корреспондент, он был выдающейся фигурой в истории нео-дада и раннего поп-арта и был назван «самым известным неизвестным художником Нью-Йорка». Джонсон также организовывал и принимал участие в ранних мероприятиях по искусству перформанса как основатель обширной сети мэйл-арта - Нью-Йоркской заочной школы, которая набрала обороты в 1960-х годах и действует до сих пор.Иногда он связан с членами движения Fluxus, но никогда не был его членом. Он жил в Нью-Йорке с 1949 по 1968 год, когда он переехал в небольшой городок на Лонг-Айленде и оставался там до своего самоубийства.

Рэй Джонсон, История видеоарта (1960)

Веб-сайт Алекса Каца 🚀

Невероятный художник. Одна из тех личностей, которых сложно обозначить и категоризировать. Алекс Кац , который все еще жив и рисует в возрасте 92 лет, разработал стиль, в котором мы можем найти связь как с абстрактным экспрессионизмом, так и с поп-артом.Несмотря на свою известность, он не переставал создавать свежие и влиятельные картины, которые сегодня можно увидеть на самых престижных выставках и в музеях.

Алекс Кац, Black Hat

Клас Ольденбург Веб-сайт 🚀

Клас Ольденбург - американский скульптор, наиболее известный своими инсталляциями в стиле паблик-арт, в которых обычно представлены большие копии повседневных предметов. Еще одна тема в его творчестве - мягкие скульптурные версии повседневных предметов. Многие из его работ были созданы в сотрудничестве с его женой Кусье ван Брюгген, которая умерла в 2009 году; они были женаты 32 года.Ольденбург живет и работает в Нью-Йорке.

Спунбридж и вишня , скульптура Класа Ольденбурга и Кусье ван Брюггена, 1985–88; в Саду скульптур Миннеаполиса Центра искусств Уокера, Миннеаполис, Миннесота.

Эдвард Руша Веб-сайт 🚀

Эдвард Руша - американский художник в стиле поп-арт, чьей средой была фотография, и на него больше всего повлияли Джаспер Джонс, Марсель Дюшан и Эдвард Хоппер. Его карьера привела его к сотрудничеству со многими различными реальностями, но вершиной его творчества является участие во всемирно известной выставке «Новая картина общих предметов» в 1962 году, в которой участвовали Уорхол, Лихтенштейн и другие известные художники поп-арта.

Эдвард Руша, товарный знак № 7, (20th Century Fox), 1962 год

Веб-сайт Джеймса Розенквиста 🚀

Еще одним чрезвычайно важным и известным художником поп-арта, без сомнения, является Джеймс Розенквист , которого можно рассматривать, как и Уорхол и Лихтенштейн, как одни из самых сильных и влиятельных художников современного поп-арта. Его работа глубоко погружается в кинематографию и рекламу и создает фрагментированный образ этих линий и их значков.

Джеймс Розенквист, избранный президент, 1960–61 / 1964, холст, масло.Центр Помпиду, Париж

Сайт Тома Вессельмана 🚀

Очень близок к исследованиям Джима Дайна, Том Вессельманн придал сильный поэтический поворот темам, которые в основном использовались другими известными художниками поп-арта. В его работах реалистичные объекты сочетаются с сюрреалистическими, мечтательными и иллюзионистскими пространствами, сделанными с использованием сильных хроматических поверхностей.

Том Вессельманн, «Синица в спальне» (1968–1970). Любезно предоставлено галереей Almine Rech.

Веб-сайт сэра Питера Блейка №

Сэр Питер Томас Блейк - английский поп-исполнитель, наиболее известный своим соавтором дизайна обложки альбома Sgt.Группа Pepper’s Lonely Hearts Club и для двух альбомов Who’s. Среди других его самых известных работ - кавер сингла Band Aid «Do They Know It’s Christmas?» И афиша концерта Live Aid. Блейк также разработал статуэтку британской премии 2012 года.

Один из самых известных британских поп-исполнителей, Блейк считается заметной фигурой в движении поп-арт. Центральное место в его картинах занимает его интерес к изображениям из популярной культуры, которые вошли в его коллажи. В 2002 году он был посвящен в рыцари Букингемского дворца за заслуги перед искусством.

Питер Блейк, Источники поп-арта 7

Веб-сайт Мэла Рамоса 🚀

Мелвин Джон Рамос был американским фигуративным художником, чаще всего специализирующимся на картинах обнаженных женщин, чьи работы включают в себя элементы реалистического и абстрактного искусства. Он родился в Сакраменто, Калифорния, в семье португальско-азорских иммигрантов в первом поколении. Он приобрел популярность как часть движения поп-арта 1960-х годов. Рамос «наиболее известен своими картинами супергероев и пышных обнаженных женщин, появляющихся из стеблей кукурузы или бананов Chiquita, выскакивающих из фантиков от конфет или разваливающихся в бокалах для мартини».

Рамос изначально начинал с абстрактного экспрессионизма, но отказался от него, взяв на себя задачу изображать американских супергероев, таких как Супермен и Бэтмен. Это ознаменовало его дебют на пути к тому, чтобы стать одной из важных фигур движения поп-арт.

Мел Рамос, Банана Чикита (1969), полихромная эмаль

Как известно, Мела Рамоса можно рассматривать как одного из последних художников поп-арта, хотя ирония, которую можно найти в его работах, считается дистанцировать его от этого движения.Его символы и сюжеты на самом деле отличаются по значению от тех, которые аналогичным образом приняты другими известными художниками поп-арта, что делает его работы более тонкими.

Патрик Джозеф Колфилд был английским художником и гравером, известным своими смелыми полотнами, которые часто включали элементы фотореализма в урезанную сцену. Примеры его работ - керамика и ингредиенты для натюрморта.

Веб-сайт Патрика Колфилда 🚀

Патрик Колфилд, Pottery

Веб-сайт Дэвида Хокни 🚀

Оставаясь в панораме британских художников поп-арта, мы легко можем встретить работы Дэвида Хокни.Художник, рисовальщик, гравер, сценограф и фотограф, Хокни, вероятно, самый влиятельный среди британских художников поп-арта, а также самый ценный из ныне живущих художников после продажи его картины «Двойной портрет» за 90 миллионов долларов на Christie’s. Его стиль живописи сочетает образную идею с популярной цветовой палитрой, создавая чрезвычайно выразительные декорации, которые остаются легко узнаваемыми.

Дэвид Хокни, Портрет художника (бассейн с двумя фигурами), 1972 год

Веб-сайт Марджори Страйдер 🚀

Марджори Вирджиния Страйдер (26 января 1931 - 27 августа 2014) была американским художником, скульптором и перформансом Наиболее известна своими трехмерными картинами и инсталляциями мягкой скульптуры для конкретных мест.

Страйдер изучал искусство в Художественном институте Канзас-Сити, прежде чем переехать в Нью-Йорк в начале 1960-х годов. Трехмерные картины Страйдера с пляжными девушками с «выстроенными» изгибами были заметно представлены в «Международном девичьем шоу» в Pace Gallery 1964 года наряду с другими вдохновленными «пин-ап» поп-артами Розалин Дрекслер, Роя Лихтенштейна, Энди Уорхола и Тома. Вессельманн.

Марджори Ездового 1963 Девушка с редькой

Ее комически порнографический Женщина с редькой была сделана в баннер для шоу, один из первых успешных выставок тогдашнего новой галереи.Ее смелые образные работы этой эпохи были направлены на то, чтобы ниспровергнуть сексистские образы женщин в массовой культуре, превратив объективированные женские тела в угрожающие формы, которые буквально попали «вам в лицо».

Веб-сайт Аллена Джонса 🚀

Аллен Джонс - британский поп-художник, наиболее известный своими картинами, скульптурами и литографией. На Парижской биеннале 1963 года он был награжден премией «Prix des Jeunes Artistes». Он старший академик Королевской академии художеств.

В 2017 году он вернулся в свой родной город, чтобы получить награду почетного доктора искусств Саутгемптонского университета Солент.

Джонс преподавал в Hochschule für bildende Künste Hamburg, Университете Южной Флориды, Калифорнийском университете, Школе изящных искусств Banff Center в Канаде и Берлинском университете искусств.

Его работы находятся в нескольких коллекциях; включая Тейт, Музей Людвига, Центр искусств Уорика и Музей Хиршхорна.

Стол и стул с манекенами «фетиш» из стекловолокна, 1970

Веб-сайт Джорджа Кондо 🚀 & Works

Джордж Кондо - современный американский художник-визуалист.Он занимается живописью, рисунком, скульптурой и гравюрой, а также живет и работает в Нью-Йорке.

Как только что было сказано, « Factory » Уорхола была местом, где многие другие интересные поп-художники выработали свой подход к живописи и символам современного поп-арта. Так было и с Джорджем Кондо, очень уважаемым художником, который использовал поп-нарратив для создания собственного стиля, который позже был обозначен как искусственный реализм . Картины Кондо дают потрясающую интерпретацию того, как реализм ощущается и переживается в киберсообществе, и все еще доминируют на сцене современного искусства в наши дни, в чем мы можем убедиться сами, посетив одни из самых влиятельных художественных ярмарок и музеев.

Джордж Кондо, Треснувший кардинал (2001), холст, масло

Веб-сайт Розалин Дрекслер 🚀

Розалин Дрекслер (родилась 25 ноября 1926 года) - американская художница, писательница, драматург, удостоенный премии Оби и обладатель премии Эмми. Сценарист-победитель, бывший профессиональный рестлер. Несмотря на то, что у нее была эрудитическая карьера, Дрекслер, пожалуй, наиболее известна своими картинами в стиле поп-арт и как автор новеллизации фильма «Рокки» под псевдонимом Джулия Сорел.В настоящее время Дрекслер живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк.

