Художники-модернисты и их картины :: SYL.ru

Само понятие модерн, или, как его еще называют, ар-нуво, в буквальном смысле означает «новый», «новое искусство». В эпоху стремительно развивающейся промышленности художественное творчество тоже претерпевало изменения. Стремление к новому выражалось в бунте против вековых устоев в мире искусства, где не было места яркости и неординарности. Все подчинялось строгим законам стиля и композиции, которые оставили в наследство после себя старые мастера.

Возникновение стиля

Как правило, большинство художников работало в реалистичной манере. Они изображали сюжеты из повседневной жизни и окружающей действительности, тогда как художник-модернист стремился задействовать свое воображение. Он руководствовался прежде всего своим восприятием мира, вместо того чтобы просто копировать то, что видит. Он никак не мог выразить себя в рамках традиционного искусства. Поэтому создал свой стиль, который не опирался на опыт прошлого, был самобытен и менял само представление о красоте.

Мы привыкли воспринимать модерн исключительно как продукт 20-го века. Однако прочный фундамент для него заложили художники-модернисты 19 века, такие как Эдуард Мане, Анри де Тулуз-Лотрек, Поль Гоген, Винсент Ван Гог, Обри Бердслей, Эдвард Мунк, Поль Сезанн и другие. Именно их произведения дали модерну дорогу в жизнь.

Венский «Сецессион»

В разных уголках Европы модерн приобретал разные формы и по-разному себя выражал. Одного из самых известных и узнаваемых художников-модернистов 20 века миру подарила Австрия. Речь идет о Густаве Климте. Его орнаментальные, символические и яркие работы невозможно спутать ни с чьими другими. Они привлекают к себе внимание обилием золотого цвета и пышными узорами.

Но Климт был далеко не единственным художником-модернистом в Австрии. В 1897 году он объединил местных творцов-новаторов в сообщество под названием «Венский Сецессион». Оно выступало против консерватизма и академизма в творчестве. Помимо Густава Климта туда входили Йозеф Хофман, Коломан Мозер, Макс Курцвайль, Йозеф Мария Ольбрих и другие художники и архитекторы.

Павильон для проведения выставок был спроектирован и построен участниками объединения. Проектом руководил Ольбрих, а интерьеры продумывал Мозер. Первая выставка там состоялась в 1898 году. Также благодаря «Сецессиону» Вена познакомилась с работами импрессионистов.

Еще один, почему-то малоизвестный, но не менее значимый для эпохи модерна австрийский художник, Йозеф Мария Аухенталлер. Его творческая деятельность была очень обширна. Он был живописцем, графиком, иллюстратором, гравером, ювелиром и фотографом, занимался дизайном текстиля. Он также вошел в состав «Венского Сецессиона».

Лозунгом австрийских художников-модернистов были слова критика Людвига Хевеси: «Эпохе — свое искусство, искусству — своя свобода».

Такой разный

Модерн в Великобритании проявился в книжной графике еще в конце 19-го столетия, когда художник Обри Бердслей проиллюстрировал роман «Смерть Артура» в своей неподражаемой манере. Его черно-белые иллюстрации отличались изяществом форм и утонченностью линий.

Заслуживает упоминания и Чарльз Макинтош, который внес свой вклад в развитие модерна в архитектуре Великобритании.

Германия и Скандинавия известна своим «югендштилем». В нем архитектура объединяет в себе живопись и декоративно-прикладное искусство в одно гармоничное целое. Ему присуща плавность и текучесть линий, витражи с цветочным орнаментом в виде лилий и ирисов, кованый металл, широкие окна, золотой цвет. Среди известных архитекторов-модернистов были Бруно Юлиус Флориан Таут, Петер Беренс, Август Эндель.

В США модерн выразил себя в витражном искусстве. Американский дизайнер и художник по стеклу Луис Комфорт Тиффани изготавливал вазы и лампы цветочных форм, которые украшал стеклом собственного изготовления. Материал отличался радужным отливом и приобрел огромную популярность. Витражи Тиффани не утратили славу и по сей день.

Альфонс Муха

Отдельное место в модерне и в сердцах многих ценителей занимает Альфонс Муха. Художник чешского происхождения завоевал мировую славу благодаря театральным афишам и рекламным плакатам в стиле модерн, или ар-нуво. Интересно, что молодой Муха посылал свои работы в художественное училище. Они были возвращены с пометкой о полном отсутствии в них таланта. Но позже, когда Альфонс занимался росписью стен в графском замке, его работу заметил профессор академии, и был ею восхищен. Его обучение взялся оплачивать граф Куэн. Так начался творческий путь художника.

Благодаря работам Альфонса Мухи стиль ар-нуво был возведен в разряд культа. Художник творил и выполнял заказы во Франции, Германии, США. Символом стиля стали лилии, цветы цикламена, ирисы. Стилизованные растительные и животные формы, с плавными и текучими линиями.

Любимым объектом Альфонса Мухи была грациозная фигура прекрасной женщины, окруженная цветами и орнаментом. Помимо плакатов и иллюстраций, художник-модернист Муха занимался дизайном интерьеров и ювелирных украшений, писал трактаты по искусству. В Париже, на Всемирной выставке декоративно-прикладного искусства, Альфонс Муха был объявлен самым выдающимся представителем модерна.

Модернисты Серебряного века

Появление ар-нуво в России примерно совпадает с началом Серебряного века в литературе. Первые русские художники-модернисты в конце 1880-х годов образовали кружок под названием «Мир искусства».

Поначалу общество состояло из Александра Бенуа, Льва Бакста, Евгения Лансере, Сергея Дягилева и Константина Сомова. Постепенно к ним присоединяется все больше участников.

Руководителем стал Сергей Дягилев. Он занимался организацией выставок и продвижением художников-модернистов Серебряного века на европейский рынок. Постепенно кружок перерастает в творческое объединение. Туда входит весь цвет русской живописи. Список имен художников-модернистов Серебряного века слишком велик. Среди них особое место занимали Михаил Врубель, Валентин Серов, Исаак Левитан, Михаил Нестеров, Николай Рерих.

Мастера русского модерна

Отдельного упоминания заслуживает Михаил Александрович Врубель. Он был не только живописцем, но и декоратором, книжным иллюстратором. Также расписывал стены и витражи. Одним из известнейших мотивов его творчества является образ Демона, навеянный поэзией Лермонтова.

Врубелевский персонаж выступает скорее в роли страдающего лирического героя, чем грозной разрушительной силы. На картине «Демон сидящий» об этом отчетливо говорит его поза и полные тоски глаза.

Также в творчестве Врубеля был заметен уклон в сторону народного стиля. К нему относятся картины на тему русских былин и сказок: «Пан», «Микула Селянинович», «Царевна-Лебедь», а также религиозные и иконописные сюжеты. Александр Бенуа считал, что именно Врубель выразил все самые прекрасные и печальные стороны Серебряного века.

Наряду с Михаилом Александровичем значимой фигурой русского модерна был Михаил Васильевич Нестеров. В его творчестве звучат религиозные мотивы с пейзажами северной природы. Более всего он известен церковной живописью. Например, мозаичные работы на фасаде петербургского храма Воскресения Христова выполнены по его эскизам.

Еще один известный представитель художников-модернистов России — Николай Константинович Рерих. Он работал с невероятной плодотворностью. Его наследие живописных работ насчитывает более семи тысяч. Еще при жизни он приобрел мировую известность.

Свои картины на мифологические сюжеты, преимущественно славянские, Рерих писал чистыми интенсивными цветами. Одна из самых известных его работ — «Заморские гости». Она написана крупными, энергичными мазками и выразительным цветом. В ней отчетливо передано течение воды и движение паруса.

Эволюция модернизма

На сегодняшний момент под понятием «модернизм» объединяют несколько художественных направлений. К ним относятся: кубизм, абстракционизм, импрессионизм, экспрессионизм, символизм, дадаизм, фовизм, футуризм, сюрреализм, постмодернизм. В каждом из этих направлений есть свои яркие представители.

Некоторые связывают зарождение модернизма с появлением в 1863 году во Франции «Салона отверженных». Тут выставляли свои картины импрессионисты. Их идеи отвергались официальной художественной критикой, однако это лишь способствовало возрастанию их популярности. Импрессионизм дословно переводится как «впечатление». Художники старались запечатлеть подвижность и переменчивость мира, передать свое мнение о нем.

Среди самых ярких представителей можно выделить Эдуарда Мане, Клода Моне, Эдгара Дега, Огюста Ренуара, Поля Сезанна.

Основная фигура в кубизме — это Пабло Пикассо. Для кубизма характерно разбиение изображения на условные формы и примитивные фигуры.

Абстракционизм тесно связан с Василием Кандинским. Особенность этого стиля заключается в гармоничном сочетании геометрических форм и цветовых пятен. При этом каждый оттенок был символичен и нес определенную смысловую нагрузку.

Кандинский отождествлял абстракционизм с музыкой. В одном из своих трактатов он писал: «Художник — рука, которая с помощью той или иной клавиши заставляет человеческую душу вибрировать».

Поздний модернизм

Сюрреализм — более позднее проявление модернизма — возник в 20-х годах прошлого столетия и стал широко известен благодаря эксцентричным работам Сальвадора Дали. Данный жанр представляет собой неограниченный полет воображения. Столкновение реального и нереального.

Символизм, пожалуй, самое раннее проявление модерна. Стиль возник еще в 1870-х годах. Символизм — широкое понятие, которое относится не только к живописи, но и к музыке и литературе. Символисты активно экспериментировали с художественными средствами и темами. Этот стиль был популярен и среди российских живописцев. Его ярким представителем был Виктор Борисов-Мусатов.

Фовизм принадлежит французской живописи. Яркость цветов, динамичность мазков, обобщенные формы — вот основные характеристики фовизма. Главной фигурой в этом стиле считается Анри Матисс. Хотя термин «фовизм» и переводится с французского как «дикий», сами приверженцы стиля не признавали это определение.

Футуризм позиционировался как искусство будущего. Был широко распространен в Италии и России. Он отталкивался от технологического и урбанистического развития мира, стремился выразить его красоту и динамику. Художественные приемы футуризма схожи с фовизмом и абстракционизмом. Но основной упор делается на передачу ритма и движения современной жизни. У русского футуризма судьба весьма трагична. Некоторые его представители, например Игорь Терентьев, были расстреляны, некоторые — отправлены в ссылку, остальные — преданы забвению.

Дадаизм представлял собой коллажи из газетных и журнальных вырезок. Как самостоятельный стиль просуществовал недолго и слился с сюрреализмом и экспрессионизмом.

Экспрессионизм и абстрактный экспрессионизм призваны передать эмоциональное состояние художника или его впечатление от той или иной вещи, человека и события. И хотя этот термин широко распространен, определенного художественного движения под этим названием не существовало.

Самый поздний виток развития модернизма — это постмодернизм. Это был окончательный эстетический переворот в Европе в середине 20-го века. Главной чертой его стало соединение элементов различных культур — Востока, Африки, Индии, Западной Америки, европейской культуры. Постмодернизм состоял из студенческих групп, которые стремились привнести в потребительское общество новую сверхидею. Но по сути это была своеобразная форма эстетического бунтарства. Наиболее яркие представители стиля — Йозеф Бойс и Сандро Киа.