К 1961 году Дрекслер начала менять свои работы с ассамбляжа на поп-арт. Она просматривала старые журналы, плакаты и газеты в поисках изображений для своих картин. Ее самоучка заключалась в том, чтобы взорвать изображения из журналов и газет, собрать их на холст, а затем закрасить их яркими, насыщенными цветами.

Дрекслер подписала контракт с Kornblee Gallery, где в 1964–1966 годах проводила персональные выставки.В январе 1964 года ее работы были включены в «Первую международную выставку девушек» в галерее Pace, Нью-Йорк. Она и Марджори Страйдер были единственными женщинами-поп-артистами, включенными в эту выставку, в которой также участвовали Уорхол, Лихтенштейн и Том Вессельманн. Дрекслер выставлял коллажи, вырезанные и наклеенные из журналов для девочек. Кого-то эта работа возмутила, но в основном ее картины были хорошо приняты.

Защитники, 1963, Художественный музей Колби-колледжа, Уотервилл, Мэн

Картины Дрекслера продолжали пользоваться положительными отзывами и выставлялись на крупных выставках поп-арта на протяжении 1960-х годов.Она не достигла уровня признания многих своих сверстников-мужчин; Основные темы ее картин - насилие над женщинами, расизм, социальное отчуждение - были спорными темами в жанре, известном своей «крутой» и отстраненной.

Веб-сайт Джеймса Гилла 🚀

Джеймс Фрэнсис Гилл - американский художник и один из главных героев движения поп-арт. В 1962 году Музей современного искусства включил его Триптих Мэрилин в свою постоянную коллекцию. На пике карьеры Гилл ушел на пенсию. Он вернулся на художественную сцену примерно через 30 лет.

В качестве доказательства важности и повторяемости сюжетов в большинстве работ известных художников поп-арта мы можем взглянуть на постановку Джеймса Фрэнсиса Гилла; американский художник, получивший известность с тех пор, как его «Триптих Мэрилин» был включен в коллекцию MOMA в 1962 году. Его впечатляющая карьера достигла пика, когда он решил уйти на пенсию в 1972 году из-за своего недоверия к социальной и политической ситуации. Но его изгнание было прервано примерно через 30 лет, когда он решил вернуться на сцену искусства с выставкой в ​​Музее изящных искусств Сан-Анджело.

Джеймс Фрэнсис Гилл, Три лица Мэрилин (2014), холст, акрил. Galerie Urs Reichlin

Марисоль (Эскобар) Веб-сайт 🚀

Марисоль Эскобар , иначе известная просто как Марисоль, была французским скульптором венесуэльского происхождения, работавшим в Нью-Йорке.

В следующем десятилетии 1960-х на Марисоль начали оказывать влияние такие поп-исполнители, как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн. Она снялась в двух фильмах Уорхола: «Поцелуй» и «13 самых красивых девушек».

Одна из ее самых известных работ этого периода - «Партия», групповая инсталляция фигур в натуральную величину из Художественного музея Толедо. Ее предрасположенность к формам поп-арта частично проистекает из ее самого раннего художественного образования, восходящего к временам ее правления Говарда Уоршоу в Институте искусств Джепсона.

Автор Альберт Боймс отмечает глубокое влияние, которое Искусство комиксов оказало на поп-артистов, в том числе и на саму Марисоль. Он пишет, что комиксы и комиксы, а также мультфильмы были особенно привлекательны для целого поколения художников, родившихся около 1930 года, включая Класа Ольденбурга, Мэла Рамоса, Энди Уорхола, Тома Вессельмана, Джеймса Розенквиста и, конечно же, Роя Лихтенштейна. , самый старый из этой группы.

Марисоль, «Женщины и собака» (1963–64), на выставке «Америка трудно увидеть» в музее Уитни.

Веб-сайт Джеффа Кунса 🚀

Джеффри Л. Кунс - американский художник, известный своими работа, посвященная массовой культуре, и его скульптуры, изображающие предметы повседневного обихода, в том числе животных-воздушных шаров, - сделанные из нержавеющей стали с зеркальной поверхностью. Он живет и работает как в Нью-Йорке, так и в своем родном городе Йорк, штат Пенсильвания. Его работы были проданы за солидные суммы, включая как минимум две рекордные аукционные цены за работу живого художника, в том числе 91 доллар.1 миллион с комиссией в мае 2019 года за своего Кролика, купленного Робертом Э. Мнучиным, согласно статье New York Times.

Говоря о массовом потреблении и коллективной культовой эстетике, мы не можем забыть о Джеффе Кунсе. Его китчевые и красочные скульптуры уникальным образом соприкасаются с полным позитивным обществом, для которого они были созданы, делая его неопопские формы близкими родственниками культового поп-арта Энди Уорхола не только из-за их красочности, но и из-за их монументальности и монументальности. влиятельная власть.

Джефф Кунс, Попай (2009–2011), нержавеющая сталь с зеркальной полировкой и прозрачным цветным покрытием. Галерея Соннабенд, Нью-Йорк

Веб-сайт Бэнкси №

Бэнкси - анонимный уличный художник из Англии, политический активист и кинорежиссер, работающий с 1990-х годов. Его сатирическое уличное искусство и подрывные эпиграммы сочетают в себе мрачный юмор с граффити, выполненными в оригинальной технике трафарета. Его произведения, содержащие политические и социальные комментарии, украшали улицы, стены и мосты по всему миру.Творчество Бэнкси выросло из бристольского андеграунда, который предполагал сотрудничество художников и музыкантов. Бэнкси говорит, что его вдохновил 3D, художник граффити и один из основателей музыкальной группы Massive Attack.

Бэнкси, Девушка с воздушным шаром (2006)

Анонимный уличный художник «Бэнкси», вероятно, самый известный художник поп-арта в наши дни. Его известность во всем мире обусловлена ​​его публичным вмешательством и провокационным подходом, из-за которого его часто называли преступником и разыскивал Интерпол.Его стиль основан на сильном уличном искусстве, а его среда - это в основном распыленная краска - трафарет, в то время как его символы в основном связаны с совпадающей политической ситуацией и медиатической целью; как всемирно известный случай «Растрепанная картина».

Stik Website 🚀

Stik - британский граффити-художник из Лондона. Он известен рисованием больших фигурок из палочек. Его работа была продана на аукционе за 150 000 фунтов стерлингов.

Сегодня, гуляя по Лондону, мы встречаем серию чрезвычайно выразительных, но упрощенных фигур, нарисованных на стенах улиц.Это работы британского художника-граффити Стика, художника, который приезжал из кварталов в лучшие галереи мира и видел, как его работы выставлены на аукционе Christie’s за внушительную сумму в 150 000 фунтов стерлингов. Его стиль уникален по цвету и форме и показывает очень современное происхождение от лучших современных художников поп-арта.

Граффити Стика на ставне магазина в Шордич, Лондон.

Веб-сайт Дэмиена Херста 🚀

Дэмиен Стивен Херст - английский художник, предприниматель и коллекционер произведений искусства.Он один из молодых британских художников (YBA), доминировавших на арт-сцене Великобритании в 1990-е годы. Сообщается, что он самый богатый из ныне живущих художников Соединенного Королевства, его состояние оценивается в 215 миллионов фунтов стерлингов в списке богатых людей Sunday Times за 2010 год.

Смерть - центральная тема в творчестве Херста. Он прославился серией работ, в которых мертвые животные (в том числе акула, овца и корова) сохраняются - иногда после вскрытия - в формальдегиде. Самым известным из них была книга «Физическая невозможность смерти в сознании живущего», 14-футовый (4.3 м) тигровая акула, погруженная в формальдегид в прозрачной витрине. Он также создал «вращающиеся рисунки», созданные на вращающейся круговой поверхности, и «точечные рисунки», которые представляют собой ряды произвольно окрашенных кругов, созданных его помощниками.

Дэмиен Херст, Череп с часами в глазах (2008), холст, бытовой глянец.
Damien Hirst and Science Ltd.

Переходя к европейскому пейзажу, важно понять, насколько великими были британские художники поп-арта за последние несколько десятилетий.Одним из этих титанов, безусловно, является Дэмиен Херст, чья карьера в концептуальном искусстве и путь, пройденный коллективом YBA, не лишили его времени также поговорить с массой. Его работы часто перенимали эстетику поп-арта и использовали ее для создания символов немедленного потребления, таких как его всемирно известные картины в виде черепа и вращающиеся картины .

Yayoi Kusama Website 🚀

Yayoi Kusama - современный японский художник, который работает в основном в области скульптуры и инсталляции, но также активно занимается живописью, перформансом, кино, модой, поэзией, художественной литературой и другими видами искусства.Ее работы основаны на концептуальном искусстве и демонстрируют некоторые атрибуты феминизма, минимализма, сюрреализма, Art Brut, поп-арта и абстрактного экспрессионизма, а также наполнены автобиографическим, психологическим и сексуальным содержанием. Она была признана одним из самых важных ныне живущих художников Японии.

Яёи Кусама, художница со своей работой «Щупальца» (2012–2015)

Яйой Кусама переезжает в Нью-Йорк из другого фона, например, из чрезвычайно формального метода рисования под названием « нихонга ». Город в 1958 году, в возрасте 29 лет.Ее привлекла мощная и яркая сцена американского поп-арта, и она идеально вписалась в нее своими перформансами и картинами Infinity Net . С тех пор, как она вернулась в Японию как известный художник поп-арта, она реализовала свои исследования бесконечности с помощью своих универсальных скульптур, которые создают обстановку усиленной реальности.