Самые значимые картины

Среди всего творческого многообразия можно выделить наиболее значимые картины известных художников-модернистов, которые стали примером зарождающегося стиля и ветвями его развития.

Первой, пожалуй, будет картина «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. Она была настолько нетипичной для своего времени, настолько не вписывалась ни в какие рамки традиционной живописи, что была не принята на официальную выставку в Парижском салоне и осмеяна критиками. Тем не менее Мане выставил ее в «Салоне отверженных». Там она ознаменовала собой новую эру в искусстве, лишенную страха самовыражения.

Вторым, более поздним примером переворота в творчестве, стала картина Пабло Пикассо «Авиньонские девицы». Впоследствии ей был присвоен статус иконы модернизма. Сам Пикассо о своей живописи писал, что изображает не объект, а свое отношение к нему.

И третья по счету, но не по значимости, — картина русского художника-модерниста Казимира Малевича «Черный квадрат». Она настолько известна, что не нуждается в представлении. Это своеобразная икона русских художников-модернистов 20 века. В то время стиль дробился и принимал причудливые формы.

Для самого Малевича картина стала отправной точкой, переходом на новый уровень беспредметного творчества, которое он назвал «супрематизм». Этот новый стиль являл собой сочетание упорядоченных простых геометрических форм. Казимир Малевич называл свой «Черный квадрат» первым шагом чистого творчества.

Заключение

Если бы пришлось составлять полный список художников-модернистов, тех, кто так или иначе связан с развитием стиля, то рамок данной статьи было бы явно недостаточно. Ибо он столь велик, что хватит на целую книгу.

Трудно переоценить поистине глобальный переворот в искусстве, который произвели художники-модернисты и их картины. Они заставили общество посмотреть на мир по-новому. Увидеть в нем другие краски, формы и содержание.

В начале 20-го века все ценности культурного наследия прошлых лет были пересмотрены, некоторые оставлены позади в прошедшем столетии. Мир захлестнули перемены. Этому способствовали и изящный венский модерн, и утонченный французский ар-нуво, и постмодернистские идеи в творческом самовыражении.

Благодаря творцам мир изобразительного искусства навсегда изменился, стал более открытым, свободным, новым. Теперь поклонники живописи столетиями могут наблюдать за художественным развитием прошлого.

Живопись Модерна!! | Журнал Ярмарки Мастеров

ЖИВОПИСЬ МОДЕРНА
Моде́рн (от фр. moderne — современный), ар-нуво (фр. art nouveau, букв. «новое искусство»), югендстиль (нем. Jugendstil — «молодой стиль») — художественное направление в искусстве, наиболее распространённое в последней декаде XIX — начале XX века (до начала Первой мировой войны). Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий, интерес к новым технологиям (например, в архитектуре), расцвет прикладного искусства.

На живопись и скульптуру модерна сильное влияние оказал символизм, который стремился переходить от традиционных форм XIX века к новейшим европейским течениям, носившим порою условную принадлежность к той или иной стране.
Для живописи модерна характерно стремление к созданию самостоятельной художественной системы. Одним из основоположников этих идей стала понт-авенская школа с Полем Гогеном. В отличие от других стилей, картины и панно модерна рассматривались как элементы интерьера, придавая ему новую эмоциональную окраску. Поэтому декоративность стала одним из главных качеств живописи модерна.

Для живописи характерно парадоксальное сочетание декоративной условности, орнаментальных «ковровых фонов» и «вылепленных» со скульптурной чёткостью фигур и лиц первого плана (Густав Климт, Фернан Кнопф, М. А. Врубель), а также больших цветовых плоскостей (Леон Бакст , Эдвард Мунк) и тонких подчёркнутых нюансов (Врубель, А. Бенуа). Всё это придавало картинам большую выразительность. Также символизм привнёс в живопись модерна символику линии и цвета; были широко представлены темы мировой скорби, смерти, эротики; распространённым стало обращение художников к миру тайны, сна, легенды, сказки и др. Ярким образцом живописи модерна являются полотна Климта.

Рейтинг

☆

☆

☆

☆

☆

   0.0 (0 голосов)

Сообщить модератору

Стиль модерн в искусстве 20 века

В переводе с французского языка слово «модерн» означает «современный». В американском и европейском изобразительном искусстве это направление зародилось в период кризиса культуры конца XIX — начала XX в. Конкретизировать время зарождения нового течения не представляется возможным. Никто точно не знает, где и когда оно зародилось, когда перестало существовать и перестало ли?

Модерн представляет собой искусственно созданный художественный стиль, призванный подчеркнуть индивидуальность автора и отличающийся своей декоративностью и театральностью.

В разных странах это направление получило свои названия. Например, в Испании его ласково называют модерниссимо, в Италии — либерти, в Польше — сецессией, а в Австрии — Сецессионом. Немцы именовали его молодым стилем (югендстиль), а французы — ар нуво.

Основные идеи «современного» направления

Основной идеей модерна можно считать объединение всех видов искусств. Инициаторы этого стиля считали, что только так можно спасти мир. Красота как самоцель — вот что отличает приверженцев этого направления. Причем понятие красоты здесь проявляется в сложных асимметричных переплетениях четких контурных линий и практически монохромных плоскостей. Во всех элементах композиции прослеживается единый орнаментальный стилизованный ритм, свободная планировка.

Противопоставление личности обществу, отрицание рационализма, неприятие окружающей действительности и состояние безысходности стали основой для формирования таких направлений модернизма, как авангардизм, фовизм, экспрессионизм, футуризм, дадаизм, кубизм, сюрреализм, абстракционизм и т.

д. Все эти формы выходили за пределы традиционного понимания живописи. Модернисты возвышали изобразительное искусство над реальностью, провозглашая иррационализм. По сей день идеи модерна пользуются большим успехом у художников, эпатирующих окружающих своей неповторимой индивидуальностью и свободолюбием.

Широко известны такие художники-модернисты, как В. М. Васнецов, Н. К. Рерих, В. А. Серов, Л. С. Бакст, А. Я. Головин, С. В. Малютин, П. Гоген, П, Боннар, Г. Климт, У. Моррис, М. Дени и Э. Мунк.

Творчество русских художников-модернистов

Ярчайший представитель русского изобразительного искусства этого периода — Виктор Михайлович Васнецов (1848— 1926 гг.) — знаменит своими монументально-эпическими полотнами, картинами на темы русских сказок и былин.

Свое художественное образование Васнецов получал параллельно с обучением в духовной семинарии. С 1867 по 1868 г. он учился в Рисовальной школе Общества поощрения художников. Академическое образование получил в Петербургской академии художеств.

Его наставниками и учителями стали Э. Андриоли, И. Н. Крамской, П. В. Басин, В. П. Верещагин и П. П. Чистяков.

Впервые имя Васнецова зазвучало в 1874 г., когда на выставке в Петербурге был показан целый ряд его жанровых картин, наполненных характерным пониманием и остротой выражения чаяний жителей России.

Самым знаменитым произведением Виктора Васнецова, бесспорно, является полотно «Богатыри», написанное в 1881—1898 гг. и передающее силу и крепкую уверенность русского народа. Эта картина имеет огромную художественную ценность. Декоративное оформление цветовых сочетаний, орнаментальные мотивы и прекрасное чувство формы позволили художнику придать своим произведениям поистине народный характер.

Владимирский собор в Киеве, расписанный Васнецовым в 1885—1896 гг., по сей день является памятником изобразительного искусства мирового значения.

Художник и путешественник, археолог и писатель Николай Константинович Рерих (Рерих) (1874—1947 гг.), живший во многих странах мира с 1874 по 1947 г. , очень красочно и декоративно передавал природу и историю в своих прекрасных картинах, полных таинственности и мистицизма. Картины живописца отличаются контрастностью, контурным рисунком и весьма напряженной эмоциональностью.

Н. К. Рерих известен не только как художник и путешественник, но и как общественный деятель. Например, в 1954 г. по его инициативе в Гааге был заключен Международный пакт по охране культурных ценностей. Таким образом, Рерих внес огромный вклад не только в мировую сокровищницу, но и в историю развития искусства.

Следующий, не менее известный живописец этого периода — Валентин Александрович Серов (1865— 1911 гг.) — родился и вырос в интеллигентной семье. Первыми учителями этого «художника от Бога» (как его называли позднее) стали корифеи русского изобразительного искусства И. Е. Репин и П. П. Чистяков.

Произведения В. А. Серова раннего периода отличаются богатством колори та и композиционном свежестью. Впоследствии в его работах можно наблюдать гораздо больший лаконизм и «подчеркнутую остроту характеристик».

Наиболее известна одна из ранних работ Валентина Серова — «Девочка с персиками», написанная в 1887 г. На ее примере можно увидеть, как с помощью окружающего интерьера художник старается передать черты характера человека, изображаемого им на портрете. В тот период В. А. Серову было только 23 года, но звание истинного мастера он уже тогда носил по праву.

Весь творческий путь Валентина Александровича представляет собой поиск новых путей выражения художественного образа. Он создает целый ряд портретов артистов и музыкантов, писателей, художников и аристократов, пишет карикатуры на Николая И, изображает пейзажи, основной темой которых стала русская деревня.

Графические иллюстрации Серова к басням И. А. Крылова считаются высшим до стижением анималистики XIX в. В своих несколько юмористических рисунках художник очень тонко подмечает те человеческие качества, которые высмеивает в баснях Крылов.

Особое отношение у Серова к великой Петровской эпохе. В 1907 г. он написал небольшую, но очень значительную картину . «Петр Исполненная в свинцовосерых тонах, она поражает зрителей своей строгостью и динамичностью.

Еще один замечательный живописец Лев Самойлович Бакст (настоящая фамилия Розенберг) (1868 — 1924 гг.) — известен своими стилизованными античными и восточными картинами, графическими работами, и театральными декорациями. Лев  Самойлович был одним из организаторов объединения художников под названием «Мир искусства», Кроме того, огромную славу ему принесла работа по созданию декораций к балетам «Клеопатра», «Шахерезада», «Карнавал» и многим другими.

Выдающимся художником конца XIX начала XX вв. по праву считается и Александр Яковлевич Головин (1863—1 1930 гг.), чье творческое наследие характеризуется декоративным богатством, тонкостью стилистики и, по словам В. Э. Мейерхольда, «чистой театральностью». Большую значимость имеют театральные портреты, пейзажи и натюрморты живописца. Он является одним из лучших оформителей спектакля «Маскарад» М. Ю. Лермонтова, поставленного в Александрийском театре в 1917 г.

В театральной труппе С. П. Дягилева Головина считали одним из ведущих художников. С 1900 г. он работал в Большом театре, а вскоре стал главным декоратором императорских театров. Случилось это после того, как Головин великолепно выполнил декорации к спектаклям «Ледяной дом» и «Псковитянка».

Александр Яковлевич Головин входил в состав объединения «Мир искусства», был действительным членом Академии художеств.

Известным живописцем, графиком и портретистом по праву считается Сергей Васильевич Малютин (1859— |1937 гг.). Он создал целую галерею портретов деятелей русской культуры, иллюстрации к книгам и жанровые сцены («По этапу», 1890 г.). Самыми крупными его достижениями являются иллюстрации к «Сказке о царе Салтане», поэме «Руслан и Людмила» и другим произведениям Александра Сергеевича Пушкина.

Работы зарубежных художников-модернистов

Знаменитым представителем модерна во Франции считается Пьер Боннар. Основным мотивом его декоративно лирических работ стали пейзажи и бытовые сцены.

Не менее известен и другой французский художник — Морис Дени — один из основателей группы французских живописцев «Наби». Этот представитель модерна и символизма прославился своими плоскостными стилизованными картинами и иллюстрациями.

Австрийский художник Густав Климт знаменит своими плоскостными орнаментами, пейзажами и портретами, выполненными в мозаичной манере.

Одним из основоположников модерна считается знаменитый английский художник-самоучка Уильям Моррис, критикующий существующую социальную обстановку. В своем творчестве он противопоставлял себя окружающему миру, наполненному техникой. В 1881 г. вышла его статья «Несколько кратких советов по поводу составления узоров», послужившая толчком для развития нового течения в живописи.

Уильям Моррис — Прекрасная Изольда

С 1895 г. в Лондоне начал выходить журнал Морриса «The studio», пропагандировавший театрально-декоративную стилизацию и довольно быстро завоевавший огромную популярность. Кроме того, Уильям Моррис был превосходным писателем и теоретиком, изучающим каноны искусства. Наибольшую известность имеет его поэма «Земной рай», написанная в 1870 г.

Модернизм — Список художников по алфавиту | Художники

Модернизм — Список художников по алфавиту

А

Амедео Модильяни 1884-1920; Итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников конца XIX — начала XX века, представитель экспрессионизма — 369 картин
Анкетен Луи 1861-1932; Французский художник и теоретик искусства, один из основателей синтетизма в живописи — 84 картины
Анри Матисс 1869-1954; французский художник и скульптор, лидер течения фовистов — 576 картины

Б

Базиль Фредерик 1841-1870; французский живописец, один из основателей импрессионизма — 79 картин
Берта Моризо 1841-1895; французская художница, входившая в круг художников в Париже, ставших известными как импрессионисты — 315 картины
Боччони Умберто 1882-1916; итальянский художник, скульптор и теоретик футуризма — 126 картины
Бракемон Мари 1840-1916; французская художница, принадлежавшая к кругу импрессионистов — 40 картин

В

Винсент ван Гог 1853–1890; нидерландский художник-постимпрессионист, чьи работы оказали вневременное влияние на живопись XX века — 873 картины
Вуд Грант 1891-1942; американский художник, известный в основном картинами, посвящёнными сельской жизни американского Среднего Запада — 117 картин

Г

Грант Вуд 1891-1942; американский художник, известный в основном картинами, посвящёнными сельской жизни американского Среднего Запада — 117 картин
Гог, Винсент ван 1853–1890; нидерландский художник-постимпрессионист, чьи работы оказали вневременное влияние на живопись XX века — 873 картины
Гоген Поль 1848-1903; французский живописец, скульптор-керамист и график — 562 картины
Гонсалес Ева 1849–1883; французская художница-импрессионистка — 66 картин
Густав Климт 1862–1918; широко известный австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи — 214 картины

Д

Дега Эдгар 1834-1917; французский живописец, один из виднейших и оригинальнейших представителей импрессионистского движения — 765 картины
Джеймс Эббот Мак-Нейл Уистлер 1834-1903; англо-американский художник, один из ключевых тоналистов — предшественников импрессионизма и символизма — 333 картины
Джорджо Моранди 1890-1964; итальянский живописец и график — 117 картин

Е

Ева Гонсалес 1849–1883; французская художница-импрессионистка — 66 картин

Ж

Жорж Сёра 1859-1891; французский художник-постимпрессионист, основатель неоимпрессионизма, создатель оригинального метода живописи под названием дивизионизм, или пуантилизм — 198 картины

З

И

К

Кало Фрида 1907-1954; мексиканская художница, наиболее известная автопортретами — 101 картина
Климт Густав 1862–1918; широко известный австрийский художник, основоположник модерна в австрийской живописи — 214 картины
Клод Моне 1840-1926; французский живописец, один из основателей импрессионизма — 1314 картины
Кэссетт, Мэри Стивенсон 1844-1926; американская художница и график, писавшая в стиле импрессионизма — 405 картины

Л

Луи Анкетен 1861-1932; Французский художник и теоретик искусства, один из основателей синтетизма в живописи — 84 картины

М

Мане Эдуард 1832-1883; французский живописец, гравёр, один из родоначальников импрессионизма — 261 картина
Мари Бракемон 1840-1916; французская художница, принадлежавшая к кругу импрессионистов — 40 картин
Матисс Анри 1869-1954; французский художник и скульптор, лидер течения фовистов — 576 картины
Модильяни Амедео 1884-1920; Итальянский художник и скульптор, один из самых известных художников конца XIX — начала XX века, представитель экспрессионизма — 369 картин
Моне Клод 1840-1926; французский живописец, один из основателей импрессионизма — 1314 картины
Джорджо Моранди 1890-1964; итальянский живописец и график — 117 картин
Моризо Берта 1841-1895; французская художница, входившая в круг художников в Париже, ставших известными как импрессионисты — 315 картины
Мэри Стивенсон Кэссетт 1844-1926; американская художница и график, писавшая в стиле импрессионизма — 405 картины

Н

О

Огюст Ренуар 1841-1919; французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма — 1208 картины

П

Пабло Пикассо 1881-1973; испанский и французский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер — 1170 картины
Пикассо Пабло 1881-1973; испанский и французский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер — 1170 картины
Поллок Джексон 1912-1956; американский художник, идеолог и лидер абстрактного экспрессионизма, оказавший значительное влияние на искусство второй половины XX века — 117 картин
Поль Гоген 1848-1903; французский живописец, скульптор-керамист и график — 562 картины
Поль Сезанн 1839-1906; французский художник-живописец, яркий представитель постимпрессионизма — 612 картины

Р

Ренуар, Пьер Огюст 1841-1919; французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма — 1208 картины

С

Сезанн Поль 1839-1906; французский художник-живописец, яркий представитель постимпрессионизма — 612 картины
Сёра Жорж 1859-1891; французский художник-постимпрессионист, основатель неоимпрессионизма, создатель оригинального метода живописи под названием дивизионизм, или пуантилизм — 198 картины

Т

У

Уильям Тёрнер 1771-1851; британский живописец, мастер романтического пейзажа, акварелист — 504 картины
Уистлер, Джеймс Эббот Мак-Нейл 1834-1903; англо-американский художник, один из ключевых тоналистов — предшественников импрессионизма и символизма — 333 картины
Умберто Боччони 1882-1916; итальянский художник, скульптор и теоретик футуризма — 126 картины

Ф

Фрида Кало 1907-1954; мексиканская художница, наиболее известная автопортретами — 101 картина

Х

Ц

Ци Байши 1864-1957; известный китайский художник, каллиграф и мастер резьбы по камню — 153 картины

Ч

Ш

Щ

Э

Эдгар Дега 1834-1917; французский живописец, один из виднейших и оригинальнейших представителей импрессионистского движения — 765 картины
Эдуард Мане 1832-1883; французский живописец, гравёр, один из родоначальников импрессионизма — 261 картина

Я

Густав Климт, Обри Бердслей и другие художники модерна

Во Франции его называют «ар-нуво», в Германии —  югендштиль, в Австрии — сецессион,  в США — тиффани, в России — модерн. Но при разности названий у этого направления, которое возникло в разных странах мира во 2-й половине XIX века и существовало до 1 мировой войны общие особенности: в живописи, архитектуре, прикладном искусстве не найдешь прямых линий — плавные, закругленные, они часто напоминают растительный орнамент. Художники модерна готовы черпать вдохновение в образах природы. С другой стороны, они активно используют достижения технического прогресса: стекло, многочисленные металлические детали украшают и здания, и интерьеры. Я предлагаю краткую иллюстрированную лекцию о художниках Г. Климте, О. Бердслее, А. Мухе и в конце — презентацию об искусстве модерна

Содержание

1. Модерн. Особенности стиля. Архитектура
2. Обри Бердслей
3. Австрийский сецессион и Густав Климт
4. Альфред Муха.
5. Презентация и вопросы для самопроверки

Модерн — особенности стиля. Архитектура

Вообще модерн — это не просто отдельные произведения искусства. Это скорее стиль жизни — утонченный, порой слишком, но немного нервный. Словно в предчувствии отдаленных бед и сложностей грядущего XX века буржуазия Европы и Америки хотела пожить не просто комфортно, и богато, но и изысканно, создав себе маленький мир, где вокруг столько красивых вещиц: посуды, мебели, ну и картин, конечно. С этим связана еще одна особенность периода модерна или ар-нуво: граница между художниками и ремесленниками не то что совсем исчезла, но стала гораздо менее выражена. Немало замечательных живописцев, кроме писания картин не гнушались рисованием афиш, рекламных плакатов или созданием посуды и украшений. И это только прибавляло им славы.

Надо сказать, это будет время повышенного интереса к мистике, средневековью. Просвещенная публика увлекалась спиритизмом, зачитывалась поэмами из жизни средневековых рыцарей. Кстати, модерн как раз начался с книг теоретиков искусства Джона Рёскина и Уильма Морриса, которые восхищались средневековьем и ранним Возрождением и опасались,что технический прогресс убьет подлинное искусство и ремесло, а человека сделает рабом машин. Как все повторяется!

Немало архитекторов работали в этом стиле: среди них — испанец Антонио Гауди, создатель удивительных зданий, среди которых  самое известное — собор Саграда Фамилиа в Барселоне. 

Собор заказали молодому архитектору Гауди, и это стало главным делом его жизни. У архитектора не было полного, конечного плана, он относился к Саграде Фамилии как к своему ребёнку и считал, что тот должен свободно расти и развиваться. Сегодня, смоделировав собор с помощью компьютерных технологий, ученые убедились, что здание спроектировано и построено удивительно точно.

Гауди погиб в 1926 году, его сбил трамвай. Великого архитектора приняли за нищего, и ни одна машина не согласилась везти живого еще Гауди в больницу. Строительство собора длится уже почти 140 лет. Обещают, что леса снимут в 2026 году.

Гауди был удивительным и неповторимым. Он творил фантастический мир, следуя своему вдохновению. Большинство создателей архитектуры модерн преследовали цели практические: создать красивое здание и изысканный, комфортный интерьер. Кстати именно в это время в богатых домах стали появляться лифты и центральное отопление.

Один из ярких представителей модерна —  бельгиец Виктор Хорта (1861-1947). Удача улыбнулась ему, когда он в 1888 году стал членом масонской ложи. Тогда молодой архитектор познакомился с Эмилем Тасcелем, который заказал ему проект отеля. После выполнения этого заказа у Хорта (или Орта) не было отбоя от клиентов.

Он и для себя построил дом. Там теперь его музей. Здесь весь набор приемов модерна: узорные решетки,  эркеры, закругленные балкончики, арки, плавно изгибающиеся лестницы, много металла и стекла.

Еще один бельгиец, архитектор Анри Ван дер Вельде не только спроектировал свой дом, интерьер, но даже платья, которые сочетались бы со стилем дома.