Сайт Такаши Мураками №

Такаши Мураками - современный японский художник. Он работает в средствах массовой информации изобразительного искусства (таких как живопись и скульптура), а также в коммерческих средствах массовой информации (таких как мода, товары и анимация) и известен тем, что стирает грань между высоким и низким искусством.Он ввел термин «суперплоскость», который описывает как эстетические характеристики японской художественной традиции, так и характер послевоенной японской культуры и общества, а также используется для художественного стиля Мураками и других японских художников, на которых он оказал влияние.

Такеши Мураками, Мистер Дуб и Банни, цифровое искусство (2019)

В то время как самых известных художников поп-арта часто считают американцами, в последнее время Япония также была признана родиной некоторых великих современных поп-артов. художников, таких как Такеши Мураками, который считался наиболее влиятельной фигурой современной японской культуры.Живописец и скульптор, Мураками создал произведения искусства, вдохновленные иконографией его страны, которые оказали огромное влияние на современную сцену.

Nara Yoshimoto Website 🚀

Yoshitomo Nara - японский художник. Он живет и работает в Насусиобара, префектура Тотиги, хотя его работы выставлялись по всему миру. С 1984 года у Нары было около 40 персональных выставок. Его работы размещены в MoMA и Музее современного искусства в Лос-Анджелесе (MOCA). Его самый известный и часто повторяемый объект - молодая девушка с проницательными глазами.

Нара Ёсимото, «Нож за спиной» (2000), холст, масло

Его работа представляет собой несколько простых фигур, которые часто выглядят безобидно, как дети или домашние животные, с мультяшными чертами лица, но которые при определенном внимании проявляют враждебность. такие предметы, как оружие, которые держат эти «милые» субъекты, и очень резкие выражения лиц, которые наполняют наблюдателя чувствами ненависти.

Mimmo Rotella Website 🚀

Доменико «Mimmo» Rotella был итальянским художником, который считался важной фигурой в послевоенном европейском искусстве.Наиболее известен своими работами в области декора и психогеографии, сделанными из разорванных рекламных плакатов. Он был связан с ультра-леттристами, ответвлением леттризма, а позже был членом «Реалистического модерна», основанного в 1960 году искусствоведом Пьером Рестани.

Mimmo Rotella, Semper lei Marilyn (2002), декор на холсте

Доменико Ротелла, также известный как Mimmo Rotella, был невероятно активным художником второй половины 20-го века, близким как к модному реализму, так и к поп-арту движения.Этот невероятно тонкий художник в стиле поп-арт использовал технику серидеколлажа, чтобы создать серию сорванных картин с плакатов и сборок потрясающей выразительной силы и эстетической изысканности.

Веб-сайт Харитон Пушвагнер 🚀

Терье Брофос, имя художника Харитон Пушвагнер , был норвежским графиком и художником, который много лет пытался найти свой личный стиль, прежде чем прославиться своими яркими повествовательными и карикатурными изображениями, частично полученными его привязанность к Акселю Дженсену.

Харитон Пушвагнер, Re Traversa (Мягкий город) (1969), печать на бумаге

Веб-сайт Уэйна Тибо 🚀

Уэйн Тибо - американский художник, известный своими красочными работами, изображающими обычные предметы - пироги, помады, банки с красками и т. Д. рожки для мороженого, пирожные и хот-доги, а также для его пейзажей и фигурных картин. Тибо связан с движением поп-арта из-за его интереса к объектам массовой культуры, хотя его ранние работы, выполненные в пятидесятые и шестидесятые годы, немного предшествуют работам классических поп-художников.Тибо использует тяжелый пигмент и преувеличенные цвета для изображения своих предметов, а четко определенные тени, характерные для рекламы, почти всегда присутствуют в его работах.

Десертный поднос, 1963, холст, масло

Уэйн Тибо - широко признанный художник поп-арта. Его работы действительно соответствуют высочайшим стандартам живописи благодаря качеству цвета и техники. В своем исследовании он изучает предметы повседневного обихода, которые, по его мнению, художники оставили особняком, возможно, потому, что они выглядели отталкивающе, например, сладости, такие как леденцы, которые, возможно, рассматривались как поверхностные предметы.Хотя его часто называют известным художником поп-арта, иногда говорят, что он отличается от поп-культуры из-за другой техники рисования, которую он перенял.

Веб-сайт Питера Макса 🚀

Питер Макс (урожденный Питер Макс Финкельштейн) - немецко-американский художник, известный тем, что использует яркие цвета в своих работах. Работы Макса связаны с изобразительным искусством и культурой 1960-х годов, особенно с психоделическим искусством и поп-артом.

Почтовая марка США с изображением Макса, посвященного выставке 74

Питер Макс, Мэрилин, из ретроспективы «Собрание сочинений 1960–2017»

Работы Питера Макса узнаваемы по галлюцинационному эффекту, создаваемому его цветами.Его сюжеты связаны с арт-сценой 1960-х годов и реализованы с помощью особого и расчетливого подхода художника к пространству.

Никлас Кастелло Веб-сайт 🚀

Никлас Кастелло (настоящее имя Норберт Зербс) - немецкий современный художник, вдохновленный поп-артом, неоэкспрессионизмом и уличным искусством. Он хорошо известен своими скульптурами, такими как «Поцелуй», но также занимается живописью.

Никлас Кастелло, Поцелуй (блестящий красный) (2013–2015). Предоставлено Гаем Хепнером

Никлас Кастелло , безусловно, очень талантливый художник нашего поколения.Он прославился благодаря таким работам, как «Поцелуй», в которых мы можем найти нео-поп-вариации на темы других известных художников поп-арта, а также некоторые влияния неоэкспрессионизма и стрит-арта.

Это направление в искусстве дало нам столько талантливых художников поп-арта, каждый со своим неповторимым стилем. Типы поп-арта и техники варьируются от скрупулезно буквальных картин до шелкографии, коллажей и трехмерных произведений искусства.

«Поп-культура - это не глубина. Речь идет о маркетинге, спросе и предложении, консьюмеризме.«- Тревор Данн

Если вам нравится стиль поп-арт, вот несколько полезных ресурсов, которые помогут вам создать идеальный дизайн в стиле поп-арт. Также не забывайте, что Интернет - огромный источник идей поп-арта.

Если вам нравится поп-арт, вы можете легко создать цифровой эффект в стиле поп-арт с помощью Photoshop или другого программного обеспечения для графического дизайна, такого как MockoFun .

Ознакомьтесь с этим уроком в стиле поп-арт в Photoshop, чтобы узнать, как добиться эффекта Уорхола в Photoshop .Вы можете превратить свою фотографию в плакат в стиле поп-арт.

Если вы не хотите выполнять все эти шаги вручную, вы можете попробовать эти быстрые и простые в использовании Экшены Photoshop :

Если у вас нет Photoshop, но вы хотите превратить свою фотографию в поп-арт, установите флажок из этого поп-арт портрета от Etsy.

Вам не нужно программное обеспечение для графического дизайна, такое как Photoshop . Вы просто отправляете фотографию и получаете обратно изображение в стиле поп-арт.

«Поп-музыка - это общение на всех языках.Образы и иконография мы узнаем сразу. Когда ты можешь полагаться на то, что уже известно публике, ты имеешь дело с Попом ". - Nuno Roque

10 известных художников поп-арта, которых вы должны знать

Как бы вы определили, что такое поп-арт, и что он представляет для вас? Международный феномен Pop Art возник в середине 1950-х - начале 1960-х годов. Примерно шесть десятилетий спустя влияние и след художников поп-арта можно увидеть почти во всех аспектах нашего современного общества.Поп-арт, которого некоторые считают прямым потомком дадаизма, с точки зрения того, как он издевался над устоявшимся миром искусства, присваивая изображения с улиц, супермаркетов, средств массовой информации и представляя это как искусство само по себе, поп-арт сосредоточен на массовом производстве, знаменитостях и расширяющихся отраслях рекламы, телевидения, радио и печатных СМИ. В конечном итоге сформировал совершенно новую культурную идентичность в области искусства и дизайна. Движение в искусстве было направлено на то, чтобы поднять массовую культуру на уровень изящного искусства, стирая тем самым границы между высоким и низким искусствами.С одним из ключевых принципов, что не существует иерархии культуры и что искусство должно иметь возможность заимствовать из любого источника, поп-арт бросил вызов традициям изобразительного искусства, поставил под сомнение установленные рамки творчества и представил совершенно новый мир эстетики. Итак, давайте взглянем на десять самых известных художников поп-арта, чьи работы сформировали, развили, повлияли и сформировали красочный и яркий мир поп-арта. Своими картинами, скульптурами и изображениями эти художники поп-арта оставили значительный след в мире искусства и покорили воображение грядущих поколений, переопределяя наш визуальный взгляд на популярную культуру вокруг нас.


Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн - Революция в современном искусстве

Одно из первых имен в поп-арте, получившее широкую известность, Рой Лихтенштейн быстро стал ведущей фигурой этого движения. Его работа была в основном вдохновлена ​​комиксами , и хотя она часто встречалась с негативной критикой банальности и отсутствия оригинальности, она определяла основную предпосылку поп-арта через пародию. Эффектные культовые изображения Лихтенштейна произвели революцию в поп-арте и современном искусстве.Устранив себя от доминирующего абстрактного экспрессионизма, сосредоточенного на трагических темах душ художников, Рой черпал вдохновение в окружающей культуре, а не в исследовании индивидуальных чувств художника. Он создал значительный объем работ из массово воспроизводимых изображений, которые вызвали бесконечные споры по поводу понятий оригинальности, потребительства и исследовали тонкую грань между искусством и развлечением. Это был как раз один из основных принципов поп-арта, основанный на исследовании всех форм коммуникации и сообщений через коды или язык.

Смотрите другие работы Роя Лихтенштейна на нашей торговой площадке!


Кейт Харинг

Кейт Харинг - вневременной визуальный язык

Один из самых широко известных визуальных языков 20-го века возник прямо из поп-арта, за его создание отвечал Кейт Харинг. Когда вы видите его работу, в ней нет ошибок, вы сразу понимаете, харинг это или нет, не нужно сомневаться. Его знаковые персонажи и фирменный стиль до сих пор очень популярны в современном обществе.Харинг был еще одной ведущей фигурой в усилиях по разрушению барьеров между высоким и низким искусством и созданию искусства для всех. Стремясь сделать свое искусство еще более доступным для людей, он открыл розничный магазин под названием Pop Shop, где продавал плакаты, футболки и другие доступные изображения в стиле поп-арт с его фирменным дизайном. Несмотря на то, что его жизнь внезапно оборвалась из-за осложнений, связанных со СПИДом, Харинг оставил после себя весьма плодотворную карьеру новаторского художника, чьи работы десятилетия спустя находят отклик в современной культуре.


Роберт Раушенберг

Роберт Раушенберг - Захват визуального шума в рамках иронической аллегории

Радикальное смешение материалов и методов вывело Роберта Раушенберга на передний план нескольких направлений в искусстве, включая поп-арт. Будучи одним из первых новаторов шелкографии, Раушенберг воспользовался преимуществами новых коммерческих процессов печати того времени, перенося фотографии и изображения на холст. Многократная воспроизводимость изображений, которая до этого момента использовалась только в коммерческих приложениях, стала инновационным инструментом в творческих руках Роберта Раушенберга.Объединив масляную живопись с фотографической шелкографией, он отразил наш опыт СМИ , уловив визуальный шум в рамках иронической аллегории. Наряду с Джаспером Джонсом Раушенберг заложил основы моста между абстрактным экспрессионизмом и тем, что впоследствии стало американским поп-артом.

Не забудьте проверить доступные работы Роберта Раушенберга на нашей торговой площадке!


Ричард Гамильтон

Ричард Гамильтон - Игривый и смелый, делая все, что ему казалось

Мы переходим к еще одному известному исполнителю поп-арта.Вдохновленный пошлостью и повседневностью, игривый и влиятельный Ричард Гамильтон был назван отцом движения поп-арта . По некоторым данным, Гамильтон даже был автором самого термина, заявив, что он впервые использовал Pop Art в письме архитекторам Элисон и Питеру Смитсону относительно одной из выставок. В любом случае, Гамильтон, безусловно, остается одним из первых и самых влиятельных художников этого движения. Его коллаж 1956 года под названием Что именно делает современные дома такими разными, такими привлекательными? представлял собой жилое пространство, загроможденное множеством предметов желания, таких как пылесос, телевизор, консервная банка, магнитофон, мускулы для бодибилдинга и т. Д.Хотя каталог этого потребителя демонстрировал определенный уровень игривости, он также отражал подчеркнутый уровень ужасного беспокойства того возраста. Фаллические леденцы, всплывающие тостеры, переработанные изображения из популярных американских журналов ... это лишь некоторые из символов, которые Гамильтон смело использовал в своих новаторских произведениях искусства и которые лучше всего описывают его карьеру и, возможно, даже весь принцип создания искусства в мире. В общем, оставим вам одну из цитат Ричарда Гамильтона:

Люди, кажется, не понимают, что художник может делать все, что хочет, и мне всегда нравилась такая возможность.Я делаю все, что хочу.


Энди Уорхол

Энди Уорхол - Новаторский маяк поп-арта

Конечно, не может быть обсуждения поп-арта без включения одного из самых плодовитых и популярных художников своего времени, Энди Уорхола. Суперзвезда поп-арта, Уорхол прославился на весь мир своими уже легендарными банками для супа Кэмпбелла и золотом Мэрилин Монро (). Среди многих новаторских вещей, которые связаны с этим плодовитым художником поп-арта, он также был одним из первых художников, когда-либо выставлявших видео в качестве произведения искусства.В наши дни это может показаться обычным и нормальным, но в 1960-х годах, когда движение поп-арта процветало, его считали почти революционным. Обычно окруженный знаменитостями, Энди Уорхол был заметной фигурой в ночной жизни Нью-Йорка. Знаменитая фраза, которую использовали многие в то время, гласила, что вы знали, что были на хорошей вечеринке в Нью-Йорке, если бы Уорхол появился. Поскольку поп-арт сыграл важную роль в разделении между высокими и низкими формами искусства, работы Уорхола послужили новаторским маяком в этом развитии, и в конечном итоге его карьера повлияла на бесчисленное количество других художников и остается важным фактором даже сегодня.

Хотите получить гравюру Энди Уорхола? Вы можете сделать это, посетив нашу торговую площадку!


Дэвид Хокни

Дэвид Хокни - Плейбой современного искусства и пионер поп-арта в Великобритании

Перенося его из США в Великобританию, Дэвид Хокни считается пионером в области поп-арта в Великобритании . Несмотря на то, что Хокни лично отвергает обозначение своего искусства как поп-арта, его разносторонняя работа охватывает живопись, фотографию, гравюру, сценическое оформление и другие области, в которых есть множество влияний, некоторые из которых происходят от популярного искусства и культуры.Из-за похотливых отношений, которого часто называют плейбоем современного искусства, Хокни был самоотверженным творцом на протяжении всей своей карьеры. В 1963 году британский художник влюбился в Лос-Анджелес, в результате чего он разработал залитую солнцем палитру, с которой началась его серия картин, основанная на его фантазиях о гомоэротической жизни в Калифорнии. Эти картины калифорнийских бассейнов, несомненно, связывают его с движением поп-арта, зародившимся как в Великобритании, так и в США в 1960-х годах.


Роберт Индиана

Роберт Индиана - Американская идентичность и сила языка

Самопровозглашенный «художник знаков», наиболее известный своим поп-артом, Роберт Индиана использовал уникальный словарь дорожных знаков и рекламных работ , чтобы изобразить культуру Америки 1960-х годов.Сногсшибательные рисунки с текстом, числами и символами, которые отражали абстракцию времени, также содержали политический и социальный подтекст и несли подчеркнутый смысл. Немногие произведения из поп-арта получили более широкое признание, чем ЛЮБОВЬ Индианы. Сделанное в 1966 году его фирменное изображение, которое довольно просто написано буквами L O V E , было воспроизведено в бесчисленном количестве различных материалов и цветов, став иконой поп-арта. Роберт Индиана сосредоточился на реальности американского общества с помощью простых, но визуально смелых композиций и фигурных полотен, которые сделали его одним из самых известных художников американского поп-арта.


Джеймс Розенквист

Джеймс Розенквист - художник рекламного щита

Ранние описания Джеймса Розенквиста часто включают тег «Поп-арт», который художнику не нравился. Увы, Розенквист определенно был одной из основополагающих фигур движения. За счет сложного наслоения популярных мотивов, таких как бутылки кока-колы, упакованные продукты, кухонные принадлежности, губы с помадой женщин и ухоженные руки, работы Розенквиста воплощали головокружительную вездесущность мира потребителей. Его крупномасштабные фрагментированные картины в стиле поп-арт трансформировали визуальный язык коммерческих работ на холст. Работая художником по рекламе рекламных щитов, он часто использовал остатки краски для создания небольших абстрактных картин. Розенквист исследовал эффекты использования стиля рисования на рекламных щитах на меньших холстах, создавая произведения, которые играли бы с изменениями в масштабе и технике. В его творчестве вошли различные поп-образы и символы рекламного языка и поп-культуры. Фирменные произведения Розенквиста включают фрагментированные, странные изображения, объединенные и наложенные друг на друга, чтобы сформировать визуальную историю на холсте.Его ссылки на товары массового производства, журналы, фильмы и другие аспекты средств массовой информации сделали его одной из ключевых фигур в развитии поп-арта в Соединенных Штатах.

Щелкните, чтобы увидеть подборку изображений Джеймса Розенквиста на нашей торговой площадке!


Алекс Кац

Алекс Кац - В предвкушении поп-арта

Еще один создатель, который не назвал бы себя художником поп-арта, но несомненно оказал влияние и развил движение поп-арта, - это Алекс Кац. Конечно, Кац начал раньше и продолжал развиваться после этого, и в целом его искусство кажется более тонким, спокойным и дружелюбным , чем другие работы известных художников поп-музыки.Его стилизованная, упрощенная техника была вырезана, чтобы радовать глаз, но в то же время она никогда не становилась тривиальной. Кац, казалось, нашел определенный уровень между поп-музыкой и глубиной, где он использовал свой фирменный стиль для создания простых, но впечатляющих произведений искусства. Вначале он выбрал монохромный фон, который позже стал определяющей характеристикой его стиля и предвосхитил поп-арт. Работы Каца ликвидировали разрыв между традициями абстракции и фигурации. Сам художник утверждал, что его искусство «поверхностное», возможно, имея в виду то, что его образы не имели явной психологической сложности.Взяв реплики из фильмов и рекламных щитов Cinemascope, можно с уверенностью сказать, что его стилизованные картины предвосхитили поп-арт.