К достижением архитектуры и дизайна модерна обращаются и сегодня. Среди художников наиболее яркие имена: Обри  Бердслей, Альфонс Муха, Густав Климт, в какой-то мере Тулуз-Лотрек.

Обри  Бердслей (1872-1898).

Кажется, у Бердслея не было шансов остаться в истории, ведь у него было так мало времени: всего 25 лет. Его отец был болен туберкулезом, Обри с 7 лет знал, что и он несет в себе эту болезнь. Из-за нее он с большими перерывами посещал  школу, не было речи о систематических занятиях в художественной. Но с ним много занималась мать, и мальчик детства  пристрастился к чтению и писанию стихов, с 4 лет рисовал, а к 11 годам настолько преуспел в занятиях музыкой, что вместе с сестрой давал концерты для большой аудитории. После школы устроился было на работу, но скоро начал кашлять кровью, и работу пришлось бросить.

В это время судьба привела его в студию художника Эдварда Берн-Джонса. Едва глянув на работы юноши, он сказал:  «Природа сделала вам подарок, необходимый для того, чтобы стать великим художником. Я редко или никогда не советую кому-либо заниматься искусством как профессией, но в вашем случае другого не могу сказать».

В 1892 году  20-летний Обри получил первый заказ: сделать иллюстрации к роману «Смерть Артура».  Еще в XV веке, сидя в заключении, рыцарь Томас Мэлори записал  старинные предания о легендарном короле Артуре, рыцаре Ланселоте, святом Граале, Тристане и Изольде. Книга поначалу была очень популярна, потом призвана варварской и забыта. А в XIX веке с ростом интереса к средневековью стала снова востребована. Славы ей прибавили и иллюстрации Бердслея.

Уже в первой работе мы видим сложившийся стиль, для которого характерны плавные текучие линии, контраст черных и светлых пятен, обилие орнамента. Светотени у Бердслея  отсутствуют. Его друг и издатель Джон Лейн писал, что он «двинул искусство черного и белого дальше, чем кто бы то ни было со времен Альбрехта Дюрера». Впрочем, нередко с пятнами сочетается тончайшая штриховка. Вот как художник определял особенности своего стиля: «Фантастическое впечатление от рисунка достигается тонкой виртуозной линией в сочетании с большими пятнами сплошного черного цвета«.

Еще более выразительными стали его черные пятна в иллюстрациях к пьесе О. Уайльда «Саломея». Сюжет о Саломее, которая танцевала перед царем Иродом и в награду за танец, по совету матери, потребовала голову Иоанна Крестителя есть в Евангелии. Но у Уайльда это пьеса о страсти. Саломея любит Иоканаана (Иоанна), а он ее отвергает. И, заставив Ирода убить пророка, она не перестает его любить.

Работы Бердслея порой шокировали публику викторианской Англии. Говорят, перед смертью он стал религиозен и просил друга уничтожить свои произведения, чего тот не сделал. Иллюстрации художника оказали большое влияние на искусство модерна.

Густав Климт (1862 — 1916)

Климт родился в предместье Вены, столицы Австро-Венгерской империи, с очень консервативными традициями. Поначалу, после окончания Венской школы искусств в 1883 году его работы вполне удовлетворяли вкусы венской публики, которая хотела классической красоты. Молодой художник был очень успешен. Ему было 26 лет, когда он с братом расписывал Бургтеатр, а потом Венский музей истории искусств. В вестибюле театра на стенах были изображены сцены из спектаклей и зрители. Жители Вены были в восторге от росписей, а художников наградил сам император

В 1945 году театральное здание было разрушено бомбардировкой. К счастью, от него сохранились лестничные пролеты с работами Климта. После такого успеха у художника не было отбоя от богатых заказчиков, которые хотели, чтоб он писал портреты их жен, дочерей.

Климт нравился всем, создавая образы нежные, воздушные. Это было почетно, выгодно, но в Париже уже отшумели споры об импрессионистах, уже известны Гоген и Ван Гог. Венским художникам тоже хотелось создавать современное искусство. И тогда зародился Венский сецессион (от лат. secessio — отделение, обособление). Их девизом стало «Каждой эпохе свое искусство, каждому искусству свободу».  Художники Венского модерна заявляли, что они творят современное искусство о современной эпохе. Честно говоря, они были не так радикальны, как их французские коллеги. Венские модернисты не отказывались от античного, египетского и средневекового наследия. Но все же порой их работы вызывали скандал. Так, когда Климт сделал работы «Философия. Медицина. Юриспруденция» для оформления актового зала Венского университета, жители города собирали подписи за то, чтоб запретить показывать такие картины молодежи.

В итоге Климт выкупил свои работы у университета и больше не рисовал для общественных зданий. В знак протеста он написал картину «Голая правда». Сохранились только старые репродукции университетских картин, потому что они сгорели при пожаре в конце войны.

В 1889 году состоялась первая выставка Венского сецессиона. На ней была выставлена его » Афина Паллада».  Кстати, потом именно ее художники венского модерна сделают своим символом.

Афина Климта — не прекрасная и мудрая богиня классической Греции. Это древняя воительница — сильная и беспощадная. Традиционная богиня победы Ника в ее руках вовсе не похожа на античную статуэтку.  В этой манере Климт писал женщин на картинах для Венского университета. На груди  Афины — изображение Медузы Горгоны.

Через 2 года в 1901 он напишет «Юдифь» —  у нее в руках отрубленная голова Олоферна (правда, кто-то считеат, что это Саломея с головой Иоанна Крестителя). На ее лице нет ни жалости, ни страха- только торжество и страсть. Надо сказать, с этих работ начнется его «золотой период», когда Климт использовал в работах сусальное золото. Во время поездки в Италию художника поразили византийские мозаики с их золотым фоном и сверкающими кусочками смальты. А, может, сказались и детские впечатления, ведь его отец был ювелиром.

Время модерна совпало с началом борьбы женщин за равноправие. И если в обществе до равенства в правах было еще далеко, то на картинах художника они уже победили. Именно так выглядят и Юдифь, и Афина. Климт будет создавать и реальные портреты эмансипированных женщин.

В 1907 году художник написал одну из самых знаменитых своих картин — «Портрет Аделины Блох-Бауэр». Это была современная дама, жена богатого сахарозаводчика, которая курила сигареты в длинном золотом мундштуке, изучала философию, проповедовала социализм, атеизм и равные права для женщин. Климт бывал в ее салоне, не раз писал ее. Кстати, Юдифь тоже писана с Адели. Говорили, что у них роман. Заказал портрет жены Фердинанд Блох в 1903 году, поставив условие, чтоб художник написал не менее 100 эскизов. Так что работа длилась 4 года.

Что там было так долго рисовать, когда большая часть полотна — сусальное золото? Положение головы и рук. А еще считалось, муж хотел, чтоб во время работы над портретом художник и модель надоели друг другу. Так разрешилась проблема любовного треугольника.

Портрет Адели называли «декадентская икона» не только потому, что это одна из самых известных картин времен декаданса, но и потому что это был возврат к технике иконы, где  в средние века фон был золотым —  знак принадлежности к божественному миру, а взору верующих были открыты только голова и руки, остальное закрыто окладом из драгоценных металлов и камней. Только в эпоху модерна золото —  наоборот — знак земного богатства. Как на иконах, здесь изображение совершенно плоское, а одежда изображена даже более условно, чем в средневековой живописи — она состоит из многочисленных орнаментальных узоров, которые окутывают героиню с головы до ног.

К золотому периоду относится и самая знаменитая картина Климта — «Поцелуй». Он написал ее тоже в 1907 году.

Всех просто завораживает эта то ли картина, то ли мозаичное панно: золотой фон, цветы, орнамент. А, если вдуматься, она вызывает немало вопросов. Какой-то странный поцелуй. Она отвернулась, и он ее целует в щеку. Такие поцелуи в эпоху модерна? Левой рукой девушка то ли удерживает руку мужчины, то ли отталкивает ее. Она-то стоит на коленях, а он? А роста почти одного. Они оба на цветущем лугу, но ноги ее свисают с обрыва. Что бы это значило? Лица мужчины не видно. Кто-то предполагал, что художник изобразил себя.

Еще одно предположение, что женщина — Эмилия Флеге. Климт был героем многочисленных романов. Но имя этой женщины стоит особняком. Об их отношениях толком ничего не известно. После смерти Климта Эмилия сожгла его письма. Первый портрет он написал, когда ей было 17 лет. Известно, что они много времени проводили вместе. Она так и не вышла замуж, он всю жизнь жил с матерью и сестрами. После инсульта он попросил позвать ее. Это были его последние слова. Эмилия тоже была современной женщиной. Вместе с сестрами она открыла известный салон высокой моды, Климт для нее делал эскизы тканей и придумывал фасоны платьев. Тогда дамы еще носили корсеты. Платья свободного покроя, которые она шила, не требовали этой детали туалета. Как раз в таком наряде Климт ее нарисовал в 1902 году.

Очевидно, что рисунок ткани выполнен Климтом в типичной для него мозаичной манере. Надо сказать, в конце XIX века художники писали или крупными мазками, как импрессионисты, или вовсе оперировали большими цветовыми пятнами, как Гоген. Климт создает картины, словно выкладывая их из мелких кусочков смальты или стекла. Причем, не только детали одежды, но и пейзажи.

Там часто изображено озеро Аттерзее, где Эмилия проводила лето. Подолгу там жил и Климт. В замке Каммер, построенном в XII веке обитали когда-то аристократы и императоры. Художник несколько раз рисовал его.

Альфонс Муха (1860 -1939)

Альфонс Муха родился в Чехии, кстати, она входила тогда в Австро-Венгрию. Мальчик из бедной многодетной семьи увлекался и музыкой, и театром: играл, писал декорации, но вынужден был заботиться о заработке. Он попытался поступить в Пражскую академию художеств, но там ему посоветовали не думать о живописи, так как у него нет таланта. Возможно, мы бы сегодня не знали художника Муху, если бы в графском замке Гандегг, где молодой человек расписывал стены, хозяин не оценил бы его работу. Граф Куэн решил оплатить учебу талантливого юноши. Но настоящей школой для него стал Париж, куда Муха приехал в 27 лет в 1887 году. Он знакомится с Гогеном, Матиссом, говорят, одно время жил в одной комнате с Ван-Гогом. До 1890 года получал помощь от графа Куэна. Но потом ему пришлось зарабатывать самому. Муха брался за любую работу: оформлял календари, колоды карт, работал в типографии. В 1893 году судьба свела его с великой актрисой Сарой Бернар. Ей понадобилась афиша. В издательстве перед Рождеством остался один Муха, ему поручили выполнить заказ. Актрисе афиша очень понравилась, и отныне она хотела работать только с чешским художником. Он будет не только оформлять ее спектакли, но и делать для нее украшения. Что так понравилось великой актрисе? У всех есть свои комплексы, великая Бернар страдала от своего маленького роста, да и немолода уже была. А здесь она высокая, нежная, таинственная. Именно этот образ стал отправной точкой в развитии художника.