Такаши Мураками

Такаши Мураками - современный наследник движения поп-арт

Всемирно известный современный японский художник Такаши Мураками однажды сказал, что художник - это тот, кто понимает границы между мирами и старается их познать. Мураками - творец, который полностью осознает современную эпоху, в которой он работает и живет, принимая тот факт, что все искусство сегодня продается.Он явно отказывается обманывать себя по поводу внутренних глубин и подчеркнутых сообщений, он даже отрицает их наличие. Хорошо известно, что стирает грань между высоким и низким искусством, творчество Мураками включает в себя широкий спектр сред и обычно описывается как суперплоский - термин, который он ввел в употребление. Используя мотивы традиционной и популярной японской культуры и используя плоские / глянцевые поверхности, Мураками успешно создал свой собственный стиль. С повторяющимися мотивами и знаковыми персонажами, такими как улыбающиеся цветы, грибы и черепа, он даже затрагивает буддийскую иконографию и сексуальные комплексы культуры отаку .Яркие цвета, сверкающие цвета и эстетика в стиле аниме делают стиль Мураками мгновенно узнаваемым. Вдохновленный поп-артом, художник считается наследником Уорхола в его способности превращать популярные коммерческие изображения в высококачественные произведения изобразительного искусства.

Смотрите другие работы Такаши Мураками на нашей торговой площадке!

Все изображения используются только в иллюстративных целях

Избранные изображения:
Роберт Индиана - Любовная скульптура; Ричард Гамильтон, Джон Макхейл - Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? Кит Харинг - Ромеро

10 самых известных исполнителей поп-арта и их шедевры

Поп-арт - это художественное направление, которое доминировало в мире искусства в середине 20-го века .Поп-арт , который считается последним заметным движением современного искусства, ценит популярную культуру, а не элитарную культуру . Он характеризуется яркими цветами, и использованием узнаваемых образов из популярной культуры , таких как реклама, знаменитости, мирские культурные объекты и персонажи комиксов. Поп-арт можно рассматривать как реакцию на абстрактный экспрессионизм , доминирующее в то время движение, которое подчеркивало , передавая сильное эмоциональное или выразительное содержание посредством абстракции .Неживописный стиль и коммерческий аспект поп-арта резко контрастировали с техникой и философией абстрактного экспрессионизма. Поп-арт появился в Великобритании и США в 1950-х с работами таких художников, как Ричард Гамильтон и Джаспер Джонс . Он получил широкое внимание с появлением Энди Уорхола и продолжает оставаться актуальным благодаря работам Яёи Кусамы , Ромеро Бритто и Класа Ольденбурга .Вот 10 самых известных художников поп-арта и их самые известные шедевры.


# 10 Клас Ольденбург

Клас Ольденбург

Дата рождения: 28 января 1929 г.

Национальность: Американец

Сын шведского дипломата, Клас Ольденбург стал гражданином Соединенных Штатов в 1953 году. В то время на американской художественной сцене доминировали нерепрезентативные формы абстрактного экспрессионизма.Ольденбург, однако, пошел другим путем, создав скульптур из предметов повседневного обихода . Он создал гигантских объектов из ткани, набитой бумагой или тряпками, которые стали известны как «мягких скульптур» . В 1962 году он впервые выставил свои огромные мягкие скульптуры. Работа Ольденбурга включает продуктов питания, таких как рожки мороженого, гамбургеры и пирожные; и предметов массового производства , таких как губная помада, иглы, велосипеды и вееры. Его гигантские скульптуры представили эти общие объекты таким образом, что полностью изменил традиционные отношения между зрителем и этими предметами .Клас Ольденбург был пионером в области скульптуры в стиле поп-арт , и он является правящим королем поп-скульптуры с начала 1960-х годов.

Masterpiece: Губная помада (восходящая) на гусеницах Caterpillar (19 6 9 )

Губная помада (восходящая) на следах гусеницы (1969) - Клас Ольденбург

Другие известные произведения: -

Прищепка (1976)

Напольный торт (1962)


# 9 Питер Блейк

Питер Блейк

Родился: июнь 25, 1932

Гражданство: Британское

Питер Блейк - разносторонний художник, занимающийся скульптурой, гравюрой и гравюрой, а также коммерческим искусством в форме графики.Тем не менее, он наиболее известен своими коллажами , в которых сочетают изображения из поп-культуры и изобразительного искусства . В его ярких произведениях искусства можно увидеть изображения борцов, артистов мюзик-холла, кинозвезд, рекламу и т. Д. Наряду с традиционным изобразительным искусством. Написанная между 1955 и 1957 годами, On His Balcony - это , одно из самых известных произведений Питера Блейка, и , знаковое произведение поп-арта . Среди прочего, на нем изображен мальчик, держащий картину Эдуарда Мане « Балкон ».Питер Блейк был одним из первых художников поп-арта из Великобритании . Он сыграл ключевую роль в развитии движения в своей стране, и его часто называют крестным отцом британского поп-арта . В 2002 году Блейк был посвящен в рыцари в Букингемском дворце за свои заслуги перед искусством .

Masterpiece: Обложка альбома группы Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club (19 67 )

Обложка альбома группы Lonely Hearts Club сержанта Пеппера (1967) - Питер Блейк

Другие известные произведения: -

На балконе (1957)

Автопортрет со значками (1961)


# 8 Джаспер Джонс

Джаспер Джонс

Дата рождения: 15 мая 1930 г.

Национальность: Американец

Джаспер Джонс - один из самых известных ныне живущих художников в мире .Его работы в области живописи, скульптуры и гравюры повлияли почти на все художественные направления с 1950-х годов по , включая абстрактный экспрессионизм, нео-дада и движение поп-арта. Джонс был среди художников, заложивших основы движения поп-арта в отношении товарной культуры . Основное внимание в его работах в стиле поп-арта уделяется знакам , таким как флаги, цели и карты. Фактически, его самая известная работа - это картина Flag , которая является одним из самых узнаваемых произведений поп-арта .Говорят, что он создал его после того, как мечтал об американском флаге. Джаспер Джонс получил множество наград за свою жизнь, в том числе президентскую медаль свободы от президента Барака Обамы в 2011 . Его работы постоянно получают миллионы долларов на распродажах и аукционах; и они установили рекорд самой высокой цены, уплаченной за работу живого художника, несколько раз .

Masterpiece: Флаг (195 5 )

Флаг (1955) - Джаспер Джонс

Другие известные произведения: -

Мишень с четырьмя гранями (1955)

Три флага (1958)



# 7 Ричард Гамильтон

Ричард Гамильтон

Продолжительность жизни : 24 февраля 1922 - 13 сентября 2011

Гражданство: Британское

Наряду с шотландским художником Эдуардо Паолоцци , Ричард Гамильтон считается пионером движения поп-арта .Его выставка 1955 года Человек, машина и движение ; и его коллаж 1956 года Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? считаются историками искусства среди самых ранних произведений поп-арта . Just What Is It , пародия на американскую рекламу, фактически дало название движению поп-арта . Название происходит от огромного леденца на палочке в руках центральной фигуры коллажа с торговой маркой «Tootsie POP» .На протяжении всей своей карьеры Гамильтон исследовал взаимосвязь между изобразительным искусством, дизайном продукции и популярной культурой. Он продолжал разрушать иерархию художественной ценности, создав шелкографий с изображением ареста Мика Джаггера , провел исследований объектов промышленного дизайна и разработал обложек для Белого альбома Beatles 1968 года . Ричард Гамильтон больше, чем кто-либо другой, заложил основу движения поп-арта, определив его цели и идеалы .

Masterpiece: Что же делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными? (1956)

Что именно делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными (1956) - Ричард Гамильтон

Другие известные работы: -

Интерьер II (1964)

Моя Мэрилин (Вставка) (1965)


# 6 Ромеро Бритто

Ромеро Бритто

Дата рождения: 6 октября 1963 г.

Национальность: Бразилец

Происходящий из чрезвычайно скромной семьи, Romero Britto в основном художник-самоучка художник , который начал свою карьеру, используя только обрывков газет и картона и превратив их в импровизированных холстов .У него не было даже денег на покупку кистей, поэтому он руками и пальцами создавал свой неповторимый стиль. Бритто считает, что его поездка в Париж 1983 года пробудила его интерес к Современным мастерам, таким как Пабло Пикассо и Анри Матисс ; и это сильно повлияло на его работу. Он продолжил разработку своего уникального стиля , в котором сочетал поп-арт с кубистской абстракцией . Ромеро Бритто известен тем, что использовал ярких цветов и радостных сюжетов , включая персонажей Диснея и животных.Его поп-арт был описан в New York Times как , излучающий «тепло, оптимизм и любовь» . Ромеро Бритто один из самых известных и успешных ныне живущих художников в мире .

Шедевр: Mona Cat (2010)

Мона Кот (2010) - Ромеро Бритто

Другие известные работы: -

Бритто Гарден (2000)

Мартини Восход (2005)


# 5 Яёи Кусама

Яёи Кусама

Дата рождения: 22 марта 1929 г.

Национальность: Японец

Yayoi Kusama рано добилась успеха в Японии, и, находясь там, она разработала свой фирменный стиль прикрытия вещей; стены, полы, холсты, предметы домашнего обихода и обнаженные помощники; в горошек .В 1957 году, в возрасте 27 лет, она переехала в Соединенные Штаты и стала участвовать в движении поп-арта. Она сказала, что столкнулась с расизмом и сексизмом в Америке; и что ее работ были скопированы ее сверстниками-мужчинами ; в том числе Уорхол, Ольденбург и Самара; которые затем приняли их заслуги, выставив их в крупных галереях. Как бы то ни было, со временем вклад Кусамы в движение поп-арта, а также в мир искусства был признан, и теперь она, пожалуй, самая успешная художница в мире .Кусума наиболее известна своими сложными инсталляциями Infinity Mirror , комнатами, в которых наблюдатель может испытать иллюзию бесконечного пространства .

Шедевр: Сад нарциссов (19 66 )

Сад нарциссов (1966) - Яёи Кусама

Другие известные произведения: -

Одержимость точками (2003)

Повторяющееся видение (1996)


# 4 Дэвид Хокни

Дэвид Хокни

Дата рождения: 7 июня 1965 г.

Гражданство: Британское

Дэвид Хокни считается одним из из наиболее выдающихся деятелей движения поп-арта и его картина 1967 года «Большой всплеск » является культовым произведением поп-арта.Хокни сосредотачивается на личных предметах; и изображает сцены из собственной жизни и жизни друзей. Его известные работы включают бассейны, двухуровневые дома и пригородные калифорнийские пейзажи. Хокни - открытый гей, и несколько его картин; в том числе Domestic Scene, Лос-Анджелес ; исследуйте гомосексуализм. В 1990 году Хокни было предложено рыцарское звание, но он отказался. Однако в январе 2012 года он принял орден за заслуги перед королева Елизаветы II от королевы Елизаветы II. В 2011 , в опросе более 1000 британских художников , Дэвид Хокни был признан самым влиятельным британским художником всех времен .

Шедевр: Большой всплеск (1967)

Большой всплеск (1967) - Дэвид Хокни

Другие известные работы: -

Мистер и миссис Кларк и Перси (1971)

Большой каньон (1998)



# 3 Кит Харинг

Кейт Харинг

Продолжительность жизни: 4 мая 1958 - 16 февраля 1990

Национальность: Американец

Кейт Харинг был приобщен к искусству в раннем возрасте своим отцом, который рисовал карикатуры в качестве хобби.В 1978 году Харинг прибыл в Нью-Йорк и узнал о процветающей там подпольной арт-сцене граффити. Он создал тысячи общедоступных рисунков и стал одним из самых известных художников-граффити . По мере того как общественный интерес к его искусству рос, у Харинга была его первая персональная выставка в 1981 году. В апреле 1986 года Харинг открыл свой Pop Shop, что сделало его работы доступными по разумным ценам. Он создал несколько влиятельных произведений поп-арта на социальные темы, а также на такие продукты, как Absolut Vodka, сигареты Lucky Strike и Coca-Cola.Кейт Харинг внес элементы того, что называлось «низким искусством» , в бывшие эксклюзивные пространства «высокого искусства» в музеях и галереях. Его искусство известно тем, что обманчиво простое, содержит более глубоких тем рождения, смерти, любви, сексуальности, войны и социальной гармонии.

Шедевр: Crack is Wack (1986)

Crack is Wack (1986) - Кейт Харинг

Другие известные работы: -

Туттомондо (1989)

Свободная Южная Африка (1985)


# 2 Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн

Продолжительность жизни: 27 октября 1923 г. - 29 сентября 1997 г.

Национальность: Американец

Рой Лихтенштейн сначала работал в области кубизма и абстрактного экспрессионизма, а затем перешел в поп-арт, жанр, в котором он оставил свой след.Когда его работы выставлялись впервые, многие искусствоведы назвали его подражателем , поскольку его работы очень напоминали оригиналы . Журнал Life дошел до публикации статьи с вопросом : «Он худший художник в США?» Лихтенштейн ответил: «Чем ближе моя работа к оригиналу, тем опаснее и критичнее ее содержание» . Со временем Рой Лихтенштейн стал одним из ведущих художников движения поп-арта , которое доминировало в мире американского искусства.Его самые известные работы, , обычно вдохновленные популярной рекламой и комиксами , стали знаковыми изображениями движения.

Masterpiece: Whaam! (1963)

Ваам! (1963) - Рой Лихтенштейн

Другие известные произведения: -

Тонущая девушка (1963)

О, Джефф ... Я тоже тебя люблю ... Но ... (1964)


# 1 Энди Уорхол

Энди Уорхол

Продолжительность жизни: 6 августа 1928 - 22 февраля 1987

Национальность: Американец

Родившийся Эндрю Уорхола , Энди Уорхол - самый известный и самый влиятельный художник движения поп-арта в той степени, в которой он известен как «Папа поп-арта» .Неописуемый стиль и коммерческие аспекты его картин первоначально вызвали оскорбление, поскольку это оскорбляло технику и философию абстрактного экспрессионизма, господствовавшего в то время в Соединенных Штатах. Его работы вызвали бурю негодования в американском художественном мире , и вызванные этим споры сделали имя Уорхола нарицательным. Уорхол был плодовитым художником и исследовал широкий спектр средств массовой информации, включая живопись , шелкографию, фотографию, пленку и скульптуру .Его картины входят в число самых дорогих из когда-либо проданных . Самая высокая цена, заплаченная за картину Уорхола, составляет 105 миллионов долларов США за холст 1963 года под названием Silver Car Crash , в то время как, если учесть инфляцию, его самая дорогая картина - Eight Elvises по цене 111,2 долларов США. Энди Уорхол без сомнения самый известный Поп-исполнитель .

Шедевр: Мэрилин Диптих (1962)

Мэрилин Диптих (1962) - Энди Уорхол

Другие известные работы: -

Банки для супа Campbell’s (1962)

Восемь Элвисов (1963)

10 известных художников поп-арта

Поп-арт доминировал в мире искусства в 60-70-е годы и перевернул устоявшийся мир искусства с ног на голову.

Он увековечивает изображения, начиная от самых обыденных предметов домашнего обихода и заканчивая крупнейшими знаменитостями дня и всем остальным, что находится между ними.

Кто бы мог подумать, что скромный банан или банка супа Кэмпбелла могут достичь такой ошеломляющей славы?

Ведущие художники поп-арта черпали огромное влияние из поп-культуры, в то же время в одиночку заставляя искусствоведов и ученых задаваться вопросом, что такое искусство?

Известные исполнители поп-арта

1.

Энди Уорхол

Энди Уорхол, родившийся в 1928 году в Пенсильвании, провел большую часть своей юности в постели. За это время он сформировал свои уникальные художественные навыки и экспрессию.

В средней школе он изучал коммерческое искусство, прежде чем переехать в Нью-Йорк, где начал делать себе имя.

Хотя он начал свою карьеру с рисования и дизайна обуви, его карьера заключалась в фотографии, кино и гравюре.

Использование Уорхолом провокационных образов вызывало бесчисленные споры на протяжении всей его жизни.

Его работы объединили искусство, жизнь знаменитостей и рекламу и принесли ему наследие как одного из величайших художников в истории.

Тем не менее, пуристы искусства раскритиковали его как деловой ход. В 1962 году он основал свою студию, которая стала популярной площадкой для встреч как андеграундных, так и мейнстримных знаменитостей, таких как Мадонна и Мик Джаггер.

Пережив одно покушение на свою жизнь, Энди Уорхол в конце концов умер из-за осложнений после операции в 1987 году.

2.

Дэвид Хокни

Дэвид Хокни, родившийся в 1937 году в Англии, является важной фигурой в раннем движении поп-арта, хотя в его ранних работах присутствовали элементы экспрессионизма.

После учебы в Брэдфордском колледже искусств, он учился в Королевском колледже искусств в Лондоне, где стал известен как первый студент колледжа, получивший диплом, основанный исключительно на его художественных работах, в результате его отказа писать сочинение, необходимое для получения диплома.

С тех пор он работал и продолжает работать в основном как художник, живя между Лос-Анджелесом, Парижем и Лондоном.

Хокни, помимо живописи, занимается рисованием, фотографией, графическим дизайном и сценографией как художественными усилиями. Сюжеты, на которых он сосредотачивается, часто изображают самого гея, гомосексуальную любовь, а иногда и автопортреты.

В какой-то момент он был рекордсменом по самой высокой цене проданной картины среди всех ныне живущих художников - девяносто миллионов долларов.

3.

Джаспер Джонс

Джаспер Джонс - поп-художник, известный своими картинами, на которых почти всегда изображен американский флаг или другая тема, относящаяся к Соединенным Штатам.Помимо живописи, он также известен своими способностями к гравюрам и скульптуре.

Джонс родился в 1930 году, штат Джорджия, и добился успеха в начале своей жизни, когда продемонстрировал свое искусство в студии своего возлюбленного Роберта Раушенбурга. Лео Кастелли обнаружил там свои работы и предоставил ему собственную студию.

Кроме того, Кастелли приобрел четыре произведения для демонстрации в Нью-Йоркском музее современного искусства, благодаря чему получил большую известность. С тех пор он неоднократно удостаивался звания «Самая высокооплачиваемая работа среди ныне живущих художников» за такие картины, как Diver , White Flag и False Start .

Джонс продолжает рисовать в своем доме в Коннектикуте и до сих пор пользуется успехом: New York Times назвала его Лучшим живым художником в 2018 году.

4.

Питер Блейк

Питер Блейк - известный художник, которого считают одним из лучших художников. влиятельных членов раннего движения поп-арт. Его картины основаны на элементах популярной культуры, обычно с элементами коллажа и часто ссылаются на картины других художников внутри них.

Блейк родился в Англии в 1932 году и учился в Королевском колледже искусств в Лондоне, а также в техническом колледже Грейвсенда.Вначале он стал успешным художником, хотя у него не было своей первой персональной выставки, пока ему не исполнилось двадцать восемь лет.

Пика своей славы он достиг в 1950-х и 60-х годах, когда он заказывал картины известным музыкантам, таким как The Who, Эрик Клэптон и The Beatles, для создания обложек их альбомов, а также туристических афиш.

В 2002 году он был посвящен в рыцари Букингемского дворца за вклад в мир искусства. Он по-прежнему живет в Лондоне, где продолжает рисовать и руководить довольно большой студией.

5.

Яёи Кусама

Яёи Кусама известна своими многочисленными творческими проектами, от скульптур и инсталляций до картин и фильмов.

Ее самая успешная работа связана с погружением в комнату бесконечности или зеркала. Большая часть ее работ сосредоточена на феминизме и минимализме, а также на психологическом и сексуальном содержании.