Причем он не льстил — Муха именно такими видел женщин. Для многих художников модерна женщина — источник удовольствия. Муха разделял идеи мистиков, что женщина — вечно переменчивая душа мира. За афишами, которые он делал к спектаклям Сары Бернар, сразу стали гоняться коллекционеры. Ему посыпались заказы: новые афиши, календари,  Муха не отказывается разрабатывать рекламные плакаты, меню, винные этикетки. Надо сказать, получалось у него все красиво и ненавязчиво. Производители вин благодаря художнику поняли, что шампанское гораздо лучше будет продаваться, если на этикетке будет не бокал вина, а изящная женщина. Сразу и не поймешь, глядя на эти изображения, что это реклама не только парфюма, но пива, вина, сигарет.

По эскизам Мухи ювелир Жорж Фуке создает ювелирные украшения. Чешский художник оформит и ювелирный салон Фуке, который станет одним из знаковых мест Парижа.

К началу XX века Муха настолько популярен, что все хотят иметь хоть какую- то его работу. И он выпускает альбом «Декоративные документы», который стал первым учебником по дизайну. Автор опубликовал свои эскизы посуды, платьев, ювелирных украшений, чтоб каждый желающий мог заказать для себя вещь по его картинкам у любого художника. Он надеялся хоть немного уменьшить число своих клиентов, но наоборот, заказов стало только больше.

Мы говорили уже, что в ар-нуво или модерне очень важен орнамент. Напомним, одна из особенностей стиля — обращение к природным мотивам. Классическим орнаментом эпохи модерна является «удар бича» или цикламен.  Для своих орнаментов художники модерна выбирают растения с причудливой формой. При этом цветы имеют определенное символическое значение. Орхидея — великолепие, роскошь. Ирис — свет и надежда. Чертополох — символ мужества и стойкости. Мак — символ перехода между сном и явью. Встретим мы и водяные лилии, водоросли, все, что струится, образуя причудливое обрамление изображения.

Вообще фирменное изображение Альфонса Мухи —   стилизованная фигура прекрасной грациозной женщины, в обрамлении стилизованных цветов. С 1896 года Муха разрабатывает серии декоративных панно, из которых самыми известными стали «Четыре времени суток», «Четыре цветка», «Четыре времени года».

Их делали в виде плакатов или шелковых панно, которые украшали дамские будуары.

Стиль Мухи был настолько популярен, что для современников он был олицетворением стиля модерн. Но скоро эти занятия стали тяготить художника. Он так и не полюбил Париж с его суетой, его не привлекала шумная богемная жизнь, да и создавать красивые панно для дамских гостиных надоело. Муха хотел вернуться на родину в Чехию и заняться настоящей живописью. Он мечтал создать цикл картин об истории славянских народов.  Ему было обидно, что в Европе мало о них знают. Чтоб заработать денег, он, следуя совету Сары Бернар, отправился в США. Но там он довольно встретил спонсора, который готов был профинансировать славянский цикл картин.  Он вернулся в Чехию, женился и 20 лет писал большие многофигурные картины об истории разных славянских народов -«Славянскую эпопею». О своем замысле он писал, что хочет ««возвестить чужеземным друзьям и чужеземным врагам, кем мы были, кто мы есть, и к чему мы стремимся».  Он изучает историю своего народа, едет в Польшу, Россию. 10 картин он посвящает Чехии, еще 10 — другим славянским народам. Вот некоторые названия: «Славяне на исконной Родине», «Праздник Свантовита», «Введение славянской литургии в Моравии». Тема картины о России — «Отмена крепостного права в марте 1861 года».

21 сентября 1928 года 68-летний Муха торжественно передал свои картине в дар Праге. Но на родине к ним остались равнодушны. Тема славянства даже в Праге не казалась актуальной. Муха хотел, чтобы город построил для его картин отдельное здание, но это так и не было выполнено. В итоге картины потерялись. Гитлер, заняв Чехию, хотел уничтожить полотна художника, но никто не знал, где они. В середине 50-х годов эти работы обнаружили. Они были намотаны на бобину и закопаны в землю. Оказалось, все картины хорошо сохранились. Теперь для «Славянского цикла» нашлось, наконец, место в Праге, их выставляют и в разных странах мира. Муха когда-то сказал: «Время скажет свое слово». Похоже, он был прав.

Посмотреть или скачать презентацию можно, пройдя по ссылке:https://drive.google.com/file/d/1Y-gmRGiHwosJnwo-NJGiJWvcZYMulxun/view?usp=sharing

Вопросы для художественной школы.

1. 1. В Австрии модерн назывался
   2. Ар-нуво стиль назывался во…
   3. Особенности стиля модерн
   4. Джон Рёскин и Уильм Моррис опасались прогресса и восхищались эпохами…
   5. Архитекторы, которые работали в стиле модерн
   6. Этот архитектор считал, что прямая — порождение человека, а круг- Бога
   7. Антонио Гауди — автор прославленного собора …
   8. Этот архитектор создавал не только здание, интерьер, но даже платья, которые подходят по стилю дому.
   9. Бердслей прожил… лет
   10. В 20 лет он получил заказ на иллюстрации к книге….
   11. Бердслей писал о достоинствах своего стиля: «Фантастическое впечатление от рисунка достигается…» чем?
   12. Бердслей создал иллюстрации к пьесе Уайльда…
   13. В 26 лет Климт получил заказ расписать…
   14. Какую картину Климта художники сецессиона сделали своим символом?
   15. Картины «золотого периода» Климт писал под влияем искусства…
   16. Что сближает живопись Климта со средневековьем?
   17. Какие узоры на одежде мужчины и женщины в «Поцелуе»?
   18. Какой бизнес был у Эмилии Флеге?
   19. Муха родился в стране…
   20. В 1893 году у него произошла судьбоносна встреча с…
   21. Он делал рекламу для товаров…
   22. Вместе с Жоржем Фуке он делал…
   23. Этот альбом Мухи считается первым учебником по дизайну
   24. На языке модерна мак символизировал…
   25. Муха мечтал написать цикл картин о…
   26. Картина о России называлась…
   27. Картины славянского цикла нашли в 50-е годы (где?)
   28. Назовите картины и авторов:

Стиль модерн в живописи: черты, представители, художники

В конце XIX в. в искусстве появляется новый стиль, приверженцы которого пытаются отойти от историзма и эклектизма современного искусства. Этот стиль получил название модерн (от латинского modernus — новейший, современный).

Ярче всего модерн проявился в архитектуре, книжном оформлении, искусстве плаката. Затронул он также скульптуру и живопись.

Впервые новый стиль заявил о себе в Англии. В других западноевропейских странах модерн сформировался в 1880-х гг. Во Франции он носил название «ар нуво», в Германии — «югендстиль», в Австрии — «сецессион», в Италии — «либерти», в Испании — «модернисмо», в Польше — «сецесия».

Появление подобного искусства во многом предопределило творчество У. Морриса, Дж. Рёскина, прерафаэлитов и английских графиков У. Блейка и У. Крейна.

Живопись модерна характеризуется внешней декоративностью, стилизацией, плоскостной орнаментальностью. Нередко художники в своих произведениях использовали растительные мотивы. Стебли, листья и цветы как будто увядших экзотических растений сплетались в причудливый узор, в котором иногда появлялись фигуры женщин или фантастических существ. Плавные контурные линии, вытянутые фигуры, соединяющиеся цветовые плоскости (нередко монохромные) делали изображение очень эффектным. Благодаря таким качествам живописный язык модерна нередко использовали символисты для воплощения своих идей и образов.

С искусством модерна связаны имена таких известных художников, как П. Гоген, П. Боннар, М. Дени, Э. Вюйар, П. Серюзье во Франции, Э. Мунк в Норвегии, Ф. Ходлер в Швейцарии, Г. Климт в Австрии, Ф. фон Штук в Германии.
Ярким представителем модерна в книжной графике был О. Бёрдсли.

Обри Бёрдсли

Обри Винсент Бёрдсли родился в 1872 г. в состоятельной английской семье. В 1891 г. он поступил в Вестминстерскую художественную школу Ф. Броуна. В свободное от занятий время молодой художник отправлялся в лондонские музеи и галереи. Большое впечатление на него произвело искусство А. Дюрера, Микеланджело, С. Боттичелли. Особое восхищение Бёрдсли вызывали гравюры А. Мантеньи, с которых он делал копии.

Значительное влияние на формирование художественного стиля Бёрдсли оказало искусство японской гравюры, творчество французских живописцев XVIII в. и произведения прерафаэлита Э. Бёрн-Джонса. Немного позднее его внимание привлекло творчество К. Лоррена, А. Ватто, П. Прюдона, Ж. Калло и Г. Моро.

В конце 1891 г. к Бёрдсли пришла настоящая известность. Самой крупной работой этого периода стала серия иллюстраций к «Сказаниям о короле Артуре» Джона Дента. В том же году художник познакомился с Э. Бёрн-Джонсом, искусством которого всегда восхищался.

С 1893 г. Бёрдсли работает над иллюстрациями для журналов, часть которых издается под его руководством («Желтая книга», 1894-1895, совместно с Х. Харлендом; «Савой», 1896, совместно с А. Саймонсом), а также создает рисунки для книг (иллюстрации к «Смерти Артура» Т. Мэлори, 1893-1894; к «Саломее» О. Уайльда, 1894; к рассказам Э. По; к «Похищению локона» А. Пуопа, 1896; эскиз для обложки и заставка к роману «Сцены парижской жизни» О. Бальзака, 1897; иллюстрации к «Вольпоне» Б. Джонсона, 1897). В этих немного легкомысленных и изящных работах заметно влияние французской гравюры XVIII в.

Вместе с популярностью к Бёрдсли приходит материальное благополучие. Но это не спасает его от тяжелой болезни — туберкулеза, который с детства мучает художника. Отсюда и глубокий трагизм, пронизывающий иллюстрации Бёрдсли к «Падению дома Эшер» Эдгара По.

Эротические рисунки Бёрдсли к «Правдивой истории Лукиана» вызывают негодование со стороны официальных кругов. Эти иллюстрации в 1895 г. и стали причиной ухода художника из «Желтой книги».

В 1896 г. Бёрдсли едет лечиться на курорт в Ипсом. В этом же году он создает очень остроумные и эротичные иллюстрации к «Лисистрате» Аристофана, а также к сатире Ювенала. Через два года умирающий художник будет умолять издателя уничтожить фривольные рисунки, но, к счастью, последний не выполнил просьбы и сохранил для нас замечательные творения английского графика.

О. Бёрдсли. Обложка к журналу «Савой». 1896 г.
О. Бёрдсли. Туалет. Иллюстрация к поэме А. Пуопа «Похищение локона». 1896 г.

В ряде произведений Бёрдсли заметен интерес к религиозным и мистическим сюжетам. Увлечение оккультными науками отразилось в рисунке, названном автором «О Неофите, или Как он был посвящен в черную магию демоном Асомуэлем» (1893). Имя демону, олицетворяющему бессонницу, придумал сам Бёрдсли.

Не менее загадочным кажется рисунок «Поцелуй Иуды» (1893), свидетельствующий об интересе художника к духовному, внутреннему миру человека. Эти же мотивы присутствуют и в других произведениях Бёрдсли.

Обри Бёрдсли, проживший очень короткую жизнь (он умер в 1898 г.), оставил глубокий след в европейском искусстве. Утонченные и хрупкие, но в то же время ироничные и живые рисунки английского графика оказали большое влияние на мастеров последующих поколений.