Кусама, родившийся в 1929 году в Японии, получил раннюю известность в Японии в 1950-х годах. В конце концов, она переехала в Нью-Йорк, где погрузилась в авангардное движение.

Там она создала бесконечные комнаты, свою самую успешную работу, хотя идея была украдена некоторыми из ее современников-мужчин, которые извлекли из этого еще большую выгоду.

Во время войны во Вьетнаме Кусама привлекла к себе всеобщее внимание после многочисленных акций протеста против искусства, когда однажды она лично обратилась к президенту Рейгану.

Из-за многочисленных проблем с психическим здоровьем Кусама госпитализирована в больницу для душевнобольных Сейва в Японии, где она и продолжает проживать.

6.

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн, родившийся в 1923 году в Нью-Йорке, был художником, известным своими псевдо-комическими картинами, напоминающими сцены из комиксов. Кроме того, он часто воспроизводил исторические шедевры в собственном стиле, воссоздавая картины Ван Гога, Пикассо и других художников.

В молодости Лихтенштейн учился у Реджинальда Марша в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. Позже он поступил в Государственный университет Огайо, где в конце концов получил степень магистра изящных искусств после непродолжительной службы в армии во время Второй мировой войны.

Хотя он начал свою карьеру преподавателя в Нью-Джерси, он решил вернуться в Нью-Йорк, чтобы быть в центре арт-сцены, и у него не было своей первой персональной выставки до 1962 года, когда ему было почти сорок лет. .

Там он продолжал создавать скульптуры, картины и гравюры, пока не умер от пневмонии в 1997 году.

7.

Кейт Харинг

Кейт Харинг, родившийся в 1958 году в Пенсильвании, был широко скандальным и влиятельным художником-геем, который использовал сексуальные изображения для пропаганды безопасного секса и осведомленности о СПИДе в разгар эпидемии.

После изучения коммерческого искусства в Питтсбургской школе профессионального искусства Айви, Харинг переехал в Нью-Йорк, чтобы изучать живопись.

Он создавал большие граффити в метро, ​​которые привлекали внимание общественности. Из-за огласки его заказывали ночные клубы, сцены, телевизоры и даже больницы.

Харинг открыл «поп-магазин» в конце 1980-х годов, где он продавал товары, в которых выставлялись его работы.

Хотя он утверждал, что это сделало его искусство доступным для большого количества людей, его критиковали за коммерциализацию своего искусства за это.После того, как

Харинг умер от осложнений СПИДа в 1990 году, многие знаменитости, такие как Мадонна, которая пожертвовала благотворительным организациям по борьбе со СПИДом в его честь, хвалили его жизнь и работу.

8.

Ромеро Бритто

Ромеро Бритто, родился в Бразилии в 1973 году, поп-художник, известный своими картинами, скульптурами и сериграфами. Наиболее известны его картины, его работы часто представляют собой лоскутные рисунки, которые формируют общий образ с использованием ярких цветов и смелых линий.

Однажды он сказал, что пытается пробудить в своих картинах надежду, радость и мечты.

В детстве Бритто постоянно рисовал на всем, от газет до картона, используя любой материал, который мог найти в качестве холста.

После визита в Париж он сформировал свой стиль, увидев картины Пикассо и Матисса. В 1989 году он переехал в Майами, штат Флорида, где и живет с тех пор.

Вскоре после переезда он получил большой перерыв в работе с рекрутером в рекламной кампании Absolut Art от Absolut Vodka. С тех пор он был заказан несколькими Олимпийскими играми, Суперкубками и международными брендами.

9.

Роберт Индиана

Роберт Индиана, родившийся как Роберт Кларк в Индиане в 1928 году, переехал в Чикаго после непродолжительной службы в армии, чтобы учиться в Институте искусств Чикаго. Позже он учился в трех разных университетах, прежде чем окончил университет и поселился в Нью-Йорке.

Карьера Индианы началась быстро после того, как Альфред Барр, первый директор Музея современного искусства, купил свою работу, The American Dream, 1 . После этого он смог провести собственную персональную выставку в 1962 году, сделав довольно успешную карьеру.

В последние годы своей жизни он изолировал себя в штате Мэн, скрывшись от глаз общественности, пока не умер от дыхательной недостаточности в 2018 году.

Большинство работ Индианы представляют собой гравюры и используют жирные, простые изображения, обычно числа или слова. Он наиболее известен своей работой LOVE из серии EAT , которая тиражировалась и печаталась по всему миру на протяжении десятилетий.

10.

Джордж Сигал

Джордж Сигал, хотя начинал как художник, наиболее известен своими гипсовыми скульптурами.Эти скульптуры были слепками людей в натуральную величину, казавшихся меланхоличными и бледными.

Сначала он держал скульптуры в белом цвете, но начал их красить ближе к концу своей жизни. В отличие от других поп-исполнителей, его работа была сосредоточена на личности, поскольку она была связана с потреблением, а не с потребляемыми продуктами.

В молодости Сигал учился в Институте Пратта, Университете Купера и Нью-Йоркском университете, где получил степень преподавателя. После окончания учебы он преподавал искусство и английский язык, где один из его учеников познакомил его с методом кастинга.

В своем доме в Нью-Джерси он проводил художественные мероприятия, на которых профессора искусства и художники взаимодействовали и влияли друг на друга. После его смерти в 2000 году его жена и дети продолжали проводить эти художественные мероприятия.


В приведенном выше списке известных художников поп-арта подробно описаны некоторые из наиболее известных и признанных имен движения поп-арт.

Поп-арт | Национальные галереи Шотландии

Художественное движение 1950-1970-х годов, которое в основном базировалось в Великобритании и США.Поп-артистов называют так из-за того, что они используют образы из популярной культуры. Они также представили методы и материалы из коммерческого мира, такие как трафаретная печать, в практику изобразительного искусства.

Поп-арт появился примерно через десять лет после Второй мировой войны, прежде всего в Великобритании и Соединенных Штатах. Это так называется, потому что художники исследовали образы из популярной культуры. После периода послевоенной жесткой экономии движение сосредоточилось на гламурном коммерческом дизайне и медиа-культуре, говоря об оптимизме и возможностях.Многие поп-художники, особенно в Соединенных Штатах, выступили против более раннего интроспективного языка абстрактного экспрессионизма, стремясь привлечь внимание масс, смешивая элементы поп-культуры, коллажей и гравюры с традиционными техниками живописи.

С начала 1950-х годов группа художников и писателей под названием «Независимая группа» собиралась в лондонском Институте современного искусства, чтобы обсудить растущую культуру кино, рекламы и консьюмеризма, эмигрирующих из Соединенных Штатов.Среди членов были Эдуардо Паолоцци, Ричард Гамильтон, Лоуренс Аллоуэй, Элисон и Питер Смитсон. Считается, что термин «поп» имеет несколько источников, о которых писали Аллоуэй, Смитсон и Гамильтон. Паолоцци также использовал это слово в коллаже под названием « Я был игрушкой для богатого человека , 1947». Его коллажи 1940-х и 1950-х годов теперь часто называют «прото-поп», а его новаторская лекция «Крах» в Институте для современного искусства в 1952 году последовала аналогичная идея.

Эдуардо Паолоцци, Я был игрушкой богатого человека, 1947
© Попечители Фонда Паолоцци, Лицензия DACS 2017.

В 1956 году Гамильтон привлек международное внимание своим коллажем Just What is it, который делает сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными , 1956. Создан для групповой выставки This is Tomorrow в 1956 году в галерее Whitechapel в Лондоне. сатирический подход к новому поверхностному «американскому образу жизни».В 1957 году Гамильтон написал письмо Элисон и Питеру Смитсон, в котором описал характеристики Попа как:

«Популярные, преходящие, расходные материалы, недорогие, массовые, молодые, остроумные, сексуальные, уловки, гламурные и для большого бизнеса».
- Ричард Гамильтон

В Нью-Йорке к 1950-м годам художники начали исследовать популярную культуру в стилях нео-дада, фанк, бит и перформанс. Среди известных людей были Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг, Рой Лихтенштейн и Энди Уорхол, которые участвовали в ряде персональных выставок.В 1962 году в галерее Сиднея Джениса в Нью-Йорке прошла международная выставка новых реалистов , на которой художники исследовали такие поп-темы, как «повседневный объект», «средства массовой информации» и «повторение». Аллоуэй, который переехал в Нью-Йорк, чтобы работать куратором в Музее Гуггенхайма, ввел британский термин «поп», чтобы обозначить эту новую эру в искусстве, которая распространилась по остальным Соединенным Штатам и Европе.

Многие культовые образы поп-музыки из США были созданы Энди Уорхолом, и его имя стало синонимом стиля.Уорхол, как известно, копировал такие бренды, как Coca Cola и Campbell’s Soup, вместе с изображениями знаменитостей, таких как Мэрилин Монро, Джеки Кеннеди и Элизабет Тейлор, в массовом производстве с использованием методов шелкографии, но он также снимал фильмы, цифровые произведения искусства, картины и скульптуры. Название студии Уорхола The Factory отсылает к его массовым работам. Позиция Уорхола о том, что искусство и жизнь должны быть взаимосвязаны, продолжает влиять на современную практику сегодня.

Во Франции поп-арт возник в форме модернистского реализма, определенного критиком Пьером Рестани как «новые способы восприятия реальности». Художник Арман отказался от своего более раннего абстрактного стиля живописи в пользу создания скульптур из найденных или выброшенных произведенных предметов. В Германии термин «капитальный реализм» стал обозначать художников, на которых повлияла американская поп-музыка, основанная Зигмаром Польке и включающая участников Герхарда Рихтера и Конрада Люга, которые исследовали и анализировали образы и фотографии популярной культуры с понимающей иронией.В Великобритании поп продолжал развиваться в Лондоне, среди представителей которого были Дэвид Хокни, Джо Тисон и Билли Эппл.