Густав Климт

Густав Климт, австрийский живописец, график и декоратор, крупный представитель венского модерна, родился в 1862 г. в Вене.

В 1876-1883 гг. Климт учился в венской Школе художественных ремесел у живописца Ф. Лауфбергера. Первые его картины — это исторические композиции, отразившие влияние академического искусства.

Вместе с Х. Макартом Климт занимался монументальными декорациями. Среди подобных работ — живописное панно лестницы Музея истории искусства в Вене (1891). Эта работа, как и аллегорические композиции 1890-х гг. («Любовь», 1895), напоминает живопись художников-символистов Я. Тооропа и Ф. Кнопфа.

Большую роль в развитии венского модерна (югендстиля) сыграл «Сецессион» — объединение художников и архитекторов, отвергавших традиции академического искусства. В 1897 г. Климт стал президентом «Сецессиона». В начале 1900-х гг. художник, исполняя заказ Министерства культуры, создал три монументальных панно для актового зала Венского университета («Философия», 1900; «Медицина», 1901; «Юриспруденция», 1903). К сожалению, в годы Второй мировой войны все три панно были уничтожены. В этих произведениях ярко проявились черты модерна: ассиметричное композиционное построение, причудливые, напоминающие сложный орнамент переплетения обнаженных человеческих тел. Явная эротичность этих работ Климта, а также пессимистический дух, пронизывающий их, стали причиной отказа от панно профессуры университета.

Зрелым художником со сложившейся манерой письма Климт предстает в «Бетховенском фризе» (1902) , вошедшем в монументальный ансамбль здания «Сецессиона». В этом произведении выразилась попытка мастера с помощью живописно-аллегорических образов интерпретировать Девятую симфонию Бетховена. Ритм вытянутых фигур «Бетховенского фриза» напоминает изменяющийся темп музыкального произведения. Одежду людей, изображенных в росписях, а также фон покрывают причудливые орнаментальные линии и сверкающие золотом и серебром краски. В таком же стиле выполнена и мозаика обеденного зала во дворце Стокле в Брюсселе, созданная Климтом в 1911 г.

Картинам, написанным Климтом в 1900-х гг., свойственно сочетание объемной моделировки фигур людей с плоскостной орнаментальностью. Художник покрывает части обнаженного человеческого тела яркой мозаикой и золотыми узорами. Лица и тела как будто проступают сквозь спирали, геометрические фигуры, причудливые цветы и стебли экзотических растений. В такой манере исполнены картины «Юдифь» (1901), «Поцелуй» (1907-1908), «Три возраста» (1908), «Саломея» (1909) .

Г. Климт. Юдифь. 1901 г.
Г. Климт. Три возраста. 1908 г.

В 1910-х гг. живопись Климта несколько меняется: исчезает обилие золота, в образах появляется экспрессия. Таковы символические композиции «Девушка» (1913), «Невеста» (1917-1918).

В стиле модерн исполнены и пейзажи Климта («Поле маков», 1907; «Дворец у воды», 1908; «Аллея в парке», 1912) .
Умер Густав Климт в 1918 г. в Вене.

В стиле модерн работал также немецкий художник М. Клингер.

Макс Клингер

Немецкий живописец, график, скульптор Макс Клингер родился в Лейпциге в 1857 г. Учился в лейпцигской Школе искусств у известного мастера Ф. Брауэра. В 1874-1875 гг. он продолжил обучение в Карлсруэ в Академии художеств у К. Гуссова, а в 1876 г. начал посещать берлинскую Академию. Жил и работал в Лейпциге в Берлине. В 1879 г. посетил Карлсбад, Мюнхен, Брюссель, где занимался в мастерской Э. Х. Ваутерса.

С 1881 г. художник жил в Берлине, а с 1883 г. — в окрестностях немецкой столицы на вилле «Альберс». В 1867 г. Клингер вместе с А. Бёклином посетил Париж, а в 1886-1889 гг. — Италию. В 1892 г. он стал одним из основателей «Общества берлинских художников», а позднее вошел в мюнхенский «Сецессион». С 1897 г. Клингер — профессор графики лейпцигской Академии художеств.

Ранние работы художника отмечены влиянием академической живописи. В эти годы (конец 1870-х) он пишет картины на античные и исторические сюжеты («Падение у стены», 1878; «Смерть Цезаря», 1879).

В 1880-е гг. Клингер начал создавать произведения с символическим содержанием. С этого времени в его живописи преобладают аллегорические или фантастические образы («Морской бог в волне прибоя», 1884-1885). Его картины напоминают полотна Г. фон Маре, А. Бёклина, А. Фейербаха. О близости с искусством Фейербаха говорит, например, такая картина Клингера, как «Миссия», вытолненная в 1880 г. Художник натуралистично и несколько театрально изобразил на своем полотне сидящую у моря обнаженную женщину, рядом с которой стоят ворон и цапля.

В форме удлиненного панно (что очень характерно для живописи символистов) выполнены пейзажи Клингера «Вечер» (1882), «Горное ущелье» (1884), «Летний пейзаж» (1884-1885).

Живописца всегда интересовала тема скоротечности земной жизни и неотвратимости смерти. Подобные мотивы нередко увлекали не только современных ему художников, но и мастеров прошлых эпох. В духе искусства Возрождения написаны картины «Надгробный плач» (1890), «Распятие» (1890). Легенда о золотом веке — времени, когда все люди были счастливы и жили в гармонии с природой, — нашла свое отражение в таких работах Клингера, как «Голубой час» (1890), «Источник» (1891-1892), триптих «Воспоминание о Париже» (1908). Эти полотна показывают зрителю фигуры прекрасных юношей и девушек, олицетворяющих давно ушедшие времена. Нижнюю часть триптиха «Воспоминание о Париже» художник украсил скульптурным орнаментом, выразив таким образом свойственную эстетике символизма идею объединения раз-личный видов искусств.

Большой интерес представляет еще один триптих Клингера — «Христос на Олимпе» (1897). Художник помешает героев христианской истории в античную эпоху, ставя во главу угла Божественное начало. Это произведение свидетельствует об изменении живописных приемов автора: теперь главную роль в создании картины играет контур и цветовые пятна, с помощью которых Клингер моделирует объемы.

Искания в области новых художественных средств отразились и в скульптурных работах Клингера, в которых мастер сочетает разные породы мрамора с золотом, слоновой костью; покрывает скульптуры краской («Саломея», 1893; «Бетховен», 1902).

М. Клингер. Суд Париса. 1887 г.

Значительное место в творчестве Клингера занимают графические работы: афиши для выставок «Сецессиона» и прекрасные гравюры (серия «Перчатка», 1881).

Умер художник в 1920 г. Его творчество сыграло большую роль в развитии искусства модерна.

Как уже говорилось выше, модерн быт тесно связан с символизмом. Многие художники, работавшие в стиле модерн, на разных этапах своего творчества увлекались идеями символизма.

Архивы современных художников — Художники вдохновляют художников

Я — иллюстратор, дизайнер узоров и разносторонний творческий человек, родился в Лондоне, Англия. Когда мне было семь лет, я переехал в Веллингтон, Новая Зеландия, а сейчас живу в Мельбурне, Австралия. Я люблю двигаться, развиваться и создавать новые впечатления, которые сильно влияют на мое искусство. Мне нравится комбинировать предметы и портреты с полупрозрачностью, цветами, жучками …

Дэвид Хокни, возможно, величайший из ныне живущих художников в мире. Сейчас ему 78 лет, он перенес инсульт и почти полностью глух. Но он все еще работает, продолжает творить — и все еще поражает своей непостоянной оригинальностью, которая вдохновляет. Когда многие думают о Хокни и его искусстве, они думают о бассейнах, о мальчиках в душевых …

Соне Делоне потребовалось много времени, чтобы получить свою первую ретроспективу в Великобритании, и действительно, она умерла еще в 1979 году. Имея это в виду, это в некотором роде пародия, что только в 2015 году лондонская галерея Тейт Модерн наконец сделала то, на что ни у кого не хватило смелости, и стала одой работам великих художников. Возможно один …

Эдгар Дега был талантливым художником, когда импрессионистское движение впервые зародилось во Франции в середине 18 века. Всегда одинокий волк, высоко ценивший себя и способный содержать себя благодаря богатой семье так, как не могли его сверстники, он никогда не называл себя импрессионистом, но в то же время он…

В разгар аномальной жары на юге Франции Анри Матисс посетил давний любимый бассейн, чтобы расслабиться. Не в силах должным образом остыть и считая толпу невыносимой, Матисс потребовал от своего помощника, чтобы они немедленно отправились домой, где он начнет работу над своим собственным бассейном, по-своему. В результате получился Бассейн (1952) …

Сотрудничество между Энди Уорхолом и Жаном-Майклом Баския развилось в 1980-х годах после того, как они были представлены друг другу арт-дилером Бруно Бишофбергером.Эти отношения — личные и профессиональные, хорошие и плохие — подробно описаны в «Дневниках Энди Уорхола». Начиная с 1976 года Энди Уорхол стал называть своего …

Минималистское искусство — это стиль искусства, характеризующийся сочетанием визуальных элементов. Этот стиль зародился в Нью-Йорке и стал важной частью американского изобразительного искусства начала 1960-х годов.Минималистское искусство — это реакция на абстрактный экспрессионизм и попытки убрать элементы самовыражения, иллюзий, метафор и эмоций из …

Эти картины написаны английским художником Дэвидом Хокни, который был большой частью движения поп-арт и сейчас живет как в Лондоне, так и в Южной Калифорнии. В последние годы он начал рисовать на Ipads и написал сотни картин, которые отправляет своим друзьям.

Эрик Фишль ненавидит художественные ярмарки. «Они похожи на скоростные свидания», — сардонически говорит он. Но художнику всегда нужен предмет, и однажды фигуративный художник обнаружил, что задает вопрос; «Что, если я сделаю художественные галереи и художественные ярмарки предметом обсуждения?» Художественные ярмарки и открытия галерей составляют предмет обсуждения…

Swoon, настоящее имя Caledonia Dance Curry, недавно участвовал в проекте Djerbahood Project, популярной схеме уличного искусства, целью которой было спроектировать музей под открытым небом на острове Джерба, расположенном немного у побережья Туниса. Коммунальный проект, который может быть замечен публикой открыто, созвучен личным идеалам Сууна.Уличный художник …

Дэвиду Линчу шестьдесят восемь. Знаменитый кинорежиссер, он известен своей жуткой атмосферой, зловещими персонажами и странными, эллиптическими сюжетами, часто лишенными логики. Но в душе он визуальный художник, разносторонний человек, который окончил Пенсильванскую академию изящных искусств в Филадельфии еще в 1966 году. Прежде чем стать кинорежиссером, он был художником…

МоМА | Что такое современное искусство?

Рождение модернизма и современного искусства можно проследить до промышленной революции. Этот период быстрых изменений в производстве, транспорте и технологиях начался примерно в середине 18 века и продолжался на протяжении всего 19 века, оказывая глубокое влияние на социальные, экономические и культурные условия жизни в Западной Европе, Северной Америке и, в конечном итоге, во всем мире. Новые виды транспорта, включая железную дорогу, паровой двигатель и метро, ​​изменили образ жизни, работы и путешествия людей, расширив их мировоззрение и доступ к новым идеям.По мере того как городские центры процветали, рабочие стекались в города в поисках работы на промышленных предприятиях, а городское население быстро росло.

До XIX века художники чаще всего получали заказы от богатых покровителей или учреждений, таких как церковь. Большая часть этого искусства изображала религиозные или мифологические сцены, рассказывающие истории, предназначенные для наставления зрителя. В 19 веке многие художники начали создавать искусство, основываясь на собственном личном опыте и на выбранных ими темах. С публикацией работы психолога Зигмунда Фрейда Толкование снов (1899) и популяризацией идеи подсознания многие художники начали исследовать сны, символизм и личную иконографию как способы изображения своих субъективных переживаний.Подвергая сомнению представление о том, что искусство должно реалистично изображать мир, некоторые художники экспериментировали с выразительным использованием цвета, нетрадиционных материалов и новых техник и средств. Среди этих новых средств была фотография, изобретение которой в 1839 году открыло радикальные возможности для изображения и интерпретации мира.

MoMA собирает работы, созданные после 1880 года, когда атмосфера была созрела для художников-авангардистов, чтобы они могли использовать свои работы в новых, удивительных и современных направлениях.

Обычаи, искусство, социальные институты и достижения определенной нации, народа или другой социальной группы.

Сеттинг или часть рассказа или повествования.

Метод, с помощью которого художник, писатель, исполнитель, спортсмен или другой продюсер использует технические навыки или материалы для достижения готового продукта или проекта.

Форма, знак или эмблема, которые представляют что-то еще, часто что-то несущественное, например идею или эмоцию.

В популярных работах по психологии — разделение разума, содержащее сумму всех мыслей, воспоминаний, импульсов, желаний, чувств и т. Д., которые не зависят от восприятия или контроля человека, но часто влияют на сознательные мысли и поведение (существительное). Сюрреалисты черпали вдохновение из теорий психоаналитика Зигмунда Фрейда о сновидениях и работе подсознания.

шедевров самых известных современных художников мира

Вы, наверное, слышали фразу «но разве это искусство?» и это прекрасно описывает движение современного искусства. Используемое для описания произведений искусства, созданных в период с 1860-х по 1970-е годы, современное искусство стремилось оторваться от традиций предшествующих периодов, последовательно бросая вызов господствующей концепции самого искусства.

Здесь мы исследуем 5 самых известных современных художников мира и шедевры, подтверждающие их статус иконоборцев.

Василий Кандинский: Composition VII (1913)

Родившийся в 1866 году, Василий Кандинский отказался от многообещающей карьеры учителя права и экономики, чтобы исследовать свой интерес к искусству, и стал одним из самых известных современных художников мира. Кандинский, которого называют пионером абстрактного искусства, создал некоторые из самых ранних работ этого жанра и даже создал то, что считается первой в мире абстрактной акварелью.

Творческая насквозь, музыка играла важную роль в творчестве Кандинского, что становится очевидным, если принять во внимание название его самого известного произведения — Composition VII (1913).

Пабло Пикассо: Герника (1937)

Считающийся самым влиятельным художником 20 века, Пабло Пикассо стал одним из пионеров кубизма и тем самым вырвал художественные рамки прошлого. Работы Пикассо были особенно абстрактными благодаря практике изображения предмета с множества точек зрения, однако его стиль значительно изменился на протяжении всей его карьеры.

Самая известная работа Пикассо — Герника (1937), почти такая же невероятная, как казино Crazy Luck.

Фрида Кало: Две Фриды (1939)

Фрида Кало изучала медицину, когда в 1925 году попала в автокатастрофу, в результате которой она оказалась бесплодной и получила серьезные травмы, в результате чего ей пришлось перенести 35 операций в течение курса. ее жизни.

Кало начала рисовать, находясь в больнице, и сосредоточилась на автопортретах, которые включали символические образы ее физических и психологических травм.Считающаяся феминистской иконой своего образа жизни, Кало, пожалуй, самая известная в мире современная художница-женщина, наиболее известная по фильму « Две Фриды, » (1939).

Джексон Поллок: № 5, 1948

Одним из самых заметных течений в период современного искусства был абстрактный экспрессионизм. Одна из техник абстрактного экспрессионизма — это капельная живопись, при которой краска капала или выливалась на холст, а не аккуратно.

Из всех практиков этой техники Джексон Поллок был безусловно самым известным, и он популяризировал термин «живопись действия». No. 5, 1948 год считается настоящим шедевром Поллока.

Энди Уорхол: Мэрилин Диптих (1962)

Поп-арт, который считается последним заметным движением в современном искусстве, использует узнаваемые образы из популярной культуры. Энди Уорхол, безусловно, самый известный деятель этого жанра, которого и сегодня называют «Папой поп-музыки».

Коммерческие аспекты его работ поначалу вызвали споры, особенно если учесть, как он уклонялся от философии абстрактного экспрессионизма, и вскоре имя Уорхола стало нарицательным. Изучая различные средства массовой информации, Уорхол наиболее известен своей работой под названием Мэрилин Диптих (1962).

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО XXI. Цвет и современные современные художники сегодня. 21 век.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО XXI. Цвет и современные современные художники сегодня. 21 век.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО.-Хосе Мануэль Мерелло. -Mujer con clavel. Масло

MODERN ART-Jose Manuel Merello .- «Queridos». Рейес Магос «(54 x 73 см) Микс, холст-

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО.-Хосе Мануэль Мерелло.-Бриса. Смешайте медиа

СОВРЕМЕННОЕ СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО. Хосе Мануэль Мерелло. — «Florero con viento azul «(92 x 73 см) Холст, микс.
Современные художники-художники.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО. СООБРАЖЕНИЯ.

«Я не художник-авангардист. Мое искусство современно, буквально говоря: продукт своего времени. Авангард, напротив, представляет самые современные новшества ни лучше, ни хуже; как острие копья, которое раскрывает открывать новые пути. Однако этот острый наконечник требует всей мощи и веса остальной части копья, веса истории искусств. Без всей этой истории нет толчка, чтобы открывать новые пути. Vanguard Art олицетворяет свежесть, новизну, сюрприз, правда и фальшивка.Рискованная и увлекательная ставка. Однако меня интересует черпать из классических и современных традиций, углубляться в пройденный путь и сохранять бдительность, как и многие другие художники, чтобы обеспечить авангардным художникам прочную основу. Во многом так же, как старший брат очарованно держит младшего за руку, как бесстрашный ребенок с удивительной смелостью и без страха заглядывает в бездну. Мне нужно следить за авангардным движением, потому что оно сохраняет меня молодым как художник, очищает меня, очищает мой дух, так что мой взгляд не портится.Я — часть тела копья, и с этой точки зрения я с восхищением наблюдаю за острым тычком молодого искусства, в то же время, когда я черпаю из великолепных работ мастеров всех времен, могущественное наследие, которое поддерживает нас. . Я не являюсь частью блесток, иногда эфемерных наконечников копья. У каждого из нас своя роль, а моя в настоящее время не в авангарде ». Хос Мануэль Мерелло

«О ХОАКУН СОРОЛЬЛА»: Сегодня не кажется слишком современным говорить о Хоакане Соролье, великом валенсийском живописце.Но я всегда отказывался видеть в нем старомодного художника-импрессиониста, яркого и многого другого. В остальном Соролья — один из самых больших, титан, Колосс картины. Его, может быть, и нельзя сравнивать ни с Вельскесом, ни с Пикассо, это было бы очень смело, но да, я вижу его на высоте Сезанна или Мане. Что ж, это правда, что работа валенсийского художника очень неравномерна по качеству и десятилетиями расплачивается за эту прерывность таким образом, что лишь очень немногие люди могут спасти между его рисованием те полотна, которые катапультируют его к Олимпу: белое постельное белье Сорольи .»Хос Мануэль Мерелло

«Абстрактная живопись и сюрреалистическая живопись, помимо того, что существенные и чудесные сами по себе, в наши дни бесценная педагогическая функция для любого художника. Есть сейчас стать частью классического искусства и являются художественным наследием для Духовное обучение и художественная техника. Они похожи гимнастика для незнающих и для глаз, обеспечивая места где могут зародиться почти все чувства и духовные эмоции чтобы наконец привести к созданию этого неизмеримого и грандиозного мы называем ИСКУССТВОМ ЖИВОПИСИ.« Хос Мануэль Мерелло

«Хороший рисунок ни в коем случае нельзя сравнивать с хорошая картина. Более того, под каждой картинкой важна лежащий в основе рисунок, который поддерживает его, скелет, который мобилизует это и придает ему форму. Любая картина без этой основы рассыпается и кажется хлипким «. Хос Мануэль Мерелло

«Рисунок не определяется линия, даже не картина, остается определяемой цветом.Картина все еще сохраняется, и это частично то, что сейчас определяет его как способность ассимилироваться и включаться в монитор или фото. С другой стороны, рисунок действительно может быть подобен этим средствам. Если не считать фетишизма, это не для меня важно иметь оригинальный рисунок, фотографию или идентичный плакат с ним. То же самое и рисунок можно наслаждаться одинаково, поскольку это происходит, несмотря на чтение хорошая книга в разных изданиях или просмотр одного и того же фото раскрывается во второй или десятый раз.Когда это не в игре ни фетишизм, ни пластичность, все это поддерживает приведите нас к благородству — или несчастью — работы. Но в живопись пластика всегда в игре, пластика, болезненность, непрозрачность или прозрачность, бриллиант или тусклая поверхность … качества, которые невозможно передать с помощью монитора компьютера, телевизора или плаката. Цифровой техника, отнюдь не разрушающая искусство, она только продемонстрировать особенности этих других техник, и картина обретает гирлянду из-за невозможности полностью насладиться Менинами в образе, невозможно почувствовать сильное ощущение разрыва пребывания там, где делает Вельскес, невозможно воспринимать жемчужную корку живописного слоя картину, бесполезно поворачиваться и смотреть боком, чтобы быть способны чувствовать нежные узлы и растяжки на живопись гения.И не будем ничего говорить о изображения Тпиеса, или Люсьена Фрейда, или Джаспера Джонса … Цвет и расположение форм могут подсказать нам очень много, конечно, но они остаются далеко, их мало для выражения пластики рисунка. Это Картина «. Хос Мануэль Мерелло

«В живописи и в графике, технически говоря, все может сделать неправильно, если они не знают, как их правильно сделать, но плохие вещи должны быть сделаны «совершенно неправильно».Сюда результат всегда будет хорошим. «(лето 2004 г.) Хос Мануэль Мерелло

Искусство и экономический кризис
Искусство, как и любой коммерческий продукт, замечает то же самое или даже больше, поскольку это не является важным элементом, последствия текущая экономическая ситуация. Однако, как и во все времена перемен и перенаправление политических, экономических и социальных парадигм, искусства может выйти, обогатить и даже усилить ситуацию как это.

в Мир искусства, особенно в интерпретации, актерах и актрисы говорят, что определенные уровни беспокойства и стресса пробудить в них способность концентрироваться и талант передачи, которого у них нет в обычных ситуациях. И что такое настоящее время, как не непрерывное состояние смятения и азарт? Искусство было, к счастью или к несчастью, подпитывается многими или всеми основными эпизодами судорог у человека; Признаки этого — Герника Пикассо или Fusilamientos del 2 de Mayo из Гойи.