Влияние поп-музыки продолжалось на протяжении 1960-х и 70-х годов, пока его не затмили концептуальное искусство, инсталляция и перформанс. В конце 1970-х - начале 1980-х годов идеи поп-музыки начали возрождаться как нео-поп, возглавляемый Джеффом Кунсом, который прославляет американскую культуру потребления и китч диковинными картинами, скульптурами и фотографиями. Такаши Мураками также был связан с нео-попом, с его присвоением японской поп-культуры и моды и его «суперплоским» стилем рисования.Оба художника придерживаются делового подхода к производству произведений искусства, нанимая помощников на крупных фабриках для производства товаров, что напоминает Фабрику Уорхола в 1960-х годах.

5 художников, которых вы должны знать

ХУДОЖНИКОВ ПОП-АРТА: 5 ХУДОЖНИКОВ, КОТОРЫЕ ВЫ ДОЛЖНЫ ЗНАТЬ

Художники поп-арта , то есть художников, которых вы должны знать, чтобы подтвердить, что вы знаете почти все об одном из самых любимых художественных течений.
Разработанный во второй половине 20-го -го -го века как «популярное искусство», поп-арт по определению является «популярным искусством», потому что он относится к объектам массового производства.Следовательно, поп-арт имеет тесную связь с и потребительской культурой и превращает обычные предметы и элементы в искусство.

Поп-арт описывает существенную часть общества, которое развивалось после XXII века, поэтому культура потребления использует рекламу или самые известные продукты, чтобы преобразовать их в произведения искусства для сбора или воспроизведения самих произведений искусства как объект массового производства через объекты дизайна репродукций и различных репродукций.

Художники поп-арта

Авторские права Энди Уорхола (1967)

ЭНДИ УОРХОЛ

Самый известный и важный художник 20-го -го -го века вместе с Пабло Пикассо - это Уорхол.
Он прославил западную культуру, используя фотографию по-новому и смешав рекламу и искусство , чтобы стать одним целым.

Уорхол превратил потребительские товары в искусство , лишив их смысла и изменив представление об уникальности произведения искусства.

РОБЕРТ ИНДИАНА

Его слава связана со скульптурой «ЛЮБОВЬ», безошибочной иконой поп-арта, , которой можно любоваться в важных общественных местах по всему миру, от Седьмой авеню в Нью-Йорке до садов Музея искусств Нью-Йорка. Орлеан до главной площади Тайбэя.
Искусство Индианы смешивает идею-слово-образ в формы, которые он сам определил «вербально-визуальными», потому что его художественная мысль визуальна и вербальна одновременно.

Роберт Индиана, ЛЮБОВЬ

РОЙ ЛИХТЕНШТЕЙН

Известен своими произведениями, связанными с комиксами.
Лихтенштейн не использовал механических приемов, и его точки действительно нарисованы одна за другой.
Он был противоположностью провокационному и напористому Энди Уорхолу, и на самом деле он был менее интегрированным художником в культурную сцену Нью-Йорка.
Согласно биографии, которую вы можете найти на сайте фонда, посвященном ему, «он был слишком замкнут, чтобы относиться к ним», и «они» - главные герои художественной сцены того периода.

Il Bacio di Lichtenstein.

ДЖЕЙМС РОЗЕНКВИСТ

Его искусство вращается вокруг большого и маленького экрана и особенно рекламы.
Вселенная Розенквиста выглядит как преувеличенное празднование эфемерного посредством огромных , пустых и быстрых изображений, связанных с миром потребителей.

Джеймс Розенквист, F-111, 1964-65, деттаглио.

РОБЕРТ РАУШЕНБЕРГ

Он был близок к поп-арту, но фактически никогда к нему не присоединялся.
Его работы, выполненные в технике сборки с обычными или реставрированными предметами, согласно концепции DADA о готовом, - между искусством и жизнью.
Раушенберг сказал, что единственное, что может сделать современный художник, - это составить индустриальную реальность, частью которой является и человек.

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ - Фонтан, Дюшан и революция современного искусства

Роберт Раушенберг, Обратная сила I (1964).

ЧИТАЙТЕ ТАКЖЕ - Абстракционизм: произведения и художники

10 ведущих художников: поп-арт

Поп-арт был движением, которое стало символом массового потребительства, культуры знаменитостей и контркультуры 1960-х и 1970-х годов. Поп-арт с загадочными фигурами, такими как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, оказался отражением десятилетий становления, последовавших за Второй мировой войной.

Когда поколение бумеров достигло эпохи бунта и экспериментов, поп-артисты стремились соединить это юношеское изобилие с гегемонистскими практиками того времени.Используя культурно значимые продукты и людей, поп-арт подчеркивал, насколько повсеместными становятся бренды и знаменитости.

Singulart рассматривает ключевые фигуры, олицетворяющие движение поп-арта, а также дает дань уважения современным художникам, несущим эстафету.

Энди Уорхол

Энди Уорхол, один из самых загадочных художников ХХ века, оказывает повсеместное влияние на искусство и культуру. Интроверт из Пенсильвании возглавил движение поп-арта, отражающее безудержную культуру знаменитостей и потребителей.Он получил известность благодаря присвоению узнаваемых образов: массовых продуктов (суп Кэмпбелла) и личностей, находящихся в общественном достоянии (таких как Мэрилин Монро, Мик Джаггер и Ричард Никсон).

Энди Уорхол , Голосуй Макговерн (1972)

Рой Лихтенштейн

Рой Лихтенштейн родился в Нью-Йорке в 1923 году. Он происходил из того же художественного круга, что и Энди Уорхол после того, как последний переехал в Большое Яблоко в 1949 году. Лихтенштейн широко известен благодаря использованию точек Бена Дея, речевых пузырей и изображений из комиксов. мастерски использовал стили и шрифты из комиксов, преобладавших в американской культуре.Известные работы включают Look Mickey! (1961) и Whaam! (1963).

Рой Лихтенштейн рядом с Whaam

Кит Харинг

Другой житель Нью-Йорка на протяжении большей части своей жизни, Кит Харинг приобрел известность в 1980-х годах, немного позже первой волны влиятельных поп-исполнителей. В круг его друзей-художников входили и другие талантливые художники из Нью-Йорка, такие как Кенни Шарф и Жан-Мишель Баския. Вдохновленный умозрительной смесью жизни и искусства Уорхола, Харинг стремился сделать искусство публичным.Он развил страсть к уличному искусству, но включил причудливый дизайн в стиле поп-арт, который стал его фирменным стилем и мгновенно узнаваем как творение Харинга.

(Слева направо) Кейт Харинг, Энди Уорхол, Жан-Мишель Баския

Кристин Коси

Художница Singulart Кристин Косси - современная немецкая художница, чьи работы напоминают великих деятелей поп-арта, которые были до нее. Включая произведения искусства, на которых Одри Хепберн носит вышитый головной убор Chanel и соответствующее изображение Эдварда Мунка Scream , Косси сочетает в себе юмор и культуру, как и все ее предшественники.

Кристин Коси

Роберт Раученберг

Роберт Раушенберг, предположительно предвосхитивший движение поп-арта, известен прежде всего тем, что использовал нетрадиционные материалы в своих работах. Эти творения, называемые «комбайнами», обычно состоят из таких предметов, как бутылки из-под кока-колы, дорожные заграждения и чучела птиц. Его неортодоксальный подход и использование культурно значимых предметов, безусловно, явились предвестником движения поп-арта, которое начало процветать.

Роберт Раушенберг, Retroactive I (1963)

Ричард Гамильтон

Ричард Гамильтон был еще одним предшественником этого механизма.Родившийся в Лондоне в 1922 году, влиятельный художник был известен не только тем, что делал на холсте. Он был одним из первых, кто сделал художников активным потребителем и внесшим вклад в массовую культуру, а не отделился от коммерции. Именно с этой точки зрения художники начали смотреть на иконографию из коммерческого сектора, который раньше считался небрежным. Художники, которые должны были происходить из этого поколения, начали погружаться в массовую культуру, от фильмов и музыки до телевидения и журналов.

Ричард Гамильтон

Софи КОСТА

Софи КОСТА - еще одна художница Singulart, которая передает энергию и стиль великих людей. В своих работах она стремится переосмыслить повседневный объект и сочетает коллаж, взрывные цвета, а также рукописное и графическое письмо с проекциями акриловой краски. В частности, ее COKE COKE - это типичный поп-арт с его порчей нескольких банок Coca-Cola.

«Я стремлюсь прикоснуться к глазу, переработать и улучшить повседневный предмет, материал, изображение энергией, цветами и позитивом.

Софи Коста, COKE COKE (2020)

Дэвид Хокни

Считается одним из самых влиятельных британских художников 20-го века, Дэвид Хокни и его работы являются визитной карточкой движения поп-арт. Родившийся в 1937 году художник из Брэдфорда большую часть своей жизни прожил в Калифорнии. Этот шаг оказал глубокое влияние на то, что создавал Хокни, поскольку его новая жизнь величия и гедонизма была обнаружена в его произведениях искусства, которые обычно состояли из бассейнов, пальм и непрерывного солнечного света.15 ноября 2018 года работа Хокни 1972 года Портрет художника (Пул с двумя фигурами) была продана на аукционе Christie’s в Нью-Йорке за 90 миллионов долларов (70 миллионов фунтов стерлингов).

Дэвид Хокни, Портрет художника (Пул с двумя фигурами) (1972)

Такаши Мураками

Современный художник Такаши Мураками известен тем, что стирает грань между низкопробным и высокопрофессиональным искусством.

Добавить комментарий

*
*

Необходимые поля отмечены*