Было бы то в настоящее время ожидается процветание великих произведений искусства или даже новое направление в искусстве? Движение, которое может привести к двум очень разные темы, одна из которых будет сосредоточена на критике и прошлое, нацеленное на события и поведение, которые привели нас к текущий экономический кризис, и еще один, который превозносит все который питает и дает человеку вторую возможность переориентировать свои экономические, социальные и политические процессы, поскольку интеллект и щедрость. ВЕЧЕРА. Гимнез

«История искусства — это эмоциональное и Духовная История человечества. Это воспоминание о самом возвышенные чувства материализовались в произведениях искусства, выходящих за пределы время. Альтамира и Ласко — примитивные примеры этого человека. желание выразить свои эмоции. На мой взгляд, нет любая художественная эпоха, превосходящая другую по своему начальному импульсу для создания материального доказательства эмоции или духовного удовольствия. С другой стороны, я верю были эпохами искусства выше других, так как человек улучшил свою технику.Так же, как научный прогресс всегда идет вверх, художественный прогресс, которому нужны технологии, чтобы продвижение, развивается с восходящей тенденцией. Однако это эволюция не является непрерывной, поскольку зависит от двух факторов: техника и духовные эмоции. Искусство — это не просто чувство. Изобразительное искусство это чувство материализуется, воплощается, лепится, записывается с умением и техникой. У пещерных людей было всего несколько инструментов. их охват; следовательно, их искусство примитивнее, чем Искусство барокко, чтобы привести пример.Проблема в том, что эта техника и эмоции не всегда идут параллельно линий. В результате иногда можно встретить периоды искусства с больший и чистый эмоциональный и духовный импульс, даже если они полагались на низкую технику. С другой стороны, мы иногда можно найти другие периоды с лучшими средствами, в которых искусство слабее из-за того, что человеческая душа была закислена, подавлена ​​или манипулировали. Когда человеческий дух претерпевает возвышенное и свободное период, сопровождаемый превосходной техникой, тогда мы будем ссылаться в этот период как золотой век искусства.» Хос Мануэль Мерелло

«В настоящее время современное искусство источает глоток свежести воздух и свобода, которые раньше нельзя было представить. До сих пор искусство В истории никогда не было такого набора возможных методов художников на выбор или такое разнообразие художественных языков для художников, чтобы полностью выразить себя. Все разное искусство школы и тенденции, фаворитизм в сторону (даже если у них всегда был там), наслаждайтесь прекрасным открытым полем, которое обещает сказочные творения в ближайшие годы.
Сюрреализм, зародившийся в 20 веке как идеальный определенное художественное движение, в настоящее время это тенденция, на которую влияют Экспрессионизм, фигуратизм, абстракционизм и многие другие школы. Искусство, которое обогащает сюрреализм, не разбавляя его и не увеличивая Сюрреализм, но не аннулирует его. Я считаю, что границы в искусстве имеют свойство исчезать. Все еще очень сложно задуматься над этим феномен, поскольку в настоящее время мы находимся в этом искусстве мультидвижение в поисках «единого искусства».Но будьте осторожны; никогда будь то навязывание или абсолютное движение. Искусство бесплатно по природе и всегда будет ускользать, как вода через нашу пальцы, от предчувствий и горизонтов, которые мы пытаемся наложить на него «. Хос Мануэль Мерелло

Я прошу за скромность в живописи. Живописи не нужно столько фанфар или интеллектуальная претензия. Он должен исходить от чистых людей души, от ясных и чистых глаз художника, даже если только красится простое яблоко.По этой причине я так восхищаюсь Моранди. Хос Мануэль Мерелло

«Я ненавижу большую часть минимализма, который практикуется сегодня во всех искусствах. Боюсь, что в этом якобы синтез есть избыток хлама и плавающей бесполезности это только сбивает с толку публику, которая иногда может быть невежественным, но безупречным, хотя чаще невыносимо педантичный, лишенный всякого понимания или знания.«
Хос Мануэль Мерелло

Кадр к хорошая картина — как платье красивой обнаженной женщины. это не обязательно, но служит для празднования и придания очарования Работа. Хос Мануэль Мерелло

«Испанский язык живопись на протяжении веков сохраняла безмятежность и меланхолический взгляд: трагичный, но никогда не жестокий. Такого нет вещь как жестокая испанская живопись. Даже самый свирепый Гойя или самый ужасающий Пикассо никогда не теряет самообладания и класс, присущий манере письма.» Хос Мануэль Мерелло

«Все спрашивают сами что такое искусство. Я считаю, что искусство — это любое человеческое творение способный поднять дух на более высокий уровень эмоций и чудо «. Хос Мануэль Мерелло

«Художники-экспрессионисты, сюрреалисты, Современные художники в целом … и Древние, Фигуративисты, Абстракции, Реалистика, Поп, Величайшие Художники, Неизвестные, Знаменитые, Гениальные художники и Художники без гения… Составители комиксов, Цифровые, Arrogants, Simples, Mad Painters, Rich, Poor Художники. Мне не важно откуда они, китайцы или испанские художники; Мне нравятся все художники мира, я интересуюсь всей картиной; простая ваза, аноним портрет, пафосная картина, глупая картина, блестящая живопись: Они все художники, все живопись » Хос Мануэль Мерелло

«Лошади и дети.Полные женщины, красивые женщины и старушки. В фокусники и поэты. Собаки и кошки спят. Быки и испанский тореадоры. Шествия Севильи и Малаги. В распятые Христы наполнены кровью и молитвами. Святые. А Богородица для каждой деревни. Солнце и Бискайский дождь. В море, страсть, любовь и искусство Средиземного моря. Картина и более старая архитектура. И самый современный. Танцы и танцы деревень потеряны. Литература испанского Мир.Глубокий красный, фиолетовый, черный и оливковый. Баланс между солнце, луна и звезды: это испанское искусство. «Хос Мануэль Мерелло

«Как будет ли искусство в 2011 году и в ближайшем будущем? Свобода определяет современное искусство. Международные художественные ярмарки — это весело и интригуют, бросают вызов мысли и человеческим эмоциям. Прогулка по ярмарке современного искусства, такой как ARCO в Мадриде, — это теперь мысленное освобождение. Вы можете подумать, что мы видим не «искусство», вы можете подумать, что некоторые художественные произведения мораль, а затем сделать вывод, что они не искусство.Но ты ошибаешься. Искусство никогда не зависит от морали. Любое произведение искусства обязано ничего для любой формы мысли или идеологии. Человеческий дух свободный. Искусство бесплатно. Искусство выше добра и зла. Что такое необходимо предотвратить некоторые формы искусства, которые являются насильственными, опасный, диктаторский. Мы можем не допускать потому что нам нужны правила для сосуществования или потому что это этично неприемлемый. Например, мы можем превратить Амазонку в сад. пустой, голый, только с деревом.Конечно, это может быть работа концептуальное искусство, но это было бы действительно глупо. Жестокость и с жестокостью можно справиться очень умело. Не было бы мораль, это может быть искусство, но этого нельзя допускать.
Еще одна распространенная ошибка многих посетителей ARCO — думать что тут может быть только краска. Нет. Картина очень важная часть искусства, но только часть. Многие художники жалуются что на ярмарках современного искусства очень мало краски. Они правы, возможно, t he картинные галереи с картинами там должно быть больше разоблачения.Современная живопись или классика картины прекрасны, это высокоразвитая форма искусства … но Искусство не нуждается в картинах, чтобы быть Искусством. Конечно, многие текущие творения — всего лишь эфемерное искусство, искусство думать и медитируйте в течение нескольких минут. А теперь очень интересно разница ». Хос Мануэль Мерелло

Ван Гог, Леонардо да Винчи, Моцарт и Мэрилин. Матчи.
«Еще чушь. Теперь дело за Ван Гогом. Просто новый книга, которая размышляет о его последних днях жизни, был ли он покончил жизнь самоубийством или был убит случайно.
Я не читал книгу, но я прочитал некоторые заметки, подобные одной где кто-то спрашивает Винсента, истекающего кровью в его постели, может ли он хотел покончить жизнь самоубийством, и он сказал, что я так думаю. И для для некоторых это достаточная причина написать книгу, потому что этот ответ может указывать на то, что он не нажимал на курок.
Этот бред и другие, цитируемые в книге, оправдывают без стыдно, новый сюжет поднять который обязательно много денег даст, потому что, скорее всего, его потом превратят в фильм.Клубок и копать, чего бы это ни стоило, без малейшего уважения жизнь того, кто отдал все даром. Это отвратительно это хобби создавать иероглиф, который дает болезненный увлечение и деньги на долгое время. Мне кажется возмутительным неуважение к великодушному гению.
То же самое и с Моном Лизой Леонардо. Приходите и посмотрите, что мы изобрели сейчас или то, что мы можем обнаружить в избитых, тяжелых и ничего загадочного в улыбке Донны. Эй, послушай, я думаю, эти волосы его волосы подобны кресту редкой секты, и этот союз точки, которые я вижу, это след мощного секрета означает, что Леонардо уже тогда знал о существовании нейтрино.И дальше и чепуха за другой, неважно, Мона Лиза посредственная картинка (помимо использования «сфумато» как новшества), посредственно, да, в своем историческом контексте и других он может иметь немного интересно, но пластично не очень хорошо. Ничего. Oни уже успели стать иконой, основанной на болтовне и ерунда, а потом начинает проявлять интерес, совсем в стороне от его истинного качества. Как образ Мэрилин в поп-арте. Ничего более. Бедная Мэрилин, сколько людей все еще получают прибыль от его образа и его смерти.Я уверен, что да Винчи был бы опечалены всеми этими вопросами.
Или Моцарт. Он и его смерть. Сальери и Моцарт запутались в клубок сеткой, навсегда запятнавшей образ великого человека, заставляя его выглядеть чушью, как клоун, иначе экстраординарный, фильм Милоша Формана «Амадей». Это всегда то же самое: заниматься искусством или интриговать, чего бы это ни стоило. я всегда говорят, что искусство не знает морали, но это не дает нам права распять собак или устраивать интриги и заговоры против людей, которые только для того, чтобы возвеличивать наш дух, отдавая все, что у них есть.

Мне очень грустно, что люди не перестают удалять уши, кости, страдания и уединение этих мучеников искусства.

Пожалуйста, оставьте их в покое ».

Хос Мануэль Мерелло

«художник, писатель, скульптор или музыкант не ставит кого-то выше, чем любая другая профессия. Есть много профессий, которые, если их довести до крайности, без сомнения достичь более высокого уровня, чем у большинства художников. Например, замечательный мастер, изготовитель манильских шалей, может пойти дальше, чем посредственный скульптор; работа может быть лучше.Или отличный футболист может вызвать большее увлечение, чем большинство из нас, художников. Быть художник ничего не гарантирует. Однако иногда гений рождается в способ, который отличает великие искусства от науки, философии или политика, от любых других начинаний. Мы не можем сравнивать Майкла Ангелоса Сикстинская капелла или закон всемирного тяготения Ньютона с самым удивительным футболом Цель. Искусство с заглавными буквами легко обнаружить; его свет продолжает сиять сквозь время.